Dirección
Fernando Anca
Edición
Pablo Alderete
Rodrigo Yapura
Colaboración Tecnica
Julian Vedovatto
Pedro Klaus
Marcos Tomas
Franco Gil
Ignacio Lagos
Dirección de Arte
Rodrigo Yapura
Diseño Gráfico
Pablo Alderete
Fernando Anca
Administración
MotionToon es una division de animationics, c.a.
Av. Jose C. Paz 1385
Buenos Aires, Argentina
Piso 1, Oficina 7 (011) 52338744
Cuando pensamos en crear un personaje, animarlo, o simplemente la idea, tenemos siempre presente el movimiento de estos, y las ganas de crear todos la tenemos presente siempre, de ahí surge “MOTIONTOON”. Esta es la revista por y para los amantes de la animación, ese grupo que tiene como pasión renderizar un personaje o ponerse a pensar en un escenario en común, que esta al tanto de esas locas películas que salen todos los meses donde la magia transcurre a través de esos personajes que ocupan la pantalla, o los juegos que los tienen presentes. Porque amamos este mundo tanto como vos es que realizamos esta revista, y queremos te sientas tan a gusto leyéndola como nosotros creándola.
Email: Info@MotionToon.com.ar
El proceso detras de la animación es mas difícil de lo que uno cree, muchas veces vemos una película animada sin detenernos a observar y pensar en como lo hicieron, en esta seccion veras el detras de este arte.
Cuando hablamos del término “Setup” estamos acostumbrados a relacionarlo a la organización o configuración de algo informatico, en MotionToon nos referimos al detrás de la animación y cómo se organiza esta, temas como los render, el making off de los proyectos o diversas técnicas relacionadas a la animación. Hoy en día la tecnología en el cine (y en todos los ámbitos en general) avanza a pasos agigantados, en el ámbito de las películas animadas también la tecnología ha avanzado mucho. La animación se convirtió en un proceso casi mágico, en donde cualquier realidad puede ser retratada, los objetos son como esculturas ya que tienen una parte frontal, posterior, superior e inferior. Las puedes rodear y verlas desde cualquier ángulo. Al diseñarlos podemos
mover todo esto y nos convertimos en escultores, se podría decir que es casi como trabajar con una plastilina y modelar a mano. Este es el trabajo que realizan la gran mayoría de esos animadores sentados en sus estudios, con diversas técnicas, algunos con programas basicos, otros con tabletas de dibujo, pero todos con el mismo objetivo de lograr una animación fluida que sea competente. Los grandes o pequeños estudios buscan innovar, y a nosotros nos interesa saber más sobre ellos y que es lo que los hace sobresalir. En esta sección podremos ver que es lo que los hace diferentes a esos estudios, como trabajan en sus lugares de trabajo, que técnicas usan al momento de animar.
“La animación se convirtió en un proceso casi mágico, en donde cualquier realidad puede ser retratada en forma gráfica digital”
Gracias a su historial de trabajo en Stop-Motion de los ultimos año, Can Can Club se ha convertido, en la actualidad, en uno de los estudios referentes de Argentina. En esta nota nos cuentan como lo hacen.
Stop Motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una sucesión de imágenes fotografiadas. El movimiento del objeto estático se construye, fotograma a fotograma, manipulando el objeto entre tomas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
Así pues, el stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, tanto rígido como maleable. Como los juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina.
Podríamos también definir esta forma de animar como la animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma; manipulando el muñeco con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.
En los últimos años también se ha popularizado su nombre en inglés: stop motion. En ella se animan objetos estáticos e inmóviles colocados delante de una cámara. Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando fotogramas: en cada fotograma se ha movido ligeramente el objeto y en cada nuevo cambio de posición debe haberse siempre orientado el objeto en
una cierta dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores, guardando, en la medida de lo posible, la mayor continuidad lógica del movimiento que se quiere imitar. Más tarde, al reproducir los fotogramas, uno detrás de otro, la proyección en pantalla crea la ilusión óptica de que el objeto se mueve por sí mismo lo mas cercano a la magia se podria decir.
“El movimiento del objeto estático se construye, fotograma a fotograma, manipulando el objeto entre tomas.”
¿Quiénes son los integrantes de Can Can Club y como se forma este estudio/colectivo?
Me gusta pensar que el CanCan tiene la estructura de una familia. Somos 5 personas en el núcleo, y después esta todo el resto de la familia que tiene diferentes grados de cercanía.
Están los primos cercanos a los que llamamos para hacer cosas juntos, están los tíos o abuelos que nos dan consejos, y otros tantos parientes más lejanos a los que recurrimos en ocasiones particulares. Somos todos más bien distintos en cuanto a personalidades, no podemos sintonizar la misma radio para todos, pero compartimos el espíritu dedicado por lo que hacemos y un gran compromiso profesional que nos lleva a mejorar nuestras películas y aprender de lo ya realizado.
Es como una nube de gente que entra y sale con lazos y amigos en otros lugares.
fijos trabajan Becho, Mab, Sebas, Anük y Javi y los 3/4 perros que conmemoran en parte el nombre del estudio. Se van agregando los nuevos miembros, cada uno se acercó al resto de nosotros con el deseo de entregar su conocimiento y llevarse algo de los demás. Sin duda somos amigos, y nos llamamos a noso-
tros mismos familia, pero además veo al CanCan como organismos en simbiosis.
¿Cuáles son sus principales influencias en el mundo animación del Stop-Motion?
Todos venimos de lugares muy distintos. Mis influencias no son exclusivas del mundo del stop-motion, soy un terrible fanático de muchísimas expresiones artísticas como las historietas, la ilustración, la pintura, el graffiti, el cine, la animación 2d y los videojuegos. En particular yo soy muy del stop.
Creo que Wallace & Gromit y El Extraño Mundo de Jack me conquistaron. Después me sorprendí con cosas como “Balance” o “Neighbours”, y sin lugar a dudas PES me produce admiración.
Hay ejemplos de animadores a quien admiro, como Santiago Bou, ó Zaramella y Javier Mrad con los que trabajo y de los que he aprendido muchísimo.
“Svankmajer y McLaren.”
“Comencé a consumir stop-motion en cantidad cuando ingrese al Can Can, pero mi primer acercamiento, que motivo que hiciera algunos intentos de usar la técnica, fue por un programa de Canal A en el que un animador hacía una pequeña toma. Más tarde me entere que esa persona era Juan Pablo Za-
ramella.La caja es uno de sus primeros trabajos.
¿Dedican mucho tiempo a que sus trabajos tengan algo que decir al mundo?
¡SI! No es una necesidad primordial en mi sistema el bajar alguna linea o predicar al respecto de algo, pero si me interesa compartir con los demás o sacar al exterior lo que me esté sucediendo en un momento particular. Creo que siempre le estamos diciendo algo al mundo, pero no cargamos con la presión de que sea una bajada de línea como La Caja. Yo la lleve varios años en el bolsillo, creía que era la síntesis de un mensaje que valía la pena contar y bueno con ayuda de este gran equipo que fuimos formando a lo largo de nuestra carrera fue posible llevarlo a cabo sin ellos no seriamos nada todo se lo debemos a este hermosa gente.
¿Quiénes son los integrantes de Can Can Club y como se forma este estudio/colectivo?
Me gusta pensar que el CanCan tiene la estructura de una familia. Somos 5 personas en el núcleo, y después esta todo el resto de la familia que tiene diferentes grados de cercanía. Están los primos cercanos a los que llamamos para hacer cosas juntos, están los tíos o abuelos que nos dan consejos, y otros tantos parientes más lejanos a los que recurrimos en ocasiones particulares. Somos todos más bien distintos en cuanto a personalidades, no podemos sintonizar la misma radio para todos, pero compartimos el espíritu dedicado por lo que hacemos y un gran compromiso profesional que nos lleva a mejorar nuestras películas y aprender de lo ya realizado.
“Yeti” realizado para el festival Montaña
Mariano Bergara “Mab” realizado y animador de Can Can Club Becho Lo Bianco productor de Can Can Club“Creo que siempre le estamos diciendo algo al mundo, pero no cargamos con la presión de que sea una bajada de linea como la caja”
Interesados más por saber cómo es que se logró ese estilo visual tan fascinante que lleva Klaus, hablamos con una artista mexicana dentro del proyecto: Renée Chio, Lead de iluminación dentro de la animación de Klaus.
Renée nos comentó que nunca imaginó poder formar parte del equipo encargado de llevar a Klaus a la pantalla grande. Habiendo anteriormente trabajado como animadora en producciones como Carmen San Diego en Canadá (También de Netflix), nunca se imaginó ni se veía trabajando en Europa en un proyecto con un nivel de calidad tan alto, siendo que es mexicana de nacimiento. Renée, además de ser una gran artista dentro de la animación, también es una excelente ilustradora y conocedora de los efectos lumínicos en el arte. Esto último, fue la clave que la llevó a abrirse paso dentro de las filas de The SPA studios. Klaus tuvo que crear un departamento especializado para “lighting” para la producción del proyecto. Al ser un departamento exclusivo y fuera de lo normal (ya que
usualmente la animación 2D contempla las etapas de animación rough, clean y color) no muchas personas intentaban aplicar a la posición, pues desconocían de qué se pudiera tratar, por lo que en un momento de la producción The SPA Studios se vio en un problema de no poder conseguir suficientes artistas para uno de los departamentos claves (y que lo hacen destacar) dentro de la producción. Fue entonces que comenzaron a buscar personas con conocimiento alto en el uso de la iluminación, y entre ellos apareció en el mapa Renée, que, combinando su experiencia en animación, la convertían en una de las candidatas ejemplares para dicha posición; y fue así cómo es que poco a poco el departamento de iluminación, conformado por alrededor de 30 artistas, se concretó y logró seguir adelante hasta finalizar el
proyecto. Entonces, ¿cómo es que hicieron la iluminación volumétrica dentro del proyecto? ¿Calcularon los rayos de luz en 3D? ¿Combinaron el 3D con el 2D para pintar encima de los modelos? La respuesta es sencilla…. Ninguno de los anteriores. Cada artista que reclutaron para la delicada tarea de iluminación requería que tuvieran un excelente conocimiento del mismo y realmente no hubo uso de alguna tecnología avanzada más allá de lo conocido más que capas de trabajo y alto conocimiento y técnica que fue plasmado en el arte de la película. Los artistas trabajaban cuadro a cuadro aplicando los efectos de luz que se requirieran en cada imagen, así fuese en interior, en exterior, con luz artificial (fuego) o luz natural, los artistas debían aplicar estos efectos tantas veces fuera necesarios para adquirir la
cualidad especial de este proyecto y hacer que Klaus terminará siendo una animación de muy alta calidad. Así es, cada frame de esta película es una ilustración con horas de inversión por sí misma. Cada personaje que aparece en cuadro no es solamente una plasta de color o una línea de sombra como en muchas otras películas de antes se resolvía, cada personaje lleva capas de oclusión, rebote de luz, dispersión de luz (subsurface scattering) entre otros pases de iluminación que en el 3D se calculan utilizando algoritmos, la diferencia es, aquí se calcularon a través de la mente y el conocimiento de cada artista. Esto es lo que hace de Klaus un punto y aparte. Tanto es así, que uno de los artistas de Spiderman: Into the Spiderverse se vio sorprendido por la calidad y el look tan 3D de la producción: Renée se enfocó
“Los artistas trabajaban cuadro a cuadro aplicando los efectos de luz que se requirieran en cada imagen”Escena mas valorada de Klaus
En palabras del director Sergio Pablos “Si viviésemos en un mundo donde no existiera el 3D, ¿Cómo se vería la animación tradicional ahora en día?”; y la respuesta a esa pregunta es una: Klaus.El proyecto de The SPA Studios está realizado prácticamente en su totalidad en 2D, haciendo uso del 3D sólo para ayudarse con fondos específicos en movimiento o uso de perspectivas forzadas en ciertos props, pero sólo como maquetas pues el resultado final hace que todo se vea bien integrado y forme parte del mundo 2D donde los personajes habitan. Hablando un poco de la producción del proyecto, muchas veces al ver solamente el producto final no nos damos cuenta de lo complicado que puede ser una producción interna a la hora degenerarse, y Klaus, siendo un proyecto innovador en su estilo (y sien-
En el proceso de cración, el personaje de Jesper tuvo varios ajustes en su dibujo, en su primer modelo, se le ajustaron varios detalles para que aparente más amistoso, no tan avejentado y que sea juvenil, a primera vista pueden parecer simples, pero estos son los que dan su personalidad, veamos cuales fueron.
Elementos tan angulares que tiene, como por ejemplo codos, las puntas del pelo, la silueta de la gorra, la forma de la arrugas o esas hombreras que viste. Por no hablar de la forma triangular que el traje de cartero genera en el personaje. Una forma triangular que guía la mirada del espectador directamente hacia el rostro del personaje, que con esos ojos enormes y redondos tan expresivos y la nariz rechoncha, le dan al personaje esa personalidad bonachona y pánfila. Desde que salieron a la luz los primeros tests de la película, el estilo de animación de ‘Klaus’ suscitó innumerables preguntas. ¿2D, 3D o una combinación de ambos? La compleja técnica que se empleó se resume en: herramientas informáticas 3D para dar volumen e iluminación computerizada a ilustraciones 2D animadas de forma
tradicional. El resultado es una estética única y perfectamente reconocible, que aúna lo mejor de ambos mundos: el colorido, los efectos y la sensación volumétrica del 3D combinado con la inimitable expresividad de la animación clásica. En una entrevista con la web especializada Before & Afters, Sergio Pablos lo resume de la forma más directa herramientas para animación.
do que hace mucho tiempo no se realizaban largometrajes en 2D, sin mencionar las producciones del estudio de animación, Cartoon Saloon o de nuestro vecino de Oriente) The SPA studios no fue la excepción.
Toda producción de largometraje conlleva una curva la cual, al inicio todo el proceso parece lento y pareciera que hay mucho tiempo para llevar todo de principio a fin, pero siendo un proyecto con esa calidad tan alta no era sorpresa el esperar el rush final a la entrega de la producción, donde los artistas tuvieron que dar el 200% de sus capacidades para poder cumplir con sus cuotas en tiempo y forma, afortunadamente todo el equipo se comprometió a entregar y finalmente consiguieron cumplir el sueño y entregar el proyecto con la calidad establecida desde un inicio.
Esta forma de representar ideas es muy útil para directores de arte o diseñadores gráficos que trabajen en el campo de la publicidad visual. Aqui los pasos que tenemos que tener en cuenta para un story
Un storboard ayuda a visualizar ideas y conceptos o cómo se interactúa con un cliente. También se utiliza en publicidad, para ilustrar los anuncios. Es, en resumen, un conjunto de viñetas. En ellas, se pueden representar de forma gráfica, aunque sencilla, distintos elementos. Por ejemplo, puede servir como guía para elaborar una escena de cine, pero ha cobrado especial relevancia en el marketing y la publicidad. Y esto se debe a la importancia que han ido adquiriendo los elementos multimedia.
El vídeo ha ido ganando popularidad entre los seguidores y consumidores.
Y, para elaborar este contenido de forma adecuada, debemos seguir unas pautas que podemos representar en una de estas ilustraciones, a modo de secuencia. El guion gráfico (también, story-
board) es un conjunto de ilustraciones que aparecen en secuencia y que se utilizan como guía para entender una historia, para previsualizar una animación o para seguir la estructura de una película antes de realizarla o filmarla. Es el modo de previsualización que constituye el modo habitual de preproducción en la industria fílmica. Su función es narrar la historia con pocas (o muchas, dependiendo del dibujante) imágenes secuenciadas y acompañadas de textos, sirve de guía para la realización de una película, incluye el detalle de los planos, personajes, duración del rodaje y un breve recuento de lo que está sucediendo en la toma, que sirve de guía para todos los que participan en la producción y posproducción de la cinta. La creación del storyboard se atribuye a Georges Méliès. El proceso de story-
boarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado por Webb Smith en el estudio de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y en otros estudios de animación. El storyboarding se hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940. En la creación de una película con cualquier grado de fidelidad a una escritura, un storyboard proporciona una disposición visual de acontecimientos tal como deben ser vistos por el objetivo de la cámara. En el proceso de storyboarding, los detalles más técnicos complicados en el trabajo de una película pueden ser descritos de manera eficiente en el cuadro (la imagen), o en la anotación al pie del mismo. La elaboración de un storyboard
está en función de su uso: en publicidad o videos comerciales o institucionales es mucho más técnico y elaborado para que sirva de guía a cada miembro del equipo de trabajo, mientras que en cine es mucho más general para que el director y el productor aporten su talento y enriquezcan la filmación. También es posible encontrar storyboards llenos de color o en blanco y negro. En todo caso, su objetivo es la descripción de los aspectos de la grabación por lo cual también es común su utilización en animaciones ya sea tradicionales o por computadoras.
“La elaboración de un storyboard está en función de su uso, en publicidad o videos comerciales o institucionales es mas técnico”
Constamente el mundo de la animación va mutando y actualizandose, en esta sección te traemos las ultimas novedades, para que estes actualizado en la ultimas tendencias de la animación 2D y 3D.
Cuando hablamos del término “Setup” estamos acostumbrados a relacionarlo a la organización o configuración de algo informatico, en MotionToon nos referimos al detrás de la animación y cómo se organiza esta, temas como los render, el making off de los proyectos o diversas técnicas relacionadas a la animación. Hoy en día la tecnología en el cine (y en todos los ámbitos en general) avanza a pasos agigantados, en el ámbito de las películas animadas también la tecnología ha avanzado mucho. La animación se convirtió en un proceso casi mágico, en donde cualquier realidad puede ser retratada, los objetos son como esculturas ya que tienen una parte frontal, posterior, superior e inferior. Las puedes rodear y verlas desde cualquier ángulo. Al diseñarlos podemos
mover todo esto y nos convertimos en escultores, se podría decir que es casi como trabajar con una plastilina y modelar a mano. Este es el trabajo que realizan la gran mayoría de esos animadores sentados en sus estudios, con diversas técnicas, algunos con programas basicos, otros con tabletas de dibujo, pero todos con el mismo objetivo de lograr una animación fluida que sea competente. Los grandes o pequeños estudios buscan innovar, y a nosotros nos interesa saber más sobre ellos y que es lo que los hace sobresalir.
“La animación se convirtió en un proceso casi mágico, en donde cualquier realidad puede ser retratada en forma gráfica digital”
El 2020 a pesar de sus problemáticas pandémicas nos proporciono varias películas de animación interesantes. En MotionToon maratoneamos varias, sacamos nuestras conclusiones y les dejamos una lista sin orden de favoritismos con las 10 películas más interesantes de este 2020.
La película radica en que es la versión live action de la mascota emblemática de SEGA, aunque claro, la cinta tiene además otro significado. Se trata del regreso a la pantalla grande de una de las estrellas más importantes en la comedia estadounidense de las últimas décadas: Jim Carrey.
De entrada, los que estén familiarizados con las noticias de la industria sabrán del rediseño del personaje. La realidad es que es uno de esos casos que no habría sucedido hace 10 años. No obstante, hoy los comentarios negativos generados por un primer trailer ejercieron suficiente presión como para darle un rápido rediseño.
La historia se desarrolla bajo los parámetros de una road movie en el que nuestro protagonista descubrirá el verdadero sentido de la amistad.
Esto se desarrolla a través de logradas secuencias que combinan acción, humor y efectos visuales, especialmente una que se desarrolla en un bar y que recuerda a Quicksilver en X-Men Días del futuro pasado. Sin embargo, si no fuera por la presencia de Jim Carrey, la película sería sólo una mediana adaptación del videojuego. Él cumple, tiene buenos momentos y eso se le agradece.
Fecha de estreno 14 de Febrero 2020
Titulo Original Sonic the Hedgehog Director
Jeff Fowler
Fotografía
Stephen F. Windon
Música
Tom Holkenborg
Guión
Patrick Casey
Reparto
Jim Carrey
Bajo el título de ‘La oveja Shaun la película: Granjaguedón’ encontramos una propuesta que no oculta su inspiración en ‘E.T. el extraterrestre’, lo cual le lleva a unir el ingenuo sentido de la aventura habitual en las mejores producciones de Amblin con el encanto característico de las obras de Aardman. El resultado es una hilarante secuela que recupera toda las virtudes de su predecesora, a la que desmerece en lo más mínimo. Los guionistas Mark Burton, quien ya había participado en el libreto de la primera entrega, y Jon Brown tienen muy claro que la sencillez no es obstáculo para contar una buena historia. Ya hemos apuntado cuál era el referente claro, pero ‘La oveja Shaun la película: Granjaguedón’ no es un simple refrito de la cinta dirigida por Steven Spielberg,
sino que asimila varios elementos de su argumento para encontrar su identidad.
A ello hay que añadir una estupenda animación con la que Aardman sigue demostrando que es capaz de seguir mejorando cuando parecía ya imposible por la técnica utilizada.
Es ante todo una aventura muy divertida, pero también sabe cómo integrar los elementos de ciencia-ficción.
Fecha de estreno 14 de Febrero 2020
Titulo Original A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon Director
Will Becher
Fotografía
Charles Copping
Música
Tom Howe
Guión
Mark Burton
La película recaudó $ 295M de dólares a nivel internacional, fue la segunda película con mayor recaudación de 2020.
Para Unidos, Dan Scanlon (Monsters University, 2013) imagina un mundo contemporáneo habitado por seres mitológicos. En lugar de humanos, en el entorno suburbano que nos presenta se desenvuelven en la cotidianidad seres fantásticos como elfos, centauros, trolls, dragones, sirenas, hadas, cíclopes y unicornios, entre muchos otros.
En un interesante y divertido prólogo, se explica cómo en el pasado los residentes de este universo optaron por la comodidad de la tecnología, en lugar de la supuesta complejidad de la magia. Aparentemente, resultaba más sencillo apretar un botón para encender un foco, que conjurar un encantamiento. De esta forma, la hechicería quedó relegada como mito o como simple pretexto para el entretenimiento en juegos
al estilo de Calabozos y Dragones. Juego que, por cierto, es el favorito de Barley (Chris Pratt, en inglés), hermano mayor del personaje central del filme, Ian (Tom Holland), un tímido adolescente. El extraordinario contexto es tan sólo el telón de fondo para la verdadera historia que Scanlon quería contar. Basada en su propia experiencia de vida, el guionista y director expone la posibilidad de que su protagónico pueda conocer a su padre, que falleció antes de que él naciera. La aflicción por la pérdida de un ser querido y la añoranza se convierten en motor de la historia con fines catárticos. Un hechizo podría permitir a los jóvenes convivir con su padre por 24 horas.
A partir de esa probabilidad, los hermanos emprenderán un trepidante y emotivo recorrido que podría o no con-
vertir ese sueño en realidad. Amén de muchos otros temas que la película aborda, como el desarrollo de potenciales subestimados o el comentario sobre la dependencia a las conveniencias tecnológicas, el corazón de la historia es una interesante y amena reflexión de autodescubrimiento.
De reconocer que es posible que lo que tanto buscamos, pueda estar frente a nosotros, sin que nos percatemos.
Ciertamente Unidos alude a una serie de referentes de literatura y mitología fantástica, a la vez que hace interesantes guiños a filmes como Volver al futuro (1985), Weekend at Bernie’s (1989) o Resident Evil (2002). Pero también logra construir su propia identidad. Y, sobre todo, presentarnos un desenlace original y sorpresivo que, además de creativo, es sumamente conmovedor.
El filme toma clichés y situaciones clásicas de la fantasía, los juegos de rol y la mitología literaria y las reformula para narrar un cuento en el que abundan el humor físico y textual, las escenas de acción, los efectos visuales, los guiños a El Señor de Los Anillos y a Calabozos y Dragones, y por supuesto como es costumbre una elaborada paleta de colores vivaces y texturas que resaltan
Fecha de estreno 06 de Marzo 2020
Titulo Original
Onward Director
Dan Scanlon
Fotografía
Sharon Calahan
Adam Habib
Música
Mychael Danna
Jeff Danna
Guión
Dan Scanlon
Jason Headley
Keith Bunin Reparto
Tom Holland
Chris Pratt
Julia Louis Dreyfus
Octavia Spencer
“Unidos” llego directamente en formato digital, debido a la pandemia, algo poco habitual por parte de Pixar.
La película recaudó $140 millones en la taquilla a nivel mundial, siendo la película con menos recaudadora producida por Pixar.
Trolls 2 World Tour toma una lección del libro de las buenas secuelas y expande el mundo de la primera película.
Poppy, Branch y los demás Trolls descubren que no están solos. El mapa literalmente se hace más grande, ya que hay varios tipos de Trolls, cada uno representante de un tipo de música distinto. La cinta tiene el gran mérito de tratar un tema que funciona en distintos niveles. La diversidad musical es una buena forma de aumentar la escala de la historia y permite profundizar tanto como uno quiera.
Superficialmente, es fácil empatizar con una historia en la que la villana es una defensora insoportable de un género musical, alguien que no para de argumentar por qué su música es la mejor y la de otros es la peor.
Pero evidentemente este planteamiento también es un pretexto para hablar de diversidad en general.
Justo cuando parece que Trolls 2 World Tour va a ser más que colores brillantes y canciones populares, se topa contra el techo por su falta de imaginación narrativa. Los temas ahí están, pero la película decide regresar a lugares comunes que hemos visto un millón de veces, incluso en Trolls. Lo peor llega cuando recicla casi por completo el clímax de la primera película. ¿Otra vez a explorar la relación entre Poppy y Branch?. En lugar de ser una buena secuela, esta cinta se siente como una versión ligeramente mejor de la primera película. Es lo mismo, sólo que con una animación más detallada y un tratamiento más profundo de sus temas.
Fecha de estreno 17 de Abril 2020
Titulo Original
Trolls 2: World Tour
Director
Walt Dohrn
David P. Smith
Guión
Jonathan Aibel
Glenn Berger
Reparto
Anna Kendrick
Justin Timberlake
Cory Taylor
Fecha de estreno 22 de Abril 2020
Titulo Original
The Willoughbys
Director
Kris Pearn
Guión
Kris Pearn
Mark Stanleigh
Reparto
Will Forte
Alessia Cara
Seán Cullen
Maya Rudolph
“The Willoughbys” esta basada en el libro del mismo nombre de Lois Lowry
Basada en un libro de Lois Lowry, ‘Los hermanos Willoughby’ cuenta la historia de una familia de lo más singular en la que los niños acaban deseando ser huérfanos porque creen que así les irá mejor en la vida. Uno no les puede culpar teniendo en cuenta cómo les tratan sus progenitores, pero obviamente no todo va a ser igual de sencillo en una cinta divertida y con personalidad, ideal para desconectar durante hora y media de todo lo que rodea al coronavirus. Existe cierta tendencia en el cine animado con mayor ambición comercial a resultar muy vistoso pero arriesgar lo justo tanto en la animación como en los diseños. Siempre hay excepciones como ‘Spider-Man: Un nuevo universo’ y entre ellas habría que colocar a ‘Los hermanos Willoughby’, donde des-
de el primer momento queda claro que no estamos viendo más de lo mismo. Es como si sus responsables hubiesen tenido la suficiente libertad como para crear un mundo propio que capta la atención desde el primer momento por salirse de lo habitual, pero es que además es algo que se mantiene en todo momento, prestando atención incluso a ocurrencias puntuales.
Si bien, hablaremos con ma profundidad de esta pelicula en nuestra sección de MotionToon del mes, no podemos dejarla pasar en este listado de películas destacables del 2020. El perrito danés parlante es muy popular entre los jóvenes que nacieron en los 90 porque fue el momento de mayor auge del programa televisivo de Scooby Doo.
Sin embargo, la caricatura se estrenó desde los años 60 y muchos críticos de entonces ya la consideraban una animación de culto. A diferencia de la mayoría de las secuelas o remakes que buscan pegar en la nostalgia de quienes descubrieron el programa en los 90, ¡Scooby! es notablemente un producto para niños muy pequeños que probablemente lo conocerán por primera vez. Debido a que ¡Scooby! no ha sido la ex-
cepción a la regla que han seguido el resto de las adaptaciones, el público infantil puede disfrutar de una película de suspenso sin tener pesadillas en la noche. Además, la aventura siempre está acompañada de humor, los aparentes fantasmas son un tanto ridiculizados y por lo tanto, termina por ser una aventura lo suficientemente ligera en sus tonos de terror para ser gozada por los más pequeños. Asimismo, es una película que retrata algunas de las experiencias que muchos niños pueden llegar a vivir y, por la forma en que fueron representadas, dan la sensación de una palmadita en la espalda. En algún momento, muchos quisimos comprar un perrito, pero Scooby, como cualquier triste animalito dentro de un aparador, resulta ser muy inteligente y leal.
Fecha de estreno 15 de Mayo 2020
Titulo Original
Scoob!
Director
Tony Cervone
Guión
Kelly Fremon Craig
Reparto
Frank Welker
Amanda Seyfried
Gina Rodriguez
Se planea además de que esta película sea la primera en formar parte del universo cinemático
Fecha de estreno Agosto 2020
Titulo Original
Phineas and Ferb
the Movie: Candace Against the
Universe
Director
Bob Bowen Guión
Dan Povenmire
Reparto
Vincent Martella
Es una de las series animadas más populares de lo que lleva el siglo XXI. En 2011 tuvo una película hecha para televisión que podría haber servido como colofón a la historia del verano de dos niños de lo más peculiar. Sin embargo, eso no impidió la realización de una cuarta temporada que llegó a su fin en 2015. Sus creadores Dan Povenmire y Jeff Marsh han seguido explorando ese universo de forma tangencial desde entonces, pero ahora toca hacerlo de lleno con ‘Phineas y Ferb, la película: Candace contra el Universo’. En ella se explora a uno de los personajes más desagradecidos de la serie y el resultado es una divertida aventura que complementa de forma notable todo lo que pudimos ver en la serie y la anterior película. Al contrario que en ‘Phineas y Ferb: A través de la segunda dimen-
sión’, aquí no se trata de llevar al extremo todo lo que se había visto en la serie con la mayor aventura vivida hasta entonces. En ‘Phineas y Ferb, la película: Candace contra el Universo’ se trata de hacer justicia al personaje de la hermana, ayudándonos a entender mejor sus motivaciones para querer aguarles la fiesta a sus hermanos, y para ello se le concede el protagonismo.
Es el segundo largometraje de la serie animada Phineas y Ferb a través de la segunda dimensión. Los eventos de la película tienen lugar antes del último episodio de la serie.
En tiempos donde la animación digital se ha convertido en el eje central de las películas animadas e infantiles Cartoon Saloon continúa con Wolfwalker el antiguo legado de la animación bidimensional con su sello característico; esta devoción por el artesanal proceso de producción cinematográfica cautivó a los expertos, cuyas primeras críticas nos llegan desde el Toronto International Film Festival (TIFF), y afirman que es refrescante notar los pequeños detalles rústicos y los trazos sin pulir, sobre todo en una época en la que se aspira a la perfección al momento de diseñar y animar.
Añadieron que la dualidad de la historia también se ve reflejada en el diseño de los paisajes urbanos, con muchos trazos rectos y figuras cuadradas, mientras que el bosque emula las siluetas
Las leyendas se han convertido en una de las franquicias animadas más importantes en México, la cual desde 2007 ha llevado a la pantalla grande las legendarias historias de la cultura mexicana. En esta ocasión, Ánima Estudios estrenaran la sexta película de la saga llamada El origen de las Leyendas, la cual será dirigida por Ricardo Aranaiz.Alberto Rodríguez afirmó que uno de sus objetivos es que Las leyendas muestren claramente la esencia mexicana, desde los diferentes escenarios en los que se desarrollan las historias, así como en las actitudes de los personajes. La película nos narrara las aventuras de Finado y Moribunda, dos calaveritas de azúcar, que viven en el alegre y colorido Pueblo Calaca, donde hacen y deshacen a sus anchas sin ningún tipo de consecuencias. Todo cambia cuando un bebé
humano cruza el Espejo Eterno y absorbe la energía del portal que separa los Reinos de los Vivos y los Muertos. A diferencia de la mayoría de películas en la franquicia, esta se llevará a cabo completamente mediante animación tradicional. Una apuesta interesante de un estudio que ya conto con una producción importante con la pelicula de “La liga de los 5”, lo que marca un gran año de Ánima Estudios. Las leyendas: el origen es una próxima película de animación mexicana realizada por Ánima Estudios, donde se estrenara en algún punto del 2021 en México.Será una historia de origen centrada en el pequeño dúo de Calavera, Finado y Moribunda que deben abandonar su hogar en Pueblo Calaca en busca de un bebé humano (quien se trata de Leo San Juan cuando este adquirió sus poderes sobrenaturales).
Fecha de estreno
Septiembre 2020
Titulo Original
Las leyendas: el origen
Director
Ricardo Arnaiz
Música
Leoncio Lara
Guión
Ángel Pulido
Reparto
Mayte Cordeiro
ondulantes del arte celta. Esta producción animada por el estudio de animación irlandés Cartoon Saloon es la única de esta lista creada con animación tradicional y fuera de los usuales estudios de animación hollywoodenses así como la primera producción animada exclusiva para Apple TV, por lo que las expectativas son altas, la película se ambienta en Irlanda.
Fecha de estreno
12 de Septiembre 2020
Titulo Original
Wolfwalkers
Director
Tomm Moore
Guión
Tomm Moore
Ross Stewart
Reparto
Honor Kneafsey
Eva Whittaker
Sean Bean
Al igual que tantas otras, “Las leyendas: el origen” es otra de las películas que vieron afectada su fecha de estreno debido a la pandemia de Coronavirus.
Reed Hastings, cofundador, presidente y director ejecutivo de Netflix no esconde su voluntad de vencer a Disney en el terreno de la animación, algo que rozó con la punta de los dedos el año pasado con el lanzamiento de La leyenda de Klaus. Puede que no se hiciera con la preciada estatuilla dorada (ganó esta vez la partida Toy Story 4), pero la guerra es muy larga y Netflix plantea batalla con Más allá de la Luna, el debut en la dirección de Glen Keane. Esto son palabras mayores si tenemos en cuenta que fue el responsable del diseño de personajes tan queridos como la sirenita Ariel o Tarzán y que trabajó en algunas de las películas consideradas como las grandes joyas del estudio entre las que están La bella y la bestia y Aladdin. En los diversos eventos en los que hemos estado presentes
para conocer más detalles sobre Más allá de la Luna, ha quedado claro su firme compromiso con una historia muy emotiva que tiene distintos objetivos: por una parte, dar a conocer la leyenda china de Chang’e, la diosa de la Luna y su separación de su gran amor Houyi reivindicando una parte muy concreta y conocida de la cultura del inmenso país asiático y, por otra, desarrollar todo un imaginario propio en torno a Lunaria, el lado oscuro de la Luna y por ende el lugar más fantasioso y extravagante que veremos en la cinta. ¿De qué trata Más allá de la Luna? Nos presenta a una niña que pierde a su madre, que le contaba leyendas que ella ha crecido creyendo con devoción. Impulsada por su determinación y pasión por la ciencia, la joven Fei Fei construye un cohete para viajar a la Luna.
Netflix apuesta fuerte en la carrera por los premios Oscar con esta cinta, luego de quedarse a las puertas con “Klaus”
Fecha de estreno Octubre 2020
Titulo Original Over the moon
Director
Glen Keane Música
Steven Price
Guión
Audrey Wells
Reparto
Phillipa Soo
Ken Jeong
Es la primera película internacional dirigida por Keane, quien se desempeña como animador de Walt Disney Animation Studios
Conocimos a Hugo Blendl, uno de los animadores e ilustrador de la fantastica serie Rick and Morty. Además de hablar de su experiencia dentro de la serie compartió consejos y advertencias sobre ser artista.
Aunque de origen estadounidense, la serie de animación Rick and Morty ha sido creada en gran medida desde Canadá, donde Hugo Blendl, animador e ilustrador mexicano ha tenido la oportunidad de participar en el desarrollo de la serie. Hugo Blendl creció viendo programas como Dragon Ball Z, Los Simpson y Futurama, los cuales lo inspiraron. Es fan del dibujo desde niño y ahora trabaja en Canadá, con el estudio a cargo de la serie Rick and Morty como animador 2D, y tiene una importante comunidad de seguidores en Twitch y YouTube, donde enseña a realizar animaciones. Comenzó su carrera trabajando para una serie animada de Nickelodeon en Ánima Studios. Fue ahí donde aprendió a utilizar Toon Boom Harmony, uno de los programas más utilizados en la in-
dustria de animación. “Yo no tengo una licenciatura, porque cuando tenía 19 años no existía una opción sólida en México para estudiar animación e ilustración. Lo que sí es que me aferraba a dibujar, el lugar de entregar ensayos en la preparatoria entregaba cómics y aunque casi me corren de la escuela por esa misma razón decidí dedicarme a este oficio” compartio el autor.
¿Por qué decidiste dedicarte a la animación y especializarte en 2D?
Me encantaba el arte tradicional, era muy fan de Los Simpson y me metí al mundo del 2D porque es como una adicción. Tardas días, semanas y hasta meses en que un personaje se mueva bien durante pocos segundos. Es muchísimo trabajo para muy poco contenido en una época en la que la gente quiere consumir todo el tiempo.
Yo no tengo una licenciatura, pero sí terminé la prepa y me fui a hacer dos diplomados en Canadá. Tenía 19 años y no existía una opción sólida en México para estudiar animación e ilustración. Pero en esto puedes ser muy autodidacta y no necesitas una carrera de miles de pesos para ser exitoso, podes ver videos tutoriales en youtube y aprender tranquilamente a tu ritmo.
¿Cómo conseguiste tu primer empleo?
De los diplomados jalan gente porque son jóvenes y es mano de obra barata. Tuve mi primer trabajo en Nickelodeon para la serie Pig goat banana cricket, que era una oda a los 90. Que fuera mi primer trabajo me llenó de felicidad y eso me llevó años después a trabajar en Rick and Morty.
¿Cuándo llegaste a trabajar en Rick and Morty?
Entré en la tercera temporada. Era súper fan de la serie aunque al principio me costó algo de trabajo que me gustara. Vi el primer episodio como cuatro veces y pensaba “¿qué es esta cochinada?”. Ya después todo el mundo me decía que la viera y la vi toda en un día y me pareció muy buena.
En sus redes, comparte imagenes de sus trabajos, presentando un poco de todo lo que hace a diario.
Dibujo de Zapp Branigan, uno de sus personajes favoritos de “Futurama”
Dragon Ball, una de sus principales influencias para entrar en el mundo del dibujo y la animación.
Blendl caricaturizado, el mismo decidio dibujarse para actualizar la foto de perfil en su red social.
Durante la victoria de Trump, en 2016, lo dibujo refiriendose a el actual presidente de los Estados Unidos, como una caricatura en si.
Justo cuando salí de mis diplomados apliqué para la segunda temporada y me dijeron que sí, pero por problemas con el visado me tuve que regresar a México. Después trabajé dos años en la serie de Nickelodeon y ya con esa experiencia pude regresar a Canadá para la tercera temporada. La cuarta la animé toda desde casa y acabo de firmar un contrato para la quinta, pero ya no como animador sino como lead.
¿Cuál es tu secuencia favorita y con cuál de los personajes te identificas? Me gustan los dos. Soy un alma vieja como Rick, pero tengo toda la humanidad de Morty.
En la última temporada yo hice toda la secuencia en la que Morty vuela con un dragón. Esa escena me tomó mucho trabajo, porque era básicamente cuadro
por cuadro y no teníamos un buen esqueleto del dragón moviendo sus alas. Tuve que redibujarlas, fue muy divertido y tardado, pero me encanta hacer ese tipo de cosas.
¿Cuál es el proceso de creación de una temporada de la serie?
Los escritores hacen todos los guiones y después se crea el storyboard. Después de eso se arma el animatic, que es cuando ya se graban las voces y los efectos de sonido. Éstas se agregan al storyboard para tener una especie de episodio ‘en sucio’ de cómo se verá todo. Ese material es lo que nos mandan para hacer las animaciones y nos lo pueden dividir en secuencias, así que te pueden tocar secuencias enteras o por separado depende donde estes trabajando y el equipo con el que te realacionas día a día.
“Lo más difícil fue tener que lidiar con la idea de que en el país no hay arte ni animación”
Dentro de lo que es la animación 2d y 3d hay cosas que dan que hablar, desde hardwares para diseñadores hasta los programas de animación con las más insólitos datos.
Para poder tratar el tema de la animación digital y las ventajas y posibilidades que aporta a la cinematografía como arte, conviene primero definir ciertos términos y explorar un poco la historia de la animación. El concepto de animación por computadora se refiere a una manera específica de producir la ilusión del movimiento e invoca una película producida de esta forma. El primer largometraje hecho por computadora fue Toy Story (1995); luego surgieron empresas como Pixar y Dreamworks que hoy en día lideran las producciones de cine de animación digital. Desde que Pixar comenzó a trabajar en este sector, las películas de animación por computadora se pusieron a la altura de lo que la animación tradicional había conseguido en cuanto a la animación de los personajes, aunque las pro-
pias historias no resulten excepcionales. En términos de textura, apariencia, peso y movimiento, películas como Toy Story, Monsters Inc. o Shrek, producen ciertamente la impresión de un grado mucho más elevado de precisión de las superficies que el que se ha dado hasta ahora en las películas de dibujos animados. Y esta exactitud conjuga las transformaciones en la estética cinematográfica.
“La animación sufrió un salto gigante, una evolución más que considerable en los últimos 20 años”
Siempre al momento de tener que comprar tu tableta gráfica, te entran las dudas y no sabes cuál es la mejor para vos, en esta sección te vamos a ayudar a despejar las dudas para que hagas la mejor elección.
Estas tabletas gráficas son las más sencillas e ideales para quienes comienzan a usarlas y no cuentan con mucho presupuesto. Simplemente las conectas al ordenador mediante un cable usb o conexión inalámbrica y la pantalla se ajusta automáticamente al tamaño de la tableta. De modo que, si posicionas la pluma en una esquina de la tableta, sería como si pasaras el mouse por el mismo sitio en la pantalla. La única desventaja es que puede resultar difícil acostumbrarse a mover tu mano sobre la tableta, pero mantener tus ojos sobre la pantalla. Por otro lado, esto te puede ayudar a mejorar tu coordinación a largo plazo. A pesar de ser los modelos más sencillos destinados para principiantes, también hay tabletas gráficas sin pantalla con una gran cantidad de funcio-
nes y aditamentos para profesionales.
A su vez, debes considerar otras variables: por ejemplo, pueden requerir una conexión eléctrica o por medio de entrada usb para poder funcionar. También existen tabletas gráficas sin pantalla que además son inalámbricas, pero que en ese caso requieren de pilas o baterías externas.
La Intuos small es una de las tabletas mas recomendadas a la hora de inciarse en la ilustraci[on digital, lo primero que advertirás al usar Wacom Intuos es la naturalidad que transmite. Gracias a su tecnología de resonancia electromagnética, el lápiz sin batería con 4096 niveles de presión ofrece una experiencia de dibujo natural y una autonomía que le permite estar siempre a tu disposición. Además, su diseño ergonómico y peso ligero hacen posible sostenerlo cómodamente, poniendo literalmente en tu mano tanta precisión como control. Más allá del estilo de dibujo que uses, existe una gran variedad de puntas flexibles y de rotulador para que elijas, todas ellas se almacenan dentro del lápiz de forma práctica.
La serie nos hacía reír, pero en nuestra inocencia de mocosos noventeros, pasamos por alto un montón de momentos durante el programa que no era para niños.
El trabajo de Rocko El Motel El escote de Gladys El doctor atrevido El Gran Gran Hombre
Durante el episodio “Despedido”, Rocko pierde su trabajo en la tienda de revistas y se ve forzado a buscar otra chamba. En el proceso termina trabajando como “operador telefónico especializado”, en esa escena se puede ver que en la hotline donde trabaja le piden que siempre recuerde ser sexy, ser travieso y ser cortés. Si eso no es una pista suficientemente clara de que Rocko tenía un trabajo en una línea de sexo por teléfono.
Un episodio que sí fue censurado fue Road Rash. La escena del capítulo “El Motel” terminó por censurarse. En el episodio “Viaje por carretera”, Rocko y Heffer llegan a un motel llamado “no tell motel”. Cuando piden un cuarto, el recepcionista se sorprende al escuchar que no lo quieren por unas horas, sino para toda la noche y responde con un silbido, un gesto haciendo alusión a algo sexual.
En “Arena en tu bote”, Gladys, el hipopótamo se acerca a Rocko para pedirle que le ayude a ponerse bloqueador. Él se resbala y termina enterrado en el escote de la mujer, una escena muy graciosa pero que tuvo que ser censurada en su momento por la gran controversia que causo entre los padres de los niños que miraban la serie del Wallaby Australiano, que tanto fanatísmo género alrededor de todo el mundo.
En el capítulo “Flu-In-U-Enza”, Rocko se enferma y termina visitando a un médico para que lo ayude. El doctor se apellida Bendova, que es como suena la frase en inglés “bend over”, que significa dóblate o agáchate. Aunado a esto, el doctor le practica un examen muy meticuloso al pobre de Rocko.
Este superhéroe hizo su aparición en varios episodios del show. Además de tener un alter ego femenino, este héroe tenía el poder de usar su pelo en pecho para hacer que sus enemigos vieran el pasado, y sus pezones para que vieran el futuro. Este personaje es uno de los más carismáticos dentro de la serie.
“La serie cambia bastante cuando la vez como un adulto.”
México
La vida moderna de Rocko como no la conocías.
El diseñador de juegos original Hirokazu Yasuhara se unió al diseñador de personajes original Naoto Oshima (vicepresidente y cofundador de Arzest) para hablar sobre cómo fue el proceso de creación de este personaje memorable.
La versión humana de este icónico personaje tiene una historia de fondo muy curiosa. Hablamos de un piloto de combate de la Segunda Guerra Mundial con una gran afición por la velocidad y el pelo puntiagudo, de ahí que le llamaran “Erizo”. Era tan alocado que su mujer escribió un libro para niños inspirado en sus hazañas. Así, el logotipo de Sonic presenta alas estilizadas, como las que verías en la parte trasera de la chaqueta bomber de un piloto, y la sonrisa del personaje se basó en los diseños pintados en las narices de los aviones de combate de la Segunda Guerra Mundial. El hecho de escoger el color azul para el erizo tiene una explicación más simple aún: fue para asociarlo directamente con el color del logotipo de la marca, la gran reconocida SEGA.
¿Sabías que buena parte del diseño del juego se hizo a mano, con lápiz y papel? Yasuhara comentó que dibujó un diseño en papel, luego se lo mostró a un artista y discutió cómo podrían hacerlo funcionar. Todos los niveles de juego fueron dibujados a mano, ensamblados desde el límite de 64 “partes” o paneles en cada zona, aunque algunos estarían fuera de los límites ya que eran activos de fondo, sin dudas un gran trabajo para el juego.
Lo cierto es que este mamífero cubierto de púas no fue la única idea, por supuesto. También consideraron hacer de Sonic un armadillo, un puercoespín, un perro y un anciano hosco con bigote (idea que derivaría posteriormente en el diseño del personaje del Doctor Ivo Robotnik Eggman, némesis de Sonic).
La historia de cómo se decidieron por un erizo es un poco curiosa. Oshima dibujó ejemplos de los personajes que estaban sobre la mesa mientras se encontraba en Central Park y comenzó a mostrárselos a personas al azar, evaluando sus reacciones. El erizo ganó por goleada. Al parecer, fue el que más gustó a los transeúntes. De esta manera, se eligió el erizo como mascota para el juego. Sonic the Hedgehog iba a convertirse en
se enfrentaría directamente a Mario y su consola NES de Nintendo. Recordemos que a principios de los años 90, Sega y Nintendo luchaban por la supremacía en la categoría de videojuegos y en ese momento Sega no tenía personajes lo suficientemente competitivos para superar a Nintendo. La siguiente etapa fue trabajar en la apariencia de Sonic.
El juego fue muy bien recibido. Gustó mucho y en él se presentó al personaje. El objetivo era luchar contra el Dr. Robotnik (que luego se renombraría como Eggman) terminando las fases lo más rápido posible y destruyendo sus robots en ellas, así como derrotándolo al final de los niveles. Al conseguir las 7 Esmeraldas del Caos en fases especiales, se accedía a la transformación Super Sonic, en la que se es mucho mas rápido y casi inmortal. El éxito fue total se podía decir que Sega había cumplido el objetivo de rivalizar con el famoso Mario Bros de Nintendo. De hecho,tanta fue la popularidad alcanzada por Sonic que se desarrolló una secuela, Sonic 2. En esta nueva versión se introdujo a Miles Prower, conocido como Tails, un zorro con dos colas capaz de volar al girarlas, que fue nomb-
Fecha de estreno
1991
Serie
Sonic el Erizo
Género
Videojuego de plataformas
Plataformas
Mega Drive, Master System, Windows, SEGA
Sonido
Oscar Alvarez
rado el mejor amigo de Sonic. Con Sonic 2 también se mejoró la habilidad para hacerse una bola (spin dash) de Sonic. Luego salieron dos juegos más, Sonic CD y Sonic 3, que introdujeron los ersonajes aliados Amy (eriza enamorada de Sonic) y Knuckles el equidna, que empezaría como un enemigo con la llegada de la próxima edición del videojuego.
Uno de los objetivos del juego es recolectar toas las esmeraldas para acceder a distintos poderes y hace un papel de antihéroe. El objetivo del Sonic Adventure es detener al monstruo Chaos, liberado por Eggman.
Tras una secuela de este juego y otro centrado en Shadow, que había ganado una gran popularidad, llegó Sonic Heroes, el cual nos permite jugar con tres personajes a la vez. Las opciones de personajes son varios equipos.
Nuestra sección donde queremos tu opinión y les damos su lugar, acá es donde ustedes eligen la nota que realizamos en el mes, y ademas podemos ver sus trabajos que nos envían por correo para publicar.
En MotionToon lo principal es nuestra comunidad, siempre nos interesamos en conocer cual es su opinión y por saber los temas que les interesan, todas las semanas recibimos mails donde nos envían sus propuestas, renders o comentarios de alguna animación reciente. En esta sección es donde hablamos de eso, analizamos el MotionToon del mes, donde una película o videojuego toma el lugar destacado para abrir debate y analizar que es lo bueno y malo que tuvo, como se realizaron sus personajes y todo lo relacionado al mundo en el cual trabajamos, a su vez también vemos los mails que nos envían con los render o dibujos que van creando para esta comunidad. Muchas veces son tantos los render que nos mandan que no tenemos lugar para publicar todos, la comunidad de MotionToon se hace cada día más grande y la base
de lectores sigue creciendo, por eso queremos que tengan el espacio que se merecen. Este mes le toco el análisis a “Scooby!” la nueva película del perro animado más famoso, y también veremos la cantidad de renders que nos enviaron desde varios lados del país, con la gran calidad que todos estos tienen. Es una gran oportunidad para que aquellos lectores tengan la exposición que se merecen.
“La comunidad de MotionToon se hace cada día más grande y la base de lectores sigue creciendo”
La gran apuesta de Warner para hacer frente al 2020 parece ser !Scooby! una película que reúne a varios personajes de Hanna-Barbera
Scooby debería haberse estrenado en cines este pasado 15 de mayo, pero Warner decidió cambiar su estrategia y estrenarla directamente en varios servicios digitales de Estados Unidos. La buena acogida que tuvo ‘Trolls 2’ seguro que tuvo mucho que ver en ello, pero no pude evitar verlo como una muestra de que la compañía tampoco confiaba tanto en la película. Una vez vista se entiende mejor, pues es una aventura bastante discreta que no logra reproducir el encanto de Scooby Doo y el resto de la banda. Scooby! sigue las aventuras principalmente de Shaggy y Scooby quienes se han visto obligados a separarse del grupo y emprender una nueva aventura sin querer. Esta nueva aventura va a ser junto a otros dos personajes entrañables de Hanna Barbera como Fabulaman y el perro maravilla. Scooby
Doo es una de las franquicias más grandes de la animación en la historia de la televisión, creada en 1969 y producida por Hanna Barbera y que han creado innumerables versiones de la franquicia para cine y Television. En esta nueva película de la franquicia, se nos narra por primera vez como se conocieron Shaggy y Scooby y como después de ese encuentro su amistad empezó a crecer.
Más adelante con la introducción de Fred, Daphne y Velma resolviendo su primer misterio juntos vemos el nacimiento del mejor equipo de misterio de las ultimas décadas.
Esta pequeña introducción es bastante emotiva y divertida, pero de no ser por ciertos detalles (como el collar de Scooby y su significado para Shaggy) que por su corta duración y poca profundidad podría llegar a parecer innecesaria para la na-
rrativa. Scoob! no es sólo otra historia de Scooby-Doo, también resulta ser un ambicioso crossover que nos presenta a otros personajes de la productora Hanna-Barbera; los mayores aliados de Scooby son Blue Falcon y Dinamita, el perro maravilla, el antagonista es Pierre Nodoyuna y también cuenta con las apariciones de Capitán Cavernícola y Dee Dee Sykes de Capitán Cavernícola y los ángeles adolescentes aunque salen por separado pues Dee Dee Sykes es parte del equipo de Blue Falcon y Captain Cavernicola aparece brevemente cerca del final de la película. Con este gran elenco,Scoob! apela exitosamente a la nostalgia de más de una generación y maneja bastante bien esta mezcla de personajes. Fred, Daphne, Velma, Shaggy y Scooby se dedican a resolver misterios, pero el más importante se les presenta cuan-
do conocen a Blue Falcon y su equipo, quienes intentan proteger a Shaggy y Scooby de Pierre Nodoyuna, al mismo tiempo que deben detener su extraño plan y seguirlo por todo el mundo. A pesar de que los protagonistas claramente son los de la franquicia de Scooby-Doo, específicamente Shaggy y Scooby, ninguno de los otros personaje se queda atrás en cuanto a carisma.
“Scooby! es el primer film de un universo compartido de películas de Hanna-Barbera”
Los personajes para la nueva adaptación tuvieron que ser recreados y traídos a la actualidad, estos son sus render y un poco en como se basaron los diseñadores para adaptar a estos 4 icónicos personajes de la animación.
SHAGGY
Modelo del render de diseño de Shaggy de la versión original de 1969, se busco que mantenga su originalidad pero adaptándolo con zapatillas o pantalones que no sean más actuales.
DAPHNE
Modelo del render de diseño de Daphne de la versión original de 1969, se intento hacer que su cuerpo se pareciera a Taylor Swift por el auge que tuve este año y su gran parecido.
SCOOB
Se basaron en el diseño original de Scooby del año 1969 pero con algunos detalles de sombras e iluminación a su vez que con un pelaje mas limpio.
FRED
Modelo del render de diseño de Fred de la versión original de 1969, al crearlo se intento que su estilo parezca de un universitario deportivo un poco mas actualizado en cuanto a su vestimenta.
VELMA
Modelo del render de Velma de la versión original de 1969. La idea era hacerla sentir más moderna sin dejar de ser fiel al original con su aspecto de chica nerd, preocupada y responsable.
Como todos los meses, recibimos sus dibujos y les damos el espacio que merecen, y como no, mostrandole a todos nuestros lectores el gran talento que tambien tienen todos nuestros subscritores.
Marcos de Vicene Lopez nos manda este increible render sobre Chadwick Boseman interpretando a Black Panther, en honor al actor y homenajeandolo, larga vida al rey T’Challa
Mario Bross se hace presente, con este render enviado por Lucas, de Ramos Mejia, expectacular trabajo con un Mario Robotico. ¿El sucesor de Iron man?
Increible render de David Bowie, con un estilo caricaturesco, Fede de Banfield nos manda este trabajo fantastico. ¿Hariamos una peli de el?
Nuestro personaje favorito de Strangher Things, el pequeño Dustin, interpretado por Gaten Matarazzo. Otro tabajo muy talentoso que nos manda Pablo de Bernal.
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