PROYECTOR2017. Catálogo by Mario Gutierrez Cru

PROYECTOR PROYECTOR/ Plataforma de Videoarte, es un proyecto destinado a la difusión de este medio y a la generación de espacios de visibilización y reflexión en torno al audiovisual experimental y contemporáneo. La plataforma incluye tres ramas de trabajo:

PROYECTOR/ FESTIVAL: Cuenta con la participación de artistas, comisarios y festivales de gran parte del mundo. Su programación está compuesta por

videoinstalaciones (monocanal, multicanal, interactivas), intervenciones, proyecciones en el espacio público, performances, charlas, encuentros, talleres y

conferencias. Cabe destacar la realización anual de los Encuentros Profesionales de Videoarte que reunen a coleccionistas, galeristas, festivales, ferias, artistas y demás agentes involucrados en la producción, distribución, venta y exhibición de videoarte en la actualidad.

PROYECTOR/ COMISARIADOS: Somos un equipo de artistas y gestores culturales con una visión amplia y actual del videoarte internacional. Esta visión, fruto de

su experiencia en los años de trayectoria profesional, se materializa en distintas propuestas de comisariado con distintos ejes temáticos y conceptuales que se

muestran en distintos centros culturales, museos y galerías. Son contenidos ágiles y adaptados a la sede o contexto que pueden incluir desde artistas más o menos emergentes hasta otros de larga trayectoria.

PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE: Es un proyecto en proceso que pretende plantear circuitos alternativos para la venta, alquiler, distribución y

visionado del videoarte, de modo que se permita el acceso al mercado a un mayor número de creadores y al mismo tiempo surjan transacciones, contactos y

públicos dinámicos propios de nuestros días. Se pretende además generar una estructura de asesoría en este sector, trabajando a la par con coleccionistas,

galerías, museos y centros de arte.

Organiza: KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea] Director: Mario Gutiérrez Cru Coordinan: Clara Leitão, Queralt Lencinas y Esther Perruca Coordinación de Equipos: Víctor Colmenero Producción: María Jáñez Asesoría y Estrategia de Mercado: Eva Ruíz Asesor: Alain Servais Imagen del Cartel: Mit Borrás Colaboradores: Ainoa Brozyna Ángel Caballero, Sergio Cáceres, Carlos Clemente, Ruth Gema, Leyre González, Beatriz Jáñez, Patxi Juzgado, Carlos Klett, Clara Martínez, María Núñez, Chus Rodríguez, Miriam Sánchez, Paula Santos, Mila Vicente, Sami Khalaf, Cecilia Vieira, Joana Groba, Begoña, Manu P. Palomo, Ramón Mateos, Soledad Párraga, Emilio Ibáñez.

PROYECTOR/FESTIVAL 2017 PROYECTOR17 tiene lugar del 7 al 17 septiembre 2017, con la sede central en la ciudad de Madrid y con muestras a lo largo del año en otras ciudades de España, Italia, Portugal, México, Francia, Colombia, Perú, Marruecos, con la participación de artistas, comisarios y festivales de gran parte del mundo. En esta nueva edición PROYECTOR celebra sus 10 ediciones y para ello su programación incluye una selección de lo mejor de la trayectoria del Festival, todo ello a través de muestra de videoinstalaciones (monocanal, multicanal, interactivas), intervenciones y proyecciones en el espacio público, comisariados de festivales internacionales, talleres y conferencias. El festival nace desde la intención de generar un espacio en donde la expresión audiovisual más reciente e inmediata pueda tener cabida. Es, por tanto, un espacio de visibilización para el artista, pero al mismo tiempo se le hace visible en su emplazamiento, es decir, trabajamos en la conexión con el lugar y concebimos el espacio público como elemento político, lugar de contienda, militancia y de empoderamiento cívico. Se realiza por tanto en el cruce de dos ejes: La selección de trabajos a nivel internacional, en donde buscamos una visión panorámica e inmediata en la que se refleje, por un lado, la relación países-centro y países-periferia dentro de la producción de videoarte y, por otro, la experimentación formal y conceptual. La elección de espacios de proyección y muestra, con el objetivo de dirigir los contenidos – en un movimiento centrífugo – hacia la población. Incluimos entonces la calle, los espacios independientes y los talleres de artistas, como emplazamientos más cercanos a los ciudadanos.

10 AÑOS DE PROYECTOR

PROYECTOR está de enhorabuena, 10 ediciones 2008-2017, 10 años luchando contra viento y marea para crear en Madrid una plataforma profesional para la creación, difusión y disfrute del videoarte. Éste es un media que es tan nuevo como clásico, teniendo en cuenta que los padres del mismo ya no están entre nosotros, pero que dejaron un legado que estableció las bases y permitieron romper los dos grandes tótems: la televisión, como ente panóptico y transmisora de realidad, y el cine, con sus altos costos de producción. El surgimiento del videoarte permitió democratizar la creación, hacernos partícipes de ella, sin tener que recurrir a grandes medios para crear piezas dignas de los museos más prestigiosos. En esta nueva edición celebramos y agradecemos a todas las personas que nos han seguido año tras año; a todos los espacios que fueron sede del proyecto y que nos han permitido crecer y han conseguido que el videoarte pueda mostrarse de modo equitativo, tanto en grandes centros culturales como galerías, espacios independientes y ateliers, creando una mapa expandido y una sólida red de trabajo; a todas las entidades e instituciones que nos han brindado su apoyo para seguir creciendo; y, por supuesto, también agradecemos a los creadores internacionales que mandaron sus propuestas y sin cuyo trabajo este proyecto no tendría sentido. Es por este motivo que PROYECTOR17 se diferencia notablemente de otras ediciones y cuenta con: - Lanzamiento de PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE, para la difusión y distribución de videoarte. - Segunda edición de los Encuentros Profesionales de Videoarte. - Una programación excepcional en Madrid con las mejores propuestas que han pasado por el Festival en los últimos 10 años y artistas invitados.

PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE PROYECTOR crece y se transforma. Apuesta siempre por una redefinición de límites y formas para así evitar que sus ediciones sean réplicas unas de las otras. Se define como un espacio de reflexión y encuentro y como tal debe mutar año tras año. El objetivo por tanto es encontrar siempre nuevas formas de expresión y nuevos planteamientos dentro de la creación actual y escapar de respuestas y fórmulas cerradas. El lanzamiento será el 16 de septiembre con una plataforma online que contenga el archivo de una parte de los trabajos que han pasado por el Festival y con el objetivo de posibilitar el visionado, la distribución, venta y alquiler de obras audiovisuales y potenciar las redes profesionales dentro del sector. PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE pretende plantear circuitos alternativos para la venta, alquiler, distribución y visionado del videoarte, de modo que se permita el acceso al mercado a un mayor número de creadores y al mismo tiempo surjan transacciones, contactos y públicos dinámicos propios de nuestros días. Se pretende además generar una estructura de asesoría en este sector, trabajando a la par con coleccionistas, galerías, museos y centros de arte. Esta plataforma otorgará a PROYECTOR dos dimensiones de funcionamiento: una online (que se mantendrá activa a lo largo de todo el año) y otra offline (que estará vinculada a las actividades propiamente dichas a desarrollarse en Madrid y en otras ciudades). De este modo se ampliará exponencialmente el número de personas que visionan las obras y se maximizará el impacto mediático, al mismo tiempo que se pondrán en relieve cuestiones clave como es el delimitar los circuitos de mercado convencionales dentro del videoarte y la necesidad de realizar propuestas alternativas destinadas a movilizar dicho mercado.

ENCUENTROS PROFESIONALES DE VIDEOARTE II Estos encuentros reúnen a coleccionistas, galeristas, festivales, ferias, artistas y demás agentes involucrados en la producción, distribución, venta y exhibición de videoarte en la actualidad. El objetivo es constituir un espacio de reflexión y debate en donde se exponga el panorama profesional de hoy día y se planteen nuevas cuestiones y propuestas de acuerdo a nuevos paradigmas de sociedad y creación. Son reflexiones en torno a las características propias del videoarte que lo convierten en un medio peculiar. Nos encontramos, por ejemplo, con el hecho de que ya es una disciplina aceptada e inserta en el mercado del arte contemporáneo y, al mismo tiempo, constituye un soporte digital de fácil distribución, lo cual hace que esté en constante conflicto con la idea de exclusividad. Otra peculiaridad es que se trata de un medio artístico influído por constantes avances tecnológicos y que, sin embargo, se encuentra ya consagrado dentro de la historia del arte después de 57 años de su aparición. PROYECTOR considera de vital importancia insertar este tipo de contenidos en su programación de modo que: - Se generen espacios de reflexión y debate en torno al videoarte - Se fomente la generación de redes profesionales - Se reflexione sobre la profesionalización en el videoarte - Se generen espacios de visibilización para nuevas propuestas Con esta serie de encuentros, nacidos por la necesidad por parte de agentes culturales internacionales de juntarse a reflexionar, se pretende crear un ciclo contínuo y prolongable año tras año, donde encontrarse y compartir errores y aciertos en este media.

PROGRAMACIÓN 2017

VIDEOINSTALACIONES Para este nueva edición queremos contar con los centros claves de Madrid, que puedan ser más apropiados para mostrar videoarte, el edificio de Promoción Cultural

de la Tabacalera, Institut Français de Madrid y A B I E R T O Theredoom. Así como las salas con las que hemos trabajado en las pasadas ediciones: El Águila, Medialab-Prado, Intermediæ - Matadero Madrid, Quinta del Sordo, Cruce, Nadie Nunca Nada No.

Varios de los artistas participantes en la muestra estarán presentes durante el Festival de modo que puedan participar activamente de otros contenidos propuestos (encuentros, charlas y talleres, etc.) al mismo tiempo que el público pueda tener contacto directo con ellos.

PROYECCIONES y EVENTOS

PROYECCIONES DE COMISARIADOS INTERNACIONALES: En ellas se muestran distintos comisariados de Festivales de relevancia internacional que forman parte de la RED PROYECTOR y colaboran con el Festival a través de intercambio de contenidos.

Heure Exquise! (fra), Claudia Aravena (chi), Visual Container (ita), FONLAD (por)

TALLERES PROYECTOR continúa con su intención de ser un punto de crecimiento y conocimiento del Videoarte, para ello realiza talleres y charlas que posibilitan que los alumnos, con o sin conocimiento del medio, se adentren, profundicen en este tipo de creaciones con profesionales en activo. Para ello PROYECTOR aprovechará los viajes de los artistas invitados o seleccionados mediante convocatoria pública para que estos mismos den clases y hablen de sus metodologías, investigaciones en relación a su obra. Inscripción previa obligatoria y gratuíta TALLERES Sábado 9 y Domingo 10 de septiembre 10 a 14 h / Sala El Águila Footage: Dori & Grey (esp) Sábado 9 y Domingo 10 de septiembre 16 a 20 h / Sala El Águila Stopmotion: Raphäel Larre (fra)

ARTISTAS PROYECTOR

Enrique Ramírez (chi), Maya Watanabe (per), Salomé Lamas (por), Carlos Gomes (por) + Fran López (esp), Regina José Galindo (gua), Dominik Ritszel (pol), Cristian Guardia (ven), Alex Francés (esp), Joshua Chacón (méx), Pavel Büchler (che), Irit Batsry (isr), Daniel Silvo (esp), Andrés Montes (méx), Dori & Grey (esp), Eduardo Restrepo Castaño (col), Plinio Villagrán (gua), Cristina Núñez (esp), Jorge Galindo y Santiago Sierra (esp), Fernando Sánchez Castillo (esp), Vanane Borian (arm), Benjamin Petersen (ale), Marko Schiefelbein (ale), Sira Bee (esp), Raúl Valverde (esp), Katherinne Fieldler (per), Marcio-André (bra), Erika Ordosgoitti (ven), Eugenio Ampudia (esp), Ramón Mateos (esp), Rosell Meseguer (esp), Txalo Toloza-Fernández (chi), Olga Roriz (por), Francesca Fini (ita), Jordi Bernardó (esp), Félix Fernández (esp), Gabrielle Stellbaum (ale), Carlos Llavata (esp), Rallito-X (esp), Marcus Shahar (isr), Angelo Ferreira de Sousa + Isabel Ribeiro (por), Bongore (esp), Francisco Venâncio (por), Cristóbal Catalán (uk, esp, chi), Adrián Regnier Chávez (méx), Valentina Morandi (méx), Nuno Lacerda (por), Daniel Lacono (ale), Younes Baba-Ali (marr), Raphäel Larre (fra), Francisco Ruiz Infante (esp-fra) + Olga Mesa (esp-fra), Amélie Delaunay (fra), Johan Parent (fra), Axel Brun (fra), Jacques Perconte (fra), Magda Gebhardt (fra), Alejandro Ramírez (esp), Annegien van Doorn (hol), Paula Abalos (chi), Luis Úrculo (esp), Márcia Beatriz Granero (bra), Paula LaFuente (esp), A_mal_gam_a (esp) +

DVD Project +

COMISARIADOS: Heure Exquise! (fra), Claudia Aravena (chi), Visual Container (ita), FONLAD (por)

CALENDARIO INAUGURACIONES - EVENTOS

07 SEP 2017. 20:30h 08 SEP 2017. 12h 09 SEP 2017. 19:30h 09-10 SEP 2017. 10h 13 SEP 2017. 19h 14 SEP 2017. 20:30h 15 SEP 2017. 19h 17 SEP 2017. 12h

INAUGURACIÓN ENCUENTROS PROFESIONALES INAUGURACIÓN TALLERES SEDE CENTRAL - INAUGURACIÓN LAVAPIÉS ESPECIAL FRANCIA + FIESTA INTERMEDIÆ

Quinta del Sordo Alcalá 31 Sala El Águila Sala El Águila Tabacalera - Promoción del Arte Medialab-Prado, A B I E R T O Theredoom, Cruce y Nadie Nunca Nada No Institut Français de Madrid Intermediae - Matadero Madrid

EXPOSICIONES

07-17 SEP 2017. Quinta del Sordo, Sala El Águila, Institut Français de Madrid, Medialab-Prado, Intermediæ - Matadero Madrid 13-17 SEP 2017. Tabacalera - Promoción del Arte 14-17 SEP 2017. Medialab-Prado, A B I E R T O Theredoom, Cruce, Nadie Nunca Nada No

ENCUENTROS PROFESIONALES

08 SEP 2017. 12-13:45h. Sala Alcalá 31. 3 Mesas profesionales 16:30-20:15h. 09 SEP 2017. 17h. El Águila. Presentación del programa de los Festivales Internacionales con la presencia los directores 16 SEP 2017. 19h. Quinta del Sordo. Presentación de la Plataforma Online en colaboración con HYBRID. 17 SEP 2017. 11-14h. Intermediae - Matadero Madrid. Encuentro con Artistas

PROYECCIONES DE COMISARIADOS INTERNACIONALES + VIDEOARTE LARGA DURACIÓN

09 SEP 2017. Sala El Águila 17h. Presentación del libro “Visiones Laterales” por Claudia Aravena (chi). 17:30-19:30h Presentación de los comisarios de la Red PROYECTOR: Heure Exquise! (fra), Claudia Aravena (chi), Visual Container (ita), FONLAD (por) 19:30-20:30h Videoarte larga duración: Felicitações Madame (por) 10 SEP 2017. Sala El Águila 17:30-19:30h Proyecciones Red PROYECTOR: Heure Exquise! (fra), Claudia Aravena (chi), Visual Container (ita), FONLAD (por) 19:30-20:30h. Videoarte larga duración: UMA Documental (por/esp)

ENCUENTROS PROFESIONALES

08 SEP 2017. 12h.

Sala Alcalá 31 ¿Cómo ser videoartista en el siglo XXI?

1. ESTRUCTURAS DE APOYO AL VIDEOARTISTA

12 - 13:45h. Javier Martín-Jiménez - Asesor de Arte Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid + Begoña Torres González - Subdirección General de Industrias Culturales y Mecenazgo + Ramón Mateos

Moderador: Videoartistas Asociados

2. VIDEOARTE EN PERSPECTIVA: Formatos de creación y distribución

16:30 - 18:15h. Thierry Destriez - Heure Exquise! (fra) + Alessandra Arnò - Visual Container (ita) + Haro Cumbusyan (tur)

Moderador: Irit Batsry (EEUU)

3. MÁS ALLÁ DE GÉNERO

18:30 - 20:15h. Margarita Aizpuru - Mujeres en las Artes Visuales MAV + Cristina Núñez (esp) + Félix Fernández (esp) Moderador: Fernando Castro Flórez (esp)

* A confirmar disponibilidad de ponentes

ENCUENTRO DE ARTISTAS*

17 SEP 2017. 12-14h.

Intermediæ, Matadero Madrid

ARTISTAS

Enrique Ramírez (chi), Paula LaFuente (esp), Cristian Guardia (ven), Daniel Silvo (esp), Andrés Montes (méx), Rosell Meseguer (esp), Iciar Vega de Seoane (esp), Alejandro Ramírez (esp), Márcia Beatriz Granero (bra)

Modera Intercambiador ACART

EL FESTIVAL EN CIFRAS En su décima edición PROYECTOR mostrará propuestas de 65 artistas de 17 nacionalidades, se exhibirá en 7 países, 10 sedes y en unos 6.000m2.

Se espera un visita de unos 9.000 visitantes físicos y unos 60.000 usuarios de internet, suscritos o vinculados a nuestras redes sociales, newsletter o la de nuestros

colaboradores internacionales.

PLAN DE COMUNICACIÓN SEDES Y COLABORADORES En el transcurso de los eventos de Septiembre 2017 en la ciudad de Madrid, el impacto mediático y de asistencia de público se prevé que sea reforzado por el apoyo institucional de las distintas sedes participantes y entidades colaboradoras, es decir, que desde PROYECTOR solicitamos soporte en la difusión del evento a través de sus propios medios de comunicación, redes sociales y entre su público habitual. A lo largo de 2017 y 2018, está planificada la itinerancia del proyecto por distintas ciudades en todo el mundo. Algunas de ellas son: Coimbra (por), Milán (ita), Caracas (ven), San José (car), Bogotá (col), Rabat (mar). Esta itinerancia proyecta al Festival a nivel internacional y posibilita su visibilidad en medios extranjeros.

PIEZAS DE COMUNICACIÓN - 10.000 folletos de mano y carteles para su distribución en las sedes participantes y vía pública - Difusión continua de actividades en redes sociales (Facebook, Twitter, Instagram) - Mailing a contactos - Reportajes en vídeo y foto de las actividades realizadas - Vídeo resumen de la edición - Catálogo en PDF con las obras de todos los artistas participantes

PRENSA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN Se prevé realizar un trabajo destinado exclusivamente a prensa y medios de comunicación con la intención de que el proyecto obtenga visibilidad a nivel local,

nacional e internacional durante las actividades de febrero y octubre en Madrid. Los objetivos son prensa, radio y televisión de alcance local y nacional, medios web,

agendas culturales y medios especializados en arte contemporáneo, videoarte, cine y audiovisuales, nuevos medios, etc.

SEDES 2017 MADRID A B I E R T O Theredoom, Cruce, Intermediæ - Matadero Madrid, Institut Français de Madrid, Medialab-Prado, Nadie Nunca Nada No, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala El Águila, Tabacalera - Promoción del arte.

RAZONES DE LA COLABORACIÓN PROYECTOR es un festival con 10 años de trayectoria a través de los cuales ha desarrollado una amplia red profesional internacional dentro del videoarte contemporáneo. Esta red, formada por los diversos participantes y colaboradores de sus distintas ediciones, incluye artistas, galerías, espacios de producción, centros culturales, festivales, universidades y espacios formativos. Lo que nos distingue de otros proyectos de formato similar es una programación singular donde predomina la videoinstalación y el videoarte expandido, con un montaje que otorga a la pantalla una identidad propia en el espacio de exposición. Nos decidimos entonces por una selección más exhaustiva de artistas con trabajo de calidad para poder ofrecer un lugar propio de exposición a cada obra y no saturar la programación con proyecciones de larga duración. Todo esto nos convierte en un proyecto dedicado al videoarte único en Madrid, que se encuentra en un momento de expansión y crecimiento. PROYECTOR apuesta por obtener una programación de calidad en el panorama internacional y trabajar con un proyecto de larga trayectoria, pero de carácter joven y contemporáneo, con una propuesta abierta a la ciudadanía. Nosotros nos encontramos en búsqueda de nuevos espacios y colaboradores con los que sentirnos afines con su propia programación y forma de hacer, de modo que el resultado de la colaboración sea un impulso mutuo hacia el objetivo de dar forma a una oferta cultural novedosa y accesible al público.

COLABORADORES Y PATROCINADORES COORDINAN

KREÆ [ Instituto de Creación Contemporánea]

APOYAN

Comunidad de Madrid, Ayuntamiento. de Madrid, Promoción del Arte del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Intermediae -Matadero Madrid

PATROCINIO CASIO, NIIO

COLABORAN

Institut Français de España en Madrid, Embajada de Chile

APOYOS

Arternativ, DOMENIILE ADAMCLISI, Eclectiktronik, El Bosque Rojo, Entresijos, Espacio Menosuno, HYBRID festival, Intercambiador ACART, Impulsarte de Petit Palace, y la mecenas Josefa de la Roca

PROYECTOR2017 - 10º ANIVERSARIO

A B I E R T O THEREDOOM Márcia Beatriz Granero (bra)

SALA EL ÁGUILA

Instalaciones Eugenio Ampudia (esp), Claudia Aravena (chi), Ramón Mateos (esp), Rosell Meseguer (esp) y Txalo Toloza-Fernández (chi) + Pavel Büchler (che)

Videoarte larga duración Olga Roriz (por) + Carlos Gomes (por) y Fran López (esp)

CRUCE

Annegien van Doorn (hol), Paula Abalos (chi), Luis Úrculo (esp), Alejandro Ramírez (esp) + Pavel Büchler (che)

INTERMEDIÆ

Cristóbal Catalán (uk, esp, chi), Adrián Regnier Chávez (méx), Valentina Morandi (méx), Nuno Lacerda (por) y Daniel Lacono (ale) + Pavel Büchler (che) + DVD Project (int)

INSTITUTO FRANCÉS

Younes Baba-Ali (marr), Raphäel Larre (fra), Amélie Delaunay (fra), Johan Parent (fra), Axel Brun (fra), Jacques Perconte (fra), Magda Gebhardt (fra) + Francisco Ruiz Infante (esp-fra) + Olga Mesa (esp-fra) + A_mal_gam_a (esp) + Pavel Büchler (che)

MEDIALAB - PRADO Alberto C. Bernal (esp)

NADIE NUNCA NADA NO Angelo Ferreira de Sousa + Isabel Ribeiro (por), Bongore (esp), Francisco Venâncio (por) + Pavel Büchler (che)

QUINTA DEL SORDO

Francesca Fini (ita), Félix Fernández (esp), Gabrielle Stellbaum (ale), Shahar Marcus (isr), Jordi Bernardó (esp), Carlos Llavata (esp), Rallito-X (esp) y Paula

LaFuente (esp)

+ Pavel Büchler (che)

TABACALERA - PROMOCIÓN DEL ARTE

VIDEOINSTALACIONES Trípticos:

Enrique Ramírez (chi), Maya Watanabe (per), Salomé Lamas (por), Carlos Gomes (por) + Fran López (esp) y Eduardo Restrepo Castaño (col) Dípticos:

Regina José Galindo (gua), Dominik Ritszel (pol), Cristian Guardia (ven), Alex Francés (esp), Joshua Chacón (méx) y Dori & Grey (esp) Monocanal:

Pavel Büchler (che), Irit Batsry (isr), Daniel Silvo (esp), Andrés Montes (méx), Plinio Villagrán (gua) y Cristina Núñez (esp)

PROYECCIONES

Jorge Galindo + Santiago Sierra (esp), Fernando Sánchez Castillo (esp), Vanane Borian (arm), Benjamin Petersen (ale), Marko Schiefelbein (ale), Iciar Vega de

Seoane (esp), Raúl Valverde (esp), Katherinne Fieldler (per), Márcio-André (bra) y Erika Ordosgoitti (ven)

10 años de PROYECTOR

A veces uno se plantea qué es PROYECTOR, cuál es su función, por qué, para qué, qué sentido tiene seguir, o mejor, qué sentido tuvo empezarlo. Nació pequeño, en un espacio pequeño, que ya murió. Nació en un Madrid que ya no es, en una España que poco a poco, por suerte, tampoco es. Nació por necesidad, nació golpeando con fuerza queriendo dar a conocer una disciplina con casi cuatro décadas de existencia pero que todavía era una gran desconocida. Nos remontamos a la segunda mitad de la década pasada, en un panorama bastante desolador donde el videoarte no era más que una pequeña novedad en las principales ferias, pocos años después que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía adquiriera su colección, comprada casi de restos, los que ya nadie quería, tras años y años de adquisiciones de los principales museos mundiales y de los más prestigiosos coleccionistas. Así era Madrid, así estábamos, sin colecciones, sin centros donde ver, sin apoyos para compradores y menos para creadores, a excepción de las incipientes ayudas convocadas en País Vasco y Cataluña, principalmente para ciudadanos autóctonos o residentes. Bueno no muy distinto de ahora, con algunas bonitas excepciones. Quizás por esa necesidad de ver, de poder hablar de ello, de compartir, de apoyar a los creadores nació PROYECTOR, de la mano de Maite Camacho Pérez y Mario Gutiérrez Cru, dos artistas que sin haberlo buscado acabaron compaginado su labor artística, con la de comisariado o dirección de espacios y festivales. Como decía, PROYECTOR era modesto. Una semana de programación intensa en Espacio Menosuno, centro de arte experimental que estuvo en funcionamiento de 2005 a 2012 donde el videoarte compartía cartel con las residencias, el arte sonoro, las instalaciones, los talleres, los conciertos y las charlas. 5 días, con 5 programas diferentes en no más de 70m2, cada día una propuesta, donde las videoinstalaciones convivían con los comisariados o selecciones nacionales e internacionales. Siempre con ese espíritu de mostrar videoarte, entendiendo éste desde una mirada muy abierta, más centrada en las primeras manifestaciones donde el tubo catódico era tanto o más valioso como lo que se mostraba en él. Es decir, nos interesaba la escultura expandida, la videoinstalación, la relación con el espectador, con el espacio que lo acogía, la experimentación con el medio, con el formato, cuestionar la propia creación y su labor del artista como creador. No tanto el vídeo monocanal en formato estándar, que en aquellos años era PAL o NTSC, 4/3. Y realmente sigue sin interesarnos tanto este formato más cercano al cine, que ahora podríamos decir que sería 16/9 a HD, pues el 4K todavía es más que incipiente entre nuestros creadores. Año a año PROYECTOR fue creciendo. Maite Camacho dejó el proyecto para centrarse en IN-SONORA y seguí en solitario el festival desde su tercera edición y durante dos años expandiéndolo a espacios similares, galerías, centros de arte independientes que reconocían el valor del videoarte y creían en la necesidad de dar valor a éste. Casi una docena de días y de sedes donde apareció también la parte teórica, talleres, encuentros... Todo, como siempre, de carácter gratuito, insignia que se mantiene desde el principio: el arte debe ser gratuito y para todos. Sin dejar ese mismo espíritu, desde 2012 entró en el equipo Paloma G. Valdívia con quien se dio otro gran empujón, duplicándose a una docena de centros de arte de la capital, comisariados internacionales de también otra docena de festivales, de uno y otro lado del charco. Y la convocatoria, que desde el principio del proyecto quiso convertir el festival en lugar de acogida. Un jurado donde los directores de PROYECTOR debatían con otros directores de festivales, profesores, profesionales, así como con la “mirada del público”, es decir, en el jurado siempre había un ciudadano sin conocimiento previo del medio. Ya para 2013 teníamos varios centenares de propuestas de las que seleccionábamos a no más de 25 artistas que mostrarían sus obras en las distintas sedes, adecuando su trabajo a cada lugar, por eso la idea de la deslocalización, es decir, queríamos llegar a todo tipo de públicos, en todo tipo de barrios. No nos interesaba únicamente esa pequeña minoría que normalmente acude a museos y galerías, queríamos llegar al ciudadano de a pie, por lo que las sedes podían estar en el centro de Madrid, como en los extrarradios, podían ser centros de arte multitudinarios, galerías en calles muy transitadas, como espacios independientes, ateliers de artistas, cines de verano, escaparates, proyecciones en espacio público, en plazas, mercados, bares o lugares donde el transeúnte se pudiera topar, sin querer invadirle, con grandes obras audiovisuales. 2014 fue otro replanteamiento del festival, nuevo tándem con Clara Leitão con quién sigue coordinando el festival. En 2015 entra María Jáñez.

Y en 2016 ampliamos equipo con Mit Borrás, Queralt Lencinas y Eva Ruíz. En 2017 entra Esther Perruca para convertirse en lo que es: una plataforma de profesionales que en colaboración hace posible PROYECTOR, Mario Gutiérrez Cru, Clara Leitão, María Jáñez, Queralt Lencinas y Esther Perruca que trabajamos durante todo el año para que el festival, los comisariados internacionales y la plataforma online sea posible, y que se multiplica x5 durante el festival, gracias a colaboradores y profesionales contratados para tal evento. Fueron cerca de 8 años donde se hizo el festival prácticamente sin dinero, es decir, gracias a los artistas que cedían sus obras, a los espacios que gratuitamente ofrecían los mismos, donde los coordinadores diseñábamos, preparábamos, montábamos, fotografiábamos, grabábamos en vídeo y editábamos cada edición. Nunca pedimos ayudas, pues nos interesaba la independencia, además de que nos encontrábamos en una etapa donde el dinero para cultura despareció durante media docena de años. Desde la pasada edición, y se ha podido continuar en ésta, PROYECTOR cuenta con pequeñas ayudas de Ayuntamiento y Comunidad de Madrid, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, embajadas, ayudas en equipamiento, bebidas o catering… lo que permite poder pagar a todos los artistas que participan, a los ponentes de las mesas redondas, los encuentros profesionales, el personal de comunicación, la gestoría, pasajes, estancias, dietas, producciones… y un largo etcétera. Un gran salto, que veremos dónde nos conduce, pues tras la alegría del dar, siempre está la tristeza del pedir y sobretodo del justificar. Con el espíritu con el que empezó, pero desde una mirada en perspectiva, tengo la suerte de poder ver el fruto de 10 años, de colaboraciones, de encuentros y desencuentros, de muestras acertadas, y otras que lamentablemente por unas u otras circunstancias no lo fueron tanto. Esperando que el público y los participantes puedan disfrutar de este aniversario, os quiero presentar este pequeño resumen, homenaje a los artistas que estuvieron, a los nuevos que estarán con nuevas piezas, con nuevas propuestas, nuevas ideas, intentando como el primer día dar visibilidad, dar apoyo y sobre todo acoger con cariño tanto a creadores, coleccionistas, comisarios, historiadores, profesores, profesionales y sobre todo a visitantes, tanto asiduos como nuevos amantes del videoarte. Gracias a todos por dejarme cumplir un sueño. Gracias, de corazón. Mario Gutiérrez Cru

SEDES 2008-17

Espacio Menosuno, Cruce, Galería 6 Más 1, Lapieza (Junk Art), Standarte, Galería Ab Gloria, Galería La Zúa, Off Limits, La Tabacalera De Lavapiés, Intermediæ [Creación Contemporánea], Galería Asm28, Galería Eva Ruíz, Espacio Islandia, Basurama, Lacasafranca, Embajadores Con Provisiones, Arrebato, De Fijo A Móvil, Intercambiador Acart, Estudio Coco Moya, Estudio Tao Live, Espacio Malmö, Nudo Teatro, La Noche Boca Arriba, Espacio Oculto Madrid, Espacio Miscellaneous, Museo La Neomudéjar, El Patio De Martín De Los Heros, Espacio Labruc, Quinta Del Sordo, Swinton Gallery, Theredoom, Cinema Usera, Espacio Proa, Atelier Solar, Ésta Es Una Plaza, Astarte Galería, Nadie Nunca Nada No, Sala El Águila, Sala Alcalá 31, Casa Museo Lope De Vega, Plaza de l@s Comunes, Tabacalera - Promoción de arte, A B I E R T O Theredoom, Institut Français de Madrid, Visual Container, Zé Dos Bois en Lisboa, Galeria Santa Clara en Coimbra, Atelier Ilsvik en Thromhein, [Box.] Videoart Project Space en Millán, Museo Belber Jiménez en Oaxaca, Konvent en Barcelona, Espaço Partícula en Coimbra, Casa De Las Artes La Ronda en Quito, Museo Provincial Jaén, Artjaén, Plaza De La Cruz De Piedra en Oaxaca, Rumipamba en Quito, Interference en Breda, Centro Cultural de España en Lima, Capilla Principal de Cuzco.

ARTISTAS 2008-17

Emilio Tomé, Marina Hernáez, Juan Cobos, Javier Montero, Anders Weberg, Beatriz Marín Urban, Compagnia Dello Zukkero, David Conill, Fabio Scaccioli, German Scelso, María Castellanos Vicente, Left Hand Rotation, Maite Camacho, El Gato Con Moscas, Gema Magan, Raúl Blanco, Hugo Velasco, Omar Jerez, Tomoto, Sergio Ojeda, Queralt Lencinas, Bongore, Luis Bezeta, Cristina Barbero, Francisco Domínguez, Ricardo Almendros, Cine Colgado, Arnulfo Medina, Rebecca Agnes, Luca Christian Mander. Angelina Voskopoulou, Barbara Brugola, Silvia Camporesi, John Criscitello, Francesca Fini, Marzia Moretti, Enrico Bressan, Global Groove, Albert Merino, Lino Strangis, Salvatore Insana, Juanma Carrillo Y Félix Fernández, Manuel Molina Martagón, Nicky Enright, Antón Cabaleiro, Cristobal Catalan, Maria Beltane,

Michael Kolchesky, Jesús Alonso, Miguel Espín & Pablo Martínez, Arturo Moya Villén, Daniel Lo Iacono, Mikhail Zheleznikov, Iaaai, Myriam Thyes, Jude Anogwih, Albert Merino Gomez, Ira Needleman (usa), Giuseppe Girardi (ita), Yuriy Kruchak, Yulia Kostereva (ua), Ezra Wube (ethi), Andres Villa (méx), Sai Hua Kuan (sing), Pablo Fernández-pujol (esp), Emeka Ogboh (nig), Denise Hood (usa), Jorge Garcia Velayos (esp), Mohammed Harb (pal), Renata Gaspar & Marcin Dudek (pol), Doug Williams (usa), Nick Fox-gieg (usa), William Peña Vega (col), Ane Lan (nor), Cynthia Whelan (uk), Roland Wegerer (aus), Luc Gut (sui), Jamie Marie Waelchli (usa), Kisito Assangni (tog), Masha Yozefpolsky (isr), Agricola De Cologne (ale), Unnur Andrea Einarsdottir (ice), Beatrice Allegranti (uk), Ascan Breuer (ale), Tais Bielsa Rey, Lucía C Pino, Mr (bra), Basurama, Miguel Guzmán (esp), Hosto Club, Cacciagrilli (ita), Putirecords (esp), Cecilia Molano (esp), Cristian Tonhaiser, Sean M. Johnson (usa), Paul Rodriguez (usa), Guerrilla Grrls Croatia (cro), Frau Diamanda (per), Jaime Higa (per), Roberto González Fernández (esp), David Trullo (esp), Aaron Cobbett (usa), Rodrigo Cervantes (méx), Equipo Moral, Diegonante, Velasco Broca, Mia Makela, Allende Arnáiz, Álvaro Ledesma, Antonia Valero, Antonio Alvarado, Daniel Borrego, Colectivo En Proyección, Gerard Freixes, Luciana Lyrio, Jaime De Valle y Mario Gutiérrez Cru, Raquel Labrador, Mayte Vaos, Aura Raquel Hernández, Analeine Cal Y Mayor, Ana Matey, Beatriz Hoyos, Femenino Plural, Analía Beltrán I Janés, Paula Noya, Maciek Stepinski (Poland), Kaspars Groshevs (lat), Rybn (fra), Mora Huguet (esp), Ivan Edeza (méx), Andy Storchenegger (ale), Younes Baba-ali (fra), Bubi Canal (esp), Unai Requejo (esp), Tariq Tapa, Alex Sigman (usa + hol), Luis Bezeta (esp), Mario Sarramián (esp), Carlotta Premazzi (ita), . Sergio Ojeda. , Jens Jaeger, Andrés Senra , Esther Echaerandio, Eva Pérez , Alberto Chinchón , Engels Mateo, Sandra Torralba, Homeless Vídeo, Miguel Soler, Pilar Talavera, Ignacio Mendía (arg), Bridget Sutherland (nue zel), Fausto Grossi (esp), Antonio Alvarado (esp), Yael Rosenblut (arg), Mara Riviello López y David Mercado (arg), Blick (fra), Lola López-cózar (esp), Jakob Kirchheim & Teresa Delgado (ale), Rafael Álvarez Domenech (cub), Natalija Ž. Živković (ser), José Roberto Sechi (bra), Javier Robledo (arg), Alejandro Fontana (arg), Olga Tzimou (gre), Paula Balsagon, Karina Vasquez & Diego Gómez, Majo G. Polanco, Tamara García, Jaime Valtierra Sánchez, Ines Von Bonhorst + Yuri Pirondi, Azahara Ubera, Jesús Ubera, Claudio Gaete (chi), James Nöel (hai), Iván M. Valencia, Thr3hold, Sara Benaglia (ita), Melissa Hoetger (ale), Jabu Arnell (nig), Sarah Bijlsma (ni y Arm), Raimon Sibilo (hol), Raquel Sánchez Gálvez (esp), Francisco J.Martínez Vélez (esp), Alonso Vazquez (esp y hol), Matthijs Wolthuis (hol), Elena González (esp), Guillermo Gómez (esp), Andrea Zavala Folache (esp), Marco Tavolaro (ita y esp), Caenflores (esp), Belén Olmedo Menchén (esp), Robertó Lopez Martin (esp), Fayçal Baghriche (eeuu), Jacob Tonski (usa); Myss Enabyme (usa/Isr); Francesca Leoni (ita), Andrés Cuartas (col), Gérard Chauvin (fra), Oliver Szymckak (dr); Yana Sakellion (usa), Marcio-André (bra), Augusto De Campos, E. M. De Melo E Castro, Fernando Aguiar, Endre Szkarosi, Luis Alvarado, Grabriela Marcondes, Ricardo Aleixo, Alessandra Caccia, Francesca Grilli, Maria Korporal, Silvia Camporesi, Patrizia Bonardi, Chiara Mazzocchi, Héctor Acuña, Jean-Michel Rolland (fra), Giovanni Bucci (ita), Antonina Baever (rus), Alexandre Braga (por), Mark Kadota (jap), Angelika Herta (aus), Mikael Muraz (fra), Beate Hecher/Markus Keim (aus), Alexander Isaenko (ukr), Cinzia Sarto (ita), Michael Murnau (uk), Nicole Sloan (usa), Katherine Oggier Chanda (ch), George Krastev (bul), Jo Parkes, Rachel Davies, Rosie Whitney-fish (uk), Theme Bannenberg & Nok Snel (nig), Lino Strangis (ita), Marita Contreras (per), Alessandro Amaducci (ita), Sergio Sotomayor (esp), Jill Sigman (usa), Beatrice Allegranti (uk), Simon Ruschmeyer (ale), Khanyisile Mbongwa, James Taylor (rus), Ananda Fuchs (rus), Jeanette Ginslov (rus), Krapoola, Yan Nazca, Lucia C Pino, Khosro Khosravi, Roberto Equiso Ain, Sinquenza,Elisa Arteta, Labotuerto (esp), Cristian Alarcón (per), Azahara Gagaliot (esp), Antonio Ortuño (esp), Thierry Mandon, Justine Pluvinage, Fabio Godinho, Viola Groenhart, Sylvia Donis, Max Hattler, Juan Duque, Frank Bubenzer, Giney Ayme, François Lejault, T, Barbara Brugola, Lucia Veronesi, Marta Roberti, Joas Sebastian Nebe, Igor Imhoff, Di Bernardo Rietti Toppeta, Sabrina Mazzuoli, Tommaso Pedone, Enrico Pieraccioli, Melinda Sefcic (hr), Eduardo Ferreira (por), Kalil Charif (bra), Inês Lopes (por), Ana Varela (por), Com.Tatoo (ita), Jenn Mogilevskaya (rus), Teresa Gomes (por), Francesca Lolli (por), Inês V. Bonhorst (por), Daniela Orlev (isr), Eunice Artur (por), Romulo Bañares (esp), Sábada I Tourón (esp), Isabel Tallos (esp), Vijay Raghavan (ind), Edgar Oliveira (moz), Sinclair Castro (méx), Jorge Valera, Andrea Vázquez (esp), Maite León Marín (chi), Chiara Mazzocchi (ita), Raúl García Collado (esp), Mery Sut (ita), Florencia Levy (arg), Nicolas Lamas (per), Irene Cruz (esp), Mario Santamaría (esp), Montserrat Rodríguez Aka Nyx10110 (esp), Rui Silveira (por), Isabel Pérez Del Pulgar (esp), Inés García Gómez (esp), Sándor M. Salas (per), Andrea González G. (chi), Alexander Calderón Jiménez (esp), Pezconejo (méx), Laura Blüer (eeuu), Flavio G. García (esp), Pablo Fernández Pujol (esp), Javier Velázquez (esp), Laisvie Andrea (col), Javier Joven Araus (esp), Bruno Bresani (bra), Benjamin 'ziggy' Lee (sin), Allysa Sing (sin), Colectivo ” 2+2” Alejandro Garat, Romina Chaile (arg), Marta Pérez (esp), Fausto Villalba (ecu), Olga Roriz (por), Wilkie Branson, Mariann Gaál, Elisabeth Prandi, Elena Córdoba, Chus Dominguez, Vincent Ducarne, Disa Krosness, Carl Olsson, Sérgio Cruz, Yoakim Bélanger, Terrorismo De Autor (esp), María Sánchez (esp), Olaia Sendón (esp), Ro Caminal (esp), Marko Schiefelbein (ale), Heliogabalo (méx), Patricio Ponce Garaicoa (ecu), Olga Diego (esp), Francisco Navarrete Sitja (chi), Andrés Montes (méx), Galo Tobías (esp), Julio Fernández (esp), Mauricio Sanhueza (per), Adrian Regnier Chávez (méx), Julio Rojas (méx), Omar Ariel Ferreyra (arg), Benjamin Petersen (ale), Laurent Winkler (hun), Pedro Sena (por), Arya Sukapura (ind), Maite Bermúdez (esp), Enrique Ramírez (chi) Chiara Caterina (ita), Javier Lloret (esp), Sanglim Han (s.kor), Giovanni Bucci (ita), Gabriele Tosi (ita), Kaiser Nahhas (syr), Mr Mvin (esp), Alexander Yeltsin (ukra), Weigang Song (chi), Sandra Dollo (ita), Efraín Velasco (méx), Bruno Varela (méx), Julia Barco (méx), Roberto Olivares (méx), Tania Bohórquez (méx) , Efraín Constantino (méx) , Saúl López Velarde (méx), Richard Moszka (méx/can), Anis Michoud (fra), Byrt Wammack (méx), Fernando Arrocha (esp) , Elena Pardo (mex), Stefan Riebel, Caroline Koebel, Mitra Azar (tur-kur), Rui Calçada Bastos, Maximilian Schmötzer & Fabian Heitzhausen, Sergio Belinchón, Cui Xiuwen, Allen Ferguson,

Mária Júdová (esl), Gabriel Hosovsky (esl), Rocio Gauna (arg), Katarina Gruzei (aus), Valentina Ferrandes (ita), Tahir Un (tur), Filip Gabriel Pudlo (pol), Grupo Sinestético (ita), Cristian Guardia (ven), Patricio Ponce Garaicoa (ecu), Omar Ariel Ferreyra (arg), Benjamin Petersen Alfonso S.Suárez, Alicia Fernández Sánchez (esp), Verónica Ibarra (esp), Sofía Roncero (esp), Dos Jotas, David Castro (esp), Victor Mancilla, Nefemov (méx), Juan Carlos Alonso (col), Laurent Winkler (hun), Plinio Villagrán (méx), Arya Sukapura Putra (ind), Clara Andermatt, Azul y Lindy Márquez (col), Johnatan Molina (méx), Alberto Díaz (esp), Tara Mahapatra (ale), Christoph Oertli (sui), Gustavo Gutiérrez (col), Juan Caunedo Domínguez (esp), Javiera Tejerina-risso (fra-chi), Paula Bruna (esp), Marte Kiessling (ale), Roman Gomes (arg), Johanna Reich (ale), Melancholy Maaret (fin-fra-eeuu), Daniel Djamo (rum), Miguel Andrés (esp), Jorge Catoni (chi), Shahar Tuchner (isr), Richard Bailey (eeuu), Marina Camargo (bra), Natalia Valencia Delgado (col), Rosie Morris And Sam Grant (ing), Miguel De Almeida Ferreira (por), Luis Marques (por), Sarah Minter (méx), Rubén Gutiérrez (méx), Raisa Maudit (esp), Olalla Gómez (esp), Hans Breder (ale), Maia Navas, Daniela Muttis, Charo Venegas Calderón, Mariela Cantú, Pauli Coton, Paula Buffone, Celeste Massin, Adriana De La Rosa, Apotropia, Barbara Trejo, Bruno Varela, Celia Parra, Catron Booker, Francesca De Luca, Liliana Albornoz, Magali Flaks, Felix Blume, Fermín Díez De Ulzurrun (esp), Paulo B. Menezes (por), Victor Galvão (bra), Marcin Liminowicz & Pola Salicka (pol), Paco Chanivet (esp), Simón García- Miñaúr (esp), Jan Hakon Erichsen (nor), Gabriel Castaño (esp), Francisco Belarmino (chi), Rodrigo Faustini (bra), Bárbara Oettinger Searle (chi), Sebastián Tedesco (esp), Solimán López (esp), Victor Ripoll (esp), David Ortiz Juan (esp), Federico Sposato (ita), Isidoro Valcárcel Medina (esp), Josu Rekalde (esp), Elizabeth Lo (eeuu), Samuel Bianchini (fra) , Xavi Torrents Ustrell (esp), Laura Campo De Luna (esp), Cristina Pavesi (ita), Eleanora Manca (ita), Jai Du (esp), Przemek Wegrzyn (pol) , Márcio Vilela, Chrischa Oswald, Valter Ventura, Esmee Seebregts, Raimon Sibilo, Esmee Seebregts, Boudewijn Koole (hol), Michael Vaanhold (hol), Wilkie Branson (uk), Randa Maroufi (fra), Zainab Andalibe, Elena Pardo, Efraín Velasco,Yiorgos Nalpantidis, François Lejault, Anna & Michal Baranscy, Santiago Carlini, Christian Delgado, Nicolás Testoni, Claudio Adrian Ojeda, Suyai Otaño, Pauli Coton, Graciela Taquini, Paola Michaels, Ana Rivera, María Posada, María Grzelka, Sandra Rengifo, José Drummond, Peng Yun, Jonas Paz-benavides, Héctor Delgado (per), Carlos Martins (arg), Mat Mullins (usa), Mariana Ospina / Andrés Huertas (col), María Papi (arg), Debora Hirsch, Silvia De Gennaro, Enzo Cillo, Enrique Ramírez (chi), Maya Watanabe (per), Salomé Lamas (por), Carlos Gomes (por) & Fran López (esp), Regina José Galindo (gua), Dominik Ritszel (pol), Cristian Guardia (ven), Alex Francés (esp), Joshua Chacón (méx), Pavel Buchler (che), Irit Batsry (isr), Daniel Silvo (esp), Dori & Grey (esp), Eduardo Restrepo Castaño (col), Cristina Núñez (esp), Jorge Galindo y Santiago Sierra (esp), Fernando Sánchez Castillo (esp), Vanane Borian (arm), Raúl Valverde (esp), Katherinne Fieldler (per), Erika Ordosgoitti (ven), Eugenio Ampudia (esp), Ramón Mateos (esp), Rosell Meseguer (esp), Txalo Toloza-fernández (chi), Francesca Fini (ita), Jordi Bernardó (esp), Félix Fernández (esp), Gabrielle Stellbaum (ale), Carlos Llavata (esp), Rallito-X (esp), Angelo Ferreira De Sousa + Isabel Ribeiro (por), Cristóbal Catalán (uk, esp, chi), Adrián Regnier Chávez (méx), Valentina Morandi (méx), Nuno Lacerda (por), Daniel Lacono (ale), Younes Baba-ali (marr), Raphäel Larre (fra), Francisco Ruiz Infante (esp), Olga Mesa (esp), Amélie Delaunay (fra), Johan Parent (fra), Axel Brun (fra), Jacques Perconte (fra), Magda Gebhardt (fra), Alejandro Ramírez (esp), Annegien Van Doorn (hol), Paula Abalos (chi), Luis Úrculo (esp), Márcia Beatriz Granero (bra), Paula Lafuente (esp), A_mal_gam_a (esp), Diego Piñeros, Siu Vásquez, Raquel Solórzano, Mario Chejab, Liliana Vélez, Mateo Rudas, Jeisson Castro, Camilo Pachón, Andrés Bonilla, Elkin Calderón, Mohamed Arejdal, Younes et Atbane Zouheir, Salma Cheddadi, Amine El Gotaibi, Simohammed Fettaka, Mohssin Harraki, Rehab Kinda, Mehdi-Georges Lahlou, Omar Mahfoudi et Saïd Raïs, Abdel de la Campa Scaig, Yadniel Padrón Aguilera, Amílkar Feria Flores, Anahiz Martínez Lastre, Hamlet Armas Pérez, Jorge Luis Santana, Osmara Alberteris, Alberto Santos, Camila García, Luis E. López-Chávez, Soundbarrier, Marco Giuliano, Marco Biagioni, Alessandro Inglima, Zimmerfrei, Ryan Dooley, Antonello Matarazzo, Roberto Paci d'Alò, Michael Michailov, Elke Groen, Linda Reif, Jan Machacek, Gabriel Tempea, Nives Widauer, Fiona Rukschcio, Iris Dostal, Christoph Kolar, Hansjörg Zauner, Aleksandar Spasoski, Atanas Botev, Zoran Poposki, Velimir Zernovski, Gjordje Jovanovic, Kristina Bozurska, Filip Jovanovski & Arhitektri, Ivan Ivanovski, Vladimir Lukash, Dejan Dzolev, Yoerik Santos, Citlally Miranda, Tomás Pichardo, Keylin Toribio (Koco), Ignacio Alcántara, Joan Padilla, Elvis Díaz, Patricia Mercado, José Pión Christian Duval, Rosario Carlino, Pablo Sosa, Cecilia Rosso, Ciro del Barco, Osvaldo Brizuela, Fede Gaumet, Laura Colombo, Armin Zoghi, Charlie Chabrier, Selma Lepart, Nawras Shalhoub, Clément Cogitore, Olivier Chatté, Momoko Seto, Joël Curtz, Arnaud Astier, Hugo Fortes, Leonardo Galvão, Dirnei Prates, Fernando Alexim, Julia Alvarenga, Nelton Pellenz, Alexandre Milagres, Carlo Sansolo, Érika Fraenkel, Wilson Dellanii, Marco Casado, Perla Montenegro, Alejandro Loera, Emiliano Rocha Minter, Guillermo Chávez Terrez, Rivelino Díaz Bernal, Ana Laura Zenon, Antonio Dominguez, Andrea Coyotzi Borja, Triscerable (David Somellera y Zaratustra Vázquez), Fernando Reyes, Ángela Cuadra, Unai Requejo, Laurita Siles, Izaskun Álvarez, Thomas Bakker, Julia Benkert, Karin Brunnermeier, Felix Buiks, Jan van den Dobbelsteen, Charlotte Desaga, Sonja Engelhardt, Felix M. Gaigl, Loek Grootjans, Andrea Hanak - Hendrik-XS, Roderick Hietbrink, Sabine Jelinek, Christian Keinstar, Christoph Kern, Oliver Kunkel, Yvonne Leinfelder, M+M München, Marisa Maza, Vincent Oudendijk, Paradies Production, Oliver Pietsch, Lucinda Miranda Santos, Marco Schuler, Stefanie Senge, Koos Siep, Nikolaus Steglich, Wolfgang Stehle, Isabel Theiler, Bas van den Hurk, Reinaart Vanhoe, VeronikaVeit, Wouter Verhoeven, Clara Games, Pedro Noel da Luz, Alexandre Reigada, David Arantes, André Marques, Anabela Costa, César Rodrigues, Vera Mota, Bruno Gaspar, Patricia Bueno, Diego Lama, Cristian Alarcón, Giancarlo Scaglia, Lalo Quiroz, Felipe del Águila, Elena Damiani, Luis Soldevilla, Miguel Andrade

COLABORADORES 2008-17

Beatriz Marcos, José Vieira (por), Rodrigo González Bermejo, Antonio da Câmara (por), Alessandra Arnò (ita), Wilfried Agricola (ale), Abdelaziz Taleb (marr), Natxo F.

Laguna, Javier Bragado, Mario Misas, Alfredo M. Yllera, Juan Moya, Juan García, Carolee Scheemann (eeuu), Margarita Aizpuru, Clara Blein (fra), Giorgos Gerontides (gre), Andrés Montes (méx), Julio Fernandez Arpón (esp), Alberto Omiste (esp), Javier Bragado Pr, Sérgio Gomes (por), Rallito-x, Ramón G. Del Pomar, Dos Jotas, Ro

Trejo, Alberto Díaz (esp), Dori &Grey (esp), Maia Navas (arg), Karl Ingar Roys (nor), Nathalie Georges (fra), Alain Servais (bel), Rob Anders (isr), Mª Isabel Niño, Cristina

Cámara, Eva Ruíz, Federico Daza (col), Daniel Lupión, Josu Rekalde, Samuel Bianchini (fra), Alberto Chinchón (esp), Víctor Colmenero, Jensen Steven Álvarez, Raquel

Gómez Rivillo, Darío Gil Cabanas, María Iñigo Jiménez, Sergio Cáceres Dies, Paula Santos De Lucas, V. Miriam Sánchez Martínez, Leyre González, Sami Khalaf, Carlos Clemente, Noelia Rodríguez, Marta Labrador, Clara Martínez, Alba Rodríguez Rubio, Oussama Mubarack (fra), Patricia Viñambres, África Martín-Delgado

Rodríguez, Carlos Gomes (por), Marta Delibes, Eduardo Huelin, Esther Perruca, Elena Mellado, Mit Borrás, Nikola Lorenzin, Riwa Baroud, Noé Acedo, Eva Barreda, Ainoa Brozyna, Ángel Caballero, Ruth Gema, Beatriz Jáñez, Patxi Juzgado, Carlos Klett, María Núñez, Chus Rodriguez, Mila Vicente, Cecilia Vieira, Joana Groba, Begoña Moreno-luque, Manu P. Palomo, Javier Martín, Begoña Torres, Videoartistas Asociados, Thierry Destriez (fra), Haro Cumbusyan (tur), Irit Barshy (eeuu) Cristina Núñez (esp), Félix Fernández (esp), Fernando Castro Flórez (esp).

FESTIVALES 2008-17

Festival Óptica, DVD Project (int), Menosuno Canal De Arte, Cartune Xprez: 2009 Dark Voyage (eeuu), Playtime Audiovisuales, Genérico 2*, Veo Veo, Dialogue, Festival Visible, Visual Container (ita), The New York Reel (eeuu), Technoir (méx), Demolden Video Project, Festival Fuso (por), Festival Temps D´images (por), Festival Fonlad (por), Cologneoff (ale), Videobardo (arg), Confraria Do Vento (bra), Alliance Française de Coimbra (por), Digital Marrakech Festival (mar), Intercambiador Acart, L'œil D'oodaaq (fra), 100x100=900 (ita), Ojo De Perro (méx), Vafa - Video Art For All (mac), Video Babel (per), Play (arg), Festival Miva (ecu), Bang! (esp), Inshadow (por), Interference (hol), Le Qube - Independent Art Room (mar), Okular (méx), Umallikuy (col), Heure Exquise! (fra), Claudia Aravena (chi)

GRACIAS A

Entresijos, Abierto de Acción, Artjaén, Companhia Nacional De Bailado (por), ACCCA (por), Casa Bernardo Sassetti (por), Espacio Menosuno, In-Sonora, IEC Instituto Europeo de Coaching, Banzai, La Noche Boca Arriba, La Lata Muda, Fluido Rosa, Xtrart, Suburbana Madrid, Sharp, Crambo Visuales, Systematics + Matrox, Vector001, Adif, Amfora (rum), Artesanas, Espacio Miscellaneous, Art House, Mnac (por), Comunidad de Madrid, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, Programa Pice - Ayuda a Visitantes, Acción Cultural Española AC/E, Institut Français en Madrid, Intermediæ - Matadero Madrid, Casio, Niio, Arternativ, Eclectiktronik, Embajada De Chile, Domeniile Adamclisi (rum), El Bosque Rojo, Hybrid Festival, Impulsarte de Petit Palace, Ayto. Madrid y la mecenas Josefa de La Roca.

SEDES / ARTISTAS 2017

A B I E R T O THEREDOOM

> MÁRCIA BEATRIZ GRANERO (bra)

Heteronimia La artista brasileña Márcia Beatriz Granero va a realizar una residencia y creará una videoinstalación para el espacio A B I E R T O Theredoom. Después de una noche de sueños extraños, ella se levanta y toma su café para poder ingerir algunos psicotrópicos. La duda aparece en forma de invitación para un agradable paseo por las calles más concurridas de São Paulo marciabgranero@gmail.com http://www.marciabeatrizgranero.com/TRIP-Paulista

EL ÁGUILA ESPACIO Y POLÍTICA > EUGENIO AMPUDIA (esp)

> Claudia Aravena (chi) > Ramón Mateos (esp)

> ROSELL MESEGUER (esp)

> Txalo Toloza-Fernández (chi) +

> Pavel Büchler (che)

VIDEOARTE LARGA DURACIÓN > OLGA RORIZ (por)

> Carlos Gomes (por) y Fran López (esp)

ESPACIO Y POLÍTICA PROYECTOR2017/Sala El Águila está comisariado en torno al concepto de ESPACIO Y POLÍTICA, focalizado en la ocupación política de espacios que no están pensados para ese uso. No podemos llegar hasta estos espacios algunas veces negados, otras olvidados, quizás no-espacios, sin recordar la relación que Rancière asigna a la política de la estética y a las formas en que las prácticas y la visibilidad del arte configuran lo sensible. Estas políticas integran y conforman una determinada mirada, no solo del arte, también del espacio en el que es exhibido o expresado el acto artístico. El arte interviene en las coordenadas de la experiencia sensorial. Sin embargo, no es político porque transmita una idea de modelo o de anti-modelo de pensamiento, sino porque cuestiona esquemas de percepción que plantean nuevas formas de pensar y actuar; Rancière, propone la esencia disruptiva del arte al enunciar un espacio y una temporalidad distintas que promueven un nuevo enfoque de lo visible, lo decible y lo factible. 1 Este es el enfoque al que aspira encuadrar PROYECTOR2017/Sala El Águila. El espacio intervenido, modificado o simplemente utilizado, es también un acto político desde el punto de vista artístico. Abundado en esta idea, compartimos que “la sociedad del consenso es entonces una sociedad donde la participación política es un acto puramente formal, una gestión de los votos […] que tiene muy poco que ver con la política en cuanto espacio de afirmación de nuevas subjetividades. Por el contrario, el disenso está en el centro de la política. 2 Ahí radica la diferencia entre la estética política (arte político) o la política estética (producido políticamente). 3 PROYECTOR 2017/Sala El Águila busca, esa estética política. De acuerdo con la teoría de Nelly Richard, hemos elegido la mirada interpeladora, basada en el contexto en el que se produce el acto creativo, siempre en su versión de videoarte.4 Nos proponemos traspasar los límites para descentrar los lugares comunes consensuados. PROYECTOR 2017/Sala El Águila, al igual que Richard, interpreta el arte crítico como una fuerza de emancipación que surge de las fracturas de la representación y que son las únicas capaces de romper, a su vez, con la pasividad de la transmisión del sentido al espectador: la forma en que cada receptor interpreta la obra según su lectura autónoma, es decir emancipadora. Con estas bases PROYECTOR2017/Sala El Águila propone toda una serie de obras y acciones insertas en el concepto de contraespacios, lugares fuera de lugar, tal vez heterotopías… creando o recreando nuevas realidades. Espacios y políticas al encuentro de un tiempo nuevo y de un firme compromiso social. 1. Arte, política y espacio. Una revisión crítica desde el posestructuralismo V. C. Capasso. Tesis Magíster en Ciencias Sociales. Universidad Nacional de La Plata, 2015 2. Op.cit. Lévêque, 2005, 184, en Ecología de los medios: Entornos, evoluciones e interpretaciones, Carlos A. Scolari (Ed.) 2015 3. Las imágenes del arte, todavía. Artículo de J. Rancière, Seminario 2006, UIMP. J.Larrañaga y A. Fernández 4. Crítica y política, Ed, Palinodia, Santiago de Chile, 2013

El artista español Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958, vive y trabaja en Madrid) investiga los procesos artísticos, la gestión, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta. Dónde dormir (2008), forma parte de una serie de trabajos que el artista empezó a desarrollar en 2008. Dormir en el interior de un museo. A través de este gesto aparentemente familiar y cotidiano el artista nos invita a cuestionar nuestra relación con los espacios públicos. Este gesto, esconde una posición política y plantea una resistencia hacia ciertas ficciones sociales y/o convencionalismos. El artista español Ramón Mateos (Madrid 1968. Donde vive y trabaja) realiza obras que plantean un análisis de la realidad social y política. Su obra más reciente reflexiona sobre el concepto de tiempo y espacio, el uso subvertido de espacios carcelarios en contraposición al estado de los campos de refugiados en la actualidad. Resistencia o el gusano del agujero (Dos video-instalaciones que se componen de dibujos, objetos, gráficos, textos y videoproyección) La primera video-instalación de ellas, tiene originalmente unas dimensiones de 320 X 270 cm de altura. Aborda la llegada a Europa, el mediterráneo como nación y los campos de refugiados de acogida como las nuevas cárceles. La segunda, abordará los orígenes, el conflicto de los gasoductos, la trama de la necesidad de mano de obra cualificada barata y otras cuestiones económicas enfrentadas al dilema del individuo. Rosell Meseguer (España 1976) Artista visual y Doctora en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid donde es profesora en Master y Grado. Desde 2005 ha desarrollado su carrera profesional entre Europa y América Latina. En su obra, de carácter multidisciplinar, investiga los procesos históricos y sus consecuencias sociopolíticas y económicas. Tamarugal (2010 Instalación con diapositivas y vídeos). En 2007, la artista encontró un archivo - de fotografía, cartas, periódicos...- en la salitrera Victoria, en el norte de Chile. A raíz de ese hallazgo, inicia un recorrido audiovisual y documental sobre el pasado y el presente de la economía floreciente y más tarde decadente, de la compañía Nitrato de Chile y de la minería, en relación a otros países como Bolivia y España. El archivo funciona como una metáfora del presente en la reconstrucción de la identidad social, la política de expansión o la historia de una tierra donde no había límites fronterizos: la Pampa del Tamarugal, donde llegarían chilenos,chinos cantoneses, bolivianos o peruanos a trabajar en sus minas. El artista Txalo Toloza-Fernández (Antofagasta, 1975) con formación audiovisual en Santiago de Chile y Barcelona (donde vive y trabaja). Videoartista, performer, director de escena y agitador cultural durante los últimos años ha especializado su trabajo en la realización audiovisual dirigida a las artes vivas. Esther W - Pacífico 5 ( 4:40. 2016) Esther W es la pieza número 5 de la serie Pacífico. Grabado en el Desierto de Atacama, Enero 2016, junto a Laida Azkona, Leo Gamboa y Lur Toloza. La pieza formó parte del apartado Videocapsa que se exhibió durante el mes de diciembre de 2016 en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. “En 1931, luego de un acuerdo entre el estado de Chile y el clan Guggenhein, para asegurar las inversiones de EEUU en el país, se inaugura la oficina salitrera Pedro de Valdivia. El centro Salitrero más grande de todo el desierto de Atacama. En 3 años se construyen, de la nada, la enorme planta minera y el campamento que albergará a los trabajadores. La planificación del pueblo de Pedro de Valdivia incluía 3 piscinas, una para los jefes de la mina (venidos de Estados Unidos), otra para los supervisores y una tercera para los obreros y sus familias.” La artista visual chilena Claudia Aravena (Chile, 1968) estudió Diseño Gráfico en la Universidad Arcis, y se tituló en Comunicación Audiovisual en el Instituto Arcos. Su obra, que tiende hacia lo experimental, gira en torno a los conceptos que tratan la identidad y su origen/pertenencia, la migración y memoria cultural. Solucionamos su problema de visa (Proyección de video en Loop y letrero de neón rojo. 2012) En el video la artista aparece nadando en la playa de Maitencillo. En el letrero se lee la siguiente promesa: Solucionamos su problema de visa. La obra alude a la condición de los inmigrantes, uno de los grandes temas sociales y que en los últimos tiempos se ha vuelto cada vez más visible dadas las grandes crisis de migratorias.

Hasta hace algunos años la inmigración no era tan visible en Chile porque no estaba estrechamente ligada a un grupo social determinado. Mi idea, al crear este mensaje luminoso, era visibilizar este tipo de avisos que por lo general circulan de manera medio tránsfuga, en soportes impresos tipo flyer que pasan más piola. En mi trabajo, esa oferta de solucionar los problemas de visa es llevada a una vitrina gigante, obligando a los transeúntes a reparar en esas cuestiones. El video de la nadadora, por otra parte, parece aludir a la precariedad del inmigrante, representada a través de una persona que bracea en alta mar. Claro, es una de las situaciones más precarias que una persona podrá experimentar, pero también, como el video es un loop que se repite continuamente, aparece el empecinamiento de una persona que intenta cruzar una frontera y que, en el fondo, cree en lo que está haciendo. El artista checoslovaco Pavel Büchler (Praga,1952) vive y trabaja en Manchester, Reino Unido desde 1980, donde es investigador y profesor de arte en la universidad de Manchester Metropolitan University . En su práctica artística, combina el video, la escultura y la instalación con una variedad de objetos encontrados, incluyendo textos, tecnología obsoleta y apropiación de material digital. Sus obras son un juego visual, caracterizadas por combinar una visión filosófica escéptica con un humor inteligente que expresa nuevas formas de percibir la cultura. Acting head, Instalación (monitor 14” en alto) Video loop de imágenes de footage; 0:04, 2010. Carlos Gomes (Barreiro,1969), realizador, productor y artista visual, es arquitecto por la Universidad Técnica de Lisboa y Co-fundador del Estudio M.G.C. ARQUITECTOS. Master of Arts en Escenografía en Central Saint Martin’s College of Art and Design, Londres 2003, con una beca del Ministerio de Cultura Portugués. Estudió Teatro y Danza y fue actor y bailarín. Fran López Reyes (Huelva, 1977) es realizador, fotógrafo y videoartista. Destaca su interés en la investigación etnográfica, en temas como la ciudad, movimientos sociales, la ecología o el deporte empleando el vídeo, el documental y la fotografía como técnicas y soporte. UMA Project (Documental. 61”. 2011-2014) Al sur de Portugal, a 50 km de Lisboa, existe un territorio de rara belleza natural, situado en una de las líneas de costa menos intervenidas por el hombre en toda Europa. Escenario idílico de una carrera única en todo el mundo: 43 kilómetros a través de la arena de la playa, a lo largo del Océano Atlántico. Un desafío que requiere actitud, fuerza mental, preparación, mucho entrenamiento y sacrificio. Los atletas desafían sus propios límites, enfrentándose a la distancia y atravesando por todos nosotros ese territorio. El documental sigue a ocho de ellos, de diferentes orígenes y condiciones, hablando sobre sus motivaciones para correr, sobre lo que piensan cuando corren y sobre lo que significa para ellos y para su vida, ser corredores.

La bailarina y coreógrafa portuguesa Olga Roriz (Viana do Castelo, 1955) se formó en S. Carlos Escola de Dança do Teatro Nacional y Escola de Dança do Conservatório Nacional. En 1995 fundó Olga Roriz Company, con el apoyo del Ministerio de Cultura /Instituto de Arte Portugués, compañía de danza que dirige. La compañía es un referente de calidad artística y profesional en la danza contemporánea a nivel nacional e internacional. Las obras de la artista están llenas de metáforas e imágenes que retratan lo mundano y original, el amor y la ausencia, la vida y la muerte, la tragedia y el humor, donde la fealdad no se esconde, si no que se hace visible con una bella crudeza y simplicidad. El método de trabajo de Olga Roriz desde los comienzos de su carrera tienen el valor de cuestionar el rol de la danza contemporánea, reflexionando sobre los límites, las estructuras y las metas. Felicitações Madame (55¨. Estrenada – 23 de Junio de 2006 - Teatro Camões – Lisboa) Dirección y Realización | Olga Roriz. Localizaciones de la película: en Abril – Catacumbas de la Escola Superior de Dança, Lisboa; en Agosto – Playa de la Ilha do Farol, Olhão; en Diciembre – Salão Nobre do teatro Nacional de S. Carlos, Lisboa. En el año 2005, Olga Roriz conmemoró sus 50 años de edad, 30 años de carrera y 10 años de su compañía. Para celebrar estas tres fechas, la cía. Olga Roriz produjo el proyecto FELICITAÇÕES MADAME. El principio de esta idea fue la de ocupar tres lugares lejos de los palcos, lugares reales, y, en cada uno de ellos, crear una pieza que, por las características de los espacios se preveían “Efímeros”. Surge entonces de la idea de, a partir de los materiales creados, encontrar un objeto que en conjunto perdurase en el tiempo.

Texto: Joana Groba

> EUGENIO AMPUDIA (esp)

Dónde dormir Instalación con proyección y sacos de dormir 5 vídeos. Loop La serie de trabajos Dónde dormir, desarrollados a partir de 2008, se construyen a partir de un gesto mínimo. Tras la aparente banalidad de este cotidiano gesto, se esconde una posición política y de resistencia hacia ciertas ficciones sociales o convencionalismos. Un trabajo que nos propone una reformulación de nuestro habitar bajo una actitud que, en su simplicidad y reiteración (ya que este trabajo forma parte de una serie más amplia) devuelve la mirada al modo en que el individuo se relaciona con el espacio público. En sí, la memoria con la que construimos el espacio social puesta a examen. En este caso, no solamente se pretende resignificar un espacio dedicado al mercado, un contexto elitista dedicado exclusivamente a las últimas tendencias del arte contemporáneo, sino cuestionar el propio sistema y reactivar un entorno expositivo que debe convertirse en espacio de diálogo e intercambio de experiencias. http://www.eugenioampudia.net/es/portfolio/donde-dormir-3-arco

> CLAUDIA ARAVENA (chi)

Solucionamos su problema de visa Loop 2012 La artista explica que grabó el video donde aparece nadando en la playa de Maitencillo, hace dos semanas, y que en el mismo lugar de la grabación arrendó un traje de surfista para no morir en el intento, según confiesa. La autora interviene conuna proyección de video y con un letrero de neón que alude a la situación de los inmigrantes. El espectáculo consiste en la visión de una mujer joven, enfundada en un ajustado traje de surfista, que nada en alta mar. Incluye un texto escrito en letras de neón rojo, donde se lee la siguiente promesa: solucionamos su problema de visa. Tras contemplar todos esos elementos dispuestos en altura, los espectadores empiezan a atar cabos y advierten que la obra se relaciona con las dificultades asociadas a la condición de los inmigrantes. Creo que el fenómeno de los inmigrantes es uno de los grandes temas sociales. No es algo nuevo, claro, porque siempre ha habido flujos migratorios, pero creo que en el último tiempo esa realidad se ha vuelto cada vez más presente y más visible, dice la artista Claudia Aravena, creadora de la muestra y protagonista del video de la nadadora. Hasta hace algunos años la inmigración no era tan visible en Chile porque no estaba estrechamente ligada a un grupo social determinado. El letrero escrito en letras de neón, en tanto, está inspirado en ciertos carteles y volantes impresos que la expositora ha encontrado en sus paseos por el centro de Santiago. Mi idea, al crear este mensaje luminoso, era visibilizar este tipo de avisos que por lo general circulan de manera medio tránsfuga, en soportes impresos tipo flyer que pasan más piola. En mi trabajo, esa oferta de solucionar los problemas de visa es llevada a una vitrina gigante, obligando a los transeúntes a reparar en esas cuestiones, explica Aravena. -El video dela nadadora, por otra parte, parece aludir a la precariedad del inmigrante, representada a través de una persona que bracea en alta mar. -Claro, es una de las situaciones más precarias que una persona podrá experimentar, pero también, como el video es un loop que se repite continuamente, aparece el empecinamiento de una persona que intenta cruzar una frontera y que, en el fondo, cree en lo que está haciendo. http://documents.mx/documents/www-lun-com.html

> ROSELL MESEGUER (esp) Tamarugal 5:55

2017 Instalación con diapositivas y vídeos En 2007, la artista Rosell Meseguer encontró un archivo - de fotografía, cartas, periódicos...- en la salitrera Victoria, en el norte de Chile, A raíz de eses hallazgo, inicia un recorrido audiovisual y documental sobre el pasado y el presente de la economía floreciente y más tarde decadente, de la compañía Nitrato de Chile y de la minería, en relación a otros países como Bolivia y España. El archivo funciona como una metáfora del presente en la reconstrucción de la identidad social, la política de expansión o la historia de una tierra donde no había límites fronterizos: la Pampa del Tamarugal, donde llegarían chilenos, chinos cantoneses, bolivianos o peruanos a trabajar en sus minas. https://vimeo.com/183043069

> Txalo Toloza-Fernández (chi) Esther W - Pacífico 5 4:40 2016 Una vez clausurado el Influx Festival, libero la pieza de video que produje para el mismo invitado por las incansables Lis Costa y Josep M. Jordana de Habitual Videoteam. La pieza formó parte del apartado Videocapsa que se exhibió durante el mes de diciembre de 2016 en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. Esther W es la pieza número 5 de la serie Pacífico. Grabado en el Desierto de Atacama, Enero 2016, junto a Laida Azkona, Leo Gamboa y Lur Toloza. https://vimeo.com/197088310

> Ramón Mateos (esp)

Resistencia o el gusano del agujero Videoinstalación loop Parece que la actualidad, el binomio realidad-tiempo que vivimos como presente, se empeña en mostrarnos que no hace falta entender de mecánica cuántica para saber lo que es un “agujero de gusano”, lo que significa que el espacio, y especialmente el tiempo, se puedan plegar sobre sí mismos. La actualidad nos enfrenta a ello constantemente. Mientras Hitler planificaba un nuevo mundo que orbitara alrededor de la capital nazi e ideaba la solución final, en 1934, como parte del plan de Albert Speer para la reconstrucción de Berlín, se proyectó la construcción de la actual terminal de pasajeros del Aeropuerto de Tempelhof; según Norman Foster "la madre de todos los aeropuertos" y la edificación más grande del mundo hasta la inauguración del Pentágono. Si bien este aeropuerto no tuvo un protagonismo militar importante en la segunda guerra mundial, de sus sótanos salieron los motores de los Stuka que bombardearon Europa en ese momento. Irónicamente o como fruto cuántico de un agujero de gusano de la historia reciente, la terminal, cerrada al público en 2008, ha sido habilitada para acoger a los refugiados que en los últimos meses han llegado masivamente a Alemania, especialmente desde Siria, arrojados por una fallida primavera árabe aunque también desde otros países de Oriente Próximo y África. Se han dado momentos en los que llegaban a Berlín 16.000 refugiados al día. Según cálculos de FRONTEX, la institución europea encargada de la gestión de las fronteras, en 2015), último año del que hay datos oficiales, podrían haber llegado a Europa más de 1.830.000 migrantes de manera irregular. Su situación como asilados sin estatus de asilados legalizado, los ha convertido en refugiados, desplazados, sin apenas derechos legales, perdidos en el limbo de la legislación internacional, prisioneros de su propia situación sin capacidad para cambiarla. Así, si los refugiados son los nuevos prisioneros, los campos de refugiados, creados improvisadamente para acogerlos se han convertido en las nuevas cárceles, en las nuevas prisiones, el lugar donde habrán de pagar una pena de tiempo y privaciones por ser quienes son y venir de donde vienen. Primo Levi, recluido y torturado en Auschwitz, diría años después: “Sí, cuando fui liberado, lo que dominaba era la vergüenza de ser un hombre […] Esto no significa que los verdugos y las víctimas sean los mismos” Sobre esto en su Abecedario videográfico Gilles Deleuze le responde a Claire Parnet: “Yo creo que en el origen del arte encontramos esa idea, o ese sentimiento muy vivo de una cierta vergüenza de ser un hombre, que hace que el arte consista en liberar la vida que el hombre ha encarcelado. El hombre no deja de encarcelar la vida, no deja de matar la vida. La vergüenza de ser un hombre: el artista es aquel que libera una vida, una vida potente, una vida que es más que personal, que no es la propia vida. Son las palabras de Primo Levi, traídas a nuestros días, las que atraviesan transversalmente esta propuesta, articulada en dos video-instalaciones que se componen de dibujos, objetos, gráficos, textos y videoproyección/videoproyector. En estas piezas se formulan plásticamente estas cuestiones junto a las causas de los movimientos migratorios actuales, los intereses económicos que los provocan, a quién benefician, qué significan para nuestra sociedad, etc. La complejidad de esta propuesta estriba en la dificultad de sintetizar visualmente, con el “lenguaje del arte contemporáneo” en general y el de la creación videográfica en particular, una información política y sociológica, simultaneando varios niveles de lectura. La primera de ellas, en la que estoy ya trabajando tiene unas dimensiones de 320 X 270 cm de altura (aunque puede redimensionarse si fuera necesario). Aborda la llegada a Europa, el mediterráneo como nación y los campos de refugiados de acogida como las nuevas cárceles. la segunda, abordará los orígenes, el conflicto de los gasoductos, la trama de la necesidad de mano de obra cualificada barata y otras cuestiones económicas enfrentadas al dilema del individuo.

VIDEOARTE LARGA DURACIÓN > OLGA RORIZ (por)

> Carlos Gomes (por) y Fran López (esp)

> OLGA RORIZ (esp) Felicitações Madame

55:00 En el año 2005, Olga Roriz conmemoró sus 50 años de edad, 30 años de carrera y 10 años de su compañía. Para celebrar estas tres fechas, la cía. Olga Roriz produjo el proyecto FELICITAÇÕES MADAME. El principio de esta idea fue la de ocupar tres lugares lejos de los palcos, lugares reales, y, en cada uno de ellos, crear una pieza que, por las características de los espacios se preveían “Efímeros”. Surge entonces de la idea de, a partir de los materiales creados, encontrar un objeto que en conjunto perdurase en el tiempo – Localizaciones/residencias de la película: en Abril – Catacumbas de la Escola Superior de Dança, Lisboa; en Agosto – Playa de la Ilha do Farol, Olhão; en Diciembre – Salão Nobre do teatro Nacional de S. Carlos, Lisboa. Estrenada - 23 de Junio de 2006 - Teatro Camões - Lisboa Dirección y Realización | Olga Roriz Con: Catarina Câmara, Mafalda Saloio, Maria Cerveira, Olga Roriz, Rita Calçada,Bruno Alexandre, Félix Lozano, Pedro Santiago Cal e Rui Pinto Operador de Cámara | Victor Roriz Asistente de Camara | Maria Ferreira Banda Sonora | Saint-Saens "The Swan" Astor Piazzola "Fugata", "Yo soy Maria", "Milonga por Maria la Nina", Donizetti "O mio Babbino Caro" por Maria Callas 666 "Hyde", Amália Rodrigues "Canzone per te", Peter Whitehead "Tunnel of Love", Frederic Chopin "Preludio Op.28 n&#8747;24", Mafalda Saloio "Canção da Jangada", John Barry "News of Hettyís Death" Produtora | Companhia Olga Roriz Co-produtores: Faro Capital Nacional da Cultura 2005, Companhia Nacional de Bailado, Teatro Nacional de São Carlos Apoyos: Escola Superior de Dança de Lisboa, Pedras & Pêssegos, Fundação Calouste Gulbenkian http://www.olgaroriz.com/conteudos/peca_18_Filme.html

> CARLOS GOMES (por) y Fran López (esp) UMA Project

Documental. 61:00

2011-2014

Al sur de Portugal, a 50 km de Lisboa, existe un territorio de rara belleza natural, situado en una de las líneas de costa menos intervenidas por el hombre en toda Europa.

Escenario idílico de una carrera única en todo el mundo: 43 kilómetros a través de la arena de la playa, a lo largo del Océano Atlántico. Un desafío que requiere actitud, fuerza mental, preparación, mucho entrenamiento y sacrificio. Los atletas desafían sus propios límites, enfrentándose a la distancia y atravesando por todos nosotros ese territorio.

El documental sigue a ocho de ellos, de diferentes orígenes y condiciones, hablando sobre sus motivaciones para correr, sobre lo que piensan cuando corren y sobre

lo que significa para ellos y para su vida, ser corredores.

https://vimeo.com/85035240 www.umaproject.com

ESPACIO CRUCE LO APARENTEMENTE ABSURDO (COTIDIANO) > Annegien van Doorn (hol) > Paula Abalos (chi) > LUIS ÚRCULO (esp) > Alejandro ramírez (esp) +

> PAVEL BÜCHLER (che)

LO APARENTEMENTE ABSURDO (COTIDIANO)

En un momento como el actual, las realidades sólidas (Bauman, 2011) de nuestros abuelos ya no existen (ej: trabajo fijo, el matrimonio para toda la vida, las grandes fábricas que iban a durar como las catedrales, etc.). La preocupación de nuestra vida social e individual ha dado un giro vertiginoso y consiste en prevenir que las cosas se queden fijas, que sean tan sólidas que no puedan cambiar en el futuro. La quimera de las soluciones para siempre ya no convence a nadie. ¿Pero acaso la apertura total al cambio es el camino? ¿Es un ideal estar siempre listo para cambiar sin compromiso con nada ni nadie? Ser totalmente flexible a las necesidades del mercado no permite columnas vertebrales donde sostener valores no económicos y nos sitúa en un contexto totalmente inhóspito, en el que aparentemente somos más libres que nunca antes y a la vez más impotentes que en ningún otro momento de la historia, sin agentes, ni instituciones colectivas capaces de frenar el capricho del dinero (Barranco, 2017). En un contexto así, la posibilidad de un cambio centrado en los valores humanos podría venir de acciones situadas fuera de contextos productivos, alejadas de las imposiciones de la tecnología, de la globalización y de las mismas modas. Este polo de experimentación llevado al extremo podría llevarnos a la evasión. Es por esto que incluir en la situación de ensayo objetos del contexto ayuda a representar parte de esta "realidad" cultural. Según esta idea, el análisis de nuestra relación con los objetos, descubriría espacios simbólicos donde pensar (con otros), donde reconsiderar nuestras respuestas e inventar otras nuevas; podría ser el espacio transicional donde el encuentro con uno mismo y con otros fuera posible; un espacio donde el compromiso con estos encuentros permitiera sobrevivir a la cultura del consumo. Bajo este telón de fondo filosófico-político, se mostrará una selección de piezas de videoarte que nos permite la experimentación con diferentes aspectos del proceso de cambio. Estas son las propuestas de cada uno de los artistas: 1. Annegien Van Doom nos enfrenta a la acción de vaciar (“Domestic Science”). A través de estas acciones, los objetos cotidianos en movimiento transforman su uso en otro no convencional; de este modo, lo aparentemente trivial se convierte en un escenario épico, donde el artista con la magia del humor hace posible lo aparentemente imposible. 2. La acción de tirar y destruir (de Luís Úrculo en “Ensayo sobre la ruina”) nos enfrenta al desplome de composiciones de objetos con formas neoclásicas. El autor juega con los objetos, pero la confrontación con el concepto de caída inevitable nos aleja de la sensación lúdica. 3. La acción extrañamente complicada de “El camino más largo” (Alejandro Ramiro), presenta paisajes cotidianos que se transforman con la acción misma en paisajes fantásticos inusuales donde parece que soñar despierto es posible y a la vez difícil (sin tocar suelo). Parece un reclamo del sentido común y de las acciones posadas en la tierra. 4. El cuerpo (sus posiciones, sus movimientos, acompañado de la expresión facial) aparece en última instancia como pantalla reflectante de los mandatos externos (“Instrucciones 1+” de Paula Abalos), influido por contextos socio-familiares aparentemente ausentes. La libertad de las respuestas motrices parece mayor de lo que transmiten las instrucciones del emisor. Cada una de estas piezas convierte lo material en el protagonista en un escenario de experimentación con lo invisible y parece invitarnos al cuestionamiento de lo aparente, de lo que “es así porque siempre fue así”. Desde esta perspectiva, el espacio público de un sala de exposiciones se convierte en un lugar de encuentro de fantasías particulares, donde lo menos valorado socialmente puede ser la propuesta más preciada en la búsqueda de un espacio de libertad y escucha. Estas obras quizás no consigan cambiar las grandes estructuras políticas y económicas, pero ofrecen alternativas a la relación con los contextos más próximos. Texto: María Jáñez

> Annegien van Doorn (hol)

Domestic Science 2:52 2013 En su instalación multimedia Domestic Science, Annegien van Doorn pone en movimiento objetos cotidianos tales como un colchón inflable, natillas y pasta de dientes. Los objetos que Van Doorn usa en su trabajo se movilizan más allá de su funcionamiento en el día a día y adquieren una nueva forma. Objetos domésticos que normalmente son considerados sin valor visual resultan poseer cualidades que antes pasaban desapercibidas. A través de lo lúdico, el humor y la acción absurda, estos objetos triviales revelan una atracción y sexualidad escondida en su apariencia de andar por casa y ofrecen un inesperado tributo a la imaginación. https://vimeo.com/82611925

> LUIS ÚRCULO (esp)

Ensayo Sobre la Ruina / Essay on Decline 3:56 Albert Speer, arquitecto que Hitler hizo responsable de la mayor parte de los proyectos de edificios importantes del Tercer Reich, habitualmente hacía dibujos de las futuras ruinas de sus propios edificios. Speer reclamó, con la razón, que el verdadero potencial de la arquitectura reside en la fuerza evocadora de su futura ruina o destrucción. Y para justificar este argumento, él recordó las estructuras monumentales del pasado, los restos de civilizaciones como la romana, griega y egipcia. Los trabajos de Luis Úrculo tratan esta caída del poder y su manifestación sobre la base de la arquitectura monumental. Usando las composiciones de objetos domésticos, arreglados según el ideal neoclásico, él representa el derrumbamiento y la interrupción de los símbolos de la estable y eterna Europa, la celebración de fracaso como un acto estético. Al mismo tiempo, Úrculo retrata el concepto mismo de derrumbamiento o destrucción en un momento exacto en la vida de una persona. Iván López Munuera explica: “Un culto para disminuir, como Andreas Huyssen indica, ha saltado de una de las mayores obsesiones de la época contemporánea. Como la disminución o la ruina piden para un lugar que es acusado de la nostalgia; [es] una llamada a un pasado que más existe, que pregunta el presente de una posición que considera no sólo el pasado, pero también la incertidumbre para venir.” http://veredes.es/blog/ensayo-sobre-la-ruina-%C2%B7-luis-urculo/

> Alejandro Ramírez (esp)

El camino más largo 2010 / 2011 1. Del escritorio al sofá / HDV / Duración 2´ 42" Minutos. 2. Del sofá a la papelera / HDV / Duración 2´ 18" Minutos. 3. De lado a lado / HDV / Duración 1´ Minuto. 4.De silla a silla / HDV / Duración 1´32 Minutos. 5. De ida y vuelta / HDV / Duración 2´ 36" Minutos 6. Del baño al tejado / HDV / Duración 1´ 48" Minutos. 7. De la cama a la mesa / HDV / Duración 1´ 41" Minutos. 8. De arriba a bajo / HDV / Duración 7´ 04" Minutos. Sinopsis: Es una serie de acciones desarrolladas dentro del estudio de trabajo. Están a medio camino entre simples desplazamientos físicos y aparatosos movimientos equilibristas. Como si de un reto se tratase, la única condición que se impone es la de no pisar el suelo durante los extraños recorridos que le llevan de un rincón a otro de la casa. De este modo lo que sería un tránsito sencillo se traduce en un ejercicio físico de superación en lo que, en última instancia, sería una metáfora de una huida constante hacia el extremo de las cosas. Con el apoyo de la Casa Velázquez de Madrid. http://www.alejandroramirezariza.com/el-camino-ms-largo/

> PAULA ABALOS (chi)

Instruccionario #1 (Instructionary #1) 04:20 2014 La obra consiste en 16 videos simultáneos que registran diferentes individuos siguiendo una serie de instrucciones de postura. Estas instrucciones están basadas en la postura neutra del militar francés que Michel Foucault describe en el capítulo Cuerpo dócil, en su obra Vigilar y Castigar (1975). El video pretende estudiar cómo cada individuo interpreta y/o reacciona de una manera diferente a la misma instrucción. The work consists of 16 simultaneous videos that record different persons following a series of instructions concerning their posture. The instructions are based on the neutral posture of a French military man described by Michel Foucault in his book Discipline and Punish (1975). The video studies the way each person interprets and reacts to the same instructions. https://vimeo.com/103715214

INTERMEDIÆ LUGARES DE ESCAPE > Cristóbal Catalán (uk, esp, chi) > ADRIÁN REGNIER CHÁVEZ (méx) > VALENTINA MORANDI (méx) > NUNO LACERDA (por) > DANIEL LACONO (ale) +

> DVD PROJECT (internacional) +

> PAVEL BÜCHLER (che)

LUGARES DE ESCAPE Reflexionar sobre el enunciado «lugares de escape» invita a pensar espacialmente sobre la propia acción de la huida y sobre cómo ésta afecta a la configuración subjetiva de los lugares (internos, externos y la relación entre ambos) que recorre. El acto de escapar parece que implica un desplazamiento (no necesariamente del cuerpo) y la existencia de un «desde» y de una línea hacia un «hasta». Cuanto más rápida es la huida más estrecha resulta la línea y cuando aquélla se ralentiza, ésta se puede ir ensanchando hasta conformar un lugar vasto en la medida en la que uno se ha permitido la percepción y el intercambio con lo que le rodea. En este sentido la huida resulta ser lo contrario de la voluntad de comunión y, a la inversa, cuando el movimiento de escape cesa puede darse esa interacción real con el contexto. Pero ¿qué motiva la huida? por la dirección del movimiento que a priori involucra, podría parecer que únicamente lo que se quiere dejar atrás (por ejemplo, un peligro) pero es también posible que el impulso provenga de un anhelo de algo que se encuentra por delante (por ejemplo, con el objetivo de escapar de la rutina o para anestesiar emociones incómodas) y que, aunque aún incierto, pueda (en el primer caso) ser puesto a vibrar con lo propio para despertar aspectos de uno latentes o para (en el segundo) llevar el foco de atención a otro lugar menos perturbador. Lugares de escape hay muchos y de distinta índole en función de cómo se vehicule esa huida y del tipo de coordenadas de nuestra existencia entre las que se produzca ese desplazamiento del foco, configurando trayectos y evidenciando topografías (físicas, emocionales, intelectuales, sociales, o relativas al statu quo, etc) tan complejas como el propio ser humano. En la serie de vídeos de la muestra encontramos diversos ejemplos de ello.

Texto: Begoña Moreno-Luque

> Cristóbal Catalán (uk, esp, chi) Tour (scape) 7:18 2010

Esta pieza explora de forma autoreflexiva cuestiones de voyerismo, cosificación y orientalismo como práctica discursiva. El proyecto indaga en las alteraciones y elementos fijos que se dan en la observación a través de una cámara y su relación con el cuerpo humano. En un mundo de geografías menguantes, los procesos como espectador parecen estar en cierto sentido “dirigidos”. La naturaleza de esta “dirección” suscita múltiples preguntas en relación con lo explícito de la mirada y su penetración en el espacio público y privado. El film explora el “watching eye” oriental, valiéndose de la nación y el cuerpo como sujetos, permitiendo explorar los procesos visuales que se producen entre la lente y el sujeto, entre el yo y el otro. The work self-reflexively explores issues of voyeurism, objectification and orientalism as discursive practice. The project explores disruptions and fixtures in the video gaze and its relationship to the human body. In a world of shrinking geographies, processes of spectatorship appear to be “directed” in some sense. The nature of this “directedness” raises many questions about the explicitness of “looking” and its penetration of public and private space. The film explores the orientalist and “watching eye”, using nation and body as subjects: providing opportunities to explore visual processes between the lens and the subject, the self and the other. https://vimeo.com/39595564

> ADRIAN REGNIER CHÁVEZ (méx)

V. 3:33 Sujeto V de La Fuga. // Subject V of La Fuga. Vertical. //. Veni. Vidi. Vici. https://vimeo.com/120206198

> VALENTINA MORANDI (ita) Cross Broadway 5:28

Pieza filmada en un plano secuencia en el que la artista se convierte en una “turista accidental” que trata de explorar de forma inusual el alma de Manhattan. El corazón de la ciudad es registrado en una sola toma sin interrupción; la estructura cinematográfica es como la de los créditos de presentación de una película que va a comenzar; en la calle 42, con su estatus de lugar simbólico, los cuerpos anónimos transitan el torbellino de luces de neón. La gente atraviesa el cruce entre calles como corrientes accidentales, solapándose y haciéndose “famosos” por el breve tiempo en el que tardan en pasar para a continuación desvanecerse sustituidos por otras “estrellas” momentáneas. Durante este tránsito fugaz es el “genius loci” artificial de este no lugar el que escoge y determina quiénes son las verdaderas estrellas que participan en el show “Cross Broadway”. Video shot in sequence plan. The artist turns herself into an “accidental tourist” grappling with an unusual exploration around the Manhattan’s soul. The heart of the city is recorded in one shot, without interruption, the cinematographical structure is like that opening credits of a movie that is about to begin; the 42nd street in his status of symbolical space, brimful of blunders and neon signs is crossed by anonymous human figures. People transit the crossroads like accidental tides, overlapping each other and become “famous” for the short time of their passage and then fade away, replaced by other momentary “stars” . During this fleeting transit, it’s the artificial “genius loci” of this non-place to choose and determine the real stars of the show as part of “Cross Broadway”. Video girato in piano sequenza. L’artista si improvvisa Turista per caso alle prese con un’ inedita perlustrazione intorno all’anima di Manhattan. Il cuore della metropoli è ripreso in un’unica inquadratura, priva di interruzioni, la struttura cinematografica è quella dei titoli iniziali di un film che sta per iniziare; la 42° strada nel suo status di icona paesaggistica, satura di abbagli, scritte luminose viene attraversata da anonime figure umane. Passanti che, come maree accidentali, transitano nel crocevia, si accavallano gli uni agli altri e diventano “celebri” per il breve lasso di tempo del loro passaggio per poi svanire, sostituiti da altri “divi” momentanei. E’ il genius loci artificiale ed astratto di questo non-luogo a scegliere e determinare, durante il fugace transito, i veri protagonisti dello show nell’ambito di Cross Broadway. https://vimeo.com/48747736

> NUNO LACERDA (por) Percurso 5:32

Un personaje explora una construcción audiovisual espacial, se multiplica, se pierde, genera sonidos que se mezclan en una composición cacofónica, se busca de forma perpetua. Se trata de una tentativa de un espacio total, de un circuito plenamente integrado en el lienzo del que sus habitantes (y el observador) no pueden escapar. Uma personagem explora uma construção espacial audiovisual, multiplica-se, desencontra-se, gera sons que se misturam numa composição cacofónica, procura-se perpetuamente. É uma tentativa de um espaço total, de um circuito plenamente integrado na tela do qual os seus habitantes (e o observador) não podem fugir. A character explores an audiovisual spatial construction, he multiplies and fails to find his own instances, he generates sounds that mix up to a chaotic composition and forever searches for himself. It's an attempt for a total space, a circuit completely integrated in the canvas, from where it's inhabitants (and the observer) can't escape. https://vimeo.com/24349108

> DANIEL Lo LACONO (ale) Digital Snapshots 4:47 2003

Cómo es visualmente un instante? ¿Puede una instantánea congelar un momento del tiempo? En DIGITALSNAPSHOTS un ciclo de movimiento de cámara largo genera un “cuadro digital” único que permite al espectador experimentar un paseo virtual por un bonito parque en verano. Esta pieza es una especie de docu-animación que opera con manipulaciones digitales de tomas documentales cándidas. Se captaron fragmentos de movimiento que volvieron a disponerse en un nuevo contexto visual mediante manipulaciones digitales inusuales. Fue producida en 2003 en Alemania como parte de la tesis del diploma de Media Design de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Mainz. The video is a kind of docu-animation dealing with the correlation of digital manipulations and candid documentary shots. It was produced as part of a Media Design diploma thesis from the University of Applied Sciences Mainz , Germany in 2003. What does a moment look like? Can snapshots freeze a moment in time? In DIGITALSNAPSHOT, motion fragments were captured and rearranged in a new visual context via unconventional digital manipulations. A long take camera movement cycle generates a unique “digital painting”. In this case DIGITALSNAPSHOT enables the viewer to experience a virtual walk through a beautiful park during summertime https://www.youtube.com/watch?v=A0lFoPBYVBM

> DVD Project + 200 vídeos de + 20 países 2005-2017

Proyecto de videoarte internacional que nace impulsado desde la Fundación holandesa Stichting Ide - fixe (IDFX) en 2005 y coordinado desde 2007 por KREÆ

[Instituto de Creación Contemporánea]. Ha sido creado con la intención de mostrar videoarte emergente y experimental en diversos países, como una plataforma democrática y accesible para nuevos curadores, videoartistas y público en general.

El proyecto consiste en la selección de 10 videoartistas de un país, a cargo del Comisario internacional, y la realización de variadas muestras donde se exhiben estos trabajos y a su vez se proyecta en formato de loop la obra de todos los videoartistas seleccionados en el resto de países donde se ha llevado a cabo DVD Project. El evento se puede completar con actividades en torno al videoarte como charlas, talleres y conferencias.

Los vídeos que se presentan deben ser inéditos o cedidos en exclusiva para el propio proyecto. Éstos se agrupan en una temática amplia, en la que se admiten todos los géneros.

En DVD Project todos los vídeos que se exhiben están a la venta, a un precio accesible de 50 € por obra. Su edición será limitada de 100 copias. Los derechos de

esta copia adquirida son para un visionado particular o educativo, nunca para fines comerciales o en centros de arte, galerías, sin el consentimiento y acuerdo firmado con el propio artista.

La muestra actualmente posee las creaciones de 17 países con video-artistas emergentes de Alemania, Holanda, España, Portugal, México, Perú, Brasil, Francia, Argentina, República Dominicana, Cuba, Italia, Macedonia, Austria, Marruecos, Eslovenia, Colombiaaunque diversos comisarios internacionales están trabajando para que se amplíe a otros países, como Venezuela, Costa Rica y Chile.

Su duración por el momento ronda las 16 horas. En las exposiciones se presentan los vídeos en proyecciones por países o en un bucle con todos los países juntos.

También se puede presentar con nuevos artistas en cabinas personalizadas con una mesa preparada específicamente para acoger las cabinas de proyección,

compuesta por monitores TFT, dvds y amplificadores, así como cascos y asientos. Además en una proyección se presentan el resto de países en bucle y se da la oportunidad al usuario a disfrutar también de vídeo “a la carta” es decir, poder escoger entre la nueva videoteca en la que se presentan más de 175 piezas.

ARTISTAS

Colombia: Diego Piñeros - Siu Vásquez - Raquel Solórzano - Mario Chejab - Liliana Vélez - Mateo Rudas - Jeisson Castro - Camilo Pachón - Andrés Bonilla - Elkin Calderón. Marruecos: Mohamed Arejdal, Younes et Atbane Zouheir, Salma Cheddadi,Amine El Gotaibi, Simohammed Fettaka, Mohssin Harraki, Rehab Kinda, Mehdi-Georges Lahlou, Omar Mahfoudi et Saïd Raïs. Cuba: Abdel de la Campa Scaig - Yadniel Padrón Aguilera - Amílkar Feria Flores - Anahiz Martínez Lastre - Hamlet Armas Pérez - Jorge Luis Santana - Osmara Alberteris - Alberto Santos - Camila García - Luis E. López-Chávez. Italy: Soundbarrier - Marco Giuliano- Marco Biagioni - Alessandro Inglima - Zimmerfrei - Ryan Dooley - Francesca Fini - Antonello Matarazzo - Roberto Paci d'Alò. Austria: Michael Michailov - Elke Groen - Linda Reif - Jan Machacek - Gabriel Tempea - Nives Widauer - Fiona Rukschcio - Iris Dostal - Christoph Kolar - Hansjörg Zauner. Macedonia: Aleksandar Spasoski - Atanas Botev - Zoran Poposki - Velimir Zernovski - Gjordje Jovanovic - Kristina Bozurska - Filip Jovanovski & Arhitektri- Ivan Ivanovski -Vladimir Lukash - Dejan Dzolev. Dominican Republic: Yoerik Santos - Citlally Miranda - Tomás Pichardo - Keylin Toribio ( Koco) - Ignacio Alcántara - Joan Padilla - Elvis Díaz - Patricia Mercado - José Pión Christian Duval. Argentine: Rosario Carlino – Pablo Sosa – Cecilia Rosso – Ciro del Barco - Osvaldo Brizuela (a.k.a/ O-Bri) - Fede Gaumet – Laura Colombo. France: Armin Zoghi - Charlie Chabrier - Selma Lepart - Nawras Shalhoub - Clément Cogitore - Olivier Chatté - Momoko Seto - Joël Curtz - Younes Baba-ali - Arnaud Astier. Brazil: Hugo Fortes - Leonardo Galvão - Dirnei Prates - Fernando Alexim - Julia Alvarenga - Nelton Pellenz - Alexandre Milagres – Carlo Sansolo - Érika Fraenkel - Wilson Dellanii. Mexico: Marco Casado – Perla Montenegro - Alejandro Loera – Emiliano Rocha Minter - Guillermo Chávez Terrez – Rivelino Díaz Bernal – Ana Laura Zenon + Antonio Dominguez – Andrea Coyotzi Borja – Triscerable (David Somellera y Zaratustra Vázquez) – Fernando Reyes. Spain: Sergio Ojeda - Félix Fernández - Alberto Chinchón - Esther Achaerandio - Fernando Arrocha y Ángela Cuadra - Unai Requejo - Laurita Siles - Izaskun Álvarez - Mario Gutiérrez Cru - Maite Camacho. Netherlands & German: Thomas Bakker - Julia Benkert - Karin Brunnermeier - Felix Buiks - Jan van den Dobbelsteen - Charlotte Desaga - Sonja Engelhardt - Felix M. Gaigl - Loek Grootjans - Andrea Hanak - Hendrik-XS - Roderick Hietbrink - Sabine Jelinek - Christian Keinstar - Christoph Kern - Oliver Kunkel - Yvonne Leinfelder - M+M München - Marisa Maza - Vincent Oudendijk - Paradies Production - Oliver Pietsch - Lucinda Miranda Santos - Marco Schuler - Stefanie Senge - Koos Siep - Nikolaus Steglich - Wolfgang Stehle - Isabel Theiler - Bas van den Hurk - Reinaart Vanhoe - Veronika Veit - Wouter Verhoeven. Portugal: Clara Games - Pedro Noel da Luz - Alexandre Reigada - David Arantes - André Marques - Anabela Costa - César Rodrigues- Vera Mota - Paulo Menezes - Bruno Gaspar. Perú: Patricia Bueno - Diego Lama - Cristian Alarcón - Giancarlo Scaglia - Lalo Quiroz / Felipe del Águila - Elena Damiani - Luis Soldevilla - Frau Diamanda - Pilar Talavera - Miguel Andrade http://dvdprojectspain.blogspot.com http://dvdprojectshow.blogspot.com

INSTITUT FRANÇAIS DE MADRID EXPOSICIÓN PROYECTOR

> YOUNES BABA-ALí (marr) > RAPHAEL LARRE (fra) > Amélie Delaunay (fra) OODAAQ

> Johan Parent (fra) > Axel Brun (fra) > Jacques Perconte (fra) > Magda Gebhardt ( fra) > Loïc Gatteau ( fra) +

> PAVEL BÜCHLER (che)

EVENTOS > A_MAL_GAM_A (esp) > FRANCISCO RUIZ INFANTE y OLGA MESA (esp-fra)

Con el apoyo de la Embajada de Francia y el Institut Français de Madrid

Des/construction d´images

Oodaaq es una isla descubierta en 1978 al noreste de Groenlandia. Durante mucho tiempo considerado como la tierra emergente más al norte del mundo, este cúmulo de grava y cieno está en realidad a la deriva, de modo que actualmente es imposible de localizar. La isla, que existe en alguna parte entre la realidad y lo imaginario, se convierte en una imagen, lejana y utópica, que nos invita a escrutar el horizonte para verla aparecer. Es aquí, en esta tierra incierta, inaccesible e invisible, que hemos establecido nuestro campamento con el fin de explorar la creación artística contemporánea. Habitantes nómadas de la isla de Oodaaq, recorremos el mundo a lo largo del año con el fin de constituir un colectivo de creadores en constante evolución. En el marco del Festival PROYECTOR, L’Oeil d’Oodaaq propone al Institute Français de Madrid una exposición que agrupa las obras de ocho videoartistas que se preguntan acerca de las especificidades de este medio y juegan con las posibilidades de la imagen en movimiento. Al igual que las producciones de cine experimental o vanguardista, las imágenes de las obras en vídeo de esta exposición no ocultan su fabricación, su puesta en escena. La imagen en movimiento es una construcción, una composición, como puede serlo un dibujo, una pintura, incluso una obra de teatro. Es, por otro lado, a partir de las referencias a estas distintas disciplinas que se originan las obras aquí expuestas, cuestionando la relación de imagen y realidad según los protocolos y los distintos procesos creativos. Johan Parent, Axel Brun, Jacques Perconte, Magda Gebhart, Loïc Gatteau, Younes Baba-Ali, Amélie Delaunay y Raphaël Larre ponen en práctica sus dispositivos generadores de imagen y definen los marcos dentro de los cuales se componen y descomponen los paisajes en movimiento. Self Lavage de Johan Parent, es la puesta en escena absurda y burlesca de un ballet de propulsores de agua que juguetean con plena libertad en el espacio teatralizado de una estación de lavado de coches. La escena está filmada de noche y podemos observar, ocultos en la oscuridad, como en un espectáculo. Johan Parent convierte una situación trivial en un espacio de experimentación artística que puede evocar la danza y la música, mientras que las gesticulaciones de las mangueras pueden recordar a aquellas de un director de orquesta invisible. Si en Self Lavage estos propulsores de agua pueden parecerse a las máquinas solteras de Marcel Duchamp, como unos performers mecánicos que funcionan de manera autónoma, en Tic Nerveux de Younes Baba-Ali el objeto está explícitamente activado por la mano del hombre. En un tríptico repetitivo y sonoro el artista muestra una mano que descarga todo su stress pulsando de forma continua un bolígrafo. La acción filmada genera un sonido que se propaga más allá de la imagen para ganar espacio mental y corporal al espectador, quien cede progresivamente por el carácter obsesivo del gesto. En Bulles de Axel Brun el juego es más apacible. Al igual que Johan Parent y Younes Baba-Ali, el artista define un marco de acciones simples, imitando la experimentación científica que busca obtener conclusiones a las reacciones químicas y físicas que habría provocado él mismo. Pero aquí no se trata tanto de deducir como de describir eso que sucede de la forma más simple y directa: masas de pintura líquida de color amarillo, rojo, azul cuyo territorio y aspecto se modifican en relación y proporción a su ebullición. Bulles es una metáfora del proceso artístico en sí mismo, es un doble movimiento de transcripción y transformación de una realidad observada. Los artistas nos proponen imágenes del mundo en donde el motivo original puede ser más o menos aparente. Vague vache de Jacques Perconte hace de este distanciamiento el motor de sus experimentaciones digitales. Jacques Perconte usa también una paleta de colores que mezcla, al igual que un pintor impresionista, para deslizar los paisajes que filma hacia espacios pictóricos. Pero la imagen no es fija, y aunque por momentos puede estar detenida, mantiene su movimiento de oleaje marítimo, motivo recurrente del artista.

Magda Gebhardt, al igual que Atlas, soporta al mundo sobre sus espaldas, atrapada en una performance de construcción y destrucción de paisajes cuyas referencias de espacio y tiempo son redefinidas continuamente. La obra de Magda Gebhardt permite una analogía entre paisaje e imagen, dos creaciones humanas cuyos artificios son puestos al descubierto por los artistas de esta exposición, al mismo tiempo que los toman como impulsores de su propia creación. Es así como cobra protagonismo el papel del que mira y observa, un lugar a partir del cual se organizan y reparten las visiones del mundo. Con Lignes de fuites, Loïc Gatteau nos proporciona esa posición de observadores privilegiados, testigos fuera de cuadro y circunspectos de una escapada unidireccional más allá de la ciudad. El desfile de vehículos y de peatones está acompañado de una banda de sonido que ayuda a crear una atmósfera de extrañeza inquietante. Aquí la imagen, siempre en movimiento, también sirve de superficie de proyección y de impresión, a medio camino entre realidad y subjetividad. La instalación Cuadernos de Raphaël Larré nos sumerge en un universo de cuento, mitología reivindicada como tal y exorcismo de nuestros miedos infantiles. Los dibujos filmados por el artista se muestran en un dispositivo instalativo multipantalla que introduce al espectador en la imagen y cuyas deambulaciones a través de la obra son como un motor o incluso un espejo de la imagen en movimiento. En 7 très très courts, Amélie Delaunay toma su propia producción de dibujos como motivo original, a los cuales da movimiento para desarrollar múltiples posibilidades. En el carácter minimalista de esta animación destaca la oscilación permanente entre el dibujo estático y el dibujo animado y revela de forma evidente los trucos de la película resultante, al mismo tiempo que pone en escena el placer que el artista y el espectador encuentran en la metamorfosis de la imagen. Sin ocultar nada de su proceso de producción, todas estas obras en vídeo reunidas en esta exposición son una metáfora del acto de creación, una serie de manipulaciones a partir de la realidad que ofrecen una nueva mirada sobre ella. Texto: Nathalie Georges

> YOUNES BABA-ALí (marr) Tic Nerveux 2:38

El tríptico en vídeo muestra el cliqueo nervioso de tres bolígrafos y produce sonido y ritmo en una secuencia temporal no sincronizada. El simple gesto del clic del bolígrafo es un lugar común y tan ordinario como el objeto mismo, del cual el artista hace un uso sofisticado para enfatizar la obsesión generalizada y la neurosis

predominante en nuestra vida cotidiana actual. La obra es metáfora de la concepción occidental del tiempo, determinada cada vez más por la prisa y por los procesos

repetidos de forma obsesiva. Una cuidadosa observación revela que, a pesar de la sencilla realización de las imágenes, cada una es precedida ligeramente por su

efecto acústico, lo cual permite al espectador anticiparse a lo que va a suceder en la pantalla. Esto aumenta la sensación de peligro y malestar y la instalación

adquiere una dimensión adicional comunicándose directamente con el público y haciéndolo partícipe. Todo parece obsesivo y repetitivo en este trabajo que indudablemente demuestra una sutil ironía en sus indicios de una paradójica y absurda sensualidad mecánica.

http://www.younesbabaali.com/en/travaux_projet.php?c=17&p=4 info@younesbabaali.com

> RAPHÄEL LARRE (fra)

Librito 2017 Video-instalación multipantalla. Hace casi 15 años que tengo siempre un cuadernillo con dos bolígrafos en mi bolsa (un fino y uno más grueso). Dibujo lo que veo y así me ayuda a comprender, analizar, poetizar, respirar mejor el mundo que vivo. Estos cuadernillos funcionan como un taller en vivo y en movimiento, es la base de mi trabajo artístico. A partir de esta práctica, doy una extensión con el movimiento a mis dibujos creando animaciones y vídeos. Así el vídeo me permite lógicamente continuar el movimiento y pensar nuevos soportes y formas de trabajo: la videoinstalación por ejemplo. Presentaré por primera vez en el Institut Français una instalación con todos mis cuadernillos ( más de 100) sobre una mesa con proyecciones de tres videoanimaciones.

> Amélie Delaunay (fra)

7 très très courts 3:25 2005 En 7 très très courts, Amélie Delaunay toma su propia producción de dibujos como motivo original, a los cuales da movimiento para desarrollar múltiples posibilidades. En el carácter minimalista de esta animación destaca la oscilación permanente entre el dibujo estático y el dibujo animado y revela de forma evidente los trucos de la película resultante, al mismo tiempo que pone en escena el placer que el artista y el espectador encuentran en la metamorfosis de la imagen. Sin ocultar nada de su proceso de producción, todas estas obras en vídeo reunidas en esta exposición son una metáfora del acto de creación, una serie de manipulaciones a partir de la realidad que ofrecen una nueva mirada sobre ella. https://vimeo.com/23253805

> Johan Parent (fra)

Self lavage 2:57 2015 El presente vídeo muestra el funcionamiento en vacío y de noche de una estación de lavado de coches. La hidrolavadora se acciona rítmicamente, como en un espectáculo de danza. Esto nos remite a las primeras creaciones maquinistas de principios del S. XX, como la película “El ballet mecánico” de Fernand Léger (1924), en donde se refleja la fascinación de la época por los objetos manufacturados y por un ideal de armonía entre el hombre y la máquina. Pero aquí el ballet se realiza sin el hombre y la máquina conquista su autonomía hasta el absurdo. A partir de aquí la acción está desprovista de finalidad: el arranque nocturno del dispositivo convierte un funcionamiento banal en algo inquietante y salvaje, todo ello en un “decorado urbano” que no controlamos. El plano dura desde el arranque hasta que se termina todo el proceso de la máquina. La dimensión cinematográfica está vinculada a la dimensión performativa. https://vimeo.com/128009599

> Axel Brun (fra) Bulles 2:46

2011 Es un video experimental acerca de la materia y de la percepción de la pintura como materia. Pone en juego las nociones de imagen y sonido, cómo una altera al otro y éste altera a aquélla. https://vimeo.com/188981049

> Jacques Perconte (fra)

Vague Vache 23:11 2016 El artista busca aquello que las imprecisiones pueden revelar como cualidades pictóricas en la imagen de su sujeto. Compone vídeos en los que se multiplican las dimensiones matemáticas de las representaciones. Todo aquello que implica explosiones de color, profundidad, tiempo. Mezcla las capas digitales como el pintor mezcla sus colores preparados. https://vimeo.com/36965859

> Magda Gebhardt (fra)

Atlas 6:12 2012 Magda Gebhardt, al igual que Atlas, soporta al mundo sobre sus espaldas, atrapada en una performance de construcción y destrucción de paisajes cuyas referencias de espacio y tiempo son redefinidas continuamente. La obra de Magda Gebhardt permite una analogía entre paisaje e imagen, dos creaciones humanas cuyos artificios son puestos al descubierto por los artistas de esta exposición, al mismo tiempo que los toman como impulsores de su propia creación. Es así como cobra protagonismo el papel del que mira y observa, un lugar a partir del cual se organizan y reparten las visiones del mundo. https://vimeo.com/119756889

> Loïc Gatteau (fra)

Lignes de fuites 4:33 2012 Todo en las secuencias de este vídeo, imágenes y sonidos, parece seguir una misma dirección. La ciudad trepidante y orgánica de Hilary Harris está depurada hasta una austera y absurda simetría que recuerda a PlayTime de Tati, ilustrada en otro tiempo, diríamos que hoy en día. Es más bien la confusión que reina bajo el orden aparente. https://vimeo.com/189420938/2ebc5deb86

DJ / VJ

> A_MAL_GAM_A (esp) 120¨ El espíritu de MDBuró se caracteriza por la búsqueda de soluciones y recursos creativos a partir de la naturaleza, el ámbito de difusión, la funcionalidad o el poso conceptual de cada proyecto. Trabajamos en torno a diversos formatos creativos como la dirección de arte, el diseño gráfico, la producción audiovisual, la comunicación o la promoción y el diseño de eventos.También llevamos a cabo proyectos de investigación y docencia, así como tareas de comisariado independiente y programación cultural. Nuestra metodología parte de la constitución de equipos profesionales, redes creativas y estrategias responsables, basados en el trabajo multidisciplinar y en la reestructuración de procedimientos e infraestructuras. Como consecuencia, nuestro radio de acción se presenta como un entorno dinámico y elástico en el que cada trabajo aparece como una propuesta comunicativa original así como eficaz a nivel formal, estético y conceptual. En definitiva, MDBuró es un proyecto colaborativo, ambiguo e impreciso como los contornos de las disciplinas con las que trabaja, que se adapta al medio según las circunstancias y necesidades de cada proyecto con una visión diferente de las actitudes gremiales y jerarquizadas de la industria de la imagen. http://machines-desirantes.net http://machines-buro.tumblr.com http://instagram.com/machinesdesirantes

VÍDEO / PERFORMANCE

> FRANCISCO RUIZ INFANTE y OLGA MESA (esp) Inadecuaciones 20:00 Nos dicen que allá reina una especie de oscuridad ; una especie de gran tranquilidad. Nos dicen que en ese lugar profundo cada gesto contiene una fuerza que no se acaba. Ella dijo : « Allá, tú me seguirás. ¿ Me escuchas ¿ » Él dijo : « ¿ Estás hablando de la muerte ? » Ella dijo : « ¡ No ! Estamos hablando del amor » ¡ Quédate conmigo ¡ ¡ No ! ¿ Non ? Con este « Acto Clandestino » que se realizará en contacto directo, pero a distancia, entre Madrid y Chateauvillain (pequeño pueblo del este francés). Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante nos proponen una serie de diálogos sordos en los cuales imagen y sonidos (en directo y en diferido) generan fueras de campos inesperados para verificar de manera caleidoscópica cómo la tecnología (trampa, oportunidad y barrera) autoriza nuevas relaciones de poder, seducción, miedo, deseo, incomprensión, complicidad, celos … ¿Amor? ______________________ Producción : Hors Champ // Fuera de Campo. www.olgamesa.eu www.lillaspastia.net Con la participación de : MAMC de Strasbourg, Teatro Halle à Grains (Bouxwiller), Maison Laurentine (Expédition 2017 / Chateauvillain), Instituto francés de Madrid y Festival Proyector X. « Inadecuaciones (Solo Clandestino Madrid » forma parte del proyecto tematico « Carmen // Shakespeare » (2013-2018) ______________________ Hors Champ / Fuera de Campo es una compañía convencionada por la DRAC Grand Est - Ministère de la Culture et de la Communication (Francia) y la ciudad de Estrasburgo http://www.olgamesa.eu/-carmenshakespeare www.olgamesa.eu www.lillas-pastia.net

MEDIALAB - PRADO > ALBERTO C. BERNAL (esp)

> ALBERTO C. BERNAL (esp)

Resistencia Pasiva Instalación audiovisual interactiva 2013 -17 La presente instalación utiliza la interactividad de manera inversa a lo habitual: en lugar de detectar el movimiento para que éste provoque cambios, la instalación va transformándose a través de la presencia inmóvil y continuada del espectador, de su resistencia pasiva. Se invita por tanto a los espectadores a colocarse de forma inmóvil frente a la proyección. A medida que permanezcan en su posición, su persistencia comenzará a provocar cambios en las imágenes y sonidos (¿quizá también en el propio espectador?), en un proceso que se extenderá tanto tiempo como cada persona esté dispuesta a asumir: segundos, minutos, horas… Si bien la obra presenta una poética en sí misma, sería también injusto no reconocer lo mucho que debe su motivación al papel de la resistencia pasiva como catalizador del cambio social: desde la desobediencia civil de Henry David Thoreau, Gandhi, Martin Luther King o el hombre del tanque de Tiananmen, hasta manifestaciones más recientes como el "hombre inmóvil" de la plaza Taksim en Estambul. http://albertobernal.net/es/passive-resistance

NADIE NUNCA NADA NO ACCIONES DE CALLE > ANGELO FERREIRA DE SOUSA (por) > BONGORE (esp) > FRANCISCO VENÂNCIO (por) +

> PAVEL BÜCHLER (che)

> ANGELO FERREIRA DE SOUSA (por) + ISABEL RIBEIRO (por) Portugal

Videoinstalación más graffiti

La pieza "Portugal" fue creada para ser instalada en el ex-Pabellón de Portugal, construído para la Exposición Internacional de Hannover, Alemania y después instalado en Coimbra, Portugal.

Colaboró tres veces con el grupo del Salão Olímpico, exposición individual en su espacio, y después en la colectiva, "Busca-Pólos 1" (Guimarães) y "Busca-Pólos 2" (Coimbra). Las muestras fueron co-organizadas por el Museu de Serralves. A pesar de eso, la pieza fue destruída algunos días después de la inauguración, por orden de los asesores de imagen del entonces presidente de la República de Portugal, Cavaco Silva. Éste estaba en Coimbra para inaugurar un puente sobre el río Mondego y quiso dar una conferencia de prensa en dicho Pabellón de Portugal. Como no podían correr el riesgo de que el presidente fuese fotografiado con un graffiti invertido de Portugal mandaron pintar la pared de blanco, destruyendo así la pieza.

> BONGORE (esp)

Rompiendo nubes 1:52 2007 (ES) Una reflexión lírica sobre la fragilidad de la imagen. (FR) Une réflexion lyrique sur la fragilité de l'image. (EN) A lyrical reflection about the fragility of the image. http://www.bongore.com/works/ROMPIENDO_NUBES-es.html

> FRANCISCO VENÂNCIO (por)

Untitled 5:46 2007 Con esta obra el artista pretende posicionar el vídeo en un contexto en el que imagen y sonido son los elementos principales y se complementan el uno al otro. La imagen tiene una fuerte presencia tanto por la descomposición de la pintura de la puerta que se muestra a lo largo del vídeo como por la deformación de la propia puerta y la luz que va penetrando por los espacios que aparecen en sus límites. El sonido es protagonista ya que acompaña a este proceso en todo momento, complementándolo. https://www.youtube.com/watch?v=wkQWksJWXdU

TABACALERA _ PROMOCIÓN DEL ARTE

FORMATOS Y FORMAS 10 años de PROYECTOR/ Plataforma de Videoarte PROYECTOR celebra 10 años y por este motivo en la presente edición del Festival y, más en concreto, en esta muestra dedicada al videoarte en Tabacalera Promoción del Arte, se propone realizar una panorámica, no sólo hacia atrás, pensando en el camino ya recorrido y en los artistas que han participado en estos años del proyecto, sino que también con la mirada puesta en la actualidad del videoarte a nivel internacional. Esta exposición es sin duda un ejercicio de síntesis de una década de labor curatorial dentro de este medio en donde PROYECTOR toma una posición y ofrece su propia perspectiva. Esta visión sobre el videoarte, que es múltiple, diversa y amplia en lo posible, se ofrece aquí como una agrupación de obras y artistas a través de los cuales se establecen una serie de trazados o trayectos conceptuales. Son unos de los tantos que pudiera haber. Es por tanto un entramado que aunque no pretende contener la totalidad de lo que es el videoarte ofrece esa intención necesaria del discurso. Un primer sendero que se abre camino a lo largo de esta muestra es aquella que se inicia en los trípticos de Enrique Ramírez o Maya Watanabe y llega, pasando por otros tantos, como Daniel Silvo o Dominik Ritszel, hasta la obra de Salomé Lamas o Katherinne Fiedler. Es el trazado de una imagen evocadora y poética, de una narrativa abierta y que, sin embargo, contiene una realidad social y política concreta. Son paisajes de estética romántica, objetos bellos, imágenes saturadas de color, narrativas suspendidas en el tiempo de cuya contemplación, sin embargo, el artista nos saca para vincularlos directamente con la realidad de la que provienen. De la imagen evocadora podemos ir hacia el cuerpo presente. El vídeo, aún siendo un ojo que mira sin tocar, nos muestra el cuerpo en sus detalles, en su desnudez, en su fealdad, en su belleza, en su morbosidad. Oscilamos entre el cuerpo mutilado en el vídeo de Joshua Chacón, hasta el cuerpo portador-constructor de identidad en las autobiografías de Cristina Núñez, o al cuerpo performativo de Regina José Galindo, Cristian Guardia o Plinio Villagrán. Del cuerpo nos trasladamos al dispositivo desvelado, en donde se encuentran las propuestas de Pavel Buchler o Irit Batsry. Aquí lo fílmico, la pantalla, el televisor, adquieren la presencia necesaria como para convertirse en elementos estéticos y con un contenido artístico dentro de la obra. Más allá de estos tres ejes, encontramos otros, como en las obras de José Galindo y Santiago Sierra o Andrés Montes en donde el vídeo se convierte en un espacio de provocación e ironía, o allí donde el discurso que se deconstruye en los vídeos de Marko Schieffelbein junto al discurso destruído en la obra de Raúl Valverde. Y tantos otros trayectos que el propio espectador podrá descubrir en su propio recorrido. Texto: Queralt Lencinas

MULTICANAL/ TRÍPTICOS

PROYECCIÓN Enrique Ramírez (chi), Maya Watanabe (per), Salomé Lamas (por), Carlos Gomes (por) y Fran López (esp) Duración: 90:41 INSTALACIÓN Eduardo Restrepo Castaño (col)

> ENRIQUE RAMIREZ (chi)

Una historia sin destino 5:55

2015

Un documental de ficción hecho en el día del 70 aniversario del desembarco de Normandía y en la Patagonia chilena.

Tres historias, situadas en diferentes momentos y en diferentes lugares, se entrelazan. Se habla de los viajes por mar, los desembarques, conquistas, el poder y la

utopía. La memoria de la dictadura chilena, que Enrique Ramírez ha conocido desde niño, sigue estando presente en estas imágenes.

Una Historia Sin destino se basa en hechos históricos y utiliza grabaciones de archivo. "Sin embargo, el carácter misterioso de ciertos personajes, las largas secuencias de planos de paisajes y el uso de la voz off le dan una calidad de ensueño.

Producción Co Producciones y Villa La Brugère con el apoyo de la Fundación Nacional para las Artes gráficas y plásticas. Y de la embajada de Chile en España.

http://enriqueramirez.net/une-histoire-sans-destin-route-panoramique-arromanches/

> MAYA WATANABE (per)

Sceneries 15:00 2014 La palabra “sceneries” en inglés significa tanto un lugar en donde una situación o una acción tiene lugar como un escenario teatral. Las imágenes aluden a la historia reciente de Lima y provienen de la intersección de imágenes políticas y biográficas. Los paisajes se refieren al conflicto peruano a través de una interminable toma que evoca a la memoria como un asunto silencioso e irresoluto. En una serie de movimientos en 360°, tres canales diferentes muestran paisajes clandestinos, prohibidos o aislados. En cada pantalla se produce un bucle en donde cambia ligeramente la acción pero no hay una progresión en la dramaturgia. Hay una suspensión del tiempo en la cual el tiempo real (el vivido) es opuesto al tiempo histórico. http://mayawatanabe.com/SCENERIES // https://vimeo.com/128301126

> SALOMÉ LAMAS (por)

Theatrum Orbis Terrarum 26:00 2013

La línea de flotación sirve de separación entre lo que existe por encima y por debajo del nivel del mar. Pero cuando las ruinas de un pueblo hundido entran en contacto y colisión con las rocas en exposición en el museo, las imágenes comienzan a cuestionarse el tiempo cronológico que divide las distintas superficies, y lo

que inicialmente estuvo enterrado en el tiempo y el espacio comienza a atrapar a los elementos que están en la superficie. Son objetos que pertenecen a distintos momentos de la línea del tiempo, superpuestos, insertos en el espacio contínuo. Se mueven en el espacio entre las pantallas, rompiendo las líneas que separan las

proyecciones. El periodo histórico al cual pertenecen se convierte en una sustancia efímera y maleable al igual que los difusos y nebulosos fantasmas que son

invocados en las imágenes. Theatrum Orbis Terrarum contrapone cronología a estratigrafía. Propone un tiempo acronológico y geológico que se expande y contrae; un paisaje donde la linealidad del progreso se desmorona entre capas porosas. Estas rocas se disuelven en agua, donde las palabras de aquellos que trataron de ordenar y catalogar la historia se han perdido.

http://www.salomelamas.info/projects-ii/theatrum-orbis-terrarum/

> CARLOS GOMES (por) y Fran López (esp) UMA Project 34:00

2011-2014

Video-instalación tri-canal

"Un proyecto artístico a partir de un desafío físico y psicológico: la Ultra Marathon Atlántica."

El proyecto artístico de Carlos Gomes y Fran López Reyes, UMA desarrollado entre el 2011 y el 2013 y presentado hasta la fecha en Portugal, Grecia, España, Francia, Brasil, Cuba, Colombia, México, Argentina y Perú

Comisariado por Mario Gutiérrez Cru, director de PROYECTOR, Festival Internacional de Videoarte.

Sinopsis del proyecto

En el sur de Portugal, a 50 km de Lisboa, existe un territorio de rara belleza natural, situado en una de las líneas de costa menos intervenidas por el hombre de toda Europa. Escenario idílico de una carrera casi única en todo el mundo: 43 km corridos por la arena de la playa a lo largo del Océano Atlántico. Un desafío que requiere

actitud, fuerza mental, preparación, mucho entrenamiento y sacrificio. Los atletas desafían sus propios límites, enfrentando la distancia y atravesando por todos

nosotros aquel territorio. El record, verdaderamente impresionante, de esta carrera es de 2h45m, realizado por Eusébio Rosa. Pero, para la mayoría de los atletas, el desafío es apenas llegar al fin. Seguimos ocho de ellos, de diferentes orígenes y condiciones, hablándonos sobre sus motivaciones para correr, sobre lo que piensan mientras corren y sobre lo que significa para ellos y para su vida, ser corredores.

Proyecto apoyado por la Direcção Geral das Artes DGARTES.

https://vimeo.com/41691367

www.umaproject.com

> EDUARDO RESTREPO CASTAÑO

(col)

Regreso 9:00 3-5 canales La agua es el punto esencial de origen, el útero en el que la humanidad fue/es/será concebida. La pieza regreso imagina un ahogamiento perpetuo de mente en agua, un retroceso evolutivo como celebración del fluido madre. Proyecto video-performance continúo iniciado en el 2011, en el cual el artista sumerge su cabeza en aguas geográficamente distantes. https://vimeo.com/114193297 // eduardoxrestrepo@gmail.com

MULTICANAL/DÍPTICOS

INSTALACIÓN

Regina José Galindo (gua)

SCREENING

Dominik Ritszel (pol), Alex Francés (esp), Cristian Guardia (ven) Duración: 33:54

TVS 40¨

Joshua Chacón (méx)

> REGINA JOSÉ GALINDO (gua)

Mazorca 8:29 Díptico + 4 mazorcas 2015 Durante la guerra en Guatemala, como parte de la estrategia militar de tierra arrasada, el maíz fue cortado, fue quemado, fue destruido por el Ejército Nacional con la intención de destruir a comunidades indígenas, consideradas bases de la guerrilla. La paz fue firmada en 1996. El maíz resistió. Los pueblos resistieron. En el 2014 el Congreso de la República aprobó la Ley de Protección de Obtenciones Vegetales, popularmente conocida como Ley Monsanto, que ponía en riesgo el futuro del maíz y la autonomía alimentaria del país. Fueron los pueblos indígenas los que más se opusieron, logrando la derogación de la ley. Me mantengo oculta dentro de un maizal. Cuatro hombres cortan con machete todo el maíz hasta descubrirme. Por unos minutos permanezco de pie sobre el maíz destruido. http://www.reginajosegalindo.com/mazorca/

> DOMINIK RITSZEL (pol)

Two scenes 14:38 2015 Esta obra está basada en la combinación de dos situaciones. Una de ella muestra a un prisionero enjaulado sentenciado por participar en peleas. Usa su celda para entrenarse. La segunda escena documenta salas y estadios deportivos durante la preparación de eventos próximos. El contexto común se refiere a un ejemplo de orden ideal basado en formas claras de castigo y reglas a seguir. La narración resultante, en donde cada lucha termina en victoria o derrota, es medible e incuestionable. https://vimeo.com/202248166 Password : lisoprawski // dominikritszel@wp.pl

> ALEX FRANCÉS (esp)

Dispositivo visual en espera 9:16 2009 Producido con el apoyo del Centro Puertas de Castilla de Murcia para el proyecto Estados de dolor. Esta pieza se presenta como un dispositivo de captura de imagen y sonido de un espacio: la plaza de toros de Córdoba, y de un acontecimiento: la faena al quinto toro de Rafaelillo, que tuvo lugar el día 24 de mayo de 2009 con toros del Marqués de Domecq. Lo que oímos es al toro bramar asustado y al torero incitarlo con la voz. Lo que vemos es a los que miran, a los espectadores y el espacio del quirófano dispuesto o vestido para la ocasión. https://vimeo.com/149315591

> CRISTIAN GUARDIA (ven)

Trópico 10:00 2011 Díptico Trópico es parte del proyecto National Naif (2010 - 2011), en donde hay intereses en establecer y legitimar la identidad venezolana. El proyecto se basa en lógicas del recuerdo, como experiencias que simulan un acceso directo a su propia esencia. Para el caso concreto de Trópico, hay un claro interés en la construcción de un horizonte fragmentado y sinuoso. https://vimeo.com/90886756?from=outro-embed

> JOSHUA CHACÓN VEGA (méx) La prisión del alma 53:00 Díptico Cuerpo, prisión del alma. Cuerpo, espejo de la realidad. Cuerpo, mapa, devenir histórico. Cuerpo, la base, el núcleo, la trascendencia. Proyecto audiovisual que narra los procesos de transformación del cuerpo por medio de la contemplación y la imagen fija. https://vimeo.com/118748124

VÍDEO / INSTALACIÓN

Pavel Büchler (che), Irit Batsry (isr), Daniel Silvo (esp), Andrés Montes (méx), Dori & Grey (esp), Cristina Núñez (esp)

> PAVEL BÜCHLER (che)

Acting Head Instalación (monitor 14” en alto) Video loop de imágenes de footage; 0:04 2010 ¿Así que éste es Leonid Brezhnev enfadado? Ésta es la pregunta que Pavel Büchler parece hacer, mientras nosotros miramos esta extraordinaria imagen que mantiene nuestros ojos fijos en la pantalla de forma hipnótica, y nuestros oídos escuchando ese golpetear obsesivo del lápiz. ¿Qué ha sucedido que le ha enojado tanto, y cuáles serán las consecuencias de lo que parece ser rabia contenida? ¿Qué castigos serán aplicados contra personas que están fuera de rango para el espectador, más allá de los confines del espacio de lo que parece ser un estudio de televisión? Lo que estamos presenciando es la rabia de la impotencia. No sólo es que este todopoderoso personaje está ya muerto, sino que también su obra se ha desvanecido. Sus proyectos han sido abandonados, su país ya no existe. Ya no puede castigar más. Su legado ha desaparecido y él mismo ha sido olvidado. Una vez fue Ozymandias, rey de reyes. ¡Mira mis obras, poderoso, y desespera! Ahora sobrevive durante un milisegundo en un vídeo en bucle, con el tiempo justo para registrar su sentimiento de atropello y rabia y el hecho de que su inmenso poder se haya disuelto en el aire. Todo lo que queda de él es este absurdo no-completamente-olvidado. http://www.tanyaleighton.com/?pageId=115

> PLINIO VILLAGRÁN GALINDO (gua)

Incidencia 2:22 1 proyección cenital Este video aborda lo voluntario-involuntario de una acción, en este caso, la de crear un dibujo con la orina sobre un espacio hecho de cal. Esto para reflexionar sobre el demarcar y limitar el espacio y el territorio con un gesto tan primitivo. Aún con el aprisionamiento violento del cuerpo, el dibujo se realiza con libertad fisiológica, gracias a la fuerza de la gravedad y el impulso del movimiento del cuerpo-péndulo que hace que suceda. https://vimeo.com/80631122

> IRIT BATSRY (irs-eeuu) The Raft

video instalación site specific loop Creación de una instalación site specific para el proyecto. El espacio está dominado por la imagen proyectada de un hombre tumbado y quieto, cabezabajo, en una balsa flotando en el mar. No hay ninguna indicación geográfica o información respecto del contexto específico de la escena. Tan sólo el movimiento de las olas. www.iritbatsry.com

> DANIEL SILVO (esp) After Glasnost 5:55

2011

Glásnost es una palabra rusa que significa “transparencia”. Glásnost fue un importante programa político desarrollado durante la Perestroika que suponía la apertura

informativa e institucional del régimen soviético. En esta ocasión utilizo un objeto del folclor ruso como es la Matrioska, una figura que oculta a otra que oculta a otra… pero en esta ocasión en vidrio transparente, una metáfora paradójica que nos remite a la época de transparencia previa a la caída del telón de acero.

https://www.youtube.com/watch?v=xifyu7qbGz0

> ANDRÉS MONTES (méx)

Anecdotario Breve 2016-17 Video instalación, vídeos encontrados y 10 narcocorridos intervenidos. Para el proyecto Andrés decidió deconstruir 10 narcocorridos. Confirmando durante su investigación algo que ya había considerado, el carácter aspiracional de las músicas populares mexicanas, su poder para estructurar la idea de lo mexicano y lo relativamente jóvenes que son estas músicas (y por ende, algunas particulares visiones de lo mexicano). Se dió cuenta, con un ejercicio sintáctico muy sencillo que era posible abrir huecos en la narrativa, violenta y machista de los narcocorridos y ofrecer, en contrapunto, posibilidades de otras nuevas narrativas. https://www.youtube.com/watch?v=gE2Gx7dMm80

> DORI & GREY (esp)

Campo continuo de tensiones binarias 7:37 Díptico - Vertical "Todo individuo, independientemente del momento y el lugar que ocupa, es víctima de la realidad, de su mutabilidad y del tiempo. No hay nada perdurable, todo está en continua transformación. Devenir, corresponde al continuo cambio, nada permanece porque todo es un flujo constante, una corriente dinámica y continúa. En este proyecto se hace referencia al Ser y al hecho de vivir en un proceso perpetuo. El proyecto hace referencia al Ser y al hecho de vivir en un proceso perpetuo. La obra promueve la idea de tomar conciencia del devenir, de la realidad entendida como proceso o muda, que a veces se opone a serlo. El objetivo principal de este proyecto es manipular la imagen de forma que el público reflexione sobre el cambio que sufrimos tanto en nuestra propia piel como en nuestra sociedad." https://vimeo.com/104407272 (password: collblanc)

> CRISTINA NÚÑEZ (esp) LaVie en Rose 49:13

Éste es un proyecto con el objetivo (real) de que la artista encuentre al amor de su vida. En vez de centrarse exclusivamente en sus cualidades, como se hace

normalmente en los sitios de internet dedicados a encontrar tu alma gemela, Cristina Núñez deja al descubierto su debilidad en un viaje temporal y geográfico, al

mismo tiempo íntimo y público, con los momentos cruciales de su vida como telón de fondo. Una búsqueda de la salvación y la redención que es uno de los principios fundamentales de su trabajo.

https://vimeo.com/90074852

Someone to love 24:21 https://vimeo.com/47436146 // http://cristinanunez.com/someone-to-love/# Cuando vi el trabajo de Cristina Núñez por primera vez, el montaje fotográfico Someone to Love (1988-2011), me sentí profundamente concernida. Se trata de una suerte de ensayo autobiográfico construido a partir de fotografías y voz en off (la suya), con una particularidad: buena parte de esas fotos son autorretratos, elemento clave y definitorio de su obra y a partir del que ha desarrollado una teoría y una metodología de trabajo propias. ¿Era su voz grave y queda, sin afectación, la que me invocaba? ¿Mi identificación con el personaje? ¿El hecho de que, como ella dice, el autorretrato es quizá la expresión artística que con mayor fuerza nos interpela y, por tanto, nos comunica? Sin duda, todas esas respuestas son afirmativas, pero no explican por sí solas la honda impresión que su trabajo me había causado. Las líneas que siguen son un intento de comprender lo sucedido. http://selfportrait-experience.com / http://cristinanunez.com // cristinanunez.self@gmail.com

MONOCANAL Jorge Galindo y Santiago Sierra (esp), Fernando Sánchez Castillo (esp), Vanane Borian (arm), Benjamin Petersen (ale), Marko Schiefelbein (ale), Iciar Vega de

Seoane (esp), Raúl Valverde (esp), Márcio-André (bra) y Erika Ordosgoitti (ven)

> SANTIAGO SIERRA y JORGE GALINDO (esp)

Los encargados 5:55

2013

«Cuando el gobierno viola los derechos del pueblo, la insurrección es para el pueblo, y para cada porción del pueblo, el más sagrado de sus derechos y el más

indispensable de sus deberes.» Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano. —París, 23 de junio de 1793.

El vídeo muestra siete Mercedes Benz negros circulando por la Gran Vía de Madrid, como si de un cortejo fúnebre se tratase. Cada uno lleva sobre el techo un enorme retrato cabeza abajo. Son cuadros realizados en blanco y negro, hiperrealistas pero con acabado crudo, casi parecen fotos policiales, del rey Juan Carlos y los seis presidentes de España desde la restauración democrática. La procesión pasea al son de la Varsoviana Soviética, la canción obrera que fue adoptada como

himno (A las barricadas) por los anarcosindicalistas españoles. https://www.youtube.com/watch?v=QllF0mwJe_I

> FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO (esp)

Pegasus Dance 12:14 2007 El video Pegasus Dance (realizado en colaboración con los agentes antidisturbios de Rotterdam) muestra los camiones de este cuerpo de seguridad realizando una romántica danza performativa. https://www.youtube.com/watch?v=CIiMx8uxpVE

> VANANE BORIAN (arm)

Armenian Genocide 1915 2:33 2014 Este vídeo está dedicado al Genocidio armenio. Habla de mujeres en el Genocidio, en la guerra. De violencia sexual en la guerra. El vídeo habla de la sociedad que niega estos hechos. El entierro del cuerpo de una mujer es el símbolo de la anulación de la historia. https://www.youtube.com/watch?v=Gf51RSH0AzA

> BENJAMIN PETERSEN (alem) Alleinkommunikation 4:30

'Alleinkommunikation' se refiere al comportamiento del consumidor en la era digital. A través de varias secuencias de cinco minutos de duración cada una se puede ver cómo funciona la comunicación hoy día. El título es ambiguo y traducido del alemán significa “todo comunicado” y al mismo tiempo “sólo en la comunicación”. Los paisajes, salvajes y pintorescos, muestran a la persona y el medio natural que le rodea. La persona está sola pero equipada con dispositivos digitales y auriculares. La naturaleza contrasta abruptamente con las personas. La imagen está rota. Las personas actúan como si fueran un cuerpo extraño, sin contacto con su alrededor.

> MARKO SCHIEFELBEIN (ale) I can. You can 7:25

Una mujer está sentada en un sofá mientras fija su mirada pétrea en la cámara y repentinamente comienza a hablar. De ella surge un inteligente y calmo monólogo con el que manifiesta sus pensamientos e ideas. Poco a poco, comienzan a aparecer contradicciones, empieza a oscilar entre puntos de vista e ideologías opuestas. Es resultado de frases tomadas de distintos anuncios que son combinadas para formar este persistente monólogo.

https://vimeo.com/42321983

Freedom to move. 2013 6:36

Un hombre está sentado delante de la cámara contando una historia acerca de una experiencia que tuvo. Aunque es capaz de describir lo ocurrido en detalle, la historia tiene algo extraño que la hace poco plausible. Es de hecho la historia de un anuncio de LEVIS contada desde la perspectiva del personaje principal. La obra FREEDOM TO MOVE traza una imagen abstracta de un humano que ha interiorizado las imágenes e historias del mundo de la publicidad. https://vimeo.com/62520143

> Iciar Vega de Seoane (esp)

L'Indifférence 2:26 L' Indiffèrece o la indiferencia es una pieza de vídeo arte en la que he querido representar la idea de que no le importas a nadie. De que vivimos en una sociedad individualista en la que nos encontramos con situaciones donde no le es brindada ayuda a personas en momentos de necesidad (por parte de desconocidos en la calle) o personas con algún problema que intentan encontrar amparo. En un plano de relaciones personales, he querido representar la falta de empatía y comprensión por parte de las personas que nos rodean. El lugar en el que sucede la acción es un paraje natural, neutral, atemporal que crea la sensación de irrealidad, de fuera del tiempo, de espacio suspendido. Así como la pieza musical, intencionadamente dramática y teatral, que junto con la cámara fija nos remite a un escenario, una representación. Música Juan Diego Florez.,il pirata, per te di vane lacrime. Arias for Rubini. https://vimeo.com/user14302098 / https://vimeo.com/63646851

> MÁRCIO-ANDRÉ (bra)

Landscape inside an outsider 5:26 2013 En cada extranjero hay un paisaje, en cada paisaje hay un extranjero. La incesante repetición de atravesar una calle puede ser vista simbólicamente como el acto transgresor de migrar de un mundo completamente mapeado por guerra y fronteras. Em cada estrangeiro há uma paisagem, em cada paisagem há um estrangeiro. A repetição incessante da ação de atravessar a rua pode ser simbolicamente vista como o ato trangressor de migrar num mundo completamente mapeado por guerras e fronteiras. https://www.youtube.com/watch?v=iIw8xx5IBfg

> Raúl Valverde (esp)

Will it blend? 5:15 2010 El vídeo "Will it blend?" está inspirado en la campaña online homónima de BlendTech en la que se usa una licuadora para triturar distintos objetos, como pelota de golf, canicas o un IPhone. En este caso, el proceso consiste en cortar y mezclar libros de filosofía y teoría crítica, mientras se oye la voz de cuatro filósofos que se hacen preguntas sobre nociones esenciales del pensamiento, el amor, la cultura o la existencia del universo. Los libros licuados son: - Theodor Adorno y Max Horkheimer, Dialectic of Enlightenment. - Jaques Rancière, The Politics of Aesthetics. - Michel Foucault, Power, truth, strategy. - Ludwig Wittgenstein, Tractatus Logico-Philosophicus. - Jürgen Habermas, The Philosophical Discourse of Modernity. - Fredric Jameson, Postmodernism, or, the Cultural Logic of Late Capitalism. - Gilles Deleuze y Félix Guattari, A Thousand Plateaus. - Slavoj Žižek y Glyn Daly, Conversations with Žižek. - Jacques Lacan, The Four Fundamental Concepts of Psychoanalysis. - Immanuel Kant, Critique of Judgment. http://www.valverderaul.com/project/will-it-blend/

> KATHERINNE FIEDLER (per)

Lugar Común (Common Place) 2:07 2016 Desde el nacimiento de los himnos nacionales en la modernidad y la construcción a través del pasado siglo del mito de Beethoven, familias políticas de distinto tipo - incluso antagonistas, desde los republicanos franceses hasta los nazis en la primera guerra mundial, los chinos comunistas, la Rhodesia racista del apartheid - han usado el final de la “Novena” como una especie de contenedor vacío capaz de sostener cualquier argumento ideológico. La “Novena Sinfonía” fue compuesta en 1824, bajo la influencia de los ideales de la Revolución francesa, como una pieza que encarnaba la Ilustración en Europa. Desde entonces ha sido una obra musical con gran influencia política en Occidente, hasta el punto de que la versión dirigida por Herbert von Karajan, miembro del partido nazi, fue designada como el himno oficial europeo en el año 1985. La historia de la “Oda a la alegría” en el siglo XX es al mismo tiempo la del control de masas del pueblo y del poder del arte ideológico, convirtiéndose en una de las herramientas más simbólicas de propaganda y publicidad del proceso de colonización dentro de las formas de la globalización. https://vimeo.com/180960839 http://www.katherinnefiedler.com/

> ERIKA ORDOSGOITTI (ven)

Comida de Moscas 5:18 2014 La obra de Ordosgoitti casi precisa una respuesta, una interacción, un jalón de pelos, una lágrima o un grito del espectador. Esta es la única limitación que sentí que me imponía el video frente a una performance, pero quizás eso sea parte del sentimiento que te fuerza a tener. Al ver la obra “Comida de moscas” me sentía en ese taxi, vulnerable, indignada, llena de palabras, de necesidad de libertad, sin poder salir y sin poder bajar la ventanilla, desnuda ante lo que pasa fuera y limitada por todo lo que pasa dentro y libre por estar sin ropa. Durante todo ese rato me sentí más cerca de Venezuela, de lo que pasa en la calle y en mi casa, y me alegré de ver que el arte a veces sigue sirviendo para lo mismo que yo pensaba durante años, para cubrir la necesidad del ser humano de expresarse, de dejar plasmado su realidad, sus sentimientos, alegrías y frustraciones. https://www.youtube.com/watch?v=_6oXMH4ICjc

QUINTA DEL SORDO

EL RELATO Y EL PERSONAJE > FRANCESCA FINI (ita) > Félix Fernández (esp) > GABRIELLE STELLBAUM (ale) > SHAHAR MARCUS (isr) > JORDI BERNARDÓ (esp) > CARLOS LLAVATA (esp) > PAULA LAFUENTE (esp) > RALLITO X (esp) +

> PAVEL BÜCHLER (che)

EL RELATO Y EL PERSONAJE Hablar de la posibilidad de la ficción que cuenta una realidad que quema la piel de los artistas es limitar la capacidad de diálogo entre espectador y artista, entre el propio espectador y sus múltiples personajes que lo pueblan. Ver, oír, degustar… Me pongo frente a la pantalla que proyecta y pone en acción el discurso de cada personaje -que anteriormente en su estadio de stop dormían su letargo-, me adentra en un dilema tácito: ¿es ficción o realidad, es crítica o la muestra de esas medias verdades que ofrece la mirada –y el cuerpo- del artista? Son personajes que se mueven y danzan en la pantalla o que en voz en off nos narran unos hechos. Es la ironía y el drama, la alegría y las imágenes que congelan y hacen despertar en el que mira una determinada emoción. ¿Qué pasa? ¿Para qué esos personajes? El personaje puede ser uno de los yoes del autor. O no. Es una creación a veces que cuestiona, otras que se rechaza, algunas que empuja a pensar que puede cambiar todo lo establecido. Es el movimiento de historias propias que hablan de otras realidades: quizás ese personaje que nos ofrecen es el que abrirá una puerta a nuestra propia forma de concebir la realidad, nos cuestionará y, como posibilidad, condicionará la capacidad de operar en el mundo desde otro lugar. Dicen que un personaje es parte de uno, dicen que atesoramos muchas caras dentro de nuestro cuerpo. Y esta muestra, entre otras cosas, voltea lo establecido para poner ante el espectador un gradiente de estadios y situaciones donde el discurso de las actuaciones matice la realidad. “A menudo buscando al Yo nos damos de bruces con el Otro, tal vez porque el Yo tiene cada vez algo de Otro o porque el Yo es la imposibilidad última de una esencia eterna, sencillamente porque tal esencia no existe de partida (p. 60)”. Y esto ofrece la muestra: desde las trayectorias distintas y diversas de cada uno de las autorías que se agrupan en la exposición, nos ofrecen –lo común entre todas- que hay muchos personajes que nos hablan de otros latitudes y podrán en cuestión nuestro discurso y, haciendo uso de las palabras de Estrella de Diego: “Sobre esos escenarios habita lo que ha de ser mirado, lo inalcanzable, lo intocable y, por tanto, lo que podría ser objeto de deseo. Aunque, a la vez, habita lo que preferíamos no tocar, ni tener cerca; lo que es mejor limitarse a mirar. Más vale quedarse fuera de lo que sucede sobre el escenario, mantenerse a salvo, si bien preservando el control de la mirada. Esa es la filosofía del espectador del naufragio: control y seguridad (DIEGO, E. de, No soy yo. Autobiografía, performance y los nuevos espectadores, Madrid, 2011, p. 105.) ¿Serás capaz de dialogar con cada uno de los personajes que se te proponen y llevarte algún lugar de tu iconografía personal y ver cómo pueden operar en ti desde otras latitudes? Texto: Manu P. Palomo

> FRANCESCA FINI (ita) Fair and lost 5:24 2012 Llevo puestos unos electrodos y al mismo tiempo intento maquillarme. Las contracciones musculares involuntarias de cada descarga eléctrica son tan fuertes que no puedo controlar mis manos y desparramo el maquillaje por toda mi cara. Escuchamos el coro de Nabucodonosor de Giuseppe Verdi, el cual tiene una carga simbólica bastante importante en la historia de mi país, invocando así a los fantasmas de viejas luchas por la libertad de alguien ya olvidado. “Mi país, justo y perdido”. El histérico, incontrolable movimiento de la mano representa la enfermedad de la costumbre social, lo cual revela su fragilidad cuando el sistema se encuentra a punto del colapso: el profundo conflicto entre el comportamiento consciente y el condicionamiento social externo. Incluso lloro involuntariamente por el lápiz negro y la máscara de pestañas que entra en mis ojos ya que soy incapaz de calibrar el movimiento de la mano. Un llanto mecánico que es automáticamente transmitido a la audiencia, en una especie de conexión empática condicionada, inconsciente y, por tanto, completamente inútil. Esta performance es parte de un proyecto más amplio: withanhelmet.blogspot.it https://vimeo.com/54959718

+ Oasis in the Desert 5:10 2010 "Oasis in the desert" es un proyecto de asaltos videoperformativos por la ciudad. Este proyecto de Francesca Fini está inspirado en la filosofía de la escritura urbana, con la diferencia substancial de que en este caso el “rayón” que marca el territorio es temporal, es videoperformativo, aunque se experimenta con la misma excitación de un asalto ilegal. Lo que permanece es esta documentación en vídeo de lo ocurrido, habitualmente en la absoluta soledad y el sombrío silencio que caracteriza las áreas más desoladas de nuestras ciudades. El primer “asalto” ocurrió tarde a la noche, en Tor Bella Monaca, un barrio de Roma (Italia) muy deprimido. Entre toda esa desolación y suciedad, soy una señora loca que intenta alcanzar su pequeño espacio de paz y abrigo. Sin embargo, aunque finalmente descanso debajo de la luz anaranjada de un sol artificial, continúo estando sola en la noche. Porque en todo desierto hay un pequeño oasis y cada oasis un pequeño desierto. https://vimeo.com/12255715

> Félix Fernández (esp)

Materialización para la eternidad 6:00 2013 Guión, edición, producción y dirección: Félix Fernández Fotografía e iluminación: Rubén Panete, Félix Fernández Música y sonido: Rubeck Voz en off: Scott A. Singer (versión inglesa), Carlos Sante (versión española), Stephan Weitzel (versión alemana) Efectos digitales: Marcos González Maquillaje y peluquería: María Ramírez Aldariz Ayudantes de producción: Pili Fernández, Vanesa Maseda, Luis Nieto “Materialización para la eternidad” aborda la construcción intencionada y artificial de un icono vivo donde su protagonista nos remite directamente a las características comunes de otros personajes icónicos como son: la documentación exacerbada de su imagen y su permanencia en el tiempo, la motivación de trascender más allá de su vida y la necesidad de dar un sentido elevado a su existencia a través de su imagen y sus actos, todo ello como un documento de vídeo con la apariencia de una narración retro-futurista. https://vimeo.com/90861898 + Conversaciones con una puerta 8:43 2012 "Conversaciones con una puerta" es una fábula contemporánea en la que se aborda la soledad del individuo desde un punto de vista narrativo. El humor es fundamental a la hora de desarrollar los ocho capítulos de los que está compuesta esta pieza de vídeo, donde el personaje protagonista, una especie de antihéroe encerrado en su burbuja de seguridad, interactúa con una puerta que sirve como elemento simbólico de estar o no abierto a nuevas experiencias vitales. "Conversations with a door" is a contemporary fable that addresses the loneliness of the individual from a narrative standpoint. Humor is essential when developing the eight chapters that comprises this video piece, where the main character, a sort of antihero locked in his security bubble, interacts with a door that serves as a symbol of being or not open to new life experiences. https://vimeo.com/90840511

> GABRIELLE STELLBAUM (ale)

Bartleby 17:30 2009 Esta obra de Gabrielle Stellbaum está basada en la novela de 1853 del escritor norteamericano Herman Melville, “Bartleby el escribiente - Un cuento de Wall Street”. En la versión de Stellbaum de esta famosa obra, el protagonista Bartleby se convierte en una oficinista mujer: pálida, pulcra, incurablemente triste y omnipresente empleada, una figura insignificante que lleva a su empleador a la frustración y capitulación con su calmada pero resuelta negación a cumplir. La historia se presenta desde la perspectiva del jefe de Bartleby, una figura que nunca aparece en el vídeo. Sin embargo a Bartleby no se le pide de hacer nada, ella simplemente y de forma educada responde “Preferiría no hacerlo” y entonces continua con lo que estaba haciendo. Su comportamiento persiste hasta el día en que Bartleby deja de hacer nada y simplemente permanece sentada en su escritorio. Esta persistente negación deja a su jefe sin argumentos mientras que Bartleby elige no renunciar a su empleo. https://vimeo.com/41081975 + The Flight of a Humming Bird 4:52 “The Flight of a Humming Bird” recrea un viaje metafórico a través de la vida de una mujer activista de mediana edad. Desde sus primeras aspiraciones políticas para preparar una inminente revolución hasta los pensamientos radicales en la búsqueda de sentido del activismo. Ella parece finalmente perdida al esconderse mientras busca refugio en otros países. https://vimeo.com/121050881 + Blue Moon 5:09 La expresión en inglés “once in a blue moon” se refiere a un evento que casi nunca sucede. El término científico “blue moon” es usado para describir un raro suceso en el calendario lunar cuando dos lunas llenas aparecen en el mismo mes. El video de Gabrielle Stellbaum “Blue Moon” comienza con la vista de un árbol otoñal que parece visto a través de la ventana abierta de una cocina de un apartamento en un piso elevado. Pequeños pájaros revolotean de aquí allá en el exterior. Dentro de la cocina, delante de la ventana, una mujer está sentada en una mesa frente a una taza de té. Parece absorta en sus pensamientos. El súbito repiquetear del teléfono fuera de cámara interrumpe su soledad aunque ella no reacciona a la llamada. En la siguiente secuencia se muestra un plano exterior en donde hay hojas cayendo en un viejo, desierto y ralentizado tiovivo en un parque infantil. Mientras el tiovivo gira lentamente, escuchamos el mensaje dejado en el contestador para la “Sra. Griffin”. https://vimeo.com/125402644

> shahar marcus (isr) The Curator 4:29

2011

Esta obra en vídeo deja entrever lo que hay entre los bastidores de la escena del arte contemporáneo y que caracteriza principalmente a las bienales y grandes

festivales. La obra usa efectos cómicos y describe el mundo del arte como una distante y elitista burbuja. El video se construye como un trailer de la industria

cinematográfica de Hollywood. Las rápidas y cortas escenas cuentan la historia de la revelación y el ascenso del comisario en la escena artística. Acompañada por la

voz de un narrador al estilo Hollywood y un ritmo de edición frenético la obra sugiere una mirada más amplia en asuntos de nuestra cultura contemporánea como es la idolatración de celebridades y los superstars instantáneos que surgen cada día.

https://vimeo.com/29111019 +

Homecoming artist 3:58

2011

En este vídeo se puede ver al artista Shahar Marcus conduciendo con sus padres por su ciudad natal Petah Tikva, la cual es una pequeña población cerca de Tel Aviv.

Durante el recorrido se pregunta a la gente de la ciudad si conocen o han oído hablar del artista. Ninguno lo conoce y muchos de ellos no tienen interés ninguno en el arte. Es entonces una evocación de la grieta entre la escena artística y el ciudadano de a pie en ciudades pequeñas como es ésta de donde procede el artista.

https://vimeo.com/27580938

> JORDI BERNARDÓ (esp)

Hello Mr Hock 13:47 The architect of the Casa de la Cultura in Lloret de Mar commissions a work to the world famous painter Ms. Hock. This video reproduces part of the interview to Ms. Hock and shows some preliminary moments of the working sessions. El arquitecto de la Casa de la Cultura de Lloret de Mar hace un encargo a la pintora mundialmente conocida Ms. Hock. Este video recrea parte de la entrevista a Ms. Hock y muestra unos momentos previos a una de las sesiones de trabajo. Directed by Jordi Bernadó Produced by 15-L. Films and Daniel Mòdol Shot in Casa de la Cultura de Lloret de Mar https://vimeo.com/61290670 contraseña es: "modol".

> CARLOS LLAVATA (esp) Bruming my house (2088) 1:03 Serie de video acciones muy sencillas que ilustran contextos hostiles, de opresión y vulnerabilidad en la que se encuentra el ser humano. Esto es una constante el trabajo de Llavata. La posición del artista en un entorno manipulado por los medios, la posición del ser humano, en un mundo aplastante y de opresión. Se suele bucear por placer, el Mediterráneo es un entorno bien conocido, y se sabe bien las injerencias que lo han deteriorado, el turismo, la pesca, la construcción, todo barato y desmedido. El contexto submarino, por ejemplo, es un contexto ajeno al ser humano. Tenemos mucha desfasachez de ir a sitios que desconocemos y que no cuidamos, son entornos de valor incalculable y debemos ser sensibles con ellos. https://www.youtube.com/watch?v=uVuNqZ0rJB4 http://www.carlosllavata.org // http://carlosllavata.blogspot.com

> PAULA LAFUENTE (esp) EverdayMasks 11:50 2017 EverydayMasks es un proyecto que surge de la necesidad de ser un cuerpo que habita su contexto. Un cuerpo que se asume como pregunta y como espacio de búsqueda. Un cuerpo que es pensamiento, es afecto y es sensación, inmerso en el siglo XXI y su contexto de consumo y de hipermercancía. Máscaras hechas de productos sintéticos de usar y tirar. Materiales que provienen de tiendas y grandes cadenas de producción. Máscaras que nos conforman todos los días. Aunque el cuerpo que performa es el mismo cuerpo de la artista, el proyecto pretende ir más allá del pronombre personal yo hacia el nosotros. Mostrarse y ocultarse como mantra. Un cuerpo sonoramente reversible. Una propuesta que se sabe contradicha. Identidad construida desde el vacío y desde el deseo.

> RALLITO-X (esp) Deconstructing my mind 7:55 Rallito-X no podemos decir que es un graffitero pues mi experiencia con él, de días documentando sus pintadas por Jaén para la edición ARTJaén2012, me demostró que el gusta de los grandes botes de pintura, de los rodillos, las brochas XXL. Pero no sólo eso, él no pinta por hacer su tag y decir llevo 5 millones de estos por todo el mundo, no él es diferente, es de la clase de personas, artistas o no que tienen un mundo detrás de de él, creado por él que podrá entusiasmas y asustar a más de uno. Sus teorías de caos, sus referencias extraterrestres y penes son constantes. Sería un persona para una doctoramiento freudiano. Pero este personaje, alienado, lo mismo pinta como hace anti-conferencias, como regala dinero en espacios públicos, es impredecible, pero eso si muy comprometido y multicreador. Sólo si consigues introducirte en esa mente perversa, viciada conseguirás conocer esa dicotomía y quizás sólo para entrar en su estado, en su mundo tienen que destrozarte la cabeza. Hoy presentamos una de las formas de destrozarte, de borrar tu hasta ahora, vida cotidiana y mundo semi-normal, con "Deconstructing my mind" el artista nos invita masturbarnos observando fotografías de grandes anti-héroes de la historia, dictadores, políticos, personajes de la nobleza y hasta papas. https://vimeo.com/55194888#at=0 http://www.rallitox.org/pages/video

VÍDEO / ARCHIVO

> PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE + 100 vídeos de más de 21 países 2008-2017

PROYECTOR/ PLATAFORMA ONLINE: Es un proyecto en proceso que pretende plantear circuitos alternativos para la venta, alquiler, distribución y visionado del

videoarte, de modo que se permita el acceso al mercado a un mayor número de creadores y al mismo tiempo surjan transacciones, contactos y públicos dinámicos

propios de nuestros días. Se pretende además generar una estructura de asesoría en este sector, trabajando a la par con coleccionistas, galerías, museos y centros de arte.

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CONTACTO Dirección Mario Gutiérrez Cru 0034 655483911 mario@proyector.info Coordinación Clara Leitão clara@proyector.info Queralt Lencinas queralt@proyector.info Asesoría y Estrategia de Mercado Eva Ruiz eva@proyector.info Producción María Jáñez maria@proyector.info Prensa Elena Mellado comunicacion@proyector.info + INFO: info@proyector.info http://www.proyector.info