LINEA CURVE 02 by LINEA CURVE

Illustration & visual arts magazine revista de ilustración & artes visuales Edited in Madrid (Spain). All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted by any means without written permission from the publisher, © lineacurve. The copyright of images and texts belong to their authors, © of the images: the authors, © of the texts: the authors. Editado en Madrid (España). Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida por ningún medio sin el consentimiento previo y por escrito del editor, © lineacurve. Los derechos de reproducción de las imágenes y de los textos pertenecen a sus autores, © de las imágenes: sus autores, © de los textos: sus autores. D. L. M-17601-2012 ISSN 2254-4208

www.lineacurve.com

EDITORS EDITORES Francisco J. Carrasco Valbuena NEW TECNOLOGIES DIRECTION AND CHIEF EDITOR DIRECCIÓN DE NUEVAS TECNOLOGÍAS Y JEFE DE REDACCIÓN

Vanesa León García ART DIRECTION AND CHIEF EDITOR DIRECCIÓN DE ARTE Y JEFE DE REDACCIÓN

CONTRIBUTORS COLABORADORES David de la Dehesa MARKETING AND ADVERTISING COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD

SPECIAL THANKS TO AGRADECIMIENTO ESPECIAL A Cecilia M. Esposito y Rafa Alvarez.

Joicy Serrano Urrutia EDITORIAL TEAM AND GRAPHIC DESIGN REDACCIÓN Y DISEÑO GRÁFICO

José Luis León Fontelos COPYEDITING CORRECCIÓN DE ESTILO Laura Doctorovich TRANSLATION TRADUCCIÓN María Solís Carmona GRAPHIIC DESIGN DISEÑO GRÁFICO

COVER IMAGE IMAGEN DE PORTADA Illustration by Rafa Alvarez for the cover of Linea Curve 02. Ilustración de Rafa Alvarez para la portada de Linea Curve 02.

Marina Giacinti MANAGEMENT OF SOCIAL NETWORKS GESTIÓN DE REDES SOCIALES

[September Septiembre 2012]

OPINION REVIEW

14 44 96

Illustrations of Moby Dick Ilustraciones de Moby Dick

Tatsuro Kiuchi

Blanca Gómez

Robert Tirado

COMIC COMIC

RETROSPECTIVA RETROSPECTIVE ILUSTRACION ILLUSTRATION

Kent Rockwell

28 70 10 1 64 02 1

Rafa Alvarez Entrevista Interview

Nicolai Trosinsky Astigmatismo Astigmatism

Jesús Jiménez ¿Por qué no le pediría una dedicatoria a Moebius? Why wouldn´t I ask Moebius for a drawing?

Grant Snider Incidental Comics

dEAR PATAGONIA Jorge González

50 78 84

THE SECRET OF KELLS El SECRETO DE kELLS Tomm Moore & Nora Twomey

rENAISSANCE rENACIMIENTO Christian Volckman

OCULUS

Mario von Rickenbach

ARTE URBANO URBAN ART

El Universo eligió la curva para manifestarse, la curva no opone resistencia, el agua, el aire, el vacío, la tratan bien; es suave, apacible, aerodinámica. En paralelo, la esfera y el círculo, las curvas por antonomasia, son las formas más democráticas, las más sostenibles… todos sus puntos están a la misma distancia del centro. Pero empecemos por el principio, una línea no es sino una sucesión de puntos en un plano que se ordenan para indicar un movimiento, un movimiento que siempre tendrá una trayectoria curva, pues la línea recta –la distancia más corta entre dos puntos– es un concepto que sólo existe en nuestra mente. Por ende, todo trazo en apariencia recto, una vez mirado con el adecuado cristal de aumento, se desvelará como una sucesión de trazos curvos consecutivos. De igual forma nuestra vida, o cualquier otro proceso creativo, se compone de una sucesión de momentos, puntos, que van generando un camino, línea, repleto de curvas que poseen la virtud de superar obstáculos, donde el auténtico valor del movimiento reside en el arte de trazar y disfrutar esas curvas, a medida que nos desplazamos de un punto a otro. [Vanesa León]

DISEÑO DESIGN

JUEGOS GAMES

ANIMACION ANIMATION

EDITORIAL EDITORIAL

Línea curva Line(a) Curve The universe has chosen the curve to express itself. The curve doesn’t offer any resistance. Water, air and emptiness treat it well. It is soft, calm and aerodynamic. At the same time, the sphere and the circle, curves par excellence, are the most democratic, the most sustainable forms: all their points are at the same distance from their centre. But let’s start from the beginning. A line is nothing but a run of points in a plane arranged to suggest a movement. A movement that will always have a curved path, because the straight line –the shortest distance between two points– is a concept that only exists in our minds. Therefore, every stroke that appears to be straight, once looked at with a proper magnifying glass will reveal itself as a run of consecutive curved strokes. In the same way, our life, or any other creative process, consists of a series of moments; points, that create a path; a line, filled with curves that possess the virtue of overcoming obstacles, where the authentic value of movement is in the art of drawing and enjoying those curves as we move from one point to the other. [Vanesa León]

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Steve Simpson Packaging and labels design Diseño de embalajes y etiquetas

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Rockwell Kent

ILUSTRATIONS OF Moby Dick By Herman Melville iLUSTRACIONES DE Moby Dick de Herman Melville

Rockwell Kent (1882-1971) was one of those who truly lived more lives than one. Into his long life he crammed more careers than any ordinary man would seriously contemplate. Painter, muralist, illustrator, printmaker, book designer, graphic artist, architect and builder, writer and editor, speaker and lecturer, navigator and restless traveler, political and social activist . In addition to his own profusely illustrated accounts of his adventures in Alaska, Tierra del Fuego, and Greenland, Kent took on the titans of literature, enhancing their timeless tales with his own enduring images. A project befitting Kent’s unlimited energy came from R.R. Donnelly & Sons Company, a major printing firm in Chicago. Asked to illustrate William Henry Dana’s Two Years Before The Mast, Kent countered with his proposal to illustrate another tale of the sea: Herman Melville’s Moby Dick. When Kent submitted samples to Donnelly & Sons, they replied, "These drawings exceed our highest expectations. As works of art reflecting the spirit of Melville’s book, they could not be finer."

Illustrations of Moby Dick by Kent Rockwell. Rrights courtesy Plattsburgh State Art Museum, State University of New York, USA, Rockwell Kent Collection, Bequest of Sally Kent Gorton. All rights reserved. Ilustraciones de Moby Dick de Kent Rockwell, cortesía del Plattsburgh State Art Museum, State University of New York, EUA, Rockwell Kent Collection, Legado de Sally Kent Gorton. Todos los derechos reservados.

Rockwell Kent (1882-1971) fue uno de esos hombres que vivió más de una vida. En su larga existencia, acumuló más carreras de las que cualquier hombre común hubiera podido: pintor, muralista, ilustrador, grabador, diseñador de libros, artista gráfico, arquitecto y constructor, escritor y editor, orador y conferenciante, navegante e incansable viajante, político y activista social. Además de sus propios relatos, profusamente ilustrados, de sus aventuras en Alaska, Tierra del Fuego y Groenlandia, Kent se enfrentó con los titanes de la literatura y realzó sus eternos cuentos con sus propias imágenes. Un proyecto acorde a la ilimitada energía de Kent llegó de la mano de R.R. Donnelly & Sons Company, una importante imprenta de Chicago. Cuando se le pidió que ilustrara Two Years Before The Mast (Dos años antes del mástil) de William Henry Dana, Kent contrarrestó la oferta con su propuesta para ilustrar otro relato sobre el mar: Moby Dick de Herman Melville. Cuando Kent presentó las muestras a Donnelly & Sons, ellos le respondieron: "Estos dibujos superan nuestras mayores expectativas. Como obras de arte que reflejan el espíritu del libro de Melville, no podrían ser mejores".

ockwell Kent, was born

into a comfortable, uppermiddle-class family in Tarrytown, New York, in 1882. His father was a lawyer who sought prosperity through foreign mining ventures. When the elder Kent died suddenly of typhoid fever following a trip to Honduras, Kent’s mother was left in genteel poverty, often dependent upon the conditional kindness of her tight-fisted aunt. Rockwell graduated from the Horace Mann School in New York City in 1900 and began the study of architecture at Columbia. During the summer before he started at Columbia, Kent’s family vacationed at Shinnecock, on Long Island, where he attended the summer art program of painter William Merritt Chase. Kent spent three summers studying at Shinnecock with Chase, who immediately recognized Kent’s talent and eventually offered him a scholarship to the New York School of Art. Trying to honor his family’s wishes, Kent declined the offer and continued at Columbia, but cut back on his architectural studies to attend evening art classes. In the summer of 1903, Kent served as an apprentice to Abbott Thayer, an eccentric artist who lived in Dublin, New Hampshire. Thayer quickly recognized Kent’s talent and encouraged him to paint the countryside that surrounded his ramshackle retreat where he lives. Bolstered by the sale of two paintings, Kent quit Columbia and began full-time study at the New York School of Art. Robert Henri, the charismatic leader of what is now known as "The Ashcan School" was Kent’s Teachers at the New York School of Art, where Kent’s classmates included George Bellows and Edward Hopper. Robert Henri’s greatest gift to Rockwell was his suggestion that the young artist go to Monhegan Island, Maine, to paint. When Kent arrived on Monhegan in June 1905, the island’s high cliffs and pounding surf inspired him immediately.

In the spring of 1907, Kent unveiled fourteen canvasses at Clausen Galleries in New York. Fellow painter John Sloan wrote in his diary, "These pictures are of immense Rocks and Sea in fair weather and in winter. Splendid big thoughts, some like prayers to God. I enjoyed them to the utmost and accept them as great. I’d like to buy some of them." But neither Sloan, nor anyone else purchased any paintings. Kent returned to Monhegan richer in reputation but $100 in debt. Father of three children, he was doing architectural rendering for the firm of Ewing & Chappell, when his search for solitude brought him to the village of Brigus, on Conception Bay. Kent found a dilapidated house on a narrow ledge of land far from town. He renovated this curious cottage, adding a bedroom and a small studio. His family joined him, and at first, all was idyllic. Rumors flew that Kent was a German spy and Kent did nothing to dispel the gossip, this response backfired and he was ordered to leave the country. After his expulsion from Newfoundland, Kent and his family returned to New York. Money woes were mounting (his wife Kathleen had given birth to their fourth child). Despite his financial straits, he began laying plans for a lengthy escape to Alaska, a last-ditch effort to salvage his career as a painter. When art collector Ferdinand Howald agreed to advance him the funds to support his family, Kent’s Alaskan odyssey drew near. Kent renovated an abandoned goat shed, turning it into a comfortable home. For seven months he reveled in this world of isolation and creativity. Homesick for his family, however, he left Alaska in March of 1919. Unhappily returned to the drafting room, Kent started making the rounds of editorial offices with his portfolio, having some success selling whimsical drawings to Vanity Fair, Puck, and other humor magazines.

Now the father of five, seeking ways to sustain both his growing family and his creative spirit, Kent became the world’s first "incorporated artist". He designed a certificate and issued $4,000 worth of stock in himself at $100 per share. The newfound success he enjoyed as a painter and writer allowed him to soon reward his investors with a 20 percent dividend and dissolve Kent Incorporated. Kent’s fame was increasing and it was his passport to New York’s high society, where he met a woman who bewitched him with her beauty and rebellious nature. The stormy affair that followed left him dazed and distraught, "If there’s a worse place than New York City," he declared, "I will go there." By 1926, Kent was divorced from Kathleen and married to Frances Lee. In 1927 Rockwell and Frances made their escape from New York City. The large sums he earned from advertising, fine art, and illustration provided the means for a move upstate, to Adirondack Mountains, to a new house with a studio tucked away in a grove of pine trees. This site became a meeting place for Kent’s friends, artists and intelligentsia who often gathered there on weekends. Among them were poet Louis Untermeyer, Hollywood screenwriter Donald Ogden Stewart, and Academy Award-winning director Lewis Milestone. But his sense of adventure did not cease and he signed on as a clerk on a freighter bound for Chile and developed a vague scheme to brave the legendary hazards of Cape Horn. After transforming an old lifeboat into a sailing vessel and then abandoning it in Admiralty Sound, Kent and a colleague crossed through a mountain range on foot to Ushuaia, the southernmost city in the world. After fourteen years of marriage, Frances and Rockwell divorced and Sally Johnstone, hired as Kent’s

ockwell Kent, nació en el seno de una familia de clase media acomodada en Tarrytown, Nueva York, en 1882. Su padre era un abogado que buscaba la prosperidad a través de operaciones con mineras extranjeras. Cuando el viejo Kent murió de pronto de una fiebre tifoidea después de un viaje a Honduras, la madre quedó sumida en la pobreza y dependiente de la supuesta amabilidad de una avara tía. Rockwell se graduó de la escuela Horace Mann en la Ciudad de Nueva York en 1900 y comenzó a estudiar arquitectura en Columbia. Durante el verano previo a su ingreso a la universidad, la familia de Kent pasó sus vacaciones en Shinnecock, en Long Island, donde él asistió al programa de arte de verano por parte del pintor William Merritt Chase. Kent pasó tres veranos estudiando en Shinnecock con Chase, quien enseguida reconoció su talento y finalmente le ofreció una beca para la New York School of Art. Con la intención de cumplir los deseos de su familia, Kent rechazó la oferta y siguió en Columbia, pero redujo sus estudios de arquitectura para asistir a clases de arte nocturnas. En el verano de 1903, Kent trabajó como aprendiz de Abbott Thayer, un excéntrico artista que vivía en Dublin, New Hampshire. Thayer también reconoció el talento de Kent al instante y lo alentó para que pintara el paisaje que rodeaba el destartalado refugio en el que vivía. Animado por la venta de dos cuadros, Kent abandonó Columbia y comenzó a estudiar a tiempo completo en la New York School of Art. Robert Henri, el carismático líder de lo que hoy se conoce como "la escuela Ashcan", era el maestro de Kent en la escuela donde entre sus compañeros se encontraban George Bellows y Edward Hopper. El mayor regalo que le hizo Robert Henri a Rockwell fue sugerirle al joven artista que viajara a Monhegan Island, Maine, para pintar. Cuando Kent llegó a Monhegan en junio de 1905, los altos

acantilados y el embate de las olas de la isla lo inspiraron al instante. En la primavera de 1907, Kent develó catorce lienzos en las galerías Clausen de Nueva York. El pintor John Sloan escribió en su diario: "Estas pinturas tienen la inmensidad de Rocks and Sea en invierno. Espléndidos y grandes pensamientos, algunos son como plegarias a Dios. Las disfruté al máximo y las reconozco como sensacionales. Me gustaría comprar algunas". Pero ni Sloan ni nadie más compró ninguna de las pinturas. Kent regresó de Monhegan más rico en reputación pero con una deuda de 100 dólares. Padre de tres niños, se dedicaba a hacer dibujos arquitectónicos para el estudio Ewing & Chappell cuando su búsqueda de la soledad lo llevó al pueblo de Brigus, en Conception Bay. Kent encontró una casa deteriorada lejos del pueblo. Renovó esta curiosa casita y le añadió un baño y un pequeño estudio. Su familia se le sumó y, al principio, todo fue idílico. Pero empezaron a correr rumores de que Kent era un espía alemán y él no hizo nada por evitarlos, esta reacción se le vino en contra y al poco tiempo se le ordenó que abandonara la región. Tras su expulsión de Newfoundland, Kent y su familia regresaron a Nueva York. Las tribulaciones económicas se acumulaban (su esposa Kathleen había dado a luz a su cuarto hijo). A pesar de los apuros financieros, Kent comenzó a hacer planes para realizar una prolongada huida a Alaska, un último y desesperado esfuerzo por salvar su carrera de pintor. Cuando el coleccionista de arte Ferdinand Howald aceptó adelantarle los fondos para mantener a su familia, la odisea alaskeña de Kent se hizo inminente. Kent renovó un cobertizo para cabras abandonado y lo convirtió en un hogar confortable. Durante siete meses, se deleitó en ese mundo de aislamiento y creatividad. Sin embargo, y en gran parte debido a la nos-

assistant, became his wife in 1940. Asgaard, the center of their life and work, would serve as their retreat and refuge for the rest of their lives. Kent left us on a March evening in 1971, three months before his 89th birthday. Kent’s lengthy obituary appeared on the front page of the New York Times. In an earlier radio interview, Kent had provided the key in far fewer words, "I look back on my life as from a mountaintop that I had reached walking through snow. And if I might think that I had covered all of that area below me I’d see my little wandering trail coming across and all the rest is unknown. I know very little. I’ve gotten all that I could get out of life. All I want? No. I want it all. Don’t you?".

Based on the Kent Rockwell biographical text by Frederick Lewis, Documentary Filmmaker and Associate Professor at Ohio University, and the book Rockwell Kent: An Anthology of His Work by Fridolf Johnson. Special thanks to Cecilia M. Esposito, Director, Plattsburgh State Art Museum. Basado en el texto biográfico sobre Kent Rockwell escrito por Frederick Lewis, cineasta documentalista y profesor adjunto en la Ohio University, y en el libro Rockwell Kent: An Anthology of His Work de Fridolf Johnson. Agradecimientos especiales a Cecilia M. Esposito, directora del Plattsburgh State Art Museum.

talgia producida por la ausencia de su familia, abandonó Alaska en marzo de 1919. Tristemente de regreso en la sala de planos, Kent comenzó a visitar las oficinas de las editoriales con su carpeta de trabajos y obtuvo algunos éxitos al venderles caprichosos dibujos a Vanity Fair, Puck y otras revistas humorísticas. Ahora, el padre de cinco hijos, buscando las maneras de mantener a la vez su creciente familia como su espíritu creativo, Kent se convirtió en el primer "artista sociedad anónima". Diseñó un certificado y emitió acciones de él mismo por valor de 4.000 dólares a 100 dólares cada una. El recién descubierto éxito del que gozaba como pintor y escritor le permitió pronto retribuir a sus inversores con dividendos del 20 por ciento y disolver la Sociedad Kent. La fama de Kent comenzó a crecer y fue su pasaporte hacia la alta sociedad neoyorquina, en la que conoció a una mujer que lo cautivó con su belleza y su espíritu rebelde. El tempestuoso affaire que prosiguió lo dejó aturdido y consternado: "Si existe un lugar peor que la Ciudad de Nueva York, hacia allí iré", declaró. Para 1926, Kent se había divorciado de Kathleen y casado con Frances Lee. En 1927, Rockwell y Frances huyeron de Nueva York. Las grandes sumas de dinero que había ganado con la publicidad, el arte y la ilustración le dieron los medios para mudarse al norte del estado, a Adirondack Mountains, a una casa nueva junto con un estudio bien guardado en un bosquecillo de pinos. Este lugar se convirtió en el lugar de encuentro de los amigos de Kent, artistas e intelectuales que a menudo se reunían allí los fines de semana. Entre ellos estaban el poeta Louis Untermeyer, el guionista de Hollywood Donald Ogden Stewart y el director ganador del Premio de la Academia Lewis Milestone. Pero sus ganas de aventura no cesaron y se apuntó como empleado en

un buque de carga con destino a Chile y diseñó un vago plan para hacer frente a los peligros legendarios del cabo de Hornos. Después de transformar un viejo bote salvavidas en un velero y luego abandonarlo en el Seno Almirantazgo, Kent y un colega cruzaron a pie una cordillera camino a Ushuaia, la ciudad más austral del mundo. Después de catorce años de matrimonio, Frances y Rockwell se divorciaron y Sally Johnstone, la asistente de Kent, se convirtió en su esposa en 1940. Asgaard, su centro de vida y trabajo, serviría de retiro y refugio por el resto de sus vidas. Kent nos dejó en una noche de marzo de 1971, tres meses después de su 89 cumpleaños. Su extenso obituario apareció en la portada del New York Times. En una entrevista anterior para la radio, Kent ofreció la esencia de su vida con muchas menos palabras: "Recuerdo mi vida como desde la cima de una montaña a la que llegué caminando por la nieve. Y si pudiera pensar que he cubierto todo ese área que hay debajo de mí, vería mis huellecitas errantes al encuentro y todo el resto es desconocido. Sé muy poco. He obtenido todo lo que podía obtener de la vida. ¿Todo lo que quiero? No. Yo lo quiero todo. ¿Tú no?".

ILLUSTRATION ILUSTRACION

atsuro Kiuchi, was born in TokÂĄ ! bla

yo, Japan in 1966. A Biology Major and Graduate of Intenational Chistian University in Tokyo, he made the switch to an art career after graduating with distintion from Art Center College of Design in Pasadena, California. Tatsuro began illustrating childrenÂ´s books with several publishers in the US and Japan, eventually branching out into editorial work for magazines, book jacket illustrations and arvertising commissions. Tatsuro first picture book The Lotus Seed, with text by Sherry Garland (Houghton Mifflin Harcourt), has sold more than 200.000 copies worldwide. He has also been commissioned by such clients as Royal Mail to design their Christmas Stamp Collection in 2006, and Starbucks for their worldwide holiday promotion PassThe Cheer in 2007. Tatsuro is a member of Tokyo Illustrators Society and teaches Illustration at Aoyamajuku. His work has been recognized by several institutions as Communication Arts, American Illustration, Society of Illustrators, Art Director Club, 3x3, The Association of Illustrators Images and Design Week Award.

atsu

Kiuchi

atsuro Kiuchi, nació en Tokyo, Japón en 1966. Licenciado en biología y graduado por la Universidad Internacional Cristiana de Tokio, se orientó hacia una carrera artística después de graduarse con méritos en diseño, en el Centro de Estudios Universitarios de Arte de Pasadena, California. Tatsuro comenzó ilustrando libros infantiles en Estados Unidos y Japón con diversos editores, y con el tiempo fue diversificando su actividad lanzándose a trabajos con revistas, ilustraciones para cubiertas de libros y encargos publicitarios. Su primer libro ilustrado The Lotus Seed (La semilla del loto), con texto de Sherry Garland (Houghton Mifflin Harcourt) vendió más de 200.000 ejemplares por todo el mundo. También ha recibido encargos de clientes como el Correo Real, para diseñar su Colección de Sellos Navideños de 2006, y Starbucks, para su promoción estival internacional Pass The Cheer de 2007. Tatsuro es miembro de la Asociación de Ilustradores de Tokyo e imparte clases de Ilustración en Aoyamajuku. Su obra ha sido reconocida por diversas instituciones como Communication Arts, American Illustration, Society of Illustrators, Art Director Club, 3x3, The Association of Illustrators Images y los Premios Design Week.

Illustrations from The Folio Society’s edition of The Sea, The Sea, 2009, © Tatsuro Kiuchi . Reproduced by kind permission of The Folio Society. Ilustraciones del libro The Sea, The Sea editado por The Folio Society’s, 2009, © Tatsuro Kiuchi . Reproducido con el permiso de The Folio Society.

On this page, Forever Family. En esta pรกgina, Forever Family.

INTERVIEW BY ENTREVISTA DE

Luis Daza

Rafa

LVAREZ

Rafa Alvarez (Madrid, 1978) worked for

several years in marketing, living between Spain and Germany until he decided to

set up his own illustration studio (www. alvarezrafa.com). Not long after, he decided to move to the United States to take a Master of Fine Arts in Illustration as Visual Essay at the School of Visual Arts in New

[Daza] What makes someone decide to

York. Today, he lives in Brooklyn and works

be a draughtsman? [Alvarez] Nowadays, being a draughtsman or illustrator is maybe seen as something cool, but I remember that in my school days spending hours drawing comics didn’t exactly turn you into a popular guy. In the same way that music has that social element of immediate connection with people, being a draughtsman is by definition a lonely occupation, although later you are seen or read by a thousand people. Being a draughtsman is simply something you can’t escape from. I’m a very social person, but nothing makes me happier than paintbrushes, a computer, music and a night ahead.

as an independent editorial illustrator and creative consultant at the animation company Moody Studios. Rafa talks about his experience in pursuing and realising his dream (New York, May, 2012). Rafa Alvarez (Madrid, 1978), trabaja varios años en marketing entre España y Alemania hasta que decide montar su propio estudio de ilustración (www.alvarezrafa.com). Al poco tiempo se desplaza a Estados Unidos para cursar el Master in Fine ArtsIllustration as Visual Essay de la School of Visual Arts de Nueva York. Actualmente reside en Brooklyn, trabajando como ilustrador editorial independiente y asesor creativo en la compañía de animación Moody Studios. Rafa nos cuenta como ha sido la experiencia de perseguir y realizar su sueño (Nueva York, mayo de 2012).

Were your first jobs as a draughtsman? No. I studied economics and worked in marketing for several years, always drawing, but leaving illustration aside in professional terms until I saw things clearly.

[Daza] ¿Qué hace que alguien decida ser dibujante? [Alvarez] Hoy día ser dibujante o ilustrador tal vez se ve como algo cool pero recuerdo que en el instituto pasarte las horas dibujando cómics no te convertía precisamente en un tio popular. Asi como la música tiene ese componente social, de conexión inmediata con la gente, ser dibujante es una ocupación solitaria por definición, aunque luego te vean o lean mil personas. Ser dibujante es simplemente algo de lo que no puedes escapar. Soy una persona muy so-

Ser dibujante es simplemente algo de lo que no puedes escapar. Soy una persona muy social pero nada me hace más feliz que los pinceles, el ordenador, la música y una noche por delante. Being a draughtsman is simply something you can’t escape from. I’m a very social person, but nothing makes me happier than paintbrushes, a computer, music and a night ahead. On previous page, Moonlight illustration for Hotel Pandemonium. To the left, The circuit Builders for Playboy Magazine, 2012. En la página anterior, Moonlight ilustración para Hotel Pandemonium. A la izquierda, The circuit Builders para Playboy Magazine, 2012.

cial pero nada me hace más feliz que los pinceles, el ordenador, la música y una noche por delante. ¿Tus primeros trabajos fueron como dibujante? No, estudie economía y he trabajado en marketing varios años, siempre dibujando pero dejando la ilustración en un segundo plano profesional hasta que lo vi claro. ¿Qué te anima a tomar esa decisión? Es dificil de decir, pero un rally solidario de Madrid a Mali me hizo pensar mucho en las oportunidades que tenemos. A veces no corremos muchos riesgos por miedo a perder nuestro nivel de vida. Pero a fin de cuentas por muy mal que nos salgan las cosas, tenemos educación, una familia, un país en paz. Ahora con la crisis las cosas estan mal, pero aún asi siempre tenemos oportunidades que los chavales de un país en vias de desarrollo tal vez no disfruten nunca. Era un viejo sueño dedicarme a dibujar y merecía la pena intentarlo. ¿Y por qué la ilustración si lo tuyo era el cómic? Recuerdo de siempre entrar en las tiendas de cómics y quedarme impresionado con el talento de todos los dibujantes. Siempre he pensado que como artistas visuales y creadores de historias, los dibujantes de cómics merecerían ser reconocidos como genios y la triste realidad es que pocos viven exclusivamente de esto y a menudo tienen que recurrir a otros trabajos para llegar a fin de mes. Cuando conocí el mundo de la ilustración vi que la manera de trabajar y el reconocimiento era muy diferente. El hecho de poder dedicar más tiempo a cada imagen, el contacto con los clientes y poder hacer proyectos muy distintos a la vez me enganchó totalmente. ¿Está peor pagado el cómic? No tiene nada que ver lo que se paga por una página de cómic que lo que se paga por una ilustración. Las con-

What made you take that decision? It’s difficult to say, but a solidarity rally from Madrid to Mali made me think a lot about the opportunities we have. Sometimes we don’t take many risks for fear of losing our lifestyle. But in the end, no matter how wrong things turn out, we have our education, our family and a country in peacetime. Now with the crisis, things are bad, but still we will always have opportunities that kids from a developing country maybe will never enjoy. Devoting myself to drawing was an old dream and it was worth the trouble to try. Why illustration if comics were your thing? I remember always going to comic stores and standing there astonished by the talent of all the draughtsmen. I’ve always thought that as visual artists and story creators, comic book artists deserve to be recognised as geniuses. But the sad reality is that only a few make a living exclusively with this and often they have to take other jobs to make ends meet. When I entered the illustration world, I saw that the way of working and the recognition were very different. The fact of being able to devote more time to each image, the contact with clients, and having the possibility of working on very different projects at the same time totally got me hooked. Do comics pay worse? There is no comparison between what is paid for a comic page and for an illustration.

From what I’ve seen here, working conditions are unfair. And the worst part is that it’s assumed that if you work in comics, that’s the way it is. Has illustration made you leave comics behind for good? Although it seems I grumble about it, I love drawing comics every time I can. And my illustrations are influenced a lot (if not entirely) by comics. Here, I’ve had the opportunity of being taught by renowned artists like David Mazzuchelli, who change your way of understanding the medium and telling stories. I’ve always thought that comic artists, besides being good and consistent as illustrators, have to create atmosphere and rhythm, which is twice as difficult. If they all worked in illustration we’d be out a job! What made you come to the United States? When you decide to work in a creative career, the American environment is very different from the Spanish one. In Spain, if you use the term "artist", many people believe that you are flamenco singer, while in New York and some other cities on the West Coast it’s just another profession and people show a lot of interest. In addition, here, even if it sounds clichéd, pursuing a dream or setting up your own business is really appreciated. Maybe it’s my own perception, but in Spain people seem to seek more security and work for someone else, while here, being an entrepreneur is very well looked upon. Why New York? It’s a great city for any artist. The draughtsman, the musician or the actor is considered just another professional. There are many opportunities, and that attracts a lot of talent to the city. We could say that the good thing is that here you find the best of all worlds and the bad thing is that everybody is pissed off because in Europe (or in Korea, or in Ohio) people used to live better. Many

diciones son leoninas por lo que he visto aqui y lo peor es que se da por hecho que si trabajas en cómics es lo que hay. ¿La ilustración ha hecho que abandones el cómic definitivamente? Aunque parece que reniegue, me encanta hacer cómics siempre que puedo y mis ilustraciones tienen mucho (sino todo) de cómic. Aqui he tenido el lujo de recibir clases de artistas de la talla de David Mazzuchelli que cambian tu manera de entender el medio y de contar historias. Siempre he pensado que los dibujantes de cómics, ademas de ser buenos y consistentes como los ilustradores, tienen que crear atmósfera y ritmo, que es doblemente difícil, ¡vamos que si se dedicaran todos a la ilustración nos quedaríamos sin trabajo! ¿Qué te hace venir a Estados Unidos? Cuando decides dedicarte a una carrera creativa, es muy distinto el entorno americano del español. En España si usas el término artista mucha gente piensa que eres una folclórica mientras que en Nueva York y en algunas otras ciudades de la costa Oeste no deja de ser una profesión más, y la gente muestra mucho interés. Además aquí aunque suene a tópico, se valora mucho eso de perseguir un sueño o montar tu propio negocio, tal vez es una percepción mía pero en España parece que se busca más la seguridad y trabajar por cuenta ajena, mientras que aqui ser emprendedor está muy bien visto.

To the left, Moves like..., personal work. A la izquierda, Moves like..., trabajo personal.

Above, Red Rain, animated illustration for Hotel Pandemonium. On the next page, Hot Damn, for Playboy Magazine, 2011. Sobre estas líneas, Red Rain, ilustración animada para Hotel Pandemonium. En la página siguiente, Hot Damn, para Playboy Magazine, 2011.

¿Por qué Nueva York? Es una ciudad genial para cualquier artista. El dibujante, músico o actor es considerado un profesional más, hay muchas oportunidades y eso atrae mucho talento a la ciudad. Podríamos decir que lo bueno es que aqui está lo mejor de cada casa y lo malo es que están todos cabreaos porque en Europa (o en Corea, o en Ohio) se vivía mejor. Mucha gente piensa que estar aqui es sinónimo de haber triunfado y no es así, vienes aquí a pasarlas canutas y a aguantar lo que puedas porque es una ciudad carísima y un poco canalla a veces. Por poner un simil es como esa novia (o novio) que te trata a patadas pero también te vuelve loco (o loca) y le aguantas lo que sea. ¡Cuentanos un poco como te fué al principio! El primer escollo como artista inmigrante es la búsqueda de piso compartido, cosa difícil per se en cualquier ciudad nueva, pero que aquí alcanza cotas de cámara oculta. Los precios son inimaginables por habitaciones en las que no entras de pie. Mi último intento en Manhattan fue alquilar un estudio microscópico que me costó una buena parte de mis ahorros y del que tuve que salir pitando al cabo de unos dias porque los chinches inundaban el edificio entero (no, no era una leyenda urbana). Los muebles a la basura y casi toda la ropa también y a volver a empezar... ¿Y después de eso no tiraste la toalla? El máster en la School of Visual Arts era muy exigente, con gente muy buena y quería zanjar el tema del piso lo antes posible. Con la paranoia de los chinches todavía encima y seis kilos menos me mudé a Brooklyn, mucho más interesante y económico. Las tuberías de la habitación dejaron de calentar en cuanto llegó el invierno (aunque nunca dejaron de transmitir el musicón del bar latino de abajo, abierto a diario). En resumen, con mucho frío y mucho, mucho reaggeton,

por fin podía dibujar como un loco el primer año tras mi llegada a NY. ¿Es fácil encontrar trabajo en NY? Puede que trabajar en lo tuyo no sea fácil al principio, sobre todo si eres estudiante y extranjero, pero los trabajos part-time también son un clásico de la cultura New Yorker. Fui webmaster en la misma School of Visual Arts e hice algunos trabajos freelance. Para redondear me apunté a unas prácticas surrealistas consistentes en estar 7 horas quitando grapas y abriendo sobres (dependiendo de la semana). Toda una cura de humildad y un reto a la salud mental. ¿Qué sacaste de todo esto en positivo? Lo bueno es que aunque muchas cosas te llegan a desesperar y te hacen replantearte qué estas haciendo con tu vida, he tenido la gran suerte de no tener problemas serios y contar siempre con gente me ha apoyado mucho. Una de las gratas sorpresas que me he llevado de NY es que la gente, al contrario del tópico, te trata de manera espectacular. La gente es muy acogedora y positiva y eso te anima muchísimo. ¿Fue difícil entrar en la School of Visual Arts? SVA tiene el único master especializado en ilustración impartido por profesores que son auténticas leyendas del cómic, diseño y las bellas artes, por lo que hay muchísimos candidatos de Estados Unidos, China, Corea y admiten sólo unos 18 estudiantes por año. Buscan un nivel alto de dibujo, diseño e inglés pero casi más que tengas una cierta actitud porque pasas dos años como residente en los estudios compartidos de la escuela. Les gustó mi trabajo pero el factor decisivo fue venir a visitarles. Hubo muy buena conexión desde el principio y el hecho de ser el primer español en este master y que estuviera dispuesto a dejar mi trabajo para venir les debió de gustar.

people think that being here is synonymous with having succeeded, but that’s not true. You come here to have a terrible time and to put up with as much as you can because it is a very expensive city and also a little bastard sometimes. To make a comparison, it’s like that girlfriend (or boyfriend) who treats you terribly but you are also so in love with that you take whatever she (or he) dishes out. Tell us about your first experience! The first hurdle as an immigrant artist is the search for a shared flat, a difficult thing per se in every new city, but here it reaches candid camera levels. Prices are unthinkable for rooms that you cannot enter standing. My last attempt in Manhattan was renting a microscopic studio that cost me a good deal of my savings and from which I had to be off like a shot after a few days because bedbugs flooded the whole building (no, it’s not an urban legend). I had to throw my furniture and almost all my clothes in the bin and start over again... And after that you didn’t throw in the towel? The master’s at the School of Visual Arts was very demanding, with very good people, and I wanted to settle the flat issue as soon as possible. With the bedbugs paranoia still on my mind and six kilos less, I moved to Brooklyn –much more interesting

¿Y que tal la experiencia? Genial. Acostumbrado a dibujar en solitario, es fantástico tener a tu alrededor gente de todo el mundo de los que puedes aprender y con los que compartir alegrias y cabreos. Lo voy a echar de menos. ¿Como es tu proceso para crear una ilustración? Lo primero para mi es la composición. La imagen te tiene que llevar por si sola al foco de la acción y eso hace que una imagen funcione y te enganche ya sea simple o compleja. Lo ideal es empezar con la mente en blanco y hacer muchos bocetos pequeños con formas muy simples. A veces voy almacenando ideas, fotos o colores para usarlos como inspiración cuando surja la oportunidad. Casi todo el proceso es digital, aunque si el tiempo lo permite, el entintado lo hago con pincel y tinta china. ¿Crees que es muy importante el estilo para un ilustrador? Tener un estilo o vocabulario visual, es muy importante porque a fin de cuentas es lo que te diferencia de los demás y te hace único. La versatilidad puede acabar en una ausencia de identidad propia. Tampoco hay que encasillarse pero es importante encontrar una línea que te defina y sobre todo, con la que te diviertas trabajando y evolucionando. ¿Qué aporta un buen ilustrador? Cada ilustrador cuenta una historia de manera diferente. Ya sea para un artículo, un cómic o una sola imagen, el ilustrador tiene que dejar su punto de vista, enfatizando algunos aspectos sobre otros, creando mas dramatismo y dándole una vuelta de tuerca más a la idea.

and cheaper. The pipes in the room stopped heating up as soon as the winter came (although they never stopped broadcasting the music from the Latino bar downstairs, which was open every day.) In short, enduring a lot of low temperatures and a shitload of reggaeton, finally, the first year after my arrival in NY, I could draw like crazy. Is it easy to find work in NY? Working in what you usually do may not be easy at first, especially if you are a student and foreigner, but part-time jobs are also a classic in the New Yorker culture. I worked as a webmaster at the School of Visual Arts itself and did some freelance work. To round things out, I put myself down for some surreal practices that consisted of spending 7 hours removing staples and opening envelopes (depending on the week) –a complete lesson in humility and a challenge to mental health. What positive outcome have you got from all this? The good part is that even though many things drive you to despair and make you redefine what you are doing with your life, I had the great luck of not having serious problems and always counting on people who have supported me a lot. One of the pleasant surprises I got from NY is that people, as opposed to the cliché, treat you spectacularly. People here are very warm and positive, and that encourages you a lot. Was it difficult to get into the School of Visual Arts? SVA has the only master’s specialising in illustration taught by teachers who are true comic, design, and fine arts legends, so there are many applicants from the United States, China, Korea. And they only accept around 18 students per year. They look for a high level of drawing, design and English, but even more for you to have a certain attitude because you spend two years as a resident in the school’s shared studios.

They liked my work, but the definitive factor was coming to visit them. There was a very good connection from the beginning. And they must have liked the fact that I was the first Spaniard in the master’s and that I was willing to leave my work to come here. And what was the experience like? Great. For those used to drawing in solitude, it’s fantastic to have people from all over the world around you from whom you can learn and with whom you can share joy and get mad at. I’m going to miss it. What is your process for creating an illustration like? For me, the first step is composition. The image has to take you by itself to the centre of the action. And that is what makes an image work and gets you, whether it is simple or complex. The best idea is to start with your mind blank and make many little sketches with simple shapes. Sometimes I store ideas, pictures or colours to use them for inspiration when the opportunity arises. Nearly all of the process is digital, but if time allows, I ink with a paintbrush and Indian ink. Do you think style is very important for an illustrator? Having a style or a visual vocabulary is very important because in the end it is what makes you different from the rest; it makes you unique. Versatility can end in an absence of personal identity. You don’t have to pigeonhole yourself either, but it’s important to find a style that defines you and, above all, with which you have fun working and evolving. What does a good illustrator contribute? Every illustrator tells a story in a different way. Whether it is for an article, a comic, or just one image, an illustrator has to leave his or her point of view, emphasising some aspects over others, creating more drama and taking the idea to the next step.

URBAN ART ARTE URBANO

Suso33 It’s not easy to define Suso33. His work has followed a daring trajectory with continued experimentation in different artistic languages. Certainly, we are faced with a pioneer, who has managed to build a strong and consistent career for himself in different fields of painting and action art. He started to excel as a famous graffiti writer of streets and trains in the 80s and 90s, and was one of the first on the international scene to take the –for those times– risky step into street art and later into urban art in his own right, serving as inspiration for many other artists. But maybe now is the time when it’s most difficult to classify his work. He has developed an exquisite and wide sample of different experimental exercises. Suso33 surprises us both with the media and the concept, both in urban art and the field of performance and video art, with, for example, his innovative approach PinturaEscénicaenAcción, in which he emphasizes a special interest in the process and the action, leaving the resulting final object in the background. His work drifts away from the stereotypes and formalism of academic art and street art and focuses on communication with the audience through a recognisable and direct, but deeply intimate and poetic, language.

On this page, Suso33´s graffiti in Madrid. On the next page, the artist in one of his interventions, La Laboral, Gijon. En esta página, graffiti de Suso33 en Madrid. En la página siguiente, el artista en una de sus intervenciones, La Laboral, Gijón.

¡bla!

No es fácil definir a Suso33. Su obra se ha desarrollado a partir de una arriesgada trayectoria en continua experimentación con los distintos lenguajes artísticos. Sin duda alguna estamos ante un pionero que ha conseguido labrarse una sólida y coherente carrera en los diferentes campos de la pintura y el arte de acción. Comenzó a despuntar como reputado escritor de graffiti sobre calles y trenes en los años 80 y 90, siendo uno de los primeros del panorama internacional en dar el arriesgado paso, ya por entonces, hacia el street art –posteriormente arte urbano por derecho propio– sirviendo de inspiración para muchos otros artistas. Pero quizás es ahora cuando más inclasificable es su obra después de haber desarrollado una exquisita y amplia muestra de diversos ejercicios experimentales. Suso33 nos sorprende tanto en la técnica como en el concepto, tanto en el arte urbano como en el campo de la performance y el videoarte, como por ejemplo con su innovadora propuesta PinturaEscénicaenAcción en la que resalta un especial interés por el proceso y la acción dejando en un segundo plano el objeto final resultante. Su obra se aleja de los estereotipos y formalismos del arte académico y del arte en la calle, y se centra en la comunicación con el espectador a través de un lenguaje tan reconocible y directo como intimista y poético.

To the right, mural painted in the Old Town of Logroño in 2008. On this page, Suso33´s work in China. A la derecha, mural realizado en el Casco Antiguo de Logroño en 2008. En esta página, obra de Suso33 en China.

ILLUSTRATION ILUSTRACION

Blanca Gómez es ilustradora o como ella prefiere decir "pone dibujos a las palabras e ideas de otros, y a las suyas propias". Su afición por el dibujo comenzó cuando trabajaba en un estudio de diseño gráfico donde se dedicaba, entre otras muchas cosas, a garabatear pos-its que normalmente acababan en la papelera. Por aquel entonces ya eran muchos los que la animaban a buscar un destino más amable para esos garabatos que la papelera. Un día su jefe le dijo que buscara un nombre y él le regalaría una web para que fuera colgando los dibujos, el nombre surgió en aquel mismo instante: "Cosas mínimas", y desde entonces define

Blanca Gómez is an illustrator or as she prefers to put it "she puts drawings to the words and ideas of others, and to her own words and ideas too". Her passion for drawing began when she worked in a graphic design studio where she, amongst other things, spent her time doodling drawings on post-its which normally ended up in the rubbish bin. Even then they urged her to find another, nicer, destiny than the rubbish bin for those post-its. One day her boss told her to come up with a name and he would give her a webpage where she could upload her drawings, she came up with the name instantly, "Cosas mínimas (Minimal Things)", and from then on it perfectly described her work style. In Blanca’s illustrations, as well as something very small, "minimal" also means meticulous. That’s what her work is like; subtle and full of detail.

Blanca Gómez

To the left, The Secret. On this page, Writer. A la izquierda, The Secret. En esta página, Writer.

On this page, Enamorado. To the right, Summertime. In the following pages, Rainy night and Night. En esta página, Enamorado. A la derecha, Summertime En las páginas siguientes, Rainy night y Night.

perfectamente el estilo de su obra. En las ilustraciones de Blanca, además de algo sumamente pequeño, "mínimo" también significa minucioso. Su obra es así; sutil y plena de detalles.

She works on a wide range of projects that range from children’s books, editorial illustrations, decorations, and "any project where she can get her hands dirty". Also, in one moment she had an idea to launch her own illustrated products (prints, calendars, etc.) on the market and it gave her a big projection for her illustrations. Her short-term projects include relaxing a little and establishing her priorities, including concentrating on her brand/shop and making new products. Her long-term projects include "staying alive and kicking and drawing!."

Trabaja con una amplia gama de proyectos que van desde los libros infantiles, a la ilustración editorial, la decoración, y "cualquier proyecto que le lleve a ensuciarse las manos". Además, en un momento dado tuvo la idea de lanzar al mercado sus propios productos (prints, calendarios, etc.) lo que dio una gran proyección a sus ilustraciones. Sus proyectos a corto plazo son relajarse un poco y establecer prioridades, a parte de concentrarse en su marca-tienda y hacer nuevos productos. Sus proyectos a largo plazo son "¡seguir viva, coleando y dibujando!".

ANIMATION ANIMACION

he Secret of Kells El secreto de Kells

ยกbla!

Editor Fabienne Alvarez-Giro Productor ejecutivo Executive Producer Ivan Rouveure

Jefe de producción Head of Production Katia Besimensky

Encargado de producción Executive in Charge of Production Camille Leganza

Coordinador de producción Production Coordinator Audrey O’Brien

Asistente de producción Production Assistant Rahma Ghili

Guión gráfico Storyboard Rémi Chayé Diseño de personajes Character Design Tomm Moore, Barry Reynolds.

Diseño de vikingos Viking Designs

Jean Baptiste Vendamme

Diseño de fondos Background Design Aurélie Bernard,Adrien Merigeau.

Director de FX Head of FX Jeremy Purcell Supervisor creativo Creative Supervisor Ireland/France/Belgium Irlanda/Francia/ Bélgica 2009 [75min]

Director Tomm Moore Co-Director Nora Twomey

Guión Screenplay Fabrice Ziolkowski

Director de arte Art Director Ross Stewart

Ayudante de director First Assistant Director Rémi Chayé

Anton Roebben

Música original Original Music Bruno Coulais

Con la contribución especial de With special contribution from Kíla Producido por Produced by Didier Bruner, Viviane Vanfleteren, Paul Young, Les Armateurs, Vivi Film, Cartoon Saloon, France 2 Cinéma. 02

omm Moore Tomm Moore is co-Founder and director of Cartoon Saloon. Since founding the company in 1999 with Paul Young , Tomm has worked on almost every Cartoon Saloon production, including directing, designing commercials, illustrating graphic novels and children’s books and working as animator on several TV series and feature film productions. He is currently working on the graphic novels of The Secret of Kells and his new feature film The Song of the Sea. Tomm Moore es director y co-fundador de Cartoon Saloon. Desde la fundación de la compañía en 1999 con Paul Young, Tomm ha trabajado en casi todas las producciones de Cartoon Saloon, incluyendo la dirección, el diseño de anuncios, ilustrando novelas gráficas y libros para niños y trabajando como animador en series de TV y producciones cinematográficos. Actualmente está trabajando en la novela gráfica de El secreto de Kells y en su nuevo largometraje La Canción del Mar.

The Secret of Kells is a story of redemption, continuity and hope. Brendan is hard at work with his uncle, Abbott Cellach and the other monks, helping to strengthen the abbey walls as protection against the Viking raids. But a new life of adventure begins with the arrival of Brother Aidan and his cat, a celebrated master illuminator who initiates Brendan into this art. In order to finish a magnificent book Brendan has to overcome his deepest fears on a secret quest that will take him for the first time ever, beyond the abbeys walls into the enchanted forest where dangerous mythical creatures hide. It is here that he meets the fairy Aisling, a mysterious white wolf/girl, who will become his closest friend and helper. As well as telling a fantasy adventure story set in an exciting period of Ireland’s history the film endeavored to bring a taste of Irish culture and de-

sign to the screen and to deal with the importance of art and enlightenment even in challenging and difficult times. The visual style of the film is inspired by ancient Celtic Art and sacred medieval manuscripts, including of course, The Book of Kells. The animation is primarily staged and drawn using the limited perspective and geometry that is strongly reminiscent of medieval art. This style was quite challenging to translate to screen but the final result justified the extra effort. The film has a style that is unique and appropriate to the story. They used mainly traditional

hand drawn techniques supplemented by carefully crafted computer animation. The digital techniques were used for complex or difficult sequences, and were specially designed to fit the style. In an environment where 3D computer graphics is the dominant visual look for animated features, many of the most influential animation authors still insist that there are stories that are best told with traditional animation, and this film is one of those stories. The Book of Kells, written on vellum, is a stunningly beautiful manuscript containing the Four Gospels. It is Ireland’s most precious medieval artifact, and is generally considered the finest surviving secred manuscript to have been produced in medieval Europe. The Book of Kells was probably produced in the Isle of Iona, Scotland in the early 8th century. After a Viking raid the book was moved to Kells, Ireland. It was stolen in the 11th century, at which time its cover was torn off and it was thrown into a ditch. The cover, that included gold and gems, has never been found, but the book otherwise it is extraordinarily wellpreserved. In addition to incidental character illustrations, there are entire pages that are primarily decoration and partially decorated pages with only a line of text. The workmanship is so fine that some of the details can only be seen with a magnifying glass.

ora Twomey

Above, scenes from the movie. Below, sketches of the wildlife of the forest. Arriba, escenas de la película. Abajo, bocetos de la flora y fauna del bosque.

Nora Twomey studied animation at

Nora Twomey estudió animación en el

Ballyfermot College in Dublin, during this

Ballyfermot College de Dublín, durante este

time she won a prestigious internship to

tiempo ganó unas prestigiosas prácticas

Disney’s studio in Paris. Having graduated

en el estudio de Disney en París. Después

in 1997 she worked in the industry for a

de graduarse en 1997 trabajó en el sector

year before becoming one of the founding

durante un año antes de convertirse, en

members of the Cartoon Saloon in Kilkenny

1999, en uno de los miembros fundadores

in 1999.

de Cartoon Saloon en Kilkenny.

El secreto de Kells es una historia de redención, de continuidad y de esperanza. Brendan se esfuerza en trabajar con su tío el Abad Cellach y los otros monjes, ayudándoles a agrandar los muros de la abadía que les protegerán de la invasión de los vikingos. Pero una nueva aventura comienza con la llegada del Hermano Aidan y su gato, un famoso maestro en iluminación que inicia a Brendan en este arte. Con el fin de terminar un libro extraordinario, Brendan tiene que superar sus más profundos miedos en una misión secreta que le llevará, por primera vez, más allá de las murallas de la abadía hasta un bosque encantado, donde se ocultan peligrosas criaturas míticas. Es aquí donde se encuentra con el hada Aisling, una misteriosa loba-niña blanca, que se convertirá en su mejor amiga y aliada. Además de contar una historia de fantasía y aventura, ambientada en un periodo apasionante de la historia de Irlanda, el equipo pone su empeño en introducir parte de la cultura y el diseño irlandés en la pantalla para reivindicar la importancia del arte y la iluminación, incluso en tiempos difíciles y desafiantes. El estilo visual de la película se inspira en el antiguo arte celta y los manuscritos sagrados medievales, entre ellos, por supuesto, El Libro de Kells. La animación está completamente estructurada con una perspectiva y una geometría muy limitada como remi-

niscencia del arte medieval. La película tiene un estilo único, adecuado a la historia, que ha sido muy difícil de traducir a la pantalla, pero el resultado final justifica el extraordinario esfuerzo. Se han usado principalmente técnicas artesanales tradicionales, elaboradas cuidadosamente a mano y complementadas con animación por ordenador. Las técnicas digitales se utilizaron para las secuencias complejas o difíciles, y han sido especialmente diseñados para ajustarse a su propio estilo. En un ambiente donde los gráficos 3D por ordenador son el aspecto visual dominante para las películas de

animación, muchos de los autores más influyentes siguen insistiendo en que hay historias que se cuentan mejor con animación tradicional, y esta película es una de esas. El Libro de Kells, escrito en pergamino, es un manuscrito increíblemente hermoso que contiene los Cuatro Evangelios. Es el más valioso artefacto medieval de Irlanda, y generalmente es considerado como el mejor de los manuscritos sagrados supervivientes que se ha producido en la Europa medieval. El Libro de Kells se realizó probablemente en la Isla de Iona, Escocia en

el siglo VIII. Tras una incursión vikinga el libro fue trasladado a Kells, Irlanda. En el siglo XI fue robado y arrojado en una zanja, momento en el que su cubierta se rompió. La cubierta, que incluía oro y piedras preciosas, nunca ha sido encontrada, pero sin embargo el libro está extraordinariamente bien conservado. Además de las ilustraciones de los personajes, hay páginas enteras que son únicamente decoración y páginas parcialmente decoradas con unas pocas líneas de texto. El trabajo artesanal es tan cuidadoso que algunos de los detalles sólo pueden ser vistos con una lupa.

Below, the monks at the abbey, with the great wall in the background. On the left, site plan of the abbey. Bajo estas líneas, los monjes en la abadía, con la gran muralla al fondo. A la izquierda, plano de situación de la abadía.

¡bla! DESIGN DISEÑO

Steve Simpson Based in Ireland, Steve Simpson is a freelance illustrator and designer specialized in packaging design, illustration and art for children’s books. Steve has won numerous international awards for both his packaging design and illustration including the Gold at the AOI’s Images Awards. A main stage speakers at the 2012 OFFSET Creative Conference in the Grand Canal Theatre, Dublin, he recently had a show at the Copper House Gallery in Dublin and has regularly had work exhibited in London, LA & New York. Steve takes an organic approach to his projects blending the disciplines of design and illustration. He spends a great deal of time on construction, shape and problem solving at the pencil stage. Continuously re-drawing until a balance of aesthetics, key brief considerations and client satisfaction have been realized. Approved pencils are then worked up in Photoshop using a limited palette of carefully chosen colours. Steve considers vintage illustration and packaging to be a huge influence on his work particularly the works of Jim Flora, Mary Blair and Ed Emberly.

Packaging and labels design Diseño de embalajes y etiquetas

Establecido en Irlanda, Steve Simpson es un ilustrador y diseñador independiente especializado tanto en diseño de envases, como en la ilustración y dirección de arte para libros infantiles. Steve ha ganado numerosos premios por sus diseños de envases e ilustraciones, incluyendo el Oro de los Premios AOI de la Imagen. Miembro principal de los ponentes en la OFFSET Creative Conference de 2012 en el Teatro Grand Canal de Dublín, su obra se expuso recientemente en la galería Copper House, también expone regularmente en Londres, LA y New York. Steve da un enfoque orgánico a sus proyectos combinando las disciplinas de diseño e ilustración. Dedica una gran cantidad tiempo a la construcción, la forma y la resolución de problemas con el lápiz. Continuamente re-dibuja hasta alcanzar un equilibrio entre la estética, las breves ideas principales y la satisfacción del cliente. Una vez aprobados los dibujos a lápiz los trata con Photoshop usando una paleta de colores cuidadosamente elegidos. Para Steve la ilustración vintage y el embalaje son las principales influencias en su obra, especialmente los trabajos de Jim Flora, Mary Blair y Ed Emberly.

Packing for Cavistons coffee cups. Embalaje para los vasos de café de Cavistons.

armonía harmony

On the left page, coasters and details of BBQ Sauce y Sweet Chilli Sauce labels of Mic´s Chilli. On this page, yogurt packaging for Chilly Moo and labels of the Inferno Sauce series of Mic´s Chilli. On the next page, Sweet for a Vodafone´s advertising campaign. En la página de la izquierda, posavasos y detalles de las etiquetas BBQ Sauce y Sweet Chilli Sauce de Mic´s Chilli. En esta página, embalaje para los yogures de Chilly Moo y etiquetas de la serie Inferno Sauce de Mic´s Chilli. En la página siguiente, Sweet para una campaña publicitaria de Vodafone.

COMIC HISTORIETA

Kansas City Star (it has since grown into a weekly webcomic about art, design, and ambition). As someone with no formal training in graphic arts writing and drawing a comic is both an outlet for his creativity and a way to educate himself about the world of design. Snider´s comics have led to occasional forays into the field of illustration like his recently contribution to the New York Times Magazine and the New York Times Book Review. Though webcomics are a digital medium, Snider enjoy the physical process of drawing on paper. The lines and shading in his comics are done almost entirely in ink, paper and marker, and later he color and publish the drawings digitally. As Snider said the great challenge and thrill of cartooning is constantly writing new ideas, he tell us, "Once I have a suitable idea, I try to find images and a design to give maximum emotional content to the writing". Snider´s comics express humor, wonder and occasionally frustration.

Incidental Comics

Grant Snider comienza dibujando Incidental Comics a principios del 2009 para el periódico

Grant Snider

Grant Snider began drawing Incidental Comics in early 2009 for the local newspaper, the

¡bla!

local Kansas City Star, (que desde entonces ha crecido hasta convertirse en un webcomic semanal sobre arte, diseño y ambición). Para una persona como Grant, sin una formación técnica en artes gráficas, escribir y dibujar cómics es tanto una puerta abierta para la creatividad como una forma de educarse a si mismo en el mundo del diseño. Los tebeos de Snider también le han llevado a ocasionales incursiones en el campo de la ilustración, como hemos podido ver en recientes contribuciones para la revista New York Times y el New York Times Book Review. A pesar de que la webcomic es un medio digital, Snider disfruta del proceso físico de dibujar en papel. Las líneas y las sombras de sus historietas están hechas al completo con tinta, papel y rotulador, que posteriormente colorea y publica digitalmente. Para Snider el gran desafío y la emoción de hacer viñetas es escribir constantemente ideas nuevas, él nos cuenta que, "Una vez que tengo la idea apropiada, intento buscar imágenes y un diseño que le de el mayor contenido emocional al texto". Los cómics de Snider expresan humor y esperanza, aunque alguna vez también frustración.

MASTER CLASS CLASE MAGISTRAL

icolai TROSHINSKY

Astigmatismo

Nicolai Troshinsky was born in Moscow, he is an illustrator and writer, but he has also studied Animation Film Direction at the French school La Poudrière. His interest in animation drove him to dive into a unique project, Astigmatism, a short film that talks about the loss of sight, the feeling of being lost, and the impossibility of seeing things clearly. Nicolai Troshinsky nació

Creo profundamente que para conseguir resultados diferentes hay que hacer las cosas de manera diferente, por esto y porque quería que la sensación de pérdida fuera auténtica, decidí que tanto yo como todas las personas involucradas en el proyecto trabajaran de forma aislada. La música, el sonido, el diseño de personajes y decorados serían hechos por personas distintas, que no debían conocerse ni estar en contacto, que no debían ver el trabajo de los demás ni cómo el suyo iba a encajar dentro del conjunto, no podían ni siquiera saber qué iba a ocurrir exactamente en la pantalla.

[Troshinsky]

[Troshinsky] I

really believe that you have to do things in a different way if you want to achieve different outcomes. For this reason and because I wanted the feeling of lost to be authentic, I decided that both myself and everyone else involved in the project should work isolated from each other. The music, the sound, the character design and sets would be made by different people, who were not to know or be in touch with each other. They were not to see each other’s work or how their own would fit within the project –they couldn’t even know what exactly was going to happen on the screen.

en Moscú, es ilustrador, y escritor, pero además suma sus estudios de Dirección de Cine de Animación en la escuela francesa La Poudrière. Su interés por la animación le ha llevado a sumergirse en un singular proyecto, Astigmatismo, un cortometraje que habla de la pérdida de la visión, de la sensación de estar perdido y no poder ver las cosas con claridad.

A boy, after losing his glasses, can’t see more than one thing at a time in focus. His sight is drawn to the surrounding sounds. He will have to travel to an out of focus world of unknown places populated by strange characters.

Escribí una trama deliberadamente simple para permitir una gran libertad a la hora de contar cómo ocurren los acontecimientos y sobre todo, qué es lo que ocurre mientras el niño busca sus gafas. Para que una propuesta como esta funcionara necesitaba a una serie de autores que me diesen la seguridad de que, hicieran lo que hicieran, su trabajo iba a encuadrarse dentro del proyecto. Por eso llamé a autores cuyo trabajo conocía bien, que tenían una personalidad muy fuerte y muy característica y que estaban realizando en ese momento exactamente el trabajo que yo necesitaba para el cortometraje y les pedí que hicieran para mí lo mismo que estaban haciendo ellos como trabajo personal. Llamé a Cecilia Ramieri para que hiciera los decorados porque sus ilustraciones suelen representar paisajes en los que muy raramente hay personajes. Cecilia es una ilustradora italiana que trabaja principalmente haciendo libros de artista de pequeña tirada. El universo de Cecilia es amplio, delicado y sugerente, nunca he visto decorados similares en una película de animación por lo que me pareció la elección perfecta. Los decorados fueron realizados en aguafuerte, aguatinta y punta seca. Las únicas indicaciones que di fueron que cada decorado tenía que tener cinco niveles de profundidad claramente diferenciados y que tenía que haber interiores y exteriores pero no pedí un número exacto de decorados a realizar. Los decorados solo serían diseños sobre los que yo trabajaría. Más tarde yo tendría que replicarlos en su escala definitiva y dividirlos en niveles y volúmenes.

I wrote a deliberately simple plot to allow a great deal of freedom in the telling of the development of events and, above all, what happens while the kid is searching for his glasses. To make an idea like this one work, I needed a range of authors whose work I felt sure would fit into the project, no matter what they did. That’s why I contacted authors whose work I knew well, who had a strong and particular personality and who were carrying out the same kind of work I needed for my short film. I asked them to do for me the same work they were doing as personal projects. I contacted Cecilia Ramieri for the set making because her illustrations usually show landscapes that rarely have any characters. Cecilia is an Italian illustrator who works mainly making short-run artist books. Cecilia’s universe is wide, delicate, and suggestive. I’ve never seen any similar sets in an animated film, so I thought she was the perfect choice. The sets were made with etching, aquatint, and drypoint. The only directions I gave her were that every set should have five levels of depth clearly differentiated and there had to be indoor and outdoor scenery, but I didn’t ask her for a precise number of sets. These sets would only be designs on which I would work. Then, I would have to replicate them in their final scale divided into levels and volumes.

Gina Thorstensen is a Norwegian illustrator who studied illustration in Barcelona. Her graphic universe, as opposed to Cecilia’s, is inhabited by a great many characters and is one of the strangest and most surprising I have ever seen. I can’t understand where she gets these crazy drawings from and I love that. I had seen some of her black and white drawings and I felt they would blend together well with Cecilia’s landscapes, and I was right. Gina made her illustrations with mixed 02

Gina Thorstensen es una ilustradora noruega que estudió en Barcelona. Su universo gráfico, al contrario que el de Cecilia, está poblado por un sinfín de personajes y es uno de los más raros y sorprendentes que conozco, no consigo comprender de donde saca esos dibujos tan descabellados, pero eso me encanta. Había visto algunos dibujos suyos en blanco y negro y tenía la intuición de que iban a convivir bien con los paisajes de Cecilia, y no me equivocaba. Gina realizó las ilustraciones en técnicas mixtas, mezclando papeles, tintas, lápices y todo aquello que le apetecía. Insistí en que no se preocupara por la técnica y que simplemente me hiciera los mejores personajes que fuera capaz de hacer, el cómo desmontarlos en partes para poder animarlos sería problema mío.

Shogun Kunitoki es un grupo finés de electrónica psicodélica. Son poco conocidos pero valorados por la crítica especializada. Llevo escuchando su música desde su primer disco y es de los pocos grupos que no me canso de escuchar jamás. Tienen un sonido propio inconfundible e hipnótico. Quería que la música tuviera una personalidad muy fuerte, que no recordara a nada que el espectador haya podido oír antes y esta me parecía la elección perfecta. Les di un esquema muy sencillo que consistía en tres partes de intensidades distintas. No tanto porque supiera lo que quería que ocurriera en cada parte como por la sensación que necesitaba crear en cada momento. Esta estructura era orientativa pero no rígida, tenían libertad para modificarla en función de lo que sonara mejor. Lo único que tenían como referencia era la duración exacta de la pieza. Por último llamé a Pierre Sauze para hacer el diseño de sonido, trabajé con él en mis dos cortos anteriores y me encantó. Viniendo de la creación sonora para teatro, Pierre tiene un uni-

techniques, combining paper, ink, pencil and whatever she wanted. I insisted that she shouldn’t worry about the technique and that she should just do the best characters she could –how to dismount them in parts to animate them would be my problem.

Un niño, tras perder sus gafas, no consigue ver más de una cosa enfocada al mismo tiempo. Su vista se ve atraída por los sonidos que le rodean. Tendrá que recorrer un mundo desenfocado de lugares desconocidos poblados por extraños personajes.

Shogun Kunitoki is a Finnish psychedelic electronica group. They aren’t very well known, except among specialist critics. I’ve been listening to their music since their first album and they are one of the few bands that I never get bored of. Their sound is unmistakable and hypnotic. I wanted the music to have a strong personality, and to resemble nothing the audience had heard before, and this seemed the perfect choice. I gave them a very simple outline, which consisted of three parts of different intensities. Not so much because I knew what I wanted to happen in each part, but because of the sensation I needed to create at each moment. This structure was for guidance only; it was not rigid and they had the freedom to change it according to what sounded better. All they had as a reference was the precise length of the piece.

Between these lines, characters by Cecilia Ramieri. On the right, above, scenery by Gina Thorstensen, below, scenes from Agtismatism. Entre estas líneas, los personajes de Cecilia Ramieri. En páginas impares, arriba, decorados de Gina Thorstensen, abajo, escenas de Agtismatismo.

Creo profundamente que para conseguir resultados diferentes hay que hacer las cosas de manera diferente.

verso sonoro delicado y lleno de detalles juguetones. Es creativo, resolutivo y le encantan los retos. Sabía que la propuesta de hacer una pista de efectos de sonido para un corto imaginario le encantaría y no dudé en volver a trabajar con él. Lo único que tenía como referencia era la duración exacta de la pista de audio que tenía que generar. Le dije que habría cambios de espacio y que las dinámicas de los sonidos tenían que ser variadas, pero que, sobre todo, se centrara en crear una composición sonora que fuera interesante de escuchar por sí sola.

Finally, I called Pierre Sauze for the sound design. I worked with him on two previous shorts and I loved the experience. Coming from a background in sound creation for the theatre, Pierre has a delicate sound universe that’s full of playful details. He’s creative, resolute and a challenge lover. I knew he’d love the idea of making a track of sound effects for an imaginary short and I didn’t hesitate to work with him again. The only thing he had as a reference was the exact length of the audio track he had to develop.

No hubo guión ni stroryboard, en lugar de eso el corto fue improvisado directamente en una animática, es decir, una versión del cortometraje abocetada a ordenador. Desde el momento en que recibí las distintas partes que formarían el corto surgió la magia. Había numerosas coincidencias: el sonido y la música se hilaban a la perfección, pájaros, entornos acuáticos y máquinas que estaban presentes tanto en el sonido como en los decorados y los personajes, parecían hacerse eco como si unos hubieran anticipado la presencia de los otros. Lo primero que hice fue una estructura rítmica a partir del sonido y de la música. El ritmo iba a ser definido

I told him there would be changes of space and that the sound dynamics had to be varied, but, above all, he should focus on creating one sound composition that was interesting enough to be heard alone. There was no script or storyboard. Instead, the short was improvised directly in an animatic version: that is, a version of the short sketched by computer. From the moment I received the different parts that would make the short, the magic arose. There were numerous coincidences: the sound and the music strung together perfectly. Birds, aquatic environments and machines that were present both in the sound and in the sets, as well as the characters all seemed to echo as if one had anticipa-

por el movimiento del enfoque de la cámara así que primero me concentré en hilar una secuencia que fuera interesante. Luego decidí qué decorados iban a pertenecer a qué fragmento del cortometraje en función de los ambientes sonoros e intentando que las transiciones entre unos lugares y otros fueran fluidas. Después poblé esos lugares de criaturas. Les di cosas que hacer, me inventé pequeñas historias y cree relaciones entre ellos. Solo cuando este universo estuvo completamente poblado y habitado incluí a los dos personajes principales e imaginé cómo iban a interactuar. El cortometraje (que aún no ha sido rodado) se realizará en stop-motion, utilizando marionetas recortables de papel y acetato en cinco niveles de cristal con otro cristal adicional por cada nivel para poder animar en pintu-

I really believe that you have to do things in a different way if you want to achieve different outcomes.

ra líquida los cuerpos de los dos personajes principales (algo que no estaba previsto en un principio pero decidí hacerlo para ser fiel a los diseños de Gina). Los decorados serán en papel y tendrán pliegues y relieves permitiendo no solo que proyecten sombras naturales sino que además el efecto de desenfoque entre los distintos planos sea fluido. Usando una cámara de vídeo se grabará luz natural, luz filtrada por las hojas de los árboles, por las nubes, por el agua, etc., esta luz se proyectará fotograma a fotograma encima de la escena utilizando un videoproyector digital para crear efectos de luz dinámica.

Astigmatismo, es un proceso de mucha experimentación donde hay que probar, ver, corregir, sustituir, reestructurar, afinar y pulir. No tan difícil como laborioso, el proceso de construir escenas a partir de elementos dispares me ha permitido crear fácilmente secuencias imprevisibles y divertidas. Siempre pienso que si consigo sorprenderme a mí mismo también me será más fácil sorprender al espectador.

ted the presence of the other. The first thing I did was the rhythmic structure from the sound and the music. Since the movement of the camera focusing would define the rhythm, I concentrated first on stringing together an interesting sequence. Then, I decided which sets would belong to which fragment of the short according to the soundscapes and attempted to make the transitions between places fluent. Afterwards, I populated those places with creatures. I gave them things to do and created small stories and relationships between them. Only when this universe was completely inhabited did I include the two main characters and imagine how they were going to interact in it. The short film (which has not been filmed yet) will be made in stop-motion, using cut-out paper and acetate puppets in five levels of glass with an additional glass for each level in order to be able to animate the two main characters in liquid paint (something that wasn’t planned at the beginning but I decided to do to be faithful to Gina’s designs.) The sets will be made in paper and will have creases and reliefs allowing not only natural shadows to be projected, but also the out of focus effect between planes to be made smooth. Using a video camera, natural light will be recorded –light filtered by tree leaves, by clouds, by water, etc. This light will be projected still by still on top of the scene using a digital video projector to create dynamic light effects.

Astigmatism is a process involving a lot of experimentation, in which you have to experiment, see, correct, replace, restructure, tune, and polish. Not so much difficult as laborious, the process of building up scenes from different elements allowed me to easily create unforeseeable and fun sequences. I always think that if I manage to surprise myself, it will also be easier surprising the audience.

ANIMATION ANIMACION

¡bla!

enaissance France Francia 2006 [105min]

Director Christian Volckman Producción Production Roch Tener, Aton Soumache, Alexis Vonarb.

Guión Screenplay

Mathieu Delaporte, Alexandre de la Patellièr, Patrick Raynal, JeanBernard Pouy.

Guión gráfico Storyboard Alexandre de la Patellièr, Mathieu Delaporte.

Música original Original Music Nicholas Dodd Editor Editor Pascal Tosi Distribuidor Distributor Pathé (France), Miramax Films (USA).

Renaissance is a animated science

Above these lines, Paris in the year 2054. In the following pages, scenes from the film and storyboard. Sobre estas líneas, París, en el año 2054. En las páginas siguientes, escenas de la película y storyboard.

fiction film by French director Christian Volckman. It was co-produced in France, United Kingdom and Luxembourg and released in France (Miramax Films). Renaissance features a rare visual style in which almost all images are exclusively black and white and high contrast, with only occasional colour used for detail which create this film’s unique look. The film opens with scenes establishing the kidnapping of scientist Ilona

Tastuiev, who works for the megacorporation Avalon. The focus transitions to Barthélémy Karas, a policeman who is soon after charged with solving the mystery of the disappearance of Ilona. Nominated in several festivals, this film won many awards such as the Visionary Film Award at the 2006 Boston Film Festival, the Long Film Crystal at the 2006 International Animated Films Festival of Annecy, Best Movie at the Animadrid and Pusan (South Korea) film festival, as well as the 2007 Silver Meliès.

Renaissance (Renacimiento) es una película de animación y ciencia ficción realizada por el director francés Christian Volckman. Co-producción entre Francia, Reino Unido y Luxemburgo, que se estrenó en Francia (Miramax Films). Renaissance cuenta con un particular estilo visual. Practicamente todas las imágenes son de alto contraste y en blanco y negro, con ocasionales toques de color, lo que crea el aspecto único de esta película. La película comienza con una escena en la que Tastuiev Ilona, científica

que trabaja para la megacorporación Avalon, es secuestrada. Poco después el foco se traspasa a Barthélémy Karas, un policía al que encargan resolver el misterio de la desaparición de Ilona. Nominada en varios festivales y ganadora de numerosos premios como el Premio Visionary Film 2006 en el Festival de Cine de Boston, el Long Film Crystal en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy de 2006, Mejor Película en los Festivales de cine Animadrid y Pusan (Corea del Sur), así como el Silver Meliès de 2007.

hristian Volckman Director of the film, enters the Ecole Supérieure d’Arts Graphiques (ESAG, Penninghen) in Paris in 1989. In 1994, he made his first Super 8 animated short film, Le Cobaye. He then made two video clips, touched up image by image, Le Jardinier dort, by Charlélie Couture and Paris sur mer, by Love Bizarre. In 1999, he directed Maaz, a Super 16 Sci-Fi short film. Maaz won 32 awards in different festivals. In March 2006 he directed his first feature film, Renaissance. Today, Christian Volckman works on the screenplay of his next long film. Director de la película, entra en la Escuela Superior de Artes Graficas (ESAC, Penninghen) de París en 1989. En 1994 hizo Le Cobaye, su primer cortometraje de animación en Super 8. A continuación, hizo dos vídeoclips, Le Jardinier dort, de Charlélie Couture y Paris sur mer, de Love Bizarre, realizados imagen por imagen. En 1999, dirigió Maaz, un cortometraje Super 16 Sci-Fi. Maaz ganó 32 premios en diferentes festivales. En marzo de 2006 dirigió Renaissance, su primer largometraje. Hoy en día, Christian Volckman trabaja en el guión de su próxima película.

GAMES JUEGOS

Mario von Rickenbach

ยกbla!

n Oculus the main goal was to create a playful amorphous creature which can be controlled by the player, but also has its own life. The structure of this character was inspired by the design of posters of the Fantoche animation festival. The creature consists of equally treated eyes, the eyes transform and scale themselves depending on the position in the body. The two eyes in the middle of the body are always big and if the body is big enough, some of the eyes try to form the expression of a smiling mouth. Although it is a two dimen-

sions game with a flat creature, the world is 3D, created by extruding the flat shapes of the world in different directions to the background. This creates strange perspectives even if the scene is always rendered by an orthographic camera.

Mario von Rickenbach is a game designer and developer based in Zurich, Switzerland. He first started to study architecture, but then decided to do a Bachelor Degree in Game Design at Zurich‘s University of the Arts instead, where he also works as research associate nowadays. Mario focus lies on creating interactive experiences where visuals and sound come together to support each other. When creating a game, he try to find simple easily understandable ideas and to create the atmosphere and environment in which he find the idea works best. Other of his recent works include Mirage, a quirky game about a surreal creature with an atmosphere reminiscent of the Dali´s paintings.

n Oculus el objetivo principal era crear una criatura juguetona y sin forma concreta que pudiese ser controlada por el jugador, pero que también tuviese cierta vida propia. La estructura de este personaje se inspira en el diseño de los carteles del festival de animación Fantoche, y se compone de una agrupación homogénea de ojos. Estos ojos se transforman y escalan a si mismos dependiendo de la posición que tomen dentro del conjunto. De esta manera, los dos ojos en la parte media del cuerpo son siempre mayores que el resto y si la criatura es suficientemente grande, algunos de los ojos intentan formar

la expresión de una boca sonriente. A pesar de ser un juego en 2D con una criatura plana, la extrusión de estas figuras en diferentes direcciones sobre un segundo plano genera un mundo en 3D. Esto nos lleva a experimentar extrañas perspectivas, aunque la escena se represente siempre desde un punto de vista ortogonal. Mario von Rickenbach es diseñador y desarrollador de videojuegos con sede en Zúrich, Suiza. Comenzó a estudiar arquitectura, pero luego decidió hacer una licenciatura en Diseño de Videojuegos en la Universidad de Zúrich, donde actualmente trabaja como investigador asociado. Su motivación es la creación de experiencias interactivas con imágenes y sonidos que se enriquecen mutuamente. A la hora de crear un juego trata de encontrar ideas sencillas para poder centrarse en crear la atmósfera y el entorno específico que haga que la idea se realce. Otro de sus últimos trabajos es Mirage, un peculiar juego sobre un ser surrealista que nos sumerge en un ambiente similar al de los cuadros de Dalí.

In black & white, drawings of the creation process of the Oculus´s creature. In color, screen´s details of the game. En blanco y negro, dibujos del proceso de creación de la criatura de Oculus. En color, detalles de las pantallas del juego.

URBAN ART ARTE URBANO

Göla

¡bla!

Göla was born in Cesena in 1982, but he lives and works in Rimini, Italia. With a degree in Fine Art at Accademia di Belle Arti of Bologna he has specialized in "create genetically modified animals in a funny and coloured way, to rebel themselves of the anthropocentric condition, that consider them as a manipulated material". These kaleidoabsurd monsters are the main characters of his artistic works as well as spokesmen of the desire for a more fair and funny reality, even when they vigorously show their own skin and entrails. Surely that he feel more next to the animal sphere than to the human one. On walls, canvas and through others media Göla try to investigate the relationship between human beings and all other living creatures. The attraction for biological differences, the medicalscientific illustrations, the rejection/curiosity for the powers of the genetic industry, are connected to the spirit of rebellion, preconception and passion for the lysergic and fanciful atmospheres. All this aspects drive him to a work that talks about the relationship among authenticity and artificiality, inside and outside, symbiosis and dichotomy. Another aspect that has influenced him is related to the artistic movement originated by the exhibition Post Human and the TransgenicArt. The study or the meeting with artists as Eduardo Kac, Tissue Culture & Art, Alexis Rockman, Karin Andersen and many others, awaked inside of Göla a spirit of sharing the animal cause on an ideological and political level. On the other hand, his graphic sign follows the typical naturalness of the childish sketch; but sometimes it is influenced by a psychedelic vision and other times by a expressionist approach. Göla´s work is related to the expression in the public space and a liking for use bright and saturated colours, often supported with fluorescent colours, producing figures composed by different styles. He bound together violent factors with cheerful and festive feelings, for example by connecting themes such as genetic manipulation, bright colours and carnival atmospheres. Rebellion and happyness are two feelings that are the lighthouses of the artist´s line besides of his personal inner condition.

To the left, wall by Gรถla in Reggio Emilia, Italia, 2011. Above, detail from a mural in Bassano del Grappa. On the next page, below, mural painted in Valencia during the Poliniza Urban Art Festival 2011. A la izquierda, mural de Gรถla en Reggio Emilia, Italia, 2011. Arriba, detalle de un mural en Bassano del Grappa. En la pรกgina siguiente, abajo, mural realizado en Valencia durante el Festival de Arte Urbano Poliniza 2011.

Göla nació en Cesena en 1982, aunque vive y trabaja en Rimini, Italia. Con una licenciatura en Bellas Artes en la Accademia di Belle Arti de Bolonia se ha especializado en "crear animales genéticamente modificados de una manera divertida y coloreada, haciendo que se rebelen de la condición antropocéntrica que los considera como un objeto de manipulación". Estos monstruos kaleidoabsurdos son los protagonistas de su obra artística, así como los reivindicadores de una sociedad más justa y divertida, incluso cuando esos monstruos exiben enérgicamente su propia piel y sus entrañas. Sin duda que Göla, se siente más cerca de la esfera animal que de la humana. En muros, lienzos y a través de otros medios de comunicación, Göla intenta investigar la relación entre los seres humanos y todos los demás seres vivos. La atracción por las diferencias biológicas, las ilustraciones médicas-científicas y el rechazo o curiosidad por los poderes de la industria genética, están conectados con el espíritu de rebelión, el prejuicio y la pasión por las atmósferas lisérgicas y fantasticas. Todos esos aspectos le conducen hacia una obra que relaciona la autenticidad con la artificialidad, el interior con el exte-

rior y la simbiosis con la dicotomía. Otro aspecto que le ha influido es el movimiento artístico que se originó de la exposición Post Human and the TransgenicArt. El estudio o el encuentro con artistas como Eduardo Kac, Tissue Culture & Art, Alexis Rockman, Karin Andersen y muchos otros, despertaron en el interior de Göla el ánimo de abrazar la causa de los animales a nivel ideológico y político. Por otro lado, su estilo gráfico contiene la naturalidad típica del dibujo infantil, pero algunas veces está influenciado por una visión psicodélica y otras por un enfoque expresionista. La obra de Göla está relacionada con la expresión dentro del espacio público y el gusto por usar colores brillantes y saturados, a menudo apoyados con colores fluorescentes, que forman figuras compuestas por diferentes estilos. Gusta también de mezclar factores violentos con sentimientos alegres y festivos, por ejemplo, al conectar temas como la manipulación genética, con colores brillantes y atmósferas de carnaval. La rebelión y la felicidad, son los dos sentimientos que apuntan como dos faros en el estilo de este artista, además, por supuesto, de su condición personal interior.

ILLUSTRATION ILUSTRACION

Tirado Robert Tirado is an illustrator and graphic artist from ¡Venezuela settbla! led in Madrid since 2011. A collaborating teacher at IED, at the Design and Moda Lab schools. A graduate of the Instituto de Diseño de Caracas, from early on he has worked in several activities related to design and illustration. His range of clients includes print media and textiles companies, record companies and independent artists, production companies, agencies, design institutes and art galleries. His work has been published in magazines and books such as The Great Big Book of Fashion Illustration, Computer Arts UK, Computer Arts Poland, Kurv Magazine, Territory, Belio, Mono Magazine, and Juxtapoz Online. He humbly states that for him the biggest prize is having the chance to convey messages to people and being able to do what he loves the most. His style features a combination of manual and digital media, inspired mainly by feminine beauty, using photography, music, nature, geometry and the fashion world as references. He’s currently focused on a series of completely new illustrations made with different media, like silkscreen printing, kirigami and origami, combined with traditional media like pencil and watercolour. "Soy melómano y siento fascinación por el mundo de la imagen. Desde hace años soy amante de la caligrafía hecha a mano y recientemente lo he vuelto a practicar." [Tirado] "I’m a music lover and I’m fascinated by the world of imagery. For years now, I’ve loved handmade calligraphy and recently I have started practising it again". [Tirado]

Robert Tirado es ilustrador y artista gráfico de origen venezolano, afincado desde el 2011 en Madrid. Docente colaborador del IED en las escuelas de Design y Moda Lab. Graduado en el Instituto de Diseño de Caracas, desde sus inicios ha trabajado en diversas actividades relacionadas con el diseño y la ilustración. Su rango de clientes incluye medios impresos, textiles, discográficas y músicos independientes, productoras, agencias, institutos de diseño y galerías de arte. Sus trabajos han sido publicados en revistas y libros como The great big book of fashion illustration, Computer arts UK, Computer arts Polonia, Kurv magazine, Territory, Belio, Mono magazine y Juxtapoz Online. Humildemente, afirma que para él el mayor premio es tener la posibilidad de transmitir a la gente y poder seguir haciendo lo que más le gusta. Su estilo se caracteriza por una combinación de técnicas manuales y digitales, inspirado principalmente por la belleza femenina, tomando como referencia la fotografía, la música, la naturaleza, la geometría y el mundo de la moda. En estos momentos está centrado en una series de ilustraciones completamente nuevas, con técnicas diversas, como serigrafía, kirigami y orgigami, combinadas con técnicas tradicionales como lápiz y acuarela.

"Siempre estoy investigando y tratando de encontrar nuevas formas de expresión con las que poder experimentar pues no me gustan las fórmulas." [Tirado] "I’m always doing research and trying to find new ways of expression for experimentation because I don’t like formulas." [Tirado]

"En unos cuantos años me retiraré a vivir a la montaña donde me dedicaré a pintar cuadros con figuras geométricas, a hacer caligrafía con pincel y a diseñar tipografías." [Tirado] "In the future I will retire to live in the mountains where I will dedicate myself to painting pictures with geometric shapes, doing brush calligraphy and designing typographies." [Tirado]

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GRAPHIC NOVEL NOVELA GRAFICA

Dear Patagonia Jorge González nace en Argentina en 1970 y desde hace más de una década reside en España. Comenzó dibujando Hard Story y Hate Jazz (Heavy Metal), ambas con guión de Horacio Altuna y desde hace años también se dedica a la publicidad, a la ilustración y a los storyboards. Con Fueye ganó el Primer Premio Internacional de Novela Gráfica creado por Fnac y Ediciones Sins Entido. Su última novela gráfica Dear Patagonia busca reflejar el pasado y el presente de un pueblo arrancado de sus raíces, reconstruyendo la historia desarrollada en la zona Patagónica, en Buenos Aires y parte de Europa desde el siglo XIX al XXI.

Jorge González

Jorge González was born in Argentina in 1970 and has been living in Spain for over a decade. He started drawing Hard Story and Hate Jazz (Heavy Metal), both created with scripts by Horacio Altuna and for years now, he has also worked in advertising, illustration and storyboards. He won the First International Graphic Novel Prize created by Fnac and Ediciones Sins Entido for Fueye. His latest graphic novel, Dear Patagonia, attempts to reflect the past and present of a town that was pulled up by its roots, rebuilding a story developed in the Patagonia area, Buenos Aires and part of Europe between the nineteenth and twenty-first centuries.

Color images, extracts from Dear Patagonia, courtesy of Sin Sentido. Black and white images, previous sketches. Imágenes en color, extractos de Dear Patagonia, cortesía de Sin Sentido. Imágenes en blanco y negro, bocetos previos.

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[Linea Curve] Dear Patagonia me ha transmitido el silencio de una tierra perdida... [González] El libro es sólo una atmosfera que nace desde preguntas internas y un estado de ánimo que se va violentando. Los lugares despojados, más salvajes, llenos de aire y viento siempre me llamaron la atención. Al mismo tiempo hay una historia previa a la llegada del europeo y otra posterior que origina una Patagonia más pervertida. Me interesaba tratar el tema de la colonización y como mirar a la historia sin juzgar…

¿Que técnica has utilizado?¿Que opinas de las nuevas tecnologías aplicadas al dibujo? Las páginas están dibujadas con lápiz, el color con pasteles y acuarelas, y combinadas finalmente con Photoshop. Cuando las nuevas tecnologías empezaron a invadir lo manual fui bastante prejuicioso y no me parecía bien utilizar esta clase de programas. Me llevó mucho tiempo adaptarme de lo analógico a lo digital. Sin embargo desde hace años me parece fundamental, considero que las aplicaciones son una herramienta más que permite jugar y me gusta mezclar ambos mundos.

[Linea Curve]

In Dear Patagonia, I felt the silence of a lost

land... [González] The book is just an atmosphere that arises from internal questions and a feeling of increasing infuriation. Wide-open, wilder places filled with air and wind have always caught my attention. At the same time, there is a story previous to the arrival of the Europeans and another one subsequent to it that gives birth to a more perverted Patagonia. I was interested in dealing with the theme of colonisation and how to look at history without judging...

What technique have you used? What do you think about the new technologies applied to drawing? The pages are drawn by pencil; the colour is applied with pastels and watercolours and combined finally with Photoshop. When new technologies started invading the handmade technique, I was pretty judgemental and I didn’t approve of using this kind of software. It took me a long time to adjust from the analogical to the digital. However, for years it has seemed essential to me. I believe software is just another tool that allows me to play, and I like blending both worlds.

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¿La historia y los personajes están basados en hechos y personas reales? La mayoría de los personajes vienen de la ficción y nacen de la lectura de libros históricos y novelas de la época sobre la colonización europea, el desembarco nazi en Argentina, etc. La pureza de la raza indígena en las reservas ya no existe, pero aunque no quede ningún Ona y Tehuelche puro, las personas mayores de las comunidades son descendientes de ellos. Desde hace poco se consideran una comunidad y tienen personería jurídica, además se está reconociendo su preexistencia étnica cultural y garantizando el respeto por su identidad, el derecho a una educación bilingüe e intercultural, la posesión y propiedad comunitaria de las tierras que ocupan y la gestión referida a sus recursos naturales. No obstante, ninguna de estas acciones, hasta el presente, ha conseguido romper esta marginación real. Se limitan a ser acciones benéficas que curan a corto plazo y se desintegran con el correr del tiempo. Desde mi punto de vista, todo intento de desarrollo debe ser integral, considerando a la cultura como un todo y valorando la propia estrategia adaptativa definida por los indígenas.

Are the story and characters based on real facts and people? Most of the characters are fictional and were based on the inspiration I drew from reading history books and novels from those times about European colonisation, the Nazi disembarkation in Argentina, etc. The purity of the indigenous race in the reservations no longer exists, but although there aren’t any pure Ona or Tehuelche left, the older people from the communities are descended from them. Recently, they began to consider themselves a community and now they have legal status. Also, their ethnocultural preexistence is being recognised and respect for their identity, their right to have a bilingual and intercultural education, the communal possession and property of the lands they inhabit and their participation in the management of their natural resources are all being guaranteed. However, so far none of these actions have achieved the breakup of this real marginalisation. They are limited to charitable actions that cure in the short term and disintegrate with the passing of time. From my point of view, every attempt at development has to be comprehensive,

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El último capítulo con guión de Alejandro Aguado, ¿es autobiográfico? La última parte tiene que ver con algo más documental, más parecido a un cuaderno de viaje. Lo dibujé bastante rápido, quería que tuviera ese estilo más inmediato. La historia de Alejandro es real y juntos quisimos contar los momentos claves de su historia, la de un tipo que de pronto sabe que su abuelo fue Cacique Tehuelche y eso lo empuja definitivamente a descubrir por ese mundo. Dicen que la historia la cuentan los vencedores, ¿por qué crees que la novela gráfica se atreve a contar la historia de los vencidos? Es probable que haya demasiadas historias de vencedores y desde hace poco haya surgido el interés en colocarse en los lados B de la cosas. No sabría que contestar, es tan difícil saber porqué algo funciona o no, y ¿qué es funcionar? Mi compromiso solamente pasa por contar la historia que necesito.

considering culture as a whole and appreciating the adaptive strategy defined by the indigenous peoples. Is the last chapter, with its script by Alejandro Aguado, autobiographical? The last part has to do with a more documentary side, more related to a travel log. I drew it pretty fast. I wanted it to have that more immediate style. Alejandro’s story is real. Together we wanted to communicate the key moments of his story –one about a guy who, all of a sudden, learns that his grandfather was a Tehuelche cacique and it drives him once and for all to walk around that world. It is said that history is told by the victors. Why do you think the graphic novel dares to tell the story of the defeated? Probably there are many victors’ stories and recently an interest has arisen in placing oneself on the B-side of things. I don’t know how to answer this. It is so difficult to know why something works or not. And, what is "working"? My commitment just has to do with telling the story I need to tell.

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REVIEW OPINION

¿Por qué no

Why wouldn’t

le pediría una I ask

dedicatoria a

Moebius for

Moebius?

a drawing?

Jesús Jiménez Jesús Jiménez is a journalist specialised in culture and, above all, comics. For the last three years, he has hosted, together with Víctor Gómez, Viñetas y bocadillos at Radio 5 (Spanish Radio Television), where they review comics, comment news about the ninth art and interview authors every week. Jesús Jiménez es periodistas especializado en cultura y, sobre todo, en cómic. Desde hace tres años, realiza, junto con Víctor Gómez, Viñetas y bocadi-

llos, en Radio 5 (Radio Televisión Española), un programa en el que cada semana ofrecen reseñas de tebeos, noticias sobre el noveno arte y entrevistas con los autores.

The dedications that comic

for 1.3 million euro. In spite these fi-

book artists make at comic conven-

gures, we, as comic fans, do not ask for

tions, presentations, or book fairs are

dedications to sell them or trade them

the only way to obtain an original pie-

on the Internet (although there are

ce from our favourite authors without

people who do so), but to meet our fa-

paying the huge amounts book stores,

vourite authors, talk to them and take

private collectors or the Internet re-

away a souvenir. It is also worth men-

quest. It is sufficient to remember that

tioning that authors who attend comic

in the Moebius auction on May 5, in

cons know they are going to promote

Paris, 1,376,418 euro were raised from

their work, and they are usually lovely

some of his works, among which featu-

and have no problem at all in dedica-

red the original cover of Blueberry 21,

ting drawings. In fact, they are up for

sold for 73,300 euro. Just a trifle com-

almost everything. I have seen Craig

pared to the original cover of Hergé’s

Thompson making a Habibi (Astiberri)

Tintin in America, auctioned in June

sketch in a minute (timed) for televi-

[Jiménez]

[Jiménez] Las dedicatorias que los dibujantes realizan en los salones de cómic, presentaciones o ferias de libros son la única forma de obtener un original de nuestros autores favoritos sin tener que pagar las elevadas cantidades que te piden librerías, coleccionistas privados o por Internet. Baste recordar que en la subasta de Moebius del cinco de mayo, en París, se recaudaron 1.376.418 euros por varias de sus obras entre las que destacaba el original de la portada de "La tribu fantasma", vendido por 73.300 euros. Una minucia comparado con la portada original de "Tintín en América", de Hergé, subastada en junio por 1,3 millones de euros. A pesar de esas cifras, los aficionados al cómic no pedimos las dedicatorias para venderlas ni para comerciar con ellas en Internet (aunque hay gente que lo hace), sino para conocer a nuestros autores favoritos, charlar con ellos y tener un recuerdo. También destacar que los autores que acuden a los salones saben que van a promocionar sus obras, suelen ser encantadores y no tienen ningún problema en dedicar dibujos. De hecho se prestan a casi todo. He visto a Craig Thompson haciendo un dibujo de Habibi (Astiberri) en un minuto (cronometrado) para una televisión (¡Y a dos colores!). Incluso hay autores que, cuando acaba la sesión de firmas, siguen haciendo dedicatorias en bares cercanos. Mi primer autógrafo lo pedí en 2004, en Expocómic. Todavía no existía nuestro programa de Radio 5. Al igual que ahora, tenía gran respeto por el trabajo de los autores y me daba reparos pedirles dibujos. Pero ese año Stan Sakai era uno de los invitados del Salón y no pude resistirme a tener un Usagi Yojimbo. Al año siguiente pedía a Alfonso Azpiri (Lorna y su robot) que me firmase un libro para mí y otro para mi compañero Víctor. Alfonso es uno de los autores más solicitados en los salones, donde puede hacer unas 200 dedicatorias diarias. Una vez, comiendo con él, nos reconoció que le gustaba charlar con

sion (and in two colours!) Also, there are authors who, when the signing session is over, keep making dedications at nearby bars. I asked for my first autograph in 2004, at Expocomic. Our show on Radio 5 wasn’t on the air yet. Just as I do now, I felt a great respect for authors’ work and I had qualms about asking them for drawings. But that year, Stan Sakai was one of the people invited to the comic convention and I couldn’t resist having a Usagi Yojimbo. The following year, I asked Alfonso Azpiri

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(Lorna y su robot) to sign a book for me and another one for my partner Víctor. Alfonso is one of the most requested authors at conventions, where he can make around 200 dedications per day. Once, when having dinner with him, he admitted that he enjoyed talking with the enthusiasts, and since more comics are sold, everybody wins –the fan and the author. But I didn’t really start asking for autographs until two years ago (2010) when I covered the Salón de Barcelona for RTVE.es. One of the first artists I interviewed was Moebius, a really charming guy. But my qualms remained and I didn’t dare ask for a dedication, something that my colleagues from the show Continuará did. "There will be more opportunities," I thought. I took a picture of us together though. Since then, I have been able to confirm that most comic book artists have five or six models of dedications rehearsed that they repeat (something logical when you have to make 100 drawings), although there are many of them who improvise on the spot or ask you what you want. For example, Gene Ha made a portrait of me wearing Iron Man’s helmet. Others that have portrayed me are Edmond Baudoin and Jean Marc-Troubet (Troubs), authors of Viva la vida (Astiberri), a book about Juarez City that talks about the experience of doing portraits for people there in exchange for hearing about their dreams.

The pencil that is the logo of Viñetas y bocadillos is based on the drawing Forges gave to my partner Víctor. And the background of our Facebook page is a dedication by Colo (De perros y huesos, Planeta DeAgostini). The issue in this digital era is that many of the dedications are sent to us over the Internet, which leaves us without the original piece, except in cases like that of Colo, who made me another drawing by hand; or Alfonso Zapico (Dublinés, Astiberri), who sent me by mail, from Angoulême, a dedication that gathered together all the main characters from the three books he has published so far (Professor Bertenev, the young violinist from Cafe Budapest, and Joyce). There are authors such as Arthur de Pins (Zombillenium, Dib>buks), that no longer use pencil or paper; they draw everything by computer, so the only way of getting an original is by requesting a dedication at comic cons, where de Pins even portrays his fans Zombified. Comic book artists sometimes have to face the strangest requests, such as fans asking them for characters from other people. The most requested, as Mauro Entrialgo or Paco Roca state, is usually Batman. "I’ve been asked for very weird things," Paco told us, "Mortadelos, Capitán Truenos and, of course, a Batman". Paco also confirmed that in the big European conventions, authors usually don’t charge for their presentation while in the United States he thinks they do. Juan Díaz Canales (scriptwriter of Blacksad, Norma) confirmed this information. He told us that the comic book artist Juanjo Guarnido had just returned from the United States, where he "had been signing and making some money". Fees differed, according to Canales, for "a bust, a shape, a composition...". Salvador Larroca, the current artist of Iron Man (Marvel-Panini) cleared up this point: "Most of the time we don’t get paid, like here. The publishing company takes you to do

los aficionados y que como se venden más cómics, todos salen ganando, el fan y el autor. Pero realmente no empecé a pedir autógrafos hasta hace dos años (2010) cuando cubrí, para RTVE. es, el Salón de Barcelona. Uno de los primeros a los que entrevisté fue, precisamente a Moebius, un tipo realmente encantador. Pero seguían mis reparos y no me atreví a pedirle una dedicatoria, algo que si hicieron mis compañeros del equipo del programa Continuará, "Ya habría más ocasiones" pensé. Eso sí, me hice una foto con él. Desde entonces he podido comprobar que la mayoría de los dibujantes tienen ensayados cinco o seis modelos de dedicatorias, que van repitiendo (algo lógico cuando tienes que hacer 100 dibujos), aunque hay muchos que improvisan sobre la marcha o te preguntan lo que quieres. Por ejemplo, Gene Ha me hizo un retrato con el casco de Iron Man. Otros que me han retratado han sido Edmond Baudoin y Jean Marc-Troubet (Troubs) autores de Viva la vida (Astiberri), un libro sobre Ciudad

Juárez que relataba la experiencia en esa ciudad en la que hacían retratos a la gente a cambio de que les relatasen sus sueños. El lápiz que es el logotipo de Viñetas y bocadillos está basado en un dibujo que Forges regaló a mi compañero Víctor. Y el fondo de nuestro Facebook, es una dedicatoria de Colo (De perros y huesos, Planeta DeAgostini). El problema, en esta era digital, es que muchas de las dedicatorias nos las envían por Internet, con lo cual no tenemos el original, salvo en casos como el de Colo, que me hizo otro dibujo a mano, o el de Alfonso Zapico (Dublinés, Astiberri) que me envió por correo, desde Angoulême, una dedicatoria en la que reunía a los protagonistas de los tres libros que ha publicado hasta ahora (El profesor Bertenev, el joven violinista de Café Budapest y Joyce). Hay autores como Arthur de Pins (Zombillenium, Dib>buks), que ya no usan lápiz ni papel, sino que lo dibujan todo con el ordenador, con lo que la única forma de conseguir uno de sus originales es una dedicatoria en los salones, donde incluso retrata a sus fans Zombificados.

Author of the drawings in order of appearance. Autor de las dedicatorias en orden de aparición. Marc Buckingham, Ben, Stan Sakai, Greg Capullo, Azpiri, Bernet, Alonso Zapico, Mariscal, Ángel Muñoz, Miguel Brieva, Èmile Bravo, Horacio Altuna, Paco Roca, Baru, Moebius.

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promotion and for a period, previously stipulated, you draw or sign. But since we take turns, when the time is up you keep signing until you are done. The comic con itself rents little stands (of the size of a table) so the artists can sell their stuff: pages, drawings, originals... And if the artist gets a commission, he or she is charged. They are usually artists with little work or at a low point in their career. It is also true that during the drawing time there are people who charge when they are on the clock for the publishers, but it is a symbolic price to avoid having everybody queuing or reselling the drawings on eBay. I think they do it to avoid the people who sign up for everything when they see someone drawing. In fact, my wife has been asked for drawings just because she was sitting next to me. Sometimes there are whole families, of five or six members, who take up almost all your work time in that one hour. In addition to that, there are many bright sparks, storeowners, who send someone. Later, you see those drawings at their store or on eBay at a higher price. Anyway, there are a great variety of cheeky people." Finally, Barroca states that "In the major comic cons, some top artists are invited to a private room where people pay an amount of money and have the right to talk to them, get better drawings, take pictures –something much more personal. Last time I was in San Diego, people paid 30,000 pesetas for half an hour. I haven’t been there for several years, so I don’t know what they are charging now." Now that the American issue has been clarified, we have another concern. Go Nagai, the Mazinger Z (Norma) artist was criticised by the Spanish press because at the last Salón de Barcelona he didn’t do any dedicatory drawings for his fans. He only brought a hundred posters to sign. I witnessed him making a dedication while being filmed for a television channel, and later he didn’t hand over the drawing,

his team kept it. Although I also saw him drawing a Mazinger Z head for the Spain Comic team and he gave it to them. To learn about Japan’s tradition, we asked a Spanish author who lives in Tokyo, JM Ken Niimura, recent winner of the 5º International Manga Contest for Soy una matagigantes (Norma). "In Japan there is barely a tradition regarding signing sessions, and even less so in having drawings signed," says Ken. "I don’t know what the specific reason is, but selling originals is also not typical. Maybe, readers think of the comic as a final product and they are not looking for anything else. Or maybe it has to do with the Japanese concept of respect, in this particular case for the authors and their time. What I have seen here

Los dibujantes se tienen que enfrentar, a veces, a peticiones de lo más extrañas, como a aficionados que les piden personajes que no son suyos. El más solicitado, según nos confiesan Mauro Entrialgo, o Paco Roca, suele ser Batman; "Me han pedido cosas muy raras", nos contaba Paco, "Mortadelos, Capitanes Trueno y, como no, un Batman". Paco también nos confirmaba que en los grandes salones europeos los autores no suelen cobrar mientras que en Estados Unidos pensaba que sí. Algo que nos confirmaba Juan Díaz Canales (Guionista de Blacksad, Norma) al contarnos que su compañero, el dibujante Juanjo Guarnido, acababa de volver de Estados Unidos donde "Había estado firmando y se había sacado un

dinerito". Las tarifas diferían, según nos contaba Canales, de "si era un busto, una figura, una composición…". Salvador Larroca, el actual dibujante de Iron Man (Marvel-Panini) nos lo aclaró, "La mayoría de las veces no se cobra, como aquí. La editorial te lleva a hacer promoción y durante un tiempo, previamente estipulado, dibujas o firmas. Pero como es por turnos, cuando se acaba la hora, sigues firmando hasta que acabas. La propia convención de cómics alquila pequeños stands (de tamaño como una mesa) para que los artistas vendan sus cosas: páginas, dibujos, originales… Y si les encargan algo lo cobran. Suelen ser dibujantes con poco trabajo o en horas bajas. También es cierto que en su hora de dibujo hay gente que cobra cuando va por las editoriales, pero es un precio simbólico para evitar que se apunte todo el mundo en las colas o que revendan los dibujos en E-Bay, creo que lo hacen para evitar a la gente que se apunta a todo en cuanto ven a alguien dibujar. De hecho, a mi mujer le han pedido dibujos solo por estar sentada a mi lado. Y a veces hay familias enteras, de cinco o seis miembros, que copan casi todo tu trabajo de una hora. Además hay muchos listillos, dueños de tiendas, que te mandan a

alguien. Luego los ves en su tienda o eBay bastante más caros. En fin, hay una gran variedad de caraduras". Por último Barroca afirma que "En las grandes convenciones a algunos dibujantes top los invitan a una sala privada donde la gente paga una cantidad y tienen derecho a hablar contigo, conseguir mejores dibujos, hacerse fotos, algo mucho más personal. La última vez que estuve yo, en San Diego, la gente pagaba 30.000 pesetas por media hora. Hace varios años que no he vuelto y no se por cuanto andará". Aclarado el tema americano, nos surge una duda. Go Nagai, el dibujante de Mazinger Z (Norma) fue criticado en la prensa española porque en el pasado

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the most are signing sessions without dedications or drawings (the same thing Go Nagai did in Barcelona). It is also possible that since there are many more readers here, it is not feasible to offer more personal treatment. Whatever the reason, I have rarely seen readers complaining about not getting a drawing, so I believe it is something that neither authors nor readers consider as part of their exchange." JM Ken Niimura also told us an anecdote. "I think that, at a convention, I signed a volume from a Japanese author. On the one hand, I was embarrassed about signing someone else’s book, but I couldn’t do anything else when I saw the face of the kid who asked for it. I ask the author whose book I stained with my signature for forgiveness." Étienne Davodeau confessed in his recent book Los ignorantes (La Cupula) to having found some of his dedications on eBay, but he assures us that: "When a dedication is nothing other than what it is supposed to be –that is, the mark of an encounter between a reader and an author– well, the truth is that it is cool." A piece of advice: if you want dedications without having to pick a number

Salón del cómic de Barcelona no dedicó dibujos a sus fans. Sólo llevo cien pósters de Mazinger para firmar. Yo fui testigo de cómo hacía una dedicatoria para que lo grabase una televisión, y después no les dio el dibujo, sino que se lo quedó su equipo. Aunque también vi cómo dibujaba una cabeza de Mazinger Z para el equipo de Spain Cómic, y se la regaló. Para saber cual es la tradición en Japón, preguntamos a un autor español que reside en Tokio, JM Ken Niimura, reciente ganador del 5º concurso internacional de manga por Soy una matagigantes (Norma). "En Japón apenas hay tradición en el tema de sesiones de firmas, menos aún lo de tener dibujos firmados", asegura Ken, "No sé cuál será la razón concreta, pero tampoco se estila la venta de originales. Quizás los lectores consideren el cómic como el producto final y no buscan nada más. O bien tiene que ver con el concepto japonés del respeto, en este caso del autor y su tiempo. Lo que más he visto aquí son sesiones de firmas sin dedicatorias ni dibujos (justo lo que hizo Go Nagai en Barcelona). También es posible que al haber muchísimos más lectores, sea imposible ofrecer un trato más personalizado. Sea como sea, rara vez he visto a los lectores quejándose por no recibir un dibujo, así que creo que es algo que ni autores ni lectores contemplan como parte del intercambio entre ellos". JM Ken Niimura también nos contó una anécdota: "Creo que en algún salón he firmado algún tomo de un autor japonés. Por un lado me daba corte por hacer una firma en un libro que no es mío, pero no podía hacer otra cosa al ver la cara del niño que me lo pidió. Pido perdón al autor cuyo libro haya manchado con mi firma". Étienne Davodeau confiesa, en el reciente libro Los ignorantes (La Cúpula), haberse encontrado algunas de sus dedicatorias en eBay, pero asegura que: "Cuando una dedicatoria no es otra cosa que los que se supone que es, es

decir, la marca de un encuentro entre un lector y un autor, pues la verdad es que mola". Un consejo, si queréis dedicatorias sin necesidad de coger número (como ya es habitual en los salones de cómic), lo mejor es ir a las presentaciones en las librerías, a la Feria del Libro de Madrid y sitios así. En la última Feria, un autor muy conocido me confesó que apenas había firmado 6 libros en dos horas. Volviendo al tema con el que comenzaba esta nota, hablando con Diego García, uno de los fantásticos traductores que hay en el salón del cómic de Barcelona, me contó que también ejercía de traductor en el salón de Gijón y me mostró un librito lleno de dedicatorias de algunos de los mejores dibujantes del mundo. Había auténticas joyas. Y me confesó que en casa tenía otros tres. ¡Qué envidia! Y allí me encontré con un dibujo de Moebius. Tan sencillo como alucinante. Una minúscula muestra del arte de un genio.

(as it is customary at comic conventions), the best thing to do is to go to book store presentations, to Madrid’s Book Fair and places like that. At the last Fair, a very well-known author confessed he had barely signed 6 books in two hours. But let’s return to the issue this article began with. Talking to Diego García, one of the amazing translators there are at the Salón de Barcelona, he told me that he also worked as a translator at Gijon’s comic convention and he showed me a little book full of dedications from some of the best comic book artists in the world. There were authentic jewels and he confessed he had another three at home. I was so envious! And there I found a drawing from Moebius, as simple as it was mind-blowing: a minute sample of the art of a genius. Why wouldn’t I ask Moebius for a dedication?

¿Por qué no le pediría una dedicatoria?

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leer & ver

read & wacht

Lost and Found Box of Human Sensation

Martin Wallner & Stefan Leuchtenberg

Germany Alemania 2010

Awarded German independent film about emotions and their perception. The narration is neither euphemized nor dramatized that fit a classical story arc. The images on the other hand do not necessarily display reality, they represent how they fee it. Yet without being too cryptic about it, is a experimental reflection about the time consuming process of overcoming grief.

The Avant-Garde Applied La vanguardia Aplicada (1890-1950)

L’affaire des affaires El negocio de los negocios (1, 2 & 3)

Fundación Juan March eng/esp 50€

Astiberri esp 19€

vvaa

Denis Robert, Yan Lindingre & Laurent Astier

Close to 700 works by 250 avant-garde artist, typographers, and graphic designers from nearly thirty countries. These works constitute a fascinating visual history of the impact of the prevailing ideas among artists in the late nineteenth century and the first half of the twentieth. Cerca de 700 obras de 250 artistas de vanguardia, tipógrafos y diseñadores de unos treinta países, que constituyen una fascinante historia visual del impacto que tuvieron los ideales de vanguardia vigentes durante la última década del XIX y la primera mitad del siglo XX. Una visión transversal del espíritu transformador de las vanguardias.

Journalist and writer Denis Robert talks about his busy life from his experience at Libération until his research about Clearstream, explaining the processes that allow the organised crime move freely in the new economy, where investigative journalism is their main enemy. El periodista y escritor Denis Robert cuenta su agitada vida desde su paso por Libération hasta sus investigaciones sobre Clearstream, explicando los mecanismos que permiten al crimen organizado moverse a sus anchas en la nueva economía, donde el periodismo de investigación es el principal enemigo.

Premiada película independiente alemana acerca de las emociones y su percepción. La narración no es ni un eufemismo ni un drama que se ajuste a una línea argumental clásica. A su vez, las imágenes no siempre reflejan la realidad sino cómo se siente. Sin ser demasiado enigmática, es una reflexión experimental sobre el tiempo que lleva el proceso de superar el dolor.

irage

Mario von Rickenbach

http://www.mariov.ch/mirage

A lonely subaquatic tophat found a human foot and managed to get it to work. With that newly achieved autonomy, the tophat starts to explore the world, always trying to imitate its human creator. Mirage is an experimental game about a strange creature in a surreal world, nominated for "Excellence In Visual Art" at the Independent Games Festival San Francisco.

3 Seconds 3 Segundos Sins Entido esp 17€

Un solitario sombrero subacuático encuentra un pie y consigue que funcione. Con esta nueva movilidad, el sombrero comienza a explorar el mundo, tratando siempre de imitar a su creador humano. Mirage es un juego experimental, sobre una extraña criatura en un mundo surreal, nominado a "Excelencia en Artes Visuales" en el Festival Independiente de Juegos de San Francisco.

Giraffes in My Hair: A Rock ’N’ Roll Life Jirafas en mi pelo: una vida de Rock ’N’ Roll Fantagraphics eng La Cúpula esp 18€

Marc-Antoine Mathieu

Bruce Paley & Carol Swain

A hybrid work, created in the paper and in the digital version at the same time. Stretching the concept of time in a disturbing and quite thoughtful comic, this work relates the path of a photon in a small spacetime portion –a short and dense story that has a thriller tone. Obra híbrida, pensada a la vez en versión en papel y en versión digital. Estirando el concepto del tiempo con un cómic inquietante y bastante reflexivo, esta obra narra la trayectoria de un fotón en una pequeña porción de espacio-tiempo, un relato corto y denso con tintes de intriga policiaca.

Paley’s tumultuous journey through the eyes of Carol Swain, from being a Jack Kerouac-loving hippie, to shooting heroin and cocaine with the likes of rock star Johnny Thunders. A journey that mirrored the changing times as the optimism of the ’60s gave way to the nihilism of the punk years. El tumultuoso viaje de Paley a través de los ojos de Carol Swain, desde sus días como un hippie amante de Kerouac hasta el consumo de heroína y cocaína con emuladores de Johnny Thunders. Un viaje que refleja el paso del tiempo y cómo el optimismo de los años 60 dio paso al nihilismo de los años punk.

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