OLVIDADOS DESTACADOS
RUBEN BOTAS MOSTRA TU ARTE
SHOWS: AGARRATE CATALINA + ROBERTO CAABAJAL + NOCHE INDIE + LOS ARCANGELES
Octubre 2011 - Nﾂｺ 20 Aﾃｱo II
LOBO SUELTO
Septiembre2011 - Nﾂｺ 19
MEAT LOAF
BB KING y su lucille grandes plagios robos rockeros MUSICOS ERRANTES MUSICA EN LA PEATONAL
R.E.M:
SEPARADOS DESPUES DE 31 Aﾃ前S
LOBO SUELTO
Lobo Suelto Revista Digital
Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi
INDICE
Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Lila Martínez Ariel Britos Eugenia Ceballos Guido Cambareri Manuel Montali CC. Ivana Lorenzo Emanuel Sanabria Martín Ghisio Fotografía: Lila Martínez CC.. Nicolás Rojas
STAFF
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R.E.M
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Noticias
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Red Hot
BB King
VideoAudioRead
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Plagios del rock
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Meat Loaf Big Bang Babies
Músicos errantes
Mostrá tu arte: Rubén Botas
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Shows
entonces, Lobo Suelto junto a Ideales Estudio te invita a participar de este concurso!
PARA PARTICIPAR, ENTERATE EN WWW.REVISTALOBOSUELTO.COM.AR
LOBO SUELTO
Mariana Ellena
Editorial Cuánta nostalgia por lo que ya pasó, o ¿no? Cuántos sentimientos confundidos se plasman en los comienzos de este siglo que cada vez se torna más distinto pero a la vez previsible. La noticia que conmovió a varios seguidores del rock este mes que pasó, fue la separación de R.E.M. una banda surgida en los 80’ que comenzó a imponer nuevas formas musicales, que hasta hoy resuenan en otros temas como malditas influencias. Y hablando de separaciones, en esta última década, se pudieron visualizar en el área específicamente nacional, la segregación de bandas claves, así se pueden nombrar Los Piojos, Attaque 77, Patricio Rey, Los Ratones Paranoicos, Bersuit Vergarabat… entre otras. Entonces, ¿Qué está pasando con el rock? Los grupos se separan y las individualidades quedan, pero… ¿Cuál preferimos? ¿La banda original haciendo sus temas originales o las individualidades tocando un cover de sus bandas originales? Si tantas bandas pioneras del rock se separan ¿Qué quedaría para el futuro? ¿Aparecerán nuevos exponentes que marquen este siglo? Muchas preguntas se pueden formular con respecto al tema, ¿Cuáles se podría responder? Dejamos su opinión a libre albedrío si quieren opinar. Saludos! LOBO SUELTO
noticias
Que Paso Este Mes? Vienen los Foo Muchos esperaban esta noticia y por fin se cnfirmó, los Foo Fighters tocarán por primera vez en nuestro país el 12 de mayo del 2012 en el estadio de River Plate. El aviso lo informó el mismísimo Dave Grohl a través de su Facebook oficial. Lo uníco que se avisó sólo por la banda, es que el grupo se presentará en el Monumental el próximo 12 de mayo. Próximamente seguro habrá nueva data sobre este show.
Informe forense: Jani Lane Hace unos días se confirmó que Jani Lane falleció como consecuencia de una ingesta fatal de alcohol etílico, por parte de la oficina forense de Los Angeles concluyó su investigación y determinó que el cantante sufrió una “intoxicación aguda por etanol”. Recardamos que Jani se encontró sin vida en su departamento el pasado 11 de agosto. Los investigadores que analizaron el lugar se encontraron con una botella de vodka por la mitad y medicamentos recetados.
Mick Jagger de película El mítico Mick Jagger se subió a un proyecto de cine llamado “Tabloid”. El cantante de los Rolling Stones se va a encargar de producir y protagonizar la película La misma trata sobre un magnate de los medios de comunicación de escasos escrúpulos y moralidad. La idea de “Tabloid”, se le ocurrió al propio Jagger, que está trabajando en el guión junto a Josh Olsen (“A history of violence”). Steve Bing, de Shangri-La Entertainment, también colabora en la financiación de la película.
DISCOS Y DVD’S Pearl Jam está grabando un nuevo disco Los 20 años de carrera los trae con todas las energías y la banda ya se encuentra trabajando en un nuevo disco, del que ya están “por lo menos en la mitad de camino”, según afirma Jeff Ament, el bajista del grupo. Este nuevo trabajo es el segundo producido por Brendan O’Brien. Esperan concluir la grabación a principios de año. “El primer puñado de canciones fue un gran, gran comienzo. Ha sido muy importante para nosotros que en medio de todo esto, nos juntásemos y grabásemos canciones. De alguna manera nos dio un respiro para continuar. Bueno, podemos ir hacia atrás y estar listos para el espectáculo y el libro y la película y todo eso”, explica Ament.
El disco en vivo de Chris Cornell El próximo 21 de noviembre, Chris Cornell lanzará al mercado “Songbook”, un disco en vivo que registra parte de la gira acústica que lo traerá a la Argentina en un mes.. “Algunos temas no suenan bien en formato acústico, pero seguiré practicando y quizá cuando los toque cincuenta veces me sonarán mejor. Me resulta interesente descubrir canciones que en un principio no tienen sentido en formato acústico, pero que al final acaban brillando”, comentó el cantante. Algunos de los temas incluidos en la placa son “Call me a dog”, “Fell on black days”, “Like a stone” y “Black Hole Sun”. Además se le animó a “Thank you” de Led Zeppellin e “Imagine” de John Lennon. El disco también tiene el single “The Keeper”, incluido en la banda sonora de la película “Machine Gun Preacher. Mirá el video
La expansión de Slipknot Slipknot tienen lista una versión expandida de su segundo disco de estudio, “Iowa”. Se cumplen 10 años del lanzamiento de la placa, por lo que esta edición especial que verá la luz el primer día de noviembre contiene un CD con el álbum original y un bonus track correspondiente al tema “My plague” (New abuse mix). Además incluye otro CD del audio completo del concierto “Disasterpieces”, editado como DVD en 2002. El paquete se completa con “Goat”, un documental dirigido por M. Shawn Clown Crahan.
Mirá un avance
Triple DVD para los conciertos benéficos de Neil Young Estos conciertos llevan el nombre de “Bridge School Benefit Concerts”, los cuales también organiza Young y su mujer Pegi. Ya llevan 25 años de realización y para celebrarlo, Warner Bros/Reprise Records lanzará el 24 de octubre un álbum que contiene tres DVDs y dos CDs, con actuaciones de estos 25 años más un documental. Todos los beneficios irán destinaos a la Bridge School, fundada por Pegi Young y en la que se ayuda a niños con problemas de habla y discapacidades físicas. Algunos de los artistas que pueden disfrutarse en estos conciertos son: Neil Young, Thom Yorke, Bob Dylan, Sonic Youth, Fleet Foxes, Tom Waits, David Bowie, Bruce Springsteen, R.E.M., Metallica, Band of Horses, Brian Wilson, Patti Smith, Foo Fighters y los Who algunos de los muchos participantes en los “Bridge School Benefit Concerts”. Mirá un avance
¿Lady Gaga cantante de Queen? Según el propio guitarrista Brian May, Lady Gaga es una de las personas a las que la banda se ha acercado para que sea su vocalista en una próxima gira. En el 2009 finalizó la colaboración con Paul Rodgers, por lo que los miembros de Queen siguen buscando un cantante. También sabemos que la cantante tiene relación con May ya que él colaboró recientemente en el single de Lady Gaga ‘You & I’, además que los vimos juntos en el último Mtv Video Music Awards. “He trabajo con Lady Gaga y es muy creativa y es alguien con quien hemos hablado para que cante al frente de la banda. No es sólo cantante, compone sus propias canciones”, explica May. También han pensado en la posibilidad de hacer dúos con varios vocalistas: “Hemos hablado de hacer dúos con otras personas y de una manera extraña casi apreté el botón del sí. Hemos discutiendo la idea de hacer un programa de televisión en el que tendríamos a todas estas estrellas invitadas. Todavía no lo he apretado, pero estamos en ello. Lady Gaga ha dicho que le gustaría hacer algo con nosotros”.
La biografía de Courtney Love Amada u odiada, ella sigue en pie como puede y ahora se informó que el sello editorial William Morrow, de HarperCollins, publicará en los próximos meses las memorias de Courtney Love, todavía sin título. La líder de Hole quiere declarar y aclarar otra vez su punto de vista sobre todas las controversias sobre su vida, ya sea su relación con Kurt Cobain y las drogas o su papel de madre. Así lo explicaba una nota de prensa de William Morrow: “Por primera vez, Love deja las cosas claras acerca de su tempestuoso matrimonio, su historia de abuso de drogas y su posterior recuperación, y su relación con su hija, Frances Bean. Además de centrarse en su carrera, también va a hablar abiertamente y con franqueza acerca de su carrera en Hollywood, incluyendo las muy publicitadas relaciones con
NOTICIA DEL MES
31 años después: R.E.M. SE SEPARA
Nota: Marina Miguel
El pasado 21 de septiembre la banda publicó en su web oficial que dejarían de tocar juntos y todo terminó en buenos términos. Ya desde el año 2008 que tenían pensado separarse. Tras 31 años de carrera, R.E.M, una de las bandas estadounidenses más influyentes en la historia de la música rock, decidió separarse definitivamente. Mientras R.E.M grababa su último disco de estudio “Collapse Into Now” y salía de gira por el mundo, surgieron las dudas existenciales sobre el futuro: “empezamos a preguntarnos ¿Y ahora qué?”, declaró el bajista Mike Miles, y desde ese momento la idea de la separación se iba a haciendo
realidad. “Trabajar con nuestra música y nuestros recuerdos durante más de tres décadas ha sido un pedazo de viaje. Nos hemos dado cuenta de que estas canciones parecen trazar una línea natural sobre estos 31 años de trabajo”, fundamento Miles. Todo terminó en buenos términos y no hay rumores amarillos (que tanto atraen a la prensa sensacionalista) que demuestren lo contrario. “Espero que nuestros fans se den cuenta que esto no fue una decisión fácil, sino que todo debe terminar y queríamos hacerlo bien”, comunicó Michael Stipe, líder de la banda. R.E.M se formó en Athens, un pueblo universitario del Estado de Georgia, Estados Unidos, en el
año 1980. Todo comenzó cuando Stipe y Peter Buck, el guitarrista, se sintieron tocados por los mismos gustos musicales, al estilo de Velvet Underground. Luego se sumó el bajista Mike Mills y en batería Bill Berry, debutando los cuatro en una fiesta de cumpleaños. El nombre que los identificaba como grupo en aquel entonces era “Twisted Kites”. Pero el nombre R.E.M surgió después, y significa Rapid Eye Movement (Movimientos oculares rápidos).
Su primer single se llamó “Radio Free Europe”, editado por el sello Indie Hib-tone Records, en el se encontraba la canción “Slitting Still”. Así empezaron a ser los preferidos de las Radios Universitarias que se caracterizaban por priorizar y difundir bandas del under Indie. Tras girar durante un año por todo
su país, la banda firma contrato con el sello IRS, y editan su primer EP “Chronic Town”. Y en 1983 lanzan su primer disco de estudio “Murmur”, declarado como el mejor álbum del año por la revista Rolling Stone. Desde ese entonces comenzaron a crecer artísticamente, logrando convertirse en una banda para miles y miles de personas. En 1984 publican “Reckoning”, luego “Flables of the Reconstruction” y “Lifes rich Pageant”, pero con su Lp “Document” consiguen el hit mundial “The One I love”, y fueron contratados por Warner para editar “Green”. Ya en los 90 su prestigio era muy alto, por esto logran vender 10 millones de copias del disco “Out Of Time”, que contiene uno de los hits más reconocidos de la banda
“Losing my religión”. En total R.E.M publicó 15 discos de estudios, y logró perdurar por 31 años, logrando entrar en el salón de la fama del rock en el 2007. Su final sorpresivo era el menos esperado, pero lo transmitieron con total sabiduría y armonía, algo que siempre los caracterizó como músicos. “A nuestros fans y amigos: Como R.E.M., y como amigos de toda la vida y co-conspiradores, hemos decidido dejar de funcionar como banda. Nos vamos con una gran sensación de gratitud, de finalidad, y de asombro por todo lo que hemos logrado. Para cualquiera que alguna vez se sintió tocado por nuestra música, nuestro más profundo agradecimiento por escucharnos”.
bb king
BB King y su novia Lucille “Cuando canto, toco en mi mente, el momento en que deje de cantar oralmente, empiezo a cantar tocando a Lucille.�
bb king y su lucille
Nota: Ivana Lorenzo
El reinado, indiscutible, de BB King como rey del blues ha sido tan largo como el de cualquier monarca de la antigüedad. Con 86 años colgando de su espalda, aún mantiene su corona bien puesta. Los años no parece hacer mella en él, al contrario, el tiempo lo hace más relevante y popular que nunca. Es cierto que no veremos a BB King saltando en comerciales de TV o haciendo videos musicales, pero su música sigue siendo, indiscutiblemente, una fuente de inspiración y placer para muchos. Con los años, BB ha desarrollado uno de los estilos de guitarra más identificable. Sus influencias parten de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros. La integración de sus precisos y complejos acordes como vocal-
curvas de cuerdas y su vibrato mano izquierda, se han convertido en elementos indispensables del vocabulario de todo guitarrista. Cada una de sus fraseos, han sido un modelo para miles de intérpretes, desde Eric Clapton y George Harrison hasta Jeff Beck. BB ha mezclado el blues tradicional, jazz, swing, pop, en una perfecta receta que lo llevó a un sonido único. “The Thrill is Gone” Durante más de medio siglo, Riley B. King mejor conocido como B. B. King (por su antiguo apodo “The Street Blues Boy King”) ha definido y redefinido el blues. Desde que comenzó a grabar allá por 1940, bajo la tutela de RPM Records y de Sam Phillips (fue quien produjo la mayoría de sus canciones) no ha dejado de cautivar a más de uno. Su
primer disco “Miss Martha Kin”, lo dedico en honor a su esposa y este sería el primero de una serie de casi 50 placas por venir. En 1964 grabó su ya legendario “Live at the Regal” (uno de los discos recomendados para los que quieran empezar a escuchar a BB King) e inició un serie de giras que lo llevarían tres años más tarde a participar en el Festival de Jazz de Montreux. A pesar de que BB King fue una gran estrella en la comunidad de la música afro-americana en 1965 todavía era casi desconocido en la comunidad blanca. Esto, cambiaría en 1965 cuando Elektra Records lanzó por primera vez a Paul Butterfield (Butterfield Blues Band álbum), con el fallecido Mike Bloomfield en la guitarra. Bloomfield se convirtió en una estrella, casi de un día para el otro, y cuando le preguntaron
Ella es Lucille Lla marca que más identifica a BB King es su guitarra Lucille. La historia de este romance es más o menos así: De vuelta en la década de 1940, en los inicios de la carrera de BB, una de sus paradas para tocar su música, fue en el camino de Twist, Arkansas. En el salón de baile de Twist, mientras sonaba música de fondo, dos hombres comenzaron a pelear y uno de ellos golpeó sobre el cañón de la quema de queroseno (con el fin de mantener el salón de baile caliente, el queroseno se utilizaba para la calefacción). El combustible derramado por el suelo corrió como un río de fuego. Cada uno, incluyendo BB, salió corriendo por la puerta principal. Una vez fuera, BB se dio cuenta de que dejó su guitarra, una acústica Gibson similar a la ES-355, en el interior del infierno. Regresó al edificio derrumbándose para salvar a su guitarra, a punto de perder su vida en el proceso. A la mañana siguiente, BB descubrió por qué los dos hombres estaban peleando la noche anterior. Parece que lucharon por una dama, y aunque nunca conoció a la mujer, BB luego supo que su nombre era Lucille. Desde ese momento BB nombró a su la guitarra Lucille (que lo acompaña desde 1949), para recordar que nunca haría una cosa así de nuevo.
Cuerpo Laminado Arce, Arce bloque central del cuello / Perfil Diapasón / Inlay Ebony / Pearl bloque Escala / Ancho de cejilla 24 3 / 4 “/ 1 11/16” Encuadernación Multi-capa superior y la pala de una sola capa diapasón y la espalda Puente / Colilla Tune-o-matic/ TP-6 Hardware Oro Pastillas 490R Alnico magnet humbucker 490T Alnico magnet humbucker Controles Dos volúmenes, dos tonos, interruptor de tres posiciones, Varitone de seis posiciones, estéreo / mono gatos Terminar Ebony Cherry,
donde aprendió a tocar como lo hizo, respondió: “Al copiar BB”. Nadie sabía de “B.B.”. Y cuando se le preguntó, “B.B. ¿qué?” Bloomfield dijo: “El verdadero monstruo, BB King”. Después de esto ocurrió que la popularidad de BB King se disparó. En el corto plazo “The Thrill Is Gone” fue un gran éxito, y el blusero dejó de tener que tocar en el “circuito Chitlin” (era el nombre colectivo dado a la cadena de salas de teatro en los Estados Unidos del este y sur que eran seguros y aceptables para músicos afroamericanos), y comenzó a zapar en los clubes de jazz, comedores de hoteles de lujo, conciertos de rock universitario y palacios como Filmore Oriente. BB King recibió, durante su carrera, una serie de honores y condecoraciones. En el año 2005 se premió a King con la Medalla Presidencial de la Libertad (la
concesión civil más alta en los Estados Unidos. Está diseñado para reconocer las personas que han hecho “una contribución especialmente meritoria a la seguridad o los intereses nacionales de los Estados Unidos, la paz mundial, cultural o en otras importantes iniciativas públicas o privadas.”). También recibió un Premio Grammy por “Logros en la Vida”. Gran defensor de la educación musical en los niños, BB King en el año 2002 fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Sin lugar a dudas, Riley B. King es y será un icono de la música y un ejemplo de trayectoria.
Los 10 PLAGIOS MAS EVIDENTES DEL ROCK Muchas veces nos preguntamos si la música es infinita; algunos lo afirman. Pero la realidad es que, sea lo que sea, los artistas caen en la copia intencionalmente o no, y ¡plop! Les sale un tema igual al que ya hizo otro colega… “Fue sin querer queriendo”, decía el Chavo. Nota: Marina Miguel
Es común que nos enamoremos de canciones espectaculares, increíbles, preciosas, inigualables, y de pronto, en los titulares del día nos enteramos alguna denuncia por plagio. Es ahí cuando podemos desilusionarnos, reconocer el choreo, esperar a que nuestro ídolo emita unas disculpas y lo reconozca, o simplemente reírnos y pensar que a cualquiera le puede pasar. Aunque algunos son afanos impresionantes que nos llegan a doler al no entender por qué nuestro músico preferido llega a tal punto de copiar tal cual una canción. Hay amigos que no dudan en pincharte el globo cuando se dan cuenta que tu tema preferido es una copia fiel de otra canción. Por eso ahora llego el momento de robarte la ilusión: estos son los 10 plagios más graciosos de la música.
1
Gustavo Cerati “Tabú” - 1998 Spencer Davis Group “Waltz for Lumumba” – 1967 Sonará atrevido deschavarlo, pero las pruebas son más que contundentes. Como dos gotas de agua.
The Verve “Bitter Sweet Symphony” – 1997 Andrew Oldham Orchestra – “The last time” – 1965 El productor de los Rolling Stone denunció el plagio de esta canción, logrando que figuren los nombres de Keith Richard y Mick Jagger, además de los de Andrew Oldham, en los créditos.
2
Red Hot Chili Peppers “Dani California” - 2006 Tom Petty “Mary Jane´s Last Dance” – 1993
3
A pesar de las acusaciones que realizó Jarrerd Morris, un locutor inglés, Tom Petty no hizo nada por cobrar sus derechos, ya que no creía que los Chili Peppers tuvieron la intención de plagiarlo, y declaró “Hay suficientes asuntos legales frívolos en el país como para que la gente se esté peleando por canciones pop”. Bueno, ya sabemos que lo imitan, pero con esa declaración, es para imitarlo no sólo musicalmente.
Coldplay “Viva la vida” – 2008 Joe Satriani “If I could Fly” – 2004
4
Los ingleses fueron demandados por el astro de la guitarra, y con justa razón, ya que una línea melódica de la canción de Coldplay es igual a la suya. La suma de dinero que cobró Satriani por ganar el juicio no se hizo pública, pero aseguran que es inmensa.
6
Radiohead “Creep” – 1993 The Hollies “The Air That I breath” Turf “Pasos al costado” – 2004 Eros Ramazzoti “Seguimi” – 1991
5
Este plagio es muy conocido en la web, no sólo porque es una canción interpretada en la cancha por muchos hinchas, hasta japoneses, sino también por ser una copia impresionante de un tema de Ramazzoti, quien no hizo nada al respecto.
El tema con el que conquistaron al mundo resultó ser “inspirado” en otro tema de The Hollies. Ante la gran evidencia, en el álbum Pablo Honey sale una reseña en la que se reconoce el “homenaje” a los Hollies.
Soda Stéreo “Ameba” – 1992 Iggy Pop “Mass Production” – 1997 Vanilla Ice “Ice Ice Baby” – 1990 Queen “Under Pressure” – 1981 En esta ocasión vemos como un cantante logra hacerse muy famoso utilizando en forma de “pista” y colocándole un “sampleo” más para zafar. Hubo un reclamo formal por parte de Queen, quienes crearon esta canción junto a David Bowie, pero se llegó a un acuerdo pacífico del cual se desconocen los términos.
7
Nos preguntamos si los Soda, en aquel entonces, jamás se imaginarían que sus fans puedan escuchar rock internacional, mucho menos que con Internet iba a ser muy fácil darse cuenta de todo. Pero más evidentes no pueden ser, sólo cambiaron un poco el tiempo, haciéndolo más rápido. ¿Será pura coincidencia? O… ¿Nos toman por idiotas? No queremos seguir hiriendo sus sentimientos, pero hay más “influencias” de Soda como de Cerati solista. ¡A descubrirlas!
8
Bruce Springsteen “Outlaw Pete” – 2009 Kiss “I Was made for lovin you” – 1979
9 10
Esta vez es un poco increíble porque Bruce es un gran compositor, aunque Kiss se encargó de llevar adelante una demanda, a pesar de que las letras son completamente distintas y haya que agudizar los oídos para encontrar el parecido.
Gorillaz “Stylo” – 2010 Eddy Grant “Time Warp” – 1981 “Estoy indignado porque Gorillaz infringió los derechos de mi canción “Time Warp”, diciendo que “Stylo” es una composición original, Cita a mi canción prácticamente nota a nota”, declaró Grant a la prensa, y aseguró que su tema está en la escena DJs desde hace mucho tiempo.
10
olvidados rescatados
meat loaf Aquel gordito simpático que se disfrazaba de monstruo en sus épicos videos está de vuelta. Esto nos pone contentos porque Meat Loaf, nacido bajo el nombre de Marvin Lee Aday el 27 de septiembre de 1947, tuvo una vida tan difícil y discontinua como su carrera artística como actor y cantante. Nota: Ariel Britos
De chico siempre sufrió del bullying tanto de sus compañeros de escuela como de su propio padre, un alcohólico empedernido que lo bautizó Meat Loaf (pedazo
de carne) debido a su obesidad. Habiendo superado una infancia/ adolescencia difícil, mientras trabajaba como cuidador de autos, se presenta a un casting para una obra de teatro que reflejaba la juventud hippie de aquellos años finales de los 60,
fue aceptado y se fue de gira por todo EEUU. Una compañera de elenco llamada Stoney, descubre que tiene grandes aptitudes musicales y forman un dúo que los llevó a grabar un disco en 1971, serían los primeros de raza blanca en grabar un álbum para la discográfica Motown. Paralelamente en su trabajo como actor no le estaba yendo bien y le costaba mucho que las discográficas confíen en su trabajo, ya que corrían con el prejuicio de que los actores no pueden ser cantantes a la vez. Editó cuatro discos en la década del 80 que pasaron prácticamente inadvertidos, sólo pudo hacerse de un reconocimiento en 1983 en Europa, por lo que solía presentar sus nuevos trabajos en el viejo continente, antes que en su país natal, para así ganarse el dinero que le permitía seguir grabando
discos. Tanto fue así, que en 1989 se pone a trabajar en su siguiente álbum, la joya hardrockera titulada “Back into hel”l, que le llevó cuatro años editarlo y dejarlo listo para sacarlo al mercado. La cansadora espera no fue en vano: sería su disco más premiado y número uno en ventas de todo el mundo. Ya las ganancias le permitieron hacer tres épicos videos musicales, uno de ellos fue el de la power
ballad “I`d do anything for love” que estuvo primero en 28 países. De esta manera se consolidó en la industria musical después de tantos años de pelearla, su esfuerzo por fin dio sus merecidos frutos. Le siguió otro trabajo exitoso en 1995 con “Welcome to the neighbourhood” y nuevamente se eclipsó su carrera en la década
de los 2000, a pesar de editar dos nuevos discos. En el 2010 Meatloaf regresó con nuevo disco “Hang cool Teddy Bear”, cuyo primer single “Los Angeloser” empezó a rotar con cierta frecuencia en VH1 y en VH1 classic. Veremos cómo le va en esta nueva aventura.
SOCIALES
MUSICA EN LA PEATONAL
MUSICOS ERRANTES La gaita y el arpa se hacen oír en el centro cordobés. Todo instrumento tiene dueño e historia. Leandro y Samuel la cuentan. Nota y fotos: María Eugenia Lunad Rocha
Córdoba se descubre por el Suquía, una cañada que lo contiene bordado de tipas, sus comechingones y sanavirones y las universidades. Y también -como marca la canción- se viste de `tardecitas por la peatonal´ donde desfilan audaces y talentosos músicos que disfrutan hacer lo que hacen y, lo mejor de todo, es que lo comparten. Hacen música para los oídos de los transeúntes y lo hacen con el profesionalismo, la disciplina y la dedicación de cualquier egresado del conservatorio. Hablan de música como si supieran porque saben de lo que hablan.
El flaco de la gaita “El oído se desarrolla. Es escuchar música y desarrollalo, escuchar instrumento por instrumento por separado y ahí va”, explica Leandro Müller antes de deleitar con su gaita. Raro es escuchar un sonido de película de posguerra en pleno centro cordobés. Y más raro aún es que este músico no se anime a dar clases. “¿Que voy a enseñar yo?” Se pregunta y responde: “Si yo soy autodidacta. Soy audio perceptivo. Escucho y voy sacando”. Ni pollera escocesa ni anglosajón, tiene tonada cordobesa. Recorrió Irlanda, Galicia, Canarias, Baleares, Italia, España de norte a sur. “Mi vida es así, yo trabajo mientras vacaciono”, resume este muchacho de ojos verdes y tez trigueña que vive en Parque Siquiman. Hace dos años que
toca la gaita. La escuchó por primera vez en Italia y, seducido por la melodía, viajó a Galicia, cuna de los mejores gaiteros, para aprender el oficio. Leandro se hace conocer en la vía pública y advierte que no concurre al Oktober Fest porque “yo tengo que ir a los lugares donde no toquen la gaita para ser más exclusivo”. Recordemos que en la inconfundible fiesta de la cerveza -en Villa General Belgranoconvergen músicas y danzas tradicionales de cada región de Europa donde las gaitas pululan. Una ventaja de tocar la gaita es que atrapa curiosos menciona este “musiloco” o “musicópata” como elige definirse. Su repertorio es itinerante como él pero su estilo uno solo y es folk-celta. “A mi no me gusta pasar la gorra. Yo lo que dejo es la gorra estacionada, quien lo sienta y pueda me pone”,
describe antes de esparcir el sonido. “Dos veces por semana, tocaré cuatro horas mas o menos. También por ahí me hago una changuita de albañilería, pintura, esas cosas, lo que pinte”, avisa este gaitero en la esquina de 25 de Mayo y Rivadavia, frente a la Iglesia y frente a un viejo hotel Crillón desaparecido. Un instructivo “Tenés que inflar primero el buche que es como una bolsa, que antiguamente la hacían con tripa, con vejiga de cabra. Y adentro está la cicuta, la tripa. Vos inflás este buche y te sale el sonido por la ronqueta, por el ronco y por el puntero. De los tres lugares. Una vez inflado a la presión se la das con el brazo. Y estos son los que van marcando el colchón, por así decirle, los que van haciendo el acorde”.
Leandro comienza a tocar el instrumento y la armonía se desparrama de una manera agradable pero, a la vez, penetrante. Explica que la gaita no tiene volumen y por lo tanto no es posible regular la intensidad del sonido. Así que, al mejor estilo luthier, le agregó una gomita elástica en la palleta, que es un pico de caña doble, y de esa forma logra, sin perilla, que suene un poco más leve. El cantero que se escucha “En este cantero estoy hace 13 años”, comenta con orgullo, Samuel Vera abrazado a su arpa, al parecer, lo único que se trajo de Paraguay. Después contará que llegó a Córdoba por primera vez en 1982. Que lo trajeron con la promesa de enseñar a manipular las 36 cuerdas que tiene un arpa. Pero la incipiente Guerra de
Malvinas y un peso devaluado lo llevaron de vuelta. Es que de pequeño soñó ser músico profesional tocando el arpa. “Y cumplí mi sueño porque yo soy nacido y criado en el campo” comienza a desandar el hombre. Y desde Coronel Martínez se vino -lo trajeron-. Un pueblito del departamento de Guairá, “porque allá se dice departamento no se dice provincia”, explica Samuel y la nostalgia se adivina en sus ojos. “A la edad de 28 años me trajeron del campo a integrar grupos profesionales y desde aquél entonces sigo hasta ahora”, cuenta Samuel. Pulsa las cuerdas con la cadencia y precisión de un entendido. Es que Samuel tiene la mejor capacitación, la que se adquiere de pequeño y en el hogar. Trayectoria de arpistas lo
anteceden en su familia. Su madre le regaló una guitarra para que acompañe el arpa de su hermano. Pero “yo agarraba el arpa porque ya sabía, veía y escuchaba cómo se tocaba”. Así de fácil: “Según como veía lo hacia yo, y aprendí”. Samuel Vera ya es parte de la historia de esta ciudad y cautiva con su arpa paraguaya a todo paseante. Quizá no lo sepa, pero lo describe. “La gente sabe a donde me encuentra. La gente viene directamente como hace tantos años que estoy acá”. Movilizar el arpa implica una estrategia y este músico la tiene. Deja su instrumento en el negocio aledaño. “Ellos son compatriotas mios, entonces lo dejo acá como si fuera mi casa”, explicita. Arpista quiere pista Si hablamos de artistas ambulantes hay un denominador
común o, mejor dicho, poco común. Y el caso de Samuel da cuenta de esto. Su saber no se sujeta a pentagramas ni a estudios avanzados sobre música. “No tengo cultura musical, tengo conocimiento. Hablando de música conozco todo de pie a cabeza pero no de partitura”, remata para sorpresa de los que lo escuchan y lo ven para confirmarlo. En el medio de dos zapaterías, este arpista asoma, y además exhibe, sobre un amplificador, dos CD´s con su música. Porque antes cantaba. Y ese “antes” se percibe en la foto del CD. Igual aclara, “antes cuando éramos trío de voces”. Luego se dedicó al arte de acariciar las cuerdas y revelar sus melodías. “Los músicos de Asunción me llevaron ya a la capital para integrar grupos dirigidos por grandes maestros”,
recuerda. Indica que en la foto tenía 38 años. “Aprendí mucho pero ahora ya no toco como cuando era joven lógicamente por la edad”, resigna. Y aunque no se nota Samuel advierte que tiene los tendones cansados. Sus familia desde Paraguay lo reclama y repite lo que una de sus hijas le dice: “Cuando el padre esta grande queda a cargo de los hijos”. Se dedica a transmitir lo que él sabe. “Ahora tengo cinco personas que estudian conmigo” comenta y explica las claves para aprender: tener el instrumento y constancia “porque la práctica es sobre todo”, señala desde la experiencia. Y Samuel enseña con el ejemplo, tiene arpa y todos los días desde las 10 de la mañana hasta las 15hs ocupa el mismo cantero que hace 13 años. Y su
mayor propina -dice- “no es la moneda, es la venta del Cd mia”.
mostra tu arte
Rubén Botas Nota: CC.
Planeta Obnebur, un sueño adolescente. Liverpool, 1991. ALMA. Tengo el gustazo de presentarles a Rubén Botas y su muy acertada, según mis cánones, visión de la ciudad de Liverpool y el frenesí beatle. Su materia esencial es la música, pero no deja de destacarse y de expresar su sensibilidad artística a través de otros lenguajes. Este maravilloso porfolio de fotografías que comparte en este número con nosotros, es el fruto de una búsqueda incansable con la finalidad de cumplir su sueño adolescente.
“Vos sabés que si hay un color para retrata los grados del espectro de los grises. Lo q melancolía. Negro, gris y blanco, visiones atravesar esas calles por primera vez en m
ar una ciudad inglesa como Liverpool ese ese, o son, mejor dicho, todos que quise transmitir en estas fotografías es esa “grisura” cargada de de la ciudad que dio nacimiento a la emoción Beatle. Mi emoción de mi vida...”
“Utilicé una vieja Pentax y una película blanco y negro de 400 asas. Un par de días en Liverpool fueron suficientes.”
“Primero: conocer una banda local, Dark Horse, mientras estaban ofreciendo un show en el sótano del bar Flannagan, en la esquina de The Cavern, en Matthew Street. Y ser invitado a tocar con ellos en un par de conciertos! Para mi, tocar las canciones de los Beatles en un bar de Liverpool fue más que un sueño hecho realidad.” “Y segundo: conocí a una hermosa chica pelirroja, la camarera de los trasbordadores de Mersey y me enamoré de ella. Gracias Liverpool!”
MAS INFO
http://www.myspace.com/reyobnebur http:/www.myspace.com/realnumeronueve http://www.youtube.com/obnebur
t k c a B
w o h S o the
A Pura Murga y Chacarera Nota: Eugenia Ceballos
El pasado 23 de Septiembre la Vieja Usina se convirtió en cede de un extraño ritual. Emiliano Zerbini, Agarrate Catalina y Peteco Carabajal compartieron escenario para darle forma, sabor y ritmo a este encuentro caprichoso de culturas.
Muchos jóvenes cansados de el estándar bolichero de Nueva Córdoba acuden (acudimos) a buscar nuevas alternativas para pasar el fin de semana, divertirse entre amigos y curtir otros ambientes. De la gran diversidad de formas que puede llegar a tomar una noche cordobesa, la Peña es una de las más tradicionales, pero el viernes 23 esa peña fue diferente. La vieja Usina se dispuso para el ritual, pasadas las 23.00 hs Emiliano Zerbini fue el elegido para
comenzar la fiesta, tocó solo un par de canciones de su repertorio, entre el olorcito a empanadas y los vinos ya servidos, preparando a la antigua Usina para lo que se venía. Desde nuestro país vecino y cruzando el Río de la Plata cerquita de la una de la mañana, se subía al escenario Agarrate Catalina, presentando “Gente Comun”. Detrás del increíble vestuario y las capas de maquillaje la murga Uruguaya deslumbró no solo con sus voces y puesta en escena, sino con sus letras y la energía que desde el escenario trasmiten. Su espectáculo 2011 recorre historias de todos los días, “hay una historia escondida en un tipo común” pregona la canción de presentación, y desde esa simpleza tratan en profundidad, con humor y sin tapujos, temas como la violencia, el futbol, los
intelectuales y hasta una parodia de los Wachiturros. La noche pasaba a pura murga y vino, y sin desperdicio alguno se alejaba la Catalina, con una canción partida que, como toda retirada de murga, ameritaba un lagrimón. Pero ahí no terminaba la noche, había llegado el turno de Peteco Carabajal, el hijo pródigo de la dinastía folklorista santiagueña. El músico está presentando por varias provincias argentinas su último material llamado “El Viajero” y fue de esta forma que
llegó a formar parte del ritual. Comenzó su repertorio demasiado tranquilo, pero no tardaron en llegar las tan esperadas chacareras. La población estudiantil que gusta del folklore desempolvó el zapateo y zarandeo y la cosa se puso aún mejor. Peteco, acostumbrado a pisar los límites y con el look juvenil que lo caracteriza, tocó gatos, chacareras y zambas, lo que era de esperarse, pero además el espectáculo tuvo un plus cuando la atmosfera se puso azul y empezaron a sonar los acordes de Corazón Delator, con tonada santiagueña, en homenaje a Gustavo Cerati. La noche concluyó pasadas las 5 de la mañana, entre pañuelos y vinos derramados, el gran edificio quedó vacío retumbando algún cuplé, a la espera del próximo ritual pa’ seguir bailando.
Futbol, Anticasper y Pol Nada:
Tres x Tres x Tres
Nota: Emanuel Sanabria
Tres bandas, tres provincias y eres propuestas heterogéneas se dieron cita en Belle Epoque, el recinto favorito del under cordobés. Tres maneras diferentes y atractivas de encarar una misma tarea: la conjungación en presente de aquello que el rock nos supo (y nos sabe) dar. Estilos renacidos desde la pasión. Repasamos el show en orden cronológico de estilos (e invertido en el orden del concierto): El trío de porteño Fútbol repasó las composiciones de su última placa, “Más bambino que nunca”, una lectura personal del rock progresivo y experimental de los 70’s (Invisible, King Crimson, Pappo
Blues) que se aleja de la clásica solemnidad con que suele abrevar en estas fuentes y le agrega una cuota de actitud punk y de humor (impecable “Madre”, con sus gritos a lo Billy Bond y esas guitarras crimsonianas previas a la etapa frippertrónica). Los locales Anti-Casper
presentaron su EP “Venado Tuerto” y se despacharon con un puñado de canciones rosagantes de frescura amateur, nacidas al calor del pavimento, composiciones que le dan una vuelta más al doble hélix del indie de los 90’s. Y por último (o en primer lugar) el rosarino Pablo Jacodo (a.k.a. Pol Nada), acompañado de Diego Campos en batería, Jose Maidagan en teclado y Eze Fructuoso en bajo, reversionaron con impronta rockera las canciones de “Queres estar solo”, un disco de folk
sensible con toques de electrónica IDM. Bajo el escenario se vibró el potencial de estas composiciones que transitan carriles más contemporáneos, allegados al neo folk americano (de norte a sur y viceversa) y la indietrónica. Tres propuestas refrescantes para esta primavera que ya nos cayó encima. Y si te perdiste el recital, no importa, puede escuchar, disfrutar y dar soporte a estos artistas acá (links).
MAS INFO http://polnada.bandcamp.com/ http://www.myspace.com/anticasper http://www.myspace.com/futbolenvivo
Los Arcangeles Aterrizaron En Cordoba Nota: Manuel Montali
Por un momento, mientras el histórico director de la Línea Aeropostal, monsieur Didier Daurat, vaciaba su escritorio ante su inminente reemplazo por un “mocoso” y el cierre de la compañía, aterrizaron en Córdoba sus pilotos, en lo que fue la gira de presentación, por primera vez en nuestro país, de “Los arcángeles, las cartas perdidas”. El espectáculo músico-teatral compuesto en Francia por los artistas argentinos Luis Rigou y Gerardo Di Giusto, sobrevoló el Atlántico para homenajear a la pionera compañía de aviación postal que en la década de 1930 desafió los cielos de tres continentes. Fue el pasado 24 de septiembren el Teatro del Libertador, con el acompañamiento del Coro del Seminario de Canto, donde el trío compuesto por Rigou en flautas y canto solista, Di Giusto en piano y Javier Estrella en batería y percusión, desplegó las alas de esta magistral obra conceptual que, pese a haber sido creada a fines de los ’90, jamás había tocado la tierra natal de sus autores.
Las cartas perdidas El escenario está a oscuras y apenas si un velador brilla sobre un escritorio casi vacío. Es entonces que el actor que interpreta a Daurat, en sus últimos momentos como director de la agonizante Línea Aeropostal francesa, aparece con una caja de cartas, cartas perdidas de pilotos que nunca llegaron al destino donde ellas los esperaban, misivas que guardan la memoria de verdaderos colosos del aire
como Antoine de Saint Exupèry y, por supuesto, el arcángel Jean Mermoz, entre otros aviadores que hicieron real ese temerario sueño de unir Europa con América, al mando de precarias naves que desaparecieron con la mitad de ellos. El tono grave del actor de turno, leyendo la primera de estas cartas ficticias con las que se repasa la epopeya de la línea aeropostal durante los años ’30, marca el comienzo de un espectáculo en
el que se alternan con perfecta armonía los segmentos dramáticos y musicales. La primera canción de la obra conceptual, la baguala “Noche Serena” ejecutada por el trío y el coro, es suficiente para confirmar una estructura compositiva-literaria puesta de manifiesto por talentos excepcionales. La voz de Rigou y los sonidos de flautas, sicus, erke, entre otros instrumentos que lleva a escena con la pasión de un front-man, la
hacen desfilar los caminos y cielos de Mendoza, Buenos Aires, Bahía Blanca y la Patagonia, muestran el carácter doble de esta obra de eximios pasajes musicales y textos que tienen su cumbre en una descripción de la “Baires” de arrabal, digna de los compadres de Borges y las aguafuertes de Arlt, y aún más en la lectura de la carta con que se informa sobre la danza de las manos de Di Giusto muerte de Mermoz, irremediable caída del mejor piloto, que marcó sobre el piano, los variados ritmos, el epílogo de la línea aeropostal. matices y pasajes de Estrella, En las provincias de Córdoba el cuidadoso acompañamiento y Buenos Aires, miles de destinado al Coro y los monólogos espectadores pudieron deleitarse actorales, elevaron las tablas con el inusual privilegio de de todos los teatros en que se asistir al “debut” nacional de presentaron a lo largo de esta gira una obra de larga trayectoria en “premiere”, conduciéndolos hacia tierras europeas, un espectáculo el firmamento donde albatros para rumiar largo rato sobre la y cóndores se rindieron a la abnegación extrema de quienes majestuosidad de los arcángeles. dieron su vida bajo los preceptos Zamba, chacarera, baguala, tango, de Daurat, a saber, que “no hay milonga, entre otros ritmos que nada ni nadie más importante que
las cartas a tiempo y a destino” y que “el correo debe llegar a tiempo caiga quien caiga”. ¿Por qué en tiempos en que era tan difícil comunicarse había personas que daban su vida en dicho cometido, mientras que ahora que contamos con tantos medios a disposición, queda tan poco por decir?, es la pregunta latente hacia el final de la obra. “Ya sé que me espera la muerte al final, pero que no me alcance el destino, sólo me encuentro en mitad del camino”, gritaron los arcángeles sobre las tablas del Libertador, escenario etéreo de un vuelo de altura que, a casi cien años de las primeras gestas entre Europa y América, emuló y homenajeó a estos poetas del aire. Tal como el exhorto final del personaje de Daurat al público, “luchemos todos juntos
para defender los sueños, ¡para defender al hombre libre! Que si no el mundo va a terminar por parecerse una pesadilla tecnocrática como la de ellos, ¡esos funcionarios y ministros que me echan como a un perro sarnoso y nos hunden la línea desde sus escritorios de Paris! ¿Será ese el futuro? Entonces los hombres no se escribirán más cartas. En ese caso estamos de más; los hombres de coraje, de tenacidad, los ‘sembradores del cielo’ como diría Saint Exupéry. ¡Los Arcángeles! ¡Terminamos la misión!”.
MAS INFO http://arcangeles.free.fr/
OCTUBRE 2011
LOBO SUELTO