http://www.issuu.com/metalportusvenascuba metalforyourveins@gmail.com http://www.facebook.com/alejandroperez http://www.facebook.com/metalportusvenas En esta edición: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9.
Entrevistas a: El Drogas, Cotard y a COFFEINE. De la prensa cubana: Entrevista a Paul Dugdale. Entérate. Reseñas: Metallica, Nocturnia y Cotard. Únete al Club de Metallica. De la escena cubana. Reseñas de discos: Anvil, Blutengel y Bombus. Promociones. Póster: Nirvana.
Colaboradores Edu Ugarte (Black Izar). Edu - CD Music (Departamento Entrevistas). Javi Izkar. Revista Metal Hammer. Revista Metrópolis.
Agradecimientos y saludos
A Omar Vega Riaño (SubtleDeath), a Yusniel Valdés Puig (Jesus es mi Rock), a Osvaldo Rojas (Instinto Básico) a PMU, a Ivo, a Humberto y Alain Manduley, a Javier, a Miriela y a Joaquín Borges – Triana. A las bandas Cotard, COFFEINE y a Enrique “El Drogas”.
Enrique Villarreal Armendáriz más conocido como el “El Drogas”, fue durante 30 años cantante y bajista de la mítica banda española Barricada. Sobre sus inicios en la música, su paso por la banda, su carrera en solitario y otras cuestiones nos comenta en exclusiva. Por: Alejandro Pérez
Háblanos un poco de ti. ¿Como fueron tus inicios en la música? ¿Cuándo joven estuviste en alguna banda de rock? Ha ce 40 comenzamos a enredar con instrumentos unos cuantos compañeros de clase. Yo concretamente era el encargado de escribir las letras de las canciones, que me resultaba apasionante ver el resultado de la mezcla entre música y letra, como tomaba forma de canción. Aquella primera banda se llamó Kafarnaun y solíamos viajar para actuar por los pueblos de Navarra. ¿Cómo llegas a Barricada? Durante la "mili" además de perder el tiempo con instrucción militar y otras estupideces, comienzo a definir mis gustos musicales de la época. Sex Pistols y Motorhead además de Leño son los grupos que me tienen atrapado por la
sencillez de sus composiciones y los pocos complejos a la hora de cantar, así pues decido montar una banda bajo el nombre de Barricada que siga esos patrones compositivos. Para entonces mis gustos ya se aproximaban a bandas de glam rock como Slade, SuziQuatro, The Sweet, Gari Glitter, Alice Cooper… Ya estando dentro de Barricada participas en varios proyectos y colaboraciones. ¿Cuánto representó esto para ti y para tu posterior carrera? ¿Podrías mencionar algunas de las bandas con las que hiciste colaboraciones? Las bandas con las que he colaborado a lo largo de mi carrera son infinitas. Además de estar en Barricada monto dos bandas paralelas: Txarrena y La Venganza de la Abuela. Y otro proyecto muy importante para mí ha sido Motxila 21, banda formada por muchachos y muchachas con síndrome de Down con los que he estado más de ocho años. Durante tu carrera aparte de componer música, has escritos libros y poemas algunos de los cuales han acompañado varios discos. ¿Coméntanos un poco sobre esta afición? ¿De donde vino la inspiración para escribir? Me gusta componer música y escribir letras para canciones, pero también escribir historias que no necesiten una métrica ni una ambientación musical concreta. Así voy amontonando escritos que por sí solos tienen su propia trayectoria y su propia musicalidad. No hay mas secreto. Cuéntanos sobre la campaña de promoción de paternidad responsable organizada por el grupo Andrea. ¿Cómo te escogen para esta campaña? ¿Qué significó para ti formar parte de esta campaña? Esta campaña como otras no me supone ningún esfuerzo ser partícipe porque se relaciona mucho con mi manera de ser y si me piden que aporte mi imagen a dichas campañas lo hago con mucho gusto. En diciembre del 2011 sales de Barricada poniendo fin así a 30 años dentro de la mítica banda. ¿Cuáles fueron las causas por las que tuviste que dejar la banda? ¿Cómo reaccionó el público ante esta noticia? No me fui yo, me dieron la patada y me abandonaron como a un perro en una gasolinera. Parece ser que estaban preparados para llevar una banda como Barricada y año y medio después alguno se quemó con el calor de los focos. Entre el público hubo de todo. Algunos y algunas por fin se llevaron a casa el diploma de gilipollas.
En 2013 por diferentes problemas llega a su fin Barricada luego de una extensa carrera. ¿Cuánto representó para ti el fin de Barricada? No había que tener excesivas luces para intuir lo que aconteció. En el 2012 creas tu propia banda manteniendo el nombre de El Drogas. ¿Qué miembros te acompañan en tu aventura musical? Tras "La tierra está sorda", disco cuya temática se relaciona con la represión que por parte de los fascistas se llevó a cabo en España durante y tras la guerra civil, me apetecía llevar a cabo un trabajo menos denso y por ello recuperé el proyecto de Txarrena con músicos con los cuales me apetecía tocar. Así pues llamé a Brigi Duke para la batería, a Eugenio "Flako" Aristu para el bajo y a Txus Maraví para la guitarra. Durante un año anduvimos haciendo kilómetros. Con los acontecimientos de Barricada decidí montar una historia donde tendrían cabida todas mis composiciones, fuesen de la época que fuesen y así monté El Drogas. Como estaba disfrutando de la carretera y los directos con los inconscientes que me acompañaban, fueron los primeros en tener conocimiento de mis planes y los tres decidieron unirse a ese nuevo proyecto. Coméntanos sobre el triple CD “Demasiado tonto en la corteza” publicado en el 2013. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación de este triple CD? ¿Fue difícil hacer 3 CDs al mismo tiempo? La decisión de grabar un triple fue muy meditada. Quería experimentar junto a Brigi, Flako y Txus ambientaciones musicales que a mí siempre me han gustado y que por fin las podía llevar a cabo. Para enredar con la música hay que tener un grado de inconsciencia que hoy por hoy es difícil de observar en bandas de rock, en el propio público que acude a festivales y conciertos. Esto para mi es aburrido, letal. Necesito la incomodidad, el movimiento, y si es en compañía de personajes con esa inquietud, pues mucho mejor. Estuvimos un año arreglando y grabando las canciones. También el proceso de composición de cada parte fue muy personalizado para dar entidad propia a cada disco. Ha sido difícil pero muy entretenido y el resultado muy gratificante. El pasado 2 de julio presentaste en Pamplona el potente directo “Un día nada más”. ¿Cómo fue la presentación de esta pieza en la Ciudadela, del cual tengo entendido se decidió grabar un doble DVD? ¿Cómo fue la asistencia del público? Para terminar la gira de "Demasiado tonto en la corteza" decidí montar un espectáculo acorde a todo lo acontecido durante dicha gira. Un lugar céntrico en Pamplona-Iruña es el Parque de la Ciudadela que además de bonito reúne
las condiciones idóneas para llevar a cabo una producción de esta envergadura. El público respondió a la llamada y fue parte importante del desarrollo del mismo. Según tengo entendido el concierto duró más de 5 horas. ¿Cómo fue la preparación para un concierto de esta magnitud? ¿Artistas invitados? Exactamente el espectáculo empezó a las 19.30 y terminó a las 2.00. Excepto dos descansos de media hora cada uno, todo lo demás fue el desarrollo de los diferentes formatos utilizados en la gira. Una gira donde las actuaciones normales ya duraban casi cuatro horas. En esta ocasión además quise contar con una gran cantidad de invitados y así se vinieron a disfrutar 19 de ellos. ¿Cómo ves tu futuro dentro de la música rock? Simplemente espero seguir disfrutando de un oficio por el cual siento pasión. Trabajar y presentarme ante el público con el mayor grado de honestidad posible. ¿Cómo ves la escena del rock en estos momentos en España? En España es buen momento para romperse la cara peleando por mantener y recuperar derechos que van eliminando. El mundo del rock debiera ser la vanguardia de esas protestas, aunque tengo que reconocer que estamos muy lejos de esa primera línea. Si se te diera la oportunidad algún día de venir a Cuba a mostrar tu música. ¿Lo harías? Y por supuesto que iríamos a Cuba si se nos quiere escuchar por allí. Bien Enrique, gracias por esta oportunidad. Antes de terminar algo que quieras decirle al público cubano y a todos los lectores de esta revista. Espero que haya sido un rato ameno el compartido en estas líneas. Que nos veamos pronto y gracias a vosotros.
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Sueños, pesadillas, trastornos psicológicos y todo lo relacionado con lo paranormal caracterizan el sonido de esta potente banda. Sobre su más reciente producción discográfica y otros elementos nos comentan Javier López (bajo) y Celia Noguera (Voz). Por: Alejandro Pérez.
Saludos a los miembros de Cotard y sean bienvenidos a esta revista cubana de rock. Es un placer poder entrevistarlos. Muy buenas, amigos de Metal por tus Venas!! En un honor para nosotros poder atenderos. Para empezar. ¿Por qué el nombre de Cotard? ¿Algún significado en especial? El síndrome de Cotard o negación nihilista es un raro trastorno psicológico donde el afectado cree estar muerto, sufriendo la putrefacción de sus órganos, descomposición, etc. Muchas veces la temática de los temas de la banda gira en torno a temas psicológicos, así que nos pareció un buen nombre, y además muy “heavy” ¿Cuándo y donde surge la banda? ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿De donde proceden? La verdad es que, como casi todas las bandas, Cotard surge de la descomposición de otras bandas. Por un lado, Pedro (batería) y Sergio (ex vocalista) venían de una banda y Carlos (guitarra) y yo (Javier, bajo) veníamos de otra. Nos juntamos en 2009 y nos gustaron las sensaciones. Ya en 2013
Sergio decide abandonar la banda y encontramos a Celia (actual vocalista). Tras un par pruebas nos empezamos a sentir cómodos, ya que ella se tuvo que adaptar a nuestro estilo y nosotros al suyo, pero creo que el resultado fue muy bueno. ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda? Esa es una pregunta muy complicada, porque depende de a qué miembro de la banda le preguntes. Mientras Pedro siempre ha preferido las nuevas tendencias del metal internacional, Carlos tiene más influencias del blues o el rock más clásico. Celia por su parte viene de los géneros más líricos y el power metal. Y a mi (Javi) siempre me han gustado estilos más alternativos como el punk, hardcore, etc. Así que lo que siempre hemos intentado es que todas esas influencias se vean plasmadas en nuestros temas. ¿Cómo definirían su música? No la definimos, eso os lo dejamos a vosotros, Jajaja! En realidad siempre hemos tenido un problema con el estilo, porque cuando vamos a festivales de música en general, solemos ser uno de los grupos más duros, y cuando vamos a los especializados en Rock y Metal, somos de los más blandos, así que estamos en medio de todo eso. A decir verdad, no nos preocupa demasiado, si nos preguntan, decimos que hacemos Hard Rock. Coméntennos un poco sobre su más reciente producción “OJIBWA”. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? ¿Cuántos temas trae? ¿Qué temáticas abordan en las canciones? ¿Videos realizados? ¿Planes para promocionarlo? En primer lugar, todo el proceso partió de la idea de hacer un álbum temático, es decir, que girara entorno a un tema. A todos los miembros del grupo nos gusta mucho todo lo relacionado con los sueños y el mundo onírico, así que decidimos que tratara sobre todo el abanico de sueños, pesadillas, etc, que existen. De esa manera, cada uno de los 10 temas del disco aborda esta temática desde una perspectiva diferente. Tambien por ello elegimos el cazasueños como elemento central del art work. En cuanto al proceso de producción, lo comenzamos en febrero de 2016 y lo terminamos cuando entramos al estudio en junio. Al no tener presupuesto para contratar a ningún productor famoso, lo hicimos nosotros mismos en casa y lo rematamos en el estudio. En cuanto a los vídeos, realizamos un experimento grabando un videoclip en 360 grados del tema “La Noche de los Tiempos” y pronto tendremos otra sorpresa (que no os podemos desvelar). En los planes de futuro está el realizar un videoclip en condiciones, pero para eso hace falta presupuesto y de momento andamos cortos de efectivo Jajaja.
¿Cómo fue trabajar junto a Oscar Sancho (Lujuria) en este disco? ¿Experiencia adquirida? Pues como siempre, trabajar junto a Oscar es un placer, es un tipo que se apunta a todo lo que le propongas y se presta a todo. Por cierto, el nombre del disco me recuerda a la famosa película de terror. ¿Alguna relación? Me imagino que os referís a la película “Ouija”, así que no. “Ojibwa” es el nombre de la nación nativa norteamericana a la que se le atribuye la invención de los atrapasueños como elemento espiritual. Nos pareció bonito hacer un pequeño homenaje a estos pueblos que tanta relevancia daban a los sueños en sus rituales. Según tengo entendido en el 2015 ganaron el Granito Rock categoría de Rock. ¿Cuánto representó esto para la banda?
en la
Fue un honor formar parte de los ganadores de la edición. Es un sitio donde te tratan muy bien y que está hecho para que los músicos disfrutemos, así que no podemos tener más que buenas palabras para ellos. Recomiendo a todas las bandas españolas que participen en su concurso porque, de verdad, merece la pena. ¿Han tenido alguna vez la oportunidad de compartir escenario con alguna banda reconocida? ¿Alguna experiencia que quieran compartir? Bueno, en el caso del Festival Granito Rock, compartimos escenario con Saratoga. Veníamos de otro festival en el que tuvimos la oportunidad de compartir escenario con Revolver, pero la verdad es que siempre es un placer compartir cartel con los grandes. Ya es común ver en las bandas de rock a una mujer como vocalista y Cotard no escapa a esto. ¿A que creen que se deba esta tendencia a ver más mujeres como vocalista de una banda de rock? Supongo que se debe a la mayor incorporación de la mujer a todos los ámbitos, y eso afecta también al mundo de la música. También considero que ahora están teniendo mayor visibilidad, ya que hace unos años esa presencia se limitaba a una élite muy concreta. ¿Celia, has tenido alguna vez problemas en la escena solo por ser mujer? ¿Consideras que el sexismo es un problema real dentro del rock y el metal? A mí, personalmente no. Alguna vez me han juzgado por cuestiones de físico. Hay gente que sigue preguntando antes si estas buena, que cómo cantas o cómo suena el grupo, cosa que es impensable en un grupo compuesto solo por hombres. Pero por suerte, esa imagen de “mujer florero” rockera ya se ha dejado atrás. En ese sentido creo que hemos avanzado mucho.
¿Conocen algo del rock que se hace en Cuba? Conocemos muy poco. En España estos géneros son minoritarios y cuesta mucho oír bandas nuevas (incluso las de aquí) así que es difícil encontrar algo hecho fuera. Sí conocemos otras bandas de Latinoamérica, pero concretamente cubanas es muy difícil. ¿Si tuvieran la oportunidad de venir a Cuba lo harían? Sí, sin dudarlo. Solo hace falta que alguien nos invite, Jajaja. ¿Que planes futuros tiene Cotard para el 2017? Seguir tocando, promocionando el nuevo álbum y llegar a toda la gente que podamos. Y si ello implica tener que ir a tocar a Cuba, pues lo tendremos que hacer, jajajaja. Bien, antes de terminar quisiera darles las gracias y felicitarlos por su disco “OJIBWA”. Tengo una copia copia digital y me gustó mucho. Les cedo espacio para que expresen o digan lo que deseen. Muchas gracias a todos los medios que dais difusión a grupos como nosotros y esperamos poder vernos por allí muy pronto. Y todos vuestros lectores les recomendamos que e se den una vuelta por nuestra web, nuestras redes sociales y que nos puedan escuchar en las principales plataformas. Muchas gracias!!
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Poderoso, melódico y fresco. Así podríamos definir el disco de presentación de esta banda que lleva apenas un año de creada y ya derrochan talento por doquier. Sobre sus orígenes, su disco debut y otras cuestiones nos comenta Iñaki Lazcano (vocalista). Por: Alejandro Pérez Sé que la banda tiene apenas un año de creada así que de manera breve. ¿Cómo surge la idea de crear COFFEINE? Pues a finales de 2015 nos reclutaron a David y a mí entre otros músicos españoles para formar una "súper-banda" que finalmente no salió adelante. Pero gracias a ese proyecto nos conocimos David y yo y tuvimos la oportunidad de componer juntos, y surgió el feeling. Decidimos que había que hacer más temas, y cuando teníamos unos cuantos pensamos que había que grabarlos... ¿Por qué ese nombre? Viene una broma de la banda. Solíamos hablar en las sesiones de composición y de grabación de nuestra adicción al café, y terminamos creando el nombre COFFEINNE como una mezcla de coffee y cocaine. Nos gustó y decidimos adoptarlo para nombre de la banda. ¿Quiénes son sus miembros y de donde provienen? Iñaki Lazcano- voz (ex-Airless) David Villarreal- guitarras (ex-Black Rock) Sergio Salcedo- guitarras Alberto Muñoz- bajo Luis Morales- bateria
¿Principales influencias? Ufff... muy muy variadas. Pero por resumir un poco, sobre todo metal melódico mayormente europeo y death metal melódico moderno. Desde In Flames a Trivium, desde Allen Lande a Kamelot... podríamos mencionar mil bandas. Y por supuesto los clásicos, Metallica, Halloween, Megadeth... Enfoquémonos en su primer disco que lleva por nombre “Circle of Time”. ¿Cuántas canciones trae? 10 ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Sergio, segundo guitarrista, es amigo personal de David y su trabajo es técnico de sonido y productor, por lo que todo el proceso de grabación y producción lo dejamos en sus manos y se realizó en su estudio. Esto tiene sus ventajas y sus inconvenientes. Estas seguro de que harás sonar el disco como quieres, pero no sabes cuándo lo terminarás porque dependes de los huecos libres que dejan los clientes... ¿Algún video para promocionar el mismo? https://youtu.be/00LKcogvXgI ¿Temáticas que abordan en las canciones? En general hablan más sobre situaciones, sentimientos o estados de ánimo que sobre historias concretas. Ansiedad, temor, desesperanza, fracaso, mentira hipocresía, rabia... hay poco espacio para historias alegres o felicidad porque no es lo que encontramos hoy en día en la calle, en la televisión o en los periódicos. ¿Planes para promocionar el disco? En principio girar por España y esperar a ver si desde las otras partes del mundo donde se está escuchando y se han interesado en COFFEINNE llega alguna oportunidad para ir a presentar el disco. Tengo entendido que en este disco colaboran varias personas. ¿Podrían mencionar quienes? A las voces guturales Gabriel Jester, amigo y vocalista en Deathsurrection La voz femenina es de Esther Gómez. El solo de guitarra en Circle of time es de Robert Rodrigo, muy buen amigo, excelente guitarrista y ex-compañero mío en Airless. Hasta el último momento estuvo previsto que fuese un solo de guitarra también de Manuel Seoane, amigo personal de David y guitarrista de múltiples bandas
como Baibang, Sinbreed, Burdel King, Lujuria... pero al final por problemas de agenda no pudo ser. ¿Cómo creen que será recibido este disco tanto por el público como por la crítica especializada? Pues uno nunca sabe... de momento la respuesta está siendo fantástica y está sobrepasando nuestras mejores expectativas. Esperamos que siga así!! ¿Cómo es eso de que el disco va a ser editado en Japón el próximo año? Si. BickeeMusic se interesó desde el primer momento en la distribución del disco en Japón, así que llegamos a un acuerdo enseguida. El disco sale allí el 22 de Febrero y la edición japonesa incluirá varios bonus-tracks. ¿También se va a distribuir? Si. ¿Cómo creen que será recibido el mismo en un país tan distante? Japón es el mejor país del mundo para el Rock, y en general para la música. Los japoneses consumen mucha música y siempre es un orgullo que tu música genere interés allí. ¿No les da un poco de nervios? En absoluto. Estamos impacientes por que salga el disco allí y que los fans japoneses escuchen “Circle of Time”. ¿Aparte de todo lo que conlleva un nuevo disco, que planes inmediatos tiene la banda para el 2017? Lo primero e inminente es presentar el disco en directo. Y después, seguir componiendo lo que será nuestro segundo disco. No queremos parar. Bien, antes de terminar me gustaría felicitarlos nuevamente por su primer disco y desearles mucha suerte y éxitos de ahora en adelante. Les cedo espacio para que digan o expresen lo que deseen. Muchísimas gracias por la acogida y por la atención, y por la oportunidad de darnos a conocer allá. Esperamos tener algún día la oportunidad también de ir y presentar nuestra música en directo.
Sitios de enlaces Facebook: https://www.facebook.com/Coffeinne-1013748078752599 “Fragile” Lyric Video https://www.youtube.com/watch?v=00LKcogvXgI
De la prensa cubana Paul Dugdale, director de Havana Moon: The Rolling Stones Live in Cuba: “Quiero que la gente sea capaz de revivir esa noche” Gracias al documental Havana Moon del director británico Paul Dugdale, que recoge el concierto protagonizado por los Rolling Stones el pasado 25 de marzo en Cuba, los cubanos y el mundo podrán revivir esa noche en la gran pantalla Por: Michel Hernández (publicado en Granma el 11 de diciembre) El 25 de marzo Cuba tuvo su propio Woodstock. Los Rolling Stones debutaron en la Isla después de más de 50 años de carrera con un concierto que tuvo muchas similitudes con el simbolismo del festival más grande de la historia del rock. Más de un millón de personas estaban sobre la arena viviendo una noche única en sus vidas, en un mega espectáculo que posiblemente guarden con letras de oro en su biografía emocional.
El cineasta británico Paul Dugdale. Foto: Cortesía del entrevistado
Nueve meses después los cubanos han podido volver a vivir esa noche en la gran pantalla gracias al documental Havana Moon del director británico Paul Dugdale, que recoge este histórico concierto protagonizado por la veterana tropa de Mick Jagger.
A propósito de la presentación de Havana Moon en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, y de The Rolling Stones Olé Olé Olé!: A Trip Across Latin America, la obra que registra el paso de los Stones por América Latina, Granma conversó con Dugdale, quien ha trabajado además con Cold Play, Adele, Elton John, entre otras estrellas del rock and roll y del mundo del espectáculo. ¿Cuáles fueron sus expectativas con el estreno en Cuba de Havana Moon: The Rolling Stones Live In Cuba? Siempre con las películas de conciertos que hacemos, el objetivo es captar lo que se siente al estar en el concierto. Mi esperanza es que hayamos capturado la energía del increíble público esa noche y capturado el carácter y la habilidad de una banda increíble. Quiero que la gente sea capaz de revivir esa noche y experimentar todo de nuevo. ¿Los Rolling Stones vieron el documental? ¿Qué piensan sobre la película? Durante la realización de las dos películas colaboré estrechamente con la banda. Tenemos una gran relación, ya que esta es la cuarta película que hago con ellos, y nuestras ideas de lo que es bueno y malo están estrechamente alineadas, por lo que todo el proceso fue bastante simple. Ellos tienen grandes ideas y es fácil trabajar juntos. Esto hace que sea una experiencia muy agradable.
¿Qué características tuvo la filmación de Havana Moon en Cuba? Fue una emoción enorme poder hacer una película como esta. Era difícil de hacer porque había muchos desafíos y nuestro soporte técnico es sumamente complejo, pero fue un buen proceso de trabajo con los equipos locales en Cuba que nos ayudaron a ejecutar la película. La tecnología que pudimos usar fue la mejor en el mundo, y nuestros contactos locales cubanos como Island Films fueron geniales en ayudarnos a hacer realidad la película. «Sin tener el apoyo de trabajo de un equipo tan fuerte, una película como esta no sería posible». ¿Qué diferencias existió entre la grabación de este concierto y otros documentales que ha realizado? La principal diferencia con este espectáculo fue su proporción. Fue un espectáculo colosal para más de un millón de personas. También supongo que el sentimiento en el público antes del espectáculo era de una verdadera emoción. Se sentía diferente a cualquier otro espectáculo en que he estado, porque era la primera vez que algo así sucedía. Realmente se podía sentir en la multitud que había una atmósfera increíble. ¿Cuál fue el momento de mayor simbolismo durante la grabación? El momento más emocionante para mí fue cuando la introducción se está ejecutando y las luces se apagan para el inicio del espectáculo. En ese momento todos los meses de planificación, llamadas telefónicas, correos electrónicos y mucho trabajo se reducen a ese momento específico. Una vez que empieza el espectáculo no se detendrá por lo que tienes que estar preparado para cualquier cosa que suceda y eso es, siempre, muy emocionante. ¿Tiene otros proyectos de filmación en Cuba? Cuba fue uno de los lugares más bellos en los que he filmado, y cada día nos sorprendió por su belleza. Para un director es muy especial porque se ve tan único. Ningún otro lugar del mundo se parece a Cuba, y eso es lo que hace el rodaje ahí tan especial. Me encantaría volver, la gente era muy acogedora con nosotros. «Todo lo que tengo que decir es gracias por recibirnos en su gran país, y espero que hayamos capturado la magia de esa noche especial, así como la recuerdan. Era una presentación que solo se da una vez en toda la vida y espero que el pueblo cubano sea capaz de sentir tanta admiración por Havana Moon como nosotros». Póster con el que The Rolling Stones anunciaban el concierto que ofrecieron en Cuba el pasado 25 de marzo.
Entérate
Barcelona preparó una procesión y homenaje a Lemmy Kilmister El homenaje del 28 de diciembre, a un año de su muerte, empezó con una procesión en la que se paseó un busto de tamaño real con la imagen del compositor de “Ace of Spades”, desde la sala Rocksound hasta la Sala Boveda. El fallecido líder del grupo de rock pesado Motörhead Lemmy Kilmister tuvo su primer homenaje en la ciudad de Barcelona, que contó con una procesión que incluyó el paseo de un busto gigante sobre una plataforma, que fue cargada sobre los hombros de los fanáticos. "Desde pequeño he asistido a muchísimas procesiones en los pueblos de mis padres, y siempre me ha llamado mucho la atención ese sentimiento, ese fervor de la gente, tan involucrada”, explicó Sergio Pozo, uno de los organizadores del evento titulado “Lemmyssyou” (“Lemmy te extrañamos”), citado por el diario ABC. Lemmy es considerado uno de los padres del heavy metal y el hard rock, cuando en 1975 fundó Motörhead, grupo con el que editó 22 discos de estudio y visitó Argentina en cinco oportunidades. Con notable influencia en el rock local en bandas como Hermética o La Renga, en el exterior Lemmy forjó amistad con músicos como Ozzy Osbourne o los integrantes de The Ramones, a quienes les dedicó el tema homónimo. Dueño de una personalidad despreocupada y desfachatada, el bajista y cantante de ronca voz tuvo que cambiar el whisky, bebida predilecta, por el vodka, debido a su avanzada diabetes, al punto de que una bodega sueca creó el whisky Motörhead para diabéticos.
Mejor disco del año
El sitio https://rocksesion.com ha escogido el disco “Sal del Cuento” de los madrileños La Jara como mejor disco de rock del año. Esto constituye un gran paso para la banda pues les abre las puertas a próximos festivales nacionales. ¡Enhorabuena y felicidades a La Jara! LA HORA DE “WELCOME TO THE JUNGLE” El líder de Guns N’ Roses ha ideado un reloj junto a la firma suiza HYT (en rigor y, según declaraciones en Instagram de su cofundador, Vincent Perriard, lo han «creado para Axl Rose. Skull Axl Rose es su reloj, exactamente como él lo ha diseñado. Estamos especialmente orgullosos de él»). El cantante ya ha lucido sobre el escenario su creación, fabricada con una gruesa correa de piel negra, titanio, acero de Damasco en azul brillante... Lo típico. Para hacerse con uno de los 25 ejemplares que se han fabricado (las ediciones limitadas es lo que tienen), hay que desembolsar 100.000 dólares. Y tú, ¿gastarías esta enorme suma en un reloj?
Reseñas
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Metallica - “Hardwired…To Self-Destruct” (tomado de internet) Compañia: Blackened Records/ Universal Group Music. Año: 2016. Género: Trash Metal. (Al final encontrarás cada tema con su respectivo enlace de video en Youtube) El mundo tiene una curiosa forma de ser. Como si no existieran bandas enormes en el mundo que, hasta las personas que no sean para nada adeptas a la música Metal, puedan conocer, aunque sea de pasada. Iron Maiden, Black Sabbath, Judas Priest, más que sea… Pero no, Metallica, queramos o no, hay que reconocer que, a nivel cultural, es la base de la gran parte de lo que se conoce de nuestra música a nivel cultural y general, lo cual es interesantísimo. ¿Nunca habéis oído a un amigo o a un familiar decir “oh, eres de esos ‘metálicos’”, o “anda, escuchas esa música ‘Metallica’”…? Lo que callamos los metaleros, vaya que sí. Tal vez pudieron ser los mejores en su momento, y mi opinión es de esas que se inclinan a que Metallica de verdad tocó el techo de la perfección musical desde Kill ‘Em All hasta…And Justice for All como muy pocas bandas han hecho. Los años han pasado, y la oportunidad de estar entre los mejores se perdió hace mucho. No obstante, es innegable que son los más grandes, los que más lejos han llegado como banda de Metal. Como ya he dicho en el primer párrafo de esta reseña, ¡son toda una institución cultural en sí, seas heavy o no! ¿Cuántos pueden decir eso? Con ello entramos en lo espinoso de los gozos, de los que Hetfield, Ulrich, Hammet y Trujillo no han podido escapar, y es la consecuencia de la fama desmedida, el olvidar quién fuiste, el dejar de lado a ese jovenzuelo alocado, contento de lucir la chaqueta de cuero y el cinturón de balas que le ha regalado Santa Claus. ¿Los Metallica de Master of Puppets y Ride the Lightning? Hermano, lo mejor que pudo dar la formación californiana pereció hace muchos, muchos años, y eso lo demostraron en su momento álbumes como Load o St. Anger. Ahora, tal y como dijo la anciana Rose en Titanic, “solo viven en nuestra memoria” (y en nuestros vinilos, CD’s y Lives, claro está). Ojo, esto en relación con los Metallica titánicos, lo que no quiere decir que hayamos perdido a un grupo que pueda ofrecer buenos trabajos de cuando en
cuando (aunque sean lapsos de tiempo más largos de lo debido…). Death Magnetic fue el mensaje más claro, Metallica aún son capaces de hacer, no solo buen Metal, sino buen Thrash Metal, al estilo de antaño. 2008 presentó el retorno de unos músicos cuya potencia y agresividad eran muy anheladas. Aun así, Death Magnetic nunca fue la nueva venida de Cristo. Era un disco más que entretenido y cumplía sobradamente su función, y, sin embargo, por muy poco superó lo meramente anecdótico, como si fuera una forma de aclararles a unos fanes cabizbajos que todo andaba bajo control. Por suerte, he de decir que lo que encontramos en el disco que aquí tratamos es mucho más que eso. Bastante se ha hecho esperar (ocho años para ser exactos, en los que Metallica se lo han pasado de lo lindo jugando al hockey, tocando en la Antártida, grabando un cuasi morfo bizarro llamado Lulu -o algo así-, o protagonizando su propia película… ¡qué trabajadores que son!), pero la espera ha llegado a su fin, y ya podemos devorar a gusto la nueva obra de estos gigantes, Hardwired… to Self-Destruct. Alegra saber que este, su undécimo álbum de estudio suena a Metallica totalmente. No se trata de un disco precisamente frenético ni veloz (se aleja mucho del Death Magnetic en ese aspecto), pero sí toca muchas aristas de lo que ha significado Metallica a través de los años, es decir, deja entrever mucho de esos medio tiempos del Master of Puppets, el ritmo frondoso y denso del álbum negro o la progresividad y el Groove de…And Justice for All. En resumidas cuentas, este doble CD (¿The Book of Souls? ¿Dónde?) -de once temas albergadores de más de ochenta minutos de música- me ha parecido mucho más sincero y mejor asentado que el del féretro magnético. Se nota que este trabajo ha sido uno bastante premeditado, track por track. Solo hay que ver cómo empieza la música a sonar (atronar, más bien) con la ya archiconocida Hardwired, la banda saca las garras y embiste feroz, guitarras en ristre y ofensivas a todo meter y doble bombo de Lars en su final. Ida a lo fácil, más que claro, pero lo justo para que el escuchante se sienta cómodo donde está, que se sienta bien a la hora de aventurarse más adentro. Atlas, Rise!, más que Thrash, vive en las costas más punzantes del Heavy Metal clásico (inclusive con alusiones a Iron Maiden y su Hallowed Be Thy Name). Durante las primeras escuchas no me convenció tanto, sin embargo, pocas han bastado para dejarse ver como lo que es: una canción de lo más elaborada, que rezuma potencia, melodía y un Hetfield todo un as al micrófono, coreando cada nota esbozada por los punteos y riffs. Continuamos con la romántica-gótica Now That We’ re Dead, un tempo sereno en cuanto a destructivo, con un estribillo puramente Metallica y un nivel instrumental imponente como un muro de granito. Moth Into Flame es otra que metemos en el cesto sin problemas, es una canción que sabe meter caña a raudales a la vieja usanza, pero sumándole un plus melódico innovador que casa estupendamente con el estilo de la banda. También es una buena oportunidad para hacernos embaucar por uno de los mejores solos de Hammet dentro del LP. Mucho dudaba un servidor de cómo rendiría Lars en el disco, si bien sus capacidades como percusionista han ido decayendo de forma unidireccional
desde hace bastantes décadas. Cuán grande es mi sorpresa de que, no solo se defiende bien a las baquetas, sino que, en canciones como Dream No More, será diligente total, un gran conductor de una milicia oscura que tira mucho de lo dado en viejos himnos como Sad But True, una pasada (en serio, tan solo escuchad cómo hace sonar los platillos justo antes de cada puente). Este primer disco termina con Halo on Fire, la más larga del mismo, albergando ocho minutos en los que recobran las melodías en las guitarras, ciertas partes acústicas, un James Hetfield totalmente metido en su actuación cantante (genial, pletórico y convencido de cada movimiento vocal), una tocata final asombrosa y buena cantidad de cambios rítmicos que nos mecerán de un lado a otro en el cubículo de emociones en el que la banda, sin que nos hayamos percatado, ya nos ha atrapado a lo largo de este primer CD. Gustazo es desenvolver el segundo redondo, hacerlo rodar y, directamente, toparse con Confusion, la cual, pese a anunciarnos que los medios tiempos serán tela principal en el hilado (asunto cuanto menos precario, si me preguntan), azota nuestros sentidos a base de una mixtura perfecta entre Heavy y Thrash Metal, así como varios de los mejores momentos a nivel líricomelódico propiciados por el mismo Hetfield (menuda racha la suya), tanto en el estribillo como en los primeros versos, haciendo de esta canción una de las más destacables del compacto. ManUNkind, mismamente, es una implosión total de Metal por sí sola, equilibrando las dosis de rudeza con sus múltiples cambios de ritmo, aunado todo ello en un subrayable solo de Hammet (¡vaya forma de convertir cada nota en una montaña rusa!). Entramos en las bazas más flacas. Here Comes Revenge, la verdad, sigue un modus operandi altamente similar al de Confusion, aunque, pese a tener interesantes pasajes más templados, resulta más monótona y menos sorpresiva. Ergo, cabe elogiar el notorio esfuerzo por parte de la banda por mantener el barco a flote a lo largo de todo el track. Sumando alegatos que hay que tener en cuenta para valorar el producto final, parece que la firmeza sonora va diluyendo según se amontonan estos medios tiempos, y esto es algo que canta sobremanera en Am I Savage?. Y es irónico porque, pese a la pesadez, Metallica nunca deja de dar razones para hacer buenas canciones como esta. Junto a Here Comes Revenge, es el tema del disco que menos me ha tocado la patata, lo cual no quita su excelente presentación musical, ese ritmo fuertemente marcado y regido por Ulrich y Trujillo y esa tensión contenida y, a su vez, liberada al llegar el estribillo. Subimos escalones agigantados con Murder One, reverenda composición hija demoníaca entre Welcome Home (Sanitarium) del Master of Puppets y New Machine de los también míticos Overkill. Se trata de una canción totalmente rompedora, por cómo atesora el aura entre lo clásico y lo nuevo, entre las líneas compositivas más demoníacas y las más majestuosas (joder, si es que no cuesta lo más mínimo imaginarse a estos tíos paseándose a su modo por el escenario a ritmo de esta canción). Oh, ¿quieres más? Como tantas otras de otras muchas más bandas, estamos ante un homenaje (perceptiblemente claro en la lírica) al maestro en descanso Lemmy Kilmister, cuya fecha de fallecimiento está cercana de cumplir su primer aniversario.
Pero vayamos a lo serio, y qué mejor que esta última pista, la cúspide del álbum, para despedirnos, Spit Out the Bone, thrasher hasta la médula, minutaje digna de la mejor época de estos músicos, una plaga abismal de momentos de gran magnitud para el recuerdo (¡¡menudas formas de inyectar adrenalina en el grandfinale!!)… Hemos visto mucho en esta obra, pero, ¿esto? ¡Metallica en estado puro! Tal vez habrá qué ver como avanza el tiempo, e igual es algo exagerado el clasificarlo como futuro clásico, pero… yo no descarto nada, señores. Son muchas las sensaciones que ha dejado este Hardwired… to SelfDestruct, de lo más variopintas, por no decir que estamos ante un pequeño enfrentamiento que igual afectará a más de uno a la hora de escuchar el trabajo. Por un lado, el primer CD no tarda nada en hacerse conectar y querer por medio de la música y sus temas, presentados en un orden adecuado y que da bastante variación entre cada track. Sin embargo, el segundo es mucho más ambiguo, tira mucho (en demasía, vaya) del medio tiempo, y enfrentarse a sus canciones puede ser algo más tedioso y difícil durante los primeros encuentros. Sin embargo, invito a no desfallecer y darle las oportunidades necesarias, pues es en este segundo disco donde podremos escuchar, no solo las mejores composiciones del álbum, sino algunas de las más interesantes y a tener en cuenta dentro de la obra íntegra. Todo cauce puede llegar a buen puerto (menos la portada, aquella es una batalla perdida). Gustará más o menos en unos momentos u otros, pero, una vez llegados al final del camino, aún perviven esas ganas de volver a darle al play y chutarse el LP a tope. Creo que no hay mejor señal que esa a la hora de ver que Metallica lo ha conseguido. No conseguido, ojo, un clásico, no, ni siquiera creo que sea eso lo pretendido aquí, sino hacer pasar una buena sesión de excelente música al público que tanto le ha dado de comer (y un buen repertorio de Lamborghinis, ya que estamos), y es que hay para todos los gustos, desde para los amantes de lo más clásico del Heavy y el Thrash, hasta aquellos que buscan algo más accesible y comercial (comercialidad responsable, afortunadamente), onda Load y ReLoad (y que nadie se me alarme, que, por suerte, aquí no encontraremos extravagancia alguna de esos álbumes). Así que, lo dicho, ¡para dar y regalar! En fin, es obvio que hay material en cantidad en estos casi ochenta minutos de long play, cada cual más dispar, así que es, al final, cada uno, cada fan, y cada seguidor de Metallica, quien tendrá la última palabra. No es Ride the Lightning ni Kill ‘Em All, pero es más sobresaliente que Death Magnetic, punto a favor que se gana por mi parte, al igual que estos cuernos bajetes y recomendables (7.8/10) ofrecidos a la nueva jugada de Metallica. Hardwired - https://www.youtube.com/watch?v=uhBHL3v4d3I Atlas, Rise! - https://www.youtube.com/watch?v=JFAcOnhcpGA Now That We’re Dead - https://www.youtube.com/watch?v=QIF4rhAbwyc Moth Into Flame - https://www.youtube.com/watch?v=4tdKl-gTpZg Dream No More - https://www.youtube.com/watch?v=yqIQvE5R1tU Halo on Fire - https://www.youtube.com/watch?v=WbxH5S9_A3M Confusion - https://www.youtube.com/watch?v=ZChXK2rdr9M ManUNkind - https://www.youtube.com/watch?v=tUVr3xnGIEo Here Comes Revenge - https://www.youtube.com/watch?v=FpF8Wa2yQH0 Am I Savage? - https://www.youtube.com/watch?v=IkVG-qXRgfo Murder One - https://www.youtube.com/watch?v=2Mkq6GFLIsk Spit Out the Bone - https://www.youtube.com/watch?v=m46Z0-HXySo
NOCTURNIA - Tierra de Cobardes Discográfica: CD Music/Duque Producciones Existen grupos que deberían tallarse a fuego en el repertorio musical, por lo menos en la escena española donde existen grandes bandas. NOCTURNIA, siempre sembrando la excelencia desde un injustificado anonimato, ha sabido ganarse el beneplácito del público que ha atendido a sus trabajos, todos marcados por la maestría. Como en la mayoría de grupos, la estabilidad de los componentes no es un factor invariable; siempre existen cambios. NOCTURNIA tuvo la oportunidad de albergar entre su elenco de músicos a Rafa Blas, ganador de "La Voz" en 2012. A pesar de todo, el presente disco goza de un repertorio profesional digno, donde huelga señalar la incorporación de Alberto Symon como pieza clave del conjunto que analizaremos a continuación. El disco, por lo general, proyecta un power metal atípico. La delicadeza de los teclados tiende a confluir con la virulencia guitarril, todo conciliado con una batería imparable. ¿Es así todo el trayecto musical? Ni por asomo. Si tengo que exaltar una bondad del conjunto, ésta es la variabilidad interna de las canciones, virando compases lentos hacia armonías vertiginosas. La misma mutabilidad se aprecia en las diferentes canciones, marcadas por logradas distinciones que rompen cualquier atisbo de homogeneidad en virtud de la variedad. Con sutileza y sin desbordar, el disco se abre con “Preludio”, una fugaz instrumental con toques orquestados dirigidos por la tenuidad de un teclado saboreable. El tema sirve de tracción para la primera descarga de adrenalina con “Baraka”, un campo de potentes riff donde resalta la voz de Alberto Symon. Sin gran alarde en los instrumentos, la ejecución sobresale por la inserción de los teclados que, de modo anecdótico, dotan a la canción de un sonido especial. La tercera canción varía la musicalidad con un efectista ensamblaje electrónico. Marcada por las incesantes armonías "electrizadas", “Sin olvidar quien eres” transmite un importante mensaje existencialista surtido de gran profesionalidad, detalle que se percibe en el prematuro solo que desborda la canción. Sin palabras deja “Alza los puños”. Una introducción optimista, estructurada sobre una base orquestal que se extiende por toda la canción, sirve de detonante. El positivismo perceptible en la música se extrapola a la lírica gracias a un golpe de valentía y serenidad al que debemos atender. Destaca, por encima de todo, la gran producción que aglutina varios instrumentos con el fin de ensalzar el mensaje. La banda descerraja toda su virtud power metalera con “Rencor”, un perfecto corte modélico del género con riff veloces, una batería machacona, una voz desatada y unos matices épicos sin precedentes en el CD. El tema se impulsa con rabia gracias a unos guturales premonitorios que, efectivamente, se reiteran al final. La guitarra cabalga frenética durante toda la canción creando
una explosión de vigor perfecta. Con una hechura más sosegada pero sin prescindir de calidad, “Última esperanza” es el contraste de todo lo anterior. Un medio tiempo cargado de predominancia instrumental que conjuga intermitencias temporales, pasado de melodías más sutiles a otras con mayor agresividad. No obstante, lo verdaderamente loable es el aspecto vocal, bien apreciable de principio a fin. Siguiendo con la remisión de intensidad pero incrementando las sensaciones, llega “Duele la noche sin ti”. Ésta es la canción más lacrimógena del plástico, y no sólo por la lírica. Iniciado con un sobrio teclado que transmite temor e inquietud, se van acogiendo instrumentos sin renunciar a esa intranquilidad. El final es espectacular, se desencadena una marea de virtuosismo resaltada por el mimo y proyección vocal de Symon, que vuelve a impresionar. “Mi voluntad”, por su parte, es un tema que no entra de primeras. El juego de la percusión es muy sabroso, y el tema se mantiene en trance sin saber cuándo despegará hasta la llegada del aséptico estribillo. De este tema remarco ese dique de contención previo al estallido el cual se va nutriendo lentamente. El viento introductorio ya nos mantiene alerta ante la llegada de otro trallazo. La canción homónima del disco, “Tierra de cobardes”, recoge todo el arrojo anterior y lo compila en un corte espectacular. Representa la típica canción tarareable en conciertos arrojada con profesionalidad donde destaca la velocidad ejecutada por las guitarras, la apócrifa sutileza de los teclados, y el pleno potencial de las voces. Todo, claro está, arropado por un apabullante estribillo. ¿Lo peor? El final con apariencia inconclusa. El disco se cierra con otro tema esperanzador. “Para siempre” arranca con precisión gracias a unos fantásticos riff melódicos extensibles por todo el tema. Las voces sufren unas orgánicas escaladas que dejan entrever las diferentes tonalidades que puede esgrimir el cantante. Portada y tracklist del disco: 1. Preludio. 01:32 2. Baraka. 04:29 3. Sin Olvidar Quien Eres. 03:17 4. Alza los Puños. 03:36 5. Rencor. 03:35 6. Ultima esperanza. 04:31 7. Duele la Noche sin Tí 03:38 8. Mi voluntad. 03:36 9. Tierra de Cobardes. 3:50 10. Para Siempre. 04:11 Duración total: 34:15
COTARD - Ojibwa Discográfica: CD Music/Duque Producciones Los madrileños COTARD vuelven a la carga con Ojibwa. Su segundo LP ha sido producido y masterizado en los estudios TrasteCero durante julio del presente año bajo la batuta de Gonzalo Vivero. La banda ha sido artífice de todos los temas contando con la contribución de algunos artistas de escena nacional. La producción, en general, goza de la sana sobriedad. Sana porque es efectista en sentido instrumental, y sobriedad porque abandona cualquier floritura innecesaria con el fin de centrarse en sonidos orgánicos y puros. Generalmente adopta un carácter metalero, pero específicamente aborda muchos géneros. En la mayoría de canciones se perciben desentonaciones que, a priori, sorprenden; pero tras las seguidas escuchas cobran un sentido definitorio en el concepto de la banda. Con una propuesta resuelta y ligeramente críptica, apuestan por el terror como hilo conductual del disco, claramente expresado en la portada, y estructuran unos temas potentes y satisfactorios. El inicio apresta el campo macabro con una nana inquietante que da el pistoletazo de salida al LP, veámoslo. Después de la tétrica instrumental diseñada para "conciliar" el sueño, arranca el primer tema propiamente dicho. “Al despertar” se inicia con un bajo machacón seguido de sutiles riff, sin gran densidad instrumental, que dejan entrever el aspecto más sobresaliente del grupo: la potente voz femenina, la cual juega con un registro uniforme mientras nos deleita con su agradable timbre. Lo más reseñable del tema es el estribillo, rápidamente digerible. Con mayor ritmo y dureza empieza “La Noche de los Tiempos”, donde repunta el componente musical mediante guitarras juguetonas aderezadas de cierta tenebrosidad, característica consonante con la lírica. Además de los deliberados desvaríos guitarriles, la entonación vocal inspira "miedo" y sabe proyectar una tonalidad paralela a la temática. El estribillo, por su parte, se torna más insulso. Si la voz no terminaba de convencerte, gracias al siguiente tema lo hará. “Mi hora” desencadena la ferocidad en las voces, no sin renunciar a una velocidad sugerente y, lo más sabroso, un solo psicodélico muy bien producido. Más allá de los convencionalismos, el cuarto corte muestra la faceta desmadrada de la banda, donde comulgan diferentes géneros y suena un cóctel realmente agradable. A pesar de todo, los sonidos pesados imperan en todo momento. Respecto lo comentado previamente, el quinto tema rompe ese esquema. Empezando con un inicio alucinógeno, tranquilo y aparentemente aleatorio, posteriormente se retoma la relativa crudeza. Esta canción pone de manifiesto la variedad estilística del disco. Sin un enfoque definido, el transcurso de la canción bebe de varios géneros, empezando por un glam que vira hacia un metal áspero. Lo mejor es el puente entre ritmos, bien marcados y sin cambios abruptos que puedan dificultar la escucha. Por su parte, la voz vuelve a encaramarse hacia mitad tema, tanteando con diferentes tonalidades y desatando un gran potencial. Misma dinámica acoge “Desde aquí hasta el sol”, con un inicio vertiginoso y unos riff atractivos. Sin remitir el potencial vocal ni abandonar el enfoque más heavy, el solo, reposado pero muy elaborado, es toda una delicia. Rebosando el medio del CD con “Culpable”, se intensifica la variabilidad estilística. Tanto la temática como la música escoran hacia un Hard Rock
divertido engalanado de jugosos riff. La estructura principal se impregna de jugosos matices que vuelven a evocar esa delirante atmósfera que intenta transmitir el disco. No obstante, el vigor remite parcialmente con “Será Tarde”. Una brillante introducción optimista con cierta austeridad musical más allá de una batería vaporosa, una guitarra sutil y una voz efectista que anticipan un tema diferente y bien logrado. Matizo lo de parcial porque posteriormente se incorporan instrumentos y energía, pero al margen de lo escuchado previamente. Un cambio desconcertante surge con “Extraño Conocido” gracias a un inicio que podría representar el anverso del tema anterior. A través de una introducción algo precipitada, el tema discurre con irregularidad exhibiendo un estribillo efectivo y potente alternado con una base más pausada. El resultado es interesante. Por su parte, el culmen de la disparidad tiene cabida en el décimo tema. Una voz muy conocida vigoriza sobremanera la canción; el conocido Óscar Sánchez de Lujuria dota de su macarra entonación a la canción, que permanece en un umbral estable entre metal pesado y hard rock. Quizás sea el corte menos "atípico" del disco. Temáticamente concordante con la instrumental que abre el disco, COTARD se despiden con lobreguez a través del tema más crudo y violento del plástico. “Delirio Nocturno” nos sume en una lúgubre ensoñación dotada de un nivel musical excelente que pone punto y final al viaje, con la misma fuerza frecuentada en la mayoría de temas. En definitiva, Ojibwa es la gran expresión de la audacia. El andamiaje general se sostiene con bases metaleras, pero la diversidad presente desestructura la concepción de un único género, y el dinamismo impreso convierte al disco en un campo de gran exploración. Recomiendo su escucha reiterada, atendiendo tanto a las letras, algunas muy trabajadas, como a los matices instrumentales. Gran trabajo. Tracklist y portada del disco 1. Canción de Cuna (intro). 00:58 2. Al Despertar. 04:35 3. La Noche de los Tiempos. 04:42 4. Mi Hora. 03:56 5. Cae. 05:26 6. Desde Aquí Hasta el Sol. 04:56 7. Culpable. 05:01 8. Será Tarde. 05:03 9. Extraño Conocido. 04:17 10. Contra el Muro. 03:37 11. Delirio Nocturno. 04:19 Duración total: 44:86
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Documental de 20 minutos, del realizador Adam Dubin, que recoge el increíble concierto ofrecido por la banda el 8 de diciembre del 2013 en la Base Carlini, en las Islas Shetlan al sur de la Antártica. Al concierto asistieron diversos amigos, fans y algunos pingüinos.
Tallica - Parking Lot Video animado de 5 minutos creado por Robert Trujillo (bajista de la banda). En este video se muestra todo lo que acontece fuera de un estadio minutos antes de empezar un concierto de Metallica. Aquí aparecen varios personajes animados que fueron famosos en los años 80 y 90 y músicos como Bob Marley, los propios Metallica y Lemmy Kilmister. La musica de fondo es de la banda.
De la escena cubana
Ya se encuentra disponible el tercer número de la revista cubana Instinto Básico. En esta edición encontrarás entrevista a Dark Funeral, a Mortuory así como muchas otras cosas más. Puedes descargarla desde el sitio web http://www.issuu.com/insintobasicocuba o pedirla a través de los correos: infart@infomed.sld.cu y osvaldo7601@nauta.cu
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