Grindhouse Nº 4 by MADHOUSE CHILE

GRINDHOUSE

Editorial "La única monstruosidad que reside, es en lo retorcido de los cerebros de las personas; carne y hueso, que los componen sienten una ansiedad y una horripilante inclinación insólita hacia la maldad”. Nuevamente volvemos a la carga, con el N°4 de GRINDHOUSE, creado por una equipo de personas adictas al cine, música, comics y las experiencias extremas, ocultas y dantescas. Juntas bajo una sola premisa, dar a conocer al mundo lo que ocurre tanto detrás de las bambalinas como frente a la cámara, de ese mundo que nos atrae, desde un buen relato, de un libro, películas, terror o ficción, pasando desde autores como Poe, Lovecraft, King... bienvenidos una vez más a nuestro mundo, a vuestro mundo, que la función visual comience… Staff:

Gustavo Valdivia, Daniel Ferrer, Luis Díaz, Dany Insania, Romy Riq, Valentina Osores, Catalina Soto.

Diagramación:

Cuerva

Portada:

Bastian Brauning

Contraportada:

Bastian Brauning

Colaboración:

Grinor Rojo por Aldo Astete Cuadra y All Gore

Producción:

Madhouse Chile, Cuerva

Freaks La belleza de Browning

que sufre la humillación y luego busca la venganza correspondiente gatillada por la cruel estafa emocional y monetaria que la trapecista le hace vivir. La crueldad se ve reflejada a cada minuto, la degradación de la sociedad-circense (Browning antes de dedicarse al cine trabajo durante muchos años en los circos más famosos como el de los “Ringling Brothers”. Ahí él realizaba un macabro número conocido como “el cadáver viviente”. Era de esperar que él llevara a su creatividad mundos oscuros y terroríficos llenos de espacios repugnantes y asfixiantes) recae en la cotidianeidad que ellos presentan. A su vez la unidad que este grupo tiene, como una gran logia donde solo “ellos” pueden ser partícipes nos acusa del efecto bola de nieve, la sumatoria de humillaciones denota en la cruel venganza. Tal vez la justicia de propia mano no sólo se dio en esta Bellísima película, representada en 1932, sino que nos inunda con sus repercusiones actuales en las cuales estamos llenos de venganza reprimida que explota en cada minuto. La belleza se mezcla con la magnífica crítica a una sociedad que no logró ver lo que el mundo les estaba entregando, luego al pasar los años logra ser reconocida como tal, ahora al transformarse en un gran filme de culto, la pregunta sería: ¿Es ésta Belleza una cruel muestra de lo que podemos ser capaces de hacer como sociedad al disfrutar muchas veces de la humillación ajena? Browning nos metió en un Gran Freaks Show.

Por Dany Insania Freaks (La parada de los monstruos en España, Fenómenos en Hispanoamérica) es una película estadounidense de 1932 dirigida por Tod Browning. Después del exitazo de Drácula,(1931) vuelve a la Metro. Harry Earles, enano alemán amigo de Browning, le propuso adaptar el cuento de Tod Robbins, Spur (Espuelas), acerca de la venganza de un enano, artista de circo, hacia la trapecista que intentó adueñarse de su dinero casándose con él. Este proyecto llegó a ser un verdadero fracaso de público y de las críticas por no comprender ni aceptar la Belleza que contiene. Esto produjo la caída que comenzó a vivir Browning. Si bien en lo más profundo no sería un filme de terror, tiene secuencias y atmósferas que si la pueden encajar en el género. Con una belleza única, perfecta y actuaciones por personas con deformidades físicas reales, incluso con padecimientos mentales. No se utilizaron efectos especiales de maquillaje, excepto en una breve escena al final de la película. Es un gran filme que estuvo prohibido en el Reino Unido, pero que luego de una presentación en los años 60, tras un pase especial que se llevó a cabo en el Festival de Cine de Venecia, realzó y se comprendió la magnificencia de este filme. Harry Earles (el enano Hans) y Daisy Earles (su prometida Frieda en la película) en la vida real eran hermanos, eran de origen alemán y formaron la compañía teatral The Doll Family. Todos los integrantes lograron una belleza aterradora, donde nosotros más que asustarnos nos compadecemos y nos mueve nuestro lado más solidario. Browning nos transporta a una realidad paralela, donde lo que viven los artistas de éste circo de espectáculos Freaks es en realidad nuestra vida cotidiana llena de prejuicios, discriminaciones y poca empatía que nos lleva a una caída aterradora como sociedad de la misma manera que aquel enano

Black Metal Oscuridad y Evolución Por Daniel Ferrer

Hace un tiempo leíaa una entrevista realizada a Teloch (guitarrista de los blackmetaleros noruegos Mayhem) en donde le consultaban acerca de lo que es y no es considerado como Black Metal, respondiendo que para él, el Black Metal murió en 1995, ya que lo considera una tendencia y como tal tiene un periodo de existencia. Muchas veces ha salido a discusión ya sea en foros, revistas e incluso prácticamente todos los que escuchamos metal lo hemos debatido en más de alguna ocasión en alguna reunión con amigos. ¿Pero de dónde y por qué nace ésta discusión? ¿Por qué sólo se da con el Black Metal y no así con el Death, Thrash, Heavy o cualquier otro estilo? ¿Por qué, a diferencia de los otros estilos, muchos de sus fanáticos no aceptan sus cambios y evoluciones? Si hacemos un poco de historia, podemos decir que como movimiento, el Black Metal nace en la

segunda mitad de los años 80 en Noruega, liderados por Øystein Aarseth (más conocido como Euronymous) fundador de la banda Mayhem, la disquería Helvete y el sello discográfico Deathlike Silence Productions; tres elementos fundamentales en el desarrollo de éste género musical. El primero, Mayhem (1984), considerados junto a Darkthrone (y podríamos nombrar a los brasileños de Sarcofago) como las primeras bandas Black, sentando las bases de lo que será el sonido, la estética y la temática en las letras de las canciones. El segundo, Helvete (1991-1993), fue una disquería la cual se convirtió en el lugar de reunión de la creciente “comunidad” y fue donde nació el Inner Circle, grupo formado por miembros de varias bandas como Mayhem, Burzum, Emperor, Enslaved, entre otras, además de fans y seguidores, unidos por la misma ideología pagana o anti-cristiana y su búsqueda de erradicar el cristianismo para devolver a Noruega sus raíces vikingas y paganas pérdidas con la llegada del cristianismo. El Inner Circle desde sus inicios estuvo envuelto en la infamia y actos delictuales como el racismo, la homofobia, la profanación de tumbas y la quema de iglesias, lo que finalmente produjo una explosión, exposición y masificación del estilo y reforzando su aura de oscuridad y transformando al Black Metal en el género musical más extremo. Finalmente la creación de Deathlike Silence Productions (1990-1993), sello discográfico creado por Euronymous para promover y difundir a las nacientes bandas blackmetaleras fichando y lanzando discos de bandas como Burzum, Enslaved, Mayhem o Abruptum. Todo esto permitió a Euronymous implantar la semilla de lo que se convertiría en uno de los estilos más importantes, no sólo en su aspecto musical, sino que también con una fuerte base ideológica, creando un concepto total (un todo) pocas veces visto en la música. Podemos decir que el hecho mas importante, que marca un cambio y crea una separación en muchos aspectos en el Black Metal fue la muerte de Euronymous ocurrida en Agosto de 1993 a manos de quien fuera uno de su mas cercanos colaboradores, Varg Vikernes más conocido como Count Grishnackh

musicalemente más complejos, introduciendo elementos sinfónicos, electrónicos, el uso de orquestaciones y sobre todo la mezcla con otros géneros musicales como el Industrial, Folk, Gothic, Rock, entre otros, sería común en aquella época. Pero lo que marcó en muchos aspectos al sonido del Black Metal fue el uso (y en muchos casos, el abuso) del teclado. Si bien esto produjo que se sacrificara en muchos aspectos el sonido original, violento, oscuro y primitivo, ganó en calidad de lanzamientos, el nacimiento de nuevos sub-géneros y el poscicionamiento del género como el mas importante durante muchos años, ganando adeptos y la proliferación de bandas alrededor de todo el mundo. Obviamente no todos estaban de acuerdo con estos cambios (o evolución) y muchas bandas y seguidores se han mantenido fieles a la línea original moviéndose principalmente en los circuitos más underground. A diferencia de otros estilos, el Black Metal con los años ha ido cambiando, mutando o evolucionando hacia nuevos terrenos, y aunque en muchos aspectos se ha distanciado enormemente de sus orígenes, en muchos otros aún podemos encontrar que aquel misticismo original se mantiene más vivo que nunca.

quien asesinó a Euronymous de 23 puñaladas y aunque nunca se ha sabido cuales fueron las reales causas, se sabe que desde un tiempo los problemas entre ambos venían incrementándose debido a diferencias ideológicas, liderazgo y compromiso en el Inner Circle, problemas económicos (Grishnackh aseguraba que Euronymous nunca le pagó las ganancias de los discos de Burzum, lanzados a través de Deathlike Silence Productions) y tomando en cuenta los relatos y cartas de testigos se deja constancia que ambos tenían planeado asesinar al otro. La muerte Euronymous produjo que se abrieran todo tipo de investigaciones policiales no sólo en Noruega, sino que en otros países de Europa, también las autoridades iniciaron investigaciones de actos realcionados al Inner Circle o al Black Metal y sus seguidores. En Noruega esto terminó con el arresto de varios músicos de distintas bandas inculpados desde actos de violencia, asesinatos o quema de iglesias, lo que llevó finalemtente (alrededor del 94’ y 95’ apróx.) la disolución del Inner Circle. Ya durante la segunda mitad de los años 90’, es donde el Black Metal dio su salto evolutivo más importante, tratando de dejar atrás en su pasado a muchas bandas (clásicas y nuevas) se enfocaron en la compocision y creación de discos

bros de la familia Tannen en la serie animada, además de otros dibujos animados hasta el día de hoy, con esporádicas apariciones en otras películas y series, más notablemente en la película “April Fool’s Day” (El Día de los Inocentes) de 1985 y la excelente “Blood In, Blood Out” de 1992. Actualmente, Wilson divide su tiempo entre apariciones televisivas (principalmente animaciones) y presentaciones de stand-up en varios clubes norteamericanos. Queriendo evitar quedar eternamente encasillado como Biff, Thomas (o Tom) accedió darnos una entrevista a través de su Facebook oficial para despejar algunas dudas y mitos de la famosa trilogía. Pasen y vean:

ENTREVISTA TOM WILSON Por Luis Diaz

Sin lugar a dudas, la trilogía “Volver al Futuro” es una de las sagas de ficción y aventuras más aclamadas de todos los tiempos. Muchos añoramos con subirnos al DeLorean del Doc Emmett Brown y viajar en el tiempo, o simplemente visitar Hill Valley. El único problema, es que de estar ahí indudablemente nos encontraríamos con uno de los brutales miembros de la familia Tannen. El actor, músico y comediante Thomas F. Wilson se encargó de interpretar al

LUIS: En primer lugar, gracias por darnos tu tiempo. Sabemos que no te gusta hablar mucho de “Volver al Futuro”, por lo que esta entrevista es muy importante para nosotros. TOM: El gusto es mío. La verdad es que por lo general trato de evitar el tema cuando los fans me interrumpen cuando estoy haciendo otra cosa, como almorzar en un restaurant. Agradezco el apoyo que me han dado, pero prefiero las cosas de manera anticipada, como en este caso. ¿Sabes que eres el primer chileno que me entrevista?

matón-pero-idiota Biff en todas sus versiones, además de su nieto Griff y a su tatarabuelo Buford “Mad Dog” Tannen, lo que significa que vemos siete versiones distintas de él en toda la saga, un reto que le ganó el reconocimiento de varios fans. Eventualmente, Wilson prestaría su voz para otros miem-

LUIS: Entonces el honor es aún mayor… bueno, para empezar, mientras filmabas la primera película de la serie, ¿pensabas que iba a tener tanto éxito e impacto en el público por tantos años?

TOM: Sin contar un breve papel en la película “Los Angeles Streetfighter”, “Volver al Futuro” fue mi primera película, y en su momento jamás llegamos a pensar que tendría el éxito que tuvo, ni mucho menos que sería una trilogía. El final de la primera pelícu-

guión, pero Bob solo aceptó la oferta de Universal, porque era la única que estaba interesada en el proyecto desde el principio. Sin embargo, tuvieron que hacer varios cambios drásticos al guión original, porque al principio la máquina del tiempo iba a ser un refrigerador, y si se trataba de una película familiar, el estudio estaba preocupado de que muchos niños se quedaran atrapados en sus refrigeradores imitando la película, jajaja.

la era abierto, como un chiste. La idea original era que el público se imaginara lo que iba a pasar. Entonces llegaron miles y miles de cartas de fans que querían saber qué pasaba… y cuando hicieron el guión de la segunda parte, tuvieron que dividirlo en dos películas, porque era muy largo. Ya sabes, el futuro, el pasado, después el Viejo Oeste, y blablablá. Esa es mi favorita de todas. Todavía hay gente que cuando me encuentra de buen humor, me pide que diga “¿¡Eres un gallina!?” Es sorprendente. De fondo, creo que nadie tenía idea del fenómeno cultural que llegaría a ser, pero temas como la amistad y la aventura tocaron poderosamente los corazones del público.

LUIS: Y a pesar de tener el papel principal, Michael J. Fox fue el último en unirse al reparto. TOM: Michael siempre fue la primera opción de los productores, pero en esos momentos estaba ocupado filmando su serie “Family Ties” (Lazos Familiares), así que terminaron optando por Eric Stoltz, que era muy amigo de Lea (Thompson, la actriz que interpreta a Lorraine McFly en las películas). Creo que con él alcanzaron a filmar un 85% de toda la película, y su Marty era más parecido al del guión original: hacía videos piratas, le gustaba fumar marihuana con los amigos… en fin, no exactamente un modelo a seguir para los niños de esa época tan conservadora.

LUIS: Por ahí se filtra que la primera película casi no llegó a filmarse. TOM: Hubo un momento en que tuvieron varios problemas durante la producción. De partida, ningún estudio quería el guión, porque les parecía moralmente reprochable que una madre se enamorara de su hijo. Pero tras el éxito de Bob Zemeckis con “Romancing the Stone”(Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida), todos los estudios se peleaban el

Finalmente, Eric fue liberado del papel, porque no tenía aptitudes para hacer comedia, así que volvieron a Mike, que ya estaba disponible. Filmaba “Familiy Ties” durante el día, y al terminar, corría al set a filmar las escenas nocturnas. Las tomas de día las hacía durante los fines de semana. Cuando filmamos la escena de la cafetería con Eric, él realmente me golpeó fuerte en varias tomas y casi me rompí el cuello. Pensé en desquitarme en la escena cuando Biff saca a Marty del auto antes del baile, pero para entonces Eric ya había sido reemplazado por Mike.

tercera película aprendí a lacear mientras cabalgo y a desenfundar y disparar rápido. No es algo que se ve todos los días, y he tratado de aplicarlo a mi vida diaria, pero aún no tengo idea de cómo, jajaja. LUIS: ¿Con quién del reparto te llevas mejor o sigues en contacto? TOM: La verdad es que actualmente no estoy en contacto con nadie, porque estoy enfocado en mi carrera, pero éramos una familia. Nos llevábamos de maravilla, especialmente con Mike y Crispin, por lo que hacerles la vida miserable en la pantalla era todo un desafío. Crispin es más fuerte de lo que se ve, y está algo loco, pero en el buen sentido de la palabra. Lea era encantadora, y en la escena de nuestro matrimonio, improvisé besándola con lengua y todo, y por un momento creí que me iba a matar, pero le dio un ataque de risa que por suerte no se ve en la película. Chris Lloyd es un actor maravilloso y amable, aunque un poco tímido. Generalmente se sentaba en un rincón a leer. Por ahí supe que al principio no aceptó el papel y tiró el guión a la basura, porque quería dedicarse al teatro. Fue su esposa quien lo convenció de tomar el papel, y ya conocen los resultados. Improvisó casi todas sus líneas.

LUIS: ¿Cómo llegaste al papel de Biff? TOM: Como actor profesional debuté en un capítulo de “Knight Rider” (El Auto Fantástico) y después aparecí en un par de series más. Tenía poca experiencia, pero como era lo que los dos Bob (Zemeckis y Gale) estaban buscando físicamente, me dieron el papel tras un par de lecturas. Tenía un poco de miedo, porque en la audición ya habían participado otros tipos más grandes y musculosos que yo. Por suerte, no tenían mucho talento para actuar. También se me dio amplia libertad para improvisar, y muchas de las frases de Biff fueron mías, como por ejemplo, cuando llamo “Butthead” a Mike o Crispin (Glover, que interpreta a George, el padre de Marty) o cuando digo mal las metáforas (por ej. “Haz igual que un árbol y lárgate”). Me gustó interpretar a Biff y al resto de los Tannen. Siempre quise hacer algún papel donde el público te odie universalmente y que cada vez que entro a un lugar, la música indica que habrá problemas.

LUIS: Hablando de Crispin Glover, él no aparece en las secuelas.

LUIS: ¿Por qué la tercera película es tu favorita? TOM: Soy nacido y criado en Philadelphia. No hay campo en kilómetros a la redonda. Con la

TOM: Crispin no quiso regresar para las otras películas, porque no estaba de acuerdo con algunos de los giros de su personaje. Se usó un doble que trabajaba haciendo personajes en el parque de Universal y lo disimularon con sombras y maquillaje, y hasta lo colgaron cabeza abajo para que no se notara que no era Crispin. Para las tomas de cerca, usaron escenas de la primera película, y a Crispin no le gustó mucho, pero ese tema se resolvió

LUIS: Pero tu personaje sobrevive.

pacíficamente en una corte. Cuando filmó la primera película, quedó afónico por varios días, por lo que tuvo que mover los labios y después agregar sus líneas en post-producción.

TOM: Todos sobreviven. Al final era una broma que se hacía a la pareja protagonista (Amy Steel y Ken Olandt). Una película de terror donde al final resulta ser comedia. ¡Eso es genialidad pura! Me encantó ver las caras de sorpresa del público cuando se estrenó. Y por supuesto, conocí a Debbie (Deborah Foreman), con quien somos muy amigos hasta el día de hoy.

LUIS: Hablando de colgar cabeza abajo, eso le pasó a tu personaje en “El Día de los Inocentes”, cuando quedas atrapado en una trampa y con una serpiente debajo , lista para atacar. TOM: Mis experiencias actuando en películas son así. Generalmente alguien se te acerca y dicen, “lo vamos a hacer en serio”. Pero en realidad no era yo el que estaba cabeza abajo con la serpiente. O sea, sí estuve colgando cabeza abajo por mucho tiempo, pero sin la serpiente. Para el resto, consiguieron a otro tipo. Lo filmamos en Canadá, y tenían un doble joven y arriesgado. Le dijeron “Oye, ¿quieres estar en una película? Sólo tienes que colgar cabeza abajo y evitar a la serpiente que trata de morderte. Y él dijo “Bueno”. La serpiente terminó mordiendo al tipo que la adiestraba, y aunque no era venenosa, él terminó sangrando. Yo me reía, pero porque al pobre tipo le sangraba la mano y aún así insistía con que era inofensiva.

LUIS: Bueno, fue precisamente a través de ella que te contacté. TOM: ¿En serio? Es una chica estupenda. Se retiró del cine hace unos años, y actualmente se dedica a la joyería. Hay productos que ofrece en su propio Facebook. LUIS: Y luego llegó Volver al Futuro 2, donde hiciste cuatro versiones de ti mismo a la vez.

TOM: Tres versiones de Biff: viejo, alternativo y joven, que es el único donde no necesito maquillaje. Y está Griff, que es joven como Biff. Pero para diferenciarlos, Griff hace muchas muecas, como una caricatura retor-

cida. Y es más alto. LUIS: ¿Cómo lograron ese efecto? TOM: Simplemente me paré sobre una plataforma. Así de simple. Fue más complicado con los hoverboards voladores, porque era todo una cosa de plataformas y cables. Cuando nos muestran de las rodillas hacia arriba, estamos sobre una plataforma, la que quitan cuando nos muestran de cuerpo completo, y ahí estamos colgando de unos cables de una grúa que está fuera del encuadre. Los cables fueron quitados digitalmente durante la post-producción. Sin embargo, muchos niños creyeron que los hoverboards existían, y Bob Gale no quiso arruinarles la ilusión. Hubo una toma bien amplia donde Jason Scott Lee, Darlane Fluegel y Ricky Dean Logan, que interpretan a los secuaces de Griff, se dan vuelta y regresan automáticamente. El efecto parece real, pero si te das cuenta, eso está dividido en dos tomas, con otra toma breve inserta entremedio. LUIS: Y fue el único momento donde no te tocó comer abono. TOM: Jajajaja, eso fue genial. Pero sabes, eso no era abono de verdad. Era una mezcla de musgo de jardín, corcho molido, tierra, y un suplemento alimenticio que le daba el aspecto de pegajoso. LUIS: A pesar de ser un completo abusador, Biff es un personaje que realmente te causa gracia. TOM: Es que lo armé a través de experiencias personales. Cuando era niño, siempre era acosado por matones en el colegio, y Biff es una exageración de todos esos tipos. A la gente le encanta el personaje, porque a la

larga Biff falla. No resulta ser un ganador al final, y es por eso que a la gente le gusta. Durante toda la película es un tipo horrible, pero tienes la certeza que al final le van a dar un tremendo golpe y terminará inconsciente en el suelo. LUIS: Se dice que no aceptas firmar artículos relacionados con la trilogía. TOM: Es que ya tengo decidido lo que quiero hacer con mi vida, y lo que quiero es seguir mi propio camino como artista. Por eso es que decidí no participar en ningún tipo de nostalgia que me encasille como un ícono pop del recuerdo. Ya no me apoyo en ningún arquetipo, y ahora exclusivamente me dedico a las cosas que me interesan. LUIS: Y es por eso que nuevamente te agradezco esta exclusividad. Para terminar, ¿algún saludo para los amigos de Madhouse Chile? TOM: A los amigos de Chile, un gran saludo y mi eterno agradecimiento por su apoyo. Espero poder ir a presentar mi material allá algún día. ¡Un abrazo y que Dios los bendiga!

Red Sonja o la diablesa roja

como una prisionera de los Zamoran, quienes la han obligado a luchar a muerte convirtiéndola en una de los supervivientes de las mazmorras junto con la que sería su hermana de sangre, sin embargo es liberada por el Rey Dimath, quien demuestra tal nobleza, que la diablesa años después regresa a petición del Rey, para defender la ciudad de sus antiguos captores, debido a que una terrible plaga ha menguado la guarnición del Rey.

Por Romy Riq Podemos entrar en debate sobre lo que Red Sonja representa, para muchos es uno de los comics más sexistas y machistas que existe donde la mujer, como siempre, cumple la función del objeto sexual, sobre todo en el mundo de los comics, donde parece que tener protagonistas sexys ayuda a la venta de estos, a pesar de aquello, debo decir que me gusta mucho Red Sonja. La primera vez que la vi fue en la película del mismo nombre, desde entonces siempre me ha gustado, fue una de las primeras heroínas que llegó a hacer mucho más fuerte que un hombre, y desde entonces se han hecho infinidades de comics sobre la guerrera del cabello rojo. Para quienes no conocen el personaje les cuento que fue creado por Roy Thomas (el primero en suceder a Stan Lee como Editor en Jefe de Marvel Comics) y Barry Windsor-Smith dibujante de Conan el bárbaro, cuya primera aparición fue justamente en el cómic Conan el Bárbaro, con más precisión en el nº23 de Marvel Comics en febrero de 1973. La Sonja se hizo guerrera tras recibir el poder de un ente que le prometió la fuerza de un hombre para que cobrara venganza tras la destrucción de su pueblo, desde entonces la “diablesa roja” ha tenido innumerables aventuras. En julio del 2013 se anunció el relanzamiento de la serie Red Sonja a manos de la guionista Gail Simone, guionista que se hizo conocida por la serie Birds of Prey para DC Comics, y el ilustrador Walter Geovani, además de la participación de los ilustradores Nicola Scott, Amanda Conner, Fiona Staples, Jenny Frison o Colleen Doran, en la confección de las portadas. En esta ocasión nuestra Red Sonja aparece

Una lectura rápida, ilustraciones de fuertes colorido, escenarios teatrales, personajes entrañables como las gemelas guardianas de Sonja, u odiosos como el psicópata Rey de Zamoran, en fin, para quienes gustan de la acción y fantasía, Sonja es el personaje perfecto, fuerte, sin trabas en la lengua, pero al mismo tiempo de buen corazón.

Diamanda Galas “Plague Mass”

enjuiciador y discriminador. Su rango vocal, que alcanza las 3 octavas y media (y que a ratos pareciera provocar dolor auditivo), más el sólo sonido de un tambor y a pecho descubierto, que termina bañado en sangre, muestra la soledad en que el hombre sume a sus semejantes infectados de SIDA, culpando no al demonio, sino a la propia Iglesia. Y, sin temor a parecer más atrevida aún, graba su registro en la Catedral de Saint John the Divine, en Nueva York. Es un viaje oscuro y a ratos desconcertante, provoca temor y a la vez interés. No es una obra apta para todo oído ni almas conservadoramente susceptibles. Resulta, por tanto, perturbadora. He logrado con los años oír más de su obra, que no deja de sorprenderme…es más, creo que aún le temo a Diamanda. Esta es La Ley de la Plaga, la ley de los impuros, reconocida como una obra de culto, poco conocida entre la masa y estremecedora. Recomendada únicamente para quienes puedan soportar los más terroríficos sonidos vocales.

Por Catalina Soto Cuando éste disco llegó a mis manos nunca imaginé la experiencia que viviría. De hecho, no pude oírlo entero la primera vez. Sentí mucho temor. Y es que Diamanda Galas, de origen griego-norteamericana, cantante, compositora, pianista y pintora, transita en su obra por el rock, blues y perfomances conmovedoras, en que no pierde oportunidad de expresar sus denuncias acerca de la miseria humana. Su obra cumbre, “Plague Mass”, a 23 años de salir a la luz, sigue sin pasar inadvertida y sin perder vigencia en su discurso. Diamanda, una músico vanguardista e intensa, conocida además por estar muy comprometida con causas político-sociales, entrega aquí una obra compleja y virtuosa. Este álbum, que se ha calificado como un oratorio, le permite enrostrar a través de parlamentos, gritos, aullidos y gemidos, basados en reflexión, rabia y textos bíblicos, la bajeza del ser humano,

Albert Fish (1870 – 1936)

divina”. Finalmente fue detenido y no tuvo reparos en confesar sus crímenes, que variaron en el canibalismo, vampirismo, coprofagia y auto sadomasoquismo. Destaca en las pruebas en su contra una carta que envió a la madre de una víctima a la que secuestró y con la que practicó el canibalismo por primera vez.

Por Catalina Soto

“…send the letter to mother, tell how you devoured daughter….in his sin he found salvation…” Letter to mother, Divine Heresy, album Bringer of Plagues, 2009 Se estima que asesinó a cerca de 50 niños, con pruebas fehacientes, por lo que fue sentenciado a morir en la silla eléctrica, hecho que tomó con alegría, pues sería la única sensación que no habría experimentado en su vida aún. “…Shiver me timbers terrible old man, went fishing for kids in a sea made of land, ahoy there mateys believe if you can, Albert Fish was a kid cannibal old man…” Fishtales, Macabre, album Behind the wall of sleep, 1994

Asesino en serie y caníbal norteamericano, conocido como “el hombre gris”. Con un pasado familiar mentalmente perturbado y una crianza en orfanatos, donde sufrió maltrato y abuso, comenzó desde niño a admirar a asesinos seriales caníbales, de los que coleccionaba recortes de periódicos. A los 20 años incursiona en la homosexualidad y la prostitución, violando a un niño y llevando a cabo su primer asesinato. Se obsesiona con el concepto de pecado, auto convenciéndose de que podría expiarlo a través del dolor propio y ajeno. Comienza así a infringirse castigos masoquistas. De ello, tiempo después, hizo partícipe como espectadores a sus 6 hijos, lo que provoca el abandono por parte de su esposa. Ello agravó su personalidad psicopática. Terminó atacando a cerca de 400 personas, de las cuales 100 habrían sido niños, su fetiche para sus shows de violencia, a quienes castraba por “misión

Fish en el cine Si bien su vida parece dar argumento para una contundente película de terror, lo más cercano a ello es una suerte de falso documental del 2006, llamado “Albert Fish”, de John Borowsky, que no dejó contento a ningún tipo de público por su debilidad, obteniendo críticas negativas. Lo siguiente destacado es una aparición en “La casa de los 1000 cadáveres”, de Rob Zombie, del 2003 en forma de muñeco a tamaño real en el paseo de los asesinos, a modo de homenaje a los asesinos mentores. Y, además, se le atribuye influencia directa en la creación del personaje de Hannibal Lecter, en las conocidas “Dragón Rojo” y “El silencio de los inocentes”, uno de los mejores thrillers del mundo del cine.

Blood for Dracula Warhol se desangra

anhelado elixir, el cual le dará “vida eterna". Udo Kier representa magistralmente a un drogadicto enfermo en sus últimos momentos que si no logra esa última dosis morirá sin pena ni gloria. Es así que se enfrenta a su peor enemigo, un joven comunista decidido a destruir lo último que queda del gran esplendor de éste Drácula Aristócrata-Derechista (probablemente, con sus contradicciones correspondientes, claro está). Gran final es el que recibe cuando, de una manera gore, lleno de sangre, Drácula es mutilado de sus brazos y piernas, donde el joven héroe comunista logra derrotar no solamente al Chupasangre si no que a toda una clase Aristócrata que venía en caída. Vemos que este “Drácula” no es una versión del clásico, sino más bien una irreverencia política-social con tintes de gore. Podríamos decir que el nombre de Warhol en el filme y la irónica actuación del maestro del neorrealismo italiano Vittorio de Sica mas el maestro Udo Kier con su gran interpretación, son elementos que dan una mezcla explosiva de rarezas que terminan transformándose en un “Filme de Culto” con variados puntos de vista, según cada uno.

Por Dany Insania Blood for Dracula, conocida como Andy Warhol's Dracula, es una película inglesa-italiana de 1974 dirigida por Paul Morrissey y producida por Andy Warhol y Andrew Braunsberg. Está protagonizada por Udo Kier, Joe Dallesandro, Maxime Mckendry, Stefania Casini y Arno Juerging. Roman Polanski y Vittorio de Sica aparecen en papeles de cameo. Paul Morrissey fue conocido por las películas que rodaba en colaboración con Andy Warhol en la Factory y que en su mayoría estuvieron protagonizadas por el actor Joe Dallesandro, actor de filmes eróticos y gay. Dentro de su vanguardia y su transgresión se define como un ser derechista y ferviente católico, eso lo hace más inquietante tal vez, ya que puede llegar a un nivel de contradicción, o mejor dicho a una ironía indescriptible. En Blood for Dracula vemos una imagen descuidada, deteriorada y desarticulada de Drácula que necesita “sangre virgen” para continuar con su existencia, lo mismo que la “continuidad” de una clase social ya “venida en menos” vencida por las diferentes revoluciones acontecidas en el tiempo. La cinta Soft-core (más que un filme de terror) se ha transformado en un elemento de culto. Primero que nada es el segundo filme de un ciclo ¿terrorífico?, (el primero fue "Flesh for Frankenstein") en el que Warhol incursionó, como un chiquillo alucinado con la producción adrenalínica. Segundo, la inclusión de Antonio Margheriti uno de los maestro del exploit italianas (involucrado en el filme "Apocalipse domani”). Las imágenes de las hijas de la gran familia aristócrata en sus últimos minutos de gloria, llenas de sensualidad, verdaderas ninfas del placer que se desatan sexualmente con un musculoso y atlético obrero comunista lleno de vigor, nos entrega la decadencia en la cual Drácula debe buscar su

Makoto Shinkai Soledad, Melancolia y Esperanza Por Daniel Ferrer Como ocurre muchas veces en la vida, uno se topa con cosas que te emocionan, cambia tu forma de ver las cosas o simplemente te vuelan la cabeza, puede ser un libro, un disco musical, una canción, una película, etc. En mi caso fueron varios trabajos que sin saberlo en un principio pertenecían a un mismo director, Makoto Shinkai.

Considerado por muchos especialistas como el “Nuevo Miyazaki”, mi primer acercamiento a su trabajo fue hace varios años, con un corto llamado “Ella y su Gato” (Kanojo to Kanojo no Neko) de 1999, donde nos cuenta la relación de un gato y su dueña, desde el punto de vista del gato, quien además es el que relata la historia. Este es el primer trabajo de Shinkai como director y le valió varios premios y nos presenta lo que será la tónica en sus futuros trabajos: La melancolía, la soledad y sobre todo las emociones humanas. Durante éste tiempo Shinkai trabajó en la compañía de video juegos Falcom (Pionera en el desarrollo en juegos “Role-playing Game” RPG) realizando video clips para los juegos además trabajar como diseñador gráfico. Durante el 2000, Shinkai se inspiró en el dibujo de una chica frente al tablero de instrumentos de un avión, sujetando un teléfono y comenzó a trabajar en el desarrollo de una idea, fue así que en 2001 Shinkai renuncia a su

trabajo en Falcom para dedicarse exclusivamente a su suevo proyecto. Después de casi un año de arduo trabajo donde dirigió, dibujo, escribió, animó e incluso puso las voces para “Voces de una Estrella Distante” (Hoshi no koe) ova que fue lanzado en 2002 y que cuenta la historia de Mikako una chica de colegio y su amigo Noboru en una “época” donde la tierra está en guerra con una raza alienígena llamada los Tarsianos. Mikako es reclutada por el ejército para pilotear un “Mecha” (Robot) gigante, debiendo abandonar la tierra mientras el ejército persigue a los Tarsianos en su retirada, pudiendo únicamente contactarse con Noboru vía mensaje de texto a través de sus teléfonos móviles, pero mientras Mikako se va alejando cada vez más de la tierra, los mensajes tardan más y más en llegar pero Noboru sigue esperando su regreso. En el transcurso de la historia la larga distancia que separa a Mikako, hace que ella se dé cuenta cada vez más de lo que siente por Noboru, traspasando el tiempo y el espacio el amor que va sintiendo poco a poco por él. En esta historia, Shinkai crea una historia de ciencia ficción, la cual pasa a segundo plano para centrarse en los sentimientos de los personajes (algo muy utilizado en sus trabajos), explorando los sentimientos de una relación a larga distancia, la esperanza, la melancolía y los recuerdos del tiempo que pasaron juntos, crean una historia cargada de emotividad y belleza.

que su mente se encuentra atrapada en un mundo paralelo donde ella está sola. Takuya quien ahora trabaja para el gobierno descubre que la torre sirve para reemplazar la materia desde otros universos y Hiroki quien lleva una vida solitaria y depresiva, ha tenido durante todo este tiempo recurrentes sueños acerca Sayuri donde ella está sola y asustada. Finalmente Hiroki descubre que para poder salvar a Sayuri deben cumplir la promesa realizada cuando niños. Shinkai nuevamente nos plantea una historia de ciencia ficción, pero en donde lo importante son los sentimientos, los pesares y los momentos felices de los personajes, la tristeza por la amistad perdida y los sentimientos no revelados. Su siguiente trabajo “Cinco Centímetros por Segundo” (Byōsoku Go Senchimētoru) se aleja de los tópicos de ciencia ficción para centrarse en una historia más real. Cinco Centímetros por Segundo, esta dividida en 3 historias, la primera “Extracto de flor de cerezo” relata la historia Takaki y su amiga Akari quienes después de la graduación de la primaria deben separarse debido a que Akari se muda a otra ciudad, decidiendo mantenerse en contacto, tiempo después Takayi decide ir a ver a Akari, sin embargo, cuando llega el día, una intensa tempestad de nieve retrasa varias horas el viaje de Takaki, lo que lo hunde en el desaliento y la desesperación sobre todo cuando la carta que él le escribió a Akari se la lleva el viento; en esa carta él le declaraba todo su amor.

En 2004 Shinkai lanzaría su primer largometraje llamado “Más allá de las Nubes, el lugar Prometido” (Kumo no Mukō, Yakusoku no Basho) en donde nos presenta a un Japón dividido después de la guerra en 2 facciones: El Norte controlado por los Estados Unidos, y el Sur controlado por la Unión (en clara referencia a la Unión Soviética). La historia se centra en 3 amigos que viven en el norte: Hiroki, Takuya quienes son 2 jóvenes prodigios y su amiga Sayuri. Los 3 son compañeros de colegio y están fascinados con la torre Hokkaido que es una gigantesca, extraña y misteriosa torre construida por la Unión en los territorios del sur, la cual es visible desde el norte. Hiroki y Takuya encuentran en un hangar abandonado los restos de un avión y deciden reconstruirlo, así los 3 prometen viajar hacia la torre, pero al poco tiempo Sayuri desaparece. Después de la desaparición de Sayuri, Hiroki y Takuya se separan dejando abandonada la construcción del avión y luego de 3 años se revela que Sayuri ha estado todo este tiempo en coma y

Finalmente, cuando el tren se detiene en la estación donde se reunirían, se sorprende al darse cuenta de que, a pesar de lo tarde que es, Akari lo ha estado esperando. Tras un breve reencuentro, ambos abandonan la estación y caminan en la noche atravesando un campo lleno de nieve, en ese momento se dan un beso, y con éste se percatan que su relación nunca va a poder funcionar y que su destino era tomar caminos diferentes. La segunda historia se llama “El Cosmonauta” y Takaki se encuentra terminando la secundaria y donde Kanae Sumita (una compañera de clase) está enamorada de él, pero no se atreve a expresar sus sentimientos, ya que se da cuenta de que Takaki siempre mantiene una mirada "perdida", como si buscara algo más allá. Aunque ama a Takaki, Kanae entiende que él está buscando algo más en otro lugar, algo que ella no le podrá ofrecer. Finalmente la tercera historia se llama “Cinco Centímetros por Segundo” Varios años ha pasado y los dos personajes han tomado caminos diferentes. Takaki es un informático en Tokio, y Akari se está preparando para su matrimonio. Un día, Takaki sale y cruzar la línea del tren, se queda pensando que el rostro de una persona le es muy familiar. Desconcertado por el encuentro, intenta mirar atrás, pero un tren pasa y luego otro, cortando su visión. Pensando que si fuera Akari ella también se daría cuenta. Después empiezan a sucederse escenas de como el tiempo pasó tanto para Akari como para Takaki, desde el momento en que ellos se separaron hasta el momento en que se encuentran sin darse cuenta en el paso del tren. Aquí Shinkai busca dar una vista realista de las luchas que muchos hacen frente al contra tiempo, del espacio, de la gente y del amor. El título Cinco centímetros por segundo viene de la velocidad a la cual los pétalos del árbol de Cerezo caen, los pétalos que son una metáfora de los seres humanos, evoca la lentitud de la vida y de cómo la gente, que comienza a menudo junta, lentamente se va separando y toman caminos diferentes. En 2011 Shinkai estrena “Viaje a Agartha” (Hoshi o Ou Kodomo) la cual se aleja de sus anteriores trabajos más “realistas” para crear una historia llena de fantasía,

acción y romance, muy en la línea de “La princesa Mononoke” o “Nausicaä del Valle del Viento”. Viaje a Agartha nos relata que antes de morir, el padre de Asuna le dio a su hija una peculiar radio de cristal. Con ella sube a la montaña para sintonizar extrañas melodías.

Un día un monstruo ataca a Asuna, siendo rescatada por Shun, un joven procedente de la dimensión paralela de Agartha, quien luego desaparece, deseando volver a reencontrarse con su nuevo amigo, Asuna le pedirá

ayuda a su maestro para encontrar la manera de entrar en este mundo mítico. Aunque la historia pueda parecer típica y simple, Shinkai toca temas sensibles como la muerte, el miedo, la desesperación y la soledad. Finalmente en 2013 se estrena su última película hasta la fecha “El jardín de las Palabras” (Kotonoha no Niwa) y es la historia Takao, un estudiante de 15 años que su sueño es convertirse en diseñador de zapatos. A Takao le gustan los días lluviosos, por lo que cuando llueve prefiere caminar que ir al colegio. Es así que en un día lluvioso Takao se dirige a un parque donde debajo de una pérgola conoce a una mujer, la cual pasa el tiempo bebiendo cerveza y comiendo chocolates. Sin planearlo ambos se irán encontrando siempre en aquel lugar durante los días lluviosos, conociéndose poco a poco y creando una relación de compañía y compresión entre los dos ya que ese es el lugar donde ambos llegan a escapar de sus desdichadas

vidas. Todo cambia cuando la temporada de lluvias termina y Takao no encuentre tal pretexto de faltar a la escuela y la mujer comience a asistir a su trabajo y se separan. En el “Jardín de las Palabras” Shinkai retoma sus historias donde las emociones, las relaciones humanas, la desesperación y el apoyo entre desconocidos crean una visión más realista del mundo en que vivimos actualmente. Las historias de Makoto Shinkai están cargadas de soledad, desesperanza, tristeza y melancolía, las promesas no cumplidas, el amor no expresado y el vacío de la existecialidad inundan sus trabajos, pero también están llenos de momentos felices y de esperanza, la fuerte carga emotiva con que te va guiando no deja a nadie indiferente y son de aquellos trabajos que después de verlos quedan dándote vuelta ya sea por que evocan sensaciones y sentimientos o por el hecho de traerte recuerdos de otros tiempos. Makoto Shinkai ya tiene ganado un lugar en nuestros corazones.

Hemlock Grove Por Valentina Osores Hemlock Grove, exclusiva de Netflix (servicio en línea que proporciona a sus clientes la posibilidad de ver películas y series de televisión de manera legal e ilimitada vía Internet a cambio de una suscripción mensual), es una serie de televisión de terror y suspenso producida por Eli Roth, responsable de títulos como: Hostel y Cabin Fever, que cuenta con 2 temporadas. Basada en la novela del mismo nombre escrita por Brian McGreevy. Situada en Hemlock Grove, una ciudad ficticia en Pensilvania, esta combinación de monstruos, misterios y oscuros asuntos familiares te invita en conjunto con su delicada estética sesentera a revisar uno a uno sus capítulos. La primera temporada se desarrolla en función de resolver un brutal y sangriento asesinato donde el principal sospechoso es el nuevo de la ciudad, Peter Rumancek, gitano, sospechoso también de ser hombre lobo al que lo acompaña un misterioso y mimado niño rico, Roman Godfrey. En el transcurso de los capítulos, la amistad de estos adolescentes se va fortaleciendo, sobre todo porque estos jóvenes se empeñan en prevenir este y el resto de los brutales asesinatos que ocurren en el pueblo. Con variados personajes, esta temporada te logra enganchar hasta el final, con una hermana muerta y resucitada al más puro estilo Frankestein, una madre poderosa, misteriosa y siniestra, dueña además del Instituto de Tecnologías Biomédicas Godfrey y una sobrina que queda embarazada en un sueño hay material suficiente para 13 capítulos. La segunda temporada retoma la historia de la primera (si no viste la primera, no veas la segunda) esta vez los personajes han crecido, producto de importantes pérdidas que sufren en la primera temporada, esto los hace conservar su personalidad justiciera y deciden quedarse en Hemlock Grove para seguir protegiendo al pueblo de misteriosos ataques. Esta vez el Instituto de Tecnologías

Biomédicas Godfrey juega un papel fundamental con sus particulares creaciones, entre ellos algo así como un “alimento para vampiros”, sin ánimos de spoiler, puedo decir que el final de esta temporada es malo nivel teleserie de la hora del té. En todos los capítulos la serie muestra ser muy muy liviana, fácil de ver y digerir, tiene unos efectos especiales espectaculares, la mejor transformación de hombre lobo que se ha visto desde hace mucho en TV, no escatiman en sangre y hechos sobrenaturales, pero solo es una simple historia de de vampiros y hombres lobo, en eso es débil, los líos emocionales del personaje que interpreta al vampiro lo llevan a renegar de su condición y medicarse para tratar de ser humano, los diálogos se sienten falsos y finalmente el vampiro y hombre lobo sociable y bueno, que defiende al pueblo no convence como parte de una serie terror. A pesar de todo es una serie entretenida, con una estética hermosa, que no te explicas cómo pero ves cada capítulo. Este 2 de septiembre, la serie fue renovada para una tercera y última temporada compuesta de diez episodios.

ENTREVISTA NORMAN REEDUS Por Luis Diaz En esta segunda entrevista en exclusiva para Madhouse, un actor de lujo: el ex modelo y fotógrafo Norman Mark Reedus, ampliamente conocido por estos lados como el popular Daryl Dixon en la serie The Walking Dead. Norman se tomó el tiempo para conversar y analizar sobre su personaje, su ballesta, su relación con sus compañeros de trabajo y su opinión sobre las películas de terror. Contactándolo a través de su manager, Norman nos concedió esta entrevista a través de su cuenta en Reddit. LUIS: Antes de comenzar, tengo que admitirlo. Definitivamente agradezco que te hayas tomado el tiempo para darnos esta entrevista. La gente de Madhouse Chile está feliz. NORMAN: ¡Muchas gracias a ustedes por ver el show!. Mis saludos especiales para todos los fans en Chile, especialmente a los amigos de Madhouse Chile. Me encantaría visitar su país. He visto documentales sobre la política de los últimos 40 años y también sobre los bosques del sur, y me encanta. Además, aunque soy un hombre de whisky, adoro el vino chileno. LUIS: Bueno, hablando de The Walking Dead, Daryl es lejos uno de los personajes más populares de la serie. ¿Qué es lo que más te gusta de interpretarlo? NORMAN: Es el hecho de ser un tipo de sentimientos encontrados. Imagínate, crecer con un hermano como el personaje de Michael Rooker (Merle). Crees que tiene hartas chicas siguiéndolo. Al comienzo de la serie trataba de buscar un modo de ser el hermano menor, pero igual de ser un tipo duro por cuenta

propia y aún así demostrar que importa mi hermano. Tratar de demostrar que tengo sentimientos y hacer que un tipo racista caiga bien, ¿sabes? LUIS: Y ¿cómo lo haces para que un racista caiga bien? NORMAN: Esperaba esa parte en la que realmente me uno al grupo y me convierto en alguien en quien pueden confiar. Soy como una serpiente que tienen de mascota: alguien que está cerca todo el tiempo y que se lleva con toda esta gente, pero que puede volverse en tu contra en cualquier momento. Es como si tuvieras que elegir a tus amigos con mucho cuidado y a veces te apegas más al que no muerden. Y lo mejor es que Daryl podría actuar de tantas maneras diferentes, porque está algo loco. Podría enganchar con alguien, podría desquiciarse por completo, o tal vez podría ser simplemente un buen tipo. LUIS: Has aparecido en otras películas del género y en las dos partes de The Boondock Saints, y en casi todas manejas un arma, pero hasta The Walking Dead, jamás una ballesta. ¿Hay comparación?

NORMAN: Viejo, tengo que decirlo, AMO la ballesta. Quiero decir, es genial. Las pistolas son divertidas, no puedo negar que disparar en las películas es divertido. Pero jamás había usado una ballesta antes, y ahora es lo mejor. LUIS: Es lo mejor y no mete ruido. NORMAN: ¡Sí, totalmente! Lo único es que tienes que recargarla muy rápido. Lo que necesito es una de esas ballestas automáticas… si es que las hacen. LUIS: Daryl parece ajustarse bastante bien al apocalipsis. ¿A tí te pasaría lo mismo? NORMAN: No amigo, de ninguna manera. Yo correría a esconderme. No sé lo que haría. Probablemente me robaría un Lamborghini púrpura y manejaría hasta que un zombie me atrape. Digo, soy algo duro, pero no duro como Daryl. LUIS: Apareciste en Blade 2, que es una película con vampiros. ¿A quién apoyas en el debate de Vampiros vs. Zombies? NORMAN: Amigo, adoro el show que estoy haciendo ahora, así que tengo que decir que voy por los zombies. Reconozco que éste es uno de los trabajos más entretenidos que he tenido. Los vampiros también me divierten, y lo pasé bien en Blade 2, pero ahora me gustan los zombies.. LUIS: Gracias a las películas de The Boondock Saints te hiciste conocido por tu acento irlandés. ¿Fue muy difícil hacer un acento más sureño al hacer The Walking Dead? NORMAN: En realidad, el acento irlandés es más difícil. Conozco gente del sur y realmente me gusta esa zona, así que puedo imitar un poco el acento. Sonar enojado es más fácil

con acento sureño que con el irlandés. Cuando gritas en irlandés suenas como un Leprechaun enojado. Creo que si grito como si te fuera a matar en irlandés, no funciona. Además, el acento sureño pega mejor con Daryl. Tiene algo que ver con tener una ballesta y ardillas colgando en el cinturón y andar todo transpirado en Atlanta. LUIS: Daryl es un hombre que come ardillas para sobrevivir. ¿Lo harías en la vida real? NORMAN: No, Viejo. Vivo en Nueva York. Aquí tenemos ratones, no ardillas. LUIS: Igual allá encuentras de todo para comer. NORMAN: Hice una película en China, y filmamos en la parte alta de la Gran Muralla. Recuerdo que hicieron una gran fiesta para la cena. Nos pasaron un plato con tres sapos que estaban de pie, como un trípode y eran sapos blanco-azul hinchados. El siguiente plato eran babosas vivas, moviéndose en unas salsas. Y luego el siguiente era una serpiente gigantesca que estaba enroscada, sin cabeza. Habían tomado un melón, tallaron una pequeña cabeza de dragón y se la pusieron de cabeza. Entonces llegó otro plato, y era una sopa servida en una tortuga, recién

muerta y simplemente estaba flotando ahí. Yo me comí un taco. Supongo que fue igual de extremo, jajaja. LUIS: Hablando de cosas raras, en el episodio “Chupacabra” de TWD (segunda temporada), Daryl tiene un collar de orejas. NORMAN: Ese episodio fue como si la película “Deliverance” (Amarga Pesadilla) tuviera el soundtrack de Motorhead. ¡Es un collar de orejas, viejo! Cortar orejas es cómo Daryl demuestra que se enoja y hace lo que debe para salvarse. Me gusta que todavía sea así. LUIS: Decías que tu desafío era hacer que un racista cayera bien, y para la segunda temporada tu personaje se convirtió en un favorito de los fans. ¿Qué te pareció ese cambio? NORMAN: He tratado que sea un personaje con múltiples capas, alguien que puede llorar y luego acuchillarte. Es como un coyote pequeño y mojado que no sabe dónde está, y la gente lo quiere atrapar para tenerlo de mascota y entonces retrocede. Todos los cambios son buenos, porque le agregan más capacidad de explorar al personaje. LUIS: Volviendo a la ballesta, decías que nunca habías usado una antes de la serie. A estas alturas debes haberte acostumbrado un montón. NORMAN: Jajaja, a estas alturas ya soy un experto, pero aún estoy buscando nuevas formas de usarla todo el tiempo. Por estos días puedo ponerla cómodamente en mi espalda o usarla para ajustar una escopeta. También me acostumbré a correr mientras la disparo. Uno de mis mayores logros es poder saltar sobre un caballo, dejar las riendas en la montura, sacar la ballesta y disparar mientras cabalgo. Es imposible no verse genial sin una

ballesta. Cuando no estoy grabando, me dejan llevármela para practicar. LUIS: Los actores que hacen de zombies deben temblar cuando tienen escenas contigo. NORMAN: En el set debes disparar en seco, y eso se hace con otra ballesta, más liviana, y sin tensión. Si hay que matar a un zombie de cerca, como ese episodio donde me doy vuelta sobre mi espalda y le disparo a un zombie que está encima de mío, se hace con esa ballesta que parece sacada de Nerf. LUIS: Daryl es un sobreviviente y del tipo que se la pasa acampando. ¿Cuánto de ti hay en eso? NORMAN: Jajajaja, he acampado y todo, pero si me abandonan en el bosque, probablemente me haría una bola y lloraría hasta que me encontraran. Pero lo admito, vivir en Georgia mientras filmo The Walking Dead… es de lo mejor. Me encanta el campo. En mi tiempo libre paseo en moto sin ver a nadie por horas. Me gusta mucho. LUIS: ¿Algo interesante en alguno de esos viajes? NORMAN: Tengo un camión Ford F150 de 1979 con ruedas grandes, y descubrí que si manejas uno en el campo, los otros camioneros te saludan. La cortesía ahí no tiene precio. LUIS: Uno de los momentos más estresantes de la segunda temporada es cuando el personaje de Laurie Holden (Andrea) le dispara a Daryl. ¿Alguna vez conversaron de eso? NORMAN: Sí, nos reímos mucho de eso. Yo bromeaba diciendo “¡Laurie, por qué hiciste eso!” y ella decía, “Pero lo hice con mucha pena, ¡lo juro!” Se convirtió en una muy buena

amiga mía. Todos nos hemos vuelto una familia en el show. Me dio pena que se fuera, pero hasta el día de hoy nos juntamos a conversar. LUIS: Emily Kinney (Beth) es una cantante que terminó The Walking Dead y mostró sus cualidades cantando en la serie. ¿Tienes algún talento desconocido personal que le hayas dado a tu personaje? NORMAN: No puedo cantar como Emily, pero hay muchas características personales mías en Daryl. En la vida real también me gusta pasear en moto y mirar feo a la gente. También soy fotógrafo profesional, pero no creo que me sea de gran ayuda en la serie. LUIS: Ya llevas tiempo manejando una moto y en Georgia la conducías a cada rato en tu tiempo libre. NORMAN: Me la llevaba al sur del set y ni me fijaba a dónde iba. Puedo manejar por horas. Siempre encontraba nuevos senderos y carreteras. La motocicleta que Daryl la eligieron al azar en la primera temporada. Estaba tirada por ahí. La encontraron y la dejaron intacta, con las calcomanías que tenía puestas, es lo que se ve en el show. A los de producción les gustó tanto que no quisieron cambiar nada.

después que Andrea me dispara, me echo para atrás. Eso no estaba en el guión, y luego en la tercera temporada hay una historia sobre cómo tuve una infancia violenta. Al tener solo 16 episodios con estos personajes, es obvio que tenemos más que contar. Por ejemplo, Carol y Daryl tienen un lazo muy especial, y logré explorar parte del pasado de Daryl con su hermano.

LUIS: Es difícil imaginar a otro actor interpretando a Daryl. ¿En qué formas le has dado tu sello personal al personaje?

LUIS: Daryl y Merle se reunieron por fin en la tercera temporada, que era algo que los fans esperaban. ¿Qué opinas?

NORMAN: Cuando haces televisión, tienes la oportunidad de aportar un poco cada vez que puedes. Por ejemplo, la forma como dices las cosas, a veces son como semillas que se convierten en árboles. Me ha pasado algunas veces. Por ejemplo, la infancia de Daryl. En la segunda temporada, cuando Carol me besa

NORMAN: Con Michael somos casi como hermanos, porque nos hicimos muy amigos. Él es un actor increíble y con mucha fuerza interpretativa. Me gusta lo que ha hecho en la serie. Los dos nos parecemos mucho a nues-

tros personajes, y en el show se nota.

bien tontos, como juguetes, juegos ñoños y cosas así, así que generalmente se los regalo a Chandler. Lejos, es uno de los mejores actores de nuestro show, y en estas últimas temporadas se ha robado la película varias veces.

LUIS: Michael Rooker es famoso por entusiasmarse demasiado con las escenas de pelea. ¿Se le pasó la mano cuando pelearon en la arena de los zombies? NORMAN: Siempre te pegan un poco. Te llega un codo o algo así. Las escenas de pelea pueden ser muy intensas. Esa que dices, la pudimos haber filmado en dos formas diferentes, como se vio en el episodio definitivo o como dos animales salvajes. Mi opción fue interpretarla como una ejecución. No se trataba del Gobernador, sino que de la dinámica entre el hermano menor y el mayor, estableciendo quién es quién..

LUIS: ¿Tienes muchas oportunidades de improvisar en el show? Cuando llamas a la bebé “pateadora de traseros”, da la impresión que se te ocurrió en el último minuto. NORMAN: No, eso se les ocurrió a los guionistas. Por accidente yo seguía llamándola “besadora de traseros”. LUIS: Con todas las muertes que han habido en la serie, ¿te preocupa que tu personaje pueda ser uno de los siguientes?

LUIS: En una entrevista, Chandler Riggs (Carl) contaba que puede sobrevivir sin otros niños en el set, porque tú eres como uno. ¿Qué opinas?

NORMAN: Creo que todos tenemos ese miedo. Nadie está a salvo en este mundo. Y en nuestro show, lo mismo pasa con nuestro grupo. Todos son blancos móviles. No creo que nadie crea que van a estar por una cantidad específica de episodios. Creen que podrían irse en cualquier momento, y los productores han dejado eso en claro. Todos tenemos miedo.

NORMAN: ¡Voy a matar a ese mocoso! Chandler es mucho más adulto que Steven (Yeun, que interpreta a Glenn) y yo juntos. Anda con nosotros todo el tiempo. Es muy bueno con las máquinas y aparatos. A mí me llegan muchos correos de fans y algunos son

NORMAN: Sí, tengo una. Me la regalaron en una convención y me causó mucha gracia, jajaja.

lo acaban de ver! Así que Scott (Gimple, productor de la serie) y los guionistas son bastante buenos guardando los secretos. Hemos leído los comics, pero no es siempre igual, y algunas cosas cambian. Todo el arco argumental de la serie por lo general está en alguna caja fuerte en el cerebro de Scott…

LUIS: Es que Daryl realmente emergió como un personaje favorito de los fans. Cuando aceptaste el papel, ¿pensaste que iba a ser tan popular? NORMAN: Trato de hacerlo un poco querible por aquí y por allá, pero no TAN querible.

LUIS: El año pasado te vi en el show de Conan O’Brien, y dijo tu mirada era como de las más asesinas del show. Eso es como mucho, considerando que hay otros personajes, como Michonne. En tu caso, ¿te basas en alguien?

LUIS: Y también es uno de los pocos originales que quedan. ¿A qué crees que se deba su permanencia en la serie?

NORMAN: Al principio, era un actor muy inseguro y por eso le daba miradas asesinas a todos, porque creía que me odiaban. En cierto modo, desde entonces he interpretado papeles donde mato gente. Es como si hiciera una carrera frunciendo el ceño. Todos mis actores favoritos dejan rastros. Clint Eastwood definitivamente tenía una mirada asesina. Charlie Bronson también. Marlon Brando la tenía cuando la quería. Willem Dafoe puede congelarte el cerebro con solo mirarte. Respecto a Daryl, siempre lo he interpretado como un luchador, pero eso es porque siempre ha tenido que luchar. Es un tipo de pelea distinto al de un tipo con pectorales grandes que te ataca para probar algo. Supongo que eso va de la mano con la mirada asesina.

LUIS: Por ahí he visto poleras que dicen “If Daryl dies, we riot!” (¡si Daryl muere, nos sublevamos!)

NORMAN: Oh, Viejo. No sé cuál es el secreto. Todos los que han muerto en la serie eran personajes muy completos, y los actores que los interpretaron les dieron vida propia de formas muy brillantes. No creo que nadie vaya a morir en una cama de hospital sonriendo con todos sus seres queridos alrededor tomándose de las manos. Pero tú lo dices, la gente lo ha hecho popular. LUIS: Los fans tienen sus propios métodos para tratar de predecir lo que va a pasar en el show. ¿Qué hacen los actores? NORMAN: Recibimos los guiones antes de empezar a filmar. A veces escucho rumores de las direcciones que tomaremos y a veces es verdad y otras no. Pero nadie conoce el futuro de su personaje. Incluso hacemos mesas redondas cuando se ponen las nuevas temporadas en marcha, y damos entrevistas y dicen, “Oye, vimos los primeros dos episodios, y creemos que va a pasar esto”. Generalmente se equivocan, ¡si recién

LUIS: En la serie se nota que Daryl extraña mucho a su hermano. ¿Echas de menos a Michael Rooker? NORMAN: Rooker es un tipo divertido. Es como un tornado. Nunca sabes lo que va a salir de su boca. Así que sí, lo echo mucho de menos. Echo de menos a todos los personajes que hemos perdido.

nunca dejas ir al personaje. LUIS: Como te decía al comienzo, tienes una gran base de fanáticos en Chile. ¿Sabes algo de nuestro país?

LUIS: En la cuarta temporada vimos muchos personajes nuevos. ¿Cómo recibes a los nuevos actores? NORMAN: Es interesante, porque cuando llegan, como que los miro de la misma forma que haría Daryl. No les hablo realmente, solo les doy miradas frías y después de un par de episodios, cuando están bien golpeados y tienen rasguños en todo el cuerpo, y caminan como si tuvieran 95 años, entonces me abro y soy como, “Hey, que gusto tenerlos a bordo.” LUIS: Después de cuatro temporadas en la serie, ¿crees que Daryl se ha convertido en una parte de ti? NORMAN: Cuatro temporadas y un juego de video (The Walking Dead: Survival Instinct) En realidad cuesta quitarse al personaje de encima por un rato. Recuerdo que presté mi voz para una película animada donde interpreté a The Punisher (personaje de MARVEL comics). Me puse bien sureño y me dijeron, “Oye, no eres Daryl. No seas Daryl.” Y siempre conversamos. Converso mucho con Andy (Andrew Lincoln, Rick en la serie) y con el resto del reparto durante el tiempo libre entre las temporadas y tratamos de juntarnos cada vez que podemos, así que en cierto modo,

NORMAN: Muy poco, porque nunca he ido, pero sí he visto documentales y he mirado algunas revistas de fotografía. Me gustaría visitar el Desierto de Atacama o los lagos del Sur. O cualquier ciudad, no soy selectivo. En política, también he visto documentales al respecto. Estoy en contra de la violación a los derechos humanos. LUIS: ¿Cuáles son tus películas favoritas? NORMAN: ¿Tengo que mencionarlas todas? Podríamos conversar hasta la próxima semana, jajaja. Pero entre mis favoritas siempre estarán Mad Max, Saturday Night Fever y Midnight Cowboy. LUIS: ¿Y dentro del género de terror? NORMAN: Oh, sí, me encantan las películas de terror. Creo que mi favorita en mi infancia era “La Profecía”. Realmente quería SER ese niño. Tenía esta profesora, creo que en segundo o tercer año y solía mirarla fijo hasta que se ponía nerviosa. Ella miraba por toda la sala hasta que me veía y apartaba la vista, y yo creía que era genial intimidar a esa vieja, jajaja. Al final del año me preguntó horrorizada, “¿por qué me odias?” Y yo, “no, si yo la quiero mucho! No sé de qué habla, creo que es genial”. Pero sí, soy un gran fan de las películas de terror. He trabajado con algunos grandes directores del género, John Carpenter, Guillermo Del Toro, hasta cierto punto. Sí, me gusta el horror. Es bueno ser horrible. LUIS: Entonces, ¿seguirías haciendo películas

o series con zombies o prefieres cambiar?

guiños a los clásicos. En el episodio 15 de la última temporada de TWD, puedes ver que aparece el zombie “Bub”, de la película ”Day of the Dead” de George Romero. No puede haber terror moderno sin basarse en los clásicos.

NORMAN: Con The Walking Dead, me ha tocado matar varios zombies, y es algo que aún no me cansa, así que definitivamente podría seguir por años. Me han llegado guiones de otros tipos de películas del género, y algunos son muy buenos y otros son horribles. Pero me gustaría hacerlos todos. Es solo que no tengo tiempo.

LUIS: Bueno, ya estamos llegando al final de esta entrevista y nuevamente te agradecemos tu tiempo. ¿Quisieras enviar un saludo para tus fans?

LUIS: ¿Qué opinas de la evolución de los muertos vivientes de los años 70 a la actualidad?

NORMAN: Envío todo mi cariño a los fans en Chile. Agradezco de todo corazón su apoyo a The Walking Dead y espero que se mantengan así. Invítenme un día, ¡yo pongo el whisky!

NORMAN: Nunca me he detenido a pensar en eso. Sin embargo, está claro que a medida que pasan los años, la cosa se ha puesto no solo más realista, sino que también más violenta. Sin embargo, cada cierto tiempo, hay

Grinor Rojo Textos: Aldo Astete Cuadra / Ilustraciones: All Gore

Turbonegro

mejor disco después de “Hot Cars and Spent Contraceptives” del 92’) se abre paso a un sonido mucho más rock, algo más “maduro” así como un Kill 'Em All v/s Master of Puppets, guardando las proporciones de los estilos. En un MUY resumido paso por su discografía, los discos “Scandinavian Leather (2003), Party Animals (2005)” son la guinda de la torta en cuanto a “evolución”, a esta altura con la rotación de integrantes para Turbonegro, perder la esencia hubiera sido fácil, por las distintas ideas e influencias que deja el paso de cada músico por una banda, pero sólo variaron a un sonido más limpio y melódico, mencionando que en Party animals se destaca nuevamente el sonido punk de sus inicios. Darkness Forever (1999), un buen disco en vivo, para iniciarse con estos insanos de Oslo. La discografía de Turbonegro se acaba con Retox del 2007 y Sexual Harassment del 2012, que son sus últimos discos, los que nos afirman que estos tipos son 100% rock & roll tanto en música como en actitud.

Por Valentina Osores Turbonegro es una banda de Noruega, fundada en el año 1989, majestuosos representantes del Deathpunk, es de esas bandas de las que uno se arrepiente de no haber conocido en la adolescencia porque hubiera sido la mejor compañera de esos eternos y rancios carretes que terminaban en el botiquín del baño empinándose una botella de colonia. En sus tres primeros discos: “Hot Cars and Spent Contraceptives (1992)”,” Never Is Forever (1994)”, “Ass Cobra” (1996) la banda se mantiene con un estilo punk, con guitarras sucias y letras ácidas, canciones como Librium Love, Vaya con Satan, Destination: Hell, I got erection te dejan claro que Turbonegro es poseedor de un potente, eufórico y underground estilo. Continuando en el tiempo, en el año 1998 el disco “Apocalypse Dudes” (para mi gusto el

The strain Por Romy Riq Si te gusta Crepúsculo, y alucinaste con la hermosa brillantez de Edward o por el contrario te enamoraste del triángulo amoroso de los hermanos Salvatore, en diarios de vampiros, éste definitivamente no es tu comic. Quien ha visto Blade II de Guillermo del toro, encontrará en The Strain cierta similitudes en lo que a vampiros se refiere y es que The Strain nos presenta al vampiro como producto de un virus parasitario que viaja en el torrente sanguíneo, mutando, trasformando a quien se ve infectado. Escenas con lenguas mutantes y desproporcionadas saliendo de la boca de los convertidos, lo han hecho uno de los comics más destacado, que incluso llegó ya a ser serie de televisión, que ha recibido, por cierto muy buenas críticas, pero ¿de qué trata The Strain? Como primicia tenemos que un Boeing 777 ha aterrizado en el aeropuerto internacional JFK y sin aparente signo de vida en su interior, es más todas las ventanas y puertas están cerradas por dentro, y es cuando interviene el Centro para el Control de Enfermedades, por temor a un posible ataque terrorista, el jefe de la división es el doctor Efraín Goodweather, quien junto a su equipo de respuesta son los primeros en entrar y se encuentran con una macabra escena, todos los pasajeros están muertos, además de un extraño ataúd lleno de tierra en el compartimento de carga después de haber sido encontrado es robado misteriosamente. Y a medida que la investigación continúa, Goodweather contacta con Abraham Setrakian, un viejo prestamista que parece saber mucho sobre este "virus" y que insinúa que podría tratarse de una plaga de vampiros, sin olvidar también a los tres únicos sobrevivientes, que nos generaran sospechas sobre ciertas actitudes.

El manejo del clima del suspenso es magistral en cada viñeta, donde se mezcla a la perfección el floklore con la modernidad, con dibujos detallados y buena utilización de sombras, hacen de éste comic una lectura rápida, sin embargo cada tomo es demasiado corto y te deja con la sensación de que podría haber mostrado más. Un buen comic de la mano de la editorial Darkhorse , quien ha sido la encargada de publicar los comic como Sin city, que intentan inyectar un nuevo aire a la tan usada temática de vampiros.

POLSTERGEIsT de enfield Por Luis Diaz

Sin embargo, lo más aterrador de todo era que la voz provenía del cuerpo de una niña de 11 años, Janet Hodgson, que parecía estar poseída. Podría haber sido una escena de la película El Exorcista, pero era real.

La áspera voz de hombre causó escalofríos en todo el cuarto. De manera aterradora, envió un mensaje desde el más allá, describiendo gráficamente el momento de su muerte: “Antes de morir, me quedé ciego, y luego tuve una hemorragia y me quedé dormido en la silla en la esquina del primer piso”.

¿Qué estaba pasando? Este era el caso del Poltergeist de Enfield, que mantuvo a toda Inglaterra asustada hace más de 30 años, confundiendo a la policía, psíquicos, expertos en lo oculto y periodistas incrédulos a la vez.

La tenebrosa voz, que aún puede escucharse hoy en archivos de audio, supuestamente pertenece a un tal Bill Wilkins. La grabación se realizó en Enfield, al norte de Londres, en la década de 1970, muchos años después de su muerte.

Los poltergeists constituyen apenas un 7 a 8% de

todas las manifestaciones llamadas “psíquicas” y que se relacionan con la parapsicología, pero tienen la ventaja de que pueden ser estudiados debido a su duración. Este evento incluía levitación, muebles desplazados por el aire, y objetos voladores que iban en dirección de los testigos. Había brisas frías, ataques físicos, graffiti, marcas de agua con contornos humanos que aparecían en el piso, e incluso afirmaciones de fósforos encendiéndose espontáneamente. Una agente de policía incluso firmó una declaración jurada que había visto una silla moverse. Hubo más de 30 testigos de los extraños incidentes. Más inexplicablemente, la pequeña niña en el centro de los eventos al parecer actuaba como el anfitrión para Bill Wilkins, un anciano gruñón y grosero que había muerto en la casa muchos años antes. Su hijo contactó a los investigadores para confirmar los detalles de su historia. Los eventos ocurrieron por más de un año tras la puerta de una vivienda social pareada aparentemente normal, en una calle de los suburbios llena de casas similares, y dejó marcados permanentemente a todos los que estuvieron relacionados con ella. Naturalmente, muchos cuestionaron si era todo un engaño, pero ninguna explicación ha sido tan convincente como lo paranormal.

para la época, ya que era una madre soltera con cuatro hijos, Margaret (12), Janet (11), Johnny (10), y Billy (7), recientemente divorciada de su padre. La noche del 30 de Agosto de 1977, la señora Hodgson estaba lista para llevar a sus hijos a la cama. De repente, escuchó a Janet quejándose en el segundo piso de que su cama y la de sus hermanos se sacudían. La sra. Hodgson le dijo a su hija que dejara de bromear. Sin embargo, la siguiente noche, hubo un evento aún más bizarro. La sra. Hodgson escuchó un fuerte golpe en el segundo piso. Rápidamente, fue a decirles a sus hijos que se calmaran. Al ingresar a la habitación, la sra. Hodgson vio que la cómoda se movía. Al empujarla, descubrió que era lanzada hacia la puerta por una fuerza invisible. Parecía como si alguna presencia sobrenatural tratara de atrapar a la familia en el cuarto con la pesada cómoda de roble. Varios años después, Janet relataría a un documental que todo comenzó en una habitación trasera, donde los cajones se movieron, y se podía escuchar un ruido como de trajín. Le dijeron a su madre lo que pasaba y ella fue a verlo por sí misma. Fue entonces cuando la cómoda se movió, y no podía quitarla al empujar.

Ahora, este evento es el principal tema de la próxima película de la serie “El Conjuro”, a estrenarse el próximo año. ¿Qué pasó en Enfield entonces, en esos años? ¿Dónde están los Hodgson ahora, y habrán escapado de sus fantasmas? ¿Habrán inventado todo el acontecimiento? ¿Y quién vive ahora en el número 284 de Green Street? Como la familia Hodgson la contó, la historia comienza en 1977. Peggy Hodgson era poco usual

Margaret, la hermana mayor de Janet explica cómo la actividad aumentó: habían ruidos extraños en la casa, y nadie podía adivinar qué pasaba. Nadie podía dormir, así que se pusieron sus batas y se fueron a la casa vecina. La familia solicitó la ayuda de sus vecinos, Vic y Peggy Nottingham. Vic, un corpulento constructor, fue a investigar, y al entrar, escuchó varios ruidos que no podía identificar: un golpeteo en la pared, en la habitación, en el techo. Finalmente, volvió a su casa diciendo que no sabía que hacer. Margaret asegura que jamás había visto a un hombre tan grande asustado de esa manera. Los Hodgson optaron por llamar a la policía, que también quedó desconcertada. La agente Carolyn Heeps vio cómo se movió un sillón. En su declaración afirmó: “Un sillón grande se movió, sin ayuda de nadie, 4 pies por sobre el piso.” Heeps buscó cables ocultos, pero no pudo encon-

trar ninguna explicación para lo que había visto. Eventualmente, los oficiales se fueron, diciéndole a la familia que los incidentes no eran asunto de la policía, ya que no pudieron encontrar a nadie quebrantando la ley. A continuación, los Hodgson contactaron a la prensa. Graham Morris, el fotógrafo del Daily Mirror que visitó la casa, dice que todo era un caos. Habían cosas volando por todos lados y la gente gritaba. Algunos de los eventos fueron capturados en fotografía, y las imágenes son perturbadoras. Una muestra la frágil figura de Janet siendo aparentemente lanzada por la habitación. En otras, su cara refleja un gran dolor. La cadena BBC fue a la casa, pero el equipo descubrió que los componentes metálicos en sus equipos de reproducción estaban torcidos, y las grabaciones se habían borrado.

Luego, la familia solicitó la ayuda de la Sociedad de Investigación Psíquica (SPR), que envió a los investigadores Maurice Grosse y Guy Lyon Playfair, un experto en fenómenos de poltergeist, que eventualmente escribió un libro, “This House Is Haunted”, sobre el incidente. El autor Will Storr conversó con el ya fallecido Grosse, mientras investigaba para su propio libro ”Will Storr vs The Supernatural”, que también presenta el caso. Grosse le contó que en cuanto llegó a la casa, se dio cuenta que el caso era real, porque la familia estaba en malas condiciones. Todo era un caos. Cuando Grosse llegó la primera vez, no había pasado nada por un rato, hasta que vio piezas de Lego y bolitas de cristal volando y rebotando en las paredes, y cuando las recogió, notó que estaban calientes. Y cuando estaba parado en la cocina, una polera que estaba a su lado saltó de la mesa, y voló hacia el otro extremo de la habitación.

pierna, y tuvieron que forzar para soltar a la niña de lo que parecían ser manos invisibles. El continuo golpeteo era uno de los aspectos más escalofriantes del caso. Corría por la pared, apareciendo y desvaneciéndose como si jugara de manera desesperante con la familia, que estaba tan asustada, que dormían en la misma habitación y con las luces encendidas. La mayoría de la actividad se centró en Janet, de 11 años. Entraba en violentos trances, que eran insoportables de presenciar. En una ocasión, la chimenea de hierro en su habitación fue arrancada de la pared por fuerzas invisibles. Los otros miembros de la familia también aseguran haberla visto levitando o flotando en su habitación. En una ocasión, Janet contó a un canal de televisión que se sentía “utilizada por una fuerza que nadie entiende”. Y aunque realmente no quiere recordar mucho sobre el tema, no está segura si el poltergeist era realmente maligno, sino más bien era casi como si tratara de ser parte de su familia, ya que no quería dañarlos. Simplemente había muerto en la casa y quería descansar en paz, y la única forma de comunicarse era a través de ella y su hermana. Sin embargo, existen algunas dudas sobre los eventos. Dos expertos en fenómenos paranormales descubrieron a las niñas doblando cucharas, y se preguntaron por qué nadie podía ingresar a la habitación de Janet cuando hablaba con voz ronca, aparentemente la de Bill Wilkins. En efecto, Janet admitió haber inventado algunos de los fenómenos. En 1980, confesó a un periodista que con su hermana habían inventado algunos fenómenos una o dos veces, solo para ver si Grosse y Playfair las descubrían (cosa que siempre hacían). Por esta época, el investigador paranormal Ed Warren visitó la casa y presenció las levitaciones de Janet mientras dormía, y concluyó que “los niños de la casa estaban sujetos a posesión demoníaca”.

Los investigadores se encontraron en un torbellino de aparente actividad psíquica, con la actividad poltergeist. Los sofás levitaban, los muebles giraban y eran lanzados a través de la habitación, y los miembros de la familia eran sacados de sus camas durante la noche. Un día, Grosse y un vecino que estaba de visita descubrieron a una de las niñas que gritaba que algo le sujetaba la

Actualmente con 48 años, Janet vive en Essex con su esposo, un lechero jubilado. Dice no estar muy contenta con la película, ya que no sabe nada al respecto. Su padre falleció hace pocos años, y rara vez habla del tema, aunque describe la actividad como traumática: “Fue un caso extraordinario. Es uno de los casos más famosos de actividad paranormal en el mundo. Pero para mí, fue muy sobrecogedor. Creo que realmente dejó su marca: la actividad, la atención de los periódicos, toda esa gente dentro y fuera de la casa. No fue una infancia normal.” Cuando se le pregunta cuánto del fenómeno en Green Street fue falso, ella asegura que alrededor de un 2 por ciento, y también admitió jugar con una tabla Ouija con su hermana, justo antes que la actividad estallara en la casa. También dice que no se daba cuenta de cuando entraba en trance, hasta que le mostraron fotos. Solo sabía cuando aparecían las voces, porque se sentía como si alguien estuviese detrás de ella todo el tiempo. Incluso le hicieron algunas pruebas, llenando su boca con agua y otras cosas, pero las voces se seguían manifestando. Para Janet, las cosas eran difíciles. Incluso le hicieron pruebas orales en el Hospital Psiquiátrico Maudsley en Londres, donde pusieron electrodos en su cabeza. Sin embargo, los tests no detectaron anomalías. Y Janet prosigue, “la levitación me aterraba, porque no sabía dónde iba a aterrizar. Recuerdo que una Cortina se había enroscado alrededor de mi cuello, y yo gritaba, porque creí que iba a morir. Mi mama usó toda su fuerza para romperla. El hombre que hablaba a través de mí, Bill, parecía furioso, porque estábamos en su casa.”

donde la puerta siempre estaba abierta, y gente entraba y salía, y no sabía qué esperar. Me preocupaba mucho por mi mamá. Al final, tuvo un quiebre nervioso. No me gusta vivir en el pasado, quiero seguir con mi vida. Pero todo regresa a mí una y otra vez. Sueño con lo que pasó y me afecta. Me preguntó, ¿por qué a nosotros?” A uno de sus hermanos lo llamaban “el chico raro de la Casa Fantasma” y le escupían en la calle. La misma Janet apareció en la portada del Daily Star con el encabezado “Poseída por el Demonio”. Finalmente, dejó su hogar a los 16 años y se casó joven, perdiendo el contacto con todos y desechó toda la cobertura sobre el caso en libros sobre eventos paranormales. Dice que su madre sentía que la gente la pasaba a llevar en esa época. Se sentía explotada. Poco después que la atención de la prensa se fue desvaneciendo, el hermano más pequeño de Janet, Johnny, falleció de cáncer con solo 14 años. Luego, su madre desarrolló cáncer de mamas, falleciendo en el 2003, y Janet sufrió la pérdida de su propio hijo, que murió mientras dormía a los 18 años. Janet rechaza las afirmaciones de que toda la historia fue un montaje en búsqueda de fama o dinero: “No quería volver a hablar del tema

La situación tuvo un enorme efecto en la familia. Se burlaban de Janet en el colegio: “Me llamaban “Chica Fantasma” y colgaban moscas sobre mi cabeza. Me aterraba la idea de volver a casa,

Tras la muerte de Peggy Hodgson, Clare Bennett y sus cuatro hijos se mudaron a la casa. No hace mucho, afirmó: “No vi nada, pero me sentí incómoda. Definitivamente había algún tipo de presencia en la casa. Siempre sentía que alguien me estaba mirando.” Sus hijos se despertaban en la noche, escuchando que había gente hablando en el primer piso. Entonces Clare supo sobre la historia de la casa, y repentinamente, todo tuvo sentido. Se mudaron después de dos meses. Uno de los hijos de Clare, Shaka, dice: “La última noche que pasamos ahí, desperté y vi a un hombre entrando en mi dormitorio. Corrí donde mi mamá y le dije, ‘Tenemos que irnos de aquí’, lo hicimos al día siguiente”.

mientras mi mamá vivía, pero ahora quiero contar mi historia. No me importa si me creen o no, pero yo pasé por esto, y fue verdad.” Cuando se le pregunta si cree que la casa aún está embrujada, ella dice que incluso años después, cuando su mamá estaba viva, seguía habiendo una presencia, algo que los observaba: “Mientras la gente no se involucre como nosotras lo hicimos con la tabla Ouija, todo estará bien. Está mucho más tranquilo que cuando yo era una niña. Está en paz, pero siempre estará ahí.” Janet cuenta que la visita de un sacerdote a Green Street logró que los incidentes se calmaran en el otoño de 1978, aunque no se detuvieron completamente, ya que su madre seguía escuchando ruidos en la casa. Janet dice: “Incluso mi hermano, hasta el día que dejó ese lugar tras la muerte de mi mamá, decía que sigue habiendo algo ahí. Sientes cómo alguien te mira.” Janet sigue creyendo en el poltergeist, afirmando que vivía de ella y de su energía. No le importa que digan que está loca, porque asegura que los eventos sí sucedieron. El poltergeist estaba con ella y siente que en cierto modo siempre lo estará.

Actualmente, la casa está ocupada por otra familia, que no desea ser identificada. La madre simplemente dice que tiene hijos, y que no saben nada al respecto, por lo que ella no los quiere asustar. Aunque algunas personas quieran burlarse, está claro que la historia del Poltergeist de Enfield no ha perdido su aterrador poder.

¿Y quién vive en el 284 de Green Street ahora?

Ramones - Too Tough to Die Por Cuerva

"No le van a gustar a nadie, pero les daré otra oportunidad". Estas fueron las palabras del propietario del mítico CBGB, un 16 de agosto hace poco más de cuarenta años, a unos flacuchos y escuálidos chicos de una desconocida banda en esa entonces, llamada Ramones. Aquella presentación en el emblemático sucucho, macetero germinador de tantas otras semillas del punk, dio lo que sería el punta pie inicial para una de las mayores bandas, no sólo en la historia del punk, sino del rock y la música. El gusto por la música de Elvis Presley, los Beatles, los Stooges, New York Dolls y las películas de terror acabaría juntando en una banda a cuatro chicos de Forest Hills, en Queens (Nueva York): John Williams Cummings (Johnny), Douglas Glenn Colvin (Dee Dee), Jeffrey Hyman (Joey) y Thomas Erdelyi (Tommy). A principios de los 70’s Joey ya tenía una banda de estilo medio glam llamada Sniper la cual tuvo una corta vida, mientras Johnny y Tommy, compañeros de instituto ya intentaban hacer un proyecto musical juntos de nombre Tangerine Puppets. Joey había conocido a Dee Dee (quien ya tocaba la guitarra) en una de sus tokatas y posteriormente lo volvió a ver en otras ocasiones y conciertos, quien por su parte ya conocía a Johnny y Tommy, el cual

acabó montando su propio estudio de ensayo y grabación, los Performance Studios y convenció John de formar un grupo con Dee Dee. Es así como la formación original ya estaba: Johnny en guitarra y Dee Dee bajo y voz, reclutaron a Joey como batería, mientras que Tommy ejercería de mánager y productor. Tras unos malos ensayos, además del hecho que Dee Dee era incapaz de cantar y tocar a la vez y Joey era muy malo como batería, Tommy apostó por colocar a Joey como cantante y, tras hacer pruebas infructuosas a varios baterías, el propio Tommy terminó tocando la batería. Ya estaban todos; solo les faltaba un nombre, así que utilizaron el que usaba, Dee Dee Ramone, que había copiado del pseudónimo que usaba Paul McCartney para registrarse en los hoteles, "Paul Ramon": Johnny Ramone, Joey Ramone, Tommy Ramone y Dee Dee Ramone. Habían nacido la banda con una formación y nombre definitivo: Ramones. Con un sonido rápido, duro y salvaje, estos chicos de Nueva York llegaron a remecer la historia de la música, realizando más de 2000 conciertos a lo largo de su trayectoria y siendo fuente de inspiración para tantas otras generaciones hasta el día de hoy (¡pero si hasta el mismísimo Lemmy Killmister compuso una canción en su honor!). Eran mediados de los 70’s cuando el apogeo hippie quedaba atrás, dando el paso a la siguiente generación de música rock: artistas virtuosos con un rock lleno de misticismo, psicodelia y sonidos completamente experimentales, bandas con discos conceptuales y cuánto acorde y letra el lsd diera rienda suelta; cuando aparecen los Ramones pateando culos y mostrando que no es necesario ser un Jimmy Hendrix de la guitarra para crear algo bueno y revolucionar la música. Nunca nadie hizo tanto con tan poco, una premisa tan básica como cierta, pues estos jóvenes rescatando los acordes del ya pasado rock and roll de los 50’s y con claras influencias de las denominadas bandas ´protopunk´ como The Stooges o MC5, algo

de rockabilly, garage y surf rock de los 60’s le dieron el palo al gato. Es así como ya en el año 76’ con casi dos años de trayectoria después de aquella presentación en el CBGB logran grabar su primer disco: Ramones, año crucial para el grupo, ya que después de un concierto junto con la banda inglesa Dr. Feelgood, un empresario británico les ofrece realizar un concierto en el Roadhouse de Londres, concierto que fue todo un éxito y pavimentó firmemente el camino para todo el desarrollo del punk en el mundo. Es así como en el año 77 logran publicar sus siguientes dos discos: Leave Home y Rocket to Russia (este último alabado por la revista Rolling Stone como "el mejor rock and roll estadounidense del año"). El tiempo entre las giras y el ascenso entre el público sube, cuando Tommy decide retirarse de la banda, para hacer de productor de la misma y es reemplazado por un nuevo hermano en la familia ramonera, Marky, con quién en el 78’ graban el Road to Ruin, disco que incluye por primera vez, temas con guitarras acústicas y de una duración mayor a tres minutos y una que otra balada. El álbum que no tuvo la aceptación deseada a pesar de que la canción I Wanna Be Sedated se haya convertido en todo un clásico a estas alturas. Con una carrera de un lento ascenso a la fama, los Ramones no dudaron en participar en la película Rock' n' Roll High School dirigida por Allan Arkush y producida por Roger Corman en el 79’, filme que pasó sin pena ni gloria aunque el día de hoy se haya vuelto casi de culto tanto para los amantes del cine como de su música. Llegan los años 80’s y los roses en la banda por conflictos de drogas y diferentes ideas políticas empiezan a sonar cada vez más fuerte, puesto que Johnny era un facho conservador y Joey estaba más ligado a las ideas comunistas, mientras Marky se acrecentaba su problema con el alcohol; pero en su búsqueda por el éxito decidieron producir su quinto disco de estudio, End of the Century (1980) con Phil

Spector, grabación que se convirtió en una auténtica pesadilla: Spector obligando a repetir acordes a Johnny una y otra vez, apuntando a Dee Dee con su pistola para que repitiera un riff y tratando de apartar a Joey de la banda… la cosa se veía fea, pero a pesar de los problemas internos de la banda, éste fue el disco de mayor éxito comercial. Sin embargo el álbum no dejó conformes a los chicos por la influencia de Spector en el sonido más calmado en vez de los tarros agresivos que reflejaban la esencia de la banda. En 1981, el cuarteto publicó el disco Pleasant Dreams, que continuó el camino lento de End of the Century al mostrar un punk mucho menos agresivo que en los cuatro primeros álbumes, y por otra parte los roses entre Joey y Johnny ya habían estallado después que Johnny le quitará la novia a Joey, por la cual compuso la canción KKK took my baby away (haciendo referencia a las siglas en inglés del Ku Kux Klam por sus ideas más conservadoras), tema incluido en éste último disco. Ya para el 83’ con la edición de Subterranean Jungle, Marky Ramone fue despedido del grupo a causa de sus problemas de alcoholismo, Johnny fue herido en una pelea que casi le lleva la vida y que lo mantuvo en reposo por varias semanas. Luego de éste receso el siguiente paso fue buscar nuevamente otro batero y llega Richie Ramone; tras calmar los ánimos, logran editar otro álbum titulado Too tough to die en el 84’ (Demasiado duro para morir, nombre que surgió tras la pelea de Johnny) bajo la producción de Tommy Ramone y que trae de vueltas las raíces del grupo con sonidos más rápidos y la inclusión del instrumental Durango 95. En 1986, los Ramones fueron invitados a grabar la banda sonora de la película Sid and Nancy, film protagonizado por un joven Gary Oldman quien retrata los últimos años de vida del bajista de los Sex Pistols Sid Vicious, y los Ramones aprovechan de incluir algunos temas de la película en su siguiente disco Animal Boy en ese mismo año. Para el 87’ graban el disco Halfway to Sanity, con la última participación de Richie quien se quejaba de no recibir los mismos beneficios por ventas de merchandising que los demás integrantes. Richie

fue sustituido por Elvis Ramone (Clem Burke de Blondie), quien fue despedido de inmediato ya que no podía seguir el ritmo de la banda al tocar, pero para el alivio del grupo reapareció un sobrio y rehabilitado Marky Ramone, sin embargo los cambios continuaron hasta el 89’ con la salida de Dee Dee Ramone quién después de participar en Brain Drain (que incluye el tema Pet Sematary por encargo de Stephen King para su película del mismo nombre) se retiró de la banda y trató de seguir una carrera por medio del hip hop que no dio muchos frutos. Tras la salida de Dee Dee, se incorporó C.J. Ramone quien se mantuvo hasta la ruptura total de la banda y grabaron el siguiente álbum en directo de la banda Loco Live, grabado en Barcelona en 1991, disco que nuevamente no tuvo el éxito deseado. A eso de los 90’s los Ramones ya causaban furor en Latinoamérica y habían dejado un claro legado en bandas como Nirvana, Pearl Jam, Motorhead, Metallica, White Zombie (por nombrar algunas), y es como tras la producción de Mondo Bizarro en el 92’ llegan a Argentina y repletan estadios con más de 50 mil personas y comparten escenario con bandas punk de Argentina como 2 Minutos, Flema, Ataque 77, entre otras. En enero de 1994 se publicó Acid Eaters, un disco con covers de homenaje a sus bandas preferidas de los 60’s, para dar inicio al que sería el último el último álbum de estudio de la banda: ¡Adiós Amigos! en 1995, y para esa entonces ya habían anunciado el retiro y disolución de la banda. Tras su paso por el festival de Lollapalooza 96, el 6 de agosto de 1996, casi 22 años justos después del concierto del CGBG, los Ramones se subieron por última vez a un escenario en el Palace de Los Ángeles. Era su concierto 2.263. Luego de su separación Joey murió en 2001 a causa de un cáncer linfático que contraía de varios años, en 2002 otro miembro importante partía: Dee Dee Ramone por una sobredosis de heroína y en

septiembre del 2004 Johnny Ramone abandonaba éste mundo producto de un cáncer de próstata. 10 Años después, hace sólo unos meses, Tommy Ramone partía con sus hermanos, el maldito cáncer también lo había alcanzado a él, llevándose consigo al último miembro fundador de ésta gran banda en julio del 2014. Es así como estos íconos del rock partieron, dejando un legado inimaginable para la música rock, desafiando los paradigmas musicales de la época, con un estética simple y estilo musical minimalista, rápido, fuerte y muy contagioso, traspasando generaciones, llenando de rebeldía las almas de jóvenes y adolescentes hasta el fin de nuestros días. Actualmente el cantante británico Morrisey se está encargando de producir un nuevo disco tributo a la banda el cual tendrá por nombre “Best Of Ramones”; y además de éste homenaje se ha publicado que nada más ni nada menos el tremendo Martin Scorsese dirigirá una película biográfica de los Ramones con motivo del 40 aniversario del lanzamiento de su primer disco. Hoy por hoy, sin ninguno de sus mienbros originales sólo nos queda mantener viva su música y actitud, gritando cada vez más fuerte Hey! Ho! Let’s go!

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