Grindhouse Nº2

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GRINDHOUSE



Hammer: la renovación de los mitos clásicos

puntales básicos que con un ánimo de análisis premeditadamente simplista son:

Por Lugubrio

1. La reinterpretación, uno a uno y sin excepción de todos los personajes clásicos.

Al igual que sucedió con Universal gracias a los méritos alcanzados en la década de los treinta, tuvo que transcurrir un cuarto de siglo para que, de nuevo, el protagonismo de una productora se convirtiera en un fenómeno que sobresaliera por encima del éxito de obras aisladas, obviando intentos de aportar nuevas luces al género, cuantitativamente tímidos pero indiscutiblemente valiosos, como fue el estimable caso de las producciones de Val Lewton.

2. Un esplendoroso uso del color de forma desinhibida y desbordante, que todavía por aquellas fechas significaba un poderoso revulsivo contra la creciente de la televisión. 3. La generalización de la violencia física y moral dentro de las tramas, así como la presencia del erotismo de manera creciente a medida que pasaban los años. 4. La inevitable e indisoluble asociación que el aficionado mantiene todavía hoy, sobre todo el más profano entre la pareja formada por los imprescindibles Peter Cushing y Chiristopher Lee con Hammer films. 5. La revelación y posterior consagración como gran maestro del director Terence Fisher, que junto a otra serie de valiosos profesionales se convirtió en artífice de las obras de importancia indiscutible de toda la producción Hammer y cuya efectiva revalorización como autor ya es un hecho.

Con unos orígenes que emplazan los primeros pasos de su existencia a mediados de los años treinta, fue sin embargo a mediados de los cincuenta concretamente con “La maldición de Frankenstein” (The curse of Frankenstein, 1957, Terence Fisher), el momento en que la productora británica Hammer films dio el pistolazo de salida a una carrera que llevaría al estatus de mito y referencia obligada dentro del cine fantástico, estando centrado el grueso de su producción principalmente en el cine de terror, pese a tener a su haber películas de tanta importancia para la ciencia ficción como “El experimento del Dr. Quatermass” (The Quatermass Xperiment, 1955, Val Guest) y sus secuelas, Quatermass 2, 1957, Val Guest. Y quizá la mejor (Quatermass and the pit, 1967, Roy Baker) sin desmerecer al resto de su amplísima producción, alrededor de unas cientas películas, podemos decir que su éxito, cuyas mas altas cumbres se encuentran marcadas de forma indeleble en la mente de cualquier aficionado, tiene cinco

El periodo máximo de esplendor de Hammer significó un nuevo renacimiento del cine de terror, centrado en unas mas o menos exitosas reinterpretaciones de los monstruos clásicos: Drácula, La Momia , El monstruo de Frankenstein y El hombre lobo.

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Price), un doctor que esconde las cicatrices de su cara tras una máscara, el cual ha comenzado una venganza en contra de los doctores que él piensa fueron responsables de la muerte de su amada esposa.

El Abominable Dr. Phibes Por Marcellus Videla “The Abominable Dr. Phibes”, USA / UK 1971, Dirigida por Robert Fuest.

“The Abominable Dr. Phibes” es una maravillosa película llena de exageraciones y excesos, en la cual el anti-héroe creado por el director Robert Fuest toma elementos “Poe-squianos” de los cuales Price fue famoso por las adaptaciones de Roger Corman, le agrega psicodelia post años 60 y lo mezcla con el fantasma de la Opera (hasta toca el órgano tubular) para crear un colorido personaje, que no habla en la primera media hora de película y que luego lo hace a través de un dispositivo especial colocado en su cuello. Tiene una hermosa asistenta, Vulnavia y un grupo de maniquíes de tamaño real los cuales lo divierten en su mansión Art-deco mientras planea sus próximos asesinatos. “El Abominable Dr. Phibes” es un homenaje y a la vez una crítica al cine de la Hammer y las películas góticas de Roger Corman, las cuales a principio de los años 70 estaban en franca retirada para darle paso a horrores modernos tales como sicópatas con motosierras y zombies come cerebros. De realismo no hay nada en “…Phibes”. Incluso el maquillaje es intencionalmente teatral y exagerado; en las escenas sangrientas, la sangre parece más jugo de frambuesa más que sangre “real” y los asesinatos son maravillosos y muy bien realizados, los cuales entretienen más que dar miedo o asco, haciendo de esta película una excepción dentro del género ( vendría a ser algo así como “Horror Sicodélico” o “Psicotronico”?) y transformándola en una de las mejores películas de horror “para todo espectador” de todos los tiempos.

“Una figura de unicornio ha sido catapultada a través de una calle de Londres, impalando a un reconocido cirujano”. La policía no sabe qué hacer, ya que al parecer alguien esta asesinando a los más reconocidos doctores y cirujanos de Londres, y lo que es peor, los métodos (aparte del unicornio) incluyen murciélagos, ratas (en un avión), abejas, grillos y máscaras para achicar cabezas hechas de sapos. El Inspector Trout de Scotland Yard tiene la difícil tarea de descubrir quién está detrás de estos bizarros crímenes, los cuales están basados en las plagas bíblicas que cayeron sobre Egipto. Detrás de este elaborado escenario están las manos del terrorífico y psicodélico Dr. Anton Phibes (Vincent

Un clásico insuperable. Esperemos que NUNCA se les ocurra en Hollywood hacer un remake de esta maravilla.

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Mis Comics Favoritos: Marvel Visionaries: Stan Lee

en una idea que fue re-utilizada para la película del 2011.

Por Marcellus Videla

En resumen, son 19 historias “remasterizadas” a todo color e ilustradas por algunos de los mejores dibujantes de todos los tiempos tales como Jack Kirby, Steve Dikto, John Romita Sr, Gil Kane, Neal Adams, John Buscema, Sal Buscema, Wally Wood y Barry Windsor Smith.

Marvel Visionaries: Stan Lee, es uno de los libros definitivos que DEBES tener en tú colección, si te gustan los cómics de superhéroes, especialmente los de la casa Marvel. Como todos sabemos, Stanley Martin Lieber, más conocido como Stan Lee (nacido en 1922 en Nueva York, USA) es el genio y co-creador (junto a otras leyendas de los cómics como Jack Kirby y Steve Dikto) de superhéroes como Fantastic 4, Thor, X-Men, The Hulk, Captain America, Daredevil, The Avengers y un larga lista, llena de etc,etc,etc...

El otro detalle que hace aún más especial éste libro es la parte de anexos, donde encontramos pequeños tesoros como los bocetos del propio Lee para el logotipo de “Fantastic Four”, un argumento de dos hojas para “Fantastic Four” #1 y varios “Bullpen bulletin” donde se puede apreciar lo que Stan estaba preparando a fines de los años 60 para Marvel Comics.

Éste volumen de lujo con reconstrucción de color, posee 336 páginas en excelente papel cuché y fue editado el 2006 por Marvel, por motivos de su 65º aniversario. El libro incluye algunos de los mejores y más recordados momentos escritos por el tío Stan a lo largo de sus más de 40 años dentro de la industria del cómic estadounidense e incluye momentos insuperables en la historia de la casa Marvel, tales como: “Captain America Comics #3” (1940) la cual es, la primera historia escrita por Lee para Marvel, con arte de Jack Kirby y Joe Simon; “Captain America Comics” #16 (1941) en donde se introduce a “Red Skull” y a “Bucky”, una suerte de Robin; “Amazing Fantasy” #15 ( Agosto 1962) donde somos testigos de la primera aparición de Spiderman, por parte del dúo Lee/Dikto; “Amazing Spiderman” # 96 – 98 (Mayo – Julio 1971) la cual presenta la controvertida historia del abuso de drogas por parte de Harry Osborn; “Fantastic Four Annual“#3 (1965) con arte de Jack Kirby y en donde nos presentan el matrimonio de Sue Storm con Reed Richards y “Thor” # 179 – 181, en donde Thor es expulsado de Hades por su padre,

En resumen, un “must have” si estás metido en el mundillo de los superpoderes e identidades secretas.

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SU NOMBRE ES CAMPBELL... BRUCE CAMPBELL Por Luis Diaz Si tuviéramos que elegir un actor que sea capaz de ir a todas, sin límites físicos ni temores a hacer el ridículo, que pueda interpretar tanto a un serio hombre de negocios como al típico idiota del pueblo, solo deberíamos enfocarnos en una sola persona, y esa persona es ese ícono del cine B: Bruce Campbell. En su época escolar, Bruce también comenzó a hacer sus propios cortos en 8 mm con la cámara de Chook y pronto comenzaría a compartir su experiencia con otros compañeros de curso que también eran directores amateur: Sam Raimi, Scott Spiegel, Josh Becker, John Cameron y otros, hoy en día todos directores y productores por derecho propio. La mayoría de los cortos que filmaban eran principalmente comedias de slapstick, influenciados por los Tres Chiflados, de quienes eran fanáticos. Los muchachos no tardarían en formar el Metropolitan Film Group, realizando cortos con cada vez más profesionalismo.

Nacido y criado en un suburbio de Detroit, Michigan, el 22 de Junio de 1958, Bruce Lorne Campbell, el menor de tres hermanos, creció con ese constante miedo a crecer, a dejar de ser niño, y a tener una vida de responsabilidades. Sin embargo, cuando tenía 8 años, Bruce vio a su padre, Charlie, cantando y bailando en una obra de teatro comunitario. Bruce siempre vio a Charlie (o Chook, como le decían) como un hombre serio, pero al verlo actuar como un niño y de hecho, ver cómo se divertía, le convencieron de que su futuro era la actuación. 5 años después, el mismo Bruce comenzaría a experimentar el teatro comunitario cuando le cayó un pituto al enfermarse otro niño. Ahí, entre otras cosas, aprendió algunas técnicas sobre la actuación (por ejemplo, que no hay que beber nada con gas antes de salir al escenario).

Ya en su época universitaria, y con la aparición del futuro productor Rob Tapert, Buce y Sam comenzarían a experimentar con historias de terror, lo que llevó definitivamente a la idea de realizar una película “oficial” con todos los elementos clásicos del terror, ideas que sacaban analizando los momentos más terroríficos de otras películas de la época, como “The Texas Chainsaw Massacre”, “El Exorcista”, o “La Noche de los Muertos Vivientes”. Sam terminó escribiendo una historia basada en ritos sumerios y egipcios, mezclados con elementos de terror para filmar un corto llamado “Within the Woods”, el prototipo de la película que querían filmar, y que utilizaron para atraer la atención de potenciales inversionistas. Eventualmente, consiguieron el dinero, llamaron a un casting y Bruce se quedó con el papel protagónico, porque Sam y Rob pensaban que él era “el hombre al que a las mujeres les gustaría mirar”. El título de su película seria “Book of the Dead”.

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Bruce es el tipo de actor que actúa para vivir, y ha declarado numerosas veces lo mucho que le molestan las intervenciones de los grandes estudios al momento de producir una película que es, al fin y al cabo, el proyecto personal del director, como fue el caso que tuvieron con su comedia “Crimewave” (La Fiesta del Crimen). Escrita por Sam y los hermanos Ethan y Joel Coen, la película iba a ser un vehículo para Bruce, pero la productora Embassy se negó a darle el papel principal.

La película estaba lista, pero aún faltaba distribuirla. Tras muchos intentos con distintas compañías, les llegó la oportunidad con un legendario productor y distribuidor llamado Irvin Shapiro, que entre otras cosas, sugirió cambiar el nombre de la película a “The Evil Dead”. The Evil Dead tuvo un discreto éxito, que con los años ha pasado a ser objeto de culto (y de un remake/reboot hecho éste año) y lanzó a Bruce, Sam y Rob a la fama. Mientras Sam se perfeccionó hasta convertirse en un director de renombre, especialmente con películas como “Rápida y Mortal”, “Un Plan Sencillo”, “Por Amor al Juego”, la trilogía de “Spider-Man” con Tobey Maguire y más recientemente “El poderoso OZ”, Bruce se convirtió en el campeón de las películas de bajo presupuesto, como el drama “Going Back”, las dos primeras cintas de la serie “Maniac Cop” de William Lustig, Moontrap, Mindwarp (donde conoció a su actual esposa, Ida Gearon), Sundown: The Vampire in Retreat, Waxwork 2 (de Anthony Hickok), la popular Sky High de Disney, y otras. De este grupo, se destaca su gran actuación en la comedia de terror “Bubba-Ho Tep”, donde interpreta a un anciano Elvis Presley viviendo en un asilo de ancianos y que debe luchar contra una momia que se roba las almas de los otros viejos del lugar. Su trabajo fue alabado por el mismísimo Roger Ebert, el fallecido y temido crítico.

Bruce y Sam seguirían colaborando en las dos secuelas de Evil Dead: Evil Dead 2 (1987) y Army of Darkness (1992), además de apariciones de Bruce en la Trilogía de Spider-Man, El Poderoso Oz, Darkman (1990), además de coproducir el remake de Evil Dead y otras cintas menores de otros directores (como es el caso de “The Dead Next Door” de J.R. Bookwalter, que financiaron con dinero ganado en Evil Dead 2). Bruce también ha dejado su marca en la televisión, con películas como “Goldrush: Una Aventura Real en Alaska” y el remake del “Cupido Motorizado”, ambas de Disney, además del drama policial “In The Line of Duty: Blaze of Glory”, y series televisivas como la telenovela “Generations”, “Vecinos y Amigos”, la comedia “Ellen”, “Lois & Clark”, “Los Expedientes Secretos X” y las series producidas por Sam y Rob, “American Gothic”, “Hércules” y “Xena”.

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notables: aparecen Ted Raimi (el hermano de Sam), Ellen Sanweiss (de la Evil Dead Original), Tim Quill (el herrero de Army of Darkness y un antiguo amigo del colegio) y Danny Hicks (Jake en Evil Dead 2 y otro amigo de los viejos tiempos).

Sin embargo, el mayor reconocimiento de los fans es por sus series “Las Aventuras de Brisco County Jr”, una serie de cowboys con elementos de ciencia ficción, y “Burn Notice”, que aún/precuela se mantiene con varias temporadas. El éxito de Bruce en “Burn Notice” derivó en una película spin-off de su propio personaje, llamada “The Fall of Sam Axe”.

Asimismo, Bruce también ha escrito la introducción de algunos libros y revistas, además de dos libros personales: su autobiografía “If Chins Could Kill: Confessions of a B-Movie Actor” (2001) y “Make Love! The Bruce Campbell Way” (2004), una entretenida novela en la que por fin es llamado para participar en una película de gran presupuesto, y que termina siendo contaminada por el virus del cine independiente.

Además de su carrera como actor, Bruce también se ha dedicado a prestar su voz para proyectos infantiles, como las series “Duck Dodgers” y “The Replacements”, películas como “Lluvia de Hamburguesas”, “The Ant Bully” y “Cars 2” y juegos de video como “Tachyon: The Fringe” y los tres juegos sobre la serie “Evil Dead”, entre otros.

De vez en cuando, Bruce también realiza convenciones, e incluso contesta su correo personal, porque es de los pocos que sienten que está donde está gracias a su público. Puede que a veces sea un poco duro para responder, pero es todo parte de un juego.

Dentro de sus proyectos personales, Bruce ha realizado películas como el documental “Fanalysis”, “Man With the Screaming Brain” (que le tomó años filmar y terminó haciéndola en Bulgaria) y “My Name is Bruce”, una genial autoparodia, donde se interpreta a sí mismo como un decadente actor que es secuestrado por un fan que, asumiendo que él es tan heróico como en sus películas, le ruega que salve a su pueblo de las garras de un demonio. Bruce demuestra ser cobarde, machista, nihilista y todo lo que resulta desagradable de las personas en la vida real. Los guiños a su carrera y sus compañeros son

¿Y qué se viene para el futuro? Más temporadas de Burn Notice y una gran posibilidad de una nueva película de la serie Evil Dead original, que enlazaría con los eventos del remake. Como ven, hay Bruce para rato.

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¡Hail to the King, baby!


Takashi Miike

esto ha creado el mito que gran parte de su financiamiento proviene de ellos, además el creció en barrios llenos de Yakuzas, a los cuales el conoce muy bien. Si bien con éste tipo de películas Miike demuestra su gusto por el uso de la violencia y la sexualidad de forma gráfica, explicita y “gratuita”, sus historias están llenas de tópicos más profundos como la homosexualidad, el amor, amistad, familia, y sobre todo la realidad, mostrados de una forma retorcida y a veces obscena. No sólo es violencia en las películas de Miike, también podemos encontrar comedias que bordean el absurdo Zebraman (Zeburāman) 2004 y su secuela del 2010 o Yatterman (Yattāman) 2009, también encontramos dramas: Visitor Q (Bizhitā Kyū) 2001, Shangri-La (Kin'yû hametsu Nippon: Tôgenkyô no hito-bito) 2002, The Bird People in China (Chûgoku no chôjin) 1998, Terror: Audition (Ōdishon) 1999, One Missed Call (Chakushin Ari) 2003, Imprint (Inpurinto -bokke kyote-) 2006, llegando incluso a la comedia musical surreal The Happiness of the Katakuris (Katakuri-ke no kōfuku) 2001.

Por Daniel Ferrer Al Recordar el final de Dead or Alive (Dead or Alive: Hanzaisha) 1999, en donde vemos el combate final de los 2 jefes de la mafia quienes se enfrentan al más estilo “western”, uno saca un lanza misiles (nadie sabe de dónde) y el otro carga su “Ki” para generar una “bola” de energía (DBZ ¡ven a mí!) para atacarse mutuamente.... Ésta escena representa gran parte de su cine: Violento, Bizarro, Extraño, Transgresor y sin lugar a duda Cómico. Miike inició su carrera en 1991 y hasta el día de hoy ha dirigido alrededor de 80 producciones y durante todo este tiempo ha recibido distintos apodos, siendo los más comunes “Maestro del Terror” tomando en cuenta que sólo ha realizado unas pocas películas dentro de éste, por nombrar las más conocidas. También es considerado como el “Tarantino” de Oriente, debido al uso y abuso de la violencia extrema, casi gratuita. En mi opinión es al contrario, siendo Tarantino, quien toma muchos de los aspectos del cine de Miike para agregarlo en sus trabajos.

A pesar de su extensa filmografía pocas son las historias creadas directamente por él, en su mayoría es contratado para dirigirlas y es ahí donde él las transforma dándole su visión, además de trabajar en adaptaciones de mangas, animes y videojuegos, y realizar remake de películas clásicas japonesas.

En general el cine de Miike es ecléctico y controversial capaz de crear sentimientos y sensaciones antagónicas en el espectador. Es ofensivo, violento y oscuro, pero nunca carente de un firme trasfondo que dé validez a las bizarras imágenes que muestra, es arriesgado y macabramente explícito, pero también sensible.

Al hablar de Takashi Miike nos referimos a uno de los directores más prolíficos, más libres al momento de crear... obsesivo, creativo y original de los últimos tiempos, y a su vez, es uno de los más desconocidos por éste lado del mundo.

Su filmografía, se basa principalmente en historias de Yakuza, (Shinjuku Triad Society -Shinjuku kuroshakai: Chaina mafia sensô- 1995, Fudoh: The New Generation -Gokudō sengokushi: Fudō- 1996, Ichi the Killer -Koroshiya 1- 2001),

Nunca es malo echarle un ojo a alguna de sus películas.

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Al sur del paraíso Por Gustavo Valdivia En una amena y entretenida charla, nos juntamos con don Vito García, cineasta de la nueva camada emergente del cine independiente nacional, a conversar de quién es, sus proyectos, su último cortometraje y de la vida… Cuéntanos cómo se gestó y nació “Bajo el sonido del tren” Vito García Viedma: Bajo el sonido del tren es parte de la saga “Crónicas de Talecadáveres”, nació hace varios años, con la idea de realizar historias de zombis en la ciudad de Talca en distintas situaciones, ya sea lugares, horario, y cantidad de sangre. Bajo el sonido del tren es la última historia creada, y la idea es que cada corto sea muy distinto al otro, ésta vez, realizamos una historia con mucho diálogo alejado de la temática zombi, una noche casi normal, dentro de un bar. Muy buena propuesta de tener una historia en regiones y no en la capital. ¿Por qué fue esto así?

en contra de que se sigan haciendo películas del golpe, dictadura, etc., si quieren podemos seguir haciéndolas por décadas como muchos acontecimientos del mundo que hasta el día de hoy siguen apreciando. Es el cómo haces la películas, el problema. Muy mamonas o con toques propagandistas al peo. Yo resalto mucho a los directores que se atreven, como Ernesto Díaz Espinoza, Pato Valladares y Olguín. Me gusta el cine con pasión, si te queda una mierda de película, que sea una mierda que la hayas hecho con pasión, y eso acá no hay mucho.

Vito García Viedma: Bueno, eso no fue muy difícil recordando que yo vivo en Talca, así que la infección tenía que comenzar por acá. ¿Qué opinas del cine chileno y de las nuevas apuestas que se están gestionando?... fuera de los tópicos políticos. Vito García Viedma Un tiempo fui defensor a ciegas del cine chileno, con esa frase típica que te enseñan cuando estudias de “que el cine chileno es bueno y hay que defenderlo”, o quizás diciéndote que es “bueno por el hecho de ser chileno”, pero ahora ya no pienso así, y lo encuentro bastante ahí no más, y no sólo por lo de político, ya que no tengo nada

¿Como te definirías: cineasta o fan del cine? Vito García Viedma Cineasta todo el rato, quizás después del

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llama Constanza Álvarez, y obvio que a todos quienes me han colaborado hasta ahora y cualquiera que quisiera salir frente a la cámara. De productor... mmmm no tengo ni puta idea, ese término está muy alejado de mí, a menos que sea un amigo mío. Quizás con plata no sabría qué hacer, me la gastaría casi toda en extras y maquillaje parta tener miles de zombis.

choque contra una horda de zombis, pero cineasta igual. Porque estoy en la cancha y estoy jugando en ella, a puros seudo docus y cortometrajes pero igual. ...Hablando de directores nacionales, ¿Tú crees que hay mucho chaqueteo o celos entre la pequeña escena nacional?

Volviendo a tu persona, Vito ¿Cómo te definirías y cuáles son tus raíces en el cine?

Vito García Viedma Sin cachar mucho el rollo, yo creo que sí, por una esencia que tenemos los chilenos. Si te va bien, te inventarán alguna wea tarde o temprano.

Vito García Viedma Amante del cine y de la ciencia ficción, pasando por el terror, comedia negra y por supuesto, zombis. Cuando estudié comunicación audiovisual, no aprendí mucho de cine, de hecho te enseñan de todo un poco, rescatando la T.V. Así que la mejor enseñanza es ver cine, y conversar de cine con amigos, conocidos, etc. y tomar una cámara y rec.

Vito, tus temáticas hasta el momento han sido sólo zombies. ¿Apuntas sólo a ese género... o a futuro experimentarás otros estilos? ¿O piensas no salirte de la senda de los muertos vivientes y el horror? Vito García Viedma Ahora estoy en la producción de una película ultra independientes, y es de boxeo, apuestas, mafiosos al peo. Reconozco que mis amigos no me dejaron poner un par de zombis por ahí, ya que ellos me están ayudando y participando de lleno en ella, así que ésta vez no soy un puto dictador en la película .Las demás temáticas las haré también, sobre todo la ciencia ficción que la encuentro genial desde que era pendejo, pero es webeo cuando te faltan las lukas. Si tuvieras un muy buen presupuesto ¿Quién sería tu productor y actores? Vito García Viedma Me gustaría apostar por actores que estén saliendo recién, gente no explotada en teleseries. Si fuese algún actor o actriz famosillo de corte tele, elegiría a Alejandro Goic, a la Paulina García, pero no porque esté en las portadas por Gloria, sino por papeles como la weona de Cárcel de Mujeres, el menzo papel que se manda con corte de pelo a la Travis. Hay una cabra que vi en una película llamada MP3 que me gustó mucho que se

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podrías contar ¿Qué tal fue tu experiencia y si la recomendarías para otros directores? Vito García Viedma Siempre es bueno mostrar tus trabajos en donde los puedan ver, sobre todo en una maratón como la de Madhouse. El recibimiento fue con un buen vaso de cerveza y mucha hospitalidad. El tema con el sonido en las producciones sin lukas, hace que a veces se dificulte entender los diálogos, y como a esa hora de la presentación de mi corto estábamos todos bastantes prendidos, al no poner subtítulos, no se entendió mucho en algunas partes. Pero, dejando de lado esa parte técnica, recomendado completamente, la gente que va a las maratones de cine Madhouse Chile es alguien que ama mucho el género de terror, bizarro, zombis, sangre, tetas (para el caso de los hombres), motosierras, etc. Muy buena tela todas y todos. Es una ventana importante, ya que el que vio doblado mi corto en la maratón, puedo verlo después en internet más tranquilo, gracias a que estuvo en la maratón, así que genial.

Cuéntanos ¿Cuáles son tus directores favoritos?

Vito, para cerrar... ¿Qué mensaje le dejarías a nuestros lectores?

Vito García Viedma: La verdad son varios que resalto mucho, como por ejemplo a Ridley Scott y James Cameron en la ciencia ficción, Scorsese en el género que muy bien conocemos, es un maestro, pasando por Guy Ritchie y Tarantino, que uno te bombardea de personajes y una edición explosiva a la hora de relatar su historia, y éste último con ese estilo particular de contarte hasta el viaje de un tipo que no conoces a Amsterndan, hasta una teoría sobre Superman. Y de los directores zombilianos y de género, Romero y su trilogía magistral y Cronenberg con su violencia y sexualidad. Hablar de estos directores da para mucho, resaltando cada una de sus películas y comentarlas hasta el amanecer.

Vito García Viedma Que gracias por haber llegado a leer ésta última respuesta, ya que yo hubiese leído mi primera respuesta y me habría suicidado. Y que si me quieren apoyar, sólo vean mis trabajos. ¡¡Venérenme!! ¡¡Puteenme!! Pero vean mis trabajos antes de hacerlo. Para más información visitar: http://www.facebook.com/photo.php?fbid=1 0151920158862388&set=pb.695507387.-22075 20000.1372290323.&type=3

Hace algún tiempo presentaste tu corto en una maratón de cine Madhouse Chile. Nos

www.cronicasdetalcadaveres.blogspot.com

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Gluecifer "Royally Stuffed" 2004 Steamhammer Por Rob Fuentes

A propósito de que en julio se cumplen ocho años de la separación de Gluecifer, voy a hacer una sencilla revisión del primer trabajo audiovisual oficial, de una de las más importantes bandas de Rock n roll de Oslo, Noruega.

Young y el bajista Stu Manx. En los extras aparece el típico weveo de carretera y backstages en los tours con sus pares de Backyard Babies, The Hellacopters y Monster Magnet. Lo mas interesante de éste dvd, es que trae casi la totalidad de los singles de Gluecifer (30 en total), en donde la fiesta rockera esté garantizada.

De partida tengo que destacar que en éste Dvd hay mucho material musical y audiovisual, es completísimo 2:35 min. aparte de su extenso show (18 tracks), dirigido por Inge Von Schreuder y Vegard Berget, grabado en el Teatergarasjen Bergen Noruega, el 1 de mayo del 2004 (un año antes de su separación).

Es una joya para los coleccionistas el compilado de la retrospectiva, ya que era casi imposible de conseguir con ésta excelente calidad de audio, puesto que la mayoría de estos, se editaron en vinilos de 7 ,10 pulgadas, Ep`s y splits respectivamente. En resumen un entretenido, variado y prolijo trabajo, bien montado ,correcta dirección de fotografía y postproducción.

Tiene casi totalidad de sus video clips, los cuales están dispuestos en órden y año de exhibición (excepto Desolate City, que fué su última canción y video clip antes de su ruptura y el cual aparece en su póstumo Lp/cd. "Best of and rarities" y dvd "Farewell to the kings of rock", ambos 2008). Realizados por destacados directores y videistas europeos.

5.1 pcm stereo Subtítulos: inglés - aleman - español Amazon films production 155 min.

También en el menú podemos ver una entrevista con sus co-fundadores, el vocalista Biff Malibu (el pseudónimo mas takilla que he escuchado), el primer guitarra Captain Spoon (ahora en Bloodlights), y el ex guitarra de Turbonegro y base rítmica, Raldo Useless. Además el batero Danny

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The Whisperer in Darkness (2011)

cuentos representativos de la obra Lovecraftiana.

Por Lester Saldias

Lamentablemente, no todo es perfecto, y la historia base de esta película termina cuando el film no lleva más de una hora de recorrido. El resto… parece pegado de una forma abrupta y poco trabajada, queriendo mostrar un poco de acción en una historia que estaba dedicada principalmente al diálogo entre los personajes y a las sensaciones provocadas por la investigación, más que a escenas de disparos, persecuciones o cualquier otra escena típica de película Hollywoodense. A nivel general, se puede concluir que la película es una de las adaptaciones que mejor reproduce la ambientación y carácter de los escritos Lovecraftianos (aunque a un neonato en los escritos de Howard le parecerá un poco lenta al comienzo).

Basado en el cuento homónimo de H.P. Lovecraft, “El Susurrador en la Oscuridad”, nos presenta al profesor Albert Wilmarth, quien se encuentra envuelto en una serie de extraños sucesos que rodea un pueblo situado en las remotas montañas de Vermont. Folklore y sucesos inenarrables se mezclan cuando el distinguido académico investiga las misteriosas apariciones de seres sobrenaturales, encontrados después de una inundación que ha provocado el caos en la remota región. The Whisperer in Darkness es una producción de la “Howard Phillips Lovecraft Historical Society” (HPLHS), quién fue responsable de traernos esa literal adaptación de “La Llamada de Cthulhu”, completamente muda y filmada en blanco y negro, allá por el 2005. Nada más empezar la película, una de las primeras cosas que llama la atención es el cuidado en la fotografía, escenarios y vestuario que la obra tiene, con especial mención a la música, atmosférica y depresiva, que se hace sentir durante la mayoría del film. La película se encuentra totalmente filmada en blanco negro, intentando emular la atmósfera y época en la cual los escritos de Lovecraft se encuentran ambientados.

Con un valor artístico notable y un manejo de edición sobresaliente, aunque con un segmento final sacado bajo la manga y que no logra cuajar con el esfuerzo realizado previamente. Recomendable, de todas maneras.

Ya desde el comienzo, nos damos cuenta que la elección es la adecuada, permitiendo que nos adentremos fácilmente en una historia que conlleva folklore, mitos rurales y elementos científicos. Graciosa es la aparición de Charles Fort, escritor paranormal (real) de la época, y uno de los añadidos a la película si la contrastamos con el argumento original. La selección de perspectivas en profundidad por la cámara, los toques de la banda sonora otorgando carácter a lo que acontece en pantalla, unas actuaciones decentes y unos cuadros que acompañan a la perfección el carácter ominoso y grave de los escritos de Lovecraft, complementan una película sólida, en la cual se puede notar el cariño de la “HPLHS” y el director a la hora de filmar uno de los

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The Bunny Games (2010)

co el guión exige mucho de los mismos.

Por Lester Saldias

Una vez que el camionero secuestra a la prostituta, es que el filme se desarrolla completamente, mostrando juegos de cámaras, luces y cortes dignos de un shock epiléptico a la vieja usanza ochentera. Lo que acontece en la parte trasera del tráiler es a veces superpuesto con secuencias en donde se muestra el “modus operandi” del asesino con previas mujeres, para luego mostrarnos la forma en la que desarrolla esa etapa en la nueva víctima.

The Bunny Games es una película dirigida por Adam Rehmeier, a quien no conocía por ningún trabajo previo, y que había capturado mi atención al ser colocada en una de las muchas listas de “las 25 películas más perturbadas de la historia”.

The Bunny Games, termina siendo netamente eso, una descripción gráfica de las torturas a la que un hombre somete a una prostituta drogadicta. Filmada en blanco y negro buscando darle un aire más Noir, y que recuerda en cuadros estáticos a Michael Haneke (principalmente en obras como Caché) y aquel ambiente perturbador, cámaras cortadas y diálogos superpuestos, puede traer reminiscencias a Slaughtered Vomit Dolls… pero sin llegar a la altura de ninguna de las 2 referencias mencionadas. La falta de un guión construido hace mella en el espectador, que tras 20 minutos de gritos y escenas sin sentido (como la persecución de la prota por el camionero, ella con una cabeza de conejo y él con una cabeza de cerdo (?)), empieza a preguntarse el porqué está viendo el filme. El filme, es filmado enteramente en blanco y negro, contando la historia de una prostituta drogadicta, que en uno de sus “trabajos”, topa accidentalmente con un camionero despiadado que la usará para sus maquiavélicos fines, usando la parte trasera de su tráiler, en un sector abandonado de la carretera.

El final es tan abierto y nos entrega tan poco, que sólo ayuda a acrecentar esa sensación de haber visto una historia solamente por el placer de presenciar a la protagonista ser torturada, sin un trasfondo que te la haga recordar tras ser visionada.

Los primeros minutos del metraje muestran a una víctima previa del camionero; en sus segundos finales, mientras es sofocada con una bolsa de plástico. Luego, la película abre con un “blowjob” de la protagonista en primer plano, gimiendo y a la vez llorando, lo cual nos dará una perspectiva bastante certera de lo que nos encontraremos en el resto del film. Las actuaciones de los protagonistas son bastante aceptables, aunque se ha de reconocer que tampo-

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Homunculus (Hideo Yamamoto) Por Lester Saldias ¿Es el ser humano un reflejo de aquello que vivimos, una respuesta a los traumas que padecemos? ¿Hasta dónde un sólo hecho traumático es capaz de marcarnos y guiar nuestros futuros actos? Y si tuvieras el poder de ver manifestaciones físicas de estas marcas, en cada una de las personas que te rodean… ¿lo considerarías un don, o una maldición? Del creador de Ichi the Killer, manga llevado al cine por el maestro Takashi Miike, nos llega esta perturbadora historia de secretos reprimidos y búsquedas personales.

el cuidado que pone Yamamoto en la creación de sus historias, y en la forma en que nos cuenta el desarrollo psicológico de sus personajes. Cada viñeta nos muestra lo que Yamamoto desea mostrar, jugando entre lo que el protagonista ve y lo que los demás ven mientras él hace “uso” de su “poder”.Es difícil hacer una correcta definición de todo lo que se ve en Homunculus, en tan corto espacio.

“Homunculus” cuenta la historia de Susumu Nakoshi, quien vive a mitad de camino entre una plaza en donde pernoctan cientos de mendigos y un hotel de lujo, situado justo enfrente. Vive dentro de un pequeño coche, sin mayores pertenencias que aquellas que quepan en su vehículo, usando un traje de vestir raído y arrugado, preocupado solamente de lograr tener el dinero suficiente para pagar el combustible que le permita pasar las noches calefaccionado. Sin embargo, no se considera un vagabundo; vive suspendido entre los dos mundos que se desarrollan entre la plaza y el hotel, sin pertenecer a ninguno de los dos. Es en éste auto, en donde lo contacta Manabu Ito, un tipo extraño y amanerado con pinta punk que le hace un ofrecimiento único: darle 700,000 yenes, siempre y cuando él se deje hacer una trepanación, y así desatar el sexto sentido que todos tenemos oculto…

El visionado de cada homúnculo nos entrega pistas y manifestaciones físicas con un profundo sentido psicoanalítico que nos tomará tiempo descifrar, a la vez que vamos aprendiendo de las personas que portan ese homúnculo en particular, construyéndose una historia y un personaje tan sólido que terminaremos apegándonos a cada uno de los diferentes sujetos que van apareciendo en cada volumen de la serie. Las temáticas habladas son tan profundas y a la vez polémicas que varias veces gesticularemos entre el asco, la estupefacción y la admiración ante cada faceta que iremos descubriendo en los personajes principales. El final se encuentra tan bellamente narrado, que a ratos se nos olvidará el terrible mensaje que se nos entrega de fondo, dejándonos una sensación de perplejidad, asombro y depresión que nos acompañará durante los días posteriores a su término… y a mi entender, una obra que queda en tu subconsciente y te hace pensar en ella y seguir analizándola meses después de haberla visionado, no es otra cosa que una obra maestra.

Lo primero que sorprende al empezar a leer el manga, es la temática adulta y oscura que contiene. Leyendo posteriormente, me enteré que el dibujante y creador de Homunculus pasó meses viviendo de mendigo y compartiendo con ellos, en orden de poder describir mejor el día a día y las tribulaciones que sufren las personas que viven en la calle. El dibujo acompaña a la perfección a esta trama, mostrando un diseño de personajes sobrio y estilizado, sin grandes ojos o exacerbaciones en la proporción de los mismos. Las perspectivas elegidas son adecuadas siempre, con unos planos que muestran

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20 años sin GG

Fuck”. Del otro no me acuerdo cuál era... puede haber sido el “Hated in the Nation”. Era una grabación brutal, y que cuesta escuchar en su primer momento.

Por Marcellus Videla “GG Allin es un entretenedor con un mensaje a una sociedad enferma. Él nos hace ver lo que realmente somos. El Humano es sólo otro animal que tiene la capacidad de hablar libremente, de expresarse claramente. No se equivoquen, detrás de lo que él hace hay un cerebro.” John Wayne Gacy

Uno o dos años después me entero que GG Allin había muerto, producto de una sobredosis de heroína y cocaína. Se había ido como una superestrella del rock. Las promesas que había hecho de matarse en el escenario habían quedado en nada. Muchos pensaron que GG era un payaso, un “loco” al que se faltaban varios maderos en el puente. Y es así, que, el 28 de Junio pasado, se conmemoraron 20 años de la muerte de Allin. Y es ahora, que gracias a Internet y Youtube, he podido ver mucho más de sus actuaciones y presentaciones que lo que vi en ese vhs por allá hace tanto tiempo atrás. Hay una actuación en especial, que és digan “de revisión”, y que me hace volver a ver a GG como “el salvador del Rock n Roll”, y es cuando se presentó en el show de Jerry Springer, un talk show de lo más cutre -aunque popular- de ese tiempo. Y es aquí, donde Kevin Michael Allin, frente a las preguntas mal intencionadas del entrevistador y de parte del público, dijo una frase en la cual expone cuál es su misión en la industria del rock n’ roll, y tanta falta hace en esta época de bandas prefabricadas y radios pop:

La primera vez que escuché a GG Allin, fueron los casettes de un amigo allá por los años 90’s ó 91. Era el “GG Allin & The Murder Junkies”, yo era un pendejo en ese tiempo y quedé sorprendido con la brutalidad y crudeza de la grabación. Después apareció un vhs mal grabado, donde venía la famosa presentación en la que el calvo le pegaba al público, terminaba cagando, metiendo toda su cabeza en la mierda y... la gente arrancando del local ¡Qué bueno y brutal era! Todo un clásico del underground.

“El Rock n Roll no va de lucirse, el Rock n’ Roll no va de cuánto dinero haces, ni de qué puto coche conduces. El Rock n’ Roll es la furia, es rebeldía. El Rock n’ Roll es el enemigo y yo soy el enemigo”.

Recuerdo que en el persa del Bio Bio compré dos cassettes (regrabados de los cd) de GG Allin… uno era el “GG Allin & The Murder Junkies BloodShed & Brutality for All”, el último LP grabado por Allin, y que traía los ahora clásicos “Terror in America” y “I kill everything I

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Masacre en el cine

Posteriormente si bien asistimos muchas veces con mi amigo Diego “Bestial Fucker”, a ver repetidamente los programas dobles donde veíamos, por ejemplo: “The Song Remains the Same” aumentando nuestro amor por la música, esas noches que la banda tocó en el Madison Square Garden de Nueva York nos enloquecían, con sus lentes tan vanguardistas, las interpretaciones de cada integrante mostrando sus mundos.

Por Yanko Tolic El Impacto del cine en nuestra vida fue fundamental para el desarrollo de la creatividad, un eterno aprendizaje del saber, de la experimentación y de la oportunidad de ver los sueños de otros al fin realizados en la pantalla grande. Nos internábamos escondidos para ver películas para mayores en ese tiempo de 21 años, era la concreción de los elementos que encontrábamos cuando niños de la literatura, supersticiones y las leyendas tradicionales que alimentaban nuestros temores y pesadillas donde los vampiros, los hombres lobos, los fantasmas, los zombis, las brujas y Frankenstein nos llenaba nuestra cabeza llena de imágenes en tonos sepia y en blanco y negro.

“Woodstock: tres días de música, paz y amor” nos donde Richie Havens parte con su interpretación que entra en éxtasis y se aleja del escenario y de los micrófonos y es cerrada magistralmente por Jimi Hendrix donde veo el nacimiento del Heavy Metal a través de su guitarra llenando todo con sus bombardeos de sus trémolos emulando la estúpida y equivocada guerra de Vietnam. Era un espacio de libertad en plena dictadura donde por instantes en el cine te olvidabas que afuera secuestraban y desaparecían gente amparado por un terrorismo de estado.

Deambulaban los relatos de Edgar Alla Poe con “La caída de la casa Usher”, “El Pozo y el Péndulo”, “La Tumba de Ligeia” y las eternas imágenes de Vincent Price, Béla Lugosi, Boris Karloff , Peter Cushing y el admirado y eterno (ahora inmortal metalero Christopher Lee). Un serie que no me perdía porque la daban exactamente a las doce de la noche cada día era “Sombras tenebrosas” con el vampiro Barnabas Collins donde los viajes en el tiempo, los hechiceros, sus mundos paralelos, a sensación de aislamiento, claustrofobia, hermetismo, su imagen gótica, su música que todavía suena en mi mente me llevaron a sentirme atraído por ese género mucho tiempo.

En los 80`s apasiona ver “El Enigma de otro Mundo” de Jhon Carpenter y la paranoia de los personajes por descubrir si son o no extraterrestres en plena Antártida sumado a la música de Ennio Morricone que cautiva desde el principio. Ciertamente el cine de terror era lo que los thrashers siempre buscábamos donde se nos brindaban sensaciones de todos los tópicos: lo oculto o misterioso, los cementerios, la casa abandonada que se cae a pedazos, el castillo con sus paisajes surrealistas, las ruinas que contaban mil historias con sólo mostrarse, el laboratorio triste y lúgubre, el bosque sombrío y lleno de misterios o el jardín en decadencia que había tenido un mejor pasado, hacían que fluyera la adrenalina con un endemoniado doble bombo tocado por Slayer a ritmo de sufrir un paro cardíaco.

Mi contacto con el terror directo a color fue con la película “El exorcista” en 1973 dirigida por William Friedkin donde mis ojos de trece años ven la posesión diabólica de Regan MacNeil. El shock fue tremendo y esa noche no dejé dormir a nadie.

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El descubrir lo que pasaba en el inconsciente criminal, la lucha por desentrañar la historia de ficción o realidad de los monstruos siempre escondidos de la sociedad esclavizada por el libre mercado, el descubrir nuestras tendencias y deseos más inconfesables y... hacerlos realidad algún día, aunque fueran orgasmos en nuestras butacas al contemplar tan prohibidas imágenes…

nombre cuyo significado es “El empalador”, nació en 1431 en el pueblo de Sighisoara, enclavado en Transilvania. Quien se estima, ejecutó una cantidad de cien mil personas empalándolas, quemándolas o desollándolas vivas. La realidad supera la ficción si vemos que el mundo tiene mucho repertorio que entregar no solo para los temas de bandas de metal si no que para hacer un cine cuya inspiración viene de la realidad donde la humanidad mata para conquistar, para gobernar, para enriquecerse unos pocos a costa de un mundo lleno de hambre y miseria.

Creo que la última gran película ha sido Drácula de Bram Stoker, dirigida por Coppola (quién había conquistado con “El Padrino” o “Apocalypse Now”), donde recomiendo la edición sin cortes en DVD, ésta película, inspirada en la leyenda de Vlad Tepes, sobre-

Sin duda con esto, el cine será eterno.

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GRINDHOUSE


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