PROYECTOR2018. Catálogo

11ยบ EDICIร N / 11 th EDITION 12 - 23 SEPTIEMBRE 2018

Festival de Videoarte

11ยบ EDICIร N / 11 th EDITION 12 - 23 SEPTIEMBRE 2018

Diciembre 2018, Madrid December 2018, Madrid COORDINACIÓN / COORDINATION Organización / Organization: KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea] CATÁLOGO / CATALOG: Maquetación y Coordinación / Layout and Project management: Mario Gutiérrez Cru Imágenes / Images: Carlos Clemente, Jean Solis, Sami Khalaf, Galerna foto, Ministerio de Cultura y Deporte & Mario Gutiérrez Cru. Fotografías y fotogramas cedidos por los artistas Photographs and frames donated by the own artists.

Revisión de textos / Proofreader: Idoia Hormaza de Prada Revisión de catálogo / Catalog review: Carlos Clemente Traducciones / Translation: Patricia Gárgoles & Andrés Montes Revisión de traducciones / Translation supervision: Andrés Montes Impresión / Printed: Canal Alfa ISBN: 978-84-949045-0-9 Proyecto realizado con el apoyo de la ayuda para actividades relacionadas con el teatro, la música, la danza, la cinematografía, las artes visuales y la moda como disciplina creativa de la Comunidad de Madrid 2018.

This project is carried out with the support of the public open call for activities related to theater, music, dance, cinematography, visual arts and fashion as a creative discipline of the Community of Madrid 2018.

EQUIPO 2018 / TEAM 2018 Dirección / Direction: Mario Gutiérrez Cru Coordinación / Coordination: Clara Leitão Coordinación de Producción / Production Coordination: María Jañez Equipo de Producción / Production Team: Florencia Kettner, Jimena Vila, Emilio Ibáñez y Ricardo Párraga Coordinación de Equipos / Team Coordination: Esther Perruca LAP (Laboratorios de Arte PROYECTOR) / LAP (PROYECTOR Art Laboratories): Manu P. Palomo, María del Prado Cortés, Sami Khalaf, Esther Perruca, Idoia Hormaza y Carlos Clemente Asesoría y Estrategia de Mercado / Counseling and Market Strategy: Eva Ruíz Documentación y visuales / Documentation and visual: Sami Khalaf, Sergio Cáceres y Jean Solis Comunicación y RRSS / Comunication and RRSS: Elena Mellado, Nuria Sánchez y Marisa Folgado Web / Website: Sol Párraga y Mario Gutiérrez Cru Catálogo / Catalog: Mario Gutiérrez Cru Cartel / Design: Amparo Pérez Colaboradores / Team: Paula Lafuente, Leyre González, y Patricia Gárgoles, Ángel Caballero, Miriam Sánchez, Ana Morales, Joana Groba, Begoña Moreno-Luque, Coral Nieto, Pablo Useros y Laura Moya

PROYECTOR /Festival took place on the 12th-23th of September, 2018 in several venues in Madrid.

This edition’s curatorship will be showed during the whole year in other cities of Spain, Italy, Portugal, Mexico, France, Colombia, Peru, Morocco...

The schedule includes both the call-chosen artists and the festival guests: national and international leading figures able to constantly redefine video art boundaries created since the 60’s via video installations (single-channel, multichannel, interactive), interventions and projections in private and public spaces, taking into account the sociocultural impact of public street showing.

We are committed to professionalize this field, give more and new opportunities to our artists, bond with institutions, curatorship and collectors. In this edition, we worked with several distinguished professionals.

PROYECTOR is a meeting place consisting of public and political debate and citizen empowerment through video art.

FESTIVAL / FESTIVAL

El Festival PROYECTOR tuvo lugar del 12 al 23 septiembre de 2018 en 15 sedes de Madrid. Los comisariados de esta edición se muestran durante todo el año en otras ciudades de España, Italia, Portugal, México, Francia, Colombia, Perú, Marruecos…

La programación incluye tanto a los artistas elegidos por convocatoria como a los invitados directamente por el propio festival: figuras clave nacionales e internacionales que tienen la capacidad de redefinir constantemente los límites del videoarte que se inició en los años 60 del siglo XX. Todo ello a través de una muestra de videoinstalaciones (monocanal, multicanal, interactivas), intervenciones y proyecciones en espacios privados y públicos, sin olvidar el impacto socio-cultural que implica proyectar en la calle.

Tenemos el compromiso de profesionalizar el sector, dar más y nuevas oportunidades a nuestros artistas, crear vínculos con instituciones, comisarios y coleccionistas. En esta edición contamos con varios profesionales destacados.

PROYECTOR es un punto de encuentro, de debate público y político, de contienda, de empoderamiento ciudadano a través del videoarte.

PROYECTOR 2018 One more year, since 2008, we are still working hard to give visibility to a type of art we believe is more than necessary, the moving image known as video art. We do not pretend to pigeonhole it; we are trying to expand its limits and to make it dialogue with other disciplines, with other ways of thinking, and other ways of placing it in the art market and before an audience.

From PROYECTOR’s platform we make an annual effort to present in Madrid what we consider the most interesting of the international panorama in this medium. The works we present, as well as the artists and professionals who share their knowledge with us are the fruit of a year of conversation with them and with the centers / institutions that host them in the festival’s galleries, workshops, meetings or curatorship. All these activities are free, but it would be unattainable without the effort of each of the people involved that make this festival possible.

This year the exposition’s proposal has been based on two large blocks: the artists that postulate themselves to the event and our guests. The first ones are selected by an international jury that on this occasion has been composed by Irit Batsry, Ramón Mateos and Josu Rekalde; artists and teachers with a more than proven international recognition and who know the festival well, since all have actively participated in past editions. The jury selects the pieces without knowing the names of the creators, their nationality, age or sex, valuing just the quality of the works.

We have always invited international video art‘s key personalities who have contributed to its history and who continue to create and share their lives with great generosity. In this section the most relevant figure was Gary Hill, perhaps one of the most influential artists of new media art. As well as Zbigniew Rybczyński, the Polish video artist recognized with an Oscar award for the work Tango presented in this edition. There are also many artists we would like to highlight, given that this year with the help of the Embassy of Portugal, the Cultural and Economic Office of Taipei and the Cervantes Institute, we were able to bring artists such as: João Cristóvão Leitão, Ricardo Pinto de Magalhães, Kuang -Yu Tsu, Su Huiyu or Chen Wan-Jen. There were almost fifty pieces selected for PROYECTOR‘s 11th edition shown in the best spaces in Madrid, they were selected for their quality, their availability and ability to connect specialized audiences. For this reason we have collaborated to develop professional meetings with institutional spaces such as the auditoriums at Sala Alcalá 31 and the Instituto Cervantes. The art centers of the Ministry of Culture: Tabacalera Promoción de arte or of the Community of Madrid: Sala

PROYECTOR 2018 En esta última edición del 2018, y como ocurre desde nuestros inicios en el año 2008, seguimos luchando para dar visibilidad a un arte que creemos más que necesario para la sociedad: el videoarte. Aunque pretendamos no encasillarlo, romper sus límites y hacerlo dialogar con otras áreas, con otras maneras de pensar, de colocarse en el mercado del arte y ante los espectadores. PROYECTOR es una plataforma que permanece activa durante todo el año para hacer realidad anualmente y durante tan sólo unos días un Festival en Madrid donde se concentra lo más interesante del panorama internacional de este medio: obras, encuentros con artistas y conversaciones con profesionales. Este repertorio se desarrolla en distintos centros con distintos formatos como talleres, encuentros o comisariados. Todas estas actividades tienen un carácter gratuito que sería imposible sin el esfuerzo de las personas involucradas en el Festival.

Este año la propuesta expositiva se ha basado en dos grandes bloques: los artistas que se presentan a la convocatoria y los invitados. Los primeros son seleccionados por un jurado internacional que en la última edición ha estado formado por Irit Batsry, Ramón Mateos y Josu Rekalde. Todos ellos artistas y docentes con un gran reconocimiento internacional y buenos conocedores del Festival en el que han participado con anterioridad. El jurado desconoce cualquier información sobre los artistas que se presentan, de modo que la única valoración posible es la de la calidad de las obras.

Siempre hemos invitado a personalidades clave del videoarte internacional que siguen creando y compartiendo conocimiento con gran generosidad. En este apartado la figura más relevante ha sido Gary Hill, probablemente uno de los artistas más influyentes del new media art. En la sección de exposiciones el videoartista polaco ganador de un Oscar, Zbigniew Rybczyński, se presentó en esta edición del 2018 con su obra Tango.

Por otra parte, son muchos los artistas a los que nos gustaría destacar: João Cristóvão Leitão, Ricardo Pinto de Magalhães, Su Huiyu o Chen Wan-Jen, cuya presencia ha sido posible gracias a las ayudas de entidades como la embajada de Portugal, Ministerio de Cultura de Taiwán, Oficina Económica y Cultural de Taipei, Double Square Gallery y el Instituto Cervantes.

En esta última edición cerca de cincuenta piezas fueron seleccionadas por su calidad, disponibilidad y capacidad para vincular públicos especializados, se han presentado en los mejores espacios de Madrid como por ejemplo los espacios institucionales de la Sala Alcalá 3 1 y el Instituto Cervantes, en cuyos auditorios se desarrollaron los encuentros profesionales. Los centros de arte del Ministerio de Cultura y Deporte: Tabacalera Promoción del Arte y de la Comunidad de Madrid: Sala El Águila, donde se desarrollaron los talleres y las muestras site specific; Casa de América albergó una muestra sobre el neocolonialismo;

El Águila where workshops and site-specific exhibitions were developed. Casa de América hosted the Neo-colonialism show. Medialab Prado, Madrid City Council’s public space, repeated as a regular partner allowing us to create, once more, interactive pieces open to the public. It is also worth mentioning Solar de Embajadores 18, which allowed us to present, from an audiovisual concert, to an interactive piece, and a selection of works on migration in one of the most multicultural neighborhoods of the capital. With the intention of reaching audiences more interested in film, this year Sala Equis allowed us to approach proposals related to the body. Instante Fundación, the largest independent space in Madrid, made possible the exhibition and residence of artists and speakers. CNP Partners facilitated the workshop that Gary Hill presentED in its headquarters and sponsored a prize for 3 students of the School of Fine Arts of the UCM. Lastly, we bet once more for independent spaces, whether multi-purpose co-working spaces such as Quinta del Sordo that accompanies us every year since five editions ago, or the spaces on Doctor Fourquet Street more linked to a traditional gallery site, such as Theredoom gallery and the oldest independent space in Madrid: Cruce. The latest additions this year were Nigredo Espacio; and the closing of the festival in a big way with a party in Sala Sol. Regarding the parallel educational activities that we have called this year LAP (PROYECTOR Art Laboratories in Spanish) we would like to highlight a more risky and close proposition where speakers responded to participants in a more intimate and personal dialogue in small groups and accredited in advance. The Artists’ Meetings, an activity that is already a regular feature of the festival, made possible to personally meet the creators themselves.

But as many of you already know, PROYECTOR is not only a festival, it is also a professional platform dedicated to video art; our activities do not end in September, throughout the year we continue advising fairs, collectors, museums and art centers. Presenting our curatorship, exhibition proposals, some designed for auditoriums, yet others oriented towards education with workshops, round tables, professional meetings, and master classes... all of them under the umbrella of the already mentioned LAP. It should be noted that the exhibition travels to almost a dozen countries. This year we will also take care of the parallel activities of the already well-known Art Madrid fair, the SanFest festival and other educational activities.

We hope that this catalog, which has been possible thanks to the aid of the Community of Madrid, will help you to get to know our PROYECTOR platform better and become part of it. Here you’ll find us waiting for you.

Text: Mario Gutiérrez Cru

el espacio público del Ayuntamiento de Madrid Medialab Prado, colaborador habitual, nos da la posibilidad de crear piezas interactivas y abiertas a la ciudadanía. Cabe destacar también el Solar de Embajadores 18 donde se nos permitió presentar un concierto audiovisual, una pieza interactiva con la participación de la ciudadanía sobre la migración en uno de los barrios más multiculturales de la capital. Este año nos acercarnos a propuestas relacionadas con el cuerpo en la Sala Equis con la intención de llegar a públicos más interesados en lo cinematográfico. Instante Fundación, el mayor espacio independiente de Madrid, posibilitó la muestra y la residencia de artistas y ponentes. CNP Partners, facilitó las condiciones para que el taller que Gary Hill impartió en su sede fuera posible y patrocinó tres premios a alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Por último, apostamos una vez más por los espacios independientes como la Quinta del Sordo (que nos acompaña cada año desde hace ya cinco ediciones), los espacios de la calle Doctor Fourquet más vinculados a la tradicional Apertura como son la galería Theredoom y el espacio independiente más antiguo de Madrid: Cruce. Las últimas incorporaciones de este año fueron Nigredo Espacio y el cierre del festival con una fiesta en la Sala Sol. Respecto a las actividades educativas Laboratorios de Arte PROYECTOR (LAP), queremos destacar una propuesta más arriesgada y cercana donde los ponentes respondían a los participantes en un diálogo más íntimo y personal en grupos reducidos y acreditados con anticipación. El Encuentros de Artistas, actividad ya habitual del festival, permitieron conocer personalmente a los propios creadores.

Como muchos de vosotros ya sabéis, PROYECTOR no es sólo un festival, sino que también es una plataforma profesional dedicada al videoarte y nuestra funciones no acaban en septiembre sino que a lo largo de año continuamos asesorando a ferias, coleccionistas, museos y centros de arte. Presentando nuestros comisariados, propuestas expositivas con un carácter más instalativo, otras más pensadas para los auditorios, otras más educativas con talleres, mesas redondas, encuentros profesionales, master class… todo ello bajo el marco de actuación de los ya citados LAP. Cabe destacar que la muestra viaja a casi una decena de países. Así también este año nos encargaremos de las actividades paralelas de la ya consagrada feria Art Madrid, del festival SanFest y de otras actividades educativas.

Esperemos que este catálogo, sirva para que conozcáis mejor nuestra plataforma PROYECTOR y que podáis formar parte de ella. Os esperamos.

Texto: Mario Gutiérrez Cru

ARTISTAS INVITADOS / GUEST ARTISTS Gary Hill (usa), Francesc Torres (spa), Zbigniew Rybczyński (pol), Fernando Baena (spa), David Benito (spa) & Elena Córdoba (spa) & Ada Salas (spa), Christina Schultz (ger/spa), Diego Lama (per), Carlos Aires (spa), João Cristóvão Leitão (por), Ricardo Pinto de Magalhães (por), Josu Rekalde (spa), Menhir (spa), Mauricio Alejo (mex), Kuang-Yu Tsu (thai) y Su Huiyu (thai), Chen Wan-Jen (thai), Boyer Tresaco (spa) & Rubén Martín de Lucas (spa) GANADORES PREMIOS CNP PARTNERS / CNP PARTNERS AWARD WINNERS Juan Manuel González Vidal (spa) & Alina Diana Somu (spa), Coco Moya (spa) & María de la Haza (spa) JURADO / JURY: Josu Rekalde (spa), Irit Batsry (isr/usa) & Ramón Mateos (spa)

ARTISTAS / ARTISTS

ARTISTAS CONVOCATORIA / OPEN CALL ARTISTS Marta Azparren (spa) & Pablo Martín (spa), Santiago Carlini (arg), André Goldberg (bel), Julieta Caputo (arg) & Guadalupe Sierra (arg), Hasan Daraghmeh (pal), Cecilia Ceccherini (ita) & Chiara Iacovone (ita), Harold Charre (fra), Christophe Litou (fra), Mauricio Sáenz (mex), Beatriz Millón (mex), Carlos Hernández (mex), Paula Abalos Santibáñez (chi), Juan Carlos Bracho Jiménez (spa), Ro Caminal Saperas (spa), María Molina Peiró (spa), Gerard Freixes Ribera (spa), Jeff Zorrilla (usa), Noemi Sjöberg (spa), Berio Molina Quiroga (spa), Ricard Carbonell i Saurí (spa), Jan Hakon Erichsen (nor), Isabel León (spa), Rodrigo Faustini (bra), Vic Pereiró (spa), Karina Zen (bra/ita) & Giovani Bertoletti (bra/ita) y Rogelio Meléndez (mex)

André Goldberg

Beatriz Millón

Berio Molina

Boyer Tresaco

Carlos Aires

Cecilia ciccherini & Ciara Iacovone

Chen Wan-Jen

Christina Schultz

Entartete Kunst, München, 1937

Sweet dreams are made of this

Neocolonialismo

Undiscovered Lie

Campo

The Reflecting Point of Mr. Bill

Propiedad del Poder

Decision of no Return

Christophe Litou Rear Window

Coco Moya Desierto

Diego Lama The Act

Elena Córdoba, David Benito & Ada Salas Lo que muda no muere

ARTISTAS / ARTISTS

Fernando Baena Vídeo del Deseo

Francesc Torres Old Flames

Gary Hill Wall Piece

Gerard Freixes Identity Parade

Harold Charre

Hasan Daraghmeh

Isabel León

Jason Hakon Erichsen

Jeff Zorrilla

João Cristovão Leitão

Josu Rekalde

Juan Carlos Bracho

Requiem

Gif: La Película

Pan No.1 Stay Strong

O jardím dos caminhos que se bifurcam

International Day – Part II

No es verdad

Fight Song

Imitación a la vida

Juan Manuel & Alina Diana Somu Midriasis

Julieta Caputo & Guadalupe Sierra Leal

Karina Zen & Giovanni Bertoletti Good Night

Kuang-Yu Tsui Invisible City: Liverpool Top 9

ARTISTAS / ARTISTS

Kuang-Yu Tsui

The Wellcome Rain Falling from the Sky

María de la Haza Distrito Sombra

María Molina Digital Trauma

Marta Azparren & Pablo Martín Maniobras

Mauricio Alejo

Mauricio Alejo

Mauricio Alejo

Mauricio Saénz

Noemí Sjöberg

Paula Abalos

Ricard Carbonel I Saurí

Ricardo de Magalhães

Crack

Shadows

Hole

Los inmortales

Line

Patarei Prision

Dakhla

Delphine Aprisionada

Ro Caminal Ever Folding

Rodrigo Faustini

Garoto Transcodificado

Rogelio Meléndez

Permanencia invisible del monumento

Rubén Martín de Lucas Lo que muda no muere

ARTISTAS / ARTISTS

Santiago Carlini Erosión

Su Huiyu The Walker

Vic Pereiró

We Let the Palm Trees Die

Zigniew Rybczynski Tango

CURATORIAL TEXTS: Idoia Hormaza de Prada - Casa de América Coral Nieto - Cruce Theredoom Nigredo Espacio Medialab Prado Joana Groba - El Instante Fundación Pablo Useros - Sala El Águila María Jáñez - Solar Embajadores 18 Manu Palomo - Sala Equis Begoña Moreno-Luque - Tabacalera. Promoción del Arte CNP Partners Paula Lafuente - Quinta del Sordo

SEDES / SPACES

TEXTOS CURATORIALES: Casa de América - Idoia Hormaza de Prada Cruce - Coral Nieto Theredoom Nigredo Espacio Medialab Prado El Instante Fundación - Joana Groba Sala El Águila - Pablo Useros Solar Embajadores 18 - María Jáñez Sala Equis - Manu Palomo Tabacalera. Promoción del Arte - Begoña Moreno-Luque CNP Partners Quinta del Sordo - Paula Lafuente

SALA ALCALÁ 31

CASA DE AMÉRICA

CNP PARTNERS

CRUCE

INSTANTE FUNDACIÓN

INSTITUTO CERVANTES

MEDIALAB PRADO

NIGREDO ESPACIO

QUINTA DEL SORDO

SALA EL ÁGUILA

SALA EQUIS

SOLAR EMBAJADORES 18

TABACALERA PROMOCIÓN DEL ARTE

THEREDOOM

CASA DE AMÉRICA LETHARGY, AWAKENING «A nation without history, it is a castrated nation» Simon Bolivar The debate of Latin American art raises a problem present in its own nomenclature. There are interminable academic debates about who coined the term “Latin America” in the 19th century, if the Latin Americans themselves: the Colombian José María Torres, the Dominican Francisco del Monte, the Chileans Santiago Arcos and Francisco Bilbao, or the French politician and economist Michel Chevalier. The starting points, geographical and political, of the group of Latin American intellectuals and of the French politician and economist, differed enormously in terms of purpose and intention. The first inherited from Bolivar the thought of a fraternal union of the different states, the second in a clear expansionist desire for French territories in America, absurdly justified by the common use of languages of Latin origin to combat the Anglo-Saxons. Once again, oblivion was the price payed by those who already inhabited the huge continent before the arrival of the Europeans.

This reference to the definition of Latin America permeating its history is picked up as an echo in the arts, what is more pertinent, to call Latin American art simply “art” or “Latin American art”? From this, other political positions are construed; on the one hand, a sincere respect and understanding of the different identities and territories collected under the same term, on the other, the market interests that respond to others: neo-colonialists and globalizers.

Globalization is a homogenization of the dominant culture diluting the idiosyncrasies of each place; technologies already firmly established in our day-to-day to favor the wildest neoliberalism bringing an annulment of governments in favor of the markets. Culture is also prey inescapably and, thus, art. It seems that this happens in a world where references have been lost; identity and territory are impeded, yet negated according to different borders (economic borders without a doubt, migratory borders, not so much).

Art is, comparable to the communication of peoples, an equally imperative need outside institutions of any kind.

An example of the vitalist spontaneity of cultural and idiomatic variety in the peoples of Latin America is found in the creation of words of frequent use. The word that we know as “tío”, meaning “friend” in Spain, reveals its ri-

CASA DE AMÉRICA ALETARGAMIENTO, DESPERTAR «Un pueblo sin historia, es un pueblo castrado» Simón Bolívar

Esta referencia a la definición de Latinoamérica que impregna su historia, es recogida como un eco en las artes, ¿qué es más pertinente, llamar al arte latinoamericano simplemente “arte” o “arte latinoamericano”? De aquí se deducen otras posiciones políticas, por un lado, un respeto y comprensión sincera de las distintas identidades y territorios recogidos bajo el mismo término, del otro, los intereses del mercado que responden a otros: neocolonialistas y globalizadores. La globalización es una homogeneización de la cultura dominante que diluye las idiosincrasias de cada lugar, las tecnologías ya tan asentadas en nuestro día a día están favoreciendo el neoliberalismo más salvaje en una anulación de los gobiernos en pro de los mercados. La cultura también es una presa ineludible y, por ende, el arte.

Tal parece que ocurre en un mundo donde se han perdido los referentes, se impiden la identidad y el territorio pero se anulan según qué fronteras (las económicas sin duda, las migratorias, no tanto).

El arte es, como la comunicación de los pueblos, una necesidad igualmente imperiosa al margen de las instituciones de cualquier tipo. Un ejemplo de la espontaneidad vitalista de las variedades culturales e idiomáticas de los pueblos de Latinoamérica, lo hallamos en la creación de palabras de uso frecuente. La palabra que conocemos como “tío”, en su acepción de “amigo”, demuestra riqueza viajando por los países: en México, wey; en Guatemala, cerote; en

SEDES / SPACES

La cuestión del arte latinoamericano plantea complicaciones ya en su propia nomenclatura. Existen interminables debates académicos sobre quiénes acuñaron el término “Latinoamérica” en el siglo XIX, si los propios latinoamericanos: el colombiano José María Torres, el dominicano Francisco del Monte, los chilenos Santiago Arcos y Francisco Bilbao, o si el político y economista francés Michel Chevalier. Los puntos de partida, geográficos y políticos, del grupo de intelectuales latinoamericanos y del político y economista francés, diferían enormemente en cuanto a propósitos e intenciones. Los primeros pensaban en una unión fraternal de los distintos estados heredada de Bolívar, el segundo en un claro afán expansionista de los territorios franceses en América, justificada absurdamente por el uso común de las lenguas de origen latino para combatir a los anglosajones. Una vez más, ocurría el olvido hacia quien ya habitaba el enorme continente antes de la llegada de los europeos.

chness traveling through Latin American countries: we find in Mexico, “wey”; in Guatemala, “cerote”; in El Salvador and Honduras,”maje”; in Honduras and Costa Rica, “mae”; in Panama, “fren”; in Venezuela, “pana”; in Colombia, “parce”; in Ecuador, “man”; in Peru, “pata”; in Brazil, “cara”; in Bolivia, “cumpa”; in Chile, “weón”; in Argentina, “boludo”; in Paraguay, “kape”; in Uruguay, “pibe”.

The same roads cross over art; it is the political, social, and economic context, the revolt facing the unsustainable situation from predatory foreign markets, sadly Spain included. This is how the first manifestations of conceptual art in Brazil were born, from social upheavals and the demand for their own popular culture: Tropicalia, cannibalism as an assimilation of any artistic expression that may be of interest, wherever it comes from, miscegenation, hybridization ... Brazil, a living mass that devours everything. Everything will expand to the other countries configuring that “Latin America”.

The beginnings of video art start from a critical freshness, conceptual aesthetics and a break with modernism. The different popular protests, scattering gunpowder, that took place throughout Latin America, transposed to new narratives using the same weapons of power: language, politics and the media. Everything is questioned from the local, the everyday, the small story ... the fragment and the unprecedented became powerful attack tactics. The new artistic media nourish, cannibalize, and hybridize (form and content) all existing contemporaneous media, where the fusion of video, film, television and performance were the most experimental, assimilating closed circuits, computers, choreography, etc...

Fifty years have gone by already, in this passing of time the global concept has made a mark with the new theory of developmentalism, the media, displacement, exile, the combination of local and foreign culture. It is undeniable that Latin American art is part of a complex reality; that occupies a time, a space; that against the globalizing desires there exists a territorial mesh that asserts identities; that there are many intruders who disregard these realities, helping to rank artists and their works according to convenient benefits; and words of pejorative connotations are used, nonsense, by those who have generated these dire conditions; other forms of domination. Latin American artists are validated by external agents in organizations of the international art market promoting only a small number of artists: participation in artistic events and appearance in the international media.

El Salvador y Honduras, maje; en Honduras y Costa Rica, mae; en Panamá, fren; en Venezuela, pana; en Colombia, parce; en Ecuador, man; en Perú, pata; en Brasil, cara; en Bolivia, cumpa; en Chile, weón; en Argentina, boludo; en Paraguay, kape; en Uruguay, pibe.

Los mismos caminos recorre el arte, es el contexto político, social, económico, la revuelta ante la situación insostenible de la depredación de los mercados extranjeros, tristemente España incluida. Así nacieron las primeras manifestaciones del arte conceptual en Brasil, de las agitaciones sociales y la reivindicación de una cultura popular propia: Tropicália, el canibalismo como asimilación de toda manifestación artística que pueda tener interés, provenga de donde provenga, el mestizaje, la hibridación… Brasil, una mole viva que lo devora todo. Todo se expandirá a los otros países que configuran esa “Latinoamérica”.

Ya han pasado cincuenta años, en este paso del tiempo lo global ha hecho mella con la nueva teoría desarrollista, los medios de comunicación, el desplazamiento, el exilio, la combinación de la cultura local y la foránea. Es innegable que el arte latinoamericano forma parte de una realidad compleja; que ocupa un tiempo, un espacio; que contra los deseos globalizantes existe una malla territorial que afirma identidades; que son muchos los intrusos que desatienden estas realidades contribuyendo a jerarquizar a los artistas y sus obras en función de convenientes beneficios; que se usan palabras de connotaciones peyorativas que han sido creadas, un sinsentido, por los que han generado esas condiciones funestas; otras formas de dominación. Los artistas latinoamericanos son validados por agentes externos en las organizaciones del mercado internacional del arte promoviendo tan sólo a un reducido número de artistas: participación en eventos artísticos y aparición en medios de comunicación internacionales.

SEDES / SPACES

Los inicios del videoarte parten de una frescura crítica, estéticas conceptuales y de rupturas con el modernismo. Las distintas protestas populares acontecidas en toda Latinoamérica, regueros de pólvora, transportados a nuevas narrativas utilizando las mismas armas del poder: el lenguaje, la política y los medios de comunicación. Se cuestiona todo desde lo local, lo cotidiano, la pequeña historia… el fragmento y lo inédito se constituyeron en una táctica de ataque potente. Los nuevos medios artísticos se nutren, caníbales, e hibridan (forma y contenido) todos los medios contemporáneos existentes donde la fusión del vídeo, el cine, la televisión y la performance fueron los más experimentales asimilando el circuito cerrado, los ordenadores, coreografías, etc…

In any case, the artistic practices have changed. If there was a Latin American art, could have in common its mobility, its activist character, its political stance, a complaint. Vibrant, colorful, inclusive, heterogeneous, with a strong personality but, let’s not forget that, in addition to the similarities, there are clear cultural and state differences, each artistic geography has a cultural richness in itself very often removed from conventional models.

In the selection of videos exhibited in Casa de América there is a request for a paused time for attention, an allocation of reality based on memory. There are constructions to avoid the alienation of the individual inviting introspection before the aggressive practices of economic policy, an invitation to know one’s own projections (mental screens) in the projections (physical screens), in the stillness of our urbanite interiors: memory habit: the denial and alienation in Leal by the Argentines Julieta Caputo and Guadalupe Sierra; collective memory: the forced dependencies and the condemnation of abuses, Neocolonialism by the Spaniard Beatriz Millón; intellectual memory: the escape to the uncertainty of life and the new explorations in Dakhla by the Mexican Mauricio Sáenz; altered memory: the construction of images, mirages, in Imitation of life by the Spaniard Juan Carlos Bracho Jiménez; positive and negative memory: the revisions and the possibilities of change in Good Night by the Brazilian Karina Zen and the Italian Giovanni Bertoletti; and body memory: the body as a chosen monument, in the Invisible permanence of the monument by the Mexican Rogelio Meléndez Cetina.

A meeting place for observation and permanent questioning, for debate. There are invitations to wake up and shake off the messy sheets and the sleep in the eye. The pin that fastens us to the world is a memory of knowledge, the knowledge of memory, proper to an easily manipulated reality. Let’s take care of the nomenclatures, the terms, the words, let’s attend to the images in movement always deep and rebel/reveal.

Text: Idoia Hormaza de Prada ARTISTS: Beatriz Millón (spa/mex), Julieta Caputo & Guadalupe Sierra (arg), Karina Zen & Giovani Bertoletti (bra/ita), Rogelio Meléndez (mex), Mauricio Sáenz (mex) & Juan Carlos Bracho Jiménez (spa)

En todo caso, las prácticas artísticas han cambiado. Si existiera un arte latinoamericano (¿acaso hemos leído alguna vez el término “arte europeo” o “arte estadounidense”?, ¿dónde están los irlandoamericanos…?), lo que podría tener en común es su movilidad, su carácter reivindicativo, político, la denuncia. Vibrante, colorista, incluyente, heterogéneo, de una acusada personalidad pero, no olvidemos que, además de las semejanzas existen netas diferencias culturales y estatales, cada geografía artística posee una riqueza cultural en sí misma muy a menudo alejada de los modelos convencionales.

En la selección de vídeos expuestos en Casa de América hay una petición de un tiempo pausado para la atención, una acotación de una realidad en base a la memoria. Construcciones para eludir la alienación del individuo invitando a la introspección ante las prácticas agresivas de una política económica, una invitación a conocer nuestras proyecciones (pantallas mentales) en las proyecciones (pantallas físicas), en la quietud de nuestros interiores urbanitas: memoria hábito: la negación y la alienación en Leal de las argentinas Julieta Caputo y Guadalupe Sierra; memoria colectiva: las dependencias obligadas y la denuncia de los abusos, Neocolonialismo de la española Beatriz Millón; memoria intelectual: el escape a la incertidumbre de la vida y las nuevas búsquedas en Dakhla del mexicano Mauricio Sáenz; el recuerdo alterado: la construcción de las imágenes, espejismos, en Imitación a la vida del español Juan Carlos Bracho Jiménez; la memoria positiva y la negativa: las revisiones y las posibilidades de un cambio en Good Night de la brasileña Karina Zen y el italiano Giovanni Bertoletti; y la memoria corporal: el cuerpo como monumento elegido, en Permanencia invisible del monumento del mexicano Rogelio Meléndez Cetina.

Texto: Idoia Hormaza de Prada ARTISTAS: Beatriz Millón (esp/méx), Julieta Caputo & Guadalupe Sierra (arg), Karina Zen & Giovani Bertoletti (bra/ ita), Rogelio Meléndez (méx), Mauricio Sáenz (méx) & Juan Carlos Bracho Jiménez (esp)

SEDES / SPACES

Un lugar de encuentro para la observación y el interrogante permanente, para el debate. Una invitación al despertar, sacudirse las sábanas desordenadas y las legañas de los ojos. El alfiler que nos fija al mundo es una memoria del conocimiento, un conocimiento de la memoria, propias frente a una realidad fácilmente manipulable. Cuidemos las nomenclaturas, los términos, las palabras, atendamos a las imágenes en movimiento siempre profundas y re/b/v/eladoras.

CASA DE AMÉRICA

Julieta Caputo & Guadalupe Sierra

Karina Zen & Giovanni Bertoletti

Juan Carlos Bracho

Mauricio SaĂŠnz

Beatriz Millรณn

CRUCE BEYOND WHAT MY EYES CAN SEE...

Although vision is a personal way of perceiving the external world and a certain way of seeing, nevertheless, there are “vision politics” that respond to a classificatory scheme, facilitating a “common” understanding of the world (Rancière, Aisthesis Scenes of the aesthetic regime of art).

The three artists presented here share a common interest in analyzing the act of seeing and contemplating reality, as well as its various modes of (re-)presentation and perception, through the exercise of “thinking in images” in the manner of Aby Warburg and Walter Benjamin. In this sense, the impossibility of seeing and communicating an absolute truth becomes the starting point to generate knowledge, while revealing those mechanisms intrinsic to the dominant and discursive scopic regime of western society (the “noise” in the image remits to the medium). After its emancipation, the image can react and trigger a different discourse between the space of the claim and the proposal.

The proposal of Cecilia Ceccherini & Ciara Iacovone, Undisovered Lie, is materialized in double channel as a format to dialogue between visual and verbal language, to see and communicate, in a quasi-sociological development of the logic of a lie. The encounter that takes place between both channels, and that evolves in a decadent manner by the degradation of the color dictated by the images, carried out in a complementary fashion, from the moment in which one appears to be the chromatic essence of the other. The present video installation alludes to the power of a lie as a form of existence, through altered, distorted realities, using language to service interests of all kinds. In this sense, Jacques Rancière warned of the need to emancipate himself from any “parasite message” configured according to the educational project established from the binomial of knowing-seeing (Jacques Rancière, Le partage du sensible: aesthetique et politique). Once achieved, a new fissure between what´s perceived and what´s understood can be opened.

The video installation by Paula Abalos, Immortals, reviews the phenomenon of contemplation as ways of envisioning and being contemplated, as a tool of introspection and of the study of certain behavior patterns to analyze social phenomena. Rhythmically, the people here filmed show us a reality seen and produced with a smartphone inside the

CRUCE MÁS ALLÁ DE LO QUE MIS OJOS ALCANZAN A VER… Si bien la visión es un modo personal de percibir el mundo exterior y una determinada manera de ver, no obstante, existen unas “políticas de la visión” que responden a un esquema clasificatorio, facilitando una aprehensión “común” del mundo (Rancière, Aisthesis. Escenas del régimen estético del arte).

Las tres artistas aquí presentadas comparten un interés común por analizar el acto de ver y contemplar la realidad, así como sus diversos modos de (re-)presentación y percepción, mediante el ejercicio de “pensar en imágenes” a la manera de Aby Warburg y Walter Benjamin. En este sentido, la imposibilidad de ver y comunicar una verdad absoluta se convierte en el punto de partida para generar conocimiento, al tiempo que revela aquellos mecanismos intrínsecos al régimen escópico y discursivo dominante de la sociedad occidental (el “ruido” de la imagen reenvía al medio). Tras su emancipación, la imagen puede reaccionar y accionar un discurso otro entre el espacio de la reivindicación y la proposición.

La videoinstalación de Paula Abalos, Inmortales, revisa el fenómeno de la contemplación como modos de contemplar y ser contemplados, como herramienta de introspección y de estudio de ciertos patrones de conducta para analizar fenómenos sociales. De un modo rítmico, las personas aquí filmadas nos muestran una realidad vista y producida por un smartphone dentro del Musée de l’Orangerie de Paris. En una de sus salas, y con los Nenúfares de Monet como

SEDES / SPACES

La propuesta de Cecilia Ceccherini & Ciara Iacovone, Undisovered Lie, se materializa en un doble canal como formato para hacer dialogar el lenguaje visual y verbal, ver y comunicar, en un desarrollo cuasi sociológico de las lógicas de la mentira. El encuentro que se produce entre ambos canales, y que evoluciona de un modo decadente por la degradación del color al son de las imágenes, se efectúa de forma complementaria desde el momento en el que uno parece la esencia cromática del otro. La presente videoinstalación alude al poder de la mentira como forma de existencia, por medio de realidades alteradas, distorsionadas, instrumentalizando el lenguaje al servicio de intereses de toda índole. En este sentido, Jacques Rancière alertaba de la necesidad de emanciparse de cualquier “mensaje parásito” configurado según el proyecto educativo establecido a partir del binomio saber-ver (Jacques Rancière, Le partage du sensible: esthétique et politique). Una vez conseguido, se abriría una nueva fisura entre lo percibido y lo comprendido.

Musée de l’Orangerie in Paris. In one of its rooms, and with the Monet Water Lilies as a backdrop, a series of repetitive behavior on the part of the visitors (photographic shot in selfie mode) are in turn recorded by the artist. The result is the superposition of screens - successive interfaces - that lead to a freezing of the narrative and to the emptiness of its meaning, in favor of visual feeling as the dominant way of living and experiencing our current world. The Immortals are part of this eternal space that sweetens a reality that escapes us more and more.

The proposal Ever Folding, by the artist Ro Caminal, emphasizes how the act of looking involves projecting, constructing and specifying an intention, since the gaze captures the world and constitutes an opening towards a never innocent external view. So, while the anthem of joy plays, a rapid montage of images exhibits continuous folds of a seemingly unidirectional reality. In effect, the fold, flexible material and easy to adapt to time and space, allows to break with identity binaries while offering a multiple reality. The folded space, opposed to the symmetrical schemes of classical vision, articulates a new spatial organization and generates new social relations by playing with the inside and the outside friction, the figure and the background (Gilles Deleuze, Le Pli. Leibniz et le Baroque). “Only my eyes will remain to watch and chase, and to turn your dreams into chaos” are the last extracted lines at the end of the video projection. Although the absence of time (guard, persecute) refers more to the “writing” of a history without revision than to the possibility of change, nevertheless, these evil eyes (Homi Bhabha, The Location of Culture) happen to be so much the narrating subject as the zones of resistance of the postcolonial condition. In addition, the disturbance of the gaze reveals what is not announced; it makes present what is absent, that is, “a secret art called invisibility”.

Despite the fact that perception, communication and vision are action-oriented, they all retain what Pierre Bourdieu referred to as la évidence aveuglante: blinding evidence showing the world “as it is” (Pierre Bourdieu, Esquisse d’une théorie de la pratique). Starting from this premise, the three projects are prepared to interrogate the logic of visual language deriving, if not to a loss of its centrality, at least, to its questioning as the main way of understanding and communicating of experience.

Text: Coral Nieto García ARTISTS: Ro Caminal (spa), Paula Abalos (chi) & Cecilia Ceccherini & Chiara Iacovone (ita)

telón de fondo, se van sucediendo una serie de actitudes repetitivas por parte del visitante (toma fotográfica en modo selfie) que están siendo paralelamente registradas por la artista. El resultado es la superposición de pantallas –interfaces sucesivas – que conducen a una congelación de la narración y a la vacuidad de su significado, en pro del sentir visual como forma dominante de vivir y experimentar nuestro mundo actual. Los Inmortales forman parte de este espacio eterno que edulcora una realidad que se nos escapa cada vez más.

La propuesta Ever Folding, de la artista Ro Caminal, hace hincapié en cómo el acto de mirar implica proyectar, construir y precisar una intención, puesto que la mirada es una captura del mundo y una apertura hacia lo externo jamás inocente.

Así pues, mientras suena El himno de la alegría, un montaje rápido de imágenes exhibe pliegues continuos de una realidad aparentemente unidireccional. En efecto, el pliegue, material flexible y fácil de adaptar al tiempo y al espacio, permite romper con los binarismos identitarios al tiempo que ofrece una realidad múltiple. El espacio plegado, opuesto a los esquemas simétricos de la visión clásica, articula una nueva organización espacial y genera nuevas relaciones sociales al jugar con las fricciones del adentro y el afuera, la figura y el fondo (Gilles Deleuze, Le Pli. Leibniz et le Baroque). “Solo mis ojos permanecerán para vigilar y perseguir, y volver tus sueños caos” son los últimos versos extraídos con los que finaliza la proyección del vídeo. Si bien la ausencia del tiempo (vigilar, perseguir) remite más a la “escritura” de una historia sin revisión que a la posibilidad de cambio, no obstante, estos evil eyes (Homi Bhabha, El lugar de la cultura) pasan a ser tanto el sujeto narrador como las zonas de resistencia de la condición poscolonial. Además, la perturbación de la mirada da a conocer aquello que no se anuncia; hace presente aquello que está ausente, esto es, “un arte secreto llamado invisibilidad”.

Texto: Coral Nieto García ARTISTAS: Ro Caminal (esp), Paula Abalos (chi) y Cecilia Ceccherini & Chiara Iacovone (ita)

SEDES / SPACES

A pesar de que la percepción, la comunicación y la visión están orientadas a la acción, todas ellas retienen de lo real lo que Pierre Bourdieu vino a denominar la évidence aveuglante: evidencia cegadora al mostrar el mundo “tal cual es” (Pierre Bourdieu, Esquisse d’une théorie de la pratique). Partiendo de esta premisa, los tres proyectos se disponen a interrogar las lógicas del lenguaje visual derivando, si no a una pérdida de su centralidad, sí, al menos, a su cuestionamiento como vía principal de aprehensión y comunicación de la experiencia.

CRUCE - Cecilia Ceccherini & Ciara Iacovone

Paula Abalos

THEREDOOM BOYER TRESACO (spa) Propiedad del poder, 2018

Plagiarism is the property of power. Plagiarism is in the museums, in the institutions; plagiarism is the property of gallerists and collectors. Plagiarism is included in the whole economic structure of the art world, and this is the reason why it is considered taboo for most Art theorists, and practitioners protesting explicitly against it or to a specific case of plagiarism only means jeopardizing the professional prestige and livelihood acquired within that social, cultural and economic structure, and consequently putting at risk the very means of life ...

NIGREDO ESPACIO SU HUIYU (tai) The Walker 2017

In collaboration with the Ministry of Culture of Taiwan, Taipei Cultural and Economic Office and Double Square Gallery.

MEDIALAB PRADO JOSU REKALDE (spa)

No es verdad, 2018 Interactive video installation

THEREDOOM BOYER TRESACO (esp) Propiedad del poder, 2018 El plagio es propiedad del poder, el plagio está en los museos, en las instituciones; el plagio es propiedad de los mayores galeristas y coleccionistas…El plagio está introducido en toda la estructura económica del mundo del arte, y es por esto que hablar de ello es tabú para la inmensa mayoría de los teóricos y prácticos del arte… Manifestarse de modo explícito contra él, y peor todavía contra un caso en concreto, es poner en riesgo el prestigio profesional, adquirido dentro de esa estructura social, cultural y económica, y consecuentemente poner en riesgo el propio medio de vida…

NIGREDO ESPACIO SU HUIYU (tai)

The Walker, 2017

En colaboración con el Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica y Cultural de Taipei y Double Square Gallery.

MEDIALAB PRADO JOSU REKALDE (esp)

SEDES / SPACES

No es verdad, 2018 Videoinstalación interactiva

THEREDOOM

Boyer Tresaco

NIGREDO ESPACIO - Su Huiyu

MEDIALAB PRADO- Josu Rekalde

INSTANTE FUNDACIÓN VOICES, POWDER, SHIELDS AND LIES “One night, during the occupation, I was meeting with some friends in a hotel room. Suddenly, an unknown voice asked for help on the street. The sound of the voice was such that, without discussing it previously, we ran down.

We found the deserted street, we walked the block of houses and we did not find anyone. We went back to our work but, throughout the night, that voice did not stop screaming in our ears. A voice without a face, without a name, that shouted for everyone. In that time of fear, we all expected a distant help, relief taking its time. And each one wondered if what he had heard would not be our own voice “.

Jean Paul Sartre The sound of the voice that Sartre heard, and did not cease to resonate in the ears of everyone present in that room, is for PROYECTOR a current metaphor: the scream of each one of the artists that are part of this show at THE INSTANT FOUNDATION, a scream we aspire to echo in the head of all those who visit us, that of our commitment to contemporary art.

It is a scream in the form of accumulating white powder covering and asphyxiating the very essence of a country’s democracy.

It is a cry of the one who builds improbable walls as lines of exclusion.

And the voices of those who remain outside.

It is a cry of one who is beaten for shouting under the aesthetics of power without ethics branding a muzzle.

The cry that becomes silent or sound in an attempt to resurrect dysfunctional matter.

The scream of the hammering weapon that once, of so many times, tried to denigrate and eliminate art.

In this century, in the past, from the beginning.

Text: Joana Groba ARTISTS: Diego Lama (per), Christina Schultz (ger), Carlos Aires (spa), Rubén Martín de Lucas (spa) and André Goldberg (bel). Audiovisual concert by Marta Azparren and Pablo Martín Jones (spa)

INSTANTE FUNDACIÓN VOCES, POLVO, ESCUDOS Y MENTIRAS “Una noche, durante la ocupación, estaba reunido con unos amigos en la habitación de un hotel. De pronto, una voz desconocida pidió ayuda en la calle. El sonido de la voz era tal que, sin ponernos de acuerdo, bajamos corriendo. Hallamos la calle desierta, recorrimos la manzana de casas y no encontramos a nadie. Volvimos a nuestro trabajo pero, durante toda la noche, aquella voz no dejó de gritar en nuestros oídos. Una voz sin rostro, sin nombre, que gritaba para todos. En aquel tiempo de miedo, todos esperábamos una ayuda lejana, un socorro que tardaba. Y cada uno se preguntaba si lo que había oído no sería su propia voz”.

Jean Paul Sartre El sonido de la voz que escuchó Sartre, y no dejó de retumbar en los oídos de todos los presentes en aquella habitación, es para PROYECTOR una metáfora vigente en la actualidad: el grito de cada uno de los artistas que forman parte de esta muestra en EL INSTANTE FUNDACIÓN, el que aspiramos a que retumbe en la cabeza de todos los que nos visitan, el del compromiso con el arte contemporáneo.

Texto: Joana Groba ARTISTAS: Diego Lama (per), Christina Schultz (ale), Carlos Aires (esp), Rubén Martín de Lucas (esp) y André Goldberg (bel). Concierto audiovisual de Marta Azparren y Pablo Martín Jones (esp)

SEDES / SPACES

Un grito en forma de polvo blanco que se acumula hasta cubrir y asfixiar la esencia misma de la democracia de un país.

Un grito del que construye muros improbables como líneas de exclusión.

Y las voces de los que se quedan fuera.

El grito de quien es golpeado por gritar bajo la estética de un poder sin ética pero con mordaza.

El grito que se hace silencio o sonido en un intento de resucitar la materia disfuncional.

El grito del percutor de un arma que una vez, de tantas, trató de denigrar y eliminar el arte.

En este siglo, en el pasado, desde el principio.

INSTANTE FUNDACIÓN

AndrĂŠ Goldberg & Diego Lama

Carlos Aires

AndrĂŠ Goldberg

Rubén Martín de Lucas

Marta Azparren & Pablo MartĂ­n

Christina Schultz

SALA EL ÁGUILA CINEMA AND SPACES As part of this exhibition one of the pieces, Delphine Imprisoned by Ricardo Pinto de Magalhães we find a millimetric construction of four screens in which the body of the actress Delphine Seyrig is “recycled” from several of her films.

It is a spatial study of a body on stage, and a comment on how the body inhabits space in modern cinema. Seeing this piece, I cannot help but think of John Berger, who defines architecture as “the art of inhabiting a space”, quipping immediately afterwards that, “cinema is the art of inhabiting time”.

This piece by the Portuguese sums up very well a mandate that a branch of video art, one that works at the rich intersections between cinema and the visual arts, has been exploring with vigor for decades, which consists of redefining essential elements such as time and space for cinema itself, starting from film as material.

To think of other possible times, or other possible spaces based on pre-existing materials.

This is perhaps the clearest nexus in this exhibition. The appropriation for this occasion has been of commercial films or auteur’s cinema mostly. Film appropriationism is a vital branch in the history of audiovisual media. Long before the idea of the cinematographic essay or the most recent video-essay, cinematic bodies that reflect, -editing and recycling in between-, on the structures of story in film; found footage already treasured these faculties within. Audiovisual recycling from its origins can be understood as a second reading, a rewinding and a rediscovering.

But we need to close the angle a bit. Most of the works exhibited here are recyclables that start from films of the celluloid era, intervened in this the pixel era. And this is vital. The proliferation of the digital produces an immense paradox. The less “material” cinema is the tougher and more malleable it has become. The digital, that virtual entelechy of numbers, of zeros and ones, becomes a friendly and a common way of playing with images.

Images are no longer thought from their materiality, they are thought within the immediacy of the timeline of the editor / artist.

Many works investigate time and space. Either to create a different time, a non-time, eternal time, in this, the work of

SALA EL ÁGUILA CINE Y ESPACIOS En una de las piezas que forman parte de esta exposición, Delphine Aprisionada (Ricardo Pinto de Magalhães) nos encontramos con una construcción milimétrica de cuatro pantallas en las que el cuerpo de la actriz Delphine Seyrig es “reciclado” en varias de sus películas. Se trata de un estudio espacial de un cuerpo en escena, un dictamen sobre cómo habita el espacio un cuerpo en el cine moderno. Viendo esta pieza uno no puedo evitar pensar en John Berger que al definir la arquitectura “si la arquitectura es el arte de habitar un espacio” remachaba luego “el cine es el arte de habitar el tiempo”.

Pero necesitamos cerrar un poco el ángulo. La mayoría de las obras aquí expuestas son reciclajes que parten de filmes de la era del celuloide, pero que han sido intervenidas en la era del pixel. Y esto es vital. La proliferación del digital produce una inmensa paradoja. Cuanto menos matérico es el cine, más tocable y maleable se ha vuelto. El digital, esa entelequia virtual de números, de ceros y de unos, se convierte en un modo amistoso y común de jugar con las imágenes.

Las imágenes ya no se piensan desde lo material, se piensan en la inmediatez del timeline del editor/artista.

Muchos trabajos pues investigan en el tiempo y en el espacio. Ya sea por crear un tiempo diferente, un tiempo

SEDES / SPACES

La pieza del portugués resume muy bien un mandato que una rama del videoarte, aquella que trabaja en las ricas intersecciones entre el cine y las artes visuales, lleva décadas explorando con vigor, y que consiste en redefinir elementos esenciales como el tiempo y el espacio a partir del propio cine. A partir del material película.

Pensar otros tiempos posibles, u otros espacios posibles en base a materiales preexistentes.

Este es quizá el nexo de unión más claro de esta muestra. La reapropiación que los artistas hacen de obras ajenos, siendo en esta ocasión películas comerciales o en su mayoría cine de autor.

El apropiacionismo fílmico es una rama vital en la historia del audiovisual. Mucho antes de nacer la idea del ensayo cinematográfico o el más reciente video-ensayo, esos cuerpos fílmicos que reflexionan, -montaje y reciclaje mediante-, sobre las estructuras del relato película; el found footage ya atesoraba en su interior estas facultades. El reciclaje audiovisual desde sus orígenes se puede entender como una segunda lectura. Un rewind y un redescubrimiento.

João Onofre is very clear-sighted; or the creating of different hypotheses of the off-field in Ricardo Pinto de Magalhães’s pieces. These works resonate with the force found in Douglas Gordon’s research of previous decades with his time based games: studies in deceleration, or the problematization of the ellipsis or in Matthias Müller and Christoph Girardet with their studies of clichés or the kinetic formalisms of classic Hollywood or by the Austrian Martin Arnold with his Freudian metric studies of the unconscious in classical staging as representatives and guiding lighthouses.

These three classic examples all act as lie detectors, as spoilers of the retinal illusion. They tell us that the found footage will be Brechtian or it will not be.

Take the work of João Onofre as an example. In his practice, he recovers film texts searching with precision minutiae provoked by fiction. A circular crane movement in a Fassbinder film, or the geometric coldness of a Kubrick staging are sufficient reason for a new reading of time and for a sculpturalization of the representation; repetition, as recourse, what we now call GIF poetics, create a frozen instant. Fugacity is no longer what it was and camera gestures are landscapes to be deciphered. Reviewing one of the few works that do not arise from someone else’s material, Untitled (мій голос); we see how the repetition and imprisonment of the body are still recurring themes. The Portuguese reformulates from a high-class sofa the myth of Oblomov, an extreme sedentary lifestyle enacted by someone who does not want to do anything or expects nothing. João brings us a contemporary Oblomov, equally imprisoned as Ricardo Pinto de Magalhães’s Delphina and, despite the enormous display of screens; he cannot find his own space.

These works and the rereading they underline remind us of the obvious; a very conclusive verdict that most commercial cinema ignores: Cinema can never be understood as closed-source. And films that close their meaning are doomed to failure (artistic, not commercial).

In the role of authors as much of that of spectators, the image always contains what we are thinking. Those hands touched repeatedly in João Onofre’s piece are not just some hands kidnapped from Antonioni’s Eclipse. They are fortunately and mysteriously the hands we want them to be: the indefatigable ductility of an image.

Text: Pablo Useros ARTISTS: João Cristovão Leitão (por), Ricardo Pinto de Magalhães (por) and Gerard Freixes Ribera (esp)

no-tiempo, eternizado y aquí la obra de João Onofre es muy clarividente. O bien por crear hipótesis diferentes del fuera de campo (Ricardo Pinto de Magalhães). Son obras en las que resuenan con fuerza las investigaciones que en décadas anteriores tuvieron a Douglas Gordon y sus juegos temporales (estudios de la deceleración, o problematización de la elipsis), o a Matthias Müller y Christoph Girardet (con sus estudios de los cliches y formalismos cinéticos del Hollywood clásico) o al austriaco Martin Arnold (con sus freudianos estudios métricos del inconsciente en la puesta en escena clásica) como representantes y faros. Estos tres ejemplos clásicos actúan todos como detectores de mentiras, como aguafiestas de la ilusión retiniana. Nos dicen que el Found footage será brechtiano o no será.

Estas obras y las relecturas que subrayan nos recuerdan lo evidente; un dictamen muy concluyente que la mayoría del cine comercial desoye: El cine nunca puede entenderse como un código cerrado. Y las películas que cierran su significado están abocado al fracaso (artístico, que no comercial).

Tanto en el papel de autores como en el de espectadores la imagen siempre contiene lo que nosotros pensamos. Esas manos que se tocan y retocan en la pieza de João Onofre, no son solo unas manos secuestradas de El Eclipse de Antonioni. Son afortunada y misteriosamente las manos que nosotros queramos que sean.

La infatigable ductilidad de la imagen.

Texto: Pablo Useros ARTISTAS: João Cristovão Leitão (por), Ricardo Pinto de Magalhães (por) y Gerard Freixes Ribera (esp)

SEDES / SPACES

Tomemos como ejemplo la obra de João Onofre. En su práctica rescata textos fílmicos ajenos buscando con precisión detalles que la ficción provoca. Un movimiento circular de grúa en una película de Fassbinder, o la frialdad geométrica de una puesta en escena de Kubrick, son motivos suficientes para una nueva lectura del tiempo y para una esculturalización de la puesta en escena. El recurso a la repetición y lo que ahora llamaríamos la poética del Gif crean un instante detenido.

La fugacidad ya no es lo que era y los gestos de la cámara son paisajes por descifrar. O reseñando una de las pocas obras que no parte de material ajeno “Untitled (мій голос)” vemos cómo la repetición y la prisión del cuerpo siguen siendo temas recurrentes. El portugués reformula desde un sofá de alta clase el mito de Oblomov, ese sedentarismo extremo del que no quiere hacer nada o nada espera. João nos trae un Oblomov contemporáneo, igualmente aprisionado como la Delphina de Ricardo Pinto de Magalhães y que pese al enorme despliegue de pantallas no puede encontrar su propio espacio.

María EL SALA Molina ÁGUILA - João Cristóvão Leitão

Berio Molina Ricardo Pinto de MagalhĂŁes

Ricardo Pinto de MagalhĂŁes

Gerard Freixes Ribera

SOLAR EMBAJADORES 18 A MEMORY THAT CAN NOT BE NAMED, TENDS TO BE PERPETUATED What cannot be said cannot be silenced Relationships of the dominant-dominated type are frequently imposed on everyday life. F. Davoine and JM. Gaudillièr (2011) state that wars, as well as social and historical catastrophes constitute extreme circumstances in which the collapse of all references give rise to forms of “out of the norm” relationships, aggravating the intensity of this trend. Its use lasts from generation to generation, even outside the space in which they emerged, as is the case of colonized spaces.

These curated audiovisual works represent some of the events that occurred in these catastrophic areas, acting like a mantra that rescues from oblivion what is difficult to name.

In the triptych We let the palm trees die (based on the moments before the Spanish Civil War), Vic Pereiró tells us the story of the founding of the Port of Sagunto. It brings to light the voices and desires of its workers, confronting their bosses for the way of defining their tasks, their living conditions and their wages. “It is a video about the memory of those who, before us, tried to build a just and sustainable world by pursuing the impossible”. At the end of the Civil War, these “good” wishes had a bad outcome. The organist of Requiem by Harold Charre portrays this moment. The image of the ruins drawn in this work take on the metaphor of a single portrait of the struggle in which all are lost, dead, wounded and exiled.

The memory of the destruction reappears in the Erosion piece by Santiago Carlini (in Argentina); linked again to the image of some shipyards, this time in ruins. The author states that the community tends to flee from these memories, situating them “in the dark sphere of uselessness” and “madness”.

Noemí Sjöberg does not settle for forgetting. She follows the imprint of these catastrophic zones but, more than images, she portrays the sensation of restlessness “before its transformation”, setting the scene in the port of Essaouira between play and danger, past and future, reality and fiction, tension and transformation.

SOLAR EMBAJADORES 18 LA MEMORIA QUE NO SE PUEDE NOMBRAR, SE TIENDE A PERPETUAR Lo que no se puede decir, no se puede callar Las formas de relación del tipo dominante-dominado se imponen con frecuencia en la cotidianidad. F. Davoine y JM. Gaudillièr (2011) plantean que las guerras y catástrofes sociales e históricas constituyen circunstancias extremas en las que el desmoronamiento de todas las referencias hacen surgir formas de relación “por fuera de la norma”, agravando la intensidad de esta tendencia. Su uso perdura en el tiempo de generación en generación, incluso fuera del espacio en que surgieron como es el caso de los espacios colonizados.

Este comisariado representa audiovisualmente algunos de los sucesos acontecidos en estas zonas catastróficas, como un mantra que rescata del olvido lo que es difícil de nombrar.

La memoria de la destrucción reaparece en la pieza de la Erosión de Santiago Carlini (en Argentina); vinculada de nuevo con la imagen de unos astilleros, esta vez en ruinas. Dicho autor plantea que la comunidad tiende a huir de estos recuerdos, situándolos “en el oscuro ámbito de la inutilidad” y “la locura”.

Noemí Sjöberg no se conforma con el olvido. Sigue la Huella de estas zonas catastróficas pero, más que imágenes, retrata la sensación de inquietud “ante su transformación”. Sitúa la escena en el puerto de Essaouira entre juego y peligro, pasado y futuro, realidad y ficción, tensión y transformación.

SEDES / SPACES

En el tríptico We let the palm trees die (ilustrado en los momentos previos a la Guerra Civil Española), Vic Pereiró nos descubre la historia de la fundación del Puerto de Sagunto. Saca a la luz las voces y deseos de sus trabajadores, enfrentados a los patronos en el modo de definir sus tareas, sus condiciones de vida y sus jornales. “Se trata de un vídeo sobre la Memoria de los que ya antes que nosotros intentaron la construcción de un mundo justo y sostenible persiguiendo imposibles”. Al final de la Guerra Civil, estos “buenos” deseos tuvieron un mal desenlace. El organista de Réquiem de Harold Charre retrata este momento. La imagen de la ruina dibujada en esta obra toma la metáfora de un único retrato de la contienda en el que todos perdieron, muertos, heridos y exiliados.

The documentary “My First Life,” about refugee camps, by Carlos Hernández brings to us some of those other endings after a war, as is the case of the exiles who did not return. In this case, the Mexican director shows the story of the Sahrawi displaced in Algeria after the postcolonial struggles, putting the focus on the reconstruction of a community in the seemingly most adverse circumstances. And where it would seem impossible to think that life would arise, a child is born and his people welcome him with the rite of baptism and contagious joy.

The word “welcome” Old English wilcuma ‘a person whose coming is pleasing’, wilcumian (verb), from wil- ‘desire, pleasure’ + cuman ‘come’. What is the meaning of the use of this word? How do we welcome those who come from abroad into our community? Fernando Baena, rather than analyzing the rites of a welcome, goes out and explores the place we offer to these new neighbors in Lavapies. When observing the ways of inhabiting space, one encounters the need to generate new fairer urban territories, where those who usually keep silent, may speak, and also feel heard. In this way, the recording device is transfigured into a “wishing well”.

Since dreaming is free, we dream through these projections with the possibility of transforming the relationships based on the “dominant-dominated” roles into other more satisfying and plural where the value of hospitality is desired by all and where the words that are usually silent do not fall into emptiness.

Text: María Jáñez ARTISTS: Vic Pereiró (spa), Harold Charre (fra), Santiago Carlini (arg), Noemi Sjöberg (spa) and Fernando Baena (spa)

El documental “Mi Primera Vida”, sobre los campos de refugiados, de Carlos Hernández nos trae algunos de esos otros finales tras una guerra, como es la de los exiliados que no volvieron. En este caso, el director mexicano muestra la historia de los desplazados saharauis en Argelia tras las contiendas postcoloniales, poniendo el foco en la reconstrucción de una comunidad en circunstancias aparentemente más adversas. Y allí, donde parecería imposible pensar que surgiera la vida, nace un niño y su pueblo le da la bienvenida con el rito de bautismo y contagiosa alegría.

La palabra “bienvenida” es un uso sustantivado de benvenutus (“bienvenido”), de bene (“bien”) y venutus (“venido”). ¿Cuál es el sentido del uso de esta palabra? ¿Cómo acogemos en nuestra comunidad a los que vienen de fuera?

Fernando Baena, más que analizar los ritos de bienvenida, sale a la calle y explora el lugar que le damos a estos nuevos vecinos en Lavapiés. Al observar los modos de habitar el espacio, se topa con la necesidad de generar nuevos territorios urbanos más justos, donde los que suelen callar, hablan, y además se sienten escuchados. De este modo, el dispositivo de grabación se transfigura en “un pozo de los deseos”.

Ya que soñar es libre, soñemos mediante estas proyecciones con la posibilidad de transformar las relaciones basadas en los roles “dominante-dominado” en otras más satisfactorias y plurales donde el valor de la hospitalidad sea un deseo de todos y donde las palabras que se suelen callar no caigan en el vacío.

Texto: María Jáñez

SEDES / SPACES

ARTISTAS: Vic Pereiró (esp), Harold Charre (fra), Santiago Carlini (arg), Noemi Sjöberg (esp) y Fernando Baena (esp)

SOLAR EMBAJADORES 18

Fernando Baena

Santiago Carlini

SALA EQUIS EXPLORE THE BODY My body does not exist. And yours neither. The body, bodies, dialogues and dances that occur between elements that are not whole play in a tacit instability. Do not forget that we have prioritized the head, reason, and the mind. Keep in mind that we have all been educated in a system where being good students consisted of sitting - more than six hours – staring at the blackboard and memorizing all the subjects that the educator on duty transmitted to us: addition and subtraction, the reproduction of certain animals, the avatars of distant civilizations (in time and space) or the thousand rivers and mountains of territories we did not explore.

The body, its own noise, rhythm, emotion, smell, tension, electricity: is not contemplated. I can ask you where you can locate the joy in your body, or if you notice different temperatures between your heart and the kidneys; or if all of your skin has the same sensitivity. The answers will be half-hearted, intuited in between maybe and correctness. We think about how it should be. Listening to the body is a foreign language in the general population and in art, specifically this exhibition gives clues that empower from the peripheries and learn that other sensibilities are possible.

Explore the body with Isabel León. Sit down Take a few minutes, visualize the twenty-three fragments where she, the unique protagonist, plays, explores, changes and exchanges a silent dialogue with objects that question the body. A small proposal where the elements alter the natural disposition of the body, touching the unusual and provoking diverse emotions, which she experiences before, and you will not remain impassive. The one dedicated to menopause, after covering her head with plastic bags, those we use to carry the fruits and vegetables from our trusty supermarket, provokes a prophylaxis that does not allow breathing. Desperate she breaks it. We observe the agitated breathing, the suffocation and the heat. The body explored, transited, moved from the impassive, poor example.

Let’s continue with The Welcome Rain Falling from the Sky. We observe Kuang-Yu Tsui in front of the camera. And suddenly, the first movement is a transposition to one end of the plane. Objects fall. Alternating sides. Risk. The body alert and coordinated. Also the trap of what’s been studied falling from above. Did you control a possible accident in

SALA EQUIS EXPLORAR EL CUERPO Mi cuerpo no existe. Y el tuyo tampoco. El cuerpo, los cuerpos, los diálogos y las danzas que se dan entre elementos que no son un todo juegan en una inestabilidad tácita. No olvide que hemos primado la cabeza, la razón, la mente.

Tenga en cuenta que todas hemos sido educadas en un sistema donde ser buenas alumnas consistía en estar sentadas -más de seis horas- mirando al encerado y aprender todos los contenidos que el docente de turno nos transmitía: sumas y restas, la reproducción de ciertos animales, los avatares de civilizaciones lejanas (en tiempo y espacio) o los mil ríos y sus montañas de territorios que no explorábamos.

Explorar el cuerpo junto a Isabel León. Siéntese. Dedique unos minutos. Visualice los veintitrés fragmentos donde ella, protagonista única, juega, explora, cambia e intercambia un diálogo mudo con objetos que ponen en cuestión el cuerpo. Pequeñas propuesta donde los elementos alteran la disposición natural de cuerpo, rozando lo insólito y provocando diversas emociones, que ella experimenta y, ante las que usted, no quedará impasible. El dedicado a la menopausia, tras cubrir su cabeza con bolsas de plástico, aquellas que usamos para seleccionar las frutas y verduras de nuestro supermercado de confianza, genera una profilaxis que no permite respirar. Desesperada la rompe. Apreciamos la respiración agitada, el sofoco y el calor. El cuerpo explorado, transitado, movido de lo impasible, por ejemplo.

Continuemos con The Welcome Rain Falling from the Sky. Observamos a Kuang-Yu Tsui frente a la cámara. Y de repente, el primer movimiento, es un desplazamiento a un extremo del plano. Objetos que caen. Alterna un lado con otro. El riesgo. El cuerpo alerta y coordinado. También la trampa de lo estudiado que cae desde arriba. ¿Controlaba

SEDES / SPACES

El cuerpo, su propio ruido, su ritmo, sus emociones, su olor, su tensión, su electricidad: no son contempladas. Le puedo preguntar dónde puede localizar la alegría en su cuerpo, o si aprecia diferentes temperaturas entre su corazón o los riñones; o si toda su piel tiene la misma sensibilidad. Las respuestas serán a medias, intuidas en el quizá y lo correcto. Pensemos en cómo debería ser. La escucha del cuerpo es un lenguaje foráneo en la población general y el arte, en concreto esta muestra, da pistas que empoderan desde las periferias y aprehenden que otras sensibilidades son posibles.

some way even if you gave precise instructions to your collaborators about when to throw-or what to throw-on your body? A healthy body crossed with the uncertainty of injury. A body that jumps, moves, leaves behind a possible blow to other possibilities...

The body exercised with those machines that tone or start us to that normative ideal of valid bodies and those not worthy. There are Different bodies and their search to fit into a canon. He, the artist Jan Hakon Erichsen, takes objects he finds, makes machines that remind us of the equipment of the gym in any neighborhood. Or artifacts for torture from past eras. The body exercised and put into operation. The body modeled and explored. Body in action.

What gymnastics would be appropriate? Are all movements valid for the many bodies that exist, different, unique, and exclusive?

The frozen body. The rough sea, the waves, uncontrolled possibilities. Chen Wan-Jen freezes the bather and things happen. A motionless body and everything moving. The body does not move and you expecting something to happen, even if it is just a slight sign of expression. And it does not happen. Let us explore a body within non-movement, metaphor -and reality- of the changes operating on bodies. Water, agitation. Movement. Stillness.

And, the last piece, a movie by Jef Zorrilla. The body explored through images, halfway through cinema, photographed, accelerated frames that are nothing and everything; bodies that move, past stories, distant scenes; others more in relation to the observer. The body moves, explores and is. There is a succession of bodies that have a history, a lesson, far from the words and whats is articulated. Sometimes the body expresses itself without the presence of reason. We see bodies in dialogue, successions of scenes and pictures that speak of communication beyond words and bodies in an unaccustomed communication. In search of a plot without arguments of chained bodies. Or not.

Text: Manu Palomo ARTISTS: Isabel Leรณn (spa), Kuang-Yu Tsui (tai), Jan Hakon Erichsen (nor), Chen Wan-Jen (tai) and Jeff Zorrilla (usa)

de alguna manera un posible accidente aunque diese indicaciones precisas a sus colabores de cuándo arrojar –o qué lanzar- sobre su cuerpo? Un cuerpo sano atravesado con la incertidumbre de lesionarse. Cuerpo que salta, se mueve, deja atrás un posible golpe para otras posibilidades…

El cuerpo ejercitado con aquellas máquinas que tonifican o nos ponen en marcha a ese ideal normativo de los cuerpos válidos y los que no valen. Diferentes cuerpos y la búsqueda de encajar en un canon. Él, el artista Jan Hakon Erichsen, toma objetos que se encuentra, realiza máquinas que nos recuerdan a la maquinaria de un gimnasio de un barrio cualquiera. O artefactos de tortura de épocas pretéritas. El cuerpo ejercitado y puesto en marcha. El cuerpo que se modela y se explora. Cuerpo en acción. ¿Qué gimnasia sería la apropiada?, ¿todos los movimientos son válidos para tantos cuerpos que existen, diferentes, únicos, exclusivos?

El cuerpo congelado. El mar bravo, las olas, las posibilidades que no se controlan. Chen Wan-Jen congela al bañista y pasan cosas. El cuerpo inmóvil y todo en movimiento. El cuerpo que no se mueve y esperas que acontezca algo, aunque sea un ligero guiño de expresión. Y no ocurre. Explorar un cuerpo en el no movimiento, metáfora –y realidadde los cambios que se operan en los cuerpos. Agua, agitación. Movimiento. No-movimiento.

Texto: Manu Palomo ARTISTAS: Isabel León (esp), Kuang-Yu Tsui (tai), Jan Hakon Erichsen (nor), Chen Wan-Jen (tai) y Jeff Zorrilla (eeuu)

SEDES / SPACES

Y, la última pieza, un película de Jeff Zorrilla. El cuerpo explorado con imágenes, a medio camino del cine, de la fotografía, de fotogramas acelerados que no son nada y lo son todo. Cuerpos que se mueven, historias pasadas, escenas lejanas; otras más en relación con el que observa. El cuerpo se mueve, explora y está. Sucesión de cuerpos que tienen una historia, un aprendizaje, un estar lejano a la palabra y lo articulado. A veces el cuerpo se expresa sin que la razón esté presente. Cuerpos en diálogo, sucesiones de escenas y de estampas que nos hablan de comunicación más allá de la palabra y los cuerpos en la comunicación no acostumbrada. En búsqueda de una trama sin argumentos de cuerpos encadenados. O no.

SALA EQUIS

Jeff Zorrilla

TABACALERA PROMOCIÓN DEL ARTE SPACES TO BE INHABITED The video creation and video installation pieces shown in this gallery space, present a series of spaces together with a proposal for a way to access this departure from the narrative of the world we are accustomed to.

Artists, having altered their habitual codes, playing with natural laws, scales and times or through the withdrawal and introduction of key elements, cause a estrangement that forces us to return, to palpate, recognize and compose ourselves with these places that no longer respond to our expectations. Inside these spaces that appear to us extended in some direction and displaced from the map of coordinates usually shown by default must be explored with an active disposition and using new orientation strategies. Imagination, memory, our capacity to relate, the dejà-vu, together with what is perceived by the senses, come into play to replace, in terms of our affections, the uncertainties that arise when going through and re-inhabiting these liberated territories .

In turn, this may allow the public to come across some kind of revelation. Therefore, Mauricio Alejo with Crack, Line and Hole opens precisely said fractures in the most daily reality, making visible their possible folds, their hidden or reversible faces and inviting to question the idiosyncrasies of that which, a moment ago, we had not even notice for its dullness. In Tango, through a choreographic game of superposition of what could be past times, Zbigniew Rybczynski makes visible the memory of a space in which this memory does not stop reverberating and where doors and windows are not the only things left open by the continuous loop of entering and exiting of characters, because it has the ability to question us further.

In turn, David Benito, Elena Córdoba and Ada Salas, use a modulation of scales to make perceptible that what changes does not die, offering a landscape to entertain us in what otherwise we would have overlooked.

Francesc Torres in Old Fames and Ricard Carbonell I Saurí in Patarei Prison have chosen concrete elements that seem to operate as guides in our tracing march. Thus, the lighters that the first one finds in the field and the tennis ball introduced by the second in the old prison running through the buildings, vibrate with the respective spaces invoking absences, generating echoes of a past time, mobilizing traces, updating intimate stories and events, which, as in the

TABACALERA PROMOCIÓN DEL ARTE ESPACIOS A HABITAR Las piezas de videocreación y videoinstalación que se muestran en esta sala presentan una serie de espacios junto con la propuesta de un modo de acceder a ellos que se aparta de la narrativa del mundo a la que estamos acostumbrados. Los artistas, habiendo alterado sus códigos habituales, jugando con las leyes naturales, escalas y tiempos o mediante la retirada e introducción de elementos clave, provocan un extrañamiento que nos obliga a volver a palpar, reconocer y componernos con estos lugares que ya no responden a nuestras expectativas.

Ello permite, a su vez, que pueda darse en el público que los atraviesa algún tipo de revelación. Así, Mauricio Alejo con Grieta, Línea y Hoyo abre precisamente dichas hendiduras en la realidad más cotidiana, haciendo que asomen sus posibles pliegues, sus caras ocultas o reversibles e invitando a cuestionar la idiosincrasia de aquello en lo que, un momento atrás, ni siquiera habíamos reparado por anodino. En Tango, mediante un juego coreográfico de superposición de lo que podrían ser tiempos pasados, Zbigniew Rybczynski hace visible la memoria de un espacio en el que no deja de reverberar y cuyas puertas y ventanas no son las únicas que quedan abiertas con la entrada y la salida en bucle de los personajes, pues tiene la capacidad de interpelarnos más allá. A su vez, David Benito, Elena Córdoba y Ada Salas, se sirven de una modulación de escalas para hacer perceptible que Lo que muda no muere y ofrecer un paisaje en el que recrearnos que de otra forma pasaríamos por alto. Francesc Torres en Old flames y Ricard Carbonell I Saurí en Patarei Prison han escogido elementos concretos que parecen operar como lazarillos en nuestra marcha de rastreo. Así, los mecheros que va hallando en el campo el primero y la pelota de tenis introducida por el segundo en la antigua prisión y que recorre a botes el edificio, vibran con los respectivos espacios invocando ausencias, generando ecos de un tiempo pasado, movilizando improntas, actualizando historias íntimas y acontecimientos, que, como en

SEDES / SPACES

Adentrados en estos espacios que se nos presentan extendidos en alguna dirección y desplazados respecto del mapa de coordenadas que solemos desplegar por defecto, nos corresponde ahora explorarlos con una disposición activa y echando mano de nuevas estrategias de orientación. La imaginación, la memoria, la capacidad de relación, los dejà-vu, junto con lo percibido por los sentidos, entran así en juego para suplir, en función de nuestros afectos, las incertidumbres que surgen al recorrer y volver a habitar estos territorios liberados.

rest of the proposals, will depend on each viewer to organize according to their sensibilities and ambitions.

Christophe Litou proposes an analogous challenge in Rear Window but, this time, in a space that has been expressly emptied of all reference to the cinematographic plot from which he starts so that each one of us puts to work one’s own imaginary as far as one is willing to, taking charge of one’s own experience.

These are examples, certainly, of the possibility, always within our reach, of emptying these spaces we think already colonized and return to be pioneers in them, to return and inhabit them within the interrogation, to re-appropriate them with another look, another meaning and intention.

Text: Begoña Moreno-Luque ARTISTS: Mauricio Alejo (méx), Zbigniev Rybczynski (pol), Elena Córdoba & David Benito & Ada Salas (spa), Francesc Torres (spa), Ricard Carbonell i Saurí (spa) and Christophe Litou (fra)

el resto de propuestas, dependerá de cada espectador organizar de acuerdo con sus sensibilidades y ambiciones.

Christophe Litou propone un reto análogo en Rear Window pero, esta vez, en un espacio que ha sido expresamente vaciado de toda referencia a la trama cinematográfica de la que parte con el fin de que cada cual ponga a trabajar el imaginario propio hasta donde esté dispuesto a llegar, haciéndose cargo de su propia experiencia.

Son ejemplos estos, en definitiva, de la posibilidad que existe siempre a nuestro alcance de realizar vaciados en los espacios que pensamos ya colonizados para volver a ser pioneros en ellos, para volver a habitarlos en la pregunta, para volver a apropiarnos de los mismos con otra mirada, significado e intención.

Texto: Begoña Moreno-Luque

SEDES / SPACES

ARTISTAS: Mauricio Alejo (méx), Zbigniev Rybczynski (pol), Elena Córdoba & David Benito & Ada Salas (esp), Francesc Torres (esp), Ricard Carbonell i Saurí (esp) y Christophe Litou (fra)

TABACALERA PROMOCIÓN DEL ARTE

Zbigniew Rybczyinski

Mauricio Alejo

Elena Cรณrdoba, David Benito & Ada Salas

Elena Cรณrdoba, David Benito & Ada Salas

Francesc Torres

Christophe Litou

CNP PARTNERS GARY HILL (usa) Wall piece, 2000

In Wall Piece, the image of a man colliding with a wall and saying just one word with each impact is projected on the wall of a completely dark space. During recording, a single flash of extreme intensity strobe light “captured” the body at the time of the impact. These single moments were edited together to create a linear text and a sequence of a body in several positions against a wall. In the installation, the same kind of strobe light used for the recording is mounted on the floor and aimed at the projection. It blinks about 60 cycles per minute, entering and synchronizing with the flashes of light recorded. Sometimes, light announces the image, repeats it, or even deletes it.

JUAN MANUEL GONZÁLEZ VIDAL (spa) & ALINA DIANA SOMU (spa) Midriasis, 2018 9:06

COCO MOYA (spa) Desierto, 2018 8:14

MARÍA DE LA HAZA (spa) Distrito Sombra, 2018 15:20

CNP PARTNERS GARY HILL (eeuu)

Wall piece, 2000

En Wall Piece, la imagen de un hombre arrojándose repetidamente contra una pared y hablando una sola palabra con cada impacto se proyecta en la pared de un espacio completamente oscurecido. Durante la grabación, un sólo flash de luz estroboscópica de intensidad extrema “capturó” el cuerpo en el momento del impacto. Estos momentos singulares fueron editados juntos para formar un texto lineal y una secuencia de un cuerpo en varias posiciones contra una pared. En la instalación, el mismo tipo de luz estroboscópica utilizada para la grabación se monta en el piso y se enfoca en la proyección. Parpadea a aproximadamente 60 ciclos por minuto, entrando y sincronizándose con los destellos de luz grabados. En ocasiones, la luz presagia la imagen, repite la imagen o, al unísono, borra la imagen.

JUAN MANUEL GONZÁLEZ VIDAL (esp) y ALINA DIANA SOMU (esp)

Midriasis, 2018 9:06

COCO MOYA (esp) Desierto, 2018 8:14 MARÍA DE LA HAZA (esp)

SEDES / SPACES

Distrito Sombra, 2018 15:20

CNP PARTNERS - Gary Hill

Coco Moya / Juan Manuel González & Alina Diana Somu / María de la Haza

QUINTA DEL SORDO DISTORTIONS, ERRORS, GLITCH ...

The term glitch is usually translated in Spanish as error, within a computer context is identified with a distorted image due to damaged or poorly encoded files. Since we entered the digital revolution, we have become familiar with this type of aesthetic becoming culture, where what initially appears to be incidental begins to develop through different tools intentionally. According to Mark Dery in his book Speed of escape, ‘modern primitive’ is the term that sociologists have given to the exercise of ‘resistance by ritual’ in technoculture. The practice of glitch, the cult of the error, in its symbolic conception, could then be considered as a form of modern primitivism, of searching for a space that can be used to think ourselves as subjects in post-human times, interconnected in a network of agents that do not respond to a binary logic, pretending to be found in an exercise of defamiliarization of what has conditioned our relationships with the world in the past.

The video creations presented here, play with error as an extension of experience from violence, memory or humor.

Laughter as a glitch of the organism, unexpected, poignant, makes possible the escape of control schemes. This is the case of Kuang-yu Tsui, with his piece Invisible City: Liverpool Top 9, which offers an open possibility to hack the territory through absurdity and crossed codes.

In Campo, by Berio Molina Quiroga, the uncertainty of a beep and the coupling between a microphone, the body and an amplifier brings us back to a laboratory accident in the installation itself.

María Molina Peiró with Digital Trauma (and the crystal image) conveys the historic memory in the digital archive of the war in Bosnia and its atrocities. It is offered to the spectator in the form of a ritual sacrifice of one diluted in a context of violence, hurt by memory without the capacity for forgetfulness of those who dive into the Internet.

Pan No.1: Stay Strong by Hasan Daraghmeh returns to the territory offering us various transformations of a square as if it were a delirious LSD trip, a quantum reality of an anonymous digital army, giving us a vision of the world as if the machine shared its point of view.

Rodrigo Faustini with his piece Transcodifying Boy from phosphene brings the pictorial plasticity of pixels dragged and in flux under the lighting of a stroboscopic flicker. The memory and the story are shown here as an exercise of

QUINTA DEL SORDO DISTORSIONES, ERRORES, GLITCH…

Las videocreaciones que aquí se presentan, juegan con el error como extensión de la experiencia desde la violencia, la memoria o el humor. La risa como un glitch del organismo, inesperada, punzante, posibilita escapar a los esquemas de control. Este es el caso de Kuang-yu Tsui, con su pieza Invisible City: Liverpool Top 9, que nos ofrece una posibilidad abierta de hackear el territorio a través del absurdo y de códigos cruzados. En Campo, de Berio Molina Quiroga, la incertidumbre del pitido y del acople entre un micro, el cuerpo y un amplificador nos devuelve a un laboratorio del accidente en la propia instalación. María Molina Peiró con Digital Trauma (and the crystal image) nos trae la memoria histórica del archivo digital de la guerra en Bosnia y sus atrocidades. Se ofrece al espectador desde el rito del sacrificio de aquel que se diluye en un contexto de violencia, herida por la memoria sin capacidad de olvido del que bucea en internet. Pan No.1: Stay Strong de Hasan Daraghmeh vuelve al territorio ofreciéndonos diversas transformaciones de una plaza como si de un viaje delirante de lsd se tratase, una realidad quántica de ejército anónimo y digital, que nos devuelve una visión del mundo como si la propia máquina compartiera su mirada. Rodrigo Faustini con su pieza Transcodificado Garoto a partir de fosfeno trae la plasticidad pictórica del pixel arrastrado y fluido bajo el alumbramiento de un parpadeo estroboscópico. La memoria y el relato se muestran aquí en un ejercicio de recuerdo

SEDES / SPACES

El término glitch se traduce habitualmente como error, y en el contexto informático se identifica con una imagen distorsionada debida a ficheros dañados o mal codificados. Desde que entramos en la revolución digital nos hemos familiarizado con este tipo de estética que acaba por devenir cultura, donde lo que en un principio aparece por casualidad empieza a desarrollarse a través de diversas herramientas de forma intencionada. Según Mark Dery en su libro Velocidad de escape, ‘primitivo moderno’ es el término que los sociólogos han dado al ejercicio de la ‘resistencia por lo ritual’ en la tecnocultura. La práctica del glitch, del culto al error, en su concepción simbólica, podría considerarse entonces como una forma de primitivismo moderno, de búsqueda de un espacio que puede ser utilizado para pensarnos como sujetos en tiempos posthumanos, interconectados en una red de agentes que no responde a las lógicas binarias y que pretende buscarse precisamente en un ejercicio de desfamiliarización de aquello que ha condicionado nuestra relación con el mundo en el pasado.

memory and reconstruction, transfigured and in constant movement.

The poetics of the glitch, of distortion, crosses us like a rite of resistance to perfection, a machinic space, free of error, associated with a techno-scientific evolution. In this sense we can understand error as the time of the kairos, of opportunity, of the possibility of being other, diverse, unpredictable, and different. It is the opportunity to be a cyborg-subject through the post-anthropocentric exercise of its sensitivity.

Text: Paula Lafuente ARTISTS: Kuang-Yu Tsui (tai), Berio Molina Quiroga (spa), Maria Molina Peirรณ (spa), Hasan Daraghmeh (pal) and Rodrigo Faustini (bra)

y reconstrucción transfigurada y en constante movimiento.

La poética del glitch, de la distorsión, nos atraviesa como un rito de resistencia a la perfección, ese espacio maquínico exento de error asociado a un devenir tecno-científico. En este sentido podemos entender el error como el tiempo del kairós, de la oportunidad, de la posibilidad de ser otrxs, diversxs, imprevisibles, diferentes. La oportunidad de ser sujeto ciborg a través del ejercicio postantropocéntrico de su sensibilidad.

Texto: Paula Lafuente

SEDES / SPACES

ARTISTAS: Kuang-Yu Tsui (tai), Berio Molina Quiroga (esp), Maria Molina Peiró (esp), Hasan Daraghmeh (pal) y Rodrigo Faustini (bra)

QUINTA DEL SORDO

Rodrigo Faustini

MarĂ­a Molina

Berio Molina

Laboratory: Gary Hill Workshop: Pancho López Cognitive Alterations: Neli Parga Technology, Robotic and Cyberculture: Javi F. Gorostiza Trance and Body: Maricruz Planchuelo Latin American Performance and Video Art: Jorge La Ferla, Pancho López, Ana Longoni & Alfredo Hertzog. Facilitation: Idoia Hormaza de Prada Artist Meeting: Fernando Baena, Rubén Martín de Lucas, Ricard Carbonell i Saurí, Juan Carlos Bracho, Elena Córdoba & Julieta Caputo.

Facilitation: Juan García

ENCUENTROS PROFESIONALES / PROFESSIONALS MEETINGS

Laboratorio: Gary Hill Taller: Pancho López Alteraciones Cognitivas: Neli Parga Tecnología, Robótica y Cibercultura: Javi F. Gorostiza Cuerpo y Trance: Maricruz Planchuelo Performance y Videoarte en Latinoamérica: Jorge La Ferla, Pancho López, Ana Longoni y Alfredo Hertzog. Modera: Idoia Hormaza de Prada Encuentro de Artistas: Fernando Baena, Rubén Martín de Lucas, Ricard Carbonell i Saurí, Juan Carlos Bracho, Elena Córdoba y Julieta Caputo.

Modera: Juan García

GARY HILL WORKSHOP WITH GARY HILL CNP PARTNERS Practical and theoretical workshop with Gary Hill one of the founders of media art where we are invited to get acquainted with his artistic practice. The workshop has a defined theme “Cognitive Alterations” developed in small pills that, by way of micro-meetings with 3 specialists (body, technology and neuroscience) to see the modus operandi of this artist.

SUBJECTS TO DEAL WITH A theoretical and practical approach focused on the idea of how certain substances and trance rituals alter cognition and how this may have a productive, creative, emotional, physical, lack of inhibition promoting and optimizing perspective and physical strength, nevertheless, at the same time, the use of these substances may involve risks such as: general, social, mental impairment and causing other social and legal complications.

METHODOLOGY Open talk with a speaker, a collaborative method of teamwork and community work.

MICRO MEETINGS 17 SEP. 16h. Cognitive Alterations Neli Parga, psychiatrist.

18 SEP. 16h. Technology, Robotics and cyberculture Javi F. Gorostiza, artist, musician, electronic engineer and PHD in Robotics.

19 SEP 2017. 16h. Body and Trance Maria Cruz Planchuelo López, choreographer-dancer.

GARY HILL LABORATORIO CON GARY HILL CNP PARTNERS Taller teórico práctico con Gary Hill, uno de los fundadores del media art, quien nos invitó a conocer sus prácticas artísticas. El taller se centró en la temática “Alteraciones Cognitivas” desarrollada por pequeñas píldoras que a modo de microencuentros, con 3 especialistas (cuerpo, tecnología y neurociencia), ayudó a pensar sobre su modus operandi.

TEMÁTICAS A TRATAR Se hizo un recorrido teórico-práctico enfocado en la idea de cómo determinadas sustancias y rituales de trance alteran la cognición y de cómo ésto puede tener una vertiente productiva desde el punto de vista creativo, emocional, físico, favorecedor de la desinhibición y optimizador de la fuerza física. A su vez, el uso de estas sustancias puede implicar riesgos como: el deterioro general, social, mental y causar otras problemáticas de índole socio-legal.

METODOLOGÍA Charla abierta con el ponente. Metodología colaborativa de trabajo en equipo y en comunidad.

MICRO ENCUENTROS 17 SEP. 16h. Alteraciones Cognitivas Neli Parga, psiquiatra.

19 SEP 2017. 16h. Cuerpo y Trance María Cruz Planchuelo López, coreógrafa-bailarina.

LAP

18 SEP. 16h. Tecnología, Robótica y Cibercultura Javi F. Gorostiza, artista, músico, ingeniero electrónico y doctor en Robótica.

CNP PARTNERS

Gary Hill

LAB 01

COGNITIVE ALTERATIONS NELI PARGA

WITH

The alteration of perception is the result of very different causes. How is the brain machine that causes the theater of the mind? How can heaven become hell and vice versa? “The inferotemporal cortex where, according to Oliver Sacks, imaginary visual images are housed, accommodates fragments of our fancy, millions of fictions coded in certain neuronal groups that play a key role in the formation of self and our behavior within the world.� We see with our eyes and, at the same time, with the brain.

The alteration of dopaminergic networks result in perceptive deceptions. These experiences do not always imply a loss of judgment of reality, nor pathology.

LAB 02

TECHNOLOGY, ROBOTICS AND CYBERCULTURE WITH JAVI F. GOROSTIZA Artist, musician, electronic engineer and PHD in Robotics The micro-meeting will begin with a description of the origins of Automation, that is, of the science of control.

This origin is linked to the feedback ideas of a system, equalization, balance and imbalance. Through these concepts, a series of motion games will be proposed in order to help internalize its meaning.

Following you will see how control theory is applied in robotics, this is to talk about control architectures, and especially those based on bio-inspired models.

Finally, he spoke about how Robotics is also bio-inspired, and about robotic prostheses and augmented body.

LAB 03

BODY AND TRANCE WITH MARICRUZ PLANCHUELO Dancer, choreographer, improvisational actor, puppetry Teacher.

Throughout 20 years of research in the field of contemporary dance, community dance and improvisation, incorporates Somatic Integration and Body Mind Centering. Developing its own methodology based on the biological, emotional and creative nature of being.

Body-Trance proposes an experience that, through the perception and cellular awareness of tissues, organs and systems of the body, allows us to display a present inhabited by the authenticity of the being beyond the limits of ordinary reality; a space of freedom and creative encounter of being with others and the world.

LAB 02

LAB 03

TECNOLOGÍA, ROBOTICA Y CIBERCULTURA CON JAVI F. GOROSTIZA

CUERPO Y TRANCE CON MARÍA CRUZ PLANCHUELO

¿Cómo es la maquinaria cerebral que provoca el teatro de la mente? ¿como el cielo puede volverse infierno y viceversa?

Artista, músico, ingeniero electrónico y doctor en Robótica

Bailarina. Coreógrafa. Improvisadora.

Titiritera. Docente.

El microencuentro comenzó con una descripción de los orígenes de la Automática, esto es, de la Ciencia del Control. Este origen está ligado a las ideas de realimentación de un sistema, equifinalidad, equilibrio y desequilibrio. A través de estos conceptos se propuso una serie de juegos de movimiento con el fin de ayudar a interiorizar su significado.

A lo largo de 20 años de investigación en el ámbito de la danza contemporánea, la danza comunitaria y la improvisación, incorpora la Integración Somática y el Body Mind Centering. desarrollando su propia metodología en base a la naturaleza biológica, emocional y creativa del ser.

El córtex inferotemporal, donde según Oliver Sacks, se alojan las imágenes visuales imaginarias, millones de ficciones codificadas en determinados grupos neuronales que desempeñan un papel clave en la conformación del yo y nuestro comportamiento dentro del mundo. Vemos con los ojos y, al mismo tiempo, con el cerebro.

La alteración de las redes dopaminérgicas da lugar a engaños perceptivos.

Estas experiencias no siempre implican una pérdida del juicio de la realidad, ni patología. Su origen puede derivarse del uso de sustancias psicoactivas, del mismo proceso del sueño, de la exposición a una estimulación eléctrica cortico-subcortical y de situaciones de aislamiento o deprivación sensorial.

Después se vió cómo se aplicaba la teoría del control en Robótica; esto es a hablar sobre las Arquitecturas de Control, y muy especialmente las basadas en modelos bioinspirados.

Por último se trató sobre cómo la Robótica también resulta bioinspiradora, y de prótesis robóticas y cuerpo aumentado.

Cuerpo-Trance propone una experiencia que, a través de la percepción y la consciencia celular de tejidos, órganos y sistemas del cuerpo, nos permite desplegar un presente habitado por la propia autenticidad del ser más allá de los límites de la realidad ordinaria. Un espacio de libertad y encuentro creativo del ser con los otros y el mundo.

LAP

LAB 01

ALTERACIONES COGNITIVAS CON NELI PARGA

CNP PARTNERS - Javi F. Gorostiza

Maricruz Planchuelo

PANCHO LÓPEZ REPAY THE BODY (video performance and actions for the camera) SALA EL ÁGUILA This workshop is aimed at artists and students of any area interested in video-performance practice as an agent of identity and social interaction, as the result of the crossing between the use of the body and video technologies.

PRESENTATION Nowadays, visual strategies that go too fast are generated; the culture of the video clip and visual consumption has become vertiginous. In this context, it is necessary to rethink the utility of the body as a container and video as format and identity builder of memory.

Considering that art has become increasingly ephemeral and intangible, in this workshop I intend to question the memory devices supported on body and video to rethink current creative strategies in art.

GENERAL OBJECTIVE I’d like to consolidate a reference space to strengthen, on a discursive and theoretical level, elements that contribute to the contemplation on body and video, which in its entirety allow the production of new pieces supported particularly in video formats with a novel discourse.

PARTICULAR OBJECTIVES I’d like to offer participants a space for reflection on the concepts of video and performance in order to rethink different creative strategies to carry out a video action.

PANCHO LÓPEZ REPENSAR EL CUERPO (videoperformance y acciones para la cámara) SALA EL ÁGUILA Dirigido a artistas y estudiantes de cualquier área interesados en la práctica del videoperformance como agente de identidad e interacción social a partir del cruce que se da entre el empleo del cuerpo y las tecnologías del vídeo.

PRESENTACIÓN En la actualidad se generan estrategias visuales que van demasiado deprisa, la cultura del videoclip y el consumo visual se ha vuelto vertiginoso. En este contexto, es necesario repensar la utilidad del cuerpo como contenedor y el vídeo como soporte y agente constructor de la identidad y la memoria.

Considerando que el arte se ha vuelto cada vez más efímero e intangible, con este taller pretendo cuestionar los dispositivos de la memoria soportados en el cuerpo y el vídeo para repensar las estrategias creativas en el arte actual.

OBJETIVO GENERAL Consolidar un espacio de referencia que aporte, a nivel discursivo y teórico, elementos que contribuyan a la reflexión en torno al cuerpo y al vídeo, que en su conjunto permitan producir piezas nuevas soportadas particularmente en formatos de vídeo con un discurso novedoso.

LAP

OBJETIVOS PARTICULARES Ofrecer a los integrantes un espacio de reflexión sobre los conceptos de vídeo y performance a fin de repensar diversas estrategias creativas, para llevar a cabo una acción para vídeo.

SALA EL ÁGUILA

Taller de Pancho Lรณpez

DOMINGO MESTRE VIDEO ART AGAINST (SELF) CENSORSHIP In recent times we have seen how artists of all kinds of disciplines have been judged - and in some cases condemned - for expressing, with the tools proper of art, their political opinion. The latest step in this absurd direction has been the prosecution of Carolina Martínez and Clemente Bernard for recording a ceremony of exaltation of the Franco regime organized by the Brotherhood of the Volunteer Knights of the Cross in the crypt of the Monument to the Fallen in Pamplona. An organization created in 1939 by ex-combatants requetés1 to “maintain in full, and with aggressiveness if necessary, the spirit that led Navarra to the Crusade for God and for Spain.” A declaration of intentions that, by itself, should be sufficient reason for its prohibition, since in a democratic society the monopoly of violence and aggression should remain exclusively in the hands of the State and its institutions. However, those who are being processed at this time are the authors of the documentary, which is creating a situation of defenselessness of art professionals that clearly induces self-censorship; and a new danger for artistic creativity, even greater than the risk of external censorship, in my opinion. In fact, the latter can always be predicted and calculated, in the terms proposed by Ulrich Beck, unlike the first, whose natural consequence is the paralysis that leaves the victim in the hands of his enemy - in this case compliant production -.

We dealt with these issues in the laboratory on “Appropriation and Gag Law”. There we discussed specific cases and how we can try to assess the risks and, above all, how can we try to reverse the current situation, likewise, of course, the role that video art and audiovisual productions can play in this open debate about the freedom of artistic creation; in my case, a debate that began with the Trobada d’artistes per la llibertat d’expressió (Encounter of artists for freedom of expression in Catalan) that we organized to present the project, Intramurs in Eivissa.

Some of its conclusions can be seen in Contracensura.com, the self-defense tool that we as artists created for the occasion. We closed the event with the production of a collective audiovisual piece that consisted of the parody of the well-known Baby, Baby, Baby video by the French duo Make The Girl Dance. In the original, beautiful women dance naked in the streets of Paris, but the interesting thing for us was the numerous copies produced spontaneously in other cities and with all varieties of protagonists.

With the intention of denouncing the danger of self-censorship, we produced, conclusively, our own version,

DOMINGO MESTRE VIDEOARTE CONTRA LA (AUTO)CENSURA En los últimos tiempos hemos visto como artistas de todo tipo de disciplinas eran juzgados -y en algunos casos condenados- por expresar, con las herramientas propias del arte, sus opiniones políticas. El último paso en esta absurda dirección ha sido el procesamiento de Carolina Martínez y Clemente Bernard por grabar una ceremonia de enaltecimiento del franquismo organizada por la Hermandad de los Caballeros Voluntarios de la Cruz en la cripta del Monumento a los Caídos de Pamplona. Una organización creada en 1939 por excombatientes requetés para “mantener íntegramente, y con agresividad si fuera preciso, el espíritu que llevó a Navarra a la Cruzada por Dios y por España”.

Una declaración de intenciones que, por sí misma, debería ser motivo suficiente para su ilegalización, puesto que en una sociedad democrática el monopolio de la violencia y de la agresividad debería quedar, exclusivamente, en las manos del Estado y sus instituciones. Sin embargo, a quienes se está procesando en estos momentos es a los autores del documental, con lo que se está creando una situación de indefensión de los profesionales del arte que claramente induce a la autocensura. Un nuevo peligro para la creatividad artística, a mi juicio, aún mayor que el riesgo de la censura externa. De hecho, este último siempre puede ser previsto y calculado, en los términos propuestos por Ulrich Beck, en sus ensayos sobre la Sociedad del riesgo. Al contrario que el primero, el mero peligro, cuya consecuencia natural es la parálisis que deja a la víctima en manos de su enemigo –en este caso el de la producción sumisa-.

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De estas cuestiones estuvimos tratando en el laboratorio sobre “Apropiacionismo y Ley Mordaza”. Allí estuvimos comentando casos concretos y cómo se puede intentar evaluar los riesgos y, sobre todo, cómo se puede intentar revertir la actual situación. También, por supuesto, del papel que puede jugar el videoarte y las producciones audiovisuales en general dentro de este debate abierto sobre la libertad de la creación artística. Un debate que, en mi caso, se inició con la Trobada d’artistes per la llibertat d’expressió que organizamos, en abril de este mismo año, para presentar el proyecto Intramurs en Eivissa. Algunas de sus conclusiones pueden verse en Contracensura.com, la herramienta de autodefensa que algunos artistas creamos para la ocasión. Aquel evento lo cerramos con la producción de un audiovisual colectivo que consistía en una parodia del muy conocido videoclip Baby, baby, baby del dúo francés Make The Girl Dance. En el original, hermosas mujeres bailan desnudas por las calles de París, pero lo interesante para nosotros, son las numerosas réplicas producidas espontáneamente en otras ciudades y con todo tipo de protagonistas.

called Baby, Baby. To do this, some of us walked naked through the streets of Eivissa, but ironically covered with black cardboard rectangles (simulating digital self-censorship) covering - more or less - our sex and women’s breasts, leaving our asses uncovered. The current situation is so surreal that, despite having the approval of the City Council and the collaboration of the local police, confused members of the national police tried to censor the piece despite the fact that in this case they lacked the competence to do so. A “creative� intervention by these agents, that helped us gain media coverage and served to expand the scope of our debate, as well as to clear up any doubts about the relevance and even necessity for collective actions and responses like ours.

Text: Domingo Mestre

m. Body of volunteers who, distributed in thirds, fought in the Spanish civil wars of the nineteenth and twentieth centuries in defense of the religious and monarchical tradition.

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Con la intención de denunciar el peligro de la autocensura, produjimos, a título conclusivo, nuestra propia versión titulada Baby, Baby. Para ello, algunos de los reunidos paseamos desnudos por las calles de Eivissa, pero irónicamente tapados con rectángulos negros de cartulina (simulando autocensuras digitales) que tapaban –más o menos- nuestro sexo y los pechos de las mujeres, aunque dejaban todos los culos al descubierto. La situación actual es tan surrealista que, pese a contar con la aprobación del Ayuntamiento y la colaboración de la policía local, despistados miembros de la policía nacional intentaron censurarla pese a que en este caso carecían de competencias para ello. Una «creativa» intervención, la de estos agentes, que nos hizo ganar repercusión mediática y sirvió para expandir el ámbito de nuestro debate - además de despejar cualquier duda sobre la pertinencia e incluso la necesidad de acciones y reacciones colectivas como la nuestra.

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Texto: Domingo Mestre

ALBERTO GONZÁLEZ PULIDO We are the result of the time in which we live. This may seem as an obvious banality but it is not. The era of communication and social networks has meant great progress to all of us, but it has also fostered a social and cultural setback that has led us to the current situation.

This truth is perhaps too hard to assume for a young and inexperienced democracy like that of our country.

Therefore, the themes we discussed in the conference organized by PROYECTOR in Sala Alcalá 31 are sadly so current. There is censorship in Spain, in the year 2018, and there has always been, to a lesser or greater extent.

The system has managed to show a more benevolent and pleasant image of Spain, but the truth is that the transition from the dictatorship to democracy never happened. Smoke nothing more; Franco’s government was perpetuated by the power of the financial markets that supported the regime; today it continues to destroy civil liberties before the passivity of Spanish society.

It was up to Domingo Mestre and me to address the issue. We talked about creative activity and its limits, those contemplated in the law and those fixed in the collective imagination. How the law protects copyright, but generates other regulations that threaten the integrity of artist’s works, to the point of violating the constitutional principles of freedom of expression and artistic creation of the thousand times named art 20 of the CE The so-called “gag law” (Organic Law for the protection of citizen security) is a breeding ground for the most stale and anachronistic fascism; It certainly looks like a law from another era. The power granted to police forces; the discretion when applying certain practices by the agents themselves; and the lack of oversight of their actions by the judiciary allows for a scenario of poor democratic quality.

Little has Europe done to alleviate this situation, although the international community has not been slow in assessing this position as a violation of one of the main rights recognized in the International Bill of Human Rights. Our government‘s permissiveness, except for some fines and reprimands, is equally regrettable.

ALBERTO GONZÁLEZ PULIDO Somos en gran parte fruto del tiempo que en el que vivimos; ésta es una banalidad tan sólo en apariencia. La era de la comunicación y de las redes sociales ha supuesto grandes avances, pero también ha fomentado un retroceso social y cultural que ha derivado en la actual situación relacionada con la censura. Una verdad dura para una democracia joven e inexperta como la de nuestra país. Éste fue el punto de partida para el tema de tan triste actualidad que tratamos en las jornadas organizadas por PROYECTOR en Sala Alcalá 31. En España siempre ha habido censura en mayor o menor medida pero en pleno siglo XXI ha tomado nuevas derivas debido a los avances tecnológicos.

El sistema se las ha arreglado para mostrar una cara más benévola y agradable de España, pero lo cierto es que la transición nunca tuvo lugar. Humo nada más, ya que el Gobierno de Franco se perpetuó en el poder del mercado financiero que había apoyado el régimen, que continua destrozando las libertades ciudadanas ante una actitud social pasiva.

Domingo Mestre y yo mismo tratamos este tema en las jornadas de PROYECTOR. Hablamos de la actividad creativa y de los límites, tanto de los contemplados por la ley como de los dispuestos en el imaginario colectivo. Hablamos sobre cómo la ley ampara los derechos de autor, pero genera otras normativas que atentan contra la integridad de las obras de los artistas. En el art 20 de la CE citado tan a menudo se llegan a vulnerar los principios constitucionales de la libertad de expresión y de la creación artística.

La llamada “ley mordaza” (Ley Orgánica de protección de la seguridad ciudadana), es un caldo de cultivo para el fascismo más rancio y anacrónico: parece una ley de otra época. El poder que otorga a las fuerzas policiales; la discrecionalidad a la hora de aplicar determinadas prácticas por los propios agentes; la falta de fiscalización de sus actuaciones por parte del poder judicial… permiten un escenario de escasa calidad democrática.

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Poco se ha hecho desde Europa para paliar esta situación, aunque la comunidad internacional no ha tardado en señalar que esta situación supone una grave vulneración de uno de los principales derechos reconocidos en la Carta Internacional de los Derechos Humanos. La permisividad con nuestro Gobierno, exceptuando algunas multas y reprimendas, es igualmente inaceptable.

Parody is a separate issue. The limits of intellectual property are recognized by law, but disclosed vaguely. The little assertiveness when presenting certain legal precepts generates problems; if we add a patriarchal and puritanical society, it is no longer a problem, it is dangerous.

It is a danger to freedom of expression, to criticism and social protest. When civil liberties collide with organizations such as the Crown, or the main political parties, equality before the law becomes an innocuous concept.

If we want to improve as a society towards a more just and democratic state, we have to repeal this “gag law�.

But a deeper consideration is necessary so that these kinds of situations do not happen again, and so we can move forward once and for all and see a very different Spanish society. Because at the moment, I do not like what I see.

Text: Alberto GonzĂĄlez Pulido

Un tema delicado y aparte es el de la parodia, a la que a través de la reconocida ley y bajo el pretexto de la defensa de la propiedad intelectual se le pone un límite de dimensiones inabarcables en la práctica debido a la vaguedad de su aplicabilidad. La poca precisión a la hora de presentar determinados preceptos legales genera problemas; si a esto le sumamos la actitud de una poco permisiva y tolerante sociedad patriarcal y puritana, estas vaguedades legales más que un problema, son un peligro.

Un peligro para la libertad de expresión, para la crítica y la protesta social. Cuando colisionan las libertades civiles contra organismos como los de la Corona o los de los principales partidos políticos, la igualdad ante la ley se convierte en un concepto ineficaz.

Si queremos que la sociedad mejore, que el Estado sea más justo y democrático, tenemos que derogar esta “ley mordaza”. Para ello es necesario realizar una reflexión más profunda para que situaciones de este tipo no se vuelvan a repetir, para que podamos avanzar de una vez y podamos contemplar una sociedad española muy diferente a la de hoy día. Porque lo que veo ahora mismo no me gusta nada.

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Texto: Alberto González Pulido

DIEGO MELLADO The amount of digital content that is generated at an overwhelming rate and the speed with which formats, devices and platforms become obsolete, place the digital cultural heritage in serious danger, as recorded in the UNESCO’s “Charter for the preservation of digital heritage”. Many of the institutions that house digital collections do not have the adequate technical resources to maintain and preserve them, especially those of small and medium format.

This year PROYECTOR envisioned in its program a day dedicated to the conservation and restoration of this type of digital works; to which I was kindly invited. From my position as producer of works of art, I can only thank them for the opportunity they gave me to share my experience and knowledge in relation to conservation and restoration or, as I prefer to call them, the maintenance and repair of this type of artistic creations.

It cannot be ignored that the “medium”, format and content of these creations have their own peculiarities and requires adequate knowledge, just like any other material. In the same way that it is not surprising that physics and chemistry professionals participate in the conservation processes of many works of art, why should not engineers also participate when these materials –software, hardware, communication equipment, digital and analog electronics, algorithms ... –have been developed by them?

During the last four years I have tried to develop a technical approach to the conservation of this type of art from an engineer’s perspective. Once again I would like to thank PROYECTOR’s team for the possibility of sharing this research and also for the opportunity of doing it side by side with Lluís Roqué specialist in Conservation and Restoration in media-art of MACBA, which allowed us to approach the session from two different, but necessarily complementary perspectives.

Text: Diego Mellado

DIEGO MELLADO La cantidad de contenido digital que se genera a un ritmo arrollador y la velocidad con la que los formatos, dispositivos y plataformas quedan obsoletos, colocan el patrimonio cultural digital en grave peligro, como queda registrado en la “Carta para la preservación del patrimonio digital” de la UNESCO. Muchas de las instituciones que albergan en sus colecciones obras digitales no cuentan con los recursos técnicos adecuados para mantenerlas y conservarlas, especialmente las de pequeño y mediano formato.

PROYECTOR contempló en su programa de este año una jornada dedicada a la conservación y restauración de este tipo de obras digitales; a la que fui amablemente invitado. Desde mi posición de productor de obras de arte no puedo más que agradecerles la oportunidad que me brindaron para compartir mi experiencia y conocimiento en relación a la conservación y la restauración o, como prefiero llamarlas, al mantenimiento y reparación de este tipo de creaciones artísticas.

No se puede obviar que el “medio”, el soporte y el contenido de estas creaciones, tiene unas peculiaridades propias y requiere de unos conocimientos adecuados al igual que cualquier otro material. Del mismo modo que no resulta sorprendente que profesionales de la física y de la química participen en los procesos de conservación de muchas obras de arte, ¿por qué no deben participar también los ingenieros, cuando estos materiales –software, hardware, equipos de comunicación, electrónica digital y analógica, algoritmos…- han sido desarrollados por ellos?

Durante los últimos cuatro años he intentado realizar una aproximación técnica a la conservación de este tipo de arte, desde la perspectiva del ingeniero. De nuevo quiero agradecer al equipo de PROYECTOR la posibilidad de compartir esta investigación y además hacerlo junto a Lluís Roqué, especialista en Conservación y Restauración en media-art del MACBA, lo que permitió abordar la jordana desde dos perspectivas diferentes pero necesariamente complementarias.

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Texto: Diego Mellado

SALA ALCALÁ 31

Javier Guerra

Alberto Gonzรกlez Pulido & Domingo Mestre

Tania Pardo

Manu Palomo & Javier Guerra

Lluis RoquĂŠ & Diego Mellado

JORGE LA FERLA VIDEO ART AND PERFORMANCE IN LATIN AMERICA For almost half a century video and performance have a significant history as an artistic practice in Latin America. From the beginning the production of independent video in the (American) continent, later called video art, there was a tendency of recording the creator’s body. This practice was established in the visual arts, expanded to photography and to the moving image –cinema, electronic image, multimedia—establishing a staging of the “self” with a performative character on the one hand, and the medium establishing eloquent expressive forms on the other.

This is how a series of notable artists have appropriated video questioning for example the female body or the social and political environment, emphasizing technology itself as a critical engine of representation. I’d like to highlight the direction marked from the beginning by the illustrious (female) directors of this (American) continent who since the 1970s have been proposing a series of works that are characterized as performative and that were conceived from, and for, the video device.

The Brazilians Leticia Parente, Anna Bella Geiger and Ligia Pape; and the successive generations that go from Pola Weiss and Sarah Minter to Ximena Cuevas in Mexico; María Teresa Hincapié in Colombia, just to mention some emblematic authors who are part of an extensive group . Marca Registrada (Register trademark) (1976) by Leticia Parente continues to be one of the foundational works, given that it concentrates conceptually performative action and the electronic image. The incisions that the director operates on her body reveal the mark of a registered product made in Brazil. The phrase in English implies a critical reading of the times of the military dictatorship, which incidentally applies to the current political and economic situation, in which military power has returned to power in Brazil, now through the ballot box. It is worth noting the single-channel specificity of these video works.

Image 1: Registered Trademark of Leticia Parente.

We distinguish performance as a stage art, with a rich history in Latin America, from the specific practice that was initially focused in a video device and the analog electronic image. While there are records of all kinds which rescue the ephemeral performance as such, they do not usually constitute the work, although they are central as its documentation. This practice, of the performances made for a video camera, usually excludes a public presentation. However, the collaboration between María Teresa Hincapié, the performance artist par excellence, and José Alejandro Restrepo remains a reference point, a turning point in the border relationship between the scenic action and the electronic image 1

We include in this list Claudia Aravena, Sara Minter and Ximena Cuevas video artists, invited to the last PROYECTOR´s editions.

JORGE LA FERLA VIDEOARTE Y PERFORMANCE EN AMÉRICA LATINA El video y la performance tienen una significativa historia desde hace casi medio siglo como práctica artística en América Latina. Desde los inicios de la producción del video independiente en el continente, luego llamada videoarte, predomina una vertiente a partir del registro del cuerpo del propio realizador. Esta saga que se instauró en la plástica y se expandió a la fotografía, luego se extendió a la imagen en movimiento –el cine, la imagen electrónica, el multimedia- estableciendo una puesta en escena del “yo” de carácter performático por un lado, y del medio mismo, instaurando elocuentes formas expresivas, por el otro. Así es como una serie de notables artistas han venido apropiándose del video cuestionando, por ejemplo, la figura del cuerpo femenino, el entorno social y político haciendo énfasis en la tecnología misma como máquina crítica de representación. Destaco un derrotero marcado desde el inicio por las ilustres realizadoras del continente quienes a partir de los años 70 vienen ofreciendo una serie de obras que se caracterizan como performáticas y que fueron concebidas desde, y para, el aparato video. Las brasileñas Leticia Parente, Anna Bella Geiger y Ligia Pape; las sucesivas generaciones que van desde Pola Weiss y Sarah Minter a Ximena Cuevas en México; María Teresa Hincapié en Colombia, por sólo mencionar algunas autoras emblemáticas que son parte de una extensa serie.1 Marca Registrada (1976) de Leticia Parente continúa siendo una de las obras fundacionales, pues concentra conceptualmente la acción performática y en el uso de la imagen electrónica. Las incisiones que opera la realizadora en su cuerpo en cuadro revelan la trama de un producto registrado, hecho en Brasil. La frase en inglés implica una lectura crítica de los tiempos de la dictadura militar, que por cierto se aplica a la actual coyuntura política y económica, en que el poder militar ha vuelto al poder en Brasil, ahora a través de las urnas. Es de notar la especificidad monocanal de estas obras en video.

Imagen 1: Marca Registrada de Leticia Parente.

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Incluimos en esta lista a Claudia Aravena, Sara Minter y Ximena Cuevas, videoartistas invitadas en pasadas ediciones de PROYECTOR.

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Diferenciamos la performance como arte escénico, de rica historia en América Latina, de la práctica específica que se concentró en un principio en el aparato video y la imagen electrónica analógica. Si bien hay registros de todo tipo, que rescatan lo efímero de las performances como tal, estos no suelen constituir obra, aunque son centrales como documentación. Este recorte, de las performances realizadas para una cámara de video, suele excluir la presentación pública. Sin embargo, sigue siendo de referencia la colaboración entre María Teresa Hincapié, la artista de performance por excelencia, con José Alejandro Restrepo, un punto de inflexión en la relación fronteriza entre la acción escénica

in Colombia. Monitors were part of the scenario around Hincapié’s movements, leaving object and image to be thought

by Restrepo as nexus and scenic extension of the artist’s body.

Image 2: Parquedades: park scenes for an actress, video and music (1987) María Teresa Hincapié and José Alejandro Restrepo.

The Catalan company La Fura dels Baus, at its best during the 1980s, made several tours of Latin America. These presentations and influence are linked to the birth of Organización Negra leaving a mark in performing arts in Buenos Aires after the return of democracy. One of their emblematic works, UORC, (1986), its process recorded by Jorge Amaolo, one of the most notable video artists of the moment, who imposed his own performance as a cameraman with the virtuoso use of his VHS pen camera during the rehearsals. The passage of time and the split of the original group gave way to Ar Detroy a group that derived from live scenic action towards private spaces operating with image and sound electronic technology.

This is how Ar Detroy is also part of the history of Argentine video being 10 hombres solos (10 men alone) (1989) , his foundational work.

Image 3. 10 single men, Ar Detroy (1991)

Oscar Muñoz is another Colombian artist with a long career who frequently operates on his own image. His work Ante la Imagen (Before the Image), 1989 is symptomatic, questioning self-portraiture beginning in photography. His reference is Joseph Cornelius, who in 1839 portrayed himself in a daguerreotype to generate a photochemical image and an introspective look in which the gesture of posing for a long time in front of the camera becomes a performative action.

Muñoz also highlights the staging of the representation device itself by accentuating the deterioration over time of the photochemical archive. Both the flesh of the artist and the technological support that holds the image lose their original consistency over time.

Image 4. Before the image, Oscar Muñoz (1989)

This is how the convergence between performance and video would take this relationship to the extreme in the staging of a “Self” in the solitude of a studio, in an urban landscape or in nature. The Chilean Juan Downey, worked within these crossings in a visionary way, involving his body and voice in the same documentary genre.

Laughing Alligator (1979), made with a Yanomami community of the Orinoco in Venezuela, breaks with the classic line of the anthropological observatory to structure itself as a self-portrait that questions his body and his situation as a The Black Organization. Urban performances run between the avant-garde and the spectacle; Malala González, Interzona, Buenos Aires, 2015.

Charly Nijensohn, continued his initiation passage that begun at the Black Organzation to Ar Detroy individually from Berlin. The relationship between video and performance connects digital video image with characters in the midst of Latin America’s natural landscapes; maintaining intact the instant captured by the camera, the actors in the frame, and the nature of the region as a scenario. Still, changes the exhibition device leaving behind single-channel pieces to move into installation definitively.

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y la imagen electrónica en Colombia. Los monitores estaban en escena, en el entorno del movimiento de Hincapié, quedando el objeto y la imagen pensadas por Restrepo como nexo y extensión escénica del cuerpo de la artista.

Señalamos como obra referente de esta reunión cumbre Parquedades (1987). A lo largo de las últimas tres décadas Restrepo continúa operando con la performance, ya sea en acciones escénicas como en sus combinatorias, con el video monocanal, las instalaciones, la producción editorial, como por ejemplo en Variaciones sobre el purgatorio (2011).

Imagen 2: Parquedades: escenas de parque para una actriz, video y música (1987) María Teresa Hincapié y José Alejandro Restrepo.

La troupe catalana La Fura dels Baus, en su mejor momento durante la década del 80, realiza varias giras por América Latina. De esas presentaciones, e influencia, se vincula el nacimiento de la Organización Negra 2 que marcaría las artes escénicas en Buenos Aires a partir del retorno de la democracia. Una de sus obras emblemáticas, UORC (1986), es registrada en su proceso por Jorge Amaolo, uno de los videoartistas más notables del momento, quien impuso su propia performance como camarógrafo en el uso de su virtuosa cámara lapicera VHS durante los ensayos. Con el paso del tiempo y de la escisión del grupo original, nacía Ar Detroy, grupo que iría derivando de aquella acción escénica en vivo hacia espacios privados operando con la tecnología electrónica de la imagen y el sonido. Así es como Ar Detroy forma también parte de la historia del video argentino siendo 10 hombres solos (1989),3 su obra fundacional.

Imagen 3. 10 hombres solos, Ar Detroy (1991)

Oscar Muñoz es otro artista colombiano de larga trayectoria que opera con frecuencia sobre su propia imagen. Es sintomática su obra Ante la Imagen (1989), pues resalta la cuestión del autorretrato que se inicia en la fotografía. Su referencia es Joseph Cornelius, quien en 1839 se retrata en un daguerrotipo generando una imagen fotoquímica y una mirada introspectiva en la que el mismo gesto de posar largo tiempo frente a la cámara, se convierte en acción performática. Muñoz asimismo resalta la escenificación en el propio dispositivo de representación acentuando el deterioro en el tiempo del archivo fotoquímico. Tanto la carne del artista como el soporte tecnológico que detenta la imagen pierden con el tiempo su consistencia original.

Imagen 4. Ante la imagen, Oscar Muñoz (1989)

Así es como la confluencia entre performance y video llevaría al extremo esta relación en la puesta en escena de un “yo” en la soledad de un estudio, en un paisaje urbano o en medio de la naturaleza. El chileno Juan Downey trabajó visionariamente entre estos cruces al implicar su cuerpo y voz en el mismo género documental. Laughing Alligator (1979), realizado en Venezuela con una comunidad Yanomami del Orinoco, rompe con la línea clásica de lo observacional antropológico La organización negra. Performances urbanas entre la vanguardia y el espectáculo; Malala González, Interzona, Buenos Aires, 2015.

«Charly Nijensohn, continúa su paso iniciático por la Organización Negra, luego por Ar Detroy y actualmente en forma individual. Aquel vínculo entre video y perfomance, se concentra en el video digital siempre con personajes en medio de paisajes naturales de América Latina. Así mantiene intacto la instancia de captura de cámara, los actores en cuadro, y la naturaleza de la región como escenario. Cambia sin embargo el dispositivo de exhibición pasando definitivamente a la instalación».

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New York artist turned into a character in front of the camera alongside the members of the community.

We should mention the presence in PROYECTOR of a Downey contemporary, Gary Hill, whose video Incidence of Catastrophe (1987/88) is an anthological self-portrait, in which Hill’s body is the epicenter, product of his exposure to performatic situations in front of the camera of video.

It was the Mexican Ulises Carrión who placed his work in this confluence of combined arts in which performance infiltrates in through the different media, supports and devices.

The Death of the Art Dealer (1982) is an emblematic case, since it summarizes a part of this story in which Carrión films his movements on stage, with a black and white monitor in hand containing the images of a Hollywood film . The video montage summarizes scenes from the film, in which there are frame movements or lens changes from where Carrión moves physically, monitor in hand, in direct relation to the camera movements.

Imagen 5. The Death of the Art Dealer, Ulises Carrión. 1982.

This brief overview aims to give an account of a direction in video and performance in Latin America originating at the round table5 that took place in Madrid as part of the XI edition of PROYECTOR. One event, in a decade where video art’s political demand face the remarkable deletion of an artistic practice that marked the history of the visual arts in the 20th century. The eloquent absence of video in the programming of the institutions that promoted it at the time emphasizes the importance of PROYECTOR pointing out a conceptual and ideological faction different from the institutional fashions around art. Although video was state policy in several European countries thirty years ago, it is no longer the case today when the entelechy of contemporary art is still defining itself with respect to the technological arts and the way of locating them within the gallery framework, teaching and the museum. This is how PROYECTOR maintains the parameters that make video a sublime image.6 Text: JLF/XI 1

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The Reckeless Moment (Almas desnudas), Max Ophüls, USA, 1949, “Videoart and Performance in Latin America”, coordination: Idoia Hormaza, Instituto Cervantes, Madrid, 21.9.2018 The sublime image. Video of creation in Spain 1970/1987, Manuel Palacio, MNARS, Madrid, 1988.

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para estructurarse como un autorretrato que cuestiona el cuerpo y su situación de artista neoyorkino convertido en un personaje frente a la cámara junto a los miembros de la comunidad. De hecho, se destaca la presencia en PROYECTOR de un contemporáneo de Downey, Gary Hill, cuyo video Incidence of Catastrophe (1987/88) es un autorretrato antológico cuyo epicentro es el cuerpo de Hill a partir de su exposición en situaciones límites performáticas frente a la cámara de video. Y fue el mexicano Ulises Carrión quien situó su obra en esta confluencia de artes combinadas en que la performance se filtra por los diversos medios, soportes y dispositivos. The Death of the Art Dealer (1982) es un caso emblemático, pues resume una parte de esta historia en la que Carrión filma sus desplazamientos en un escenario, con un monitor blanco y negro en mano que contiene las imágenes de un film de Hollywood.4 El montaje en video resume escenas de la película, en la que hay movimientos del cuadro o cambios de lentes a partir de los cuales Carrión se desplaza físicamente con el monitor en mano, en relación directa con esos movimientos de cámara.

Imagen 5. The Death of the Art Dealer, Ulises Carrión. 1982.

Este breve panorama pretende dar cuenta de un derrotero del video y la performance en América Latina a partir de la mesa5 que tuvo lugar en Madrid como parte de la la XI edición de PROYECTOR. Un evento más de una década cuya reivindicación política del videoarte hace frente al notable borramiento de una práctica artística que marcó la historia de las artes visuales del siglo XX. La elocuente ausencia del video en la programación de las instituciones que en su momento lo promovieron, acentúa la importancia de PROYECTOR señalando un partido conceptual e ideológico diverso a las modas institucionales alrededor del arte. Si bien el video fue política de estado en varios países europeos hace treinta años, ya no es el caso en un presente en el que la entelequia del arte contemporáneo no termina de definirse con respecto a las artes tecnológicas y la manera de ubicarlas en el marco de la galería, la enseñanza y el museo. Así es como PROYECTOR mantiene vigentes los parámetros que hacen del video una imagen sublime.6 Texto: JLF/XI 2

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Ver Historia Crítica del Video Argentino. Jorge La Ferla, EFT/MALBA, Buenos Aires, 2008. Disponible en: https://www.academia.edu 4 The Reckeless Moment (Almas desnudas), Max Ophüls, USA, 1949, 5 “Videoarte y Performance en América Latina”, coordinación: Idoia Hormaza, Instituto Cervantes, Madrid, 21.9.2018 6 La imagen sublime. Video de creación en España 1970/1987, Manuel Palacio, MNARS, Madrid, 1988.

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INSTITUTO CERVANTES

Jorge La Ferla

Ana Longoni

Idoia Hormaza

Alfredo Hertzog

Pancho Lรณpez

ARTISTS Fernando Baena (spa), Rubén Martín de Lucas (spa), Ricard Carbonell i Saurí (spa), Juan Carlos Bracho (spa), Elena Córdoba (spa) & Julieta Caputo (arg).

Facilitator: Juan García, Intercambiador ACART

ENCUENTROS DE ARTISTAS / ARTISTS MEETINGS

ARTISTAS Fernando Baena (esp), Rubén Martín de Lucas (esp), Ricard Carbonell i Saurí (esp), Juan Carlos Bracho (esp), Elena Córdoba (esp) y Julieta Caputo (arg).

Modera: Juan García, Intercambiador ACART

ELENA CÓRDOBA

RUBÉN MARTÍN DE LUCAS

What changes does not die; it became a turning point in our working process on the aging of matter. PROYECTOR delivered to us Ada Salas, David Benito and me, 21 empty toilets in the old Tabacalera. We had a unique working format: 21 small oceans, 21 landscapes or mirrors in which to write a poem about the passage of time; a poem we could get our hands into.

Minimal Republics is a set of actions in the landscape that respond to a performative exercise: 1. Appropriating 100m2 of land 2. Draw a border 3. Inhabit it

It happens what does not in the creases of time.

The horizon (always liar) became palpable in those wash bins, it spread in waves, it could be touched. Appearance and disappearance followed in an interval that brought them closer, almost equal. The tinted water of the sinks emitted the images as if they had always been there.

If you do not breathe what And if you breathe How PROYECTOR was the possibility of building a fiction, an unreal space in which, nevertheless, we could still get our skin wet.

The results are “ephemeral microstates” such a circle of plaster in a fallow land, a triangle delimited by wood slats that float on a huge reservoir inhabited with the help of a life raft, a square in a parking lot delimited with traffic cones, etc ... Republics whose limit always respond to an artificial criteria such geometry, with a duration never exceeding 24 hours and in which the only inhabitant is the artist himself.

These are ridiculous and absurd states, where documentation in the form of aerial photography becomes a set of works as simple in the aesthetic as deep in their meaning. These are poetic and visually effective gestures where their simplicity and irony invite us to reflect on the artificial and ephemeral nature of every frontier.

Minimal Republics belongs to “STUPID BORDERS”, a set of conceptual projects that questions the idea of “nation” and points at the strange feeling of possession that man exerts towards the Earth, an entity which transcends us in age.

RUBÉN MARTÍN DE LUCAS

Lo que muda no muere se volvió un punto de inflexión en nuestro proceso de trabajo sobre el envejecimiento de la materia. PROYECTOR nos entregaba a Ada Salas, David Benito y a mí, 21 lavabos vacíos de la antigua Tabacalera.

Teníamos delante un soporte único: 21 pequeños mares, 21 paisajes o espejos en los que escribir un poema sobre el paso del tiempo. Un poema en el que podríamos meter las manos.

Repúblicas Mínimas es un conjunto de acciones en el paisaje que responden a un ejercicio performativo: 1. Apropiarse de 100m2 2. Dibujar una frontera 3. Habitarla

Sucede lo que no en los pliegues del tiempo.

El horizonte (siempre mentiroso) se hacía palpable en esos lavabos, se propagaba en ondas, se podía tocar. La aparición y la desaparición se sucedían en un intervalo que las hacía próximas, casi iguales. El agua tintada de los lavabos emitía las imágenes como si siempre hubieran estado allí.

Si no respiras qué Y si respiras cómo PROYECTOR fue la posibilidad de construir una ficción, un espacio irreal en el que, sin embargo, podíamos mojarnos la piel.

El resultado es una serie de “microestados efímeros”: un círculo de yeso en un terreno en barbecho, un triángulo de listones de madera flotando en un embalse con una balsa salvavidas en su interior, un cuadrado delimitado por conos de tráfico en medio de un enorme parking, etc. Repúblicas como acción performativa tiene como límite un criterio artificial, la geometría, una duración no superior a las 24 horas y un único habitante: el propio artista.

Estados ridículos y absurdos, documentados con fotografías aéreas a través de las que se convierte en un conjunto de obras tan sencillas estéticamente, como profundas en su significado. Gestos poéticos cuya simplicidad e ironía nos invitan a reflexionar sobre la naturaleza artificial y efímera de toda frontera.

Repúblicas Mínimas pertenece a la serie “STUPID BORDERS”. Un conjunto de proyectos conceptuales que cuestiona la idea de la “nación” y señala el extraño sentimiento de posesión que la humanidad ejerce materialmente sobre la tierra; lugar que nos supera, en mucho, con su tiempo de existencia.

ENCUENTRO DE ARTISTAS / ARTIST´S MEETING

ELENA CÓRDOBA

JUAN CARLOS BRACHO

FERNANDO BAENA

A mirror is defined by the dictionary as “a polished surface that shows images by reflection”. A mirror is the ultimate spaceless place -also lacking density- that nonetheless has room for everything, up to infinity; a threshold between the real, imaginary and symbolic that absorbs and condenses all that surrounds it. And, what is an image? “1. An image is the visible appearance of a person or thing produced by certain optical phenomena / 2. the likeness of an object on a mirror, screen or similar.”

Imitation of life is the title of a full-scale film comprising one long continuous take of a simple and obsessive action: the erasure with a chemical reagent liquid and water of the silver reflective layer of a large mirror placed in the midst of a garden. The chemical reagent liquid used by the artist -applied with a fumigator that sprays the liquid and dissolves the image- transforms the mirror into a see-through piece of glass.

A simple and powerful action that reveals before us what is hidden behind that specular barrier. These long sequence shots result in a narration without climax, in which the action and importance of the story is diluted by granting the image an entirely aesthetic dimension. Definitely this project explores the most intimate meaning of the idea of landscape -a synergetic element in continuous flux- and the mirror as a surface that reflects what it does not own. A reflection on what we perceive, about the screen and the images it projects, increasingly ethereal, intangible and devoid of meaning.

Video of desire arose in a village where I had been invited to perform an intervention. I recorded the faces of its inhabitants formulating a desire for half a minute. Years later, in the context of an artistic workshop in Lavapiés, I repeated the ritual because it became clear to me that the inhabitants of the houses were waiting for the video to serve to improve their living conditions. The camera was operating magically as a wishing well and the recording had become a symbolic action.

During the action repeated in PROYECTOR 18 recording and exhibition were simultaneous. On another screen, adjacent to the one that showed the development of the recording, the images recorded more than fifteen years ago were projected. A screen showed the present and the other the past, and both the same, something that was repeated with slight variations: people who, as they wished, appeared innocent as children. Participants swelled a set of different subjects in the same way, in a mental and bodily process that identified them as belonging to the human group. But not as mass, since desire, like dreams, individualizes us. The current series of wishes was inscribed in a story. In it, the dialectical movement between exhibition and ritual seemed to settle in an intermediate place.

FERNANDO BAENA

Un espejo, dice la enciclopedia, es «Una superficie brillante en la que se reflejan las imágenes». Un lugar sin espacio por excelencia, ni densidad, donde sin embargo tiene cabida todo, hasta lo infinito; umbral entre lo real, lo imaginario y lo simbólico. Y, ¿qué es una imagen?...

«1. Apariencia visible de una persona o cosa por efecto de ciertos fenómenos de óptica / 2. Reproducción de la figura de un objeto sobre un espejo, pantalla, etc...».

Vídeo del deseo surgió en un pueblecito donde me ha bían invitado a realizar una intervención. Grabé las caras de sus habitantes formulando un deseo durante medio minuto. Años después, en el contexto de unas jornadas artísticas en Lavapiés, repetí el ritual porque se me hizo evidente que los habitantes de las infraviviendas esperaban que el vídeo sirviera para conseguir una mejora de sus condiciones de vida. La cámara estaba funcionando mágicamente como un pozo de los deseos y la grabación se había convertido en una acción simbólica.

Imitación a la vida es una videoperformance registrada en tiempo real y editada en un solo plano secuencia: el borrado del alumbre de un espejo de gran formato situado en un jardín. El disolvente químico utilizado por el artista -aplicado con una minervilla que al pulverizar el líquido funde y disuelve la capa del ion de plata y su reflejo- convierte ese espejo en un simple cristal, revelándonos lo oculto a primera vista. El resultado final de este superplano secuencia es una narración sin clímax, en la que el peso del relato y la acción se diluyen otorgando a la imagen una dimensión plástica total. Este proyecto es, en definitiva, una propuesta que profundiza sobre el sentido más íntimo de la idea del paisaje -un elemento sinérgico en continuo cambio y metamorfosis- y sobre el espejo como superficie que refleja lo que no le pertenece. Una reflexión sobre lo que percibimos, sobre la pantalla y las imágenes que éstas emiten sin cesar, cada vez mas etéreas, intangibles y carentes de sentido.

Durante la acción repetida en PROYECTOR 18 grabación y exposición fueron simultáneos. En otra pantalla, adyacente a la que mostraba el desarrollo de la grabación, se proyectaban aquellas imágenes grabadas hacía más de quince años. Una pantalla mostraba el presente y otra el pasado, y ambas lo mismo, algo que se repetía con ligeras variaciones: personas que, en el acto de desear, aparecían inocentes como niños. Los participantes engrosaban un conjunto de sujetos diferentes unidos en una misma forma, en un proceso mental y corporal que les identificaba como pertenecientes al grupo humano. Pero no como una masa, ya que el deseo, como el sueño, nos individualiza.

La actual serie de deseos se inscribía en una historia. En ella, el movimiento dialéctico entre lo expositivo y lo ritual parecía aquietarse en un lugar intermedio.

ENCUENTRO DE ARTISTAS / ARTIST´S MEETING

JUAN CARLOS BRACHO

RICARD CARBONEL I SAURÍ

JULIETA CAPUTO

Patarei Prison was an improvised project. Visiting some friends in Tallinn (Estonia) I was recommended a visit to this historic prison, which could still be accessed at the time.

The previous night, watching some photographs of the place, I thought about the idea of joining the static rooms with some mobile element. To show the continuity of these rooms, without losing interest, it occurred to me to introduce a tennis ball.

“I bought a pack of four balls, on a Sunday in a freeway store.

All four come out indistinctly in the video, but they were lost during the recording. Only one could escape from prison. “ “The general idea was to establish an ironic dialogue between a playful and external element (tennis) and the interior of the prison, where many political prisoners were tortured and sentenced to death. I wanted it to look like the ball was trying to escape, unsuccessfully, from jail. “ “Patarei is the result of a performance: the act of throwing –more or less aggressively—over and over a tennis ball against the walls of a prison. It is an act of protest, given this is a political prison, both Nazi and communist. At times it was uncomfortable to throw the ball against the walls of such a sensitive place. “ «I did not get or ask for permission, which generated an added suspense to the irreverent act. I spent about four hours in this prison. “ The Patarei prison is closed today, waiting to be converted into a hotel or a museum ...

Leal –or the desairology of audiovisual art—is a video installation that explores lethargy in the face of inexorable temporal evolution. Starting from the formal resources of the audiovisual language and those provided by installation practices, a state of mind is suggested closely linked to sordidness.

In various ways the work unfolds games of suspension and repetition of temporality that make up a limbo, a dense and unescapable instance in which the protagonist is immersed. Thus, one of the key elements of the piece becomes evident: the imminence that something will happen, although, in the end, it never does.

The realization of this work is for us marked by the search for honesty. What kind of images do we want to build? For whom do we make these images? How much do we leave of ourselves in them?

Julieta Caputo / Guadalupe Sierra

JULIETA CAPUTO

Patarei Prison fue un proyecto improvisado. Visitando a unos amigos en Tallin (Estonia) me recomendaron la visita a esta histórica cárcel. La noche anterior, visionando algunas fotografías del lugar, pensé en la idea de unir las estancias estáticas con algún elemento móvil, se me ocurrió introducir una pelota de tenis.

Leal - o la tanatopraxia del arte audiovisual - es una videoinstalación que indaga sobre el letargo ante un devenir temporal inexorable. A partir de los recursos formales del lenguaje audiovisual, como desde aquéllos que las prácticas instalativas aportan, se sugiere un estado de ánimo vinculado estrechamente con la sordidez.

«Compré un pack de cuatro pelotas, un domingo en una tienda de autopista. Las cuatro salen indistintamente en el vídeo, pero fueron perdiéndose durante la grabación. Sólo una pudo escaparse de la cárcel».

«La idea general era la de establecer un diálogo irónico entre un elemento lúdico y exterior (tenis) y el interior de la cárcel, donde muchos prisioneros políticos eran torturados y sentenciados a muerte. Quería que pareciera que la pelota intentaba escapar, sin éxito, de la cárcel».

«Patarei es el resultado de una performance: el acto de lanzar –de manera más o menos agresiva- una y otra vez una pelota de tenis contra las paredes de una prisión. Es un acto reivindicativo, por tratarse de una cárcel política, tanto nazi como comunista. Por momentos fue incómodo lanzar la pelota contra las paredes de un lugar tan sensible».

«No obtuve ni pedí ningún permiso, lo que generó un añadido de suspense al acto irreverente».

La cárcel está cerrada hoy en día, a la espera de reconvertirse en un hotel o en un museo...

La obra despliega de diversas maneras juegos de suspensión y repetición de temporalidad que configuran el limbo, una instancia densa y sin salida en la que se encuentra inmersa la protagonista. De este modo, se hace evidente uno de los elementos claves de la pieza: la inminencia de que algo sucederá, aunque, a fin de cuentas, nunca sucede.

La realización de esta obra está para nosotras signada por la búsqueda de la honestidad. ¿Qué tipo de imágenes queremos construir? ¿ Para quiénes hacemos estas imágenes? ¿Cuánto dejamos de nosotras en ellas?

Julieta Caputo / Guadalupe Sierra

ENCUENTRO DE ARTISTAS / ARTIST´S MEETING

RICARD CARBONEL I SAURÍ

QUINTA DEL SORDO

Fernando Baena, Julieta Caputo, Juan Carlos Bracho & Ricard Carbonel I SaurĂ­

COMISARIADOS / CURATORIAL PROJECTS

Different curatorial projects of festivals of international relevance are shown that are part of the PROYECTOR NETWORK and collaborate with the Festival through the exchange of contents: BANG! (spa), Collogne Off (ger), FONLAD (por), Fuso (por), Interference (neth), LE QUBE - independent art room (mar), Inshadow (por), Okular (mex), Oodaaq (fra), PLAY (arg), Umallikuy (col), VideoBabel (per), VideoBardo (arg), VAFA - Video Art For All (mac), VisualContainer (ita).

This year we will show the curatorial projectsof: ScreenCity (nor) + InShadow (por) + FONLAD (por) + EJECT - Festival Internacional de Videoperformance (mex)

Se muestran distintos comisariados de festivales de relevancia internacional que forman parte de la RED PROYECTOR y colaboran con el Festival a través del intercambio de contenidos: BANG! (esp), Collogne Off (ale), FONLAD (por), Fuso (por), Interference (hol), LE QUBE - independent art room (mar), Inshadow (por), Okular (méx), Oodaaq (fra), PLAY (arg), Umallikuy (col), VideoBabel (per), VideoBardo (arg), VAFA - Video Art For All (mac), VisualContainer (ita).

Para este año mostraremos los comisariados de: ScreenCity (nor) + InShadow (por) + FONLAD (por) + EJECT - Festival Internacional de Videoperformance (méx)

SCREENCITY (NOR) Screen City Biennial (SCB) in Stavanger, the first Nordic Biennial dedicated to the expanded moving image in public space, presents artworks that explore the relation between the moving image, sound, technology and public space.

The architectures of the Norwegian port city Stavanger facilitates an exhibition of the expanded moving image in three-dimensional, multisensual and tactile experiences, together with screening programs and gallery installations.

The last edition took place 12-31st October 2017.

Entitled Migrating Stories, the 2017 Biennial took contemporary conditions of movement as a point of departure and thematic framework for examining the complex forms of transition today. The Biennial presented expanded moving image artworks from a broad international range of artists dealing with current complexities relating to migration – artworks that reflect upon journeys, diasporas and post-colonialism, transformation of place, and ‘alien’ realities. Hailing from several different countries across the globe, the artists’ practices also addressed topics surrounding a postoil future and, migration in relation to climate change. The program presented over 30 artists, curated by Daniela Arriado and Tanya Toft Ag. During 2018, a selection of the 2017 SCB program was organized and organized by festivals, institutions and public spaces in Europe, South America, North America and Asia. The tour will act in parallel with the Screen City Research Program, which includes the SCB Journal, public talks and a series of conferences in collaboration with the Urban Media Art Academy (UMAA), a global educational initiative that investigates and intermediate the art of urban media. as an interdisciplinary domain of practice, theory and knowledge exchange.

We were accompanied by the curator Daniela Arriado.

ARTISTS: Enrique Ramírez, Marcel Odenbach, Shezad Dawood, Margarida Paiva & HC Gilje

SCREENCITY (NOR) Screen City Biennial (SCB) en Stavanger, la primera Bienal nórdica dedicada a la imagen en movimiento expandida en espacio público, presenta obras de arte que exploran la relación entre la imagen en movimiento, el sonido, la tecnología y el espacio público. Las arquitecturas de la ciudad portuaria noruega Stavanger facilitan una exposición de obras, junto con programas de proyección e instalaciones de galería. La última edición se presentó del 12 al 31 de octubre de 2017.

Durante 2018, una selección del programa SCB 2017 recorrió y fue organizada por festivales, instituciones y espacios públicos, en Europa, América del Sur, América del Norte y Asia. La gira actuará en paralelo con el Screen City Research Program (Programa de Investigación de la Bienal), que incluye el SCB Journal, charlas públicas y una serie de conferencias en colaboración con Urban Media Art Academy (UMAA), una iniciativa educativa global que investiga e intermedia el arte de medios urbanos. como un dominio interdisciplinario de la práctica, la teoría y el intercambio de conocimientos.

Nos acompañó la comisaria Daniela Arriado.

ARTISTAS: Enrique Ramírez, Marcel Odenbach, Shezad Dawood, Margarida Paiva y HC Gilje

COMISARIADOS / CURATORIAL PROJECTS

Titulada Migrating Stories, la Bienal de 2017 tomó las condiciones contemporáneas de movimiento como punto de partida y marco temático para examinar las complejas formas de transición actuales. La Bienal presentó obras de arte con imágenes en movimiento expandidas de una amplia lista de artistas internacionales que exploran las complejidades actuales relacionadas con la migración: obras de arte que reflejan viajes, diásporas y post colonialismo, transformación del lugar y realidades “alienadas”. Las prácticas de los artistas también abordaron temas relacionados con un futuro posterior al petróleo y la migración en relación con el cambio climático. El programa presentó más de 30 artistas, comisariados por Daniela Arriado y Tanya Toft Ag.

EJECT (MEX) The Mexico City Videoperformance International Festival EJECT, directed by the artist and cultural promoter Pancho López, began in 2006 and was held on five occasions at Ex Teresa Arte Actual and the Alameda Art Laboratory, recognized in Mexican cultural spaces. It is a festival that seeks to dialogue with videoperformance works, that is, actions carried out professionally for the camera that go beyond mere records or documentation of work.

The videoperformance is a hybrid resulting from the crossing of two artistic proposals: the video - which has its own languages and resources - and the performance or art-action - whose language is ephemeral - very loaded with experimentation and subjectivity.

This festival has been a platform for the promotion of video game artists that focus on the body, with various dialogues, which is why young managers are constantly invited to carry out new curatorial projects that update and generate readings of their archives.

This eight-piece selection, exclusive to the 2018 PROYECTOR Festival, responds to anxiety about showing a facet of the world of Latin American video art, whose production is characterized by being a constant translator of its local context and its complex sociopolitical realities where the body is the main character.

We were accompanied by the curator Pancho López ARTISTS: María Eugenia Chellet (méx), Diego de los Campos (uru), Julián Higuerey (ven), Amapola Prada (per), Ivonne Navas Domínguez (col), Mónica Dower (méx), Alexia Miranda (el sal) & Ximena Cuevas (mex)

EJECT (MÉX) El Festival Internacional de Videoperformance de la Ciudad de México EJECT, dirigido por el artista y promotor cultural Pancho López, comenzó en 2006 y se realizó en cinco ocasiones en Ex Teresa Arte Actual y el Laboratorio Arte Alameda, reconocidos espacios culturales mexicanos. Es un festival que busca dialogar con obras de videoperformance, es decir, acciones realizadas ex profeso para la cámara que van más allá de simples registros o documentación de obra.

El videoperformance es un híbrido resultante de la cruza de dos propuestas artísticas: el video –que cuenta con sus propios lenguajes y recursos– y el performance o arte-acción –cuyo lenguaje es efímero– muy cargado de experimentación y subjetividad.

Esta selección de ocho piezas, exclusiva para el Festival PROYECTOR 2018, responde a una inquietud por mostrar una faceta del mundo del videoarte latinoamericano, cuya producción se caracteriza por ser un constante traductor de su contexto local y sus complejas realidades sociopolíticas donde el cuerpo es el protagonista.

Nos acompañó el director Pancho López ARTISTAS: María Eugenia Chellet (méx), Diego de los Campos (uru), Julián Higuerey (ven), Amapola Prada (per), Ivonne Navas Domínguez (col), Mónica Dower (méx), Alexia Miranda (el sal) y Ximena Cuevas (méx)

COMISARIADOS / CURATORIAL PROJECTS

Este festival ha sido una plataforma para impulsar artistas del videoarte que se enfocan al cuerpo, con diversos discursos que dialogan entre sí, por ello constantemente se invita a jóvenes gestores a realizar nuevos proyectos curatoriales que actualizan y generan lecturas de su archivo.

INSHADOW (POR) InShadow - Lisbon ScreenDance Festival is an innovative Vo’Arte initiative held annually in Lisbon, Portugal. This year is the 10th edition.

InShadow is a reference in the territory of transdisciplinary contemporary creation, emphasizing the convergence between image and body, as well as processes of artistic creation based on technology. The festival explores interdisciplinary atmospheres through reflection on aesthetic solutions and techniques of body representation on the screen, on the stage and in other spaces of action.

InShadow reflects on the vitality of an open dialogue in meetings with artists of renowned experience to contrast with the visions of emerging creators, where genres and languages intersect in videos, shows, performances, installations and exhibitions.

InShadow, the body imagined in the shadow.

We were accompanied by the curators Ana Rita Barata and Pedro Sena Nunes.

ARTISTS: Boris Seewald, Adi Halfin, Boudewijn Koole, Michiel Vaanhold, Pablo Diconca, Antti Ahokoivu y Valeria Lo Meo & Michele Manzini

INSHADOW (POR) InShadow – Lisbon ScreenDance Festival es una iniciativa innovadora de Vo´Arte realizada anualmente en Lisboa, Portugal. Este año celebra su 10ª edición.

InShadow es una referencia en el territorio de la creación contemporánea transdisciplinaria, destacando la convergencia entre la imagen y el cuerpo, así como procesos de creación artística basados en la tecnología. Explora atmósferas interdisciplinarias a través de la reflexión sobre soluciones estéticas y técnicas de representación del cuerpo en la pantalla, en el escenario y en otros espacios de actuación.

InShadow reflexiona sobre la vitalidad de un diálogo abierto por el encuentro de la experiencia de artistas consagrados con las visiones de creadores emergentes, donde géneros y lenguajes se cruzan en vídeos, espectáculos, performances, instalaciones y exposiciones.

Nos acompañaron los directores Ana Rita Barata y Pedro Sena Nunes.

ARTISTAS: Boris Seewald, Adi Halfin, Boudewijn Koole, Michiel Vaanhold, Pablo Diconca, Antti Ahokoivu y Valeria Lo Meo y Michele Manzini

COMISARIADOS / CURATORIAL PROJECTS

InShadow, el cuerpo se imagina en la sombra.

FONLAD (POR) The Fonlad Festival is organized by the Videolab Project, its main objective is the promotion and dissemination of multimedia arts, video art and performance.

Created in 2005, the festival has promoted more than 1000 works by artists from all over the world, through video shows, performance and contemporary dance, installations, workshops and artistic residences.

Fonlad Collaborates with some of the best video-gaming festivals in Europe, such as Magmart (ita), Miden (gree), Cologne OFF (ger) and PROYECTOR (spa) among others.

Curators: José Vieira & Sérgio Gomes.

ARTISTS: Daz Disley (ing), Márcia Beatriz Granero (bra), Carlos Sedeno (por), Michele Manzini (ita) y Tânia Moreira David (por)

FONLAD (POR) El Festival FONLAD está organizado por el proyecto Videolab, teniendo como principal objetivo la promoción y divulgación de las artes multimedia, del videoarte y de la performance.

Creado en 2005, el festival ha promocionado más de 1000 obras de artistas de todo el mundo.

Colabora con algunos de los mejores festivales de videoarte de Europa, como Magmart (ita), Miden (gre), Cologne OFF (alem) y PROYECTOR (esp), entre otros.

Comisariado de José Vieira y Sérgio Gomes.

COMISARIADOS / CURATORIAL PROJECTS

ARTISTAS: Daz Disley (ing), Márcia Beatriz Granero (bra), Carlos Sedeno (por), Michele Manzini (ita) y Tânia Moreira David (por)

SALA EL ÁGUILA

Mario GutiĂŠrrez Cru

Pedro Sena Nunes

Daniela Arriado

PATROCINIO / SPONSORSHIP

ORGANIZA / ORGANIZATION KREÆ [ Instituto Creación Contemporánea] APOYAN / SUPPORT Comunidad de Madrid, Ministerio de Cultura y Deporte, Ayto. Madrid & CNP Partners COLABORAN / COLLABORATION Instituto Cervantes, Casa de América, Instante Fundación, Embajada de Portugal en España, Instituto Camões y Cultura Portugal, Medialab Prado, Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica & Cultural de Taipei & Double Square Gallery PATROCINAN EN ESPECIE / SPONSORSHIP IN KIND Casio, NIIO, Hotel The Principal, Vinos Pago de Cirsus, PanArte, Espacio Menosuno, Delicias de Yoli & El Bosque Rojo GRACIAS / THANKS Galería Ángeles Baños, OCA, City of Stavanger, Music & Dealers, Sala El Sol, la neuronera (*), Arternativ, Entresijos, Intercambiador ACART, Menosuno & Josefa de la Roca