Noviembre 2011 - Nﾂｺ 21
LOBO SUELTO CHARLY GARCIA HOMENAJE OPETH ZONA METAL BOY GEORGE OLVIDADO RESCATADO ARTEGRAFITTI
SOCIALES
FREDDIE MERCURY: 20 Aﾃ前S DESPUES
SHOWS:
GUNS N ROSES + CALLE 13 + DEEP PURPLE + EL CICLON + LOS ARCANGELES
LOBO SUELTO
Lobo Suelto Revista Digital
Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Ariel Britos Eugenia Ceballos Guido Cambareri Manuel Montali CC. Ivana Lorenzo Emanuel Sanabria Martín Ghisio Fotografía: Lila Martínez CC. Nicolás Rojas
STAFF
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INDICE 6 8 14 18
Editorial
20 años sin Mercury
who wants to be Freddy Boy George
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Charly García
Zona Metal: Opeth
El arte GRAFFITI
Back to the show Guns N Roses - Calle 13 - Deep Purple - El Ciclón
Editorial Y para bien o para mal nos acercamos una vez más a fin de año, y en este Noviembre del 2011 Lobo Suelto cumple 2 años! Si miramos hacia atrás por sobre nuestros hombros, no tan lejos, pasó otro mundial sin pena ni gloria, Obama se ganó un premio Novel, terremotos e inundaciones sacudieron varios puntos del plantea, se murió un ex presidente, nos asustaron con la gripe A y luego con el dengue, se aprobó el matrimonio igualitario, las grandes potencias entraron en crisis muchas de las mejores bandas
internacionales pisaron suelo argentino e incluso cordobés, se nos fueron entre otros la Mecha Sosa, Fernando peña, Sandro, Mario Benedetti y Cerati entró en un sueño constante. Y ya lo habrá dicho un tango, que veinte años no es nada, menos lo son dos, pero quienes hacemos Lobo Suelto podemos afirmar totalmente lo contrario. También lo pueden decir ustedes, que nos vieron ir y venir, dar vueltas y crecer, cambiar de colores y de forma durante este tiempo y siguieron allí detrás del monitor,
presentes, alimentando nuestras ganas de seguir progresando y ofreciéndoles lo mejor de nosotros, haciendo que el Lobo Suelto crezca cada vez más y a ustedes les den ganas de atraparlo. Disfruten de la edición aniversario!
homenaje
“No voy a ser una estrella, voy a ser una leyenda”
20 aÑos SIN FREDDIE MERCURY
Nota: Ariel Britos
A 20 años de su muerte, repasamos su legado y los aspectos más desconocidos de la vida de uno de los artistas más brillantes del siglo XX. Fueron días convulsionados aquellos de noviembre de 1991, en los que el mundo quedó estupefacto cuando mediante un comunicado, el día 22 de aquel mes Farrokh Bulsara, conocido mundialmente como Freddie Mercury confirmaba que era portador del virus del SIDA. Era algo que se sospechaba desde hacía años, pero que nunca salió ala luz por el hermetismo que siempre giró en torno al líder de Queen. Sin tiempo de asimilar la noticia, dos días después, el 24 de noviembre fallece en su casa a los 45 años.
Su infancia y juventud Freddie nació en Zanzíbar, Tanzania el 5 de septiembre de 1946, en su adolescencia formó parte de la banda musical oficial del colegio tocando el piano y ya demostraba una aptitud fuera de lo común. En 1963 abandona Zanzíbar para mudarse a Middlesex, Inglaterra, donde empezaría a estudiar arte y Diseño Gráfico. Allí para costear sus estudios trabajó de vendedor de ropa en un hipermercado y hasta en el aeropuerto de Heathrow, en Londres. En 1970 llegaría el momento que le cambiaría la vida: conocer al guitarrista Brian May y al baterista Roger Taylor para formar lo que sería Queen junto al bajista John Deacon. De ahí en más todo es historia conocida.
Sus amores A pesar de ser homosexual, el gran amor de Freddie fue una mujer a quien conoció a través de Brian May. Ella era Mary Austin, quien pasaba como la pareja oficial de Freddie en los primeros años de Queen, hasta que el la abandonó por un directivo de Elektra récords que lo llevó a blanquear su condición. Aún así, ellos nunca se separaron, siguieron viviendo juntos tanto cuando Freddie era
Queen en la Argentina en los 80 un desconocido, como cuando se convirtió en mega estrella del rock. Mary se transformó en alguien tan importante en la vida de Freddie que la nombró secretaria del staff de la banda y siguieron viviendo en la misma casa a pesar de las parejas tanto de él como las
de ella. Fue precisamente ella la última persona que vio con vida a Freddie y relató asi sus últimos momentos: “La calidad de su vida había cambiado tan dramáticamente y sufría más dolor cada día. Estaba perdiendo la visión. Su cuerpo cada vez más débil, al tiempo que sufría
pequeños espasmos. Era tan angustioso verle deteriorarse de esa forma. Un día decidió que ya era bastante y abandonó todas las ayudas médicas que le mantenían con vida. Simplemente dejó actuar a la naturaleza. Lo sobrecogedor para mi fue su increíble valentía. Miró a la muerte a la cara y dijo ‘está bien, lo aceptaré, me iré ahora’ Pero fue algo tranquilo y murió con una sonrisa en su cara” Luego de su muerte, Freddie además de dejarle gran parte de su fortuna y la mansión de Garden Lodge en la que vivieron durante años, le encargó a ella el destino de sus cenizas, y que jamás lo revelara. “Love of my life” fue lógicamente la canción que Mercury escribió para inmortalizar su amor por ella. Kenny Everett fue otro de los amores de Freddie durante casi
una década, y quizás la relación que lo llevó a la muerte ¿Porqué? Everett llevaba una relación paralela durante los primeros años 80 con un soldado ruso que estaba infectado de una por entonces desconocida enfermedad. En 1987 a pesar de ya haber terminado con Mercury, a Kenny se le diagnostica que era portador del virus del SIDA. Esto preocupó mucho a Freddie, y corrió a hacerse los análisis que como ya sabemos, le dieron positivo. Mary contó que fue la primer persona a la cual Freddie le confió el duro trance que le tocaba atravesar, en abril de ese 1987. Everett también terminó vencido por la enfermedad y finalmente falleció en abril de 1995. Su último gran amor fue Jim Hutton, un peluquero irlandés
que fue su última pareja estable conocida. Hutton cuando conoció a Mercury no tenía ni la más pálida idea de quien era y eso acabó por conquistar el corazón del vocalista, quien luego de su muerte le dejó 500000 libras esterlinas y un terreno en Irlanda para que
construyera su casa en la que vivió hasta su muerte el primer día del año 2010, también a causa de complicaciones derivadas del HIV. Hutton escribió un libro en 1994 titulado: ”Mercury and me”, en donde cuenta su vida junto al ídolo.
El último concierto Las entradas para el recital de cierre de la gira “Magic tour”, que respaldaba el disco “A kind of magic” volaron en apenas dos horas. Sin saberlo, esas 120 mil personas que compraron su ticket estarían asistiendo ese sábado 9 de agosto de 1986 en Knebworth a lo que sería el último concierto de una de las bandas más importantes de la historia del rock. La banda por supuesto tampoco lo sabía, pensaban que era un cierre de gira como cualquier otro. Cuando se le consulta a los miembros porqué no hay un registro de aquel monstruoso recital, que a la postre resultaría el último con Freddie, contestan con resignación: “Porque a nadie se le ocurrió conectar una grabadora al video-wall”.
En 1989 sale un nuevo disco ala luz “The miracle” y todos podían esperaban el regreso de Queen a los escenarios, pero no. La banda anunció que no habría gira mundial sin explicar los motivos de tal decisión. La verdad era que la enfermedad había ya estaba haciendo estragos en Mercury, se sentía cansado, dolorido y su aspecto se desmejoraba cada vez más, era una irresponsabilidad exponerlo al ajetreo que demandaría una gira mundial. El título del álbum revela que el vocalista aún era optimista en cuanto al posible desenlace de su enfermedad, sus letras eran positivas y esperaba confiado el “milagro” de la recuperación. “Innuendo”: la obra final En 1991 Freddie Mercury perdió toda la esperanza que vislumbraba
en su disco anterior. Su salud se deterioraba día tras día y resignado, sabía que sus días estaban contados, por eso quiso plasmar en un disco (que sabía que sería el último) todas las sensaciones y testimonios que puede experimentar un hombre que se sabe condenado a muerte. En este contexto, surgió el épico e inolvidable “Innuendo”. “Lo enfrentaré con una sonrisa, nunca estoy cediendo, Por dentro mi corazón se está rompiendo, mi maquillaje puede estar descascarándose, pero mi sonrisa aún está”. Así reza una línea de “The show must go on”. “Delilah” es una oda hacia su gatita, otro de sus amores que lo acompañó hasta el final: “Dalila, Dalila, huy, huy, huy, eres irresistible, me haces sonreír cuando estoy a punto de llorar.
Me das esperanza, me haces reír, me haces tan feliz cuando te acurrucas y te duermes a mi lado y entonces me haces enfadar un poquito cuando te meas en mis Suite Chippendale” “These are days of our lives”, es otro himno ala vida que dice: “No puedes retroceder el reloj, no puedes retroceder la marea, ¿no es eso una pena?”. Presagiando el inminente final, este fue el último video que grabó la banda un par de meses antes del desenlace y cada estrofa, cada palabra, de esa apacible canción parece golpearte el corazón, mientras Freddie con los ojos más expresivos que nunca a pesar de su aspecto pálido y desmejorado parece estar diciéndote: “Viste que tenía razón?, no fui una estrella. Soy y seré para siempre una leyenda”.
o t s t n a w ? o e h i w fredd be Nota: Manuel Montali
Muchos son los que a lo largo del tiempo y del espacio han hecho a las veces de Freddie Mercury, la mayoría sirviendo apenas para inmolarse y así demostrar el carácter casi inimitable de la destreza vocal del fallecido cantante de Queen. Ya en el Tributo a Freddie (1992) se pudo ver en la piel de tipos como Paul Young, Seal, Zucchero o Elthon John, que quienes osaran llenar ese hueco no la tendrían fácil. Pero hay unas raras excepciones en que los vocalistas no desentonaron, y por ello he aquí una lista de covers de algunos de los que salieron ilesos y no fracasaron en el intento de ser por un rato el gran Freddie.
En primer término, cabe mencionar a George Michael interpretando el viejo clásico de “Somebody To Love”. Puesta en escena por primera vez en el tributo a Freddie y con posteriores interpretaciones en que también lo acompañaron los restantes miembros de Queen, esta versión es sin dudas una de las mejores que se hicieron. Alguna vez se rumoreó que el ex Wham estuvo en carpeta como posible reemplazante de Mercury. A juzgar por esta versión, con un registro vocal capaz de rascar hasta las notas más altas de una garganta humana, mal no hubiera sonado.
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2 En algún que otro concierto, los Guns N’ Roses se dieron el lujo de esbozar fragmentos de “Sail Away Sweet Sister”. En muchas más oportunidades, Axl Rose confesó que no hubiera llegado a la música de no ser por “A night at the opera”. También en el Tributo a Freddie puso la voz para Bohemian Rhapsody y We Will Rock You. Pese a marcar un contraste entre potencia y delicadeza vocal, siempre salió bien parado.
El Garage Inc. de Metallica tiene en el cover de Stone Cold Crazy y la garganta rasposa de James Hetfield un homenaje que cabe recordar. El considerado primer trash metal de toda la historia aparece en este caso en un formato ajustado al original, es decir, dos minutos de pura furia
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En 1991 vio la luz un aberrante “Tributo a Queen” por “Los grandes del rock en español”. Dejando de lado que de los 14 artistas que participaron sólo 3 podían cargar el mote de “grandes” -Fito Páez, Soda Stereo y Molotov-, la calidad de este disco llevaría a Freddie a una segunda muerte por “patatús” de ocurrírsele resucitar. No obstante, las versiones de la tríada arriba mencionada se salvan del inaudible material, sobresaliendo “Algún Día” (Some Day, One Day) de Soda Stereo, por encima de “Se fue, se fue” (All dead, all dead) del declarado enemigo de la mitad de Buenos Aires y la irreverente Rap-Soda Bohemia de los mejicanos (aunque dudo que la mayoría de los fans de Queen coincidan con esta última).
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Otro de los nombres que circularon antes de que el tan mentado regreso de Queen (si caemos en el sacrilegio de llamar así a la banda post Freddie) se hiciese real a partir de la incorporación de Paul Rodgers, fue el de Robbie Williams. La versión de We Are The Champions para la película “A Knight’s Tale” dejó bien perfilado al ex Take That, aunque al final toda especulación de su reemplazo de Mercury quedó en simple cotilleo.
Bonus Track: Lo sé, la conjunción Five-Queen amenaza con echar por tierra cualquier atisbo de seriedad y el potencial lector ya está pensando “este tipo es un idiota”. Never the less, entre la innumerable cantidad de versiones de “We Will Rock You”, la recreación “moderna” de este clásico por uno de los tantos rejuntes de carilindos que surgieron en los ’90 es algo interesante y merece al menos un lugar en el purgatorio. Aunque, cabe decirlo, los admiradores de Queen hubiésemos preferido no ver a Brian May y Roger Taylor participando de este tributo.
Nota: Ariel Britos
olvidados rescatados Lo último que supimos de él no fue por razones musicales, pero bien sirve traer a colación que fue uno de los artistas más brillantes y estrafalarios de las últimas décadas del siglo XX.
BOY GEORGE
Boy George nacido en 1961 en Gran Bretaña bajo el nombre de George O Dowd revolucionó todo lo conocido allá por principios de los 80s con su banda Culture Club, que mezclaba elementos del reggae y el soul con los sonidos imperantes por entonces como el New Romantic-New wave, postpunk, nacidos precisamente en Inglaterra que luego se diseminaron por todo el mundo gracias a Depeche Mode o Duran Duran. Culture Club también aportaría su granito de arena para ello.
Empezaron tímidamente en 1982 con el disco “Kissing to be clever” que tuvo dos singles que pasaron inadvertidos, pero ya en el tercero llegaron al número uno de todas las listas, esa canción era: “Do you really want to hurt me?”. Culture Club empezaba a estar en boca de todos, en parte también al extrañísimo look andrógino de Boy¿Qué era? ¿Un hombre o una mujer? Con el éxito llegaron los escándalos. No pasaría mucho tiempo para reconocer abiertamente su homosexualidad y sus traumas de la niñez: “Era inseguro con respecto a mi cuerpo, la clase de chico que evita las playas, los gimnasios y los baños comunales. Tenía brazos y piernas cortas y un trasero gordo”. Supo declarar en una de sus primeras entrevistas
Luego de la continuación del éxito con “Charma Kameleon”, extraído de su disco siguiente, Boy George era el niño mimado de los medios, y principal compositor de las letras de Culture Club, todas auto referenciales, convirtiendo al resto de la banda casi en músicos sesionistas.
En el momento de mayor éxito de la banda, estaba todo mal entre los músicos y Boy, excepto con uno, que luego resultaría ser decisivo en la disolución de la banda. El baterista Jon Moss, quien era un hombre casado y empezó un tórrido romance con el vocalista. Una
relación enfermiza que derivó en escándalos de proporciones: Boy sufrió mucho porque realmente estaba enamorado de él y sumado a sus inseguridades cayó en el peor de los abismos: la heroína. “Mi profunda inseguridad dio a Jon un poder increíble sobre mí” aseguró. Moss se separó de su mujer y la banda cayó en un cono de sombras, su futuro era más incierto que nunca. Las letras de “Time (clock of your heart)” y “Victims” eran una clara referencia a los vaivenes de esa relación entre el baterista y el cantante. En 1986, la adicción de Boy ya era insostenible, dos amigos suyos aparecieron muertos en su casa por sobredosis de heroína y cocaína en cuestión de días, entre ellos el tecladista de Culture Club Michael Rudetsky. Mientras las causas judiciales en su contra aumentaban, su hermano lo vio
por televisión sin poder articular una frase y lo internó en un centro de rehabilitación. La reacción del músico fue de furia absoluta hacia su hermano y no volvió a dirigirle la palabra. Con todos estos líos era obvio que su disco “From Luxury to heartache”, no iba a alcanzar ni por asomo el éxito de sus predecesores, el final de la banda estaba escrito. Años después Boy logró superar momentáneamente sus adicciones y editó álbumes con dispar éxito, hasta que lo último que supimos de él no fue por razones musicales. En diciembre de 2008 fue encontrado culpable de privación ilegítima de la libertad en perjuicio de un taxi boy noruego al que mantuvo esposado y encadenado en su casa por días. Fue sentenciado a quince meses de prisión de las que sólo cumplió cuatro efectivamente y el resto lo
pagó con trabajos comunitarios. Perdió todo el glamour de sus años de gloria al vérselo calvo y excedido de peso limpiando parques mientras cumplía su condena. Boy George es el artista rescatado del mes en Lobo Suelto, ahora esperemos que se rescate él y vuelva a ser noticia por lo que mejor sabe hacer: crear música.
Nota: Eugenia Ceballos
Que no se hable mas, feliz Cumple maestro! Así como Lobo Suelto cumple 2 añitos, el mes pasado Charly García cumplió 60, casi nada. Es el primogénito de 4 hijos, fruto de una familia porteña de buena posición. De las seis décadas de una vida siempre al límite, 4 son 1951. El 23 de octubre nace Carlos Alberto García, con solo decir Charly nadie puede dudar de quien estamos hablando.
de trayectoria. Quizás el más reconocido tecladista, guitarrista, cantante, compositor y productor del país. Ha marcado a más
de 3 generaciones de músicos argentinos, “dios y diablo a la vez”, el rock en primera persona.!
1956. Con solo 5 años lo inscribieron en el Conservatorio Thibaud Piazzini, donde estudió música clásica, interpretando obras de Bach, Mozart y Chopin.
1960. En la década lisérgica, Los Beatles marcan su camino musical, Charly descubre el Rock y deja atrás la música clásica para ya nunca abandonar esa ruta.
1962. A los 12 años se recibió de “Profesor de teoría y Solfeo”, alternando la primaria con el piano esbozó sus primeras melodías, ya no lo podían parar, la gran estrella estaba creciendo.
1972. Su debut discográfico fue participando en el primer disco de Raúl Porchetto, llamado “Cristo Rock”.
1972. Durante la secundaria Charly conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó el primer esbozo del legendario Sui Generis. Luego de varias deserciones Suí quedó reducido a un dúo llegando a grabar 3 inolvidables discos: “Vida”(1972), “Confesiones de Invierno” (1973) y “Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones”. Ese mismo año nace Miguel, el único hijo que el músico tuvo con María Rosa Yorio.
1972. Cuando Sui Géneris recién comenzaba con sus presentaciones, Charly recibió la llamada del servicio militar. Durante ese periodo escribe “Canción para mi muerte”, pero el sabía que un par de uniformes no lo iban a parar y las ganas de salir lo llevaron a cometer una de sus tantas locuras. Una tarde sacó a un muerto en una silla de ruedas al pasear al casino de oficiales, replicando que el señor estaba muy pálido, y pidió dos Coca-colas. Luego de el suceso lo declararon maníaco depresivo con personalidad esquizoide y fue dado de baja.
1975. Antes de la despedida de Sui Generis, Charly y Nito fueron secuestrados en Uruguay y golpeados por tocar “Botas Locas”, cuya letra mencionaba explícitamente a los milicos. El mismo año se vino la inminente separación del dúo, dieron dos conciertos ante más de 25 mil personas en el Luna Park.
1976. Graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto,León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio. También en 1976 se forma la máquina de hacer pájaros.
1977. En una suerte de exilio se fue a Búzios junto con Oscar Moro y su novia Zoca. Poco tiempo después invitó también a David Lebón, con quien formarían Serú Girán, agregando al bajista Pedro Aznar como cuarto miembro del grupo.
1978. Se creó Serú Girán, “los Beatles argentinos” alguien dijo por ahí. Serú editó cinco discos: Serú Girán (1978), La Grasa de las Capitales (1979), Bicicleta (1980), Peperina (1981) y No llores por mí, Argentina (1982).
1982. Comienza oficialmente su carrera como solista, graba Pubis angelical y Yendo de la cama al living.
1983. Luego de desnudarse en pleno recital en Mendoza y de causar destrozos en el hotel la cana lo fu é a buscar, un policía golpeó la puerta de la habitación donde se encontraba y le dijo: “¡Abra: soy policía!”, a lo que Charly respondió: “¿Y yo qué culpa tengo de que usted no haya estudiado?”.
1994. En medio de una de las décadas más mentirosas nace una curiosa y polémica amistad. Charly le entrega un brazalete de Say No More al ex presidente Menem en la quinta de Olivos.
2002. Otra vez la provincia del buen vino es escenario del acto más desquiciado del ídolo del rock. Después de haber tocado gratis junto a Mercedes Sosa, Charly protagonizó un cinematográfico clavado a una pileta desde el noveno piso de un hotel.
2006. El 23 de octubre para festejar su cumpleaños número 55, el músico dio una serie de conciertos en el teatro Gran Rex en los que la gente podía escucharlo sólo con auriculares.
2008. El 9 de Julio fue internado en el Policlínico de Cuyo, donde se le diagnosticó neupsiquiátrica, luego de un episodio dramático causando destrozos dentro del hotel en el que se hospedaba. El 21 de octubre del mismo año fue trasladado a la quinta de Palito Ortega para comenzar una rehabilitación. Donde festejó su cumpleaños numero 57.
2011. El 17 de Octubre dio el primer recital de una serie de tres shows que planeó para este año. Fue en el Gran Rex bajo el título La Vanguardia es así. Dos días después, brindó el segundo concierto, Detrás de las paredes, con los viejos temas de fogón. El cierre fue el
ZONA metal - OPETH
la oscura melancolia de miles de melodias armonicas y destructivas
Los metaleros oriundos de Estocolmo obtuvieron un lugar importante en el mundo del Death Metal Progresivo, y hoy, con su Ăşltimo disco, pareciera que buscan dar un giro hacia el rock progresivo en estado puro. En esta nueva secciĂłn heavy de Lobo Suelto repasaremos la historia discogrĂĄfica y el presente de Opeth, una banda distinguida en el mundo del metal de culto.
cantante Mikael Åkerfeldt. Su formación se remonta al año 1990, cuando el vocalista David Un libro escrito por Wilbur Smith Isberg convoca a Åkerfeldt a llamado “Opet”, cuyo significado formar parte del proyecto como es “ciudad de la luna” fue el bajista, lo que provocó que los motivador para el nombre de integrantes que ya estaban se la banda, quienes agregaron alejaran disgustados al no ser la h, no por un homenaje a la avisados con anticipación. Así fue H de Hermética, sino por la que Isberg quedó como cantante pronunciación en Inglés y el y Mikael como guitarrista, junto a sentido estético que se logra. Considerados por muchos críticos otros miembros invitados por él, como los Pink Floyd del metal, por algunos de los cuales participaron en su anterior banda Eruption. su lado progresivo, la oscuridad y la magia que hay en sus letras y su En 1992, momento en el que ya habían pasado varios músicos excelencia en las composiciones, más, Isberg deja la banda, dejando Opeth es una banda totalmente a Åkerfeldt como vocalista, especial, original e innovadora, por sus mezclas rock con el death además de guitarrista. Actualmente la banda está metal y sus pasos continuos de conformada por Mikael, Fredrik la distorsión frenética con voces Åkesson (ex Arch Enemy), Martín guturales monstruosas, a las Méndez de Uruguay en el bajo, bellas melodías acompañadas de Martín “Axe” Axenrot en la teclados celestiales, y una voz batería y el nuevo tecladista que armónica, casi romanticona, del Nota: Marina Miguel
reemplazó al genial Per Wiberg, Joakim Svalberg. Sus obras Orchid es su primer álbum, grabado con el sello Candlelight Recors en 1994, y fue lanzado un año después. Morningrise es el siguiente, lanzado en 1996, y contiene una de las pistas más largas del grupo: “Black Rose Immortal”, que dura veinte minutos. En My Arms, your Hearse, el tercer disco lanzado en 1998, se agrega a la banda el uruguayo Martín Méndez, y en esta placa se produce un cambio en el estilo de las letras, encontrando canciones de menor duración, siendo más oscuro que los anteriores y el que los lleva a incursionar por el Death metal. My Arms, your Hearse es considerado el álbum conceptual de Opeth, además de Still Life, de 1998, su cuarto
álbum que trata de un cuento de amor entre un hombre y una mujer llamada Melinda, a la que busca tras volver del exilio. Aquí lograron experimentar con el dinamismo de los elementos oscuros del Death y los sonidos acústicos y limpios. Blackwater Park, el quinto álbum del año 2001 logró obtener numerosas críticas exitosas y los lanzó a la fama comercial. Y en el 2002 lanzaron Deliverance, bajo el sello Music For Nations. En este disco hay canciones muy pesadas, y continúan experimentando con los cambios en los tiempos. Un disco totalmente de rock progresivo es Damnation, su séptimo álbum que no contiene elementos del death. Éste junto con Deliverance fueron trabajos dedicados a la abuela de Mikael, quien falleció durante las grabaciones en un accidente automovilístico.
En materia de DVDs, Opeth lanzó en el año 2004 la excelente obra Lamentations (Live at Shepherd´s Bush Empire 2003) hecho en Londres, Inglaterra. Este fue un concierto que se hizo en dos partes: una en la que se tocó todo el Damnation más “Harvest” de Blackwater Park, y en la otra se hicieron los temas más pesados del Blackwater y de Deliverance. Además, el dvd tiene un documental sobre las grabaciones de los dos últimos álbumes hasta ese momento. En el 2005 Opeth se mete a grabar lo que sería Ghost Reveries, un disco lanzado por el sello Roadrunner Records, el 30 de agosto de ese año, y debido a
los sucesivos ataques de pánico de Martín López, el baterista de ese momento, se cancelaron muchas giras, y en otras fue reemplazado por su asistente en varias oportunidades. Hasta que el 12 de mayo del 2006 López deja la banda oficialmente y es reemplazado por Martín “Axe”. El seis de septiembre del 2006, Dave Mustaine de Megadeth comenzó la gira Gigantour, en Boise, Idaho y terminó el 8 de octubre de ese mismo año en Orlando, Florida. Opeth formó parte de ésta junto a Lamb of God,
Arch Enemy y Overkill. Otro álbum en vivo fue lanzado en el 2007, titulado The Roundhouse Tapes. Y en el 2008 Watershed se convierte en el noveno disco de estudio. Para conmemorar sus veinte años el 20 de septiembre del 2010, Opeth saca a la venta otro dvd en vivo llamado In Live Concert At The Royal Albert Hall, que contiene el Blackwater Park completo en la primera parte, y en la segunda, un repaso por su discografía. Heritage: ¿Un salto hacia otro rumbo? El 13 de septiembre de este año los suecos lanzaron su último disco para Europa, y el 15 del mismo mes para el resto del mundo. Heritage es totalmente distinto a sus discos anteriores, dando un giro hacia el rock netamente progresivo y el hard rock. Incluso
rinden homenaje a Ronnie James Dio con el tema “Slither”. Como todo cambio, a veces es bien recibido y otras no, y muchos de sus seguidores netamente metaleros, fans del Death, odian la placa. Así y todo, el disco logró vender diecinueve mil copias en sólo una semana en Estados Unidos. Åkerfeldt ha declarado que hacía mucho tiempo que quería realizar algo como este disco, y dijo al respecto: “Es bastante intenso a veces de una manera antigua y algo turbia, y otras bastante bonita y escueta. Es obvio que voy a decir cosas bonitas del disco, ya que compuse todo, pero supongo que hará levantar algunas cejas, y ciertamente es algo que se le irá ganando el gusto con el tiempo”.
SOCIALES
DICE EL ARTE...
QUE LAS PAREDES
HABLAN
Nota: Constanza Gamond María Eugenia Lunad Rocha
Graffiti, hip hop, pared, aerosol, skate, pintar, calle. Palabras que se insertan en una cultura que está emergiendo en Córdoba y que se visualiza en las paredes. Y en la ciudad se dispone una galería de arte que expone sus mejores obras y donde lo público se hace, en esencia, verdaderamente público. En definitiva, muralista y graffitero cuentan y muestran a vivo color lo que son y la manera que eligen para transmitir y compartir su talento.
SEGUÍ AL ARTE! Mariano Fernández, muralista: http://cordobagraffiti.com.ar Esteban Loeschbor, graffitero: http://www.principez.com.ar http://www.misbocetos.com.ar
La propuesta de arte urbano viene impregnada de creatividad, espontaneidad, ganas, incertidumbre, ingenio, preparación. La cosa es así. Si hay una idea y ganas de llevarla a cabo ya está dado el primer paso. Requiere preparación: los materiales necesarios, sean aerosoles, pintura, pintura acrílica, látex. La idea va tomando forma. Encontrar una pared tiene algo de estratégico y audacia para esquivar fisgones. Todo puede pasar, y el vértigo siempre latente por hacer algo que no está prohibido pero tampoco permitido. Mejor que cuenten los que saben. “Los primeros graffitis de Córdoba los hice yo”, comenta Esteban Loeschbor graffitero. Y como pionero de este espacio se confiesa: “Uno no sabía nada de técnica, no sabía que se podían cambiar los picos de los
aerosoles, no sabía diferencias entre látex, sintético ni que el aerosol estaba relleno de sintético, no sabía nada. Sabía que si apretaba salía pintura”. En Chile conoció el graffiti. “No existía en mi cabeza la idea de un dibujo en
una pared mas que esas pintadas de talleres, etc. Siempre dibujé y al ver eso empecé”, resume así sus comienzos. Por su parte, Mariano Fernández, de vocación y profesión muralista, cuenta: “Empecé pintando
con un estilo de graffiti muy americano, de letras, son las letras casi ilegibles con muchos efectos de colores, sombras y de iluminación”. Viene del diseño gráfico y logró articularlo con
esta nueva “forma de ofrecer un nuevo formato tanto para un local, un boliche o cualquier otro espacio, porque sirve como algo decorativo y es un formato grande que acá no estaba explotado”. No
estaba explotado, pero ahora si o mas o menos. El arte urbano surge a principios de los 70 junto con la cultura del Hip Hop, su música, baile (break dance) y pintura (el graffiti). Diferentes formas de expresión que se experimentan en la calle. Luego se sumaron el rap, el skate o los rollers. Manifestaciones que se caminan y se absorben saliendo al barrio. En nuestra Córdoba los barrios más pintados son Güemes y Observatorio, tradicionales y bohemios. Y como esta es una disciplina que está emergiendo se visualiza poco. “No están pintadas las calles de Córdoba. No hay pintura. Mas allá de lo que nosotros pintamos. Yo conozco a todos lo que pintan y no puede ser que yo los conozca a todos”, protesta Mariano. Y tiene la ilusión de poder ver la obra de alguien
pintada en la pared y desconocer su autor. Pero como en todos los comienzos hay mucho por hacer y proyectar y lo imprevisible también forma parte de esta cultura artística. Prever y no prever Hay imprevistos que no sorprenden. Una requisa policial por pintar las paredes en la vía pública es lo más usual. Cuando Esteban comenzó salía de noche y caminaba hasta encontrar una pared. “Uno sabía que estaba echando moco, estás pintando algo que no es tuyo y cualquiera te puede denunciar”, reconoce. Al respecto, Mariano detalla que “cuanto más preparado te vayas a una pared menos te van a molestar los policías o el guardia de seguridad”. Se refiere a equiparse lo más posible con los elementos que se requieran para
pintar: aerosol, pintura, rodillo. “No podés esperar que tu obra esté intacta por mucho tiempo porque es pintura en la calle y la calle es de cualquiera”, define el muralista sobre lo imposible de prever en esta actividad que une lo
espontáneo con lo compartido por todos. “Cualquiera puede pasar y pintarlo arriba o rayarlo”, sintetiza. Lo clandestino, desde el momento en que se muestra, deja de serlo. Y, cuenta Mariano, que la cultura del mural está bien aceptada ya
que está vinculada a la cuestión artística, no delictiva. “Imaginate yo dejo el número de teléfono, me pueden llamar. Tampoco somos tan vándalos como para ir a pintar un lugar público o a una casa que moleste”, aclara. Para qué pintar graffitis o murales A Esteban una anécdota de la infancia le dejó como saldo su seudónimo, PESK, de espíritu inquieto y curioso declara que su filosofía de vida se resume en “escuchar buen Rap, sacar conclusiones de las cosas que te pasan y ser crítico con vos mismo”. Está terminando con la Tesis de la carrera de Diseño Industrial y evalúa en un dibujo que “las combinaciones de colores están bien hechas, si es expresivo o no, los volúmenes estén bien logrados, esté correctamente dibujado, la composición sea armónica. Pero, “no puedo decir
cómo tiene que ser para que me guste”, completa. Respecto a la función del graffiti, Esteban asegura que contribuye a “hacerle más amena la vida a la gente por el hecho de no estarle vendiendo nada a través de esa imagen”. Pero advierte: “Primero que me guste a mi, que yo esté satisfecho con lo que hago y después que se venda”. Respecto a la función del mural, Mariano lo interpreta como un “cuadro que está en la calle” y dadas sus dimensiones seducen, llaman la atención, gustan o disgustan. “Está bueno causar una sensación ya sea buena o mala en la gente que lo ve. Antes era una pared blanca, vos le das mucho mas significado si tiene algo”, plantea este muralista que firma como SEAT UNO, el sentido puesto en lo que dibuja y pinta, no en el
seudónimo. Pintar exige, sin duda, cierta destreza pero además ¿hay algo que se pretende transmitir y la calle auspicia? Hay un mensaje que va más allá de la intención de querer decir algo en una pared. Es decir, el mensaje se expresa en la propia actividad. “Es sacarte
las ganas de pintar. El proceso de pintar es lo que a uno lo reconforta y compartir con amigos”, dirá Mariano. Mientras que Esteban se cuestiona: “Para qué quiero transmitir exactamente lo que yo pienso, si puedo dejar que el otro
t k c a B
w o h S o the
Los Nuevos Guns N Roses En Cordoba Nota y fotos: Ariel Bristos
Como supìmos decir en notas anteriores la Gunsmanía no cesa, aún luego de 20 años de su momento de gloria y con sólo un integrante de la formación original, Guns N Roses sigue siendo una marca registrada que promete rock de calidad. Aunque de entrada no sabíamos con qué nos íbamos a encontrar, los antecedentes inmediatos de esta nueva formación no eran buenos por innumerables motivos.
desprolijidades, sumado a que la voz de Axl no parecía tampoco estar en condiciones, uno se preguntaba si valía la pena pagar una entrada que hacía doler nuestro bolsillo como nunca en ningún otro show del Orfeo. La sensación generalizada de El año pasado en Vélez, muchos se aquellos que crecimos escuchando a la banda que pateaba traseros quejaron de la mala organización en esos tempranos 90s era que del evento y el pésimo sonido. íbamos a “cumplir”, como para Entrando ya de lleno a los días decir “Vi a los Guns en Córdoba”, previos al show que darían en el que no es un hecho menor por ser Orfeo, las dudas se acrecentaron una provincia poco acostumbrada luego de la pésima performance a recibir bandas monstruo en sus que ofrecieron en el Rock in Rio escenarios. Por ser una visita con un Axl Rose fastidioso e histórica, de esas que siempre se impuntual (el recital se demoró recuerdan en nuestra ciudad como tres horas y media) y para lo fue Metallica, era que todos completar el papelón, el vocalista los que crecimos con la música se olvidó la letra de nada más ni de Axl, Slash, Duff y compañía nada menos que November Rain. era que queríamos estar ahí más allá de quienes ahora sean los Después de notar todas estas
ciudad de turno un par de horas antes de cada recital y quedarse en su camarín hasta la hora que se le ocurra salir a cantar, en ese sentido Córdoba no fue la excepción y los organizadores del evento fueron precavidos postergando dos horas el inicio del show originalmente previsto para las 21 horas.
ocasionales partners de Mr. Rose. La ansiedad creció apenas unos días antes cuando desde La Plata y Rosario llegaban las noticias de que los shows fueron impactantes
y colmaron las expectativas de los presentes. Parecía que al impredecible Axl le sentaba bien nuestro país, más allá de las incontables excentricidades que traía consigo; como caer a la
Mientras el resto del staff de la banda, incluidos sus músicos bebían la noche previa en un bar del Buen Pastor, Axl llegó en avión privado y se dirigió al Orfeo cuando todos los que esperaban por el mitigaban la ansiedad escuchando las bandas soporte. Mientras tanto la pregunta del millón era a qué hora iba arrancar el show, los más pesimistas y exagerados no esperaban irse del Orfeo antes de las 5 am, pero como con Axl nunca se sabe,
nadie se animaba a refutarlos. Finalmente el retraso fue de sólo 49 minutos, Axl fue puntual si tomamos como referencia sus anteriores presentaciones. El espectáculo comenzó con algo inusual y bonito para un estadio cerrado. Explosiones y fuego en una pirotecnia estratégicamente utilizada, más los acordes de “Chinese democracy”, el tema homónimo del disco más demorado de la historia del rock, pero ojo, no todas eran rosas. A las 23:54, un desubicado, tiró cerveza al escenario y unas gotas salpicaron al vocalista que frenó el show en seco (al igual que nuestros corazones), llamó al traductor (como no podía ser de otra manera) y expresó: “No tiremos más mierda” y manifestó que tanto el, como la banda querían pasar un buen momento
con nosotros. Estaba de buen humor obviamente, si esto hubiera pasado 20 años atrás, probablemente se hubiera ido abruptamente del escenario sin dar explicaciones. Pero para nuestra tranquilidad, el
Uno de los momentos más emocionantes de la noche fue cuando alas 00:24 arrancaron los acordes de “Estranged”, una de las “larga duración” del doble “Use Your Illusion” que cumplió este año 20 años. El primer indicio de lo que sería una noche inolvidable. A la 01:24 Axl se sentó al piano y arrancó con la épica November Rain, interpretada de una manera inmejorable que luego de ocho minutos concluyó con chispas de fuego lanzadas hacia los cielos. La mejor versión de la canción que se hizo en toda la gira latinoamericana la disfrutamos los recital siguió y de la mejor manera, cordobeses con todos los clásicos que queríamos escuchar, y los mejores Otro punto a favor del memorable temas del disco que los tiene en recital es que no pusieron piloto gira desde hace tres años, como automático en las canciones, “Better”, “Sorry”, “This I love” o como parecía venir ocurriendo en “Madagascar”. los anteriores shows que venían dando por Latinoamérica. Cada
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clásico tuvo su momento emotivo y una manera única y especial de interpretarla. “Dont Cry” arrancó con el emotivo solo de guitarra de Bumblefoot que hizo derramar unas cuantas lágrimas.
Lo que podría tomarse como la única mancha o decepción de la noche fue la interpretación de una de las canciones gunners con más agite, esa que todos esperábamos mover las melenas y sentir que estábamos descargando todas
nuestras tensiones mientras durara. Esa canción era “You Could be mine”, la canción quilombera con un video ídem en la que en el final Slash se le hacía el maloso al propio Terminator, sonó casi sin ganas por parte de Axl, la cantó sin onda y entrecortada. Esperábamos más. Aunque, otro gran aspecto positivo de la noche fue que tanto Richard Fortus, DJ Ashba,y Bumblefoot (los tres guitarristas), más el bajista Tommy Stinson, el batero Frank Ferrer, y el tecladista Dizzy Reed, tuvieron su momento de la noche para lucirse, como solía realizarse con la banda original. Si desconfiábamos de la técnica de alguno de ellos, todos tuvieron su momento en solitario para demostrar su destreza. Finalmente luego de casi tres horas de recital, a las 02:38
empezaron a sonar los acordes de “Paradise City” entre pirotecnia, una lluvia de papelitos rojos y la bandera argentina en los videowalls que indicaban el final de una verdadera fiesta que no hubiésemos querido que no terminara más. Final para la segunda escala gunner del año en nuestra ciudad. En abril tuvimos a Slash y en Noviembre cerraremos con Duff en el Roxy. Aunque por separado, los cordobeses podremos decir que en el 2011 vimos a tres de los integrantes originales de aquella banda que cambió el rock duro para siempre.
Calle 13: Pa' Romper Con La Rutina Nota: EueniaCeballos Fotos: Fuente La Voz del Interior
tú” y “Vamo´a portarnos mal”, para agitar a las masas sedientas de calle. “¿Están vivos córdoba?”, fue el disparador para un muy buen dialogo con el público, que se mantuvo durante dos horas sobre el escenario. René introdujo cada después de lo pautado. Al finalizar canción y, como acostumbra, entre rimas, no se calló nada. la cuanta regresiva la bomba Para comenzar el despotrique explotó de pronto, sin decir una contra todo y todos Residente palabra dinamitando tres, de las dedicó “Ven y critícame”, que mas fiesteras, al hilo: “El baile de expresa: “para quienes critican sin los pobres”, “No hay nadie como
El sábado 29 de Octubre el Orfeo rebalsaba de gente para ver a una banda que hace pocos años se insertaba en el mercado de la música con una máscara de reggaetón. Muchos de quienes integraban un público de mas de 6 mil personas, quizás no hubieran dado crédito a los hermanos puertorriqueños cuando salió el hit ultra bailable Atrévete-te-te. Infiltrarse en el sistema y explotar desde adentro siempre fue el plan, y así se preparaba la bomba a base de sensaciones prontas a vivir mientras subía la adrenalina en todo el Orfeo 30 minutos
argumentos, solo para jodernos en especial los programas de farándula que no sirven para nada”. Banderas, remeras y corpiños comenzaron adornar el escenario que tenía como protagonistas a ocho músicos, más Residente, P.G-13 (Llaena Cabral) y el hombre de los mil instrumentos: Visitante. El torso desnudo de René sin nada escrito más que sus tatuajes, avivaba al público femenino y su lengua ponía a saltar, cantar y pensar a todo el Orfeo. Las canciones que siguieron fueron “Un beso de desayuno”, para que vean que el también escribe cosas bonitas y “Se vale to, to”, preparando el ambiente para lo que se venía. Sin dejar de apuntar en contra de ninguna institución, René reconoció a lucha de los estudiantes en Chile y Puerto
Rico, y repudió más de una vez la Ley 30 del presidente Santos en Colombia, “ustedes deben agradecer de tener educación gratuita” agregó, y detrás de ello se vino “Calma Pueblo”. “Si ustedes quieren saber quien
es el gobernador mas bruto de todos vallan a Puerto Rico”, decía el boricua en una de las tantas veces que emitió insultos contra Luis G. Fortuño, “soy de ese 5% que quiere a Puerto Rico libre y soberana”, asentaba.
El repertorio siguió, y mientras fluía el dialogo con el público en el momento donde más hervía la sangre, se nombró a Luciano Arruga, Mariano Ferreyra y Facundo Cabral, y comenzó a sonar “La Bala”, “El Hormiguero” y “La perla”, en homenaje a todos los barrios del sur del continente, le siguieron “Chulin culin cunflai” y la versión más power de “Suave”. Constantemente Residente pedía al público que “brincara”
y aprovechaba para remarcar (como si hiciera falta) su rechazo a Norteamérica, aludiendo a frases como “¡a brincar que no estamos en EE.UU cabrones!” o “el que no brinca es amigo de George Bush”. También recalcó que él estudió en Estados Unidos argumentando: “si ellos tienen cuatro bases militares en mi país, lo menos que puedo hacer es sacarles educación”. Los tres hermanastros y la banda abandonaron el escenario para encender aún mas las ganas
de bailar e irradiar energía del público, haciéndose rogar solo un ratito para volver a las tablas y terminar con lo que habían empezado. Partir para volver con todo fue la consigna y en esta nueva salida se destacó la voz y presencia de PG-13, quien no sale en los videos de la banda pero tiene una figura indispensable arriba del escenario. Le siguieron “Pa´l norte”, “El baile de los aburridos”, “El tango del pecado” y “El tema fresa” según
René, “Muerte en Hawaii”. La noche en Av. Cardeñosa llegaba a su fin, y como debe ser se venía lo mejor para el final. La canción preferida de René, esa que escribió según sus palabras: “cuando salí de mi país y me enamoré del continente latinoamericano”, sin dudas comenzaba a sonar “Latinoamérica”, y realmente al que no se le puso la piel de gallina es un yanquee. Para terminar bien arriba, coreado por todo el estadio dividido antes entre hombres y mujeres por quien cantaba arriba del escenario, sólo para volver a unir las voces y exigir que no exista la diferencia entre géneros, sonó “Fiesta de locos”, finalizando un show que sin dudas era para pasarse las dos horas enteras delirando en el campo.
Lo que no se supone Como suele pasar en esa locación el sonido del Orfeo Superdomo no fue de lo mejor. Para variar una de las pantallas gigantes anduvo mal durante un largo rato. Por otra parte, muchos bancamos y sabemos que vale la pena pagar una entrada para ver a Calle 13, pero si se jactan de que su disquera es la gente, y son la voz del pueblo, ¿les parece bien cobrar una entrada de $300? De mas está decir que el Orfeo estaba lleno de un publico heterogéneo tirando a cheto.
Pero Si Estas Igual! Deep Purple Paso por Cordoba Nota: Ivana Lorenzo Fotos: Nicolas Rojas
Los muchachos de Deep Purple se redimieron anoche en el Orfeo, y lejos quedó el mal recuerdo de aquel fallido show en Cosquín rock. Todo el repertorio, o la mayor parte, se basó en el disco Machine head (1972), entre otros. Ian Gillan transpiro la camiseta y se cantó todo, claro los años pasan y el lógico que no llegue a todas las notas. Sin embargo, pandereta en mano se lució por todo el escenario contorsionándose de vez en cuando, imitando guitarras y baterías imaginarias. En un superdomo, versión reducida, los Deep tocaron ante 2500 personas por unas 2 horas y a pesar de las benditas butacas que ocuparon la pista, uno que otro pogo, poguito, se armó. Y claro, casi fueron tres las generaciones que estuvieron presentes anoche, de las cuales
dos podían hacer pogo y una miraba desde la butaca. El momento de la noche o uno de los momentos, fue sin duda cuando Steve Morse en uno de sus solos comienza tocando los acordes, ya conocidos, de Sweet child of mine (Guns), hasta llegar al ya ponderado riff de Smoke on the water. No hubo butaca que resistiera ni personal de seguridad que contuviera a una pequeña multitud que armó “el pogo” frente al escenario. Es que es entendible, ¿quién se quedaría sentado escuchando en vivo el tema que a más de uno le hizo volar la peluca durante casi una década?. Ni que hablar cuando Don Airey tomo los teclados por las astas e hizo un impresionante solo de casi 10 minutos. Más de uno se paró para aplaudir. Sin transpirar una sola gota y frente a sus teclados,
nos transportó con sonidos que parecían venir de una nave espacial, pasando por Purple Haze hasta legar a un impecable Adios Nonino de Piazzola. Muchos nos quedamos con ganas de ver a ese Ian Paice y su performance como en The Mule, pero el zurdo sigue siendo el corazón de Deep Purple con un ritmo y precisión cual reloj.
Estos chicos de la vieja escuela que ya están de vuelta, se adueñaron del escenario y tan solo con sus instrumentos y un simple display, pudieron montar un show a puro rock sin tanto glamour. Para que tanto papelito volando por ahí ni tanto fuego artificial, ¿verdad?, (guiño, guiño) si lo que importa es hacer rock!.
La noche se fue adentrando y no faltaron los clásicos Maybe I’m a Leo, Space Truckin’, When a blind man cries, y una serie de otros temas, que hicieron que a más de uno le corriera un lagrimón. Una visita obligada de los Deep por Córdoba que quedó grabada en más de uno.
de Diente de León. Su actuación fue un pre-calentamiento a 200 grados centígrados. Un arrebato de ritmo y alegría. Los cordobeses defendieron la escudería del rock latinoamericano a puro calor, con la distinción de la idiosincrasia local a flor de piel. Para quiénes no los escucharon nunca en vivo, Diente de León, suena como una versión más zarpada e incorrecta de la estética base. El show fue A muchos se nos acabó la excusa cortito, pero con suficientes de los miércoles para cortar ingredientes para dejar al público la semana sin culpa. Es que el en su punto justo. pasado 26 de septiembre se La noche del 26 fue una noche terminó la temporada de caza de especial y no solo por ser el nuevas emociones y sonidos en cierre del ciclo. La presentación el Club Belle Epoque. Terminó El de Un Día Perfecto Para el Pez Ciclón edición primavera, y con Banana (UDPPEB), tras un largo ello una oportunidad para disfrutar tiempo sin actuar en su ciudad de este tándem de bandas y luego del sinsabor de haber variopintas todas juntas, a la quedado segundos en el concurso misma hora, por el mismo canal. organizado por YPF –detrás de los El principio del fin estuvo a cargo chaqueños Lenoise, una especies
Biernes* / Un Dí a Perfecto Para El Pez Banana / Diente de Leon Nota: Emanuel Sanabria Fotos: Nicolas Rojas
26/10 – Belle Epoque – El Ciclón Un público entusiasta colmó la sede central del under cordobés para despedir la edición primavera de “El Ciclón”, la serie de recitales organizados por bandas nucleadas en torno al sello local Ringo.
la certeza promisoria del mantraslogan: “Alguien más descansará por nosotros.” Luego del remolino sonoro de UDPPEB, les tocó el turno a los Biernes*. El cuarteto formado Andrés Lanzaroff en teclado y voz, Nash Coll en guitarra y voz, David Scolocci en bajo y Guillermo “Meme” Baldissone en batería, repasó los temas de su disco debut “Vorágine”, un caleidoscópio desprejuiciado de estilos, tan cercano al Spinetta de Almendra e Invisible (“La canción sin fin”), como a la cumbia de Airbags, aunque un poco más entonces. Delirio místico aparte, lo (“La cumbia vital”) y los ritmos dignos - , tuvo un halo especial. La cierto es que los UDPPEB pasearon rioplatenses (“Te lo vas a perder”). banda mostró mucha solvencia en gentilmente a la audiencia a través De esta manera los cordobeses la ejecución, sonó muy ajustada, de los coloridos e intrincados se encargaron de hacer sonar las profesional y segura. Pero además senderos de las canciones de su últimas notas (por el momento) de entre la banda y el público se Ep homónino, más algunos tracks “El Ciclón”, que nos dejó pidiendo generó una sensación compartida que seguro irán a parar al primer más; más bandas, más ciclones, de plenitud, algo así como que largo. El cierre con el sinuoso “El para que Córdoba vuelva a ser una todo estuviera pasando allí y volcán”, dejó sonando en el aire fiesta.
noviembre 2011
LOBO SUELTO