Dispensa don carlo by MAURIZIO CAPODIVENTO

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Stagione 2016/2017

Don Carlo Dramma lirico in cinque atti Musica di Giuseppe Verdi

IN SCENA ALLA SCALA • 2

Libretto di François-Joseph Méry e Camille Du Locle

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Fondazione di diritto privato

ALBO DEI FONDATORI Fondatori di Diritto Stato Italiano

Fondatori Pubblici Permanenti

Fondatori Permanenti

Fondatori Sostenitori

Fondatori Emeriti

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Fondazione di diritto privato

CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE Presidente

Giuseppe Sala Sindaco di Milano

Consiglieri

Giovanni Bazoli Cristina Cappellini Claudio Descalzi Alberto Meomartini Francesco Micheli Aldo Poli Giorgio Squinzi Margherita Zambon

Alexander Pereira Sovrintendente e Direttore artistico Riccardo Chailly Direttore principale Maria Di Freda Direttore generale

COLLEGIO DEI REVISORI DEI CONTI Presidente

Tammaro Maiello

Membri effettivi

Fabio Giuliani Nunzia Vecchione

Membro supplente

Manuela Simonetti

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TEATRO ALLA SCALA Prima rappresentazione Martedì 17 gennaio 2017, ore 18.30 REPLICHE Gennaio Domenica Giovedì Domenica Febbario Mercoledì Sabato Mercoledì Domenica

22, ore 18.30 - Turno C 26, ore 18.30 - Turno A 29, ore 14.30 - Turno G LaScalaUNDER30 1, ore 18.30 - Turno D 4, ore 18.30 - Turno E 8, ore 18.30 - Turno B 12, ore 14.30 - Fuori abb.

Sommario 5 Don Carlo in breve 7 Il soggetto 10 ... la musica 13 Giuseppe Verdi. Cronologia della vita e delle opere

Testi tratti dal Programma di sala di Don Carlo Teatro alla Scala, Stagione 2016/2017

A cura del Servizio Promozione Culturale del Teatro alla Scala Stampa: Pinelli Printing srl DISPENSA N. 2

Studio fotografico Montabone, Giuseppe Verdi nel 1867. In alto: Don Carlo, spartito per canto e pianoforte, Milano, Ricordi, 1868.

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Don Carlo in breve Claudio Toscani

Decidendo di mettere in scena il poema drammatico Don Carlos, Infant von Spanien di Friedrich Schiller, Verdi tornava a un amore di lunga data: era infatti la quarta volta – dopo Giovanna d’Arco, I masnadieri e Luisa Miller – che si accostava a un lavoro del drammaturgo tedesco per metterlo in musica. Nel dramma schilleriano, ambientato nella Spagna del XVI secolo, Verdi rintracciava una tesi di fondo di natura etica e ideologica, che condivideva profondamente e dalla quale si sentiva attratto: l’idea che l’assolutismo e la ragione di stato (qui incarnati dal re di Spagna Filippo II) siano inconciliabili sia con le inclinazioni personali sia con l’aspirazione alla libertà dei popoli (di cui si fa portavoce Rodrigo, il marchese di Posa). Il contrasto politico, dal quale si sprigiona una grande forza drammatica, è dunque uno dei grandi temi di fondo dell’opera verdiana. Altrettanto intrigante doveva essere, per il compositore, il motivo dell’amore tra la regina e l’Infante, impossibile per ragioni politiche e causa della loro personale tragedia. Verdi, infine, doveva sentirsi attratto da un altro motivo ancora, quello della nobile e disinteressata amicizia tra Carlo e Rodrigo, che si vena di motivazioni patriottiche nel momento in cui il secondo conquista il primo alla causa del popolo fiammingo. Verdi si mantenne sostanzialmente fedele allo spirito del denso dramma di Schiller e ne trasse, dopo averlo meditato a lungo, una delle sue partiture più monumentali. Don Carlos, il cui libretto fu steso in lingua francese da François-Joseph Méry e Camille Du Locle, fu preparato per l’Opéra di Parigi, dove andò in scena l’11 marzo 1867. Del massimo teatro parigino, Verdi aveva già avuto esperienza diretta: nel 1855, scrivendo e facendovi rappresentare Les vêpres siciliennes, si era familiarizzato con quel complesso sistema teatrale e con il grand opéra di ampie dimensioni. Verdi fece proprie certe caratteristiche di quel genere, prima fra tutte la propensione alla spettacolarità: dai suoi librettisti pretese, fra l’altro, la grandiosa scena di massa dell’autodafè, di cui non c’è traccia nel modello letterario schilleriano. Ma non accettò supinamente tutte le leggi

imposte da quella particolare forma di teatro musicale: per incatenare l’attenzione degli spettatori Verdi fece affidamento, più che sugli aspetti esteriori, sul dramma interiore dei personaggi che agiscono sulla scena. Così facendo, il musicista italiano seguiva la propensione personale a un diverso linguaggio drammatico, che non sempre si conciliava con la grandiosità spettacolare dell’Opéra: al pubblico parigino, Verdi impose quei meccanismi drammatici, concisi e pregnanti, e quella concezione del teatro che già in patria ne avevano decretato il travolgente successo. Dall’opera originale francese, in cinque atti, Verdi ricavò anni dopo una versione italiana dalla quale eliminò, oltre all’atto iniziale, i ballabili; con il titolo Don Carlo, la versione in quattro atti venne presentata alla Scala il 10 gennaio 1884 e rimase – lo è ancor oggi – la più frequentemente rappresentata. L’opera verdiana fa agire sulla scena una vera galleria di anime inquiete. Al centro sta la figura di Filippo II, re di Spagna e padre di Don Carlo; il soliloquio introspettivo «Ella giammai m’amò», sottolineato dalla dolente melodia del violoncello, traduce l’impotenza del potere reale davanti all’animo umano e restituisce magistralmente tutta la complessità psicologica del personaggio. L’evoluzione della figura di Elisabetta la conduce, dalla grazia sorridente delle sue iniziali inflessioni melodiche, verso un canto spezzato e teso che esprime la sofferenza, l’oppressione dolorosa di un destino che la condanna a un matrimonio senza amore; il momento chiave del personaggio è «Tu che le vanità», un monologo rassegnato ma sereno, dolcemente avviluppato negli arpeggi dei legni. Don Carlo, l’innamorato spinto dalla forza della passione e delle sue giovanili illusioni, mostra la sua evoluzione soprattutto nei tre intensi duetti con Elisabetta, nei quali passa dalla pienezza del sentimento amoroso alla disperazione e poi alla rassegnazione dell’addio. Non meno complesse, né meno sfaccettate, sono le figure della principessa d’Eboli e del marchese di Posa. Sullo sfondo l’atmosfera, opprimente e un po’ morbosa, dell’Inquisizione, che nella sua severità contra-

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sta singolarmente con la fragilità dei sentimenti umani. Numerose le scene dal grande impatto drammatico. Nella terribile scena del Grande Inquisitore, l’inquietante vecchio obbliga il re a sacrificare suo figlio alla ragione di stato; è lo scontro tra due forti volontà, nel quale si incarna l’eterno scontro tra il potere temporale e l’ecclesiastico. Trascinante il canto delle voci congiunte ed esaltate di Carlo e Rodrigo, che nel loro duetto celebrano, a ritmo di marcia, l’amicizia fraterna. Teso e grandioso il finale del secondo atto, con le voci della folla accorsa all’autodafè, la marcia funebre minacciosa e cupa, la voce mistica che dal cielo promette ai defunti la pace celeste, il colpo di scena dell’arrivo dei deputati fiamminghi, venuti a perorare la loro causa davanti al re. È una grande scena che concentra il conflitto Alfredo Edel. Figurini per Don Carlo, Teatro alla Scala, 10 gennaio 1884 In basso: Don Carlo. Atto I e Atto III e Elisabetta di Valois 1°. Soprano Atto IV. A destra: Condannati a morte. Comparse Atto II e Condannati alla tortura e torturati assolti. Comparse Atto II.

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drammatico e sintetizza lo scontro tra le forze negative e positive del dramma. La musica di Verdi, con somma abilità introspettiva, dà espressione a ogni sfumatura psicologica, a ogni variazione di carattere. Anziché abbandonarsi al tradizionale florilegio melodico dell’opera italiana e incasellare la sua musica nei pezzi chiusi, Verdi impiega un linguaggio moderno, armonie cromatiche e instabili, effetti orchestrali ricchissimi e ricercati, e soprattutto forme fluide e flessibili. L’opera che scaturisce dalla sua fantasia creatrice non si lascia catalogare nelle anguste categorie di un genere, tanto meno in quelle del grand opéra. Forse meno unitaria di altre opere verdiane, in Don Carlo sono però ineguagliate la potenza dello scavo psicologico, la forza drammatica e l’efficacia rappresentativa.

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Il soggetto Claudio Toscani

ATTO PRIMO La foresta di Fontainebleau Un gruppo di boscaioli lamenta il rigore dell’inverno e la crudeltà della guerra. Arriva nel mentre la principessa Elisabetta di Valois, figlia del re di Francia, che sta partecipando con il paggio Tebaldo a una battuta di caccia. La principessa annuncia ai boscaioli che, a breve, la pace tra Francia e Spagna tornerà a regnare. Mentre Elisabetta si allontana, sopraggiunge Don Carlo, infante di Spagna e suo promesso sposo. Egli è segretamente arrivato in Francia proprio per incontrare Elisabetta di Valois che è stata scelta per lui e della quale è già profondamente innamorato, avendola soltanto intravista (Aria: Io la vidi e il suo sorriso). Quando Elisabetta ricompare, in cerca della via per tornare al castello, Don Carlo si finge membro della delegazione del conte di Lerma, ambasciatore spagnolo e, non appena Tebaldo li lascia soli, mostra alla principessa di Valois il proprio ritratto. Elisabetta riconosce in lui il suo promesso sposo. Don Carlo le dichiara, allora, il proprio amore. Elisabetta gioiosamente ricambia. Un colpo di cannone annuncia la pace tra Francia e Spagna. Tebaldo ritorna e comunica a Elisabetta che il re, suo padre, ha destinato la sua mano non più all’infante Don Carlo, bensì al di lui padre, Filippo II, re di Spagna. Giunge anche il conte di Lerma per sollecitare una risposta da Elisabetta. Pur amando Don Carlo, la principessa di Valois acconsente alle nozze con Filippo II. La pace tornerà così a regnare fra i popoli. Mentre Elisabetta si allontana, Don Carlo rimane solo e disperato. ATTO SECONDO Parte prima Il chiostro del convento di San Giusto. Un frate prega innanzi alla tomba di Carlo V, mentre Don Carlo, Infante di Spagna, ricorda il primo incontro con l’amata Elisabetta di Valois, sua promessa sposa, ma ora moglie del padre Filippo II e regina di Spagna (Aria: Io la vidi e il suo sorriso). All’apparire di Rodrigo, marchese di Posa – che, di ritorno dalle Fiandre, annuncia

la sollevazione di quella regione vessata dalla corona spagnola – Carlo ha un moto di gioia. Egli può confidare il proprio amore per Elisabetta all’amico che, pronto a soccorrerlo, gli ingiunge di dimenticare i propri affanni, recandosi nelle Fiandre per placare le persecuzioni religiose. Al termine del colloquio, Carlo e Rodrigo giurano reciproca amicizia, mentre il re e la regina attraversano il chiostro per entrare nel convento (Duetto: Dio, che nell’alma infondere). Parte seconda Un sito ridente alle porte del chiostro di San Giusto. Le dame di corte attendono la regina, mentre la principessa d’Eboli intona una canzone, accompagnata dal paggio Tebaldo (Aria: Nel giardin del bello). Al suo arrivo, Elisabetta incontra il marchese di Posa dalle cui mani riceve una lettera inviatale dalla madre e – nascostamente – un biglietto in cui Carlo la prega di affidarsi a Rodrigo. Questi la invita a incontrare il figlio e a perorarne la causa presso il re (Aria: Carlo, ch’è sol). Eboli, a sua volta, crede di riconoscere nell’agitato stato d’animo di Carlo – che ella segretamente ama – una prova d’amore nei suoi confronti. Introdotto al cospetto della regina, il giovane chiede a Elisabetta di intercedere presso il re affinché gli conceda di partire per le Fiandre. Ma ben presto il dialogo si muta in una dichiarazione d’amore, interrotta da Elisabetta che ricorda a Carlo l’impossibilità di realizzare la loro unione (Duetto: Perduto ben, mio sol tesor). Il giovane si allontana disperato, mentre la regina – rimasta sola – implora l’aiuto divino. Sopraggiunge il re, che, trovata la consorte senza il seguito reale, condanna all’esilio la contessa d’Aremberg, rea di essersi allontanata dalla sovrana. La partenza della dama è salutata dalle dolci parole di Elisabetta (Aria: Non pianger, mia compagna). Filippo ingiunge al marchese di Posa di trattenersi con lui. Restati soli, Rodrigo narra al sovrano la triste condizione in cui versano le Fiandre e lo invita a concedere l’autonomia a quei territori. Il monarca non accoglie tale richiesta, ma – dopo avergli ricordato il terribile 7

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potere del Grande Inquisitore – rivela al marchese le proprie pene: egli è conscio del sentimento che lega Carlo a Elisabetta e incarica Rodrigo di sorvegliare la giovane coppia. Il marchese accoglie con gioia la proposta del re che lo congeda, dopo averlo messo nuovamente in guardia contro il Grande Inquisitore (Duetto: O signor, di Fiandra arrivo).

ATTO TERZO Parte prima I giardini della regina a Madrid. Al ballo della Regina, l’affaticata Elisabetta chiede a Eboli di prendere il suo posto, indossando il suo manto, i gioielli e la maschera. Eboli, travestita da Regina, consegna a un paggio un biglietto galante per Carlo. Carlo, ingannato da un biglietto che lo invita a un appuntamento notturno, si prepara a un convegno amoroso con Elisabetta. Appare, invece – con il volto velato – la principessa d’Eboli, alla quale egli dichiara il proprio amore (Duetto: Se tu, bella adorata). Quando il giovane si accorge dell’equivoco, non riesce, tuttavia, a celare un moto di stupore. Eboli, comprende, allora, il segreto rapporto che lega Carlo alla regina e – folle di gelosia – giura di vendicarsi. A nulla vale l’intervento di Rodrigo che cerca di giustificare l’amico e minaccia di morte Eboli, per imporle il silenzio (Terzetto: Al mio furor sfuggite invano). Il marchese di Posa invita, quindi, Carlo a consegnargli i documenti provenienti dalle Fiandre, che tiene presso di sé. Parte seconda Una gran piazza innanzi Nostra Donna d’Atocha. Il popolo canta la propria gioia, mentre i frati conducono al rogo di condannati dal Santo Uffizio (Coro: Spuntato ecco il dì d’esultanza). Dopo l’ingresso della corte, un gruppo di fiamminghi – guidati da Carlo – si getta ai piedi del so-

Giuseppe Verdi Don Carlo, direttore Myung-Whun Chung, regia Peter Stein, Teatro alla Scala, stagione 2016-2017.

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vrano, invocando giustizia per la propria patria. Filippo rifiuta di ascoltarli e dà ordine di allontanare i ribelli (Concertato: Sire, no, l’ora estrema). Carlo, allora, dopo avere vanamente richiesto al padre il permesso di recarsi nelle Fiandre, sguainando la spada, si schiera al fianco del popolo fiammingo. Il sovrano risponde all’affronto ordinando di disarmare il figlio che nessuno osa avvicinare. Solo l’intervento di Rodrigo evita lo scontro diretto: egli toglie la spada all’Infante e la porge al re. Il corteo riprende il suo cammino per assistere al supplizio degli eretici, mentre una voce dal cielo invoca la pace eterna.

ATTO QUARTO Parte prima Il gabinetto del re a Madrid. Filippo medita sulle difficoltà della vita di un sovrano (Aria: Dormirò sol nel manto mio regal). Egli richiede, inoltre, una punizione per il figlio al Grande Inquisitore che, a sua volta, propone una condanna per Rodrigo, colpevole della ribellione di Carlo. Ma il sovrano si oppone a tale risoluzione e – dopo un duro scontro – resta nuovamente solo. Giunge Elisabetta che denun-

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cia la scomparsa di uno scrigno – consegnato, a sua insaputa, dalla principessa d’Eboli al re – dove è custodito un ritratto di Carlo. Invano la regina proclama la propria onestà allo sposo che la accusa di adulterio. Sopraggiungono Eboli, lacerata dai rimorsi, e Rodrigo, che comprende di poter salvare Carlo solo sacrificando la propria vita (Quartetto: Ah! sii maledetto, sospetto fatale). La principessa confessa le proprie colpe alla regina che le ordina di lasciare la corte. Eboli deplora gli effetti della sua bellezza e si promette di salvare Carlo dal pericolo che lo minaccia (Aria: O don fatale, o don crudel). Parte seconda La prigione di Don Carlo Rodrigo annuncia a Carlo – rinchiuso dal padre in una prigione – che presto sarà libero: per scagionarlo da ogni colpa, egli si è fatto trovare in possesso dei documenti che l’Infante gli aveva affidato (Aria: Per me giunto è il dì supremo). Un colpo d’archibugio, colpisce alle spalle Rodrigo, il quale, morendo, annuncia a Carlo il prossimo incontro con Elisabetta nel convento di San Giusto e gli raccomanda la causa fiamminga. Filippo, giunto nel carcere per liberare il

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figlio, viene da questi accusato dell’uccisione di Rodrigo. Carlo afferma inoltre che Rodrigo si è sacrificato per lui. Anche Filippo piange la morte dell’amico Rodrigo, rimpiangendone la fiera nobiltà d’animo, mentre gli astanti sono indignati per gli orrori del regno di Spagna. Il popolo, inneggiando all’Infante, irrompe nella prigione. Solo l’improvvisa apparizione del Grande Inquisitore riesce a domare la rabbia del popolo che si inginocchia dinnanzi al sovrano.

ATTO QUINTO Il chiostro del convento di San Giusto. Elisabetta evoca le gioie della fanciullezza e il suo amore per Carlo (Aria: Tu che le vanità conoscesti del mondo). Nuovamente insieme, i due amanti si scambiano l’ultimo addio: l’Infante lascerà la Spagna e si recherà nelle Fiandre dove combatterà per la libertà (Duetto: Ma lassù ci vedremo). Ma il congedo è interrotto dall’irrompere di Filippo, del Grande Inquisitore e delle guardie del Santo Uffizio. Quando Carlo sta per essere tratto in arresto, appare Carlo V che – fra il terrore dei presenti – afferra il nipote e lo trascina con sé.

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... la musica Giorgio Pagannone

Motivi «... non un’opera di getto, ma un mosaico, e sia pur bello quanto si voglia, ma sempre mosaico» (Verdi a Du Locle, 7 dicembre 1869). L’immagine del mosaico si adatta abbastanza bene a Don Carlos, come attesta peraltro la storia delle revisioni dell’opera, con ben cinque versioni accertate (Parigi 1866, Parigi 1867, Napoli 1872, Milano 1884, Modena 1886). La versione “breve” in quattro atti (Milano 1884) non elimina del tutto l’impressione di un insieme disparato, carente di coesione – o di una “tinta” unitaria, come nelle opere più riuscite del compositore di Busseto. Tuttavia, il giudizio di Verdi appare fin troppo severo, per almeno due ragioni. In primis, si tratta di un grand opéra, con sei personaggi principali, un doppio intreccio (politico e amoroso), scene spettacolari, come nella migliore tradizione del genere, dunque il criterio dell’organicità e della concisione drammatica non può costituire il metro di giudizio primario. In secondo luogo, Verdi riesce a tessere una rete di richiami motivici (più o meno a distanza) che, pur senza raggiungere la sistematicità e la complessità del sistema wagneriano dei Leitmotive, traccia pur sempre un disegno nel complicato mosaico e orienta l’ascoltatore. Cito almeno quattro di tali motivi. Il più netto all’ascolto è il motivo dell’amicizia tra Don Carlo e Rodrigo, che nasce come cabaletta del duetto tra i due nell’Atto II (“Dio, che nell’alma infondere”; mi riferisco alla versione italiana in cinque atti), rafforza il loro legame alla fine dell’infuocato terzetto nell’Atto III (parte I) con Eboli; quindi riappare tremulo nel convulso gran finale dell’Atto III, parte II (scena dell’ autodafé), quasi a significare un apparente tradimento del marchese di Posa nei confronti dell’amico; infine, torna nell’aria finale di Posa (Atto IV, parte II), tra la cabaletta lenta (“Io morrò, ma lieto in core”) e la sua ripetizione: l’estremo sacrificio di Rodrigo rinsalda e suggella la fraterna amicizia con Don Carlo. Il secondo motivo, di segno opposto, risuona proprio all’inizio dell’opera (a rigore, a sipario chiuso): una fanfara solenne e lugubre, emblema sonoro dell’assolutismo, e del potere oppressivo da esso esercitato. Quel motivo riappare qua e là nell’ope-

ra, seppur variato o camuffato. Nella stretta del già citato terzetto del terzo atto esso scolpisce la vendetta funesta di Eboli contro Carlo (“Trema per te, falso figliuolo”: nota per nota, sono le stesse della fanfara citata, seppure con ritmo e tempo diversi); poi si ritorce contro la principessa quando questa, pentita, maledice sé stessa nella grande aria del quarto atto, parte I (“O don fatale”; si noti l’inciso “Ti maledico”). Nella gran scena dell’autodafé (Atto III, parte II) – una fastosa celebrazione del potere assoluto – il motivo rifulge in maggiore nel coro iniziale (“Spuntato ecco il dì d’esultanza”), che inneggia al sovrano, quindi fa capolino nella voce di Don Carlo (“Or ben! di voi chi l’oserà?”), quando questi si scaglia contro il padre, cercando con un atto estremo di strappargli il potere. Altre due fuggevoli apparizioni, in maggiore, sono nel duetto tra Carlo ed Elisabetta nell’Atto II (parte II), laddove questa accenna al “dover” come ragione della sua freddezza nei confronti di Carlo, e nell’aria di Posa (Atto IV, parte II), dove questi spiega le ragioni del suo sacrificio, ossia la speranza che Carlo ottenga il potere sulle Fiandre (“Regnare tu dovevi”). In buona sostanza, è un motivo di marca politica, che pure s’intreccia alla vicenda amorosa (vedi Eboli). Gli altri due non sono veri e propri motivi, ma piccoli “segni musicali” che punteggiano alcune scene o situazioni salienti. Il primo è un’acciaccatura insistente (due note che fanno un sol suono, come fosse un singulto): per Massimo Mila, «il tema più conciso e pregnante che fantasia di compositore abbia mai inventato». È un motivo legato alla sofferenza: nella proto-versione in cinque atti lo si sente già all’inizio, nel coro di boscaioli afflitti dalla guerra (che però fu tagliato a ridosso della ‘prima’ parigina del 1867), fa poi capolino nel discorso di Rodrigo sulle Fiandre (duetto Filippo-Rodrigo, finale dell’Atto II); Verdi lo mette in evidenza nella supplica dei deputati fiamminghi, al centro della scena dell’autodafé (“Sire, no, l’ora estrema”), affidandolo alla querula voce dell’oboe, per riprenderlo poco dopo in contrappunto col tema dell’amicizia di Carlo e Posa. Infine ne fa il vero e proprio motivo conduttore nel grande monologo di Filippo che apre l’Atto IV: una sorta di rovello con-

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tinuo nell’animo tormentato del re (magnifica peraltro è tutta l’introduzione strumentale, fulgido esempio di “silenzio sonoro”, ovvero di introspezione musicale). Riappare infine nella scena della morte di Posa, in concomitanza con l’altro ricorrente “segno” drammatico-musicale: il motivo della morte, ossia un breve rullo di timpani più volte ripetuto – un topos usato anche in altre opere e da altri compositori. Il motivo della morte compare in molti punti del dramma, in maniera più o meno velata, e certamente contribuisce a dargli una tinta fosca. Funge anche da premonizione: il motivo appare già nel primo atto, durante il fugace e fatale incontro tra Don Carlo ed Elisabetta nella foresta di Fontainebleau. Quindi compare nel momento in cui Carlo rivela a Rodrigo di amare “sua madre” (Atto II, parte I), gettando una luce sinistra sulla vicenda amorosa e personale dell’Infante. Da quanto fin qui detto emerge una particolare cura dell’orchestrazione da parte di Verdi, come peraltro si conveniva al genere grandoperistico e all’ambiente francese, legato al modello di Meyerbeer, e non insensibile alle novità introdotte in orchestra da Berlioz (si noti ad esempio la ricercatezza timbrica nell’accompagnamento strumentale del coro che precede la sortita di Eboli, nell’Atto II, parte II). Ciò tuttavia gli attirò anche delle critiche: Bizet ad esempio osservò che «Verdi voleva fare del Wagner», rimediando a certi difetti dell’opera italiana, ma finendo per disperderne anche i pregi. Tra questi, c’era sicuramente la cura delle belle forme musicali, la cantabilità ampia e spiegata che deliziava le orecchie del melomane. Forme In effetti, in Don Carlo Verdi sembra voler ripensare le forme e le formule drammatico-musicali di cui si era servito fino ad allora: non le sovraimpone alla materia drammatica, ma semmai le plasma su quella, quando non se ne sbarazza del tutto. L’approfondimento psicologico dei personaggi – spesso lacerati da sentimenti contrastanti e da passioni represse (si pensi in particolare a Don Carlo, Elisabetta e Filippo) – porta ipso facto la musica a tracciarne le complesse e cangianti traiettorie emotive, a scapito magari della saldez-

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za o perspicuità formale. Basti pensare al gran duetto tra Carlo ed Elisabetta nell’Atto II (parte II), che sciorina un mosaico di emozioni difficilmente contenibile in una forma standardizzata. Si riconosce sì una sorta di cantabile centrale (“Perduto ben”), prontamente ripreso da Elisabetta, ma l’impressione generale è di un’estrema fragilità e mobilità espressiva: ai due infelici è precluso l’appagamento di qualsiasi intesa sentimentale, e con esso sono dunque preclusi un canto e una forma musicale condivisi. Le fiammate liriche tendono a organizzarsi secondo un modulo elementare ma efficace: a-a- b, ossia due brevi slanci melodici che preparano una frase culminante: si veda ad esempio “O mio tesor, sei tu” di Carlo, durante il deliquio (Più animato, 3/4). Si tratta di un dispositivo particolarmente adatto a sfogare ed esaurire l’energia melodica in poche battute; il suo uso estensivo accentua l’effetto mosaico, come di una febbrile esaltazione lirica.) Si pensi anche all’aria finale di Elisabetta (“Tu che le vanità”, Atto V), dove il rosario dei ricordi induce un senso di smarrimento formale (si contano almeno otto sezioni), seppure attenuato dalla ripresa della sezione iniziale: la vetusta formula AA-B-A serve da “contenitore”, da livello minimo di organizzazione per scongiurare il totale sfaldamento della forma, che in termini drammatici significherebbe mancanza assoluta di controllo razionale da parte della regina. Verdi non rinuncia peraltro alle forme più familiari: si pensi al terzetto dell’Atto III tra Eboli, Don Carlo e Rodrigo, ricalcato sullo schema quadripartito della “solita forma”, tempo d’attacco - largo tempo di mezzo - stretta. Tende però a drammatizzarle dall’interno, minandone la compattezza in favore del realismo drammatico. Si veda ad esempio l’aria di Rodrigo morente, nell’Atto IV (parte II), dove la “solita forma” viene disarticolata nella zona conclusiva: quella che lì per lì sembra l’attacco di una tipica cabaletta (“No, ti serba alla Fiandra”) s’interrompe per via dell’attentato; segue una nuova sezione di transizione, quindi una cabaletta lenta (“Io morrò, ma lieto in core”), inframmezzata dal già citato tema dell’amicizia. Si pensi inoltre al gran finale dell’Atto III (la scena

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G. Gorin, Giuseppe Verdi, 1867.

dell’autodafé), dove Verdi ripensa in maniera efficacissima la forma e la funzione del largo concertato – un topos del melodramma ottocentesco, che di norma sacrifica il realismo scenico alle esigenze musicali, sotto l’impatto d’un colpo di scena (stasi esterrefatta e catarsi collettiva, dilatate a dismisura in virtù della musica). Qui il largo parte come supplica dei deputati fiamminghi (“Sire, no, l’ora estrema”), con una melodia ad ampio respiro costruita ad arte per produrre un effetto di coinvolgimento generale. Segue però un serrato botta e risposta tra Filippo, coadiuvato dai frati, e tutti gli altri, popolo compreso. Dopo un primo culmine, riparte l’ampia melodia dei fiamminghi, che stavolta trascina tutti nella magia del “crescendo lento”, quel dispositivo di graduale ascesa ed ispessimento sonoro verso un climax collettivo che è il marchio di fabbrica dei concertati e che non manca mai d’effetto, ad onta della sua consuetudinaria presenza sulle scene operistiche dell’Ottocento. Le voci di Filippo e dei frati vengono risucchiate in questa marea sonora, salvo poi riemergere alla fine (il crescendo non viene ripetuto, contrariamente alla norma, come per non rallentare troppo l’azione). In altre parole, Verdi ripensa la formula del largo concertato in termini di dinamismo interno, attenuando l’idea della stasi allibita, del “quadro di stupore” (tableau vivant). Qualche annotazione conclusiva sui due duetti “politici”: Filippo-Rodrigo nell’Atto II, parte II; Filippo-Inquisitore nell’Atto IV, parte I (il primo sottoposto a incessanti revisioni; il secondo rimasto praticamente intatto dall’inizio). A rigore, dovremmo chiamarli “dialoghi drammatici” più che “duetti”, giacché gli interlocutori, più che esprimere affetti condivisi o contrapposti, si fronteggiano argomentando. Certo, la dialettica politica è materia ostica per la musica: Verdi risolve il problema acuendo i conflitti, estremizzando in Rodrigo la passione della politica e facendo di quei diverbi dei veri e propri duelli retorico-musicali, combattuti anche a colpi di acuti (e di note basse). Nel primo duetto, incentrato sul conflitto tra assolutismo e libertà, si distinguono due perorazioni di Rodrigo a favore delle Fiandre, in tono molto concitato (nella prima fa capolino quel motivo in acciaccatu-

ra che abbiamo già segnalato), e un arioso di Filippo (“Osò lo sguardo tuo”), il quale inopinatamente apre il cuore a Posa. Segue una brevissima cabaletta a voci alterne (“Inaspettata aurora”), ma alla fine si torna al declamato, con il monito di Filippo che mette in guardia Rodrigo contro l’Inquisitore (nelle versioni precedenti c’era una conclusione più tradizionale, con due strofe parallele e voci riunite). Il secondo duetto, che mette in campo il contrasto tra potere regio ed ecclesiastico, è concepito nella prima parte come una sequela di botte e risposte: l’ostinato motivo cavernoso dell’orchestra sembra ad un tempo l’immagine sonora del passo stentato del decrepito Inquisitore e l’emblema del potere occulto della Chiesa. L’alta tensione del diverbio è data dalla prevalenza del registro acuto, e da un accorgimento semplice ma efficace: repliche e controrepliche si agganciano spesso l’una all’altra attraverso una nota comune (chi replica lo fa partendo dall’ultima nota dell’interlocutore). Lo strapotere dell’Inquisitore si materializza nelle alzate di voce, nonché nelle vertiginose cadute, come quella sulla parola “Sire”, appena prima della sua tremenda requisitoria contro il re e Posa (“Nell’ispano suol”): un gesto di ironica deferenza, se non di umiliazione nei confronti di Filippo. Questi, a sua volta, dopo tanta rocciosa forza dialettica, conclude declamando un’enfatica frase discendente, che sembra una “genuflessione vocale”, un atto di resa suggellato peraltro dal già citato motivo della morte: “Dunque il trono piegar - dovrà sempre all’altar!”.

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GIUSEPPE VERDI CRONOLOGIA DELLA VITA E DELLE OPERE Marco Mattarozzi

1813 Nasce il 10 ottobre alle Roncole, frazione di Busseto da piccoli commercianti. Il padre è l’oste del luogo; la madre filatrice. 1821 Primo avvio alla musica con Pietro Baistrocchi, organista alle Roncole. In casa Giuseppe trascorre ore su una vecchia spinetta. 1823 Entra al ginnasio di Busseto; Lascia le Roncole e la famiglia. 1825 Sugli studi generali ha il sopravvento la musica, con le lezioni del maestro di cappella Ferdinando Provesi. 1829 Allievo e aiuto, comincia a sostituire il Provesi nelle sue varie mansioni: all’organo, nella locale scuola di musica, alle prove della Società filarmonica. 1831 Baistrocchi, Provesi: il terzetto dei primi sostenitori di Verdi si completa con Antonio Barezzi, personaggio influente in paese. Ha intuito le doti del ragazzo, favorendo gli studi e il trasferimento a Busseto. 1832 A Milano, Verdi non viene ammesso al Conservatorio. Barezzi non si dà per vinto e finanzia il mantenimento in città e le lezioni private: per tre anni Verdi studia contrappunto e i classici con Vincenzo Lavigna, maestro al cembalo alla Scala. 1833 Con la morte del Provesi iniziano le manovre per la successione: a Verdi, sostenuto da Barezzi, il prevosto oppone tale Giovanni Ferrari; la contesa, come è facile immaginare, divide e infiamma Busseto, e finirà per segnare l’atteggiamento di Verdi verso il proprio ambiente. 1834 Introdotto da Lavigna, partecipa alle prove dei nobili Filarmonici milanesi. Frequenta con assiduità la Scala, in stagioni dominate dalle opere di Mercadante e Donizetti. 1836 Supera l’esame per il posto di «maestro di musica» a Busseto; Sposa Margherita Barezzi. 1838 Pubblica a Milano, Sei romanze per voce e pianoforte. 1839 Si trasferisce con la moglie a Milano. Alla Scala è in programma Oberto, conte di

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San Bonifacio; l’opera ha un esito promettente. L’impresario Merelli offre a Verdi un contratto per tre nuovi titoli mentre Ricordi, si assicura la stampa dell’Oberto. Muore la moglie. La nuova opera comica, Un giorno di regno cade senza appello alla Scala. Trionfo alla Scala per Nabucodonosor (Nabucco). Verdi diviene un protagonista della vita milanese, conteso dai salotti, presente in ogni aspetto della società del tempo, dalla moda alle idee di riscatto nazionale. I lombardi alla prima crociata rinnovano il successo del Nabucco. Viaggio a Vienna per Nabucco. Ernani a Venezia: successo discreto; l’opera è ripresa a Vienna diretta da Donizetti. I due Foscari a Roma. Giovanna d’Arco per la Scala, Alzira per il San Carlo di Napoli. Scritta nel giro di quattro settimane, Giovanna d’Arco è all’origine della rottura con il teatro milanese: Verdi tornerà alla Scala soltanto per Otello. Contrastata “prima” di Attila alla Fenice. Giuseppina Strepponi, prima interprete di Abigaille nel Nabucco, abbandona le scene. Debutto all’estero: I masnadieri a Londra; Jérusalem, rifacimento dei Lombardi, per l’Opéra. Inizio dell’unione con la Strepponi. Breve viaggio a Milano e Busseto. Scrive Il corsaro; invia a Mazzini l’inno Suona la tromba, su versi di Goffredo Mameli. La battaglia di Legnano al Teatro Argentina, nel clima di esaltazione della Repubblica Romana; il quarto atto viene regolarmente bissato, presenti Mazzini e Garibaldi. A fine estate – esaurita la fase insurrezionale e rivoluzionaria – Verdi, con la Strepponi, torna a vivere nei suoi luoghi; Luisa Miller va in scena di lì a poco. Stiffelio a Trieste.

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1851 Dopo noie e scontri con la censura, Rigoletto trova la via della scena; successo immediato e vivissimo. In primavera, pronta ormai la villa di Sant’Agata, Verdi vi si trasferisce. Il 30 giugno perde la madre. Parte con la Strepponi per Parigi. 1852 Al Théâtre du Vaudeville si rappresenta con enorme successo La dame aux camélias, adattamento scenico del romanzo di Dumas figlio. 1853 Il trovatore a Roma, La traviata a Venezia. Il trovatore approderà a Parigi nel 1854, sulle scene del Théâtre Italien. 1855 Felice esito per Les vêpres siciliennes; l’opera, subito tradotta in italiano, è presentata a Parma con il titolo Giovanna de Guzman. 1857 Il trovatore adattato agli spazi e alla misura dell’Opéra, con l’inserimento del balletto d’obbligo. All’indomani della première due titoli attendono Verdi: Simon Boccanegra e Aroldo. 1858 Insormontabili difficoltà di censura portano a sciogliere un contratto con il San Carlo: nel primo decennio dell’Italia unita, Verdi scriverà solo per teatri stranieri. 1859 Un ballo in maschera al Teatro Apollo; successo travolgente, con le proverbiali grida di «Viva V.E.R.D.I.» Sposa Giuseppina Strepponi. 1862 Per l’Esposizione di Londra compone l’Inno delle nazioni per tenore, coro e orchestra. Viaggio a Pietroburgo, via Mosca; La forza del destino va finalmente in scena: successo strepitoso. 1867 Don Carlos va in scena all’Opéra. Muoiono il padre, Carlo, e Antonio Barezzi.

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1868 Incontra a Milano Alessandro Manzoni. 1869 In occasione della “prima” scaligera presenta una versione riveduta di La forza del destino, con l’aggiunta della Sinfonia e un nuovo quadro finale. 1871 Assiste a Bologna a Lohengrin. Aida al Cairo; successo memorabile, ripetuto alla Scala nel 1872. 1873 Scrive il Quartetto in mi minore per archi. La morte del Manzoni riporta in primo piano l’idea del Requiem. 1874 Milano, chiesa di San Marco. Dirige i complessi scaligeri nella Messa da Requiem, nel primo anniversario della morte di Manzoni. 1884 Don Carlo va in scena alla Scala. 1887 Otello alla Scala: attesa eccitata, agitazione festosa per un avvenimento che coinvolge l’intera città. L’opera è una gioia e una rivelazione per il mondo musicale. 1889 Acquista un terreno alla periferia di Milano: vi sorgerà la Casa di riposo per musicisti. 1892 Dirige alla Scala la preghiera del Mosè, per il centenario della nascita di Rossini: è l’ultima apparizione sul podio. 1893 “Prima” di Falstaff alla Scala. 1897 Muore a Sant’Agata Giuseppina Strepponi. Trascorre gli inverni in città, nella suite al primo piano dell’Hôtel de Milan. 1898 Pubblicazione e prima esecuzione dei Quattro pezzi sacri: con l’Ave Maria, lo Stabat Mater per coro e orchestra, le Laudi alla Vergine Maria per coro femminile, il Te Deum per doppio coro e orchestra. 1901 Si spegne la notte del 27, nella sua camera d’albergo.

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Elenco Sostenitori Giovani aggiornato al 22 dicembre 2016 Emanuela Abate Allegra Accornero Clara Alfieri Silvia Arduino Anna Aronsson Conte Federica Arrighi Caterina Baldo Francesca Beltrame Margherita Benazzi Caterina Berta Maurizio Berta Deniz Besiroglu Gennaro Bianchi Silvia Bologni Davide Boni Chiara Borghese Leda Botton Carolina Brambilla Beatrice Brambilla Rivolta Camilla Bruché Elisa Jolanda Bryner Marco Bussolati Andrea Cafieri Daniele Capuzzi Cara Leonora Paola Cardarelli Giada Eleonora Carioti Virginia Carioti Davide Cassoli Silvia Catalano Marianna Cavallotti Anna Cristina Ceresa Andrea Cerini Vivian Grace Chammah Rebecca Cofrancesco Thea Colombo Michele Colturi Lorenzo Colucci Sofia Colucci Angelica Concari Luca Conte Fabio Conti Benedetta Da Conceicao Francesco Dal Fiume Camilla Aurora Daprati Chiara De Angelis Matteo De Boni Beatrice De Rosa Stefano Di Fonzo Consuelo Di Pietro

Martina Dimastromatteo Alessia Donnini Catarina Dos Santos Roberto Ettori Lydia Viviana Falsitta Anna Sanibel Ferrini Cesare Figari Barberis Giovanni Figari Barberis Nicola Figari Barberis Ettore Fogliani Elena Folli Francesca Folkmer Marta Fontana Anna Foresti Ella Fortunato Ilaria Franco Anna Fuccio Alice Gappi Beatrice Benedicta Garofoli Alessandro Genta Cristina Ghilardi Golsa Golchini Costanza Gorick Francesca Greco Alessia Gualla Francesca Gugino Gizem Guler Fanny Kihlgren Izabella Kuznetsova Lorena Siqueira Leuzzi Cheng Li Arianna Lodi Caroline Micol Loguercio Giovanni Luongo Stefano Madonna Elisabetta Magistrali Giovanna Magnocavallo Elisabetta Maria Malandra Eleonora Malliani Andrea Camilla Mambretti Marie Juliette Marini Isabella Marsano Alessandro Martinenghi Alessandra Mazzi Giulia Mazzolani Giulia Mazzoleni Allegra Meroni Michele Miglietta Marta Moggi Valeria Mongillo

Francesco Moiana Giorgio Morandi Isabella Murdica Clara Mussella Andrea Musumeci Chiara Negretti Guendalina Pacifico Griffini Emilia Padovan Francesca Enrica Padula Nice Pappalettera Jacopo Parravicini Massimo Petternella Miranda Pizzigoni Marinella Pizzoni Francesco Politi Federico Poni Giulia Premarini Chiara Rabitti Francesca Ramondetti Giulio Ravizza Priscille Raynaud Géneviéve Renard Di Mercurio Beatrice Resinaro Ilaria Rocca Elisa Rolando Riccardo Rossi Diana Sala Paolo Saltarelli Antonio Sanson Margherita Santoni Gaia Benedetta Scarpellini Carlotta Schena Letizia Schena Sofia Schena Giulia Sofia Scilla Lavinia Siardi Alessandro Sighinolfi Alessandra Signorelli Marta Solari Francesca Spano Victor Sporyshev Erika Staffile Lucrezia Trionfante Alice Tromanesi Lara Vailati Sara Zanichelli Marta Zaninetta Kateryna Zhylyuk Nadezhda Zvereva Giulio Zoratti 15

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