Vergüenza Ajena - Roberto Guerrero

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Vergüenza ajena: Roberto Guerrero / editado por María José Chavarría Zamora ; fotografías por Roberto Guerrero ; Fiorella Resenterra Quiròs; Antonieta Sibaja Hidalgo y Gabriela Arguedas Ramírez. -­‐-­‐ 1a ed. -­‐-­‐ San José, Costa Rica: Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, MADC, 2017.

50 p. ; 24 x 21 cm.

ISBN 978-­‐9930-­‐9584-­‐2-­‐1

1. ARTE -­‐ GALERÍAS PRIVADAS. 2. COLECCIONES DE ARTE. 3. MUSEOS DE ARTE -­‐ COSTA RICA. I. Guerrero, Roberto, fot.

II. Título.

Esta publicación fue realizada para la muestra “Vergüenza Ajena. Roberto Guerrero”, exhibida en la Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica. Del 16 de julio al 05 septiembre del 2015.

Dirección MADC: Fiorella Resenterra.

Curaduría y conceptualización del catálogo: María José Chavarría.

Presentación MADC: Fiorella Resenterra.

Textos: María José Chavarría, Fiorella Resenterra, Antonieta Sibaja, Gabriela Arguedas y Roberto Guerrero.

Créditos de imagen en portada e indice “La ofensiva de los guerreritos delicados” Roberto Guerrero

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Indice “Tan aburridos los normales”. Fiorella Resenterra, directora MADC

Pág 04

“Ni la tuya, ni la mía...”. María José Chavarría, curadora MADC

Pág 06

“Repensando mi vergüenza”. Roberto Guerrero, artista

Pág 08

Obras

Pág 11

“Comentando la Vergüenza Ajena”. Gabriela Arguedas Ramírez

Pág 32

CV del artista

Pág 36

Translations

Pág 37

Créditos

Pág 46

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«Tan aburridos los normales» R. Guerrero “Es que estoy con la maestría / estoy trabajando en la tesis / ya casi presento /ando muy enredado con las clases / dejame organizarme / ya tengo unas propuestas …”

Después de dos años de “cortejo” y tras una serie de evasivas, finalmente una noche Roberto Guerrero aceptó valorar las posibilidades de trabajar en una muestra individual que incluyera obras inéditas en la Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC).

Guerrero es un artista costarricense quien por años ha investigado y producido obras en torno a la identidad sexual no normativa, con especial interés en el contexto contemporáneo costarricense. Con amplia experiencia en eventos internacionales, fue representante de Costa Rica en tres ediciones de la Bienal del Istmo Centroamericano (BAVIC) en El Salvador (2006) y Panamá (2004 y 2013). Su primera exposición individual fue en el 2004 en el Centro Cultural de España en Costa Rica (CCE) “Construcciones angelicales” por invitación de Nilo Fernández (entonces director del CCE). Esta muestra era el cierre de su trabajo de graduación de licenciatura de la Universidad de Costa Rica, bajo la tutela de Victoria Cabezas.

Se puede ubicar el inicio de su producción de una manera sistemática a partir del año 2000 en una exposición en la escuela “Memorandum” del fotógrafo Jaime Tischler; y posteriormente, la muestra colectiva “Nosotros que nos queremos tanto” (2002) en el CCE por invitación de Lidia Blanco. Fue allí donde se expuso, por primera vez, la serie de los “Prolegómenos para un concepto de pasión”.

Desde el año 2009, cuando trabajó activamente con la Galería Jacob Karpio visitando ferias de arte, su trabajo estaba solamente vinculado a exhibiciones colectivas y proyectos específicos como la convocatoria Inquieta Imagen o exhibiciones como Construcciones e Invenciones (ambos proyectos del MADC) y eventos internacionales para galerías privadas.

Su énfasis siempre ha sido el análisis y la búsqueda de antecedentes, referentes y puntos detonantes dentro de la teoría queer, el género, la cultura pop, el cine, la moda, la iconografía religiosa y las reinterpretaciones de la historia del arte en general.

Guerrero estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico; lo cual explica con toda seguridad que de ahí se deriva su interés y afinidad para trabajar con la fotografía como lenguaje principal; pero también evidencia su obsesión por la factura de objetos impecablemente diseñados y acabados colmados de detalles cargados de significados. Se dedica apasionadamente a estos trabajos de “manualidades” que no solo lo entretienen, sino que también lo divierten infinitamente. Estos objetos son en apariencia “inofensivos e inocuos”, objetos kitsch escarchados que esconden grandes y filosas realidades.

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La exposición “Vergüenza ajena” se conforma con obras autorreferenciales, casi en su totalidad.

Utiliza el cuerpo masculino como soporte y contenedor y propone una exploración de sí mismo; él literalmente se expone a partir de autorretratos (una manera más literal de verlo) y de micro relatos de sus experiencias o pensamientos. Entiende el arte como una herramienta útil como existencia y sobrevivencia, pero también como medio de trabajo; el resumen perfecto del artista: “así soy”. Enfocado en la “masculinidad”, de ninguna manera excluye la femineidad; todo lo contrario, la incorpora y la confronta, la establece como parte de su discurso no polarizado. En la muestra todo confluye en una secuencia de obras cargadas de símbolos de la masculinidad hegemónica feminizados.

“Tan aburridos los normales” es una frase mordaz que utiliza el artista en medio del uso del juego como parodia; el cual contribuye a hacer énfasis en su posición desestabilizadora, sagaz e irónica. Es un artista que por años se ha dedicado a investigar, casi a manera de disección, los temas que le interesan y que le han permitido abordar su obra autorreferencial de una manera precisa, incisiva y fulminante. A pesar de sus fuertes y constantes contrastes entre el uso de materiales caseros y de fantasía (lentejuelas, escarcha, peluche, plumas…) y la temática tan personal, íntima y crítica; es muy evidente su posición como individuo. Frente a su contexto no hace más que un trabajo muy honesto.

Se podría afirmar que el mayor aporte de su producción ha sido evidenciar las carencias y distorsiones de la percepción sobre la identidad sexual no normativa en las prácticas contemporáneas locales.

Además, ha logrado enfrentar, de una manera no violenta ni radical, a los espectadores a interrogantes muy vigentes y pertinentes, las cuales, por años han sido invisibilizadas.

Fiorella Resenterra Directora MADC San José, noviembre 2015

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Ni la tuya, ni la mía...

La muestra pretende ser una revisión individual del trabajo de los últimos años del artista. La exploración tanto de conexiones como de giros y búsquedas, es uno de los puntos significativos dentro de este proyecto. La importancia de la fotografía como medio, y del trabajo manual y objetual, son características representativas de las propuestas de Guerrero, que se empatan principalmente con la exploración del autorretrato como recurso.

Muchos de estos retratos, visibilizan al cuerpo masculino desnudo asociado al tema de la pasión, no solamente desde el erotismo, sino también en relación a la penitencia, el dolor y la culpa. Una especie de recinto del deseo suprimido -a manera de purgatorio- como un proceso de aceptación y castigo constante. Dentro de esta línea, el color rojo y la figura de una especie de ángel caído, se mezclan con elementos autobiográficos.

Una especie de ruptura marca la reivindicación de la “posibilidad de ser” desde la diferencia, aparece un “personaje delicado” que juega con los estereotipos de masculinidad desde la ironía y la parodia…

Se da una suerte de evidenciación de una “verdad incómoda” que merece ser mostrada… Hay un desplazamiento desde lo íntimo y secreto hacia lo público como afirmación.

Existe una resistencia posible desde la misma presencia y de una forma deliberada de evidenciar la femineidad dentro de la masculinidad: lo delicado como una declaración de ser diferente y de parodiar a la “identidad masculina” desde la desvirilización. Es una manera de revertir la propagación de la estructuración de lo que debería ser ese “sujeto masculino”, desde la apropiación de sus imaginarios.

Aquí, la parafernalia de los drags shows, todo el brillo, la escarcha y la fantasía de la estética camp, se introducen en busca de la mirada de espectador y de la seducción a partir de su resplandor. Este brillo que se opone a la oscuridad, es una especie de acto político, que busca desestabilizar la realidad a partir de la exaltación y exageración de la belleza.

La artificialidad aparece entonces como concepto fundamental, no solo desde el cuestionamiento de la misma categoría de heterosexualidad,1 sino que también se pone en relación a los binomios belleza/ fealdad, auténtico/teatral, subversivo/conservador. A la vez, la apropiación de elementos y símbolos de la historia del arte, así como de la cultura pop y de masas, remiten a lo kitsch como herramienta constante.

Al mismo tiempo, la utilización del juego como recurso, pone en evidencia el tema del poder como discurso aprendido. El juego de niños como realidad ejemplar -al igual que el mito-, sirve para estructurar los comportamientos sociales y los roles dentro de una colectividad normada para aprender y reproducir… Cuestionar estos patrones de conducta desde el juego, es una forma de subvertir estos condicionamientos, y como el mismo artista señala, “una manera de ganar el juego al poner en ‘jaque’ al espectador”.

1 Halperin, David, San Foucault. Para una hagiografía gay, Cuadernos de Litoral, Argentina, 2000.

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Esta resistencia a lo heteronormativo, es una búsqueda de reivindicación. ¿Cómo se construye el sujeto? ¿Cómo se recibe el castigo o la exclusión si no se cumplen las normas sociales? El diálogo constante con el discurso religioso y la manera que este actúa como condicionante del cuerpo, es una línea trasversal en las propuestas de Guerrero.

Al mismo tiempo, las disertaciones en torno a la represión desde el Estado, en el campo de la sexualidad, son evidenciadas como formas de exclusión y violencia hacia el Otro. La autoafirmación funciona aquí como un arma, como una estrategia de guerra para desbancar el poder y la represión. Esas capacidades de transformación y la muestra deliberada de la diferencia, destinadas a perturbar el statu quo2.

Esa búsqueda continua de cuestionar lo normativo, de trastocar y quebrantar al sujeto desde la ambigüedad de la sexualidad, permite que las propuestas de Guerrero, ya no solamente se posicionen desde la autorreferencialidad, sino también desde la duda y testimonios de otros.

Esta muestra hace visibles verdades incómodas para la norma, al revelar condiciones de imposición de una estructura represora y una liberación de los discursos que se canalizan a partir de la culpa y la vergüenza impuesta. Roberto Guerrero se presenta a sí mismo para ser expuesto… Ecce homo… Aquí no hay vergüenza, más que la ajena…

María José Chavarría Curadora MADC San José, noviembre 2015

2 Spargo, Tamsin, Encuentros contemporáneos, Foucault y la teoría queer, Gedisa Editorial, España, 2004.

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Repensando mi vergüenza En Mayo del 2014, durante el evento teórico de El día que nos hicimos contemporáneos (realizado en el contexto de la conmemoración del 20 aniversario de la fundación del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, MADC), terminé mi participación en una ponencia acerca del tema del cuerpo y la fotografía, planteándome la siguiente interrogante: ¿Será posible descolonizar a nuestros cuerpos de los discursos normativos que los someten?

Cuando formulé esa pregunta, ni siquiera me imaginaba que, un poco más de un año después, estaría presentando en la Sala 1 del MADC, una exhibición que, en mi opinión, constituye parte del proceso de construcción de algunas respuestas a mis cuestionamientos. En relación a los discursos normativos, con toda seguridad puedo afirmar, según mi experiencia de vida, que la infancia y juventud se constituyeron como los lugares de una vergüenza impuesta. Alrededor de los cinco o seis años de edad, recuerdo que mis amigos me decían imperativamente: “Roberto… usted no puede jugar a ser la Mujer Maravilla” Y yo no entendía…, lo único que yo sabía es que amaba a Linda Carter y quedaba fascinado al verla saltar edificios, al volar en su avión invisible, al obtener la verdad de los demás con su lazo mágico dorado y, sobre todo, al verla transformarse y retransformarse en medio de un giro y un explosivo resplandor. De tantos y constantes… NO, y además, por las burlas de las personas más cercanas, aprendí que eso no se debía hacer en público; como no quería renunciar a ello, lo convertí en mi juego secreto y fue así que, entonces, conocí la Vergüenza. Una vergüenza de ser… o de parecer algo que no es aceptado por los demás, por no corresponder con los ideales regulatorios de la cultura y por no querer ser estigmatizado y excluido de un entorno social. Situación que inevitablemente sucedió, en tanto que la juventud me enseñó que no bastaba con crear y mantener un secreto; pues mientras a otros se les dio la cualidad de una mímesis heteronormativa, más allá de mis intenciones, mi cuerpo y mi imagen se materializaron bajo la forma de una masculinidad femenina.

Es una verdad de Perogrullo, que la feminidad en la masculinidad es una condición inaceptable dentro de las estructuras de poder que predeterminan a los sujetos en una sociedad patriarcal. Asimismo, lo es el hecho de que el deseo homosexual históricamente, haya sido entendido como un pecado, enfermedad y crimen. Pero, sobre todo, la verdad más incómoda es la noción de una posible disolución del poder patriarcal, en la medida en que el cuerpo masculino, se desconecte de la racionalidad y de la lógica discursiva de la cultura normativa, y sucumba con gusto ante la penetración anal.

En este contexto, la vergüenza mas allá que una especie afecto individual, se convirtió, junto con la culpa católica, en catalizadores para el control y sometimiento social de los sujetos, por ejemplo, como yo. Allí empezaron mis experimentaciones artísticas con la fotografía como medio de representación, alrededor del año 2000. Reconociendo ahora en mis primeras imágenes, una conexión absoluta y metafórica con las palabras de un personaje de la ficción cinematográfica: un director de cine, interpretado por Orson Welles, en un filme de Pasolini, llamado La Ricotta (1963). En esa ficción, un periodista le pregunta al director de cine: “–¿Qué es lo quiere expresar con su nueva obra?” Y Welles, desde su personaje le contesta: “–Mi íntimo, profundo, arcaico catolicismo”.1

1 Corto cinematográfico de Pier Paolo Pasolini, incluido en la compilación: Ro.Go.Pa.G. de 1963, la cual incluye cortos de Jean-Luc Godard, Ugo Gregoretti y Roberto Rosselini.

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Partiendo de una conexión con esos calificativos, esas fotografías representaron mi condición de sujeto avergonzado y autoencerrado en su propio purgatorio. Es decir mi vivencia totalmente personal, de estar ardiendo en un deseo proscrito, de la culpa y, en referencia al concepto de Michel Foucault de la Scientia Sexualis, de la necesidad de expresar una especie de confesión por medio de la imagen. Además, esas obras relatan mi conexión con la cultura popular e, iconográficamente, con las representaciones y discursos religiosos, de los que nunca me he podido sustraer.

Progresivamente, y sin darme cuenta, tanto en mi persona como en mi comunicación artística se dio un cambio y se hizo necesario salir del purgatorio. Empecé a realizar acercamientos a la representación de mi masculinidad feminizada. La apropiación como recurso de expresión artística se convirtió en una característica de muchas de mis nuevas obras. La autorrepresentación se fundió con la parodia y la ironía como agentes catalizadores y a partir de allí, apareció una especie de Cover-Boy, quien evidenciaba en imágenes de lo masculino, la posibilidad de ser femenino. Simultáneamente, a la realización de esas obras, comencé el trabajo con objetos intervenidos con diversos materiales de pasamanerías, cuya forma y materialidad me sirvieran para comunicar la contradicción de lo femenino adentro lo masculino. Discursivamente hablando, la vergüenza comenzó a revelar a su opuesto: el orgullo. Me pareció cada vez más claro el tránsito hacia la aceptación, la dignidad y la autoliberación.

Así que, poco a poco, se fueron decantando reflexiones –para mí–, cada vez más claras sobre el sexo, género, sexualidad, identidad, subjetividad y sus relaciones con los procesos históricos y políticos.

Esas reflexiones incorporaron el trabajo con el lenguaje, entendiéndolo desde su facultad de crear o evidenciar realidades desde su acción performativa. Me interesó más que nunca trabajar con el tema de la violencia; y responderle enfáticamente a los cuchillos hirientes de la homofobia, con flores brillantes que verbalizan la autoafirmación. También, empecé a repasar categorías con las que históricamente se ha entendido a la homosexualidad y, sobre todo, tratar de identificar a los poderes que las construyeron y las continúan perpetuando hoy en día. Por ejemplo, el trabajo con el lenguaje me permitió visibilizar, en la obra el Re-Cuento de los Daños: Una historia verdadera de política, religión y sexualidad, a la violencia epistémica, a la colonización del saber y del ser que se materializa en el libro Dios perdona al homosexual.2 Y mas allá de eso, evidenciar la ambigüedad del Estado costarricense con respecto al respeto de los derechos humanos.

A la luz de los hechos que acontecen en nuestra realidad nacional, como bloques religiosos en el congreso y su participación en la toma de decisiones políticas que afectan, por igual, a todos los ciudadanos; las marchas por la familia tradicional y la vez, marchas como la de los invisibles y las de la diversidad, se evidencia la polarización de nuestra sociedad. En ese contexto, en mi opinión personal, creo que, en Costa Rica, la homosexualidad, entre otras categorías de la diversidad, se encuentra en un nudo discursivo en el cual, como concepto, no deja de ser vista como una perversión ni tampoco se termina de materializar como una identidad legitimada jurídicamente y liberada del campo de lo abyecto.

2 Libro publicado en el año 2012 y presentado por un diputado cristiano en el Salón de Beneméritos de la Patria de la Asamblea Legislativa de Costa Rica.

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En medio de ese nudo, creo que el arte y mis intereses, me posibilitan experimentar con lo ambiguo como un recurso para expresarme sobre la sexualidad; entendida ésta como una especie de energía que trastoca al sujeto y que en esencia no tiene un apego a un objeto específico. Por ejemplo, la idea de trabajar con la expresión popular y soez: Esos chanchos también comen guineo, en la fotografía La Negociación, me permitió presentar la idea de que dentro de los mismos poderes que reprimen a la sexualidad no normativa, los sujetos, colapsan su racionalidad y sus cuerpos y deseos terminan participando de los actos que reprimen. No se olvide que los chanchos, no solo son una representación del poder perverso, sino que, en el ámbito del lenguaje coloquial costarricense, simbolizan a las nalgas, así como los guineos representan, a su vez, a los penes. La cena santa que se ve en la fotografía, finalmente, alude a un acto orgiástico en el cual los poderes patriarcales sucumben metafóricamente al deseo por el sexo anal.

También, la idea de una sexualidad que fisura a la lógica de la cultura y genera espacios para lo ambiguo, dudoso o incierto, fue el punto de partida para crear la obra #historiasdecloset. En este caso, la motivación específica fue trabajar sobre el fallo posible de la categoría heterosexualidad. No dar por sentada su estabilidad, sino más bien, evidenciar que solo se trata de una construcción del lenguaje y del discurso, al cual ciertos sujetos pretenden apegarse. Me interesó trabajar con testimonios reales de hombres que tienen la necesidad de verbalizar su heterosexualidad, de autoafirmarla, pero que simultáneamente, en su propio discurrir, dan cuenta de fantasías o experiencias realizadas que están fuera del margen de lo normativo.

Así las cosas, al ver el resultado de la curaduría, la revisión del trabajo de casi 15 años, fue muy impactante ver, en las obras, la representación de un tránsito desde la vergüenza hacia la autoafirmación. Desde la fotografía y la autonomía mediática hacia el trabajo con otros medios de expresión, el cual me ha liberado de una concepción de arte, que se define así mismo, exclusivamente, por lo técnico/formal y no por lo conceptual. Y en esa línea de pensamiento, y al margen de los principios sobre los que se mueven las academias de arte, pude ver como, en mis intenciones y acciones, me fui desprendiendo, en referencia a Arthur Danto3, del gran relato de la modernidad en función de un apego a una contemporaneidad en el arte, que no lleva consigo el gran peso metafísico de una originalidad, con “O” mayúscula.

En ese sentido, creo que en relación a mi primera gran interrogante, con esta exposición puedo confrontarme a un espejo y vislumbrar que mi mente y cuerpo han iniciado un proceso de descolonización –si es que se le puede llamar así, a la continua autorreflexión acerca de algunos discursos sobre la identidad, la sexualidad, el poder y el arte, desde un enfoque autorreferencial. Estoy consciente de que quedan muchas cadenas por quebrar; que no es fácil soltarse de las dinámicas performativas de los discursos heteronormativos; y sobre todo, tengo claro que es necesario adoptar la desobediencia como una actitud y un insumo en la realización de las prácticas artísticas.

Roberto Guerrero Miranda Setiembre 2015

3 Danto, A. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Editorial Paidós: 2010.

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Imago Hominis

Imago Hominis

Fotografía 2000 Impresión en fotograbado 2014

Photograph 2000 Photo printing 2014

En este autorretrato del año 2000, el artista trata por primera vez el tema del género y su sexualidad. Esta auto-representación enuncia la disidencia sexual, mediante el registro de su cuerpo masculino desnudo replegado en una pose femenina y con zapatos de mujer, transgrediendo al espacio del patriarcado el cual no tolera lo femenino en el ámbito de la masculinidad. En el año 2014, la imagen se reimprime en técnica del fotograbado y en pequeño formato para enfatizar el carácter íntimo de la obra.

In this self-portrait of 2000, the artist deals, for the first time, with the issue of gender and his sexuality. This self-representation enunciates the artist’s sexual dissidence by presenting his naked male body in a female pose and with women’s shoes, transgressing the domain of patriarchy, which does not tolerate the feminine within the realm of masculinity. In 2014 the image was reprinted in the photoengraving technique and in small format to emphasise the intimate nature of the work.

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Sin título Serie Prolegómenos a un concepto de pasión

Ambivalencia dialéctica Serie Autoexploraciones Fotografía cromogénica / fotografía química en color 2001 Colección privada

Fotografía cromogénica / fotografía química en color 2001 Untitled Introduction to a Concept of Passion series

Dialectic Ambivalence Self-Explorations Series Chromogenic photography / color chemical photography 2001 Private collection

Chromogenic photography / color chemical photography 2001

La serie completa esta compuesta por cinco autorretratos que presentan la pasión internalizada como culpa por un deseo desviado y que debe ser expiada. Las fotografías aluden a la construcción social de la disidencia sexual como objeto de castigo. Conceptual y formalmente las imágenes también poseen una gran influencia de las estampas religiosas católicas: El ánima sola (alma pecadora que espera su juicio en el infierno), la imagen del ángel caído y la Virgen del Carmen.

Series of five self-portraits that show the Passion internalised as the guilt of a deviant desire and one that must be atoned. The photographs refer to the social construct of sexual dissidence as the object of punishment. Both conceptually and formally the images are strongly influenced by Catholic religious engravings: the soul alone (sinful soul awaiting trial in hell), the image of the fallen angel and the Virgin of Carmen.

Estampa religiosa del ánima sola.

Rastreo de estampa popular.

Religious vignette of the lone soul.

Quest of the popular vignette.

Ambivalencia dialéctica. En la fotografía, el artista alude a la construcción de su identidad como una sujeción, y como producto de un diálogo ambivalente de la influencia materna y paterna, las cuales son simbolizadas por un contraste irreconciliable de iconografías religiosa y política, resignificadas mediante un acto de apropiación.

Dialectic Ambivalence. In this photograph, the artist alludes to how his identity is construed as subject, and as the result of an ambivalent dialogue of maternal and paternal influence, which are symbolised by an irreconcilable contrast of religious and political iconography, and given new meaning through an act of appropriation.

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Aposento del deseo Serie Autoexploraciones Fotografía en color Imagen de negativo 35 mm 2002 Colección MADC Chamber of Desire Self-Explorations series Colour photography Image from 35mm negative 2002 MADC Collection

Aposento del deseo. Obra que cierra una etapa de exploración del deseo culposo y de experimentaciones técnicas con la fotografía química en color, que posibilitaron la creación visual de espacios fantásticos que remiten al universo personal del artista.

Chamber of Desire. This piece concludes a stage of exploration into guilty desire and technical experiments with colour photography, allowing for the visual creation of fantastic spaces that refer to the artist’s personal universe.

Estampa religiosa de la Virgen del Carmen Rastreo de estampa popular.

Religious vignette of the Virgin of the Carmen.

Quest of the popular vignette.

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¿Por qué sos tan loca?

‘¿Why are you such a fag?’

Cuchillos de cocina 2011

Kitchen knives 2011

La interrogante ¿Por qué sos tan loca? alude a la violencia homofóbica que se manifiesta por medio del lenguaje y se materializa como cuchillos incrustados en una pared. Aunque esa pregunta es hecha desde la heterosexualidad, también proviene de una parte de la comunidad homosexual que castiga a lo femenino en lo masculino, por lo que resulta aún mas devastadora.

The question Why are you such a fag? refers to homophobic violence manifested through language, materialising here as knives embedded in a wall. Although this question is asked from the position of heterosexuality, it also comes from a part of the gay community that punishes the feminine within the masculine, proving still more devastating. .

Detalle Detail

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Porque me da la gana

Because I Feel Like It

Flores de seda y abalorios 2011

Silk flowers and beads 2011

Es la respuesta que se construye desde una actitud de autoafirmaciรณn de la diferencia sexual. Las flores resplandecientes y los abalorios constituyen los elementos simbรณlicos que permiten, a una subjetividad no normativa, contestar a la violencia homofรณbica de los cuchillos.

This is a response constructed from an attitude of self-affirmation of sexual difference. The bright flowers and beads constitute the symbolic elements that allow for a non-normative subjectivity to respond to the homophobic violence of the knives.

Detalle Detail

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El re-cuento de los daños: una verdadera historia de sexo, religión y política

Assessing the Damage. A true story of sex, religion and politics

Libro. Actas de la ONU, de OEA, y de Asamblea Legislativa de Costa Rica y noticias de medios electrónicos 2012

Book. Minutes of the United Nations, the OAS, the Costa Rican Legislative Assembly and electronic media news 2012 Portada del libro Book cover

La obra pone en evidencia las contradicciones del Estado Costarricense en materia de derechos humanos, mediante el contraste de documentos en los que la Asamblea Legislativa se pronuncia como espacio libre de homofobia, el libro intervenido “Dios Perdona al Homosexual”, el acta de presentación oficial de dicho libro en el salón de Beneméritos del Patria y polémica mediática.

Muestra la imbricación de discursos políticos y fundamentalismos religiosos que desde el Estado, violentan a los ciudadanos.

Vista del montaje del libro y documentos View of the assembly of the book and documents

The work highlights the contradictions of the Costa Rican State with regard to human rights, by contrasting documents in which the Legislature pronounces itself a homophobia-free space, an intervened book called “God Forgives the Homosexual”, the act of the official presentation of this book in the Hall of the Nation’s Benefactors, and media controversy. It shows the interweaving of political speeches and religious fundamentalism in which the State violates citizens’ rights.

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Siete palabras

Seven Words

Fotografía laminada sobre acrílico y cuchillos grabados contexto 2013

Laminated photograph on acrylic and engraved knives 2013

Busca referir a categorías cognitivas que, en la historia de la cultura occidental, han funcionado como potentes formas de exclusión y violencia dirigidas hacia la homosexualidad. Las palabras pecador, enfermo, desviado, depravado, criminal, pervertido y anormal, son grabadas sobre cuchillos que se incrustan en una espalda (autorretrato en fotografía digital), que pretenden aludir a movimientos del poder disciplinario sobre el cuerpo disidente.

This refers to cognitive categories that, in the history of Western culture, have served as powerful forms of exclusion and violence aimed at homosexuality.

The words sinner, sick, deviant, depraved, criminal, perverted and abnormal, are engraved onto knives that are stabbed into a back (self-portrait in digital photography), in a reference to movements of disciplinary power over the body.

Diagrama de la pieza Diagram of the piece

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La negociación (Estos chanchos también comen guineo)

The Negotiation (These Pigs Also Eats Bananas)

5 paneles fotográficos 2015 Colección MADC

5 photographic panels 2015 MADC Collection

Producción en la Pila de la Melaza. 2015 Production in The Treacle Font

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La obra parte de la apropiación de la frase popular costarricense: ¿Estos chanchos comen guineo? Interrogante que los hombres le hacen a las mujeres o a otros hombres para hacer, de manera ofensiva, una referencia al trasero como objeto sexual. La fotografía utiliza la frase no como pregunta, sino como afirmación, de manera que presenta paródicamente a figuras de poder que privadamente manifiestan un deseo disidente y proscrito: el anal. En ese sentido, la obra pone de manifiesto cómo las autoridades que castigan a la disidencia sexual, participan clandestinamente de aquello que reprimen.

The piece is based on the appropriation of the Costa Rican popular phrase: Do these pigs eat bananas? Men ask women or other men this in an offensive reference to the buttocks as sexual objects. The photograph uses the phrase not as a question, but as a statement, thus parodoxically presenting figures of power who privately manifest a dissident and forbidden desire: the anal. In this sense, the work reveals how the very authorities that punish sexual dissent secretly participate in that which they repress.

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En búsqueda de la iluminación

In Search of Enlightenment

Chandelier de aluminio, rosarios y video 2015

Aluminium chandelier, rosaries and video.

2015

La gran luminaria hecha de rosarios con forma de pene, y el video de los sujetos que incansablemente buscan alcanzar su luz, aluden al poder disciplinario y patriarcal de la religión que se presenta como promesa del sentido de la existencia. Hace referencia también a la búsqueda irreflexiva del conocimiento en la espiritualidad en contradicción con la naturaleza de los cuerpos deseantes.

The large light installation made of rosaries and shaped like a penis, and the video of people tirelessly seeking to achieve its light, refers to the disciplinary and patriarchal power of religion, which is presented as a promise of the meaning of life. It makes reference to the thoughtless pursuit of knowledge in spirituality in contradiction to the nature of the desiring bodies.

Detalle Detail

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#Historiasdecloset

#ClosetStories

Closet Almohadas con texto bordado 2014

Closet Pillows with embroidered text 2014

“Yo soy hetero, pero me causa mucho morbo sobármela con un compa, y si es posible que el compañero la jale, mucho mejor. ¿Solo a mí me pasa eso?”

I’m straight, but I find jerking off with a friend really turns me on, and if my mate can jerk me off, so much the better. ¿But is that just me?”

Detalle Detail

Esta obra es una instalación que integra conversaciones anónimas entre hombres acerca de sus deseos y experiencias de encuentros sexuales. Los testimonios son reales y fueron extraídos de un foro de internet. Su apropiación pretende evidenciar cómo el deseo sexual puede fisurar ciertas estructuras normativas o ideales regulatorios de la cultura. Principalmente, se cuestiona la categoría de lenguaje HETEROSEXUALIDAD, ya que aunque algunos sujetos se apegan a una estructura normativa al manifestar verbalmente su heterosexualidad, sus testimonios revelan que no necesariamente hay una coincidencia entre el discurso sobre la propia identidad y las demandas de sus cuerpos.

This work is the photographic adaptation of part of an installation that includes anonymous conversations between men about their desires and experiences of sexual encounters. The accounts are real, were taken from an internet forum, and their appropriation aims to reveal how sexual desire can create cracks in certain normative structures or regulatory ideals concerning culture. It largely questions the category of the language of HETEROSEXUALITY since, despite the fact that some adhere to a normative structure when verbally expressing their heterosexuality, their account reveals that the discourse on their own identity does not necessarily coincide with the demands of their bodies.

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Rito de paso: tránsito rápido y suave hacia el otro equipo

Rite of Passage: Fast and Smooth Transfer to the Other Side

Video. 1:56 2015 Dirección: Jurgen Ureña Cámara y producción: Mario Gómez, Ángel Bravo, Nicole Alpízar y Susana Sánchez Edición: Nicole Alpízar Post producción: José “Chisco” Arce Música: Otto Castro.

Video. 1:56 2015 Director: Jurgen Ureña Camera and production: Mario Gómez, Ángel Bravo, Nicole Alpízar y Susana Sánchez Editing: Nicole Alpízar Post production: José “Chisco” Arce Music: Otto Castro.

Este videoarte pone en entredicho la fijación normativa de la identidad sexual, en relación con el discurso religioso. Presenta a una figura celestial que transforma, a partir de un rito de baño y envoltura, a jugadores de fútbol heterosexuales en sujetos de una posible sexualidad diversa. Se desmonta el binarismo heteropatriarcal al presentar a un solo equipo de fútbol que avanza, en el campo de juego, alineado como un triángulo rosa listo para contender.

This video artpiece questions the normative fixation of sexual identity in relation to religious discourse. It presents a heavenly figure who, based on a ritual bath and body wrap, transforms heterosexual soccer players into subjects of possibly diverse sexuality. The heteropatriarchal binarism is debunked on introducing a single football team that advances, in the playing field, lined up as a pink triangle ready to compete.

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Desde niño me dijeron que solo podía jugar con carritos

As a child they told me I could only play with toy cars

Zapato dorado intervenido con letras y llantas 2007 Colección Brad Hicks y Ryan Dietrich, Washington, D.C.

Gold shoe intervened with letters and rims 2007 Brad Hicks y Ryan Dietrich collection Washington, D.C.

Paródicamente, la obra pone de manifiesto la construcción normativa del género a través de la acción del poder disciplinario desde la niñez, por medio de un aprendizaje impuesto culturalmente en los juegos. A la vez revela la subversión y resistencia de los sujetos que no se apegan a la norma, desde la acción lúdica del arte.

Paradoxically, the work brings to light the normative construct of gender through the action of disciplinary power from childhood, by means of learning that is culturally imposed in games and, at the same time, reveals the subversion and resistance of subjects who do not adhere to the norms, from a position of the playful realm of art.

Detalle Detail

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Arma letal de un Guerrero delicado

Lethal Weapon of a Delicate Warrior

Armas letales de un Guerrero delicado

Lethal Weapons of a Delicate Warrior

Granada falsa de metal 2007

Fake metal grenade covered with Crystals or fake daimonds 2007

Armas falsas intervenidas con lentejuelas y escarcha 2006

Fake weapons intervened with sequins and glitter 2006

Los objetos de guerra, asociados con la acciรณn del poder masculino, son feminizados por la materialidad de los diamantes, las lentejuelas o la escarcha. La materialidad resplandeciente de las armas constituye un significante de seducciรณn transgresora. Recuerda, sobre todo en la granada sin seguro, que estรก a punto de hacer estallar a la subjetividad deseante del patriarcado.

The objects of war, associated with the action of male power, are feminised by the materiality of the diamonds, the sequins or the glitter. The dazzling materiality of the weapons is a signifier of transgressive seduction. It is a reminder, especially in the uncovered grenade, that the desiring subjectivity of the patriarchy is about to be shattered.

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El Guerrero delicado Serie Men’s Magazines

The Delicate Warrior Men’s Magazines series

Popular Mechanics Serie Men’s Magazines

Popular Mechanics Men’s Magazines series

Fotografía digital impresa en poliestileno 2005

Digital print on polystyrene 2005

Fotografía digital retablada 2004 Colección MADC

Digital photograph tableau 2004 MADC collection

La serie de revistas parodia los estereotipos de masculinidad propagados por medios de comunicación masiva y que inciden en el perfilado de la masculinidad hegemónica. El artista, a la vez que remite a su identidad personal, se presenta como un “chico de portada” que feminiza los arquetipos del hombre de herramientas, del futbolista o del soldado, entre otros.

The magazines series parodies stereotypes of masculinity propagated by the mass media that influence the shaping of hegemonic masculinity. Whilst referring to his personal identity, the artist presents himself as a “cover boy” who feminises the archetypes of the workman, the footballer or the soldier, among others.

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Men’s Health Serie Men’s Magazines

Men’s Health Men’s Magazines series

Fotografía digital retablada 2004 Colección MADC

Digital photograph tableau 2004 MADC collection

El futbolista delicado de la tricolor Serie Men’s Magazines

The Delicate National Footballer Men’s Magazines series

Fotografía digital impresa en poliestileno 2005

Digital print on polystyrene 2005

La obra ironiza sobre el fútbol, el principal arquetipo deportivo sobre el que se construye la masculinidad en Occidente, mediante lentejuelas que feminizan los instrumentos de juego masculino. Además, los objetos en su presencia, simbólicamente aluden un futbolista delicado cuya existencia sería capaz de disolver los axiomas patriarcales. Últimos implementos para un futbolista delicado

Latest Kit for a Delicate Footballer

Balón y zapatos de futbol intervenidos con lentejuelas 2005

Football and football boots intervened with sequins 2005

This piece satirises football, the main sports archetype on which masculinity is constructed in the West, using sequins to feminise the implements of the traditionally male game. In addition, the presence of the objects symbolically refers to a delicate footballer whose existence could debunk patriarchal axioms.

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Ecce Homo Serie Arqueo(loca)logía

Ecce Homo Archaeo(loca)logy Series

Collage Pop-up fotográfico 2015

Photo collage pop-up 2015

“Arqueo(loca)logía” (arqueología de la loca) es una serie de imágenes que surgen de asociaciones entre imágenes-referentes de la historia del arte, la cultura de masas y conceptos en torno a la construcción de la subjetividad gay del artista. “Ecce Homo” (aquí esta este hombre) plantea un juego de lenguaje: un significado que remite a ser un hombre castigado y sufrido (el “homo”sexual), se presenta como una figura divinizada y empoderada con la armadura y escudo de Atenea Partenos, la cual en lugar de presentarse al juicio de la sociedad normativa, mas bien podría venir a juzgarla como un Pantócrator.

Arqueo(loca)logía (the archaeology of the fag) is a series of images arising from associations between images-references to art history, popular culture and concepts based on the construct of the gay subjectivity of the artist. Ecce Homo (Behold the man) is a play on language: a meaning that refers to the punished and suffering man (the sexual “homo”) who appears as a deified and empowered figure with the armour and shield of Athena Parthenos, who, instead of appearing at the judgment of normative society, could, rather, judge it as a Pantocrator.

Referencias: 1.

1. Cristo en Majestad de San Clemente de Tahull.

Detalle de fresco.

Año: 1123 Toman, Rolf (ed.) (1996). El Románico.

Arquitectura, Escultura, pintura. Colonia: Könemann, p. 410.

Christ in Majesty of San Clemente of Tahull.

Detail of fresco.

Year: 1123 Toman, Rolf (ed.) (1996). El Románico (Romanesque). Architecture, Sculpture, Painting. Cologne: Könemann, p. 410 2. Atenea Varvakeion.

Período Romano Segundo siglo antes de Cristo Wiki Commons Imagen etiquetada con derechos de uso: reutilizable con modificaciones Atenea Varvakeion.

Roman period 2nd century BC Wiki Commons Tagged image with usage rights: Reusable with modifications

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2.

3.

3. Éxtasis de Santa María Magdalena Entalladura. Una estampa.

Inscripción Monograma: Alberto Durero 1504-1505.

Fundación Museos Banco Central Durero, genio del renacimiento [recurso electrónico]. 1a. ed. San José, C.R. : Fundación Museos Banco Central, 2015.

1 disco: digital.

Ecstasy of St. Mary Magdalene Woodcut. Vignette.

Monogram inscription: Albrecht Dürer 1504-1505.

Central Bank Museums Foundation Durer, Renaissance genius [electronic resource].

1st ed. San Jose, C.R.: Central Bank Museums Foundation, 2015.

1 disc: digital.

4. Historieta de la Mujer Maravilla.

Rastreo de original en revista.

Wonder Woman’77. (2015). Volumen 2.

DC Comics Publishing.

Wonder Woman cartoon.

Tracking of original magazine.

Wonder Woman’77. (2015). Volume 2.

DC Comics Publishing.

4.

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La ofensiva de los guerreritos delicados

The Delicate Little Warriors’ Attack

Banco gigante intervenido con soldaditos recubiertos de escarcha magenta 2013-2015

Giant bank intervened with little soldiers covered in magenta glitter 2013-2015

La obra plantea la posibilidad de desbancar al poder patriarcal. El ejĂŠrcito de soldaditos delicados sube hacia lo alto para sitiar a un soldado normativo. Se representa a una militancia resistente desde la disidencia sexual.

The work proposes the possibility of debunking patriarchal power. The army of delicate little soldiers climb upwards in order to besiege a normative soldier. It represents militants resisting from a position of sexual dissidence.

Detalle Detail

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Comentando laVergüenza Ajena

1

Al observar y detenerme a reflexionar sobre los trabajos artísticos que componen la exposición Vergüenza Ajena me surgen varias preguntas y también resuenan en mí algunas ideas que más adelante comentaré, vinculadas al tema que nos ocupa o al disparador, escrito en forma de título de conversatorio, que ha sido de algún modo el señuelo que nos tiene acá sentados: el sexo (la sexualidad/el deseo).

Primero las preguntas (dos amplias) ¿Qué es la vergüenza ajena? ¿Cómo puede alguien sentir vergüenza que no le sea propia? ¿Tiene que ver esto con el pudor? ¿Tiene que ver con la extrañeza que nos produce el propio cuerpo?

Este cuerpo que gracias a algunos filósofos y padres de la Iglesia, nos ha sido arrebatado para llamarlo casa/templo de alguien más. ¿Será que andamos por el mundo sintiéndonos inquilinos de esta piel, estos huesos, esos fluidos, estos órganos, estas tripas, estos calores y estos fríos? ¿Por qué tan loca? Porque me da la gana ¿Soy así de loca porque me da la gana? ¿O no? ¿O más o menos? ¿Será que acá han seguido al voluntarismo que según algunas autoras/es, es un mito? ¿Hasta dónde soy así de loca, porque no serlo, permanecería en un inquilinato insoportable/degradante/castrante?

Y otra cosa ¿Por qué alguien preguntaría? ¿por qué tan loca? Sería igualmente inteligible preguntarnos ¿Por qué tan chino? ¿Por qué tan caucásico? ¿Por qué tan negra? ¿Por qué tan socialista? ¿Por qué tan gordo? ¿Qué es ser loca? ¿O es que, quizás, ser loca es un estado a medio camino entre la autonomía y la naturaleza?

Ahora lo identitario y lo sexo/genérico La categoría identidad es muy problemática. Es terca, es cerrada, existe porque saca/excluye. Pero seguimos recurriendo a ella, insistiendo en colocarnos los signos identitarios porque le tenemos mucho miedo a lo fluido, a lo poroso, a lo abierto, a lo que es siempre inconcluso, a lo incierto, lo indefinido y lo cambiante.

Y es por eso que la identidad puede ser una trampa.

Esta exposición tiene que ver con esos miedos y con esos deseos de pertenencia identitaria. Y tiene que ver también con esta pregunta ¿Qué es ser hombre?

Una pregunta que podríamos considerar cada vez más inútil.

La insistencia en preguntar qué es ser hombre demuestra una gran ansiedad.

1 Para esta reflexión me hice acompañar de Judith Jack Halberstam, a través de su libro The Queer Art of Failure

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Esa ansiedad está presente en esta obra pero no se le toma en serio. Pobre la ansiedad, que pierde poder al no ser tomada con seriedad. Mejor así, porque esa ansiedad provoca daño. Incluso, para muchos, esa ansiedad lleva a la muerte. Y eso sería tomarla demasiado en serio a la ansiedad de no saber cómo ser hombre.

Ser hombre es serlo dentro de unos parámetros derivados de un modelo ideológico de producción del género. Ese modelo heteronormativo patriarcal impone una forma de masculinidad. La masculinidad hegemónica. Y hombres serán los que obedezcan ese mandato.

El sistema de género patriarcal también impone una forma de feminidad, pero esta es fácil. Lo femenino, según el patriarcado, es sólo el vaciamiento de la masculinidad. Es una construcción por negación; ser mujer es no ser hombre. Esa oposición está a la raíz de la misoginia. Por eso la censura moral-patriarcal contra los hombres que no se ajustan al rol, que no obedecen esa ansiedad por ser bien hombres, toma la forma de insulto en femenino: perra, loca, en fin, ser como una mujer.

Esto nos lleva al punto central de la exposición. Los símbolos de la masculinidad hegemónica (en Costa Rica y buena parte de América Latina) están siendo insultados por un hombre que ha sido censurado moralmente, por su desacato, por su desobediencia. Es decir: el insultado al inicio, devuelve el gesto y además, lo hace soltando una gran carcajada. Es un gesto queer. Así se vive la dinámica de lo queer en un discurso estético, autobiográfico y político.

Hagamos algo de historia: ¿Recuerdan un grafiti por los barrios del sur que decía “Ser playo es de hombres”? ¿Qué significa esto?

-El mandato de la masculinidad hegemónica es, en primera instancia, una obligación heterosexual. Es la heteronormatividad que deriva del modelo binario de género.

El playo no es heterosexual. Su deseo escapa y desobedece la instrucción fundacional, reproductiva y sacrosanta. Estamos, por lo tanto, ante un caso de masculinidad fallida. Pero el grafiti nos dice que para ser playo hay que ser hombre.

En el modelo hegemónico binario del género, no tengo muchas alternativas: si no soy hombre, entonces soy una mujer. Pero una mujer que siente deseo por un hombre no es playo. Para ser playo hay que ser hombre. Esa masculinidad fallida es masculinidad a fin de cuentas. Masculinidad tránsfuga que poner nerviosos a los obedientes, a los que quieren seguir el guión hegemónico.

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El playo que sale a la calle, confronta al que niega su existencia, al que aborrece su desacato. El playo reclama su existencia masculina. Ser playo es de hombres. Y al hacer esta afirmación, se desestabilizan todas las masculinidades ansiosas. Decir esto pone nerviosos a quienes guardan una almohada loca en un clóset lleno de secretos, de dudas, también de temores que debemos tomarnos en serio, pero con liviandad. Es decir, a través de una distancia crítica, comprensiva y afectiva, como la de Roberto, con estas piezas artísticas.

Ahora bien, si hablamos ya no del playo, sino de la loca, estamos en el territorio tanto de la desobediencia al mandato sobre el deseo, como de la desobediencia al mandato sobre la performatividad: el modo de caminar, el tono de la voz, la gestualidad. Toda esa movilidad y expresividad en, desde y para el cuerpo. Se trata de una disidencia aún más escandalosa.

Y acá, con la loca que atrae todas las miradas, pienso en el poder emancipatorio de lo Queer, que no pide perdón por su existencia, ni quiere un lugar dentro de la normalidad.

Esa es la gran diferencia entre la política gay/LGBT y la política queer, desde sus planteamientos iniciales en los movimientos sociales estadounidenses.

We are Queer We are here

We are everywhere!

VERSUS

We are your next door neighbor!

Get over it!

Acá lo vemos igual (porque la influencia de los movimientos sociales desde el Norte sigue siendo muy notoria acá en el Sur). Por ejemplo, está el anuncio de Galletas Familia con ese discurso políticamente correcto de la comunidad abierta y de las prácticas de la inclusión. ¡Y está bien! Sin embargo, desde una mirada queer, podemos escarbar un poco más y pasar más allá de la superficie. Lo queer no se conforma con un campito en el barrio, donde nos sonreímos desde la puerta de la casa. La posición política queer exige que los demás se aguanten la vergüenza ajena que les produce la existencia de lo queer, esa vergüenza que habla de lo que no quieren escuchar en sus propios cuerpos.

Pensemos en esto: Las subjetividades y las corporalidades que escapan de las imposiciones heteronormativas y patriarcales, han sido heridas por la violencia física y simbólica que busca erradicar sus existencias. Esas heridas dejan cicatrices, que desde la reivindicación queer serán usadas, exhibidas, ventiladas como señal de supervivencia, y por lo tanto, de victoria.

M.Sc. Gabriela Arguedas Ramírez Profesora e investigadora de la Universidad de Costa Rica Escuela de Filosofía y Centro de Investigación en Estudios de la Mujer

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Roberto Guerrero Miranda (1978) Costarricense. Licenciado en Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico de la Universidad de Costa Rica (UCR). Ha realizado estudios en Historia del Arte y es egresado de la Maestría en Artes con énfasis en Cinematografía de la UCR y trabaja como docente en la Escuela de Fotografía de la Universidad Veritas.

Desde 1998, se ha dedicado a la realización de obra artística fotográfica y objetual. Su obra ha sido exhibida individual y colectivamente en varios espacios artísticos de Costa Rica, Centro y Suramérica, Estados Unidos y Europa: Museo de Arte Costarricense, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), Galería Jacob Karpio, Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, Museo de Arte de El Salvador, Museo de Arte de Chile y Galería Roebling Hall en Manhattan, entre otros espacios expositivos. Entre las ferias internacionales de arte contemporáneo se encuentran Art Basel Miami Beach 2005 y 2007, Arte BA 2006 en Argentina, Scope Miami Beach 2008, en Estados Unidos y Scope Basel 2008 en Suiza, bajo la representación de Jacob Karpio Galería; y Art LA 2011 en Estados Unidos, bajo la representación de Saltfine Art Gallery.

Ha sido seleccionado por la Bienal de Arte Contemporáneo de Costa Rica, Bienarte, en cuatro ocasiones (2003, 2005, 2011 y 2015) para representar a Costa Rica en ediciones de la Bienal de Artes Visuales del Itsmo Centroamericano, BAVIC, en El Salvador (2006), en Panamá (2004 y 2013) y Costa Rica (2016). Su obra fue seleccionada por El Banco Mundial, para la exposición y publicación antológica de arte latinoamericano El cambio, en Washington D.C., Estados Unidos. Algunas de sus obras han sido adquiridas para formar parte de colecciones públicas y privadas en Costa Rica y en el extranjero. Como resultado de la exposición Vergüenza Ajena, Guerrero ganó el premio nacional de cultura Francisco Amiguetti 2015, para artes visuales en otras categorías.

Costa Rican. Bachelor of Fine Arts, specialising in Graphic Design, from the University of Costa Rica (UCR). Has undertaken Art History studies and is a graduate of the UCR Master of Arts degree, specialising in Cinematography.

Works as a teacher at the Veritas University›s School of Photography.

Since 1998 he has been producing photographic and artistic work, as well as objetual pieces. His work has been exhibited in solo and group shows at several art venues in Costa Rica, Central and South America, and the United States and Europe: the Costa Rican Art Museum, the Museum of Contemporary Art and Design (MADC), the Jacob Karpio Gallery, the Panamanian Museum of Contemporary Art, the Art Museum of El Salvador, the Chilean Art Museum and the Roebling Hall Gallery in Manhattan, among others. He has also participated in several international contemporary art fairs with the Jacob Karpio Gallery: Art Basel Miami Beach 2005 and 2007, Scope Miami Beach 2008 (United States), Scope Basel 2008 (Switzerland). Twice selected to represent Costa Rica at the 2003 and 2005 editions of the Central American Biennial. International contemporary art fairs include Art Basel Miami Beach 2005 and 2007, Arte BA 2006 in Argentina, Scope Miami Beach 2008, in the United States, and Scope Basel 2008 in Switzerland under the representation of the Jacob Karpio Gallery; as well as Art LA 2011 in the United States, under the representation of the Saltfine Art Gallery.

His work has been selected by the Costa Rican Contemporary Art Biennial, Bienarte, on four occasions (2003, 2005, 2011 and 2015) to represent Costa Rica at editions of the Central American Visual Arts Biennial, BAVIC, in El Salvador (2006), Panama (2004 and 2013) and Costa Rica (2016). His work was selected by the World Bank, for the exhibition and anthological publication of Latin American art, Change, in Washington D.C. His works are in public and private collections in Costa Rica and abroad. As a result of his Cringe exhibition, Guerrero won the 2015 national Francisco Amiguetti culture prize for visual arts in other categories.

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«N ormal People are so boring» R. Guerrero “It’s just that I’m doing my master’s right now/I’m working on my thesis/I’m just about to present it/I’m very busy with classes/let me get organised/I’ve got some proposals now...”

After two years of “courtship” and a long line of excuses, Roberto Guerrero finally agreed one night to consider the possibility of working on a solo exhibition of new works for Hall 1 of the Museum of Contemporary Art and Design (MADC).

Guerrero is a Costa Rican artist who, for years now, has been researching and producing work that deals with nonnormative sexual identity, with particular emphasis on the Costa Rican contemporary context. With extensive experience in international events, he represented Costa Rica at three editions of the Central American Biennial (BAVIC) in El Salvador (2006) and Panama (2004 and 2013). He had his first solo show, “Angelic Constructions”, in 2004 at the Spanish Cultural Centre in Costa Rica (CCE) at the invitation of Nilo Fernandez (the then director of the CCE). This exhibition was the conclusion of his graduate degree from the University of Costa Rica, under the tutelage of Victoria Cabezas.

The outset of his production dates from 2000 when he exhibited at the photographer Jaime Tischler’s “Memorandum” school, and later in the group show “We Who Love Ourselves So” (2002) at the CCE at the invitation of Lidia Blanco.

It was here that the series “Introduction to a Concept of Passion” was exhibited for the first time.

Since 2009, when he worked actively with the Jacob Karpio Gallery visiting art fairs, his work was linked only to group shows and specific projects such as the Inquieta Imagen (Restless Image) competition or exhibitions such as “Constructions and Inventions” (both MADC projects) and international events for private galleries.

Its emphasis has always been on the analysis and search for background information, references and trigger points within queer theory, gender, pop culture, cinema, fashion, religious iconography and reinterpretations of the history of art in general.

Guerrero studied Fine Art, specialising in Graphic Design, which explains his interest in working mainly with photography; but also demonstrates his obsession with producing impeccably designed objects finished with a wealth of detail charged with meaning. He devotes himself passionately to these “crafted” works that not only occupy him, but also provide him with endless fun. These objects are “harmless and inoffensive” in appearance, kitsch objects with glitter, which reveal important and acute realities.

The exhibition “Cringe” is almost entirely comprised of self-referential works. He uses the male body as medium and container and proposes an exploration of himself, literally exposing himself in self-portraits (a more literal way of seeing it) and micro-narratives of his experiences or thoughts. He understands art as a useful tool for existence and survival, but also as a means of work; the perfect way to sum up the artist: “that’s just the way I am”. Focusing on “masculinity” in no way means he excludes femininity; on the contrary, it is incorporated and confronted, and established as part of his non-polarised discourse. Everything in the show comes together in a sequence of works charged with symbols of feminised hegemonic masculinity.

“Normal People are So Boring” is a scathing phrase used by the artist in the midst of using play as a parody, thereby contributing to the emphasis on his destabilising, sagacious and ironic position. He is an artist who, for years, has been

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dissecting the topics he is interested in researching and that have allowed him to address his self-referential work in a precise, incisive and charged manner. Despite the acute and persistent contrasts between the use of household and fantasy materials (sequins, glitter, fur, feathers and so on) and such personal, intimate and critical themes, his position as an individual is very evident. He simply produces very honest work.

One could say that the greatest contribution his production has made has been to spotlight the shortcomings and distortions of perception regarding non-normative sexual identity in local contemporary practices. Moreover, it has managed, in a non-violent and non-radical way, to confront viewers with very current and relevant questions, which for years have been rendered invisible.

Fiorella Resenterra MADC Director San José, November 2015

N either yours nor mine This show looks back on the last few years of the artist’s work. The exploration both of connections, and of twists and turns, is a key focus of this project. The importance of photography as a medium, and of manual work and the object, are characteristic features of Guerrero’s proposals, which centre primarily on exploring the self-portrait.

Many of his portraits present the naked male body in connection with the theme of passion, not only from the point of view of eroticism, but also in relation to penance, pain and guilt. It is a type of enclosure of suppressed desire –a purgatory of sorts –like a process of continual acceptance and punishment. In line with this concept, the colour red and the figure of a kind of fallen angel, are merged with autobiographical elements.

A form of rupture marks the claim to a “possibility of being” from a position of difference; a “delicate character” appears, using irony and parody to toy with stereotypes of masculinity... displaying an “awkward truth” that deserves to be revealed...There is a shift from the intimate and the secret to the public domain as a form of affirmation.

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Possible resistance from the point of view of presence itself exists, as well as a deliberate way of revealing the feminine within masculinity: the delicate as a declaration of difference and of parodying the “masculine identity” from a place of de-virilisation. This is a way of reversing the propagation of the construct of what the “male subject” should be, by appropriating its imagery.

Here, the paraphernalia of drag shows, all the glitter, sparkle and fantasy elements of camp aesthetics are introduced in seeking to attract the viewer’s gaze and seduce it with its brightness. This glare, which is in opposition to darkness, is a form of political act, aimed at destabilising reality based on the exaltation and exaggeration of beauty.

Artificiality is thus a fundamental concept, not only for questioning the very category of heterosexuality,1 but also in relation to beauty/ugliness, the authentic/theatrical, the subversive/conservative. At the same time, the appropriation of elements and symbols from the history of art, as well as from pop and mass culture, makes references to kitsch motifs on a recurrent basis.

Likewise, the use of playfulness highlights the theme of power as an acquired discourse. As in the case of myth, child’s play as an exemplary reality serves to structure social behaviour and roles within a collective group trained to learn and play...Questioning these behaviour patterns from a position of playfulness is a way of subverting this conditioning and, as the artist himself points out, “a way of winning the game by challenging the viewer”.

This resistance to the heteronormative approach is a quest for vindication. How is the subject constructed?

How is punishment or exclusion received if social norms are not complied with? The ongoing dialogue with the religious discourse, and the way in which the latter acts as a constraint on the body, is a key component of Guerrero’s proposals.

Likewise, the discourses on the State’s repression of sexuality are expressed as forms of exclusion and violence towards the Other. Here, assertiveness is used as a weapon, as a strategy of war to depose power and repression. These transformation skills and the deliberate display of difference are intended to upset the status quo2.

This continuous search for questioning norms, and subverting and undermining the subject from the point of view of sexual ambiguity, allows Guerrero’s proposals to be not only self-referencing, but also to include elements of doubts and testimonials of others.

The exhibition divulges uncomfortable truths for the Establishment by revealing the imposed conditioning of a repressive structure and a liberation of the discourses channelled through imposed guilt and shame.

Roberto Guerrero presents himself as the subject exposed ... Ecce homo...Here there is no shame, only that of others...

María José Chavarría MADC Curator San José, November 2015

1 Halperin, David, San Foucault. Para una hagiografía gay, Cuadernos de Litoral, Argentina, 2000.

2 Spargo, Tamsin, Encuentros contemporáneos, Foucault y la teoría queer, Gedisa Editorial, Spain, 2004.

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Rethinking My Shame In May 2014, during the theoretical event The Day We Became Contemporary (held within the context of the commemoration of the 20th anniversary of the founding of the Museum of Contemporary Art and Design, MADC), I concluded my participation in a presentation on the subject of the body and photography by posing the following question: Is it possible to decolonise our bodies from the normative discourses they are subjected to?

When I asked that question, it didn´t occur to me that a little over a year later I would be presenting a show in Hall 1 of the MADC, which, in my opinion, constitutes part of the process of constructing some of the answers to my questions. With regard to normative discourses, I can safely say that, in my experience, my childhood and youth were areas of imposed shame. When I was about 5 or 6 years old, I remember my friends telling me resolutely: “Roberto...you can’t play at being Wonder Woman”. And I didn’t understand... all I knew was that I loved Linda Carter and was fascinated by seeing her jumping across buildings, flying in her invisible plane, getting the truth out of others with her magical golden lasso and, above all, seeing her transforming and retransforming in an explosive twist and blaze. After so many and such insistent NOs, and also because I was mocked by those closest to me, I learnt that I wasn’t to do this in public and since I didn’t want to stop it became my secret game, and that was how I came to know the meaning of Shame. The shame of being...or appearing to be something that is not accepted by others, because it does not fit in with the standard ideals of culture, and not wanting to be stigmatised and excluded from a social environment.

This situation inevitably occurred, while youth taught me it was not enough to create and keep a secret; for while others were given the quality of a heteronormative mimesis, my body and my image, over and above my intentions, materialised in the form of female masculinity.

It is a truism that femininity in masculinity is an unacceptable condition within the power structures that predetermine subjects in a patriarchal society. The same is also true of the fact that homosexual desire has historically been understood as a sin, a sickness and a crime. But, above all, the most uncomfortable truth is the notion of a possible dissolution of patriarchal power, insofar as the male body disconnects from rationality and the discursive logic of normative culture, and gladly succumbs to anal penetration.

Within this context, beyond a kind of individual affectation, shame became a catalyst, along with Catholic guilt, for the social control and subjugation of subjects, like me, for example. It was at this time that my artistic experiments with photography as a means of representation began, around the year 2000. I now recognise, in my first images, an absolute and metaphorical connection with the words of a character from cinematographic fiction: a film director played by Orson Welles in a film by Pasolini, called La Ricotta (1963). In this film, a journalist asks the director: “What is it you wish to convey in your new film?” And Welles’ character replies: “My innermost, profound, archaic Catholicism”1.

Based on a connection with these epithets, these photographs represent my condition of ashamed subject, self-enclosed in his own purgatory. That is, my very personal experience of having burning forbidden desires, of guilt and, in reference to Michel Foucault’s Scientia Sexualis concept, of the need to express a confession of sorts through the image. Furthermore, these works show my links with popular culture and iconographic ties with religious representations and discourses, from which I have never been able to free myself.

1 Short film by Pier Paolo Pasolini, included in the compilation: Ro.Go.Pa.G. of 1963, which includes shorts by Jean-Luc Godard, Ugo Gregoretti and Roberto Rossellini.

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Gradually, and without realising it, both I myself and my artistic expression underwent changes and it became necessary to get out of the purgatory. I began to approach the representation of my feminised masculinity. Appropriation as a means of artistic expression became a feature of many of my new works.

Self-representation merged with parody and irony as catalysts and from there appeared a kind of CoverBoy, who, in images of masculinity, evinced the possibility of being female. Alongside these pieces, I began working with a variety of haberdashery materials to intervene objects, the form and materiality of which served to express the contradiction of the feminine within the masculine. From the point of view of the discourse, shame began to reveal its opposite: pride. I found the transition towards acceptance, dignity and self-liberation ever clearer. Thus, little by little, reflections on sex, gender, sexuality, identity, subjectivity and their links with historical and political processes became increasingly clearer to me.

These reflections included working with language, understanding it from the point of view of its ability to create or reveal realities based on its performative action. I was increasingly interested in working on the issue of violence; and responding emphatically to the hurtful knives of homophobia with bright flowers vocalising self-esteem. I also began to review the categories in which homosexuality has historically been understood and, above all, to try to identify the powers that construct and continue to perpetuate these to this day. For example, the work with language allowed me, in the piece entitled Assessing the Damage: A True Story of Politics, Religion and Sexuality, to reveal the epistemic violence, and the colonisation of knowledge and being that materialises in the book God Forgives Homosexuals.2 And beyond that, to demonstrate the ambiguity of the Costa Rican state regarding respect for human rights.

In light of the events that occur in our national reality, such as religious blocs in congress and their participation in decision-making related to policies affecting all citizens alike; marches in favour of the traditional family and, at the same time, marches such as the invisible ones and diversity, make the polarisation of our society evident. Within this context, in my personal opinion, I believe that, in Costa Rica, homosexuality, among other categories of diversity, finds itself tied up in a discursive knot in which, as a concept, it is still considered a perversion and has not managed to materialise as a judicially legitimised identity and be released from the realm of the abject.

In amongst this knot, I think that art and my concerns allow me to experiment with the ambiguous as a means of expressing myself in regard to sexuality, understood as an energy of sorts that transforms the subject and that essentially has no attachment to a specific object. For example, the idea of working with the popular and vulgar expression: That meat also eats banana, in the photograph entitled The Negotiation, allowed me to present the idea that among the very powers that repress non-normative sexuality, the rationale of these subjects collapses and their bodies and desires end up participating in the acts they repress. Let us not forget that pigs are not only a representation of perverse power but, in Costa Rican slang, they also symbolise buttocks, just as bananas, in turn, represent penises. The Last Supper, which appears in the photograph, ultimately refers to an orgiastic act in which the patriarchal powers metaphorically succumb to the desire for anal sex.

2 Book published in 2012 and presented by a Christian member of congress in the Benefactors of the Nation Hall at the Costa Rican Legislative Assembly.

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Furthermore, the idea of a sexuality that breaks with the logic of culture and creates space for the ambiguous, doubtful or uncertain, was the starting point for the piece #Closet Stories. In this case, the specific motivation was to work on the possible failure of the category of heterosexuality; not take for granted its stability but, rather, demonstrate that it is a construct of language and discourse, which some subjects attempt to adhere to. I was interested in working with real-life testimonies of men who feel the need to vocalise their heterosexuality, assert it, but who simultaneously, in their own discourse, disclose fantasies or experiences realised outside the scope of the normative.

Thus, on seeing the result of the selection, a review of nearly 15 years of work, it was quite striking to see the representation of a transition from shame to self-assertion. From photography and autonomy of media to working with other means of expression, which has freed me from a notion of art that defines itself exclusively in terms of technical/formal aspects, and not conceptual ones. Following this line of reasoning, and sidelining the principles upon which art academies operate, I could see how, in my aims and actions, I was freeing myself, in reference to Arthur Danto3, from the grand narrative of modernity in terms of an attachment to a contemporaneity in art, which does not carry the heavy metaphysical burden of originality, with a capital “O�.

In this sense, I think that, with respect to my first major concern, in this exhibition I am able to face myself in a mirror and see that my mind and body have begun to undergo a process of decolonisation -if we can call it that -towards an ongoing process of self-reflection on certain discourses regarding identity, sexuality, power and art, from a self-referential approach. I am aware that there are still many chains to break out of; that it is not easy to free oneself from the performative dynamics of the heteronormative discourse; and, above all, I clearly understand the need to adopt disobedience as an attitude and as input for the production of artistic practices.

Roberto Guerrero Miranda September 2015

3 Danto, A. After the end of art. Contemporary art and the edge of history. Editorial PaidĂłs: 2010.

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Comments on “Embarrassed for Them”

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On observing and pausing to reflect on the artworks in the exhibition “Embarrassed for Them”, several questions arise and certain ideas come to mind, that I will comment on later, in relation to the topic at hand or trigger, written in the form of the title of a conversation, which has somehow been the bait that has lured us here: sex (sexuality/desire).

First of all, the (two broad) questions What is embarrassment for others? How can anyone feel shame that is not their own? Does it have to do with modesty?

Does it have to do with the strangeness we feel towards our own body? This body that, thanks to some philosophers and Fathers of the Church, has been snatched away from us to be called the home/temple of someone else. Is it that we wander around feeling like tenants of this skin, these bones, these fluids, these organs, these guts, this heat and this cold?

Why are you so camp? Because I feel like it Am I that camp because I feel like it? Or not? Or so-so? Is it that they follow voluntarism here, which some authors consider a myth? To what extent am I so camp? Because if I wasn’t, I’d remain an unbearable/degrading/castrating tenancy.

And another thing...Why would anyone ask ‘Why are you so camp?’ You might as well ask ‘Why are you so Chinese?’

‘Why are you so Caucasian?’ ‘Why are you so black?’ ‘Why are you so Socialist?’ ‘Why are you so fat?’ What does being camp mean? Or is it, perhaps, that being camp is halfway between autonomy and nature?

Now to identity and sex/gender The category ‘identity’ is very problematic. It is stubborn, confined; it exists because it rejects and excludes. But we keep coming back to it, insisting on labelling ourselves with the signs of identity because we are so fearful of what is flowing, diaphanous, open-ended, inconclusive, unclear, indeterminate, in a constant state of flux.

And that is why identity can be a trap.

This exhibition is about those fears and the desire for identity and belonging. It also has to do with the question: What does being a man mean?

A question that we might consider increasingly futile.

The insistence on asking what being a man means shows tremendous anxiety.

That anxiety is present in this work, but it doesn’t taken it seriously. Poor anxiety, which loses its power if it isn’t taken seriously. Just as well, because that anxiety is damaging. For many, this anxiety can even lead to death. And that´s taking the anxiety of not knowing how to be a man too far.

1 This reflection is based on Judith Jack Halberstam’s book The Queer Art of Failure

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Being a man means to be a man within the parameters derived from an ideological model of gender production. That heteronormative patriarchal model that imposes an archetype of masculinity. Hegemonic masculinity. And it is those who obey this mandate who are considered men.

The patriarchal gender system also imposes a prototype of femininity, but that’s easy. The feminine, according to the patriarchy, is just the emptying of masculinity. It is a construct by means of negation; to be a woman is to be not a man.

That opposition lies at the root of misogyny. This is why moral-patriarchal censorship against men who do not fit the role, who do not obey this anxiety about being real men, takes the form of insults in the feminine: bitch, queen, in short, being like a woman.

This brings us to the primary focus of the exhibition. The symbols of hegemonic masculinity (in Costa Rica and in much of Latin America) are being insulted by a man who has been morally censored for his disrespect, for his disobedience.

That is, he who was insulted in the first place, returns the gesture and, furthermore, does so roaring with laughter. It is a queer gesture. Such are the dynamics of the queer aesthetics, autobiographical and political discourse.

Let’s make a little history: Remember the graffiti in the southern neighbourhoods that read “Being gay is for real men”?

What does that mean?

-The mandate of hegemonic masculinity is, first and foremost, a heterosexual obligation. It is the heteronormativity derived from the binary gender model.

The queer man is not heterosexual. His desire escapes and disobeys foundational, reproductive and sacrosanct instruction. This is, therefore, a case of failed masculinity. But the graffiti tells us that to be gay you must be a real man.

In the hegemonic binary gender model, I don´t have many alternatives: if I’m not a man, then I’m a woman. But a woman who feels desire for a man is not queer. To be queer you must be a man. That failed masculinity is still, ultimately, masculinity. Turncoat masculinity that unnerves the obedient, those who want to follow the hegemonic script.

The queer guy who goes out and confronts those who deny his existence, who detest his contempt. The queer guy who reclaims his male existence. Being queer is for real men. And by making that statement, all anxious masculinity is destabilized. Saying this unnerves those hiding a queer pillow in the closet full of secrets, doubts and also fears that we must take ourselves seriously, but lightly. That is, through a critical, comprehensive and emotional distance, such as that of Roberto, with these art pieces.

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However, if it’s a question not of the queer guy, but of the queen, then we’re in the territory of both disobedience of the mandate of desire, and disobedience of the mandate of performativity: gait, tone of voice, gestures. All that mobility and expressiveness in, from and for the body. This is even more scandalous dissent.

And here, with the queen that attracts all eyes, I think of the emancipatory power of queers, not apologizing for their existence, nor wanting a place within normality.

That’s the major difference between gay/LGBT and queer politics, based on its initial proposals in the social movements in the in U.S.

We are Queer We are here

We are everywhere!

VERSUS

We are your next door neighbor!

Get over it!

Here we see it the same way (because the influence of the social movements from the North are still very noticeable here in the South). For example, we have the Family Cookie advertisement with its politically correct discourse of the open-minded community and inclusive practices. And that’s fine! However, from a queer point of view, we can dig a little deeper and go beyond the surface. Queers aren’t satisfied with a little space in the neighborhood, where we smile at each other from our front door. Queer politics demands that others put up with the embarrassment they feel for the existence of queers, that shame that speaks of things they don’t want to recognize in their own bodies.

Consider this: The subjectivities and corporalities that escape heteronormative and patriarchal impositions have been wounded by the physical and symbolic violence that seeks to eradicate their existence. These wounds leave scars that the queers’ vindication will use, display and ventilate as a sign of survival and, therefore, victory.

Gabriela Arguedas Ramírez, M.Sc. Professor and research fellow of the University of Costa Rica School of Philosophy and Research Centre for Women`s Studies

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EQUIPO MADC 2015: Dirección: Fiorella Resenterra | Administración: Susana Cascante | Curadora Jefe: María José Chavarría | Curadora en diseño y coordinadora: Laura Sánchez | Comunicación y Producción artística: Eunice Báez Sánchez | Diseño gráfico y fotografía: Adriana Artavia | Área educativa: Antonieta Sibaja | Contabilidad: Jessica Vindas | Bienes y contrataciones: Esteban Vásquez | Jefe de custodios, montaje y registro de colección: Pedro Leiva | Recepción: Nuria Chavarría | Encargado del taller: Jhonny Paniagua | Custodios y montaje: Sandra Lezcano, Luis Diego Fallas, Wilberth Segura, Arturo González, Alexander Fernández.

JUNTA ADMINISTRATIVA MADC 2015: Presidente: Hugo Pineda | Vicepresidente: Sra. Karina Salguero | Secretaria: Sra. Lorna Chacón | Vocal 1: Sr. Jurgen Ureña | Vocal 2: Sra Marta Rosa Cardoso.

JUNTA FUNDACIÓN PRO MADC 2015: Presidente: Sra. Karina Salguero | Secretaria: Sra. Adriana Gómez | Tesorera: Sra. Gisela Salazar | Vocal 1: Sr. Jurgen Ureña | Vocal 2: Michelle Giustiniani Reyes.

CRÉDITOS DE ESTA PUBLICACIÓN: Curaduría: María José Chavarría | Textos: María José Chavarría, Fiorella Resenterra, Antonieta Sibaja, Gabriela Arguedas y Roberto Guerrero.| Diseño gráfico: Adriana Artavia | Fotografías: Archivo artista, Adriana Artavia págs 30 y 35, Pablo Franceschi pág 24 inferior, Mario Gómez pág 17 superior, Laura Sánchez pág 14, 15, 24, 27 inferior | Traducciones: Natasha Mac Iver.

AGRADECIMIENTOS DEL ARTISTA: Mi primer y más profundo agradecimiento es para Fiorella Resenterra, quien siempre ha creído en mi trabajo y me animó e insistió para que este proyecto se pudiera realizar; a María José Chavarría, por su maravilloso trabajo de curaduría, basado en un profundo conocimiento de mi obra y de mi persona; a la Junta de la Fundación pro MADC, por el apoyo a la producción; y a todo el personal del MADC, por su colaboración incondicional para que la exposición, la conferencia que la acompañó y este catálogo fueran posibles.

A Miguel López y Gaby Arguedas por su luminosa participación en la conferencia “Repensando La Vergüenza”, acerca de la exposición.

A los artistas que me apoyaron con sus valiosos conocimientos, trabajo o gestión: Jurgen Ureña, Otto Castro, José Chisco Arce, Rodolfo Morales, Andrés Retana y Lucy Argueta.

A los artistas que modelaron para la fotografía La Negociación: Roberto Guerrero, Giorgio Timms, Roberto Lizano, Rafael Ottón Solís, Léster Rodríguez, Luis Diego Arias, Oscar Figueroa, Diego Van der Laat, Yamil de la Paz y Jurgen Ureña.

A la Compañía Nacional de Teatro, especialmente a su directora Moy Arburola y Rolando Trejos por el préstamo de vestuario.

Al Señor Carlos Valverde, a la Señora Ana Lizano y a la Señora Norma Ehremberg por su apoyo en la realización de la fotografía mencionada anteriormente.

A la Alcaldía de la Municipalidad de San José por el préstamo de vestuario para la obra Ecce Homo.

A la Universidad Veritas, específicamente Ana Muñoz, Hilda Hidalgo, Gustavo Sánchez, Cesar Carrascal y Alfredo González, por sus facilidades para la realización de la exposición.

A Allan Salas, Alejandro Céspedes, Christian Vásquez, Kevin Valverde, Daniel Rosales y Roberto González, por su participación en el video de la obra En búsqueda de la iluminación.

Al maravilloso equipo técnico y de producción: Nicole Alpízar, Mario Gómez, Sergio Granados, Ángel Mora, Antonio Diana y Susana Sánchez, ya que sin ellos nada hubiera sido posible.

A mis amigas queridas Marta Rosa Cardoso, Pilar Solana y Jacqueline Salas, por creer tanto en mí y mi arte.

A mi mamá Emilce Miranda, por su amor infinito, sacarme adelante ella sola, transmitirme su fuerza vital y apoyarme en todas mis locuras.

Y a Dios –pero no a la religión (tan nefasta para quienes nos salimos de la heteronorma), por haberme permitido ser quien y lo que soy, y por haberme bendecido con todas las personas arriba nombradas.

Con el apoyo:

MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO. Ministerio de Cultura y Juventud. Ubicado en el Centro Nacional de Cultura. Avenida 3, calles 11 y 15, San José, Costa Rica. info@madc.cr | www.madc.cr | Teléfonos (506) 22579370, (506) 22223489.

Fax (506) 22578702, TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS MADC 2015.