PAC 2018 by Lorena

PRACTICASARTISTICASCONTEMPORANEAS

2018

intro Este es el séptimo libro de Proyecto PAC (Prácticas Artísticas Contemporáneas). Corresponde a los programas de Artistas y Curadorxs desarrollados durante el año 2018. Si es cierto lo que ciertas corrientes antroposóficas aseveran, comienza un nuevo ciclo. Así se manifiesta con contundencia un nuevo escenario al momento de cerrar esta edición y entrar a imprenta. Pasaron muchos meses que nos permitieron recopilar, editar y diseñar estos contenidos en el formato de un libro. Hoy estamos en medio de una pandemia, nada es como antes. El futuro no depara ninguna certeza. Y esto nos obliga a mirar atrás, para traer ese pasado al presente y ampliarlo. Resignificarlo. Durante todos estos años Proyecto PAC se constituyó como un espacio de pensamiento, de discusión y aprendizaje, pero sobre todo, permeando entre cada

importante y lo que no en la materialidad misma de las obras. Confiar y desconfiar de las palabras, renegociar los puntos de vista, abordar una y otra vez las producciones propias y ajenas con mayor lucidez. Y, en ese ida y vuelta, conocernos. Sentirnos incluso más humildes frente al Arte, su imprevisibilidad y su persistencia. Por todo esto, seguimos apostando, con prepotencia de trabajo y fe ciega. Aunque por doquier se escuche que el Sistema está quebrado, que sólo unos pocos artistas, curadores, galeristas sobreviven. Seguimos construyendo relatos sobre el mundo, sobre nuestro planeta, sobre la vida, sobre lo humano. Seguimos agitando la bandera de la micropolítica. Seguimos automodelándonos y perfeccionándonos solidariamente, con pluralidad de voces, como testigos empedernidos frente a la desesperanza.

intersticio de experiencias, en una red de construcción de sentido y comunidad. Cada generación de artistas, cada edición presentó desafíos específicos, esa especificidad que llevó horas, días, meses abordar, nos redefinió en muchos

Gachi Prieto Agosto 2020

niveles, a título personal. Cada vez, empezar de nuevo, encontrar lo que es

prólogo El proceso creativo es eso que te pasa mientras estás ocupadx haciendo otros

Luego, salís del agua y, una vez que está calma, te buscás en la superficie del

planes. Esta paráfrasis de un verso de John Lennon, célebre por tocar una fibra

río para decirle a tu reflejo que no sos lo que haces sino cómo lo haces; y a ese

íntima de la verdad, ilustra a la perfección la relación que tenemos con nuestras

hacer, sólo vos podes darle un nombre (arte, curaduría, edición, ensayo, prueba

decisiones, intuiciones y ensayos mientras estamos creando: la mayor parte del

y error, vida). Desde el fondo barroso suben como burbujas algunas preguntas:

tiempo ni siquiera nos damos cuenta de qué se trata porque estamos mirando

¿qué sabe tu cuerpo histórico acerca de la práctica a la que te dedicas? ¿qué

con insistencia en otra dirección. En el fragor de mantenernos ocupadxs haciendo,

alcance tiene la palabra que nombra lo que haces, aunque eso esté siempre en

nos tienta más analizar los resultados que entrar y salir de los pasos intermedios.

expansión? ¿qué le vienen a ofrecer a estx curadorx/artistx/editorx/ensayista las

Y sin embargo, son esas decisiones, intuiciones y ensayos los que van definiendo

otras experiencias de tu vida?

nuestro estilo y sobre lo único que podemos tener algún tipo de control.

Mirándote en la superficie del agua fue cayendo la noche. Lo sabés porque

Un programa de artistas, como el que este libro busca recuperar en palabras

junto a tu reflejo ves la luna; también porque hace unos segundos se prendieron

y fotografías, articulado en seminarios, talleres y clínicas (espacios de encuentro

las luces que alumbran las casas de la costa. Te paras para alejarte del río que

y formación de microcomunidades) funciona como un poderoso antídoto ante la

cada vez irradia más frío; giras sobre tus talones y ves un jardín anochecido que

distracción compulsiva y permanente en los resultados antes que los procesos.

es también un festival de luciérnagas. Una danza arrítmica de bichitos voladores

Hace unos años me invitó Gachi Prieto a dirigir el primer taller que tienen lxs

con destellos que se prenden y apagan.

curadores de PAC; también el último. Estar en los puntos terminales de esta

Los reflectores de las casas pueden ser muy potentes, de una luz continua y

trayectoria es un privilegio. Celebro aquí la visión de Gachi, con quien discutimos

enceguecedora pero nunca, nunca, van a poder competir con la belleza discon-

acerca de la importancia de tener un espacio de intercambio, “una clínica”, para

tinua de esas diminutas lamparitas que se suspenden en un verde cada vez más

curadores; algo que no existía en nuestro campo del arte con anterioridad a PAC.

oscuro y profundo.

Me interesa que la práctica curatorial sea como bañarse en aguas agitadas,

Este programa es importante porque funciona como un concierto de lu-

donde una corriente cálida se encuentra con otra más fría. ¿Podés rememorar

ciérnagas que antes que imponer la luz prepotente de la ocupación sostenida,

esa sensación, la de saltar al agua de cabeza y sentir, en un instante, cómo im-

entran y salen de escena enriqueciendo la fuerza sutil de cada proceso creativo.

pacta todo en el cuerpo? El cambio de la temperatura, la humedad epidérmica, la resistencia blanda del medio acuático, el cambio del peso y la gravedad ¿lo estás sintiendo? Efectos que se producen al unísono en todo el sistema perceptivo y se presentan, así, como el antídoto más efectivo ante la fragmentación.

Mariana Rodríguez Iglesias Julio de 2020

ARTISTAS 2018

PRACTICASARTISTICASCONTEMPORANEAS

E Q U IPO

2018

RODRIGO ALONSO

RAFAEL CIPPOLINI

Profesor en universidades nacionales y miembro del consejo asesor del

Nació en Buenos Aires en 1967. Escritor, ensayista y curador argentino.

Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios

Sus crónicas, ensayos, ficciones y artículos fueron publicados en medios

del Media Centre d’Art i Disseny (MECAD) de Barcelona. Crítico de arte

como Página 12, Clarín, La Nación, Perfil, ramona, tsé=tsé, Arte y Parte,

especializado en nuevos medios (fotografía, vídeo de creación y arte

Tokonoma y Otra Parte, entre otros. Desde sus primeras publicaciones a

digital). En 2002 fue invitado a la mesa de debate “Nuevos Selectores

fines de la década del ’80, fue desarrollado un estilo singular de escritura

del Arte Contemporáneo” que se realizó en el marco de ARCO 2002.

que entremezcla ensayo, crónica, ficción y crítica cultural. Fue editor de

Autor de “Diez Años de Vídeo en Buenos Aires” (Ed. ICI de Buenos

la revista de arte ramona,co-editor de la revista de poesía tsé=tsé, y co-

Aires, 1999) sobre la historia del vídeo arte argentino de la década del

laborador permanente de Tokonoma, revista de traducción y literatura.

noventa, “El Arte en Cuestión: Conversaciones entre Luis Felipe Noé y

Se especializó en teoría de la ficción. Entre 1995 y 2003 desarrolló una ex-

Horacio Zabala” (Adriana Hidalgo ed., 2000). Curador de muestras de

tensa obra en colaboración con el escritor Héctor Libertella (1945-2006),

video arte para Medellín (1997), Barcelona (1999), Madrid (1999/2001),

que permanece parcialmente inédita. Junto a Libertella (de quien es su

La Habana (2000), Belfort (2000), París (2001), Berlín (2001), Bogotá

albacea literario), Alfredo Prior, Jorge Di Paola y Na-Khar-Elliff-cé, formó

(2002) y Lima (2002). Curador: “Arte Siglo XXI” (Centro Cultural Re-

parte del Grupo Delta. En 2009, fue nombrado Regente del Collège de

coleta, 1998), “En Torno a la Acción” (Museo de Arte Moderno, 1999),

`Pataphysique, en un notorio referente. Desde el año 2000, es Munífico

“Panoramix” (Fundación Proa, 2000), “I Bienal Internacional de Buenos

Institutor del Longevo Instituto de Altos Estudios Patafísicos de Buenos Aires.

Aires” (Museo Nacional de Bellas Artes, 2000), “Más Allá del Espejo:

Es miembro fundador del Club Argentino de Kamishibai. Cippolini ha

Iberoamérica On-Line” (Centro de Arte, Madrid y TheArmory Show,

aceptado reconocerse como un freak enciclopédico, cultor de la bibliofre-

New York, 2001), “Zona de Turbulencia” (AteneumSali, Helsinski, 2002),

nia y de las relaciones entre arte, literatura y música. Se desempeña como

“José Alejandro Restrepo: Desandando Mitos” (Museo de Arte Moder-

curador autónomo de arte desde fines de los años ’90. Fue curador del

no, 2003) y “Ansia y Devoción” (Fundación Proa, 2003). Es asesor per-

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2013-2014). Entre 2007 y 2011,

manente en el área de artes electrónicas del Museo de Arte Moderno.

mantuvo activo el blog Cippodromo., referencia de ensayo en internet.

TOMÁS ESPINA

ANA GALLARDO

Buenos Aires en 1975. Es licenciado en Artes visuales del UNA. Es-

Nació en Rosario, Argentina, y ha vivido entre México, España y Buenos

tudió en los talleres de Pablo Siquier (2003) y Marina De Caro (2006).

Aires. No tuvo educación formal sino adquirida en talleres de artistas

Participó en la Bienal de Buenos Aires, Argentina (2002) .Merco Sur,

como Víctor Grippo, Miguel Dávila, Jorge Diciervo y Juan Doffo.

Porto Alegre, Brasil (2009). Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina (2010)

En los 80 integró el Grupo de la X y con ellos aprendió de cómo se

Bienal de Estambúl, Turquía (2013). Trienal Poligráfica de Puerto Rico

piensa el arte. Viví en México desde fin de los 80 y principio de los

(2012). En 2009 ganó el Premio Petrobras a las Artes Visuales, Arte-

90. Trabaja en paralelo a su obra, en una serie de proyectos indepen-

BA. Realiza exposiciones individuales y colectivas desde el año 2001,

dientes dirigidos a promover el arte local, a dar visibilidad a prácticas

entre las que se destacan: MUARE, CCEBA, Buenos Aires, Arte Ar-

que no ingresan a los circuitos comerciales o institucionales y a vincular

gentino Actual en la Colección de Malba. Obras 1989-2010, Malba,

artistas mujeres, principalmente, de distintas generaciones. Estas ac-

Buenos Aires, y Yo, nosotros, el arte, en Fundación Osde, y Cromofo-

tividades han tenido lugar en diversos espacios, incluso en su propia

bia, en MACBA. Además participó en diversas muestras individuales

casa. En los años 2005/2006 realizó Periférica, primera feria de espacios

y colectivas en Chile, Brasil, Méjico, Perú, Colombia, E.E.U.U, Francia,

auto-gestionados por artistas. Espacio Forest, fue un proyecto realizado

Alemania, Suiza, India y Japón. Participó como agente CIA (Centro de

en el año 2013, y actualmente La Verdi (2014/2017) y La Verdi México

Investigaciones Artísticas (2010) y docente en el CCK. Su trabajo se

(2017/2018).

encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo.

ANDRES WAISSMAN

JUAN MANUEL WOLCOFF

Nace en 1955 en Buenos Aires, Argentina. Formado en talleres inde-

Buenos Aires, 1980. Actor, director de teatro, y artista visual. Egre-

pendientes, comenzó a exponer muy tempranamente en la Galería

sado de la Prilidiano Pueyrredón, se formó en teatro de impro-

Lirolay en 1973. Condujo programas de radio nacional, entrevistando

visación con Oscar Guzman, máscara neutra con Raquel Sokolo-

críticos, intelectuales y artistas de diversas expresiones. Trabajó en el

wicz, dramaturgia con Ariel Farace y Alejando Acobino, dirección

taller de Augusto Torres (Barcelona,1974) y Antonio Seguí (París, 1978).

y puesta en escena con Emilio Garcia Wehbi, entre otros. Forma

En 1984 se radica en San Francisco, Estados Unidos, donde trabajó

parte de la companía Vima Diamante, con la que realizó las siguien-

en el Consulado Argentino de esa ciudad organizando eventos cul-

tes obras: “Luisa se estrella contra su casa” y “Ulises no sabe con-

turales en representación de Argentina y desde donde desarrolla una

tar” esta última en la sala Sarmiento del complejo teatral de Bs As.

carrera internacional exponiendo en diferentes galerías y museos de

Actualmente es asistente de dirección del “Centésimo mono”

Los Ángeles, San Francisco, Nueva York y diversas ciudades de Europa.

de Osqui Guzman y “Constanza Muere” de Ariel Farace. Desde

En 1992 regresa a Buenos Aires y conduce –junto a Marina Pellegri-

1999 dicta talleres de improvisación en diferentes instituciones. En

ni- por un período de tres años y medio el programa de TV Styles,

2014 comienza a dar clínica artística junto a Tomas Espina y Jose

dedicado a rescatar los valores culturales, especializándose en

Luis Landet, en CIA (Centro de investigaciones artísticas) y en el

las artes visuales. En 1995 crea y dirige el Espacio de Arte Dock

CCK, incorporando la técnica de improvisación a los encuentros.

del Plata. Waissman comienza a desarrollarse en esta etapa como curador y comunicador, asesorando a diferentes funcionarios y organismos públicos en proyectos, gestión y estrategias culturales. En 2005 se publicó el libro WAISSMAN (un artista peregrino) con textos de Rodrigo Alonso, Jordi Aladro, Fabiana Barreda, Florencia Gró y María Paula Zacharías. En 2010 se presenta en MALBA el documental WAISSMAN, de Eduardo Montes Bradley para PBS de Estados Unidos.

E Q U IPO D O C E N TE PR O G R AM A IN TE N SIVO D E C U R A D U R IA Y SE M IN A R IO S

2018

SANTIAGO BENGOLEA

FERNANDO BRIZUELA

Desde finales de los ‘80 está vinculado al medio artístico trabajando en

Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón

distintos espacios culturales. Participa en la constitución de Fundación

y en los talleres de pintura de Carolina Antoniadis y Juan Doffo (1993-

Proa hasta llegar a coordinar el Espacio Contemporáneo. Crea y dirige

1995). Participa de exposiciones individuales y colectivas en todo el

REDgalería y Proyecto RED. Es curador independiente realizando mues-

país desde el año 1998, destacándose el MAMBA (Buenos Aires), MAL-

tras en los principales museos e instituciones de Buenos Aires, también

BA (Buenos Aires, 2012), Casa Nacional del Bicentenario, Fundación

en las principales galerias. Diseña el concepto expositivo del Museo

PROA (2013), Museo Timoteo Navarro (Tucumán, 2018), Centro Cul-

de Periodismo Argentino. Produce junto a Mariano Ferrante la inter-

tural Recoleta y Museo Enrique Larreta, entre otros; entre las exhibi-

vención de la estación Belgrano línea E de Subterráneos de BA. Trabaja

ciones internacionales se destacan el Museo Antropológico y de Arte

junto a Javier Aparicio en el proyecto bosquejar esbozar proyectar en la

Contemporáneo (Ecuador, 2011) y en galería Machete (México DF,

Galería Quimera de las cuales se han editado dos libros por. Es co-cura-

2014). Junto al Grupo Ø presenta el libro Tabla Rasa (1999) en el Centro

dor junto a Monika Dillier del proyecto ¿Quién está dónde? Junto a 15

Cultural Borges. Trabaja junto a Beto de Volder y Mariano Dal Verme

artistas de Basel y Buenos Aires realizado en Villa Renata, Basel-Suiza.

en el proyecto La Re-colección, presentado en Redes de arteBA 2004,

Participa en la muestra Ciudades Invisibles con la curaduría de Silvana

en MALBA, en el Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo Navarro”

Muscio en Ungallery. Cura Cuadernos de Artistas en el Consulado ar-

(Tucumán, 2005) y en el MACRO (Rosario, 2006)

gentino en Nueva York- EUA. Forma parte del Comité de Selección del Proyecto URRA. Integra la comisión de la Asociación Amigos de Proa. Es Coordinador general de PROA21 desde su fundación.

INDIA EDICIONES Victoria Blanco y Eugenia Rodeyro son editoras independientes en Buenos Aires. Ambas tienen un sello llamado India Ediciones y un estudio editorial llamado Estudio India en el que desarrollan contenido en diversos formatos y para distintos soportes. Victoria es, además, editora especializada en gastronomía y arte (coffee table books) y trabaja para la editorial Catapulta como editora general del departamento de proyectos especiales. Eugenia tiene un sello llamado La Luminosa que se especializa en foto libros y libros de artista y da clases en distintos proyectos vinculados con el mundo el arte y la fotografía.

ARIADNA GONZALEZ NAYA Ariadna González Naya es Licenciada en Gestión e Historia de las Artes y desde el 2009 es profesora en la cátedra de Proyectos Culturales en la Universidad del Salvador. Trabajó como coordinadora editorial en Derivapress, un sello independiente de publicaciones de arte. Y realizó algunas curadurías como Zona Inédita en Buenos Aires Photo 2015, Retratos en Fundación Standart Bank 2009, entre otras. Actualmente, se dedica a la catalogación e investigación en archivos de artistas y coleccionistas.

SILVIA GURFEIN

ANDRES PASINOVICH

En 2009 SILVIA GURFEIN comienza a organizar los primeros talleres

Se formó en el taller de Marina De Caro, Ana Gallardo y en CIA.

de escritura orientados a artistas visuales y de otras disciplinas que

Obtuvo en 2019 el Premio Fondo Nacional de las Artes, en 2018 la Beca

dicta inicialmente en su propio taller y con el transcurso del tiempo es

de Movilidad de la Secretaria de Cultura de la Nación, en 2016 la Beca

invitada a darlo en distintas instituciones y talleres en Buenos Aires y

Bicentenario FNA y la Beca Oxenford, Mecenazgo Cultural (2014-17) y

en el resto del país. El taller, en sus distintas versiones (intensivo o ex-

el Fondo Metropolitano en 2013. Realizó las residencias La Verdi CDMX,

tensivo), fue dictado en Universidad Di Tella, Centro de Investigaciones

México en 2019, PIVÓ en San Pablo, Brasil en 2018 y Shigaraki SCCP,

Artísticas (CIA), Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, Centro Cultural

Japón en 2017. Realizó las muestras individuales HORIZONTE (Labora-

Conti, Fondo Nacional de las Artes, Universidad de La Pampa, La Puerta

torio), SABOTAJE (Fundación OSDE), ECUÁNIME (Sputnik Galería) en-

Tucumán y entre otros.

tre otras. Participó de las muestras COMO UN DESTELLO (Casa Nacional del Bicentenario), A ESCALA HUMANA (EAC Montevideo), ABOUT

CHARLY HERRERA Tomó clases de pintura con los maestros litoraleños Raúl Domínguez y

CHANGE (Banco Mundial ESTADOS UNIDOS) entre otras. Participó de los premios FNA, KLEMM, ITAÚ, UADE y SALÓN NACIONAL DE ROSARIO entre otros. Co-dirige el proyecto MARABUNTA.

Ambrosio Gatti. En los años 1998 y 1999 realicé talleres dependientes de la Facultad de Humanidades y Arte en la Universidad Nacional de Rosario.

DANIELA DE LA REZ

Desde el año 2000 ha realizado muestras individuales y colectivas en Argentina y el extranjero. En 2009 expuse individualmente una extensa

Lic. en Gestión e Historia de las Artes por la Universidad del Salva-

edición de fotografías tituladas “Temperatura Perfecta” en Centro Cul-

dor. Maestranda en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano en

tural Ricardo Rojas de Buenos Aires. En los años 2010 y 2011 formé

IDAES-UNSAM. Profesora titular en las cátedras Arte argentino I, Arte

parte de Beca Kuitca UTDT. En 2011 obtuve el Primer Premio Petrobras

argentino II, Mercado de arte y Prácticas del mercado del arte (Univer-

arteBA con mi obra titulada: Autorretrato sobre mi muerte. Ese mismo

sidad de Palermo). Profesora titular de las cátedras Mercado del arte

año representé a la Argentina en la Bienal de Estambul.

y Coleccionismo y Mercado de Arte II (Universidad del Museo Social Argentino). Se desempeñó como Profesora titular de la cátedra Historia del arte en la Licenciatura en Artes Escénicas y Profesora titular de las cátedras Historia de las artes visuales I y II en la Diplomatura en Artes Visuales del Instituto Mauricio Kagel (Universidad Nacional de San Martín) Es profesora de la cátedra Sistematización de los modos pictóricos contemporáneos en el posgrado Especialización en Medios y Tecnologías para la producción pictórica (Universidad Nacional de las Artes)

MARIANA RODRIGUEZ IGLESIAS

MARIA PAULA ZACHARIAS

Licenciada en Artes (UBA) e instructora de Kundalini Yoga. Dicta clínicas

Graduada de la Licenciatura en Periodismo (Universidad del Salvador).

y talleres de escritura para artistas y curadores. En el 2013 fue becada

Obtuvo la Diplomatura en Gestión Cultural en Idaes (Universidad de

en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, para

San Martín). Fue titular de cátedra en la carrera de Periodismo de la

participar como crítica/curadora y en el 2016 fue invitada por el Minis-

USAL. Colaboradora especializada en artes visuales desde 2004 para

terio de Cultura de la Nación para realizar el Curatorial Program for

el diario La Nación. Autora de los libros: Guillermo Roux en sus propias

Research en Europa del Este. Mariana ha formado parte del equipo

palabras (Ariel, 2018), Estado del Arte (India 2016 y 2019) y Entrevista

de ramona. revista de arte sin imágenes, y produjo el proyecto Bola

con el Arte (India, 2019). Conduce junto a Fernando García el programa

de Nieve para Fundación Telefónica. Diseñó cursos para la Asociación

¿Por qué son tan geniales? (Radio Cultura desde 2016). En 2015 la Aso-

Amigos del Malba y es convocada como jurado de premios tales como:

ciación Argentina de Galerías de Arte le otorgó el Premio a la trayecto-

Premio Itaú Artes Visuales; C.Lab #4 - Mercosur (San Pablo, premio para

ria y en 2019 el Primer Premio Adepa en la categoría Cultura e Historia.

curadores); Jurado de selección de galerías para FACA, Becas Oxenford entre otros.

SEBASTIAN VIDAL MACKINSON Curador e investigador. Actual curador en Museo de Artes Plásticas “Eduardo Sívori.” Obtuvo la beca Profession Culture como investigador de arte latinoamericano en Institute Recherche et Globalisation (Centre Georges Pompidou, 2013) y Jumex para participar de ICI (México DF, 2014). Ganó el Programa Jóvenes Curadores arteBA 2015. Entre varias exposiciones colectivas e individuales que ha curado se encuentran Oasis. Afinidades conocidas e insospechadas en un recorrido por la producción artística de nuestro tiempo (DIXIT, arteBA 2016) Hacer con lo hecho. Arte y vida cotidiana en la escena argentina contemporánea (MMAM, Cuenca, Ecuador); Soberanía del Uso. Apropiaciones de lo cotidiano en la escena contemporánea (Espacio de Arte Fundación Osde, 2014); Panteón de los Héroes. historias, próceres y otros en el arte contemporáneo (Espacio de Arte Fundación Osde, 2012); Plausible/ficcional (Document Art, 2013), entre otras.

CAROLA ZECH Pintora, escultora, docente e investigadora en artes, se graduó como Profesora Nacional de Escultura y Licenciada en Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional del Arte (2001) Formó parte del Grupo Periferia entre los años 2002 y 2005, junto a quienes ganó la beca del Fondo de Cultura de Buenos Aires. Zech desarrolló obras site specific en las ciudades alemanas de Hamburgo (2003, y entre 2008 y 2010) y Darmstadt (2007). Como escultora obtuvo el Primer Premio de Escultura en el Salón Manuel Belgrano del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (2008) y el Segundo Premio en Escultura del Salón Nacional de Artes Visuales (2010), entre otros. Desarrolla proyectos de arte junto a especialistas del área de la Física y la Ingeniería, vinculando sus conceptos a la tecnología.

JOSEFINA ZUAIN Bailarina y escritora. Coordina talleres de escritura para artistas y se desempeña como consultora de proyectos artísticos. Doctoranda en Teoría del Arte (UBA). Se ha desempeñado como asistente y colaboradora coreográfica para diversos proyectos artísticos y miembro de diferentes jurados de selección y premiación (Residencia MANTA, PRODANZA MCGBA, PAPO Arte y Política en La Paternal, entre otros). Recibió el premio del Fondo de Desarrollo Nacional para emprendedores culturales. En el 2015 recibió la Beca Nacional Fondo Nacional de las Artes, con un proyecto de investigación que reúne danza y escritura. Dirigió el Laboratorio de Reflexión institucional organizado por el Festival de Danza de Buenos Aires. Fue seleccionada para participar de la Residencia Labra Danza, en Uruguay INAES. Dirige Segunda Cuadernos de Danza y se encuentra editando el libro Segunda En Retrospectiva.

A l e j a n dro K a pla n s k i

Luciana Pia Faccini

C e c i l i a Fe rra ri

M agdalena Mig none

C h r i s tian Rif f e l

M ar iela Paz I zuriet a

M a r í a C on st a n za Ab e te

D i a n a Are s

E l e n a B la s co

F e d e r ic o M a ttioli

H e l i a na Ru cco

J u a n Pa b lo C orre a

Karen Bendek

M ar ino Balbuena

Nicolás Mont i

Nicolás R odrig uez

R oc ío F ernández Charro

Santos L oza

Saúl R ivas Berríos

Tr inidad Met z Brea

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ALEJANDRO KAPLANSKI (Buenos Aires, 1961). Es dibujante y pintor. En la adolescencia asiste al taller de la grabadora Luisa Reisner realizando sus primeras prácticas de dibujo. En el taller de Juan Carlos Distéfano dibuja modelo vivo durante dos años. Es una de sus más importantes influencias formativas en el arte en general, el teatro, la música, construcción de la figura, composición. Estudia guitarra y armonía con Luis Aizenstat y jazz con Gustavo Sadofschi, Lito Epumer y en la EMBA. Se forma en teatro con Jorge Lira, Pompeyo Audivert, Julio Chavez y Guillermo Angelelli. Asiste a AEBA, a los talleres de Jorge Requena, Jorge Mansueto, Ariel Mlynarcewicz y Fernando O’Connor. Estudia historia del arte con Marta Zatonyi y Nicolás Javaloyes entre otros, Motion Graphics y modelado 3D en Image Campus y Escuelas Da Vinci. Anatomía artística con Juan Herrera. Realiza clínicas con Tulio de Sagastizabal y participa de PAC 2018. Participa en numerosos salones recibiendo diferentes distinciones y premios. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Dibujo de algo 03. Carbonilla y lápiz carbón sobre tela. 100 x 70 cm. 2019

Dibujo de algo 01. Díptico, pieza A. Carbonilla y lápiz carbón sobre tela.100 x 70 cm. 2019

Dibujo de algo 01. Díptico, pieza B. Carbonilla y lápiz carbón sobre tela.100 x 70 cm. 2019

No sé como son las cosas. El mundo es muy complejo. La energía para tratar de entender algo nunca alcanza. Inevitablemente los consensos y las convenciones son las que construyen ficciones y apariencias de realidad. Todo está en movimiento, en desarrollo, interactuando, incompleto. Y en un intento, en el juego de calmar la incertidumbre, los dibujos, mis dibujos, son probablemente representaciones o más bien reflejos o proyecciones de algo, y ese algo puede aparecer a veces proponiendo un poco de sentido. Sin embargo no es “la cosa”. Porque detrás de las apariencias... hay más apariencias. Estos dibujos no parten de un modelo y la referencia física no existe. Sin embargo podría reconocer estructuras, construcciones, espacios, hábitos, deseos. Hay algo en ellos que me resulta conocido. Quizás algunas formas o estrategias que se ponen insistentes, la forma de tratar la línea siempre amiga, el enorme placer del dibujo. Son dibujos de algo.

Dibujo de algo 04. Carbonilla y lápiz carbón sobre tela.100 x 70 cm. 2019

CECILIA FERRARI (Pergamino, Buenos Aires. 1993). En 2012 se mudó a Buenos Aires, donde vive actualmente. En 2014 inició su formación en dibujo y pintura en el Taller de Guillermo Roux donde estudió durante 4 años. Se recibió de Técnica Superior en Artes Visuales en la Nueva Escuela de Diseño y Comunicación (2016). Participó del Programa de artistas PAC. Realizó talleres con Alejandra Mizrahi y Valeria Conte Mac Donell y asistió semanalmente al seminario de arte contemporáneo y contextos con Gabriel Baggio (2018). Fue seleccionada para participar de la residencia Manta & El Galpón (2019). Participó de muestras colectivas: “Paliativos” en Galería Gachi Prieto; 2018. Muestra de alumnos del Taller Guillermo.Roux;. 2014, 2015, 2016 y 2017. .“Indiferencias.. Recorridas” - FASE 9 en el C3; 2017. “AGUA” en Espacio Rizoma (Pergamino); 2017.

Atemporal III. Esmalte sintético sobre tela. 145 x 80 cm. 2017

Sin tĂtulo. Cemento, yeso y hierro. 2018

Realizo obra en formato escultura, dibujo, fotografía, textil e instalación. Soy hija de madre y padre ingenieros agrónomos, relacionados con la práctica de la agrícultura y desde chica desarrolle un interés y una atracción muy fuerte por las formas y características de la topografía de los lugares que recorro. Mi último cuerpo de obra es el resultado de una investigación intuitiva basada en la experimentación con diferentes materiales. Utilizo el material por fuera de su uso diario y le asigno una forma y terminación que ponga en jaque lo que el ojo percibe. Empleo la fotografía para retratar situaciones formales que me interesan del contexto que me rodea para luego utilizar este material de referencia a la hora de trabajar. Busco analizar los efectos causados por los choques entre materiales y reflexionar sobre la relación forma-contexto y la conexión entre el proceso de creación y lo especulativo de los resultados finales. Instalación. Cemento, ferrite y malla mosquitero de plástico. 60,5 x 160 x 75 cm. 2018

CHRISTIAN RIFFEL (Buenos Aires, 1982). Pintor, Muralista, Escultor. A fines de los años ‘90 comenzó su carrera de muralista en San Martín (Buenos Aires), al mismo tiempo que estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA). Realizó murales en diversos países de América y Europa. Participó de numerosas muestras colectivas, residencias y festivales de arte urbano internacionales. Hacia 2010 se vuelve a la abstracción y la geometría, a través del lenguaje de la pintura, la escultura y las instalaciones lumínicas. De sus exhibiciones individuales destacan: Emplazamiento, luz, color, espacio (Espacio Caballero, 2018), Código Óptico - dialéctica lumínica (Galería MODOS, 2017). Ver sólo se aprende mirando (Union Gallery, 2016), Fuerza (Honneycomb Gallery, 2013). Realizó clínica de obra con Leila Tschopp y talleres con Silvia Gurfein, Karina Peisajovich, Alfio Demestre, entre otras. Asistió al Programa PAC 2018 ( Prácticas Artísticas Contemporáneas - Galería Gachi Prieto). Sus obras pertenecen a colecciones privadas en Canadá, Alemania, Holanda, Estados Unidos y Argentina.

Límite Discrepante III. Acrílico sobre tela. 160 x140. 2018

Movimiento Incierto. Mural. Latex sobre pared. 20 x 5 m. 2016

Lo que miro me pertenece. 3 Ensayos. Madera, Luz, Led. 200 x 300 x 200 cm. 2018

Me fascina lo que emana de la ciudad: el diálogo urbano, el graffiti, la vorágine y el caos que transito en bicicleta. Observo la arquitectura, las medianeras, el trazado de la ciudad. Aquello que se despierta con la puesta del sol y la luz que irrumpe en la noche: cómo sus sombras se proyectan y suscitan otras que se desvanecen, complejizan, revelan y desvelan formas ocultas. Llevo esta experiencia al terreno de las artes visuales. A través de pinturas, esculturas e instalaciones lumínicas, construyo una poética de la geometría y el espacio. En pintura, indago con figuras superpuestas y vacíos que generan sutilezas en el color y tensionan lo tridimensional en el plano, además del uso de formatos y soportes diversos. En el trabajo instalativo, interpelo la apropiación del espacio inmaterial. A partir del redireccionamiento de la luz con espejos, se generan reflejos y sombras que polidimensionan la geometría del espacio. El resultado es un corrimiento, una descentralización del objeto y el despertar de una mirada que evalúa y aprecia, que da forma y hace sentido.

Límite discrepante V. Acrílico sobre tela. 160 x 140 cm. 2019

MARÍA CONSTANZA ABETE (Buenos Aires, 1985). Artista visual. Licenciada en Artes Visuales de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) con orientación en pintura. Forma parte de Zafarrancho Studio, espacio de colaboración artística. Se formó en los talleres de Leila Tshopp y Guillermo Roux, realizó clínica de obra con Pablo Siquier (UNA), cursó los programas de formación Cazadores del Arte, y Prácticas Artísticas Contemporáneas (PAC), realizó estudios en Escultura, Mixed media y pintura al óleo en Central Saint Martins, University of the Arts (UAL), Londres Inglaterra, donde realizó también una pasantía en Westbank Gallery, Nottinghill.

Postparto. Instalaciรณn. Globos, helio y cinta. 300 x 300 x 50 cm. 2018

Globo. Yeso. 40 x 30 x 30 cm. 2016

Realizo máscaras y cabezas en yeso y cera de abeja , dispositivos y textos en el espacio con globos de helio, dibujo y pinto en óleo en barra, pastel óleo, crayones y tinta. Trabajo a partir de objetos pertenecientes al imaginario de una adultez aniñada, al universo de los cartoons, los objetos-juguetes, relatos infantiles y las películas de culto. Busco en cotillones objetos utilizados en celebraciones y situaciones festivas para impactar y atraer, y poder a través de su re- significación hablar del desencantamiento, la pérdida, lo que no fue, la presencia de lo ausente, y la muerte. Re significo estos objetos a través de ciertos procedimientos, desplazamientos y relaciones, para lograr una sensación de extrañamiento como un posible modo de habitar la alienación ante lo familiar y conocido. Me interesa la sensación de contradicción que provocan los relatos e imágenes familiares que pueden, a partir de pequeños corrimientos, perder su familiaridad y develar una presencia inquietante.

Ruido Blanco. Site specific. Máscaras en yeso y venda enyesada. Audio en loop ruido blanco. 320 x 200 x 220 cm. 2017

DIANA ARES

Alegoría de nuestro encuentro I. Coral y papel maché. 10 x 5 x 5 cm. 2018

(Buenos Aires, 1986) Estudió profesorado en artes visuales con orientación en escultura, ESBA Regina Pacis, San Isidro (2004-2008). Continuó su formación con Héctor Maranesi, Daniel Joglar y Leila Tschopp. En el 2018 participó en el programa de artistas de Proyecto PAC, Galería Gachi Prieto. Concurrió a las residencias Tokio galería, Lima, Perú, 2018; Casa de piedra, Catamarca, 2017; Dajaus, coordinada por Silvana Lacarra y Martín Groisman, CABA, 2016. Fue seleccionada en diferentes salones, entre ellos cabe destacar el Salón Nacional de Rosario, Castagnino Macro, Rosario, 2018; el Premio arte joven Fundación Williams, arte textil, 2016; el Salón Nacional de Artes Visuales, Instalaciones y medios alternativos, Palais de Glace, CABA, 2016 y 2011; el Salón Nacional de Artes Visuales, en la disciplina Escultura, Palais de Glace, CABA, 2014 y 2015. Obtuvo el Primer premio en el XLVIII Salón Fernán Félix de Amador, Vicente López, Buenos Aires, 2018. Las principales exposiciones en las que participó fueron “El placer del exilio”, Galería Gachi Prieto, 2018; “Dislocaciones”, Tokio galería, Lima, Perú, 2018; “Microondas”, Tokio galería, Lima, Perú, 2018; “Lo traje desde Barú”, Quinta Trabucco, Vicente López, 2015; Museo urbano, vitrina del hospital Velez Sarfield, CABA, 2015.

Doble. Piedra y papel machĂŠ. 8 x 7 x 6 cm. 2018

La naturaleza no tiene afuera. Papel y coral rojo. 7 x 4 x 5 cm. 2018

Colecciono restos que encuentro: un pedazo de coral, un trozo de madera, un hueso. Siempre deben caber en mis manos. A estos hallazgos les suelo agregar prótesis y sustitutos. La finalidad de estos es proyectar las partes ausentes de las piezas, armar una posible totalidad a partir del fragmento. En un dialogo amoroso, fabrico volúmenes de papel que van ensamblados a esas piezas encontradas. Otra serie de trabajos se relacionan con el espacio. Observo las interrupciones que aparecen en la arquitectura. Captan mi atención las distribuciones de tubos por los que pasan las instalaciones eléctricas, de gas y desagües. Mis trabajos señalan lo que está debajo de la superficie. Las estructuras de papel se enlazan en el espacio y sugieren nuevos circuitos ficticios, conectando lo antes inconexo de forma arbitraria e inútil, como un sistema circulatorio precario. Me interesa lo vinculado a la dicotomía entre la interrupción y la conexión, la retroalimentación entre lo sólido y lo transitorio. Lo inmodificable dialogando con una estabilidad pasajera y fugaz, en un estado de equilibrio suspendido, planteando una nueva posible forma de habitar el espacio. Sin título. Instalación site specific. Papel. Medidas variables. 2017

ELENA BLASCO (Rosario, Sta. Fe. 1964). Se dedica al arte desde siempre y si bien incursionó en otros lenguajes elige la pintura como soporte para su trabajo. Su formación va desde Proyecto PAC y Clínica Vecino-Burgos, cursos de teoría del arte contemporáneo con el Prof. J. López Anaya, Prof. Elena Oliveras, Prof. Lucas Fragasso, Dr. Jorge Figueroa y la Dra. Claudia Laudanno a la formación más académica en las Escuelas de Arte Pueyrredón y La Cárcova. En 2018 año recibió el 1er premio del Salón Nacional de Artes Visuales en la disciplina Pintura, salón del que participó en muchas oportunidades, así también recibió una mención del jurado en La 5ta edición del Premio Bienal de Artes Visuales Areatec y es asidua participante en numerosos salones desde hace muchos años. Entre sus últimas exposiciones en 2018 su obra fue exhibida en el Museo Provincial de Arte Timoteo Navarro de Tucumán invitada a la muestra El Exotismo de lo Ajeno o como teorizar sobre lo cotidiano, curada por la Prof. Marisa Rossini y fue invitada a formar parte de la residencia La Rural en Raco, Tucumán. Es editora de la editorial de poesía visual 1 d 1 editora.

Jazmines. Óleo sobre tela. 140 x 90 cm. 2016

Gato acostado. Ă&#x201C;leo sobre tela. 200 x 200 cm. 2018

El abanico chino. Ă&#x201C;leo sobre tela. 150 x 150 cm. 2018

En mis obras de los últimos años está presente la experiencia de lo diario, donde busco encontrar la maravilla de lo cotidiano, la ciudad, la naturaleza, lo domestico, los amigos, el espacio público y el privado. Principalmente soy pintora y mi medio es la pintura al óleo, el realismo, la atmósfera, la incidencia de la luz, la poesía, el color. En este momento estoy explorando las posibilidades poéticas del gris y su sutileza en las luces y sombras, pero en otras obras me he interesado más por los claroscuros, los contrastes bien marcados, el dramatismo en la atmosfera. Trabajo en sacar máximo provecho del material, la cantidad de capas de pintura, el barrido, la untuosidad del óleo, las superposiciones, los cambios de escala, siempre en función a la poética y al clima de la obra. Me gusta también dar un efecto cinematográfico, como de fotograma, de algo que pasó o puede suceder en cualquier momento, esa inminencia de una revelación que no se produce.

Ceibo con niebla. Óleo sobre tela. 110 x 150 cm. 2013

FEDERICO MATTIOLI

ERAMECÁNICA. Serigrafía y óleo sobre chapa negra decapada.100 x 120 cm. 2016

(Buenos Aires, 1980). Licenciado en Artes Visuales (IUNA) se desempeña como docente de la institución para los 3 niveles de OTAV-Pintura. Destaca en las Cátedras Bissolino y Soibelman de Proyectual. Cursó dos años la carrera Artes de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA (2002-2004), y entre los numerosos cursos y talleres a los que concurrió, se destaca por influencia el seminario “Taller de Estética” (2006) dictado por el profesor Lucas Fragasso. Entre el 2003 y el 2010 participó del taller de Hector Destéfanis, y trabajó también como asistente de Carlos Arnaiz y Mariano Ferrante. Del 2012 al 2014 ofició como responsable curatorial del espacio-galería La Dulce (Buenos Aires, Argentina). Junto a Victoria Iriondo y a Juan Dolhare (Plataforma MAPA) fue seleccionado para el diseño e intervención de la fachada exterior del Centro Metropolitano de Diseño (CMD, Buenos Aires), obra finalizada en 2013. Participó de numerosas muestras colectivas y salones, destacando en 2014 el 1° Premio de Pintura de la Fundación Rómulo Raggio y la selección para el Premio ITAÚ Cultural 2015. Integró el grupo de grabado La Escofina, proyecto impulsado gracias a la Beca 2013 de la Fundación Pécora (ANBA) para la producción de arte gráfico. Actualmente dirige el emprendimiento el Club de Grabado y Obra Gráfica ATOCHA.

La Captura. Acrílico y Óleo sobre tela. 100 x 120 cm. 2016

Kusch. Acrílico y Óleo sobre tela. 100 x 120 cm. 2016

Trabajo en el cruce y el desborde entre las disciplinas gráficas y la pintura. Hace un tiempo me acerqué a la gráfica atraído por la idea de serialidad, y en que copiar es familiarizar algo. Me interesa el mundo de lo mecánico. Las fábricas, los cordones industriales que se levantan alrededor de las grandes ciudades como un proyecto lineal de lectura hacia el progreso. A través de la mecánica (o lo antropo-industrial) propongo una reflexión acerca del fantasmático sueño de la industria nacional y el aspiracional periférico de la calidad y la eficiencia como un simulacro de horizontes simbólicos que otorgan una seguridad estándar. Pero lo que más me interesa es la idea de Unidad planteada por los procesos de la era mecánica, en contraposición a la idea de conectividad planteada en veladura por la era digital y su (di)solución: ¿Será posible una arqueología de lo digital? Además de mi trabajo en solitario, desarrollo proyectos con otros artistas y agentes de la cultura. Co-dirijo la galería Atocha, proyecto independiente dedicado a la producción y difusión de obra gráfica contemporánea.

Ficcional. Óleo y carbón sobre tela. 100 x 120 cm. 2015

HELIANA RUCCO (Buenos Aires, 1984). Es Licenciada en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Arte (UNA) y estudiante de psicología. Se sigue formando en los talleres de las artistas Lula Mari y Marina de Caro. En 2018 realizó el programa de artistas PAC en Gachi Prieto. Desde 2009 participa en exhibiciones individuales y colectivas, destacando la muestra individual “El misterio es lo visible” en 2012 en la Galería del departamento de Artes Visuales de UNA; participación en “Vive y trabaja en Buenos Aires” en la galería La Dulce en 2013; “Patio de Salvataje” en el Centro Cultural Recoleta en 2019; y en la muestra “Paliativos” en la galería Gachi Prieto en 2018. Su obra ha sido expuesta en el Centro Cultural Haroldo Conti en el marco del premio Prilidiano Pueyrredón, donde obtuvo el Primer Premio en 2011. En 2018 es seleccionada en el salón anual del Fondo Nacional de las Artes. En UNA ha obtenido becas de producción, participado de grupos de investigación y se ha desempeñado como ayudante docente. Ha realizado trabajos de gestión cultural y presentación de proyectos institucionales en el espacio de arte de las residencias DAJAUS. Vive y trabaja en Buenos Aires. FeVer. Carbón sobre tela. 50 x 35 cm. 2018

Boticario. Objetos carbonizados. Medidas variables. 2018

Construyo a través de objetos, pinturas y dibujos escenas en donde se observan pseudo-paisajes o ilustraciones dramáticas de elementos vegetales. Genero climas que proponen al observador un estado introspectivo de alto impacto psicológico. Utilizo la naturaleza en su capacidad de evocar elementos arquetípicos de dominio común a todos los hombres y mujeres. Indago acerca de la permanencia en la psique de estos elementos, eligiendo específicamente aquellos que ponen en tensión lo permanente y lo mutable. Es posible rastrear en mi producción la utilización de los elementos básicos: Agua, Fuego y Aire. El aire es viento que arrasa y cambia la morfología del paisaje a su paso. El agua se hace presente en tormentas detenidas en un momento específico, un punto de inflexión en donde algo va a transformarse inevitablemente. El fuego que siempre cambia y todo lo cambia, aparece en escenas que remiten a incendios o como la obtención de los restos de un proceso de quema de objetos naturales. Son imágenes que tienen un correlato en la psicología y simbolismos Jungianos, abordando la pregunta de cómo se presenta la tensión entre lo que es permanente y mutable en la psique humana.

FeVer 4. Carbón sobre tela. 50 x 70 cm. 2018

JUAN PABLO CORREA (Guayaquil, Ecuador. 1978). Se formó profesionalmente en: historia del arte del siglo XX en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, fotografía en FOP y Motivarte, talleres de Susana Mutti y Gonzalo Engel, escenografía y vestuario en el Sindicato de Cine Argentino, creatividad publicitaria y dirección de arte en Brother Escuela de Creativos. Entre 2007 y 2010 vivió y trabajó en República Dominicana como retratista turístico. En 2010 volvió a la Argentina donde retrató artistas de Rock y moda under. Sus fotos han sido publicadas en revistas como “Experiencias KONEX“, Revista Caras, Time Out México, Diario Andina de Perú, entre otros. Participó de publicaciones editoriales en el libro de conmemoración por los 10 años de la Ciudad Cultural Konex y el libro de los 10 años de la bomba de tiempo. Desde 2014 hace series de fotografías abstractas y realizaciones escenográficas, línea conceptual que actualmente fundamenta su cuerpo de obra. En 2018 partició de PAC clínica de artistas de la Galería Gachi Prieto. Tiene taller en PANAL 361 donde hace dirección creativa de diseño Audiovisual y Fotografía de su estudio Mente. Vive y trabaja en Buenos Aires

Ovni. Negativo escaneado. 50 x 70 cm. 2018

Dimensiones. FotografĂa digital impresa en papel de algodĂłn.100 x 70 cm. 2013

Greemland. Negativo escaneado. 70 x 50 cm. 2018

La cotidianidad toma el primer lugar en el concepto de mi trabajo. Mi búsqueda es llevar esta idea a su extremo hasta que llegue a convertirse en obra. Trabajo la cotidianidad como un acto político sobre la hipocresía general del ser humano, profundizo esta idea desde la síntesis, sin violencia, con el propósito de traducirla a un lenguaje suelto y sin pretensiones.

Poliamor. Escultura en yeso pintado. 110 x 50 x 110 cm. 2018

KAREN BENDEK (Colombia, 1986). Nació en el archipiélago caribeño de San Andrés, Colombia, entre mezclas de historias, colores, y cuerpos afrodescendientes. En 2004 se traslada a la ciudad de Bogotá. Finaliza sus estudios de actuación en la La Casa del Teatro Nacional de esa ciudad en 2007. En julio de 2008 se muda a la ciudad de Buenos Aires, Argentina, donde finaliza la Lic. en Artes Visuales con énfasis en pintura en el año 2013, en la Universidad Del Museo Social Argentino. Ha asistido a clínicas de análisis de obra con diferentes artistas de la actualidad argentina como Tulio de Sagastizábal en 2017, entre otros. Su obra hace parte de la colección itinerante Múltiplos de Carpe Diem, dirigida y curada por Lourenço Egreja, con sede en Lisboa, Portugal. En 2018 asiste al programa PAC Artistas. Además de trabajar en su investigación visual, se dedica a la enseñanza de técnicas de dibujo y pintura en su taller independiente desde 2012 hasta la fecha.

Las cosas que todavia me duelen. Serie Vestidos. Pintura instalación. 200 x 160 cm. 2018

Serie Ropas Amarillas Pintura instalaciรณn. 90 x 80 cm. 2017

En mi obra planteo la idea de ropa como materialidad que contiene información precisa sobre circunstancias específicas. Trabajo diferentes tipos de telas, esmaltes sintéticos y crin de caballo. También uso como material a las acciones; doblar, rotar, colgar, amarrar, arrugar y expandir. Las piezas que elaboro están procesadas por la acción y las relaciones de sus formas con sí mismas y con el espacio. Reflexiono a través de las variables que presentan los materiales y sus comportamientos relativos, sobre aspectos de nuestra naturaleza humana; rupturas emocionales y desencantos que nos componen y transforman momento a momento, mutando no solo nuestros estados anímicos sino también nuestros cuerpos de manera constante. En mis vestidos hay historias de familias rotas y de espacios que solo están en nuestra memoria. También de sensualidad, muertes, diásporas y colores de piel.

Ropas de muerte. Serie Ropas Amarillas. Pintura instalación. 200 x 160 cm. 2018

LUCIANA PIA FACCINI (Buenos Aires, 1987). Nacida en Buenos Aires, Argentina en 1987, creció en una ciudad de la provincia de Buenos Aires llamada Chivilcoy. En la ciudad de Buenos Aires estudió Artes Visuales y obtuvo el título de Licenciada en Artes Visuales especializada en grabado en la Universidad del Museo Social Argentino. Ha participado de numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas Ensayos y desvíos, en el FNA; en el 99º Salón Nacional de Artes Visuales, en el festival Enlaces de la UNTREF, ARN en Fundación Lebensohn y en galerías como Quimera y Gachi Prieto. Participó de talleres como las clínicas de Tulio de Sagastizabal, Leila Tschopp y Horacio Zabala. Integró el colectivo artístico que promocionó el proyecto del Monumento a la Mujer Originaria en la EX ESMA. En Enero de 2018 concurrió a la residencia de Investigación en Arte Contemporáneo en Sao Paulo, Brasil Cooperativa de Arte, Habeas Data V en Überbau_House y, fue becada para participar de la residencia de intervenciones artísticas en la naturaleza, CIMA Residency en El Portezuelo, provincia de Catamarca, Argentina. Desde el año 2013 trabaja como técnica en conservación de documentos escritos, en el Archivo General de la Nación, este trabajo aportó a su formación artística volcándola a la experimentación de la materia. Pedazo 3. Talla en madera. 60 x 90 x 50 cm. 2017

Detalle

Sin titulo. Fundiciรณn a la cera perdida. 95 x 55 x 16 cm. 2018

Rastros No existe un pasado que se deba redimir, existe el vacio, la orfandad, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen. Ana Mendieta

Mi trabajo como artista tiene un fuerte contenido territorial, uso como soporte objetos encontrados fortuitamente en las calles de Buenos Aires, donde vivo y trabajo, que someto a distintas operaciones vinculadas al grabado y la escultura. De este proceso se desprenden mis obras. Busco expresar la marginalidad y el olvido, lo que no está, lo que no se nombra, como parte de nuestra identidad. Supe encontrar en la experimentación a partir de residuos o materiales precarios, una forma de empoderar la pobreza encontrando en la debilidad, la fuerza y, en lo cotidiano, lo valioso. En el proceso me interesa más encontrar que crear, sustraer que añadir, reproducir que producir. La antropología y el arte popular latinoamericano me conmueven. Me referencio e artistas como Liliana Maresca y Ana Mendieta. Siento particular interés por la producción teórica de Ticio Escobar.

Secuencia 17. Técnica mixta xilografía gofrado taco perdido. 150 x 110 cm. 2018

MAGDALENA MIGNONE (Buenos Aires, 1996). Estudió Artes Visuales en la Universidad del Museo Social Argentino. Asiste actualmente al taller de la artista Laura Messing. En el año 2016 formó parte del seminario “Prácticas contemporáneas en el arte de las fibras” con los artistas Chiachio & Giannone. En enero del 2018 participó de una residencia en Alemania, en Berlin Art Institute. Luego, durante el transcurso del año, formó parte del Programa de Artistas contemporáneos (PAC) de la Galería Gachi Prieto. Por otra parte, en este mismo año expuso en varias salas: participó de la muestra colectiva Cavallero Juventus en el Espacio Cavallero, de la muestra “El Placer del Exilio” en la galería Gachi Prieto y fue seleccionada en el Salón de artes visuales Felix de Amador. Siendo el dibujo su herramienta principal, desde la que da origen a sus trabajos, se empeña en buscar la fusión con diversos lenguajes y técnicas para crear otros espacios donde habitar.

Especies varias (Lado 1). Acrílico, lápiz y calado sobre tela. 300 x 90 cm. 2018

Luz nocturna. Acrílico, lápiz y calado sobre tela. 70 x 90 cm. 2017

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Todo se mueve. Nada está lo suficientemente fijo como para poder agarrarlo. Me gusta sin embargo intentar hacer perceptible lo que permanece intangible. ¿Cómo captamos momentos que hemos vivido? ¿Cómo se puede hacer visible el paso del tiempo? Hoy vivimos una vida que se caracteriza por un aumento de velocidad, simultaneidad y disponibilidad. ¿En qué manera modifican estos procesos, la manera en que sentimos horas y años que pasen? ¿Cómo cambian los modos en que tratamos nuestros recuerdos? ¿Aún seguimos construyendo recuerdos como antes? Mis obras son el producto de una acción o investigación y tratan de situaciones específicas. La Línea (2014), que realicé en las llanuras interminables de La Pampa, es un intento de capturar la noción del tiempo. En Post (2015) chocan técnicas artesanales de bordados con las de maquinas industriales, quería prolongar el punto cero entre el cambio de dos generaciones. En la obra Zoom (2016) investigué estrategias de organización de mi memoria visual-digital. Así, a partir de nubes de pensamiento teórico, voy a experimentar lo que he pensando.

La proyeccion de estas formas. Instalación. Acrílico, lápiz y calado sobre tela. 180 x 200 x 50 cm. 2018

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MARIELA PAZ IZURIETA (Buenos Aires, 1987). En el 2019 y 2020 forma parte del Programa de Artistas Visuales y Fotógrafos Proyecto Imaginario (PI), con las clínicas de Fabiana Barreda, Ivana Salfity, Cecilia Lutufyan y Nacho Iasparra, y forma parte también de los talleres de Lorena Fernández. En 2019 participa también del proyecto editorial de Jardines de San Telmo, de Big Sur Books y Estudio Sensible, libro editado con el apoyo de Mecenazgo, con la presentación y muestra colectiva en el mes de marzo en Galería Urquiza. En el 2018 participa del Programa de Artistas PAC, y la exposición colectiva Paliativos, en Galería Gachi Prieto, en Diciembre, presentando la serie por entonces en desarrollo, Cuerpo a Tierra. Participa en exposiciones colectivas como Encuentro Presente, en Elsi Del Río, de la revista fotográfica Caudal, y La Posición del Mar, organizada por la Revista Balam, con motivo de exhibir el material seleccionado y publicado por dichas revistas. En Marzo del 2018 presenta su primer foto - libro individual de fotografía, Una Especie, editado por Sta. Rosa Editora y diseñado por Cecilia Szalkowicz y Gastón Pérsico, en Galería Convoi . El libro forma parte de los catálogos de publicaciones del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), La Casa Encendida ( Madrid ), y tiendas editoriales y ferias de publicaciones independientes de Buenos Aires y La Plata. Balalaika. Foto color 35 mm. 20 x 30 cm. 2018

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Lisboa. Foto color 35 mm. 20 x 30 cm. 2018

Bolsa. Foto color 35 mm. 20 x 30 cm. 2018

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Mi trabajo es un ejercicio de observación y registro del vínculo, de las posibles relaciones que se generan entre las formas que ocupan el espacio en el que nos desplegamos; formas, cuerpos vivos, construcciones arquitectónicas, todes podemos vernos percudides por un leve cambio de luz, de temperatura, de corriente de viento; la manera en la que una sombra se posa sobre una superficie, hace que ésta pase a ser otra, ya no es la que era, y puede que ahora sea algo grandioso. La manera en la que una forma es y se presenta ante la otra, ante el observador, en este caso yo, ésto ya se inscribe como una relación. así en adelante, entiendo a la relación con une misme y con les demás como una historia conformada por infinitas posibilidades. me inclino por las que son de naturaleza sutil, que me son tan impactantes; un simple gesto de manos puede cambiar la atmósfera y transformarla en algo que considero es necesario registrar, en algo que necesito que tenga testimonio.

Melón. Foto color 35 mm. 20 x 30 cm. 2019

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MARINO BALBUENA (Buenos Aires, 1965). Actualmente reside en la ciudad de Buenos Aires. Estudió Arquitectura, cine y fotografía. Hizo talleres con Alberto Goldenstein, Fabiana Barreda, Juan Travnik y Eduardo Gil. Entre los años 1996 y 2001 formó parte del staff de fotoperiodistas del diario La Nación, luego trabajó free lance para revistas de moda y actualidad de Argentina, España, Francia, Bélgica, Brasil, Chile y Uruguay. Fue becario de la Fundación Telefónica, Intercampos II en el 2006, y mostró sus fotos en: Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Rojas, Museo Caraffa, OSDE, MARQ, Museo Castagnino, y en las galerías Klemm, Platt, Palatina, Boquitas Pintadas, Arte x Arte y Gachi Prieto (Argentina), Galería Florencia Loewenthal (Chile), Centro de la Imágen (Mexico) y Latin Art Gallery (Praga). A partir del año 2016 se desempeña en el area textil, mostrando su obra en el XXI Premio Klemm a las Artes Visuales, en el Centro Cultural Rojas y es el fotógrafo oficial de las bienales de Performance BP15, BP17 y BP19.

mirrormen 06. Bordado. 27x 27cm. 2018

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Casa en liniers. Bordado. 27 x 40 cm. 2016

Casa en conurbano. Bordado. 37 x 49 cm. 2017

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Yo, yo, yo parece ser el mantra de hoy. Tomarse una foto de uno mismo ocasionalmente puede ser algo divertido. Sin embargo, cuando veo personas que se toman fotos cada cinco minutos, en todas las poses posibles para postearlas en las redes sociales y cambiar su perfil a diario, algo me hace ruido. Quizás esa noción de apariencia, de ostentación, de superación de la realidad. Mirror Men es una serie de bordados donde a partir de fotos capturadas de la web, pongo de manifiesto el contraste entre la inmediatez del autorretrato digital con el tiempo y dedicación del bordado. Un contrasentido, darle espesura y duración a algo que no lo tiene. Bordar para alargar el tiempo, prolongar lo instantáneo como un deseo de la humanidad. Imágenes de hombres perfectos e inacabados. Desnudos vestidos de cierto clasicismo.

mirrormen 04. Bordado. 27x 27cm. 2018

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NICOLÁS MONTI

911. Fotografía analógica 5_5. 100 X 100 cm. 2001

(Córdoba, 1976). Al proyectar y ejecutar acciones de carácter disruptivo en la vía pública, Nicolás Monti explora las connotaciones estéticas de los distintos dispositivos empleados históricamente por la resistencia civil argentina: pintadas callejeras, intervenciones sobre la arquitectura institucional, movilizaciones y escraches. Este agitprop formalista suele invadir las calles gracias a grupos efímeros y cambiantes que el propio Monti comanda, compuestos por lo general por amigos, amigas y diferentes personalidades de la escena queer nocturna porteña. Dirigió acciones performáticas y colectivas en las calles de Atenas, Berlín, Bruselas, Madrid y Nueva York. Su trabajo de taller está enfocado en la cerámica y en publicaciones pornográficas autoeditadas. Reparte su tiempo entre Buenos Aires y el monte cordobés.

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PCM. Performance frente al Palacio Real de Madrid. Bandera negra de 2000 x 150 cm. y globos negros. 2017

Todxs con el Universo. Performance en el Ferrocarril Mitre. 2018

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Mi obra representa obsesiones, intereses y experiencias personales. Por variadas que sean las técnicas siempre tienen algo en común, una constante, que es mi punto de vista. Las temáticas recurrentes son los medios masivos de información, el consumo, la religión, el cuerpo humano, la memoria, el espacio público y la disconformidad con lo establecido como eje. Admiro la capacidad de creación y su poder. El proceso creativo motiva en su encanto. Gestar una idea, desarrollarla y llevarla a cabo es satisfacción. Algunas de mis obras las trabajo en el taller y en solitario, utilizando técnicas como la fotografía, collage, pintura y cerámica. Otras son pensadas para hacer en grupo y en el espacio público, donde considero que la interacción que se genera con el espectador es muy interesante. Obras de gran magnitud, performáticas o no y en su mayoría efímeras, en donde lo importante es el registro.

Bodegón (wip). Milanesa a caballo con papas fritas. Cerámica esmaltada. 7 x 26 x 26 cm. 2018

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NICOLÁS RODRIGUEZ

Glifosato. Objeto. 26 x 26 cm. 2017

(Mendoza, 1986). Se formó en la UNA (Universidad Nacional de las Artes) especializándose en pintura. Estudió pintura clásica con Alejandro Rosemberg (Buenos Aires) y Scott Waddell (Grand Central Academy, Nueva York). Tomó clínica de análisis de obra con Patricio Larrambebere. Expuso individualmente en Galería Un Lugar en Mundo, y colectivamente en el Museo del Hambre, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Centro Cultural Recoleta, entre otros. Recibió el Primer Premio de Cerámica en el Salón Nacional 2018, participó en el 8° Concurso Nacional UADE de Pintura en 2013, Festival FAUNA Centro Cultural Konex en 2015 y Proyecto PARED Toyota Argentina en 2015 y 2017. Participó del Proyecto PAC 2018 (Prácticas Artísticas Contemporáneas), donde se formó con Rodrigo Alonso, Rafael Cippolini, Verónica Gómez, Tomás Espina, Juan Manuel Wolcoff, Silvia Gurfein, Josefina Zuain y Andrés Waissman. Vive y trabaja en Buenos Aires.

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Detalle.

Figura sobre รณvalo. Instalaciรณn. 150 x 30 x 55 cm. 2018

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Exploro las relaciones materiales y de sentido que tenemos con las cosas. Producciones materiales de consumo, costumbres aprendidas y apropiaciones espaciales son los temas principales de mi trabajo. ¿La cultura deviene forma o la forma deviene cultura? Pienso a la acción, a la forma y al sentido como instancias que atraviesan al ser humano cotidianamente. Trabajo con instalación, objeto, cerámica, dibujo, video y pintura. La pintura tiene una presencia importante en mi obra, posiblemente por ser parte de mi formación inicial. Me interesa la pausa que demanda al ser observada y algo de eso traslado a otros dispositivos. Soy barroco. El arte ofrece fugas y las visibiliza. Reubica lo común y genera nuevos vínculos. En todo caso, encierra un deslizamiento. Lo que fue, lo que es y lo que puede ser.

Jardines de Buenos Aires 2. Instalación. 200 x 100 X 210 cm. 2019

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ROCÍO FERNÁNDEZ CHARRO

#09retratos. Fotomontaje. Medidas variables. 2017

(Buenos Aires, 1989). Es Licenciada en Artes Audiovisuales de la UNA y se dedica a la práctica, docencia e investigación de la fotografía y el arte. Asistió a seminarios y talleres con artistas como Silvia Gurfein y Daniel Joglar, entre otros. De 2013 a 2017 se formó en los talleres de prácticas fotográficas con Lorena Fernández. En 2018 participó de la residencia artística Wabisabi en el delta del Paraná y formó parte del programa de artistas de Proyecto PAC. Expuso sus obras en diversos espacios en Capital Federal y gran Buenos Aires como el Centro Cultural Recoleta, el Palais de Glacé, el Centro Cultural Borges, el Museo de arte contemporáneo del sur, entre otros. Fue finalista del Salón Nacional de Fotografía en 2015 y del Salón Nacional de Instalaciones y Medios Alternativos en 2016. En 2017 fue finalista del premio artexarte y del premio Estímulo de Fotografía Francisco Ayerza donde recibió una mención del jurado. En 2018 participó del Salón Nacional de Artes Visuales, recibió una mención del jurado en el premio Macsur y expuso en la muestra colectiva Paliativos en la galería Gachi Prieto. Es cofundadora del estudio de fotografía RegistroExacto.

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Ojalá que todo lo que me gusta guste también de mí. Instalación fotográfica. 170 x 220 cm. 2013-2018

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Creamos porque somos creación y eso nos convierte en creadores por naturaleza. Es por ello que todo el universo del artista se configura en el acto creativo. Es allí donde toma forma la voz propia y al mismo tiempo la esencia humana. Para mi el arte es la memoria, la muerte, lo sagrado, el amor, lo ideológico, lo humano. Si bien la obra puede tomar cualquier forma y valerse de cualquier material, en el proceso creativo me resulta inevitable la imagen, el lenguaje fotográfico es el punto de partida. Pero también lo formal, lo morfológico, lo lúdico, las listas, las representaciones, los rituales, las colecciones… Trabajo con la intervención y la ausencia de las imágenes, fragmentando, aislando, recolectando, repitiendo, acumulando. Y en cada acto la forma muta, se transforma.

002 Mundo inmediato. Escaneo. Medidas variables. 2013

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SANTOS LOZA

De lo real 009. Fotografía digital. 28 x 40 cm. 2016

(Buenos Aires, 1984). Comenzó su formación incursionando en las carreras de Psicología y Letras, hasta decidirse por las Artes visuales, principalmente la fotografía. Estudió en la EFC y diversos talleres, cursos y seminarios externos, aunque se considera fundamentalmente autodidacta. La música y la literatura ocupan un lugar muy importante en su proceso. Las fotos son el eje de su obra, pero frecuentemente las utiliza como un impulso para otras exploraciones, como el collage o el videoarte. Su tiempo se reparte entre producción personal y talleres de fotografía que dicta en diversos espacios de formación. Ha coordinado y participado en numerosas muestras, individuales y colectivas.

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De lo real 025. Fotografía digital. 30 x 45 cm. 2019

Dual 05. Fotografía digital. Doble exposición. 50 x 60 cm. 2016

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De bolsillo 024. Fotografía digital. 30 x 45 cm. 2019

A través del arte aspiro a la síntesis de dos aspectos: Al primero lo llamo “intensidad”. Se haya situado por fuera, en la superficie, en la apriencia, en la forma. Tanto en relación a mí como en relación al espectador. Es lo que busco en el primer contacto, en lo inmediato: intensidad. Al segundo lo llamo “conocimiento” y apela al ser interior, a la experiencia individual de quien construye su conocimiento de la existencia a través del arte. Esta idea se basa en la convicción de que existe en nuestra consciencia un área que sólo puede desarrollarse a base de sensaciones y emociones, provenientes de estímulos que exhortan a los sentidos y no al intelecto. Así nos construímos como seres simbólicos, intuitivos, sensibles y ampliamos el espectro de lo cognoscible. Concretamente, intensificamos la experiencia de existir. Eso es el arte para mí: un flujo constante de intensidad y conocimiento, y el campo de acción para el desarrollo y la expansión de nuestra consciencia.

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SAÚL RIVAS BERRÍOS (Caracas, Venezuela. 1981). Graduado en el Instituto Experimental de Arte Armando Reverón en el 2006, Actualmente UNEARTES, en Caracas. Ahí se especializó en Artes Gráficas; Además hizo estudios complementarios en las especialidades de pintura, escultura y medios mixtos. En el año 2010 se muda a la Argentina para estudiar una Maestría en Artes electrónicas en la UNTREF. Paralelo a la maestría realizó estudios de cine, especializándose en Montaje y Colorimetría. Ha participado de distintas muestras en Venezuela y también en Argentina. Las más recientes son: Paliativos en la Galeria Gachi Prieto, Buenos Aires 2018- 2019, El Premio Eugenio Mendoza #15 en Caracas 2019, el 8vo Premio Itaú 2017 y Proyecto País, La Paternal Espacio Proyecto. 2017 en Buenos Aires.

Me acuerdo. Collage y tinta. 24 x 32 cm. 2017

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MarĂa del nogal. Collage y tinta. 200 x 100 cm. 2019

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La memoria individual contigua a la ajena convierte a los hechos en ficciones: imagino aquello que divide el recuerdo de los otros del propio como una delgada membrana transparente. Dicha película representa para mí algo así como el punto de partida desde el cual compongo el carácter y las emociones de mis personajes. Por lo tanto, comprendo la llamada memoria colectiva como un relato que acciona entre las fronteras de lo real y la ficción.

Seguridad nacional. Instalación. Carpetas, folios, fotos, tinta, maleta, documentos, papel. Medidas Variables. 2018

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TRINIDAD METZ BREA (Buenos Aires, 1994). Licenciada en Artes Visuales de la UNA. Durante el 2018 formó parte del programa de Prácticas Artísticas Contemporáneas (PAC). Recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes e inauguro Intimx en el CC Recoleta, en el marco de RADAR con tutorías con Leila Tschopp, Luis Terán y Jimena Ferreiro. Se formó con Gabriel Baggio, Mauro Koliva y Silvia Gurfein. En el 2017 fue seleccionada en los premios Arte Vittal y Prilidiano Pueyrredón. Y asistió a Catalina León para la muestra Naturaleza en el CCK. Es organizadora y responsable artística de Chicxs Kidz, colectivo multidisciplinario queer, desde 2016. Con quien gesto la intervención del camión Kidz en la Marcha del Orgullo 2016/17/18. Intervino Trimarchi, realizo los camiones de arte Pendejxs al palo y Desviadxs en la Galería Nora Fisch - 2017. Así como la Rave de la marea en la Biblioteca Nacional y Mionka en la 31 con una beca del Fondo Metropolitano en el 2018.

S.T. Cerámica esmaltada, lustre de oro y colores. 38 x 14 x 14 cm. 2018

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S.T. Grafito sobre papel. 70 x 110 cm. 2017

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A través del dibujo y lo objetual, investigo la forma liberada como medio para moverse fuera de los parámetros pre-establecidos de categorización y binarismo en una investigación hacia lo post-humano y pre-género. Atravesado por mis preocupaciones teóricas, queer y feministas, sin que se impongan en la producción de forma ilustrativa. Mediante un juego en los límites de lo reconocible e indeterminado desarrollo los momentos que permiten distorsionar lo recibido socialmente para adentrarse en segundas lecturas; sutiles e híbridas, que generen un extrañamiento queer. Sobre todo en relación a esos seres en proceso de construcción y de-construcción donde se desarticula lo preestablecido para adentrarse en poéticas del sentir que produzcan cuestionamientos. Pensando la ficción como lugar donde convive lo ordinario y lo extraordinario en tanto cristalizaciones de momentos quiméricos, donde interactúen esxs entes, que son a su vez fluidxs, kawaii, eróticxs, minúsculxs.

S.T. Grafito, tinta china y carbonilla sobre papeles Schoellershammer y sulfito. 54 x 36,5 cm. 2017

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CURADORES 2018

PRACTICASARTISTICASCONTEMPORANEAS

CATALINA SWIEYKOWSKI Hace años, hice un viaje con mi padre, el destino: Egipto. Me acuerdo haber entrado a una de las pirámides y ver los geroglificos y dibujos en las paredes, wow. A partir de ahi me despertó una sensibilidad sobre esta forma de comunicarnos. el arte hace de espejo para poner en vista ecuaciones sociales, contextos y problemáticas de la época. Hoy mi interés está en la reflexión sobre que nos espera del Sistema del arte en el futuro, cuál será su adaptación para las próximas generaciones.

(Buenos Aires, 1992) Creció en la Patagonia, la ciudad de Bariloche. Luego de una larga carrera como instructora se Esqui en los Alpes suizos, comenzó a introducirse en el mundillo del arte. Actualmente es estudiante de Gestión de arte UADE, complementando su formación con cursos y prácticas. En el 2016 participó en el curso de Dirección de Arte por Chealsea Collage of arts UAL, en el 2013 asistió del curso intensivo de fotografía en IDEP Barcelona.

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SILVINA AMIGHINI

(Buenos Aires, Argentina 1979). Es Licenciada en Curaduría de Artes por la Universidad Nacional de Las Artes. Luego de un amplio recorrido dentro del campo de la producción cinematográfica y publicitaria, vuelca sus energías en la práctica curatorial. Desde 2015 forma parte del programa internacional de residencias artísticas R.A.R.O. Buenos Aires, donde se desarrolla como directora del departamento de curaduría. Realizó seminarios de especialización en historia del arte brasileño, en el 2017 el Programa en Cultura Brasileña en la Universidad de San Andrés, a cargo de la Dra. Florencia Malbrán y en el 2015, el seminario “Brasil en cuatro dimensiones, Historia del Arte Invención”, dictado por el Prof. Gonzalo Aguilar. Ha dado charlas en la Biblioteca Casa de la Lectura. (C.A.B.A.) Argentina y en la Universidad de Chile, Facultad de Artes Campus Juan Gómez Millas, sobre la importancia del intercambio creativo dentro del contexto de las residencias artísticas. Es educadora trilingüe del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires desde Junio 2018. Actualmente se encuentra iniciando la Maestría en Historia del Arte Moderno y Contemporáneo de la Universidad Nacional de Las Artes.

Entiendo que en la contemporaneidad, la emergencia del curador de arte surge como síntoma debido a una necesidad para la traducción y el ordenamiento frente a una gran cantidad y variedad de producciones culturales. En las artes visuales existe un preconcepto muy difícil de desarraigar vinculado a la anquilosada idea de que el acceso a las obras de arte - y al arte en general - es solo para un puñado de personas, para una elite entendida. Hoy en día el rol del curador tiene múltiples definiciones. De todo este abanico de opciones, en lo personal, me siento muy identificada con aquella que sostiene que los curadores somos los intermediarios entre el arte y los espectadores. Una especie de puente que al mismo tiempo de unir, también tiene la importante tarea de acercar. Soy partidaria que el arte es para todos, soy defensora de la democratización del arte. Así, la práctica curatorial se convierte en un trabajo colectivo, entre artistas, espectadores y curadores. Estoy convencida que crecemos a partir de la interacción con los otros. La importancia del trabajo en equipo genera un ida y vuelta enriquecedor y provechoso en donde cada actor se retroalimenta de las experiencias de sus colegas. Es por ello que entiendo que la práctica curatorial solo puede ser genuina dentro de un clima de camaradería y solidaridad.

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DAMIÁN IGNACIO D’AMICO

(Buenos Aires, Argentina 1989). Es Licenciado en Artes (Orientación Artes Plásticas) por la Universidad de Buenos Aires. Desde el 2014 se ha especializado en el mercado del arte europeo y latinoamericano de los siglos XIX hasta mediados del XX. En el último tiempo, ha comenzado a virar su práctica hacia la curaduría y el arte contemporáneo. Actualmente se encuentra realizando seminarios de la Maestría en Crítica y Difusión de las Artes en la Universidad Nacional de las Artes.

La práctica curatorial está indefectiblemente entrelazada en su aspecto teórico y práctico. Conciliar estos dos puntos es mí mayor desafío a la hora de proponer un guión y una acción efectiva para sortear los lugares comunes que en los cuales, considero, que cierto tipo de curaduría ha caído. Existe una sobrecarga poética y estetización del texto curatorial para suplir ciertas problemáticas visuales, prácticas y teóricas de las obras, y encuentro aquí el obstáculo más profundo a la hora de enfrentarme con la curaduría contemporánea. La capacidad de la contemporaneidad de absorción ha llevado a las posibilidades sean (casi) infinitas, sin embargo, también contribuyó a una construcción de contradicciones y sinsentidos que también ha repercutido en el sistema del arte. En esta coyuntura, la posición del curador es de producción sin subordinación, de creación, de mediación. Su eficacia radica en la claridad de sus competencias para enfatizar, revertir, accionar. La obra de arte no debe ser un reflejo del contenido escrito, y viceversa, sino que debe existir una profundización mutua de las condiciones en las cuales se sustenta en relación con la práctica curatorial.

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LOLA SILBERMAN Como Curadora y gestora cultural, me interesa fundamentalmente vincularme con artistas visuales emergentes para poder recorrer juntos un camino de trabajo y desarrollo artístico. Por otro lado, generar hipótesis de trabajo que se materialicen en proyectos curatoriales e ir acompañando ese proceso con los artistas me resulta muy estimulante y enriquecedor. Asimismo, sumar mi expertise a partir de mi experiencia en la industria del cine, me permite proponer otras perspectivas y miradas sobre el hecho artístico y el campo de las artes visuales generando un diálogo enriquecedor con otras disciplinas artísticas. Finalmente, vincularme con colegas y artistas me permite generar alianzas de trabajo para futuros proyectos conjuntos.

(Buenos Aires, Argentina. 1971). Es Gestora Cultural. Se ha desempeñado en producción de cine y teatro, estando a cargo de las salas El Galpón del Abasto y El Teatro de la Luna. En el 2002 abre su Agencia de prensa y comunicación para espectáculos trabajando en las áreas de música, teatro y literatura, especializándose luego en la industria de cine. Ha sido Jefa de Prensa del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y del BAFICI, entre otros. Fue socia fundadora de la compañía OBRACine, empresa de distribución y ventas de cine de autor. Actualmente está por inaugurar Camarones Arte Contemporáneo en el barrio de La Paternal, que exhibirá obras de artistas visuales emergentes y se dictarán talleres y workshops de formación cultural. Forma parte de colectivo de artistas visuales La Gran Paternal, que abren sus talleres al público dos veces al año. Actualmente cursa el 3er año de la Licenciatura en Artes Visuales en la UNA.

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MARÍA VICTORIA LACOSTE

(Buenos Aires, Argentina 1973). Es Licenciada en Relaciones Públicas e Institucionales por la UES21, cursó la Especialización en Curaduría y Comunicación del Arte en la Fundación Walter Benjamín (2016-2017). Durante 2018 participó del Programa intensivo PAC Curadores 2018. Integró el equipo curatorial de la muestra Paliativos, realizada entre diciembre de 2018 y enero de 2019 en la Galería Gachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano. Se encuentra iniciando la Maestría de Crítica y Difusión de las Artes (Universidad Nacional del Arte, Bs As, Argentina).

Elijo pensar la curaduría como una propuesta reflexiva, que tiene por objeto abordar una obra, un artista o temática desde un punto de vista singular, determinado con premeditación y a veces alevosía. El fin de la curaduría creo, es el intento de una movilización emocional y sensitiva de quien es testigo y a su vez protagonista del hecho artístico que experimenta y a quien involucra. La pretensión de conmover, como intención fundamental. A su vez el rol, entiendo promueve permanentes cuestionamientos e interpelaciones, re-lecturas y reflexiones capaces de hacer eco en nuestro entorno material y simbólico. La responsabilidad del curador, el tratamiento con compromiso emocional, rigor cuando lo amerite y respeto por quien observe e interprete de forma coincidente, complementaria o diametralmente diferente. Por último, la función comunicacional de la curaduría es la transmisión y difusión de búsquedas estéticas, materiales, de enfoques narrativos y puntos de vista.

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MUESTRAS 2018

PRACTICASARTISTICASCONTEMPORANEAS

EL PLACER DEL EXILIO Artistas: Constanza Abete, Daiana Ares, Juampi Correa, Luciana Pía Faccini, Federico Mattioli, Trinidad Metz Brea, Magdalena Mignone, Santos Loza, Christian Riffel y Nicolás Rodríguez. Luciana Pia Faccini . Sin titulo. Fundición a la cera perdida. 2018

Curaduría: Chili Amighini, Damián D’Amico y Catalina Swieykowski. Inauguración: 27 de noviembre, 2018. 19hs. Galería Gachi Prieto. Uriarte 1373, Palermo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Daiana Ares. Umbrales. Instalación site specific. 2018

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EL PLACER DEL EXILIO “Para volver sobre nuestros pasos, debemos retomar la definición de la modernidad, interpretar el síntoma de la posmodernidad y comprender por qué no adherimos con toda el alma a la doble tarea de la dominación y la emancipación” Bruno Latour, 1991.

La forma, como el universo, está en constante expansión, posible de ser conocimiento pero infinito. Dar el paso hacia lo desconocido es lo que lleva a hacernos preguntas. Para recapturar este momento crítico, y convertirse en algo, debemos exiliarnos: oscilar entre dos puntos, entre dos mundos, ser-estar y ser-potencia. De esta manera, (re) descubriremos aquello que naturalmente asociamos, a esa conjunción entre esencia y forma naturalizada, entre el contenido abstracto y materia. El placer del exilio es lo que garantiza la condición crítica en el traspaso de una realidad a otra, de un estado a otro, de una forma a otra, de espectador a expectante. Transformación del comportamiento y de los patrones que guían el desarrollo integral de todo aquello que busca integrarse, formarse y deformarse. El exilio aporta un tipo de distanciamiento que permite una visión global dejando de lado fronteras ideológicas. Las formas de pensar se vuelven necesariamente críticas, como resultado de estar en una situación de extrañamiento, ajeno a lo propio y en contacto con lo desconocido. El proyecto toma este movimiento para plantear una hipótesis: El exilio como habilitador de nuevas subjetividades, nuevas percepciones. Todas las producciones de la presente muestra tienen un común denominador: el extrañamiento. La propuesta curatorial nos sugiere como espectadores, que dejemos fuera de la sala la realidad conocida, para poder tomar contacto con un universo ignoto. Las obras se complotan para producir cierto alejamiento en un clima inmersivo: La instalación lumínica de Christian Riffel transforma el espacio en un juego de luces, reflejos y sombras. Los sites specific de Daiana Ares y Magdalena Mignone desdibujan las fronteras de la sala. Las esculturas de Luciana Pia Faccini, Trinidad Metz Brea y Juampi Correa irrumpen en su abstracción la certeza de la razón. Constanza Abete, Santos Loza y Nicolas Rodriguez se ubican a medio camino entre lo verosímil y lo perturbador. Y finalmente, Federico Mattioli opera como anclaje a nuestro presente.

Permitamos una alianza con otro tiempo y lugar. Brotará, tal vez, de la mirada larga, que se demora en las cosas exploradas, un universo oculto. Chili Amighini, Damian D’Amico y Catalina Swieykowski.

Registros de sala.

En este exilio se habilitan nuevas subjetividades, otras percepciones. El cambio de lógica provoca una desnudez de sentidos en conjunción con una sutil mutación del ordenamiento natural. Cambian las formas y maneras de percibirlas, quedan espacios vacantes para ser atiborrados de una multiplicidad de lecturas. 169

PALIATIVOS Artistas: Marino Balbuena, Karen Bendek, Elena Blasco, Rocío Fernández Charro, Cecilia Ferrari, Alejandro Kaplanski, Nicolás Monti, Mariela Paz Izurieta, Saúl Rivas y Heliana Rucco. Karen Bendek. Serie Ropas Amarillas Pintura instalación. 2017

Curaduría: Lola Silberman y María Victoria Lacoste Inauguración: 18 de diciembre, 2018. 19hs. Galería Gachi Prieto. Uriarte 1373, Palermo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Heliana Rucco . Puntos de inflexión 4. Carbón sobre papel. 2018

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PALIATIVOS “Se me dice: este tipo de amor no es viable. Pero ¿es posible evaluar la viabilidad?... ¿Por qué durar es mejor que arder?” Friedrich Schelling

La muestra presenta obras de 10 artistas que a priori no podrían convivir entre sí en un mismo espacio, pero lo pueden hacer en el marco de un relato. El relato marcado por la pulsión del amor y el abandono del ser amado. Los artistas Marino Balbuena, Karen Bendek, Elena Blasco, Rocío Fernández Charro, Cecilia Ferrari, Alejandro Kaplansky, Nicolás Monti, Mariela Paz Izurieta, Saúl Rivas y Heliana Rucco, dialogan a través de las imágenes y sus imaginarios, en una trama de largo aliento como nos sucedía frente a una telenovela a la hora de la siesta. Las obras que se despliegan en la galería Gachi Prieto conllevan una historia de amor fragmentada, hecha de retazos, reflexiones, memorias, recuerdos que todavía parecen arder en el alma. Y dejan una configuración del relato amoroso como paliativo del desencanto, abandono o soledad en el cual el amante asiste cuando se siente desplazado. En palabras de Roland Barthes: “Idea de suicidio; idea de separación; idea de retiro; idea de viaje; puedo imaginar muchas soluciones a la crisis amorosa y no ceso de hacerlo. La Idea es siempre una escena patética que imagino y de la que me conmuevo. Imaginando una solución extrema, produzco una ficción, me convierto en artista, hago un cuadro, pinto mi salida. El arte de la catástrofe me apacigua.” PALIATIVOS entonces como acciones que sirven para curar un dolor, sensación o estado anímico. Hay quienes optan por sustancias químicas, o por escribir poesías, novelas y canciones; otros por comprar o consumir cosas que llenen el alma, mientras que los artistas convocados aquí se sumergen y exploran a través de distintas materialidades del arte, el sentido de vacío. Lola Silberman Texto curatorial

Registros de sala.

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agradecimientos A los artistas que participaron con entusiasmo y compromiso de la edición 2018 de Proyecto PAC. A Julia Ferrari y Sofía Sostres por su entrega incondicional. Al multifacético equipo docente de PAC 2018, por su generosidad, criterio y profesionalismo a todo nivel. A Lorena Marchetti por su dedicación sostenida en la gestión de este nuevo libro de la Colección PAC.

Diseño y producción gráfica: studionube Este libro se terminó de imprimir gracias al apoyo de Mecenazgo Cultural en Buenos Aires en el mes de Octubre de 2020.

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