Melómanos Magazine | Edición #8

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DIRECTOR Jorge Rubio Soto EDITOR GENERAL María José Silva Costa PRODUCCIÓN Jorge Rubio Soto ARTE Y DISEÑO Felipe Estay Miller Jorge Rubio Soto

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FOTOGRAFÍA Bianca Godoy Paez María Paz Arias PERIODISTAS Natalia Araya María José Silva Ignacio Silva Jorge Rubio Joaquín Riffo COLABORADORES Macarena Mundaca Francisco Silva CONTACTO melomanoswbzine@gmail.com PUBLICIDAD Y AUSPICIADORES j.rubiosoto@gmail.com AGRADECIMIENTOS Michelle Lasalvia http://michi-pirichi.blogspot.com

TWITTER: #MELOMANOS8 REVISTAMELOMANOS.CL FACEBOOK.COM/MELOMANOSMAGAZINE TWITTER.COM/MELOMANOSMAG

Es cierto. Hoy, todo lo que se haga, sirve. Son tantos los intentos exitosos y fallidos, que recién hoy podemos ver a un Gepe brillando en el Festival de Olmué; o a una Cumbre del Rock Chileno copada a su máxima capacidad. La prensa solo es un colgado más de todo esto. Hasta nosotros, como un medio digital (ya no tan) emergente, actuamos como polillas revoloteando alrededor del brillo del talento nacional.

Pero hay peores. ¿Cuál es el límite entre ser un difusor de cultura sin fines de ego y el vender por vender? ¿Cuál es el límite entre la fama a costa del trabajo de otros y producir la fama de otros? La respuesta no está en el trabajo que haces, sino en el cómo lo haces. Si hoy, un periodista puede ser nombrado como algo parecido a un “salvador de la música chilena”, solo por editar un libro con entrevistas básicas y a nombres que son éxito seguro y probado, pues entonces, Melómanos Magazine es la Rolling Stone de la música nacional.

Somos muy chicos, nos atrasamos en nuestras publicaciones y ni siquiera hemos cumplido dos años. Pero aún así, el trabajo que hemos hecho, lo hemos hecho bien. Porque es a Ases Falsos, Los Embajadores, AstorVoltaires, Martín Pescador, Cómo Asesinar a Felipes, etc; a quien queremos destacar. Esta no es una revista de “periodistas estrellas” entrevistando a “artistas x”. Porque Melómanos Magazine no necesita hacer un libro para hablar de música chilena: Melómanos Magazine es música chilena.

Jorge Rubio Soto Director de Melómanos Magazine

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EDITORIAL

Hace mucho tiempo, una talentosa mujer del metal nacional, me daba una cuña muy interesante para un trabajo universitario. Ante mi curiosidad por saber cuál era su opinión sobre la relación medios de comunicación / músicos nacionales, me respondió algo muy cierto. “En nuestro país no hay una industria musical muy desarrollada, por lo que cualquier cosa que se haga para que un artista logre sacar a la luz su material, está bien”.

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EN PORTADA ASES FALSOS FOTO BIANCA GODOY PAEZ EDICIÓN FELIPE ESTAY MILLER

8 LA REINA MORSA REINVENCIÓN A PRUEBA DE ADVERSIDADES

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JAVIER BARRÍA HACIENDO DE LA MÚSICA, UN VIAJE

14 CLÁSICOS NACIONAL: MAKIZA

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CLÁSICOS INTERNACIONAL: THE BEACH BOYS

16 PAULA HERRERA LA SENCILLEZ DE UN CARACOL

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BANDA 2012: ASES FALSOS UN NUEVO CAMINO AL ÉXITO

24 DÁ CLIP: DANIEL GONG - SOBRE LA CIUDAD

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VIDEOTECA: ALMOST FAMOUS

26 NIÑO COHETE EL VUELO INCANSABLE PREPARA SU GRAN ATERRIZAJE

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LOS ONCE DE: JOVEN Y ALOCADA

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EFEMÉRIDES: JORGE GONZALEZ

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LA VITROLA REVIEWS

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IMPORTACIONES: MØ

32 EMERGENTES: SERKIMONO 33 ESPECIAL: LOS TRECE DISCOS DEL 2012 37 DERRAME CEREBRAL

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Indice

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REINVENCIÓN A PRUEBA DE

ADVERSIDADES

POR CLAUDIO SALAS FOTOS POR MARÍA PAZ ARIAS

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LA REINA MORSA

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Los de La Reina Morsa están jugando. Se reúnen a trabajar con rigurosidad en torno a la banda, se comprometen con ella y con sus miembros, pero a la vez son como niños jugando a la pelota.

Quizás hasta ni se han detenido a pensar que son pocos los que sobreviven en la escena local, aún así, con una fórmula mucho más simple de lo que parece, lograron colar su sonido en el subconsciente colectivo.

Tras dos años, La Reina Morsa lanza su segundo LP titulado “Hijos del Hombre” ad portas del cierre de Cazador. Conversamos con Vicky Cordero y Fernando Rubilar sobre su actual situación, futuros proyectos y todo lo que sea menester saber.

HIJOS DEL HOMBRE Ahora que lanzaron su disco, ¿en qué se encuentran?

Vicky Cordero: Básicamente promocionándonos. Estamos intentando tocar harto, tenemos un single dando vueltas en las radios: Dinamita Show, y también queremos ir a tocar a regiones durante el verano para aprovechar de expandirnos y hacer que nuestra música llegue a la mayor cantidad de gente posible.

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¿Cómo definirían este nuevo trabajo?

V: Es bien auténtico, nos gusta harto. Para nosotros se trata de hacer lo que queramos, incluso sin prestarle mucha atención a lo que quiera la gente, porque en esa nos fuimos “hagamos un disco para nosotros, lo que nosotros queramos hacer, sin tener una pauta a seguir”.

Fernando Rubilar: A diferencia del primer disco, éste como que fue mucho más darle rienda suelta al hueveo en la sala y que de ahí naciera todo. Es simplemente un retrato del trabajo de cuatro músicos durante un período de tiempo. ¿En qué se diferencia del anterior?

V: La esencia es la misma, pero se siente más liviano. Es mucho menos denso, introspectivo y melancólico.

F: Aparte el sonido en bruto es distinto, porque el anterior era más acústico y el de ahora es más de banda, aunque con la intención de mantener la identidad del grupo.

¿Qué influencias tiene?

V: La única influencia que tenemos son las maquetas que teníamos cuando grabábamos en la sala.

No agarramos un lote de discos buscando copiar sonidos, sino que simplemente mejoramos el sonido que teníamos nosotros mismos en las grabaciones. ¿Con qué colaboradores contaron en este disco?

V: Con Alejandro Palacios, bajista de Protistas que toca la trompeta en 1989 y Entre la maleza. El Leo Saavedra, quien produjo “Quiero ser”, grabó las guitarras, los teclados y las voces de acompañamiento. Y con Javiera Naranjo y Cristóbal Briceño quienes hicieron el arte del disco. ¿Cómo han visto la recepción del público?

F: Buena, porque pensábamos que la gente se podía identificar demasiado con la onda antigua y que ahora no pescaran. Pero al contrario, parece que la intención de mantener la identidad del grupo funcionó, porque la gente se re engancho.

V: De hecho, en vivo las cantan y las saltan, y ya no es como que se echan pa’ atrás y se deprimen, que era un consecuencia independiente a lo que nosotros queríamos del primer disco. Es fantástico que la gente pueda cantar, saltar y gritar.

A mí me encanta. ¿Por qué tardaron tanto en lanzar su segundo LP? V: Porque se nos fueron tres miembros de la formación anterior,

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F: Pudimos haber contratado músicos de estudio y grabar otro disco sin problemas, pero preferimos madurar esa formación de banda.

¿Y cómo fue su relación con el sello?

V: Buena, son como la mamá buena onda que de repente te agujea para que hagas tu pieza. Nos hubiéramos demorado mil años en hacer todo lo que hemos hecho sin ellos, en todo nos han ayudado. Aparte también son como una familia, somos súper amigos. ¿Han pensado bajo qué sello trabajar ahora?

ADIÓS CAZADOR

F: No, porque aún estamos recién con este disco y lo vamos a seguir promocionando con la gente de Cazador, aunque el sello se esté extinguiendo. Entonces cuando tengamos otro disco seguramente vamos a tocar puertas, se acercará alguien, no sé, pero no hemos buscado algo aún.

¿Fue casualidad que el lanzamiento fuera junto al cierre de Cazador?

¿Qué agrupación chilena destacarían?

F: No, porque manejábamos como fecha tentativa el segundo semestre del 2012, entonces el hecho que acabara el sello fue algo que vino a darle aún más mística al lanzamiento.

F: En particular, dos que sacaron discos el 2012: Protistas y Ases Falsos.

Vinieron a refrescar la onda acá porque estaba súper ligada al electro pop, pista de baile y dance hall. Es bacán que vayan ocurriendo ciclos donde aparecen discos más rockeros.

V: A mí me gusta harto lo que hace La Big Rabia también, un poco por lo mismo, porque leí en una entrevista que también estaban chatos de tanto pop. Yo respeto el traba-

V: Nos gusta la idea de la banda, nos gusta tener un trato de amigos.

Yo creo que las mejores bandas del universo parten de un grupo de amigos, y se empiezan a ir a la mierda cuando dejan de ser amigos.

V: Nosotros teníamos el disco casi listo y nos dijeron que el sello se acababa. Entonces nos dieron la opción de aplazar el lanzamiento y ver si otro sello nos sacaba, pero preferimos seguir con Cazador.

jo de todos los músicos, pero nos gusta ver la variedad y energía que tienen ellos. Es bien rockera su onda, entrega otro aire a la música chilena. ¿Han pensado en internacionalizar la carrera?

F: Es una linda idea, pero primero nos trazamos recorrer nuestro propio país antes de colonizar otros lados. Ser profeta en tu tierra para mí es un verdadero logro, porque muchas de las bandas que salen al extranjero no han recorrido Chile, entonces nos gustaría darle esa consecuencia a nuestra incipiente carrera. ¿Próximas fechas?

V: Tocamos el 6 de febrero en el BeerFest de San Antonio y vamos a estar sacando fechas hasta marzo probablemente, porque estaremos viendo si nos vamos a regiones.

Hemos estado en Talca, Valpo y Coquimbo, pero nunca hemos ido a Concepción, tenemos una deuda súper grande con ellos.

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tonces nos tomamos un tiempo para encontrar gente nueva que resultaron ser amigos nuestros (Pablo Gálvez y Ricardo Herrera). Nos demoramos para re encantarnos con el proyecto, porque es como empezar todo de nuevo, y una vez hecho eso, agarrar los temas que estábamos haciendo y sacar el disco adelante.

Aerolíneas Makiza POR IGNACIO SILVA ILUSTRACIÓN POR FELIPE ESTAY

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Pensar en el hip hop chileno de la segunda mitad de los 90 es remontarse a una etapa donde la autogestión y la camaradería de años de reuniones en la Estación Mapocho habían cimentado una escena de incipiente éxito comercial, donde incluso había apoyo de sellos transnacionales. La punta de lanza del movimiento la representaba Tiro de Gracia, quienes ya habían logrado llamar la atención de EMI para editar “Ser Humano”, su debut en largaduración, en 1997.

“Vida Salvaje” fue la carta de presentación del conjunto. Se trataba de un disco de ocho cortes y editado de manera independiente, que sitúo a los nacientes Makiza en el panorama del hip hop local. Sin embargo, el principal logro de la placa surgió cuando Sony Music se acercó con la intención de trabajar en el próximo elepé de la banda, previendo que ellos eran la opción para igualar el éxito en ventas que EMI había cosechado con Tiro de Gracia.

Dentro de ese contexto -y en el mismo año en que salía “Ser Humano”- nace Makiza, una banda formada por cuatro integrantes con una característica distintiva en común: todos habían vivido en el extranjero. Seo2, un MC criado en Suiza, se hizo cargo de las rimas, tarea que cumplió a medias con Anita Tijoux, cantante nacida en Francia a causa del exilio de sus padres. El tándem, que llamó la atención del público por su calidad y por poner a una mujer al frente de una banda de hip hop, se completaba con una dupla integrada por DJ Squat (proveniente de África), en scratches y Cenzi (que venía de Canadá), en producción.

Luego de dos años de trabajo, el grupo por fin estaba listo para debutar en las grandes ligas. “Aerolíneas Makiza”, un extenso trabajo de una veintena de pistas, fue lanzado el 15 de noviembre de 1999, dando el golpe inmediato con su primer sencillo: ‘La rosa de los vientos’.

Con una potente letra basada en la experiencia de ser criado en el extranjero y una base sampleada de ‘TheOnlyThing I WouldWishFor’ (de Angela Bofill), la canción conquistó con rapidez los oídos de público y críticos. En ella, la pareja de MCs rapeaba sobre los cambios y problemas producidos por el desarraigo del

exilio, lo que caló hondo en una sociedad que todavía no cumplía una década desde su vuelta a la democracia. De hecho, fueron los temas con letras políticas y sociales del disco (‘En Paro’, ‘La Misión’, ‘La Saga’), los que más llamaron la atención de la audiencia, que vio en Makiza una manera de expresarse de forma libre frente a situaciones (por ese entonces), tan recientes como la detención de Pinochet en Londres.

Pero “Aerolíneas” era mucho más. El aspecto lírico del álbum no se limitó a la politizada contingencia y, de cierta manera, terminó siendo una especie de catarsis de los cantantes de la banda. Así, algunas canciones dieron espacio para que en el disco se trataran temas como la difícil relación de Seo2 con su padre (‘In loco parentis’), la reivindicación femenina de Anita (Tu luz + su luz), el amor (‘Alquimia’) y cosas más abstractas como qué es ser un buen MC (‘Esencia de vida’) y la complejidad de la banalidad (‘Un día como cualquiera’).

Y aunque era un trabajo de gran calidad en ese aspecto, el disco también llevó un paso más allá lo referente

a la música. Como un curador de museo, Cenzi parece haber hurgueteado en cajones con vinilos olvidados para encontrar los samples precisos desde los cuales construir esas atinadas bases que no sólo dotaron a Makiza de un carácter, sino que también dieron mayor sentidoa lo que sus MCs rimaban. Todo eso, sumado a los oscuros scratches de DJSquat, hicieron de “Aerolíneas” un clásico generacional que además de regalarle un himno al hip hop chileno (‘La rosa de los vientos’) impulsó la carrera de la banda y sirvió de influencia a las nuevas generaciones.

Aunque poco después del lanzamiento vendría una conocida historia de separaciones, carreras en solitario y reuniones, el segundo trabajo de Makiza encerró el momento en el cual todos se percataron que en Chile también se podían hacer las cosas bien. Una simple lección que incluso hoy sigue cosechando frutos.

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PAULA HERRERA La Sencillez de un Caracol

POR MARÍA JOSÉ SILVA ♦ FOTOS POR MARÍA PAZ ARIAS Su carrera musical la comenzó bajo el seudónimo de “Amarantha”, distintivo que adoptó, pues siempre le decían que era la hermana chica de Pablo Herrera “y aún me lo dicen…”. De la mano del pop y de dulces baladas, Paula se adentraba al mundo de la música. Sin embargo, el año 2011 su carrera da un vuelco, volviendo a ser Paula Herrera y volviendo a ser quien siempre quiso ser.

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El pop y la balada son estilos que desde pequeña estuvieron presentes en la vida de Paula, por esto decide experimentar por esta área y comenzar una carrera musical como “Amarantha”. Sin embargo, una vez estando ahí, sintió que no era ese el camino que quería seguir y necesitaba hacer un cambio. “Llevaba tres años con ese proyecto y me acordé de porqué entré a estudiar música, me acordé de la primera vez que tomé una guitarra y la sensación de estar flotando y hacer flotar a los demás, entonces dije esto es lo que tengo que hacer, volver al origen, volver a lo más simple”.

Con esta idea en la cabeza, dejó a un lado su seudónimo y volvió a ser Paula Herrera. Con una canción bajo el brazo, ‘Verde y Celeste’, la cual, además, le dio nombre a su primer disco, comienza un nuevo camino ligado al folk, a las raíces de la música chilena, pero sin dejar totalmente de lado su faceta pop.

En noviembre del 2011 lanza, “Verde y Celeste” y un año después lanza “La Discreción del Caracol”, ambos producidos por el músico y productor Cristián Valdivia, retomando las raíces campesinas, con las que creció y aprendió de la música en su querido Curicó.

Pero antes de mostrar su nuevo trabajo en Chile, Paula agarra sus maletas y se va a conquistar España, lugar donde su música fue muy bien recibida, dando más de quince conciertos y siendo llamada a diversas radios para mostrar su trabajo. ¿Por qué tomaste la decisión de mostrar primero tu música en España y no acá?

Yo siento, que la escena acá en Chile está maravillosamente poblada y eso es bacán, porque es algo que hace 15 años atrás no pasaba, pero el circuito es muy chico; en general, siempre se le da cabida a los mismos. Pero además, lo sentí como un desafío personal,

“Ya ¿No erís’ tan chora? ¿No querís’ ser cantautora?”

Y en Chile, te apoya la familia, los amigos, pero necesitaba estar en un escenario donde nadie me conociera y dije “Tengo que aventurarme” y pensé en España, porque hay harto movimiento, mucho lugar, mucho público y público muy dispuesto a escuchar.

De vuelta en Chile y ya instalada como Paula Herrera, en enero del 2012, toma un nuevo desafío, participar del homenaje a Violeta Parra en el Festival del Huaso de Olmué. Si antes ya se daban las comparaciones con la cantautora nacional, luego de su participación, este fue un comentario aún más recurrente, llegando a catalogarla como la nueva Violeta Parra. ¿Cómo te sientes cuando te comparan con Violeta Parra? ¿Te consideras como una nueva Violeta?

Es que yo creo que Violeta tiene influencia en toda la música popular, hay un antes y un después en la música de Violeta. Creo que yo no le llego ni a los talones y agradezco mucho que me comparen, pero yo soy la Paula Herrera, pa’ bien y pa’ mal. Ahora, sí creo que hay una influencia, porque ella rescató la esencia de nuestro país, junto con Margot Loyola, maravillosa recopiladora. Yo creo que Violeta junto a la Margot, fueron las primeras que rescataron eso. ¿Te sientes también cumpliendo con esa labor?

Sí, desde mi humilde lugar, porque yo estuve en el campo, porque yo viví ahí, porque yo iba donde la vieja que no tenía dientes y tocaba guitarra y era como volar con ella al escucharla cantar, con un nivel de sabiduría, una generosidad y de una sencillez que no la puedes encontrar acá en la ciudad. Igual la encuentras, pero no de la misma manera, porque hay más desconfianza, allá la gente es mucho más confiada, entonces te encuentras a brazos abiertos el amor de la tierra y el canto ancestral.

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SACANDO LOS CACHITOS AL SOL Luego de su disco “Verde y Celeste”, y la buena recepción que este tuvo, Paula se puso de inmediato a trabajar en su nueva placa “La Discreción del Caracol”, con la cual buscaba reafirmar su nueva posición en la música y dar a conocer al mundo quién es Paula Herrera. ¿Cómo sentiste la evolución de “Verde y Celeste” hasta este disco?

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Hubo una maduración. El disco “Verde y Celeste” lo preparamos durante un año y medio y sin duda fue como la búsqueda de ir al menor recurso posible, o sea, todo lo contrario a lo que había pasado en mis otros discos, hay una disminución y un minimalismo.

Pero este es aún más minimalista. En lo musical, la guitarra es el personaje principal, hay alguna percusión, alguna que otra base electrónica dando vuelta, pero mínima, y con la economía y precariedad de recursos quise hacer un trabajo lo más armónico posible. No tiene más pretensiones que destacar la letra, la voz y la sencillez, porque yo creo que es tan bonito crear a través de lo más simple y creo que de esto se trata este disco, de la simpleza.

Entre el lanzamiento de “Verde y Celeste” y “La Discreción del Caracol”, pasó a penas un año ¿Por qué el apuro por sacar este disco?

Tenía dos discos como Amarantha, saqué el último el año pasado y era tan distinto a lo anterior que tenía que reafirmar mi posición en la vida y tenía que hacerlo luego, porque es como una necesidad espiritual de decir “estoy en ésta y no estoy tan loca, aunque parezca” (ríe). Y esa fue la idea, entonces trabajé un poquito bajo presión, pero fue interesante.

Al reafirmar en este disco tu posición de quién eres, entonces ¿Quién sientes que eres ahora y qué quisiste plasmar?

Primero, escogí el título, porque un día iba caminando por el jardín y me di cuenta que habían huellas de caracol y yo dije “¡Oooh! ¡Qué increíble! Siempre pasan y nunca los ves”. Además, son lentos, se arrastran, reciben mucha energía de la tierra y necesitan del sol para poder vivir, igual que nosotros. Y me gustó también el concepto de que los caracoles son vulnerables y tienen esa caparazón que los protege, porque soy súper vulnerable y siento mucho, los caracoles sienten mucho con esa piel que tienen, entonces es como describir un poquito eso, lo sensible que soy, mi mirada y eso soy, soy como un caracol.

Siento que era como una necesidad de los tiempos. Por mucho que uno tenga influencias del campo, igual estamos viviendo en una sociedad súper moderna y que hay muchos recursos que uno puede utilizar, pero la idea es no engolosinarse, si no que usarlos de una manera tan sutil que sea un aporte y no ensucie el mensaje y yo creo que esa es la gracia de los arreglos del disco.

Hiciste un cover de Sheena Easton de “Todo me recuerda a ti”, algo, tal vez curioso, puesto que esta canción podría acercarse más al estilo de Amarantha, sin embargo lo adaptaste al estilo de Paula Herrera ¿Por qué elegiste esta canción?

Cuando era chica, me acuerdo que nos reuníamos en el campo toda la familia con un paquete de galletas a mirar el Festival de Viña y era magia, era el minuto que

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Algo que destaca de tu trabajo, además de las letras, de tu voz y de la suavidad de tus melodías, es que a este estilo folk le agregas bases electrónicas ¿esto lo ligas con tu pasado más pop?

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veías al artista que escuchabas en la radio… era maravilloso. Siempre fui cebolla, independiente que en mi casa se escuchaba mucho folclor, el elemento cebolla a mí me gustaba. Y me acuerdo cuando llegó Sheena Easton a cantar, marqué ocupado y me dije “algún día voy a cantar esta canción”. Se la propuse a Cristián el disco pasado, le mostré la versión y me dijo “no”, y este año le volví a decir “Oye, Cristián, la canción…” y me dijo, “ya, la vamos a poner”, no muy convencido y ahora le encanta y yo siento que fue un acierto. Y no fue por poner un cover, fue porque siento una conexión con la canción, porque me encanta.

Llevas unos meses ya con “La Discreción del Caracol” ¿Cómo has sentido la recepción del público?

En la actualidad, Paula sigue aceptando desafíos. En febrero representará a Chile en el Festival de la Canción de Viña del Mar, con el tema “Con el zapatito, con el zapatón”. Además está preparando el video clip de este tema, que también será el primer video de “La Discreción del Caracol”.

“Yo creo que mi camino es desde el boca a boca, desde los pequeños escenarios, porque me siento como en el living de mi casa y esa es la magia de cuando yo canto, cuando me tienes más cerca se traspasa mejor eso, que se pierde en los escenarios grandes. Ahora, si se me da la oportunidad de cantar en un escenario grande acepto encantada, yo rara vez digo que no a una invitación, porque nací para cantar”.

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Ha sido muy bonita, porque como que me descubrieron como artista. Fue como “¡Qué linda esta música! ¡Y tiene más discos! ¡Y tiene una historia detrás! ¡¿Dónde estabas antes que no te había visto?!” (ríe). Ha sido como una especie de valoración en ese aspecto. Y este disco me hace mucho sentido, reafirmé todo mi camino y la gente lo ha sentido así y he recibido mucho apoyo de todas partes del mundo que me han valorado mucho como artista y mi trabajo como caracol.

DÁ CLIP

DANIEL GONG - SOBRE LA CIUDAD

SANTIAGO EN RAYOS X | El Tit ular |

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El odio a las nuevas construcciones, el abandono y olvido de barrios memorables, el atentado visual que borra el cielo de las ventanas; es como la ciudad ha ido creciendo de manera acelerada, convirtiéndose en un mutante sin forma y un hombre manifestándose contra este nuevo Goliat.

Ya lo vimos una vez, a través de los irónicos pasos de baile de Adrianigual y el interminable Costanera Center en llamas. Esta vez, la radiografía está en manos de Daniel Gong y “Sobre la ciudad”. Con guitarra en mano, realiza un verdadero escáner a una ciudad perdida entre edificios y conventillos en vertical.

“Sobre la ciudad” es el primer sencillo de “Cacería”, primer disco como solista de Daniel Gong, ex integrante del extinto Bonifaz. Complementado con un

POR JORGE RUBIO SOTO

gran trabajo audiovisual, Gong muestra lo que otros no: la ciudad escondida entre los edificios, edificios que hacen sombra desde Plaza Italia “hacia abajo”.

Sin embargo, “Sobre la ciudad” es sólo un vistazo a lo propuesto por Daniel a lo largo de su disco. “Cacería” es como sentarse en el living de una casa tan acogedora como sus canciones. El disco puede ser descargado de forma gratuita desde Registro Móvil, el sello que acoge el trabajo de este músico.

Siempre es bueno echar una mirada a lo que hay a nuestro alrededor. La vertiginosidad, los contrastes, la luz y la sombra. Son elementos que siempre están presentes y, a veces, son invisibles a nuestros ojos.

Daniel Gong sólo cumple con hacernos recordar.

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El vuelo incansable prepara su primer gran aterrizaje

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POR JOAQUÍN RIFFO FOTOS POR BIANCA GODOY La banda penquista ha sabido cautivar a un público tanto dentro como fuera de los límites de su ciudad natal, mediante una sólida propuesta con especial atención a los detalles. La imaginería que rodea su música y la seriedad con la que han afrontado su trabajo generó el contacto con Fernando Milagros, quien trabajará como productor de su primer disco.

Un poco más de dos años han pasado desde ese 2010 cuando Niño Cohete ganaba el Festival de Bandas de la Universidad de Concepción, dando a conocer una propuesta poco explotada en la escena, hasta extravagante, si se toma en cuenta lo que se venía escuchando en Concepción en los años anteriores. No sonaba a rock penquista, ni siquiera estaba claro si era rock o no. Fue el despegue de este cohete, una travesía que ellos mismo han definido como “hecha a mano, donde las guitarras suenan como guitarras, y en donde tanto la música como la propuesta visual constituyen la identidad del conjunto” ¿Cómo nace la idea de armar una banda con estas características? Considerando que cuando aparece Niño Cohete, en Concepción se seguía cultivando un sonido orientado hacia el rock más tradicional.

Matías: Creo eso también sirvió como motivación, el hecho de armar una banda y no tocar ‘rock penquista’, no hacer más de lo mismo. Y sobre la estética, creo que el Pablo (Álvarez) tuvo harta influencia en ese sentido.

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Pablo Álvarez: Yo pienso que igual tiene harto que ver el hecho de que en Chile la gente está escuchando mucha más música en el último tiempo, y eso abre un poco los espacios para hacer otras cosas. Hace que todo salga más natural.

Otra de las cosas que es muy característico de ustedes, es la propuesta a distintos niveles que han generado. Todo parece muy cuidado, desde la música a las ilustraciones, vídeos e incluso presentaciones en vivo. ¿Cuáles son las trabas que han tenido que afrontar, trabajando en una ciudad que no posee precisamente los espacios más adecuados para desarrollar música en vivo?

Pablo Vidal: Siempre es difícil tocar en cualquier local donde no eres tú el que gestiona el evento. Es complicado acomodar el local a lo que uno desea mostrar, siempre hay cosillas que no funcionan. Y sobre eso de buscar un producto más completo, siempre ha sido así. La estética está asociada a la propuesta, es algo que se da muy natural.

P.A: Sí, fue bien natural. Conocimos a la Carola Josefa, y luego a la Maca Toro, y fue mientras comenzamos a hacer música que encontramos esto y se unió de una manera muy bacán.

M: Nos ha servido harto porque la manera en que nos hemos estado dando a conocer ha sido a través de internet, y ahí necesitas un buen apoyo visual, entonces

está la necesidad de hacer cosas atractivas.

Cristián: Creo que han marcado aspectos que son esenciales en la identidad de la banda. No sé qué fue primero, si la música se relacionó con algún tipo de imágenes o fue una cuestión que sucedió después dentro de nuestras cabezas. Quizás estás imágenes vayan cambiando, pero yo creo que las cosas como naturales o hechas a mano siempre van a acompañar a la banda de buena manera. Hay ciertas características que las mantienen amarradas a la música. ¿Cómo han visto la escena de Concepción en los últimos dos años, tanto en el ámbito musical como a nivel artístico en general?

P.V: Yo creo que fue un momento súper fuerte el año pasado. En la actualidad, la mayoría de las bandas están en lo mismo que nosotros, grabando y pensando en material nuevo, pero el 2011 fue de mucho tocar en vivo e interactuar entre bandas y público. Supongo que cuando salga el material nuevo de estas bandas, la escena volverá a esa intensidad.

P.A: Antes igual no había un lugar de encuentro entre las bandas. Por ejemplo, ahora está el sello Beast, que es un punto de convergencia para que los músicos hagan cosas en común, ya que en la ciudad casi no existen esas instancias, hubo que generarlas. El sello ha hecho que las bandas interactúen entre ellas y se apoyen para generar una escena desde Concepción.

Acerca de eso, el modelo con el que han trabajado también rompe el esquema de la banda de Conce que se va a Santiago a probar suerte. Ustedes se han hecho un nombre, todavía establecidos en su ciudad. ¿Creen que se puede hacer carrera desde Concepción?

P.A: Yo no entiendo mucho eso de Santiago, no sé qué visión tiene Santiago de Conce C: A veces llegan comentarios positivos, y se agradecen. Pero me parece que es más de gente que está muy atenta a lo que sucede en la música chilena en

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C: En el ámbito musical, me parece que está pasando harto, mucho más que hace tres años. En el 2009 yo recuerdo que me dedicaba a otra cosa, porque no encontraba bandas que tuvieran que ver con lo que yo estaba escuchando. Creo que hemos llegado a un momento clave, que es el donde las bandas están tocando la misma música que la gente está escuchando.

Sólo ahí se produce esa sinergia, ese cruce de información entre las bandas y entre el público.

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C: Igual fue un proceso consciente durante este año, el no ir a cualquier parte a Santiago. Por ejemplo, presentíamos que en La Tienda Nacional, a pesar de ser un local chico, encontraríamos un ambiente grato y un público compatible, y así resulto ser.

Supongo que estos viajes a Santiago también han servido de puente para generar conexiones como la que tuvieron con Fernando Milagros, quien será el productor de su primer disco. ¿Cómo se dio el contacto con él?

C: Desde el 2011 veníamos barajando un montón de nombres, pero nunca llegábamos a algo concreto.

Empezamos a hacer averiguaciones con respecto a la música que nos gustaba y que se había hecho en Chile.

No quisimos ponernos ningún tope, y dimos con una dupla de personas con la que nos gustaría trabajar y que había logrado un sonido que nos gusta mucho (F. Milagros y J. Pablo Bello), así que conversamos con ellos y se dio buena onda, les interesó trabajar en el proyecto.

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general. Nos gustaría derribar un poco eso de que no se pude hacer un camino desde acá, de que aquí no hay un público suficiente para que un proyecto pueda llegar a las personas P.V: Creo que estamos apostando un poco a proponer desde Concepción, algo que ya está funcionado. No apostar a Santiago a ver si funciona o no, sino que gestionarlo desde acá y llevarlo donde sea necesario ¿Cómo ha sido la recepción del público en sus tres presentaciones en Santiago (Tienda Nacional, Espacio Cellar y Pulsar)?

M: Estuvo muy bueno. La Tienda Nacional fue una grata sorpresa y se generó un muy buen ambiente, el local se llenó. Y Pulsar fue una experiencia importante, presentarse en el Escenario Acústico, donde nos escuchó mucha gente.

P.V: Yo creo que el uso de instrumentos y de instrumentistas. Me gusta mucho eso de que en un disco aparezcan cosas que escapen del formato de banda de cinco integrantes. Creo que nunca nadie de nosotros ha propuesto música que se escape de la fórmula que tiene la banda en vivo, y yo creo que él tiene la visión para lograr eso.

P.A: Lo ideal sería grabar un disco con todos los aportes posibles, y si cabe la posibilidad de tocarlo en vivo así como suene excelente, pero lo importante es el registro.

C: Creo que también nos llamó la atención de trabajar con él, el hecho de que sus canciones alguna vez también fueron los temas de alguien solo con su guitarra, al igual que nuestro material. Supongo que muchos productores pueden trabajar desde el estudio sin límites, pero es distinto cuando se trata de un músico produciendo y trabajando con lo mismo que nosotros tenemos: canciones.

Niño Cohete son: Pablo Álvarez (voz y guitarra), Matías Pereira (guitarras), Cristián Dippel (teclados), Pablo Vidal (contrabajo) y Joaquín Cárcamo (Batería). Su EP se puede descargar gratis del sitio web de Beast Discos.

| Ent revist a: N iño Cohet e |

Más allá de su experiencia como músico, ¿Qué elementos ven ustedes en el sonido de Fernando Milagros que pueden servir para potenciar sus canciones?

EMERGENTES: SERKIMONO

Raíces a prueba de gravedad POR JORGE RUBIO SOTO

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Mezclar las cosas resulta muy fácil. El resultado de ello siempre es desastroso. Pero son muy pocas las veces que, en la música, la mezcla de distintas influencias, distintos géneros, distintas corrientes, logran algo tan sólido y atrayente como el trabajo de Serkimono.

Entre cajones peruanos y guitarras acústicas, Serkimono es la búsqueda por desenvolver el alter ego de Claudio Terán, quién trabaja como multi-instrumentista en lo que sería su proyecto personal. Pero lejos de ser un trabajo de solista, muy bien incluye dentro de sus filas a Fernanda Pasten (Cajón Peruano y coros) y Rodrigo Morel (Guitarra eléctrica, sintetizador, entre otros), estos tres jóvenes chilenos logran un material más que interesante: cautivante.

Con un disco bajo el brazo, “Alunizaje” se transforma en un buen primer pasaje para un viaje con características

tan propias como ajenas a las raíces chilenas. Canciones muy rítmicas y estratosféricas, como “Bien Sabe el Mal”, es muestra de la perfecta mezcla de un folk perfecto con sintetizadores y bases usadas con prudencia.

“Alunizaje”, como disco debut de Serkimono, es un disco redondo, una excelente carta de presentación de estos tres músicos que logran fusionar tantas cosas que logran hacer un solo producto. Canciones asesinas como “La Curva” y “La Fiesta”, u otras prendidas y depresivas como “Desempleado Masoquista” o “Vestido Color Tierra”, son muestra de un trabajo muy bien ejecutado.

Tú mismo puedes ser el juez. Descarga su disco desde Portaldisc.com. No será tiempo ni internet perdido.

LOS TRECE DISCOS DEL 2012

LO QUE EL FIN DEL MUNDO NO SE LLEVÓ El 2012 fue un año marcado por muchos ruidos. Se acababa el mundo y la música chilena por fin estaba siendo considerada. Bueno, comenzaba a ser considerada como algo de calidad. Volvía la Cumbre del Rock en todo su esplendor, Estación Mapocho colapsaba con el Pulsar y artistas de los que antes no se sabía, salían publicados en distintos medios de renombre. El 2012 fue bueno, y por lo mismo, no podía faltar un buen resumen con los trece mejores discos del año. No es un ranking, no hay orden jerárquico. Esto es solo una muestra, una selección de lo mejor de un año que se fue y que no se llevó al mundo consigo.

Francisco Silva Los Embajadores - Faisanes Pocos logran, con mucha elegancia y distinción, dar muestra de buen pop nacional. Los Embajadores, lejos de querer transformarse en una nueva propuesta del género, logran cautivar con una propuesta original, transgrediendo todos los cánones establecidos por los músicos que solemos escuchar. Ritmos densos, a veces bailables, crean ambientes melancólicos que no caen en pasajes depresivos porque sí. Una mezcla bizarra, pero simple de muchos elementos, tal como escuchamos en “El sueño de una muñeca malvada” o en “MDV”, quizás, la mejor canción del disco; y que tiene un cierre maravilloso con “Peso (Original)”.

Cálido y frío, “Faisanes” califica perfecto dentro de aquellos archivos catalogados como “de culto”.

Jorge Rubio

La BIG Rabia - Congo Zandor La rabiosa propuesta de La Big Rabia, tuvo su catarsis a mediados de 2012, cuando al poco tiempo de lanzar su ep “La Bestia”, apostaron por lanzar de manera casi inmediata su primer elepé, “Congo Zandor”. Un compilado de desgarradoras y potentes melodías, matizado de canciones que recuerdan a los Ángeles Negros, pero en una versión actualizada, reflejando de manera total las influencias e intenciones de la banda. Apostando a decir las cosas como son, sin pelos en la lengua ni adornos, escupiendo sin pudor aquello que se quiere decir; característica que los destaca, puesto que siempre es necesario alguien que te escupa las cosas como son.

María José Silva Protistas – Las Cruces Segundo disco de Protistas y la duda era grande. Si en “Nortinas War” la banda había seguido un camino temático y de sonido lo-fi, “Las Cruces”, su sucesor, era un misterio. Pero desde el arranque el trabajo se muestra como un avance. Un pop de guitarras que, a diferencia de su antecesor, ve en el formato canción una de sus principales cualidades. Y el reflejo de eso está en temas como ‘Rosetta’, ‘Una Vuelta al Mundo’ y ‘Tatuaje Conmemorativo’, todos tan redondos que, al igual que varios otros, bien podrían ser singles. Excelente segundo paso de una banda que sólo mejora.

Ignacio Silva

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| ESPECIAL: Los 13 d iscos del 2012 |

Ases Falsos – Juventud Americana Este álbum no la tenía fácil, traía consigo el vicio del prejuicio, ese que dice “las segundas partes nunca son buenas”. Pero no le importó, de hecho, superó cualquier historia tras de sí, y “Juventud Americana” se volvió un disco que se iba construyendo a sí mismo en cada nueva pasada. ¿Será porque retrata muy bien el Chile de hoy, o sus melodías lo hace un coctel ineludible? Yo respondería que ambas, es sin duda un disco con buenas canciones. Las mejores de la temporada, si nos apuramos, y condenadas a la trascendencia, sin duda.

| ESPECIAL: Los 13 d iscos del 2012 |

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Martín Pescador - Somos los Mapas Este sería el perfecto soundtrack para cuando vamos de viaje. La tranquilidad de las notas, las suaves voces de Ariel Acosta y Marian González y las sutiles notas de la guitarra, son el acompañamiento perfecto para ensimismarse y entregarse a una introspección mediante las letras que “Somos Mapas” contienen.

Todas las canciones poseen una agradable “intro” en guitarra que te instala amablemente a disfrutar. Soledad, nostalgia, añoranzas, magia, amor, alegría, el sur, inundan las melodías de este disco. Todos estos sentimientos son acompañados a la perfección por guitarras electroacústicas, banjo, metalófono, bajo, melódica.

Camila Moreno – Panal El silencio compositivo obligó a la joven cantautora a retirarse al sur por unos días, allí fue el instante en donde su música tomaría un vuelco y se transfiguraría desde el nicho de la neo-trova al crisol ecléctico que ofrecen, hoy por hoy, las canciones de Camila Moreno.

“Panal” viene a ser un viaje por un bosque al estilo “King Of Limbs” pero que acusa mucha influencia de Bjork, un giro estilístico que le permite darse licencias y esquivar cualquier clasificación. Una cosmovisión indefinida donde los colores, la tierra y la tensión arman un ritual para los oídos.

Macarena Mundaca

Francisco Silva

Crisálida - Solar Los años no pasan en vano y es que ciertamente podemos decir, que la música presentada por Crisálida en “Solar”, es como el vino. Es notable la calidad vocal regalada por Cinthia, notas desgarradoras que dejan los pelos de punta y el gran acompañamiento que confieren el piano, las guitarras, la batería y el bajo, son el toque preciso para dejarse llevar por las melodías.

Una vuelta a las raíces de nuestro país de norte a sur, esa mitología enraizada, un encuentro con nosotros mismos, una invitación a mirar nuestro ser, a sentirnos vivos sin miedos, es la magia que nos regala este disco.

Cantáreman – Bajo la Rueda Tuvo que ocurrir un terremoto para que Concepción se sacudiera de sus propias influencias y las comenzara a utilizar de una manera distinta. Se fracturaron las estructuras, se remeció el formato y el oleaje subió como nunca, pero la música siguió ahí: imperecedera, y con ganas de reclamar su sitial, tan a mal traer en el último tiempo. El disco de Cantáreman es la representación de todo eso: el poder de una buena canción con un preciso arreglo. A olvidarse de la etiqueta “rock penquista”. Este disco es Conce, en un día soleado con lluvia impredecible.

Macarena Mundaca

Joaquín Riffo

Los Jardines Humanos - Los Jardines Humanos Con un sonido clásico, pero fresco, familiar y agradable, Los Jardines humanos lanzaron su primer elepé homónimo en el cual dejan en claro que, si se han ganado un espacio en el dial, es porque una de sus principales características es la calidad en su sonido. No solo el nombre de está arraigado a la música chilena, sino también su estilo, un rock que rememora a los noventeros años de Los Tres, pero que también denota influencias extranjeras como Johnny Cash, en los toques country de algunos temas. “Los Jardines Humanos” nos muestra una madurez musical que va creciendo y que sin duda continuará por buena senda.

María José Silva

Astorvoltaires - Blacktombsfordeadsongs Cuando el año ya se iba, una de las voces más importantes del metal chileno publicaba su segunda placa titulada “BlackTombsForDeadSongs”. Las expectativas eran altas, pero el resultado fue sorprendente. Un disco completo, envolvente y lleno de los sonidos más deprimentes y alentadores que cualquiera puede escuchar.

Escobar, desde el primer momento, pone en evidencia su inexplicable talento en los guturales. Una producción sonora que no tiene mucho que envidiar a grandes como My Dying Bride o Swallow the Sun. Además, mucho debe agradecer al frágil y delicado complemento de Dayana Castillo, quien brilla en los coros. Casi 60 minutos que logran decir una sola frase: ¡Habemus doom metal, señores!

Jorge Rubio Soto

Francisco Silva

Cómo Asesinar a Felipes – Comenzará de Nuevo Ya es sabido que con cada nuevo trabajo, Cómo Asesinar a Felipes extiende los límites de lo que se podría esperar de ellos. Con “Comenzará de Nuevo” el quinteto vuelve de lleno a la experimentación, marcada esta vez por la apertura en la paleta sonora que significan los tintes de psicodelia añejada de los teclados de Marcos Meza. Con ese punto de partida, sampleos, scratch y bases rítmicas funcionan en armonía con el complejo mundo lírico que ya es habitual en Koala Contreras, para construir un relato oscuro de una banda que no necesita recurrir a la simpleza para ser popular. Asesinato perfecto.

Ignacio Silva

GEPE - GP Hay que reconocer la riesgosa apuesta que significó el trabajo de Gepe: un álbum a prueba de gustos, que coloca su nombre en lo más alto de los charts nacionales. El disco, si bien tiene ciertas influencias de trabajos anteriores, rompe con su sonido tan característico y experimenta con elementos nuevos. Se aleja del folk viajando al altiplano, y de ahí realiza su obra con sutiles, pero oportunos aportes de otros géneros -hip hop, Reggae, R&B-, todo confluyendo en un ritmo que llega al histrionismo de “Con un solo zapato no se puede caminar” y a la tonada “Un gran vacío”. El disco es un acierto, un gol de hoyito que patenta la capacidad de reinvención y genialidad del san miguelino, artífice de una obra atemporal con sabor a clásico, que de seguro todo melómano guardará con recelo.

Claudio Salas

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| ESPECIAL: Los 13 d iscos del 2012 |

Tenemos Explosivos- Derrumbe y Celebración Esta pirotécnica banda aúna con destreza en su LP, música y liricas que resultan en lo único cierto contra un mundo que parece, ya no gustarle a nadie. Una herida lacerante lo cruza de cabo a rabo. Rabia y verdades regadas, en clave post-hardcore, hacen de la catarsis su columna vertebral, y en donde un sinnúmero de propuestas (intervenciones del “Che”, Nietzsche, etc) van dejando pistas a seguir. Proponen enojarse, pero con un mural de razones para respaldarse y patalear al ritmo del espíritu del fuego. Después de todo, estamos tan quemados, que solo queda gritar.

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Festival NO siempre es música

Por don DerrameCerebral

Nunca he ido a festivales de música. Bueno, una vez fui a uno que era super revolucionario y no fue mucha gente, porque era de música chilena. Gente hueona que no fue. Estuvo súper bueno, sobretodo lo que más me gusta a mí, después de la música: los minocos.

ros hipsters ricos. The Metal Fest, puros metaleros ricos. Maquinaria, una mezcla media rara de hipster y metaleros ricos. Primavera Fauna, otra vez los hipsters ricos, pero un poco más pelolais. Y de ahí, vuelta al Lollapalooza.

Recuerdo que esa vez, estábamos con mis amigas, porque sí po, como bueno coliguasho, salgo con puras amigas con perritos en las manos y ropa ajust...

NO. La cosa es que estabamos terrible “jarnis” con los músicos del lugar, con los oyentes del lugar, con todo lo del lugar. Por ejemplo, había una banda metalera muy metalera, que tenía por vocalista a un guashón terrible guashón. El loco se sacó la polera y nosotros... ahí quedamos. Más mojás como nosotras solas (sí, era necesario mujeriarme).

Ahora, un chiquillo me dijo en el bloc que hicieron un festival que se llama Woodstaco. O-SEA. De solo cachar el nombre, se me viene a la cabeza al toque la calidá de hombre que va a hubo ahí. Bueno, para los chiquillos que no son como yo, también visualizo cabras guenas. Todos ahí, gozando de la buena música, terrible volados y la cosa. Ya me veo a mi volado, pero de puro placer visual. Bueno, si alguien cacha que todavía no viajo intergalácticamente, me ofrece uno bueno.

La cosa es que los festivales de música da para harto vitrineo. Y yo no he ido a ninguno.

En fin, muchas gracias Pablo Correa por el datín. Pero invítenme, porque soy terrible pobre (creo que ya lo dije en una de estas cuestiones anteriores); porque de aquí a que vaya a un festival, será porque los dueños de esta revista han decidido pagar. Y eso... no, no iré en mucho rato.

Siempre me quedo en mi casa, observando la cantidad de belleza derrochada por esos cuerpos masculinos... por las fotos que suben a facebook. Lollapalooza, pu-

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| D errame Cerebral | El Tit| ular |

COLUMNA: DERRAME CEREBRAL

OG L B EL ME E GU RRA AL I R S Y DE EB Í E E R U LE D CE AQ

Javier Barria HACIENDO DE LA MÚSICA, UN VIAJE POR NATALIA ARAYA FOTOS POR BIANCA GODOY

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JAVIER BARRÍA ES UN HOMBRE SERIO Y, COMO TAL, SE PLANTA ANTE EL MUNDO. TRAS UNA CONVERSACIÓN CON ÉL, SE PUEDE VER QUE ESTE HOMBRE ESTÁ LLENO DE ANÉCDOTAS Y DE HISTORIAS QUE SE ENTRELAZAN CON LA CREACIÓN DE SU NUEVO MATERIAL, LLORAR EN LA CALLE, HACIENDO QUE LA FORMALIDAD SÓLO SE QUEDE EN SU CUIDADA COMPOSICIÓN MUSICAL. ¿De dónde surgen las temáticas de este nuevo material?

Básicamente, las primeras canciones que conforman este disco se compusieron en el 2009. Todas ellas tienen una línea bien urbana y de desencanto con la ciudad capital, no relacionándolo sólo con Santiago, sino que con cualquier ciudad que pudiese generar ese sentimiento.

| Ent revist a: Javier Barría |

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En el disco está mucho esa cosa de la valoración de la casa, como espacio privado, versus “la jungla” que sería la calle, la muchedumbre y la hostilidad de las grandes urbes.

Y ese desencanto del que hablas, ¿Lo vives o lo viviste muy fuerte?

Me pasó en esa época. Ahora siento que me he re encantado con la ciudad, porque me he reencontrado con un montón de amigos, y eso obviamente es positivo, pero hace como dos o tres años, cuando empezaba recién a componer los temas del disco, vivía en un departamento pequeño en el centro de Santiago y pasaba mucho tiempo encerrado. ¿En ese periodo también nacen otros proyectos?

Claro, cuando me encontraba componiendo para Llorar en la Calle nace otro disco que se llama El Diminutivo del Frío, y de hecho es un disco que se publica antes. El otro quedó truncado y detenido (tenía sólo cuatro canciones compuestas para él). Este material es mucho más alegre y lúdico, incluso infan-

til, y eso se nota desde el diseño de la portada del álbum hasta las mismas canciones.

otra onda, un poco más acústicas y luminosas, y obviamente le entregaron al disco lo que faltaba.

El Diminutivo del Frío fue un descanso a lo que estaba haciendo, pero al final se fue introduciendo y terminé concentrándome 100% en él. A mí no se me da mucho el hacer cosas paralelas, necesito focalizarme en un solo proyecto, pero aun así anhelaba poder lanzar Llorar en la Calle, porque me encantaban mucho esas cuatro canciones, entonces fue algo que sí o sí debía terminar. Eso me motivó a continuar y retomarlo, algo que me tomó un montón de tiempo (un año más).

¿El disco nace autogestionado como tus otros materiales?

Después de la salida del material, ¿Lo podrías definir de alguna forma?

En general es un disco bastante amargo y desencantado, pero siempre tratando de sacarle algo lindo a ese desencanto. Es un disco como de un tipo medio desorientado, que está en procesos de cambio. En un principio no sabía si yo era el que estaba desorientado, tal vez sí, porque en estos últimos tres años pasaron hartas cosas que me hicieron cambiar un poco el rumbo, por ejemplo, en el 2009 ya iba a tocar a varias ciudades, iba seguido a Antofagasta y Concepción, y ya estaba empezando a girar por regiones, por eso en el transcurso de estos tres años el estar de viaje se volvió lo habitual.

Toda esa amargura se vio disminuida tras la composición de las últimas canciones (“Arriba”, “Luna”, “Avión”, “Burbujas”), que tienen

Sí claro, pero hasta cierto punto.

Luego lo edité con la Tienda Nacional, que hacen toda la pega que uno no quiere hacer. Fue una cosa que salió a última hora cuando el disco ya estaba casi listo, y esto me alivió bastante, porque si no lo iba a hacer por mi cuenta y eso ya me tiene cansado.

El disco sólo iba a estar en formado digital porque no tenía los recursos para llevarlo a formato físico, pero sentía que el arte estaba bacán, lo estábamos haciendo con unos amigos de Colombia, se merecía una edición física. Después de eso se fueron dando las cosas, lo hablamos con la tienda y se animaron a editarlo, estoy muy agradecido. ¿La posibilidad de escuchar el disco por Streaming hizo que se generase mayor expectativa?

Sí, yo creo que fue bueno, porque no quería que el disco saliera y fuese completamente desconocido. Habían varias canciones que ya las había tocado en vivo, hubo gente que cuando escuchaba los adelantos decía en las redes so

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Yo quería que el disco fuese un poco familiar, no completamente nuevo.

De hecho, en los conciertos, a lo más estoy tocando cuatro canciones del nuevo disco, no es bueno meterlas todas de una vez, el proceso de conocimiento de las canciones debe ser de forma natural y familiar. ¿Qué tan importantes ha sido internet en tu carrera?

Internet ha tenido un montón de importancia. Ha sido casi el único medio en el que he podido subir y difundir mi música. Creo que se da algo en común en esta generación de músicos: todos tuvimos nuestro MySpace. Esto fue previo a las redes sociales, que son otro cuento. Lo que hicieron estas redes fue hacer visible todo este público que te seguía. ¿Cuál es tu visión sobre los Sellos nacionales?

Es bacán. La historia de los sellos independientes es algo que lleva mucho tiempo en Chile. Por ejemplo, Chile es un país metalero, y ya desde los ochenta y noventa ellos sacaban cassettes a través de los sellos independientes.

Ahora se les valida, en vista de la caída sostenida de los grandes sellos y multinacionales, ahora tienes estos sellos “independientes”, y te digo entre comillas independiente, porque es muy difuso el término,

yo preferiría llamar independiente a aquellos músicos que no pertenecen a ningún sello.

CREACIÓN Y VIAJE CONSTANTE Siempre has sido muy prolífico a la hora de componer…

Actualmente no estoy haciendo muchas canciones. Alguna vez tuve muchos temas: vengo componiendo desde que tengo 15 años, ya tenía el oficio, la costumbre y la facilidad de hacer música, pero no me animaba a mostrarla.

Cuando niño me gustaba hacer cassettes con las canciones, entonces lo que hago ahora es la continuación de eso, un trabajo que ya hacía pero que no era visto.

De un momento a otro me di cuenta que mis discos eran escuchados, que la gente seguía mi música, me iba a ver en vivo, entonces seguí tratando se subir escalones.

En relación a tus viajes, ¿Cómo sientes que te reciben en otros países?

En el extranjero recibes un trato especial por ser de afuera. De hecho, ahora que anduve en Colombia, Perú y Argentina, se pudo percibir una excelente valoración por la música nacional sobretodo en Colombia y Perú, ya que Argentina aún tiene una especie de endogamia musical. Hay atención, respuesta y empatía por lo que se hace. De hecho me siento mucho

más tímido estando en un escenario nacional que en los de afuera, quizá porque uno es entretenido en el extranjero, la forma que tenemos de hablar, los modismos, etc. Existe otra dinámica con el público, y siendo objetivo me acomoda mucho más eso que lo que se produce acá.

Luego de todas esas diferencias entre escenarios ¿Tendrías una forma única para definir tu trabajo?

El término sería Canción de Autor.

No me gusta encasillarme con los géneros. De hecho, ahora se ve un cierto desprecio hacia el Rock en función del Pop, y es súper extraño, porque hace siete años era todo lo contrario, entonces si digo “Hago Pop Rock”, quedo en una especie de limbo, lo mismo que si digo “Hago Trova”, me quedo en el “Silvio”.

En ese sentido, admiro mucho el trabajo que hace Beck, siempre tiene discos redonditos que van desde el rock hasta el bossa. Por eso prefiero no encasillarme, obviamente sin caer en la soberbia de decir “yo tengo una sonoridad propia”. Canción de autor es un término amplio e inofensivo, y en la parte más genérica sería Pop, todo está en el pop, ya que no es sólo música, sino que también se relaciona con una cultura, una forma de vivir y ver la vida.

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| Ent revist a: Javier Barría |

ciales “Ah, esa canción yo la conocía, yo la he escuchado”.

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| C lá s icos Int ernacional: The Beach Boys |

THE BEACH BOYSPET SOUNDS POR MARÍA JOSÉ SILVA ♦ ILUSTRACIÓN POR MICHELLE LASALVIA

En el año 1965, e inspirado por The Beatles, Brian Wilson, bajista y productor de la banda, decide hacer algo distinto y romper con el playero sonido que traían. El resultado: una obra maestra, incomprendida por la banda en un principio, pero que colocó a los Beach Boys a la par de su inspiración, logrando uno de los mejores discos de la historia de la música.

Wilson, luego de escuchar el Rubber Soul de The Beatles, sintió el desafío de hacer un disco superior. Decide suspender los conciertos con la banda para dedicarse por completo a componer y probar con diversos sonidos, usando todos sus conocimientos como productor musical, experimentando con nuevos arreglos.

El resultado fue un disco totalmente alejado de las playas, las chicas y los autos, acercándose a temas más profundos y una musicalidad más compleja. Pet Sounds vio la luz en mayo de 1966 y marcó a la banda con un claro “Antes de Pet Sounds / Después de Pet Sounds”.

El disco abre con “Wouldn’t It Be Nice”, una hermosa y alegre canción de amor, la cual logra hacer sonreír a quien la escuche. Es de esas canciones que son capaces de alegrar hasta el peor de los días y que en lo musical comienza a dejar en claro la calidad y la diferencia que marca este disco con las otras creaciones de los Beach Boys.

Una de las cosas que se destaca de este disco, son los sonidos de objetos cotidianos que se mezclan con instrumentos tradicionales. Es el caso de “You still believe in me”, balada que, además de poseer unos bellos arreglos corales, instrumentos como saxos y teclados son acompañados por el sonido de un timbre de bicicleta.

“That’s not me” se distingue por su ritmo marcado por la percusión y el bajo. “Don’t talk (Put your head on my shoulder)”, es una suave melodía que crea un ambiente más íntimo, acompañado de percusiones y violines. Sigue “I’m waiting for the day”, la cual resalta las voces de la banda, demostrando que sus integrantes son expertos en arreglos corales. De pronto nos encontramos con “Let’s go away for a while”, un tema netamente instrumental que nos hace pensar

“¡¿Y esto de dónde salió?!” y no porque se cuestione su calidad, por el contrario, es el mayor quiebre de los Beach Boys con sus anteriores trabajos. Para este tema se utilizaron doce violines, un oboe, cuatro saxos, dos bajos, percusión y el instrumento más curioso de todos, una botella de Coca cola, la cual al hacer sonar la guitarra con esta se lograba un sonido denominado Bottleneck, refiriéndose al melancólico o chillón que se logra al deslizar el cuello de una botella por las cuerdas de la guitarra.

“Sloop Jonh B.” es una canción tradicional del folk, a la cual Wilson incorpora arreglos corales y sonidos de flautas, campanas y teclados, convirtiéndose en uno de los temas más populares de la banda.

El disco continúa su camino con una canción que nos hace suspirar, “God Only Knows”, probablemente una de las canciones más bellas que nos dejó este grupo californiano. La ternura con que es interpretado este tema es realzada con los arreglos de campanas, oboes y clavicordios, lo que da como resultado una canción que parece tener una procedencia divina.

“I Know There’s An Answer”, continúa con la línea de complejos arreglos instrumentales. El título original de este tema era “Hang On To Your Ego”, pero el título y su letra parecían una apología a la droga, por lo que se le pidió a Wilson que modificara el tema. “Here Today” y “I Just Wasn’t Made For These Times” reafirman la esencia del disco dejando en claro el total manejo musical de Wilson.

Otro tema instrumental del disco, es el homónimo “Pet Sounds”, en el cual se utilizaron dos latas vacías de Coca cola como método de percusión. El gran cierre de esta magistral compilación musical es “Caroline No”, en el cual se aborda el tema del paso de la niñez a la adultez y la pérdida de la inocencia. El toque final lo dan el sonido de un tren y el sonido animal de dos perros que ladran.

Pet Sounds es como un “bicho raro” que no sabes de dónde salió. De una banda con canciones pegajosas, superficiales y bailables, sale un disco complejo y altamente destacable, cargado de detalles y de intuición que complementada con la técnica de Wilson, lo transforma en una obra maestra y da un giro totalmente inesperado en la historia de los Beach Boys y de la música.

Si Brian Wilson fue inspirado por The Beatles, The Beach Boys con su mejor disco Pet Sounds inspiró a los británicos a crear uno de sus mejores discos: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Pero esa ya es otra historia…

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| C lá s icos Int ernacional: The Beach Boys |

Estamos en plena época estival, sinónimo de vacaciones, arena, sol y mar azul y de los siempre presentes y nunca bien ponderados hits de verano. Pero estas cancioncitas simples y pegajosas, quedan en el pasado al ocultarse el sol, pasando rápidamente de moda. Pero hay una banda sonora que siempre será inherente a la época veraniega no obstante el paso de los años. Es inevitable que cuando pensamos en verano, pensemos en la música de los Beach Boys, con sus melodías que evocan playa y parecieran tener olor a protector solar. Pero no sólo de playa vivían los Beach Boys.

| Ent revist a: Paula Herrera | 48

De una pérdida dolorosa a uno de los mejores discos del año. El 2012 de Ases Falsos tuvo de todo y los vio vencer. Salida de integrantes, nuevo sello, álbum debut y nueva formación, fueron sólo algunos de los hitos que vivieron los liderados por Cristóbal Briceño en los últimos 12 meses. Acá la historia de talento, dolor, reinvención y cambio que llevó a Ases Falsos a ser la Banda del Año de Melómanos Magazine.

Un nuevo camino al éxito

POR IGNACIO SILVA FOTOS POR BIANCA GODOY

| Ent revist a: Paula Herrera |

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Parecían desconocidos, pero no lo eran. En abril del 2011, las revistas y blogs interesados en música chilena inundaban sus páginas con el nombre de una banda que a pocos les sonaba, pero que con sólo ver a sus integrantes resultaba familiar. Ases Falsos era, en efecto, la reformulación de Fother Muckers, uno de los grupos que más éxitos venía cosechando en el último tiempo en la música independiente local y al que tras cinco años de trayectoria, y cuatro LPs editados, sus miembros decidieron disolver.

Ahora, a casi dos años de eso y parado sobre las escaleras de una plaza en Ñuñoa, Cristóbal Briceño, el líder natural del conjunto, recuerda: “Queríamos empezar de nuevo… tener una banda es algo con lo que es fácil engrupirse, pero creo que nosotros supimos mantener la distancia y la terminamos no más. No pasó nada”.

| Ent revist a: Ases Falsos |

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Pero lo cierto es que mucho ocurrió. Más que un cambio de nombre, el paso a Ases Falsos conllevaba modificaciones en el sonido y la propuesta del cuarteto, quienes no dudaron en dejar sus antiguas canciones atrás y comenzar de inmediato con repertorio nuevo.

“Tratamos de desprendernos rápido de nuestra otra piel, más que nada por la búsqueda de hacer bien el

truco”, asume Briceño, quien acompañado de Simón Sánchez (bajo), Héctor Muñoz (guitarra) y Martín del Real (batería/guitarra) dieron vida a la primera etapa del grupo.

Por rara que pareciera la movida, los Ases Falsos no dudaron y se centraron en labores compositivas en pos de su trabajo debut, a la vez que continuaban con sus presentaciones en vivo. De ahí que al poco tiempo ya contaran con un buen número de canciones que nutrieron sus sets y que lentamente fueron borrando el sabor amargo que el cambio había dejado en los paladares de prensa y escépticos fanáticos.

Pero a poco andar, y cuando comenzaban a consolidar su nueva propuesta, el grupo sufrió una de las pérdidas más grandes por las que hayan pasado. Héctor, miembro icónico y parte importante desde los inicios de Fother Muckers (de hecho, en el disco debut hay una canción que lleva su nombre) dejó el proyecto por razones que tardaron mucho tiempo en aclararse.

EL SACRIFICIO MAYA El 9 de marzo del 2012, un comunicado se masificó por las redes sociales. Era una especie de carta escrita de

puño y letra por Héctor Muñoz, donde el músico daba a conocer su salida de Ases Falsos, aludiendo como principal motivo una “diferencia netamente musical”.

Sin embargo, la movida tenía más razones.

que sería su primer disco de estudio bajo este nombre.

Un extraño comienzo de año al que tuvieron que sobreponerse, pues vendrían más cambios con vuelcos inesperados.

Briceño explica: “Con los Fother Muckers estábamos medio amarrados. Cuando cachamos que la cuestión no era tan fácil como soltarse decidimos sacar al Héctor. Él tenía un exceso de sumisión” -el vocalista hace una pausa y profundiza- “era difícil que se revelara contra él mismo, contra la música que le gustaba y la que no… puta, que fuera un poco más arrogante. Y con eso no me refiero a creerse la raja. De hecho, creo que también pisó ese palito de creerse un poco más de la cuenta”.

CAMINO AL ARCA

Lo cierto es que en el momento de decidir sacar a Héctor, Ases Falsos ya trabajaba concretamente en el

Una vez terminado el proceso y ya con el master listo, todo parecía indicar que la placa saldría a través del sello Oveja Negra. Sin embargo, el panorama se complicó, dándole un nuevo giro al camino del grupo. “Con Oveja Negra las reuniones se estaban poniendo medio tensas y estábamos súper pesimistas con respecto a Juventud Americana. O sea, pensábamos que el disco iba a salir y lo íbamos a perder”, admite Briceño.

Pero la alternativa surgió rápidamente y de manera inesperada, de la mano de uno de los personajes clave en el desarrollo del pop local: Rodrigo Santis. El músico líder de proyectos como Congelador y Caravana, y cabeza del sello Quemasucabeza (Gepe, Pedropiedra, Fernando Milagros), acababa de dar forma a Arca Discos, una nueva casa discográfica que pretendía albergar el trabajo de artistas de sonidos latinos. Un lugar donde Ases Falsos cabía a la perfección. “Estábamos en un punto bastante crítico cuando apareció Rodrigo Santis y su equipo, y nos aclaró caleta la película”, recuerda Simón. Y analiza: “Nos gustó que eran poquitas personas. Es bueno ser parte de un grupo pequeño que te pueda asegurar un buen trabajo conjunto”.

CONQUISTANDO JUVENTUD AMERICANA Al fin, tras más de un año de trabajo, en agosto de 2012 Juventud Americana, el disco debut de Ases Falsos, salió a la calle en formato digital. Y el estreno traía una sorpresa: Arca Discos había decidido poner el trabajo (que también era la primera referencia del sello) en descarga gratuita durante una semana. “Arca maneja al dedillo el tema de internet. Se les ocurrió liberar el

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| Ent revist a: Ases Falsos |

Simón Sánchez continúa: “Nosotros muchas veces le decíamos: ‘Héctor, por qué no tomas clases de jazz para que te abra a hueás nuevas’. Y al hueón le costó, le costó y al final no pudo. Con los Ases Falsos ya queríamos dar ese paso para que no tuviéramos tantos límites técnicos, y no lo pudimos dar. Fue un sacrificio maya. Tuvimos que renacer de las cenizas”.

Ahora como trío, los miembros de Ases Falsos continuaron en la tarea de registrar lo que meses después sería Juventud Americana, en un trabajo que se vio complicado no sólo por la reciente salida de Héctor, sino también por la imposibilidad de grabarlo en un solo lugar. “Queríamos hacer un primer disco que fuera un mazazo. Pero en términos reales, era un presupuesto millonario, así que acotamos todo lo que pudimos y por lo mismo tuvimos que dividir la grabación en tres o cuatro lugares diferentes”, recuerda Cristóbal, aludiendo a un inconveniente que según Simón “hizo que las canciones crecieran mucho en vivo”.

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disco y la cuestión tuvo como seis o siete mil descargas en todos lados del mundo. Eso hizo que la gente se interesara en comprar el disco. Una movida maestra”, concluye Simón Sánchez.

La maniobra era, en términos concretos, una táctica poco frecuente para la banda, pero sin dudas trajo resultados positivos, los que quedaron de manifiesto una vez que sacaron las copias físicas del trabajo. “Si nosotros no lo hubiéramos querido hacer (liberar el álbum), lo hubiésemos sacado solamente por iTunes.

Ahora la primera edición de 500 copias del disco físico se acabó, o sea hay un respaldo ahí”, continúa el bajista.

Las influencias del trabajo, en tanto, quedaron sintetizadas en su portada, donde un Juan Gabriel vestido de rojo hipnotiza con sus ojos destellantes.

Dentro de la música nacional y haciendo una analogía sobre la portada de “Juventud Americana”, muchos artistas toman como influencia músicos que van desde Juan Gabriel hasta Sonic Youth. ¿Hay algo de eso en la música de ustedes también?

Cristóbal Briceño: De todas maneras. Nos gusta demasiada música y toda la tratamos de usar.

Simón Sánchez: No somos un grupo que diga como ‘no voy a escuchar esto porque no puedo’. Desde que partimos escuchando música, siempre hubo una radio o un disco del papá, y yo creo que la clave es que aceptamos la música como tal.

C: El otro día le decía a Martín que en realidad la música que nosotros tratamos de hacer es nada que ver a la música que nos sale al final. Nos gustaría hacer una cuestión soul blanco, bien como música adulto contemporáneo y nos sale un quiltro.

S: Pero a la gente le gusta el quiltro simpático que mueve la cola y tiene que ver también con cómo uno toca.

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Más allá del éxito comercial, el disco fue bien recibido por los medios especializados locales y extranjeros, los que no dudaron en catalogarlo como uno de los mejores lanzamientos del año. Parte importante del reconocimiento se lo llevan las letras de Briceño, quien en cada corte crea una historia con las más diversas temáticas. “La crónica es un oficio que a mí me encanta y siento que le pego también a eso de contar historias, narrarlas bien. Yo pienso que también tiene que ver con que queríamos que el primer disco fuera excesivo, que fuera como un manifiesto”.

2012: VIAJE AL SÉPTIMO CIELO Todo lo anteriormente revisado, sumado a la participación en eventos como La Cumbre del Rock Chileno y el hecho de por fin encontrar una formación idónea (mientras Martín del Real pasó a guitarra, Juan Pablo Garín y Francisco Rojas tomaron el rol de baterista y tecladista, respectivamente), llevó a que el 2012 de Ases Falsos terminara con un balance más que positivo.

Tal como en una película americana, luego de un complicado y accidentado comienzo, la banda supo levantarse para lograr sellar un año difícil de repetir en cuanto a logros. Tras encontrar un sello en el que

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todo parece funcionar y alcanzar el éxito a través de su disco debut, ya se ponen una nueva meta: lograr la internacionalización.

En retrospectiva, ¿Cómo ven su 2012, considerando que fue un año donde hubo muchos cambios?

S: Creo que salió todo bien, mucho mejor de lo que nos esperábamos. Queríamos sacar un disco, queríamos lanzarlo, queríamos tener un sello, queríamos rearmarnos y lo logramos todo. Además, nos conoce más gente.

Igual, yo lo considero el año 0. Es como el primer gran paso y ahora depende de nosotros cómo seguir y llevarlo más allá, y ojalá afuera de Chile.

C: Está súper bien. O sea, salió bastante como lo habíamos planificado. Terminamos tocando por todo Chile, llenando salas, así que así mismo queremos partir el próximo año y a partir de ahí abrir un camino nuevo para salir de Chile. Pero no lo queremos hacer del modo en que ahora vemos que se hace, y no es sólo porque seamos mañosos: yo realmente pienso que no es la mejor manera para nosotros. Para los próximos años ese es nuestro desafío en cuanto al comercio, queremos abrir un camino hacia la internacionalización, pero un camino nuevo.

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VIDEOTECA

ALMOST FAMOUS

IT’S ALL HAPPENING!

POR JORGE RUBIO SOTO

Tomar un avión y viajar con tu guitarrista favorito. Estar en el camarín con tu banda preferida. Moverse detrás del escenario y sentirse parte del concierto de tu ídolo. Son sueños que cada amante de la música quisiera hacer realidad. ¿A quién no le gustaría ser Penny Lane por un día? ¿A quién no le gustaría escribir para la revista más importante y que te paguen por ello?

“Almost Famous” es la materialización de cada una de las fantasías mencionadas. Protagonizada por una joven Kate Hudson (Penny Lane), y un adolescente Patrick Fugit (William Miller), retrata vivencias personales del propio Cameron Crowe, director del film, y sus comienzos como colaborador de Rolling Stone.

La historia, que se desenvuelve en torno a la gira de una banda de rock, muestra el crecimiento y aprendizaje de un joven reportero que, sin poseer un título de periodista, debe escribir un reportaje sobre Stillwater (banda ficticia para el film). Pero quien se lleva toda la

importancia de la película es la hermosa y cautivante Penny Lane; un monumento al “colligo virgo rosas” y el “carpe diem” en una sola mujer.

El largometraje posee un tratamiento muy cuidado.

Desde los créditos iniciales, pasando por el trabajo de fotografía y el acompañamiento sonoro; es una de esas películas que te hacen sentir desafortunado y que deseas ser el protagonista. Cabe destacar la banda sonora, inspirada en trabajos anteriores a 1973, como los discos de The Who, Led Zeppelin y Black Sabbath.

“Almost Famous” es una película hecha para quien quiera ser periodista musical. Un manual de lo que hay y no hay que hacer. Pero deja algo más que simples técnicas, consejos y enseñanzas: vivir la vida a concho, ser honesto e implacable y amar la música hasta que duela. Porque la música es como la vida, la música lo es todo.

LOS ONCE DE

JOVEN Y ALOCADA (CAMILA GUITERREZ)

Chica “sin pelos en la lengua”, desinhibida y muy open mind. Nuevo ícono de la sexualidad juvenil. Esta muchacha de ojos claros, es la inspiradora y posterior co – guionista de la película nacional “Joven y Alocada”. Dueña de un blog, del mismo nombre, cuenta con más de veintitrés mil seguidores que esperan con ansias sus columnas y comentarios.

POR MACARENA MUNDACA

Bomba Estéreo, un grupo colombiano. De hecho, escucho justito ahora su último disco, Elegancia Tropical.

2. UNA BANDA NACIONAL: No es banda, pero mi más favorita de ahora y siempre es Javiera Mena.

3. UNA CANCIÓN

había cuando empecé a escuchar música. A mi casa llegó la modernidad súper tarde. Tuve radio con casette y tele en blanco y negro casi que hasta el año pasado.

7. UN SOUNDTRACK DE PELÍCULA: Cuando era chica me gustaba el de Magnolia. Ahora, con la sabiduría que me ha dado el paso de Pinilla y de los años, pienso que el del Rey León era la raja ¡Ah! ¿Debiera hacer autopromoción acá? el soundtrack de Joven y Alocada ¡Ji!

¡Chucha! ¡Tanta definición es difícil! Podría decir varias canciones con las que ando pegada últimamente: “Un gran vacío”, del último disco de Gepe; “Nunca te haría daño”, del disco que va a sacar Jorge González. También una canción muy muy vieja pero de la que me acordé hace poco: “Amor narcótico” de Chichi Peralta. ¡Ah! Y otras dos canciones que he escuchado mucho últimamente son “Blanca con culo” de Villanosam con Don Dinero (no hace falta decir que es un reggaeton) y, la mejor de todas, “Inténtalo”, de 3ballMTY. Ojalá la escuchen con el video del gordito que baila. No es el video original, de hecho parece que el gordito es de Pakistán o de no sé dónde chucha, pero es mucho mejor.

8. UN AMOR PLATÓNICO MUSICAL:

4. UN DISCO

9. UN MÚSICO AL QUE INVITARÍAS A TU CASA:

Me voy a repetir pero: Elegancia Tropical, de Bomba Estéreo.

5. UN CONCIERTO

Bueno, ya que estamos en esa, a la Bianca Casady también. El problema es que mi inglés es súper terrible, tendría que hablarle el lenguaje del “amorsss”.

A los 13 años, Fito Páez. Recién empezaba a escuchar música por mí misma, quiero decir, música “de grande”.

Cuando fui a su concierto, en el que presentó Abre (el último disco bueno que hizo antes de ponerse como el hoyo), casi morí de emoción.

He tenido millones: los de Locomía, a los seis años. No es estrictamente musical pero también me gustaba la mina que se suicidó de Nubeluz. Estuve enamorada de Taylor, el “carademujer” de Hanson. Me quise casar con Fito Páez (siempre que lo digo me dicen “guácala”, pero a mi favor debo decir que era chica). Un poquito más grande me enamoré de Cuti Aste, aunque ni escuchaba su música. Podría enumerar para siempre así que mejor, para no latear, digo mi último gran amor platónico musical: Bianca Casady, de Cocorosie, la encuentro terriblemente guapa y amo, amo, amo a ese grupo.

10. UNA CANCIÓN DE TU ADOLESCENCIA: “Viernes 3 am”, de Serú Girán, uno de los grupos que tuvo Charly García. Era mi gran amor musical de ese tiempo y esa canción tenía toda la tristeza que necesitaba para padecer la adolescencia bien padecida.

6. ¿VINILO, CD O CASETTE?

11. LA CANCIÓN QUE DESEAS PARA TU FUNERAL:

Me dan ternura los casette por lo mismo que me da amorcito acordarme de ese concierto de Fito Páez: era lo que

Cualquiera menos “Ángel para un final”. Pucha, además me da susto morirme así que no quiero pensar en eso.

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| Los Once de: Joven y Alocad a |

1. UNA BANDA EXTRANJERA

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EFEMÉRIDES

NI TAN HERÓE, NI TAN VILLANO J ORG E G ON Z A L E Z - 6 DE DIC I E M BR E DE 1 9 6 4

POR FRANCISCO SILVA

Jorge González Ríos. El proclamado “Padre del Rock Chileno”-y recientemente condecorado con el premio “Icono del Rock Chileno”- en diciembre cumplió 48 años, y aún cuando en su presente convergen todas las líneas que ha dibujado durante toda su carrera, en una especie de renacimiento artístico, esta ultima oración no es tal, ya que su inquietud artística siempre ha confirmado que los trabajos de González nunca van por el ahora, y las apuestas que ha realizado, riesgosas en muchos casos, siempre se cargaron por el incierto mañana, más que por un seguro hoy. Personaje odiado y amado a partes iguales se ha transformado en un ícono para varias generaciones, alcanzando, incluso, a la más reciente camada. Como para enrostrar vigencia y, sobretodo, relevancia artística a cualquiera que dude de ella.

Caricaturizar es sencillo, y en varios casos el camino más cómodo para proyectar la imagen que se quiere describir, es así como se cae con facilidad en moldes predefinidos para encasillar a tal y cual personalidad.

En ese ámbito Jorge González de alguna manera le ha hecho el camino difícil a cuanto personaje trató de describirlo hasta hoy. Desde el líder temperamental de “Los Prisioneros”, esa banda que aparece por antonomasia cuando se quiere entender la realidad de este país, sacándole todo el rollo a esta tierra “wannabe”, o el amante culpable y herido en “Corazones” (1990), hasta el hombre que no tiene ni un ápice de pelos en la lengua a la hora de escupirle la verdad en la cara a quien sea.

Satírico, directo, inestable, líder, temperamental, ambicioso, indiferente, genio. Son tantos, y tan contradictorios, los adjetivos que podrían dar luz sobre lo que González es y fue, que seria fácil hacer uso de ellos, pero no, esto no es una historieta, es realidad, y tras todas esas colecciones de adjetivos que se ha ido ganando con el tiempo sólo se puede volver a lo más básico que es este personaje: Un músico. Y aún más simple todavía, sólo un hombre.

Un hombre con el talento, sí, pero uno sujeto también a toda la sugestión de la fama, los roces con sus pares, así como una incontinencia verbal, que dice mucho de él mismo. No obstante ¿De eso se trataba el rock, no?

De ponerle cara a lo injusto y de quebrar esquemas, de ser un rockstar con sintetizadores, porque hasta en eso Jorge se arriesgó. Al final el pop de “Corazones” o del disco Homónimo, es rock también, no sólo de formas se alimenta el género, de actitud también.

Con “Sandinista” como disco favorito, gran parte de los códigos sonoros de su etapa temprana se definen con ello, el sonido de “Los prisioneros” parecen calzar perfecto con esta influencia. Ya del 90 en adelante estas pistas cambiarían por una etapa más DepecheMode en donde las maquinas tomaban la batuta, ni hablar de la experimentación siguiente, enque la electrónica asumió el mando (Updates). Un músico inquieto, que no tiene tapujo en considerar a Pink Floyd y Sui Generis buenos, pero fomes, o en ir incursionando en lo que le parece más entretenido y necesario. Una conducta que muchos réditos le ha traído, así como las miles de desconocidas que el paso del tiempo ha hecho revertir, por ello, hasta el día de hoy, discos como “Mi Destino”, gozan de nuevas revisiones y redescubrimientos, un hecho que se ve más potenciado aún estando ad-portas del lanzamiento de un nuevo disco (“Libro”). El ex prisionero, parece ser el único personaje, con la propiedad, para agitar los pergaminos que le cuelgan. Por dos simples razones: longevidad y proactividad artística.

Dicen que, incluso, ya está a la altura de un Víctor Jara o una Violeta Parra, en cuanto a transformarse en referente cultural de un país que suele subvalorar la cosecha de casa, no obstante la ventaja de González, a la hora de las odiosas comparaciones, es que el sigue siendo de carne y hueso, aún no se transforma en murales ni en figuras de íconos pop, aún nadie lo mata de un disparo para endiosarlo, disculpando la figura Lennoniana, sigue siendo el mismo “San Miguelino” al que le pagan por ser el rebelde de siempre.

LA VITROLA REVIEWS

OPORTOT UMPI REDARD HIJO ÚNICO (2012)

PREFIERO FERNANDEZ DÍAS DE NOCHE (2012)

FRANK OCEAN ORANGE CHANNEL (2012)

Un pequeño rebelde, así es el hijo único de una de las orgías musicales más interesantes del pop nacional.

Sofía Oportot (QuieroStar), Ignacio Redard (The Plugin) y el uruguayo Dani Umpi, gestan algo parecido a una “opera pop” improvisada, pero casi perfecta.

Qué mejor carta de presentación para este disco que el tema “Kilometros”, el cual incendia al darle play, y promete ser la musicalización perfecta para los momentos iracundos por los que cruzamos aveces. Y es que esta tercera entrega entremezcla prolijidad en la ejecución y una construcción casi obsesiva de las canciones, así como actitud expresada en cólera. Y si le sumamos que su masterización ocurrió en los míticos estudios “Abbey Road”, se gana unos cuantos créditos más a su haber.

Apostando por una escucha provechosa que amenaza con morder en cualquier momento.

Francisco Silva

Cuándo el mundo más necesitaba a un crooner con nuevos aires, Frank Ocean irrumpió con el talento de un soulman clásico y la frescura de la OFWGKTA. El oriundo de Long Beach saca a relucir sus infinitas influencias en “Channel Orange”, un conjunto de canciones donde la vedette son su privilegiada voz y las atinadas composiciones que no tienen problemas en mezclar el soul más purista con beats de hip hop (‘Sierra Leone’) y electrónica (‘Pyramids’, ‘Pilot Jones’).

Quizás algunos no duden en calificarlo como la nueva estrella R&B, pero ese título le queda chico. Frank Ocean es muchísimo más.

Ignacio Silva

| La Vilt rola Reviews |

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Pornografía metaforizada, expuesta de forma muy teatral, hace que los 22 minutos y un poco más, se hagan insuficientes. Canciones tan potentes como “Hijo Único” o “Art Decó” y el magnífico cierre de “Tres Pasos (Remix Inseguro)”, son la muestra de que “lo bueno siempre viene en frasco chico”. O algo parecido.

Jorge Rubio Soto

GREEN DAY TRÉ (2012)

RUCITAMA LUNAS DE GIRASOL (2012)

BEACH HOUSE BLOOM (2012)

Tré es el cierre de la bullada trilogía que la banda californiana, oficialmente, terminaría a principios del próximo año, no obstante se adelantó, dándole cierto dejo de cohesión a la idea inicial.

Con altibajos en la concepción de la obra en general, Tré, también imprime, he intenta narrar su propia historia. Contando con mastodónticos temas de la talla de “Dirty Rotten Bastard” y “99 Revolutions” o más lentos como “The Forgotten”. Nos entrega el final que necesitábamos, tal vez no el mejor, pero sí el indicado para con lo que se pretendía globalmente.

Francisco Silva

Las canciones son poesía hecha música, o algo así es lo que enseñan en el colegio.

Y musicalizar poemas es un ejercicio que a veces resulta y a veces no. Quizás, “Lunas de Girasol”, el último EP de Rucitama, sea la muestra de ambos casos.

Escuchar las cinco canciones, escritas por el padre y musicalizada por el hijo, es una pequeña visita al sur. Si no fuera por la capacidad acogedora, emotiva y cautivante de la voz de Rucitama, cada canción pasaría desapercibida. Recuperar lo interesante, es lo que más se valora del trabajo del penquista, porque, sin afán de ser pesimista, el “hecho en casa” aún le pasa la cuenta.

Jorge Rubio Soto

El dúo de Baltimore entrega uno de los productos más hermosos que la cosecha de esta temporada nos ha regalado. El dreampop de este disco hace justicia al subgénero, hilando texturas suaves y digeribles, en donde la comodidad y la ensoñación confeccionan un viaje lindísimo. Sin llegar a empachar, nos proporciona cortes con pretensión sónica como “Myth” , “Troublemaker”o “Lazuli”.

La voz de Legrand se mimetiza con lo maquinal y sutil de los fondos, en una acuarela donde la mayoría del contenido parece pertenecer a un dimensión subconsciente y, nuevamente, hermosa. Este año se vuelve nada si no lo has oído.

Francisco Silva

| La Vit rola Reviews |

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MØ IMPORTACIONES

Y LA FÓRMULA DEL É X I T O

POR JORGE RUBIO SOTO

| Imp ort aciones |

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Muchos asocian su sonido y la destacan como la nueva Grimes o, más bien, aquella encargada de rescatar lo que hizo la canadiense antes de su boom con “Visions”. Otros relacionan sus primeras apuestas visuales a lo que hacía Lana del Rey y que hoy tanto se extraña. Ni de lo uno ni de lo otro, el sonido de Karen Marie Ørsted, más conocida como MØ, tiene mucho más que decir.

Con tres canciones viralizadas en la red, ya tiene más de 8.000 seguidores en Facebook y muchos conciertos agendados en Europa. Esta desaliñada joven holandesa, con oníricos sintetizadores y bases que permiten relaciones al trabajo hecho por Purity Ring en su primer disco, o la misma Grimes en “Halfaxa”, hace la diferencia con su calidad vocal que se aparta de las agudas tonalidades de las ya mencionadas.

Dos canciones sueltas, además del primer sencillo de su eventual álbum debut, son las que han conquistado a medios tan prestigiosos del indie, como Pitchwork, Soundvenue y NME. Su primera canción, y la más conocida, es “Pilgrim”, que, utilizando las mismas tácticas de Lana del Rey, muestra a la rubia en un videoclip bastante amateur, pero atractivo. Y pese a todo el prejuicio comparativo, Ørsted sabe destacar con originalidad y sonido propio.

En la actualidad, “Glass” es promocionada como el sencillo de su primer largaduración, el que saldría el primer semestre de este año. Puedes encontrar la música de MØ en su canal oficial de Youtube, además del single de su próximo álbum en Soundcloud.

| El Tit ular |

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ESTA EDICIÓN FUE HECHA ESCUCHANDO ESTOS DISCOS:

THE KOOKS JUNK OF THE HEART

GRIMES VISIONS

VINTAGE TROUBLE THE BOMB SHELTER SESSIONS

EDICIÓN #8 - FEBRERO/MARZO 2013 REVISTAMELOMANOS.CL

DEAD CAN DANCE ANASTASIS