LOBO SUELTO PAPEL (DEMO)

LOBO SUELTO

Número 20 Octubre 2011 Lobo Suelto Año II Córdoba, Argentina: $15.00

ARTE Y DISEÑO

VIVIANNE WESTWOOD LAS PORTADAS CENSURADAS DEL ROCK

MALPASO ENTREVISTA

CINE Y TV DAVID LYNCH DANNY DEVITTO el hombre de tu vida TV DE CORDOBA

CORAZON MELOMANO 25 AÑOS DE OKTUBRE + DISCOS NUEVOS/CLASICOS

JIMI HENDRIX EL HEROE INNATO DE LA GUITARRA

2011

OCTUBRE

LOBO SUELTO

Editorial

ualizar ieron vis , se pud a ional, d c a a c n é d última camente í ífi ó, c s e a p p s e e a v y a la s, as lo que en el áre ión de bandas c nlgia por Atfu ta , n c s s o a o c jo g n s io re P ta g to Cuán la se r Los entimien nzos de n nombra Ratones uántos s se puede atricio Rey, Los los comie n más n o ¿no? C e entre n a m a P , plas se torn rgarabat… taque 77 didos se ersuit Ve cada vez .

B s e , le u s q o ib , c ic e lo o Paran el este sig vez pred ndo con pero a la movió a varios tras. stá pasa o e distintos n é o in u c s Q e ¿ la u , q que Entonces pos se separan y uáles La noticia l rock este mes na u C . ¿ ru e g d .M … s s o .E ro rock? L dan, pe seguidore separación de R omenzó ades que ginales c e la ividualid 80’ que d andas ori o las s b pasó, fu lo s , a n s L e ¿ le a a ? s s ic id o le s rg a u m u in ri m s prefe banda mas orig de s formas do sus te un cover er nueva enan en otros te n n o o ie d c p n a a h im c a to u s s e re d a y lid ho ncias. individua que hasta as influe esta o maldit nes, en io c ra a p mas com do de se Y hablan

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TEMAS - DESTACADOS ZAP

JEFAS DE REDACCIÓN: Victoria Clementi Eugenia Ceballos

¿Qué pasó este mes?

Noti-Destacada: R.E.M.

Las webs que sí te copan Edición retro bizarra

Olvidado restacado: Meat Loaf

Y mucho + naje e m el ho

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REDACCIÓN: Eugenia Ceballos Victoria Clementi Marina Miguel Ariel Britos Guido Cambareri Manuel Montali Emanuel Sanabria CC. DISEÑO GRÁFICO: Victoria Clementi

rix

Jimi Hend

De cerca: Malpaso Joyas perdidas del rock: Glamour Punks

STAFF DIRECCIÓN: Victoria Clementi

PING

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FOTOGRAFÍA: Lila Martínez CC.

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Sociales: Músicos errantes

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Arte y diseño: Vivianne Westwood

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Noti-temática: Los 5 destacados del glam de los 80

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Mostrá tu arte: Lucía Carricaburu

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Instrumento Protagonista: Guitarra Gibson SG

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Rock CBA: Detesta

CONTACTO: revista.lobosuelto@hotmail.com

ENCONTRANOS EN LA WEB http://www.revistalobosuelto.com.ar

CINE y tv Homenaje Director: David Lynch Seleccion de películas: 40 Danny Devito 38

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literatura

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TV: Series destacadas

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Rock Movie: Velvet Goldmine

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corazón melomano

http://www.facebook.com/revistalobosuelto Lobo Suelto Revista Digital @lobosueltorevis

¿QUÉ PASÓ ESTE MES?

Vienen los Foo Muchos esperaban esta noticia y por fin se cnfirmó, los Foo Fighters tocarán por primera vez en nuestro país el 12 de mayo del 2012 en el estadio de River Plate.

El aviso lo informó el mismísimo Dave Grohl a través de su Facebook oficial. Lo uníco que se avisó sólo por la banda, es que el grupo se presentará en el Monumental el próximo 12 de mayo. Próximamente seguro habrá nueva data sobre este show.

Mick Jagger producirá y protagonizará una película El mítico Mick Jagger se subió a un proyecto de cine llamado “Tabloid”. El cantante de los Rolling Stones se va a encargar de producir y protagonizar la película La misma trata sobre un magnate de los medios de comunicación de escasos escrúpulos y moralidad. La idea de “Tabloid”, se le ocurrió al propio Jagger, que está trabajando en el guión junto a Josh Olsen (“A history of violence”). Steve Bing, de ShangriLa Entertainment, también colabora en la financiación de la película.

Informe forense: Jani Lane Hace unos días se confirmó que Jani Lane falleció como consecuencia de una ingesta fatal de alcohol etílico, por parte de la oficina forense de Los Angeles concluyó su investigación y determinó que el cantante sufrió una “intoxicación aguda por etanol”.

Recardamos que Jani se encontró sin vida en su departamento el pasado 11 de agosto. Los investigadores que analizaron el lugar se encontraron con una botella de vodka por la mitad y medicamentos recetados.

La expansión de Slipknot Slipknot tienen lista una versión expandida de su segundo disco de estudio, “Iowa”. Se cumplen 10 años del lanzamiento de la placa, por lo que esta edición especial que verá la luz el primer día de noviembre contiene un CD con el álbum original y un bonus track correspondiente al tema “My plague” (New abuse mix). Además incluye otro CD del audio completo del concierto “Disasterpieces”, editado como DVD en 2002. El paquete se completa con “Goat”, un documental dirigido por M. Shawn Clown Crahan.

El disco en vivo de Chris Cornell El próximo 21 de noviembre, Chris Cornell lanzará al mercado “Songbook”, un disco en vivo que registra parte de la gira acústica que lo traerá a la Argentina en un mes..

“Algunos temas no suenan bien en formato acústico, pero seguiré practicando y quizá cuando los toque cincuenta veces me sonarán mejor. Me resulta interesente descubrir canciones que en un principio no tienen sentido en formato acústico, pero que al final acaban brillando”, comentó el cantante.

Algunos de los temas incluidos en la placa son “Call me a dog”, “Fell on black days”, “Like a stone” y “Black Hole Sun”. Además se le animó a “Thank you” de Led Zeppellin e “Imagine” de John Lennon.

El disco también tiene el single “The Keeper”, incluido en la banda sonora de la película “Machine Gun Preacher.

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cuentra a se en ino”, banda y de cam la d a y it s m ía rg la e n n e e nos undo s las or lo me s el seg on toda El s trae c están “p uevo trabajo e ipios de año. “ lo a y ra e e u rr q n c a l ara n c e p te ri d e s p , d E te o a . n s c o n año importa e uevo dis ajista del grup rabació y g n u Los 20 n la m u ir o n do e Ha sid conclu nes. D t, el b trabajan s cancio ff Amen mienzo.

Esperan estar básemo gran co firma Je ndan O’Brien. atrás y a , ra n ia g n c ú ra y a g g h s e n o s ir re u m s B e e o r s fu o m tá op nes s jun , pode nt. producid ado de cancio esto, no ntinuar. Bueno ca Ame puñ de todo o o”, expli c s io e d ra o e a d p primer m n spiro ula y to s que e dio un re libro y la pelíc nosotro l era nos e n a y m lo a u algun pectác ra el es listos pa

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La biografía de Courtney Love Triple DVD para los conciertos benéficos de Neil Young Estos conciertos llevan el nombre de “Bridge School Benefit Concerts”, los cuales también organiza Young y su mujer Pegi. Ya llevan 25 años de realización y para celebrarlo, Warner Bros/ Reprise Records lanzará el 24 de octubre un álbum que contiene tres DVDs y dos CDs, con actuaciones de estos 25 años más un documental. Todos los beneficios irán destinaos a la Bridge School, fundada por Pegi Young y en la que se ayuda a niños con problemas de habla y discapacidades físicas. Algunos de los artistas que pueden disfrutarse en estos conciertos son: Neil Young, Thom Yorke, Bob Dylan, Sonic Youth, Fleet Foxes, Tom Waits, David Bowie, Bruce Springsteen, R.E.M., Metallica, Band of Horses, Brian Wilson, Patti Smith, Foo Fighters y los Who algunos de los muchos participantes en los “Bridge School Benefit Concerts”.

Amada u odiada, ella sigue en pie como puede y ahora se informó que el sello editorial William Morrow, de HarperCollins, publicará en los próximos meses las memorias de Courtney Love, todavía sin título. La líder de Hole quiere declarar y aclarar otra vez su punto de vista sobre todas las controversias sobre su vida, ya sea su relación con Kurt Cobain y las drogas o su papel de madre.

Así lo explicaba una nota de prensa de William Morrow: “Por primera vez, Love deja las cosas claras acerca de su tempestuoso matrimonio, su historia de abuso de drogas y su posterior recuperación, y su relación con su hija, Frances Bean.

Además de centrarse en su carrera, también va a hablar abiertamente y con franqueza acerca de su carrera en Hollywood, incluyendo las muy publicitadas relaciones con Billy Corgan y Ed Norton”.

¿Lady Gaga cantante de Queen?

Según el propio guitarrista Brian May, Lady Gaga es una de las personas a las que la banda se ha acercado para que sea su vocalista en una próxima gira. En el 2009 finalizó la colaboración con Paul Rodgers, por lo que los miembros de Queen siguen buscando un cantante. También sabemos que la cantante tiene relación con May ya que él colaboró recientemente en el single de Lady Gaga ‘You & I’, además que los vimos juntos en el último Mtv Video Music Awards.

“He trabajo con Lady Gaga y es muy creativa y es alguien con quien hemos hablado para que cante al frente de la banda. No es sólo cantante, compone sus propias canciones”, explica May. También han pensado en la posibilidad de hacer dúos con varios vocalistas: “Hemos hablado de hacer dúos con otras personas y de una manera extraña casi apreté el botón del sí. Hemos discutiendo la idea de hacer un programa de televisión en el que tendríamos a todas estas estrellas invitadas. Todavía no lo he apretado, pero estamos en ello. Lady Gaga ha dicho que le gustaría hacer algo con nosotros”.

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NOTI-DESTACADA R.E.M anunció su separación luego de 31 años de carrera El pasado 21 de septiembre la banda publicó en su web oficial que dejarían de tocar juntos y todo terminó en buenos términos. Ya desde el año 2008 que tenían pensado separarse.

T

ras 31 años de carrera, R.E.M, una de las bandas estadounidenses más influyentes en la historia de la música rock, decidió separarse definitivamente.

Mientras R.E.M grababa su último disco de estudio “Collapse Into Now” y salía de gira por el mundo, surgieron las dudas existenciales sobre el futuro: “empezamos a preguntarnos ¿Y ahora qué?”, declaró el bajista Mike Miles, y desde ese momento la idea de la separación se iba a haciendo realidad. “Trabajar con nuestra música y nuestros recuerdos durante más de tres décadas ha sido un pedazo de viaje. Nos hemos dado cuenta de que estas canciones parecen trazar una línea natural sobre estos 31 años de trabajo”, fundamento Miles.

Todo terminó en buenos términos y no hay rumores amarillos (que tanto atraen a la prensa sensacionalista) que demuestren lo contrario. “Espero que nuestros fans se den cuenta que esto no fue una decisión fácil, sino que todo

Nota: Marina Miguel

debe terminar y queríamos hacerlo bien”, comunicó Michael Stipe, líder de la banda.

R.E.M se formó en Athens, un pueblo universitario del Estado de Georgia, Estados Unidos, en el año 1980. Todo comenzó cuando Stipe y Peter Buck, el guitarrista, se sintieron tocados por los mismos gustos musicales, al estilo de Velvet Underground. Luego se sumó el bajista Mike Mills y en batería Bill Berry, debutando los cuatro en una fiesta de cumpleaños. El nombre que los identificaba como grupo en aquel entonces era “Twisted Kites”. Pero el nombre R.E.M surgió después, y significa Rapid Eye Movement (Movimientos oculares rápidos).

Su primer single se llamó “Radio Free Europe”, editado por el sello Indie Hib-tone Records, en el se encontraba la canción “Slitting Still”. Así empezaron a ser los preferidos de las Radios Universitarias que se caracterizaban por priorizar y difundir bandas del under Indie.

Tras girar durante un año por todo su país, la banda firma contrato con el sello IRS, y editan su primer EP “Chronic Town”. Y en 1983 lanzan su primer disco de estudio “Murmur”, declarado como el mejor álbum del año por la revista Rolling Stone.

Desde ese entonces comenzaron a crecer artísticamente, logrando convertirse en una banda para miles y miles de personas. En 1984 publican “Reckoning”, luego “Flables of the Reconstruction” y “Lifes rich Pageant”, pero con su Lp “Document” consiguen el hit mundial “The One I love”, y fueron contratados por Warner para editar “Green”.

Ya en los 90 su prestigio era muy alto, por esto logran vender 10 millones de copias del disco “Out Of Time”, que contiene uno de los hits más reconocidos de la banda “Losing my religión”.

En total R.E.M publicó 15 discos de estudios, y logró perdurar por 31 años, logrando entrar en el salón de la fama del rock en el 2007. Su final sorpresivo era el menos esperado, pero lo transmitieron con total sabiduría y armonía, algo que siempre los caracterizó como músicos.

“A nuestros fans y amigos: Como R.E.M., y como amigos de toda la vida y co-conspiradores, hemos decidido dejar de funcionar como banda. Nos vamos con una gran sensación de gratitud, de finalidad, y de asombro por todo lo que hemos logrado. Para cualquiera que alguna vez se sintió tocado por nuestra música, nuestro más profundo agradecimiento por escucharnos”.

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LAS WEBS QUE

SÍ TE COPAN Nota: Ariel Britos

Recomendados

Retro: Para todos los amantes de lo Retro, aquellos nostálgicos que dicen que todo tiempo pasado fue mejor, a continuación les exponemos los sitios o blogs más completos en cuanto a música, televisión, o cine dedicados enteramente a décadas pasadas:

Resiste un Archivo: Este es un blog dedicado a la televisión argentina principalmente en las décadas del 80 y 90, con algunos toques del nuevo siglo y sus primeros años. La data que maneja el blog es impecable: todo lo que querías saber sobre la tele argentina de los últimos 30 años en cuanto a canales, unitarios, comedias y series diarias, están en este blog. Un verdadero viaje a esos días donde tomabas la leche viendo “Jugate Conmigo”, cenabas viendo “Amigos son los amigos” o esperabas ver tu banda favorita en “Ritmo de la noche”.

Entrá y fijate, te vas a colgar: http://www.resisteunarchivo.blogspot.com

Culto Zeta:

Más informal que el anterior, con un lenguaje mucho más procaz y polémico Culto Zeta como lo indica el nombre, es un sitio dedicado no sólo a Argentina, sino que se expande hasta aquellas series inolvidable (y olvidables también) que venían de afuera. Es un sitio un tanto más bizarro y que recurre al humor, también siempre tira un guiño hacia la actualidad como comparando aquellas épocas con las actuales. Imperdible los informes especiales, como por ejemplo el del descubrimiento de que la combi de Brigada Cola es ahora utilizada para el transporte de cajones de verdulería. http://www.cultozeta.blogspot.com

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La memori

a que perd

Es un s itio ma nejado como P p ronto, Gente, or un coleccio bizarra Caras y nista d s, contr e adictor otras d faránd ias, so onde r revistas arge ula arg r escata ntinas e p ntina d resivas Tambié las es n y digna s de re frases más antes y postea fotos de la década p de fam del 80 d os hasta la udio de la y de as espués de su pectos s cirug os actuali ías dad. descon poco c ocidos om o privada entados de s us vida s. En s u veta s el auto periodís r del b log no ti darle c ca duda e on un n cañ sitio es una ca o a todos. Es ja de s te donde orp po Marado dés encontra resas, r desde na con un racim como ta un p o No te a arrabos hasta de uvas sustes, un Poc entrá y ho la P an echale un vista tera en calzo http:/ /www ncillos. zo : .lamem oriaqu eperd imos.b logspo t.com

imos:

Sólo quince minutos:

¿Te acordás de Jazzy Mel, de Machito Ponce de La Zimbabwe o los Calzones Rotos? ¿Querés saber a qué se dedican en la actualidad? Este sitio reúne a todas aquellos artistas de los ochentas y noventas que la pegaron con un solo tema, o un solo disco y hace un breve repaso por sus momentos de gloria, pero principalmente se los entrevista para saber en que andan ahora después de haber sido famosos por un día. También recuerda programas de aquellas décadas que pasaron sin pena ni gloria por las pantallas, como por ejemplo “El club de Michael Jackson”.

Un rejunte de One hit wonders tanto de la música como la televisión, imperdible. http://www.soloquinceminutos.com.ar

En una baldosa:

Si te olvidaste de algún jugador que pasó por tu equipo favorito desde los ochentas hasta la actualidad, este sitio te lo recuerda y te cuenta a que se dedica en la actualidad. De otra manera no podríamos saber que aquel delantero de Talleres que le hizo 2 goles a River en un partido del 2001, Pablo Cuba ahora es delivery de una sandwichería. Además posee un arhivo enorme y muchas secciones de interés como partidos increíbles que hayan podido jugarse o equipos olvidados, curiosidades y… para qué te voy a seguir contando, entrá y comprobalo vos mismo: http://www.enunabaldosa.com

OLVIDADO

-RESCATADO Meat Lo af Nota: A riel Brito s

Aquel gordito simpático que se disfrazaba de monstruo en sus épicos videos está de vuelta. Esto nos pone contentos porque Meat Loaf, nacido bajo el nombre de Marvin Lee Aday el 27 de septiembre de 1947, tuvo una vida tan difícil y discontinua como su carrera artística como actor y cantante.

D

e chico siempre sufrió del bullying tanto de sus compañeros de escuela como de su propio padre, un alcohólico empedernido que lo bautizó Meat Loaf (pedazo de carne) debido a su obesidad.

Habiendo superado una infancia/ adolescencia difícil, mientras trabajaba como cuidador de autos, se presenta a un casting para una obra de teatro que reflejaba la juventud hippie de aquellos años finales de los 60, fue aceptado y se fue de gira por todo EEUU. Una compañera de elenco llamada Stoney, descubre que tiene grandes aptitudes musicales y forman un dúo que los llevó a grabar un disco en 1971, serían los primeros de raza blanca en grabar un álbum para la discográfica Motown. Paralelamente en su trabajo como actor no le estaba yendo bien y le costaba

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mucho que las discográficas confíen en su trabajo, ya que corrían con el prejuicio de que los actores no pueden ser cantantes a la vez.

Editó cuatro discos en la década del 80 que pasaron prácticamente inadvertidos, sólo pudo hacerse de un reconocimiento en 1983 en Europa, por lo que solía presentar sus nuevos trabajos en el viejo continente, antes que en su país natal, para así ganarse el dinero que le permitía seguir grabando discos. Tanto fue así, que en 1989 se pone a trabajar en su siguiente álbum, la joya hardrockera titulada “Back into hel”l, que le llevó cuatro años editarlo y dejarlo listo para sacarlo al mercado. La cansadora espera no fue en vano: sería su disco más premiado y número uno en ventas de todo el mundo. Ya las ganancias le permitieron hacer tres épicos videos musicales, uno de ellos fue el de la power ballad “I`d do anything for

love” que estuvo primero en 28 países.

De esta manera se consolidó en la industria musical después de tantos años de pelearla, su esfuerzo por fin dio sus merecidos frutos.

Le siguió otro trabajo exitoso en 1995 con “Welcome to the neighbourhood” y nuevamente se eclipsó su carrera en la década de los 2000, a pesar de editar dos nuevos discos.

En el 2010 Meatloaf regresó con nuevo disco “Hang cool Teddy Bear”, cuyo primer single “Los Angeloser” empezó a rotar con cierta frecuencia en VH1 y en VH1 classic. Veremos cómo le va en esta nueva aventura.

Si te interesa saber más sobre Meat Loaf, podés ver “Meat Loaf: La historia y el drama” (Meat Loaf: To hell and back), película que retrata su vida y hasta él mismo interpreta su personaje.

Y QUE MÁS? Los 10 plagios más evidentes del rock

Nota: Marina Miguel

Muchas veces nos preguntamos si la música es infinita; algunos lo afirman. Pero la realidad es que, sea lo que sea, los artistas caen en la copia intencionalmente o no, y ¡plop! Les sale un tema igual al que ya hizo otro colega… “Fue sin querer queriendo”, decía el Chavo. Aunque algunos son afanos impresionantes que nos llegan a doler al no entender por qué nuestro músico preferido llega a tal punto de copiar tal cual una canción.

Hay amigos que no dudan en pincharte el globo cuando se dan cuenta que tu tema preferido es una copia fiel de otra canción. Por eso ahora llego el momento de robarte la ilusión: estos son los 10 plagios más

1

Gustavo Cerati “Tabú” - 1998 Spencer Davis Group “Waltz for Lumumba” – 1967 Sonará atrevido deschavarlo, pero las pruebas son más que contundentes.

Como dos gotas de agua.

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The Verve “Bitter Sweet Symphony” – 1997 Andrew Oldham Orchestra – “The last time” – 1965 El productor de los Rolling Stone denunció el plagio de esta canción, logrando que figuren los nombres de Keith Richard y Mick Jagger, además de los de Andrew Oldham, en los créditos.

3

Coldplay “Viva la vida” – 2008 Joe Satriani “If I could Fly” – 2004 Los ingleses fueron demandados por el astro de la guitarra, y con justa razón, ya que una línea melódica de la canción de Coldplay es igual a la suya. La suma de dinero que cobró Satriani por ganar el juicio no se hizo pública, pero aseguran que es inmensa.

4

Red Hot Chili Peppers “Dani California” - 2006 Tom Petty “Mary Jane´s Last Dance” – 1993 A pesar de las acusaciones que realizó Jarrerd Morris, un locutor inglés, Tom Petty no hizo nada por cobrar sus derechos, ya que no creía que los Chili Peppers tuvieron la intención de plagiarlo.

5

Turf “Pasos al costado” – 2004 Eros Ramazzoti “Seguimi” – 1991

Este plagio es muy conocido en la web, no sólo porque es una canción interpretada en la cancha por muchos hinchas, hasta japoneses, sino también por ser una copia impresionante de un tema de Ramazzoti, quien no hizo nada al respecto.

6

Radiohead “Creep” – 1993 The Hollies “The Air That I breath”

El tema con el que conquistaron al mundo resultó ser “inspirado” en otro tema de The Hollies. Ante la gran evidencia, en el álbum Pablo Honey sale una reseña en la que se reconoce el “homenaje” a los Hollies.

Soda Stéreo “Ameba” – 1992 Iggy Pop “Mass Production” – 1997

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Nos preguntamos si los Soda, en aquel entonces, jamás se imaginarían que sus fans puedan escuchar rock internacional, mucho menos que con Internet iba a ser muy fácil darse cuenta de todo. Pero más evidentes no pueden ser, sólo cambiaron un poco el tiempo, haciéndolo más rápido. ¿Será pura coincidencia? O… ¿Nos toman por idiotas?

Vanilla Ice “Ice Ice Baby” – 1990 Queen “Under Pressure” – 1981 En esta ocasión vemos como un cantante logra hacerse muy famoso utilizando en forma de “pista” y colocándole un “sampleo” más para zafar.

Bruce Springsteen “Outlaw Pete” – 2009 Kiss “I Was made for lovin you” – 1979

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Esta vez es un poco increíble porque Bruce es un gran compositor, aunque Kiss se encargó de llevar adelante una demanda, a pesar de que haya que agudizar los oídos para encontrar el parecido.

Gorillaz “Stylo” – 2010 Eddy Grant “Time Warp” – 1981 “Estoy indignado porque Gorillaz infringió los derechos de mi canción “Time Warp”, diciendo que “Stylo” es una composición original, Cita a mi canción prácticamente nota a nota”, declaró Grant a la prensa, y aseguró que su tema está en la escena DJs desde hace mucho tiempo.

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jimi hendrix el heroe innato de la guitarra Nota: Victoria Clementi

Un artista increíble para la época y para toda la historia del rock, una estrella que brillara en el firmamento por siglos y siglo o al menos hasta que este mundo exista. Estamos hablando de Jimi Hendrix, un personaje que dejó y dejará sus huellas en la música por siempre, tanto por su increíble e inédita forma de tocar la guitarra, como por su potente voz. Este mes, precisamente el 18 de septiembre, se cumplieron 41 años de la triste pérdida del músico, otro de los grandes del rock que murió joven y a todos gustaría tener todavía con vida.

C

laramente, no podemos negar que el paso de Hendrix por este mundo fue totalmente un punto crucial. En todo este último tiempo en varios ranking de guitarristas salió en la cumbre y aún siguen proponiéndose galardones para el mito.

Comenzó con la música de muy pequeño con un ukelele que encontró su padre limpiando el garage, pero más tarde a los 14 años también su este llegó con una guitarra acústica de cinco dólares, para luego también obtener una guitarra eléctrica Supro Ozark que marcaría desde allí su carrera.

Nació una estrella Jimi nació en Estados Unidos, en el estado de Washington, el 27 de noviembre de 1942, con el nombre de Jhonny Allen Hendrix, que luego fue cambiado por James Marshall Hendrix, el nombre de su abuelo. Tuvo una infancia complicada y humilde, donde el divorcio de sus padres lo marcó, luego de ese episodio pasó a vivir con su abuela, Nora Rose Moore.

En su adolescencia comenzó a relacionarse con la música y a obtener influencias de grandes músicos como B.B. King, y como estaba marcado que su vida era la música y no la aburrida escuela, la abandonó antes de graduarse.

En los 60, tuvo algunos problemas con la ley, por lo que tuvo que elegir entre reclusión o el alistamiento militar, por lo que eligió lo segundo.

En el 61, ya estaba siendo entrenado por el ejército, pero no duró mucho.

Algunas versiones dicen que como quería dedicarse a la música, se declaró ante el psicólogo como homosexual, y otras dicen que lo encontraron masturbándose. De igual forma, abandonó el régimen militar para dedicarse de lleno a lo que realmente le llenaba el corazón.

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"Hay personas que me imitan muy bien, de hecho copian hasta mis errores en la guitarra."

Jimmi Hendrix con otra leyenda del rock, Brian Jones

“Quiero hacer una música tan perfecta que se filtre a través del cuerpo y sea capaz de curar cualquier enfermedad”.

Discografía: The Jimi Hendrix Experience Al ritmo del Blues Los primeros pasos en la música fue en un grupo que armó con su amigo Billy Cox, Los King Casuals. Más tarde luego de un período tocando en circuitos de rhythm and blues, decidió trasladarse a New York en 1964. Hasta el ’65, fue de una banda a otra, hasta que a finales de este año consigue un contrato discográfico con Ed Chaplin.

Un año después formo su propio grupo “Jimmy James and the blue flames”, durante este periodo es que comenzó a consumir drogas como el famoso y tan de moda en la época: LSD. En este tiempo también conoció al excéntrico Frank Zappa, que le hizo conocer el famoso en innovador efecto de guitarra en ese momento, el “Wah wah”.

El ascenso En el ’66 se da un giro que marcaría su carrera, cuando Linda Keith, la novia de Keith Richards, le presenta a Chas Chandler, el bajista de la banda Animals, que conmovido por el talento de Jimi, lo llevó a firmar un contrato en Londres con, Michael Jeffrey.

Luego de algunas pruebas se conforma la banda, con Jimi Hendrix

en guitarra, Noel Redding en bajo y Mitch Mitchell en bateria, formandose la “Jimi Hendrix Experienced”.

Comenzaron sucesivas presentaciones en Europa lo que llamó la atención de muchos musicos como Eric Clapton y los famosos Who. El single conformado por “Hey Joe” (Lado A) y “Stone Free” (Lado B) superaron exitos en ventas y así le siguieron “Purple Haze” y “The wind cries Mary” Llegada a USA En el ’67 “Are you experenced?” obtuvo un record de ventas casi superando a “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band” de los Beatles.

Solamente faltaba llevar el éxito a Estados Unidos. La oportunidad se dio en el “Monterey International Pop Festival”, donde Jimi con su abnda se presento con gran éxito ganandose la admiración del nuevo público, aquí mismo fue cuando se cumplió el famoso rito donde quema y destruye su guitarra.

Luego de algunos desencuentros por la forma de ser de Jimi, es decir su gran poderde lider y su forma tan libre y relajada pero exéntrica de tocar, llevaron a que Chas Chandler abandonara la banda y tiempo después

1967

Are You Experienced?

1967

Axis: Bold as Love

1968

Electric Ladyland Solitario

1970

Band of Gypsys.

1997

First Rays of the New Rising Sun (disco póstumo)

2010

Valleys Of Neptune (disco póstumo)

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lo hiciera Noel Redding Consagración en Woodstock La total consagración se dio con la nueva formación en el famoso festival de Woodstock en 1969, donde conmovió a más de 100.000 personas que tras el movimiento “Flower Power” llevaron a ese lugar.

Jimi Hendrix era el plato principal del día y convirtiéndose en la gran figura psicodélica.

Exactamente un año después el 18 de septiembre en Londres, Jimi muere de causas aún medio desconocidas en Londres. Esa noche había estado con su novia Monica Samarkand, que lo llevó al hotel y lo dejó allí. La versión más difundida fue que murió por asfixia por su propio vómito al mezclar alcohol y pastillas para dormir. Otra versión más reciente dice que, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, pero igualmente no fue confirmado.

“Live Fast, die young” Aunque se nos haya ido demasiado pronto, su figura en nuestra mente va a ser difícil de esfumarse, ya que la marca que nos dejó en la música, aunque suene trillado, es imborrable.

“Valleys of Neptune”, es el más reciente disco lanzado de la Jimi Hendrix Experienced, que rescata las últimas grabaciones de estudio de 1967 a 1969, recopilando temas inéditos y nuevas versiones de temas

conocidos. Siempre bienvenido cualquier disco de Hendrix para los melómanos!

Si todavía no te hiciste tiempo para escucharlo, te recomendamos que te acuestes con tus mejores auriculares y dejes que la música de la leyenda invada tu cuerpo.

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"Los periodistas dicen que nosotros actuamos en el escenario, nosotros sentimos la música; ellos actuán cuando hablan bien de la guerra para que mas gente se aliste en el ejército..."

un paso

mas

ENTREVISTA A MALPASO:

Mal paso es una banda con raíces en Andalgalá (Catamarca), pero arraigados y con paso bien firme en suelo cordobés. Nico Bustamante, voz y guitarra de la banda, nos cuenta cuales son las aguas que navegan actualmente, los inconvenientes y virtudes que conlleva hacer rock en Córdoba. También promete que pronto habrá tierra a la vista, nuevo disco y presentaciones en vivo se avecinan.

Nota: Eugenia Ceballos

A

llá por el 2004 un par de catamarqueños ya radicados en Córdoba decidieron no dejar trunco aquel sueño que los había unido en la pre-adolescencia: una banda de rock.

Con las influencias correspondientes de haber escuchado desde siempre a bandas de rock nacional como La Renga y Los piojos comenzaron a forjar esto que, ocho años después, con un CD editado en 2008, algunos cambios de por medio y muchos proyectos para un futuro cercano, hoy es Malpaso.

Lobo Suelto: ¿En que situación se encuentra actualmente la banda?

Nico: Ahora estamos en un proceso de cambio de un par de integrantes, hace poco se fueron el bajista y el saxofonista y entró un bajo nuevo hace poco más de un mes. Por ahora estamos solo los cuatro (dos guitarras, bajo y batería) e intentamos armar todo entre nosotros, con esos cuatro instrumentos. El hecho de sumar a alguien nuevo es todo un tema, no solo aprenderse los temas sino empezar a coordinar y tener onda para congeniar. Pero aprovechamos ahora que estamos armando material del nuevo disco.

L.S: Suponemos que desde el 2008 a esta parte hubo un tiempo de crecimiento para la banda ¿Qué se viene en este nuevo disco?

N: Por ahora estamos armando las canciones que lo van a componer, casi la mitad ya están listas. Estamos preparando una fecha para septiembre, en donde vamos a presentar a la nueva incorporación de la banda y adelantar los temas nuevos. Nos encantaría empezar

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Malpaso en sus comienzos

a grabar en enero, tenemos más tiempo, y esta vez queremos hacer un disco más conceptual que siga un lineamiento, hacer muchas canciones y seleccionar doce que sigan más o menos el mismo lineamiento.

También hay un tema con el formato para mi al CD le queda muy poco tiempo, y cuesta cada vez mas, los precios son mas altos, aunque se va moviendo del boca en boca y antes de esperar que se venda tu disco en la disquería confías en el boca en boca, en la gente que nos sigue, en los amigos.

L.S: ¿Entonces, ¿Piensan cambiar el formato?

N: No, sino en sumarle al disco un plus, cosa que la gente diga, “me interesa comprarlo también por eso”.

Son ideas que se nos están cruzando pero todavía no lo tenemos definido.

L.B: ¿Y Que es lo nuevo del disco que viene? ¿Que tiene de distinto?

N: Lo principal es la formación, en

“Para otro lado” estábamos más metidos con los vientos y ahora estamos mas tirados para una cosa mas rockera, mas armónica entre las guitarras. El disco pasado tuvo aproximadamente diez invitados, hubo cuatro vientos, ahora queremos armar algo concreto entre los cuatro, después agregar alguna otra cosita.

Queremos que suene en el disco como nos suena a nosotros en el ensayo.

Armonizar entre las guitarras, para que la hora de subir a un escenario no falten cosas.

Pretendemos marcar un gran cambio entre lo que fue la etapa de “Para otro lado” y lo que va a ser ahora, abrir una nueva etapa. A la banda le hacía falta una renovación.

L.S: ¿Cuáles son las influencias musicales de esta nueva etapa? O ¿se mantienen las mismas bases?

N: Creo que pasa más que nada por ese lado, estamos explorando cosas nuevas, por darte un ejemplo nos las pasamos escuchando Coldplay o Foo Fighter, tiene que ver con un cambio, queremos que se note un cambio que se diferencien los discos. No caer en lo mismo siempre.

L.S: ¿En que te inspirás para componer las letras?

N: Me sirve mucho para escribir salir a caminar, y hay situaciones o imágenes

que te despiertan algo, a partir de cosas cotidianas, de la televisión, de noticias, de cosas que te mueven el piso. No tengo algo bien delimitado Todo lo que voy percibiendo va a parar a una canción.

L.S: ¿Como ven la movida de rock en Cba? N: La movida de Cba la veo metida en el mismo sistema de lo que pasa en el país, mas allá del unitarismo centrado en Buenos Aires. El rock hoy en día está perdiendo lo que más lo identificaba, que era el ser una banda, tener la personalidad de una banda, la mayoría de las bandas grandes pasaron a ser empresas. Lo que pasó después de Cromagnon hizo la gran división, se agrandó mucho la brecha entre las bandas chicas y las bandas grandes. Me refiero a lo que antes significaba para una banda armar una fecha, todo el laburo que implica, que es lo que seguimos haciendo nosotros y muchas bandas de córdoba, ahora se solventa de ante mano por una gran

marca.

La publicidad se comió todo el laburo que tenía antes la banda, para las bandas grandes debe ser un golazo, se ahorran un montón de laburo, pero se perdió ese espíritu, acá sigue habiendo algunos bastiones de bandas que laburan haciendo sus propias producciones. Pero la brecha es tan grande que es imposible competir ante todo eso, la gente consume y compra publicidad y eso mata a las bandas locales.

Uno hace un trabajo casi de albañil de insertar cada cosita en el lugar justo, y después tenés que cobrar la entrada menos de lo que te sale una cerveza adentro, y es durísimo después de tanto laburo.

Yo pienso puntualmente, como banda que así como hay muchas cosas que son cíclicas, las bandas de rock en córdoba tienen que estar siempre luchando por mantener un lugar. Y quizás en algún momento te toque un

golpe de suerte y te puede ir bien a un nivel mas grande, por ahora no nos quejamos de donde estamos.

L.S: ¿Pensás que en algún momento Córdoba puede ser una cuna del Rock?

N: Para que Cba vuelva a ser la plaza de rock que fue en algún momento tiene que pasar mucho tiempo y mucha gente que tenga ganas de laburar para eso. Creo que somos todos, debería haber un apoyo estatal a nivel cultural, con la gente y para la gente, porque de nada sirve bancar una banda si la gente no la sigue.

Por otro lado acá el gran público es cuartetero, a veces me encuentro pesimista con respecto al rock local y digo que quizás nunca Córdoba va a llegar a ser lo que fue, no tiene la densidad demográfica para tener dos públicos diferentes, una masa de gente que siga al cuarteto y otra que siga al rock, y después me replanteo y creo que con un par de años de mucho laburo por parte de las bandas y apoyo, quizás sí se pueda lograr.

Más información: http://www.malpaso.info

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ANTISOCIAL CHILD’S:

GLAMOUR PUNKS “Hated by millions, Loved by all” Nota: Victoria Clementi

Hoy en día estamos saturados de sonidos nuevos y no tantos, melodías que se repiten, ladys gagas que plagian lo pasado y la ignorancia lo pasa por alto. ¿Cuánta música se perdió en el tiempo sin ser valorada? Habría que decir que mucha, más de la que nos imaginamos, innumerables estilos, looks y formas de expresión que hasta en algún momento fueron pasados por alto y ahora gracias a la tecnología podemos llegar algunos a rescatar.

De esto se tratará esta columna, bandas, artistas y estilos algo dejados de lado y a veces poco valorados, pero que con su altísimo poder musical hasta marcaron a otras bandas que hoy mismo conocemos como mitos de la historia rockera.

El Glam, punk, hard rock, entre otras variaciones se harán cita en esta sección a lo largo de los diferentes números de Lobo Suelto para mostrarte lo mejor de los 70, 80, y 90 que no muchos conocen. Vos que sos fanático del rock ¿Te lo vas a perder?

Glamours Punks

P

odría decir que es una de las bandas representante y paradójicamente under y desconocida del Glam punk. Su cuna fue Hollywood a finales de los 80, como sabemos este momento significó un cambio importante de género musical hegemónico, el grunge de Seattle comenzaba a invadirlo todo. Así es que los batidos, las lentejuelas, el leopardo y los colores llamativos, daban lugar a un estilo más sobrio, camisas a cuadros, jeans y zapatillas junto a un

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sonido difícil de caracterizar por lo que se llamaría en ese momento alternativo.

En este contexto se rebelaban los Glamour Punks naciendo en el corazón de la fama, West Hollywood, específicamente Sunset Strip, lugar que dio cobijo desde los años 60 a muchas legendarias bandas. Uno de los lugares míticos, que tiene su versión local, es The Roxy.

La banda fue formada originalmente en 1989 con Mandie (voz), Dizzy Damage (bajo, RIP 1995), Mickey Lord (guitarra) y Fly T. Hooker (ba-

tería). Se caracterizaron desde un primer momento por su estética pomposa, principalmente batidos despeinados y de colores, marcado maquillaje facial y exagerada cantidad de alhajas.

A este look se suma la actitud grosera, sucia y sin tapujos típica punk.

Esta fórmula exquisita forjó los cimientos del grupo influenciada por los grandes New York Dolls, exponentes del Glam rock, Sex Pistols, los inicios de Mötley Crüe (“Too Fast for love”), entre otros.

Por falta de presupuesto y otras cuestiones Glamour Punks no pudo en

sus albores grabar un disco bien puesto, por lo que tenemos hasta el día de hoy de aquellos tiempos son varios demos y recopilatorios de demos, algunos con mejor calidad que otros pero que de igual manera captan la densidad punk que los caracteriza.

Temas como “Antisocial child”, “Kick her in the head”, “Kill the clown”, “Video nasty” y el emblemático “Hated by millions”, son lemas para los fanáticos de esta banda que después de 20 años y a pesar de su poca difusión siguen de pie intentando impulsar el género opacado por tanto mediatismo y sonido electrónico y futurístico.

El regreso El pasado 4 de junio Glamour Punks volvió a los escenarios pero con sólo Mandie como miembro original, los demás todos nuevos integrantes. La

cita se dio en la ciudad que los vio nacer, Hollywood, en Viper Room con un público pequeño pero extasiado, por lo que se puede ver en algunos videos que giran por Youtube.

En una entrevista realizada por Glitzine cercana a esa fecha, el vocalista comentó que actualmente ya nada es como su época de punk rebelde, se levanta a las 6 de la mañana, lleva su hijo al colegio, es mezclador de audio independiente para televisión y practica golf en sus ratos libres. Pero igualmente intenta mantener sus ensayos para estar al tanto con su pasión que es la música.

Una buena noticia fue que el año pasado se lanzó un CD con una re mezcla de los mejores temas de la banda, titulado “Can’t fake the punk”, con lo que se pueden apreciar con una mejor calidad de audio.

Así que como reza su My Space: “Agarra una botella de Jim Beam y deja que este CD derrita tu cerebro”.

Más información: http://www.myspace.com/theglamourpunks

Los 5 destacados

del glam de los 80 Nota: Ariel Britos

de la música. en la historia ar ul ic rt pa as bandas neros, nuev década muy gé a un os ev on nu er nfín de música sino Los 80s fu blar por su rgieron un si ha su e e qu qu on da nto para sus lo dier La déca adoptaron ta as que no so e st ti qu ar s te os an ev y nu travag ok diario. las modas ex o para su lo m co , vo vi también por es en presentacion

Los Ángeles fue la cuna del glamour en el rock. La tierra prometida y fértil para el nacimiento y crecimiento de numerosos artistas durante la década. Ciudad testigo de los excesos y los desbandes de un ambiente que con sus make-ups, lentejuelas, purpurinas y demás adornos revolucionaron la historia musical y marcaron un antes y un después entre la relación entre la moda y el rock.

Nikki Sixx

Un bajista, ¿Quizás uno de los músicos más destacados del Glam? Sí, es que fue uno de los miembros fundadores y principal compositor de Motley Crue, la banda más Glam de todas, aquella que en un concierto en Canadá, en la aduana quisieron confiscarle todos sus maquillajes y elementos femeninos tras confundirlos con travestis.

Más allá de la facha, Nikki es el bajista que trascendió el género y el instrumento que manipulaba para convertirse en una leyenda viva de la historia de la música.

Nikki personificó todos los excesos habidos y por haber del rock. Estuvo muerto dos veces en 1987, el primer incidente fue el 14 de febrero de ese año cuando quedó inconciente tras una sobredosis en casa de su dealer, quien al creerlo muerto, echó su cuerpo a un tacho de basura, lo encontraron horas después y lo revivieron en un hospital de Londres.

El 23 de diciembre a causa de otra sobredosis, fue declarado muerto en la ambulancia que lo trasladaba a un centro médico en el que cuando ingresó hicieron un último intento por revivirlo con dos inyecciones de adrenalina que afortunadamente hicieron volver a latir su corazón.

Con el tiempo se limpió y hoy es un cincuentón saludable que lleva 30 años girando con Motley Crue, que en unos días regresa ala Argentina después de 2 años. También tiene una banda paralela fundada por el mismo llamada Sixx AM que ya va por su segundo disco.

Jon Bon Jovi

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Oriundo él y su banda de Nueva Jersey fue un referente del movimiento angelino, de hecho apadrinó y produjo varias bandas que tuvieron éxito gracias a la bendición del dios Jon, entre ellas se encontraban Skid Row, la banda liderada por Sebastian Bach y Cinderella con Tom Keifer a la cabeza. Jon fue el líder de la primer banda Glam masiva que copó estadios y convocó multitudes en los festivales facturando millones.

Vivió toda la década de los 80s de gira por ediciones de discos exitosísimos cada 2 años. Cerraron la década del glamour junto a las bandas más importantes del género en el Moscow Peace Festival en agosto de 1989. El cierre perfecto para una década perfecta, un festival a puro Glam. La virtud de Bon Jovi, fue que si bien mantuvo sus raíces musicales supo adaptarse perfectamente al contexto musical de cada época y todavía sigue llevando la música de su banda por cada rincón del planeta.

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Ann y Nancy Wilson

Las hermanas mas sexys del hard rock. Oriundas de Seattle iniciaron su camino en el mundo de la música a mediados de los 70s cuando formaron Heart, una banda con un sonido muy folk con claras influencias de Led Zeppelin, la banda favorita de las hermanitas. De hecho han realizado varios covers de sus ídolos a lo largo de su carrera con una imagen puramente hippie. Ya en 1983 comienza el período a mi entender más importante de la historia de la banda donde ingresan al estudio ese año para grabar “Passionworks” con dos nuevos integrantes: el baterista Denny Carmassi y el bajista Mark Andes, sumado al guitarrista Howard Leese que ya venía de la formación inicial.

Este “Dream-team” de músicos hace endurecer el sonido de Heart a punto de convertirlo en un hard rock potente que le da mucha mas importancia a las guitarras y a las power ballads que las hicieron conocidos en todo el mundo. A “Passionworks” le siguieron “Heart” de 1985 donde se destacan numerosos hits como “These dreams”,”What about love” o “Never”. Su punto de mayor éxito se realiza en 1987 con “Bad animals”, un disco perfecto de principio a fin que llegó al número 1 de todas las listas y logró el punto más alto de ventas gracias a canciones como “Alone” o “There´s the girl”. Una imagen cada vez mas llamativa se mostraba de las hermanitas, exhibiéndose más sexys en los videoclips. “Brigade” de 1990 fue otro disco excelente, pero salió a la luz cuando el Glam empezaba a perder fuerza, aún así muchos de sus singles fueron un éxito. Entre ellos se destacan “Secret”, “All I want to do is making love with you” o “Stranded”.

Bret Michaels

Si decíamos que Motley era la banda más Glam de todas, Poison no se quedaba atrás.

Motley-Poison era el superclásico, el River-Boca del Sunset Strip.

Otro sobreviviente del estilo de vida de Los Ángeles, aunque fuera de Pennsylvania, Bret se mudó ala ciudad del glamour junto a su amigo Rikki Rockett en 1984 para formar Poison. Por la audición de guitarristas para formar la banda pasó hasta el mismísimo Slash, quien no fue tenido en cuenta por usar mocasines, jean y remera. Obviamente apenas vieron a CC Neville con una campera de cuero blanca, pelo platinado y botas texanas no hizo falta mucho más para que fuera el elegido, más allá de que era un muy buen guitarrista. La formación se completó con Bobby Dall en el bajo y su disco debut fue “Look cat what the dragged in” de 1986. En 1988 tuvieron su pico de mayor éxito con “Open up and say…ahh! De donde salió ese himno de los corazones rotos que fue “Every rose has its thorn”: El éxito siguió con “Flesh & blood” de 1990, hasta que en esa gira los problemas con las drogas de todos los integrantes le jugó en contra a la banda y CC fue expulsado después de tomarse a golpes de puño con Bret. Mientras el grunge sonaba por todos lados, le dieron un giro brusco a su sonido en “Native tongue” de 1993 mezclando su clásico hard rock con elementos gospel, blues y soul, el disco no pegó y la banda luego estuvo inactiva por años. En los últimos tiempos Bret se dedicó al cine, a hacer exitosos reality shows con sus grupies, a jugar de jurado de concursos musicales, discos solistas, en fin: siempre se mantuvo activo y se ganó una nueva legión de jóvenes fans. El año pasado sufrió una hemorragia cerebral que lo dejó al borde de la muerte, pero como todo buen rockstar que tiene 7 vidas, zafó y sigue de gira deleitando a sus seguidores.

Joey Tempest

Líder y emblema de Europe, la banda más lejana a Los Ángeles, pero que fue la pionera de los numerosos grupos glammies suecos que surgieron con el tiempo. Arrancaron a comienzos de los 80s cuando la por entonces novia de Tempest los anotó en un concurso de bandas en Suecia. Ellos fueron los elegidos por sobre otras 4000 agrupaciones y grabaron su disco debut homónimo en 1983, le siguió “Wings of tomorrow” un año después y ya en 1986 batieron todos los récords con una canción que hasta sonaba como himno deportivo, “The final Countdown”, con el que se hicieron famosos en todo el mundo.

Mantuvieron el éxito en 1988 con “Out of this World”, pero entrando a la década infame para el Glam metal, se les ocurrió sacar un disco en 1991, el año “boom” del grunge.

Obviamente “Prisoners in paradise” fue un fracaso total y la banda se separó. Joey y sus compañeros de banda se dedicaron a álbumes solistas y se volvieron a reunir en 2003.

Con el productor de “The final Countdown”, entraron al estudio para grabar “Start from the dark”, disco que vio la luz en 2004 y tuvo buena aceptación. El año pasado, la gira de “Last look of Eden”, editado en 2009 los trajo de visita a nuestro país. Europe sigue vivo y le queda mucho hilo en el carretel.

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GIBSON SG:

sentimiento hecho guitarra Nota: Victoria Clementi

Hace ya medio siglo que en aquellos países del norte comenzaba la llamativa y excéntrica psicodelia. La guerra de Vietnam, los hippies, Woodstock, el sexo libre y el flower power se conjugaban en interminables relaciones dialécticas. Todo esto sirve para introducir a uno de los modelos más innovadores de guitarras eléctricas y que desde sus principios fue adquirida por grandes y grandísimos guitarristas que la adoraron, tales como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Angus Young. Estamos hablando de la Guibson SG, esa viola de sonido rockero, versátil y con los dos cuernitos del diablo, aparecida justamente en 1961.

El nacimiento

L

a historia cuenta en 1952 Lester William “Les Paul” Polfuss, habia colaborado con Gibson en el diseño de una guitarra que llevaba su nombre arístico. En los ´60 estos modelos tienen una gran caída de venta, por lo cual cesó la producción y Gibson decide modificar el clásico modelo Les Paul. Así es que el nuevo diseño se larga a la venta en 1961, se caracterizaba por ser liviano y ligero, con dos especies de cuernos (double-cutaway) para que los trastes superiores sean mucho más accesibles. Todo esto abarataba muchísimo los costos y al mismo tiempo se planteaba como una opción innovadora y original.

Siguiendo el relato, Les Paul se enteró de esta modificación y cuando vio la guitarra en una vidriera no le gusto para nada, pero ya era tarde el modelo tenía aún su nombre, ya que se vendía como “la nueva Les Paul”. Se empeñó en decir que esa no era “su” guitarra, pero “Les Paul” estaba escrito entre el mástil y la pastilla grave de

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a guitarra y Gibson tenía suministros de esto para dos años, por lo que del ’61 al ’63 siguió llamándose de esa manera. Lo peor es que Lester tenía un contrato de esponsorización por lo que forzadamente tenía que posar en las fotos con la nueva guitarra, en donde en ellas sus sonrisas brillaban por su ausencia o por su falsedad.

Despues de esos dos años Gibson cambia el nombre por el ya conocido, Gibson SG, esas dos letras son la abreviatura de “Solid Guitar”, es decir guitarra de cuerpo sólido.

Toda una rocker La nueva Gibson tuvo un gran impacto en sus ventas, ya que los primero tres años se comercializaron 20 mil unidades. En principio fue creada para hacerle competencia a la Fender Stratocaster y en términos generales se caracterizó por el mástil más liviano y fino, además de que se unía con el cuerpo casi al ras, lo que facilitaba una mejor subida a los trastes más agudos cosa mejorada también por los innovadores ya nombrados cutaways, tanto que por todo esto se publicitó como “el mástil más

rápido del mundo”.

El cuerpo era entero de caoba sin tallar, mucho más delgado, simple y barato de fabricar que el de la Les Paul, que era de caoba con una tapa de arce tallado.

Lo llamativo de la SG es que tiene la dulzura de la Les Paul y un estilo super rock que la realza con gran impacto, es un icono del rock and roll y el hard rock, aunque fue diseñada para los mismos que utilizaban la Les Paul, es decir músicos de jazz, blues y country.

Para elegir Como era de suponer aparecieron varias versiones de este modelito tan codiciado, con la igual forma SG apareció un modelo Junior parecido al de Les Paul, que tiene una única pastilla y vibrato opcional. Además luego apareció la SG Special con dos pastillas y con palanca vibrato opcional. Por otro lado, agregando,

el mismo año del lanzamiento de la guitarra se comercializó también un bajo con el mismo diseño llamado Gibson EB-3.

En los ’70 aparecieron otros modelos tanto baratos, como las SG-100 Y LAS SG-200 y las más emperifolladas SG Pro y SG Deluxe.

Como se puede ver alrededor de la SG se esconde una magia especial, ya que muchos rockeros natos la utilizaron, la utilizan, la eligen y vuelven a elegir, se puede nombrar a internacionales como Eric Clapton

en Cream, George Harrison de The Beatles, Jimmy Page de Led Zeppelin, Frank Zappa, Jimi Hendrix, Tony Iommy de Black Sabbath, Robby Krieger de The Dorss, entre otros muchisimos. Y nacionales tales como Skay Bellinson y Chizzo Napoli.

Skay Bellinson

Jimi Hendrix

Chizzo (La Renga)

Jimmy Page (Led Zeppelin)

Angus y sus nenas

Como la mayoría sabe, Angus Young es el guitarrista de AC DC, ese hombrecito poderoso con uniforme colegial desde su inicio tuvo en sus manos una SG del ‘68, que la adquirió en el año ’73 y aún sigue usando, dicen que la había visto en el catálogo de guitarras de un compañero del colegio desde San Francisco. Desde un principio se enamoró de los cuernos y el color rojo que caracterizó desde un principio a este modelo que le daba un toque diabólico.

Como se ve Angus es uno de los clientes vitalicios de Gibson por lo cual la campaña no perdió tiempo y desde hace años tomó a este guitarrista como figura de su marca, por lo caul se hicieron tres guitarras con su nombre: La primera es la “Angus Young SG Standard” producida en la customshop de Gibson, esta guitarra rinde tributo a la SG que tiene Angus con los marcadores de los trastes en forma de símbolo de corriente alterna.

La segunda es la “Angus Young SG”, que se fabricó en los talleres regulares de Gibson. Y la tercera guitarra es una SG vintage con trémolo tipo “Lyre Vibrola” o “Maestro”, que está basada en su primera SG, el modelo del ’68.

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ACORDES EN LA PEATONAL Nota: María Eugenia Lunad Rochad

La gaita y el arpa se hacen oír en el centro cordobés. Todo instrumento tiene dueño e historia. Leandro y Samuel la cuentan.

C

órdoba se descubre por el Suquía, una cañada que lo contiene bordado de tipas, sus comechingones y sanavirones y las universidades. Y también -como marca la canciónse viste de `tardecitas por la peatonal´ donde desfilan audaces y talentosos músicos que disfrutan hacer lo que hacen y, lo mejor de todo, es que lo comparten.

Hacen música para los oídos de los transeúntes y lo hacen con el profesionalismo, la disciplina y la dedicación de cualquier egresado del conservatorio.

Hablan de música como si supieran porque saben de lo que hablan. Capaces de conocer de música sin poder leer partituras.

“Eso se desarrolla. Es escuchar música y desarrollar el oído, escuchar instrumento por instrumento por separado y ahí va”, explica Leandro Müller antes de deleitar con su gaita.

Raro es escuchar un sonido de película de posguerra en pleno centro cordobés. Y más raro aún es que este músico no se anime a dar clases. “¿Que voy a enseñar yo?” Se pregunta y responde: “Si yo soy autodidacta.

Soy audio perceptivo. Escucho y voy sacando”. Ni pollera escocesa ni anglosajón, tiene tonada cordobesa.

Recorrió Irlanda, Galicia, Canarias, Baleares, Italia, España de norte a sur.

“Mi vida es así, yo trabajo mientras vacaciono”, resume este muchacho de ojos verdes y tez trigueña que vive en Parque Siquiman. Hace dos años que toca la gaita. La escuchó por primera vez en Italia y, seducido por la melodía, viajó a Galicia, cuna de los mejores gaiteros, para aprender el “Tenés que inflar primero el buche que es como oficio. una bolsa, que antiguamente la hacían con tripa, Leandro se hace con vejiga de cabra. Y adentro está la cicuta, la conocer en la vía pública y tripa. Vos inflás este buche y te sale el sonido por advierte que no concurre la ronqueta, por el ronco y por el puntero. De los al Oktober Fest porque tres lugares. Una vez inflado a la presión se la das “yo tengo que ir a los con el brazo. Y estos son los que van marcando el lugares donde no toquen colchón, por así decirle, los que van haciendo el la gaita para ser más acorde”. exclusivo”. Recordemos Leandro comienza a tocar el instrumento y la que en la inconfundible armonía se desparrama de una manera agradable fiesta de la cerveza -en pero, a la vez, penetrante. Explica que la gaita no Villa General Belgranotiene volumen y por lo tanto no es posible regular convergen músicas y la intensidad del sonido. Así que, al mejor estilo luthier, le agregó una gomita elástica en la palleta, danzas tradicionales de cada región de Europa que es un pico de caña doble, y de esa forma donde las gaitas pululan. logra, sin perilla, que suene un poco más leve.

Una ventaja de tocar la gaita es que atrapa curiosos menciona este

Un instructivo

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“musiloco” o “musicópata” como elige definirse. Su repertorio es itinerante como él pero su estilo uno solo y es folk-celta. “A mi no me gusta pasar la gorra. Yo lo que dejo es la gorra estacionada, quien lo sienta y pueda me pone”, describe antes de esparcir el sonido.

“Dos veces por semana, tocaré cuatro horas mas o menos. También por ahí me hago una changuita de albañilería, pintura, esas cosas, lo que pinte”, avisa este gaitero en la esquina de 25 de Mayo y Rivadavia, frente a la Iglesia y frente a un viejo hotel Crillón desaparecido.

El cantero que se escucha “En este cantero estoy hace 13 años”, comenta con orgullo, Samuel Vera abrazado a su arpa, al parecer, lo único que se trajo de Paraguay.

Después contará que llegó a Córdoba por primera vez en 1982. Que lo trajeron con la promesa de enseñar a manipular las 36 cuerdas que tiene un arpa. Pero la incipiente Guerra de Malvinas y un peso devaluado lo llevaron de vuelta.

Es que de pequeño soñó ser músico profesional tocando el arpa. “Y cumplí mi sueño porque yo soy nacido y criado en el campo” comienza a desandar el hombre.

Y desde Coronel Martínez se vino -lo trajeron-. Un pueblito del departamento de Guairá, “porque allá se dice departamento no se dice provincia”, explica Samuel y la nostalgia se adivina en sus ojos. “A la edad de 28 años me trajeron del campo a integrar grupos profesionales y desde aquél entonces sigo hasta ahora”, cuenta Samuel.

Pulsa las cuerdas con la cadencia y precisión de un entendido. Es que Samuel tiene la mejor capacitación, la que se adquiere de pequeño y en

el hogar. Trayectoria de arpistas lo anteceden en su familia. Su madre le regaló una guitarra para que acompañe el arpa de su hermano. Pero “yo agarraba el arpa porque ya sabía, veía y escuchaba cómo se tocaba”. Así de fácil: “Según como veía lo hacia yo, y aprendí”.

Samuel Vera ya es parte de la historia de esta ciudad y cautiva con su arpa paraguaya a todo paseante.

Quizá no lo sepa, pero lo describe. “La gente sabe a donde me encuentra. La gente viene directamente como hace tantos años que estoy acá”.

Movilizar el arpa implica una estrategia y este músico la tiene. Deja su instrumento en el negocio aledaño.

“Ellos son compatriotas mios, entonces lo dejo acá como si fuera mi casa”, explicita.

Arpista quiere pista Si hablamos de artistas ambulantes hay un denominador común o, mejor dicho, poco común. Y el caso de 25

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Samuel da cuenta de esto. Su saber no se sujeta a pentagramas ni a estudios avanzados sobre música. “No tengo cultura musical, tengo conocimiento.

Hablando de música conozco todo de pie a cabeza pero no de partitura”, remata para sorpresa de los que lo escuchan y lo ven para confirmarlo.

En el medio de dos zapaterías, este arpista asoma, y además exhibe, sobre un amplificador, dos CD´s con su música. Porque antes cantaba. Y ese “antes” se percibe en la foto del CD. Igual aclara, “antes cuando éramos trío de voces”. Luego se dedicó al arte de acariciar las cuerdas y revelar sus melodías. “Los músicos de Asunción me llevaron ya a la capital para integrar grupos dirigidos por grandes maestros”, recuerda.

Indica que en la foto tenía 38 años.

“Aprendí mucho pero ahora ya no toco como cuando era joven lógicamente por la edad”, resigna. Y aunque no se nota Samuel advierte que tiene los tendones cansados. Sus familia desde Paraguay lo reclama y repite lo que una de sus hijas le dice: “Cuando el padre esta grande queda a cargo de los hijos”.

Se dedica a transmitir lo que él sabe. “Ahora tengo cinco personas que estudian conmigo” comenta y explica las claves para aprender: tener el instrumento y constancia “porque la práctica es sobre todo”, señala desde la experiencia. Y Samuel enseña con el ejemplo, tiene arpa y todos los días desde las 10 de la mañana hasta las 15hs ocupa el mismo cantero que hace 13 años. Y su mayor propina -dice- “no es la moneda, es la venta del Cd mia”.

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VIVIENNE WESTWOOD: LA ESCULTORA DEL PUNK

Nota: CC.

Desde los 70’s hasta la fecha, una recorrida por las tiendas de Vivienne Westwood, Madre del punk-rock couture, dueña de la inolvidable estética de los Sex Pistols y salvadora de la reina Isabel suburbana.

Let it Rock

S

upongamos que tengo una máquina sintetizadora de secuencias tiempo-espacio y en un chasquido de dedos recalamos en la 430 King’s Road de London, algo así como el lugar de las oportunidades... Es un, mmm, 7 de junio de 1972, son las 5 p.m. y el clima es un privilegio. Vos viniste con tu cámara super-pro de que sé yo cuantos megapixeles (parece la ametralladora del agente secreto), te codeo y digo: -¿Viste ese localcito cambalachero que está ahí?

-¿Cuál?

-Ese que se llama “Let it Rock”…

Te conté que ahí, un par de años después, se compraba la pilcha David Bowie? No sé si andás con tiempo y ganas de entrar, pero yo estoy que no me aguanto y quiero ir. Y, ya vinimos hasta acá…

Y entramos Justo están cambiando el cartel. El local deja de llamarse “Let it rock” y se rebautiza como “Too Fast to Live, Too Young to Die”.

Con mi mejor cara de aspirineta largo un “Buenas…” De la trastienda aparece un cuerpo (muy “bienvestido”) con una maraña de pelos decolorado, batidos y parados (es Vivienne Westowood! es Vivienne Westowood!) y nos pregunta que andamos buscando. Me sale la típica, “andábamos viendo…”, expresión que acompaño con un movimiento ocular de 360 grados, parecido a un paneo general de cámara. “Oukay”. Me caen muy simpaticones esos vendedores/ as que dejan tranquila a su posible clientela mientras ésta, sin quizás el menor ánimo en llevarse algo, se pasa horas eternas mirando cada detalle. La verdad es que no sé cómo

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mantienen sus locales (¿importa?), pero allá, al lado de la ventana está Malcolm Mc. Laren, socio activo de la tienda, haciendo la caja y no son precisamente dos moneditas las que está contando. “Alguien se llevó los tres mejores vestidos para hombre esta tarde.” Dijo uno que nos estaba viendo como estábamos mirando largo y de reojo.

En los recovecos del negocio encontramos una modesta colección de vinilos dispuestos en un orden sin lógica aparente, sin embargo, no proceden de igual forma con la indumentaria y los accesorios, que están separadas por colores, pero no te creas, no vas a encontrar ni un pelo de hippie. Casi todas las prendas tienen un aspecto de rockero-gastado, mucha cadena, mucho cierre, tajos sin propósito unidos por alfileres de gancho roídos por el tiempo y la desgracia de la calle. Al lado de Malcolm hay un perchero chiquito con un par de remeras con inscripciones anarquistas o imágenes pornográficas, muy parecidas a las que podemos encontrar en el 2011.

Como todo micro-emprendimiento que se inicia, no siempre el comienzo Vivianne en plena década de los 70

es una gloria y en general hay que esperar un par de años (meses con suerte y buen ánimo) para empezar a ser parte del mercado, por muy under que sea. Pero no te desanimes. Vamos a girar la perilla a 1974 para ver que pasó.

Click. Cambiaron la vidriera. Ahora pusieron vidrios oscuros, como si fuesen unas gafas de rockstar, y el cuchitril, la mente de un artista inolvidable. Sacaron el cartel y cambiaron de nombre. En la entrada pusieron una chapa de bronce con la leyenda “Sex, exclusive for soldiers, prostitutes and punks”. “Cerrado por reformas”. Bue! Giremos la perilla a 1976. “Seditioners”.

Open. Empuje. No, tire.

Entramos. Otra vez la oxigenada de cabellos locos, los discos, las tachas, los cierres, Malcolm. Agregaron una rockola y ampliaron el espacio, que aparenta ser un bunker para músicos con especiales necesidades de glam y rarezas varias, además de una tienda de ropa y una micro sala de ensayo.

En este hervidero de ideas, se respira excentricidad y revolución. Este parece ser el período en que Bowie los visita seguido y los Sex Pistols se arman de una estética legendaria, sin querer queriendo. Se vende mucho el cuero y las cadenas están en boga. Acaban de lanzar la colección “Esclavitud”, en la que priman las cremalleras, las hebillas, las correas, la goma y el fetiche. Mc. Laren padrecito ya, brilla como productor de bandas anarcopunks y tiene a la Westwood comiendo de la palma de su mano.

Como en toda historia de love n’ rockers, nunca va faltar el quilombo y si hay negocio de por medio, correrá sangre por la división de bienes y la inevitable pérdida de dinero para el más talentoso, que luego regresa cual ave fénix y se convierte en millones y

más, y más, millones de palos verdes.

Acá pasó algo parecido. Dicen que el final de la asociación amor y business, allá por el ‘84, fue absolutamente punk, con un Malcolm endiablado, paralizando toda la producción textil de la fábrica de Londres, hurtando las cuentas bancarias conjuntas y regalando, como si fueran juguetitos, los primeros diseños de Vivianne. Una pena, les venía saliendo todo tan redondito… En el 81 lanzaron una colección excepcional,

intitulada “Piratas”, famosa por sus remeras de cortes asimétricos, pantalones de montar y un hermoso detalle de dientes de oro en boca de los modelos. Parece que el combo fama-dinero-sexo-drogas y punkrock les sentó un poquito mal y se fue todo al tacho. La tienda es rebautizada “Nostalgia of Mud”…

Giremos la perilla antes de que la liguemos nosotros también…

os amig el revival del punk a las pasarelas. o con

n nne e Vivia 70 s lo en

pleno

rtistic eso a progr

Atómico polvo de estrellas Ahora si se fue todo al carajo. El local se llama VIVIANNE WESTWOOD. Se acabaron las prendas bondage, el cuero, los alfileres y las tachas.

Todo parece remitir a una escena de la decadencia rococó del Siglo XVII, y ese especial toque inglés, esencia primera, las raíces de su nueva y única comandante, a quien a partir de ese momento, se considera una bella-genio dentro de la vanguardia de la moda, una conjunción de fuerza, convicción y paciencia. Enfundada en unas plataformas del abismo, la Westwood revolucionó y ahora parecer ser una especie lady británica de la post-guerra.

El escaparate empotrado en un muro de piedra, exhibe vestidos de gala en tela escocesa, y una línea de corsets para cobijar los particulares trajes de novia, dignos de una joven reina Isabel.

Ahora agarrate fuerte porque llegamos al último tramo del trip.

Giramos perilla y caemos al 2000, ese período de tiempo en el que muchos artistas no tuvieron mas remedio que reinventar, fusionar y exprimir viejos conceptos. Gracias al cielo, llegó

LOBO SUELTO

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Una vez más, nuestra musa zafó a los arañazos y vuelve a pararse sobre la cresta de la ola. Para mejor, desde el London Museum recibe un tubazo con la excusa de homenajear su obra y en especial esa colección comentada por Romilly Mac Alpine, en las monstruosas revistas “Vogue” y “Harper’s Baazar”.

La muestra exhibe las piezas más destacadas de las colecciones “Viva La Cocotte”, “Zonas eróticas” y “Tormenta en una taza de té”. En un sitio de honor, exhibió las prendas de sastrería masculina en los tonos de amarillofurioso, fucsia y turquesa. Todas ellas parte de la afamada colección “Mc Andreas”, en honor a su nuevo, joven y apuesto marido, que además, para ese entonces es el encargado de dirigir la línea Weestwood para caballeros y la pedalea fielmente a su lado desde hace una década. Para Malcolm que los mira por TV. Si te pegó un poco mal el viaje y necesitás bajar un cambio, vamos a tomar un tesito (al bar de Giger! Se!) y terminamos de cerrar el chisme. No te vas a creer la línea de calzados y accesorios que viene lanzando. Son pedradas de glamour. Y los perfumes!

Lloro!

Té inglés at 5 o’ clock.

Azúcar o edulcorante?

La cosa que como toda revolucionaria, Vivienne, que es la

representante de la ideología punk en materia de moda, ahora está sumergida en ese mar sin fondo del anti-consumismo y no hay medio en que no la veas pregonando esa postura. Su discurso es, no compres, no a las marcas por la marca en sí, no a la destrucción del planeta, no a los pre-lavados-químicos-textiles y si a las telas gastadas naturalmente con los años. Reinventemos, reciclemos, nos juntemos un sábado a la tarde con las amigas e intercambiemos los trapos de las abuelas y los customicemos.

Me parece genial. Habrás notado que en nuestra ciudad se está dando esa posibilidad así, mejor nos volvamos.

Cuando nadie nos vea, salí vos primero, que yo te sigo corriendo y desaparecemos con la velocidad de un rayo. Acá una tacita de té sale una fortuna y con estos pesos argentinos van a creer que somos extraterrestres.

666: censuradas y controvertidas portadas del rock

Nota: C C.

S

iempre sostuve la idea de que los artistas se pueden dar el lujo de ser y hacer bastantes más cosas que el resto del cuerpo social “no debería”. A costa de las consecuencias de sus actos, imágenes o palabras, son capaces y tienen con qué, para llegar más allá del bien, del mal y del que dirán, Víctima de la robótica. Guns n’ roses, Apettite for destruction Cuando esta portada sale a la luz de los medios, la cadena MTV se niega a mostrar los videos del disco, simplemente por la ilustración. Los forrajidos (y Geffen records) deciden cambiar la carátula que termina siendo la emblemática cruz con los cráneos de cada uno de los miembros. Sin embargo, se las rebuscaron para que apareciera en los interiores del booklet, lo cual, al menos para mi, fue como encontrar un suculento relleno inesperado, dentro de un disco que devoré durante años. Gracias a esta figuración del apetito por la destrucción, Robert llega a hacerse conocido fuera de su ámbito de cabecera que era el cómic, contexto en el que se codeaba con altos personajes como Robert Crumb o Gilbert Shelton y en el que se destacaba especialmente por sus ilustraciones pop-psicodélicas, absurdas, brutales y con grandes dosis de contenido sexual explícito. Al día, esta ilustración es portada de uno de sus mejores libros de arte “The long arte of Robert Williams.”

Porque la verdad los hará libres y para que no les vendan gato por liebre, en las próximas dos notas de esta, prometo contarles acerca de las seis portadas que causaron estertor y revuelo en la industria del arte y el rock.

aunque la censura les tape la boca.

Y por supuesto, siempre habrá alguien deseoso de sacar a la luz todos esos mensajes que en mayor o menor medida a lo largo de los años, se han intentado esconder como mugre bajo la alfombra. Siempre existirá alguien que descubra una flor naciente en medio del barro. Convengamos que cada vez hay menos tierra que ocultar y que el fenómeno del “destape” está

Dedos pegajosos, The Rolling Stones Qué decir de una portada como esta… No te olvides de mirarle los zapatos… Ni siquiera fue necesario que el nombre de la banda figurara lo suficientemente grande como para gritar, hey aquí estamos, somos nosotros. De la mano del talentosísimo Andy Warhol, este disco aparece en el mercado en 1971, pero con la farmacia abierta; en un principio la cremallera del vaquero estaba baja hasta que finalmente fue censurada en España y se sustituye por otra en la que salían unos dedos del interior de una lata de melaza. Obvio y aburrido recurso que deja en el olvido una fotografía tan expresiva y cargada de ese dulce doble mensaje de uno de los artistas gráficos más grandes de la historia. Para la esperanza de muchos, les cuento que en el 2003 VH1 la elije como primera en la lista de las 50 tapas más originales. Chupáte esa mandarina.

muy en boga. Pero hay revolución para rato. Como decía Jack Kerouack, esto es para los locos, los inadaptados, los rebeldes, los alborotadores, los que no encajan, los que ven las cosas de una manera diferente. Los podemos citar, no estar de acuerdo con ellos, glorificarlos o vilipendiarlos. Pero lo que no podemos hacer es ignorarlos.

Virgin Killers, Scorpions.

Por algún extraño fenómeno de la psiquis humana, parece ser que a mientras más se prohíba el consumo de algo, más prensa se le otorga y más curiosidad genera en las masas.

Esto fue lo que sucedió con esta portada que data de 1976. Pero el quilombo llegó bastantes años mas tarde. Gracias al furor de la era digital y el manejo responsable de la seguridad informática, en el 2008 la IWF, organización no gubernamental del Reino Unido, (Fundación de vigilancia en Internet por sus siglas en inglés), vuelve a destapar una olla de escorpiones podridos y condena a la gran Wikipedia por haber colocado esta portada dentro de las imágenes ilustrativas para sus artículos relacionados. Wikipedia y los Escorpiones caen directo en una lista negra, se bloquean todos los accesos a estas wikinotas y se genera un rumor imposible de manejar. De todas maneras, una pila de años anteriores la imagen, definida como “potencialmente ilegal / sobre abuso sexual de menores” según la IWF, se difunde por el mundo entero en una hermosa caja con diseño especial y edición de lujo.

Lucía Carricaburu: Fotografía profesional

Lucía Carricaburu

Lucía Carricaburu nació en Buenos Aires el 21 de Septiembre de 1987, día del estudiante y del fotógrafo, profesión en la que se formó en Córdoba. “El proceso de cómo me di cuenta realmente de que me gustaba fue algo raro, pero una cosa lleva a “Me gusta poder transmitirle a la gente mi punto de la otra y aquí estoy”, contó a Lobo Suelto.

Lucía Carricaburu nació en Buenos Aires el 21

vista de las cosas, y saber que eso llama la atención

Su trabajo, en primera persona: es muy gratificante. Saber que por ahí aportás una

de Septiembre de 1987, día del estudiante y

idea, una reflexión, o tal vez una critica en la cabeza de

imágenes que en me gustan retratar del fotógrafo, profesión en“Las la que se formó

generalmente no son momentos alguien… ¡está buenísimo!”

Córdoba. “El proceso de cómo me di cuenta instantáneos sino generados. Me gusta mucho fotomontaje, la foto realmente de que me gustaba fue algoelraro,

publicitaria y de moda... últimamente

pero una cosa lleva a la otra y aquí estoy”, un poco la rama de estoy investigando “Las imágenes que me gustan retratar generalmente no lo social (fotoperiodismo)”. contó a Lobo Suelto.

“Trabajé mucho tiempo con una son momentos instantáneos sino generados. Me gusta cámara Sony Reflex profesional, y debido a ciertas complicaciones por mucho el fotomontaje, la foto publicitaria y de moda... importación, ahora utilizo Nikon”. estoy investigando un poco la rama de lo “Me gusta poder transmitirle a la últimamente gente mi punto de vista de las cosas, y social saber (fotoperiodismo)”. que eso llama la atención es muy gratificante. Saber que por ahí aportás una idea, una reflexión, o tal vez una critica en la cabeza de alguien… ¡está buenísimo!”

“Me inspiran los sueños. Sueño mucho las cosas... otras veces encuentro inspiración en cosas rebuscadas o que tal vez la gente toma como “Feas”, y de ahí surge mi idea de poder cambiarlas. Me gusta generar opiniones, que la gente se suelte e interprete”.

“Creo que los riesgo no existen en la fotografía, creo que nadie es conformista y uno siempre quiere superarse, obviamente depende de cada uno hacerlo o no. Yo me arriesgo y pruebo. La idea de quedarme estancada en algo y decir “¿Qué podría haber pasado?” no la acepto ni loca. ¡Tiempo para equivocarse hay de sobra! Me gusta tratar de superarme constantemente, ¡sino la vida es aburrida!” “¿El momento ideal para sacar una foto?... todos!”

“En cuanto a proyectos a futuro, hay muchos. Por empezar quiero poner un estudio propio de fotografía, también me gustaría irme al exterior a “probar “Creo que los riesgo no existen en la fotografía, creo que suerte”. En fin, es ser reconocida por nadie es conformista y uno siempre quiere superarse, lo que hago, ¡por lo que Amo hacer!” obviamente depende de cada uno hacerlo o no. Yo me

arriesgo y pruebo. La idea de quedarme estancada en algo y decir “¿Qué podría haber pasado?” no la acepto ni loca.

¡Tiempo para equivocarse hay de sobra! Me gusta tratar de superarme constantemente, ¡sino la vida es aburrida!”

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“¿El momento ideal para sacar una foto?... todos!”

Si sos artista plastico, pintor, fotógrafo o tan sólo querés Mostrar tu arte, envianos un E-mail a: revista.lobosuelto@hotmail.com

“Me inspiran los sueños. Sueño mucho las cosas... otras veces encuentro inspiración en cosas rebuscadas o que tal vez la gente toma como “Feas”, y de ahí surge mi idea de poder cambiarlas. Me gusta generar opiniones, que la gente se suelte e interprete”.

“En cuanto a proyectos a futuro, hay muchos.

Por empezar quiero poner un estudio propio de fotografía, también me gustaría irme al exterior a “probar suerte”. En fin, es ser reconocida por lo que hago, ¡por lo que Amo hacer!”

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el renacimiento de

detesta

Nota: Marina Miguel

Pronto saldrá a la venta el primer disco de estudio de la banda cordobesa de post grunge Detesta, una banda joven que promete mucho y que logró componer canciones profundas y pegadizas al tono con los géneros que los define.

L

a Muerte de la Belleza será el título del nuevo disco de un grupo conformado por músicos jóvenes que viven en la ciudad de Córdoba. Luego de su primer Ep “El Curioso Incidente”, los Detesta finalmente decidieron ir por más, meterse a grabar en los Estudios 440 y lograr un disco prolijo, interesante, cautivador y enérgico, que induce a pensar que no hay una muerte de la belleza, sino todo lo contrario: en cada canción se encuentra fácilmente a la belleza musical de la composición, la belleza de una melodía y hasta podríamos encontrar la belleza de la distorsión.

Actualmente a la banda la integran Andrés Berardo en la voz y el bajo, Paolo Manavela en la guitarra y Guillermo Mansilla en la batería, aunque quien grabó la guitarra en el disco fue Matías Perret Cantóni, el anterior miembro de la banda hasta hace seis meses atrás, que decidió dejar Detesta para continuar con sus estudios. Pero finalmente llegó Paolo a ocupar otro tipo de lugar en la banda, el del metalero pesado con ansias de tocar en el escenario, con el desafío de tener que aprenderse temas de un día para el otro y guardar sus ganas de componer para la próxima.

La realidad es que quien se encargó de componer las letras de este disco es Andrés, un bajista muy decidido, con pilas, mucha actitud, un profundo amor por la música y las melodías que insinúan todos aquellos sentimientos buenos del ser humano; un pibe que desea de verdad que su banda crezca conforme a todo el trabajo que le dedican a la banda. Pero cuando Andrés insiste demasiado, allí aparece Guille, el baterista, el que más conoce a su compañero/amigo, sabe cómo manejarlo, y sabe qué cosas están bien y cuáles no. Además, es un músico con mucho talento y control en el manejo de los tambores, que logra

destacarse en cada canción y tiene una particular manera de tocar.

Su estilo se caracteriza por la fortaleza que contienen todas sus composiciones, mezcladas con letras que hablan del amor y el desamor, las drogas, causas personales que afectaron a los integrantes, la felicidad, y como define Andrés “Las letras son una especie de Tour por mis emociones, pensamientos y vivencias que tuve. Mis canciones hablan de lo que soy o lo que fui en algún momento; son autorretratos”.

La Muerte de la Belleza tiene temas novedosos, y cuenta con la asistencia de tres grandes de la cultura musical cordobesa: Romi López en Vocal Doctor, Fernando Caballero en Drum Doctor y Martín Gómez en Guitar Doctor. Además de invitados como el Cuarteto Traümerei en arreglos de cuerdas (compuestos por Hernan Ferreyra) y Alejandro Di Rienzo en pianos, que abren y cierran

el disco con una sutil “belleza”.

“Seis Años” es el hit… sin lugar a dudas, pero va de la mano con otra perlita titulada “El Final (tiempo de morir)”. La primera es una pieza musical cargada de riffs poderosos, fusionados con melodías y acordes melancólicos, acompañados de una letra que incita a olvidar el dolor, y la segunda es el momento oscuro del disco, compuesto por acordes dulces, una letra fuerte y depresiva, y un estribillo cargado de una potencia que pide a gritos atención.

En el momento de comparar, verbo al que uno suele acudir, se pueden ver similitudes con Carajo o Cabezones, pero ellos definen su gusto particular y se sienten influenciados por bandas como Stone Temple Pilots, Incubus, System of a Down, Papa Roach, Morphine entre otros grupos que hicieron que los chicos se involucraran en la música con una enorme convicción, y lo que es aún más importante, un talento a la vista de cualquiera.

Más información: http://www.myspace.com/detestarock

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n Babasonicos e

el Orfeo

/ Fotos: CC. uel Sanabria an Em a: ot N

ernos de nado con cu n los mbras, coro co so e s et la m e re tr ar erge de en s la banda em ra gañe a mi s nt lo en ie e ge m m , ár e Adrián D andex azul dejame qu sp ra en ho o “A ad . fund Fauno” mo en el bestia y en de “Flora y manera, co mblorosos ente ck y de esta ro am l nt de acordes te le de os nta el duen introducim ca os , para m o” o so m iv , is ot m rusa doble m a montaña de nico, con un os só añ ba inicio de un 20 ba s so lo l univer opósito” y Pr “A de al vértigo de presentación tiene la celebrar: la Babasónicos banda. la de , un show ém de ra nd tu al ta carrera ta un y r que a es bre tablas so rse o ci da e Y cabe deci ofi de banda pued ia que años os” Incluso, la ad n. at contundenc ga ch or fa ot ados le omo “Des éxitos instal ir números seguros (c (en este it as perlitas ej om vi de ar jo at lu sc el re ”) sin ía a, an rs ve om a la in y “Demon o” ir át o “Fizz”), o “S . ts ”, sus se de Valium la solidez de caso “Valle ás mínimo ura la lista m lt lo so n en co ar n agriet rriero o a su Lanús reco ente en torn Así, los de tó mayorm a la bi ó or di e on qu sp s, público re El de cancione . co ando si re es co post-J acompañó producción les”, cantante y l ab de ns l po ua es st rr arenga ge e, ocidos de “I último cort os archicon mbién del ta los estribill y , ” ra es gu nt os calie tente y se “Putita”, “L sonó consis ribuyó . La banda s” neral, cont ra ge ho en es e “D qu , do iones ni nc r el so talles de ca ayudada po reglos y de as” y ar de s “I lo ”, de jo r a disfruta arranca Aba as como “B ho a un más delicad ndo satisfec e se l rock”. que siempr temas, deja y , de a ad id “Duende de en ne nt ei ge s de la tr ro ne la te di ó he la nd pa El show ro stacó por su s de estos io de fic se ti e ar y qu to, prichos público devo n de los ca a disposició encuentra r. y el glamou incorrección

Nota: Emanuel Sanabria

Futbol, AntiCasper y Pol Nada en Belle Epoque: Tres x Tres x Tres Tres bandas, tres provincias y eres propuestas heterogéneas se dieron cita en Belle Epoque, el recinto favorito del under cordobés. Tres maneras diferentes y atractivas de encarar una misma tarea: la conjungación en presente de aquello que el rock nos supo (y nos sabe) dar. Estilos renacidos desde la pasión.

Repasamos el show en orden cronológico de estilos (e invertido en el orden del concierto): El trío de porteño Fútbol repasó las composiciones de su última placa, “Más bambino que nunca”, una lectura personal del rock progresivo y experimental de los 70’s (Invisible, King Crimson, Pappo Blues) que se aleja de la clásica solemnidad con que suele abrevar en estas fuentes y le agrega una cuota de actitud punk y de humor (impecable “Madre”, con sus gritos a lo Billy Bond y esas guitarras crimsonianas previas a la etapa frippertrónica).

Los locales Anti-Casper presentaron su EP “Venado Tuerto” y se despacharon con un puñado de canciones rosagantes de frescura amateur, nacidas al calor del pavimento, composiciones que le dan una vuelta más al doble hélix del indie de los 90’s.

Y por último (o en primer lugar) el rosarino Pablo Jacodo (a.k.a. Pol Nada), acompañado de Diego Campos en batería, Jose Maidagan en teclado y Eze Fructuoso en bajo, reversionaron con impronta rockera las canciones de “Queres estar solo”, un disco de folk sensible con toques de electrónica IDM. Bajo el escenario se vibró el potencial de estas composiciones que transitan carriles más contemporáneos, allegados al neo folk americano (de norte a sur y viceversa) y la indietrónica.

Tres propuestas refrescantes para esta primavera que ya nos cayó encima.

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A pura Mur

El pasad o 23 de Septiem Emiliano bre la Vie Ze ja Usina darle form rbini, Agarrate se convir Catalina a, sabor tió e y Peteco y ritmo Carabaja n cede de un ex a este e traño ritu n l compart c u e Muchos ntro cap al. ieron es jóvenes richoso d cenario cansado (acudim e c u para lt u ras. s de el e os) a bu scar stán amigos y curtir otr nuevas alternati dar bolichero de vas para os ambie tomar u Nueva C na noch órdoba ntes. De pasar e e cordob acuden l la fi 23 esa p n de se g ra n esa diversida eña fue d de form mana, divertirse diferente , la Peña es una La vieja entre a . d s e q Usina se las más ue pued elegido p e tradicion dispuso ara com ales, pero llegar a para el ri enzar la tual, pas el olorcit el vierne fie adas las o a emp s anadas y sta, tocó solo u 23.00 hs que se v n par de E los vinos enía. m il ia n o c a Z y nciones erbini fu a servid Desde n d os, prep e el uestro p arando a e su repertorio, aís vecin mañana entre la , se sub o a n y tigua Us cruzand ía al esc del incre ina para o el Río enario A íble vestu de la Pla lo garrate ta cerqu ario y la solo con Catalina it s capas a sus voce d , e p resentan la una d de maqu s y pue escenari e la do illaje la sta en e o trasmit murga U “Gente Comun”. scena, s en. Su historia ruguaya ino con Detrás espectác escondid s d u e s ulo 2011 slumbró letras y a en un simpleza no la energ recorre h tipo com tratan e ía que d is ún” preg n profun futbol, lo esde el ona la ca torias de todos didad, c s intelec lo n s c o ió días, “ha n humor tuales y n de pre La noche y una hasta un y sin tap sentació pasaba a a parodia n, y des ujos, te Catalina pura mu de esa m d a , con un e s lo c rg o s m a W o y a a la c v h in c lagrimón violencia iturros. anción p , el . artida qu o, y sin desperd ic e, como Pero ahí toda reti io alguno se aleja no term rada de inaba la b pródigo a la murga, noch de ameritab provincia la dinastía folklo e, había llegado a un rista san s argenti el turno ti de Petec nas su ú llegó a fo o Caraba ltimo ma agueña. El mús rmar pa ico está terial lla rte del ri Comenz presenta jal, el hijo mado “E tual. ó su rep ndo por l Viajero ertorio d tan espe varias ” y fue de e e radas ch sta form acareras masiado tranquil folklore a que . La pob o desempo , p ero no ta lación es lvó el za aún mejo rdaron e tudiantil pateo y r. Peteco n ll e q g z u ar las arandeo e gusta , acostu y con el del y mbrado loo a pisar lo la cosa se puso tocó gato k juvenil que lo s lí m c s, chaca aracteriz ites re a que era de espera ras y zambas, lo , rse, pero el espec táculo tu además vo un plu atmosfe s cuando ra se pu so la a sonar los acord azul y empezaro n es de Co Delator, razón con tona da santi homena agueña, je a en La noche Gustavo Cerati. c oncluyó de la ma pasadas ñana, en las 5 tre pañu derrama elos y vin dos, el g os ran edifi retumba cio qued ndo algú ó vacío n cuplé, próximo a ritual pa la espera ’ seguir del bailando .

ga y Chaca

Nota: Eu genia Ceb allos

/ Fotos: M arina Corn ejo

rera

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CINE y tv

david lynch

y sus enigmas domesticos Inquieto y multidiscip linario, se los cineast consagró as de cult como uno o que dio experienci de nuevas pe as sensori rspectivas ales de su los hechos a las público, tr cotidianos ansforman en misteri do os irresue ltos.

Nota: CC .

Infancia de nómade

L

ejos de ser un alma torturada, David Lynch arroja esa imagen típica del buen chico americano de clase media, soñador, cordial y optimista. Proveniente de una familia convencional y trabajadora, se ve obligado a llevar una vida de nómade debido a las tareas que desarrollaba Donald Lynch, su padre, un biólogo investigador. David conecta desde temprana edad con el desapego terrenal y emocional, lo comprende y lo adopta como un filosofía de vida.

Quizás sea esa una de las

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razones por las cuales se vuelve adepto a la meditación trascendental, disciplina que practica desde hace 30 años. Así pues, transcurre gran parte de su infancia viajando a lo largo de todo Estados Unidos, explorando y desarrollando un gusto particular por aquellos mundos hormigueantes que existe bajo la superficie. Una década marcada por el nacimiento del rock and roll, el consumismo, el diseño… el idilio de los años 50’s, que definitivamente marcan su estética cinematográfica (“Terciopelo azul” es un buen ejemplo).

Para empezar, pintor. Y después cineasta.

Una vez establecida la familia, Lynch adolescente, saca a relucir su costado artístico y expresa sus ansias de pintar, de aflorar todo ese bagaje visual que le dejaron los viajes y el cambiante contexto. La pintura será su forma de expresión durante años, medio que no abandona a pesar de dedicarse profesionalmente al cine.

Pero recién a sus 20 años, en 1964, se inscribe en la Boston Museum School, con la idea de conocer la obra de sus pintores favoritos (cabe mencionar a Francis Bacon) y tomar de ellos su legado. Pronto abandona la escuela por una razón valedera. Europa lo tienta y sin dudar, viaja a Viena para estudiar más en profundidad.

Habituado a su condición de nómade, y tan sólo 2 semanas después, Europa lo desilusiona y regresa a casa, argumentando que aquel no es un sitio para él. Con las mandíbulas por el piso, sus padres deciden recortarle los víveres por considerarlo un pretencioso. Sin chistar, se muda a Filadelfia con un amigo y comienza a ganarse el pan como asistente en un gabinete de arquitectura del que pronto es despedido por su inconstancia.

El verdadero cambio llega un año después, cuando convencido de sus dotes artísticas, ingresa a la Academia de Finas Artes, en Pensilvania, para formarse como pintor con todas las de la ley, además de casarse y tener su primera hija, todo con la velocidad de un rayo. Curioso y movedizo por naturaleza, toma conciencia de la falta de dos dimensiones en sus obras: el movimiento y el sonido. En su afán de producir, y luego de trabajar en diferentes tareas alienantes, compra una cámara de 16 mm, filma sus propias pinturas y produce algo de

Blue Velvet (Terciopelo azul, 1987)

música dando como resultado su primer corto animado, “Six Men Getting Six”, que según sus palabras son “57 segundos de desarrollo y pasión, y 3 segundos de vómito”.

Esta micro-película en apareciencia descabellada, trae consigo galardones; gana un premio en la exposición de fin de año de la Academia. De ahí en más su producción artística y él mismo, se ven fortalecidos y bajo una constante fusión de diversas disciplinas artísticas (pintura, fotografía, sonido, diseño) se lanza entusiasmado al mundo del cine. Gustoso de urgar los recovecos del inconsciente humano, logra representar la vida oculta que existe detrás de lo doméstico y lo tradicional de una manera estilizada y ezquizoide, todo engamado bajo una atmósfera de angustia sorda y de cambiantes estados físicos y anímicos.

En 1970 ingresa al “Center for Advanced Film Studies” de Los Ángeles, donde adquiere la destreza necesaria para romperle la cabeza a unos cuantos y dedicarse de lleno a la industria cinematográfica. Luego de algunos tropiezos, se inicia su gran carrera como cineasta. Tan es así, que en los 90’s llega hasta la televisión, desafiante y efervescente con la serie “Twin Peaks” emitido por la cadena ABC. Galardones y algo más Y esto no termina acá. También dirigió algunos comerciales de TV como el de la fragancia “Obsession” de Calvin Klein (por mencionar una de las más conocidas), produjo videoclips, discos y organizó concursos para lanzar a la fama a sus aficionados.

Un amor de tipo. En 1980 recibe 4 nominaciones al Oscar como mejor director y una buena cantidad de premios con nombres raros en

The elephant man (El hombre elefante, 1980)

diferentes países del mundo.

No puedo decirte más. Tendrías que ver algunas de sus películas más taquilleras y sacar tus propias conclusiones. No te pierdas, en este orden, “Wild at heart” (Corazón Salvaje, 1990) mi película del corazón, “Blue Velvet” (Terciopelo azul, 1986) “Inland Empire” (Imperio, 2006) y “Eraser head” (Cabeza borradora, 1977).

Y si te copaste tanto como yo, conseguíte el libro “Atrapa el Pez Dorado: Meditación, Conciencia y Creatividad” gran libro, corto y conciso acerca del proceso creativo y las experiencias personales de este loco lindo.

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Not a: G uido

Cam bar eri

CINE y tv

seleccion de peliculas Danny DeVito es un actor noventoso por excelencia. A pesar de la explotación de su cara y sus papeles que no podrían ser interpretados por otras personas, Danny se ha plantado detrás de las cámaras en diferentes ocasiones para mostrar su formación estilística, su curiosa narración y las ideas retorcidas que dan vuelta por su cabeza.

Lobo Suelto te recomienda algunas piezas de este enano, plenas en personajes paranoicos, humor negro y venganzas de dibujos animados

Tira a mamá del tren

Dúplex

Larry (Billy Cristal), es un escritor que se haya frente al cadáver de su carrera. Está bloqueado frente a la nueva novela que tiene que escribir y su ex mujer le robo el manuscrito de su obra maestra, acreditándosela ella y transformándola en un best-seller. A la vez, es profesor de un curso de literatura para adultos con una fauna de fracasados y pervertidos como alumnos.

Entre ellos se encuentra el silencioso e introvertido Owen (Danny DeVito), un tipo sometido por su madre huraña y odiosa que no lo deja vivir tranquilo, golpeándolo y acosándolo en cada acto de su vida cotidiana, transformándosela en un infierno. La idea del asesinato ronda la cabecita de Owen y se ve reflejada en los patéticos cuentos que escribe para las clases. Una noche, alumno y profesor tienen una charla en la que Larry le da a Owen explicaciones sobre el tratamiento de una novela de crimen.

Owen malinterpreta la conversación y cree entender un trato implícito de intercambio de asesinatos. Ambos tienen a alguien a quien eliminar y Owen está dispuesto a cumplir su parte.

DeVito conduce la relación entre Larry y Owen en una divertida evolución paulatina. Dos personas completamente distintas que se ven implicadas en un extraño plan, hablando de matar gente como si hablaran de cosas cotidianas. Al ser una comedia de humor negro le sirve a Danny para explorar todos los lugares comunes del género y para laburar con los clichés de suspense típico como las sombras a través de las cortinas o los primeros planos de alguien empuñando un arma blanca. La musicalización como cable conductor entre las escenas y, sobre todo, como generadora de climax es una constante en las películas de Danny deVito, sentando sus bases en el cine clásico, sin grietas y con una historia para contar.

Una pareja de recién casados está buscando su verdadero nidito de amor. Después de probar varias opciones encuentran un departamento de ensueño a un precio increíblemente barato. El tema es que es un dúplex, un gran apartamento de dos pisos y arriba vive la señora Connelly. La joven pareja lo alquila sin dudarlo. ¿Cómo podría molestarlos una vieja que tiene como cien años y que en cualquier momento puede estirar la pata y dejarlos solos con tremendo caserón? Pero la señora Connelly no está tan en las últimas cómo parece. Y tampoco es la primera vez que se enfrenta a nuevos propietarios. Pronto la vida de esta dulce pareja se torna un infierno y la idea de deshacerse de la vieja se transforma en una obsesión insana.

Danny retoma varios tópicos de Tira a mama del tren en Duplex. El aire de thriller por ratos domina a la atmosfera de comedia psicópata, que gira en torno a chistes de desprecio por el otro y a gags de “cazador-cazado”. De nuevo la idea de dos personas comunes involucradas en un asesinato, planeando estrategias infalibles es lo que tonifica la película, haciendo que las psicopatías se incrementen en el otro.

El asunto de matar a una vieja encierra perfectamente una y otra vez dentro de los parámetros de humor negro de Danny DeVito, que juega con la aparente debilidad de los ancianos pero con la capacidad que tienen para llegar a enloquecer a alguien.

En cuanto a las actuaciones, ya todos conocemos las caras de Ben Stiller, un tipo entre goma y simpático, aquí vuelve a hacer si personaje más frecuente: el tipo al que todo le sale mal y que se come toda la mala suerte del guión. La que está realmente hermosa es Drew Barrymore, quien describe la película ella sola con su carita.

Cinta ideal para poner el DVD a las chapas y despertar a los vecinos molestos.

(1987. Guionada por Stu Silver sobre una adaptación del libro Strangers on a Train de Patricia Highsmith y la película homónima de Alfred Hitchcook)

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(2003. Escrita por Larry Doyle)

Death to Smoochy

(2002. Escrita por Adam Resnick) Rainbow Randolph (Robin Williams) es el ídolo de los chicos. A pesar de eso (o gracias a eso) este divertido payaso no es el mismo frente a las cámaras que detrás de ellas. En bambalinas se transforma en una persona grosera y maleducada, una especie de payaso Krusty que solo le importa el dinero y su bienestar. Sorpresivamente cae en una redada del FBI, manchando a la cadena de televisión para la cual trabaja y a todo su círculo de allegados. KidNet, la compañía que lo transmitía, decide buscar a una cara nueva para que los saque del pozo en el que Rainbow los metió. Así conocen a Sheldon Mopes (Edward Norton), quien encarna al Rinoceronte Smoochy, la antítesis de Rainbow.

Ahora Smoochy es el ídolo de los niños. Sin embargo Mopes es una persona realmente buena y quiere romper la relación entre su programa y personajes con todo lo que significa el mercado infantil de la explotación de productos que enriquece a las grandes compañías. Muy pronto se da cuenta de que no es tan fácil. Las mafias lo empiezan a apretar, la gente turbia quiere deshacerse de él, los del canal se cansan de su pureza y el maniático de Rainbow quiere asesinarlo por robarle la fama y el lugar en el corazón de los chicos. Pronto Smoochy se convertirá en la cabeza más buscada entre las sombrías maquinaciones de los poderosos y sólo una idea será concreta: “hay que eliminar al rinoceronte”.

La estructura de la película es vertiginosa como el mundo de la televisión en vivo, con escenarios que se montan y se desarman fácilmente, con iconos instantáneos y poder. Los giros sorpresivos y grandilocuentes, sin ninguna mesura.

Los personajes de Rainbow y Smoochy son construidos de una manera tan clara como solo las comedias lo pueden hacer. Ubicándolos en lugares antagónicos, los protagonistas van en un camino zigzagueante dentro del show bussiness y la popularidad de convertirse en estrellas de la tele. Así, Danny desglosan los abismos del ambiente y las trampas que se acomodan a lo largo del camino de la fama.

Filmografía de Danny DeVito como director de cine: 1987 – Throw Momma from the Train (con Billy Cristal y Anne Ramsey) 1989 – The war of Roses (con Michael Douglas y Kathleen Turner) 1992 – Hoffa (con Jack Nicholson) 1996 – Matilda (con Mara Wilson) 2002 – Death to Smoochy (con Edward Norton y Robin Williams) 2003 – Dúplex (con Ben Stiller y Drew Barrymore)

Matilda

(1996. Basada en la novela homónima de Roald Dahl) Matilda es la adaptación de un libro escrito a finales de los ’80 por Roald Dahl, autor de varios clásicos norteamericanos para niños adaptados a la pantalla grande como Willy Wonka & the Chocolate Factory (filmado por Mel Stuart en el ’71 y por Tim Burton en el 2005) y James and the Giant Peach (de 1996, dirigida en stop-motion por Henry Selick para Disney y producida por Burton, un adepto a la literatura infantil y las representaciones fantásticas).

Con solo 6 años, Matilda Wormwood se da cuenta de que es más inteligente que el resto y que tiene capacidades que rondan lo prodigioso.

Tanto sus padres como la mayoría de los adultos que circulan por su mundo son seres despreciables, codiciosos y humillantes, que la menosprecian y se olvidan de su existencia sistemáticamente. Pero todo cambia en el momento que esta niña descubre sus poderes psíquicos y decide utilizarlos para darles una venganza a todos aquellos que pisotean a los chicos y no creen en la magia.

DeVito genera eficazmente un ambiente fantástico alrededor de Matilda. Los colores planos en la fotografía dibujan esa aura de cuento alrededor del film. En las tomas, Danny experimenta con el uso de distintos angulares, logrando oníricas representaciones en momentos donde la película se pone fantástica. Muchas escenas son inquietantes por el grado de perturbación a la que someten a la pobre Matilda entre sus padres y la castradora directora de su colegio y la castradora directora (que utiliza métodos de tortura carcelarios con muchos de sus alumnos). Más allá de eso, y a pesar del buen teaming que tiene, la película califica solo como infantil.

Sin embargo, logra llevarse varias palmas cuando hacemos memoria y nos damos cuenta que fue una de las ultimas (y mejores) películas para chicos donde la comedia se mezcla con lo ridículamente infantil, los personajes grotescos son grotescos por ser demasiado humanos y el desenlace de la trama son la puesta en escena de las fantasías de una nena de seis años volviéndose realidad.

Es inevitable ver (a la luz del tiempo y la madurez) las relaciones temáticas que se pueden encontrar entre esta película y Carrie, dirigida por Brian de Palma en el ’76 y basada en la novela homónima de Stephen King publicada en el ’74, mas de 10 años antes de que Dahl escribiera Matilda, la novela. En Carrie una adolescente sometida también descubría sus poderes telequinéticos impulsado por sus estallidos de ira. Su venganza resultaba algo ceiertamente más heavy que la de Matilda.

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CINE y tv Notas: Eugenia Ceballos

the beaver (2011)

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La nueva de Jodie Foster como directora se parece mucho a lo que la industria del cine viene lanzado estos últimos años como comedia-dramáticasobre-familia-disfuncional. Esto es, una copia de la estética del llamado “nuevo cine indie norteamericano” (léase P. T. Anderson, Wes Andersen, Solodz, Linklater, etc.), respaldada en historias que distan mucho en calidad en relación a los productos de la corriente de referencia. Y a pesar que la productora de “The Beaver”, “Summit Entertainment”, pueda ser considerada dentro del espectro independiente (aunque también sea responsable de bodrios como la saga “Crepúsculo”, entre otros), en The Beaver prima el uso del trazo grueso en la narrativa y la construcción de los personajes, tan típico del costado malo de Hollywood, al cuál los matices siempre se les escapan entre los dedos (no así los billetes, claro). Así, la gran H solo vislumbran dos posibilidades: un raconto de situaciones de desencuentro entre personajes esterotipados hasta lo

ridículo (y en esta película hay un espacio bien grande para el ridículo, como ya veremos) que se resuelve en un final exageradamente feliz; o bien, se plantea el mismo recorrido, pero esta vez conduce a un final desmesuradamente trágico. La moral hollywoodense, como vemos, no admite grises. ¿Qué nos cuenta “The Beaver”? (o, según la siempre herética y desconcertante traducción latina, “Las Dos vidas de Walter) La cuestión es bien sencilla: Walter (Mel Gibson) es CEO por herencia de una compañía de juguetes y sufre de una depresión “terminal”. Su familia, mamá workaholic Foster, hijo edípico en fase terminal Porter e hijo edípico inicial Henry, cansados de su enfermedad, echan a Walter de casa. Walter alquila un cuarto y sin más remedio, decide poner fin a su vida. Pero en pleno intento, una marioneta de castor cobra vida en su mano y salva la de Walter. Así, a partir de ese momento, W. solo se expresará a través del monigote, presentándolo/se orgulloso como su nuevo terapeuta. Por otro

lado, la necesaria subtrama: al hijo mayor (que odia a W. profunda y freudianamente) se le acerca la chica más linda del colegio para entablar una relación en principio laboral, pero que termina, o mejor, puede resumirse en la siguiente fórmula: chica popular y linda, que resulta ser feucha por dentro, se enamora de freakie promedio, que resulta un manantial de coolness. Y a todo este compendio de lugares comúnes (exceptuando el castor, que intenta aportar algo de delirio a la Michel Gondry, pero termina funcionando como una cruza entre Chucky y Patch Adams, y que además, siendo la excepción, confirma la regla de absoluta planicie del resto de los personajes) se le suma un final que, bueno, prefiero (confieso, con algo de sadismo) que vivan o sobrevivan ustedes mismos.

también la lluvia

(2010)

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ambién la lluvia es una historia que serpentea constantemente entre diferentes tiempos ficcionales logrando no hacer perder en ningún momento al espectador, por el contrario, te mantiene atento, atónito y hasta saca a flote alguna emoción.

Dirigida por Icíar Bollaín (Flores de otro mundo, La noche del hermano) y guionada por Paul Laverty, es una de las apuestas más arriesgadas y ambiciosas de la cineasta española que consiguó representar a España en los premios Oscar en 2010.

Sebastián (Gael García Bernal) es el director y Costa (Luis Tosar) el productor de una película que intenta reflejar otra mirada sobre la llegada de Colón a América y el desarrollo inmediato de los colonizadores en tierras ajenas, mostrando a un español interesado y cruel. Hasta ahí, lo que ya todos mas o menos conocemos.

Costa y Sebastián son aparte íntimos amigos y trabajan juntos en un proyecto ambicioso, deciden rodar la película en Cochabamba, Bolivia

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ya que el paisaje selvático encaja perfecto y pueden arreglar a los extras en el papel de “indígenas” con muy poco dinero.

Mientras se está filmando la película el pueblo de Cochabamba se enfrenta a una lucha real (dentro y fuera de la película) contra una multinacional que pretende tomar el control del agua de la ciudad. Es ahí donde realidad y ficción comienzan a entrelazarse, mientras la población nativa de América es saqueada y oprimida en un tiempo ficcional, el pueblo boliviano es avasallado en un plano real.

Daniel (Juan Carlos Aduviri), es el líder de los aborígenes dentro del film y también es quien lleva la voz cantante en la pelea contra la empresa privada en la vida real, los cineastas pretenden impedir que el personaje principal de su película se meta en problemas para no detener el rodaje del film, lo que e va a convertir en una difícil tarea y al mismo tiempo los va a llevar por un viaje de introspección personal y emociones encontradas.

El conflicto hace cambiar los roles.

Sebastián que en un principio se mostraba más humano, se obsesiona con finalizar el film y Costa comienza una búsqueda interior, removiendo el pasado y teniendo que decidir entre ayudar a una niña o ponerle fin a su proyecto.

Una propuesta arriesgada que consigue una historia coherente, personajes convincentes con un componente social con el que cualquier latinoamericano se puede identificar.

El paralelismo planteado por el guión no hace mas que rever la historia que desde hace 500 años se repite.

Una historia en la que aunque cambien los tiempos y los escenarios, “conquistadores” y “conquistados” siguen siendo los mismos.

le flaute à fidel (2006)

P

ara quienes buscan una alternativa diferente o se cansaron de las Pochoceras, La Culpa es de Fidel es una propuesta europea, basada en una novela Italiana, que con sencillez y cierto neutralismo logra contar una historia simple y simpática que de todas maneras nos deja pensando.

La directora y guionista de la película es Julie Gavras, hija del director Franco-Griego Costa Gavras. La faute à Fidel es su opera prima, en la que imprime convencimiento y persuasión para dejar atrás el carma de la hija de...

La historia cuenta desde la perspectiva de una niña, los cambios sociales y políticos que atraviesa una familia y una época. Corren incipientes los años `70, y va decantando el Mayo francés, Anna (Nina Kervel) está a punto de cumplir 9 años y vive en Paris con sus padres y su hermanito François.

Su posición económica es bastante buena, su casa tiene un gran jardín,

Anna asiste a un colegio religioso y su niñera, Filomena, es una cubana autoexiliada de la isla.

Todo comienza a cambiar con la visita de una tía que viene de España con noticias del hermano del padre de la niña, quien fue secuestrado hace pocos días por militar en contra del comandante Franco.

A partir de este hecho el padre de Anna (Stefano Accorsi) siente culpa y comienza a plantearse la idea de hacer algo para lograr un cambio. Es por eso que se une a la militancia para la asunción de salvador Allende en Chile.

La vida de la familia burguesa comienza a dar un giro radical, se mudan a un departamento pequeño, Anna deja de asistir a las clases de religión, cambia de niñera, su madre se une a la lucha por la legalización del aborto y su padre se deja la barba.

Todas las noches la casa se llena de gente extraña, “los barbudos” intentan explicarle la lógica de la distribución de riquezas a Anna, quien presenta resistencia antes de empezar

a cambiar su visión del mundo.

Si su vida da un vuelco de un día para otro porque sus padres se volvieron comunistas, entonces… ¿la culpa la tiene Fidel?

CINE y tv

Notas: Manuel Montali

el hombre de tu vida campanella lo hizopo de nuevo

Combinar la ternura, el humor, el drama y el compromiso social en televisión, sin caer en la superficialidad en que esta última veta suele incurrir, parece una causa perdida para la televisión argentina que sale a la vanguardia de la lucha por el rating. La picadora de carne jugosa que reclama tetas, culos y quilombo parece dejar poco espacio a series que apuntan a otro tipo de contenido, series que en algunos casos, logran salir airosas de esta osadía.

E

ntre los bodrios que los canales centrales han ofrecido a lo largo de este año, contabilizando la redundante “Herederos de una venganza”, la poco memorable “Un año para recordar”, el combo de carilindos de “Los únicos” y “El Elegido”, que inmoló sus virtudes iniciales, tal vez “El hombre de tu vida” (domingos 22.15, Telefé) sea el producto mejor logrado, por encima de otras interesantes alternativas, como “El Puntero” o “Recordando el Show de Alejandro Molina”.

La tira con supervisión general de Juan José Campanella y guión escrito en conjunto con Marcela Guerty, en su primera temporada supo combinar el visto bueno de la taquilla y un contenido atrapante para toda la familia, demostrando que ni los galanes ni las escenas hot son requisitos indispensables para las ficciones de pantalla chica.

Párrafo aparte merecen las actuaciones de Guillermo Francella y Mercedes Morán que, si bien hacen uso de algunos de sus guiños y morisquetas clásicas, dan vida a ese género de personajes frescos y entrañables, tanto sea por la gracia alegre de uno como por el cinismo de la otra. Junto a ellos, sobresale Luis Brandoni, quien desde su rol secundario de sacerdote “aggiornado” eclipsa en cada aparición a las estrellas del elenco. Además, cabe decir que los personajes invitados -con la lamentable excepción del ¿sex symbol? bueno para nada de Matías Alé- no les fueron en zaga.

Es cierto, la trama principal puede aparecer como algo traída de los

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pelos: Hugo Bermúdez (Francella), un desempleado de cuidad amoral acepta formar parte de la loca agencia de su prima Gloria Pinotti (Morán), quien por una determinada cifra de dinero va ofreciendo “el hombre de tu vida” para mujeres desesperadas. El personaje de Francella debe entonces trabajar como el camaleón que se adapte al estereotipo que pretende cada clienta, para curar sus penas de amor y luego desencantarlas, dejándolas no obstante satisfechas y listas para iniciar una nueva relación.

La expiación de sus culpas llega luego de la mano del sacerdote compuesto por Brandoni, un religioso del siglo XXI cuya fe es a prueba de los pecados en que incurre.

Pese a que el éxito que va cosechando esta particular empresa puede parecer poco creíble, el guión va adentrándose en la intimidad de los personajes, volviéndose costumbrista y haciendo del eje de la historia apenas la excusa para dilucidar

algunos de los muchos vericuetos de las relaciones amorosas, al mejor estilo Woody Allen. Claro está, la mano de Campanella y la comodidad que encuentra en los formatos del tipo norteamericano no suponen un detalle menor. Del mismo modo, el carácter semanal de la tira la alejó de la lucha encarnizada del minuto a minuto, dejándole mayor espacio para explotar sus virtudes y evitando los siempre tan poco originales timonazos de guión que van sufriendo las novelas diarias.

La tira incluso se dio el lujo de abordar temáticas sociales y de actualidad sin caer en la falsa moral, como fueron los episodios que trataron las capacidades especiales, el divorcio, la homosexualidad, vejez, infidelidad, viudez y demás condimentos que hacen a las relaciones humanas.

Original, ocurrente, divertida, emotiva… “El hombre de tu vida” tiene todos los atributos para guardar los pochoclos en espera de una nueva temporada.

tv

retro

) 5 9 9 1 4 9 9 1 ( a s montaña ru Britos Nota: Ariel

Montaña Rusa fue un clásico dentro de las novelas juveniles de los 90s, comenzando tímidamente hasta llegar a lograr picos de ráting para el horario de la merienda.

D

aba la impresión que era el programa sucesor de “Jugate Conmigo” en cuanto a captar la atención de los más jóvenes. Justo cuando Jugate decrecía en popularidad, apareció Montaña para ocupar su lugar.

La novela arrancó por Canal 13 en abril de 1994 y la historia de entrada pintaba interesante con un toque prohibido: se centraba en una pareja de medio-hermanos que se enamoran.

Ellos eran Alejandro, hijo veinteañero de Guillermo, un abogado que se casa y se va a vivir con Lily, la madre de Mariana, una colegiala de 16.

La sensación generalizada era que la historia podría haberse pulido mucho más, las tramas secundarias siempre tardaban más de un mes en resolverse y se volvían tediosas (ello explica que haya durado casi 2 años), o se les daba demasiada importancia a subhistorias que no tenían nada de interesante para aportar, además de situaciones bizarras o con poco sentido.

Los conflictos que generaron las escenas más memorables de la serie fueron cuando Mariana se escapó de la casa para ir a verlo a Alejandro a Cancún en el cierre de la primera temporada, lo que motivó que su madre en un rapto de locura la internara en un colegio pupilo (en vacaciones) a su regreso o también cuando promediando la segunda temporada Mariana conoce a Federico, un médico en su viaje a Bariloche y decide casarse a solo días de conocerlo. Alejandro interrumpe la boda y escapan juntos.

Incluso las mejores escenas de la novela quedan manchadas por situaciones sin sentido. Nunca podría imaginarse en la vida real que un prestigioso médico pierda la cabeza por una colegiala histérica y se vuelva un asesino en potencia por la humillación que le significó no casarse con ella, o la locura temporal de una persona aparentemente normal y equilibrada como lo era Lily.

La novela terminó en diciembre de 1995 con la pareja central de la historia encarnados por Nancy Duplaá y Gastón Pauls felizmente casados. Esta novela fue un trampolín a la fama no sólo para los mencionados sino también para Esteban Prol, Carla Peterson, Federico Olivera, Malena Solda y Diego Ramos entre otros talentosos y reconocidos actores que daban sus primeros pasos en el mundo de la tele.

ELENCO: Nancy Duplaá Gastón Pauls Malena Solda Sebastián de Caro Esteban Prol Claudia de la Calle Federico Olivera Eric Grimberg María Celeste Pisapia Diego Ramos Betina O Connell Beatriz Spelzini Horacio Peña

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CINE y tv

Notas: Eugenia Ce ballos

tv hecha en casa

Para desacostum brarnos a ver prod ucciones unitarias, ampliar el horizonte y de mostrar que en Córdoba hay mucha tela pa ra cortar.

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l martes 27 de octubre se presentaron en la capilla del Buen Pastor las producciones televisivas cordobesas ganadoras del concurso para la promoción de contenidos audiovisuales digitales organizado por el Incaa en el 2010. El concurso se dio a conocer en junio del año pasado y finalizó en diciembre, siendo Córdoba una de las provincias que más productos presentó, con un saldo de más de 10 de ellos ganadores y dejando demostrado que desde el centro del país hay mucho para dar.

Germán Calvi, coordinador de contenidos para televisión el Incaa, fue quien tomó el estandarte en la presentación haciendo referencia al impulso que dio la Ley de medios para descentralizar y abrir el panorama para este tipo de producciones.

Otros de los disertantes fueron Alejandra Zapata, del consejo asesor del Sistema Argentino de Televisión Digital y de Esteban Falcón, presidente de los SRT de la UNC quien declaró: “Estamos realizando una fuerte apuesta, tenemos una de las universidades mas antiguas del país, Escuela de ciencias de la Información, facultad de cine y un canal universitario, contamos con los medios necesarios para demostrar lo que somos capaces de hacer” , también apeló a los anunciantes para que apoyen y valoren el esfuerzo que se está haciendo, y con mucha razón, teniendo en cuenta que una de las causas por las cuales las producciones televisivas en córdoba carecen de calidad técnica, es por la falta de pauta publicitaria.

Las tres producciones elegidas para sumarse a la grilla de Canal 10 a partir del mes de octubre son Edén (Oruga Films) y La Purga (Garabato producciones) dos ficcionales que a juzgar por sus trailers, prometen y mucho; y un documental La 40, producido por Atrox, las tres fueron coproducidas por el canal Universitario.

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Una historia escondida en las sierras Entre las sierras del cuadrado en la localidad de La Falda a fines del 1800 se construyó el hotel Edén, con afanes de ser uno de los alojamientos más lujosos del mundo. La serie ficcional recorre durante 13 capítulos la historia de los Herzig, la familia que compró el gran hotel para colaborar con los gobiernos de Europa y en especial Alemania. Tanto en la ficción como en la realidad se constatan la presencia de grandes personalidades entre ellas, Príncipe de Gales, el de Saboya, Albert Einstein, los presidentes argentinos Julio A Roca y Figueroa Alcorta. Edén promete una gran escenografía y ambientación del legendario hotel, está dirigida por Maximiliano Baldi y estrena el lunes 3 de Octubre a las 23.30 hs por Canal 10.

De Ushuaia a La Quiaca El martes 11 de Octubre se estrenará la serie documental La 40. La historia se narra desde arriba de un colectivo que recorre la ruta 40 atravesando 11 provincias de nuestro país. Los tripulantes son 5 artistas que durante 33 días de viaje convierten al micro en un centro cultural itinerante.

El director, Pepe Tobal, se mostró muy optimista bajo el cielo de la capilla del Buen Pastor, “participamos todos de este proyecto que es imparable” y recalcando que se necesita de la participación colectiva para que las leyes sean genuinas.

Una de Policías Para quienes esperan ver peleas, disparos y piñas en escenario cordobés, está La Purga. Un policial dirigido por Pablo Brusa y Claudio Rosa, cuenta la historia de un forastero con un durísimo drama familiar que, casi por azar, termina en el tradicional barrio orillando La Cañada. Estrena el miércoles 12 a las 23.30 por Canal 10.

Y no se termina ahí…

Para el 2012 se planea que lleguen a la pantalla chica: “Argentinos por adopción”, “Reforzando identidad”, “El ‘Che’ cordobés”, “Corazón de vinilo” (sitcom teatral presentada en el 2008 en el Cine Club Municipal Hugo del Carril), “La otras Ponce”, “Córdoba casting”, “Los mágicos” y “Nosotros los campesinos”, “Popular y cordobés” y “Luz mediterránea”.

CINE y tv

velvet goldmine

“El significado no esta en las cosas, sino entre ellas”. Norman Brown

Notas: Victoria Clementi

Una verdadera película de culto, un diamante intertextual que imprime en cada escena una suerte de conexiones exigentes e intelectuales, acompañada de grandes derroches de nostalgia y melancolía de épocas pasadas. En “Velvet Goldmine”, se intenta revivir una era que cambiaría el futuro de la música y aspectos específicos del mundo. Una puesta en escena característica, que nos hace asimilar directamente un episodio en la historia del rock, algunas veces olvidado, y hasta otras oportunidades desvalorizado.

D

avid Bowie… ¿Les suena? Él fue la inspiración principal para rodar este film, que sin querer, terminó siendo lo que podemos ver. Digo esto, porque en realidad Todd Hynes (director), quería realizar una biografía del pionero del glam rock, pero el protagonista no quiso ya que tenía en mente algo parecido. Es así, que Hynes y James Lions, se vieron en el trabajo de reformular toda una historia, creando una producción original, con personajes ya conocidos pero con nombres distintos.

Lo más sobresaliente de esta producción es la interrelación de textos que se entretejen anacrónicamente, y además, el mensaje de libertad y rebeldía plasmada a lo largo de su trama, que vale decir, no es tan fácil de comprender en una primer mirada, ya que de esa manera da la impresión, de que fuera un largo videoclip, de temas enganchados y escenas inconexas, que al final de todo toma una forma que deja que pensar.

El film se encabeza con escenas

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cruciales para comprender el resto de la cinta. Nos bosqueja en el año 1854, la llegada de una nave espacial a Inglaterra, para dejar a un ser de otro planeta con un prendedor de esmeralda en la puerta de la casa de los Wilde… El bebé iba a llamarse, justamente, Oscar Wilde y se distinguiría de todos los demás niños.

No quería ser abogado, ni camionero, ni panadero… quería ser “ídolo del pop”. Pasaron cien años, y unos chicos en el colegio, le pegan a otro por ser extraño, ese niño encontraría el prendedor verde perteneciente a Wilde y obtendría así su sucesión. ¿Quién pensaría que todo este comienzo nos llevaría a la gloriosa época del glamour en los 70? Pero ahí estamos, conociendo a un rockero con boa en el cuello y traje de leopardo.

Ese es Brian Slade, que con su personaje, Maxwell Demon, encanta a una generación que ahora le copia cada movimiento. Él es el primero en mostrar, que el ser homosexual no es raro, y hasta puede ser divertido. Así comienza una nueva liberación sexual,

que ya había dado sus primeros pasos en los 60.

Desgraciadamente, la estrella termina estrellada, como todo astro que asciende fugazmente. Desde el pedido de su manager, se monta una escena donde a le pegan un disparo y cae desplomado en el suelo, desparramando plumas por doquier… pero era sólo eso, un montaje, un movimiento de publicidad que termina saliendo por la culata.

Seguramente, ya estarán relacionando esto con el disco de Bowie “The rise and fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars”, y están en lo cierto. Esta es una de las primeras relaciones que se pueden apreciar a simple vista.

Otra de los elementos biográficos del vanguardista, es el tema relacionado a la homosexualidad, que él mismo había anunciado en el año 72 a una periodista (Melody Maker). Ese momento es retratado de forma similar en la película.

Otro reconocido de la época que se muestra esbozado en el film, es Iggy

Pop, con su personaje ficticio Curt Wild, que junto a Brian Slade trabajan en conjunto y tienen un amorío que transita por todo el film.

La narración está realizada básicamente, como el clásico de Orson Welles, “Citizen Kane” (El ciudadano Kane), donde a uno de los personajes le encomiendan la resolución de un caso y él es el encargado de entrevistar a informantes claves, para reconstruir la historia. Esto se aplica cuando al periodista Arthur Stuart, le ordenan investigar que es de la vida del que había sido ídolo del glam en los 70, diez años después del episodio donde es baleado y desaparece.

Arthur, (que había sido fanático hasta el hartazgo de este rey de la vanguardia), se va en busca de los personajes más cercanos en la vida de Slade, pero ahora en un clima hóstil, donde los colores se apagan y la que fue la música de batalla de una época, se había vuelto a favor de la campaña de un gobierno mediocre.

Concluyendo, en este film, se ponen al desnudo temas que todavía se

debaten, como la libertad de elección sexual o cualquier otro tipo de elección; de ser como queremos ser, como nos gusta, sin tapujos. Muestra que en esos tiempos muchos salieron del closet para mostrar su verdadero ser. También se destaca en la película, que al pasar 10 años, la sociedad vuelve a reprimirse y cerrarse, pero las cuestiones que algún momento son reveladas, tarde o temprano vuelven a salir a la luz, aunque hasta el día de hoy siguen peleando su asimilación colectiva.

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literatura

io

b a r a r u t a r e t La li

do

boe e d o r e j e l l a sa del c

Notas: Manuel Montali

“Cuando tenía catorce años me inició en los deleites y afanes de la literatura bandoleresca un viejo zapatero andaluz que tenía su comercio de remendón junto a una ferretería de fachada verde y blanca, en el zaguán de una casa antigua en la calle Rivadavia entre Sud América y Bolivia”.

C

on esta frase que es también una declaración de principios se inicia la primera novela de un escritor eminentemente argentino, nacido hace un rosario de más de 100 abriles. Con esa misma frase nos iniciamos tantos jóvenes aviesos de la literatura rabiosa de un tipo cuya primera seducción era el rumor de que “escribía mal”, entendiéndose por ello que narraba como hablaba, en un lenguaje coloquial adquirido entre jergas inmigrantes y lunfardas, términos de los arrabales porteños a los que se incorporaban conceptos de folletines y pésimas traducciones hispanas de los clásicos, conformando un cúmulo de léxicos entre los que se contaban cocottes, garrones,

jaquetones, otarios y pelafustanes, expresiones que algunos editores juzgaban merecedoras de un vocabulario al final de la novela, para que nosotros termináramos de entender lo que decía ese tipo, un tal Roberto Arlt.

“El juguete rabioso”, aparecido en 1926 a la par de “Don Segundo Sombra” de Ricardo Güiraldes, un teóricamente contrario de Arlt que sin embargo actuó como su mecenas, fue la primera estocada que este callejero de Boedo por excelencia, oscuro de suburbios frente a la palidez arrogante de la torre marfileña de Florida, asestó a la literatura erudita y pulcra, el puntapié inicial de una escritura argentina que se asumió como tal porque, como dijo Ricardo Piglia, “Arlt transforma, no reproduce”, aludiendo con ello a los intelectuales que, previamente, demostraban a sus lectores que también podían “escribir como se habla en la calle”.

“La vida puerca” (tal era el nombre original de “El juguete rabioso”) embiste además con su argumento, con la sublimación rufianesca de un aprendiz de canalla como Silvio Astier que, a último momento y embadurnado de fango tras su infame delación, logra romper el círculo que lo llevaría de regreso al principio de la obra: el hampa y el mundo del delito. Homenajeada por Borges en su cuento “El indigno”, esta novela sentó el precedente que magnificarían “Los siete locos” y “Los lanzallamas”, con su entramado de tragedia kafkiana y humilladas confesiones desde el subsuelo de Dostoievski, pero fundando con este bagaje una nueva literatura argentina. El autor de “Respiración Artificial” (título cuyas siglas alentaban el murmullo de que, tanto como podrían referirse a “República Argentina”, también podrían homenajear a “Roberto Arlt”), incluso

va más lejos en su elogio, asegurando que la literatura argentina murió en 1942, “con la muerte de Arlt”, quien es descrito como “el único escritor verdaderamente moderno que produjo la literatura argentina del siglo XX”.

Comprendimos de esta manera, en nuestra juventud de ediciones baratas de 4 pesos y textos comprimidos en 100 páginas de una letra con cuerpo nº 6, que el creador de “El juguete rabioso” escribía “mal” porque la aparición de esta novela corrompió lo

que se consideraba literatura noble y culta, emergiendo su autor como el fundador de una escuela que desde entonces se ha esforzado por legitimar la calle, nuestra calle, con su acervo multicultural, de influencias varias y contradicciones. Arlt, el callejero de Boedo y pupilo de Güiraldes, se fue como quien se desangra, pero la vida puerca sigue allí para demostrarnos que, muerto el perro, afloró la rabia.

literatura Notas: Rox.

“Faceboom”

B

ueno, hablemos de Facebook, fenómeno establecido de masas, casi inevitable y menos necesario que golpearse contra el muro de Berlín de frente para después firmarle y enviarle una solicitud de Citiville a los alemanes para construir virtualmente una sociedad donde este y oeste se podían fundir en un gran abrazo enviado mediante solicitud aceptada. Aunque estemos en un mundo virtual y ustedes estén muy sentados tomando un cafecito leyendo esta revista, la verdad es que, muchas actividades cotidianas toman sumo poder en el mundo virtual y eso es tan nocivo para el mundo real como ustedes y yo ya lo sabemos. Pero no hacemos nada. No terminamos de entender el concepto de Facebook, no podemos terminar de entender su uso, y claro está, el que no tiene Facebook esta mas colgado que pingüino en la Patagonia – y eso lo prueba el mínimo hecho de que una recomendación de libro abarque esta temática, pero no se sienta excluído, USTED ES TAN VALIOSO COMO LA GENTE QUE TIENE A FACEBOOK “para ayudar a comunicarse y compartir con las personas que conoces. Inicie sesión.”

Los que sí lo tenemos, necesitamos sinceramente un manual que nos exponga…. Bueno, como poder decirlo… que nos expongan que carajo hacemos con esta aplicación avasallante, que es lo que realmente deberíamos hacer (o no). Lo gracioso que debe ser para Mark Zuckerberg (el creador de Facebook) mirarnos desde arriba cual dios virtual de una red que sinceramente se le salió de las manos en sus intenciones originales (y claro, de hacer una red por pajero a mantener la red porque gente como él le siguió la corriente y ahora genera muchos dólares). ¿Ahora no te faltan mujeres, no Mark?

Juan Faerman, escritor, guionista, bloguero (sigo dudosa con esta categoría pero según él, eso es) y director creativo publicitario, se tomo la molestia por todos nosotros y desmenuzo cual cyberautopsia el mundo de Facebook, para qué lo usamos, cómo lo usamos, cuán clichés somos, con click de por medio. Este libro es de los que me gustan, a ser verdad. Un libro que se te caga de risa de lo obvio de la condición humana y de su postura ante este gran mundo virtual que crece a motor de inteligencia… o de real y pura estupidez. ¿Que más puede uno que enviarle una solicitud de palmada en el hombro al autor y escribirle por privado que por favor no nos etiquete tan de cerca en? Les dejo a Juan Faerman en 147 páginas (¡páginas reales, no de word!), saquen sus propias conclusiones, esta humilde escritora se va a ver si alguien comentó su última nota sobre la relevancia inesperada e incomprendida del hombre del sureste de la Conchinchina. Cierre de sesión.

“La máquina de follar”

C

harles Bukowsky, un groso, un rockero de alma, un caravanero, un colgado ¡uno de los nuestros! Sí, solo que a sabiendas de que él mismo no lo sabía. Bukowsky como un maestro de la sátira anarquista, Bukowsky con humor sardónico, el último escritor maldito de Norteamérica. Meterse en el mundo de este genio de la literatura es como una mañana de resaca con nosotros mismo adelante del espejo, reflexionando sobre la calidad del humano frente a la sociedad, el amor de las mujeres, de los hombres, el sexo, la depresión, la luz de ánimo apagada por el dolor de cabeza en el sillón del dueño de la casa de excesos de la noche anterior. La reflexión profunda de lo innegable. El lado oscuro del ser humano, que no llega a ser héroe, ni llega a ser villano.

Tres mujeres y veinticinco vagabundos andrajosos, hablando de vida y muerte en pabellones de caridad, mientras reparan la batería del malvado. Una reunión de estar contra la espada y la pared, de salir a las nocturnas calles de locura a esparcir notas sobre la peste mientras unos ojos como el cielo nos invitan a una conversación tranquila. Y después de este mal viaje, un hombre célebre en un caballo florido nos invita al gran juego de la yerba en una casa llena de animales, donde luego de matar a un hombre, todo lo que nos queda es la máquina de follar.

Veintidós cuentos cortos, relatos, experiencias de Charles y su personaje Henry Chinaski; un número ideal, un número que nos inspira, y nos hace sonreir cuando levantamos la vista de sus letras, suspiramos, y asentimos para nosotros mismos. Entonces nos metemos de nuevo y de cabeza en las tardes reflexivas, las noches de delirio y las mañanas de malestar. Con todo lo que eso conlleva. Disfruten.

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corazon melomano

Disco Homenaje

25 AÑOS DE oktubre:

una remera que no se dejara de escuchar El terror empieza a dominar nuestros oídos. La tormenta se acerca, la revolución está presente. El rock nacional empezaba a tomar otra forma y Patricio Rey crecía sin parar. A 25 años de este gran disco, Lobo Suelto repasa su contexto de salida y todo lo que significó el gran emblema de los redondos.

Oktubre es una obra cumbre distribuida en las casas de todos los fanáticos del rock nacional, y se sigue vendiendo casi como la primera vez.

Es la placa con la que saltaron a la masividad, pero no al extremo de venderse a lo que establecen los sellos discográficos, como le paso a muchas buenas bandas de argentina. Patricio Rey no existe más, pero su música sigue tan presente como siempre, y cada una de sus canciones logran que uno se envuelva en recuerdos de la adolescencia, de noches oscuras de rock and roll, momentos inolvidables, momentos de descontrol; aquel tiempo en el que uno se iniciaba con el rock, tanto en el gusto musical, como en una forma de vida.

El himno está allí: “Jijiji”, el tema favorito de muchos, el que todos cantaban descontroladamente en sus recitales, y que hoy en día lo cantan y renueva esas fuerzas del pasado cuando son interpretados por Skay y más aún por el Indio. “Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. Jijiji es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad, es como que todo lo que estás haciendo no es una afirmación”, decía el Indio a la revista Rolling Stone, buscándole un sentido a la canción.

El segundo álbum de estudio de Patricio Rey fue lanzado los días 18 y 25 de octubre del año 1986, en el mítico Paladium, y lo grabaron en los estudios Panda. Con sonidos distintos a Gulp!, Oktubre se caracteriza por tener un sonido frío con acordes escalofriantes y muy lejanos a los sonidos post punk que caracterizaban a la época. Participaron reconocidas figuras nacionales como Daniel Melero en los teclados y Claudio Cornelio en la percusión, y es uno de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

Recorriendo cada una de las canciones, Oktubre cuenta con momentos de oscuridad y angustia, melancolías y energía. Temas como “Semen-up”, “Motor Psico”, “Divina tv Führer”, “Canción para naufragios” y “Ya nadie va a escuchar tu remera” lo demuestran.

Además, es uno de los discos que más contenido ideológico tiene, ya que homenajean a las grandes revoluciones del siglo xx, y hacen referencia a la

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Revolución de octubre de 1917 en Rusia, periodo que impulsó a la creación de la Unión Soviética.

Como siempre, el arte musical y el plástico iban de la mano en Patricio Rey, y Rocambole fue el autor de la tapa que está impresa en millones de remeras, y que simboliza fuertemente a una maza revolucionaria. “Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra.

En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes, la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso.

En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico”, le explicaba el Mono Cohen a Gloria Guerrero, una de las periodistas de música que impulsaba a que la gente concurriera

Notas: Marina Miguel a los recitales de los redondos, en momentos en los que ellos ni siquiera se gastaban en difundirse, pero de igual manera llenaban los lugares en los que se presentaban. “Una es imparcial, trata de no tomar partido por nadie, pero a veces es imposible. El grupo que más me interesó en los últimos tiempos hace un recital y quiero que lo sepan. Y además porque es muy difícil que se enteren por otro medio, ya que estos delirantes tipejos no publicitan un cuerno nada de lo que hacen. Las noticias se corren y los teatros se llenan”, escribía Gloria en diciembre de 1982 en la revista Humor.

Las bodas de plata llegaron al gran disco de oro, ese que a millones de pibes les llena el corazón de pasión, y que puede ser de una gran compañía en momentos de soledad, como un puente a cualquier tipo de excursión lisérgica. El que una gran multitud canta sin parar, y a nadie cansa…

Una remera que jamás dejará de ser escuchada.

Destacado

Ringo - Massacre El sucesor de El Mamut ya está entre nosotros. Inspirado en el mito del boxeador Oscar Bonavena, Ringo es el nuevo disco de una de las bandas del under en los 90 que resurgió con nuevos sonidos que mezclan sus orígenes, en este caso del skate rock y el hardcore punk, con sonidos casi popeados para que suenen en la radio y estén en los primeros puestos.

Ringo es una placa que puede llegar a superar a la anterior, que si bien fue la que originó que Massacre llegue a la cima, a Obras y al Luna Park, le falta algo: que se pueda escuchar de principio a final. Para muchos jóvenes, era inevitable saltear temas y escuchar los hits más pegadizos como La Reina de Marte, aunque para otros fue el disco con el que llegaron a la banda y la descubrieron, lo que lo hace importante. Pero Ringo sí lo tiene; es una placa llevadera, que mantiene los sonidos de siempre pero tiene temas contenedores de tiernas melodías, mucho power y letras interesantes cargadas de realidad.

La producción estuvo a cargo de Alejandro Vázquez, quien también produjo discos de Carajo, Bersuit e Intoxicados, y fue grabado en los Estudios El Pie, Tonica y El Quincho en Marzo y Junio del 2011.

Oscar Bonavena, el boxeador al que le rindieron homenaje con el nombre del disco, tuvo mucho éxito en el mundo y peleo muchas veces en Estados Unidos, y cuando falleció fue velado en el Luna Park ante más de cien mil personas.

Le hablan al éxito, a las personas que padecen o disfrutan de la fama, le cantan al amor, hay conflicto, peleas, piñas, barrios, le hablan a los nuevos militantes políticos; en “Muerte al faraón” dicen algo para resaltar: “Es la revolución y si no, será una revuelta más”, en un momento en que las cosas están tomando otra forma, la política es vista de otra manera por mucha juventud y Argentina es admirada por otros países.

Por Marina Miguel

Discos nuevos

Discos nuevos Airbag- Vorágine La banda oriunda de Don Torcuato demuestra en Vorágine, su cuarto disco de estudio, que son cosa seria.

Dejando definitivamente atrás esa imagen de estrellas del teen pop que tenían allá por sus comienzos en 2004, este trabajo consolida el crecimiento compositivo y musical insinuado en su predecesor “Una hora a Tokyo” en el que contaban con la colaboración de grandes músicos como Hugo Bistolfi y Walter Giardino quienes apoyaban el viraje de los hermanos Sardelli hacia sonidos más adultos y complejos como el hard rock o el soft metal.

Vorágine salió ala venta en todo el país para el pasado día de la primavera y cuenta con 12 canciones entre las que se destacan el medio tiempo. “Donde vas (viaje nocturno)” primer corte del disco, que ya se puede ver en Youtube y algunas cadenas musicales. “Otoño del 82” una balada con una letra muy emotiva basada en la historia de un soldado de Malvinas o “Encerrada en el placard” ya más para activarse y enfiestarse.

Por Ariel Britos

Barn Owl – Lost in the Glare

Girls – Father Son Holy Ghost El nuevo de Girls continúa y profudiza las direcciones exploradas en su EP “Broken Dreams Club” (2011), donde los californianos coqueteaban con estructuras más libres, poniendo el foco sobre el manejo de climas y la dinámica grupal. Así, en “Father Son Holy Ghost” (un título sin ironía: los miembros de la banda pertenecen al grupo-religioso/secta hippie “Children of God”), estos dignos hijos de su tierra, vuelven devotos a ofrecernos sus canciones melancólicas, soleadas y frescas como una siesta primaveral de domingo. El amor, la esperanza y la fé son los temas centrales de esta obra cimentada sobre el rockpop americano de los 60’s (The Beach Boys, Buddy Holly y sus derivados) y decorada con certeras pinceladas de gospel y blues. La sorpresa: en “Die” se le animan a un hard rock que recuerda insólitamente al “Highway Star” de Deep Purple.

Por Emanuel Sanabria

Stephin Merritt – Obscurities

Para darse una idea de como suena lo nuevo de estos noveles adalides del drone basta con mirar el dibujo de la portada: una especie de eclipse en medio de un desierto rocoso. “Lost in the glare” es una travesía desolada sobre texturas sonoras ásperas y sinuosas, construídas progresivamente con una superposición de repetitivos arpegios, acomples y notas sostenidas al límite.

Un crescendo permanente y espeso que va espabilando espejismos en camino hacia un horizonte que se aleja con cada nota. Un estado de trance circular, donde la extrañeza prevalece ante cualquier insinuación de arrivo.

A tomar nota, que el segundo de los de San Francisco para el sello Thrill Jockey (casa de clásicos del ambient como Oval y PanAm) tiene pasta para meterse en las listas de fin de año.

A la espera del nuevo de The Magnetic Fields, programado para mediados del 2012, llega este entrañable compilado de rarezas e inéditos, con la firma del líder y único miembro estable de la banda. Para quiénes no conocen a Merritt, baste decir que es el autor del clásico “69 Love Songs” (1999), un raid compositivo obsesivo, exquisito e indispensable para los amantes del canción. En “Obscurities”, Merritt, nos deslumbra una vez más con la simpleza de sus armonías, sus orquestaciones despojadas y esas letras que llegan a la médula del asunto (el amor, la soledad, la hipocresía humana) sin sobrarles una palabra. Este disco no agrega mucho a la carrera de este príncipe díscolo del indie, pero demuestra la calidad y lo prolífico de su obra. Destacados: el electro-pop distópico “We are the rats in the garbage of the western world”, la balada etérea “The Son From Venus” y el romanticismo autoconsciente de “Forever and a Day”.

Por Emanuel Sabanria

Por Emanuel Sanabria

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LOBO SUELTO

corazon melomano Black and White America – Lenny Kravitz El ansiado disco de Lenny Kravitz, “Black and White America”, salió a la venta el 22 de agosto y sorprendió a lo largo de sus 16 pistas. Este es el noveno álbum de estudio en la carrera de Lenny y otra vez confirma el talentoso artista que es a través de los tracks que integran la placa, que para ser sinceros, ninguno actúa de relleno, cada cual tiene su propia esencia.

Contiene una fuerte dosis de funk fusionado con otros estilos como en “Black and White America”, “Superlove”, “Sunflower”, entre otros.

Además hay rock, que es lo que todos esperamos de este muchacho, así suenan “Come on get it”, que no cesa de sonar en las radios con un rock crudo, “Stand”, más ligado al pop y “Everything”.

Por otro lado, se ve que Kravitz estaba inspirado, y dio un buen lugar a las baladas, donde se pueden escuchar “Dream”, “I can’t be without you” y “Push”.

El funk, soul, R&B, rock, jazz entre otros estilos se hacen cita en este disco virtuoso y variado que suena bien a Lenny.

Por Victoria Clementi

Dirty Beaches – Badlands Hay ciertas bandas que siempre aparecen en cualquier selección de clásicos que se haga, aunque luego resulte difícil seguir el rastro de su influencia. Quizás un emblema de este caso sea Suicide, el duo newyorkino que a fines de los `70 revisitó el rockabilly en clave electro-punk. En este sentido, “Badlands”, el debut de Dirty Beaches, tiene algo de justiciero, al rescatar el legado de una de las figuritas difíciles del post-punk. Pero eso no es todo, Alex Zhang Hungtai (el único responsable tras bambalinas), desenfunda un puñado de canciones tensas e hipnóticas, sumergidas en una atmósfera de cine border (Lynch, Jarmusch y Tarantino a la cabeza), que poseen la personalidad suficiente para esquivar la simple imitación. Y con esa hoja de ruta, nos invita a hacer un recorrido de media hora, repartido en ocho tracks, por el desierto más árido de todos: el del alma humana.

Por Emanuel Sanabria

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Is Tropical – Native To No es nada casual que la salida del debut de Is Tropical coincidiera con el comienzo del verano boreal.

“Native to” es como uno de esos clásicos amores de verano: frescos, intensos e instantáneos. Pero también fugaces y, en muchos casos, para el olvido.

En este sentido, la opera prima del trío londinense, contiene todo aquello que lo hace adecuado a sus fines: hits en potencia (como “South Pacific”, “Lies” y “The Greeks”), recursos de estilos recontra revisitados (como el shoegaze en “I’ll take my chances” y el 8-bit en “Berlín”), y finalmente un acabado elegante a là New Order, sosteniendo todo el truco. Pero en definitiva, a esta versión 11’ de la New Rave (aquel revival del electro noventoso, comandado por Klaxons y The Rapture) parece faltarle la carnadura suficiente para sobrevivir una vez pasada la temporada: cuando las primeras buenas impresiones se agotan y volvemos a nuestras vidas.

Por Emanuel Sanabria

Neon Indian – Era Extraña Eventualmente a los artistas emparentados con el low-fi les crece la tentación de ataviar sus experimentos con un atuendo un poco más pro. Y este parece ser el caso del tercero del mejicano Alan Palomo, a.k.a. Neon Indian. “Era extraña” conjuga los elementos sonoros puestos en juego en su obra anterior (“Psychic Chasms”) con una aproximación desde la producción más limpia y prolija (obviamente, dentro de los parámetros del estilo). Por momentos, “Era Extraña” se acerca al eletropunk de LCD Soundsystem (“Suns Irrupt”), o remite al house robótico de los franceses Daft Punk (“Polish Girl”) o abreva en la siempre muy recurrida cantera sónica de los ingleses New Order (“Arcade Blues”, “Hallogen”). Pero en todos los casos, Neon Indian mantiene el nivel y las propias coordenadas de su estilo: sintetizadores plagados de efectos, percusiones vintage y voces sumergidas en ácido.

Por Emanuel Sanabria

Stephen Malkmus - Mirror Traffic En síntonia con la visión surrealista de sus letras, los cordobeses tuvimos la posibilidad de ver al otrora (cuando lideraba Pavement) príncipe del indie norteamericano de los 90´s en Casa Babylon, cierto jueves del 2004, por la módica suma de ¡ocho pesos! Y es que, más alla de la anécdota, Malkmus, siempre mantuvo firme su postura de hacer, básicamente, lo que se le canta, y en este caso, le vino nada menos que trabajar con su amigo, vecino y exwonderboy devenido clásico, Beck Hansen.El resultado, como no podía ser de otra manera, es bueno. Y quizás el problema con esto es que frente a la unión de dos potencias semejantes, un resultado bueno, a secas, puede saber a muy poco. En “Mirror Traffic”, este confeso antropólogo obsesivo de la psicodélia mundial (¡el tipo es fan de Color Humano!), se despacha con una obra de largo aliento, alternando, dentro de canciones folk-pop repletas de contratiempos, melodías redonditas y ensayadas improvisaciones grupales, sin sumar demasiada novedad a su paleta sonora de antaño (exceptuando quizás el arreglo de trompeta del track 2); redondeando así un disco agradable, y algo disperso, que de seguro satisfacerá a sus fans hasta la próxima vuelta.

Por Emanuel Sanabria

Discos clasicos

Waiting for the sun - The Doors El tercer disco de The Doors se titula “Waiting for the sun” (Esperando al sol), aunque esta canción que le da el nombre no se publica hasta “Morrison Hotel” en 1970.

Realmente un CD para disfrutar cada tema, una obra maestra musical tras otra. Comienza con “Hello, I love you”, un clásico con mucha rotación por las radios en ese entonces, aunque también tuvo un juicio al ser demandados por la banda The Kinks a causa de plagio, en su tema “All day and all the night”. Finalmente la justicia falló a favor de los Doors, aunque si escuchamos con atención la melodía es muy parecida.

Otro de los grandes temas es “Love street”, una hermosa canción que te transporta con la melodía.

Trata básicamente de la calle Laurel Canyon en California, donde Morrison vivía con Pamela, por la que transitaban decenas de hippies, y Jim se ponía a observarlos desde su puerta.

“Not to touch the Earth”, es un viaje con una lírica en su interior, que tratan de un capítulo de “La rama dorada” de James Frazer, gran influencia para Morrison.

Por otro lado “The Unknown Soldier”, se relaciona directamente con la guerra de Vietnam y se había convertido en un himno. En el video se muestra a Morrison atado para fusilamiento, se escucha un disparo y sangre sale de su boca que cae sobre flores de colores.

“Summer’s almost gone” cuenta el final de un amor, “El verano se ha ido, y el invierno va a venir”. Luego, “Wintertime love”, suena casi como una continuación de la anterior, ya con la llegada del amor de invierno, como un amor de paso: “Winter’s so cold this year, You are so warm, My wintertime love to be” (El invierno es tan frío este año, y vos tan tibia, sos mi amor de invierno).

Otros de los grandes temas, que llevan a lugares recónditos son “Spanish caravan” con una intro de guitarra flamenca con una letra muy psicodélica, y “My wild love” que nos lleva a los desiertos con tambores y ácidos. Realmente para calzar tu iPod, celular, mp3 o porque no tu walkman y tirarte en tu cama a disfrutar.

Por Victoria Clementi

Between the Buttons - Rolling Stones “Between the Buttons” es un disco de las santánicas majestades, lanzado en el año 1968. Es el segundo disco con temas propios, luego de “Aftermath”, ya que hasta el año 66’ el repertorio consistía en versiones de temas Rythm n’ Blues y Rock & Roll, de artistas como Chuck Berry.

Lo que se puede percibir con facilidad en este disco, es una búsqueda de sonidos por parte de la banda, que muchas veces se confunde con la melodía Beatle, donde el Rock & Roll y el Pop se conjugan en varias de las canciones que conforman.

Cabe destacar que como solía ocurrir en esta época, hubo dos versiones, una del Reino Unido y otra norteamericana, donde en la primera, el tema “Let’s spend the night together”, no se incluye. Este tema fue publicado como single en el año 1967 y alcanzó los primeros puestos de los principales rankings en Reino Unido. Pero luego se consideró a la letra muy provocadora, por su relación a un encuentro sexual nocturno, cosa que ahora sería muy habitual, pero en esa época era tabú.

Así es que cuando los Rolling Stones concurrieron al famoso programa de esos años “Ed Sullivan Show”, tuvieron que cambiar esa frase por “Let’s spend some time together”, que fue aceptada por los músicos, pero que luego Jagger interpretaba de forma rebelde.

Esto mismo les paso a los Doors con el tema “Light my fire”.

Es por esto que la versión del Reino Unido comienza con Ruby Tuesday, una balada escrita y compuesta por Richards/Jones, que posiblemente estaría dedicada a la que era novia de Keith, la Groupie Linda Keith.

En todo el disco se pueden escuchar baladas y canciones muy al ritmo del Rock & Roll, como “Miss Amanda Jones”, “My Obsession” y “Connection”.

Además está el tema “Something happened to me yesterday” cantada por Jagger y Richard, con una melodía que lleva casi graciosamente a los años 30’.

Por Victoria Clementi

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LOBO SUELTO

rock game EL crucigrama

8

10

Referencias:

9 2 4

1 5

1 Ciudad de origen de los Rolling Stones (7 letras) Apellido del asesino de John Lennon (7 letras) 2 Apodo del líder fallecido de Los Gardelitos (7 letras) 3 Segundo nombre de pila del Indio Solari (7 letras) 4 Nombre de la novia de Jim Morrison (6 letras) 5 País de origen de Luca Prodan (6 letras) 6 Nombre de la guitarra más querida de BB King (7 letras) 8 Disco lanzado en el año 1966 por los Beatles (8 letras) 9 Primer nombre de pila de Pappo (8 letras) 10 Famoso festival realizado en Gran Bretaña (11 letras)

3 6 7

EL podio del rock Poné a prueba tus conocimientos, sumá los puntos y descubrí tu grado de rock. Sumá 1 punto, por cada correcta del nivel 1; 2 puntos por cada correcta del nivel 2 y 3 puntos por cada correctal del nivel 3.

Nivel 1

1a. ¿Cuál es el guitarrista mito de Black Sabbath?

1b. ¿Qué banda argentina grabó “La Biblia”?

1c. ¿Cómo se llamaba el cantante de AC/DC que murió ahogado en su vómito?

1d. ¿De qué ciudad eran los Beatles?

1e. ¿Qué edad tenís Jim Morrison cuando murió?

Nivel 2

2a. ¿Cuántos discos de estudio tienen los Rolling Stones?

2b. ¿En qué año se separaron los Redondos?

2c. ¿Quién era el cantante de los Siete Delfines?

2d. ¿Cuál es el primer cantante de Iron Maiden?

2e. ¿Qué cosa nombra en una de sus canciones Ricky Espinosa que nunca sería?

De 20 a 30 puntos: ROCKERO DE LEY

De 10 a 19:

ROCKERO MEDIO PELO

De 0 a 9:

¿TODAVÍA TE CREÉS ROCKERO?

3a. ¿Quién escribió “Folson Prison Blues”?

3b. ¿A quién le llaman “el arquitecto del rock”?

3c. ¿Qué cantante se casó con su prima de 14 años?

3d. ¿Cuál es el nombre de pila original de Slash?

3e. ¿Qué cover de Steppenwolf hace La Renga?

P MAN O

8 10 G L A S T O N B U R Y E V TO L V RES R

L E

Soluciones: 1a. Tommy Iommi, 1b. Vox Dei, 1c. Bon Scott, 1d. Liverpool, 1e. 27 años. 2a. 29 discos, 2b. 2001, 2c. Gustavo Ceratti, 2d. Paul Dianno, 2e. Policía. 3a. Johnny Cash, 3b. Little Richard, 3c. Jerry Lee Lewis, 3d. Saul, 3e. Born to be wild (Nacido para ser salvaje)

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U C CI

LOBO SUELTO

9 N O RB E R 2 K 1 L O N D 4 R 5 I N P 3 A L B E RT M T A A 6 L E L I A 7 C HA

Nivel 3

PUNTAJE