Dulce Fetiche - Lucy Argueta by Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO / Dulce fetiche / Lucy Argueta / MADC 2015

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Esta publicación fue realizada para la muestra “Dulce fetiche” de Lucy Argueta, exhibida en las Salas 2 y 3 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica. Del 14 de mayo al 08 de julio, 2015. Dirección MADC: Fiorella Resenterra. Coordinadora editorial: María José Chavarría. Presentación MADC: Fiorella Resenterra. Textos: María José Chavarría, Fiorella Resenterra, Antonieta Sibaja, Melissa Hernández y Lucy Argueta.

Índice Arqueología de la memoria como fetiche

Fiorella Resenterra, Dirección MADC

Dulce fetiche

María José Chavarría, Curaduría MADC

Obras Arqueóloga del vestido

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Melissa Hernández

La prenda como vestigio

Antonieta Sibaja, Educación MADC

CV de la artista Translations Créditos

36 38 46 3

Arqueología de la memoria como fetiche Lucy Argueta fue una de las artistas representantes de Honduras para la Bienal Artes Visuales del Istmo Centroamericano (BAVIC) en Panamá 2012. En esta ocasión la artista presentó la videoinstalación “Merma”, que constaba de una proyección (04:22min) y ropa en descomposición, casi como mortajas sobre unos lienzos, a modo de caminos. “Con Merma busco abordar ideas recurrentes en mi trabajo sobre el rastro material y el pasado para siempre perdido. Mi proyecto se desplaza entre ejercicios diversos: por una parte, me interesa desarrollar una plataforma conceptual que provoque una reflexión sobre esas relaciones que como sujetos establecemos entre lo corporal, lo temporal y lo espacial; por otro, busco enfatizar sobre la temporalidad, como percepción subjetiva, que excede el tiempo y la materia. Me interesa, pues, procurar una “arqueología de la memoria”, comentó la artista. Posiblemente esos “rastros o indicios” son los que llevan a Argueta a adentrarse al mundo del fetiche, la piratería y la ropa de segunda mano, como objetos de consumo popular y contenedores de memoria. Comenta que durante los primeros años de su carrera estos fueron los elementos fundamentales para comprender su naturaleza simbólica y a medida que avanzó con sus investigaciones y sus intereses las búsquedas se diversificaron. En este sentido la memoria es una parte más dentro del conjunto de cosas que le interesa abordar. Lucy Argueta inició su colección hace 17 años recolectando vestidos de época en tiendas de ropa usada. Luego complementó con carteras, maletas, accesorios, zapatos, abrigos, entre otros. Todas ellas de un precio muy bajo (aproximadamente de $5 a $8 por prenda, pero en su mayoría una prenda no pasa de un $1). Si las piezas son más caras pierde el interés, ya que le atrae lo barato pero no lo vulgar; generalmente estas prendas no tienen marcas o etiquetas. El criterio que utiliza para su selección es que las piezas tengan la capacidad de despertar una fibra sensible por medio del aura que desprenden, que la diviertan y … “en muchas ocasiones en su mayoría las uso en mi forma de vestir y vivir, pero no son ese tesoro que poseo… busco prendas que me conmuevan” señala. Es así como la muestra “Dulce fetiche” en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) presenta los objetos de Argueta como reveladores de su capacidad simbólica, estética y sobre todo de seducción; ellos son el eje problematizador en la propuesta y el fetiche como objeto de deseo.

Las prendas como historias La prenda responde a una forma y a una dinámica social, es para la artista una manifestación de comportamientos, formas de expresar y entender el mundo. En cierto modo, la indumentaria se convierte en una articulación del lenguaje, un aspecto profundamente antropológico cuando este es llevado al plano de la interpretación y el análisis. Considera las prendas como mapas narrativos de significados y conexiones, pero por otro lado, en el caso de las prendas con las cuales el público interactúa, funcionan como dispositivos de diálogo y expresión particular. El público es quien decide qué usar, cómo usarlo y de qué forma proyectan estas prendas su individualidad. De aquí la importancia de la “curaduría” que realiza la artista en las llamadas “piscinas” (Costa Rica) o “bultos” (Honduras), espacios donde se encuentra la ropa de segunda; no en ganchos o perchas cuidadosamente ordenados sino en montones desordenados. La instalación propuesta para el MADC supuso la búsqueda específica de cada prenda que componía la instalación, cuya finalidad era la de invitar al público a sentirse cómodo y bienvenido a ser parte de la construcción/deconstrucción de la pieza probándose y/o llevándose alguna de las piezas o varias. Así, una actividad

que inicia de manera muy personal, donde la artista busca y rebusca y encuentra piezas únicas que son “la gloria”, terminan siendo parte de una realidad diferente e intervenida por los visitantes al Museo, la pieza se “contamina”, se enriquece con cada propuesta ajena. “Creo que lo interesante en una prenda es la historia o narrativa que nos puede contar, es como un recipiente de historias e interpretaciones”, comenta Argueta.

La piratería Ese mismo contacto con la ropa usada, es el que, poco a poco llevó a la artista a explorar otras áreas cercanas en el submundo de la economía informal, como ella misma explica: “la piratería de las grandes marcas e íconos del mundo de la moda y el glamour me llamó la atención. Las razones por las cuales surge todo este mundo semi clandestino de las imitaciones son más profundas que el simple hecho de ampliar una oferta dentro de un mercado de bajo presupuesto, es la necesidad misma de poseer, es el poder del fetiche y el aura de los objetos originales articulándose a través del mundo pirata”. La artista no tiene preocupación alguna en establecer un paralelismo entre la relación original /copia en el arte y en el mercado comercial de los objetos de marcas de lujo. Más bien se centra en la relación que existe entre el fetiche y las formas de poder real que tiene el sistema de los objetos, la necesidad y la sensación de placer que estos generan a quien puede comprarlos, convirtiendo este orden de cosas más que en simples objetos, en un valor cultual. Aunque el carácter fashion de sus propuestas, donde podría primar lo estético, pareciera implicar una aproximación inofensiva y más sutil, esta se desvela desde la ironía y la parodia como articuladores de la contradicción del sistema de consumo. Las prendas no son moda, son categorizaciones humanas que cuentan historias, donde el lujo no son las marcas ni sus costos, sino toda la ficción que se genera alrededor de él, las fantasías que hace emanar en el deseo de las personas “Creo que el consumo de la piratería no ha afectado en absoluto este concepto, por el contrario, me parece que lo ha enriquecido y articulado en una esfera y estrato social que por su condición económica jamás podría aspirar a comprar un artículo suntuoso” destaca la artista. Le atrae tanto el fetiche como un objeto pirateado masivamente que pretende ser lo más similar al original como aquel que es un objeto de segunda mano que posiblemente ya tiene una carga simbólica y una historia detrás (que lo hace único). Para Argueta ambas son formas de valor en un objeto. Por un lado está la reproducción masiva de una réplica llevada al espacio del arte que tiene ramificaciones complejas y críticas que hablan de muchos fenómenos que se desenvuelven en la esfera del mundo del mercado y el valor económico; y por otro lado, está la capacidad de un objeto de generar simbologías que lo hacen único, o al menos valioso en términos de capital simbólico. Estas perspectivas son la que le permiten a la artista profundizar en los objetos que tan cuidadosamente elige para vestirnos de historias.

Fiorella Resenterra Directora, MADC San José, mayo 2015

Dance & Gabriel (detalle).

El trabajo de Lucy Argueta (Honduras), ha planteado diferentes perspectivas que giran en torno a la prenda como objeto y sus distintas connotaciones. Acercamientos que van desde la recolección de estas, como elementos impregnados de memoria, hasta la proyección de la ropa como vestigio casi arqueológico. Esto vinculado incluso en algunos casos, al tema de la violencia, al de personas desaparecidas y a entierros colectivos. El paso del tiempo como un elemento importante, se traslada tanto a la descomposición de los tejidos y materiales, hasta la relación entre diseños, patrones e historias narradas desde la prenda misma. Concepciones sobre la femineidad y la recuperación también se hacen presentes en muchas de sus primeras series, tanto a nivel de fotografía como instalativo. Por otro lado, muchos de sus trabajos giran entorno al uso de la prenda como tal y lo que ella representa. Esta como un elemento de consumo importante, un símbolo de estatus o una forma de vida, que va desde ser un objeto de lujo y de acceso limitado, hasta su posibilidad la recodificación de ciertos mecanismos simbólicos a partir de la imitación y su expansión hacia todos los niveles económicos, sociales y poderes adquisitivos, basados en la reproducción. Presentar el deseo que se puede generar al querer poseer algo y evidenciar las diferentes respuestas del mercado a este deseo, da pie a toda una investigación en relación a las marcas, ropa y accesorios y las concepciones en torno al “original y la copia”. Todo dentro de un mercado de “segunda mano” como objetos de consumo y fetichización. En este tipo de propuestas planteadas por la artista, el concepto de la ironía tiene un papel fundamental, en este juego trazado alrededor de las marcas, el acceso a lo material y la búsqueda del llamado “glamour”. La fascinación por el objeto es algo que se hace evidente desde las resoluciones generadas por Argueta en algunas de sus obras, y en la puesta en acción de dinámicas participativas con el espectador. ¿Qué es lo que da valor a los objetos de consumo? ¿De qué manera este tipo de elementos me re-presentan? Al final, ¿qué es lo que determina la selección y el deseo de posesión? Estas prendas de segunda mano además, son objetos que ya tienen vida impregnada en sí mismos, cuentan con una memoria y un recorrido. Estudiar las relaciones y las características de ese “objeto de deseo” como tal, es algo que nos acerca a entender nuestras propias relaciones sociales e incluso a nosotros mismos.

María José Chavarría Curadora MADC San José, abril 2015

FantasĂa fina I (detalle).

Vista parcial de Sala 2.

Gold Versache, Coco Canal #123, Hernés, Luigi Vuton, Georgi Amoni Serigrafía sobre vinil 2015

ohhh... the unforgettable scent of betrayal!

ohhh... the lingering scent of doubt!

¡ohhh... la inolvidable esencia de la traición!

¡ohhh... la persistente esencia de la duda!

Serie: “When you smell fabulous, who cares about happy endings?” Instalación 2015 Serie de fragancias de bolsillo, que hacen referencia al interés de la artista por el fetichismo y el culto hacia objetos particulares. Series of pocket fragrances, which refer to the artist’s interest in fetishism and the cult of certain objects.

ohhh... the delicious scent of remorse!

ohhh... the luscious scent of longing!

ยกohhh... la deliciosa esencia del remordimiento!

ยกohhh... la deliciosa esencia de la nostalgia!

Fetish Arte objeto 2015

Hogo Boos Instalaciรณn 2015 Colour We Instalaciรณn 2015 OH-HO Instalaciรณn 2015 Dance & Gabriel Instalaciรณn 2015 DC one Instalaciรณn 2015

Esencia Lucy Argueta Arte objeto 2015

El fetiche ante todo es un objeto encantador que huele, que encuentra tal estatus en ser a la vez insinuación de goce y constancia, como lo es todo objeto parcial del que solemos vincularnos en nuestra reiterada demanda de completitud, no puede más que decirse que funciona como el fetiche para la vida anímica. The fetish primarily as a charming object with aroma, that possesses a certain status due to the insinuation of pleasure as is the case with all the partial objects we associate ourselves with in our continuous demand for completeness; suffice it to say that it serves the same purpose as does the fetish for one’s emotional life.

Esencia de artista (Luis Camnitzer) Instalación 2015 La propuesta presentada por el artista Luis Camnitzer (falsificación original) para el proyecto de nómada 05, es una obra que opera a modo de cuestionamiento sobre los conceptos de originalidad y copia del objeto artístico. Se podría decir que el artista al ceder a terceros artistas los derechos de reproducción de su firma, articula la esencia de la obra, es decir, amplifica el aura propia de la obra inicial, sin embargo, la originalidad de la misma, descansa en el conjunto de versiones que de ella emanan. The proposal put forward by the artist Luis Camnitzer (Original Fake) for “the nomadic 05 project” questions the concepts of originality and copies of art objects. It could be said that, by handing over the reproduction rights of his signature to other artists, Camnitzer is articulating the essence of the work, ie, he amplifies the very aura of the original work, however, its originality rests on the series of versions that emanate from it. 17

Fantasía fina I Arte objeto 2014 ¿Qué define la originalidad y la copia? A modo de reflexión Roland Barthes señala que el poder del objeto es el poder de lo simbólico, me interesan las formas en que la piratería opera como forma de reproducción simbólica que intenta reconstruir el aura del objeto de deseo. What defines originality and the copy? Roland Barthes reflected that the power of the object is the power of the symbolic. I am interested in the fact that piracy operates as a form of symbolic reproduction that attempts to reconstruct the aura of the object of desire.

Vista general de Sala 3.

10 x ¢ 2000 Mural 2015

“Los rótulos de ropa usada poseen una estética muy particular, en la cual mi interés principal es la forma en que la cultura popular genera formas de comunicación afectivas de lo barato que se instauran en la conciencia colectiva”. “The labels on used clothes possess a very particular aesthetic, in which my main interest lies in how popular culture generates forms of emotional communication of cheapness that are established in the collective consciousness”.

Sin título Instalación 2015 El proyecto consistió en la instalación de dos tarimas de gran tamaño repletas de ropa de segunda mano seleccionada por la artista para ser adquirida por el público. Por un lado el proyecto alude al poder del fetiche en la indumentaria, así como el estímulo a poseer, por otro aborda de fondo la condición de problemáticas económicas en donde el consumo de mercancías de segundo uso, es habitual en las deterioradas economías de la región. The project consisted of an installation of two large pallets full of second-hand clothes selected by the artist to be acquired by the public. On the one hand, the project alludes to the power of the fetish with regard to clothing, as well as the stimulus to possess and, on the other hand, it addresses in depth the condition of economic concerns in which consuming second-hand goods is commonplace in the deteriorated economies of the region. 24

FantasĂa fina II Arte objeto 2014

Título 1 La obra reflexiona sobre el intento de redibujar las estructuras y los detalles de aquello que la memoria no ha podido retener. En ausencia de una fotografía o referencia visual, el recuerdo no es necesariamente una imagen fija. The work reflects on the attempt to redraw the structures and details of that which memory has not been able to retain. In the absence of a photograph or visual reference, the memory is not necessarily a still image.

Vestigio Fotografía, papel de algodón 2012 Esta obra se desprende del proyecto Merma realizado en 2011. El mismo es el resultado de un proceso de desintegración de las prendas y luego recuperadas mediante el desarrollo de una recreación a modo de vestigio arqueológico, si bien el componente político a modo de remembranza de las ejecuciones sumarias está presente, la obra también apunta en otras direcciones que tienen como elementos la memoria y el gesto de la recuperación del pasado simbólico a través de la prenda. “Vestige” emerged from “the Merma project” in 2011. It is the result of a process of disintegration of the garments that were then recovered by developing a re-creation in the form of an archaeological relic. Although the political component in the form of the remembrance of the summary executions is present, the work also points in other directions, the elements of which are made up of memory and the gesture of the recovery of the symbolic past through the garment.

Sin título Fotografía 2013 Presencia y ausencia son dos caras de una moneda, los objetos operan a modo recordatorio de alguien a quien no conocemos de la cual sólo podemos inferir una difusa noción de dicha entidad. Presence and absence are two sides of the same coin; the objects act as a reminder of someone we do not know, of whom we can only infer a hazy notion of that entity.

Poscurtición Instalación 2015 Prenda que ha sido tratada a modo de cuero curtido, y extendidos sobre ganchos de carnicería, la obra alude al concepto de la prenda como segunda piel y la forma en que la misma opera como referencia de la condición de género. Garments that have been treated as tanned leather, and hung on butcher’s hooks. The work alludes to the concept of clothing as a second skin and the way it operates as a reference to gender.

Muestrario Fotografía, papel hot press 2014 Es el resultado del proceso de registro de las prendas. La obra opera a modo de vitrina que propone una acumulación masiva de imágenes en donde cada prenda se puede interpretar como una persona ausente, cosificada. “Showcase” is the result of the process of registering the garments. The piece acts as a display case that offers a massive accumulation of images where each garment can be interpreted as an absent, objectified person.

10 x Â˘ 2000 (detalle).

Montaje sala 3

Voluntarios durante el montaje de la exposiciรณn Dulce fetiche.

Arqueóloga del vestido “Es increíble lo cara que es la ropa de segunda mano aquí”, confiesa Lucy Argueta. Ella lo sabe por experiencia propia: poco antes de inaugurar su exposición Dulce fetiche en el MADC, la artista hondureña se hundió en las “piscinas” de ropa americana de San José. Encontrar las piezas adecuadas no fue fácil. A diferencia de Honduras, donde las piezas cuestan unos pocos lempiras, en Costa Rica la ropa americana tiene precios mayores y un complejo sistema de venta: las mejores piezas se venden en perchas y la que no logra acaparar el gusto de los clientes pasa a la sección de descuentos. Luego, pasará a las piscinas, donde reducirá su precios a medida que pasa el tiempo. Lucy debió recorrer muchas tiendas para encontrar esos espacios con cajas de madera llenas de ropa a “10 por ¢2.000” que formarían parte de su exposición, la cual estuvo abierta hasta el 8 de julio del 2015 en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC). La artista se dedicó a buscar vestimentas capaces de contar una historia, ya sea la del cuerpo que la utilizó o la del objeto de deseo que representó su marca. P: ¿De dónde surge el nombre de la exposición, Dulce fetiche? L: El año pasado, a inicios de mayo, hice una exposición con muchas de las piezas que se ven aquí aunque algunas se han modificado. Esta exposición se llamaba “Fantasía fina” y en ella me interesaba mucho el fetiche visto desde el objeto deseado. De ahí viene el nombre de la exposición: algo que es exquisito en el sentido de objeto objetual que se quiere pero no se posee. P: ¿Cómo se interesa usted en la ropa “con historia”? L: Aparte de ser artista soy coleccionista. Llevo 15 años coleccionando ropa antigua y mi colección parte de este proceso creativo. Cada coleccionista tiene un porqué de su colección y, en mi caso, siempre colecciono ropa de segunda mano un poco seleccionada por estampados pero también me interesaba mucho pensar en quién la usó y en qué momento. Mis primeros trabajos se refieren mucho a eso y, evidentemente, ahí va vinculado en tema de la memoria. Tengo una habilidad para ver algo e imaginarme como es la persona y la historia que se cuenta a través de ello. Por ejemplo, he encontrado vestidos que son muy grandes y pienso que esa fue una chica de un 1.90 de estatura, delgada, que pudo usar ese traje en un baile. A partir de eso recreo un escenario que tiene una parte de ficción y represento el espacio doméstico de una mujer. Recreo la escena y la retrato. P: En la exposición también se encuentran muchas piezas de marcas falsas como “Coco Canal”, “Luigi Vuton” o “Hogo Boos”, ¿cuál es el mensaje tras estas obras?

L: También trabajo mucho la idea de la segunda mano en la ropa y como se categoriza la persona: primera clase, segunda clase...de ahí parto atrapando y recolectando objetos piratas, que es otra forma de querer poseer algo pero no tener la parte económica o la posibilidad de poder llegar o acceder a una marca. Tenemos mucha pieza objetual, mucha marca que no es marca, como Luigi Vuton. Sin embargo, estas marcas no son inventadas por mí, los chinos hacen mucho de eso: copian y piratean prendas, marcas, perfumes, celulares. Me interesa hablarlo y discutir sobre ellos a través de mi obra pero no cuestiono ambas partes. P: ¿Qué piensa de la ropa nueva? L: Me parece fría, me gusta la ropa que tenga cosas que contar. Compro ropa que me conmueva y eso no pasa con la ropa nueva sino que es un desecho: pasa la temporada y no existe más o se vende muy barata. Sin embargo, las piezas atemporales siempre serán. Incluso, un perfume falso tiene algo que contar: hay sátira, hay humor... P: ¿Cuál es la situación para el arte contemporáneo en Honduras? L: A partir del golpe de estado en el 2009 ha aumentado la violencia, en todo aspecto. Vivimos en un país sumamente violento. Es una cosa tremenda. En cuanto al arte hay un buen grupo de artistas que están generando propuestas interesantes a partir de sus intereses, necesidades o los conflictos políticos. Y los artistas que estaban antes del golpe siguen en pie. Me atrevería a decir que en Honduras, a nivel artístico sí hay muchas carencias: no tenemos museos que quieran o puedan tener a un artista con una carrera joven. Tampoco poseemos galerías, donde mover el mercado. Estamos vendiendo fuera de nuestro país. Lo interesante es que debido a esa carencia de espacios los artistas nos estamos moviendo a otros alternativos: en los espacios públicos y la verdad que no nos hemos doblado de brazos.

Melissa Hernández, periodista Artículo publicado en Revista Perfil San José, julio 2015

La prenda como símbolo Las prendas están diseñadas para brindar abrigo, sin embargo, adquieren otras funciones más allá de la necesidad de cubrir el cuerpo en las distintas sociedades. Estas pueden jugar el papel de marcar diferencias de jerarquías o incluso simples gustos personales; van desde la relación con el cambio de las condiciones climáticas al desarrollo de nuevos estilos de diseño, dependiendo del contexto. La artista Lucy Argueta realizó una investigación del simbolismo de la prenda en relación a la memoria y vestigio arqueológico, mezclado al consumo, el poder adquisitivo y objeto de deseo. Ese es el punto de partida del Departamento Educativo para empezar a trabajar en la creación de actividades complementarias a la exposición resultante de esta investigación: Dulce Fetiche. Como parte de su investigación, Argueta se interroga ¿Cómo opera el producto (ropa) en el mundo? ¿Qué significado adquiere una prenda al ser usada? ¿Existe una dualidad social donde la gente de clase media y baja es el público meta de tiendas de ropa usada? Una de las obras de Argueta consistió en dos montañas de ropa usada, semejando las tiendas donde podemos adquirir dichas prendas. Las personas podían probarse la ropa y llevársela. Como parte de las actividades educativas trabajamos alrededor de esa obra, sobre las historias que hay detrás de las prendas usadas. También, la interacción del público con las prendas en exhibición nos mostró la reacción de “bucear” entre la ropa y encontrar en ella una especie de tesoro. Esto nos llevó a cuestionar el ¿Por qué compro? ¿Por qué lo quiero obtener? ¿Por qué colecciono? ¿Qué es para mí un objeto de valor? ¿Qué tipo de valor tiene? Esta exposición permitió reflexionar acerca de esas interrogantes en las visitas guiadas y visitas guiadas-taller con diferentes grupos de participantes, aunado al concepto de fetiche, como objeto preciado, al que se atribuye las connotaciones como traer buena suerte u otras a quien lo usa o lo posee además, de la apertura a otros cuestionamientos acerca del status que adquiere una persona al adquirir una imitación y lo que define la originalidad de la copia. Esto en relación al valor simbólico de los objetos y el aura de deseo a su alrededor. Las personas tienen la tendencia a aferrarse a objetos, a prendas como vestigios de memoria. Sobre este tema se desarrolló el trabajo de interacción social en relación a las obras, con los grupos de visitantes en talleres como Historia de mi vestido y Teatro de telas. En Historia de mi vestido se trabajó con un público Adulto Mayor sobre la memoria y el simbolismo de la prenda, donde el objetivo fue recordar un momento importante en la vida de los participantes, a partir de una prenda que utilizaron. El ejercicio de la memoria les permitió explayarse en historias sobre su vida alrededor de ese momento significativo (primer día de clases, boda, primera comunión, quince años), al mismo tiempo que describir las texturas, colores y hasta el olor de la tela. El taller Teatro de telas se enfocó a un público de niños y consistió en la creación de personajes a partir de la selección de telas. Se tomó como punto de partida: ¿Qué me transmite un estampado, color o textura para relacionarlo a un personaje? Ejemplos resultantes fueron un abuelito hecho con tela de gabardina a cuadros y princesas confeccionadas con tela de chiffon. Los participantes contaron una historia con esos personajes en un teatro de luz.

Además, se trabajó en el Programa de Primeros Pasos en el MADC con bebés de 0 a 1 año y familiares o encargados de cuido. La experiencia consistió en la exploración de obras presentes en la exposición por medio de juegos sensoriales, quiénes estuvieron expuestos a una rica diversidad de estimulación con colores, texturas y sonidos. Asimismo, en el Departamento Educativo nos parece fundamental abrir espacios de acercamiento del público con el artista de la exposición. Por esta razón se invitó a la artista Lucy Argueta para realizar un taller con estudiantes universitarios, que ahondó en los intereses e investigación realizada para la exposición. En esta ocasión se trabajó a partir de la selección de objetos (presentes en la muestra y otros seleccionados para el taller) para reflexionar sobre sus valores estéticos, cualidades, elementos simbólicos y asociaciones que encontramos entre ellos. Las actividades educativas en el MADC, buscan favorecer, a través del desarrollo de la sensibilidad, el pensamiento crítico y la creación, el conocimiento del arte contemporáneo. El contacto con este tipo de arte, aproxima a los visitantes al conocimiento y la comprensión de temáticas relevantes a nivel social. Debemos mostrar a las personas que los museos son espacios para el aprendizaje y el disfrute, que contribuyen al reconocimiento de las identidades a través de la información que nos brindan las obras. Por tanto, la pedagogía en el museo amplía los retos con cada exposición y sus particularidades, al trasladar el discurso de los artistas a los diferentes públicos, con el objetivo de generar mayor democracia cultural.

Antonieta Sibaja Departamento Educativo, MADC San José, abril 2015

Lucy Argueta Cane, La Paz, Honduras (1983) Licenciada en de Artes Visuales Universidad Pedagógica Nacional Francisco Morazán. Co-fundadora y directora de la Escuela Experimental de Arte en Tegucigalpa (EAT).Organización orientada al proceso de enseñanzaaprendizaje para la producción de nuevas prácticas experimentales en los procesos de artistas jóvenes en la escena local de Honduras.

Proyectos y exposiciones 2014 • “Fantasía fina”, Muestra individual, Espacio cultural la ERRE, Ciudad de Guatemala, Guatemala. • “Mutación”, muestra colectiva, Dos Mares, Marsella Francia. 2013 • “Perspectivas urbanas”, Muestra colectiva, Fotoweek, Washington DC. • “In art we trust”, Muestra colectiva, Sol del Río, Guatemala. • “Fototropía,” Muestra colectiva de fotografía, Ciudad de Guatemala, Guatemala. • “Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano”, Museo de Arte Contemporáneo, Ciudad de Panamá, Panamá. 2012 • “Bienal de Artes Visuales de Honduras”, Museo para la Identidad Nacional. Tegucigalpa, Honduras. • “Guatephoto”, Muestra colectiva ciudad de Guatemala, Guatemala. • “About change”, Banco Mundial, Washington DC. • “Fuga Alternativa”, Muestra colectiva, espacio contemporáneo, San Salvador, El Salvador. • “RaRa 06”, Galería Sol del Rio, muestra colectiva, ciudad de Guatemala, Guatemala. • “Parábola”, Muestra colectiva de mujeres artistas de Centroamérica. Mujeres en las Artes MUA, Tegucigalpa, Honduras. 2011 • “Transfiguración”, Muestra individual, Mujeres en las Artes MUA, Tegucigalpa, Honduras. 2010 • “Parábola” ESFOTO 10, Muestra colectiva, El Salvador, San Salvador. • “III Bienal de Artes Visuales de Honduras”, Galería Nacional. Tegucigalpa, Honduras. • “VII Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano”, Teatro Rubén Darío, Managua, Nicaragua. 2009 • “Efímera”, Muestra de arte público, Managua, Nicaragua.

Cane, La Paz, Honduras (1983) Visual Arts graduate, Francisco Morazán National Pedagogic University. Co-founder and director of the Experimental School of Art in Tegucigalpa (EAT).An organization geared towards the process of teaching/learning for the production of new experimental practices of young artists in Honduras’ local arts scene. Projects and exhibitions

2014 • “Fantasía fina”, solo exhibition, ERRE cultural space, Guatemala City, Guatemala. • “Mutation”, group show, Dos Mares, Marseille, France. 2013 • “Urban perspectives”, group exhibition, Fotoweek, Washington, DC. • “In art we trust”, group exhibition, Sol del Rio, Guatemala. • “Fototropía”, group photography exhibition, Guatemala City, Guatemala. • “Central American Visual Arts Biennial”, Museum of Contemporary Art, Panama City, Panama. 2012 • “Visual Arts Biennial of Honduras”, Museum of National Identity. Tegucigalpa, Honduras. • “Guatephoto”, group show, Guatemala City, Guatemala. • “About change”, World Bank, Washington DC. • “Alternative Leak”, group exhibition, contemporary space, San Salvador, El Salvador. • “RaRa 06”, Sol del Río Gallery, group exhibition, Guatemala City, Guatemala. • “Parable”, group exhibition of female artists from Central America. MUA Women in the Arts, Tegucigalpa, Honduras. 2011 • “Transfiguration”, solo show, MUA Women in the Arts, Tegucigalpa, Honduras. 2010 • “Parable” ESFOTO 10, group exhibition, El Salvador, San Salvador. • “3rd Visual Arts Biennial of Honduras”, National Gallery. Tegucigalpa, Honduras. • “7th Central American Visual Arts Biennial”, Ruben Dario theatre, Managua, Nicaragua. 2009 • “Ephemeral”, public art exhibition, Managua, Nicaragua.

The Archaeology of Memory as a Fetish Lucy Argueta was one of the artists representing Honduras at the 2012 Central American Visual Arts Biennial (BAVIC) in Panama. On this occasion, the artist presented the video installation “Merma” (Decline), consisting of a screening (04: 22min) and decaying clothes, almost like shrouds on canvases, in the shape of pathways. “In ‘Merma’ I aim to address recurring themes in my work that deal with the trail left behind by the material, and the past that is lost forever. My proposal cuts across multiple practices: on the one hand, I am interested in developing a conceptual platform that gives cause for reflection on how, as subjects, we establish links between the body, time and space; and, on the other hand, I seek to highlight temporality as a subjective perception that exceeds time and matter. What interests me, therefore, is the pursuit of an “archaeology of memory”. It is, perhaps then, these “trails or traces” that lead Argueta to delve into the world of fetish, piracy and second-hand clothes; these objects of popular consumer culture and receptacles of memory. She comments on the fact that early on in her career these were the key elements for understanding their symbolic nature and as her research progressed and her interests grew, her search became more diverse. In this sense, memory is yet another area within the range of issues she wishes to address. Lucy Argueta began her collection 17 years ago, collecting vintage dresses in thrift stores. These were later accompanied by purses, suitcases, accessories, shoes and coats, among others. They are all very cheap (around $5 - $8 per garment, but most are less than $1). If they were more expensive they would no longer be of interest because what attracts her is cheap, but not vulgar, items; these garments do not normally have brands or labels. The criteria she uses for this selection of items is that their aura strikes a chord, that they are fun and... “I often wear most of them, but they are not a treasure that I possess...I look for clothes that move me”, she says. Thus, the objects Argueta exhibits in “Sweet Fetish” at the Museum of Contemporary Art and Design reveal their symbolic, aesthetic and, above all, seductive potential; they are the problematising crux of the proposal and the fetish as the object of desire.

Garments as stories The artist sees the garment as responding to social form and dynamics; a manifestation of behaviour, and ways of expressing and understanding the world. In a sense, the clothing becomes an articulation of language, a profoundly anthropological aspect when taken to the level of interpretation and analysis. She considers garments narrative maps of meanings and connections, but, on the other hand, in the case of the garments with which the public interact, they act as devices for dialogue and individual expression. It is the public that decides what to wear, how to wear it and how these garments express their individuality. Hence the importance of the “curating” that the artist undertakes in the “pools” (Costa Rica) or “bundles” (Honduras) - the places where she finds the secondhand clothes, not carefully arranged on hangers but in messy piles. The installation proposed for the MADC involved the specific search for each item that made up the installation, the ultimate aim of which was to welcome and encourage the public to feel

comfortable participating in the construction/deconstruction of the piece by trying on and/or keeping one or more of the garments. Thus, an activity that began in a very personal way, with the artist searching over and over again and finding unique garments that are “heaven”, ends up becoming part of a different reality that is intervened by the visitors to the museum; the piece is “contaminated” and enriched with each external proposal. “I think what is interesting about a garment is the story it can tell us, or its narrative. It’s like a recipient of tales and interpretations”, said Argueta.

Piracy This contact with used clothing gradually led the artist to explore other related areas of the informal economy underworld, as she herself explains: “big brand piracy and that of the icons of world fashion and glamour attracted my attention. The reasons for the existence of all this semi-underground world of imitations lie deeper than simply extending supply within a low budget market. It has to do with the need to possess, the power of the fetish, and the aura of original objects articulated through the world of pirate goods.” The artist sees no problem whatsoever in drawing a parallel between the original/copy in art and in the commercial market for luxury brand objects. Instead, she focuses on the link between the fetish and the forms of real power within the system that deals in objects; the need and sensation of pleasure that they generate in those who can afford them, turning this order of things, rather than in mere objects, into cultural value. Although the fashion aspect of her proposals, where aesthetics could be seen to prevail, appears to imply a harmless and more subtle approach, it is based on irony and parody as articulators of the contradiction of consumerism. The garments are not fashion items, they are human categorisations that tell stories, where luxury lies not in trademarks or costs, but in all the fiction that surrounds it, the fantasies that it creates in people’s desire: “I think the consumerism of piracy has not affected this concept at all, quite the contrary, I think it has fuelled it and made it manifest in circles and social classes that, given their economic situation, could never aspire to buying luxury goods”, the artist highlights. Her attention is drawn to both the fetish as a pirate object produced en masse and as close a copy as possible of the original, and the second-hand object that may already be symbolically-charged and have a story behind it (that makes it unique). Argueta considers both as a form of value within an object. On the one hand, we have the mass reproduction of a replica introduced into the art space that has complex and critical ramifications related to many phenomena that develop within the realm of the market and economic value, and, on the other hand, is the ability an object has to generate symbologies that make it unique, or at least valuable in terms of symbolic capital. It is these perspectives that allow the artist to explore in depth the objects she so carefully chooses in order to dress us up in stories.

Fiorella Resenterra Director, MADC San José, May 2015

Vestigio (detalle). 42 dc one. Detalle.

Sweet fetish The work of Lucy Argueta centres around different perspectives of the garment as object and its varying connotations. Her approaches range from the collecting of clothes as elements impregnated with memory to presenting garments almost as archaeological remains, in some cases even linked to issues of violence, missing persons and mass graves. The passage of time as an important element is transferred to both the decomposition of fabrics and materials and the relationship between designs, patterns and stories based on the garment itself. Concepts of femininity and recovery are also present in many of her earlier series, both of photography and installations. On the other hand, many of her works revolve around the use of the garment itself and what it represents: an important consumer article, a status symbol or a way of life, which goes from being a luxury and limited access item to the possible re-codification of certain symbolic mechanisms based on imitation and expansion to all economic, social and purchasing power levels from the point of view of reproduction. Presenting the desire that can arise in wanting to own something and revealing the different market responses to this desire gives rise to a full investigation in relation to brands, apparel and accessories, and the concepts that centre around the “original and the copy” in a “second hand” market as objects of consumption and fetishization. The concept of irony in this type of proposals made by the artist plays a fundamental role; in this game based on brands, access to the material and the pursuit of so-called “glamour”. The fascination with the object is evident in the resolutions Argueta generates in some of her works, and the setting in motion of participatory dynamics with the viewer. What gives value to consumer objects? How do these types of elements re-present me? What ultimately determines selection and the desire to possess? These second-hand clothes are, furthermore, objects that are already infused with life; they have a memory and a past...The study of the relationships and characteristics of the “object of desire” as such is something that brings us closer to understanding our own social relationships and even ourselves.

María José Chavarría MADC Curator San José, April 2015

The archaeology of clothing “I can’t believe how expensive second hand clothes are here,” says Lucy Argueta. She speaks from experience: shortly before the opening of her Dulce Fetiche (“Sweet Fetish”) exhibition, the Honduran artist went to dive into the “pools” of the second-hand clothes shops in San Jose. Finding the right garments wasn’t easy. Unlike Honduras, where the clothes only cost a few “lempiras”, in Costa Rica second-hand clothing is pricier and involves a complex sales system: the best items are sold on hangers and those that fail to grab the customers’ attention are moved to the discount section. Then they go into the pools, where their price is further reduced as time goes by. Lucy had to go to many shops in order to find the places with wooden boxes full of items of clothing at “10 for ¢2000”, which would be part of her exhibition held at the Museum of Contemporary Art and Design (MADC) until the 8th of July. The artist searched for clothing that could tell a story, related either to the body that had worn it or to the object of desire that its brand represented. P: Where did you get the title “Sweet Fetish” from? L: Last year, at the beginning of May, I did a show with many of the pieces you can see here, although some have been altered. That exhibition was called Fine Fantasy and I was very much interested in the fetish seen from the point of view of the object of desire. That’s how I got the idea for the title of the exhibition: it has to do with something that’s exquisite in the sense of an object from the world of objects that you desire but don’t possess. P: How did you become interested in clothes that “tell a story”? L: As well as an artist, I’m also a collector. I’ve been collecting vintage clothes for 15 years and my collection is based on this creative process. There is a reason behind every collector’s collection and, in my case, I always collect used clothes selected in part for their prints but I was also very interested in thinking about who had worn them and when. My earlier work developed very much along these lines, and is naturally linked to the theme of memory. I have the ability to see something and imagine the person and the story behind it. For example, I’ve found dresses that are very large and I imagine a girl who’s 1.90 tall, and thin, who could have worn this outfit at a dance. Based on this assumption, I recreate a scene that is part fiction, and I represent the domestic space of the woman. I recreate the scene and I portray it. P: The exhibition also includes many pieces with fake brands such as “Coco Canal”, “Luigi Vuton” or “Hogo Boos”; what is the message behind these pieces? L: I also work a lot with the second-hand idea in relation to the clothing and to how people are categorized: first class, second class... this leads to my interest in entrapping and collecting pirate objects, which is another way of wanting to possess something but not having the money or the possibility of obtaining a certain brand or of having access to it.

There are many objectual pieces, many brands that are not brands, such as Luigi Vuton. However, it’s not me who invents these brands, the Chinese do a lot of that: they copy and pirate clothing, perfumes, cellphones. I’m interested in the dialogue surrounding it, and discussing it through my work, but I don’t question either parties. P: What do you think about new clothes? L: They seem cold to me; I like clothes that have something to say. I buy clothes that move me, and that doesn’t happen with new clothes, they’re just discarded: the season’s over and they no longer exist, or they’re sold very cheaply. However, the timeless pieces always remain. Even a fake perfume has some story to tell: it has satire, humour... P: What is the state of the contemporary art scene in Honduras? L: After the coup in 2009 violence has escalated, in every sense. We live in an extremely violent country. It’s dreadful. With respect to art, there is a group of artists who are putting forward interesting proposals based on their interests, needs or the political conflicts. And the artists who were around before the coup are still active. I would go so far as to say that in Honduras, within the artistic sphere there are certainly many shortfalls: we don’t have museums that want to or can have artists with fledgling careers. We don’t have galleries either, somewhere with a market for art. We are selling outside our country. The interesting thing is that because of this lack of spaces, artists are exploring other alternatives: in public spaces, and the truth is we haven’t just stood idly by.

Melissa Hernández, journalist Article published in “Perfil” magazine San Jose, July 2015

The Garment as a Symbol. The Educational Approach. Clothing is designed to cover our bodies; however, it acquires other functions beyond this need in different societies. Garments can have the role of differentiating between hierarchies or even mere personal tastes; they range from the relationship with the changing climate to the development of new design styles, depending on the context. The artist Lucy Argueta has researched the symbolism of clothing in relation to memory and archaeological remains, alongside consumerism, purchasing power and the object of desire. This was the starting point for the Education Department to begin working on activities associated with the exhibition that resulted from her research: Sweet Fetish. As part of this research, Argueta asked herself the question “How do these products (clothing) function in the world? What meaning does a garment acquire as a result of being used? Is there some kind of social double-dealing where people from the middle and lower classes are the target audience for used clothing stores? One of Argueta’s works consisted of two mountains of used clothes, resembling those in the shops where these items are sold. People could try on the clothes and keep them. As part of the educational activities, we worked around that piece, on the stories behind those second hand clothes. Furthermore, the interaction of the public with the garments on display showed the reaction of “diving” into the clothes and finding some kind of treasure in there. This led us to pose the question: “Why do I buy?” Why do I want to get it? Why do I collect? What do I consider to be an object of value? What kind of value does it have? This exhibition allowed the viewer to reflect on these questions in the guided tours and guided tour-workshops with different groups of participants, as well as on the concept of the fetish, as precious object, credited with the ability of bringing good luck or other such powers to the wearer or the person who owns it. In addition, it paved the way towards questioning the status a person acquires on purchasing an imitation and what defines the originality of the copy in relation to the symbolic value of the objects and the aura of desire that surrounds them. People have a tendency to cling to objects, to garments, as relics of memory. This subject was the basis for developing the social interaction in relation to the artworks, with groups of visitors in workshops such as “History of my Dress” and “Fabric Theatre”. “History of my Dress” involved working with elderly visitors in regard to the symbolism of and memories linked to garments, where the aim was for the participants to remember an important moment in their life, based on a garment they had used. The exercise in memory allowed them to elaborate on stories related to their lives around that important time (first day at school, wedding, first communion, fifteenth birthday), while describing the textures, colours and even the smell of the fabric. The “Fabric Theatre” workshop involved girls and boys and consisted of creating characters based on the choice of fabrics. Its starting point was the question: What does a pattern, colour or texture mean to me in the sense of relating it to a character? The results included a granddad made out of checked raincoat material and princesses made with chiffon fabric. The participants told a story with these characters in a light theatre.

In addition, work was carried out on the “First Steps at the MADC” Programme with babies aged 0-1 together with their relatives or guardians. The experience involved exploring works in the exhibition through sensory games, in which they were exposed to a wealth of varied stimulation with colours, textures and sounds. Furthermore, the Education Department considers it essential to create opportunities for the public to have closer contact with the artist presenting the exhibition. Lucy Argueta was thus invited to give a workshop with university students, which offered more in-depth knowledge of the motivation behind the exhibition and the research undertaken. On this occasion, the participants reflected on the aesthetic values, qualities, symbolic elements and associations between objects present in the exhibition and others selected for the workshop. The educational activities at the MADC seek to encourage critical thinking and creativity, as well as increasing knowledge of contemporary art by developing cultural sensitivity. Visitors coming into contact with this type of art are exposed to an awareness and understanding of relevant issues at the social level. We need to show people that museums are places for learning and fun, contributing to the recognition of identities through the information we receive from the artworks. Therefore, the educational activities provided by the museum create new challenges with each exhibition and its specific attributes, by transferring the artists’ discourses to different audiences, with the aim of generating greater cultural democracy.

Antonieta Sibaja Hidalgo Education Department Museum of Contemporary Art and Design

EQUIPO MADC 2015: Dirección: Fiorella Resenterra | Administración: Susana Cascante | Curadora Jefe: María José Chavarría | Curadora en diseño: Laura Sánchez | Diseño gráfico y fotografía: Adriana Artavia | Área educativa: Antonieta Sibaja | Contabilidad: Jessica Vindas | Bienes y contrataciones: Esteban Vásquez | Jefe de custodios, montaje y registro de colección: Pedro Leiva | Recepción: Nuria Chavarría | Encargado del taller: Jhonny Paniagua | Custodios y montaje: Sandra Lezcano, Luis Diego Fallas, Wilberth Segura, Arturo González, Alexander Fernández.

JUNTA ADMINISTRATIVA MADC 2015: Presidente: Hugo Pineda | Vicepresidente: Karina Salguero-Moya | Secretaria: Lorna Chacón | Vocal 1: Jürgen Ureña | Vocal 2: Marta Rosa Cardoso. JUNTA CURADORES MADC 2015: Presidente: María José Chavarría | Laura Sánchez, Eunice Báenz, Fiorella

Resenterra, Adriana Collado, Fernando Ramírez Chacón, Rolando Barahona, María Jóse Monge, Marta Rosa Cardoso Ferrer, Esteban Calvo.

JUNTA FUNDACIÓN PRO MADC 2015: Presidente: Karina Salguero-Moya | Secretaria: Adriana Gómez | Tesorera: Gisela Salazar | Vocal 1: Jurgen Ureña | Vocal 2: Michelle Giustiniani Reyes.

CRÉDITOS DE ESTA PUBLICACIÓN: Curaduría y conceptualización del catálogo: María José Chavarría | Textos: María José Chavarría, Melissa Hernández y Antonieta Sibaja | Diseño gráfico: Laura Sánchez y Adriana Artavia | Fotografías: Archivo de artista (págs: cubierta y portada, 6, 27, 36, 40 y 45), Laura Sánchez (págs: 8, 14, 16, 17 y 31), Adriana Artavia (páginas restantes) | Traducciones: Natasha Mac Iver.

AGRADECIMIENTOS DEL ARTISTA: A mi hijo Arturo y Léster mi compañero de vida, que están presentes en cada detalle, cada proyecto, cada sueño. Mi gratitud a todo el equipo del Museo por su colaboración y disponibilidad. Alegría! AGRADECIMIENTOS DEL MADC: Esta exposición fue posible gracias al apoyo de nuestro equipo de voluntarios: Fressy Aguilar, Jairo Aguzzi, Esteban Alfaro, Carlos Badilla, Roberto Valladares, Mónica Barboza, Lissa Barquero, Sophia Bokop, Nicolás Boisseau, Pablo Bonilla, Eva Bristol, Ahmed Díaz, Diana Garro, Esteban Hidalgo, Sofía Jiménez, Mónica Jiménez, Gabriel Moreno, Alexis Muñoz, Tatiana Muñoz, Hazel Ramírez, Andy Retana, Diego Zamora y Emmanuel Zuñiga.

MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO. Ministerio de Cultura y Juventud. Ubicado en el Centro Nacional de Cultura. Avenida 3, calles 11 y 15, San José, Costa Rica. info@madc.cr | www.madc.cr | Teléfonos (506) 22579370, (506) 22223489. Fax (506) 22578702, TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS MADC 2015. Con el apoyo: FUNDACIÓN PRO MADC