Metal por tus venas no 29

Editorial ¡Saludos lectores! Ya llega el verano y con eso una nueva edición de Metal por tus Venas, su revista de rock cubana que cada vez atrae el interés de más personas y bandas.

El pasado mes de junio se cumplieron 50 del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles. Un disco que, sin lugar a dudas, revolucionó el rock y la forma en que era visto en todo el mundo. Para celebrar este disco, en diversos países se celebraron conciertos para homenajear a La Banda del Sargento Pimienta, y como era lógico nuestro país no pasó por alto este homenaje. Fue así como el pasado 1 de junio se realizó un concierto al aire libre en el Parque John Lennon de La Habana en donde participaron bandas como: Sweet Lizzy Project, Los Kent y Miel con Limón entre otras. Durante dos horas y más los allí presentes, la mayoría de los cuales peinaban canas, al tarareo de temas emblemáticos como: Let It Be, Hey Jude, Help!, Yesterday y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band tuvieron la oportunidad de volver a escuchar dichos temas pero defendidos por bandas nacionales, poseedoras todas de un gran talento. ¡Al igual que sucedió con The Rolling Stones en marzo del pasado año, en esta ocasión los más fieles a estos cuatro Fab Boys se deleitaron, corearon y hasta gritaron de emoción cuando escucharon estos temas!

Por lo pronto, aquí les dejo esta edición correspondiente al primer mes del verano y en la cual encontrarán, además de las secciones habituales, varios reportajes sobre los 50 años del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. En estos artículos encontrarán cosas bastantes interesantes y curiosas. ¡Como siempre, espero que disfruten de esta nueva edición!

Sitio web:

Edición, Diseño y Realización: Alejandro Pérez Zerquera.

http://www.issuu.com/metalportusvenascuba

Contactos: Lacret 411 apto 4 e/ D’Strampes y Figueroa, Santos Suárez, 10 de Octubre, La Habana, Cuba. Código Postal: 10500.

Teléfono: +53 54697816 Colaboradores: 1. Edu - CD Music (Departamento Entrevistas).

2. Clara Rico. (Agencia Black Heaven).

3. Revista Rolling Stone México.

4. Metal Hammer.

5. Alien Rockin´ Explosion.

6. PMU. En esta edición:

Redes Sociales: www.facebook.com/metalportusvenas www.facebook.com/alejandroperez Agradecimientos y saludos

A Omar Vega Riaño (SubtleDeath), a Yusniel Valdés Puig (Jesus es mi Rock), a Osvaldo Rojas (Instinto Básico), a Alejandro Huerta, a Ivo, a Humberto y Alain Manduley, a Javier, a Miriela y a Joaquín Borges - Triana.

A las bandas Blinder, a Born In Exile y Regresion.

Agradecer también a los miembros de Blinder y su director Eric Domenech y a Nelson y los chicos de Pray 4 Plagues.

1. Entrevistas a Blinder, Born In Exile y Regresion.

2. 50 años del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y otros datos.

4. Nueva revista de rock: La Nueva G. 5. Nueva banda de rock cubana: Pray 4 Plagues.

6. De la prensa cubana: Varios artículos.

7. Reseñas: “Condolences” de Wednesday 13, “Metalfire” de Clain y “La Verdad Prohibida” de Zeus.

7. Alien Rockin´ Explosion.

8. Promociones: nuevos discos.

9. Póster: Afiche del DVD “Paris” de RAMMSTEIN.

Con casi 20 años dentro de la escena cubana, Blinder es una de las bandas representativas del Death Metal y son poseedores de una larga trayectoria que abarca tanto la escena nacional como la internacional. Esta banda fue invitada a participar el pasado mes de febrero al evento de Promotores Rock de la Loma donde finalmente conocí a su director y vocalista Eric Domenech. En esta entrevista conocerán todo sobre “Syncretic” el más reciente trabajo de esta banda así como sobre otras cuestiones relacionadas con el desarrollo de los mismos y el rock en Cuba.

Por: Alejandro Pérez.

Para empezar. ¿Cuándo y donde surge Blinder? ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿De dónde provienen?

Bueno antes de comenzar quiero agradecerte el interés que has mostrado en nuestra banda y la oportunidad que nos ofreces para darnos a conocernos mediante tu zine. Pues todo comenzó en los finales de 1998 tras la desintegración de MEDIUM, una de las primeras bandas en hacer Death Metal acá en Cuba, y con la cual afortunadamente llegamos a editar un CD a través de la disquera mexicana American Line Prods. de México, esta realización se tituló Blinder, por lo que evidentemente tomamos dicho nombre para dar continuidad a nuestro deseos de hacer metal extremo pero agregándole nuevas influencias y otros enfoques más personales. La alineación actual está compuesta por Reinel “El Timba” Rodríguez-batería (ex - Eskoria), Yoandi Broche Jiménez (Ex - Feedback) - guitarras, Eric Domenech (ex - Cronos, ex Medium) - vocal, Asley De Armas (ex - Wormsblood) - bajo y David Chaviano Cardoso - guitarras. ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda?

Realmente lo que hacemos al componer nuestros temas es tomar las influencias de cada uno y encaminarlas por un determinado estilo que se nos permita identificar en una determinada línea musical, sobre todo tomamos elementos del Death Metal como base, a esto añadimos la pesadez del thrash,

la melodía europea más otros elementos que queramos incluir que no rompa con la idea inicial ,debo aclarar que no nos gusta encasillarnos y cada vez incluiremos más influencias que nos permita buscar un elemento de identidad y enriquecernos como músicos y creo que por ahí está encaminada nuestra línea de trabajo. ¿Por qué se caracteriza la música de Blinder?

Lo que buscamos que nos caracterice es fuerza, agresividad, melodías y cierta tecnicidad combinado con elementos que nos identifique, nada más. ¿Qué temáticas abordan en sus canciones?

Líricamente la banda pretende alentar a aquellas personas que creen que todo está perdido a buscar una salida que de valor a sus vidas, utilizando como arma principal la mente, también tomo de referencia todo lo ocurre en nuestro alrededor y lo reflejo desde un punto de vista muy personal.

Hablemos un poco de su más reciente producción discográfica “Syncretic”. ¿Cuántos temas trae el disco? ¿Artistas invitados? ¿Planes para promocionar el mismo?

Pues sí, esta realización muestra a un BLINDER mucho más maduro, gracias a todos estos años de experiencia, constancia y dedicación. En este disco se muestra un sólido trabajo y confirma el inicio de una nueva etapa y evolución de la banda, hubo mucho trabajo de mesa con nuestro productor ejecutivo para avanzar en ese sentido. Juntos trazamos una visión que definitivamente incluye ir utilizando más y más influencias cubanas, aunque con mesura, de manera equilibrada. Hemos empezado a mostrarlo con "Eyeles Pepa", "The Path of Empty Souls" y el solo en "Empathy", que cita pasajes de música clásica cubana del siglo XIX. De modo que sí, estamos explorando más y más nuestras propias raíces. Contiene 12 temas. Aparecen como invitado especial el guitarrista Jorge Almarales (ex-Arte vivo, ex-Síntesis, finalista del Guitar Gods Festival, 2016), KevBower (HELL), Edina Balczo (De Fuego, YouTube star) and Maykel Elizarde (Silvio Rodríguez, Trovarroco). La grabación la hicimos en un estudio radicado en una iglesia católica y nosotros nos encargamos de las mezclas, ya la parte de la masterización estuvo a cargo del reconocido productor de metal extremo Chris Donaldson quien hizo un trabajo muy profesional, .El single está disponible a través del link de descarga libre: http://blindermetal.com/Media/2016/The_Path_of_the_Empty_Souls(with%20int ro).mp3 Tengo entendido que este disco fue masterizado por el reconocido productor Chris Donaldson. ¿Cómo fue trabajar con Chris?

Llegamos a Chris mediante nuestro productor ejecutivo, Ionel Muñoz, que vive como él en Montreal, Canadá, y que lo conoce personalmente. Para nosotros fue un gran privilegio poder trabajar con Chris. Se le reconoce como el Rick

Rubin del metal extremo. Que él aceptase nuestro material fue ya un gran acontecimiento. Estamos además muy satisfechos del resultado final. Chris trabaja con un profesionalismo y una atención a los detalles verdaderamente impresionante.

Su anterior producción “Hegemonic Cult”, estuvo nominada a los premios Cubadisco en la categoría de rock metal. ¿Cuánto representó esto para la banda?

Mira desde el punto de vista personal pienso que el Cubadisco es un evento que es válido por el hecho de ser el único que se dedica a las producciones musicales cubanas y te da cierto merito, y uno ya tiene hecho el disco y no pierde nada en intentarlo, pero en realidad no influye en nada decisivo, sobre todo las bandas de metal que participan, eso lo que pude constatar en las premiaciones que evidentemente van más dirigidas a sellos cubanos, aunque no exista el disco físico?¿pues muchos de estos sellos presentan 3 o 4 copias promocionales a espera de que algún día exista un presupuesto para hacer una producción decorosa, no entiendo cómo se puede nominar o premiar algo que está sin salir y no saben cuándo, el favoritismo es evidente, y para colmo este año unieron todas las categorías de rock, es absurdo e incomprensible como pueden valorar una producción de metal con otras de alternativo, pop rock…….,nada que ver, sabes hace años era así y se dieron cuenta y lo subdividieron ,ahora vuelven a hacer lo mismo pese a todo, a mi entender no habían suficientes propuestas de metal como la nuestra y nos echaron en el mismo saco para justificar la presentación del disco y aumentar el volumen bajo el nombre generalizado de Rock, ya tengo la experiencia y sé que por gusto ir con ciertas esperanzas aunque el disco haya sido mezclado por Andy Sneap,editado por Capitol Records y ganador de un Grammy,al menos estos tienen un apartado de música metal, por supuesto son capitalistas desarrollado y se dan cuenta de cómo hacer las cosas como son, realmente lo único ventajoso era estar en la feria del disco cubano , porque ni mi misma provincia se hace eco de la noticia que es lo menos que se puede recibir.

Su demo “Cultura del Miedo” obtuvo críticas positivas en diversos medios tanto fuera como dentro del país. Comentennos algo sobre este demo. ¿Se sienten orgullosos con este trabajo?

Nos sentimos muy orgullosos con todo el material editado por la banda, cada uno demuestra la evolución de la banda, quizás en los comienzos la calidad de producción fue un factor inevitable del cual nadie se escapa en nuestra isla y aún lo es, pues en mi opinión no existen productores capacitados para enfrentar una realización de metal. Cultura del Miedo es un demo muy importante pues demostró que nos estábamos despojando de los elementos industriales que nos caracterizó por años y se notaba una banda segura y con una trayectoria musical más sólida.

En el 2012 son nominados a los premios Cuerda Viva en la categoría de Mejor Banda del Año. ¿Cuánto representó esto para la banda?

Fue muy disfrutable el hecho de estar compartiendo con otras bandas nacionales de nuestro propio género y considero la televisión como un medio de comunicación muy importante para promocionarnos ya que es un impacto que llega no solo sonoro sino visual a la que tiene acceso muchas personas que aunque tú no lo creas a veces es muy decisivo a la hora de influenciar en la carrera de un músico o agrupación.

A finales de febrero pasado fueron invitados a participar en el Rock de la Loma donde compartieron escenario con bandas cubanas y con los brasileños de Antidemon. ¿Cómo se sintieron al ser escogidos para tan importante evento? ¿Qué opinion les merece la realización de un evento como este?

El Rock de la loma es un evento muy significativo para BLINDER pues fuimos fundadores del mismo y hemos sido invitados varias veces, para nosotros es todo un honor estar presente y estamos muy agradecidos de que siempre nos tengan en cuenta, tenemos recuerdos muy es válido recalcar que Bayamo tiene uno de los públicos más efusivo y carismáticos del país, pero por encima de todo hay que reconocer que es un evento con características diferentes a todos los demás al tener como objetivo principal el encuentro de los promotores de nuestro Rock que son parte del cimiento sobre el que está construido todos los eventos dedicados a nuestro género ,mis saludos desde aquí para todos ellos y a los organizadores del evento.

La banda se ha destacado por la amplia participación en diversos festivales nacionales donde han compartido escenario con las principales agrupaciones de rock cubanas. ¿Cómo ven en estos momentos los festivales de rock en Cuba teniendo en cuenta organización, calidad, asistencia del público, etc?

Actualmente tenemos increíblemente varios eventos como el Festival Ciudad Metal de mi ciudad, El Atenas Rock de Matanzas, Rock de la Loma en Bayamo y el Brutal Fest que es con bandas internacionales, algunos tienen apoyo y organización aceptable otros son pésimos pues tienen poco sostén de las instituciones que pueden económicamente apoyar para lograr un evento de calidad. Por otra parte me es triste decirlo pero actualmente hay falta de sentido de pertenencia y compromiso de una gran parte del público que asiste a los conciertos, el rock más que un género musical es una forma de vida y de aptitud, algo que está escaseando y lo notas en los conciertos donde gran parte del público va a hacer vida social y no se identifican ni con las bandas ni con el evento.

La mayoría de las bandas de rock en Cuba prefieren cantar en inglés y Blinder es una de esas bandas. ¿Por qué creen que las bandas cubanas escojan el inglés en vez del español para componer y cantar las canciones?

Realmente nuestros comienzo fueron en español y muestra de ello han sido los demos Transhumanos y Cultura del miedo, a medida que fuimos evolucionando y cambiando respecto a la línea musical se incrementaron los temas en inglés para lograr cierto acceso al mercado internacional al cual está dirigido principalmente nuestra dos ultima realizaciones por el simple hecho de no encontrar medios para darnos a conocer suficientemente en nuestro país. No estoy en oposición alguna de que las bandas canten en español, al contrario es satisfactorio como el respetable cante y coree tus temas e interiorice los mensajes.

Cambiando de tema. ¿Qué opinion les merece los conciertos ofrecidos aquí por The Dead Daisies y The Rolling Stones así como las visitas de OzzyOsbourne y Bon Jovi?

Me parece que ya era hora de que bandas de primer nivel visiten a Cuba, debido sobre todo al restablecimiento de las relaciones entre nuestro país y EUA ojala el boom se mantenga, En mi opinión el gran impedimento ha sido el hecho de que nuestro país no tiene la fuerza económica ni logística para pagar y asumir dichas agrupaciones y creo que es el motivo principal por la que no vienen, existe una absurda ley de que todo extranjero que venga a Cuba a realizar actividades sociales debe costearse todo, muchos entonces prefieren venir de turismo que pagar para trabajar, increíble!!!

¿Cómo ven actualmente el rock en Cuba? ¿Creen que existe una censura hacia el mismo, tanto por parte de las principales autoridades como de los medios de promoción (prensa plana, TV y radio)?

Somos un país aún muy "primitivo" en términos de apreciación de la música pesada y extrema lo que significa un obstáculo muy difícil de superar para los jóvenes y talentosos practicantes del rock pesado o Heavy metal de cualquier género en el área, ya que las oportunidades de convertirse en músicos "más o menos respetables" son bastante disminuidas por la orientación musical del país en general. Nuestro género ha sido perpetuado a que sea poco asequible pese a la demanda y al numeroso público que lo sigue, y es debido a que por lo general las personas indicadas para promover la música en las instituciones culturales del país no tienen interés en el rock cubano e impone sus gustos personales, no obstante hemos logrado imponernos y crear espacios por toda Cuba con resultados increíbles. ¿Qué opinión les merece el papel que actualmente juega la Agencia Cubana de Rock? ¿Defiende o no la Agencia a las bandas de todo el país?

La agencia está jugando un rol muy importante en el desarrollo del rock pero solo se limita a las bandas que pertenecen a ella, que son evidentemente capitalinas, pues no tienen alcance ni poder para llegar a las de provincia, por lo tanto el termino de Agencia Cubana de Rock está mal aplicado. En mi opinión se deben crear sucursales de dicha agencia en provincias donde haya un movimiento sólido y de esta forma proteger a las bandas que se han hecho profesionales, que al no ver forma de vender su propuesta se han visto en la obligación a elaborar un repertorio comercial, sobre todo de covers, para poder tener una entrada económica y mantener su estatus de profesional, dejando a un lado la música y el público que los hizo, triste pero cierto.

En el 2017 Blinder arribará a 19 años de creada con una amplia trayectoria dentro de la escena metalera cubana. ¿Qué podremos esperar de Blinder en próximos años?

Seguir haciendo lo que hemos hecho hasta ahora, que es trabajar muy duro y sobre todo ser perseverante e imponerse pese a los obstáculos que siempre están presentes. Estamos editando un clip del primer tema de este nuevo disco, es algo sencillo para apoyar y promover visualmente la propuesta y ya estamos incluso trabajando en un nuevo EP en el que estas experimentaciones serán un poco más explícitas. ¡Ya ustedes verán cuando lo escuchen!

Bien, quiero agradecerles de nuevo por acceder a esta entrevista. Antes de terminar algo que deseen expresar o agregar.

Gracias a ti hermano por brindarnos espacio en tu revista y tu apoyo a la escena cubana, es todo un mérito. Invitamos a todos aquellos que lean esta

entrevista a que se mantenga al tanto de todo lo que se mueve alrededor de la banda. LARGA VIDA AL METAL

Artista: Blinder Título: Syncretic Procedencia: Santa Clara, Villa Clara, Cuba.

Género: Rock Metal y DeathMetal Metal Melódico.

Fecha de lanzamiento: 15 de septiembre de 2016.

Productor de la obra: lonel Muñoz Jiménez Presentación: formato CD Grabado en los Timba Estudios, Santa Clara.

Mezclado por Reinel Rodríguez Estévez y Eric Domenech.

Domenech Masterizado por Chris Donaldson, Montreal, Canadá.

Canadá Tracklist: 1. Syncretic. Call of Chango (intro) 2. The Path Of The Empty Souls 3. Inhuman Factor 4. Return To The Throne 5. The Storm 6. Rising The Power Of Metal 7. Empathy 8. Eyeless Pepa (Interlude) 9. Reigned By Hate 10. Into The Fear 11. Moral Transgression 12. Legacy Of Decay

Alineacion Alineacion: Eric Domenech Garcia - vocal Yoandi Broche Jiménez - guitarras David Chaviano Cardoso - guitarras Asley De Armas Casas - bajo Reinel “El Timba” Rodríguez Estévez - batería

“Syncretic”, es la nueva realización de los death metaleros melódicos BLINDER, esta producción discográfica ha sido masterizada por el afamado productor internacional de metal extremo Chris Donaldson (The Agonist, Cryptopsy) y cuenta con prestigiosos invitados como Jorge Amarales (Ex-Síntesis, (Ex Ex - Arte Vivo y finalista del Guitar God Festival 2016); Kev Bower (Hell); Edina Balczó (De fuego, Femmes Fusión); Fusión) y Maikel Elizarde (Silvio Rodríguez, Trovarroco). Después de su aclamado debut `”Hegemonic Cult” (nominado al Cubadisco 2014) la agrupación presenta un trabajo con influencias idiosincráticas de elementos cubanos que van desde percusiones afrocubanas hasta ha pasajes románticos sin dejar de reafirmar su característico y contundente poder METALICO!

Contactos (Banda) Cel: 53271298 Email: ericdom@nauta.cu domenech.blinder@gmail.com

www.facebook.com/metalblinder Website: www.blindermetal.com Contacto (Sello discogrรกfico) Website: www.rhombifer.com

Born In Exile nos presentan “Drizzle of Cosmos” su más reciente trabajo musical. Un disco cargado de puro rock con toques demoledores, potentes y brutales. Sobre todo lo relacionado con este nuevo disco y otras cuestiones sobre la banda nos comenta Kris Vega (vocalista).

Por: Alejandro Pérez.

Comencemos hablando de su más reciente trabajo “Drizzle of Cosmos”, el cual tuve la oportunidad de escuchar y me gustaría felicitarlos pues es todo un discazo. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?

El proceso de grabación fue un tanto largo e intenso. Nosotros buscábamos un sonido concreto, que el disco de BIE sonase a BIE, no a otra cosa. Entonces creímos conveniente trabajar en él todas las horas necesarias hasta que el disco fuese fiel a lo que somos al máximo.

En total fueron nueve meses, que valieron mucho la pena para traer al mundo a este bebé llamado “Drizzle of Cosmos”. ¿Cuántas canciones trae?

Drizzle of Cosmos trae 10 canciones, una de ellas es un bonus track de nuestro Lyric Vídeo “Dievergent” traducida al castellano, llamada “La serpiente del condenado” ¿Qué temas abordan en las mismas?

Pues hablamos de todo en nuestras canciones. De experiencias personales tales como un desamor, personas tóxica de nuestro pasado y temas de actualidad como son la guerra, conspiranoica o la fiebre del petróleo. ¿Videos promocionales?

Dievergent es nuestro primer lyric video. Su nombre viene de la palabra Dieen

inglés que significa muerte y su fusión con Divergente, en inglés Divergent. ¿Quién estuvo a cargo del artwork?

Pues de todo ello se encargó nuestro Ro Báez (Guitarra). Nadie podría haberlo hecho mejor que él. Es una persona muy creativa y exigente con su trabajo.

Todos coincidimos en que debía ser él quién diese imagen a nuestro disco.

Muy limpio y muy nórdico. ¿Se sintieron contentos una vez que tuvieron el disco terminado?

Pues nunca se puede decir que uno esta contento al 100% cuándo hace algo.

Nos sentimos muy realizados y muy felices, pero siempre cuando se trata del trabajo de uno mismo, se tiende a ser muy crítico. Por ejemplo, yo estoy enamorada de las guitarras que me parecen perfectas, el bajo que para mi gusto es sublime, o del sonido de la caja (batería)que suena con mucha pegada y no tan contenta con mi instrumento (la voz) porque siempre veo cosas a mejorar y pequeñas cosas que podríamos haber seguido corrigiendo.

Sin embargo, mis compañeros adoran las voces y son más críticos con sus instrumentos. Depende de los ojos con los que se mire.

Lo que si nos vale es que todos los que han escuchado el disco si que están contentos con el producto que están recibiendo, así que esa es la única opinión que nos sirve realmente, la de los que nos han hecho llegar su opinión y sus críticas constructivas. ¿Cómo fue recibido este disco tanto por el público como por la prensa especializada?

De momento el disco ha sido recibido favorablemente. Estamos muy contentos con las críticas y con las reseñas tanto de seguidores de BIE como de personas que nunca nos escucharon antes. Revistas y radios nos nombran reiteradas veces con puntuación positiva. Esperamos en lo que queda de año llegar a muchas mas personas de más regiones y que puedan hacernos llegar sus críticas y consejos. ¿Planes para promocionarlo?

Pues tenemos pensado girar después de verano por España, llevando con nosotros nuestro disco y promocionándolo todo lo que se pueda ¿Dónde se puede adquirir el mismo?

Itunes, Spotify, Deezer, en nuestros conciertos y por nuestro Facebook, dónde tenemos una mini tienda online. Dentro de poco en nuestra web: www.borninexile.com Ahora si, comencemos por el principio. Tengo entendido que la banda se crea en el 2012 pero no es hasta el 2015 cuando logran estabilizarse. ¿A que se debió esto?

Pues BIE empezó gracias a Juanma (Batería), Ro Báez (Guitarra) y Carlos Castillo (Guitarra). Ellos provenían de una banda anterior en la cual no se sentían realizados ni tenían alas para poder contribuir al desarrollo de los temas compuestos por y para la banda. Progresivamente, se vieron en la situación de tener que abandonar (Por eso el nombre de “Drizzle of Cosmos” que en castellano significa ““Nacidos en el Exilio”) Al poco tiempo se unieron las piezas que faltaban y comenzaron su andadura.

Mas adelante, con la marcha de la bajista, los miembros fundadores se dieron cuenta de que la dirección a la que estaban yendo con una línea gutural no les convencía y quisieron apostar por buscar una voz melódica. Al encontrar finalmente a Lucas Comuñas (Bajista) en agosto de 2015 me contactaron para hacer una prueba con ellos, tuvimos que cambiar todas las melodías vocales y rehacer todas las letras, pues quería seguir siendo BIE pero con un nuevo sonido. Y parece que funcionó, porque aquí estoy yo explicándoos la historia de una banda a la que pertenezco hace casi dos años y siento que corre por mis venas como se hubiera nacido conmigo.

Igualmente la banda tuvo diversos cambios en la alineación hasta llegar a la actual formación. ¿Quiénes son los miembros actuales y de donde proceden?

Rodrigo Báez lleva toda su carrera musical tocando y perfeccionando sus solos en bandas de diferentes estilos, pero su pasión es lo psicodélico/progresivo. Ro

es procedente de Chile aunque lleva más de media vida en Barcelona.

Carlos Castillo, guitarrista. Estudió ingeniería de sonido y tiene una gran habilidad para la composición. Es de Barcelona y viene de bandas de Death/metal melódico Lucas Comuñas al bajo, lleva una larga carrera a sus espaldas. Proveniente de bandas de rock, metal y algún tributo. Técnico de sonido y apasionado de la historia contemporánea.

Juanma Ávila, nuestro batería. Es una persona que no se conformó con sólo escuchar la música, necesitaba tocarla. En su trayectoria figuran también bandas de Metal/Death Melódico.

Kris Vega (Yo), voz. Canté en bandas de Blues, Nu Metal y Visual Kei Japonés.

Fui bajista en el pasado, y ahora me dedico al desarrollo de mi instrumento, al entrenamiento y la enseñanza de la voz texturizada. ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda y como definirían su música?

Es muy arriesgado nombrar unas influencias concretas, pues cada uno de nosotros escucha diferentes estilos de música, como por ejemplo Juanma que escucha mucho metal de habla castellana o yo, que suelo escuchar desde Metal Industrial hasta Black Metal y creemos que es eso lo que nos da el toque distintivo.

La banda se caracteriza por un sonido dentro del Metal con matices progresivos.

Si tenemos que nombrar a bandas internacionales, nuestras influencias podrían ser: Myrath, Symphony X, Opeth, Leprous, Lamb Of God, Gojira y un largo etcétera.

En el 2016 son llamados para presentarse en el festival de Alicante Niwala Fest en donde logran ganarse el reconocimiento por parte del público. ¿Cuánto representó esto para la banda?

Era la primera vez que salíamos fuera a tocar. Para nosotros era encontrarnos fuera de casa, en una sala que no conocíamos frente a un público que no conocíamos. La verdad es que después de los primeros minutos de actuación, conseguimos que el público se entregara como lo hacían en Barcelona con nuestros directos. Estuvimos muy a gusto y repetiremos todas las veces que nos sea posible.

Fue una experiencia muy favorable para la banda y personalmente para cada uno. Uno de nuestros objetivos es que nos conozcan tanto en casa como fuera de ella, y tocar por España es la mejor opción para poder llegar a los oídos de muchas mas personas. ¿Con que otras bandas compartieron escenario?

Sylvania, Ira ciega, Rising Core y Metaphilia.

Con solo escuchar “Drizzle of Cosmos” me puedo imaginar como deben ser ustedes en el escenario. ¿Pero, cómo son las presentaciones de la banda en directo? ¿Cómo son recibidos por el público? ¿Qué le dirían a las personas que nunca han visto a Born In Exile en directo y quisieran que los vieran?

Born in Exile es una banda que en el escenario lo da todo. Es un no parar de estímulos visuales y auditivos. Cuando vas a un concierto de BIE no vas sólo a escuchar, vas a ver, a sentir, a saltar y a gritar con nosotros.

Intentamos hacer partícipe al público de como disfrutamos nosotros en el escenario, nuestra misión es hacerles sentir algo distinto. Porque para lo de siempre ya están los demás. Encarecidamente os invito a asistir a un directo de Born in Exile, os volveréis a casa queriendo ir al siguiente. ¿Qué podremos esperar de Born In Exile para este 2017?

En 2017 tenemos la gira después de verano y un par de cositas más que aún no podemos revelar pero prevemos que van a tener un muy buen recibimiento.

Bien, antes de terminar agradecerles nuevamente por su nuevo disco y les deseo mucha suerte. Les cedo espacio para que le transmitan un mensaje, tanto al público cubano como español amante del buen rock.

Muchísimas gracias por apoyar a las bandas emergentes, porque gracias a personas como vosotros podemos seguir trabajando y luchando por conseguir llegar a formar parte de vidas y momentos de personas de todo el mundo.

Nunca dejen de luchar por sus sueños, pues nosotros perseguimos los nuestros y nos gustaría que mientras los consiguen, seamos la banda sonora de su victoria. ¡¡¡Mucho Rock, Mucho Metal y siempre mirando al frente con los pies en el suelo y los ojos en la luna!!!

Sitios de enlaces www.facebok.com/bieborninexile www.borninexile.com Instagram: @borninexile Twitter: @borninexile Portada y tracklist de “Drizzle of Cosmos”

1-Subject 6850 2-Revenant 3-Fields on Fire 4-Dievergent 5-Between

6-End of the world 7-Tycoon 8-Madness Light 9-No End 10-La Serpiente del Condenado

“Terra Ignis” se titula el más reciente trabajo de los barceloneses Regresion. Un disco cargado de puro rock combinado con heavy metal que con solo escucharlo te darán ganas de ver a la banda en directo. Sobre este explosivo trabajo, trayectoria de la banda y planes recientes y futuros nos comenta Pedro (vocalista).

Por: Alejandro Pérez.

Comencemos hablando sobre “Terra Ignis”, su más reciente trabajo; el cual pude escuchar y me gustó mucho. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Ésta vez el proceso ha sido un poco más estresante que otra veces porque queríamos sacar el disco bastante antes de lo que ha salido, pero al final hemos preferido sacarlo bien aunque fuese más tarde. El Mastering lo hace Dan diez. ¿Cuántas canciones trae y de que van las mismas?

Son 7 canciones mas una intro y las letras esta vez hablan de temas muy variados, desde la historia de un hombre lobo, pasando por un homenaje a Lemmy Kilmister hasta un tema que habla de la serie Juego de Tronos por ejemplo. ¿Quién diseñó la portada del disco y que mensaje transmite?

Nuestro bajista es el diseñador de la portada y el mensaje es bastante claro en mi opinión: nos cargamos nuestro mundo entre guerras, abuso de materias primas, terrorismo y un largo etc. ¿Algún video promocional? https://www.youtube.com/watch?v=vcEofUbluM4&feature=youtu.be

Éste es el Videolyric de nuestro single “Puño de Hierro”. ¿Planes para promocionar el disco?

Hemos hecho ya una firma de discos y estamos promocionándolo por las redes sociales así como por varias webs del sector pero creemos que nuestra mejor promo es el directo por lo que estamos buscando hacer el mayor número de conciertos posibles. ¿Dónde se puede adquirir el mismo?

Pues te dejo nuestro link a la tienda online de nuestra agencia https://duqueproducciones.com/producto/regresion-terra-ignis/ y aparte físicamente obviamente en nuestros conciertos y en tiendas especializadas. ¿Cómo piensan que será recibido este disco, tanto por el público como por la prensa especializada?

Bueno a día de hoy ya hemos podido charlar con nuestro público en la firma de discos y la sensación es buena, incluso hemos estrenado algún tema nuevo en directo y ha funcionado muy bien.

En cuanto a la prensa de momento buenas críticas también, esperemos que dure mucho ¿Aparte de Terra Ignis, con cuantos discos cuenta la banda?

Pues tenemos 4 discos más y un EP. Ahora si. ¿Cuándo y donde surge la banda? ¿Quiénes son sus miembros actuales y de donde proceden?

La banda surge en Hospitalet (Barcelona) en 1995 cuando la fundan Jose (Batería) y Pablo (Batería), miembros que todavía son actuales. Junto a Toni (guitarra) David (Bajo) y yo mismo (Pedro) a la voz somos los que conformamos la banda actualmente. Todos somos de ciudades cercanas a Barcelona, Hospitalet y SantBoi. ¿Cuáles han sido sus principales influencias y como definirían su musica?

Pues las principales en general para todos los miembros de la banda han sido los grandes del heavy metal de siempre como Judas Priest, Iron Maiden, también los grandes del Hard Rock como KISS o Aerosmith, sin olvidarnos de los padres de todo: Zeppelin, Purple o Black Sabbath y pasando también por Queen o Mr. Big por citar otros “estilos” Nuestra música es la mezcla perfecta de Hard Rock y Heavy Metal siempre con mucha fuerza y melodías y sobretodo siempre intentamos hacer buenas canciones, que no es lo mismo que tener muchos temas

Hace unos meses terminaron la gira titulada “Alma de Fuego Fest”, la cual pude seguir a través de las redes sociales, en donde compartieron escenario con Zenobia y Guadaña. ¿En que ciudades se presentaron?

Han sido 4 fechas: Miranda de Ebro (Burgos), Bilbao, Madrid y Barcelona ¿Cómo fue la acogida por parte del público y los medios?

Todas las fechas fueron bien, la de Burgos fue la única que tuvo algo menos de asistencia pero las otras 3 fueron todo un éxito de entrada.

Los medios se han portado muy bien con nosotros y en sus crónicas nos han hecho saber que quedaron satisfechos con los shows ¿Algún momento que más los haya marcado?

En general me quedo con el buen rollo de toda la gira entre las bandas y me quedo con el concierto de Barcelona en el que Javi, batería de Zenobia, tocó un tema con nosotros y en el que al final del nuestro set se unieron Salva y Glory a cantar un poco con nosotros. ¿Se sintieron satisfechos con dicha gira?

Si, muy satisfechos en lo personal y en lo profesional, además de que ha sido una buena promoción para Regresion.

Sé que acaban de ser confirmados para participar en el Pozal Rock y el Ripollet, dos festivales de gran prestigio. ¿Cómo se sintieron al saber que fueron escogidos para ambos festivales? ¿Con que bandas compartirán escenario?

Muy contentos, son grandes oportunidades para que nos vea mucha gente que quizás nunca nos vería de otra forma.

En Pozal Rock estaremos junto a Avalanch, Iron Maños, Oker y Nocturnia Y en Ripollet Rock tocaremos junto a Loudnes, JadedheartCrystalViper y Rising Core.

Si no me equivoco, este año la banda cumplió más de 20 años de haber sido creada. ¿Pensaron alguna vez que iban a llegar tan lejos? ¿Cómo valorarían todos estos años la trayectoria de la banda?

Ciertamente la banda se fundó en 1995 y en 2015 fue nuestro 20 aniversario pero con la formación actual llevamos desde el 2001 y nuestro 1er disco salió en 2016 o sea que en realidad llevamos unos 11 años ya de manera más “seria”.

Yo particularmente tenía el sueño de todo Rockero de llegar muy lejos, pero la verdad es que hemos ido paso a paso sin hacer planes a muy largo plazo.

Pues han sido sobretodo unos años muy divertidos (si no te diviertes haciendo esto apaga y vámonos) y muy gratificantes, me quedo básicamente con eso, con los buenos momentos vivido que borran por completo los malos momentos.

Bien, gracias de nuevo a Regresion por su tiempo para esta entrevista.

Les deseo mucha suerte con su nuevo disco así como con sus próximas presentaciones. Antes de terminar, les cedo espacio para que le transmitan un mensaje al público, tanto cubano como español, amante del rock.

Solo agradeceros el apoyo y el interés en hacer esta entrevista y decirle al que lea hasta este punto que Regresion somos sus fans.

Pasaros por www.regresion.net y nos vemos en la carretera!

Sitios de enlaces Web: www.regresion.net Facebook: www.facebook.com/regresion.oficial Twitter: https://twitter.com/regresionrock Youtube: http://www.youtube.com/user/REGRESIONMETAL

50 años del mejor álbum.

Un vistazo al ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ en su aniversario número 50 y los lados “b” nunca antes escuchados.

The Beatles han sido extremadamente cauteloso cuando se trata de abrir sus bóvedas. Únicamente para el proyecto documental de 1995, Anthology, tuvieron que pasar más de 25 años para que el grupo aprobara su lanzamiento, mientras que cintas como Let It Be aún permanecen en la etapa de producción, a pesar de que significarían una ganancia considerable.

Dado lo anterior, fue una sorpresa que 50 años después del estreno del disco más famoso de la banda, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles lanzara una colección con 43 temas pertenecientes a dichas sesiones, siendo la primera vez que dan a conocer material de estudio nunca antes escuchado desde Anthology.

Hoy, Giles Martin, el productor e hijo del fallecido George Martin, está sentado en la consola del estudio Número Dos de Abbey Road en Londres, volviendo a escuchar algunos de esos tesoros. El estudio se ve da la misma forma que se veía cuando The Beatles grabó el álbum en 1967. Incluso los mismos deflectores permanecen en la pared. “Abbey Road es un poco como una ensalada o una tetera”, asegura Martin. “Las paredes absorben la música”. A pesar de que no hay una canción enteramente nueva –ni siquiera la sicodélica “Carnival of Light” perdida desde 1967– [“En realidad no es parte de Pepper”, asevera Martin], hay reveladoras versiones de cada canción. El tema “Fixing a Hole” lleno de claves R&B, una versión de “Within You Without You” en la que George Harrison le da instrucciones a los músicos indios: (“Ok, lo primordial es

el tiempo”). Martin reitera: “Mi padre decía que grabar a George era como observar a alguien hacer un tapete, hilo por hilo, considerando cada detalle”.

Martin cuenta que la charla sobre el proyecto comenzó después de que hizo algunos remixes para la colección 1 del cuarteto en 2015. Motivados por aquellas mezclas [que no incluían ninguna canción del Sgt. Pepper], Paul McCartney y Ringo Starr coincidieron en que era tiempo de darle un tratamiento a su sicodélica obra de arte.

Los fans siempre se han quejado de la versión que se dio a conocer del mix original, misma que duraba 39 minutos. La versión mono fue aquella en la que George Martin, el ingeniero Geoff Emerick y la banda, tardaron semanas en mezclar, mientras que la estéreo fue terminada con prisa, sin que el grupo tuviera mucha participación.

El remix está plagado de matices que cualquier fan notará, especialmente en la parte final. El bombo de Starr devela nuevas direcciones. “No hay nada nuevo –es el álbum que ellos hicieron”, advierte Martin. “Sólo lo despojamos de todas esas capas de compresión que eran necesarias y obligadas para lanzar música en 1967. Es su álbum ahora. Son sólo chicos en una habitación haciendo ruido”. El proyecto es un tributo a la banda y a George Martin, quien falleció en los primeros meses de 2016, cuando el trabajo estaba en curso. “Fue muy emotivo escuchar la voz de mi padre en los playbacks”, confiesa el productor.

“He estado trabajando con él desde que tenía 15 años. Cuando su audición comenzó a flaquear, yo me convertí en sus oídos”. Cuando le pregunto si este box set tendrá la misma demanda que los otros tratamientos a diferentes LPs, como Abbey Road, Martin hace una mueca. “¿Puedo tener dos semanas de vacaciones primero?”.

Incluso algunos representantes de Apple Corps se sorprendieron al escuchar que el estreno había tomado forma tan rápido. Martin comenzó a trabajar en ello desde finales de 2015 y McCartney, Starr, Olivia Harrison y Yoko Ono tuvieron que aprobar hasta la paleta de colores del empaque.

Martin asevera que regresar a Pepper fue un descubrimiento para la banda también. Recuerda haberle enseñado a McCartney varios lados b de “Within You Without You”: “No sé cuánto tiempo había transcurrido desde la última vez que había escuchado esa canción, probablemente mucho”, asegura. “Paul cerró los ojos, escuchó con detenimiento y dijo: ‘¡Wow, George era realmente bueno!’”.

Nuevo empaque Ya está disponible la remasterización de las cintas originales realizada por Giles Martin y Sam Okell, con un nuevo empaque y varias ediciones: un CD, dos CDs, dos vinilos, digital, de lujo con dos CDs y de súper lujo con seis discos [álbum completo, dos de extras, uno mono, DVD y BR de The Making of Sgt. Pepper totalmente restaurados, libro de 144 páginas, dos pósters y un volante].

Escuchamos todo el material y a continuación te presentamos algunos de los temas que más nos llamaron la atención por esos novedosos detalles.

“Strawberry Fields Forever” [Toma 1] George Martin se lamentó de haber sacado tanto “Penny Lane” como este tema del Sgt. Pepper, a lo que calificó como “el error más grande de toda mi carrera”. John Lennon grabó una segunda voz en 1966 y escuchamos los coros que hacen Paul McCartney y George Harrison, además de la voz de Martin decir: “Toma 1”.

“When I’m Sixty-Four” [Toma 2] Esta grabación comienza con el anuncio de la segunda toma y se escuchan voces extras de Paul McCartney.

“Penny Lane” [Toma 6 – Instrumental] El segundo tema que se dejó fuera de este álbum. “La canción es en parte verídica, pero también irradia una cierta nostalgia y añoranza por un gran sitio”, dijo Paul McCartney. Por otro lado, George Martin mencionó que “estaba hambriento y en busca de sonidos novedosos”. Esta versión nunca antes escuchada, dura casi tres minutos. Se escucha la voz de Paul mientras cuenta para empezar, usa ritmos diferentes.

“Penny Lane” [Voces y frases] Otro de los temas nunca antes escuchados. La banda presta atención a su tema mientras añaden coros y aplausos.

Hablan entre ellos sobre la canción.

“A Day in the Life” [Toma 2] Comienza con el anuncio de “Toma 2” y al final se escucha a John Lennon improvisando con su piano.

“A Day in the Life” [Tomas 8, 9, 10 y 11] Es el sonido del mundo entero desbaratándose. Lennon canta de una forma espectral sobre la muerte y el pavor, de una forma que él llamaba la voz del “eco de Elvis”. “Fue la cumbre”, nos dijo John Lennon en 1970. Las cuatro tomas fueron grabadas después de una sesión con orquesta e invitados. Contiene el final original con los integrantes tarareando antes de que decidieran cambiarlo por pianos. “¿Ya tienen la nota?”, John Lennon le pregunta a sus compañeros.

“A Day in the Life” [El último acorde] Lennon se inspiró en periódicos y en su propia vida: El verso “Lucky man who made the grade” habla supuestamente sobre Tara Blake, aristócrata británica de 21 años que murió en 1966 en un accidente automovilístico. Después de la nota final del piano se escucha a George Martin decir: “Bastante bien”.

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” [Toma 9 y discurso] Desde 1966, The Beatles habían estado buscando una forma de terminar con su imagen de “Fab Four”, y McCartney tuvo una idea: “Pensé: ‘No seamos nosotros mismos’”, y sugirió crear una banda falsa. “Todo sea para el álbum”, comentó, “lo imaginaríamos desde la perspectiva de esta gente, entonces no tendríamos que hacer el tipo de canciones que quieres escribir, sino el tipo de canciones que ellos quieren escribir”.

El más grande de los temas es una serie de largas y crudas guitarras al estilo Hendrix, que extienden el final de la canción con McCartney diciendo: “¡La siento! ¡la siento! ¡la siento libre ahora!”.

“Good Morning Good Morning” [Toma 1] Inspirada por un comercial de una marca de cereal, esta toma dura poco más de un minuto y es una pieza nunca antes escuchada.

“Being for the Benefit of Mr. Kite!” [Toma 7] Se escucha a George Martin decir: “Ok, vámonos, ya están las luces prendidas” mientras Paul cuenta y John silba.

“Lovely Rita” [Toma 9] Paul McCartney y John Lennon continúan cantando a pesar de que la canción ya terminó. “No, no. Me rehuso a irme”.

“Lucy in the Sky with Diamonds” [Toma 1 y discurso al final] Lennon siempre insistió en que “Lucy in the Sky with Diamonds” no era una canción de drogas. Como nos dijo en 1970, “Juro por Dios, o por Mao, o por quien quieran, no tenía ni idea de que así se deletreaba LSD”. La inspiración fue un dibujo que su hijo Julian hizo de Lucy O’Donnell, la chica que se sentaba a su lado en la escuela. “Dibujó algunas estrellas en el cielo y lo llamó ‘Lucy in the Sky With Diamonds’”, dijo Lennon. “Sencillo”.

Con Lennon liderando la guitarra acústica, mientras McCartney le sigue en un teclado eléctrico. La vigorosa voz de John se percibe a un mundo de distancia de la etérea versión final.

“Getting Better” [Toma 1] Una agresiva versión orquestada por el teclado Wurlitzer de McCartney. Lennon le da consejos: “Cántala como debe de ser”.

“Within You Without You” [George hablando con los músicos] Fue el primer fruto de los estudios de George Harrison. Resaltando su cítara con una sección de 11 cuerdas y una instrumentación india, se convirtió en un sermón magnético de espiritualidad. “Es una de mis [canciones] favoritas”, dijo Lennon. “Su mente y la música son claras… Él logró formar esos sonidos”.

Un ensayo que quedó grabado. Harrison indica al final: “Sólo grábalo Geoff, por si acaso”.

“She’s Leaving Home” [Toma 6 – Instrumental] George Martin le pregunta a McCartney: “¿Es el tempo correcto?”.

Es el disco más importante del rock & roll

Desde las regias explosiones de metales y guitarras con ‘fuzz’ de la canción que da nombre al álbum, hasta un derrame orquestal y el largo y agonizante acorde de piano al final de “A Day in the Life”.

John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr nunca se mostraron más temerarios y unidos en nombre de la magia y trascendencia.

Lanzado en el Reino Unido el 1º de junio de 1967, y un día después en Norteamérica, Sgt. Pepper es el pronunciamiento definitivo del rock a favor del cambio. “Estábamos hartos de ser The Beatles”, dijo McCartney muchos años después, en Many Years From Now, la biografía del bajista escrita por Barry Miles. “No éramos unos niños, éramos hombres hechos y derechos… artistas y no meros ejecutantes”. Al mismo tiempo, Sgt. Pepper permitió formalmente la entrada de una formidable temporada rebosante de esperanza, agitación social

y logros: los años sesenta tardíos, pero sobre todo el verano del amor de 1967.

Con esos pasajes instrumentales iridiscentes, las ensoñaciones versificadas y el sorprendente empaque, este álbum definió el opulento optimismo revolucionario de la psicodelia y enseguida diseminó el evangelio del amor, el ácido, la espiritualidad oriental y las guitarras eléctricas alrededor del mundo.

Ningún otro disco pop de su era, así como ningún otro emergido de otra era, ha tenido un impacto tan titánico e inmediato.

“Sin duda estábamos colaborando”, dijo Lennon a Rolling Stone en 1970, haciendo referencia a su relación creativa con McCartney, y Sgt. Pepper abunda en pruebas.

La fecha auténtica de cumpleaños de Sgt. Pepper es el 29 de agosto de 1966, cuando la banda tocó su último concierto, en San Francisco. Hasta entonces, The Beatles había hecho historia en el estudio sofocados entre una tortuosa gira y otra. Por fin y para siempre fuera de los escenarios, el cuarteto se sintió con la suficiente libertad como para convertirse en un grupo muy alejado de la histérica Beatlemanía.

McCartney fue incluso más allá. Se le ocurrió crear un álbum con The Beatles portando disfraces, el álter ego de una banda, más tarde bautizada como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Sólo dos temas incluidos en la versión final del álbum, ambos cortesía de McCartney, tienen algo que ver con los personajes del ‘concepto Pepper’: La canción que da nombre al disco y ese jocoso vehículo de lucimiento de la voz de Starr en “With a Little Help From My Friends”, presentada como un tema a cargo de Billy Shears, la estrella de Sgt. Pepper. “Cualquier otro tema hubiera podido aparecer en otro disco”, señaló Lennon con insistencia más tarde. Sin embargo, cuesta trabajo imaginar un contexto más idóneo para la jovialidad victoriana de “Being for the Benefit of Mr. Kite!”, de Lennon (la inspiración proviene de un póster de 1843 para un circo) o para la suntuosa melancolía de “Fixing a Hole”, de McCartney, con su mezcla de sombras antiguas (un clavicordio tocado por el productor de la banda, George Martin) y luz solar moderna (una guitarra doblada y ejecutada con precisión por George Harrison).

La premisa de Pepper consistía en entretener.

Asimismo logró subrayar la cohesión cotidiana y real de la música y el grupo que la había creado. De las 700 horas que los integrantes de The Beatles pasaron confeccionando Sgt. Pepper, desde finales de 1966 hasta abril de 1967, el grupo requirió de tan sólo tres días para redondear el lujoso sueño diurno de Lennon: “Lucy in the Sky with Diamonds”. “A Day in the Life”, la canción más compleja del disco, fue grabada en sólo cinco días. Ningún otro beatle aparece con Harrison en el sermón perfumado con cítaras que decidió soltar acerca del materialismo y la fidelidad, es decir, el tema “Within You Without You”, pero el grupo, sabiamente, ubicó el tema a la mitad de la versión original en acetato, al principio del lado b: Una meditación crucial en mitad de una jubilosa orgía.

La explotación llevada a cabo por la banda de las múltiples pistas disponibles en el estudio transformó el acto mismo de grabar [los doblajes orquestales que aparecen en “A Day in the Life” marcaron el inicio de las grabaciones de ocho canales en Gran Bretaña:

¡SILENCIO! The Beatles en la grabación del Sgt. Pepper.

Dos máquinas de cuatro canales implementadas al unísono]. Y la extravagancia visual de Sgt. Pepper convirtió oficialmente el trabajo en portada en un arte. La foto tomada por Michael Cooper, en la que The Beatles aparece uniformado con trajes de satín como banda de guerra, al frente de una muchedumbre de cartón conformada por figuras históricas y creada por el artista Peter Blake, es sin duda una de las imágenes más perdurables de la era psicodélica. Asimismo, este álbum fue el primer disco de rock en incorporar en su diseño las letras de todas las canciones. Sin embargo, Sgt. Pepper es el álbum más importante del rock & roll no sólo por ser el primero en muchas áreas, sino porque es lo mejor que The Beatles realizó como músicos, pioneros y estrellas pop, todo al mismo tiempo. Un anuncio para el álbum publicado en 1967 en Gran Bretaña declaraba: “Recuerda, la Banda del Club de los Corazones Rotos del Sargento Pimienta es The Beatles”. Y tal y como McCartney señaló, el álbum “sólo fue algo así como un show que logramos ejecutar particularmente bien”.

El espectáculo seguirá, por los siglos de los siglos.

CUARTETO COLORIDO Arte que se utilizó en el LP.

¿Quién es quién?

Un breve recuento de quién aparece en la icónica portada del disco. Los cuatro miembros de la banda propusieron personalidades que consideraban importantes en su momento: 1. Sri Yukestawar Giri (Guru), elegido por George Harrison.

2. Aleister Crowley (Mago negro) conocido como la “Gran Bestia”. Personaje depravado involucrado en muchos escándalos de sexo, drogas y hechicería.

3. Mae West (Actriz legendaria de Hollywood). Posteriormente Ringo aparecería con ella en la película Sextette. Derek Taylor trabajo como su publicista.

4. Lenny Bruce (Cómico norteamericano irreverente) 5. Karlheinz Stockhausen (Compositor) 6. W.C. (William Claude) Fields (excéntrico actor y comediante norteamericano) 7. Carl Gustav Jung (Psicólogo suizo) “Noción del inconsciente colectivo”

8. Edgar Allen Poe (Autor norteamericano) creador del genero moderno de novelas de detective y de clásicos cuentos de terror.

9. Fred Astaire (Legendario actor y bailarín de musicales de Hollywood). Años después apareció brevemente en la película Imagine.

10. Richard Merkin (Pintor norteamericano contemporáneo) 11. The Varga Girl (por el artista peruano Alberto Vargas, se fue a radicar a los Estados Unidos, se hizo célebre por sus dibujos de posters y calendarios de atractivas mujeres. Fallecido en 1983) 12. Leo Gorcey (Actor) 13. Huntz Hall (Actor cómico con Leo Gorcey, fue uno de The Bowery Boys) 14. Simon Rodia (Artista folk, escultor y diseñador. Creador del famoso Watts Towers) 15. Bob Dylan (Músico artista folk norteamericano, amigo de The Beatles y años después formo junto con George Harrison The Traveling Wilburys).

16. Aubrey Beardsley (Ilustrador de la época Victoriana. Realizo una serie de dibujos eróticos).

17. Sir Robert Peel (Político y ex Primer Ministro de Gran Bretaña. Fundador pionero del Partido Conservador y organizador de la fuerza policial de su país).

18. Aldous Huxley (Escritor, filosofo). Exploro el uso de drogas alucinógenas en su libro “The Doors Of Perception” que ejerció influencia en John Lennon e inspiró a Jim Morrison a llamar a su grupo The Doors. Su mas famosa obra fue “Brave New World”, título que Steve Miller uso en un álbum donde intervino Paul McCartney.

19. Dylan Thomas (Poeta y dramaturgo Gales).

20. Terry Southern (Autor y escritor norteamericano). Autor de “Candy” y “The Magic Christian”, ambas películas fueron llevadas al cine y contaron con la participación de Ringo Starr. Southern era amigo de Michael Cooper.

21. Dion (di Mucci) (Cantante popular norteamericano, ex líder del trío The Belmonts e ídolo adolescente a inicios de los 60s) 22. Toni Curtis (Actor norteamericano, ídolo de los 50s muy admirado por The Beatles). Películas: “Houdini”, “Some Like Hot”.

23. Wallace Berman (Pintor contemporáneo de Los Angeles) 24. Tommy Handley (Cómico de Liverpool muy famoso en la Segunda Guerra Mundial por sus series radiales).

25. Marylin Monroe (Legendaria actriz de Hollywood considerada una de las diosas del sexo de la pantalla e inmortal símbolo sexual).

26. William Burroughs (Escritor norteamericano, autor de “The Naked Lunch” y otras novelas de culto).

27. Sri Mahavatara Babaji (Gurú). Seleccionado por George Harrison.

28. Stan Laurel (Actor cómico ingles que se mudo a Hollywood y logró fama al lado de Oliver Hardy. (Laurel y Hardy) 29. Richard Lindner (Artista alemán, residente en Nueva York luego de huir de la persecución nazi. Originalmente pianista de conciertos y luego pintor.)

30. Oliver Hardy (Actor cómico norteamericano compañero inseparable de Stan Laurel en las clásicas comedias fílmicas Laurel y Hardy) 31. Karl Marx (Filosofo, socialista, economista autor del “El Capital” y “El Manifiesto Comunista.” Su ideología afecto el curso de la historia del siglo XX).

32. H.G. (Herbert George) Wells (Escritor británico de novelas clásicas de ciencia ficción) 33. Sri Paramahansa Yoganandu (Gurú de la India) 34. Anónimo (Muñeca de cera de peluquería) 35. Stuart Sutcliffe (Pintor, ex bajista original Beatle, fallecido de hemorragia cerebral en Hamburgo el 10 de abril de 1962) 36. Anónimo (muñeca de cera de peluquería) 37. Max Miller (Controversial cómico de comedias musicales cuya rutina era muy arriesgada) 38. The Petty Girl (por el artista George Petty, al igual que Vargas se hizo famoso por sus dibujos de mujeres hermosas). Se dice que el dibujo representa a la famosa Lucille Ball, cuando ella era muy joven.

39. Marlon Brando (Renombrado actor cinematográfico y súper-estrella de Hollywood muy admirado por The Beatles). Películas: “Un Tranvía llamado deseo”, “Nido de Ratas”.

40. Tom Mix (Actor y una de las mas famosas estrellas en película de vaqueros).

41. Oscar Wilde (Escritor y dramaturgo irlandés. Autor de obras de fina ironía y crítica social) 42. Tyrone Power (Célèbre actor de Hollywood) Películas: “Nightmare Alley”, “Witness for the Prosecution” 43. Larry Bell (Artista, pintor norteamericano moderno y luego creador de esculturas de vidrio).

44. Dr. David Livingstone (Misionero y explorador escocés fallecido en África figura en cera).

45. Johnny Weismuller (Actor y nadador). Nadador campeón olímpico y el más famoso actor que personificó a Tarzán en los años 30s y 40s.

46. Stephen Crane (Escritor norteamericano de novelas del siglo XIX). “The Red Badge of Courage” 47. Issy Bonn (Cómico y comediante británico de radio y obras teatrales musicales de los años 40s y 50s).

48. George Bernhard Shaw (Escritor y dramaturgo irlandés – figura en cera) 49. H.C. (Horace Clifford) Westermann (Escultor) 50. Albert Stubbins (Famoso jugador de fútbol de Liverpool) 51. Sri Lahiri Mahasaya (Gurú de la India) 52. Lewis Carroll (escritor nacido cerca de Liverpool. Autor del clásico “Alicia en el País de las Maravillas”. Lennon dice que las obras de Lewis Carroll inspiraron en algunas de sus canciones como “I Am The Walrus” y “Lucy In The Sky With Diamonds” y parte de su poesía en los libros que escribió).

53. T.E. (Thomas Edward) Lawrence (Soldado apodado “Lawrence de Arabia”)

54. Sonny Liston (Boxeador norteamericano y ex campeón mundial de peso pesado).

55. The Petty Girl (por el artista George Petty) 56. Modelo de cera de George Harrison (colección Madame Tussaud) 57. Modelo de cera de John Lennon (colección Madame Tussaud) 58. Shirley Temple (Kinder Actress) 59. Modelo de cera de Ringo Starr (colección Madame Tussaud) 60. Modelo de cera de Paul McCartney (colección Madame Tussaud) 61. Albert Einstein (Físico alemán y genio científico que revoluciono la ciencia con su “Teoría de la Relatividad”) 62. John Lennon (sosteniendo un corno francés) 63. Ringo Starr (sosteniendo una trompeta)

64. Paul McCartney (sosteniendo un corno inglés) 65. George Harrison (sosteniendo una flauta) 66. Bobby Breen (Cantante prodigio y líder de una banda de baile británica) 67. Marlene Dietrich (Legendaria actriz alemana). Apareció en la misma cartelera con The Beatles en el Royal Variety Show el 4 de noviembre de 1963.

68. ** Mohandas Karamchand Ghandi (Líder de la India) 69. Legionario norteamericano de la Orden de Los Buffalos 70. Diana Dors (Actriz británica, símbolo sexual de los 50’s). Película: “Yield to the Night”.

71. Shirley Temple (actriz norteamericana, niña prodigio del cine) 72. Figura de tela de abuela hecha por Jann Haworth.

73. Figura de tela de Shirley Temple (actriz norteamericana, niña prodigio del cine) por Jann Haworth.

74. Candelero Mexicano.

Estos dos artículos fueron 75. Aparato de televisión de John Lennon.

76. Figura de piedra de chica. tomados de la revista 77. Figura de piedra.

Rolling Stone México 78. Estatua de la casa de John Lennon. (www.rollingstone.com.mx) 79. Trofeo.

80. Muñeca India de cuatro brazos.

81. Piel de tambor diseñado por Joe Ephgrave.

82. Hookah (Pipa de agua).

83. Culebra de terciopelo.

84. Figura de piedra Japonesa.

85. Figura de piedra de Blanca Nieves.

86. Gnomo de jardín.

87. Tuba.

Al momento de crear esta legendaria portada, Ringo Starr consideró al actor mexicano Germán Valdez “Tin Tan” para participar. Aunque los motivos de su ausencia no son del todo claros, se dice que se encontraba grabando la voz del oso Baloo para la cinta El libro de la selva, por lo que jamás se concretó. De igual forma, existen rumores de una llamada que “Tin Tan” realizó a Starr para explicar que no podría asistir, como también se asegura que el actor mexicano les hizo llegar un árbol de Metepec, mismo que supuestamente es el que aparece debajo de la actriz Diana Dors en la ilustración.

Las curiosidades ocultas en la portada de Sgt. Pepper’s de The Beatles A pesar de que The Beatles es una de las bandas más importantes en la historia de la música, fue hasta el 1 de junio de 1967 cuando Paul, John, George y Ringo presentaron al mundo Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club

Band, su octavo álbum destacó por los métodos de grabación utilizados en el estudio, que aún después de medio siglo de vida sigue sonando tan fresco como en un principio. Con tantos años de trayectoria demostraron que era capaz seguir innovándose a nivel musical, revelando el primer trabajo conceptual que inspiró a la llegada de más discos similares.

Además no podemos dejar de lado la icónica portada diseñada por Peter Blake, que logró reunir a decenas de celebridades en un inmenso collage para crear el peculiar diseño con tantas referencias. Incluso algunas personas comenzaron a relacionarla con la supuesta muerte de Paul McCartney dándonos pistas en la despedida a su camarada.

Claro que todo forma parte de un mito urbano como la supuesta participación del comediante mexicano Germán Valdés, mejor conocido como Tin Tan, quien habría sido invitado por Ringo Starr a enviar su retrato y aparecer en la portada, aunque (dice el mito) que éste en su lugar envió un ahuehete (el árbol de la vida) de Metepec para representar a México. Si bien la historia tiene varios puntos para acreditarla como verídica, no hay pruebas concretas que nos demuestren que esta anécdota relatada por el escrito Jordi Soler realmente haya sucedido.

En Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band encontramos escritores como Edgar Allan Poe, Oscar Wilde, Lewis Carroll y Aldous Huxley, personalidades importantes entre las que destaca Bob Dylan, Karl Marx, Sigmund Freud, Marilyn Monroe, Shirley Temple, Sir Robert Peel (primer ministro británico del siglo XIX), Stuart Sutcliffe (bajista de The Beatles en sus inicios que falleció en 1962), algunos cómicos, actores, hasta un gurú hindú (Sri Yukteswar Giri) y el influyente ocultista Aleister Crowley.

Este trabajo fue posible gracias al pintor inglés Peter Blake, perteneciente al a generación del pop art británico, que junto a su esposa Jann Haworth nos regaló esta increíble imagen que hoy en día fácilmente podría recrearse con la ayuda de una computadora.

También se incluyeron varias curiosidades entre las que se aprecia un trofeo, una figura de Blanca Nieves, trofeos, una estatua de la casa de John Lennon, gnomos de jardín, artículos japoneses, una muñeca de trapo de Shirley Temple con un suéter que tiene la leyenda “Welcome The Rolling Stones” (en honor a la legendaria banda con la que constantemente comparaban a The Beatles), y muñecos de cera de la banda en sus primeros años.

Fue un proceso de varias tomas y se fueron descartando varias de ellas.

Incluso se dice que retiraron a Mahatma Gandhi, Adolfo Hitler, Leo Gorcey, Timothy Carey y Lennon quería colocar a Jesucristo, pero esta idea fue descartada y poco después surgió su famosa declaración sobre que The Beatles eran “más populares que Jesús”.

Los famosos trajes coloridos que utilizaron los Beatles en esta portada (azul para Paul, verde limón para John, rosa para Ringo y naranja para George) también poseen una historia un tanto confusa, pues hay quienes aseguran que fueron diseñados por el mexicano Manuel Cuevas, mientras que en otros lados los créditos van para M. Berman Ltd. de Londres.

Sgt. Pepper’s ha sido homenajeado y recreado tantas veces como cada álbum de The Beatles, aunque nada se compara a su versión original. Han pasado 50

años desde su llegada al mundo y nadie ha logrado replicar semejantes niveles de éxito… y tal vez las cosas seguirán así durante un buen rato.

Aquí les dejamos una fotografía de la organización del set.

Nueva revista cubana de rock LA ZONA G (http://www.0gzone0.cubava.cu) Debido a la necesidad de crecimiento - algo lógico - dentro de los fines con que fue creada la G-ZiNE hemos decido ampliarnos en un nuevo sitio dentro del mismo portal de Cubava. Este nuevo espacio se llamará LA ZONA G y la dirección será http://www.0gzone0.cubava.cu. *Que habrá aquí!?: Pues subiremos todos los meses álbumes completos para que puedan descargarlos. Todos los meses subiremos UN disco internacional y UN disco de algún artista/banda cubana, claro que siempre serán de lo que nos gusta a los que vemos la G-ZiNE: R0CKK!!! Estos discos serán subidos a una calidad media (128 Kb/s) en formato mp3. El listado de canciones que presentarán será siempre el oficial que contenían al salir; pudiéndose incluir además bonustracks y las letras (aunque esto último solo en caso de que dispongamos de ello). También subiremos la información necesaria sobre el mismo y su respectiva carátula oficial. ** Cuándo lo subiremos!?: Para que no coincida con el lanzamiento de algún número de la G-ZiNE; esta nueva sección se actualizará siempre a principios de mes (sobre los día primero al cinco). Estando – posiblemente - el sitio disponible desde ahora, pero no tiene música actualmente. *** Porque G-ZINE!?: Pues esta Zona G se compone de música –que puede o no- haber estado referenciada dentro de esta revista digital. Sucede que la dirección http://www.0gzone0.cubava.cu ha sido creada para ser indexada en los buscadores y el índice de Cubava para que salga siempre junto a este sitio: http://www.0gzine0.cubava.cu **** Como pueden colaborar ustedes!?: Pues sencillamente dejando en los comentarios (en ese sitio, aquí no) sobre lo que quisieran ver en próximos lanzamientos, pidan lo que quieran ver que nosotros nos encargaremos de buscarlo y subirlo al próximo mes… RECUERDEN que solo se subirá por cada mes un álbum internacional y uno cubano (de R0CKK!!), así que los más solicitados tienen prioridad. IMPORTANTE: el sitio no incluye reseñas o críticas sobre los álbumes, esa es una tarea que les corresponde a ustedes mediante sus comentarios basados en sus criterios personales, eso sí, siendo siempre responsables con sus críticas, tengan en cuenta que esto aparecerá a la vista de todos y podrían perjudicar o ayudar al artista, así que OJO con eso por favor. *****Que habrá esta primera vez!?: Pues te digo que desde ahora puedes visitar la dirección http://www.0gzone0.cubava.cu; por el momento no hay nada subido, pero como dije, desde el día 1 al 5 de junio subiremos… mejor pásate por el sitio para saberlo…

Pd: Te lo dejo en suspenso… eso sí pásense AHORA por allí para saber… y te repito la dirección http://www.0gzone0.cubava.cu por si la olvidas

Aquí te dejo la portada y el índice de la edición no. 3 de G-ZiNE. Para ver los artículos pincha sobre cada uno y listo.

3 - Carátula: Andy Biersack (Black Veil Brides) 01 - Introducción 02 - Artículo: RockINvolution – Le Creerías a los rockumentales!?

03 - My Generation: Avenged Sevenfold (disco) + It’s My Life (Bon Jovi) 04 - Homenaje: Chris Cornell – 20/7/64 al 17/5/7 05 - Artículo: Motionless in White Cambiando de tumba 06 - Polémicas: El fin de BVB!? – Andy Sixx Andy Biersack 07 - Artículo: Sobre Metal en Cuba y Okulary 08 - Artículo: Mírate a ti mismo… dice Emmuere 09 - Top 10: La Canción que X banda nació para hacer 10 - Promises (Yuma): Wage War – El Ruiseñor del Metalcore 11 - La Zona Caliente 12 - Artículo: Será el Fin de Capture the Crown!?

13 - The Lost Tapes: La Canción Perdida de Slipknot 14 - Acontecimientos/Lo + Esperado 15 - Promises (CUBA): I Kill For a Day – Super Banda cubana-

Nueva banda cubana de rock Pray For Plagues (Habana) Pray for Plagues (abreviado P4P) es una de las mas nuevas bandas de metal moderno, formados en la capital desde 2016. Se autodefinen como parte de una nueva generación del Rock-Metal cubano. Su género es considerado metalcore, con influencias del nu-metal, deathcore y post-hardcore con una amplia presencia de teclados y arreglos con sintetizadores sin llegar a ser necesariamente electrónica.

El nombre fue tomado de una canción, de la entonces banda de Deathcore, Bring me the Horizon, presente en su álbum debut, Count your Blessings. Han lanzado hasta el momento tres singles promocionales y se encuentran en la fase final de realizar su EP debut, todo esto se pueden conseguir a modo de descarga gratuita desde su blog oficial www.pray4pagues.cubava.cu.

Miembros

Actuales: Nelson Robrìguez - Vocalista Melódico y Gutural, Teclados.

Oscar ‘‘BeatFriky’’ Mena - Guitarrista Rítmico y Principal, Co-Vocalista Melódico y Guturales de fondo.

Ariel Borregos - Batería, Percusión.

Andy ‘‘Black Bullet’’ García - Guitarrista Principal.

Daniel ‘‘El Grande’’ Robaul - Bajista.

Apoyo: Edward Bosch - Tecladista Andy García - ex-Guitarrista Principal / actual Productor A9X - Administrador Web, Diseñador y escritor de las Pd. Historia Orígenes y Formación (2015-2016) Cada uno de los miembros había tenido, de una manera u otra, experiencia en la escena del rock local. La banda se comenzó a gestionar en noviembre del 2015, cuando en un encuentro accidental, Ariel Borregos y Nelson Robríguez decidieron formar una banda que defendiera sus propios criterios musicales, algo que no habían logrado con sus anteriores proyectos. La idea original que utilizaron para definir el proyecto era como una mezcla entre las armonías y melodías de Bullet (for my Valentine) y las estructuras musicales de Asking Alexandria , según Ariel Borregos. Éste había sido baterista en varias bandas locales, siendo las más destacables los black metaleros Nastord (ex integrantes de Ancestor) y la agrupación de blues-rock y hard rock Trustkill.

Por su parte, Nelson Robríguez había sido uno de los dos vocalistas de la banda metalcore/post-hardcore Bury my Eyes.

Enero de 2016 se considera el verdadero inicio de la banda, cuando ingresan el guitarrista Andy García y el bajista Daniel ‘‘El Grande’’ Robaúl. En febrero llega el guitarrista rítmico Oscar ‘‘BeatFriky’’ Mena, procedente de la agrupación de deathcore/metalcore Silent Cry. En abril, el guitarrista Andy García abandona la agrupación para integrarse a los reformados I Kill for a Day (proyecto alterno a Stoner), también de la capital. Poco después, la banda se interna en el proceso de escritura de un demo/Ep.

Así, en mayo, entra como tecladista Edward Bosch (ex-integrante de Backspace, Algo+ y Los Taxons), que ayudaría a consolidar el sonido de la banda, además del regreso de Andy García como guitarrista líder. También mayo es estrenado en la red social cubana, ‘‘cubava.cu’’, el blog pray4plagues.

Se Apagaron Las Luces y cambios de integrantes Luego de haber conseguido cierta repercusión nacional con su blog; el cual había superado las mil visitas sin siquiera haber llegado a decir la identidad de sus miembros. Deciden anunciar a finales de julio el lanzamiento de su primer canción Se Apagaron Las Luces, con una posible fecha para finales de Agosto. Sin embargo, la fecha de lanzamiento fue cambiada para el 12/8/2016, debido a una serie de imprevistos que sucedieron durante su grabación. El guitarrista Andy García abandonó nuevamente la banda justamente días antes de grabar; por lo que en una solución apresurada ambas guitarras fueron grabadas por Oscar ‘‘BeatFriky’’ y el solo fue improvisado en el mismo estudio en una contribución con Miguel (guitarrista de Say my Name y Breaking Blessings). Otro problema durante la grabación que surgió de repente, una afectación en las cuerdas vocales del cantante Nelson Robríguez, provocó que las voces melódicas fueran ejecutadas por BeatFriky, además de que no quedó satisfecho con lo logrado en las propias guturales. Sin embargo la canción sirvió para presentar la música de P4P, al público, y logró las metas que había trazado la banda. La separación con Andy García resultó ser de manera amistosa.

Sobre esta fecha ya P4P había terminado de componer lo que iría en un presunto demo/Ep que ya habían anunciado en su blog oficial. Y para ir haciendo tiempo mientras terminaban este material deciden aventurarse esta vez en un cover/versión. El elegido sería la misma canción que les dio nombre, de la banda Bring me The Horizon; pero con la idea de agregarle los elementos que caracterizan a P4P, principalmente los arreglos con el teclado.

Esta nueva canción fue lanzada en octubre. Luego de esta, la banda decidió producir sus propias canciones, ya que una vez mas no quedaron conforme con el trabajo realizado por el productor en cuanto a masterización.

El cover fue gravado únicamente por BeatFriky en ambas guitarras, pero era necesario otro guitarrista para poder tocar en vivo. Para lo que fueron probados secretamente varios en un período desde octubre hasta enero del 2017, de entre los tantos que se tuvieron en cuenta se encontraba el anterior guitarrista Andy García, Víctor el fundador de The Waiting y Say My Name y Sisto de Water In Flames (anteriormente conocidos como Dark Resistance). El elegido resulto ser otro Andy García, guitarrista de Black Bullet, otra banda de la nueva generación de deathcore; con quien se generó muy pronto lazos de amistad y demostró tener el talento y la entrega necesarios.

En el mismo enero se hizo público que el tecladista Edward Bosch no podría tocar en vivo con la banda, debido a problemas personales, pero seguiría siendo un contribuidor con la agrupación. También sobre esta fecha se anunció que P4P haría finalmente su debut en los escenarios.

Actualidad y Futuro de P4P El día 11 de febrero sería la primer aparición pública en el festival Rock Artemisa, junto a las bandas DeadPoint, Darkness Fall, Waiting for Nadia, Rice and Beans, además de otras y con Switch como anfitriones. Pero por problemas organizativos ajenos al grupo el concierto fue cancelado. Para compensar a los seguidores, el plan se desvió a gravar dos nuevas canciones: la primera Tears Don’t Fall (original de Bullet for My Valentine) y Snake Poison Pills (un featuring con varios de los vocalistas cubanos que la banda admira), con posibles fechas de lanzamiento para marzo y abril respectivamente. Estas canciones se realizaron con la idea de regalarlas a los seguidores del blog y dar una muestra de de lo que P4P tiene preparado para el EP, que muestran una madurez musical con respecto a lo que anteriormente venían haciendo.

Se ha hecho público que la posible fecha para lanzar el EP debe ser para junio o quizás julio. Este contendrá seis nuevas canciones e incluye una nueva versión regrabada de Se Apagaron Las Luces y probablemente se realizará un video promocional con posibilidades de encontrar aparición en la TV. Este EP no tendrá ni featurings ni covers, puesto que la banda desea plantear este como su debut, tanto como en ideas como en estilo, siendo un disco 100% original y mostrando lo que P4P puede ofrecer por si mismos.

Estilo Musical Género El estilo musical es bastante debatido, mayoritariamente considerado metalcore, presenta influencias notables de otros géneros como nu metal, posthardcore y deathcore, además de ciertas influencias del groove metal, Melodic death metal y hasta pinceladas de electrónica o hardcore punk en ciertas canciones. Otra manera de definir la banda es como en un punto medio entre el metalcore melódico de los 2000’s y el metalcore moderno; debido a la presencia de solos, melodías y armonías de la guitarra y el uso de Breakdowns, pero tratando de no basar únicamente las canciones en la explotación de estos recursos musicales. Algunos de los elementos que definen su música encontramos la afinación en Si (B#), es una afinación realmente baja, que es utilizada en algunos estilos del metal; a pesar de eso se puede notar bastante melodía en contraste con las partes más fuertes de las canciones. Otro aporte más significativo a la música de éstos, son los teclados aportados por Edward Bosch, arreglos de strines de cuerda que agregan un ambiente sinfónico o gótico en varias canciones.

Influencias Las influencias remarcadas por la banda son Slipknot, Asking Alexandria, As I Lay Dying, Bullet for my Valentine, Bring me the Horizon, Linkin Park, etc. Otras bandas que influenciaron en el desarrollo de su sonido han sido Attack Attack! Motionless in White, Dead Silence Hides my Cries, The Devil Wears Prada y Bleeding Through.

El vocalista, Nelson Robríguez, señala como sus influencias en lo vocal y letras a Corey Taylor (Slipknot/Stone Sour), Oliver Sykes (Bring me the Horizon), Tim Lambesis (As I Lay Dying), Jeremy McKinnon (A Day to Remember) and Matty Mullins (Memphis May Fire).

De la prensa cubana: “Los que soñamos por la oreja”

George Thorogood: Música elemental y energizante.

Por: Joaquin Borges-Triana (Periódico Juventud Rebelde 14 de junio)

El guitarrista y cantante estadounidense George Thorogood.

A sus 67 años de edad, el guitarrista y cantante estadounidense George Thorogood mantiene una energía sobre el escenario como allá por la década de los 70 de la anterior centuria, cuando debutase en el mundo de la música.

Hace pocos días, mientras permanecía en EE. UU. por asuntos académicos, pude asistir en el Pompano Beach Amphitheater (Florida) a un concierto de este músico nacido el 24 de febrero de 1950 en Wilmington, Delaware. Tengo que decir que me quedé sorprendido ante la vitalidad del compositor e intérprete de un tema tan popular en el pasado como Bad to the Bone, utilizado incluso como parte de la banda sonora del thriller de ciencia ficción Terminator 2.

Me parece que fue ayer cuando amigos del preuniversitario Saúl Delgado solíamos reunirnos en la casa de algún colega del centro que viviese en un edificio alto del Vedado, preferentemente cercano al mar, lugar ideal para que entrasen programas de la televisión norteamericana dedicados al rock. Uno de nuestros favoritos era sin discusión el denominado Saturday Night Live. En una de las emisiones de aquel espacio, George Thorogood y su grupo The Destroyers fueron invitados especiales. Ya para entonces ellos gozaban de suma popularidad y habían sido teloneros de agrupaciones tan prestigiosas como The Rolling Stones.

Por eso, cuando mi hermano, el doctor Darío Betancourt, me preguntó si me interesaría asistir a un concierto de Thorogood, aunque tuviéramos que hacer un buen recorrido por la autopista floridana I 95 para llegar, no dudé ni un segundo en responderle que sí. Una de las sorpresas que tuve durante la

función fue comprobar la popularidad que todavía conserva George. La instalación, sede de la presentación, posee una capacidad aproximada de 2 600 personas sentadas y, aunque el costo de las entradas no era en lo más mínimo barato, el anfiteatro estaba repleto, con un público que coreaba una tras otra las piezas del guitarrista y cantante.

En la actualidad, acompañan a Thorogood el baterista Jeff Simon, Billy Blough al bajo, el guitarra rítmica Jim Suhler y el saxofonista Buddy Leach, el más reciente miembro del ensamble, pues se sumó a las filas de The Destroyers en 2003.

Confieso que me llama la atención la estabilidad en la nómina de la agrupación, en la que varios de sus integrantes trabajan con George Thorogood desde el decenio de los 70, algo inusual en el presente panorama de la música, en el cual las formaciones cambian de integrantes con suma frecuencia.

Quedé tan satisfecho del concierto que quise ponerme al día con la discografía de George Thorogood y así, de nuevo gracias a mi gran amigo Darío Betancourt, accedí a uno de los últimos fonogramas sacados al mercado por el intérprete y su grupo: 2120 South Michigan Ave. Representa el décimo quinto álbum de estudio de George Thorogood and The Destroyers. Se trata de un CD concebido a modo de homenaje a la célebre compañía Chess Records, y por tanto, se arma a partir de versiones grabadas originalmente en dicho sello por figuras como Chuck Berry, Bo Diddley, Willie Dixon, Muddy Waters, Robert Higginbotham, James A. Lane y McKinley Morganfield, todos ídolos en la música estadounidense.

2120 South Michigan Ave. se completa con un par de cortes de la autoría del propio protagonista del disco.

En relación con el tema que da nombre al fonograma, debe señalarse que se trata de un cover a propósito de un original de The Rolling Stones y que alude a la dirección de las oficinas y estudios de grabación de Chess Records en Chicago.

Entre mis piezas favoritas de la grabación aparecen High Heel Sneakers, con Buddy Guy como invitado; Spoonful, Let it Rock, My Babe y 2120 South Michigan Ave., en estos dos últimos casos con la intervención del notable armonista Charlie Musselwhite.

Ciertamente, alguien pudiera decirme que la música hecha por George Thorogood y The Destroyers resulta bastante elemental desde el punto de vista de sus armonías y hasta cierto grado predecible en su desarrollo, y yo no lo discutiría. Empero, reconozco que lo que ellos hacen a mí me gusta pues me transmite mucha energía y unas tremendas ganas de vivir, lo cual resulta más que suficiente.

He ahí, en mi opinión, una de las funciones que cumple la música, aspecto que en ocasiones algunos suelen pasar por alto en sus valoraciones.

CARRETERA SONORA “Nos gustaría impulsar desde Estados Unidos enlaces sólidos con los artistas cubanos” Declaró a Granma Tomas Cookman, uno de los responsables de que el Rock and Roll y la música alternativa latina se dieran a conocer como un movimiento resonante en Estados Unidos.

Por: Michel Hernández (Periódico Granma 20 de junio)

Tomas Cookman.

Foto: Cortesía del entrevistado Tomas Cookman es uno de los responsables de que el Rock and Roll y la música alternativa latina se dieran a conocer como un movimiento resonante en Estados Unidos y que luego ejercieran una notable influencia en la escena musical norteamericana. Cookman capitaneó la revolución impulsada por la icónica banda argentina Los Fabulosos Cadillacs en medio mundo - incluyendo por supuesto los escenarios estadounidenses - y ha sido un aplicado descubridor de los grupos de mayor calibre surgidos en América Latina.

Cookman fundó el sello Nacional Records para sacar a la superficie el ámbito sonoro menos conocido de la música latina, es decir, las propuestas que no se promueven como un producto al uso por las disqueras más establecidas. Junto a Nacional Records fundó además en Nueva York la Conferencia de Música Latina Alternativa (LAMC) y fue uno de los promotores principales del concierto que ofreció Manu Chao en Cuba hace más de cinco años. lamc llegará el próximo mes de julio a su edición 18 con un amplio programa de conciertos, conferencias, presentaciones de discos, y paneles en los que intervendrán artistas, productores, periodistas y representantes de disqueras de varias partes del continente latinoamericano y de Europa.

En esta ocasión, viajarán desde Cuba a New York representantes de la institución cultural PM Records. Cookman espera que tras la participación de la mencionada institución los músicos de la Isla tengan mayor presencia en la conferencia el próximo año.

«Me encantaría tener más artistas cubanos, sé que hay muchas cosas buenas pasando, pero a la vez siento que aún hay que hacer enlaces sólidos para

tener la oportunidad de conocer a esos artistas, explica a Granma desde Nueva York».

Cookman recuerda que «desde el año pasado, empezamos a ofrecer shows que se dedican a un país. Así lo hacemos con España y el show, Sounds from Spain y con Venezuela con Focus on Venezuela. Sería bueno mirar la posibilidad de tener un show de la música actual cubana para el 2018». ¿Cuáles son las principales características de esta nueva edición de LAMC? La idea en general sigue siendo la de exponer artistas que merecen tener un foco en lo que ellos hacen y representan a una industria musical que sigue creciendo, además de armar charlas y paneles en los que esa misma industria y los tantos que la apoyan tengan un lugar donde se pueden juntar, hacer nuevas conexiones. Se trata de mantener un punto de encuentro entre varios países, incluyendo el mercado de EE.UU. que sigue madurando y abriéndose a más artistas latinos. ¿Crees que haya algún proyecto en particular que pueda captar la atención en mayor grado de la crítica y los especialistas?

Por suerte hemos tenido casos en todos los años que llamaron la atención.

Incluso, tenemos un reconocimiento que se llama el Discovery Award que entregamos a un artista cada año que sentimos que va a seguir haciendo ruido y abriendo puertas. El primero que lo ganó hace 18 años fue Kinky y desde ese entonces, también lo han ganado artistas como Carla Morrisson, iLe, Los Rakas, El Mato y muchos otros. Más allá de ese reconocimiento, la prensa siempre tiene sus favoritos año tras año. El New York Times nombró al lamc como el Sundance de la música Latina. Es normal descubrir cosas nuevas e interesantes. ¿Cómo valoras la influencia de la música latina en Estados Unidos y Europa?

La música urbana y sus mezclas con el pop están gozando un buen momento.

Al final del día, una buena canción es una buena canción. Mientras que un artista lo hace con honestidad, no me tiene que gustar para poder respetarlo.

Veo más y más oportunidades de abrir puertas con la música latina y eso obviamente nos da alegría. Cuando hay un sonido que está pegado, enseguida van muchos artistas a hacer lo mismo, lamentablemente porque sus sellos disqueros se los imponen. De esa práctica no soy seguidor. ¿En qué momento percibes el mercado de la música latina?

Pienso que se puede contestar un poco diferente en cada país. Por ejemplo, en Estados Unidos, la música urbana latina se está convirtiendo en el nuevo pop, o por lo menos el pop del momento. El futuro de esa corriente depende mucho en la calidad de las canciones que salgan en este próximo año. ¿Consideras que hay espacio para las propuestas más experimentales?

Siempre habrá y habrá más. Lo más experimental o menos comercial se llama así hasta un momento. Sin embargo, hay que ser realista. Si uno está haciendo música que realmente es experimental debe tomar en cuenta que su camino será un poco más difícil. Por eso la música hay que hacerla como una forma

para expresarse no como una manera de cobrar unos pesos. Ojalá los pesos lleguen en algún momento, pero no puede ser la razón por la que te dedicas a tu arte. ¿Has pensando organizar otro proyecto en Cuba junto a Nacional Records, como aquel recordado concierto de Manu Chao?

Ese viaje con Manu Chao a Cuba fue inolvidable. Conocí a mucha gente y me inspiré para hacer mi sello: Nacional Records. Ojalá que podamos volver y seguir mostrando y escuchando buena música. Ganas nos sobran.

De la prensa cubana: “Los que soñamos por la oreja”

¡Un guitarrista de verdad!

Uno de esos que en el presente sí brilla en cada actuación que se le pueda ver o en cuanta grabación realice, es el villaclareño Emilio Martiní.

Por: Joaquin Borges-Triana (Periódico Juventud Rebelde 21 de junio)

Por razones que me llevarían todo un trabajo para poder intentar explicarla, soy de la opinión de que la interpretación de la guitarra no vive hoy en Cuba uno de sus mejores momentos. No es problema de reciente data, sino resulta algo que ha venido instaurándose hace ya un tiempo. Y me refiero tanto a la ejecución en el ámbito de la música académica, como en el de lo popular, en la variante acústica y la eléctrica. Por supuesto que aún contamos con buenos intérpretes, pero no en la cuantía de décadas anteriores.

Uno de esos que en el presente sí brilla en cada actuación que se le pueda ver o en cuanta grabación realice, es el villaclareño Emilio Martiní. La primera vez que le escuché tocar, él formaba parte de una de las bandas que en la historia del rock y el metal en Cuba más me han impactado, me refiero a la desaparecida pero siempre recordada agrupación Alto Mando. Después le perdí el rastro y vine a saber nuevamente de su quehacer años más tarde, cuando se había trasladado a Cárdenas, trabajaba en Varadero y se había convertido en un arreglista para figuras como Bárbara Milián, destacada cantautora y directora del trío femenino Cantarelas.

Ahora bien, el momento en que Emilio Martiní captó de modo completo mi atención fue cuando le escuché en el disco Andante, de César López y Habana Ensemble. A partir de ahí, en la medida que me ha sido posible, he tratado de seguir su labor, ya sea en la aludida agrupación, como productor y arreglista en discos al corte del notable Mundo paripé, del trovador Inti Santana; o al frente de su propio proyecto, Natural Trio.

Con esta última formación, Martiní ha grabado un par de fonogramas que, para mi gusto personal, están entre lo mejor que se ha registrado en materia discográfica en este país en lo que va del siglo XXI. El primero de esos álbumes llevó por título Chapa negra y contiene nueve cortes que en esencia transitan por los caminos del jazz rock, al nivel artístico de lo que en la materia se hace a escala internacional.

Eso se comprueba desde que comienza a sonar la primera pieza del disco, la hermosa Hanami, en la que los que por entonces eran parte del colectivo: el bajista Rey Guerra (hijo), el baterista Ruly Herrera y el mismo Martiní evidencian credenciales como sobresalientes instrumentistas y conocedores del estilo que están tocando. Algo similar cabe afirmarse de cortes como Iris Blues, Rocío, Vikingo habanero, Pequeña hada, Olimpiada de la mentira y la que da nombre a la producción, o sea, Chapa negra.

En los temas antes mencionados, Emilio ejecuta la guitarra eléctrica, tanto con distintos efectos como sin ellos y sobresale por sus calientes solos, el modo en que los diseña, así como por el manejo de las posibilidades armónicas que ofrece el instrumento de las seis cuerdas, aspecto que muchas veces distintos ejecutantes no suelen aprovechar.

Las otras dos piezas incluidas en el fonograma, Inocencia y Nenita danzón, son una suerte de adelanto del estilo que Martiní le impregna al siguiente álbum de Natural Trio, Notas al viento. En esos dos cortes aludidos, Emilio asume la guitarra electroacústica con cuerdas de nailon, que implica un cambio en la técnica de interpretación con respecto al instrumento eléctrico. En particular, Nenita danzón es una pequeña maravilla, cuya partitura debería ser editada en papel impreso (incluido la transcripción del solo) para que otros guitarristas pudiesen incorporar la obra a sus repertorios.

Para este CD, la nómina de los músicos que acompañan a Emilio en Natural Trio es diferente a la de la ópera prima del grupo, pero no puedo dar sus nombres porque únicamente dispongo de una copia (gracias a mi hermano

Ricardo Castillo) en mp3 de los 11 cortes de la grabación y carezco de la elemental información sobre el fonograma.

Lo que sí puedo decir es que estamos ante un disco de obligatoria escucha, no solo para los interesados en la guitarra, sino para cualquier amante de la mejor música que se esté facturando ahora mismo entre los cubanos. Concebido en un formato acústico, aquí Martiní demuestra el profundo conocimiento que posee de los géneros y estilos pertenecientes a la tradición musical de nuestro país, que él asume desde una mirada contemporánea y en la que también deja de manifiesto su buen sentido del humor al dar nombre a algunas de las piezas registradas en el álbum.

Además de usar todos los recursos de la técnica guitarrística, en Notas al viento Emilio concibe su instrumento como si este fuese un piano, uno de los rasgos que más me llama la atención del material y que le dan carácter singular a una grabación que, para mí, resulta fundamental en nuestra reciente historia fonográfica.

De la prensa cubana

El Camagüey del metal La decimocuarta edición del Festival Nacional Sonidos intentó un balance de estilos, de lo suave a lo extremo, e invitó a las diversas bandas de rock de todo el país Por: Yanetsy León González (Periódico Juventud Rebelde 23 de junio)

El vocalista australiano Jeremy Harry Harris fue uno de los invitados.

CAMAGÜEY. - El rock en Cuba no ha perdido su público de adolescentes y jóvenes, ni la energía de las bandas locales, ni la inconformidad de músicos y promotores para defender el derecho a existir de esta expresión cultural, razón de ser del Festival Nacional Sonidos de la Ciudad.

No ha perdido la costumbre esta ciudad de acoger a varios entusiastas de un tipo de música que en el mundo mantiene el estigma de la invisibilidad, aunque tal vez por vieja maña sabe propagarse y alimentar la luz de los seguidores.

El peso de los estereotipos ha impedido la comprensión del gusto y la actitud de vida de un amplio grupo que siente y piensa, que sueña y hace. Esas claves de la pervivencia alrededor del rock están a la mano en el festival de Camagüey, que en días recientes estuvo dedicado a los 55 años de la UJC y al aniversario 60 del asesinato de Luis y Sergio Saíz, los jóvenes mártires que inspiran a la vanguardia de creadores de la Asociación Hermanos Saíz, puntal del evento. ¿Por qué solo metal?

La decimocuarta edición intentó un balance de estilos, de lo suave a lo extremo, e invitó a las bandas Alligator (Contramaestre, Santiago de Cuba), Jeffred Dammed, Espoleta (Holguín), Limalla (Sancti Spíritus), Alpha seed (Matanzas); HellGrind y Trendkill (La Habana), y las anfitrionas Antagon, Desbroce, Strike Back y Sex By Manipulation o SBM. Se incluyeron el vocalista australiano Jeremy Harry Harris, acompañado por la holguinera Mephisto, y el colombiano Joaquín Tobar, estudiante de Medicina que ha formado aquí Demolerium.

«Tenemos hardcore, grupal death, metalcore con tumbadora, black metal, grunge, punk que estaba casi extinto», aseguró Yoghenrry Bourricaudy Román, del comité del evento. Eso lo reafirma su colega Luis Batista, Machine, baterista de Demolerium y SBM: «Hemos abarcado el árbol genealógico del metal. En Cuba musicalmente somos muy atrevidos», mientras orgulloso ejemplifica con Alligator y sus covers de bandas de los 80 y los 90, Jeremy y su hard rock con grunge, el punk de Limalla, el gótico de Antagon…

Una nota diferente dio Hellgrind, la única banda cubana que hace death metal melódico con influencia de viking metal, algo de la Europa de los 90 «desconocido para el cubano», en opinión del director y vocalista Ernesto Riol: «En la escena de Camagüey resultó un impacto sonoro, aunque es un fenómeno nacional que el metal se está deslizando solo al Deathcore y metalcore, y eso opaca otros estilos más tradicionales. En general, este Festival tiene buen nivel y un público conectado con los músicos».

Como una fiesta popular Pero Salvador Torres, Miembro de Honor de la AHS, con 23 años como promotor de rock desde antes del Sonido de la Ciudad, les alerta: «Nunca imaginé que este Festival sería solo de metal. A esa tozudez le achaco la pérdida de público. Veo que las personas se van de diez en diez o de 15 en 15.

Hace falta el trabajo de mesa y la consulta con el público».

Por la cuerda de Salvador anda Raúl Cardona, organizador del Festival Metal HG y las Rockmerias, en Holguín: «A los festivales les falta diversidad. Tienen que acabar de pensarse como una fiesta popular. Hay bandas buenísimas haciendo variedad de géneros en el país, pero no las invitan. Si abres el

diapasón, ganas público y convences más». No obstante, Gustavo Sánchez, director y guitarrista de Trendkill, insiste: «hay más tolerancia y se han abierto espacios, pero tenemos que seguir luchando por mayor atención, por nuestro derecho a tocar en otros lugares... que no nos tiren pa’ lo último, que no solo le den el audio bueno al reguetón». De causas y azares cuenta Alex Jorge, guitarrista de Jeffrey Dammer y de Mephisto: «El rock en Cuba tiene sus altibajos. Llevo en esto desde los 80. Por las dificultades con los instrumentos, unas bandas se desintegran. A veces hay provincias que se quedan sin ninguna, y después le resurgen; pero el rock sigue vivo, es parte de la cultura cubana, desde los primeros grupos en los 70».

Una música que une El bajista de Antagon, Ricardo Iglesias, considera el Sonidos de la Ciudad una ocasión especial para encontrarse y compartir: «En el circuito de festivales que prevalece, el nuestro es uno de los más importantes. Posibilita la relación directa con un público, algo que no pasa todos los días. El metal en Cuba no es lo que típicamente se consume, por eso, si nos escuchan tres, perfecto, porque es la gente que te apoya, que viene de lejos para verte».

Este año, la lluvia fijó los conciertos en el Auditorio Iván Hidalgo Funes, contiguo a la Casa del Joven Creador. Eso favoreció la participación de los muchachos, un lugar abierto al curioso, al que le gusta o al que empieza a escuchar rock.

«Por lo general tocamos en lugares donde se venden bebidas alcohólicas y los menores de edad no pueden entrar. Imagínate, el 60 por ciento del público se nos va», refiere Yoghenrry, quien no olvida su primer «choque» con el metal cuando estaba en cuarto grado, y en la Plaza Maceo descubrió a Rhodas, entre las primeras bandas de Camagüey.

El bajista de SBM siempre aconseja: «Como decimos nosotros los “frikis”: “fusilen” mucho. Fusilar es oír mucha música y con variedad. No te aferres nunca a un solo estilo ni a un solo grupo. Mientras más “fusiles”, más riqueza tendrás en tu cabeza y en tu corazón».

Su colega Machine agradece a la AHS: «La Asociación Hermanos Saíz es la única que organiza conciertos de rock and roll en el país. Es un género musical viejo con público joven. Hay problemas que no pueden resolver mamá ni papá y se logra con un amigo, y en esa búsqueda se unen musicalmente. El rock tiene su ética, su dignidad y nosotros la cuidamos».

Quedan en el tintero razones para indagar. El Sonidos de la Ciudad deja sobre el tapete la sed de espacios; el deseo de bandas extranjeras en vivo que solo han apreciado en revistas; la esperanza de que se borren las falsas imágenes de los amantes de esta sonoridad; y lo más candente, el repaso crítico de los resultados de la edición, desplegada en conciertos, debates, pasarela de moda, la apreciación de audiovisuales y la práctica del tatuaje artístico del proyecto Carpa Tattoo. Todos han de tenerlo en cuenta, porque en 2018 el Festival de Camagüey estará de 15.

Nuevas producciones

Marty Friedman (Ex-Megadeth) lanzará nuevo disco para el 4 de agosto. El disco se titula “Wall Of Sound” y es producido por el guitarrista Paul Fig (Alice In Chains, Rush) y mezclado por Jens Bogren (Sepultura, Kreator).

Tracklist: 01. Self Pollution.

02. Sorrow And Madness (con Jinxx de BLACK VEIL BRIDES).

03. Streetlight.

04. Whiteworm.

05. For A Friend.

06. Pussy Ghost (con Shiv Mehra de DEAFHEAVEN).

07. The Blackest Rose.

08. Something To Fight (con Jørgen Munkeby de SHINING).

09. The Soldier.

10. Miracle.

11. Last Lament.

Reseñas

Reseñas

Reseñas

Reseñas

Artista: WEDNESDAY 13.

Disco: Condolences.

Sello: Nuclear Blast Records.

Fecha de salida: 2 de junio.

Una llamativa banda cuyo estilo bordea fronteras muy curiosas como el Rock, Punk Horror y el metal lo que le hacen una banda con estilo propio y por tanto con un sonido también muy suyo, muy marca de la casa. De allí que sus temas y la manera de entender su propuesta merezca también una escucha profunda y pormenorizada, ya que puede resultar un disco complicado de entender a la primera, o no, depende de los gustos de cada uno, pero si no le encuentras razón a la primera te invito a que le des una oportunidad, porque en él encontrarás secciones y pasajes muy interesantes, y cito por ejemplo el arduo y complejo corte que da nombre al disco, hacia el final denominado “Condolences”, un gran tema, lento, pero muy profundo en sensaciones y matices, gracias a una ardua base rítmica y a estar acompañado de potentes solos y sobre todo un aura o atmósfera muy oscura con la que han sabido rodear la canción aumentando con ello el “feeling” de la canción. Esa voz al inicio en plan susurro, los acordes que poco a poco van ganado peso y con ello espectacularidad, le dan al tema una consistencia muy original, ya que las partes lentas vienen siempre acompañadas de sugestivos efectos. Y como no el solo de lo mejor del disco.

Luego la banda cierra el álbum con “Death Infinity”, otro tema lento y misterioso, aunque no tanto ni con la majestuosidad de “Condolences”, pero que si mantiene esa atmósfera oscura y lenta sumado a unos coros muy envolventes que a ratos me hace recordar a Devin Townsend. Pero no todo es tranquilidad y misterio en este disco, también hay sitio para la caña, como con el potente y enérgico corte “You Breathe, I Kill”, que te quita el sueño desde sus primeros acordes y que viene acompañado de un potente solo, uno de los temas más completos del disco. Y tenemos otro tema intenso, algo más comercial, pero no por ello menos interesante como “Lonesome Road To Hell”, que engancha gracias a sus estribillos pegadizos y lo punzante de sus riffs.

Después de varios años de afilar sus dientes creativos, WEDNESDAY 13 surgió de la fétida cripta de la oscuridad con su banda FRANKENSTEIN DRAG QUEENS FROM PLANET 13, los maestros del rock horror que lanzó cinco álbumes de estudio asombrosos y seis EP entre 1996 y 2002. Siempre El líder del revoltoso pack, WEDNESDAY 13 se convirtió entonces en una estrella de rock internacional de buena fe como líder de MURDERDOLLS, su colaboración con Joey Jordison de SLIPKNOT. La banda tomó el mundo como una enorme tormenta, con Europa y el Reino Unido, en particular, sucumbiendo a los encantos feroz del álbum de debut de 2002, »Beyond The Valley Of The Murderdolls«; Una erupción ruidosa de grandes melodías y mala actitud que ruidosamente redefinió el género punk horror. Después de que MURDERDOLLS entró en un hiato prolongado en 2004, WEDNESDAY 13 se embarcó en una carrera en solitario ampliamente elogiada que de nuevo le proporcionó una salida para su empuje implacable de diabólico musical y alocadas ideas. Álbumes como »Transylvania 90210« (lanzado por Roadrunner en 2005), »Fang Bang« y »Skeletons« cimentaron la reputación de nuestro

héroe pálido como el hijo bastardo de ALICE COOPER y THE MISFITS, mientras que su proyecto, BOURBON CROW, GUMFIRE 76 demostró que tenía suficiente versatilidad para sobrevivir fuera del cementerio y del matadero.

MURDERDOLLS volvió a reunirse en 2010 para el vicioso álbum “Women And Children Last” y otra exitosa gira mundial antes de desaparecer una vez más en la helada niebla de medianoche, dejando a WEDNESDAY para revivir su carrera en solitario con unos miles de voltios de electricidad perversa.

Incluyendo el escandinavo opúsculo del año 2014 »Undead Unplugged« y el año siguiente, estruendoso »Monsters Of The Universe: Come Out & Plague«.

Sin embargo, absolutamente nada de lo que WEDNESDAY ha creado en el pasado ha llegado a tocar la horrorosa potencia y el atractivo de su nuevo álbum de estudio, »Condolences«.

El resultado no es sólo el disco más pesado, auténtico e inquietante de la carrera del gran hombre, sino también un enorme salto creativo, claramente encapsulado por el título simple y directo del nuevo álbum.

Es sin duda su disco más complejo e interesante de su carrera en solitario, pero dado todo lo que ha demostrado con los años y su amplia experiencia, no era de extrañar encontrarnos un disco de esta calidad y repito, digno de varias escuchas, que sin duda terminara hipnotizando hasta el más incrédulo.

Artista: Claim.

Disco: Metalfire.

Calificación: 4 estrellas.

Por: PMU En otras ocasiones he mencionado que la tierra holguinera es muy prolífica para el rock y el metal, y no me equivoco, pues la cantidad de artistas que cultivan esos géneros es impresionante. Hoy les traigo a Claim, banda que apuesta por cultivar géneros tan cercanos como el heavy metal y el thrash (azote) metal.

Sobre el significado de su nombre, Trastienda Musical señala en el artículo “Fuego de metal desde Holguín”: “es una palabra que encierra significados como reclamo, protesta y demanda. Justamente por eso sendero controversial intentan mover las letras de sus composiciones”.

Metalfire es una propuesta independiente con meridiana calidad, teniendo en cuenta las limitaciones que seguro enfrentó su producción. No creo que sea un secreto para nadie que es difícil acceder a un estudio que cumpla con parámetros de acústica (reverberación, absorción, aislamiento, difusores, etc.) y que tenga el equipamiento adecuado. Sin embargo, la banda consiguió un sonido aceptable, que en ningún momento reniega que se trata de un producto underground.

La portada exhibe lo que parece una fragua para metales. Las llamas ostentan poder calórico, pero quizás insuficiente para que el metal se vuelva resplandeciente y conseguir moldearlo a golpes con un martillo. Acompañan además unas descargas eléctricas que le otorgan cierto misticismo. Los rótulos son competentes en cuanto al tamaño y fuente, sin embargo, el color empleado lo creo desacertado. A mi juicio, el color de las llamas era el indicado para lograr una correcta composición. De todos modos, la portada no es mala y, sobre todo, es consecuente con el nombre del disco.

Acorde a su duración califica como un EP (Extended Play), pues no está por debajo de 10 minutos y no sobrepasa los 28, para ser exacto, tiene 17:57.

Posee cuatro temas, con longitudes que rebasan en todos los casos los 4 minutos. Debe constar que la mayoría de los cubanos le llamamos demo a este tipo de producción, aunque se refiera mayormente a que tan solo se ha plasmado el concepto inicial de una o varias piezas musicales, o sea, no son definitivas.

A continuación, les describiré los temas uno por uno.

Inicia “Madness Unchained” con un destello guitarrístico muy evocador. Acto seguido despegan unos riffs típicos del thrash metal, que nos transportan a la época dorada para el género durante la segunda mitad de los años ochenta del pasado siglo. En todo momento las guitarras brillan dibujando fugaces

melodías y, en otros casos, creando atmósferas verdaderamente cañeras. Una fuente de energía simplemente exuberante, la locura desencadenada.

Luego, “Metalfire” hace su entrada como si se tratara de una procesión triunfal después de la batalla más disputada del mundo. Un recibimiento digno de las hazañas de Alejandro Magno o Napoleón Bonaparte. Imagino la interminable fila de curtidos jinetes transitar altivos mientras les vitorea el pueblo. Los riffs son fascinantes y demoledores, y las voces dotadas de una sensibilidad épica altamente gratificante. Resulta imposible mostrarse indiferente ante este monumental despliegue de poder. Un tema que desborda entrega y se despide con unos gritos que congelan la sangre.

Después, “The Claimers” arranca enigmático, con riffs y percusión que bien pueden emular una orden para marchar o combatir, o el inicio de una ceremonia. Luego se suma una ambientación orquestal solemne que, aunque dura poco, le otorga un extra. Las voces son limpias y con el dramatismo necesario para contar una historia sobre los reclamantes, tal como propone su título. Es el tema más anclado en el heavy metal, aunque tiene sus azotes, pero nada acentuados.

Y para finalizar, “Don’t Fear the Fade” abre bien intenso y altanero. Se nota que la banda bebió de las mejores fuentes del metal ochentero y asimiló bastante.

Un asalto de riffs impetuosos que me sugieren la vanguardia de un poderoso ejército. Estos implacables guerreros avanzan tomando por sorpresa al adversario y lo silencian con certeras flechas y afiladas espadas. Nadie está a salvo de la ira desatada por el omnipotente rey del norte, su orden es barrer completamente el sur, y sus guerreros cumplirán al pie de la letra el oscuro designio. ¡Se ha liberado el más puro terror sobre la tierra!

Resumiendo, es un disco que se nos hace largo al irradiar a partes iguales esplendor e intensidad. Sin lugar a dudas, es una propuesta bien interesante para los amantes del metal ochentero. Recomiendo escuchar atentamente a “Metalfire” y “Don’t Fear the Fade”.

Temas: 1. Madness Unchained.

2. Metalfire.

3. The Claimers.

4. Don’t Fear the Fade.

Artista: Zeus.

Disco: La Verdad Prohibida.

Calificacion: 5 estrellas.

Por: PMU Si hablamos de heavy metal sería imperdonable dejar de mencionar a grandes íconos como Metallica, Iron Maiden, Judas Priest o Megadeth. Para los rockeros de Cuba, sobre todo los más veteranos, resulta casi imposible hablar del género sin evocar al perene nombre del grupo Zeus, veteranos músicos que, como paladines, han portado el estandarte de la música metal durante casi tres décadas.

Mientras que varias bandas cubanas han emprendido su camino fuera del país, se han desintegrado, o han tomado la decisión de fusionar sus materiales con otras sonoridades, Zeus continúa siendo cien por ciento leal al estilo rebelde, agresivo y desenfrenado que cautivó a miles de seguidores en los míticos años del Patio de María. Las guitarras distorsionadas, el excelente soporte a cargo del bajo y la batería, y la voz cruda y arrolladora de Dionisio Arce son los ingredientes de esta fórmula explosiva que, aunque creada el 12 de abril de 1988, no parece tener fecha de caducidad.

Su última producción discográfica, lanzada en el 2014 bajo el título t de La verdad prohibida,, es la prueba incuestionable de que, como el buen vino, el conjunto habanero mejora con el devenir del tiempo. Y es que, para esta ocasión, el grupo integrado por El Dioni, los guitarristas Iván Vera y Hansel Arrocha, el bajista Yamil Siré y el baterista Eduardo Longa, ha logrado concebir una obra que fusiona lo mejor del trash y el heavy en poco más de 51 minutos, repartidos en 13 canciones.

“Tensión”, el tema de apertura, es el clásico paradigma de intensidad metalera: potente riff,, tempos rápidos, bajo distorsionado y batería coordinada se combinan con la aspereza vocal y el imponente solo de guitarra para crear una pieza con sonido rápido y agresivo, que la sitúan dentro de los cánones de trash y el speed metal,, y que recuerda un poco la época de “Hijos de San Lázaro”, ópera prima de esta agrupación insignia.

Las siguientes pistas “Dueño de tu nombre”, “La verdad prohibida” y “Al pecho” continúan con la potencia inicial. Sus riffs,, atropelladores, se aceleran sin control hasta desbocar en rápidos y frenéticos solos de guitarra, uno de los puntos más loables en el fonograma.

Para el asombro de muchos seguidores, Zeus Zeus nos presenta en este disco una pista llamada “Sombras de la noche”, una suerte de balada que funciona como puente sonoro hacia melodías más agresivas y que ofrece una imagen del anochecer en La Habana, a partir de la descripción de escenarios, situaciones y personajes cotidianos de la capital como la renombrada calle 23, la puerta de

un hotel y la sensualidad de una prostituta. Esta canción comienza con un lejano sonido de guitarra que es acompañado por unos sutiles toques de batería. La voz entra antes de culminar el primer minuto y el tema alcanza su máxima expresión en el solo de guitarra, para retornar nuevamente a la serenidad nocturna en los últimos segundos.

La otra gran sorpresa del CD llega en el tema de cierre titulado “Raza”, que no solo resalta por la armonía sonora y el destacado solo de guitarra en los instantes finales, sino, también, por la colaboración de Israel Rojas, líder de Buena Fe, quien realiza un interesante dueto con El Dioni. Este tema, encargado de coronar al disco, incorpora pasajes del artículo “Mi raza” (escrito por José Martí) y refleja las convicciones de Zeus y Buena Fe sobre la igualdad humana: “Hombre es más que blanco, más que negro, más que mulato, / dígase hombre y se habrá dicho todo. / Se habrá dicho la fuerza que estalla en lo bello, / se habrá dicho la piedra que se hunde en el lodo”.

Completan el CD las canciones “Confiesa”, “El peso de la ley”, “La ocupación”, “Tierra de la cruz” y “Viven en mí”, que continúan explotando la receta “olímpica” de este grupo capitalino, en una amalgama de sonidos metaloides.

En resumidas cuentas, La verdad prohibida es un fonograma que - si bien puede presumir de excelente calidad sonora y de los elementos clásicos que logran hipnotizar a los amantes del género - destaca, sobre todo, por la capacidad de Zeus para reinventar su fórmula, de forma tal que cada canción constituye un universo y una imagen sonora independientes, sin dejar de estar unidas por una unidad conceptual. Es un disco ambicioso y muy bien estructurado, un álbum que significa la reaparición triunfal de un grupo cuyo nombre ha sido fundamental en la historia del metal hecho en la mayor de Las Antillas.

Temas: 1. Tensión 2. Dueño de tu nombre 3. La verdad prohibida 4. Sombras de la noche 5. Al pecho 6. Confiesa 7. El peso de la ley 8. La ocupación 9. Tierra de la cruz 10. Viven en mí 11. Sangre Real 12. Sometido 13. Raza (feat. Israel Rojas)

005 - Sesión de fotos.

Continuará…