Women's independence by Magda Danysz

EKATERINA ANOKHINA CHEN MAN YSEULT DIGAN a.k.a. YZ FAILE ROSE-LYNN FISHER NIKOLAI ISHCHUK LI HONGBO LIU BOLIN ERWIN OLAF DANIEL OTERO TORRES STELLA SUJIN JEANNE SUSPLUGAS YI ZHOU

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EKATERINA ANOKHINA CHEN MAN YSEULT DIGAN a.k.a. YZ FAILE ROSE-LYNN FISHER NIKOLAI ISHCHUK LI HONGBO LIU BOLIN ERWIN OLAF DANIEL OTERO TORRES STELLA SUJIN JEANNE SUSPLUGAS YI ZHOU

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cover image: courtesy of the artist Erwin Olaf New York Times Couture, photography

WOMEN’ INDEPENDENC WOMEN’S THE SPIRIT OF THE PROJECT In 2016, the Etam clothing brand celebrates its 100 anniversary. These are 100 years through which this iconic French brand has helped women in their emancipation.

famous Chinese artist Liu Bolin or American duo Faile to emerging talents like Colombian Daniel Otero Torres. A wide range of art media are represented in the show. The artworks presented range from photography to drawing and painting via video and installation.

OMEN’S EPENDENCE

INDEPENDENCE The company’s Chairman Laurent Milchior has chosen to celebrate this milestone in an artistic and philanthropic way. He has been joined by supermodel and philanthropist Natalia Vodianova, who for many years has been the spokesperson for the brand, and has founded already 12 years ago her Naked Heart Foundation in order to support efforts to eradicate child abandonment in Russia and build inspiring and accessible play facilities for children of all abilities across the country and internationally.

The art commissions are unveiled during a set of two art shows, in Shanghai (at the K11 art museum, September 2016) and in Paris (at the Asia Now art fair, October 2016). After these two exhibitions the artworks will be presented in a charity auction. All the profits from the auction are destined to Natalia Vodianova’s Naked Heart Foundation.

WOMEN’S WOMEN’ INDEPENDENCE International curator Magda Danysz has been asked to have artists make art commissions to illustrate the theme of Women’s independence.

As a remembrance of this show, a limited edition of 100 collectors’ boxes including the artists’ art will also be produced and auctioned off on the occasion for art lover to enjoy the show for a longer run.

INDEPENDENC

Artists participating reflect the brand’s diversity ranging from

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Natalia with children at a Naked Heart event

WOMEN’ INDEPENDENC WOMEN’S 2016年，服装品牌艾格成立已经100周年。在这一百年中这个法国标志性品牌帮助女性不断地独立解放。从著名的艺术家刘勃麟，到美国艺术家duo Faile，亦或艾格总裁Laurent Milchior为是来自哥伦比亚的新兴艺术了庆祝这一极具纪念意义的家Daniel Otero Torres 里程碑，决定采用一种富于艺术气息而又慈善性质的方 • 两个艺术展览式。基金会运用这些资金为 –9月9日上海K11艺术中心彻底根除俄罗斯遗弃儿童的 –10月19日巴黎Asia Now艺现象而努力，同时尝试建立博会一系列可以允许世界各地的儿童前来参与的游乐设施， •包含了10位艺术家作品的限帮助他们建立信心，激励他量版艺术礼盒们。 • 慈善拍卖晚宴 • 为庆祝艾格品牌100周年纪此次拍卖所得旨在念建立一个对残疾人开放更多福利，满足他们更多的特殊 • 主题：女性的独立（艾格作需要的包容性社会，通过鼓为一个服装内衣品牌在女性励发挥和创造多样化的支持解放的历史过程中提供过各服务，为弱势家庭带来更多种帮助）的帮助。

OMEN’S EPENDENCE

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• 将会组织10到15位艺术家参与到这个项目，为这个主题创作作品

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Laurent Milchior and his father Pierre Milchior

WOMEN’ INDEPENDENC WOMEN’S L’ESPRIT DU PROJET

En 2016, Etam fête ses 100 ans. C’est un siècle, à travers lequel l’iconique marque a accompagné les femmes dans leur émancipation.

les artistes, femmes et hommes, sont originaires de Chine, l’un des pays où la marque est très présente et ce depuis longtemps, mais aussi de Colombie, des Etats-Unis ou encore de France. Un large spectre de techniques est aussi présenté, de la photographie à la peinture et le dessin en passant par la vidéo et l’installation ou encore la sculpture.

OMEN’S EPENDENCE

INDEPENDENCE Le gérant du groupe, Laurent Milchior, a souhaité célébrer cette date de façon à la fois artistique et caritative. Il est rejoint dans cette initative par la top model Natalia Vodianova, qui pendant 8 ans a été l’égérie de la marque et qui a fondé sa fondation Naked Heart il y a 12 ans déjà. La fondation a pour but d’aider à l’éradication de l’abandon d’enfants en Russie et de construire des aires de jeux pour les enfants défavorisés dans ce pays et à travers le monde. Ainsi, pour célébrer cette occasion et réunir art et bienfaisance, la commissaire d’exposition Magda Danysz a invité des artistes à réaliser des œuvres sur le thème de l’indépendance féminine, destinées à être mises en vente aux enchères au profit de la fondation.

Les œuvres ainsi réalisées sont dévoilées lors des deux expositions soutenues par Etam, l’une à Shanghai (au K11 art museum en septembre 2016) et à Paris (au sein du salon Asia Now en octobre 2016). A l’issue des deux expositions, une vente aux enchères caritative est prévue afin d’offrir l’intégralité des profits à la fondation Naked Heart.

WOMEN’S WOMEN’ INDEPENDENCE Les artistes ayant généreusement accepté de participer incarnent la diversité que prône Etam mais aussi son côté international. Ainsi

Enfin, afin de marquer cet événement Etam invite aussi les artistes à participer à la réalisation d’un portfolio hors du commun, objet souvenir de ces expositions, dont les bénéfices de la vente seront aussi intégralement destinés à la Fondation de Natalia Vodianova.

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Work in porgress by artists FAILE for the Women’s independence shows

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FAILE, Fantasy Island, Marble Sculpture, height: 123 cm

A WORD FROM THE CHAIRMAN «For the past 100 years, Etam has been an independent family business working towards women’s independence with its fashion collections or the way it has always been marketing lingerie. Etam was the first brand to present underwear on a hanger. Then it was also the first one to market thongs.

Today, independence, as well as equality and tolerance, are to us fundamental values for the next generations.

WOMEN’S INDEPENDENCE To me, more than ever the contemporary woman is an independent one, she’s sexy yet never tacky, and she does it for her own self esteem as much as for the others.»

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100 years it is more than just an anniversary, it is a new milestone in the history of the company, as well as in the history of women in France and also worldwide. We advocate the French Liberty!

Art is a symbol of creation that lasts in time. What could better embody our company’s history. The choice of international artists including artists from all around the world and a few from China, showing Etam’s strong implementation in China for the past 20 years already.

Laurent Milchior Chairman

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«在过去的100年里，艾格一直是一个独立的家族企业，通过它的时装和内衣的营销方式，致力于保持女性的独立性。艾格是第一个在衣架上展示内衣的品牌。同时，它也是第一个推广丁字裤的品牌。

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100年，它不仅仅是一个周年纪念，它更是公司一个新的里程碑，对法国女性和世界范围内的所有女性来说都是一个重要的里程碑。我们提倡法式自由！艺术是永恒的创造象征，能更好地体现我们公司的历史。包括来自世界各地的艺术家和一些中国的艺术家们的选择，展示出艾格在过去的20年里，在中国地区的成绩。今天，独立，平等和宽容，都应该是我们下一代的基本价值观。对我来说，比以往任何时候都更重要的是，当代女性作为一个独立的个体，她很性感但不俗气，尊重自己如同尊重别人一样。»

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Laurent Milchior艾格

«Depuis 100 ans, Etam, entreprise indépendante et familiale, prône l’indépendance des femmes, que ce soit par ses collections ou sa façon de vendre la lingerie : première marque à présenter de la lingerie sur cintre, première marque à vendre des strings.

Aujourd’hui, indépendance, mais également égalité et tolérance, nous semblent être des valeurs fondamentales pour toutes les générations à venir.

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100 ans, plus qu’un anniversaire, c’est un passage tant dans l’histoire de l’entreprise que dans l’histoire de l’indépendance des femmes françaises et maintenant mondiales : The french liberté !

L’art est le symbole de la création qui traverse le temps. Quel meilleur parallèle avec l’histoire d’Etam, qui plus est avec ce choix d’artistes internationaux : occidentaux, mais aussi d’Asie et en particulier chinois. Ce choix nous représente bien puisque Etam est fortement implantée en Chine depuis plus de 20 ans.

A mes yeux, la Femme Contemporaine est plus que jamais indépendante, sexy sans vulgarité, pour elle autant que pour les autres.» Laurent Milchior Etam

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Artist Yi Zhou working on her Women’s Independence artwork

TO ALL THE LADIES Busy women, smart women, but also full hearted women, this exhibition is a tribute to all of you ladies. All of you are united as one, symbolizing the Etam Women. This woman represents thousands. Above all she is independent in her spirit. She has as many different styles as personalities; as many different faces as laughters; as many different voices as opinions.

Laurent Milchior and Marie Schott, who run the company, wanted to share their vision of women in an original yet humble and generous way. Bringing together Art and Philanthropy is the brand’s commitment in this project. The woman according to Etam is like this whole project: a woman who can listen to others, but who is also full of resources and creativity, and who surprises us every day.

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Helping women for over a century in their daily live is a form of commitment. Sharing the women’s intimacy allows a brand like Etam to approach its 100th birthday with wisdom and generosity.

From the beginning, the exhibition and therefore the cutting-edge selection of artists aims at putting together diverse talents, women artists and men,

Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

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from all geographical horizons, and working with very different technics. Hence the Etam Women, the 21st century woman, is diverse, resourceful and surprising. Jeanne Susplugas for instance plays with light, words and irony; others like Liu Bolin gather 100 women to make one single artwork together; whereas Yi Zhou chose to present an iconic marble woman. All of these artistic visions are incarnations of the Etam Women.

Magda Danysz Curator of the show

致所有的女性忙碌的女人，聪明的女人，也是全心全意的女人，这个展览是对你们所有女性的致敬。你们所有人都凝聚成一个象征，象征着艾格女性。她代表着成千上万的女性。首先，她的精神是独立的。她有许多不同风格和个性；她有许多不同的面孔和欢笑；她有许多不同的声音和观点。在她们的日常生活中帮助女性并且超过一个世纪，这是一种承诺。分享女性的亲密关系，能让一个品牌，就像艾格这样，以智慧和慷慨来度过它的第一百个生日。

家，带来十分不同的技艺展示。因此，艾格女性，即二十一世纪的新女性，是多样化的，机智的且充满惊喜的。比如Jeanne Susplugas的作品将光，字和讽刺结合在一起；又比如像刘博霖，集合了100个女性一起完成同一件作品；而 Yi Zhou选择做一个大理石女性雕塑。所有这些艺术家们的作品都是艾格女性的化身。

Laurent Milchior和Marie Schott，作为公司的经营者，想要用一种纯粹丰富又谦逊的方式来分享他们眼中的女性。把艺术和慈善汇聚在一起是艾格对该项目的承诺。艾格想要通过此次的展出表现的是：作为女性，既可以聆听他人，同时充满了创造力，并让我们每天都有惊喜。从一开始，展览汇集了顶级的艺术家旨在融合多样的艺术性，女性艺术家和男性艺术家，从全球各地而来的艺术

Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

« Honor Women! They plant celestial roses on the path of our terrestrial lives » Pierre-Claude-Victor Boiste (écrivain 1800)

« Women love bravery, yet favor even more audacity » Stendhal (1839)

« A free woman is exactly the contrary of an easy woman » Simone de Beauvoir (1949)

A TOUTES LES FEMMES Femme affairée, femme de tête, mais aussi femme de cœur, la femme selon Etam est avant tout indépendante dans son état d’esprit. Accompagner au fil d’un siècle les femmes dans leur vie n’est pas sans laisser les traces d’un certain engagement. Mais être aussi de fait dans l’intimité de ces femmes, permet à une marque comme Etam d’aborder son centième anniversaire avec sagesse, retenue et générosité. Ainsi, Laurent Milchior et Marie Schott, tous deux aux rennes de la société, ont souhaité partager leur vision de la femme de façon à la fois originale et généreuse. Allier art et philanthropie est donc leur engagement. La femme selon Etam est comme ce projet : une femme à la fois à l’écoute des autres, mais pleine de ressources et de créativité. Dès le départ, l’exposition et donc la sélection pointue et sans concession des artistes avait pour ambition de réunir des talents féminins mais aussi masculins, de tous les horizons géographiques et aux pratiques les plus variées possible. Ainsi la

femme Etam, la femme du 21ème siècle, est diverse, inventive et surprenante. Certains des artistes à l’instar de Jeanne Susplugas, jouent avec la lumière, les mots et l’ironie ; d’autres comme Liu Bolin rassemble 100 femmes pour créer une seule œuvre ; tandis qu’Yi Zhou choisit de faire de la femme une icône de marbre. Chacune de ces visions artistiques sont autant de symboles de la femme Etam. Magda Danysz Commissaire de l’exposition

Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

« Les femmes aiment la bravoure, et surtout l’audace » Stendhal (1839)

« Honorez les femmes ! Elles sèment des roses célestes sur le cours de notre vie terrestre » Pierre-Claude-Victor Boiste (écrivain 1800)

« Une femme libre est exactement le contraire d’une femme légère » Simone de Beauvoir (1949)

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Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

Between February and September 2016 , the artists have been invited to reflect upon women’s independence.

Entre février et septembre 2016 les artistes ont été invités à proposer des œuvres qui pour eux symbolisent l’indépendance féminine

EKATERINA ANOKHINA (Russia)

Ekaterina Anokhina was born in 1983. She lives and works in Moscow, Russia. Her first education was a bachelor in social psychology at Russian State University of Humanities. In 2013 she graduated from Rodchenko Artschool in Moscow. Her interest in both psychology and photography have defined her artistic interest in the intimate and emotional portraits. In autumn 2014, Ekaterina became the winner of the International portfolio review at the Photovisa Photofestival in Krasnodar, Russia, and in 2015 her work was among 20 best portfolios at the International portfolio review in St.Petersburg. She was included in the list of 29 best female photographers from Eastern Europe by the Calvert Journal. Her work has been exhibited in Russia, Germany, Austria, Denmark, Slovenia and Italy, and published in photography related online and offline media.

艺术家Ekaterina Anokhina Ekaterina Anokhina est née en 出生于1983年。她生活工作 1983. Elle vit et travaille à Moscou, Russie. 在俄罗斯莫斯科。 Après avoir étudié la psychologie sociale à l’Université d’Etat à Moscou elle a poursuivi un cursus artistique. En 2013, elle sort diplômée de l’école d’art de Rodchenko à Moscou. Son intérêt à la fois pour la psychologie et la photographie a forgé le socle de sa pratique artistique, fondée sur l’intime, l’émotionnel et 2014年秋天她成为了俄罗斯 l’imaginaire.

她获得了俄罗斯国立人文大学的社会心理学学士学位。2013年她毕业于莫斯科艺术学校罗申科，她对心理学和摄影的兴趣已经定义了她个人、情感的想象的艺术造诣。摄影节国际作品展的冠军，在2015年，她的作品位列俄罗斯圣彼得堡国际作品展前 20。她被卡尔弗特杂志评为东欧最棒的29个女摄影师之一。她的作品已在俄罗斯、德国、奥地利、丹麦、斯洛文尼亚和意大利展出，并发表在摄影类的线上和线下媒体上。

A l’automne 2014, Ekaterina Anokhina remporte le prix du portfolio international au festival de photographie de Krasnodar en Russie. En 2015, son travail est sélectionné parmi les 20 meilleurs portfolios du festival de Saint Petersbourg. Elle fait aussi partie de la liste des 29 photographes féminines d’Europe de l’Est établie par le Calvert Journal. Son travail a été exposé en Russie, en Allemagne, au Danemark, en Slovénie et en Italie.

The artist had a request from a couple of women, who have seen her male nudes, to photograph As I am is a photographic project them in a very realistic yet beautiful Ekaterina Anokhina imagined way. These women didn’t want to especially to celebrate Women’s be glamorous in the pictures, they independence. wanted to look real. They wanted to validate and to memorise the way they look when they have learned to accept themselves as they are. They are not model looking, but they are real. WOMEN’S INDEPENDENCE IN EKATERINA ANOKHINA’S EYES

As the artist shares: «For this series I have photographed women, who have learned to love their bodies the way they are. They don’t want to be glamorous or sexualised in the pictures, they want to look real. Through photography they want to express love for their bodies - with all the scars and features they own. These pictures are not made to please the gaze, they are meant to be a statement of self-acceptance and empowerment.

“She wins who calls herself beautiful and challenges the world to change to truly see her.” ― Naomi Wolf, The Beauty Myth

EKATERINA ANOKHINA眼中的女性独立 “她赢得了称自己美丽的权利，以及改变世界来真正看到她。” ―Naomi Wolf，美丽神话

As I Am, Polaroids by Ekaterina Anokhina

这个系列我拍摄了一些女性，她们学会了爱自己身体原本的样子。他们不想被拍成迷人或性感的样子，她们想要看起来真实。通过拍摄，她们想表达对自己身体的热爱-带着自己的疤痕和个性。这些照片不是为了取悦他人的目光，而是一种自我接纳和自我认同。

« Gagne celle qui se considère belle et appelle le monde à changer pour qu’il la voit telle qu’elle est. » ― Naomi Wolf, The Beauty Myth

Ce que je suis, par E. Anokhina: « Pour réaliser cette série, j’ai photographié des femmes qui ont appris à aimer leur corps tel qu’il est. Elles ne veulent pas paraitre glamour ni même sexy dans ces photos, elles veulent être vraies. A travers la photographie, elles veulent exprimer l’amour pour leur corps, avec ses cicatrices et caractéristiques propres. Ces photographies ne sont pas faites pour plaire au regard. Elles sont destinées à être une ode à l’acceptation de soi. »

As I Am, Polaroids by Ekaterina Anokhina

CHEN MAN (China)

Chen Man is a contemporary Chinese photographer and visual artist who has created a visual language in chinese fashion photography. Being a multi-time international award winner, her works have been exhibited around the world including France, United States, United Kingdom, Japan and Hong Kong. Between 2003 and 2007, as she was doing the cover shot for Vision magazine, the artist has developed a brand new Chen Man Style. This moment of visual expression has marked the beginning of Chenâ&#x20AC;&#x2122;s creative works. In 2016, she is invited to attend Penn Wharton China Summit, Harvard China Forum, and Young President Organization Forum as guest lecturer. Chen Manâ&#x20AC;&#x2122;s work The Astronaut is part of the permanent collection at the Victoria & Albert (V&A) Museum in the UK; and two pieces from the Four Seasons and Long Live the Motherland series recently became part of permanent collection at the Asian Art Museum in San Francisco.

陈漫，中国当代建立自我独立视觉语言的摄影师及视觉艺术家，中国第一位被 Metball作为嘉宾邀请的摄影师。她多次在国际获奖，并在法国，美国，英国，日本及香港等地举办多次个展。英国Victoria&Albert Museum将其作品《航天员》永久收藏；2015年9月她的两幅作品《四大天王》及《祖国万岁》系列也成为旧金山亚洲艺术博物馆的永久馆藏作品。中国上海当代美术馆及北京今日美术馆相继举办了两场美术馆级别个展，展出作品被美术馆所收藏。2016年4月陈漫作为演讲嘉宾出席首届沃顿中美峰会，哈佛大学中国论坛，以及世界青年总裁组织北京峰会。

Chen Man est une photographe contemporaine chinoise qui a su développer un langage visuel dans le monde de la mode qui lui est propre. Primée à de nombreuses reprises, son travail a été exposé à travers le monde, de la France aux EtatsUnis en passant par le RoyaumeUni, le Japon et Hong Kong. Entre 2003 et 2007, avec par exemple le shooting de la couverture de Vision Magazine, l’artiste a développé le style Chen Man, lançant ainsi sa carrière. En 2016, elle a participé au Penn Wharton China Summit, Harvard China Forum, et au Young President Organization Forum. Son œuvre l’Astronaute a intégré la collection permanente du Victoria & Albert (V&A) Museum au Royaume-Uni et deux de ses œuvres des séries Four Season et Long Live the Motherland font partie de la collection permanente de l’Asian Art Museum de San Francisco.

Vision, photographic work by Chen Man

WOMEN’S INDEPENDENCE IN CHEN MAN’S EYES In her photographs Chen Man has always staged fierce and powerful women. Whether they are famous models, Hollywood actresses or her own grandmother, the artist has always pursued the same goal: show how beautiful women can be on the outside as well as on the inside.

Vision, photographic work by Chen Man

陈漫眼中的女性独立在她的照片中，陈漫始终表现着激烈而有力的女性形象。无论是著名的模特，好莱坞的女演员还是她的祖母，陈漫总是追求着同样的目标：同时展现出女性的内在美和外在美。

Vision, photographic work by Chen Man

L’INDEPENDANCE FEMININE SELON CHEN MAN Dans son travail photographique Chen Man met en scène des femmes fortes et fières. Qu’elles soient des top models connues, des actrices hollywoodiennes ou sa propre grand-mère, Chen Man poursuit le même but : montrer que les femmes sont aussi belles à l’extérieur qu’à l’intérieur.

Vision, photographic work by Chen Man

YSEULT DIGAN a.k.a. YZ (France)

Born in 1975 in Châteauroux, France. As one of the rare women of the movement who made it to fame, YZ (pronounce “eyes”) has a very poetic view on street art. Born in 1975, YZ became famous in 2003, thanks to her Open your eyes series. Paper, wood, zinc, chinese ink are at the core of her work. YZ seizes the space she builts and with which she forges a personal relation. Unquestionably, YZ’s work follows recurrent themes including the human figure as a guiding line. She now lives in UK and is one of the most active women in the street art scene. She is well known for her poetic portraits and her exploration of the link between visual arts and literature.

1975年出生于沙托鲁市。作为在这场运动中罕见的知名的女性艺术家，YZ（发音同英文单词眼睛“eyes“）对于街头艺术有非常诗意的理解。出生于1975年，她目前居住于塞内加尔（非洲），同时她也是街头艺术舞台上最活跃的女性之一。她以富有诗意的肖像和在视觉和文学艺术中创作而著称。 YZ因为她2003年的“张开双眼”系列作品而成名。纸、木材、锌、中国水墨画是她作品核心内容。YZ擅于抓住空间的构建和并与其建立关系。在她的作品中，人物形象是她主要的创作风格 YZ因为她2003年的“张开双眼”系列作品而成名。纸、木材、锌、中国水墨画是她作品核心内容。YZ擅于抓住空间的构建和并与其建立关系。在她的作品中，人物形象是她主要的创作风格。

Née en 1975 à Châteauroux, France. Rare femme du mouvement du street art, YZ (à prononcer «eyes») pose un regard poétique sur la création. Elle se fait connaître à partir de 2003, grâce à la série Open your eyes. Le papier, le bois, le zinc, l’encre de chine sont au cœur de son travail. YZ s’approprie l’espace qu’elle reconstruit et avec lequel elle forge une relation intime. Sans conteste, le travail d’YZ poursuit des thématiques dont la ligne directrice est l’humain. Elle vit actuellement en Grande Bretagne et est reconnue comme l’une des femmes les plus actives de la scène street art. Elle est célèbre pour ses portraits délicats et son exploration du lien entre art visuel et littérature.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN THE ARTIST’S EYES All along her career, YZ has paid a tribute to feminine icons, famous or anonymous, real or fictional. For this project, the artist wanted to pay a tribute to Chinese empresses dressed in their most beautiful outfits and clad with their strength. As a sublime fantasy these women travel in time painted on old antic doors that carry the history of women’s independence.

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ YZ Tout au long de sa carrière YZ a rendu hommage aux figures féminines emblématiques, connues ou moins connues, réelles ou imaginaires. A l’occasion du projet, l’artiste a voulu rendre hommage aux impératrices de Chine, parées de leurs plus beaux atours et de la force de leur caractère. Imaginées et sublimées. Ces femmes traversent le temps, peintes à l’encre sur des portes en bois anciennes qui charrient elles aussi l’histoire de siècles d’indépendance féminine.

艺术家眼中的女性独立在她以往的职业生涯中，YZ 曾致敬了许多女性偶像，著名的和匿名的，真实的和虚构的。这一次，YZ想要向中国的皇后致敬，她们穿上了最华丽的服饰也被赋予了最坚强的力量。在大胆的想象中，这些女性穿越了时间，带着千百年来的独立来到了我们面前。

Empress Wang by artist YZ ink on antic doors, 163 x 102.5 cm

FAILE (USA)

FAILE is the Brooklyn-based artistic collaboration between Patrick McNeil and Patrick Miller. Their name is an anagram of their first project, “A life.” FAILE has been known for a wide ranging multimedia practice recognizable for its explorations of duality through a fragmented style of appropriation and collage. FAILE has adapted its signature, from a mass culture driven iconography to a vast array of materials and techniques. FAILE’s work is constructed from found visual imagery, and blurs the line between “high” and “low” culture, emphasizing audience participation, a critique of consumerism, and the incorporation of religious media, architecture, and site-specific or archival research. FAILE has long exhibited in major international institutions. At times, this means expanding the format of street art to a monumental scale, as in murals on the exterior of London’s Tate Modern in 2008, and again on ten-story buildings in Manila and Vienna. FAILE has had a mid-career retrospective at the Brooklyn Museum in 2015.

FA I L E 是布鲁克林艺术家 Patrick McNeil和Patrick Miller的艺术合作项目。他们的名字是他们的第一个项目“生活”的乱序拼写。 FAILE是一个广泛的多媒体应用艺术项目，通过零碎的拼贴工艺来探索实践的二重性。 FAILE适应了它的签名式作品，通过驱动的意象运用大量材料和技法的大众文化。

FAILE est un duo d’artistes de Brooklyn réunissant Patrick McNeil et Patrick Miller. Leur nom d’artistes est l’anagramme de leur premier projet « A life ». Connus pour leur travail iconique autour de la fragmentation et mélange des techniques, les artistes usent du collage et de la réappropriation visuelle. Ils ont adapté leur signature visuelle à partir d’une iconographie populaire. Leur travail est composé d’images recyclées, jouant sur la confusion entre culture élitiste et underground, poussant à l’intéraction avec le public, critiquant la société de consommation et incorporant des éléments religieux, architecturaux ou encore d’archives.

FAILE的工作是由基础的视觉意象开始的，它模糊了“ 高”“低”文化之间的界限，强调观众的参与，对消费主义的批判，并加入了宗 Le travail de FAILE a depuis 教，媒体，建筑等元素。 FAILE长期在重要国际机构中展出。有时，这意味着扩大街头艺术的格式，一个巨大的规模，如壁画在伦敦的泰特现代美术馆2008年外，又在马尼拉和维也纳的十层楼。FAILE在2015年在布鲁克林艺术博物馆有一个职业生涯中期的回顾展。

longtemps été présenté dans de nombreuses institutions internationales. Touchant à l’art urbain mais aussi à l’installation monumentale, ils ont ainsi collaboré avec la Tate de Londres en 2008, réalisé une œuvre de dix étages dans les rues de Manille tout comme à Vienne. En 2015, ils ont été mis à l’honneur avec une rétrospective au Brooklyn Museum.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN FAILE’S EYES Playing with diverse references, FAILE takes an unexpected path to share their vision of the independent woman. The contrast between the contemporary skate culture and the classical marble sculpture style makes this artwork very powerful. An Independent Woman is in FAILE’s vision a classy yet trendy person. She is self-assured and has her very own style no matter what others think.

FAILE眼中的女性独立

FAILE以一个意想不到的套路来分享他们的对于独立女性的看法。当代滑板文化与古典大理石雕塑风格的强烈对比，使这一艺术作品非常有 L’INDEPENDENCE FEMININE 力量。在FAILE眼中，独立的 CHEZ FAILE 女性是优雅而时尚的。她是 Brouillant les pistes, le duo 自信的，有自己的风格，无 FAILE n’hésite pas à mixer les 论别人怎么想。 références pour symboliser la femme moderne. Le contraste inattendu entre la culture skate contemporaine et le style de la statuaire classique en marbre donne toute sa puissance à cette œuvre réalisée pour le projet. La femme indépendante chez FAILE est à la fois altière et branchée ; sûre d’elle et détendue et surtout elle cultive un style qui lui est propre, loin de tout diktat.

Fantasy Island by artists FAILE marble sculpture, h: 123 cm

Inside the FAILE studio

ROSE-LYNN FISHER (USA)

Rose-Lynn Fisher lives and works in Los Angeles. Rose-Lynn Fisher is an American artist whose photography explores the vast and tiny, in aerial and microscopic views. Her Topography of Tears series is a study of tears that she photographed through an optical microscope. Recently exhibited at Palais de Tokyo in Paris, curator Rebecca Lamarche-Vadel noted that her work « reveals the existence of a multitude of territories inside of us… attempting to make visible through images, the physical manifestations of the intangible and undecipherable ». Currently, through a collaboration with Darquer - Dentelle de Calais since 1840 - she has transitionned and worked on laces. Under the artistic direction of Stéphane Plassier, her “Tears and Lace” is Darquer’s first line of artist lace. Fisher’s work has been exhibited in museums, art galleries and photography festivals across the world. Her work was recently presented at PondyPHOTO 2016 in India, and is currently featured in the Encircling the World: Contemporary Art, Science, and the Sublime show in Boston.

Rose Lynn Fisher是一位美国艺术家，她的摄影作品探索了巨大的和微小的、空中的和微观的观点之间的统一性。她BEE 的作者，是这本书中，通过电子显微镜高度放大的蜜蜂。她的眼泪形状是一个专门研究眼泪并通过拍摄光学显微镜来呈现的系列。最近在巴黎的东京宫的展览上，策展人Rebecca Lamarche Vadel女士指出，这个作品揭示了大量我们内心的主权…试图通过图像来表现出无形的量化。目前，自1840 以来与Darquer和Dentelle de Calais的合作中，STéphane Plassier的艺术指导下，她的作品“眼泪和蕾丝”开创了 Darquer的一线艺术家花边。 Fisher女士的作品已在全球艺术、科学、自然史、人类学、艺术画廊和世界各地的摄影艺术博物馆展出；被国际新闻界报道，被公共和私人收藏家收藏，并被颁发国际摄影奖。目前她的作品最近在 Pondyphoto 2016在印度展览；《环绕世界：当代艺术，科学和崇高》在波士顿展出。

Rose-Lynn Fisher vit et travaille à Los Angeles. Rose-Lynn Fisher est une photographe américaine qui explore à la fois l’infiniment petit et l’infiniment grand, à travers des vues aériennes mais aussi microscopiques. Sa série Topographie de larmes étudie des larmes à travers un microscope. De l’artiste récemment exposée au Palais de Tokyo, la commissaire d’exposition Rebecca Lamarche-Vadel dit que le travail « révèle l’existence d’une multitude de territoires à l’intérieur de nous… tentant de rendre visible à travers des images, les manifestations physiques de l’intangible et de l’indéchiffrable ». Actuellement, elle collabore avec Darquer (les dentelles de Calais depuis 1840) sous la direction artistique de Stéphane Plassier. Sa série Tears and Lace marque le lancement de la première dentelle d’artiste de Darquer. Le travail de Rose-Lynn Fisher a été présenté dans de nombreux musées, galeries d’art et festivals de photographie à travers le monde. Récemment, son travail a été présenté à PondyPHOTO 2016 à Pondichéry en Inde, et est actuellement exposé dans l’exposition Encircling the World: Contemporary Art, Science, and the Sublime, à Boston.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN ROSE-LYNN FISHER’S EYES The lace conceived by Rose-Lynn Fisher for Darquer (the most highend laces since 1840 that are now used in couture), is the perfect synthesis of a historic savoirfaire, lace, and a contemporary technology, microphotography. Tears and lace are present in the most intimate moments of life: birth, marriage, eroticism. A photograph immortalizes these moments; a photograph of tears links the intimate to the universal. And lace from these tears completes the circle. One of Daguerre’s early Daguerrotypes includes a portrait of a woman dressed in Calais lace. Nearly two centuries later, RoseLynn Fisher takes us on a journey of emotion through her exploration of tears viewed and photographed under a microscope. These unique photomicrographs, precisely translated into lace, foster a sense of romance worthy of the 19th century that only such a technology could achieve.

在ROSE-LYNN FISHER 眼中的女性独立 ROSE-LYNN FISHER设想的蕾丝（自1840年来至今使用的都是时装界最高端的），是一个历史性的见证了蕾丝与现代技术和摄影的完美结合。对艺术家而言，眼泪和蕾丝见证了生命中最亲密的时刻：出生、婚姻和性爱，而最终圆满。在达盖尔早期的作品中，包括一个身着加来蕾丝的女性肖像。近两个世纪后，Rose Lynn Fisher通过她对眼泪的探索，在显微镜下拍摄的眼泪带领我们一起踏上情感的旅程。这些照片，通过这样的技术，营造了第十九世纪的浪漫氛围。

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ ROSE-LYNN FISHER La dentelle conçue par RoseLynn Fisher avec Darquer (Dentelle de Calais depuis 1840) est la synthèse parfaite entre un savoir-faire historique de dentelle et cette technique contemporaine qu’est la microphotographie. Les larmes et les dentelles sont présentes dans les moments les plus intimes de la vie : la naissance, le mariage, l’érotisme. Une photographie immortalise ces moments ; une photographie de larmes relie l’intime à l’universel. Ainsi les dentelles de ces larmes bouclent la boucle. Un des daguerréotypes de la première heure de Daguerre luimême représentait une femme en dentelle de Calais. Près de deux siècles plus tard, RoseLynn Fisher nous emmène dans un voyage émotionnel à travers l’exploration de larmes photographiées au microscope. Les photomicrographies de l’artiste transcrites en dentelle charrient un esprit romantique digne du 19ème siècle que paradoxalement seule la technologie la plus mo-derne pouvait atteindre.

Rose-Lynn Fisher with StĂŠphane Plassier, Darquer The unity of the temporal and timeless: Tears and Lace, 2016 Tears and Lace: Microscopic photograph of tears by Rose-Lynn Fisher, Lace by Darquer Lace of Calais Ed. 1 of 3

Human tears under a microscope by Rose-Lynn Fisher

Human tears on Calais laces by Rose-Lynn Fisher and Darquer

NIKOLAI ISHCHUK (Russia)

Nikolai Ishchuk was born in Moscow in 1982. The artist lives and works in London, UK. He studied in the UK, at the University of York (2004) and the University of Cambridge (2005) before attaining an MA in Fine Art from Chelsea College of Arts (2013). Working across image, sculpture, mixed media artworks, installation and drawing, he asks what «photography» is today. He was the first non-documentary photographer to have won in the British Journal of Photography’s Awards in 2012. He also works with text, teasing out the deadpan in disseminated information.

Ishchuk在1982年出生于莫 Nikolai Ishchuk est né à Moscou en 1982. Il vit et travaille à 斯科。 Londres.

在2013年获得切尔西艺术学院硕士学位之前，他分别在 2004年就读纽约大学，以及在2005年就读剑桥大学。

Il a étudié en Grande Bretagne à l’Université de York en 2004 et à l’Université de Cambridge en 2005 avant d’être diplômé en art du Chelsea College of Arts en 2013.

他曾做过图像，雕塑，混合媒体，装置以及绘画，他不 Travaillant à l’intersection entre 断地在其中穿梭，只为了探 image, sculpture mais aussi nouveaux médias, installation 索何为“摄影”。 et dessin, l’artiste s’interroge 作为一位非纪实类摄影师， sur le statut de la photographie aujourd’hui.

他获得了2012年的英国杂志摄影奖。他也在信息传播中 Il a été le premier photographe 担任梳理有效信息，整合文 non-documentaire à remporter le prix du British Journal of 本等工作。 Photography en 2012. L’artiste travaille aussi le texte et la dissémination de l’information.

When Love Is Lost for Words Mixed media works from the artist’s personal love letters and cards. This work is part of a series of works made from a pile of love cards and letters found while clearing out. Self-consciously naive, they pit the sweetness of our everyday professions against their eventual futility. During the show at the Moscow Museum of Modern Art where they were done

first, visitors were able to drop off their love cards and letters in a specially provided mailbox to be reworked by the artist. In this work the absence of the woman, because she is gone, makes her existence even stronger, even more unbearable…

Quand il n’est plus de mot pour l’amour perdu : Ce travail fait partie d’une série d’œuvres réalisées à partir d’une pile de cartes postales et de lettres d’amour retrouvées. Naïves de façon assumée, ces œuvres opposent la douceur de nos professions de foi à la vacuité du quotidien. Initiée au Musée d’Art Moderne de Moscou, cette série a été alimentée par les visiteurs

eux-mêmes qui ont pu déposer leurs mots doux dans une boîte aux lettres spécialement prévue par l’artiste. Dans ce travail, l’absence de la femme, parce qu’elle a disparu, comme si elle était partie, rend sa présence, dans le non-dit, encore plus forte, encore plus intense...

When Love is Lost for Words Nikolai Ishchuk

Grains of Salt are Lambda prints made of digital collages from photograms and paper negatives. The Grains of Salt series plays on the fact that every day we have to process vast amounts of information which validity we lack the means to ascertain beyond reasonable doubt. We end up collecting disparate residual bits of information, and if they are mapped out visually, a rather

random and absurdist terrain reveals itself. Each collage only uses elements found on one sheet - a sheet here being an object with both sides, to emphasize ironic and incongruent juxtapositions that often allude to the relationship between men and women.

Grains of Salt Nikolai Ishchuk

Grains de sel sont des impressions faites de collages numériques à partir de photogrammes et négatifs sur papier. La série Grains de sel joue sur le fait que chaque jour, nous devons traiter de grandes quantités d’informations dont nous manquent les moyens de vérifier la validité au-delà de tout doute raisonnable. On finit par recueillir des résidus d’information disparates qui peuvent être cartographiés visuellement.

Dès lors se dévoile un champ assez aléatoire et absurde. Chaque collage est fait uniquement à partir d’éléments trouvés sur une seule page, et permet de souligner juxtapositions ironiques et incongrues, comme parfois dans les relations entre les hommes et les femmes.

Grains of Salt Nikolai Ishchuk

LI HONGBO (China)

Li Hongbo, international artist, was born in 1974 in China’s Jilin province. Currently, he lives and works in Beijing. When he worked in the book industry as an editor and designer, Li Hongbo was fascinated by the paper and its «endless possibilities». Thus, he monopolizes the medium by using it in the making of his sculptures. To do so, he sticks tens of thousands of sheets in a honeycomb structure, a traditional Chinese technique for making festive decorations. The artist forms blocks of paper that he then sculpts to give them the shape of human figures, objects or bust replicas from ancient Greece or Renaissance Italy. At first sight his sculptures look like a classical marble or stone sculpture. yet, upon lifting and opening the sculpture, it appears it is made of paper and it is moving. As the flexible structure unveils, the artist shows the constant paradoxes of life.

李洪波，国际艺术家，1974 Li Hongbo, artiste international, est né en 1974 dans la province 年出生于中国吉林。在图书界作为编辑和设计工作的时候，李洪波为纸张以及其无限的可能所痴迷。因此，他囤积这种媒介，将其创作为雕刻品。为了创作，他将数万张纸按照蜂巢的结构，并运用中国制作节日装饰品的传统工艺粘贴起来。艺术家组建其雕刻的纸质部分，以创作出人物形象的形状、物品的形状，或是根据古希或意大利文艺复兴时期的半身雕像雕刻的复制品。因此，李洪波运用并创新了传统经典材料——纸。他将纸应用为错觉的载体，通过这个载体，真实而又稳定的造型可以变形甚至完全转变为另外一种形状，有时真的是奇形怪状。通过这些可以伸缩的雕刻品，艺术家同时表现了中国民俗传统和西方艺术文化。因此，艺术家研究的是在这个不断变化的世界中经得住时间检验的感知和视觉语言。

de Jilin en Chine. Il vit et travaille actuellement à Pékin.

Lorsqu’il travaillait dans le domaine du livre comme éditeur et designer, Li Hongbo était fasciné par le papier et ses «infinies possibilités». Aujourd’hui, il s’accapare ce médium en réalisant des sculptures avec. Pour se faire, il colle des dizaines de milliers de feuilles selon une structure en nid d’abeille, cette technique traditionnelle chinoise pour la confection des décorations festives. L’artiste constitue des blocs de papier qu’il sculpte, ensuite, pour leur donner la forme de figures humaines, d’objets ou de répliques de bustes tout droit issus de la Grèce antique ou de l’Italie renaissante. A première vue ses sculptures sont comme des bustes antiques faits, de marbre. Pourtant à la manipulation, on découvre qu’elles s’ouvrent et sont faites de papier, dévoilant ainsi leur paradoxe intrinsèque.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN LI HONGBO’S EYES The work of Li Hongbo is full of contrasts. Somehow it is the same type of contrast that one might expect of the so called independent woman: delicate as these works made of paper, and solid as a classical marble sculpture. The artist’s message is therefore based on the assumption that the woman persona is sometimes surprising, and yet very different once one approaches her and discovers her mind. The independent woman can seem harsh on the outside and be delicate on the inside. Behind the appearances there is often a tender heart.

L’INDEPENDENCE CHEZ LI HONGBO

FEMININE

Le travail de Li Hongbo est tout en contraste. D’une certaine façon, il s’agit du même type de contraste que l’on pourrait attendre de la femme indépendante : délicate comme l’œuvre de papier, et solide comme une sculpture classique en marbre. Le message de l’artiste repose donc sur le postulat que la femme est parfois surprenante, et bien différente à qui saura l’approcher et la découvrir. La femme indépendante peut sembler dure à l’extérieure et délicate à l’intérieur. Derrière les apparences d’une femme de tête se cache souvent un cœur tendre.

Woman, paper sculpture Li Hongbo

LIU BOLIN (China)

Liu Bolin was born in 1973 in China where he lives and works. Known for his Invisible Man photo-performance, Liu Bolin has through the years been working on different subsequent themes. Liu Bolinâ&#x20AC;&#x2122;s work always requires a meticulous planning and execution. It all lies in the perfection of the vision, whether it is an illusion or just a mirror surface. He uses the city around him as a backdrop, painting himself to blend in with a landscape in constant flux. By literally blending into the city, Liu creates a tension that challenges the viewer to question what is above and beneath the surface. For Liu, the most important element of his images is the background. As both artist and performer, Liu decides how to compose each scene before entering the frame. Once situated, he puts on his uniform, painted seamlessly to hide himself in the scene. Although the end result of Liuâ&#x20AC;&#x2122;s process is the photograph, the tension between his body and the landscape is an important aspect to the process.

刘勃麟于1973年出生在中国，至今仍然生活工作于此。因其摄影艺术作品《隐形人》而知名，之后刘勃麟这些年一直在致力于不同的主题。我们不可以忽视其作品中作为媒介的雕刻品，因为雕刻品为我们提供了其研究中的一种连贯的变化。他的雕刻品就像他的摄影作品，展示了外部如何与内部想融合，反之亦然。刘勃麟的工作需要规划，并且需要细致的实施工作。无论是错觉，亦或是镜子的表面，一切都存在于视觉的完美中。他将其周围的城市当作背景画布，自我绘画以融合在不断演变的风景之中。在完全混合在城市中的同时，刘勃麟制造了一种压力，这种压力激发观众质疑表面之上与之下到底是什么。对于刘勃麟来讲，其图像最重要的因素是后面的图层。作为艺术家和表演者，刘勃麟在进入到布局之前，要选择如何布置每一个场景，一旦布置好，他会走进整齐的画面中，以便完全消失在场景中，如同隐藏在其中。

Liu Bolin est né en 1973 en Chine, où il vit et travaille. Reconnu pour ses photoperformances, et comme l’Homme Invisible, Liu Bolin a, au fil des ans, travaillé sur différents thèmes subséquents. Le travail de Liu Bolin exige une planification et une exécution minutieuse. Tout réside dans la perfection de sa mise en scène. Il utilise la ville ou d’autres décors comme toile de fond, puis se peint pour se fondre dans un paysage en constante évolution. En se camouflant littéralement dans son fond, Liu Bolin crée une tension qui défie le spectateur à remettre en question ce qui est de l’ordre du visible et de l’invisible. Pour Liu Bolin, l’élément le plus important de ses images est l’arrière-plan. Etant artiste et performeur, Liu Bolin choisit comment composer chaque scène avant d’entrer dans le cadre. Une fois placé, il enfile une tenue qui sera peinte de façon à le faire disparaître totalement dans la scène, comme camouflé. Bien qu’œuvre photographique dans sa finalité, la tension entre son corps et l’environnement autour de lui est un aspect primordial du processus.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN LIU BOLIN’S EYES In his special production for the project Women’s Indepedence Liu Bolin has chosen to have 100 independent women participating. Through the 100 testimonies shared by the mayor of the city of Lille (France), some famous fashion designers, artists or other business women, he was able to share their vision of independence. They each have given him an object that best symbolizes their independence. From these objects Liu Bolin created an installation. Finally, Liu Bolin made a special shooting and posed as he usually does in front of the installation and disappeared. The photo has been taken on the opening day of the show and then unveiled.

刘勃麟：在此次特意为展览准备的作品中，刘勃麟选择了100位独立女性参与其中。通过对 100位女性的采访，包括法国里尔市市长，知名时装设计师、艺术家和其他商业女性，他看到了她们身上的独立性。通过她们提供的100 样物品，刘勃麟完成了最能代表每个人独立性的装置艺术，并且像往常一样“消失”在作品中。展览开幕会按照他的惯例拍摄一张他和作品的合影，并将很快和大家见面。

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ LIU BOLIN Dans une production spéciale pour le projet Women’s Indepedence, Liu Bolin a choisi de faire témoigner 100 femmes indépendantes. A travers les témoignages partagés par la maire de la ville de Lille (France), des créatrices de mode connues ou encore des femmes d’affaires chevronnées, il a su partager leur vision de l’indépendance. Celles-ci lui ont chacune confié un objet qui symbolise le mieux leur indépendance. A partir de ces objets, Liu Bolin crée une installation devant laquelle il se prend en photo, se donnant à disparaître comme il le fait habituellement, dans le décor ainsi formé. La performance a été réalisée lors de l’inauguration de l’exposition puis dévoilée.

Women from the Liu Bolin project. The artist has asked 100 women to share what object best embodies their independence in order to do a shooting with these objects. Femmes du projet de Liu Bolin. Chacune des 100 femmes interrogées a témoigné et partagé l’objet qui incarne le mieux son indépendance. Les objets en question ont ensuite fait l’objet du shooting par Liu Bolin.

Work in progress for the Womenâ&#x20AC;&#x2122;s Independence shooting by Liu Bolin.

Liu Bolin, Stand in front of Independence, photography, 112 x 150 cm

ERWIN OLAF (Netherlands)

Erwin Olaf was born in the Netherlands in 1959. He graduated from the Utrecht School for Journalism, in 1980, with a degree in newspaper journalism and photojournalism. Now worldwide famous Olaf has earned several Silver Lions for his work, which is increasingly sought after by magazines such as the New York Times Magazine, Vogue, and Vanity Fair. His work offers a blend of midcentury modern aesthetics seen through a contemporary, fashion-inflected lens. Olaf creates his own worlds: silent, ironic, melodramas which are populated by mannequin-like figures in perfect clothes, waiting in perfect rooms for something to happen, or not. His work embodies a Norman-Rockwell style kitsch, a film noir intensity, and a strangeness reminiscent of the films of American filmmaker David Lynch. Olaf explores issues of beauty, loneliness, and despair, expressed in a very individual style that combines fashion, cinema, history and advertising.

艺术家Erwin Olaf于1959年出生在荷兰。他于1980年毕业于乌得勒支新闻学院，攻读了新闻和新闻摄影专业。

Erwin Olaf est un artiste néerlandais, né en 1959, qui vit et travaille à Amsterdam. Suite à ses études de journalisme à l’Utrecht School for Journalisme, il débute une carrière de photographe de mode et de publicité.

Olaf已经赢得了许多银狮奖，也得到了越来越多杂志的追捧，如纽约时报杂志， En 1988, il remporte le prix du Concours Young Europe 伦敦星期日时报和名利场。透过镜片，他的作品融合了中世纪和现代美学来展现时尚。奥拉夫创造了自己的世界：沉默，讽刺和情节剧。他的作品体现了一种诺曼·洛克威尔式的媚俗，像黑色电影一样，又像是美国导演大卫·林奇的电影回忆录。奥拉夫探讨着美丽，孤独和绝望，结合了时尚，电影，历史和广告，表达着他自己非常独特的风格。

Photographer, pour sa série Chessmen qui fait, ensuite, l’objet d’une exposition au musée Ludwig à Cologne en Allemagne. Erwin Olaf expose, désormais, à l’international et ses œuvres sont présentes dans les collections les plus prestigieuses. Ses photographies laconiques figent l’humanité par la lumière et la fait vivre à travers la précision des détails. Les conventions du médium photographique et de la photographie de mode sont mises au service de la magnificence du modèle et de son environnement qui s’emplit de mystère et de mélancolie. L’artiste joue, ainsi, sur le paradoxe entre la beauté extérieure et la réalité intérieure. « Je cherche à interpeller autant sur la forme que sur le fond ».

WOMEN’S INDEPENDENCE IN ERWIN OLAF’S EYES The independent woman in Erwin Olaf’s photos poses without any complex in couture outfits. But with Erwin Olaf women get yet an additional way to be even more beautiful: light. In his way of shooting and working with light, Erwin Olaf is a perfectionist. The women he represents are true, different, full of character, and certainly not stereotyped as it is too often the case in fashion shoots. Erwin Olaf pays a tribute to the strength of their character.

New York Times Couture, Erwin Olaf photography

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ ERWIN OLAF La femme indépendante chez Erwin Olaf pose sans complexe dans des tenues haute couture. Mais chez Erwin Olaf elle se pare d’un autre atout : la lumière. Dans sa manière de travailler la lumière Erwin Olaf est un perfectionniste. Les femmes qu’il représente sont vraies, différentes, pleines de caractère, et surtout pas stéréotypées comme trop souvent dans la mode. En photographiant les femmes ainsi Erwin Olaf rend hommage à la force de leur caractère.

New York Times Couture, Erwin Olaf photography

DANIEL OTERO TORRES (Colombia)

Daniel Otero Torres was born in 1985 in Bogotรก, Colombia. He lives and works in Paris, France. Daniel Otero Torres maintains certain ambiguities between drawing and volume, drawing and photography, original and copy, viewer and object. Mixing things and refrences is central to his approach. As the starting point of his work, a digital photographic image is composed, before being meticulously reinterpreted with a pencil. Daniel Otero Torres presents a complete set of graphic and sculptural artworks, affirming the idea of the illusion and of the oscillation between power, fragility, and confrontations. His work defines a pursuit of confrontation through the objectified re-configuration of forms and figures from another era, which punctuate an otherwise empty space. By placing the spectator under the watchful gaze of his subjects, he affects a mutual process of surveillance, between the artwork and the viewer.

«Daniel Otero Torres 是一位素描艺术家。他的工具为 6H有时甚至是5H的铅笔。他的作品并没有规矩地占据整块墙壁，只是占据了部分空间。艺术家的素描提问于素描与铝制品的剪影结合并被放置于一个底座上。那些剪影装置即带有展示的游戏性又在当代艺术领域中包含一定的批评性。让我们联想到亚马逊流域的印第安部落Kayapos由于森林的无节制砍伐而遭受生存问题的威胁。展览形式是细致的，带有羽毛的头巾，珍珠项链，棉质内裤以及身体绘画，这些二次创作的形式和超写实主义挂钩。艺术家质疑那些以制成标本为目地的完美模仿主义。同样的，一些无意识的错误也被艺术家邀请到他的素描作品中，铅笔交织的亮区和暗区使得半身像和腿似乎不在同一个平面，来自于不同的身体。» 转自Marjolaine Lévy.

«Daniel Otero Torres est dessinateur. Son outil est le crayon graphite 6H, parfois le 5H. Pourtant ses œuvres ne prennent pas toutes sagement place sur les murs, certaines occupent l’espace. C’est que les dessins en question ont souvent pour support des silhouettes découpées dans l’aluminium et posées sur des socles en acier. Ces silhouettes qu’utilisa parfois Öyvind Fahlström dans ses représentations ludiques et critiques du monde contemporain, donnent à voir des personnages d’une autre époque, dont l’existence est menacée par la déforestation. La représentation est minutieuse. Coiffes, colliers de perles, vêtements et maquillages ont été reproduits d’une manière qui flirte avec l’hyperréalisme. L’artiste se méfie toutefois d’un mimétisme trop parfait qui tendrait à naturaliser les images. Aussi quelque chose comme un bug s’invite dans le dessin. Le crayon alterne savamment zones claires et zones plus foncées, de telle sorte que le buste et les jambes semblent ne pas appartenir au même corps.» Marjolaine Lévy.

WOMENâ&#x20AC;&#x2122;S INDEPENDENCE IN DANIEL OTERO TORRESâ&#x20AC;&#x2122; EYES If the figures of Daniel Otero Torres disturb us is because they break with the tradition that makes them passive objects of our gaze. The silhouettes in an unusual way we are led to see them differently. The setting of his works surprises us. These drawings patiently executed are standing like real people. The works are transformed and become members of the audience. By the three-dimensionality, these artworks become as if they were real human beings.

Falda, Daniel Otero Torres height : 240 cm

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ DANIEL OTERO TORRES Si les figures de Daniel Otero Torres nous troublent, c’est qu’elles rompent avec la tradition qui fait d’elles les objets passifs de notre regard. En ayant découpé leurs silhouettes de façon inhabituelle nous sommes amenés à les voir différemment. La scénographie des œuvres d’Otero Torres réserve des surprises. Les œuvres dessinées, avec un patient travail au crayon, se tiennent debout. Les œuvres se transforment, se fondent dans la masse et deviennent des personnes du public. Par leur tridimensionnalité, ces dessins font corps et deviennent réels.

Falda, Daniel Otero Torres height : 240 cm

STELLA SUJIN (Korea)

Stella Sujin was born 1983 in Seoul, lives and works in Paris. Stella Sujin is currently completing her PhD in Arts, yet she was trained in arts in South Korea before moving to Paris and study both philosophy and Arts. For this reason her work is very sensitive. The artist focuses on the link between the body and the soul. Since her beginnings, she has been shown in various art galleries and museums in Korea and France as well as in Germany, Norway, Greece, etc. As her gallerist Sunhee Choi says ÂŤ Stella Sujin is one of the youngest artists in this show and has a lot of potential to grow. There is a meticulousness to her work that could be understood as distinctly Korean. Her pictures contain a mix of self-made symbols and mythologies that seem to be influenced by both Eastern and Western cultures. She also deals with anatomy, sickness and surgery, themes linked her own life experiences.Âť Stella Sujin is represented by Choi & Lager Gallery.

Stella Sujin于1983年出生在 Stella Sujin est une coréenne née 汉城，现在居住并工作于巴 en 1983 qui a décidé de s’installer en France, il y a quelques années, 黎。 Stella Sujin正在攻读她的艺术博士学位，在此之前她在韩国学习艺术，并且辅修哲学。因为这个原因，她的作品都很敏感。艺术家更加专注于身体和灵魂之间的联系。自她开始展出以来，她已在韩国和法国，以及在德国，挪威，希腊等地的各种艺术画廊和博物馆展览过。她的画廊主说 Stella Sujin是该展览中最年轻的艺术家而且有很大的潜力。她的作品都是具有韩国特色的。她的作品包含了很多个人象征和神话，艺术家同时受到了东西方文化的影响。她还涉及到了解剖、疾病和手术等主题，都是联系了她自己的人生经验。

pour y étudier mais aussi pour y développer son art. De sa démarche, elle écrit : «Quand j’étais petite (...) j’ai commencé à me poser des questions ontologiques sur la relation entre le corps et son propriétaire, en tant qu’être vivant. Platon a appelé corps “soma” , les vaisseaux qui contiennent l’âme, et il a aussi remarqué que l’âme est immortelle mais le corps disparaît après la mort et l’âme quitte donc les vaisseaux. (...) Après avoir spéculé sur ce concept de mort, j’ai appris que des études existaient, montrant des recherches sur la relation entre l’âme et le corps. Elles trouvaient leur essence dans le Spiritualisme exploré par Aristote et Henri Bergson.»

Stella Sujin此次将由Choi & Stella Sujin est représentée par la Lager Gallery代表出席。 galerie Choi&Lager.

WOMENâ&#x20AC;&#x2122;S INDEPENDENCE IN STELLA SUJINâ&#x20AC;&#x2122;S EYES The woman figure is for Stella Sujin both a body and a soul. She gets very real in the representation of specific body parts and is also evanescent by the use of watercolors and poetic details. Animals like deers, birds or flowers are painted by Stella Sujin and represent a poetic dreamlike universe. Coming straight out of our dreams these elements contrast with the jaws, collarbones, and other femurs that are also depicted. Everything is a paradox in her very feminine way of painting with watercolor. It is apparently so sweet but actually focuses on the contrasts of life. In addition to being some kind of visual poet, being independent for Stella Sujin is also, being raw, tough and assertive.

Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ STELLA SUJIN La femme chez Stella Sujin est à la fois corps et esprit. Elle est réelle dans la représentation de parties précises du corps et elle est à la fois évanescente par l’emploi de l’aquarelle et de détails poétiques. Les cerfs, les oiseaux ou encore les fleurs que Stella Sujin peint, sont autant d’invitations à la rêverie. Tout droit sortis de songes, ces éléments font contraste avec les mâchoires, clavicules, et autres fémurs. Tout est paradoxe chez cette femme à la peinture en apparence si douce mais qui en fait relève les contrastes de la vie. Car être indépendante chez Stella Sujin c’est aussi, en plus d’être une sorte de poétesse visuelle, être crue, dure, affirmée.

Watercolor drawing by artist Stella Sujin courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

Artist Stella Sujin at work courtesy Choi&Lager Gallery, Cologne,Seoul

JEANNE SUSPLUGAS (France)

Jeanne Susplugas was born in 1974 in Montpellier (France). After 8 years in Berlin, she currently lives and works in Paris. As a fine artist she deals with photography, installation, videos as well as drawing and sculpture. In her artworks Susplugas questions the relationship between individuals. She works on installations as well as drawings with a special, almost ironical aesthetic. She shows how obsessed is our world in general, sometimes stressed sometimes reassured. She has been exhibited, among amny other shows, at the Grenoble as well the Saint Etienne Modern Art Museums. In 2013 she has been awarded the Opline prize and in 2015 the Art & Care award at the Palais de Tokyo.

出生在蒙彼利埃，居住在法 Jeanne Susplugas est née en 1974 à Montpellier. Après huit 国巴黎她在格雷诺布尔当代艺术博物馆、圣艾蒂安当代艺术博物馆、多伦多的V-Tape、柏林的Kunst-werke、格但斯克的Wyspa艺术研究院、锡耶纳的教皇宫、勒弗诺瓦当代艺术学院、广东美术博物馆、上海双年展、Wishita的 Ulrich当代艺术博物馆、罗马的美第奇别墅、还有东京馆都有展出过。她的电影在一些节日上都有展示过，如 Hors Pistes（蓬皮杜中心）、洛迦诺国际电影节、迈阿密电影节、马德里、巴黎、柏林国际会晤......她进入到了当代艺术界的系列！

années passées à Berlin, elle vit et travaille désormais à Paris.

Jeanne Susplugas a été exposée, entre autres, au musée d’art moderne de Grenoble, au musée d’art moderne de Saint-Étienne, au Kunst-werke de Berlin, à l’institut d’art de Wyspa à Gdansk, au Palais des Papes à Sienne, à la Biennale de Shanghaï, au musée d’art contemporain Ulrich à Wishita, à la Villa Médicis à Rome, ou encore au Palais de Tokyo. Ses films ont été montrés dans des festivals tels Hors Pistes (Centre Pompidou), Locarno International film festival, Miami film festival, Rencontres Internationales Madrid, Paris, Berlin... Elle figure dans la série Place à l’art contemporain ! de Jacques Bouzerand et Thierry & Spitzer.

2015年，她获得了Art Care奖“陪审团的一见钟情”。这个奖由Artsper （当代艺术市场界）和Philips（工业团体）联合创立，，并由Olivier WildmaierPicasso和Georges Rodesch 博士将其托付给了东京馆。

En 2015, elle est Coup de cœur du Jury du prix Art & Care. Ce prix, créé conjointement par Artsper (place de marché de l’art contemporain) Philips (groupe industriel), et qui a été remis au Palais de Tokyo par Olivier Wildmaier-Picasso et le docteur Georges Rodesch.

Drawing by Jeanne Susplugas « La mode n est pas morale ni amorale, mais elle aide pour remonter le moral » Fashion is neither moral, nor amoral, yet it helps to lift your spirits 时尚既不高贵也不低俗，但它升华了你的灵魂。 Karl Lagerfeld卡尔大帝

WOMEN’S INDEPENDENCE IN JEANNE SUSPLUGAS’ EYES To Jeanne Susplugas addictions are among the ills that characterize our century. She loves to pinpoint our obsessions. When highlighted ostentatiously maybe they are easier to grasp and control. Through the artworks created for the exhibition, the artist questions the very status of independence. Isn’t it becoming addictive? Should every woman at all costs show their independence to be themselves and to be real. The work becomes a kind of catharsis for the viewer. As if such a confrontation was the beginning of a cure.

这些怪癖是构成当代时代特征的缺陷的一部分。明显以炫耀的形式，这幅作品成为其观赏者发泄的一种方式。如同审查缺陷和觉醒是治愈的开始。

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ JEANNE SUSPLUGAS Pour Jeanne Susplugas les addictions font parties des maux qui caractérisent notre siècle. Elle aime à pointer du doigt nos obsessions. Car mis en évidence de façon ostentatoire il est plus facile d’y réfléchir. A travers les œuvres réalisées pour l’exposition, l’artiste interroge le statut même de l’indépendance. N’est-ce pas en soit devenu une dépendance? Les femmes doivent-elles à tout prix montrer de façon trop visible leur indépendance pour l’être réellement. L’œuvre devient une sorte de catharsis pour celle qui la regarde.

Dependence, led light, by Jeanne Susplugas

YI ZHOU (China)

Chinese multimedia artist who has lived in Rome from the age of 8 and studied between London and Paris with degrees in Political Science and Economics, Yi Zhou is a polyglot artist whose videos has been shown at Shanghai Biennale, Venice Biennale Sundance Film Festival and Cannes Film Festival. Her work is also recognized by members of highly diverse social circles such as distinguished intellectuals, Hollywood celebrities and wealthy patrons and young social media audience. As a painter, sculptor, Yi Zhou also masters animation and 3D video. Fascinated by beauty, Yi Zhou get inspired by her own dreams and nightmares and combines them in a poetic way, mixing mythology, Chinese literature, as well as reminiscences of her own history. She regularly collaborates with artists from different backgrounds such as Charlotte Gainsbourg, Air, Ennio Morricone or Pharrell Williams. Lately, she is working with Al Pacino who participate in the video she will present in her next exhibition at Rome Museum of Contemporary Art, the MACRO.

中国多媒体艺术家YZ 曾经生活在罗马并从8岁开始伦敦和巴黎之间往返攻读政治学和经济学学位，Yi Zhou是一个语言艺术家，她的作品曾在上海双年展，威尼斯双年展的圣丹斯电影节和戛纳电影节上展出。她的作品也得到了社会各界的高度认可，包括杰出的知识分子，好莱坞名人和年轻的社交媒体观众。在过去的几年中，Yi Zhou 一直支持全球范围内的各大活动，如 2 0 1 2 年的 Pe r s o l ，2015年的DFS和2016年的李维斯。从2010年到2011 年，Yi Zhou被任命为娇韵诗的第一个艺中国术家大使。因为她的多重身份，也深受各大奢侈品牌的喜爱，在2011年，她开始和一些奢侈品牌合作，如香奈儿、Hogan、普兰格、连卡佛和YOOX。

Yi Zhou est une artiste à part sur la scène artistique internationale. En quelques années seulement, elle a su imposer son style avec des productions qui ont fait le tour des grandes expositions et biennales internationales dont celle de Venise en 2011. Née en 1979, Yi Zhou quitte sa ville natale de Shanghaï à l’âge de 8 ans pour s’installer à Rome avec ses parents. C’est là qu’elle découvre et s’initie à l’art académique en prenant des cours de peinture et de dessin. Mais c’est à Londres et à Paris qu’elle découvre les artistes contemporains, dont Damien Hirst, et décide de devenir artiste elle-même. Peintre, sculptrice, elle passe surtout maître dans l’animation et la vidéo 3D qui deviennent sa marque de fabrique. Fascinée par la beauté, les œuvres de Yi Zhou s’inspirent de ses rêves et de ses cauchemars qu’elle combine avec la poésie, la mythologie, la littérature chinoise, ainsi que les réminiscences de sa propre histoire. Elle collabore régulièrement avec des artistes venus d’horizons différents comme Charlotte Gainsbourg, Air, Ennio Morricone, Pharrell Williams ou encore Al Pacino qu’elle met en scène pour sa prochaine exposition au Musée d’Art Contemporain de Rome, le MACRO.

WOMEN’S INDEPENDENCE IN YI ZHOU’S EYES The Natalia Vase is based on inspirations of Art Deco Shanghai, and the beauty and eternity of the Art Deco art and objects. The work is conceived and made in Shanghai. Based on lines of Natalia Vodianova’s face made into 3D then turned into mold then into a marble sculpture. The work is inspired by Brancusi, a reference already present in Yi Zhou’s previous works, as well as Buddism, therefore, the lines and features of Natalia as minimal and zen and serene.

艺术家Natalia Vase的作品是源于上海ART DECO的灵感，与美和永恒的追求。这个作品是在上海构思并且制造的。基于娜塔莉亚的面部轮廓而制成的三维立体模具做成的大理石雕塑。这项作品受到了布朗库西的启发，和YI之前的作品，以及佛教的影响，因此，作品的特点是极简和禅意的宁静。

L’INDEPENDENCE FEMININE CHEZ YI ZHOU Le vase Natalia est inspiré par les années Art Déco de Shanghaï, ainsi que la beauté et l’éternité des objets d’art. En hommage à ces années folles, l’œuvre a été conçue et réalisée à Shanghaï. Sur la base des lignes du visage de Natalia Vodianova transformé en moule puis en sculpture en marbre l’artiste a voulu rendre hommage à la beauté intemporelle. Le travail est inspiré de Brancusi, une référence déjà présente dans les travaux antérieurs de Yi Zhou. Le bouddhisme est aussi une autre source d’inspiration de l’artiste. De ce fait, les lignes de l’œuvre sont comme minimales et zens, exsudant la sérénité des femmes sûres d’elle.

ARTWORKS LIST

Ekaterina Anokhina As I am Polaroid 10,9 x 8,6 cm courtesy of the artist

Chen Man Vision 13 Lambda print 80 x 80 cm courtesy of the artist

Chen Man Vision 14 Lambda print 80 x 77,9 cm courtesy of the artist

Yseult Dian aka YZ Empress Wang Ink on Antic wooden door 163 x 102.5 cm courtesy of the artist photo Stephane Bisseuil

Faile Fantasy Island Marble sculpture 123 x 50 x 67 cm courtesy of the artists

Rose Lynn Fisher Tears and Laces Photograph and Laces 40 x 60 cm each courtesy of the artist and Darquer

Nikolai Ishchuk Grains of Salt Digital media on dibond 60 x 60 cm each courtesy of the artist

Li Hongbo Women Paper Sculpture 40 x 30 x 30 cm courtesy of the artist

Liu Bolin Hidden with 100 women, 2016 Installation and photograph 150 x 112 cm courtesy of the artist

Erwin Olaf New York Times Couture Photograph 80 x 60 cm courtesy of the artist

Daniel Otero Torres Falda, 2016 Pencil drawing on aluminium 75 x 240 x 53 cm (x 2) courtesy of the artist Photo Aldo Paredes

Stella Sujin Set of 20 watercolor on paper, 2016 212 x 210 cm all together courtesy of the artist and Choi Lager Gallery

Jeanne Susplugas Dependence, 2016 Led strip 280 x 40 x 15 cm courtesy of the artist

Yi Zhou Natalia Vase, 2016 Marble Sculpture 30 x 25 x 25 cm courtesy of the artist

HOW TO SUPPORT THE NAKED HEART FOUNDATION As Laurent Milchior states it, “when we conceived this project with Marie and Magda, it seemed obvious for us that it also should be about sharing. Working with Naked Heart Foundation was natural. It was a way to thank our long time muse Natalia Vodianova, by participating with her in building inclusive society open to people with special needs through encouraging play and creation of free support services for disadvantaged families.” Thus, after the two exhibitions Women›s Independence in Shanghai and in Paris, the artworks on display will be offered for sale at a charity auction. All profits from this sale will be donated to the Naked Heart Foundation. By acquiring these artworks, support the Foundation and its main programs to develop a network of support services for families of children with special needs and to create inclusive play facilities for children of all abilities.

Comme en témoigne Laurent Milchior : « Lorsque nous avons monté ce projet avec Marie et Magda, il nous a semblé évident de le partager. Collaborer avec Naked Heart était tout naturel, puisque c’était un moyen de remercier Natalia Vodianova notre égérie pendant plus de huit ans, en participant à ses côtés au développement de parcs pour enfants défavorisés à travers la planète. » Ainsi, à l’issue des expositions à Shanghaï puis à Paris de Women’s Independence, les œuvres d’art exposées sont mises en vente aux enchères caritatives. Tous les bénéfices de cette vente sont reversés à la Naked Heart Foundation. En acquérant une œuvre de l’exposition, soutenez les programmes mis en place par Naked Heart.

ABOUT

The Naked Heart Foundation is an international children’s charity established by Natalia Vodianova in December 2004. The charity’s main mission is to help build an inclusive society that is open to people with disabilities and special needs, through encouraging play and creating free support services for disadvantaged families. Natalia’s personal experience of growing up with her sister Oxana, who was born with autism and cerebral palsy, has had a major effect on her philanthropic work. Initially building inclusive children’s play parks and playgrounds, the Foundation later expanded its scope of activities to include support services for families raising children with conditions such as autism, Down’s syndrome, cerebral palsy and learning disabilities. The Foundation’s work to support children with special needs aims to solve one huge problem – the abandonment of such children and their placement in closed state institutions, either at birth or in early infancy, owing to the lack of support from the government

or NGOs. The organization creates family support centers across the country and funds dozens of NGOs on an on-going basis. Since 2012 the Foundation organizes annual international â&#x20AC;&#x153;Every child deserves a familyâ&#x20AC;? forum in Moscow, which gives people from all round the world a platform to discuss their work with children with disabilities. The charity takes every opportunity to speak to the media about special needs and creates impactful social campaigns with celebrities and opinion makers in order to change attitudes to special needs in Russia. Since its beginnings the foundation has achieved to build over 170 play facilities, some of which are built on the grounds of childrenâ&#x20AC;&#x2122;s hospitals, care homes and rehabilitation centers. It has also developed a large-scale, one-of-a-kind educational program, which trains schoolteachers and preschool teachers to work with children with autism. The foundation has raised over 33 million euros globally to carry out its work. Natalia and the Naked Heart Foundation have inspired numerous international companies and brands to make the world a better place. Natalia is often invited to speak about her philanthropic work alongside other heads of international NGOs, businesses and politicians. Find out more:

nakedheart.org Instagram.com/ NakedHeartFoundation Twitter.com/NakedHeartF Facebook.com/NHFcharity

裸心基金会是一个在2004年个平台，来讨论他们的工 12月由超模娜塔丽沃佳诺娃作。慈善事业需要抓住每一。创办的国际儿童慈善机构个机会来创造社会影响力，通过名人媒体和舆论制造者该慈善机构的主要任务是通的态度来改变在俄罗斯的现过鼓励为弱势家庭提供免费。状的支持和服务从而建立一个包容性的社会。娜塔莉亚和自成立以来，该基金会已经她出生时有就患自闭症和脑帮助建设了超过160个游乐瘫的姐姐Oxana一起成长的设施，其中一些是建在儿童个人经历，对她的慈善工作医院、护理院和康复中心周。起到了重要帮助边。这也帮助了大规模的教育计划，培养了教师和幼儿在初步建立了让残障孩子们教师对自闭症儿童的工作。玩耍的公园和游乐场后，裸该基金会已经筹集了超过心基金会扩大了对这些家庭 3300万欧元以便在全球开展和孩子的服务范围，包括了工作。娜塔莉亚和裸心基金唐氏综合征、脑瘫和学习障会激励了众多的国际公司和碍的孩子。该基金会的工品牌，帮助世界变得更加美作，主要支持特殊需求的儿好。娜塔莉亚经常被邀请做童从而解决巨大的社会问一些演讲来谈论她与其他国题，那些无论是在出生时或际非政府组织合作的慈善工在婴儿早期，由于缺乏政府。作或非政府组织的支持而被放弃的孩子。该组织在全国各登陆以下网址可以了解更多信：息地建立家庭支持中心，并持 nakedheart.org 续为数十个非政府组织提供资金。自2012年以来，基金 i n s t a g r a m . c o m / 会组织一年一度在莫斯科的 nakedheartfoundation 国际论坛“每一个孩子都应该拥有一个家庭”，这给了 twitter.com/nakedheartf facebook.com/nhfcharity 来自世界各地的人提供了一

THANKS REMERCIEMENTS Merci aux artistes, à toute l’équipe d’Etam, de Naked Heart, de Karla Otto, de Jean-Yves Le Fur, de la Galerie Magda Danysz ainsi qu’à toutes celles et ceux qui ont participé à ce projet : Anais Aguerre, Ekaterina Anokhina, Ainhoa Arteta, Martine Aubry, Maryse Aulagnon, Emanuela Baccaro, Nina Barschat, Sonia Ben Maaouia, Sylvie Berman, Isabelle Bertolotti, Viviane Blassel, Liu Bolin, Florence Bost, Helianthe Bourdeaux Maurin, Zoé Calendon Vayssieres, Donna Chai, Sabrina Champenois, Léa Chauvel Levy, Sarah Chevalier, Sunhee Choi, Eugenie Christopoulos, Isabel Coixet,

Axelle Corty, Rene Dai, Laure Damtsas Mudry, Magda Danysz, Valery de Buchet, Alice de La Chapelle, Colombe de la Taille, Sophie de Santis, Soline Delos, Alexandra Dubourg, Emmanuelle Duez, Cecile Duflot, Julien Dufour, Sophie Duhamel, Emilie Dupuis, Arne Eggers, Nicole Elmanowski Mouton, Faile, Alexandra Fain, Fan Fan,

Peng Fei, Rose-Lynn Fisher, Elsa Fralon, Tatyana Franck, Anne-Charlotte Fredenucci, Camille Garnier, Francesca Gavin, Clara Genard-Claus, Lina Ghotmeh, Delphine Gourgues, Aino-Leena Grapin, Hélène Gruénais, SHI Hanxue, Li Hongbo, Patricia Houg, Sandra Ibarra, Anne Igartiburu, Jovana Ilic, Nikolai Ishchuk, Constance Jablonski, Jessica Jama-Nussenbaum, Marie-Claire Janailhac-Fritsch, Caroline Japy, Cécile Jeanneau, Marion Joseph, Patricia Keever, Iris Lafon, Nathalie Lapicorey, Lauriane Lavigne, Felicie Le Blan, Leaf, Ouka Leele, Juliette Lefranc, Jean-Yves LeFur,

Nathalie Leung Shing, Dominique Levy, Karen Levy, Izzy Li, Linda Li, Mila Lights, Mellisa Lim, Chiew Ling,

Yang Ling, Laurence Liniere, Wang Luqing, Lise MacDonald, Yoyo Maeght, Eva Magyarosi, Sophie Makariou, Chen Man, Veronique Marinho, Camille Merklen,

Laurent Milchior, Rachel Milchior, Vanessa Milchior, Catherine Millet, Magali Moreau, Coralie Mouton, Marie Chirstine Mouton, Rafaela Muraour, Sandra Nedvetskaia, Armelle Nguyen Than, Erwin Olaf, Daniel Otero-Torres, Karla Otto, Catherine Peng, Ziqi Peng, Nathalie Perakis, Sophie Peyrard, Elise Pierrat, Marie Jeanne Pierrat, Claire Rannou, Loulou Robert, Aliénor Roussel, Agatha Ruiz de la Prada, Maya Salem, Teresa Sapey, Martin Saunier, Agnès Savouray, Marie Schott, Lucy Schwartz, Bintou Simporé, Li Snow, Mary Stuart, Peggy Sue Amison, Stella Sujin,

Jeanne Susplugas, Katrin Swartenbroux, Tao Tang, Karine Tarica, Wally Thomas Hermes, Vanessa Tobelem, Catherine Trotignon,

Anne Valverde, Natalia Vodianova, Alisa Volskaya, Fiona Wang, Marline Weber, Alexandre Werz, Clémence Wolff, Nathalie Wolff, Noemie Wolfs, Shava Xia, Yseult Digan a.k.a. YZ, Jalla Zhao, Yi Zhou

OURS

This catalogue has been published on the occasion of the Womenâ&#x20AC;&#x2122;s Independence exhibitions in Shanghai (september 2016) and in Paris (october 2016) on the occasion of Etamâ&#x20AC;&#x2122;s 100th anniversary.

Curated by Magda Danysz Produced by Etam

Image above : Stella Sujin Front cover image : Erwin Olaf Back cover image : Yi Zhou