MARION PECK Between Worlds
It is hard to paint as slowly as I do in a world where everything moves so fast, but there is something kind of sacred in it for me. There has to be, because no matte how I try, I can’t make my art any faster. - Marion Peck
MARION PECK Between Worlds
Solo Show
DANYSZ gallery Shanghai
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Marion Peck Baby Sloth with roses, 2018 Peinture à l’huile et vernis sur bois unframed 30.5 x 30.5 cm - 12 x 12 inches framed 50 x 50 cm - 19 2/3 x 19 2/3 inches
Narcissus, or the modern image myth In a society that looks at and measures itself through instantaneous and fleeting images, Marion Peck stands in reaction to all of this. Her paintings and drawings are very slow to execute, the oil painting requiring a long time; neither large to impress the visitor; nor obvious to understand at first glance. The artist invites us to take a closer look at the swamps fueled for centuries by the myth of Narcissus. Nowadays these waters are no longer so beautiful, and the reflection offered is far from being as faithful as a mirror could produce. The only point in common with the story told by Ovid, is that our society as a whole plunges, gets lost, in these distorted images. Society drowns in these waters without taking the time to appreciate anything other than its sublimated representations. Through her paintings, which subjects come subconsciously to the artist’s mind, Marion Peck is part of a surrealist tradition, filled with mythological references, building contemporary legends. Nothing speaks louder than these creatures with exaggerated body shapes, monstrous products of modern times. Marion Peck’s practice also deals with the unconscious, buried dreams and nightmares that rise to the surface. Like theatrical pictures, these works shine with their accuracy in observing the paradoxes surrounding us. In a world and a culture tending towards a standardization of emotions and representations, Marion Peck presses by subtle touches, where it hurts, exactly where the human flaws and weaknesses are placed. Surrealist in her painting style, Marion Peck’s work is nonetheless emotionally realistic. Magda Danysz
Conversation We have been collaborating since our first show together, with your husband Mark Ryden back then in 2005, and it is interesting to see how your art stays consistent and at the same time evolves. When you started painting what was your first inspiration and how would you describe the evolution of your style? As a young artist in the 90s I was inspired by the painters of the early Italian Renaissance,like Giotto and Piero della Francesco, and also by painters of the Northern Rennaisance, like Memling and Breughel. For many years I slowly taught myself to paint by studying their works, and struggled with how to use what I learned from them to create modern paintings that felt fresh, honest, personal, sincere, and unencumbered by academic pretensions. When I first saw the work of Mark Ryden, who would later become my husband, it spoke to me with great power. It was stunningly beautiful to me. We had so much in common, so much of everything I had been working towards was there. His use of styliztions of modern popular culture, which I had never seen done before, felt like the missing piece of the puzzle I had been searching for. I think his influence showed strongly in my work at first, though it also felt like a smooth continuum of what I had been doing before. As the years go by I feel I am returning more to my roots, to my love of Giotto, etc. It is interesting to watch the path of my work unfold. Over the years you have been painting and described as a pop surrealist? How would you in your own words describe your style? Pop surrealism is pretty much just what it sounds like: surrealism blended with popular culture. I would say it describes my work somewhat, though frankly I can’t stand much of the art that falls under the banner of this “movement”, often nothing more than shameless, mediocre rip offs of Mark’s work. I guess I was not alone in feeling his influence! But there are also some excellent artists out there who perhaps identify themselves as pop surrealists. I do very much indentify as a surrealist. I have great respect for the first surrealists, for the Dadaists of the early 20th century, and my art idols are some of the women that came out of that movement: Lenora Carrington, Remedios Vara, Dorothy Tanning. I am fascinated by dreams, by mythology, and by thinkers like Carl Jung. With my art I try to penetrate to deeper layers of consciousness, to the places of dreams, childhood memories, to the kinds of places you can talk with animals.
Your art oftenly depicts bears, crows, dogs, cats, fishes. Is there symbolism related to the creatures you paint? “Symbolism” isn’t the word I would choose to describe the approach I take to making paintings. As soon as we think of something as a “symbol” we put ourselves in an abstraction, we are looking at the map instead of looking around at the landscape we find ourselves in. The animals that found their way into my paintings came to me through dreams and visions. I just do my best to re-present them. In each of your paintings there is an underlying story or meaning? How do you integrate this in your process, do you start a painting with the idea of this meaning first or rather start with an image first that then turns into a message? Definitely more the second thing, though not exactly, because it never really turns into a “message”. I start with an image, and I stay with an image. People often think that the “meaning” of a thing has to be like a “message”, something we could write down in words. I think the ultimate “meaning” of anything is an image, not a word. Words are something that make us feel like we have a tidy box to put the image into. But the real meaning is the image, just as it is. All your creatures, whether human of animal, have in common a special glance, eyes often wide open that express a lot. What do you want them to convey? As they say, eyes are the windows of the soul. I would say that most of the time I am trying for the kind of neutral expression I find so wonderful in the art of the renaissance, where even a saint in the midst of martyrdom has a peaceful, faraway look in their eyes. Tell us about the theme of your latest show that you prepared for Danysz gallery in Shanghai? What inspired you? I recently discovered an American mid century surrealist artist named Gertrude Abercrombie, and in many ways this show was inspired by her work. She worked on a small scale, making simple but magical little paintings, and that is what I am trying to do here, in my own way. Problems with my shoulder have made it impossible for me to work on a large scale any longer, but I am finding that the limitations have a stimulating effect on my creativity, as limitations often can do.
In “Bear Dream”, the construction of the painting reminds at the same time a theatrical stage and a diorama as they were done in the XIXth century. The theatrical reference is recurrent in your work. Is stage an inspiration for you? As I was saying earlier, I have a special love for Giotto and other painters of the early Italian renaissance, their ways of depicting rooms and buildings. I love the pushed up use of perspective, the feeling of compression it gives the space, which makes it feels like theater. Theater is a way we re-present reality, and there is something that attracts me to representing a representation. I am attracted to dioramas for the same reason, for their step back from “reality”, the layer of representation that makes us feel a certain sense of “un-reality”. The layers seem to distill things, somehow seem to bring out more of an essence. You seem to like to paint night scenes, use lights that reminds us of dusk, or set your characters in cave? All this produces a special light to your paintings? How do you interpret the lighting you paint? I love the darkness as well as the light. Darkness is mystery, the yin of the Tao, the feminine, the depths of the ocean, of the night sky, of the subconscious. To move beyond normal, everyday, ego driven solar conciousness is a move towards darkness. I find the most magical times are dawn and dusk, when light and dark are changing places. There we can sense a place between worlds. That’s the place I’m trying to paint. You paint with oil, in a very classical manner. What do you like about this technique in particular? I have always been drawn to it in an irresistible manner. It’s kind of like I had no choice, like I was born wanting to paint this way, I don’t know why. Very soon in life I discovered that I far preferred painting with oils over acrylic, a medium I cannot stand. (It’s plastic! Yuck!) Whenever I speak with a representational painter who is using acrylic I try to talk them into trying oil instead. It has so much more richness and range!
Because you use oil painting, time is of essence and your paintings take a long time. How do you manage this very specific time characteristic? I often say that I don’t really so much have a painting style as I do a kind of neurotic compulsion. In many ways I am a naive painter. I often feel like I don’t know what I am doing, like I’m feeling my way blindly forward. But I have a compulsion to get whatever painting I’m working on absolutely right, and will doggedly pursue it through whatever it takes to get there. Sometimes it feels like it comes down to the tiniest, most itty bitty pieces of paint, but they all have to be right. Sometimes I compare it to cooking, when you have to stir and stir until the moment when a sauce starts to thicken or the egg whites start to fluff. Then all of the sudden, the painting is “done”. Sometimes it takes an awful lot of stirring to get there. A conversation between Marion Peck and Magda Danysz, march 2020
Marion Peck Weeping Bird, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois framed 20.5 x 15 cm - 8 x 6 inches unframed 30.5 x 34.5 cm -12 x 13 3/5 inches
Marion Peck Lady Birds, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 20 x 30 cm - 7 5/6 x 11 4/5 inches framed 30 x 39 cm - 11 4/5 x 15 1/3 inches
Marion Peck Little creature 1, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois framed 7.5 x 10 cm - 3 x 4 inches unframed 30.5 x 33 cm - 12 x 13 inches
Marion Peck Little creature 2, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois framed 7.5 x 10 cm - 3 x 4 inches unframed 30.5 x 33 cm - 12 x 13 inches
Marion Peck Little creature 2, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois framed 7.5 x 10 cm - 3 x 4 inches unframed 30.5 x 33 cm - 12 x 13 inches
Another image from a dream. I have always had a fear of gigantic underwater creatures. - Marion Peck
Marion Peck Feelings Fish, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 22 x 30.5 cm - 9 x 12 inches framed 38 x 45.5 cm - 15 1/2 x 18 1/2 inches
I love owls. I never actually have had this dream, but I wish I would. - Marion Peck
Marion Peck Owl dream, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 23 x 30.5 cm - 9 x 12 inches framed 48 x 56 cm - 22 x 19 inches
This was a dream I had, that a bear suddenly came from out in the woods into a room I was standing in. I chose to depict myself in the dream as the emotion of fear, rather than as my physical self. -Marion Peck
Marion Peck Bear Dream, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 14 x 26 cm - 5 1/2 x 10 inches framed 30 x 39 cm - 11 1/2 x 16 inches
This is something that once came to me in a vision/meditation, this very wise old fish in a cave. Sometimes I still go talk to him there, when I need a safe, cool, peaceful place and some good advice. - Marion Peck
Marion Peck The Cave, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 23 x 30 cm - 9 x 12 inches framed 50 x 58 cm - 20 x 23 inches
A magical little root person is sometimes called a Mandrake‌I suppose mine is a Ladydrake! - Marion Peck
Marion Peck Root, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 22.5 x 12.5 cm - 9 1/2 x 5 1/2 inches framed 38 x 28 cm - 15 1/2 x 11 1/2 inches
I love the moon. At some point long ago, someone once told me of seeing a cat walking upright under the moonlight, and that image has always really freaked me out. I’ve done paintings of a standing cat a few times, but this is the first time I’ve painted the moon part of that image, too. The snake just found his way there, just wanted to join the party. - Marion Peck
Marion Peck Cat, Snake & Moon, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 37.5 x 30.5 cm - 15 x 12 inches framed 56 x 48 cm - 22 3/4 x 19 1/2 inches
I love crows! Everyone should realize how extremely intelligent they are. We should think of them as flying monkeys, they are so smart! I feed the crow couple who’s territory includes my home. (Did you know that young crows congregate in the city until they meet that special someone, and then together they move out to the suburbs and get a little territory of their own to raise their family?) This painting came to me one day while I contemplated my crow friend sitting up in a tree, while he in turn contemplated me back. - Marion Peck
Marion Peck Crow friend, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 30.5 x 18.5 cm - 12 x 7 3/4 inches framed 38 x 48 cm - 19 1/2 x 15 1/2 inches
I guess this painting is just about a feeling I have about the world these days. Waiting and watching, worrying, with the animals. - Marion Peck
Marion Peck The Cliff, 2019 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 22 x 30 cm - 9 x 12 inches framed 40 x 48 cm - 16 x 19 inches
Marion Peck Admiring the work of Marion Peck, figurehead of Pop Surrealism in the United States, is like taking a stroll in a dark and whimsical universe, a bizarre fairyland where forest animals, grotesque creatures and melancholy children coexist. Sometimes called with a tinge of irony Lowbrow Art, Pop Surrealism is a pictorial movement that emerged in the late 1970s in California, of which Marion Peck and her husband, American artist Mark Ryden, happen to be the main figures today. As often with artists of this movement, the work of Peck recalls the fantasies of Alice in Wonderland. However her inspirations reach far beyond Lewis Carroll’s iconic novel. Her work converses with famous paintings from the Renaissance, the 17th or the 18th century. Likewise her technique, perfectly controlled, stems from the heritage of the Old Masters. With subtlety and originality, Marion Peck excels at weaving together pictorial tradition and contemporaneity. For indeed her paintings reflect back on us, our cultural norms, our entertainment industry. They hint at this world of appearances popularized by the media which we all know too well. The artist subverts the codes that we sometimes associate with the “Disney magic� to portray characters that seem fragile, worried, ill at ease in their lopsided and disproportionate bodies, calling from the viewer an emotional or affective response. Without realizing it, we end up feeling attached to these strange beings that inhabit the eccentric universe of Marion Peck. Marion Peck was born in 1963 in Manila, the Philippines, while her family was on a trip, and grew up in Seattle. In 1985 she graduated from Rhode Island School of Design, then studied Fine Arts at Syracuse University in New York and Temple University in Rome. In the 90s, she started exhibiting in galleries across the United States, then internationally. In France, it was Magda Danysz who first acknowledged her talent and began to show her work in Paris from 2005. Marion Peck now lives in Portland, USA.
Marion Peck Handsome Beast, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 17.8 x 12.5 cm - 7 x 5 inches framed 42 x 36.8 cm - 16 1/2 x 14 1/2 inches
Marion Peck Head in a Glass Bowl, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 13 x 10 cm - 5 x 4 inches frmaed 33 x 30.5 cm - 13 x 12 inches
Marion Peck Flying Dream, 2020 Oil on wood panel / Huile sur panneau de bois unframed 20 x 25 cm - 8 x 10 inches framed 40 x 44.5 cm - 15 1/2 x 17 1/2 inches
Marion Peck Bird Head, 2020 Graphite, Ink and Beeswax on Paper / Graphite, encre et cire d’abeille sur papier unframed 25 x 20 cm - 10 x 8 inches framed 26 x 21 cm - 10 1/2 x 8 1/2 inches
Marion Peck Bird Head, 2020 Graphite, Ink and Beeswax on Paper / Graphite, encre et cire d’abeille sur papier unframed 25 x 20 cm - 10 x 8 inches framed 26 x 21 cm - 10 1/2 x 8 1/2 inches
Marion Peck Fish Boy, 2020 Graphite, Ink and Beeswax on Paper / Graphite, encre et cire d’abeille sur papier unframed 20 x 30 cm - 8 x 12 inches framed 21 x 31 cm - 8 1/2 x 12 1/2 inches
Marion Peck Young Plant, 2020 Graphite, Ink and Beeswax on Paper / Graphite, encre et cire d’abeille sur papier unframed 18 x 15 cm - 7 1/2 x 8 inches framed 19 x 16 cm - 8 x 8 1/2 inches
Marion Peck Admirer le travail de Marion Peck, figure de proue du Surréalisme Pop aux États-Unis, c’est se promener à pas feutrés dans un univers sombre et fantasque, une féerie bizarre où cohabitent animaux de la forêt, créatures grotesques et enfants mélancoliques. Parfois appelé ironiquement Lowbrow Art, le Pop Surréalisme Pop est un mouvement pictural apparu à la fin des années 70 en Californie, et dont Marion Peck et son mari, l’artiste américain Mark Ryden, se trouvent être les deux principaux représentants aujourd’hui. Comme souvent chez les artistes de cette mouvance, le travail de Peck rappelle les fantaisies d’Alice au Pays des Merveilles. Ses références et ses sources d’inspiration cependant vont bien au-delà du roman de Lewis Caroll. Ses œuvres conversent avec les tableaux célèbres de la Renaissance, du 17ème ou du 18ème siècle. Parfaitement maîtrisée, sa technique s’inscrit elle aussi dans l’héritage direct des peintres classiques de la tradition occidentale. De façon subtile, avec originalité, Marion Peck excelle à mélanger tradition picturale et contemporanéité. Car ses tableaux au fond nous parlent de nous, de notre société du divertissement, de notre industrie culturelle, de ce monde du paraître que façonnent et popularisent les médias. L’artiste renverse les codes du merveilleux associés à la magie Disney pour dépeindre des personnages visiblement fragiles, inquiets, mal à l’aise dans leurs corps disproportionnés, qui souvent appellent chez le regardeur une réponse émotionnelle ou affective. Sans y prendre garde, on finit par s’attacher à ces êtres étranges qui peuplent l’univers excentrique de Marion Peck. Marion Peck nait en 1963 à Manille, aux Philippines, alors que sa famille est en voyage. Elle grandit à Seattle. En 1985 elle est diplômée de l’École de Design de Rhode Island, puis étudie les Beaux-Arts à l’Université Syracuse de New York et à l’Université Temple de Rome. Dès les années 90, elle expose dans des galeries à travers les États-Unis, puis à l’international. En France, c’est Magda Danysz qui la première identifie son talent et qui, en 2005, commence à montrer son travail à Paris. Marion Peck vit aujourd’hui à Los Angeles.
Marion Peck Fish Boy, 2020 Graphite, Ink and Beeswax on Paper / Graphite, encre et cire d’abeille sur papier unframed 20 x 25 cm - 8 x 10 inches framed 21 x 26 cm - 8 1/2 x 10 1/2 inches
Narcisse, ou le mythe de l’image moderne Dans une société qui se regarde et se jauge à travers des images immédiates et surtout fugaces, Marion Peck s’inscrit en réaction à tout cela. Ses peintures et ses dessins ne sont ni rapides à exécuter, la peinture à l’huile nécessitant un temps long ; ni grandes pour impressionner le visiteur ; ni évidentes à comprendre au premier regard. L’artiste nous invite à étudier de plus près les marécages alimentés depuis des siècles par le mythe de Narcisse. De nos jours ces eaux n’en sont plus si belles et le reflet offert est très loin d’être fidèle tel que pourrait le produire un miroir. Seul point commun avec l’histoire contée par Ovide, notre société plonge, à se perdre, dans ces images faussées. Elle se noie dans ces flots sans prendre le temps d’apprécier autre chose que ses représentations sublimées. A travers sa peinture, dont les sujets s’imposent comme inconsciemment à l’artiste, Marion Peck s’inscrit dans une tradition surréaliste, emplie de références mythologiques, construisant des légendes contemporaines. Rien n’est plus parlant que ces créatures aux formes corporelles exagérées, produits monstrueux des temps modernes. La peinture de Marion Peck traite aussi de l’inconscient, des rêves et cauchemars enfouis qui remontent à la surface. Telles des tableaux de théâtre, ces œuvres brillent par leur justesse d’observation quant aux paradoxes qui nous entourent. Dans un monde et une culture tendant vers une uniformisation des émotions et des représentations, Marion Peck appuie par touches subtiles, là où le bât blesse, là où se trouvent les failles de la nature humaine. Surréaliste dans sa façon de peindre, le travail de Marion Peck n’en est pas moins d’un réalisme émotionnel évocateur. Magda Danysz
Conversation Nous collaborons depuis 2005, à l’époque avec une exposition à la galerie avec votre mari Mark Ryden, et il est intéressant de voir comment votre démarche est resté cohérente et a en même temps évolué avec le temps. A vos débuts, quelle a été votre inspiration et comment décririez-vous l’évolution de votre style ? En tant que jeune artiste dans les années 90, je me suis inspiré des peintres de la première Renaissance italienne, comme Giotto et Piero della Francesco, ainsi que des peintres de la Rennaisance du Nord, comme Memling et Breughel. Pendant de nombreuses années, j’ai lentement appris à peindre en étudiant leurs œuvres et j’ai eu du mal à utiliser ce que j’avais appris d’eux pour créer des peintures modernes qui semblaient fraîches, sincères, personnelles et sans être encombrées de prétentions académiques. Quand j’ai vu pour la première fois le travail de Mark Ryden, qui deviendra plus tard mon mari, cela m’a parlé. C’était incroyablement beau pour moi. Nous avions tellement de choses en commun, tant de choses sur lesquelles je travaillais étaient là. Son utilisation de références de la culture populaire moderne, comme cela n’avait jamais été fait auparavant, ressemblait à la pièce manquante du puzzle que je cherchais. Je pense que son influence s’est manifestée au début dans mon travail, même si cela ressemblait aussi à un continuum fluide de ce que je faisais auparavant. Au fil des années, je sens que je reviens plus à mes racines, à mon amour pour Giotto, etc. Il est intéressant de voir le cheminement de mon travail se révéler. Au fil des années, vous avez peint et décrit comme un surréaliste pop ? Comment décririez-vous dans vos propres mots votre style ? Le pop surréalisme est un surréalisme mélangé à la culture populaire. Je dirais que cela décrit un peu mon travail, même si franchement je ne supporte une grande partie de ce qui est rattaché à ce « mouvement », souvent rien de plus que des copies honteuses et médiocres du travail de Mark. Je suppose que je n’étais pas la seule à ressentir son influence ! Mais il y a aussi d’excellents artistes qui s’identifient peut-être comme des pop surréalistes. Je m’identifie beaucoup plus comme surréaliste. J’ai un grand respect pour les premiers surréalistes, pour les dadaïstes du début du XXe siècle, et mes idoles en art sont certaines des femmes qui sont sorties de ce mouve-
ment : Lenora Carrington, Remedios Vara, Dorothy Tanning. Je suis fasciné par les rêves, la mythologie et des penseurs comme Carl Jung. A travers mon art, j’essaie de pénétrer dans des couches de conscience plus profondes, dans des lieux de rêve, des souvenirs d’enfance, dans ce type d’endroits où vous pouvez parler avec les animaux. Votre dernière série représente des ours, des corbeaux, des chiens, des chats, des poissons. Y a-t-il un symbolisme lié aux créatures que vous peignez ? « Symbolisme » n’est pas le mot que je choisirais pour décrire ma démarche. Dès que nous pensons à quelque chose comme un « symbole », nous nous mettons dans une abstraction, nous regardons la carte au lieu de regarder autour de nous le paysage dans lequel nous nous trouvons. Les animaux qui ont trouvé leur chemin dans mes peintures ont traversé mes rêves et visions. Je fais juste de mon mieux pour les représenter à nouveau. Dans chacune de vos peintures, il y a une histoire ou un sens sous-jacent ? Comment intégrez-vous cela dans votre processus, commencez-vous une peinture avec l’idée ou plutôt commencez-vous d’abord avec une image qui se transforme ensuite en message ? Certainement plus la deuxième option, mais pas exactement, car elle ne se transforme jamais vraiment en « message ». Je commence avec une image et je reste avec une image. Les gens pensent souvent que le « sens » d’une chose doit être comme un « message », quelque chose que nous pourrions écrire avec des mots. Je pense que le « sens » ultime de tout est une image, pas un mot. Les mots sont quelque chose qui nous donne l’impression d’avoir une boîte bien rangée pour y mettre l’image. Mais le vrai sens est l’image, telle qu’elle est. Toutes vos créatures, qu’elles soient humaines ou animales, ont en commun un regard particulier, les yeux souvent grands ouverts et très expressifs. Que voulez-vous qu’ils transmettent ? Comme on dit, les yeux sont le miroir de l’âme. Je crois que la plupart du temps j’essaie de dépeindre une expression neutre, telles que je les trouve merveilleuses dans l’art de la Renaissance, ou encore celle d’un saint en plein martyre qui a le regard paisible et rivé au loin.
Parlez-nous de ce qui a inspiré votre nouvelle exposition « Between Worlds » préparée pour la galerie Danysz à Shanghai ? J’ai récemment découvert une artiste surréaliste américaine du milieu du siècle nommée Gertrude Abercrombie, et à bien des égards, la présente exposition a été inspiré par son travail. Elle a travaillé à petite échelle, réalisant de petites peintures simples mais magiques, et c’est ce que j’essaie de faire ici, à ma façon. Du fait de mes problèmes d’épaule cela m’a empêché de travailler à plus grande échelle, mais je constate que les limitations ont un effet stimulant sur ma créativité, comme le peuvent souvent les contraintes. Dans « Bear Dream », la construction du tableau rappelle à la fois une scène de théâtre et un diorama du XIXe siècle. La référence théâtrale est récurrente dans votre travail. La scène est-elle une inspiration pour vous ? Comme je le disais plus tôt, j’ai un amour particulier pour Giotto et les autres peintres de la première renaissance italienne, leurs façons de représenter les pièces et les bâtiments. J’adore l’utilisation poussée de la perspective, la sensation de compression qu’elle donne à l’espace. Cela donne l’impression d’être du théâtre. Le théâtre est une façon de représenter la réalité, et il y a quelque chose qui m’attire à représenter une représentation. Je suis attiré par les dioramas pour la même raison, pour leur recul par rapport à la « réalité », la couche de représentation qui nous fait sentir certain sens de «non-réalité». Les couches semblent distiller les choses, semblent en quelque sorte faire ressortir plusieurs directions. Vous semblez aimer peindre des scènes de nuit, utiliser des lumières qui nous rappellent le crépuscule ou mettre vos personnages dans des cavernes ? Tout cela produit une lumière spéciale dans vos tableaux? Comment interprétez-vous l’éclairage que vous peignez ? J’adore l’obscurité tout comme la lumière. L’obscurité est mystère, le yin du Tao, le féminin, les profondeurs de l’océan, du ciel nocturne, du subconscient. Pour aller au-delà de la conscience solaire normale et quotidienne, conduite par l’ego, c’est un mouvement vers l’obscurité. Je trouve que les moments les plus magiques sont l’aube et le crépuscule, lorsque la lumière et l’obscurité changent de place. Là, nous pouvons ressentir comme un lieu entre deux mondes. C’est l’endroit que j’essaie de peindre.
Vous peignez à l’huile, de manière très classique. Qu’aimezvous en particulier dans cette technique ? J’ai toujours été attiré par la peinture à l’huile d’une manière irrépressible. C’est un peu comme si je n’avais pas le choix, je suis né en voulant peindre ainsi, je ne sais pas pourquoi. Très vite dans la vie, j’ai découvert que je préférais de loin la peinture à l’huile à l’acrylique, un support que je ne supporte pas (c’est du plastique ! Beurk !). Chaque fois que je parle avec un peintre figuratif qui utilise de l’acrylique, j’essaie de les convaincre de passer à l’huile. Il a tellement plus de richesse et de gamme ! En employant la peinture à l’huile, le temps est essentiel et peindre prend beaucoup de temps. Comment gérez-vous cette caractéristique temporelle très spécifique ? Je dis souvent que je n’ai pas vraiment un style de peinture qui serait le fruit d’une compulsion névrotique. À bien des égards, je suis un peintre naïf. J’ai souvent l’impression de ne pas savoir ce que je fais, comme si je me dirigeais aveuglément vers l’avant. Mais j’ai l’obligation de finaliser la peinture sur laquelle je travaille, alors j’y vais obstinément et fais tout ce qu’il faut pour y arriver. Parfois, je le compare cela à de la cuisine, lorsque vous devez remuer une sauce encore et encore jusqu’au moment où elle commence à s’épaissir ou que les blancs d’œufs commencent monter. Puis tout d’un coup, la peinture est « finie ». Parfois, il me faut énormément d’agitation pour y arriver. Entretien entre Marion Peck et Magda Danysz, mars 2020
欣赏美国流行超现实主义先锋玛莉安·派克 (Marion Peck) 的作品，如同在一个黑暗而奇幻的世界中漫步， 这是一个奇异的仙境，森林动物，怪诞生物和忧郁的孩 子共存。流行超现实主义是一个1970年代末在加州出 现的图像运动，也被称为低俗艺术 (Lowbrow Art)。派 克和她的丈夫马克·莱登(Mark Ryden) 是该运动中的主 要领军人物。 和这个运动中的艺术家一样，派克的作品让我们想起了 爱丽丝梦游仙境的奇妙幻想。但是她的灵感超越了刘 易斯·卡洛尔 (Lewis Caroll，《爱丽丝梦游仙境》作者) 的小说原著。玛莉安·派克同样受到西方传统画家的启 发。她的作品常常能与文艺复兴时期、17或18世纪的 著名画作对话。同样的，她精湛的技艺也继承了艺术大 师的精髓。 派克擅长将传统与现代融合到她的精巧而创新的绘画作 品中。事实上，她的作品折射出我们、我们的文化符号 和娱乐产业。众所周知，他们暗示着这个由媒体推介并 传播的表面世界。这些艺术家推翻了我们所谓的“迪士 尼魔法”，而去用扭曲、不协调的肢体描述脆弱、焦 虑、不安的人物，从而引起人们在情感上的回应。不知 不觉中，我们最后会对那些寄居在派克奇异宇宙中的怪 奇生物感同身受。 玛莉安·派克 (Marion Peck) 于1963年10月3日出生于 菲律宾马尼拉，成长于美国西雅图。1985年，她从罗 德岛设计学院毕业。随后，她分别于纽约州雪城大学与 罗马天普大学进修美术硕士。在90年代，她开始在美 国及全球范围内的画廊举办展览。在法国，马格达·唐 妮诗女士 (Magda Danysz) 首先发掘了她的天赋，并从 2005年开始在巴黎展出她的作品。目前，艺术家生活 在美国俄勒冈州波特兰市。
纳西索斯，还是现代图像神话 在一个通过瞬时而短暂的图像来观察和衡量自己的社 会中，玛莉安·派克对此作出了回应。她的绘画作品 有缓慢的创作周期，尤其是油画需要很长时间，虽 然它们既不以大尺寸打动我们，乍一看又不显眼。 艺术家邀请我们仔细观察纳西索斯（Narcissus）神话中闻名几个世纪的沼泽地/池塘。如 今，水面已不如往日美丽，而且反射的画面也不 如镜子来的忠实。与奥维德（Ovid）讲述的故事 唯一的共同点是，我们的整个社会都陷入了这些 扭曲的图像之中，迷失了方向。社会淹没在这水 波之中，没有时间去欣赏表面以外的任何事物。 通过绘画，这些主题在潜意识里出现在玛莉安·派克 的脑海中。她是超现实主义传统中的一部分，又充 满了神话色彩，构造出一个当代传奇。没有什么比 这些肢体夸张的生物、现代社会中奇异古怪的产物 更令人印象深刻了。玛莉安·派克的艺术还将那些 无意识的、被埋藏的梦境与梦魇带回了大众视野。 像戏剧图片一样，这些作品因为对我们周遭悖论 的精准观察令人眼前一亮。在一个趋向于情感和 表征标准化的世界和文化中，玛莉安·派克微妙 地触碰那些位于人性弱点的伤口。她的作品拥有 着超现实主义风格，却刻画了异常现实的情感。 马格达·唐妮诗
玛莉安·派克 采访 从2005年开始我们就和你以及你的丈夫马克·莱登 (Mark Ryden)合作了第一次的展览。我发现了一件很 有趣的事，你的作品始终如一，但同时在不断变化。当 你开始画画时，最初的灵感是什么？你如何看待自己风 格的演变？ 20世纪90年代的时候，我作为一位年轻画家，受到了 早期意大利文艺复兴大师们的启发，例如乔托 (Giotto) 和皮耶罗·德拉·弗朗切斯科 (Piero della Francesco)， 以及北部文艺复兴时期的艺术家们的影响，例如梅姆 林 (Memling) 和 勃鲁盖尔 (Breughel)。我慢慢地通过 研究他们的作品自学绘画，并且努力地把我从他们画中 学到的东西运用到创作当代绘画中，这些画使人感到新 鲜、富有个性、真诚而不受学术的束缚。当我第一次看 到马克·莱登（Mark Ryden）的作品时(他后来成了我的 丈夫)，我受到了极大的震撼。在我看来它们美丽得无 与伦比。我们有太多的共同点了，长久以来我想要努力 的方向都在他的画作里了。他使用现代流行文化的风格 是我从没见过的，我感觉那就是我在追寻的谜底中缺失 的一部分。起初，我觉得他对我的作品有强烈的影响， 尽管这种影响也是在我之前的风格上进行一次平稳的过 渡。随着时间流逝，我感觉自己正更多地回到我的本源 中，回到我对乔托等大师们的爱中。看着我作品的道路 徐徐展开，很有意思。 这些年你一直在画画并且被称作流行超现实主义艺术家 (pop surrealist)，是吗？那你如何形容你自己的风格呢？ 流行超现实主义听起来几乎就是：超现实主义与大众文 化的融合。我得说这一定程度上描述了我的作品，尽管 坦率而言我受不了这个“运动”标志下的艺术，它经常 使我除了羞耻之外别无他感，平庸地剥削马克的作品。 我猜不只我一个人受到他的影响！但也有一些杰出的艺 术家可能自称为流行超现实主义艺术家。我认为自己是 一个超现实主义艺术家。我很钦佩第一代超现实主义艺 术家和20世纪早期的达达主义，我的艺术偶像是在那 次运动中涌现出的一批女性：莱诺拉·卡灵顿（Lenora Carrington），雷梅迪奥斯·瓦拉（Remedios Vara） ，多罗西·丹宁（Dorothy Tanning）。我被梦境、神 话、被一些以荣格（Carl Jung）为代表的思想家影响 到。在作品中，我试图进入意识的更深层，进入到梦境 中，童年记忆里，进入到一块可以与动物们聊天的地 方。
你最新的系列中描绘了熊、乌鸦、狗、猫、鱼。你所创 造的这些生物是否有一些象征意义呢？ “象征主义”不是我想选择来形容我绘画方式的词汇。 当我们认为某物是一种象征时，便把自身抽象化了，就 像是我们盯着地图，而不是放眼周围，观赏自己身处其 中的风景。那些我画中的动物通过梦境和想象来到我身 边。我只是尽力去再现它们。 在你的每幅画中都有隐藏的故事和含义吗？你在创作过 程中如何融合它们呢？你在开始画一幅画的时候是从含 义出发，还是更从图像出发进而传递信息？ 肯定是更偏向于后者，尽管不完全是，因为它永远不会 真的变成一条“信息”。我从一个图像开始，并且与图 像同在。人们经常觉得一件事物的“意义”必须得是一 条“信息”，一些可以用笔写下来的文字。而我觉得一 切的终极“意义”都是图像，而不是字词。话语常常让 我们觉得要把图像放到一个干净的盒子里。但是真实的 内容是图像，就是这样。 你作品中所有生物，不管是动物还是人类，都有一种特 别的眼神：眼睛经常睁得很大仿佛表达了很多。你想让 它们传达什么呢？ 就像他们说的，眼睛是灵魂的窗户。我想说大部分时间 我试图达到一种中性的、像文艺复兴时那样的表达，在 那时甚至在殉道的圣徒的眼睛里，都有一种平静的而悠 远的目光。 给我们讲讲你在唐妮诗画廊-上海最新个展的主题吧？ 是什么启发了你？ 我最近发现了一位上世纪中叶美国的超现实主义画家， 格特鲁德·阿伯克朗比（Gertrude Abercrombie），这 次展览在很多方面都受到了她的启发。她创作了一些简 单但具有魔力的小尺幅画作，这也是我试图用自己的方 式在这次展览中呈现的作品。由于我肩膀的问题，使我 无法再进行大尺幅作品的创作了。但是我不断发现，那 些局限性往往会激励我的创作，局限往往能带来无限可 能。
在“熊之梦”（Bear Dream）这个作品中，画面的结 构使人联想起十九世纪的戏剧舞台和立体透视。对戏剧 的参考在你的作品中反复出现。舞台是你的灵感来源 吗？ 正如我之前所说，我特别喜欢乔托（Giotto）和意大利 早期文艺复兴时期的其他画家，喜欢他们对于房间和建 筑物的描绘方式。我喜欢透视的推高手法，它给予空间 一种挤压感，让人感觉像是剧院。剧院是一种我们再现 现实的方式，有一些东西吸引我去再现一种呈现方式。 我被立体透视吸引也有相同的原因，因为他们从“现 实”退后，表现层面使我感觉到一种特定的“不现实” 。这些层面似乎在提取一些东西，似乎带出来更多的一 种本质。 你好像很喜欢画晚上的场景，常用使我们想起黄昏的光 线，或者把角色设定在洞穴里？这所有都为你的绘画制 造出一个特别光感吗？你怎么解读你画的光影？ 我爱黑暗，也爱光明。黑暗是个谜，是道教的阴级，是 女性化的，是海洋、夜空与潜意识的深处。想要超越常 规的、日常的、被太阳意识驱使的自我，就要向黑暗迈 近。我发现一天最神奇的时刻是黎明和黄昏，当明暗转 换位置的时候。在那里我们可以感觉到一块世界之间的 地方。那就是我想要画的地方。 你用一种非常传统的方式画油画。你为何特别喜欢这种 媒介呢？ 油画对我来说有一种不可抗拒的吸引力。就好像我没有 别的选择，就像我生下来就要用这种方式画画，我不知 道为什么。很早的时候，我就发现我对油画的偏爱远超 过丙烯颜料，丙烯是一种我无法忍受的材料（它就是塑 料啊！）。无论何时我和一位使用丙烯的画家交流，我 都试图说服他们去试试油画。油画有着更多的丰富性与 广度。
因为你使用油画这种媒介，所以时间很重要并且绘画需 要很多时间。你怎样处理时间问题？ 我经常说我真的没有一种绘画风格，而是一种强迫症。 在许多方面，我是一个天真的画家。我常常觉得自己并 知道我在做什么，就像在靠感觉摸黑过河。但是我有义 务使我正在产出的画都绝对正确，并且会坚持不懈地追 求达到目标所需要的一切。有时我把它比作烹饪，你必 须不断地搅拌直到酱汁开始变稠或者蛋白开始起絮。突 然，画就“完成”了。有时需要花费大量的时间去完成 一件作品。 在这瞬息万变的世界里，像我一样缓慢地画画很难，但 是其中有一些东西对我来说是神圣的。它们必须存在， 因为不论我如何尝试，都不能让我的艺术过于快速。 我希望有更多的一张张的绘画解释这样我们可以教给我 们的上海团队你的画的象征意义。你可以具体地告诉我 们关于接下来的几幅画和它们想要表达的内容（你也可 以写下完整的意义或者只写一些话联系到你的画想表达 的，我们中国团队将不胜感激得到您的见解）
- 熊之梦 这是我做的一个梦，一只熊突然从树林里出 来，闯入我的房间。我选择在梦中将自己描绘 成一种恐惧的情感，而非物化的我。 - 猫、蛇和月亮 我爱月亮。在很久以前的某个时候，有人曾经 告诉我看到一只猫在月光下直立行走，而那歌 场景总是让我非常害怕。我画了几幅站着的 猫，但这是我第一次把月亮的部分画出来。那 条蛇刚找到路，它只想加入聚会而已。 - 乌鸦朋友 我爱乌鸦！每个人都应该意识到他们有多聪 明。我们应该把它们看作会飞的猴子，它们太 聪明了！我喂养一对乌鸦，它们的巢在我的家 里。 （你知道年轻的乌鸦会聚集在城市里， 直到遇到那个特殊的人，然后他们一起飞到郊 外，占领一小块自己的地盘育养一家子吗？） 这幅画灵感来于，某一天我凝望着坐在树上的 乌鸦朋友，而他刚好回头看向我。 - 感知鱼 这是梦境中的另一个形象。我一直害怕巨大的 水下生物。 猫头鹰之梦 我爱猫头鹰。我从未真的做过这个梦，但我希 望我有。 - 根 魔法小树根有时被叫做Mandrake（曼陀罗）， 我觉得我画的应该是Ladydrake！ - 洞穴 这是曾经在我幻想/冥想中出现的场景，一条 在山洞中的非常睿智的老鱼。有时，当我需要 一个安全、凉爽、平静的地方，需要好的建议 时，我仍会去那里找它聊聊。 - 悬崖 我觉得这幅画只是这些日子我对世界的一种感 觉。与动物们一起等待着、观察着、担忧着。
The artist Marion Peck and the author Magda Danysz wish to thank all the people who have helped to the realization of this book and the exhibition ‘Between Worlds’ : Mark Ryden, Stephane Bisseuil, Sophie Duhamel, Clemence Demolling, Stephane Guerreiro, Alexandre Gobin, Meng Yu, Fiona Chan, Petra Bruncko.
Marion Peck Between Worlds
DANYSZ This book has been published by Danysz galleryon the occasion of Marion Peck’s solo show, Between Worlds, in Shnaghai in 2020 All rights reserved Marion Peck All rights reservec Danysz gallery
Marion Peck was born in 1963 in Manila, the Philippines, while her family was on a trip, and grew up in Seattle. In 1985 she graduated from Rhode Island School of Design, then studied Fine Arts at Syracuse University in New York and Temple University in Rome. In the 90s, she started exhibiting in galleries across the United States, then internationally. Marion Peck now lives in Portland, USA. Marion Peck nait en 1963 à Manille, aux Philippines, alors que sa famille est en voyage. Elle grandit à Seattle. En 1985 elle est diplômée de l’École de Design de Rhode Island, puis étudie les Beaux-Arts à l’Université Syracuse de New York et à l’Université Temple de Rome. Dès les années 90, elle expose dans des galeries à travers les États-Unis, puis à l’international. Marion Peck vit aujourd’hui à Los Angeles. 玛莉安·派克 (Marion Peck) 于1963年10月3日出生于菲律宾 马尼拉，成长于美国西雅图。1985年，她从罗德岛设计学院 毕业。随后，她分别于纽约州雪城大学与罗马天普大学进修 美术硕士。在90年代，她开始在美国及全球范围内的画廊举 办展览。目前，艺术家生活在美国俄勒冈州波特兰市。
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