Lobo Suelto Nº20 Octubre 2011 by Lobo Suelto

Octubre 2011 - Nﾂｺ 20 Aﾃｱo II

LOBO SUELTO PORTADAS POLEMICAS primera parte DANNY DEVITO SELECCION DE PELICULAS TV HECHA EN CASA PROYECTOS CORDOBESES CINE: THE GIRL WOTH THE DRAGON TATTO

ROCK MOVIE: VELVET GOLDMINE

DISCOS NUEVOS/CLASICOS

OKTUBRE 25 Aﾃ前S:

LOBO SUELTO

Lobo Suelto Revista Digital

Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi

INDICE

Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Lila Martínez Ariel Britos Eugenia Ceballos Guido Cambareri Manuel Montali CC. Ivana Lorenzo Emanuel Sanabria Martín Ghisio Fotografía: Lila Martínez CC.. Nicolás Rojas

STAFF

6 Danny Devito Arte y diseño: Portadas controvertidas

Blood +

Rock Movie: Velvet Goldmine

Discos

ARTE Y DISEÑO CIAL: EGA ESPE ENTR A R E PRIM

CENSURADAS Y CONTROVERTIDAS:

Nota: CC.

PORTADAS DEL ROCK s hará libres Porque la verdad lo ndan gato y para que no les ve óximas por liebre, en las pr ometo dos notas de esta, pr las seis contarles acerca de on estertor portadas que causar stria del y revuelo en la indu arte y el rock.

Siempre sostuve la idea de que los artistas se pueden dar el lujo de ser y hacer bastantes más cosas que el resto del cuerpo social “no debería”. A costa de las consecuencias de sus actos, imágenes o palabras, son capaces y tienen con qué, para llegar más allá del bien, del mal y del que dirán, aunque la censura les tape la boca. Y por supuesto, siempre habrá alguien deseoso de sacar a la luz todos esos mensajes que en

mayor o menor medida a lo largo de los años, se han intentado esconder como mugre bajo la alfombra. Siempre existirá alguien que descubra una flor naciente en medio del barro. Convengamos que cada vez hay menos tierra que ocultar y que el fenómeno del “destape” está muy en boga. Quizás ya todo esté perdido en el ámbito de la rebeldía gráfica y su alianza con el rock, tal vez

no aparezcan más portadas que causen conmoción y destierro mediático… en ese caso, antes de caer presos de la melancolía visual, hagamos una recorrida de aquellas portadas del rock que en su momento causaron espanto, escalofríos, rechazo y controversia. Y por supuesto, no subestimemos los nuevos medios de comunicación y las extrañas formas en que los artistas buscan expresarse y transmitir un concepto. No todo está perdido.

Hay revolución para rato. Como decía Jack Kerouack, esto es para los locos, los inadaptados, los rebeldes, los alborotadores, los que no encajan, los que ven las cosas de una manera diferente. Los podemos citar, no estar de acuerdo con ellos, glorificarlos o vilipendiarlos. Pero lo que no podemos hacer es ignorarlos.

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Víctima de la robótica. Guns n’ roses, Apettite for destruction Para comenzar me inclino por esta portada porque le tengo un especial aprecio gráfico. Mi primer laburo de diseño fue para un sello discográfico independiente y esta portada me acompaño hasta el último desarrollo que hice. Para ese entonces, podía decirse que ya era una incipiente e inspirada artista gráfica. Si bien para Williams fue bastante más fácil que para mi (a mi laburo no lo conocía ni el loro y no llegaba más allá de Bs. As.) si hubiese tenido el tupé de proponer una portada con un robot violador y una mujer ultrajada… Cuando esta portada sale a la

luz de los medios, la cadena MTV se niega a mostrar los videos del disco, simplemente por la ilustración. Los forrajidos (y Geffen records) deciden cambiar la carátula que termina siendo la emblemática cruz con los cráneos de cada uno de los miembros. Sin embargo, se las rebuscaron para que apareciera en los interiores del booklet, lo cual, al menos para mi, fue como encontrar un suculento relleno inesperado, dentro de un disco que devoré durante años. Gracias a esta figuración del apetito por la destrucción, Robert llega a hacerse conocido

fuera de su ámbito de cabecera que era el cómic, contexto en el que se codeaba con altos personajes como Robert Crumb o Gilbert Shelton y en el que se destacaba especialmente por sus ilustraciones pop-psicodélicas, absurdas, brutales y con grandes dosis de contenido sexual explícito. Al día, esta ilustración es portada de uno de sus mejores libros de arte “The long arte of Robert Williams.” A juzgar por sus propias retinas, cheken su website: http://www.robtwilliamsstudio. com/

Dedos pegajosos, The Rolling Stones

Qué decir de una portada como esta… No te olvides de mirarle los zapatos… Ni siquiera fue necesario que el nombre de la banda figurara lo suficientemente grande como para gritar, hey aquí estamos, somos nosotros. De la mano del talentosísimo Andy Warhol, este disco aparece en el mercado en 1971, pero con la farmacia abierta; en un principio la cremallera del vaquero estaba baja hasta que finalmente fue censurada en España y se sustituye por otra en la que salían

unos dedos del interior de una lata de melaza. Obvio y aburrido recurso que deja en el olvido una fotografía tan expresiva y cargada de ese dulce doble mensaje de uno de los artistas gráficos más grandes de la historia. Para la esperanza de muchos, les cuento que en el 2003 VH1 la elije como primera en la lista de las 50 tapas más originales. Chupáte esa mandarina.

Virgin Killers, Scorpions.

Por algún extraño fenómeno de la psiquis humana, parece ser que a mientras más se prohíba el consumo de algo, más prensa se le otorga y más curiosidad genera en las masas. Esto fue lo que sucedió con esta portada que data de 1976. Pero el quilombo llegó bastantes años mas tarde. Gracias al furor de la era digital y el manejo responsable de la seguridad informática, en el 2008 la IWF, organización no gubernamental del Reino Unido, (Fundación de vigilancia en Internet por sus siglas en inglés),

vuelve a destapar una olla de escorpiones podridos y condena a la gran Wikipedia por haber colocado esta portada dentro de las imágenes ilustrativas para sus artículos relacionados. Wikipedia y los Escorpiones caen directo en una lista negra, se bloquean todos los accesos a estas wikinotas y se genera un rumor imposible de manejar. De todas maneras, una pila de años anteriores la imagen, definida como “potencialmente ilegal / sobre abuso sexual de menores” según la IWF, se difunde por el mundo entero en una

hermosa caja con diseño especial y edición de lujo. Y a la final, en el transcurso de 48 hs. el organismo vigilante se vio obligado a levantar la condena, porque para esa hora era tal la intriga de la gente, que la búsqueda de la imagen de la portada en Internet había crecido de manera exponencial. 

Son varios los dichos populares que advierten sobre las secuelas, acusándolas incluso de volverse como una marea sobre la trama original para atentar contra su legado. Mucho de mareas y este tipo de defectos se encuentran en “Pirates of the Caribbean 4: On Stranger Tides”, dirigida por Rob Marshall. La originalidad de los personajes que tantas buenas críticas le valió en principio, como el particular carácter etílico del pirata principal, Jack Sparrow (Johnny Depp), tras cuatro episodios termina perdiendo la gracia y convirtiéndose en un hecho predecible, como lo son otro cameo de Keith Richards y el juego de seducción-rechazo que entabla el Capitán del Perla Negra con un antiguo amor de su pasado y nuevo personaje de la saga, la pirata Angélica (Penélope Cruz), quien ha venido a reemplazar a la

histérica Elizabeth Swann (Keira Knightley), con quien se ha ido también -por suerte- el inútil de Will Turner (Orlando Bloom). No obstante, esta cuarta aparición cuyo eje principal es la búsqueda de la tan ansiada fuente de la juventud, tiene el atractivo de regresar precisamente a sus fuentes, es decir, a los parámetros del primer episodio, “La Maldición del Perla Negra”, tratando el capítulo como un unitario que, si bien deja la escotilla abierta para una próxima secuela, resuelve la mayoría de sus conflictos, sin incursiones por terrenos intrincados y no del todo firmes como “El cofre del hombre muerto” y “En el fin del mundo”. La revisión de misterios y hallazgos clásicos en los mares del mundo siguen siendo uno de los fuertes de la saga de Walt Disney, en este caso a partir de

Nota: Manuel Montali

V T y Cine

peliculas de director

seleccion de peliculas:

DANNY DEVITO

Nota: Guido Cambareri

Danny DeVito es un actor noventoso por excelencia. A pesar de la explotación de su cara y sus papeles que no podrían ser interpretados por otras personas, Danny se ha plantado detrás de las cámaras en diferentes ocasiones para mostrar su formación estilística, su curiosa narración y las ideas retorcidas que dan vuelta por su cabeza. Lobo Suelto te recomienda algunas piezas de este enano, plenas en personajes paranoicos, humor negro y venganzas de dibujos animados.

Throw Momma from the Train (1987. Guionada por Stu Silver sobre una adaptación del libro Strangers on a Train de Patricia Highsmith y la película homónima de Alfred Hitchcook) Larry (Billy Cristal), es un escritor que se haya frente al cadáver de su carrera. Está bloqueado frente a la nueva novela que tiene que escribir y su ex mujer le robo el manuscrito de su obra maestra, acreditándosela ella y transformándola en un bestseller. A la vez, es profesor de un curso de literatura para adultos con una fauna de fracasados y pervertidos como alumnos. Entre ellos se encuentra el silencioso e introvertido Owen (Danny DeVito), un tipo sometido por su madre huraña y odiosa que no lo deja vivir tranquilo, golpeándolo y acosándolo en cada acto de su vida cotidiana, transformándosela en un infierno. La idea del asesinato ronda la cabecita de Owen y se ve reflejada en los patéticos cuentos que escribe para las clases. Una noche, alumno y profesor tienen una charla en la que Larry le da a Owen explicaciones sobre el tratamiento de una novela de crimen. Owen malinterpreta la conversación y cree entender un trato implícito de intercambio de asesinatos. Ambos tienen a alguien a quien eliminar y Owen está dispuesto a cumplir su parte. DeVito conduce la relación entre Larry y Owen en una divertida evolución paulatina. Dos personas completamente distintas que se ven implicadas en un extraño plan, hablando de matar gente como si hablaran de cosas cotidianas. Al ser una comedia de humor negro le sirve a Danny para explorar todos los lugares comunes del género y para laburar con los clichés de suspense típico como las sombras a través de las cortinas o los primeros planos de alguien empuñando un arma blanca. La musicalización como cable conductor entre las escenas y, sobre todo, como generadora de climax es una constante en las películas de Danny deVito, sentando sus bases en el cine clásico, sin grietas y con una historia para contar.

Matilda (1996. Basada en la novela homónima de Roald Dahl) Matilda es la adaptación de un libro escrito a finales de los ’80 por Roald Dahl, autor de varios clásicos norteamericanos para niños adaptados a la pantalla grande como Willy Wonka & the Chocolate Factory (filmado por Mel Stuart en el ’71 y por Tim Burton en el 2005) y James and the Giant Peach (de 1996, dirigida en stop-motion por Henry Selick para Disney y producida por Burton, un adepto a la literatura infantil y las representaciones fantásticas). Con solo 6 años, Matilda Wormwood se da cuenta de que es más inteligente que el resto y que tiene capacidades que rondan lo prodigioso. Tanto sus padres como la mayoría de los adultos que circulan por su mundo son seres despreciables, codiciosos y humillantes, que la menosprecian y se olvidan de su existencia sistemáticamente. Pero todo cambia en el momento que esta niña descubre sus poderes psíquicos y decide utilizarlos para darles una venganza a todos aquellos que pisotean a los chicos y no creen en la magia. DeVito genera eficazmente un ambiente fantástico alrededor de Matilda. Los colores planos en la fotografía dibujan esa aura de cuento alrededor del film. En las tomas, Danny experimenta con el uso de distintos angulares, logrando oníricas representaciones en momentos donde la película se pone fantástica. Muchas escenas son inquietantes por el grado de perturbación a la que someten a la pobre Matilda entre sus padres y la castradora directora de su colegio y la castradora directora (que utiliza métodos de tortura carcelarios con muchos de sus alumnos). Más allá de eso, y a pesar del buen teaming que tiene, la película califica solo como infantil. Sin embargo, logra llevarse varias palmas cuando

hacemos memoria y nos damos cuenta que fue una de las ultimas (y mejores) películas para chicos donde la comedia se mezcla con lo ridículamente infantil, los personajes grotescos son grotescos por ser demasiado humanos y el desenlace de la trama son la puesta en escena de las fantasías de una nena de seis años volviéndose realidad. Es inevitable ver (a la luz del tiempo y la madurez) las relaciones temáticas que se pueden encontrar entre esta película y Carrie, dirigida por Brian de Palma en el ’76 y basada en la novela homónima de Stephen King publicada en el ’74, mas de 10 años antes de que Dahl escribiera Matilda, la novela. En Carrie una adolescente sometida también descubría sus poderes telequinéticos impulsado por sus estallidos de ira. Su venganza resultaba algo ceiertamente más heavy que la de Matilda.

Filmo grafía de DeV direct ito com or de c o ine: 1987 – Throw M omma fr (con Billy om the T Cristal y rain Anne Ra msey) 1989 – The war of Roses Michael (con Douglas y Kathle en Turne r) 1992 – Hoffa (c on Jack Nicholso n) 1996 – Matilda (con Ma ra Wilso n) 2002 – Death to Smooch Edward y (con Norton y Robin W illiams) 2003 – Dúplex (c on Ben S Barrymo tiller y D re) rew

Death to Smoochy (2002. Escrita por Adam Resnick) Rainbow Randolph (Robin Williams) es el ídolo de los chicos. A pesar de eso (o gracias a eso) este divertido payaso no es el mismo frente a las cámaras que detrás de ellas. En bambalinas se transforma en una persona grosera y maleducada, una especie de payaso Krusty que solo le importa el dinero y su bienestar. Sorpresivamente cae en una redada del FBI, manchando a la cadena de televisión para la cual trabaja y a todo su círculo de allegados. KidNet, la compañía que lo transmitía, decide buscar a una cara nueva para que los saque del pozo en el que Rainbow los metió. Así conocen a Sheldon Mopes (Edward Norton), quien encarna al Rinoceronte Smoochy, la antítesis de Rainbow. Sin embargo Mopes es una persona realmente buena y quiere romper la relación entre su programa y personajes con todo lo que significa el mercado infantil de la explotación de productos que enriquece a las grandes compañías. Muy pronto se da cuenta de que no es tan fácil. Las mafias lo empiezan a apretar. Pronto Smoochy se convertirá en la cabeza más buscada entre las sombrías maquinaciones de los poderosos y sólo una idea será concreta: “hay que eliminar al rinoceronte”. La estructura de la película es vertiginosa como el mundo de la televisión en vivo, con escenarios que se montan y se desarman fácilmente, con iconos instantáneos y poder. Los giros sorpresivos y grandilocuentes, sin ninguna mesura. Los personajes de Rainbow y Smoochy son construidos de una manera tan clara como solo las comedias lo pueden hacer. Ubicándolos en lugares antagónicos, los protagonistas van en un camino zigzagueante dentro del show bussiness y la popularidad de convertirse en estrellas de la tele.

Dúplex (2003. Escrita por Larry Doyle) Una pareja de recién casados está buscando su verdadero nidito de amor. Después de probar varias opciones encuentran un departamento de ensueño a un precio increíblemente barato. El tema es que es un dúplex, un gran apartamento de dos pisos y arriba vive la señora Connelly. La joven pareja lo alquila sin dudarlo. ¿Cómo podría molestarlos una vieja que tiene como cien años y que en cualquier momento puede estirar la pata y dejarlos solos con tremendo caserón? Pero la señora Connelly no está tan en las últimas cómo parece. Y tampoco es la primera vez que se enfrenta a nuevos propietarios. Pronto la vida de esta dulce pareja se torna un infierno y la idea de deshacerse de la vieja se transforma en una obsesión insana. Danny retoma varios tópicos de Tira a mama del tren en Duplex. El aire de thriller por ratos domina a la atmosfera de comedia psicópata, que gira en torno a chistes de desprecio por el otro y a gags de “cazador-cazado”. De nuevo la idea de dos personas comunes involucradas en un asesinato, planeando estrategias infalibles es lo que tonifica la película, haciendo que las psicopatías se incrementen en el otro. El asunto de matar a una vieja encierra perfectamente una y otra vez dentro de los parámetros de humor negro de Danny DeVito, que juega con la aparente debilidad de los ancianos pero con la capacidad que tienen para llegar a enloquecer a alguien. En cuanto a las actuaciones, ya todos conocemos las caras de Ben Stiller, un tipo entre goma y simpático, aquí vuelve a hacer si personaje más frecuente: el tipo al que todo le sale mal y que se come toda la mala suerte del guión. La que está realmente hermosa es Drew Barrymore, quien describe la película ella sola con su carita. Cinta ideal para poner el DVD a las chapas y despertar a los vecinos molestos. 

cine

the girl with the dragon tatoo Nota: Ivana Lorenzo

Basada en la novela sueca de Stieg Larsson “Los hombres que no amaban a las mujeres” (traducción al español de Män som hatar kvinnor, literalmente Hombres que odian a mujeres), es una película estrenada en el año 2009 y es la primera parte de la Trilogía Millennium. Está dirigida por Niels Arden Oplev y protagonizada por Michael Nyqvist (interpreta a Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander) y Lena Endre (Erika Berger).

Lejos de los romances hollywoodenses, de príncipes y princesas, de grandes despliegues de acción y ciencia ficción, The Girl with the Dragon Tattoo (título adaptado de “Los hombres que no amaban a las mujeres”) se para en la vereda de enfrente, y nos propone un cine totalmente opuesto. Una mirada oscura y sucia de cómo los hombres, especialmente suecos, tratan a

las mujeres. El film se sitúa en un complicado e intrincado fraude financiero internacional y en el mal enterrado pasado de una familia adinerada y su imperio industrial. Todo empieza con la sentencia de Mikael Blomkvist (periodista e investigador de la revista Millennium) por difamar al empresario Wennerström.

Aprovechando la situación, Henrik Vanger, ex-director de la Corporación Vanger, una de las empresas más importantes de Suecia, investiga las capacidades y pasado de Blomkvist. Contrata los servicios de Milton Security (empresa de seguridad) y es Lisbeth Salander (un hacker actuando bajo el pseudónimo

de “Wasp”) quien se encarga de indagar en los más profundos secretos del periodista. Vanger, una vez que conoce los resultados de la investigación, contrata a Blomkvist y le propone un trato: investigar la desaparición de su sobrina, Harriet, que ha sido dada por muerta allá por 1966. Blomkvist accede, a cambio de información reveladora sobre el empresario Wenneström y así poder limpiar su nombre y carrera. La historia continúa en un pequeño pueblo de Hedestad, al norte de Suecia y principal residencia del clan Vanger. En esta familia hay varias disputas graves: el reparto de las acciones de la compañía entre muchos socios minoritarios que son todos parientes; el pasado nazi de varios de sus miembros; y la clave del misterio en torno a Harriet Vanger. A medida que Blomkvist

arma la trama de esta familia, llega a una encrucijada que no puede resolver y es allí donde Lisbeth (que no había dejado de investigarlo) entra en escena. Fumadora empedernida y de tendencias bisexuales, poseedora de una inteligencia extraordinaria y memoria fotográfica. Será la pareja perfecta para ayudar a Blomkvist en la investigación. La película va entrelazando ambas historias, por un lado la de Harriet y su pasado familiar lleno de intriga y abusos, y por el otro la de Lisbeth que siente un odio patológico hacia los hombres que maltratan a las mujeres, fruto de abusos sexuales y de toda índole en su infancia y adolescencia. El film reproduce la oscura atmósfera de drama y misterio en torno a una investigación policial. Pero no solo eso, muestra la mirada cruel y sádica de los

hombres y su trato hacia las mujeres, como aquel “sexo débil” que por naturaleza debe ser sometido y doblegado. La otra cara de la sociedad globalizada que se basa en la igualdad como nuevo mecanismo de exclusión y violencia. Recomendable para más de uno. 

Mirá e

Trilogía Millennium Män som hatar kvinnor (2005). Publicada en castellano con el título: Los hombres que no amaban a las mujeres. Flickan som lekte med elden (2006). Publicada en castellano con el título: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina. Luftslottet som sprängdes (2007). Publicada en castellano con el título: La reina en el palacio de las corrientes de aire.

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ROCK MOVIE

VELVET GOLDMINE El significado no esta en las cosas, sino entre ellas. Norman brown Nota: Victoria Clementi

Una verdadera película de culto, un diamante intertextual que imprime en cada escena una suerte de conexiones exigentes e intelectuales, acompañada de grandes derroches de nostalgia y melancolía de épocas pasadas. En “Velvet Goldmine”, se intenta revivir una era que cambiaría el futuro de la música y aspectos específicos del mundo. Una puesta en escena característica, que nos hace asimilar directamente un episodio en la historia del rock, algunas veces olvidado, y hasta otras oportunidades desvalorizado.

David Bowie… ¿Les suena? Él fue la inspiración principal para rodar este film, que sin querer, terminó siendo lo que podemos ver. Digo esto, porque en realidad Todd Hynes (director), quería realizar una biografía del pionero del glam rock, pero el protagonista no quiso ya que tenía en mente algo parecido. Es así, que Hynes y James Lions, se vieron en el trabajo de reformular toda una historia, creando una producción original, con personajes ya conocidos pero con nombres distintos. Lo más sobresaliente de esta producción es la interrelación de textos que se entretejen anacrónicamente, y además, el mensaje de libertad y rebeldía plasmada a lo largo de su trama, que vale decir, no es tan fácil de comprender en una primer mirada, ya que de esa manera da la

impresión, de que fuera un largo videoclip, de temas enganchados y escenas inconexas, que al final de todo toma una forma que deja que pensar. El film se encabeza con escenas cruciales para comprender el resto de la cinta. Nos bosqueja en el año 1854, la llegada de una nave espacial a Inglaterra, para

dejar a un ser de otro planeta con un prendedor de esmeralda en la puerta de la casa de los Wilde… El bebé iba a llamarse, justamente, Oscar Wilde y se distinguiría de todos los demás niños. No quería ser abogado, ni camionero, ni panadero… quería ser “ídolo del pop”. Pasaron cien años, y unos chicos en el colegio, le pegan a

otro por ser extraño, ese niño encontraría el prendedor verde perteneciente a Wilde y obtendría así su sucesión. ¿Quién pensaría que todo este comienzo nos llevaría a la gloriosa época del glamour en los 70? Pero ahí estamos, conociendo a un rockero con boa en el cuello y traje de leopardo. Ese es Brian Slade, que con su personaje, Maxwell Demon, encanta a una generación que ahora le copia cada movimiento. Él es el primero en mostrar, que el ser homosexual no es raro, y hasta puede ser divertido. Así comienza una nueva liberación sexual, que ya había dado sus primeros pasos en los 60. Desgraciadamente, la estrella termina estrellada, como todo astro que asciende fugazmente. Desde el pedido de su manager, se monta una escena donde

a le pegan un disparo y cae desplomado en el suelo, desparramando plumas por doquier… pero era sólo eso, un montaje, un movimiento de publicidad que termina saliendo por la culata. Seguramente, ya estarán relacionando esto con el disco de Bowie “The rise and fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars”, y están en lo cierto. Esta es una de las primeras relaciones que se pueden apreciar a simple vista. Otra de los elementos biográficos del vanguardista, es el tema relacionado a la homosexualidad, que él mismo había anunciado en el año 72 a una periodista (Melody Maker). Ese momento es retratado de forma similar en la película. Otro reconocido de la época que se muestra esbozado en el film, es Iggy Pop, con su personaje ficticio Curt Wild, que junto a Brian Slade

trabajan en conjunto y tienen un amorío que transita por todo el film. La narración está realizada básicamente, como el clásico de Orson Welles, “Citizen Kane” (El ciudadano Kane), donde a uno de los personajes le encomiendan la resolución de un caso y él es el encargado de entrevistar a informantes claves, para reconstruir la historia. Esto se aplica cuando al periodista Arthur Stuart, le ordenan investigar que es de la vida del que había sido ídolo del glam en los 70, diez años después del episodio donde es baleado y desaparece. Arthur (que había sido fanático hasta el hartazgo de este rey de la vanguardia), se va en busca de los personajes más cercanos en la vida de Slade, pero ahora en un clima hóstil, donde los colores se apagan y la que fue la música

de batalla de una época, se había vuelto a favor de la campaña de un gobierno mediocre. Concluyendo, en este film, se ponen al desnudo temas que todavía se debaten, como la libertad de elección sexual o cualquier otro tipo de elección; de ser como queremos ser, como nos gusta, sin tapujos. Muestra que en esos tiempos muchos salieron del closet para mostrar su verdadero ser. También se destaca en la película, que al pasar 10 años, la sociedad vuelve a reprimirse y cerrarse, pero las cuestiones que algún momento son reveladas, tarde o temprano vuelven a salir a la luz, aunque hasta el día de hoy siguen peleando su asimilación colectiva. 

Mirá el trailer

tv local

tv hecha en casa Nota: Eugenia Ceballos

Para desacostumbrarnos a ver producciones unitarias, ampliar el horizonte y demostrar que en Córdoba hay mucha tela para cortar. El martes 27 de octubre se presentaron en la capilla del Buen Pastor las producciones televisivas cordobesas ganadoras del concurso para la promoción de contenidos audiovisuales digitales organizado por el Incaa en el 2010. El concurso se dio a conocer en junio del año pasado y finalizó en diciembre, siendo Córdoba una de las provincias que más productos presentó, con

un saldo de más de 10 de ellos ganadores y dejando demostrado que desde el centro del país hay mucho para dar. Germán Calvi, coordinador de contenidos para televisión el Incaa, fue quien tomó el estandarte en la presentación haciendo referencia al impulso que dio la Ley de medios para descentralizar y abrir el panorama para este tipo de

producciones. Otros de los disertantes fueron Alejandra Zapata, del consejo asesor del Sistema Argentino de Televisión Digital y de Esteban Falcón, presidente de los SRT de la UNC quien declaró: “Estamos realizando una fuerte apuesta, tenemos una de las universidades mas antiguas del país, Escuela de ciencias de la Información, facultad de cine y un canal universitario, contamos con los medios necesarios para demostrar lo que somos capaces de hacer” , también apeló a los anunciantes para que apoyen y valoren el esfuerzo que se está haciendo,

y con mucha razón, teniendo en cuenta que una de las causas por las cuales las producciones televisivas en córdoba carecen de calidad técnica, es por la falta de pauta publicitaria. Las tres producciones elegidas para sumarse a la grilla de Canal 10 a partir de este mes son Edén (Oruga Films) y La Purga (Garabato producciones) dos ficcionales que a juzgar por sus trailers, prometen y mucho; y un documental La 40, producido por Atrox, las tres fueron coproducidas por el canal Universitario. Sin ánimos de adular, las tres producciones prometen mucho, tanto en contenido como técnicamente, apostando a técnicos y actores cordobeses, producciones locales que demuestran que con respaldo económico tenemos poco que envidiarle a la capital.

Una historia escondida en las sierras Entre las sierras del cuadrado en la localidad de La Falda a fines del 1800 se construyó el hotel Edén, con afanes de ser uno de los alojamientos más lujosos del mundo. La serie ficcional recorre durante 13 capítulos la historia de los Herzig, la familia que compró el gran hotel para colaborar con los gobiernos de Europa y en especial Alemania. Tanto en la ficción como en la realidad se constatan la presencia de grandes personalidades entre ellas, Príncipe de Gales, el de Saboya, Albert Einstein, los presidentes argentinos Julio A Roca y Figueroa Alcorta. Edén promete una gran escenografía y ambientación del legendario hotel, está dirigida por Maximiliano Baldi y estrena el lunes 3 de Octubre a las 23.30 hs por Canal 10.

Una de Policías Para quienes esperan ver peleas, disparos y piñas en escenario cordobés, está La Purga. Un policial dirigido por Pablo Brusa y Claudio Rosa, cuenta la historia de un forastero con un durísimo drama familiar que, casi por azar, termina en el tradicional barrio orillando La Cañada. Estrena el miércoles 12 a las 23.30 por Canal 10.

De Ushuaia a La Quiaca El martes 11 de Octubre se estrenará la serie documental La 40. La historia se narra desde arriba de un colectivo que recorre la ruta 40 atravesando 11 provincias de nuestro país. Los tripulantes son 5 artistas que durante 33 días de viaje convierten al micro en un centro cultural itinerante. El director, Pepe Tobal, se mostró muy optimista bajo el cielo de la capilla del Buen Pastor, “participamos todos de este proyecto que es imparable” y recalcando que se necesita de la participación colectiva para que las leyes sean genuinas. 

Y no se t

ermina a

hí…

Para el 20 12 se pla nea que lleguen a la pantall a chica: “Argentin os por ad o pción”, “Reforzan do identid a d”, “El ‘Che’ cord obés”, “C orazón de vinilo” (sitcom te atral presentad a en el 20 0 8 en el Cine Club Mun ic ipal Hugo del Carril), “L a otras Pon ce”, “Córd oba casting”, “Los mág ic os” y “Nosotros los camp esinos”, “Popular y cordobé s” y “Luz mediterrá nea”,

serie

EL HOMBRE DE TU VIDA:

CAMPANELLA LO HIZO DE NUEVO Nota: Manuel Montali

Combinar la ternura, el humor, el drama y el compromiso social en televisi贸n, sin caer en la superficialidad en que esta 煤ltima veta suele incurrir, parece una causa perdida para la televisi贸n argentina que sale a la vanguardia de la lucha por el rating. La picadora de carne jugosa que reclama tetas, culos y quilombo parece dejar poco espacio a series que apuntan a otro tipo de contenido, series que en algunos casos, logran salir airosas de esta osad铆a.

Entre los bodrios que los canales centrales han ofrecido a lo largo de este año, contabilizando la redundante “Herederos de una venganza”, la poco memorable “Un año para recordar”, el combo de carilindos de “Los únicos” y “El Elegido”, que inmoló sus virtudes iniciales, tal vez “El hombre de tu vida” (domingos 22.15, Telefé) sea el producto mejor logrado, por encima de otras interesantes alternativas, como “El Puntero” o “Recordando el Show de Alejandro Molina”. La tira con supervisión general de Juan José Campanella y guión escrito en conjunto con Marcela Guerty, en su primera temporada supo combinar el visto bueno de la taquilla y un contenido atrapante para toda la familia, demostrando que ni los galanes ni las escenas hot son requisitos indispensables para las ficciones de pantalla

chica. Párrafo aparte merecen las actuaciones de Guillermo Francella y Mercedes Morán que, si bien hacen uso de algunos de sus guiños y morisquetas clásicas, dan vida a ese género de personajes frescos y entrañables, tanto sea por la gracia alegre de uno como por el cinismo de la otra. Junto a ellos, sobresale Luis Brandoni, quien desde su rol secundario de sacerdote “aggiornado” eclipsa en cada aparición a las estrellas del elenco. Además, cabe decir que los personajes invitados -con la lamentable excepción del ¿sex symbol? bueno para nada de Matías Alé- no les fueron en zaga. Es cierto, la trama principal puede aparecer como algo traída de los pelos: Hugo Bermúdez (Francella), un desempleado de cuidad amoral acepta formar parte de la loca agencia de su

prima Gloria Pinotti (Morán), quien por una determinada cifra de dinero va ofreciendo “el hombre de tu vida” para mujeres desesperadas. El personaje de Francella debe entonces trabajar como el camaleón que se adapte al estereotipo que pretende cada clienta, para curar sus penas de amor y luego desencantarlas, dejándolas no obstante

satisfechas y listas para iniciar una nueva relación. La expiación de sus culpas llega luego de la mano del sacerdote compuesto por Brandoni, un religioso del siglo XXI cuya fe es a prueba de los pecados en que incurre. Pese a que el éxito que va cosechando esta particular empresa puede parecer poco creíble, el guión va adentrándose

en la intimidad de los personajes, volviéndose costumbrista y haciendo del eje de la historia apenas la excusa para dilucidar algunos de los muchos vericuetos de las relaciones amorosas, al mejor estilo Woody Allen. Claro está, la mano de Campanella y la comodidad que encuentra en los formatos del tipo norteamericano no suponen un detalle menor. Del

mismo modo, el carácter semanal de la tira la alejó de la lucha encarnizada del minuto a minuto, dejándole mayor espacio para explotar sus virtudes y evitando los siempre tan poco originales timonazos de guión que van sufriendo las novelas diarias. La tira incluso se dio el lujo de

abordar temáticas sociales y de actualidad sin caer en la falsa moral, como fueron los episodios que trataron las capacidades especiales, el divorcio, la homosexualidad, vejez, infidelidad, viudez y demás condimentos que hacen a las relaciones humanas. Original, ocurrente, divertida,

emotiva… “El hombre de tu vida” tiene todos los atributos para guardar los pochoclos en espera de una nueva temporada. 

serie

BLOOD + : PROYECTO DELTA 67 Nota: Ivana Lorenzo

Blood+ es un anime japonés producido por Production I.G y Aniplex y dirigido por Junichi Fujisaku. La serie fue lanzada en Japón el 8 de octubre del 2005 y el episodio final el 23 de septiembre de 2006. Con un total de 50 capítulos blood+ dista de ser un anime como cualquier otro. La historia de Saya Otonashi se ambienta en la isla de Okinawa. Ella vive como una adolecente promedio, asiste a clases y tiene una familia feliz. Vive junto a su padre adoptivo y sus dos hermanos Kai y Riku Miyagusuku. Pero hay particularidades en

Saya, que sin lugar a dudas, nos van marcando que no todo es normal y ordinario en la vida de esta adolecente. En primer lugar no recuerda nada sobre su vida, ni tiene recuerdos definidos de su pasado y, sumado a ello, tiene que recibir transfusiones de

sangre constantemente por sus altos niveles de anemia. Todo su entorno cambia radicalmente cuando es atacada por un quiróptero (vampiro en el manga) en las inmediaciones de su colegio. Este suceso marca un antes y un después y presenta a los espectadores el comienzo de una aventura inigualable. De quirópteros, reinas y caballeros Los quirópteros son criaturas hematófagos como murciélagos que viven de la sangre humana. Poseen grandes habilidades

sobrenaturales (como la curación instantánea), fuerza y rapidez. Son creados a partir de la sangre de la reina de los quirópteros, en esta serie hay dos. La particularidad de estas criaturas es que pueden ser destruidos rápidamente si entran en contacto con la sangre de la reina contraria a la de su creador. Existen diferentes niveles de jerarquía entre estas criaturas, por ende, diferente son los poderes y habilidades dependiendo del “rango”. Algunos son capaces de transformar su propio cuerpo (para volar o para atacar con más velocidad) y otros pueden tomar forma humana. Si bien son difíciles de matar no son imposibles de destruir. La existencia de estas criaturas es encubierta por el gobierno de Okinawa con la ayuda del gobierno de los Estados Unidos, que, mediante operaciones especiales encubren

los asesinatos producidos por estas criaturas. Pero también existen quirópteros artificiales creados en el proyecto Delta 67 (proyecto avalado por el gobierno de los estados unidos y el grupo Cinq Flèches) estas son criaturas del primer nivel que solo actúan por instinto. La serie sigue su curso y Saya deja de ser aquella adolecente ordinaria y simple. No solo debe enfrentar el ataque de un quiróptero en su colegio, también debe enfrentar la muerte de su padre (que tras ser mordido por una de estas criaturas, se convierte el uno de ellos) y darse cuenta que su sangre puede matar definitivamente a estas bestias. Esta nueva revelación viene de la mano de Hagi. Él es un caballero, un quiróptero de segundo rango, (son creados al beber sangre de

una de las reinas y juran así, su devoción y protección) que le proporciona a Saya una Katana con la que podrá enfrentar a los quirópteros. Esta serie de sucesos revela que Saya es una de las reinas de los quirópteros nacida en 1833 y que ha sobrevivido gracias al consumo de sangre humana. Pero esto no termina allí, la adolecente proviene de un linaje supremo y poderoso de quirópteros que nacen, cada tantos milenios, como gemelos. No solo Saya se entera de su real naturaleza, también descubre que posee una hermana gemela llamada Diva, que la única forma de diferenciarlas es por el color de sus ojos, (Diva posee unos ojos azules), ambas enfrentadas y con un único objetivo en común: eliminarse una a la otra. La vida de Saya cambia rotundamente

y sin retorno. Un anime que de seguro atrapara a más de uno. Altamente recomendable. 

MAS INFO Podés ver los episodios de Blood+ por internet en esta página http://www.ver-anime.net/anime/blood.html

TV serie RETRO

montaña rusa (1994 - 1995) Nota: Ariel Britos

Montaña Rusa fue un clásico dentro de las novelas juveniles de los 90s, comenzando tímidamente hasta llegar a lograr picos de ráting para el horario de la merienda. Daba la impresión que era el programa sucesor de “Jugate Conmigo” en cuanto a captar la atención de los más jóvenes. Justo cuando Jugate decrecía en popularidad, apareció Montaña para ocupar su lugar. La novela arrancó por Canal 13

en abril de 1994 y la historia de entrada pintaba interesante con un toque prohibido: se centraba en una pareja de medio-hermanos que se enamoran. Ellos eran Alejandro, hijo veinteañero de Guillermo, un abogado que se casa y se va a vivir con Lily, la madre de Mariana, una colegiala de 16. La sensación generalizada era que la historia podría haberse pulido mucho más, las tramas secundarias siempre tardaban más de un mes en resolverse y se

volvían tediosas (ello explica que haya durado casi 2 años), o se les daba demasiada importancia a subhistorias que no tenían nada de interesante para aportar, además de situaciones bizarras o con poco sentido. Los conflictos que generaron las escenas más memorables de la serie fueron cuando Mariana se escapó de la casa para ir a verlo a Alejandro a Cancún en el cierre de la primera temporada, lo que motivó que su madre en un rapto de locura la internara en

un colegio pupilo (en vacaciones) a su regreso o también cuando promediando la segunda temporada Mariana conoce a Federico, un médico en su viaje a Bariloche y decide casarse a solo días de conocerlo. Alejandro interrumpe la boda y escapan juntos. Incluso las mejores escenas de la novela quedan manchadas por situaciones sin sentido. Nunca podría imaginarse en la vida real que un prestigioso médico pierda la cabeza por una colegiala histérica y se vuelva un asesino en potencia por la humillación que le significó no casarse con ella, o la locura temporal de una persona aparentemente normal y equilibrada como lo era Lily. La novela terminó en diciembre de 1995 con la pareja central de la historia encarnados por Nancy Duplaá y Gastón Pauls

felizmente casados. Esta novela fue un trampolín a la fama no sólo para los mencionados sino también para Esteban Prol, Carla Peterson, Federico Olivera, Malena Solda y Diego Ramos entre otros talentosos y reconocidos actores que daban sus primeros pasos en el mundo de la tele.  EL ELENCO: Nancy Duplaá Gastón Pauls Malena Solda Sebastián de Caro Esteban Prol Claudia de la Calle Federico Olivera Eric Grimberg María Celeste Pisapia Diego Ramos Betina O Connell Beatriz Spelzini Horacio Peña

literatura

El ‘gorilaje’ literario ante el enigma de “Casa Tomada” Nota: Manuel Montali

Una de las mayores exigencias para toda obra artística es que la misma posea cierto campo simbólico variable, que permita al “público” una interpretación o lectura en términos personales, la expropiación del “aura” de la obra, la degustación cuya antítesis es la comida masticada de la célebre anécdota entre un maestro y su discípulo. Estas múltiples interpretaciones de las que puede disponer una creación artística son, para ciertos amantes de las estadísticas, las variables que determinan su riqueza, en una suerte de fórmula “a mayor cantidad de lecturas factibles, mayor riqueza artística”. La propia interpretación del autor muchas veces es apenas “una más”, situada a la par de las que se generan con el paso de la obra de generación en generación. Carlos “El Indio” Solari, autor de una centena de las poesías más complejas y ambiguas del rock nacional, llegó a confesar en cierta ocasión que muchos de sus oyentes le acercaron interpretaciones de sus canciones que echaban por tierra las que él mismo poseía.

En nuestra literatura abundan ejemplos de historias que cumplen de modo ejemplar esta premisa. El peronismo, como el movimiento político más importante desde mediados del siglo pasado en nuestro país, y con una liturgia cuyo calendario cobija los festejos centrales en octubre, ha sido siempre depositario de infinitos simbolismos que no han pasado inadvertidos para el campo literario. A modo de brevísimo ejemplo de lo expuesto hasta aquí, semanas atrás se cumplieron los natalicios de dos escritores argentinos que ciertos contingentes de críticos literarios han intentado comparar en función de las interpretaciones de un par de sus relatos más divulgados. Hablamos de Esteban Echeverría y Julio Cortázar. A mediados del siglo XIX, años de la llamada “primera tiranía” (la de

Juan Manuel de Rosas, claro está), antes de que se ideara el epíteto “gorila”, Echeverría escribió lo que se considera el primer cuento de nuestra historia literaria, “El matadero”, una explícita apología de la “civilización” unitaria ante la “barbarie” federal, de acuerdo a los conceptos de Domingo

Sarmiento. Un siglo más tarde, en 1946, el relato de un tal Julio Cortázar es publicado en la revista Anales de Buenos Aires, bajo el visto bueno de su director, un tal Jorge Luis Borges. “Casa tomada” -ése es su nombre- se volvería célebre al editarse “Bestiario”, en 1951, primer volumen de cuentos del escritor, quien por entonces ya estaba radicado en París. En el mismo se cuenta la vida rutinaria de dos hermanos, quienes habitan una antigua residencia

familiar, al momento en que una siniestra presencia comienza a ganar los cuartos de la casona, obligándolos al fin a abandonarla, tirando la llave por la alcantarilla, “No fuese que algún pobre diablo se le ocurriera robar y se metiera en la casa, a esa hora y con la casa tomada”. La irrupción del elemento fantástico que viene a pervertir el

curso ordinario de las cosas -clave en la literatura cortazariana- es el punto central del relato, el que ha cosechado diversas versiones, con sus consiguientes apologistas y detractores. La primera de ellas, tal vez la que ha ganado mayor consenso, es la que establece el paralelismo con Echeverría, porque se ha visto en esta “siniestra

presencia” una representación del movimiento peronista en su ruptura con el estilo de vida hasta entonces tradicional. Por supuesto, entre 1946 y 1951, la bautizada “segunda tiranía” -y acaso el gobierno con las mayores concesiones sociales de nuestra historia-, el partido del primer trabajador, a quien aún acompañaba la abanderada de los humildes, estaba en pleno apogeo y expansión, ganando lugar con sus virtudes y defectos hasta en los manuales escolares para infantes. Lejos estaban los negociados con petroleras norteamericanas, las pochonetas, los antagonismos con la Iglesia, el famoso 5 por 1 tras el bombardeo a Plaza de Mayo, y mucho más lejos estaban López Rega y la triple A, Isabelita y la “juventud maravillosa” que mutó en estúpida e imberbe: en esos

años se asistía al “tecnicolor de los días gloriosos”, tal como lo definió Enrique Santos Discépolo, acérrimo pesimista de la poesía tanguera que caía rendido bajo las victorias justicialistas. Con Cortázar exiliado, según apuntaban ciertas versiones, a causa de las dificultades que encontraba “para concentrarse” con la marcha de Hugo del Carril sonando a toda hora, teniendo en cuenta además que “Casa tomada” contaba con el visto bueno de Borges -cuya única posición coherente en política fue su antiperonismo (recordemos su festejada “los peronistas no son ni buenos ni malos, son incorregibles)- esta versión que ha llegado hasta la actualidad en clave “gorila” fue la más difundida. Sin embargo, lejos estuvo “Casa tomada” de agotarse en dicho simbolismo. Como se verá, este

relato no fue ideado al estilo de “La fiesta del Monstruo”, de Borges y Adolfo Bioy Casares, patética expresión de paranoia que de manera explícita buscó constituirse como un nuevo “Matadero” y paradigma literario de aquello que los escritores de “Sur” entendían era una continuidad paralela del régimen de Rosas. Personas con mayor conocimiento y menores prejuicios sobre el enormísimo cronopio estaban al tanto de su devoción por Edgar Allan Poe. El mismo Cortázar se encargaría de traducir la obra de quien es considerado el creador del cuento moderno, en una voluminosa colección entre la que se encontraba, como no podía ser de otra manera, “La Caída de la casa Usher”, cuyo argumento guarda notorias similitudes con “Casa tomada”, aunque el norteamericano explicita la

trama de incesto que el argentino apenas insinúa. Pues bien, ya sea como homenaje a Poe o como simbología de una relación prohibida, la narración de Bestiario encontró en este sector nuevas interpretaciones. Finalmente, ¿qué fue lo que dijo el bueno de Julio Florencio cuando se decidió a rendir cuentas sobre el origen de su cuento? Que lo había soñado. Advirtiendo que para mejores explicaciones sobre el mensaje de la obra deberían remitirse a su inconciente o, en su defecto, a su vocero, es decir, su psicólogo, Cortázar afirmó haber tenido una pesadilla con la presencia invasora que ocupaba la casa, añadiendo apenas un par de detalles al relato definitivo, el cual le permitió por primera vez asistir a las múltiples y variadas lecturas que una historia podía suscitar. En definitiva, si desde Nietzsche

y Foucault admitimos que “la verdad” no se encuentra en un solo lugar, sino que “es el brillo de las espadas al chocar”, los destellos que surgen a partir de las más variadas miradas que sobre un mismo objeto se dan, las interpretaciones sobre una obra responden a los mismos condicionantes, haciendo de la obra en cuestión la totalidad que es superior a la suma de las mismas. “La verdad no es. Establecer la verdad sobre algo sería matarlo, cosificarlo, darle un sentido definitivo entre los infinitos sentidos que sin duda tiene”, asegura uno de los más encumbrados intérpretes del peronismo, José Pablo Feinmann. No hay hechos, hay interpretaciones sobre un hecho (que en el caso de la literatura vienen a ser los relatos). Las verdades colisionan, ya que

encarnan intereses. Como sucede con el pensamiento en sí, las interpretaciones son producto de una relación estratégica en que el hombre aparece situado en un contexto particular. Una verdad establecida como tal, es una verdad hegemónica, cristalizada por el poder en detrimento del espectro de verdades vencidas. El hecho-relato es el objeto sobre el que recae la tarea de la hermenéutica en tanto disciplina cuyo fin es la interpretación. Metáfora del peronismo, homenaje a Poe o pesadilla, “Casa Tomada” -como obra de arte-, engloba todas sus interpretaciones, instaurando su verdad en todas ellas y, por ende, en ninguna en particular. 

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DISCO HOMENAJE

25 Aﾃ前S DE oktubre: una remera que no se dejara de escuchar

Nota: Marina Miguel

El terror empieza a dominar nuestros oídos. La tormenta se acerca, la revolución está presente. El rock nacional empezaba a tomar otra forma y Patricio Rey crecía sin parar. A 25 años de este gran disco, Lobo Suelto repasa su contexto de salida y todo lo que significó el gran emblema de los redondos. Oktubre es una obra cumbre distribuida en las casas de todos los fanáticos del rock nacional, y se sigue vendiendo casi como la primera vez. Es la placa con la que saltaron a la masividad, pero no al extremo de venderse a lo que establecen los sellos discográficos, como le paso a muchas buenas bandas de argentina. Patricio Rey no

existe más, pero su música sigue tan presente como siempre, y cada una de sus canciones logran que uno se envuelva en recuerdos de la adolescencia, de noches oscuras de rock and roll, momentos inolvidables, momentos de descontrol; aquel tiempo en el que uno se iniciaba con el rock, tanto en el gusto musical, como en una forma de vida. El himno está allí: “Jijiji”, el tema favorito de muchos, el que todos cantaban descontroladamente en sus recitales, y que hoy en día lo cantan y renueva esas fuerzas del pasado cuando son interpretados por Skay y más aún por el Indio. “Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. Jijiji es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad,

es como que todo lo que estás haciendo no es una afirmación”, decía el Indio a la revista Rolling Stone, buscándole un sentido a la canción. El segundo álbum de estudio de Patricio Rey fue lanzado los días 18 y 25 de octubre del año 1986, en el mítico Paladium, y lo grabaron en los estudios Panda. Con sonidos distintos a Gulp!, Oktubre se caracteriza por tener un sonido frío con acordes escalofriantes y muy lejanos a los sonidos post punk que caracterizaban a la época. Participaron reconocidas figuras nacionales como Daniel Melero en los teclados y Claudio Cornelio en la percusión, y es uno de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

Recorriendo cada una de las canciones, Oktubre cuenta con momentos de oscuridad y angustia, melancolías y energía. Temas como “Semen-up”, “Motor Psico”, “Divina tv Führer”, “Canción para naufragios” y “Ya nadie va a escuchar tu remera” lo demuestran. Además, es uno de los discos que más contenido ideológico tiene, ya que homenajean a las grandes revoluciones del siglo xx, y hacen referencia a la Revolución de octubre de 1917 en Rusia, periodo que impulsó a la creación de la Unión Soviética. Como siempre, el arte musical y el plástico iban de la mano en Patricio Rey, y Rocambole fue el autor de la tapa que está impresa en millones de remeras, y que simboliza fuertemente a una maza revolucionaria. “Las ideas salieron de una noche de fernet:

el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes, la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico”, le explicaba el Mono Cohen a Gloria Guerrero, una de las periodistas de música que impulsaba a que la gente concurriera a los recitales de los redondos, en momentos en los que ellos ni siquiera se gastaban en difundirse, pero de igual manera llenaban los lugares en los que se presentaban. “Una es imparcial, trata de no tomar

partido por nadie, pero a veces es imposible. El grupo que más me interesó en los últimos tiempos hace un recital y quiero que lo sepan. Y además porque es muy difícil que se enteren por otro medio, ya que estos delirantes tipejos no publicitan un cuerno nada de lo que hacen. Las noticias se corren y los teatros se llenan”, escribía Gloria en diciembre de 1982 en la revista Humor. Las bodas de plata llegaron al gran disco de oro, ese que a millones de pibes les llena el corazón de pasión, y que puede ser de una gran compañía en momentos de soledad, como un puente a cualquier tipo de excursión lisérgica. El que una gran multitud canta sin parar, y a nadie cansa… Una remera que jamás dejará de ser escuchada. 

Te prefiero igual Por Emanuel Sanabria Es extraño, en mi escucha exhaustiva de la discografía ricotera, este fue el último disco al que presté atención, antes de moverme hacia otros horizontes. A “Oktubre” le tengo cariño como se le tiene cariño a un ahijado, es decir, un poco por compromiso: no tengo grandes recuerdos asociados a sus tonadas y tampoco contiene mis temas favoritos de la banda. Así y todo, este disco es el único de los platenses al que vuelvo de cuando en cuando. Y arriesgo dos motivos o razones para explicar esta paradoja: el primero, el disco envejeció bien, muy a pesar de las claras marcas de

época en la producción (esa obsesión de los 80´s de inflar todo con reverberancia, hasta un toc-toc) y en los arreglos (los punteos matemáticos y filosos de Skay). Y el segundo motivo, más personal, es que “Oktubre” lo escuché cuando ya se me había pasado el furor adolescente por la mística del dueto SolariBeilinson. Entonces ahora, librado de esa adrenalina (en todos los sentidos posibles) e idealización, puedo escuchar este conjunto heterogéneo de canciones casi, casi, como si fuera la primera vez. PD: acusenmé de gorila, pero a “Ji-Ji-Ji” lo sacaría del tracklist. 

s o ic s a l c / s o v e u n s disco

nuevo

OW N R A B E R A L G E H T LOST IN

Para darse una idea de como suena lo nuevo de estos noveles adalides del drone basta con mirar el dibujo de la portada: una especie de eclipse en medio de un desierto rocoso. “Lost in the glare” es una travesía desolada sobre texturas sonoras ásperas y sinuosas, construídas progresivamente con una superposición de repetitivos arpegios, acomples y notas sostenidas al límite. Un crescendo permanente y espeso que va espabilando espejismos en camino hacia un horizonte que se aleja con cada nota. Un estado de trance circular, donde la extrañeza prevalece ante cualquier insinuación de arrivo. A tomar nota, que el segundo de los de San Francisco para el sello Thrill Jockey (casa de clásicos del ambient como Oval y PanAm) tiene pasta para meterse en las listas de fin de año. Nota: Emanuel Sanabria

nuevo

FATHER SON HOLY GHOST - GIRLS El nuevo de Girls continúa y profudiza las direcciones exploradas en su EP “Broken Dreams Club” (2011), donde los californianos coqueteaban con estructuras más libres, poniendo el foco sobre el manejo de climas y la dinámica grupal. Así, en “Father Son Holy Ghost” (un título sin ironía: los miembros de la banda pertenecen al grupo-religioso/secta hippie “Children of God”), estos dignos hijos de su tierra, vuelven devotos a ofrecernos sus canciones melancólicas, soleadas y frescas como una siesta primaveral de domingo. El amor, la esperanza y la fé son los temas centrales de esta obra cimentada sobre el rock-pop americano de los 60’s (The Beach Boys, Buddy Holly y sus derivados) y decorada con certeras pinceladas de gospel y blues. La sorpresa: en “Die” se le animan a un hard rock que recuerda insólitamente al “Highway Star” de Deep Purple. Nota: Emanuel Sanabria

nuevo

VORAGINE - AIRBAG La banda oriunda de Don Torcuato demuestra en Vorágine, su cuarto disco de estudio, que son cosa seria. Dejando definitivamente atrás esa imagen de estrellas del teen pop que tenían allá por sus comienzos en 2004, este trabajo consolida el crecimiento compositivo y musical insinuado en su predecesor “Una hora a Tokyo” en el que contaban con la colaboración de grandes músicos como Hugo Bistolfi y Walter Giardino quienes apoyaban el viraje de los hermanos Sardelli hacia sonidos más adultos y complejos como el hard rock o el soft metal. Vorágine salió ala venta en todo el país para el pasado día de la primavera y cuenta con 12 canciones entre las que se destacan el medio tiempo “Donde vas (viaje nocturno)” primer corte del disco, que ya se puede ver en Youtube y algunas cadenas musicales, “Otoño del 82” una balada con una letra muy emotiva basada en la historia de un soldado de Malvinas o “Encerrada en el placard” ya más para activarse y enfiestarse. El álbum cuenta con la producción de los mismos hermanos Sardelli y es uno de los discos nacionales a tener muy en cuenta para los meses finales del 2011. Nota: Ariel Britos

nuevo

era extraÑa – NEON INDIAN Eventualmente a los artistas emparentados con el low-fi les crece la tentación de ataviar sus experimentos con un atuendo un poco más pro. Y este parece ser el caso del tercero del mejicano Alan Palomo, a.k.a. Neon Indian. “Era extraña” conjuga los elementos sonoros puestos en juego en su obra anterior (“Psychic Chasms”) con una aproximación desde la producción más limpia y prolija (obviamente, dentro de los parámetros del estilo). Por momentos, “Era Extraña” se acerca al eletropunk de LCD Soundsystem (“Suns Irrupt”), o remite al house robótico de los franceses Daft Punk (“Polish Girl”) o abreva en la siempre muy recurrida cantera sónica de los ingleses New Order (“Arcade Blues”, “Hallogen”). Pero en todos los casos, Neon Indian mantiene el nivel y las propias coordenadas de su estilo: sintetizadores plagados de efectos, percusiones vintage y voces sumergidas en ácido. Nota: Emanuel Sanabria

nuevo

OBSCURITIES - STEPHIN MERRITT A la espera del nuevo de The Magnetic Fields, programado para mediados del 2012, llega este entrañable compilado de rarezas e inéditos, con la firma del líder y único miembro estable de la banda. Para quiénes no conocen a Merritt, baste decir que es el autor del clásico “69 Love Songs” (1999), un raid compositivo obsesivo, exquisito e indispensable para los amantes del canción. En “Obscurities”, Merritt, nos deslumbra una vez más con la simpleza de sus armonías, sus orquestaciones despojadas y esas letras que llegan a la médula del asunto (el amor, la soledad, la hipocresía humana) sin sobrarles una palabra. Este disco no agrega mucho a la carrera de este príncipe díscolo del indie, pero demuestra la calidad y lo prolífico de su obra. Destacados: el electro-pop distópico “We are the rats in the garbage of the western world”, la balada etérea “The Son From Venus” y el romanticismo autoconsciente de “Forever and a Day”. Nota: Emanuel Sanabria

Review

Telegrá

fica

Cansei de Ser Sexy. La Liberación. Banda brasilera jugando a Blondie 2.0 y saliendo airosa. Ayudita de Bobbie “Primal Scream” Gillespie en “Hit Me Like a Rock”. Zomby. Dedication. Dubstep con 8 bits de resolución. Atmósfera de videojuego de terror. La voz de Noah Lennox (a.k.a. Panda Bear) en “Things Fall Apart”: bienvenido al hype. Pol Nada. Querés estar solo. Cantautor folk IDM rosarino. Canciones-mantras para no estar solo nunca más. Aunque quieras. Ariel Pink. Witch Hunt Suite for WWIII. Anticonmemoración del día D en clave psicodélica. Atentado al patrioterismo yanqui modelo 9/11 en un solo acto. Fuerte tentación de decir “dos pajaros de un tiro”. Feist.Metals. Voz de locutor: La Aventura de la Mujer. Naturaleza viva. Canciones artesanales, madera, metal y sangre, mucha sangre. Tercer disco de la canadiense con aroma a clásico.

clasico

nuevo

Dirty Beaches – Badlands(1995) THE BENDS - RADIOHEAD

Para toda banda que haya tenido incluyendo los sonidos de su un disco debut exitoso, el segundo debutante “Pablo Honey” para álbum es clave, marca siempre convertirse en una banda con tendencia sobre si el futuro es una gama variadísima de estilos auspicioso, logrando trascender y que iban desde sus raíces grunge, sobrevivir a la coyuntura musical o hasta coquetear con el brit pop si se quedan en una simple moda y ser uno de los precursores del del momento. estilo “alternativo” que vendría en Esto cabe perfecto para la banda los años posteriores. liderada por Thom Yorke, que con Una apuesta difícil fue este “The Bends” lograron despegarse experimental “The Bends” para la de ese himno loser convertido en banda y la movida les salió bien, megahit llamado “Creep” que los vendieron muchos discos gracias catapultó a la fama. a hits como “Fake plastic trees”, Pero con su segundo disco, no o “High and dry”, dos clásicos solamente se despojaron del atemporales que suenan siempre rótulo de banda “one hit wonder”, actuales. sino que también lograronNota: Emanuel Sin duda, otra de las cosas que Sanabria despegarse del estilo grunge que te hacía prestarle atención a este dominaba el panorama musical disco de Radiohead era el video

extremadamente colgado de la poderosa “Just” ,con un final épico y desconcertante. El abanico de estilos continúa con las excelentes “Planet Telex”, ”Bones”, “My iron lung”, “Nice dream” o “Black star” que lejos están de ser canciones de relleno y forman un entramado invisible de atmósferas diversas y hermosas que van mutando hasta culminar de una manera muy sombría con “Street spirit” (Fade out). The Bends fue clave en la discografía de Radiohead porque logró despegarse de los encasillamientos y sentar las bases que la convertirían en una banda de culto.

Nota: Ariel Britos

OCTUBRE 2011

LOBO SUELTO