La fotografia s'industria - Photography meets industry | 2009-2010

PHOTOGRAPHY MEETS INDUSTRY

2009-2010

LA FOTOGRAFIA S‘INDUSTRIA

LA FOTOGRAFIA S‘INDUSTRIA

PHOTOGRAPHY MEETS INDUSTRY

Mostra/Exhibition BOLOGNA Pinacoteca Nazionale 30 settembre – 2 novembre 2010 September 30th – November 2nd 2010 Ufficio Stampa / Press Office

G.D Corporate Communication Coordinamento e organizzazione a cura di/ Organization and coordination

G.D Corporate Communication Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici per la provincia di Bologna

Catalogo/Catalogue A cura di / Edited by

Giovanna Calvenzi

Progetto espositivo e coordinamento lavori/ Exhibit project and works coordination

Damiani editore info@damianieditore.it www.damianieditore.com

Testi / Texts

© Damiani 2010 © gli autori per i testi / the authors for the texts © gli artisti per le opere / the artists for the works

(SBSAE) Silvia Gaiba, con la collaborazione di Sonia Baldazzi Luigi Ficacci, Giovanna Calvenzi, Frits Gierstberg, Nathalie Giraudeau, Greg Hobson, Isabella Seràgnoli, Roberta Valtorta

ISBN 978 88 6208 152 8

LA FOTOGRAFIA S‘INDUSTRIA PHOTOGRAPHY MEETS INDUSTRY

A Museum Centre for Avant-garde Art and Technology

Un Centro Museale come avanguardia tecnologica e artistica

In coherence with its policy of support for cultural and social activities, G.D has organized the second edition of the GD4PhotoArt contest of industrial photography. The contest is part of a multifaceted promotion program that aims at bringing the inhabitants of Bologna, and others, closer to the world of industrial photography. An area dedicated to this unique form of art will be offered in the new museum system that is currently under construction next to the company’s premises. The primary focus of G.D’s Corporate Giving activities is on developing strategic initiatives which contribute to social well being.

To achieve this and other common goals G.D has reached a partnership agreement with the Isabella Seràgnoli Foundation. The promotion of young artist photographers creates a synergy between art system, enterprises and non-profit organizations. The visual representation of the value of industrial labour through photography, which as Roland Barthes says, “fills the sight by force”, is one of the main targets of the future museum system; showing the evolution of human labour in portraits, photos of buildings, factories and landscapes is the founding idea of the project. The museum aims to be a pragmatic example, both educational and formative, of the world of labour in the twentieth century from post-war reconstruction to the present day, concentrating on the vital force of a production of photographs in constant development. In the museum that will be ready by 2012, the G.D Company will tell the story of its technological patrimony, providing evidence of the evolution of their productive procedures and the automatic machinery used for packaging. This will be done through the use of virtual reality and multimedia interactive systems. Avant-garde museology and museography will allow the public to participate in the processes of production, innovation, entrepreneurship and corporate development. Modern teaching methods and didactic materials will be used for this. Industrial photography in a company museum context aims to document the changes that have taken place in the working environment: the G.D historical patrimony will play an important part in this documentation. Thus industry will assume the role of an active subject who can be the link between the past seen through the eye of a camera – which provides evidence that the fatigue of work can become art in a beautiful photograph – and a future of intellectual and manual work where tékne and innovation are the “art” of enterprise and making machines.

In coerenza con la propria politica di sostegno di attività culturali e sociali, G.D ha organizzato il secondo concorso di fotografia industriale. Questa iniziativa si inserisce in un’ottica di promozione per avvicinare la comunità territoriale bolognese, e non solo, al mondo della fotografia industriale attraverso la creazione di un’area dedicata a questa arte all’interno del polo museale che si sta costruendo a fianco dell’impresa. Il progetto rientra nei programmi di Corporate Giving di G.D, quale strumento strategico che consente all’impresa di promuovere attività che contribuiscano al benessere sociale. Per ottenere obiettivi comuni in questo ambito, G.D ha costituito una partnership con la Fondazione Isabella Seràgnoli. La promozione di giovani artisti fotografi crea una sinergia tra il sistema dell’arte, quello dell’impresa e il non profit. La rappresentazione del valore del lavoro industriale anche attraverso la fotografia che, come afferma Roland Barthes, “riempie di forza la vista”, è uno degli obiettivi dell’area museale in costruzione. Il mostrare l’evoluzione del lavoro attraverso immagini di edifici, fabbriche, persone, paesaggi è l’assunto principale del progetto. Come prammatico esempio educativo e formativo del mondo del lavoro, dal Novecento, alla ricostruzione post bellica fino ad oggi, con un concetto di vivacità e vitalità particolare verso una produzione fotografica in continuo movimento. Nella struttura museale che vedrà la sua definitiva realizzazione nel 2012, l’impresa G.D racconterà l’eredità storica del suo patrimonio tecnologico, testimoniando e rappresentando, per mezzo di sistemi multimediali interattivi e di realtà virtuali, l’evoluzione di procedure e strumenti produttivi delle proprie macchine automatiche per il packaging. Museologia e museografia d’avanguardia porteranno il pubblico a partecipare ai processi di produzione, di sviluppo imprenditoriale e aziendale, di innovazione, con originali metodologie di animazione didattica e di tecnica espositiva. La fotografia industriale in un contesto museale d’impresa, vuole documentare il cambiamento che si è verificato nell’ambito del lavoro, anche mediante il fondo storico di G.D. L’industria assume il ruolo di un soggetto attivo che possa essere il tramite tra un passato documentato dall’occhio di una macchina – testimone di come anche la fatica del lavoro può divenire arte attraverso una bella foto – ed un futuro di lavoro intellettuale e manuale dove la tékne e l’innovazione sono “arte” del fare macchine e impresa.

Isabella Seràgnoli

Isabella Seràgnoli

President of G.D and Coesia Group

Presidente di G.D e del Gruppo Coesia 7

INDUSTRIA PRODUCE ARTE INDUSTRY PRODUCES ART Luigi Ficacci

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This is the result of the second industrial photography contest created, launched and patronized by G.D and the Isabella Seràgnoli Foundation. It is being presented today by the Pinacoteca Nazionale in Bologna.

The way this contest works is well known, but I’d like to make a point of highlighting its originality. I find it worthy of noting that the contest does not finish with the awarding of prizes to the participants; it sets standards for new projects which correspond to a specific thematic requirement and which will become part of an art collection in the company’s private museum that is being built next to its historical headquarters in Bologna.

It is therefore necessary for the patron to have clear and strong ideas regarding what he expects from the artist and these strong ideas should provoke a powerful stimulus in the artist. The specific requirements of the contest, therefore, put the artists’ creativity to the test with regard to a founding idea that then gives shape to the particular characteristics and the contents of their works. Clearly this methodological formula guarantees the originality of the collection being prepared; this is the principal aspiration of any art museum, regardless of its genesis or sense of responsibility.

The Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici (Superintendence for Historical, Artistic, and Ethno-anthropological Heritage) will provide public places for the exhibitions of these projects until the Gallery of Industrial Photography located inside the new G.D Corporate Museum is ready.

Two years ago the works of Léa Crespi, Rob Hornstra, and Dita Pepe, the winners of the 2007/2008 contest were exhibited in the halls of Palazzo Pepoli. A few months later the exhibition G.D TECHNOLOGY AND ART. A STORY OF INNOVATION NARRATED BY EIGHTEEN CONTEMPORARY ARTISTS, represented an important occasion for the Pinacoteca, due to the novel aspects and the exceptional qualities of the works. This art show, set up to celebrate the 85th anniversary of G.D, was the final part of an artistic project which reflected on the industrial activity of the company: eighteen photographers were chosen to present in pictures the industrial plants of the company’s customers throughout the world.

Remembering this experience one can appreciate once more the positive effects it had on the cultural offer of the Pinacoteca; effects strengthened by the common theme and the many different “manners”, to use the

Questo, che la Pinacoteca Nazionale di Bologna oggi presenta, è l’esito del secondo concorso di fotografia industriale, ideato, istituito e prodotto da G.D e Fondazione Isabella Seràgnoli.

Il meccanismo di questo concorso è noto, ma voglio insistervi per evidenziarne l’originalità. Trovo infatti meritevole di attenzione che la competizione non si esaurisca ai lavori autonomamente presentati dai concorrenti, ma stabilisca che la scelta è causa di invenzione di opere nuove che corrispondano all’impostazione tematica definita e destinate alla collezione del museo privato che l’azienda sta edificando presso la propria sede, a Bologna. Ciò comporta l’azione di una committenza di forte connotazione critica, puntuale per la provocazione di reazioni negli artisti. Il concorso, quindi, contiene nella propria regola organizzativa le condizioni per mettere la creatività alla prova di un’idea fondante e connota specificamente i risultati al suo particolare carattere e ai suoi contenuti. È evidente che la formula metodologica approntata è una garanzia di originalità per la collezione in formazione e che questa è l’aspirazione primaria di qualsiasi museo d’arte, quale che ne sia la genesi e la responsabilità.

Finché la galleria di fotografia industriale, nello spazio del Museo d’impresa di G.D, non sarà avviata, la Soprintendenza immette nella propria attività i momenti espositivi e pubblici di questo programma di ricerca e committenza. Due anni fa avevano esposto nelle sale di Palazzo Pepoli le opere di Léa Crespi, Rob Hornstra, Dita Pepe, aggiudicatari del Concorso 2007/2008. Qualche mese dopo, la mostra G.D TECNOLOGIA E ARTE. UNA STORIA RACCONTATA DA DICIOTTO ARTISTI CONTEMPORANEI, fu per la Pinacoteca una importante occasione, per la novità e l’eccezionale qualità delle opere. Si trattava di un progetto artistico connesso all’ottantacinquesimo anno di attività industriale di G.D: diciotto fotografi erano stati scelti per leggere gli stabilimenti industriali nel mondo, sedi dei clienti dell’azienda stessa.

Se viene da ricordare quell’esperienza è per valutare nuovamente l’effetto positivo che sull’offerta culturale della Pinacoteca ebbero, in quella circostanza, tante differenziate “maniere”, per dirla all’antica, che risultavano esaltate dalla unità del tema. Anche questa volta, come in quelle precedenti occasioni, la Soprintendenza non sta ospitando una manifestazione esterna, ma condivide il progetto e lo fa proprio. Poiché non si tratta di una differenza formalistica o astratta, ma della potenzialità di un significato sostanziale, è conveniente esporre le ragioni di questa attenzione e della collaborazione offerta da un’istituzione della storia dell’arte come quella che oggi rappresento.

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old term. Once again, the Soprintendenza is not simply hosting an external exhibition but instead fully supports it and feels part of it.

Due to this, a difference that is not just formal or abstract but substantial, it may be useful to explain what led an institution of the History of Art – like the one I am representing today – to pay special attention to this project and offer its co-operation for carrying it out.

The Pinacoteca can exhibit these new works of four young artists, because it is part of the project: the four young artists, who may not yet be famous with a larger public and whose art is marked by stunning stylistic individuality, could express themselves at their best thanks to the formula of the contest itself, and to the fact that the projects were commissioned by a corporate client. The mode of patronage that determines a project may play the most crucial role in it, and create the most unique conditions for the artist's creativity. A project that originates from strong, topical ideas bears within itself the potentiality for success.

In the case of the G.D photo contest, the cultural mission is not the patron’s primary goal. This would be the case in a patronage coming from a public cultural institution such as a museum, a superintendence or a school of art. But in the former case the contest was conceived and realised within the boundaries of the corporate world and its culture. The fact that a company considers artistic production part of its goals means that it considers art an indispensable element for its functioning as an enterprise. This also means that this company concentrates on an activity which is normally peculiar to public museums and cultural institutions. One of the crucial issues of the contemporary world is the need to re-define the function of art, i.e. whether to consider it fundamental to our culture or a mere form of entertainment. Then again, should it be considered a fundamental value similar to economic, social and spiritual values, values that shape the way different cultures and societies progress? With this in mind, we should not underestimate the fact that G.D considers the cognitive value of art one of the company’s centrepieces.

Museums and the governing bodies responsible for the preservation and promotion of art are facing serious problems today. These problems, both practical and conceptual, are due to the fact that the standards and guidelines – dictated by the History of Art for conservation of the existing artistic heritage – are obsolete and can no longer stimulate new ideas.

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Innanzitutto condividere questa impresa consente alla Pinacoteca di presentare opere d’arte inedite di quattro autori nuovi, fino ad ora sconosciuti al grande pubblico, sorprendenti per individualità stilistica. Ma un particolare rilievo a questa qualità è dovuto all’applicazione del metodo che si diceva, che cioè la causa determinante la particolare originalità delle loro operazioni sia implicita nel progetto artistico stesso e nelle circostanze della committenza. Ora, dal punto di vista dell’arte, una committenza può essere la condizione di più speciale e cruciale utilità. Quando il progetto da cui essa dipende è fondato su concetti efficacemente attuali, già contiene in potenza una garanzia di autenticità del risultato. Nel caso del concorso G.D, la committenza non deriva da una missione culturale connotativa dell’ente, come sarebbe se a idearlo fosse stata un’istituzione pubblica della cultura, per esempio un museo, una soprintendenza o una scuola di formazione artistica. Data l’identità originaria dell’idea e l’ambito della sua realizzazione, l’iniziativa appartiene all’ambito logico della ragione industriale e della sua cultura. Che un’azienda consideri una produzione artistica tra i propri scopi comporta che l’abbia stimata un elemento necessario, indispensabile, alla propria imprenditorialità; tanto da impegnarsi nell’attuazione in proprio di una potenzialità che, per una specifica categoria di enti pubblici, è invece lo scopo istitutivo e primario. Poiché una delle questioni cruciali che il mondo moderno e contemporaneo pone a se stesso è la collocazione da dare all’arte (se considerarla strutturale o sovrastrutturale, se finalizzarla allo svago, oppure stabilirla come centrale e imprescindibile tra le forze determinanti per una civiltà, come lo sono, secondo teoria, lo sviluppo economico, quello sociale e quello spirituale), allora non è trascurabile la circostanza che G.D consideri il valore conoscitivo insito nell’arte un’esperienza intrinseca alla propria ragione aziendale. Al momento, il campo specifico nel quale operano soprintendenze e musei, cioè l’applicazione della storia dell’arte alla concreta amministrazione del patrimonio artistico esistente, versa in radicali difficoltà, concettuali quanto pratiche, perché i suoi principi e i suoi metodi sono a tal punto acquisiti e progrediti da perdere spesso l’efficienza del proprio rinnovamento ideale. Si verifica allora abbastanza automaticamente, in assenza di reazioni, che l’imperativo della propria continua verifica di sé rallenti fino a impantanarsi nella consuetudine. Se questa è la sintomatologia attuale, si può riconoscere che proprio la storia dell’arte occupi oggi una posizione gravemente a rischio nel contesto più generale della decadenza culturale del paese, e con essa sono in fase patologica i suoi derivati applicativi, musei e attività espositive in primo luogo.

This absence of stimuli slows down every process of improvement; a discipline that no longer puts itself constantly to the test can no longer evolve. This being the current situation, it comes as no surprise that the History of Art now risks finding itself in a state of decadence more critical than the general cultural decadence of the country. Art exhibitions held by public museums are also at risk. This event offers public museums an opportunity to value the necessity, the importance, the phenomenology and the spirit of art produced by society and by the entrepreneurial world, to consider promoting and supporting it, and on occasion, to give it preference over other cultural events.

This art exhibition that offers a new perspective on industrial culture is essential to Bologna, a city that continues to look back constantly on its past.

I do not deny that all studies regarding the past, including philology and a new interpretation of what we already know, can provide an inexhaustible source of stimuli, but since we can consider ourselves already knowledgeable about the history of art of our own city, we can now widen our horizons. No more routine publications on the size of paintings, no more essays on the vicissitudes of their origins, no more the unavoidable updating of bibliographies, but new realities that, in the function-based world of production and development, can recognize the fundamental role of art and consequently allow it to flourish.

For all these reasons, we – historians of art, conservation professionals, curators, citizens of Bologna, people belonging to a modern generation that has become post-modern – enthusiastically welcome Olivia Gay, Justin Jin, Alessandro Sambini and Niels Stomps to the Pinacoteca. Their art and the support of G.D in promoting this exhibition and offering it to the city of Bologna contribute to a better understanding of the functions of this art gallery and a greater enjoyment of its collections.

Allora è in questo contesto, se effettivo, come credo, che una prova della necessità dell’arte, prodotta dalla società civile, dal mondo del lavoro e della produzione imprenditoriale, si impone al museo d’istituzione pubblica, affinché ne studi la fenomenologia, vi dia spazio e la faccia propria, eventualmente preferendola a molte altre possibili e proponibili manifestazioni culturali.

Ma nel particolare è anche Bologna, città dalla testa girata all’indietro, ad avere bisogno di una siffatta spinta progressiva di cultura industriale. Non nego che la ricerca sul passato, la filologia e l’interpretazione del già noto, siano inesauribili, ma nel complesso possiamo serenamente affermare di sapere oggi abbastanza del passato della città e della storia della sua arte da poterci permettere di ampliare lo sguardo storiografico ad aspetti meno esauriti di quanto non sia la periodica ripubblicazione delle misure di un dipinto, delle vicende della sua provenienza e l’inevitabile aggiornamento della sua bibliografia. E’ proprio la consapevolezza di possedere una storiografia artistica evoluta che consente di ampliare l’orizzonte a casi che, nel mondo funzionale della produzione e dello sviluppo, riconoscano che l’arte sia elemento portante e si impegnino, nella propria specificità, alla sua attuazione.

Per questo, per le tante implicazioni e ramificazioni che sappiamo noi (come storici dell’arte, come conservatori pubblici delle testimoniante artistiche, come cittadini di Bologna, come persone per generazione nate moderne e fattesi post moderne) accogliamo con attenzione ed entusiasmo Olivia Gay, Justin Jin, Alessandro Sambini, Niels Stomps nelle sale della Pinacoteca. La loro opera e la cultura industriale di G.D che ne è causa e che l’azienda ci porta come contributo, sono necessari per capire meglio e presentare meglio la stessa Pinacoteca e i suoi contenuti.

Luigi Ficacci

Soprintendente ai Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici di Bologna

Luigi Ficacci

Superintendent of Cultural Heritage

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UNA SCOMMESSA VINTA WINNING THE BET Giovanna Calvenzi

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This is the second edition of one of the world’s most interesting photography competitions. Many important and prestigious photo contests have been created over the past few decades, but the nature and the characteristics of the GD4PhotoArt contest make it absolutely exceptional; its short history is worth being remembered. In 2007 the Bologna-based company G.D in cooperation with the Isabella Seràgnoli Foundation launched a new photography competition aimed at building the core of a permanent collection for the museum that is currently under construction next to the factory premises; a museum dedicated to the history of work, to the tools and machines used to work, and to the many ways work itself has been visually represented. The project – entirely financed with private funds but intended for public fruition – is a pure example of generous and original contemporary maecenatism. The capacity to draw attention to socially oriented documentary photography has been one of its greatest merits. The particular formulation of the GD4PhotoArt photo contest is an invitation to artists to translate into images their own reflections on human labour, the impact industrial development has on territory and the social changes it brings about, with a complete creative freedom. A passage from the catalogue of the past edition reads: “(…) the culture of industry and work is placed at the centre of a European competition, by invitation only, and sets out to create a dialogue between photography and industry. As its official announcement states, “this competition aims to document and support photographic activity related to industry, its impact on society and on the environment, and the role of human labour in economic and productive development”. In a sense, a challenge to the world of photography in a time when its interest seems to have shifted to other subjects”. A challenge but also a bet, the results of which were unforeseeable. Yet, in 2008, the response to the contest was amazing; the large variety of approaches to the theme witnessed a unique creative vitality. The projects – coming from ten European countries – ranged from documentary truthfulness in the analysis of human activities to the author’s critical reflections on specific issues, and to a more candid journalistic style. With regard to their thematic content they focused on industrial archaeology, on the representations of themselves, on the workers’ portraits, and on the man-inducted transformations of the territory.

For this second edition of the contest the number of participant countries has been increased, as well as the

Siamo alla seconda edizione di uno dei concorsi più interessanti che ci siano nel mondo della fotografia. Non che manchino premi importanti, prestigiosi e che esistono da decenni, ma le caratteristiche del GD4PhotoArt sono davvero d’eccezione. La sua è una storia breve che merita tuttavia di essere ricordata. Nel 2007 l’azienda bolognese G.D decide di lanciare, in collaborazione con la Fondazione Isabella Seràgnoli, un concorso fotografico che si inserisca in un progetto più ampio, quello della realizzazione di una collezione che verrà ospitata in uno spazio museale in fase di costruzione a lato dell’azienda stessa. Un museo dedicato alla storia del lavoro, ai suoi oggetti e alla sua rappresentazione che nasce per iniziativa privata con l’intenzione di una fruizione pubblica. Un progetto di vero mecenatismo, quindi, che ha caratteristiche generose e originali e che ha consentito anche di riportare l’attenzione su un “genere” fotografico, la fotografia del lavoro, che in anni recenti non è certamente stato fra i più praticati. La formula del concorso GD4PhotoArt invita infatti a una riflessione per immagini ampia, che tiene conto del lavoro, del territorio e delle implicazioni che l’industria e il suo sviluppo hanno sul tessuto sociale, nella più totale libertà creativa. Il catalogo della passata edizione chiariva: “La cultura dell’industria e del lavoro sono al centro di un concorso europeo a inviti che propone di far dialogare fotografia e industria. Un’iniziativa, come cita il bando di concorso, che “intende documentare e sostenere l’attività di ricerca sull’immagine dell’industria, la trasformazione che essa induce nella società e nel territorio, il ruolo del lavoro per lo sviluppo economico e produttivo”. Una sfida, in un certo senso, lanciata al mondo della fotografia in anni in cui l’interesse sembra essersi spostato su altri temi”. Una sfida ma anche una scommessa dall’esito non prevedibile e tuttavia nel 2008 le risposte erano state emozionanti, ricche di proposte diverse, a testimonianza di una grande vitalità creativa. Da dieci Paesi europei erano arrivati progetti che, da un punto di vista linguistico, spaziavano dalla fedeltà documentaria nella disamina delle più diverse attività umane alla riflessione d’autore senza trascurare anche gli avvicinamenti giornalistici, mentre dal punto di vista tematico le proposte andavano dall’archeologia industriale alla rappresentazione di sé, dalle inchieste sulla trasformazione del territorio a ritratti di lavoratori.

Per affrontare la seconda edizione si è deciso tuttavia di modificare alcuni parametri, aumentando il numero dei Paesi invitati, l’ammontare e il numero dei premi. La giuria, composta nella prima edizione da Gabriele Basilico, Giovanna Calvenzi, Giuseppe Ciorra, Daniela 13

number and the value of the awards. The original jury that was made up of Gabriele Basilico, Giovanna Calvenzi, Giuseppe Ciorra, Daniela Facchinato, Laura Gasparini, Piero Orlandi, and Roberta Valtorta now has two new International members: Quentin Bajac and Michael Hoppen. Seventeen new selectors of international reputation have been appointed by the jury in as many European countries (seven more than in the previous edition): each selector chose two candidates who were asked to present a photo portfolio accompanied by a detailed description of the project they intended to develop. The winners from the last edition were three: Dita Pepe (Czech Republic), Léa Crespi (France) and Rob Hornstra (Holland). In the 2010 edition the winners are four: the French artist Olivia Gay, recipient of the first prize, and the Honourable Mention recipients (in alphabetical order) Justin Jin (Great Britain), Alessandro Sambini (Italy), and Niels Stomps (Holland). An invisible red thread connects the four winning projects of this year to those of the 2008 edition. Olivia Gay portrays the female body in workplaces, focusing on the expressions and gestures of the lacemakers in a lace factory in Calais. The women depicted in her powerful photographs recall religious icons, and seem to be celebrating a ritual which bears traces of an archaic yet modern gestuality. While the Czech artist Dita Pepe carried out a cross-sectional, sociological and anthropological survey by staging a series of self-portraits in industrial settings, in which she appeared next to workers, students, firemen and deep sea divers, the usual, skilled gestures of the lacemakers, their hands, and the places where they work provide Olivia Gay with the pretext for her own cross-sectional reflection on the female body shaped by labour; a reflection that reveals a sense of deep continuity with the projects she’s being carrying out for years. In 2008 Rob Hornstra reached “Cement Town”, Siberia’s largest factory complex outside Angarsk, abandoned by its inhabitants after the collapse of the Soviet Union. The artist told its story in the form of documentary photography, by combining portraits with interior and landscape pictures. Niels Stomps too uses his own rare documentary style to chronicle the everyday life of a small community of scientists working on the Svalbard Islands, by alternating landscape images and portraits of the scientists at work. And while Léa Crespi had used her own naked body as a tool to interact with the empty spaces, with the void dominating an abandoned factory, Alessandro Sambini’s investigation of contemporary landscape originates from an old popular 14

Facchinato, Laura Gasparini, Piero Orlandi, Roberta Valtorta, ha visto l’entrata di due membri internazionali, Quentin Bajac e Michael Hoppen. In questa fase operativa la giuria ha quindi nominato diciassette nuovi “segnalatori”, ossia esperti di notorietà internazionale, in altrettanti Paesi europei (sette più della precedente edizione), ognuno dei quali ha presentato due fotografi che a loro volta sono stati invitati a sottoporre alla giuria il proprio portfolio corredato dal progetto che avrebbero voluto realizzare. La scorsa edizione aveva visto tre vincitori (Dita Pepe, ceca; Léa Crespi, francese; Rob Hornstra, olandese) mentre nel 2010 i vincitori sono diventati quattro: un primo premio a Olivia Gay, francese, e tre riconoscimenti ex aequo a Justin Jin, inglese, Alessandro Sambini, italiano e Niels Stomps, olandese (rigorosamente in ordine alfabetico). I quattro progetti realizzati dai vincitori del concorso si pongono in una linea di sorprendente continuità con i lavori dell’edizione 2008.

Olivia Gay ha affrontato il tema del corpo femminile al lavoro, concentrandosi sui ritratti e sui gesti delle merlettaie in un’azienda di Calais. I suoi sono ritratti potenti, quasi icone “religiose”, che celebrano un rito che conserva una gestualità arcaica eppure contemporanea. Come Dita Pepe si era messa in scena in una serie di autoritratti ambientati davanti a scenografie industriali a fianco di operai, studentesse, pompieri, palombari, ecc. realizzando in modo trasversale un’inchiesta antropologica e sociologica, così Olivia Gay prende a pretesto i gesti quotidiani delle merlettaie, le loro mani, gli ambienti nei quali lavorano, e compie una riflessione lei pure trasversale sul corpo femminile plasmato dal lavoro, in sintonia e in continuità con un progetto personale che da anni sta realizzando.

Rob Hornstra nel 2008 si era spinto in Siberia, nella “città di cemento” di Angarsk, abbandonata a un lento disfacimento dopo la dissoluzione dell’Unione Sovietica e, nella pratica della fotografia documentaria contemporanea, l’aveva raccontata attraverso ritratti e paesaggi paralleli. Anche Niels Stomps utilizza con sapienza una rarefazione dello stile documentario per raccontare il lavoro in una comunità scientifica nelle isole Svalbard, alternando visioni di paesaggi artici con ambienti e presenze di scienziati al lavoro. E come Léa Crespi si era mossa su un registro personale, ambientandosi e fotografandosi nei vuoti fatiscenti di una fabbrica dismessa, così Alessandro Sambini affronta il paesaggio contemporaneo attraverso un concetto mutuato da un detto popolare veneto (“’na mota e ‘na busa”, un cumulo una buca) che diventa metafora dell’opera di creazione e di distruzione degli uomini. Un ritorno felice al linguag-

saying in Veneto “’na mota e ‘na busa” (a heap and a hole) which he turns into a metaphor of man’s creative and destructive relationship with the environment he lives in. Justin Jin adopts the noble language of socially concerned photojournalism to describe a region that the Russian bureaucracy has defined as a “Zone of Absolute Discomfort”, a cold and barren wasteland scattered with abandoned towns. The sense of sympathetic solidarity that permeates his work gives back dignity to the small communities of people who live still there.

Once again, the GD4PhotoArt contest has the merit of drawing attention to what is generally defined as the reality of work; a reality too often suffocated by the limited and unsuitable language adopted by house organs to promote companies’ image and business. These projects, on the contrary, tie together dialogue between working men and women, and the places and territorial environments where they actually operate. It is very often said that photography is the mirror of society: in fact part of the tensions of today’s society is mirrored in the four winning projects. Keeping pace with the intermingling and contamination of narrative forms of today, the various emotionally generated codes used by these artists mould into a mosaic of interpretations that is proof of the richness of the styles of contemporary European photography. Work, or more precisely, the imagery of work is always present: suggested, perceived, or developed in multiple forms, both direct and metaphorical, as requested by the uncertainty, the ambiguity and the counter-sense of reality itself.

gio nobile del fotogiornalismo impegnato è dovuto a Justin Jin che analizza una zona che la burocrazia russa definisce “di disagio assoluto”, una terra gelida punteggiata da città che si stanno svuotando e abitata da comunità alle quali Jin vuole restituire un’identità attraverso un’empatica solidarietà.

Ancora una volta il merito del concorso GD4PhotoArt consiste nell’aver portato in primo piano una realtà come quella che genericamente definiamo “del lavoro”, spesso risolta nella limitata comunicazione degli house organ o nelle immagini che servono alla rappresentazione delle aziende e alla loro promozione. Qui invece le immagini riallacciano un dialogo profondo fra gli uomini e le donne che lavorano, gli spazi del loro operare, i territori che ne sono testimoni. La fotografia, come spesso si dice, è una sorta di specchio della società. E la società contemporanea – o almeno alcune delle sue tensioni – trova spazio nei quattro progetti vincitori. Al passo con il fervido intrecciarsi e contaminarsi delle narrazioni dell’oggi, i linguaggi seguono pulsioni differenti e contribuiscono a creare un mosaico di riletture che confermano la ricchezza e la varietà della fotografia europea. Il lavoro o, meglio, l’immaginario del lavoro è presente, suggerito, intuito, declinato attraverso descrizioni dirette o metaforiche, così come richiedono le incertezze, le ambiguità e i controsensi della realtà.

Giovanna Calvenzi

Photo editor, giornalista Gruppo RCS e membro della giuria del concorso GD4PhotoArt

Giovanna Calvenzi

Photo editor, journalist RCS Group and Member of the GD4PhotoArt Jury

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OLIVIA GAY

Les Dentellières de Calais The Lacemakers of Calais

Les Dentellières de Calais Le merlettaie di Calais

Olivia Gay’s work centres on female issues, capturing the female body in settings that are typical of the female universe, from prostitutes in Havana to supermarket cashiers or models in an artist’s studio.

Since 2007, she has been photographing women involved in manual labour: in a luxury goods packing factory (Les ouvrières de l’Aigle, 2008), in the National Alençon Lace Workshop (Les dentellières d’Alençon, 2008) and, more recently, in the mechanical lace factories of Calais and Caudry (Les dentellières de Calais, 2009). An entire industrial revolution lies between Vermeer’s portrayal of domestic activity in The Lacemaker and the collective photographic works of Olivia Gay; this transformation of the nation had a profound effect on the socioeconomic role of women, and with it, how they were subsequently portrayed in picture. Nowadays, the technical skills of the wheelers, warpers and clippers of “yesteryear” are something that most of us no longer understand, whilst they remain a source of pride for these 21st century women who fear their art may be dying. They are proof that this kind of skilled labour still exists, and bear traces of the women photographed at work by Lewis Hine as he travelled through an America of mass production and assembly lines to document the human contribution to modern industry. Women in front of machines had become de-personalised abstractions, devoid of personality or an identity. In Olivia Gay’s photographs however, the droning machines seem to have stopped to make way for silence. The light on the figures, in their gestures, and in their expressions is reminiscent of the works of the Dutch master, and seems to bring the working bodies to life. Her portraits are a juxtaposition of strong presence and absence, heroism and distress – as if combining the artistic representations of the Maestà and the Pietà, and echoing the many paintings of the Virgin Mary in the Western world’s portrayal of the female figure. In Gay’s work, an enigmatic icon becomes a direct presentation of modern society, almost as a mark of respect.

Le prostitute dell’Avana, le cassiere dei supermercati, le modelle in posa negli studi dei pittori. Sono loro i corpi femminili che Olivia Gay consacra nella sua opera, cogliendoli nei gesti consueti del quotidiano. Dal 2007 l’artista francese fotografa le operaie sui luoghi di lavoro: una fabbrica di imballaggi per articoli di lusso (Les ouvriéres de l’Aigle, 2008), l’Atelier National d’Alençon (Les dentelliéres d’Alençon, 2008) e, più di recente, le fabbriche di merletti a Calais e Caudry (Les dentelliéres de Calais, 2009). Tra il lavoro svolto nell’intimità domestica che Vermeer immortalò ne La Merlettaia e il lavoro collettivo fotografato da Olivia Gay, è intercorsa una rivoluzione industriale che ha trasformato radicalmente il ruolo sociale ed economico della donna, mutando al contempo gli stilemi per rappresentarla. Roccatrici, orditrici e tagliatrici sono nomi che designano qualifiche professionali dal significato oramai misterioso, incomprensibile al profano, ma che assurgono a sinonimo di dignità e fierezza per queste donne del XXI secolo, determinate a difendere la loro arte dalla minaccia dell’oblio, a far sì che la memoria del loro saper fare non vada perduta. Custodi e testimoni di mestieri altamente specializzati, eredi di una rappresentazione della donna al lavoro lasciata da Lewis Hine – che negli anni del fordismo attraversò l’America delle catene di montaggio e della produzione di massa per documentare la condizione operaia nell’industria moderna – le donne ritratte davanti alle macchine non mostrano alcuna traccia di reificazione sessuale. Ma negli scatti di Olivia Gay il rombo assordante di quelle stesse macchine sembra essersi smorzato, per lasciar posto a un silenzio assoluto. L’uso magistrale della luce – lezione del grande maestro olandese – i gesti, le posture e gli sguardi animano i corpi al lavoro; ritratti sospesi tra grazia e distacco, eroismo e sgomento, quasi fossero la sintesi perfetta tra la Maestà e la Pietà, alla maniera delle Madonne che popolano la storia occidentale della rappresentazione del femminino sacro. Il mistero dell’icona s’impone sul ritratto sociologico. E diviene una forma di omaggio.

Nathalie Giraudeau

Nathalie Giraudeau

Director Centre Photographique d’Ile-de-France, PontaultCombault, France

Direttrice del Centre Photographique d’Ile-de-France, Pontault-Combault, Francia

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Les Wheeleuses, Le roccatrici, The Wheelers

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Les Ourdisseuses, Le orditrici, The Warpers

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Les Brodeuses, Le ricamatrici, The Embroiderers

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Les Clippeuses, Le tagliatrici, The Clippers

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Les Racommodeuses, Le rammendatrici, The Darners

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La Plieuse, La piegatrice, The Folder

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JUSTIN JIN

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Zone of Absolute Discomfort

Zona di disagio assoluto

Born in Hong Kong in 1974, Justin Jin read Philosophy and Political Sciences at Cambridge University, before becoming a Reuters correspondent in Beijing. There, he developed a fascination with the possibilities of photo reportage and began to work with photography, teaching himself along the way. By 2002 he had been selected for the prestigious World Press Photo Master Class. Justin Jin came to my attention when foto8 magazine published his remarkable photographs of the Chinese denim industry. Called Midnight Blue, the photoessay documented the grueling and unhealthy work of stone-washing and pre-ageing jeans for the fashion market. The jeans are washed in vats of caustic soda, chlorine, peroxide and acids. They are then sanded, which creates clouds of suffocating blue dust. The distressed jeans are then sold for high prices to people who will never wear the jeans for physical work, yet seek a look that suggests they do.

Meanwhile, the workers are paid just one Euro cent per pair of jeans they produce. The work is typical of Jin’s ambition to expose hypocrisy and condemn abuse, while celebrating the strength and humanity he finds in the harsh and difficult conditions endured by people surviving on the margins of society. In 2006 Jin moved to Russia, a country that he describes as a huge blank space in his mind that exists between his Eastern and Western heritages.

While there, he has been drawn to explore the dichotomy of a country that has thrown its doors open to capitalism and embraced demonstrable wealth, while eschewing democracy and welfare support. The gulf that exists is most evident between the assertive, resurgent Russia and its inhospitable, yet mineral-and energy-rich far north. This unimaginably vast area is described by the Russian bureaucracy as the “Zone of Absolute Discomfort”. The freezing wasteland – temperatures in winter regularly drop to -50 degrees Celsius – is punctuated by decaying towns, inhabited by descendants of the Gulag prisoners sent there during Stalin’s leadership of the country. Environmentally bereft and with a crumbling infrastructure, these neglected communities are no longer supported by Russian subsidies. It is a testament to Jin’s empathy as a photographer that in these stark conditions, he has found the beating heart of a people united by a sense of common identity and shared understanding of their situation.

Nato a Hong Kong nel 1974, Justin Jin ha studiato filosofia e scienze politiche alla Cambridge University prima di diventare corrispondente della Reuters a Pechino. Affascinato dalle possibilità del fotogiornalismo, ha iniziato a lavorare con la fotografia, imparando da autodidatta strada facendo. Nel 2002 è stato selezionato per il prestigioso World Press Photo Masterclass. Rimasi colpito da Justin Jin quando foto8 magazine pubblicò le sue straordinarie fotografie sull'industria cinese dei jeans. Intitolato Midnight Blue, il saggio fotografico documentava il lavoro massacrante e insalubre eseguito per scolorire e invecchiare i jeans destinati al mercato della moda. I pantaloni, dapprima lavati in vasche di soda caustica, varechina, acqua ossigenata e acidi, passano successivamente alla fase di sabbiatura durante la quale si formano nubi soffocanti di polvere bluastra. Così trattati, i jeans saranno pagati cifre esorbitanti da persone che non li indosseranno mai per eseguire lavori di fatica, ma che sono tuttavia alla vezzosa ricerca di un look che suggerisca esattamente il contrario, mentre agli operai viene corrisposta una paga di un centesimo di euro per ogni paio prodotto. Gli scatti di Justin Jin smascherano le ipocrisie, condannano gli abusi, ma celebrano anche la forza e la profonda umanità di coloro che sopravvivono ai margini della società, adattandosi a condizioni di vita pesantissime se non addirittura disperate. Nel 2006 Jin si trasferisce in Russia, il paese che descrive come un enorme spazio vuoto sospeso tra la sua eredità orientale e occidentale. Della Russia ha esplorato la dicotomia lacerante, le contraddizioni di un paese che ha spalancato le porte al capitalismo, ne fa fatto propri i simboli ostentatori di ricchezza, ma rifugge al contempo la democrazia e l’intervento assistenziale.

Il solco profondo tracciato dalla rinascente Russia, propositiva e dinamica, è particolarmente evidente nel Nord inospitale, ricco di risorse minerarie ed energetiche. Quest'area sterminata, che la burocrazia russa ha definito “zona di disagio assoluto”, è una landa ostile – le temperature d'inverno scendono regolarmente sotto i 50 C° – punteggiata da città in rovina e abitata dai discendenti dei prigionieri dei gulag esiliati durante il regime di Stalin. Penalizzate sul piano ambientale e con infrastrutture fatiscenti, le comunità vivono dimenticate dallo stato centrale, dal quale non ricevono più da tempo alcun tipo di sostegno. Testimonia l'empatia di Justin Jin come fotografo, l'aver percepito, in queste condizioni di vita durissime, il cuore pulsante di individui uniti da un senso di identità comune e da una solidale comprensione del proprio stato.

Greg Hobson

Greg Hobson

Curator of Photographs, National Media Museum, Bradford, UK

Curatore della Fotografia, National Media Museum, Bradford, Regno Unito 35

Vorkuta è una città mineraria, ex sede di un gulag. Si trova a oltre 1.900 chilometri a nord-est di Mosca, oltre il Circolo Polare Artico, dove le temperature invernali raggiungono i 50°C. In questa sconfinata area desertica, interi villaggi si stanno poco a poco spopolando, lasciando posto solo alla neve, mentre la crisi finanziaria indebolisce ulteriormente le compagnie carbonifere, sempre più in difficoltà a reperire mano d'opera. Mosca sostiene che l’Estremo Nord è una regione di eccezionale importanza strategica, dove confluiscono enormi investimenti finanziari per lo sfruttamento dei giacimenti naturali di gas e di petrolio. Ma il paradosso è che l’Estremo Nord sta in realtà morendo. Ogni anno migliaia di abitanti delle città e dei villaggi dell’Artico russo fuggono verso sud. Con il crollo del sistema dei sussidi che sosteneva la Siberia e l’Artico in epoca sovietica, non c'è più alcun vantaggio a vivere nell’Estremo Nord: i salari non sono migliori di quelli della Russia centrale e il costo della vita è sensibilmente più alto.

Vorkuta is a coal mining and former gulag town 1,200 miles north east of Moscow, beyond the Arctic Circle, where temperatures in winter drop to -50ºC. Here, whole villages are being slowly deserted and reclaimed by snow, while the financial crisis squeezes coal mining companies already struggling to find workers. Moscow says it makes huge investments in the strategic region of the Far North in order to exploit the region’s oil and gas resources. But there is a paradox: the Far North is actually dying. Every year thousands of people from towns and cities in the Russian Arctic flee south. The system of subsidies that propped up Siberia and the Arctic in the Soviet times has crumbled. Now there’s no advantage to living in the Far North: salaries are no higher than in central Russia and prices for goods are higher.

Artico 1 Alexander Yelpayev è un cosacco, “un russo con un marchio di qualità in più”, come è solito definirsi. Vive nella periferia di Vorkuta.

Artic 1 Alexander Yelpayev is a Cossack, which he defines as “Russian with an added stamp of quality”. He lives on the outskirts of the town of Vorkuta.

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Artico 2 Valery Zhukov, sposato, fa il minatore e il rappresentante sindacale a Severny, una cittadina a nord di Vorkuta.

Qui balla con Lena, la sua amante, che vive nello stesso quartiere. Sullo sfondo, l’amico Alexander.

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Artic 2 Valery Zhukov, a married miner and union representative in the village of Severny outside Vorkuta, dances with his lover Lena who lives in the same neighbourhood. His friend Alexander is in the background.

Artico 3 Valery Zhukov insieme alla sua amante Lena.

Artic 3 Valery Zhukov, comforted by his lover Lena.

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Artico 4-5 Il pozzo di Severny è una delle cinque miniere di carbone ancora attive nei dintorni di Vorkuta. Fino a una decina d’anni fa ce ne erano tredici. L’aspettativa media di vita di un minatore dell'Estremo Nord è di circa cinquantaquattro anni, ma molti muoiono prima di arrivare ai quaranta.

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Artic 4-5 Severny pit is one of five coal mines still operating around Vorkuta. A decade ago there were 13. The average life expectancy for a miner in the Far North is around 54, but many die in their forties.

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Artico 6 Passanti davanti a un grande pensionato in disuso, costruito per accogliere i minatori di Vorkuta. Con la dissoluzione dell'Unione Sovietica e la riduzione dei sussidi per l'Estremo Nord, il numero degli abitanti della città si è ridotto di oltre un terzo.

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Artic 6 People walk by an empty boarding house in Vorkuta. The city’s population has fallen by a third since the break-up of the Soviet Union, when subsidies for the Far North were reduced.

Artico 7 Gli edifici nei dintorni di Vorkuta si arrendono agli elementi della natura, mentre gli abitanti fuggono verso il sud. In questo condominio a ridosso della tundra, nel villaggio di Yor Shor, vicino a Vorkuta, è rimasta una sola famiglia.

Artic 7 Buildings around Vorkuta are being surrendered to the elements as people flee to the south.

In this apartment block, on the edge of the tundra in the village of Yor Shor outside Vorkuta, only one family is left.

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Artico 8 Un uomo in primo piano e, sullo sfondo, le gru di Murmansk, la piĂš grande cittĂ dell'Artico e polo industriale e portuale nevralgico.

Artic 8 A man walks past cranes in Murmansk, the world’s largest Arctic city and a vital industrial and shipping hub.

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Artico 9 Nubi di anidride solforosa gravano sulla cittĂ di Nikel, costruita a sostegno del complesso minerario per l'estrazione del nichel. Le piogge acide, determinate dalle emissioni degli impianti, uccidono la vegetazione, inquinano le falde acquifere e sono la principale causa di asma nei bambini.

Artic 9 Sulphur dioxide smog hangs over the town of Nikel, which was built to support a nickel mining combine. Acid rain caused by the factory kills vegetation, pollutes ground water and causes asthma, especially among children.

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Artico 10 Nella cittĂ di Nikel, costruita a sostegno del complesso minerario per l'estrazione del nichel, le emissioni di anidride solforosa uccidono la vegetazione, inquinano le falde acquifere e sono la principale causa di asma nei bambini.

Artic 10 In the town of Nikel, which was built to support a nickel mining combine, sulphur dioxide emitted from the factory kills vegetation, pollutes ground water and causes asthma, especially among children.

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Artico 11 Bambine giocano tra i condotti di acqua calda a Zapolyarny, una delle tante cittĂ nate intorno ai grandi complessi per l'estrazione del nichel. Sullo sfondo, a destra, le esalazioni di anidride solforosa emesse dagli impianti.

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Artic 11 Girls stand on hot-water pipes in Zapolyarny, a town built for a nickel mining combine. Sulphur dioxide emitted from the factory appears in the background on the right.

Artico 12 Due bambine giocano nella neve a Teriberka, una fatiscente cittĂ di pescatori sulla costa artica.

Artic 12 Two girls play in the snow on the Arctic Coast in the town of Teriberka, a decayed fishing town.

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Artico 13 Barche tirate in secca e case abbandonate, lasciate marcire in una baia ghiacciata a Teriberka. Quella che negli anni immediatamente successivi alla fine della Seconda Guerra Mondiale fu una prosperosa comunità di pescatori e agricoltori di quasi 14.000 persone, oggi conta poco più di 1000 abitanti. L'esodo verso sud alla ricerca di un'opportunità di lavoro ha fatto seguito al collasso dell’industria ittica e al conseguente declassamento dello status amministrativo della città. Attualmente su Teriberka stanno confluendo imponenti investimenti finanziari, essendo stata scelta come sito per la costruzione di un terminal del gasdotto collegato al più grande giacimento di gas naturale al mondo.

Artic 13 Sunken boats and abandoned houses lay rotting by an icy bay in Teriberka, a vibrant fishing and farming community in the years after World War II. Teriberka’s population has shrunk from about 14,000 at its height to just more than 1,000 today: the fishing industry has collapsed, the town’s administrative status has been lowered and people have moved south to seek work.

Today, Teriberka is again in the spot-light with the construction of a base there for the landing of a gas pipeline from the world’s largest known natural gas field.

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Artico 14 Alcuni giovani fanno acquisti di notte a Teriberka.

Artic 14 Young people shop at night in Teriberka.

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Artico 15 Karp Belgayev, minatore di carbone, cammina per le strade di Yor Shor, un villaggio abbandonato vicino a Vorkuta, di cui lui è uno dei dieci abitanti rimasti. I minatori dicono che, dopo dieci anni di lavoro sotto terra, è impossibile far sparire il nero del carbone che cerchia gli occhi.

Artic 15 Karp Belgayev, a coal miner, walks through Yor Shor, an almost abandoned village near Vorkuta, where he is among the last ten inhabitants. Miners say that after ten years working underground it is impossible to remove the black rings from around their eyes.

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ALESSANDRO SAMBINI

‘Na Mota e ‘Na Busa

‘Na Mota e ‘Na Busa

The contemporary landscape has been the subject of much reflection and investigation. There have been so many attempts to describe its vastness, its changes, the precarious relationship between nature and artificiality, that today we are left with fragmentary visions of the landscape in which we live. Yet, there are still concepts within these visions that allow us to keep our bearings. To keep his bearings in the world, Alessandro Sambini has set off with an unusual guiding concept: that of the heap, the pile, the cumulus. He developed this concept from a popular saying in Veneto: “‘Na mota e 'na busa”, that is, every hole that we make corresponds to a heap, every heap to a hole.

The destiny of Homo faber is to manipulate materials, to dig, to build, to create forms, structures, objects: he moulds the world, confers aesthetic values on it; but every time he creates, he simultaneously constructs a heap of waste, rejects, rubble, detritus. He creates mountains of things. In a parallel process he creates and destroys ideas, working hypotheses, desires, utopias. Sambini identifies various kinds of heaps or cumuli (whether composed of rubbish, rubble, soil, industrial waste, vegetables or dung) that have come to play important roles in the landscape, and with them constructs a chant, a secular litany that speaks of humanity’s existence on Earth. It tells us about the way human activity is reflected in the environment, how architecture is connected with the human body, how architecture forms a transposition of social space.

Sambini includes the ideas expressed by Walter Benjamin in The Destructive Character on the subject of the connection between human creativity and destructiveness: “The destructive character sees nothing permanent. But for this very reason he sees ways everywhere. But because he sees a way everywhere, he has to clear things from it everywhere.” Combining photography and video, Benjamin’s words, and audioguides that allow the observer to hear what was happening while the photos were being taken, Alessandro Sambini explores his subject and the need for narrative today. It is an exploration of narrative methods that continues the consistently high accomplishment of his previous projects.

Dopo tante riflessioni sul paesaggio contemporaneo e dopo tanti tentativi di raccontarlo nel suo vasto insieme, nelle sue modificazioni, nella precarietà del rapporto naturalità-artificialità, dopo tanto indagare, approdiamo, oggi, a visioni frammentate dell’ambiente in cui viviamo. Visioni, però, a volte fortunatamente guidate da concetti che possono ancora aiutarci a non perdere l’orientamento. Per non perdersi, Alessandro Sambini è partito da uno straordinario concetto: quello di cumulo, un concetto che egli sapientemente ricava da un detto popolare veneto, “‘Na mota e ‘na busa”, a ogni buca che facciamo corrisponde sempre una “mota”, cioè un cumulo. L’homo faber, per suo destino, manipola le materie, scava, costruisce, crea forme, strutture, oggetti, architetture, infrastrutture, plasma il mondo, gli conferisce valori estetici, ma ogni volta che crea, costruisce contemporaneamente un cumulo composto di scarti, cose spezzate, al momento eliminate. Crea montagne di cose, accumula. Al tempo stesso, crea e distrugge idee, ipotesi di lavoro, desideri, utopie. Individuando cumuli di varia natura che rappresentano segni importanti nel paesaggio (siano essi composti di immondizia, macerie, terra, scarti industriali, verdure, letame), Sambini costruisce una cantilena, una litania laica che parla dell’esistenza umana sulla terra. Ci parla di come le funzioni corporali dell’uomo si rispecchino nell’ambiente, di come l’architettura stessa sia legata al corpo umano, ne sia la trasposizione sociale nello spazio. Nel suo progetto, recupera anche alcuni pensieri del Walter Benjamin di Appunti sul carattere distruttivo a proposito del legame tra creatività e distruttività umana: “Il carattere distruttivo non vede niente di durevole. Ma proprio per questo vede dappertutto delle vie. Ma poiché vede dappertutto una via, deve anche dappertutto sgombrare la strada”. Unendo fotografie e video, introducendo la parola di Benjamin, aggiungendo all’installazione delle audio-guide che fanno ascoltare all’osservatore ciò che accadeva durante le riprese fotografiche, Alessandro Sambini lavora anche sulla problematicità, ma anche l’urgenza del narrare, oggi. Una ricerca di narrazione alla quale egli ha sempre coerentemente lavorato anche nei suoi lavori precedenti.

Roberta Valtorta

Roberta Valtorta

Scientific Director of the Museum of Contemporary Photography, Cinisello Balsamo, Milan

Direttore scientifico del Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo, Milano 57

Il carattere distruttivo conosce solo una parola d’ordine: creare spazio; una sola attività: far pulizia. Il suo bisogno di aria fresca e di uno spazio libero è più forte di ogni odio. (…) Il carattere distruttivo non vede niente di durevole. Ma proprio per questo vede dappertutto delle vie. Ma poiché vede dappertutto una via, deve anche dappertutto sgombrare la strada. Non sempre con cruda violenza, talvolta anche con violenza raffinata. (…) Nessun attimo può sapere ciò che il prossimo reca con sé. L’esistente lui lo manda in rovina non per amore delle rovine, ma per la via che vi passa attraverso. Il carattere distruttivo non vive per il sentimento che la vita merita d’essere vissuta, ma perché non vale la pena di suicidarsi.

Walter Benjamin, Appunti sul carattere distruttivo, 1931

The destructive character knows only one watchword: make room. And only one activity: clearing away. His need for fresh air and open space is stronger than any hatred. (…) The destructive character sees nothing permanent. But for this very reason he sees ways everywhere. But because he sees a way everywhere, he has to clear things from it everywhere. Not always by brute force; sometimes by the most refined.(…) No moment can know what the next will bring. What exists he reduces to rubble – not for the sake of the rubble, but for that of the way leading through it. The destructive character lives from the feeling not that life is worth living, but that suicide is not worth the trouble.

Walter Benjamin, The Destructive Character, 1931 Londra, Collina di rifiuti.

London, Mound of Rubbish.

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Carrara, Galleria.

Carrara, Tunnel.

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Carrara, Terra ricavata dallo scavo della galleria.

Carrara, Earth Excavated from the Tunnel.

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Video1 Primo Passaggio, 5 min, loop.

First Passage, 5 min, Loop.

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Video 2 Secondo Passaggio, 5 min, loop.

Second Passage, 5 min, Loop.

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Bologna, Sassi.

Bologna, Stones.

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Salsomaggiore, Letame.

Salsomaggiore, Dung.

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Carrara, Carbonato di Calcio.

Carrara, Calcium Carbonate.

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Rovigo, Verdure.

Rovigo, Vegetables.

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Mantova, Vetro.

Mantua, Glass.

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Malta, Sale.

Malta, Salt.

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Milano, Plastica.

Milan, Plastic.

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Mantova, Parabrezza.

Mantua, Windscreen.

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Bologna, Alluminio.

Bologna, Aluminium.

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Londra, Collina di rifiuti, presente da 150 anni.

London, Mound of Rubbish, 150 Years Old. 76

Oceano Pacifico, Plastica: un’isola estesa quanto il Texas, profonda 35 metri.

Pacific Ocean, Plastic: An Island the Size of Texas, 35 Metres Thick 77

NIELS STOMPS

El Dorado

El Dorado

The Dutch photographer Niels Stomps, part of a young generation of artists, is developing a documentary form of photography with a clearly personal style. Obviously, Stomps' work doesn’t belong to the realm of reportage although he does focus on topical issues that one may find in newspapers. Take for instance his project Mist (2007) in which he photographed the area near Chóngqìng in Central China where the construction of the huge Three Gorges Dam on the Yangtze River had forced local populations to move elsewhere. Stomps tells the story in his own particular way, aiming his medium format 6 x 7 Mamiya 7II camera at the architecture of the new cities built on slopes so steep that sets of stairs need to be transverse in order to get from place to place, at windows that open on to the outside, at individuals. The dam itself remains invisible although traces of earthwork operations, construction and demolition work can be seen in some images. Action is almost absent. There is a kind of peaceful silence in Stomps' photographs. Technology is more noticeable in the work entitled El Dorado. For this project, Stomps took photographs on the island group of Svalbard, the most northern territory of Norway.

Svalbard's history has been coloured by the many expeditions to the North Pole, expeditions that have reached this very cold spot; the Dutchman Willem Barentsz being the first in 1596. For Stomps, Svalbard is a place between the past and the future, a borderland in both a literal and a metaphorical sense. Mankind has made great efforts to occupy this territory, carrying out research and scientific experimentation in order to know more about ourselves and the Earth we are living on. Since 2006, Svalbard has hosted the Global Seed Vault, where specimens of plant seeds from the all over world are kept permanently at minus 25 Celsius degrees. In the different series that together make up El Dorado, Stomps combines images of the landscape with portraits of individuals, along with photographs of scientific installations, internal and external. The final composition of Stomps' photographic series involves a long editing process that breaks down the narrative structure, leaving open the possibility of a third meaning.

Appartiene a una giovane generazione di artisti, Niels Stomps, il fotografo olandese che ha trovato nella fotografia documentaria l’ambito artistico a lui più consono in cui sviluppare la sua personalissima cifra stilistica. Ricondurre l’opera di Stomps all’universo del reportage sarebbe una semplificazione grossolana, per quanto le tematiche che affronta siano molto spesso le stesse che possiamo incontrare sulla carta stampata. Ne è un esempio Mist (2007), il progetto con cui documenta la costruzione della gigantesca diga delle tre gole sul fiume Yangtze, vicino a Chóngqìng, nella Cina centrale, che ha costretto l’intera popolazione locale ad abbandonare tutto e trasferirsi altrove. Stomps racconta l’evento puntando l’obiettivo della sua fotocamera medio formato Mamiya 7II 6x7 sulle architetture delle nuove città, edificate sui fianchi di montagne talmente ripide, da rendere necessaria la costruzione di gradinate orizzontali per permettere alla gente di spostarsi, su finestre che si aprono verso l’esterno, sui volti delle persone. La diga non si vede mai, ma la sua presenza sovrastante si percepisce nelle tracce delle opere di sbancamento e costruzione fissate in alcuni scatti. L’azione è assente; domina su tutto una sorta di pacato silenzio. L’elemento tecnologico è invece più evidente in El Dorado, il progetto che Stomps ha realizzato nell’arcipelago delle isole Svalbard, l’estremo territorio settentrionale della Norvegia. La storia delle Svalbard è scandita dalle numerose spedizioni verso il Polo Nord, prima fra tutte quella dell’olandese Willem Barentsz, che riuscì a raggiungere questo gelido territorio nel lontano 1596. Le isole Svalbard rappresentano per Stomps un luogo sospeso tra passato e futuro, una terra di confine in senso letterale e metaforico. Enorme è stato lo sforzo dell’uomo per occuparla, per condurvi ricerche ed esperimenti scientifici mirati a svelare quanti più misteri possibili su noi stessi e sul pianeta che abitiamo. Dal 2006, Svalbard ospita la Global Seed Vault, il deposito sotterraneo globale di semi che custodisce campioni di semi provenienti da tutto il mondo ad una temperatura di -25 C°. Nelle serie di scatti che formano il corpus di El Dorado, Stomps accosta sapientemente vedute di paesaggi a ritratti di persone, particolari di interni e panoramiche esterne dei grandi impianti scientifici. La composizione finale delle serie fotografiche è il risultato di un lungo e ricercato processo di editing, che frammenta la struttura narrativa, aprendo alla possibilità di un “terzo significato”.

Frits Gierstberg

Frits Gierstberg

Head of Exhibitions, Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, The Netherlands

Responsabile Mostre, Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, Paesi Bassi

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Il Deposito sotterraneo globale dei semi Il Deposito sotterraneo globale dei semi è un caveau di sicurezza costruito vicino alla città di Longyearbyen, sull'isola norvegese di Spitsbergen, nell’arcipelago antartico delle isole Svalbard. All’interno della struttura, in una caverna sotterranea, sono stoccate varietà di semi provenienti da tutto il globo, “copie di scorta”, duplicati dei semi già conservati nelle banche genetiche mondiali. Il deposito sotterraneo non rappresenta solo una garanzia contro una possibile perdita accidentale di patrimonio genetico da parte delle banche mondiali stesse, ma è il solo “rifugio” esistente in caso di catastrofi regionali o globali, legate sia ad eventi naturali, sia ad un possibile disastro nucleare. Non a caso è stato soprannominato la volta del giudizio universale.

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Global Seed Vault The Global Seed Vault is a secure seedbank located on the Norwegian island of Spitsbergen near the town of Longyearbyen in the remote Arctic Svalbard archipelago. The facility preserves a wide variety of plant seeds in an underground cavern. The seeds are duplicate samples, or "spare" copies, of seeds held in genebanks worldwide. The seed vault will provide insurance against the loss of seeds in genebanks, as well as a refuge for seeds in the case of large scale regional or global crises. The Vault is nicknamed The World Doomsday Vault as it would be useful in the case of a nuclear disaster.

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Strumenti Ny-Ålesund è uno degli insediamenti umani più a nord esistenti. Abitato stabilmente da una popolazione di scienziati che oscilla tra i 75 e i 100 individui provenienti da tutto il mondo, è una delle basi di eccellenza per la ricerca sull’ambiente. Con il lento ma progressivo scioglimento della banchisa polare, si sono rese disponibili nuove fonti di materie prime; non più, dunque, terre remote da conquistare e a cui dare un nome ma scrigni di risorse naturali da sfruttare a vantaggio dell’uomo.

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Instruments Ny-Ă…lesund is one of the world's northernmost settlements. It is permanently inhabited by a population of approximately 75 to 100 scientists. They originate from several countries. Most of the research work is based on environmental matters.

Because of the melting Arctic Pack Ice, new supplies of raw materials are now within reach; no more new land waiting for a name, but the resources of nature which can be captured and put to man’s advantage.

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Campionatura Longyearbyen, l'insediamento piÚ popoloso delle isole Svalbard, è sede di un piccolo campus universitario. Accoglie studenti provenienti da tutto il mondo, che per mesi offrono il loro contributo alla realizzazione di progetti e programmi di ricerca nell’ambito delle scienze artiche, in un momento della loro vita in cui sentono di avere il mondo ai loro piedi.

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Sampling In Longyearbyen, the major village on the Island, there is a small University and campus. Young students from all over the world have chosen to come here to spend several months conducting experiments related to arctic science, at a moment in their lives when they feel to be on top of the world.

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CONCORSO GD4PHOTOART 2009/10 In ogni concorso, la necessità di individuare una ristretta rosa di vincitori, costringe a un processo di selezione che lascia inevitabilmente un senso di rammarico nei confronti di quanti rimangono esclusi. L’alto livello artistico delle opere prese in esame è frutto del lavoro attento di una rosa di selezionatori proposti dalla giuria, esperti di fotografia a livello internazionale e provenienti da diversi Paesi europei. Ogni selezionatore ha proposto due fotografi che si sono distinti per l’eccellente qualità del loro lavoro. Non potendo, per motivi di spazio, darne ampia testimonianza, si è ritenuto tuttavia necessario proporre una panoramica di tutti i portfolio pervenuti.

GD4PHOTOART CONTEST 2009/10 The need to restrict the number of winners in every competition requires a selection process that leaves a sense of regret for those who have been excluded. The high level of candidates was attained thanks to a panel of expert European selectors, who were in turn chosen by the jury. Each selector chose at least two photographers of distinction but space restrictions make it impossible to fully display the work of all those selected. It was therefore decided to present an overview of the proposed portfolios.

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La Giuria / The Jury Presidente / President Isabella Seràgnoli, G.D Membri / Members Quentin Bajac, Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris Gabriele Basilico, fotografo / photographer Giovanna Calvenzi, photo editor e giornalista, Rizzoli Corriere della Sera / photo editor and journalist, RCS Group Giuseppe Ciorra, Università di Camerino, Facoltà di Architettura di Ascoli Piceno / University of Camerino, Faculty of Achitecture of Ascoli Piceno Daniela Facchinato, fotografa / photographer Laura Gasparini, Fototeca Biblioteca Panizzi, Reggio Emilia / Panizzi Photographic Library, Reggio Emilia Michael Hoppen, Michael Hoppen Gallery, London Piero Orlandi, Istituto per i Beni Culturali della Regione Emilia-Romagna / Institute for Cultural Heritage of the Emilia-Romagna Region

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PORTFOLIO DEGLI ARTISTI PARTECIPANTI THE PORTFOLIOS OF THE PARTICIPANTS

Hubert Blanz Nicolas Bomal Catarina Botelho Anna Clarén Vincent Debanne Elena Gimeno Dones Murat Durusoy Matthieu Gafsou Nicolás Combarro García Sophie Gerrard Ville Lenkkeri Catherine Leutenegger Andreas Machanek Daniel Malhão Marcello Mariana Balázs Mohai Zoltán Molnár Panagiotis Tomaras Myrto Papadopoulos Sevim Sancaktar Pawel Sokolowski Michal Szlaga Shigeru Takato Pieter Ten Hoopen Dejan Vekic Marc Wendelski Andrea Witzmann

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Hubert Blanz

Nicolas Bomal - Marc Wendelski

Catarina Botelho

Sophie Gerrard

Ville Lenkkeri

Catherine Leutenegger

Myrto Papadopoulos

Sevim Sancaktar

Pawel Sokolowski

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Anna ClarĂŠn

Vincent Debanne

Elena Gimeno Dones

Andreas Machanek

Daniel MalhĂŁo

Marcello Mariana

Michal Szlaga

Shigeru Takato

Pieter Ten Hoopen

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Murat Durusoy

Matthieu Gafsou

Nicolás Combarro García

Balázs Mohai

Zoltán Molnár

Panagiotis Tomaras

Dejan Vekic

Andrea Witzmann

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Biografie / Biographies

Olivia Gay Compiuti gli studi di Storia dell’Arte all’Università di Bordeaux III (1993/95) e quelli di Fotografia presso la New England School of Photography di Boston (1995/97), Olivia Gay parte per Cuba dove realizza i suoi primi reportage fotografici sulle prostitute dell’Avana.

Tornata in Francia nel 1998, inizia una feconda collaborazione con alcune delle più autorevoli testate nazionali e internazionali, tra cui Libération, The New York Times, VSD e Le Monde. In questi anni si definiscono i contorni del suo universo artistico: studia il corpo femminile, la sua costruzione in ambienti sociali e in luoghi di lavoro, ne decodifica il linguaggio non verbale e ce lo restituisce attraverso immagini che fissano gli sguardi, i gesti, le espressioni, le posture, la prossemica. Set ideali per la sua indagine sono le fabbriche, i merlettifici, i supermercati, gli spazi domestici e – per l’ultimo reportage ancora in fieri – i campi e le fattorie della Normandia. E’ in questi mondi appartati, spesso invisibili, conosciuti grazie alla frequentazione quotidiana delle loro protagoniste, che l’obiettivo attento e rispettoso di Olivia Gay cerca e rintraccia l’umanità più autentica, per poi restituircela in una straordinaria narrazione imbastita sul tempo sospeso di uno scatto.

After completing a degree in Art History at the University of Bordeaux III (1993/95), Olivia Gay studied photography at the New England School of Photography in Boston (1995/97), then soon after headed to Cuba to produce her first photographs: prostitutes in Havana. Returning to France in 1998, she started working for the

press: Libération, The New York Times, VSD, and Le Monde. A photographer and author since 1998, Gay has studied the construction of the female body in social or professional environments, through posture and body language. She has explored the female form in scenes set in a factory, in a lace workshop, at a supermarket, at home, and soon she will feature the farming women of Normandy.

For Olivia Gay, the photograph must capture humanity in a gesture or a look. After immersing herself in a place, spending several weeks or months at a time there, she uses her images to recreate the encounter that has taken place between her and her subject.

Justin Jin Per oltre dieci anni Justin Jin ha lavorato come fotogiornalista indipendente per autorevoli quotidiani e riviste, trovando la sua peculiare cifra stilistica e narrativa in un’insolita capacità di raggiungere persone che vivono esistenze segregate, in condizioni al limite della barbarie, in contesti difficili o estremamente delicati. Sia che affronti temi come l’autoritarismo in Russia, lo sfruttamento in Cina o l'immigrazione clandestina in Europa, il suo intento è penetrare gli universi dei soggetti coinvolti. Le sue fotografie e i suoi scritti sfidano i preconcetti e mettono a nudo l'ipocrisia, condannano gli abusi, ma celebrano anche la forza e l'umanità. Negli ultimi quattro anni, trascorsi a Mosca, ha realizzato su incarico istituzionale reportage ambientati in Russia, in Cina ed in Estremo Oriente. Prima di trasferirsi a Mosca ha vissuto ad Amsterdam, lavorando principalmente in Europa occidentale. Parla

russo, mandarino, cantonese, inglese e olandese. Passione, tenacia e disciplina sono le matrici forti che improntano tutti i suoi progetti: quelli nati da un’idea personale, quelli frutto di una committenza esterna. Le sue opere sono esposte in musei e gallerie d’arte e il Rijksmuseum di Amsterdam custodisce una parte considerevole del suo lavoro. All’inizio della sua carriera è stato corrispondente da Pechino per la Reuters, coprendo l’intera Cina e dirigendo un’agenzia di reportistica finanziaria a Shenzhen. Prima ancora ha studiato Filosofia e Scienze politiche all’Università di Cambridge. E' nato a Hong Kong nel 1974.

For more than a decade, Justin Jin has worked as an independent photojournalist for leading magazines and newspapers, specialising in reaching people in hidden, harsh or sensitive situations. Whether tackling themes such as authoritarianism in Russia, exploitation in China or illegal immigration in Europe, he aims to get inside the worlds of the people involved.

Through his photography and writing, he challenges preconceptions, exposes hypocrisy and condemns abuse, as much as he celebrates strength and humanity. For the past four years, he has been based in Moscow, reporting and carrying out corporate assignments in Russia, China and beyond.

Previously he worked in Western Europe while based in Amsterdam.

He speaks Russian, Mandarin and Cantonese Chinese, English and Dutch. Some of his projects are commissioned, while others are self-initiated. He applies the same passion, persistence and discipline to all. He also exhibits in galleries and museums, including the 109

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Rijksmuseum in Amsterdam, which has collected a body of his work. Previously he worked as a Reuters correspondent, covering China from Beijing and managing a bureau of financial reporting in Shenzhen city. Before that, he was at Cambridge University, reading Philosophy and Political Sciences.

He was born in Hong Kong in 1974.

Alessandro Sambini Alessandro Sambini è nato nel 1982 a Rovigo. Ha da poco conseguito il Master of Arts in Research Architecture presso il dipartimento di Visual Cultures del Goldsmiths College di Londra. La sua carriera di fotografo inizia nel 2005 con il reportage “Dov’è il Polesine”. Nel 2009 vince il XXIII Premio Gallarate per le Arti Visive con il progetto fotografico “Ghe Pronto!”.

Attualmente sta lavorando a due progetti video che indagano il rapporto tra l’immaginario creato dai media tradizionali, la riappropriazione di queste immagini da parte dello spettatore, la loro manipolazione e la creazione di forme alternative di narrazione. Il primo progetto documenta la cerimonia di inaugurazione della torre Burj Khalifa di Dubai, il secondo, concentra lo sguardo sull’assassinio di cinque donne per mano di un uomo di nome George Sodini, avvenuto a Pittsburgh nell’agosto del 2009. Il suo ultimo lavoro compiuto è un documentario-saggio di 40 minuti dal titolo “Bona Fide” sulle collaboratrici domestiche filippine.

Alessandro Sambini was born in Rovigo in 1982. He was recently awarded an MA in Research Architecture by the Visual Cultures Department of Goldsmiths College

in London. He began his photographic career in 2005 with a reportage entitled “Dov’è il Polesine”. In 2009 he won the XXIII Gallarate Visual Arts Prize for his photographic project “Ghe Pronto!” He is currently working independently on two video projects that explore the relationship between images created by the traditional media, the viewer’s reappropriation of these images, their subsequent manipulation and the creation of alternative forms of narrative based on such material.

The first project takes as its subject the inauguration ceremony for Dubai’s Burj Khalifa Tower. The second focuses on the murder of five women in Pittsburgh in early August, 2009, by a man called George Sodini. Sambini has recently finished a 40-minute documentary entitled “Bona Fide” on the subject of female domestic workers from the Philippines.

Niels Stomps Niels Stomps è nato nel 1974 a Driebergen, nei Paesi Bassi e oggi vive e lavora ad Amsterdam. Ha studiato fotografia alla Utrecht School of the Arts, con cui collabora in qualità di docente ospite. Nel 2007 ha conseguito il diploma di laurea presso la St. Joost Academy di Breda. Fulcro della sua opera sono le serie di fotografie di medio e grande formato in cui documenta l’impatto che i grandi cambiamenti ambientali e sociali hanno sul territorio, e come l’individuo, impotente di fronte ai poteri che li determinano, sia costretto ad arrendersi, ad adattarvisi. Stomps presenta le sue fotografie come sequenze di immagini che combina in singole pubblicazioni. I lavori di Stomps, pubblicati in volumi monografici o in rac-

colte pluritematiche, sono stati oggetto di numerose mostre personali e collettive in Olanda e all’estero, ottenendo prestigiosi riconoscimenti internazionali.

Niels Stomps was born in Driebergen, The Netherlands, in 1974 and now works and lives in Amsterdam. He studied photography at the Utrecht School of the Arts, where he is currently a guest lecturer. In 2007 he received his master's degree at the St. Joost Academy in Breda. His work consists of series of photographs, focusing on the way people react to major changes, sociological or environmental, changes that are so big and overwhelming that the individual can only adapt to the inevitable. Stomps prefers to present his photographs as a sequence of images and to combine several series into one publication. His work has been shown in solo and group exhibitions in the Netherlands and abroad, and he has won many international awards.

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Indice / Index

CONCORSO GD4PHOTOART 2009/10 GD4PHOTOART CONTEST 2009/10 Prefazione di / Preface by

Isabella Serà gnoli

pag. 7

INDUSTRIA PRODUCE ARTE INDUSTRY PRODUCES ART Luigi Ficacci

pag. 8

UNA SCOMMESSA VINTA WINNING THE BET

Giovanna Calvenzi

pag. 12

Olivia Gay

pag. 16

Justin Jin

pag. 34

Alessandro Sambini

pag. 56

Niels Stomps

pag. 78

Biografie / Biographies

pag. 109

Finito di stampare nel mese di settembre 2010 presso Grafiche Damiani, Bologna.

Printed in September 2010 by Grafiche Damiani, Bologna.

Tutti i diritti riservati. Nessuna parte di questo libro può essere riprodotta o trasmessa in qualsiasi forma o con qualsiasi mezzo elettronico o meccanico - incluse copie fotostatiche, copia su supporti magnetico-ottici, sistemi di archiviazione e di ricerca delle informazioni - senza l’autorizzazione scritta dell’editore.

All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical - including photocopying, recording or by any information storage or retrieval system - without prior permission in writing from the publisher.

Questo volume presenta le immagini dei fotografi vincitori della seconda edizione del concorso europeo a inviti per giovani artisti GD4PhotoArt sul tema “Industria, Società e Territorio”, promosso da G.D e dalla Fondazione Isabella Seràgnoli.

L’iniziativa intende sostenere l’attività di ricerca sull’immagine dell’industria, la trasformazione che essa induce nella società e sul territorio, il ruolo del lavoro per lo sviluppo economico e produttivo. Con la collaborazione di esperti internazionali, il concorso GD4PhotoArt 2009/2010 continua il percorso di monitoraggio sulla fotografia e sull’industria dal carattere sistematico con l’obiettivo di creare una collezione permanente che sarà ospitata nel museo di G.D. Olivia Gay . Justin Jin . Alessandro Sambini . Niels Stomps

This book presents the photographs realised by the winners of the second edition of GD4PhotoArt, a European contest by invitation only for young photographers. The contest, on the theme “Industry, Society and Territory” is promoted by the G.D Company in association with the Isabella Seràgnoli Foundation.

The project aims at documenting and supporting photographic works related to industry, its impact on society and on the environment, and the role of human labour in economic and productive development. With the contributions of international experts, the 2009/2010 edition of the GD4PhotoArt contest continues an ongoing and systematic project on photography and industry with the aim at creating a permanent collection within the G.D museum.

£ 24,99

$ 45,00