MIXMAG MÉXICO - NÚMERO TRES

THE WORLD´S BIGGEST DANCE MUSIC & CLUB CULTURE MAGAZINE

DETLEF En sus propias palabras...

la descripción de un artista

NOVIEMBRE 2019 NÚMERO TRES

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NÚMERO

TRES

NOVIEMBRE 2019

OFICINAS GENERALES MIXMAG MÉXICO Via Atlixcayotl 1499 Piso 10, San Andrés Cholula, Puebla, CP 72090 Teléfono: +52 22 1146 7734 Página web: www.mixmagmx.com DIRECTORIO Editor: Duncan Dick - duncan@mixmagmedia.com Editor responsable en México: Geena Corona - geena@mixmag.net Editor adjunto en México: Sergio Islas Pacheco - sergio@mixmag.net Dirección General y Contenido en México: Alan Zúñiga – alan@mixmag.net Dirección de Marketing: Carlos Calderon Porter Coordinación de diseño: Carolina Espinosa

Mixmag, revista bimenstral. Noviembre de 2019. Editor Responsable: Geena Corona. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: En trámite. Número de Certificado de Licitud de Título: (en trámite). Número de Certificado de Licitud de Contenido. (en trámite). Domicilio de la Publicación: Via Atlixcayotl 1499 Piso 10, San Andrés Cholula, Puebla, CP 72090. Distribuidor: En trámite.

Mixmag México es editado bajo licencia de Wasted Talent Ltd. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin consentimiento expreso del editor responsable en México. Los derechos de esta publicación quedan protegidos en todo el mundo.

EDITORIAL Para muchos, la música electrónica actual se ha mimetizado poco a poco a los cánones en lo que comúnmente conocemos como música pop. No ha sido gratuita esta comparación. Día tras día siguen surgiendo DJ´s que se están comiendo el mundo a puños ubicados en los primeros lugares de los charts mundiales, posicionando el género como uno de los cinco más consumidos a nivel mundial y con mayor reproducción de todos los servicios de streaming.

Los festivales con audiencias masivas dan fe de ello. Pero se antoja necesaria una reflexión al respecto y, al mismo tiempo, un parón a esta apreciación de que el pop y la electrónica en general se sirven del mismo vaso. La distancia es considerable.

El pop por definición se basa en la idea anglosajona de novelty; es decir, lo nuevo y desechable. Su meta está condenada desde su origen en la medida que está destinada a construir éxitos sin que importe la métrica, el estilo, la interpretación y la producción. A veces, el pop ha debido adaptarse a los sonidos de su época y otras, se ha obligado a copiar hasta la saciedad estilos comercialmente marcados y dirigidos por el mainstream. Desde este punto de vista, es normal que el crecimiento de la música electrónica haya llevado a una nueva formulación del pop, que aspira a mimetizarse con colaboraciones millonarias de sus estrellas con artistas dance por ejemplo, igual que ocurrió anteriormente con otras músicas negras como el funk y el soul.

Igual que hoy, los productores exitosos de pop se valían de las herramientas y técnicas más rompedoras (que conocen perfectamente muchos productores asiduos al dance, techno y house que parecen pasarles tips ganadores).

Vivimos el tiempo en que resulta interesante cómo se combina la parte esencial de la música comercial (la parte melódica) con la máxima experimentación electrónica y como, en aras de sumar, se van produciendo tracks de toda clase, lo mismo con sonidos extraños, que ganadores o bodrios dignos del olvido. Así, si se le retira la voz a uno de los éxitos de pop de ahora solo queda un producto extraño con ritmos locos y si se le quita la parte tecnológica quedan melodías almibaradas e insulsas. Ahora los sonidos más estimulantes y las fórmulas más rompedoras proceden del ámbito de la música electrónica, la música negra americana, la caribeña y jamaicana. No es gratuito que el trap esté sumando seguidores y esté apoyada en buena medida por consagrados del género electrónico.

La electrónica está destinada a cosas grandes, sin importar la etiqueta. No importa el subgénero que se escuche, siempre hay algo más, algo nuevo, algo grande. Es nuestro tiempo, nuestro mejor momento, dominamos la época y es hora de aprovecharla. Esta generación será testigo del advenimiento de una nueva era para la música global. Y Mixmag seguirá ahí, lista para dar fe de ello.

CONTENIDO

Noviembre 2019

6. Bahidorá

...Bahidorá es el Carnaval que brota una vez al año en la selva de Las Estacas.

8. Senheiser

LIBERTAD DE MOVIMIENTO PARA GUITARRISTAS Y BAJISTAS El nuevo pedalboard XSW-D está listo

10. Hello Demo

El nuevo email de la música

12. Cancino

Es ese tipo de lugar en el que vas a pedir tu pizza favorita y va a saber igual a la última vez que te encantó.

14. Joyhouser

Vendaval Sonoro Belga

16. MUAN 17. Klik & Frik Sonidos Electrónicos Místicos / Kusht El repaso por las tierras distantes e hipnóticas.

18. Sudor, esperanza y el amor a la música “Nyege Nyege” 26. Detlef en sus propias palabras...la descripción de un artista 31. La guía definitiva para configurar tu controlador MIDI en Ableton Live 37. The Rusia House

El festival GAMMA de San Petesburgo

40. Tiempo y lugar

Kraftwerk toca en Ushuaïa Ibiza es parte de la serie de aniversario Cocoon20 45. Tech 5 de las mejores tablas de ondas ( W A V E T A B L E S S Y N T H S) 46. Tech Joris Voorn sobre la realización de la pista de ritmo vocal inspirado en el track “Messiah”

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CARNAVAL DE

Bahidorá es el Carnaval que brota una vez al año en la selva de Las Estacas.

BAHIDORÁ

Después de 7 ediciones, el Carnaval de Bahidorá ha logrado ampliar su gama de experiencias para ofrecer música en más de 6 escenarios, un Circuito de Arte y 3 días de fiesta en medio de un parque natural majestuoso.

Bunker es el lugar que reúne los distintos actos de música electrónica durante el Carnaval, aquí se han presentado artistas como: Axel Boman, Floorplan, Honey Dijon, Jayda G, Kornél Kovács, Leon Vynehall, Louie Vega, Octo Octa, Objekt, rRoxymore y Robag Wruhme. Tanto el techno como el house han sido las avenidas principales por las que atraviesa la música que suena en Bunker, en los demás escenarios habita un sonido compuesto de ritmos y tradiciones musicales provenientes de África, el Caribe y el resto del mundo.

Lo que se vive en Bahidorá va más allá de la música, es una comunidad efímera que comparte historias y momentos. Puedes nadar en el río, descubrir piezas de arte en medio de la selva, encontrarte con algún miembro de la Tribu o calentarte con tu pareja en alguna fogata.

Ven a descubrir este paraíso llamado Bahidorá el próximo 14, 15 y 16 de febrero del 2020, sé parte de la exploración.

Conoce más en: http://bahidora.com/

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Sennheiser XSW-D

LIBERTAD DE MOVIMIENTO PARA GUITARRISTAS Y BAJISTAS El nuevo pedalboard XSW-D está listo

El nuevo pedalboard set XSW-D de Sennheiser, ya está disponible y viene a completar la nueva serie XS Wireless Digital del especialista en audio. El set proporciona un sistema inalámbrico de nivel básico ideal para guitarristas y bajistas. Al igual que todos los sets XSW-D, funciona en 2,4 GHz para el funcionamiento a nivel mundial, operación sin licencia y además, viene completo con un transmisor, un receptor estilo pedal con función de afinación de guitarra, cable de instrumento, clip de correa, así como accesorios de alimentación y carga.

“El pedalboard set llega a completar perfectamente nuestra serie XS Wireless Digital, proporcionando una solución ideal y práctica para los usuarios inalámbricos de primera vez”, dijo Tobias von Allwörden, Head of A/V Portfolio Management. “Es una opción perfecta para guitarristas y bajistas que deseen integrar una solución inalámbrica en su pedalera”.

El pedalboard set XSW-D proporciona a guitarristas y bajistas libertad de movimiento para un mejor rendimiento. Una conexión instantánea. El transmisor XSW-D se conecta directamente al instrumento. Para aquellos que encuentran que el transmisor se interpone en el camino de su estilo para tocar, o cuando la forma de la guitarra -o el bajo-, no permite la conexión directa, el transmisor se puede conectar con el cable de instrumento que viene incluido y puede usarse con el clip para la correa.

El receptor, que además está equipado con una función de afinación de guitarra, se puede acomodar y accionar desde el set pedalera. Como alternativa, puede ser alimentado por la unidad de fuente incluida.

El transmisor de instrumentos XSW-D se conecta directamente a la guitarra o el bajo, también se puede conectar a través de un cable de instrumento y se puede llevar en la correa.

Una vez que el receptor está encendido, buscará automáticamente el transmisor. Con una breve pulsación del botón en el transmisor, los dos estarán conectados y el artista listo para el concierto.

Sintonizando hacia un gran sonido. Al pulsar el interruptor de pie o pedal del receptor, se puede silenciar la transmisión de audio y activar el sintonizador de instrumentos. Gracias a las claras letras blancas sobre negro que son muy fáciles de leer, la pantalla es visible incluso en entornos de iluminación tenue. Cuando se completa la sintonización, simplemente se debe presionar el interruptor de pie o pedal de nuevo para reactivar el audio.

Al pulsar el interruptor del pedal se activa el afinador de la guitarra (o el bajo). El transmisor tiene una batería con una duración de alrededor de 5 horas, y se puede recargar de forma simple desde el receptor alimentándose durante las pausas en uso. El receptor está equipado con una equilibrada salida de audio XLR y un jack de salida desequilibrada para la conexión al amplificador o a la mesa de mezcla. Se pueden utilizar hasta cinco sistemas XSW-D al mismo tiempo, y se incluyen etiquetas, pegatinas o stickers de colores para facilitar su identificación.

El pedalboard set XSW-D ya está disponible y viene completo con un transmisor de instrumento (conector de 6,3 mm [1/4] jack), un receptor de pedal, clip de correa, cable de instrumento (conector de 6,3 mm [1/4] jack), cable de carga (USB-A a USC-C), etiquetas de colores para identificar y una fuente de alimentación del receptor. Todos los artículos también se pueden ordenar por separado.

Información técnica del XSW-D: Rango de frecuencia: 2,000 – 2,483.5 MHz Potencia de transmisión (EIRP): max. 10 mW Modulación: GFSK con TDMA Codec: aptX® Live Respuesta de frecuencia de audio: 10 – 18,000 Hz Audio output: max. 12 dBU Relación ratio señal-ruido: ≥ 106 dB THD: < 0.1 % Latencia de audio: < 4 ms Batería: Li-Ion, 3.7 V voltaje nominal, 850 mAh capacidad celular Tiempo de funcionamiento: Hasta 5 h Tiempo de carga: typ. 3 h Voltaje de entrada de la interfaz de carga USB-C: typ 5.0 V Temperatura de carga: 0 °C – 60 °C (32 °F – 140 °F) Dimensiones: XSW-D INSTRUMENT TX: aprox. 122 x 24 x 28 mm XSW-D SET PEDALERA RX: aprox. 130 x 82 x 51 mm

HELLO DEMO El nuevo email de la música

La forma más sencilla, rápida y segura de enviar, firmar y gestionar música para artistas, sellos, radios y profesionales de la industria. Una plataforma revolucionaria.

Hello Demo, lanzado oficialmente en septiembre 2019, es la nueva multiplataforma que está cambiando la forma en la que se envía, recibe, firma y gestiona la música entre artistas, sellos, radios, escuelas de música y todas las personas relacionadas de alguna manera con la industria. Nominada por Sonar + D como Best Tech Startup de 2018,

¿Qué piensan los profesionales de la industria?

Hello Demo trabaja con el artista desde el comienzo de su proceso creativo hasta que su música es firmada por un sello. La plataforma también ayuda a las discográficas a descubrir nuevos talentos de una manera más eficiente, gestionar plazos, dejar comentarios y recibir música más relevante, todo en el mismo lugar.

Radio Slave - (Artist, Label Owner, Rekids) “¡Hello Demo es hello buena música!”

Lindi Delight - (Brand & Showcase Manager, DeLight Management) “Hello Demo está revolucionando la forma en que los artistas envían y colaboran en la industria musical.

Estoy muy emocionada por todos los productores que descubrirán todas sus increíbles capacidades y características “.

Todavía estamos en un momento en el que la gestión y la comunicación entre artistas y sellos sigue siendo una tarea bastante difícil y que requiere mucho tiempo con respecto al envío, recepción,

Raxon - (Artist) “Qué gran idea. Eficiencia a la máxima”

reproducción y administración de archivos de audio. El correo electrónico todavía se usa como la principal herramienta para enviar y recibir música, pero debido a los grandes archivos y las fechas de vencimiento en los enlaces descargables y sin la opción de filtrar contenido, este método no resulta el más eficiente. Pero hasta ahora no han habido muchas otras opciones útiles.

Seamos realistas, los artistas quieren que su música llegue a las manos correctas dentro de un sello discográfico, radio o a artistas en demanda, pero la probabilidad de enviarla al contacto correcto en el momento correcto es mínima.

Las discográficas siempre están interesadas en recibir música que podría ser el próximo gran éxito, pero debido al alto volumen de demos no organizados y no deseados que reciben a diario, este objetivo puede ser muy difícil de lograr.

Por lo tanto, la solución a estos problemas y facilitar una plataforma para la interacción entre los diferentes figuras de la industria es Hello Demo.

Con su apariencia elegante pero a la vez simple y su tecnología avanzada, Hello Demo hace que

Los Suruba - (Artists, Label Owners, Nazca & Suruba) “Hello Demo es el futuro. Menos correos electrónicos significan más tiempo para más música.”

compartir música sea tan simple como enviar un mensaje de texto.

No es solo una plataforma para que los artistas envíen música a sellos, sino la forma más sencilla en que un productor puede compartir su trabajo a su círculo cercano, como amigos, otros artistas y familiares.

Con Hello Demo, los artistas en demanda están protegidos del spam y los sellos reciben música más relevante ya que hay un filtro natural a la cantidad de música que un artista puede compartir fuera de su red. La cantidad de tracks que un artista puede compartir simultáneamente fuera de su red está controlada por la plataforma, lo que significa que tiene que elegir bien a quién se los va a enviar. Pero esto no hace que sea limitante, HD le da al artista la capacidad de

recibir, reemplazar y ver el historial compartido en cualquier momento y sobre la marcha. Es el filtro que la industria nunca ha tenido.

Hello Demo es sin duda la solución perfecta para artistas, sellos y mas.

Está a punto de revolucionar una de las tareas más importantes de la industria de la música: enviar, recibir y firmar música nueva, todo en un mismo lugar, conveniente y fácil de usar.

Hello Demo también ha cerrado recientemente una colaboración con Bridge 48 y Dubfire para lanzar un concurso para dar a productores la oportunidad de ganar tutoría privada con el propio Dubfire y convertirse en uno de los residentes de Bridge 48. Más información sobre el concurso aquí.

Leonardo Corella (Project Management DGTL, Brunch in the Park) “Hello Demo cambiará la forma en que entendemos la música en la industria. Es el futuro y el futuro es Hello Demo”.

Santiago Garcia - (Artist) “Hello Demo sincroniza mi música con mi vida”.

Edu Imbernon (Artist, Label Owner, Fayer & Eklektisch) “Hello Demo ha cambiado por completo la forma en que colaboro con otros artistas”.

Sigue a Hello Demo: - Web - Instagram - Facebook - Descarga Hello Demo: - Apple - Android

6 · 7 · 8 DICIEMBRE 2019

THE RAPTURE · BLACK COFFEE

DEERHUNTER · DIGABLE PLANETS · KIDNESS SEÑOR COCONUT · KALABRESE · HOLLIE COOK VAC AC I Ó N · ROMARE · J AY DA G LIVE + DJ SET

CALONCHO + DAVID AGUILAR

SOLO LIVE

PALMS TRAX · OPTIMO · ZIMMER · LOS MIRLOS MATIAS AGUAYO · PEREL · OCEANVS ORIENTALIS PHILLIPI & RODRIGO · SAINTE VIE LIVE

T H E M A U S KOV I C DA N C E B A N D · M I T Ú · I C H I S A N H I J OS M I D N I G H T G E N E R AT I O N · I Ñ I G O V O N T I E R & DLOS EL MAÍZ AQUIHAYAQUIHAY · AKKAN SUPERCONTINENT · TAYRELL ANDREA VANDALL · MARYMOON · R A U L S O T O M A Y O R C A R L I TA · A L O N S O R I V E R O · M E D I TAT I O N T U N N E L SEEDY FILMS · DADA DISCO · KING EDI K · ALEJANDRO MOLINARI FUTURE FEELINGS · PRIEST · ASTROS DE MENDOZA KO D E M U L · E S A M I PAU · R AYO · PIRATE STEREO · PUMA · DISQUE DJ FERGO · PAURRO · JUAN FORTIS · RACJEL FLEXX + SHAKES, TV & AMIGOS

PATROCINADO POR

CANCINO Los Cancino tienen la particularidad de tener comida deliciosa, muy buen ambiente y hacernos sentir como en casa. Es ese tipo de lugar en el que vas a pedir tu pizza favorita y va a saber igual a la última vez que te encantó.

Al principio pensarías que es solo una Pizzería, pero lo que está sumamente conveniente, es que puedes ir a compartir una pizza, pero cada quien puede escoger algo adicional, pues su oferta varía desde pastas frescas y ensaladas, hasta un delicioso salmón.

El Cancino está en 8 diferentes colonias, sus ubicaciones: Plaza Cibeles, Havre, Plaza Luis Cabrera, Parque Alameda, Palacio de hierro Perisur, San Miguel Chapultepec, Polanquito y su nueva apertura en Jardines de Pedregal que está ubicado en 270 Boulevard de la luz. Tiene la misma oferta gastronómica que los Cancinos que ya conocemos, la pizza igual de rica hecha en horno de leña y su masa exquisita por la que es reconocida.

El ícono principal del nuevo Cancino Pedregal es un escultura inspirada en la víbora de Mathias Goeritz, uno de los arquitectos más reconocidos en CDMX. Sin duda, un sitio para compartir como si estuvieras en la sala de tu casa con tus mejores amigos, por eso su reconocida frase “Mi Pizza es tu casa”.

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JOYHOUSER VENDAVAL SONORO BELGA Lo de Joyhouser es la pasión por la música electrónica en su estado más puro. Su crudeza y su puesta track por track es la meca de un peregrinaje que ha recorrido un gran camino desde los clubes belgas en todos los cuales fueron elogiados, hasta la ascensión en planos estelares en festivales como Extrema Outdoor, Tomorrowland y Pukkelpop. Nada ha sido gratuito. Este dúo prometedor ya ha desarrollado una notoria reputación en toda Bélgica, sosteniendo un arsenal impresionante de ritmos contundentes acompañados por cuerdas cautivadoras y melancólicas. El techno crudo mezclado con armonías épicas son los ingredientes principales de su sonido característico.

Joyhauser es con mucho la pareja belga promesa del techno, respaldados por la mismísima Amelie Lens y el gran Adam Beyer, jefe del prestigioso Label “Drumcode” y ambos parecen tenerla claro: su tiempo ha llegado. “Nuestros inicios han sido marcados por la creación y búsqueda de nuestra propia identidad. Debe darse el tiempo suficiente para desarrollar una identidad, un sonido, una idea de algún tipo. Debes ser crítico con tus producciones, seguir refinando tu sonido y eventualmente esto condujo al éxito que estamos teniendo en este momento.

Paralelamente a nuestro trabajo en el estudio, también estábamos construyendo nuestra reputación como DJ´s en Bélgica y más allá.

Porque puedes ser un gran DJ, pero también debes de ser un gran productor si quieres abrirte paso a nivel internacional. Por último, pero no menos importante, nos convertimos en parte de un gran equipo, ya que somos parte de la familia Labyrinth, una de las organizaciones de clubes y festivales más grandes de Bélgica. Más tarde nos unimos a The Bliss Office Agency, que alberga artistas como Amelie Lens, Pan-Pot, Marcel Fengler... La combinación de todos estos factores nos hizo estar donde estamos hoy”.

La emoción aflora por el buen momento que mantiene la escena en el orbe. “Hay mucha música muy buena en estos tiempos. No es fácil elegir un solo artista, porque hay mucha música genial en este momento. Siempre tratamos de apoyar a los artistas emergentes; si la música es buena, es buena.

Punto. Por supuesto, existe nuestra red personal con nombres como

Amelie Lens, Monika Kruse, PanPot, Thomas Schumachter, Victor Ruiz, etc. Además, realmente nos gusta Adam Beyer, Enrico Sanguiliano, Pleasurekraft y Klangkuenstler. Pero también los nombres emergentes como Alex Mine, SAMA, que cubren perfectamente nuestro espectro. Mientras tenga esta cierta energía que nos gusta, el nombre en realidad no importa.

Hay un nuevo EP en la Terminal M en noviembre. Puede ser un seguimiento de su EP C166W lanzado en 2018. Constará de 4 pistas, con un estilo musical variado y lanzado nuevamente en el sello de Monika Kruse, ya que la Terminal M siempre ha sido su gran inspiración.

También está en ciernes resolver una solicitud de remezcla de la que no pueden dar detalles al respecto.

Actualmente están trabajando en un par de otras pistas para otros sellos, pero el dueto ha prometido ofrecer más noticias sobre éso.

Sus conciertos son divertidos y emocionantes. Tocan para grandes multitudes en todo el mundo disfrutando cada segundo sobre el escenario. “Recientemente tocamos en Barcelona, París y Torino ¡y el ambiente fue simplemente increíble! Para nosotros, el concierto número uno debió haber sido Pukkelpop en 2018, solo porque Pukkelpop es emocionalmente significativo para nosotros. Hemos estado visitando Pukkelpop desde que teníamos 15 años y todavía contribuye a nuestro gusto musical hasta hoy. Otro material de la lista de deseos debe haber sido el Festival Awakenings este año.

El ambiente fue increíble desde el principio hasta el final y nunca olvidaremos ese momento, realmente emotivo”.

Joyhouser llevan bastante tiempo usando Ableton Live. Comenzaron con Fruityloops (software belga para mayor información), trabajaron y experimentaron con Reason y tuvieron una pequeña inmersión en Logic. Finalmente, Ableton fue lo que les gustó por ser sencillo y muy flexible. “Recientemente compramos un Teenage Engineering OP-1.

Es perfecto para grabar bocetos e ideas mientras estamos de viaje.

Luego, volvemos a grabar el audio en Ableton y hacemos una pista con él. El Elektron Digitone también es una buena pieza de kit, ya que también es portátil y el secuenciador es algo loco. En cuanto al complemento, amamos las cosas que Arturia ha estado publicando”.

No han hecho ninguna colaboración hasta hoy, pero no ha sido por falta de ganas. “Ya sabemos lo difícil que es encontrar nuestro propio sonido y perfeccionarlo, y esa es la razón por la que somos muy exigentes para trabajar con otras personas. Puede ser más fácil para otras personas, pero nosotros mismos necesitaríamos algún tipo de conexión personal. De todos modos, tenemos que elegir ahora mismo, nos encantaría producir algunas cosas con Thomas Schumacher de Victor Ruiz, buena música y hermosas personalidades”.

Para ellos, “generar una conexión con la multitud es lo más importante. Para ser honestos, no nos gustan las cabinas de DJ “muy altas”. En nuestra opinión, el arte y la belleza de pinchar son tomar la energía de la multitud y volver a ponerla en tu set. Dicho claramente: si la multitud lo está pasando bien, también lo estás pasando bien. Transferir esa energía podría ser un trabajo más fácil cuando juegas en un entorno más pequeño e íntimo, pero lo vemos como un desafío para llevar esa misma vibra a un escenario más grande.

Asegúrate de tener un plan, tener paciencia y creer en ti mismo. Ese es nuestro consejo. Vemos muchos productores jóvenes y DJ entusiastas que están ansiosos por hacerlo como artistas como Amelie Lens.

No es así de fácil. Realmente tienes que darte mucho tiempo para desarrollarte como artista y como DJ. Desde el principio, Stijn, un perfeccionista absoluto, se mantuvo firme en que no lanzaríamos nada hasta que pensara que era lo suficientemente bueno. Así que nos tomamos nuestro tiempo, refinando pacientemente nuestras producciones, perfeccionando un estilo que era único para nosotros y retrasando el lanzamiento de nuestra música hasta que se sintió bien.

Paralelamente a nuestro trabajo en el estudio, estábamos construyendo nuestra reputación como DJ en Bélgica y más allá. Puede ser un gran DJ, pero también debe ser un gran productor si quiere abrirse paso a nivel internacional. Del mismo modo, los grandes productores no siempre son los mejores DJ, a pesar de que eso es lo que la gente espera cuando viene a verte tocar.

Cuando no puede cumplir con este tipo de momentos, puede encontrarse en un callejón sin salida”.

Destacar no ha sido fácil. “Hoy en

día es difícil destacarse del resto.

El negocio de la música no prospera solo con talento, es un negocio al final, como siempre lo fue. Las redes sociales son algo importante a tener en cuenta.

Creemos que muchos talentos no tienen las posibilidades que se merecen, siempre hay un factor de suerte. También hemos estado allí.

Solo hay que creer en ti mismo y no rendirse. La dedicación lo es todo.

Por eso cuando hablamos que Amelie Lens y Monika Kruse nos dieron ese impulso extra fuerte en nuestra carrera es algo que nunca olvidaremos. Realmente creyeron en nosotros desde el principio.

Amelie Lens fue la primera. Somos amigos desde hace años y tenemos mucho respeto por ella.

Ella es una estrella de rock y llegó a la cima en tan poco tiempo. Solo unos pocos en la historia pueden decir eso. Ella tenía un plan desde el principio. Todo encaja bien. Ella es una perfeccionista. Ella investiga sobre todos sus conciertos, por ejemplo. El promotor, el club, la ciudad. Incluso investiga sobre la historia de la ciudad en la que va a tocar y cuántas personas viven allí. ¡Loca! La conocimos cuando solo tenía 500 “me gusta” y seguimos su proyecto hasta ahora. Algunas personas ahora preguntan por qué creció tan rápido. Bueno, trabajando duro, todos los días y todas las noches y ella se lo merece por un 200%. Ella nos dió ese primer gran empujón y fue cuando comenzó a tocar nuestra pista Galaxy Phase en sus sets de DJ. Nos envió a la estratósfera. Cuando Awakenings también publicó un video sobre ella mientras reproducía la canción explotaron nuestras redes sociales”.

“No mucho después –continúan diciendo- lanzamos nuestro EP C166W en el sello discográfico Terminal M de Monika Kruse. Eso nos dió un impulso internacional aún mayor. Simplemente amamos a Monika. Ella tiene una personalidad grande y hermosa. Desde el primer momento en que la conocimos en un concierto de Bélgica (tocamos después de ella) hubo una conexión especial. Se sentía tan bien y ella amaba nuestra música. Es un verdadero honor que una leyenda como Monika creyera en nosotros.

Nos hicimos buenos amigos y hablamos casi a diario. Ella realmente nos empuja al máximo en nuestras producciones. No es casualidad que la Terminal M esté en la cima de las etiquetas tecnológicas del mundo”.

MUAN

Muan fue fundado por Sebastián Bernal, José Pablo Bernal y Enrique López en el 2017. Surge por la necesidad de encontrar la conexión entre el pasado y el presente, y es así como nace Muan para explora las raíces mexicanas.

Cada pieza combina elementos tradicionales y modernos; permitiendo al usuario experimentar la armonía y el equilibrio entre ambos. Cada pieza cuenta una historia diferente, está basado e inspirado en nuestro viaje y nuestros orígenes prehispánicos.

Muan busca descubrir interior guerrero de cada quien en el planeta que nos necesita.

Todas las compras realizadas ayudan a aportar el 10% de las ganancias a una tribu indígena; los Wixarikas, que luchan todos los días para evitar que sus tierras sean tomadas y su patrimonio olvidado.

Muan tiene el compromiso de difundir la conciencia social y ambiental.

Además de hacer conciencia, Muan busca una forma de expresar este concepto y y compartir sus raíces con el mundo y acercándose a todos por medio del diseño, arte y música. La forma en la que Muan se ha involucrado a la escena de la música y específicamente de la música electrónica es colaborando diferentes artistas que han usado sus diseños como Oliver Koletski, Lee Burridge, Louie Vega, Black Motion, Sabo, Blondish, Birds Of Mind, RYX grupo que incluso utilizó un sombrero de la marca en colaboración con Crania & Dagger para su video YA YA YA. Otra forma de colaborar en el mundo de la música ha sido en la participación de festivales en México y en el mundo como Gardens Of Babylon, Mezcal Amores, Radiobosque, Bahidorá y Soy Ser.

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KLIK & FRIK: SONIDOS ELECTRÓNICOS MÍSTICOS

Rafael Caivano y Lisandro Sona son los dos productores argentinos que le dan vida a un concepto llamado Klik & Frik, mismo que ha cobrado notoriedad en el mundo y que desde 2011 viven en México. Ambos se dieron a conocer en 2006 bajo el nombre de Frikstailers, entonces concebido como un proyecto de música de baile experimental y cumbia digital, hasta la salida de Klik & Frik, que se enfoca en explorar con los sonidos electrónicos la

mística ancestral de Sudamérica, poniendo en diálogo además a sonidos y culturas antiguas de muchas latitudes distantes del planeta. Su génesis viene del Mutek 2013 en México, donde nació el germen de una nueva música que hoy enarbolan con orgullo.

El dueto se encuentra actualmente preparando la salida de su nuevo EP en vinilo con un sello inglés (Big in Japan Records).

Además acaban de producir dos canciones para Onda Mundial, un proyecto muy interesante que está a medio camino entre un sello discográfico y un laboratorio de baile con mucha fiesta desde México. Además han hecho un remix para un mítico grupo colombiano de marimberos del pacífico llamado “Grupo Bahía” y una colaboración para un compilado de Shika Shika y Tropical Twista Records que junto con otros sellos de Brasil están recau dando dinero para apoyar a las comunidades indígenas afecta

das por los incendios en la Amazonía, además “en julio sacamos una canción para el compilado de Verano de Sol Selectas (New York), se llama Kunsamu y la grabamos en Bogotá con un músico colombiano llamado Urian Sarmiento”.

El futuro para ellos en la música es promisorio. “Aunque parezca que ya está todo hecho, seguirán apareciendo de vez en cuando artistas que nos sorprendan por su perspectiva inesperada. Lo que ha estado pasando en América del Sur en los últimos 10 años es una buena prueba de eso. Personalmente nos interesa mucho escuchar cómo se reinterpretan culturas locales con tecnologías globales y viceversa. Chancha Via Circuito, Tremor y Matanza fueron tres despertadores importantes sobre el acercamiento de mundos que antes estaban muy separados. El folklore andino y lo electrónico antes de ellos no se había integrado de manera muy orgánica”. Para ellos “es más importante pensar un poco más en la música y menos en el dinero”.

Acostumbrados a irse reinventando de forma constante, en cualquiera de sus dos conceptos (Klik & Frik y Frikstailers), siempre hay tiempo para seguir en la senda. “A alguien que está empezando le diríamos que todo proyecto debe empezar como un experimento y desde ahí se puede ir hacia donde uno quiera.

Pero es esencial perderse en el caos creativo para encontrar caminos potenciales para elegir” y encontrar con ello una identidad propia. Como la de este concepto que se emociona con el maremágnum sonoro que evocan Chancha Via Circuito, Acid Pauli, Orchestra Baobab, El Búho, M.RUX, Petrona Martinez y Mulatu Astatke.

“Este año fuimos a tocar a este festival en la costa pacífico de Costa Rica llamado Envision. Fue la primera vez que bookean nuestros dos proyectos en un mismo festival (Klik & Frik / Frikstailers). Algo mágico de ese festival es ver gente muy mayor que viene fiesteando literalmente desde Woodstock y la ves con la felicidad intacta. Hay algo mágico ahí, en ver otras formas de llegar a viejo que se contrapongan a la de casi todos nuestros abuelos, sentados frente a la tele esperando que llegue su hora.

México también es sin duda de nuestros públicos favoritos en el mundo, son súper atentos, saben disfrutar de un buen concierto y bailan mucho”.

Las experiencias en televisión suelen ser las más surreales, incluso para ellos. “Hace 9 años tocamos con nuestro otro proyecto (Frikstailers) en un programa de televisión súper masivo para adolescentes en la televisión pública de Córdoba (Argentina). Fue de las experiencias más extrañas que vivimos.

La gente nunca paraba de gritar, entonces no escuchamos prácticamente nada de lo que hacíamos, sobre todo durante la entrevista que hicimos después de tocar”.

KUSHT

EL REPASO POR LAS TIERRAS DISTANTES HIPNÓTICAS “Together” es el último campanazo que el escocés Kusht arremete contra el mundo. Su línea creativa se mantiene indemne ante los embates de la modernidad y se pone serio cuando se trata de inspiración y tracks, pues es ampliamente conocido por ser un errante de la música, inspirándose en todo el mundo para crear una fusión psicodélica-folklórica y electrónica. Todo en uno. Sus shows en vivo consisten en sus melodías eclécticas mundanas mezcladas con muestras delicadas y su guitarra muy distorsionada deja un toque de rock psicodélico. Sus ritmos juguetones y melodías hipnotizantes están listas para transportar a la gente por recuerdos familiares o terrenos distantes. “Kusht es una palabra que usamos en Escocia para describir cualquier momento, cualquier sentimiento o cualquier lugar. Es cuando algo se siente especialmente bien, así que intentaré conjurar un momento kusht para que todos lo compartamos”, amenaza. El aclamado productor rápidamente se hizo conocido en la escena y ya ha tocado en algunos de los festivales electrónicos más bellos de Europa, como Fusion, 3000Grad y Garbicz Festival por nombrar algunos.

cuanto a la producción he pasado por algunos cuando comencé con Cubase y luego con Pro Tools for University, pero felizmente me decidí por Ableton. Es un DAW tan intuitivo y puede usarse como un instrumento en sí mismo. También lo uso para mis sets en vivo y casi no he tenido problemas mientras toco.

su vida. En realidad es el escritor principal de la canción “Movin ‘Town” en mi nuevo álbum, toca todas las partes de banjo y es un verdadero banger. Entonces, aunque es una parte normal de mi vida cotidiana, todavía me sorprende, emociona y motiva, esto es lo que espero también en el oyente”.

Acaba de lanzar un nuevo álbum llamado “Together” con YNFND y esta es una clara señal de su viaje musical. Es una verdadera mezcla de la “vieja banda de rock” con ritmos electrónicos, bajos y ganchos pegadizos de blues. También es su forma de llegar y tratar de difundir los buenos pensamientos en torno a cuidar nuestro planeta y “entre nosotros. Esto puede ser bastante difícil cuando se escribe principalmente música instrumental, pero espero que cuando los oyentes lean los títulos de las pistas combinados con escuchar las canciones y puedan vincular los dos y sentir mi mensaje. Este álbum es el primero en ser editado en vinilo, por lo que está disponible en 12 “y eso es muy emocionante para mí”. La música ha estado en su vida desde su origen.

“Mi hermana Holly y yo (Buddy) llevamos el nombre del fallecido Buddy Holly, ya que mi padre también es un músico entusiasta y ha tocado la guitarra en bandas durante la mayor parte de

“Battles” es esta banda loca de Nueva York que crea estas pistas instrumentales salvajes. No es realmente para el club, pero la pista extraña aquí y allá tiene algunos surcos serios.

Recomiendo escuchar el álbum “Mirrored” de ellos” dice. Kusht hace una confesión afuera con una cabina de monitor plano, mucho espacio de cabina y un excelente sistema de sonido. “Me encanta tocar en festivales ya que es una atmósfera tan especial, todos están en diferentes niveles mentales y físicos, pero se unen y crean las mejores vibraciones. Realmente no tengo idea de cómo será la música ene l futuro y es imposible de predecir, pero espero con ansias el próximo género loco como Dubstep o Mumble Rap”.

“Soy un Acuario al que le gustan los largos paseos por la playa, así que por favor recoja su basura y recicle”.

Su vida “ha sido un camino largo y sinuoso. Comencé temprano en el campo escocés a la edad de 14 años. Estaba grabando y produciendo mi propio trabajo y también para la banda de un amigo en el estudio de grabación construido en casa de mi padre. Luego me mudé a Glasgow para estudiar Ingeniería de Audio a los 18 años y rápidamente me involucré profundamente con la fantástica escena musical local, tocando en varias bandas y mezclando espectáculos. Más tarde me fui a viajar a los 23 años ¡pero todavía tengo que encontrar el camino de regreso, incluso después de 7 años! Fue durante estos años de viaje que descubrí la música electrónica en Noruega mientras vivía en Oslo. Me enamoré de la escena debido a lo libre que era experimentar, creando nuevos estilos y géneros. Debido a esta libertad creativa nació “Down Tempo” y al instante quise ser parte de este nuevo movimiento. Quizás sea un poco vago llamarlo así, pero el núcleo de la música es que es más lento, por lo que muchos estilos pueden unirse creando música vibrante que puede llevar los ritmos desde el Sahara africano hasta las estribaciones del Perú. Intento reunir muchos géneros y culturas respectivamente en mi música y llevarlas a casa con un corazón rocoso pero electrónico”.

Le sorprende la vanguardia, pero también lo establecido. “Para decir que artistas prefiero pedriles que echen un vistazo a todos los artistas de la etiqueta YNFND (You Need Friends Not Diskos). Es una etiqueta indie de Rostock en Alemania y esos muchachos tienen un buen gusto, peor muy loco. Son un poco más selectivos y van con calidad, no cantidad, por lo que tienen un buen catálogo con la mayoría de los artistas lanzados en vinilo limitado y siempre está en el formato de más alta calidad. En

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T e x t o

F o t o s

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n ye g e n ye g e

Una vez al año, en lo profundo del bosque de Uganda a lo largo de las orillas del río Nilo, se encuentra un universo de música electrónica. Durante cuatro días, 300 artistas de más de 30 países, desde compañías de danza locales tradicionales hasta selectores emergentes de África Oriental y talentos internacionales como Josey Rebelle, Shyboi y Juan Atkins descienden al Festival Nyege Nyege, ofreciendo percusión psicodélica y conjuntos hipnóticos al sudor. Multitudes empapadas

sacuden, vibran y bailan sus cuerpos en una nueva

dimensión. Desde la lluvia casi catastrófica de su primera entrega en 2015, el equipo detrás de Nyege Nyege ha enfrentado y superado desafíos en una escala que muchos festivales en otros lugares no podrían imaginar.

Aquí hay personas que ayudan a convertir a Nyege Nyege de un sueño a una realidad anual.

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Al crecer con una abuela africana, Derek (cofundador, con Arlen Dilsizian) sintió una fuerte relación con el país desde el primer día. Habiéndose mudado de Bélgica a Costa de Marfil con planes de comenzar su propia compañía cinematográfica con un compañero marfileño, pronto se aburrió de una industria estancada. Dando el salto al zumbido de Kampala, se encontró bajando la cámara para organizar fiestas e hizo amigos de ideas afines en la escena underground.

Naturalmente, sus ambiciones crecieron: “Estaba organizando más y más eventos y trabajando con más y más artistas. Arlen y yo necesitábamos una plataforma para llevar a esas personas a audiencias más amplias y, por casualidad, un montón de actos internacionales iban a estar en Kampala al mismo tiempo.

Lanzar un festival parecía ser el siguiente paso”. El primer Nyege Nyege fue un nacimiento traumático, por decir lo menos”, dice Derek. “No había patrocinadores, ¡ni siquiera había seguridad! Hicimos un trato con el ejército de

que “vigilarían”, así que básicamente era solo un delirio en el bosque”. Planificado en poco más de un mes en la temporada más lluviosa de Uganda, llovió como el infierno. Derek y Arlen repartieron boletos y se agregaron a la alineación de más de 50 para hacer que Nyege Nyege sea un éxito... y se comió sus ahorros de toda la vida. Desde entonces, Derek ha pagado miles a policías y oportunistas que se mecen anualmente en las puertas de Nyege Nyege. “¡Todo el mundo está dispuesto a apresurarte y el problema es que todos piensan que estamos haciendo un montón de dinero!” Todavía tenemos que obtener una ganancia”.

Dejando de lado el saldo bancario, el futuro de Nyege Nyege parece brillante.

Treinta a cuarenta bookers internacionales estarán en el evento de este año para explorar el este de África. Además de sus compromisos como organizador, director artístico y director de sello, Derek actúa como embajador de artistas africanos que ahora realizan giras por todo el mundo, con más de 150 reservas en los últimos años, incluidos Unsound, Sónar, CTM y muchos más.

Darlyne ha sido un miembro central del colectivo Nyege Nyege desde su inicio, desde las primeras fiestas de Derek y Arlen en el famoso bar de buceo Kampala Hollywood hasta la decisión de organizar un festival con seis semanas de preparación. “El primer Nyege Nyege fue salvaje. Fue una carrera loca. ¿Cosas como baños? ¿Seguridad? ¿Luces? ¿Hacer que la gente incluso venga a la fiesta?

No sabíamos lo que estábamos haciendo. Era solo sudor, esperanza y amor por la música. Se derramó. Todos se deslizaban cuesta abajo, las tiendas estaban empapadas. Tuvimos que cubrir el equipo con lonas, pero incluso en esa locura, la gente estaba tan metida en eso y siguió bailando”. Una artista multimedia, Darlyne dejó de dar charlas de TED sobre su instalación itinerante ‘Salooni’, que defiende la historia del cabello negro (también con Kampire), para conseguir un trabajo como fotógrafo de DJ´s. El año pasado, unirme a Kampire en la gira abrió otra dimensión creativa: “Ya estaba gastando mucho escuchando música

en YouTube, así que llevé mi computadora portátil al club, la enchufé y le di una oportunidad. ¡Mis transiciones fueron terribles, pero afortunadamente me siento bendecida por estar rodeada de jodidas personas talentosas!” Ser DJ en Nyege Nyege tiene algunas complejidades. Si bien las cosas han progresado de tener solo dos CDJ en todo el país, Darlyne dice que todavía ha sido testigo de las manos en el escenario ejecutando cubiertas de vinilo entre artistas y elaborados esquemas para transportar un sistema Funktion-One desde Kenia. Sin embargo, ella parece estar en su elemento. “Tengo mucha música en mi cabeza que quiero sacar. También comencé a producir mi propia música, bajo el nombre de Cardi Monáe, así que estoy emocionado por eso. Los ugandeses son grandes bailarines: nuestra identidad nacional es beber y bailar. Entonces, mientras la música nos haga bailar, no estamos enojados con eso. Si el ritmo es bueno, la gente está interesada y van a darle una oportunidad “.

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Criado en Gambia con una dieta de ritmos y jazz del este de África y luego educado en el centro de América blanca, no es sorprendente que el DJ de Uganda comenzó a cavar cajas para escuchar música que sonaba como en casa. “Estaba nostálgico, y artistas como Buraka Som Sistema y Batida estaban mezclando los sonidos africanos más antiguos que amaba mientras los hacía accesibles en la pista de baile”. Regresando a Kampala, Kampire llegó a las fiestas que el jefe de Nyege Nyege, Derek, estaba haciendo y pronto le preguntó sobre dar un paso atrás. Las cubiertas. Aunque trabajó en el primer festival manejando comunicaciones, cuando finalmente decidió hacer su debut como DJ, sería un set que valía la pena esperar: “¡Estaba súper nerviosa porque los artistas antes

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habían tocado tantas canciones que pensé que tocaría! Pero la gente respondió muy bien. Incluso hubo un canto largo que estalló al final... ¡casi lloro! Fue un momento realmente hermoso, hermoso. Todavía llevo la energía de ese concierto conmigo. ” A medida que avanzan, Kampire ha sido meteórica. En el último año, hizo su debut en Estados Unidos en el Red Bull Music Festival en Nueva York.

Después de un verano repleto de conciertos europeos, está entusiasmada por regresar al lugar donde todo comenzó. “Nyege Nyege es como la Navidad para mí, solo quiero disfrutar el momento. Cada vez que pincho mejoro, así que definitivamente todavía me rasca esa picazón”.

Donzilla Lion opera en un nivel superior. Cuando se le presiona para resumir su sonido antes de su set de DJ en Nyege Nyege explica: “Toco música africana experimental que hace que la gente vibre y salga de sus cuerpos”, y si alguien debería saber acerca de un viaje a lugares de otro mundo, es Zilla . No solo es un DJ, sino que es responsable de las más de 50 compañías que actuarán en el escenario tradicional, bandas que buscó y descubrió durante más de un año. “Me muevo mucho y cavo profundo. Es importante que encontremos lo mejor, así que viajaré desde Kampala a las aldeas (a veces más de 7 horas) para conocer gente que sé que no se parece a nada más ”. Zilla se convirtió en un miembro central de Nyege Nyege como músico en una banda dirigida por Derek, pero dice que su pasión por las ricas raíces de África es lo que lo mantiene a bordo. “Nyege Nyege me ha puesto en posición de ser activista de mi cultura. Me di cuenta de que mi gente en Kampala se está perdiendo. Son africanos, pero la mayoría

de ellos nunca ha visto ni escuchado música tradicional. Cuando tocan estas compañías, les recuerda a las personas quiénes son. Les recuerda sobre la música que tocaron sus antepasados y que todavía existe. “Entre la alineación de 2019 están Fonkodelics Arkestra, un grupo de percusionistas que tocan el único tambor de tres cabezas en Uganda, Fulu Muziki, tocando con basura reutilizada y la Nakibembe Xylophone Troupe, que realizará un ataque polirrítmico en un enorme xilófono indígena que construirán en el sitio utilizando materiales locales y cavarán un agujero para amplificar el sonido. “En esta escena tradicional, no hay competencia. Algunos tocan estos instrumentos porque los heredaron de sus antepasados, y cuando mueran, sus hijos los tocarán. Cada tribu tiene su propio sonido y forma de representar su cultura. Trae su propio poder y energía.

Para mí, me he enamorado de todos ellos”.

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DETLEF

EN SUS PROPIAS PALABRAS… La descripción de un artista El camino hasta donde he llegado ha sido un proceso largo, pero ha sido bueno para mí pasar por las diferentes etapas. A temprana edad comencé a tocar el bajo en una banda y luego descubrí el mundo de la música electrónica, lo cual me fascinó mucho.

Me di cuenta de las infinitas posibilidades de hacer tu propia música y poder hacer una canción completa desde cero.

Pasé muchos años tratando de encontrar el sonido que me emociona y eventualmente me representa. Tienes que trabajar duro antes de llegar al punto donde tu música es realmente tu estilo y gusto.

Por ejemplo, hay tantos artistas que me han inspirado a lo largo de los años. A partir del pasado y de cara al presente, podría decir que Danny Tenaglia es uno de ellos, con su sonido único para esa época, otros son Thomas Bangalter y Superfunk y muchos otros de la escena de la casa francesa en 2005. Más tarde, me enamoré del sonido de Hot Creations. Jamie Jones y Lee estaban haciendo algo nuevo y diferente en ese momento y todavía lo son ahora.

La energía es especial...

Hay tantos lugares excelentes con vibraciones completamente diferentes, por lo que es bastante difícil preguntar cuál sea el mejor.

Realmente me encanta tocar en La Tribu en Perú, la energía en ésa sala es especial. Ellos siempre tienen grandes fiestas allí.

También diría que el Festival CRSSD es otro, igual que The Warehouse Project en

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Manchester. Hay muchos lugares increíbles en todo el mundo.

Quería comenzar un label durante años, pero nunca lo logré. Yo quería hacer algo importante, algo que la gente seguirá y prestaría atención. No quise lanzar música por el bien de ella.

En este momento, me estoy centrando en mi sello y estoy muy emocionado de lanzarlo, no puedo esperar para sacar temas inéditos que he estado tocando y nadie lo ha hecho. Mi visión no es centrarme en los productores superestrella, sino únicamente en la música increíble.

Mucho estudio...

He usado casi todos los programas que han salido y eventualmente terminé usando Ableton, la configuración del programa brinda flexibilidad para crear una idea en minutos. Tu puedes experimentar con sonidos y efectos de una manera que ningún otro software ofrece, por eso sé cuando el track ha sido producido en Ableton, no solo por cómo suena, sino por el arreglo también, eso demuestra cuán bueno es este programa.

Uso mucho el Laboratorio Analógico Arturia, tiene miles de sonidos de sintetizador con un sonido increíble, desborda calidad en un solo lugar. Puedo encontrar casi todo lo que busco y es bastante fácil porque está segmentado por sintetizadores, bajos o FX. Recientemente comencé a trabajar en el estudio nuevamente. Entrar y encontrar un surco que tocará tu alma es la forma correcta de hacerlo. Para mí comienza por que he estado lanzando cientos de ideas y

eventualmente lanzaré tal vez cinco o seis canciones como máximo en un año.

He estado trabajando en algunas ideas con alguien con quien ya he colaborado, pero no puedo realmente anunciar algo, ya que estas son solo ideas y generalmente no revelo ningún detalle hasta que se firme el track.

El arte es importante…

Para mí el arte es una forma de expresión y es importante para nuestras vidas y nuestra cultura.

Para poder expresar tus sentimientos y pensamientos ante el público son geniales, pero cuando la gente abraza y ama lo que lo que haces es lo mejor. El arte es lo más importante que las personas ofrecen a otras generaciones ahora. Sin arte, no habría ninguna civilización. La música es mi vida. Vivimos por la música, hablamos por la música y soñamos con la música.

Puedehacerte feliz o puede hacerte triste. No hay nada más fuerte en este mundo que la música.

La música une y define pueblos y culturas. La gente mexicana por ejemplo es simplemente genial.

Están muy bien educados y saben lo que hay de nuevo y lo que se está tocando en todo el mundo. México tiene una de las escenas más fuertes del mundo.

Hay música no electrónica que me encanta. Por ejemplo “Enciende mi fuego” de The Doors. Es uno de mis favoritos de todos los tiempos. El ritmo es asombroso y Ray Manzarek es un genio.

FotografĂ­a: CM Robinson

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FotografĂ­a: CM Robinson

Hay muchas cosas que me inspiran a hacer lo que hago.

Encontrar música nueva, viajar por el mundo, conocer gente, ocupar el día creando o actuando para las personas. Aunque puede ser agotador, ser un DJ es el mejor trabajo en el mundo.

La música a la hora de mezclar...

Me encanta cuando una cabina está llena de gente. Una cabina circular en medio de la multitud me parece ideal. Hot Creations es mi familia. Me uní al sello hace unos años y desde entonces mi carrera fué en otra dirección. No se trata solo de la calidad música, sino también de la calidad de personas en el equipo.

Realmente saben lo que están haciendo y su gusto por la música es excelente. Es uno de los mejores sellos del mundo.

No engañar a tu audiencia es importante. Tiendo a no usar referencias para mis propias producciones, ya que estoy tratando de crear mi propio sonido. y también siento que es como engañar a la audiencia.

Me inspiran muchos productores que no son grandes nombres, pero no quiero usar referencias, sentiría que no soy auténtico y que estoy engañando a mis 30

Fotografía: CM Robinson

La música evoluciona pero siempre mira hacia atrás. Hemos visto discotecas yendo y viniendo, así como electro. Los géneros se mezclan y luego tenemos algo nuevo. La música da vueltas pero se moderniza. Por supuesto, nunca se sabe cómo evolucionará, ya que hay tantos productores talentosos y eventualmente alguien hará algo nuevo que creará una nueva ola.

Algo memorable en mi vida sin duda es el track “Sueños” de Quenches. Es un disco rave de la vieja escuela del que estaba tan emocionado, fué el momento en que me dí cuenta que este delirio era lo mío. Nunca cambié mi estilo desde entonces y siempre ha estado en la música electrónica. seguidores.

Steve Lawler fue la primera persona en descubrirme. Me dio una residencia en sus fiestas y lanzó mucha de mi música en su sello. Jamie Jones y Lee Foss siempre han creído en mí y me llevó a su label. También soy residente en las fiestas de Jamie’s Paradise. Estas personas son realmente importantes para mí. Ellos creyeron en mí, así que

hice lo mejor que pude para demostrarme que el trabajo duro es la clave.

La gente siempre me pregunta cómo hacerlo. Si hubiera una fórmula, entonces todos lo harían.

El trabajo duro es la clave y no perderse en las redes sociales. La carrera constante y larga se hace con la música que creas y no con tus publicaciones de Instagram.

La guía definitiva para configurar tu controlador MIDI en Ableton Live Por Joaquín Jiménez-Sauma

Mapeos Manuales Además de la sección de mapeos automáticos, la ventana MIDI en el menú preferencias te permite ver los controladores que Ableton Live ha detectado conectados a la computadora. Si tu controlador no aparece en la lista debajo de MIDI Ports, lo más probable es que no esté conectado, o aún debas instalar el driver para que la computadora lo pueda reconocer.

Hay maneras más fáciles de crear y tocar música que con el ratón y teclado. Es por eso que los controladores MIDI llegan al rescate en esos momentos en los que una interfaz intuitiva resulta de mejor ayuda. Pero: ¿Quién nos ayuda cuando conectamos nuestro controlador al puerto USB y no funciona? Puede parecer obvio, pero es básico entender en qué consiste conectar y configurar un controlador a la computadora para usarlo con Ableton Live. En esta guía te mostraré todo lo que debes saber para conectar tu controlador favorito.

Primero debemos considerar que hay dos tipos de controladores, los que son hechos para Ableton Live, y los genéricos, que también pueden usarse. ¿Cómo distinguimos uno de otro? Bueno, los primeros hablan y entienden el mismo lenguaje, y los segundos... hay que enseñarles un poco.

La comunicación entre ambos dispositivos, el controlador y la computadora, consiste de mensajes en donde uno le dice al otro que está pasando de su lado. Por ejemplo, si presionas un botón o tecla en tu controlador, la señal que viaja de éste a la computadora es algo así como: “estoy presionando el botón #37”. En un controlador hecho para Ableton Live, el programa sabe qué hacer al saber que estás presionando el botón #37, y en los genéricos no, pero podemos enseñarles.

Mapeos automáticos Si usarás un controlador hecho para Ableton Live, como el Push, Launchpad o Apc40 MKII, lo más probable es que no tengas que hacer nada más que conectarlo y encenderlo. Si esto no funciona, seguramente debes instalar el driver o revisar si el cable está conectado. En el menú de preferencias, dentro de la pestaña MIDI puedes comprobar la comunicación entre Ableton Live y tu controlador, si todo está bien configurado se verá así (ejemplo para Push 2):

Nota que cada controlador aparece dos veces, una con el prefijo Input y otra con el prefijo Output. Nosotros usaremos únicamente la sección Input, ya que estamos configurando la entrada de señales desde el controlador hacia Ableton Live, por lo que podemos ignorar la segunda mitad de las configuraciones en la imagen anterior. Si por ejemplo queremos configurar un MPK Mini, solamente debemos fijarnos en el segundo renglón. En este renglón tenemos tres opciones Track, Sync y Remote. Es importante empezar con todos estos botones en modo “Off” para hacer las configuraciones correctamente, y solamente ponerlas en “On” si las necesitamos. Para esto es necesario una breve explicación de qué significa cada una:

Track : activa la recepción de notas musicales o CCs de MIDI. Activa esta opción para tu controlador si este controlador tiene teclas y piensas usarlo para tocar un instrumento nativo o VST.

Sync : permite que Ableton Live reciba o envíe señales a algún dispositi-

vo con sincronía desde o hacia el programa. Como en este ejemplo vamos a configurar un controlador MIDI, es mejor mantenerlo apagado.

Remote : esta opción permite que tu controlador se mapee a perillas o botones de la pantalla, por ejemplo puedes usar las teclas de tu controlador para encender, apagar efectos o girar perillas, pero por medio de remote no puedes enviar notas musicales a un instrumento.

En la imagen del ejemplo también hemos configurado el Push 2 en modo de usuario, aunque con esto perdemos las capacidades de mapeos automáticos, podemos asignarle nuevas funciones. Todo depende de lo que hayas planeado hacer con tu controlador.

Si todo esto no funciona, te sugiero hacer una revisión un poco obvia, pero rápida que te puede ayudar a encontrar errores fácilmente.

1. Intenta usar otro cable USB 2. Asegúrate de haber instalado el driver del controlador que intentas usar Esta es la sección donde puedes ver el estado de los controladores hechos para Ableton Live, es posible usar hasta seis al mismo tiempo.

Por lo general, en esta sección no hay que cambiar los ajustes, es sólo informativa.

3. Si tu controlador usa corriente eléctrica asegúrate que esté conectado 4. Si tu controlador tiene varias configuraciones (por ejemplo, tiene presets para varios programas, ponlo en el modo para Ableton Live) @jjsauma

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e s c e n a

THE RUSIA HOUSE El festival GAMMA de San Petersburgo muestra la historia de la escena del país junto a artistas experimentales y estrellas internacionales, en un lugar donde la música de baile todavía a menudo se malinterpreta Texto de Maria Ustimenko Fotos Oleg Tskhai, Denis Denisov, Nikita Grushevsky Los dos pisos en esta antigua fábrica de cerveza en las afueras de San Petersburgo tiene la meta de “acelerar”, un término local para la imparable y poderosa energía del delirio.

Cientos de apostadores incansables se al placer cuando el amanecer del domingo atraviesa los grandes ventanales del piso superior, atraviesan los enormes agujeros intermedios (a la izquierda de los ocupantes anteriores del edificio) y aterrizan en la multitud de abajo.

El ambiente es de conexión: una metáfora perfecta para el deseo del festival GAMMA de cerrar la brecha entre las escenas de música electrónica rusa e internacional.

Ivan Logos y Vyacheslav Kostyakhin, los fundadores de m_division, el equipo detrás del festival, han estado organizando eventos musicales más pequeños en lugares inusuales durante los últimos 10 años. Desde 2018, la historiadora del arte y teórica de los medios de comunicación Natalia Fuchs ha comisariado la conferencia GAMMA_PRO sobre arte y tecnología, enriqueciendo el programa con oportunidades de desarrollo profesional. Este año, la cuarta edición del festival ha reunido a unas 10.000 personas y el apoyo de embajadas e instituciones extranjeras, así como el Ministerio de Asuntos Internacionales de Rusia ha sido fundamental.

Pero incluso con tales socios, y el patrocinio de una plataforma rusa de redes sociales, así como Red Bull y Jägermeister, es difícil organizar un evento como este en un país con una frágil escena de música electrónica.

Como explica Ivan Logos, la falta de medios de música en idioma ruso significa que a menudo tienen que explicar al público local quiénes son muchos de los artistas en la formación, incluso aquellos actos que son bien conocidos a nivel mundial. Pero tener un conocimiento preexistente limitado también se ve como una ventaja, dice, ya que crea un campo de juego nivelado para los artistas en un nuevo mercado. “Esencialmente, no nos importa si presentamos a los asistentes al festival a una sorprendente pinchadora de 20 años o un artista famoso con un equipo de relaciones públicas”.

El programa del festival muestra muchos géneros de música electrónica, desde techno hasta ambient y barroco con voces generadas por IA. Este último es el resultado del proyecto GAMMA_LAB AI, que reunió a artistas y científicos internacionales para crear actuaciones completamente nuevas utilizando la tecnología. Peter Kirn, artista con sede en Berlín, fundador de la revista en línea MDL y uno de los facilitadores de la iniciativa siente que “abrieron una lata de gusanos “, a pesar de que los límites de tiempo y la complejidad de la herramienta solo permitieron probar el potencial. El resto de la programación no es sin embargo, como la visión de futuro, y la alineación presenta muchas menos mujeres que los hombres, especialmente entre los cabezas de cartel que, extraoficialmente, son Surgeon, Oscar Mulero, Dax J, Samuel Kerridge, Varg, I Hate Models y Violet, esta última la única mujer en la lista. KMRU, un artista ambiental de Kenia es el único artista no blanco facturado. Esto también refleja la multitud, que es principalmente eslava y heterosexual, aunque es una mezcla agradable en cuanto a la edad.

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f e s t i v a l

Abarcando tanto a los niños rave de moda como a los de la generación anterior de asistentes a la fiesta, el evento no es particularmente representativo de una noche de club regular en la ciudad, pero conecta la escena de hoy con sus raíces de hace 30 años. Los sets de techno de DJ Slon y Lena Popova, residente de m_division son emblemáticos de la década en que la música electrónica llegó a la disolución de la Unión Soviética.

El delirio ruso está en casa en San Petersburgo, donde los artistas se sentaron en cuclillas en pisos vacíos a fines de los 80 y principios de los 90. Usaron el espacio para estudios durante el día y para fiestas por la noche. El legado de casarse con el arte visual y la música electrónica aún vive en la escena local y otros promotores van más allá del audiovisual, utilizando sus ubicaciones como galerías. De hecho, Gamma posiciona las esculturas, las instalaciones y el videoarte como partes iguales del evento principal y “algunas personas ni siquiera bailan, caminan por la fábrica toda la noche”, dice Logos.

El concierto de apertura de GAMMA tiene lugar en el nuevo Planetario 1. Una cúpula de 37 metros de diámetro, que es la más grande del mundo y está equipada con un sistema de 40 proyectores. Lamentablemente, la premisa emocionante resulta ser decepcionante, ya que el tamaño del lienzo digital permanece, en su mayor parte, no aprovechado al máximo. Los problemas técnicos que surgen continuamente, son particularmente discordantes durante la actuación electroacústica meditativa del artista japonés Kazuya Nagaya, que usa campanas tradicionales y cuencos.

Algunos de los actos más memorables aquí son representantes de la escena musical experimental rusa. En la etapa AV, :: vtol :: con sede en Moscú dispara un ruidoso set en vivo y genera imágenes en tiempo real con una cámara ubicada en su cabeza. Toma fotos de su rostro iluminado por una pequeña luz estroboscópica tan brillante e intensa que tememos por su visión. Como parte del escaparate SHAPE, la artista italiana Michela Pelusio aporta un concepto similar al festival con su actuación analógica “SpaceTime Helix”. Una luz estroboscópica crea una ilusión óptica de los patrones complejos formados por una cuerda giratoria mientras un pánel solar transforma los parpadeos en los ritmos techno mínimos en una habitación oscura.

La sociedad rusa en su conjunto no tiene una gran comprensión de la escena de la música electrónica y los notorios problemas con las fuerzas del orden han provocado el cierre de más de una iniciativa cultural similar. Varias personas informan en las redes sociales que durante la fiesta posterior a GAMMA, la policía estaba explorando fuera del lugar, buscando personas y sus automóviles. El festival reconoce el problema y Ella Overkleeft sugiere una posible solución en la conferencia, presentando la Fundación Night Mayor, un organismo electoral imparcial en Amsterdam que representa los intereses de la vida nocturna ante las autoridades.

Sin embargo, los factores sociales y económicos no son los más limitados para los promotores locales. Como reflejo del salario promedio en el país, las entradas de último lanzamiento para el evento principal cuestan 30 libras. Mantener los precios bajos es crucial para fomentar la cultura del festival en Rusia, ya que la gente local generalmente no tiende a viajar y las marcas locales tampoco compiten para patrocinar eventos. Aún así, el festival ofrece una línea internacional expansiva e impresionantes valores de producción, así como una plataforma para que los jóvenes creativos conozcan a sus colegas internacionales. Desde una sesión profesional de “citas rápidas” hasta una mezcla informal, GAMMA ofrece muchas oportunidades para intercambiar ideas para artistas, académicos y otras personas que trabajan en la industria relativamente pequeña de Rusia. “Todavía hay un cierto vacío”, dice Logos sobre la escena aquí, “y es hora de deshacerse de ella”.

t i e m p o + l u g a r 13/09/19

Kraftwerk toca en UshuaĂŻa Ibiza es parte de la serie de aniversario Cocoon20

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CINCO DE LAS MEJORES ...

TABLAS DE ONDAS ( W A V E T A B L E S S Y N T H S)

Surfea por las novedades de las tablas de ondas (wavetables synths) con estos instrumentos asesinos: 1.- Waldorf Quantum Un favorito de Aphex Twin y el gurú del sintetizador Richard Devine, el Waldorf de Alemania es continuador del legado de la clásica “ola de PPG de los años ochenta”. Su serie ha aportado diversos cambios a lo largo de los años. Esta es su insignia, su sintetizador monstruo, un híbrido profundo y capaz. www.waldorfmusic.com 2. Qu-Bit Scanned Organic Wavetable VCO Module Scanned utiliza una nueva técnica para animar síntesis wavetables creadas en tiempo real. El método fue concebido por el padre de la música por computadora Max Mathews y hasta ahora, nunca se ha implementado utilizando hardware. www.qubitelectronix.com 3. Modal Electronics Argon8 Ya elogiado por los vloggers por tener el máximo rendimiento de un sintetizador de nivel medio, el Argon 8 es una gran opción para aquellos que quieren tomarse en serio la síntesis wavetables pero no pueden extenderse a un Quantum. Toma señales del costoso Modal 002 de la compañía. modalelectronics.com 4. Ableton Wavetable Hay muchas opciones de software: Massive X de NI y Pigments de Arturia fueron noticia este año. Pero no desembolses nada hasta que hayas probado la opción de tu DAW. Live´s Wavetable es nuestro sintetizador de tabla de ondas de puerta de enlace favorito, con una GUI fija y procesos intuitivos rápidos. (with Live Suite) 5. UDO “Super 62 El híbrido de Udo Super 6W fue una de las estrellas de la conferencia Super Stand de este año. La primera máquina del fundador y diseñador británico George Hearn bajo sus nuevas características de la marca VDO y el oscilador principal Super-Wavetable 7-xore con descarga en forma de onda, contiene otras características innovadoras. kmraudio.com

Joris Voorn sobre la realización de la pista de ritmo vocal inspirado en el track “Messiah” ¿Qué inspiró la pista?

Al igual que mis álbumes anteriores, mi nuevo álbum ´ \\\\ ´ (cuatro) es una colección de canciones en las que he trabajado durante los últimos años. Empecé a hacer ‘Messiah’ en mi computadora portátil hace un par de años, mientras viajaba en el automóvil en Londres entre conciertos. Inicialmente era una pista tecno ácido muy oscura llamada ‘Acid August’, y era una colección de sonido casi retro que permaneció en mi computadora portátil durante dos años antes de ser considerada para mi álbum, está influenciada por mediados de los noventa. El momento más inspirador para escuchar música electrónica de baile. A principios de los años 90, parecía que los productores usaban su equipo de una manera bastante básica, pero alrededor de ´94 / ´95 el mismo artista dominó sus instrumentos y estudios para crear obras maestras que aún suenan inspiradoras 25 años después. ¿Cómo lo construiste?

La introducción dura aproximadamente dos minutos y usa mucha tensión entre los diferentes elementos. Siguen los ritmos y luego la voz entra en acción.

Después de un descanso de dos años, volví a uno de mis sintetizadores más antiguos, mi Juno-106, y comencé a trabajar con él nuevamente. Agregué acordes completamente nuevos, lo que realmente cambió la historia de la canción. Los acordes resonaron como un rave comercial de los 90, que creo que funciona muy bien con los otros elementos y las voces.

El bombo desapareció lenta pero seguramente y agregué algunos otros elementos como samplers para las bibliotecas de drum ‘n’ bass y algunos breakbeats. Entonces tuve una estética de referencia y retro sonora de los 90.

El principal instrumento utilizado para hacer ‘Messiah’ fue mi Roland MC-202 que usé para hacer el arpegio. Terminó sonando muy cinematográfico y se convirtió en la introducción de la pista. Agregué un arpegio de sintetizador de mi sintetizador Roland SH-101 y quería agregar una voz, así que le pedimos a la banda británica _HAELOS que enviara ideas. La voz de Lottie funcionó muy bien en la pista, y lo que hizo con ella fue muy inspirador. ´Messiah´ feat HAELOS será lanzado el 15 de Noviembre via Spectrum.

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Estudio de Joris Voorn

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invitados e s p e c i a le s

1. GLASTONBURY 50 Michael y Emily Eavis cuentan la historia de medio siglo del mejor festival del mundo en este tomo de mesa de café. waterstones.com

2. G-SHOCK X GORILLAZ CAMO Este nuevo reloj de G-Shock rinde homenaje al álbum debut de la banda de dibujos animados del año 2000. g-shock.com.uk

3. MIKAKUS BOOM BY PACO OSUNA RULES El DJ español se ha asociado con Mikakus para su propia versión de su icónica zapatilla Boom. Todavía no lo llaman el Kanye del techno, pero seguramente es solo cuestión de tiempo. mikakus.com

4. THE SECRET DJ TOTE BAG Esas bolsas vienen gratis con las camisetas Secret DJ de edición muy limitada de We Are 1 de 100. weare1of100.co.uk

5. VERPRESS 50/50 TEES Para recaudar dinero para la campaña Justice4Grenfell, Ever press se ha asociado con un grupo de artistas y colectivos para crear una gama de camisetas de edición limitada. Nuestra elección es este número de Steven Julien, también conocido como Fnking Even. everpress.com

6. STROOPWAFEL El snack que te llevará a través de ADE. Confía en nosotros. sainsburys.co.uk

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MUTEK México Edición 16 - Comunicado Rueda de Prensa Octubre, 2019 - Conoce la Tercera Ola de Artistas Confirmados: Seleccionados de la Convocatoria Nacional + Talento Mexicano.

- Nuevos highlights para la Edición 16: se suma la instalación Condensor de Brian Eno y adidas Originals presentando Nocturne 1 y Aether, instalación especial de Max Cooper & Architecture Social Club - Más colaboraciones con Noiselab y WHITEVoid para SKALAR de Christopher Bauder & Kangding Ray y recorridos especiales por la exposición James Turrell: Pasajes de luz en el Museo Jumex.

- La experiencia MUTEK MX completa: Ruta Gastronómica, acciones de sostenibilidad y más.

una de las capitales creativas más emocionantes a nivel global; con un circuito de actividades enfocadas en resaltar la vanguardia, la experimentación y los nuevos modelos de arte digital que la ciudad atrae y detona. Tras 16 años de trabajo constante, MUTEK MX se enorgullece en ser parte de este circuito, además de conectar y colaborar con otras instancias para ofrecer al público una de las semanas más intensas y estimulantes dedicadas al arte y sonido digital de todo el año.

Presentamos la alineación artística y las colaboraciones que complementan la programación de este año, la cual incluye a los artistas seleccionados de la Convocatoria Nacional lanzada en mayo. Esta acción, inédita en los festivales de México, nos mostró una visión detallada y panorámica de la actualidad en el sonido y arte digital del país. Con más de 250 aplicaciones recibidas, nos llenamos de energía y emoción, y confirmamos que habitamos uno de los territorios con mayor vanguardia a nivel global.

Highlights para la Edición 16:

Proyectos seleccionados que forman parte de la Tercera Ola de Artistas:

A partir de este noviembre, la Ciudad de México se confirma como

Concepción Huerta performance

A-way from fiction - Impvlso Naerlot & Ultrachina como UnityJerry ZZZ - Le Fantom Onde Markalach - NRMN - Rodrigo Martínez & Guillermo Olivera Live A/V Glitch Art - SANSSOLEIL The Sinking - Virgilio performance Inframundis - VOID - CNDSD + Iván Abreu - KOI - Un rêve - Wasted Fates.

Nos emocionan las siguientes colaboraciones: Cada año, instituciones culturales, académicas y diplomáticas se suman a los esfuerzos de la gestión en el festival para ofrecer al público una programación diversa en artistas, locaciones y modelos de experiencia. Para la Edición 16, nos emociona presentar alianzas que enriquecen la programación de este año y extienden el circuito de actividades de nuestros asistentes durante la semana del festival: Brian Eno presenta Condensor @ Nocturne 1 y 2 En colaboración con FF projects. ‘Condensor’ es una pieza inmersiva que empuja los límites de la experiencia contemplativa: una “pintura” capaz de crear combinaciones infinitas de colores entretejidas por una pieza de audio compuesta como música generativa. Un concepto desarrollado por

Brian Eno y que presentamos en colaboración con FF projects, una galería de arte contemporáneo con espacios en Nuevo León y Ciudad de México. Susproyectos incluyen piezas y exhibiciones de artistas conceptuales de talla internacional. adidas Originals presentan Nocturne 1 y Aether, una instalación especial de Max Cooper & Architecture Social Club Aether es una instalación inmersiva que funciona como un instrumento emocional narrador de historias a través de un mapeo audiovisual de formas abstractas. Siendo una de las duplas más fascinantes del arte digital contemporáneo. Su instalación inmersiva, funciona como un instrumento emocional que cuenta historias a través de un mapeo audiovisual de formas abstractas.

Tras arrasar en el Lumiere Festival 2018, uno de los sucesos mundiales más importantes para los artistas que trabajan con iluminación, Aether tendrá su premiere para América Latina en la Edición 16 en Nocturne 1 y Nocturne 2.

Casa MUTEK + Digi Lab 2019 En colaboración con la Universidad de la Comunicación Para la Edición 16, las charlas, talleres y actividades formativas de Digi Lab se realizarán a la par de un nuevo programa deconvivencia y networking

en Casa MUTEK, transformando la emblemática finca de la Fraternidad de la UC en el punto de convergencia de todo lo que su cede de día la semana del festival.

Desde la mañana y hasta caer la noche, habrá selectores musicales, oferta gastronómica y un increíble marketplace que concentrará showrooms, pop-up stores y actividades especiales presentadas por y para la gran comunidad que se reúne cada año alrededor de MUTEK MX. - Casa MUTEK - Del martes 19 al jueves 22 de noviembre. PROGRAMA COMPLETO: Octubre 23. Podrás encontrar a los participantes del marketplace de Casa MUTEK en Fábrica las noches de Nocturne 1 y 2.

- Digi Lab - Del martes 19 al viernes 23 de noviembre. PROGRAMA COMPLETO: Octubre 23. La Experiencia MUTEK MX Del 18 al 24 de noviembre, MUTEK MX propone explorar Ciudad de México a través de un contraste entre lo icónico y lo vanguardista, desde sus locaciones y alineación artística, hasta las actividades complementarias como la ya tra

dicional Ruta Gastronómica o las nuevas acciones de responsabilidad ambiental que se suman a la operación del festival.

áreas de Regeneración Natural que contribuyan a la restauración de los ecosistemas cercanos a Ciudad de México.

generación de nuevas ideas, así como la osadía ver la realidad de modo distinto para imaginar mun dos posibles.

- La Ruta Gastronómica 2019 incluye nuevos beneficios y activida des para los asistentes del festival y ofrece la oportunidad de estre char vínculos en la comunidad, al formar un circuito que será visitado por artistas, staff, invitados y colaboradores.

Circular aportará Vasos Reutili zables elaborados con plástico reciclable. Con esto, reducimos significativamente la generación de residuos y eliminamos el uso de desechables en bebidas. Plasti.CO se encargará de revisar instalaciones y capacitar a todo el staff del festival para reducir al máximo el uso de plásticos y materiales desechables y tener una recolección óptima de residuos y reciclar la mayor cantidad posible.

También llevarán su campaña de concientización. Recuerda que en Nocturne 1 y 2 contaremos con agua purificada gratuita.

Una parte importante dentro de la propuesta de adidas Originals es el trabajo colaborativo, valor compartido con el festival, convirtiendo a la marca en pionera dentro de su industria.

Conoce aquí los restaurantes, bares y cafeterías participantes.

- En cuanto a responsabilidad ambiental y los primeros pasos hacia un festival sostenible, este año MUTEK MX estrena colaboraciones con plataformas dedicadas a reducir el impacto ambiental de eventos masivos, fomentando una co-responsabilidad entre asistentes y organizadores.

Rudistas compensará la huella de carbono y las emisiones de C02 producto de las actividades del festival, al invertir directamente un porcentaje de los boletos vendidos en comunidades ejidales de Querétaro para dejar de usar sus tierras para ganadería, agricultura agresiva, deforestación o desarrollos urbanos y transformarlas en

MUTEK MX x adidas Originals Las colecciones de adidas Originals son el resultado de procesos y métodos similares a la producción artística, como la investigación, la reflexión y la contextualización social y cultural. adidas Originals, al igual que los trabajos que se presentan en el festival, busca la generación de ideas y piezas originales. adidas Originals promueve, a través de sus colecciones y campañas, el pensamiento creativo, la inspiración en el pasado para la

Sobre adidas Originals: Inspirada en el rico patrimonio deportivo de adidas, una de las principales marcas deportivas del mundo, diseñadora y desarrolladora global de calzado y prendas deportivas, adidas Originals es una marca de estilo de vida fundada en 2001. Con el archivo adidas en su fundación, adidas Originals continúa evolucionando el legado de la marca a través de su compromiso con la innovación de productos y su capacidad para filtrar la creatividad y el coraje que se encuentra en los tribunales y los escenarios deportivos a través de la lente de la cultura juvenil contemporánea. Marcado por el icónico logotipo de Trifolio, que fue utilizado por primera vez en 1972 y defendido por aquellos que siguen formando y definiendo la cultura creativa, adidas Originals sigue liderando el camino como la marca de ropa deportiva.