Looklateral N°2

n°2

Rest of the world: $ 16 USD

Italy: € 12 EUR / UK: £ 12 GBP/ Eurozone: € 14 EUR

fresh art on paper

s/s 2014

Colophon ¶ PUBLISHING DIRECTOR Niccolò Filippo Veneri

¶ EDITOR IN CHIEF Pietro Ferrazzi

¶ LEGAL EDITOR ¶ EDITOR AT LARGE

Francesca Vischi

Francesca Ferrarini ¶ MARKETING AND COMMUNICATION ¶ CREATIVE DIRECTOR &

Valerio Genovese, Riccardo Vannetti

GRAPHIC DESIGNER Nicole Bertani

¶ WEBSITE MANAGER Carlo Ghelf i

¶ GRAPHIC DESIGNER ¶ FINANCIAL DEPARTMENT

¶ DISTRIBUTION MANAGER Marco Bertuzzi

¶ EDITORIAL ASSISTANT Anna Volpi

¶ WORLD DISTRIBUTION Pineapple Media Ltd ( www.pineapple-media.com )

¶ SUB EDITOR/ ENGLISH LANGUAGE Isobel Butters

¶ PRINT Publi Paolini SRL

¶ CONTRIBUTORS Niccolò Barretta, Michael D’Elicio, Stefania Facco,

¶ PUBLISHER

Franco Fanti, Francesca Ferrarini, Pietro Ferrazzi,

Lateral Edizioni S.R.L.

Flavia Fiocchi, Larissa Peixoto Gomes, Joy Ng,

Piazza Sordello 12, 46100 Mantova

Carlos Luís Ramalhão, Marta Silvi, Emilie Spagnoli,

Cod. Fiscale e Partita Iva 02202240202

Riccardo Vannetti, Francesca Vischi

Tel. +39 0376 1812430

¶ PHOTOGRAPHERS

¶ Look Lateral Testata Registrata

Guido Castagnoli, Jean-Marie Heidinger,

Presso il Tribunale di Mantova N.08/07

Anna Volpi

In data 11-08-2007

R

Jacopo Caracci

R

Cecilia Accampi, Diego Barbisan ¶ GRAPHIC AND WEB DESIGNER

THIS ISSUE'S SPECIAL DESIGN ELEMENTS (we to share & I Tom) Cover Paper / LuxoArt 300 g/m2; INSIDE: Paper / LuxoArt 115g/m2 Color / PANTONE® 319C, Body Type / Caslon Pro, Display Type / Frontage

Lorenzo Piccinini

looklateraln°2 s/s 2014

O

ur magazine is printed and finished using manual techniques as well as others.

Imperfections or color inconsistencies make every LookLateral page a unique one. ........... ....................................................................3

I

l nostro magazine è stampato e rifinito utilizzando tecniche di stampa manuali. Per questo,eventuali imperfezioni o sbavature del colore, rendono ogni pagina di LookLateral, un pezzo unico. ........................................................3

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Words / Parole Pietro Ferrazzi

A

few days ago Paolo Sorrentino’s "The Great Beauty" was awarded the Oscar for best foreign film. Niccolò Barretta cites it in the column Cinémathèque for Art Lovers as a film in which art, conceived as the artist’s philosophical and aesthetic choice, not only alters the images, making them into something different and set apart from traditional filming, but also becomes something that remains with the audience once the lights are up again. Again in Hollywood the Oscar for best picture went to "12 years a slave", by British director Steve McQueen, awarded the Turner Prize in 1999 for his video art. More than ever this year, the Oscars have united what debate and art experts have tried for over forty years to distinguish, film and video art. But what is the real difference between them? What makes the Academy judges applaud one film and the visitors to MoMA another?

Quite coincidentally, many of the pages that follow deal with this very topic, and perhaps the words of Bill Viola, whom we met together with his wife Kira in the delightful little city of Mantua, those of Nico Vascellari for whom video is an essential part of his work, as are music and light, and the FAQ

by Francesca at the back of the magazine, will be able to provide you with a new and personal answer to this question. That video art was destined to expand and demand more space was obvious: video is the ideal medium for modern civilization to communicate in, the way writing and photography were in the past. It is inevitable therefore that the heirs of Nam June Paik choose with increasing frequency to express themselves using the moving image. The most recent Oscars are, however, perhaps a sign that now not only artists but also spectators are ready and mature enough to take video on board, to seek it out at exhibitions and, why not, to collect and keep it at home next to paintings and sculptures. With less and less diffidence but still with the usual question in mind: Well, is what I'm watching a movie or not?

P

oche ore fa Paolo Sorrentino si è aggiudicato l'Oscar per il miglior film straniero con "La Grande Bellezza". Il nostro Barretta ne scrive nella rubrica Cinemateque for Art Lovers, quale esempio di pellicola nella quale l'arte, intesa come scelta estetica e filosofica dell'artista, non solo altera le immagini facendone qualcosa di diverso e altro rispetto alle tradizionali riprese, ma resta come sensazione nello spettatore una volta accese le luci di sala.

Sempre a Hollywood, la statuetta per il miglior film è andata a "12 anni schiavo" del britannico Steve McQueen, premiato come video artista nel 1999 con il Turner Prize. Gli oscar, mai come quest'anno, hanno legato a doppio filo ciò che nei dibattiti e nei libri dei critici da oltre quarant'anni si cerca di distinguere, il cinema e la video art. Ma cosa li differenzia veramente, cosa fa si che per un video applaudano i giudici dell'Academy e per un altro i visitatori del Moma? Senza farlo apposta, molta parte delle pagine che seguono si occupano di questo, e forse, tra le parole di Bill Viola, che abbiamo incontrato insieme alla moglie Kira nella piccola e preziosa Mantova, quelle di Nico Vascellari, per il quale il video è parte essenziale del lavoro, quanto lo sono la musica e la luce, e le FAQ della nostra Francesca al fondo del magazine, riuscirete a dare una risposta nuova e vostra alla fatidica domanda. Che la videoart fosse destinata a crescere e a pretendere maggior spazio era scritto nelle cose: la civiltà contemporanea ha nel video il medium principe per confrontarsi con se stessa quanto lo sono state, nel tempo, la scrittura e la fotografia, ed è inevitabile che gli eredi di Nam June Paik scelgano con sempre maggior frequenza le immagini in movimento per esprimersi. Le ultime statuette dorate sono forse però il segnale che ora non soltanto gli artisti, ma anche gli spettatori sono pronti e maturi per confrontarsi a fondo con il video, per ricercarlo nelle mostre e, perché no, per collezionarlo e tenerlo in casa accanto a quadri e sculture. Con sempre minor diffidenza, ma, in ogni caso, con in testa la solita domanda: dunque è un film quello che sto guardando oppure no?

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EDITORIAL

Way too early

Breakfast with Paolo Zani

To understand a bit more about the art system there’s nothing better than a chat with one of Italy’s brilliant young gallerists.

Per capire qualcosa di più del sistema dell’arte non c’è nulla di meglio che fare due chiacchiere con uno dei più brillanti giovani galleristi italiani.

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contents 8 a.m. Running into Marc Spiegler

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Art & The City: Madrid

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9 a.m. In the planetary province of Nico Vascellari

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Vertical gardens, cameras and bus stops… In Madrid the museum is the street.

Giardini verticali, telecamere e fermate dell’autobus… A Madrid il museo è la strada.

From punk concerts in his parents' living room to performances with Marina Abramovič. The journey of an artist on the move.

Dai concerti punk nel salotto di casa alle performance a fianco di Marina Abramovič.

Il viaggio di un artista in movimento.

It's time to shop

Shopping at Livraria Lello

With Antero Braga among the shelves at one of the most beautiful bookshops in the world.

Con Antero Braga tra gli scaffali di una delle librerie più belle del mondo.

11 a.m. Contemporary Bogotà

A journey into art in the capital that doesn’t forget its past.

Viaggio nei luoghi d’arte della capitale che non dimentica il suo passato.

Noon

Mathieu Mercier, alchimist of daily life

He didn’t win the Duchamp award by chance. Like that of the great master, his art knows how to take you where you didn’t expect to arrive.

Non ha vinto per caso il premio Duchamp. Come quella del grande maestro, la sua arte sa portarti dove non ti aspettavi di arrivare.

Lunch Time

At lunch at the museum of modern art in Rio

In the treasure chest of brasilian and international art, a place where you can re-discover the pleasure of admiring and tasting.

Nello scrigno dell’arte brasiliana e non solo, un luogo dove riscoprire il piacere di guardare e assaggiare.

2 p.m. Studio visit: Matthias Bitzer

In Berlin getting to know one of the most promising figurative artists on the contemporary scene.

A Berlino per conoscere meglio uno dei più promettenti artisti figurativi della scena contemporanea.

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If while walking through Basel you ran into one of the art market’s most powerful people…

Se camminando per le vie di Basilea ti imbatti per caso in uno degli uomini più potenti del mercato dell’arte…

3 p.m. Centro de Arte Contemporânea Inhotim

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4 p.m. Bill Viola & Kira Perov

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The most incredible art forest in the heart of Brasil, an extraordinary place that you can’t miss.

La più incredibile foresta dell’arte nel cuore del Brasile, un luogo strabiliante che non puoi non visitare.

To know how video art was born, there’s nothing better than asking them.

Per sapere come è nata la video art non c’è di meglio che chiedere a loro.

5 p.m. Tea Time An unusual conversation with Marcel Broodthaers

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An artist that doesn’t need any introductions. Art, for him, is a deceptive whim.

Un artista che non ha bisogno di presentazioni. L’arte, per lui, è un ingannevole capriccio.

6 p.m. Singapore Tyler Print Institute

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Dinner at Sketch

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More than a gallery, more than a workshop. The secrets of print live here.

Più di una galleria, più di un laboratorio. I segreti della stampa dimorano qui.

Dinner Time

The Regent Street mandatory stop for every hungry art lover.

In Regent Street la meta obbligata di ogni affamato art lover.

9 p.m. Cinematique for art lover The great beauty by Paolo Sorrentino

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Another stop in our journey into cinema and art, this time set in the contradictory beauty of Roman high society.

Un'altra puntata del nostro viaggio tra cinema e arte, questa volta ambientata nella contraddittoria bellezza della Roma mondana.

10 p.m. Music at night with The Framers

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11 p.m. Le Royal Monceau Raffles Paris

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3, 2, 1...Start collecting!

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Have you ever wondered what sound a painting has?

Vi siete mai chiesti che suono abbia un quadro?

At France’s most exclusive Art Hotel, re-invented in 2010 by Philippe Starck.

Nell’Art Hotel più esclusivo di Francia, reinventato nel 2010 da Philippe Starck.

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If you want to start collecting video art this is the column for you.

Se vuoi collezionare video art questa è la rubrica che fa per te.

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n째2 s/s 2014

PZ pz paolo zani

way too early milan - ITALY

half an hour with Paolo Zani from galleria zero

MILAN To understand a bit more about the art system there’s nothing better than a chat with one of Italy’s brilliant young gallerists.

W

hen we get to the gallery in via Tadino we find Paolo Zani standing outside. Quick and cordial, with the mannerisms of a person that doesn’t have time to waste, he suggests we take our conversation to Pavè, a new cafè in the neighborhood. It’s a delicious place, in every way… You feel like you’re at home, and with the smell of brioches that continuously pop out of the oven in the back – clearly visible from the room through glass walls – and the furniture’s vintage style, that seem to give life to an old country home kitchen, it’s easy to find yourself wrapped up in friendly conversation.

And so we start off with a passionate debate on contemporary art, a free and spontaneous dialogue that is inevitably across-the-board. After the satisfying breakfast we move to Paolo Zani’s studio.

Small and painted white, set inside the gallery, it strikes you with the simplicity of its furniture that lives in a bubbly atmosphere full of energy.

G

iunti a piedi in via Tadino troviamo Paolo Zani davanti al portone della Galleria. Svelto e cordiale, col fare di chi non ha tempo da perdere nemmeno per precisarlo, ci propone di intavolare la nostra conversazione da Pavè, la caffetteria di recente apertura, collocata nello stesso isolato. È un luogo squisito, in tutti i sensi… Ci si sente a casa propria, e tra il profumo delle brioches che vengono continuamente sfornate nel laboratorio retrostante - in trasparente rapporto con la sala mediante vetrate divisorie - e il gusto vintage degli mobili, che sembrano voler ridare vita all' accogliente cucina di una vecchia casa di campagna, è inevitabile trovarsi presto coinvolti nella più amabile dialogare.

Diamo inizio così a un appassionato confronto sull'arte contemporanea, un comunicare sciolto e spontaneo, inevitabilmente trasversale. Dopo l'appagante colazione ci siamo trasferiti nello studio di Paolo Zani. Piccolo e tinteggiato di bianco, collocato all'interno della galleria colpisce per la semplicità degli arredi che convivono in un'atmosfera effervescente e densa di energie.

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Words / Parole Francesca Vischi

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Re-used tables, various vintage chairs. Photo courtesy of Pavè.

Tavoli di recupero, sedie vintage diverse tra loro.

Foto courtesy by Pavè.

Francesca Vischi: How did you get involved in contemporary art? Paolo Zani: By chance. It was 1992, and I saw a painting in a small gallery in my city that struck me so much that I bought it, investing all my savings from the classic tomato harvest that students do in the summer, and that curiously matched the painting’s price.

From then on I never stopped dedicating myself to art. It was the language that I felt closest to. In fact, I understood that it was exactly “my language”. But because I didn’t have a background in the field, not as an artist, nor as a theoretician or historian, and certainly not as a merchant, I made my first contacts with this universe in the role of a collector. In a heartbeat, I found myself going through every magazine in the field until I developed my own idea of contemporary art as an expression and interpretation of the world.

I loved it and it gave me a fundamental sense of freedom.

I had a lot of affinity with the artists, and Maurizio Cattelan was my point of reference. At the same time, I continued to keep up with news and information until I clearly grasped how the art system worked.

So I acquired competence, perhaps not without some naivety underneath, woven in with various random elements, illuminating coincidences that in their objective flimsiness fed my passion.

Francesca Vischi: Come ti sei avvicinato all’arte contemporanea? Paolo Zani: Per caso, era il ’92, vidi un quadro in una piccola galleria della mia città che mi colpì al punto che lo comprai, investendo tutti i guadagni della classica raccolta di pomodori che si fa da studenti in estate, e che curiosamente coincidevano col valore del dipinto.

Da allora non ho mai smesso di dedicarmi all’arte, era il linguaggio che sentivo più vicino, anzi, capii che era proprio il “mio” linguaggio. Ma non possedendo un background in materia, ne come artista, ne come teorico e storico, e tanto meno come commerciante, ho acceso i miei primi contatti con questo universo nelle vesti del collezionista. In un attimo mi sono ritrovato a scandagliare tutte le riviste del settore per giungere a elaborare una mia idea dell’arte contemporanea come espressione e interpretazione del mondo.

Ciò mi appassionava e trasmetteva un irrinunciabile senso di libertà.

Sentivo molte affinità con gli artisti e Maurizio Cattelan da subito è stato il mio punto di riferimento. Contestualmente a tutto questo ho continuato ad aggiornarmi senza tregua fino a cogliere con chiarezza il funzionamento del sistema dell’arte. Insomma, avevo acquisito una competenza, forse non senza un fondo di ingenuità, intrecciata di casualità varie, coincidenze illuminanti che nella loro oggettiva inconsistenza alimentavano la mia passione.

p FV: Art system: in or out? PZ: There’s a group of artists that is stuck in a sort of “I’d like to but I’m not able-can’t-don’t want to” mentality; it’s a circle that doesn’t feel like they’re part of the art system.

As happens in many other fields there’s who’s in and who’s out, and often whoever’s out declares their own fragility and incompleteness by choosing to accuse and invalidate the system. In these attitudes I sense only a certain inclination towards victimization, even if, it needs to be said, the official areas of art are scary. But as in every field, even in art things can perhaps only change from the inside.

FV: Sistema dell’arte: dentro o fuori? PZ: Esiste una comunità di artisti bloccata in una sorta di “vorrei ma non riesco-possovoglio”, è una cerchia che non si sente parte del sistema dell'arte.

Come accade in molti altri ambiti c'è chi sta dentro e c'è chi sta fuori, e spesso chi sta fuori dichiara la propria fragilità e incompletezza scegliendo di accusare e inficiare il sistema. In questi atteggiamenti percepisco solo una certa propensione al vittimismo, anche se, va detto, gli ambienti ufficiali dell'arte spaventano.

Ma come in ogni ambito, anche nell’arte le cose probabilmente si possono cambiare solo dall'interno.

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art

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passion I chose to act according to the importance of a serious cultural project, not for mere commercial interest. I chose to follow my meanings, my reasons, playing my matches from inside the system, and investing the strength and determination necessary to unmask the some hypocrisies that the system is infested with. I think that things should be tried: only by directly taking on challenges can you open new doors, otherwise they’re destined for others, it’s obvious… There’s also a whole series of dynamics and micro deviations that lead you to dimensions that have never been planned on paper and haven’t even been imagined: this is where the good part is, a sort of unexpected prize that pays back the many efforts. Therefore, you must take action and be there! This is the simplest and most secure method.

And then everyone has their own “lighthouse”. What has always defined my path has been thought and intelligence: you need a deep sensitivity, made of flexibility mixed with coherence, and you especially need very clear ideas. Internal values. Human beings go through various ages that cause them to evolve and they have to adapt to the passing of time, but their heart must always have the same passion.

Io ho scelto di agire secondo le suggestioni di un serio progetto culturale, non per il mero interesse commerciale. Ho scelto di inseguire i miei significati, le mie ragioni, giocando le mie partite da dentro, investendo quella forza e determinazione necessarie per smascherare alcune ipocrisie di cui il sistema è infestato. Penso che le cose vadano esperite, solo mettendosi in gioco direttamente si possono aprire nuove porte, altrimenti destinate ad altri, è ovvio... Esiste anche tutta una serie di dinamiche e micro deviazioni che conducono a dimensioni mai pianificate sulla carta e nemmeno immaginate: è qui che sta il bello, una sorta di premio imprevisto che ripaga dei tanti sforzi. Quindi fare ed esserci! Questo è il metodo più semplice e sicuro.

Poi ognuno ha il proprio “faro”. A solcare il mio percorso da sempre sono stati il pensiero e l'intelligenza: serve una sensibilità profonda, fatta di flessibilità mista a coerenza, e soprattutto serve avere idee molto chiare.

Valori interni. L'essere umano attraversa età diverse che lo portano a evolvere e a doversi adeguare al flusso del tempo, ma il cuore deve avere sempre lo stesso slancio.

Danh Vo, Oma Totem, 2009, objects from the artist's grandmother, Nguyen Thi Ty, received from The Immigrant Relief Program and The Catholic Church on arriving in Germany: 1 Phillips 26 inch TV, 1 Gorenje washing machine, 1 Bomann refrigerator, 1 wooden crucifix, 1 Nguyen Thi Ty's personalized entrance card for a casino, 60 x 60 x 220 cm.

Installation view “Last Fuck”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, Photo by Jacopo Menzani.

Danh Vo, Oma Totem, 2009, oggetti della nonna dell'artista, Nguyen Thi Ty, ricevuti dal Programma di Assistenza agli Immigrati e dalla Chiesa cattolica al suo arrivo in Germania: 1 TV Phillips 26 pollici, 1 lavatrice Gorenje, 1 frigorifero Bomann, 1 crocifisso di legno, 1 carta personale di Nguyen Thi Ty's per l'ingresso gratuito in un casinò, 60 x 60 x 220 cm.

Installation view “Last Fuck”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, Foto by Jacopo Menzani.

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Hans Schabus, Verinnerlichter Ort der Beschränkung, 2009, ramo, grucce, vestiti, scarpe, 205 x 190 x 305 cm, installation view, “Is it the River?”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, Foto: Jacopo Menzani, Courtesy the artist and ZERO..., Milan

Io, pur capendoli, non assecondo i meccanismi in cui viene favorito il numero di opere ai f ini commerciali.

Se anche troppo snobismo allontana la comunicazione ogni galleria deve mantenere il proprio stile, è una necessità naturale, ed è il contributo delle generazioni più giovani all'interno di un criticabile sistema di mercato.

A tal proposito la stessa Art Basel ha assunto un atteggiamento più aperto e attento ai differenti stili. Il suo cuore pulsante, si sa, è il potere. Paradossalmente però dentro la f iera serpeggia qualcosa di folle e bellissimo - come i nuovi progetti culturali che, peraltro, noi da subito abbiamo sviluppato - che si muove a favore della ricerca artistica.

La crisi potrebbe portare al progresso. Per noi la f iera deve essere prima di tutto una mostra, da qui la scelta di esibire quattro opere anziché venti. L’atteggiamento tende a contribuire formalmente alla def inizione delle cose nuove.

Hans Schabus, Verinnerlichter Ort der Beschränkung, 2009, branch, hangers, clothes, shoes, 205 x 190 x 305 cm, installation view, “Is it the River?”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, Photo: Jacopo Menzani, Courtesy the artist and ZERO..., Milan

I don’t support the mechanisms that favor the serial production of works for commercial purposes, even though I understand them. Even if too much snobbery creates a distance in communication every gallery has to maintain its own style, it’s a natural necessity, and it’s the contribution of the younger generations from inside an objectionable market system. On this note, Art Basel itself has taken on a more open attitude that pays more attention to different styles. Its pulsing heart, as we all know, is power. Paradoxically, however, in the fair there’s something crazy and beautiful that snakes through – like the new cultural projects that we’ve developed from the start – that moves in favor of artistic studies. The crisis could bring progress. For us the fair has to be an exhibition first of all, hence the choice of showing four artworks instead of twenty. The attitude tends to formally contribute to the definition of new things.

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Victor Man, manInstallation, installation view, "2WITHOUT GOING INTO THE EXTRAVAGANCE THAT'S IN TREES” solo show, 2007, ZERO..., Milan, Photo: Agostino Osio, Courtesy the artist and ZERO...

Victor Man, manInstallation, installation view, "2WITHOUT GOING INTO THE EXTRAVAGANCE THAT'S IN TREES” solo show, 2007, ZERO..., Milan, Foto: Agostino Osio, Courtesy the artist and ZERO...

FV: Sei un gallerista rispettato e la tua Galleria è tra le più qualificate nel mondo, ci sono scelte particolari che ritieni abbiano determinato il tuo successo? PZ: All'origine di tutto pongo la mia sensibilità per il linguaggio artistico. Le mie competenze le ho costruite, tappa dopo tappa finché l'originaria attività collezionistica si è fatta mestiere.

Ciò che di questo mondo veramente mi attrae di più è la mente degli artisti, le loro idee, il processo creativo che portava all'opera finita.

Per contro avendo scelto la strada del gallerista le dinamiche del mercato dell’arte le ho dovute studiare seriamente, non avendo in materia quell'inclinazione a cui invece ho potuto attingere nella gestione dell’aspetto curatoriale e di ricerca, quello in cui veramente mi rispecchio.

Per questo forse tra i galleristi sono considerato una figura sui generis: non ho mai guardato l’artista sotto la lente del business. L’artista è prima di tutto una persona impegnata nella propria vita e con la propria personalissima, straordinaria visione del mondo, la cui abilità espressiva e comunicativa è tanto potente da generare opere d’arte.

Nulla è mai venuto prima di questa convinzione.

Poi, lavorando nelle fiere mi sono guadagnato buoni supporti. Nel 2006 ho potuto approdare ad Art Basel rientrando tra le otto gallerie emergenti attive in un circuito artistico ancora inedito.

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FV: You’re a respected gallery owner, and your gallery is among the most qualified in the world. Are there any particular choices you feel determined your success? PZ: I put my sensitivity for artistic language at the center of everything. I built up my competence, step after step, until the initial activity of collecting became a job. What really attracts me about this world is the minds of artists, their ideas, and the creative process that brings them to the finished work. By choosing to be a gallery owner, I’ve had to seriously study the market’s dynamics.

I don’t have that natural inclination but I have a propensity for managing the curatorial and study aspect, which is what I really see myself in.

Maybe this is why I’m considered as being particular by other gallery owners: I’ve never looked at an artist with a business eye. The artist is first of all a person who is busy with their own life and with their own personal, extraordinary vision of the world, whose ability to express themselves and communicate is so powerful that it generates works of art. Nothing ever came before this belief.

Then, working at the fairs I earned a lot of support. In 2006, I was able to get into Art Basel and was among the eight emerging galleries active in an artistic circuit that was still unknown.

FV: What’s the relationship like with your artists? How much do you influence them? PZ: With the artists I’ve always had privileged (and intense) relationships during which we experienced moments that are still very dear to us.

I don’t think there can be an influence on the formal side of the work. At most it could be that I give the artist some suggestions about craftsmen or on how to present the work in relationship to the space. I think that when you trust an artist you need to let them act undisturbed, and of course the choice of the artwork is always discussed beforehand.

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Christian Frosi, 2003, Foam, Variable Dimension, Performance, installation view, Christian Frosi solo show, 2003, ZERO…, Milan, Courtesy the artist and ZERO…, Milan

FV: Il rapporto con i tuoi artisti? Quanto li influenzi? PZ: Con gli artisti ho sempre dato vita a rapporti privilegiati (e intensi) nel corso dei quali si è fatto tesoro delle reciproche esperienze.

Sulla formalizzazione del lavoro non penso possa esserci un'influenza, tutt'al più può capitare di fornire all'artista suggerimenti sugli artigiani o su come presentare il lavoro in rapporto allo spazio.

Penso che quando si ripone fiducia in un artista lo si debba poi lasciare agire indisturbato, e naturalmente la scelta dell'opera è sempre pregressa.

Christian Frosi, 2003, Schiuma, Dimensioni variabili, Performance, installation view, Christian Frosi solo show, 2003, ZERO…, Milan, Courtesy the artist and ZERO…, Milan

FV: Have you ever gone back on a decision? What is there in an artwork that convinces you? PZ: I think that here, once again, the skill of recognizing talent comes into play: there’s a magical moment, almost an epiphany when I come into contact with the “right” artwork.

My chords are touched and at the same time my rational side makes objective calculations: from the possibility of production in numeric terms, to the technique, to the physical force invested in the creation of the work. The artist is surely an exceptional individual, but too often here in Italy we forget the craftsman element in them at that “moment of ecstasy” that gives life to an artwork and represents the very best of mankind. I evaluate the person in their entirety, paying attention to traits of narcissism and vanity that the figure of the artist often develops. There have to be variables that don’t waver at the highest level. And this happens rather rarely. I’ve broken off relationships or I’ve put things on hold in cases of uncertainty; but you can avoid all this with experience.

FV: Ti è mai capitato di tornare indietro sui tuoi passi? Cosa c'è nell'opera che ti convince? PZ: Credo che qui, ancora una volta, entri in gioco il talento di riconoscere il talento: c'è un momento magico, quasi epifanico quando mi trovo a contatto con l'opera “giusta”. Vengono toccate le mie corde e contestualmente la mia parte razionale elabora valutazioni oggettive: dalla capacità di produzione in termini numerici, alla tecnica, alla forza fisica investita nella realizzazione del lavoro.

L'artista è sicuramente un individuo eccezionale, ma troppo spesso nel nostro Paese si dimentica la sua natura di artigiano a fronte di quel “momento di grazia” in cui prende vita l'opera e si concentra il meglio dell'essere umano. Io valuto la persona nella sua interezza, tenendo conto anche dei tratti di narcisismo e venalità che spesso la figura dell'artista sviluppa. Devono insomma esserci delle variabili che stanno tutte in piedi al massimo livello. E questo accade piuttosto raramente. Ho interrotto alcuni rapporti e forse tenuti in sospeso per casi di incertezza; tutto questo poi si evita con l'esperienza.

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natural Hans Schabus O.T. (untitled), 2009, aluminium - sign (typeface: mistral), blooms, 194,5 x 250,5 x 64 cm, es. unique, installation view, “Is it the River?”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, photo: Jacopo Menzani, courtesy the artist and ZERO..., Milan

Hans Schabus, O.T. (untitled), 2009, alluminio - firma (carattere: mistral), scope, 194,5 x 250,5 x 64 cm, es. unico, installation view, “Is it the River?”, solo show, 2009, ZERO..., Milan, photo: Jacopo Menzani, courtesy the artist and ZERO..., Milan

FV: The work of certain gallery owners isn’t widely enough known; talking with ordinary people I see that the instruments for understanding the language of art, its meanings, its mechanisms, are lacking. Art has enormous potential in it but paradoxically it’s only accessible to experts. Don’t you think it would be right to implement a contemporary art education? Is there a way to prepare people for art? PZ: I like artists that know how to answer questions with a philosophical matrix, the ones that touch on the more classical and universal content of life, the themes that carry you to the core of existence: “who we are, why we’re here, where we’re going…”. Giving art the task of facing these dilemmas is a great mission and at this point aesthetics don’t necessarily have to be privileged; in my opinion they can be sacrificed in the name of the greatness of the message. Today the artist wins thanks to their intellectual powers, but also with their ability to resist, to be tougher than the others; it’s a natural selection.

FV: Il lavoro di certi galleristi non è abbastanza comunicato; parlando con la gente comune, capisco che mancano gli strumenti per comprendere il linguaggio dell'arte, i suoi signif icati, i suoi meccanismi. L'arte ha in se enormi potenzialità ma paradossalmente non sono rese accessibili, se non agli esperti. Non trovi sia giusto implementare un'educazione all'arte contemporanea? Esiste un modo per preparare la gente all'arte? FV: A me piacciono gli artisti che sanno rispondere alle domande di matrice f ilosof ica, quelle che toccano i contenuti più classici e universali sulla vita, i temi che portano al nocciolo dell'esistenza: “chi siamo, perchè siamo qui, dove andiamo...”. Consegnare all'arte il compito di affrontare questi dilemmi è una missione grandiosa e a questo punto non necessariamente va privilegiata l'estetica, che per me può essere sacrif icata in nome della grandezza del messaggio.

Oggi l'artista vince per la sua portata intellettuale, ma anche per le sue capacità di resistere, di essere più tosto degli altri, è una selezione naturale.

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La politica, per esempio, credo sia un ostacolo per l'arte, va contro la sua stessa natura. C'è questo grande misunderstanding di fondo per cui l'arte deve essere per pochi e trovare il suo effettivo valore nel mercato. E' in circolo da troppo tempo questa convinzione sbagliata. Qualunque giovane, anche se poi non può permettersi l'opera, può avere il suo artista di riferimento. Alle scuole non viene quasi mai proposta l'arte contemporanea, come se in qualche modo spaventasse. Io desidero fondere queste due estremità, quella del mercato e quella legata alla poetica, lontana dagli artigli del business. I bambini andrebbero subito educati all'arte, coinvolgerli sarebbe un progetto molto interessante, ricco di stimoli e nuove aperture. I miei due figli posso dire siano nati dentro la galleria ed è davvero entusiasmante lo spirito con cui un bambino sa guardare all'opera d'arte. L'arte può fornire nel corso dell'infanzia solidi strumenti per affrontare certi temi della vita, soprattutto quelli che spaventano, che non sono subito classificabili. L'arte aiuta a vivere, dilata la dimensione umana e la rende universale.

Mi piace immaginare un mondo dove le figurine non sono dei calciatori, ma degli artisti, con le loro immagini e le loro grandi opere. Sarebbe un semplice mezzo per dare nuovi significati alla vita, perché poi l'artista sa anche essere un eroe seducente. Noi italiani rappresentiamo “il Paese dell'arte” e dobbiamo promuoverla e incentivarla piuttosto che continuare a innalzarla a livelli sempre più esclusivi.

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For example, I think politics are an obstacle for art; they go against its nature.

There’s this big fundamental misunderstanding that art has to be for an elite group and find its actual value on the market. This wrong belief has been circulating for too long. Any young person, even if they can’t afford the artwork, can have their artist of reference. Contemporary art is almost never seen in schools, as if it were scary in some way. I wish to fuse these two extremities, that of the market and that of poetics, far removed from business and its claws. Children should be educated in art right away; involving them would be a very interesting project, full of stimuli and new openings. I can say that my two children were practically born in the gallery and the spirit a child has in looking at an artwork is very stimulating. Art can provide solid tools in childhood to then face certain themes in life, especially the scary ones, that aren’t readily classifiable. Art helps you live, it dilates the human dimension and makes it universal. I like to imagine a world where stickers aren’t of soccer players, but of artists, with their pictures and their masterpieces. It would be a simple way to give new meanings to life, because then the artist also knows how to be a seductive hero. We Italians represent the country of art and we have to promote it and give incentive to it rather than continue to carry it to even more exclusive levels.

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