Moda FusionARTE Nº 12 by Moda FusionArte

ModaFusionARTE

Eco-Frienly Año 1 Número 12 11 de Octubre 2010

REVISTA DIGITAL

Turismo: El edificio Kavanagh

Entrevistas: Cinthya Pereyra y Flor Monis

Teatro: El Dibuk, Tatuaje y Estado de Ira

Arte: Geometrías en el siglo XX Retrospectiva de Enio Iommi

Especial tendencias SS 2011 - Cobertura completa del Bafweek y Buenos Aires Moda - Tendencias Internacionales

Visitá: www.modafusionarte.com.ar

ModaFusionARTE Revista Digital

Seminario: “El arte pop como motor del diseño en Argentina” Martes 26 de octubre de 18:30 a 20 hs El acceso es por estricto orden de llegada hasta cubrir la capacidad de cada sala

Fundación Honrar la Vida Rivadavia 1356 CABA www.honrarlavida.org.ar

Consultas e inscripción: Tel: (54 11) 4759-9954 e-mail: redaccion@modafusionarte.com.ar

¿COMO PUBLICITAR EN MODA FUSIONARTE? Propuesta 1 - Guía de compras: Se basa en la publicación de productos. En nuestra revista contamos con una página diseñada especialmente para que se expongan los diseños, organizados por rubro, con el nombre de cada diseñador y un mail, página web y teléfono de contacto.

Propuesta 2 - Anuncios: Se basa en el sistema publicitario convencional que manejan las revistas a partir de espacios modulares de publicidad de 9,5 cm de ancho x 6,5 cm de alto; los mismos se podrán mantener tal cual o se podrán ir sumando hasta llegar a la medida que necesite cada anunciante en particular.

Propuesta 3 – Banners: Nuestro newsletter, ofrece una oportunidad única para dar a conocer tu marca, tus diseños, productos o servicios. El mismo será enviado una vez por semana a nuestros más de mil suscriptores y a todos los que siguen nuestra revista a través de las redes sociales y contará con espacios tipo banner.

No dejes de consultar por otras propuestas publicitaria a: redaccion@modafusionarte.com.ar o (+54 11) 4759-9954

No desperdicies la oportunidad de llegar a mas de 1200 suscriptores!!

Carta Editorial

Quienes hacemos Moda FusionARTE 11 de Octubre 2010 Año 1 Número 12 Propietario y Director General: Daniel Alejandro Rivero. arivero@modafusionarte.com.ar

uego de casi dos meses de no vernos por aquí, estamos volviendo el ruedo, porque nos hace muy felices sentirlos cerca en cada visita a nuestra página web o en cada mensaje que nos hacen llegar.

Que mejor para retomar nuestro camino en el mes de Octubre cuando estamos cerca de finalizar el año, pero que a la vez de conmemorar fechas tan emotivas como la del día de la madre. Un día en que todos aprovechamos para recordar los abrazos cálidos de cuando éramos niños, esa palabra de aliento que nos animaba a seguir cuando creíamos todo perdido y aquellas charlas en la adolescencia que tanto bien nos hacían. Por eso, a esas madres que están entre nosotros, y a las que ya no están también, queremos desearles un feliz día de las madres y en representación de cada hijo decirles gracias por enseñarnos a luchar, a sonreír, a expresarnos y por permitirnos volar, soñar, llorar. Gracias, mil gracias… Habrán notado en nuestra tapa la insignia de la lucha contra el cáncer de mama, esto se debe a que octubre es el mes que la conmemora y a que nosotros nos sumamos a esa lucha, porque tomando conciencia se pueden salvar muchas vidas. No en vano la imagen que acompaña es la del cierre del desfile de Ona Saez, marca que, en las pasarelas del Bafweek, recordó su fuerte compromiso con este tema. Este mes lanzamos el número 12 de nuestra revista y en ella podrán encontrar la cobertura completa del Bafweek, Buenos Aires Moda y Mundo Joya. Si se quedan con ganas de más pueden darse una vuelta por nuestra web (www.modafusionarte.com.ar) para encontrar más detalles de cada uno de los desfiles. En cuanto a la sección de arte, Andrea estuvo recorriendo las mejores muestras que se presentaron en Buenos Aires, entre ellas Geometrías del Siglo XX, una de las exposiciones del año, y la retrospectiva del gran escultor Enio Iommi. También aprovecho a darles la bienvenida a dos colaboradores nuevos, Daniel Montoya con su rincón literario y Karina Longo que nos deleitará con sus historias sobre Buenos Aires. Para finalizar les dejo este fragmento conmemorativo en el día de la madre… Madre, tú que portas los rayos del esplendor de Dios, Que has sufrido, esperado, preparado y realizado todo por nosotros, Sobrellevando nuestro peso obstinado y mortal, Recibe, hoy día, la rosa eterna de nuestra infinita Gratitud. Renato Huerta T. (Chile 1962)

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Editora Responsable: Alexandra Muraco. amuraco@modafusionarte.com.ar

Jefa de Redacción y Corrección: Andrea Castro. acastro@modafusionarte.com.ar

Redacción: Andrea Castro. http://laberintosdelarte.blogspot.com Alexandra Muraco. http://alexiasworld.blogspot.com

Diseño Gráfico y Retoque Digital: Alejandro Rivero.

Colaboradores: Daniel Montoya - Mechi del Carril - Karina Longo - Javier Mansilla (fotografía)

Como Contactarnos: E-mail: redaccion@modafusionarte.com.ar . Facebook: Moda FusionARTE Web: www.modafusionarte.com.ar Domicilio Legal: Crisostomo Alvarez 5407 (1439) Capital Federal

Photo Desfile Ona Saez, Colección SS 2011 -BAFWEEKRetocada digitalmente por A. Rivero

Moda FusionARTE es una revista digital gratuita de distribución mensual. Para publicitar enviar un correo electrónico a: redacción@modafusionarte.com.ar . Moda FusionARTE es una marca registraba por lo tanto se prohíbe su reproducción parcial o total sin pedido de autorización a la editora responsable. Propiedad Intelectual: Nº836368

Arte 18 - Geometrías del Siglo XX 20 - Muestra Enio Iommi 22 - Muestra Alfredo Pryor 24 - Zumbido 26 - Colección Fotógrafos Argentinos 27 - Filba 28 - Rincón Literario de Daniel Montoya

Como en cada Edición 4 - Carta Editorial 5 - Sumario

Sumario Moda Internacional 6 - Moda Europea: Tendencias SS 2011

Moda Nacional 8 - Bafweef 11 - Mundo Joya 12 - Buenos Aires Moda 14 - Entrevista Flor Monis 15 - Entrevista Cinthya Pereyra 16 - Ana Sammartino: Arte Portante

Espectáculos 30 -Estado de Ira 31 - El Dibuk 32 - Tatuaje Turismo 33 - El Edificio de Kavanagh

Fe de Erratas En nuestra edición anterior, en la nota sobre Fitting Room, publicada en la página 7, se omitió el crédito correspondiente en la fotografía central. La foto oficial de la muestra corresponde a Melissa Jenkins. Pedimos disculpas a todos nuestros lectores y a los organizadores del evento.

Moda Internacional

La Moda Europea: Tendencias Primavera-Verano 2011

mpieza a sentirse en Europa la llegada del otoño. Las liquidaciones ya han pasado y las vidrieras lucen repletas de mangas largas, sweaters y botas. Si bien la temporada estival europea ha terminado le deja a este hemisferio, con su paso, una explosión de tendencias de moda para explorar, jugar, tomar o dejar. En la moda todo vuelve y se reinventa: si pensábamos que los tonos piel eran antiguos, que los volados habían quedado en los ochenta y los shorts en los noventa, entonces tendremos que prestar atención a las tendencias que predominaron en el último verano europeo, porque sin duda nos harán cambiar de opinión. Si hablamos de colores, vemos que las colecciones trajeron consigo una gran sorpresa: el amarillo. No es un color fácil, y hasta algunos dicen que trae mala suerte, pero sin duda fue el denominador común más impactante de todas las pasarelas. El color piel también estuvo presente, otorgando a la mujer una imagen súper sexy. Los tonos azules refrescaron los desfiles y, por supuesto, no pudo faltar el toque de rojo, que toda femme fatale que se precie, debe tener en su placar. Del pasado han vuelto algunos estilos, que quizás nunca habíamos pensado en volver a usar. Así como en los noventa usábamos los jeans rotos, hoy este detalle de desaliño vuelve para todas las prendas en una versión más chic: el "destroy chic". El jean, se sabe, es uno de los básicos, que siempre que pensamos que ha cansado, vuelve por más y se reinventa. La firma D&G, propone usarlo de manera más canchera e informal, mientras que, el español Adolfo Domínguez, lo utiliza reinterpretando prendas de vestir más formales. Los volados también vuelven dando un look sofisticado a las prendas. Si de revivals hablamos, debemos tener en cuenta que Barbie ya ha cumplido 51 años, lo que no impide que su estilo femenino retorne para seguir vigente en la colección de Versace. Los vestidos largos nunca pasan de moda, en esta temporada se han visto muchos con motivos estampados, especialmente florales. Afortunadamente, el confort parece ser la premisa más importante, ya que los vestidos son amplios y con mucho vuelo. Los shorts, ya venían como tendencia hace algunas temporadas, pero este verano, explotaron no solo en las pasarelas, sino especialmente en el street style de las calles europeas. Por último, la nota simpática la dio el revival de los enteritos, que vienen cortos o largos, floreados o lisos, informales o formales. Con este adelanto, solo nos queda comenzar a disfrutar del calor y de toda la moda que las altas temperaturas nos traerán, adaptando estas tendencias a la personalidad y al estilo de cada una. Porque de eso se trata la moda, de disfrutarla para vernos bien y sentirnos lindas y de utilizarla inteligentemente. No se trata de terminar siendo esclavas de la moda, sino de aprovechar y tomar de cada estilo, lo que mejor nos queda y refleja nuestra personalidad.

Por Mechi del Carril http://thegossipfashionista.blogspot.com

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Moda Nacional

Bafweek: Tendencias Primavera - Verano 2011 Del 11 al 13 de agosto se llevó a cabo en La Rural una nueva edición del Buenos Aires Fashion Week. En esta oportunidad la convocatoria fue menor que en ediciones anteriores en cuanto a público en general, lo que ha tenido su costado positivo ya que, quienes realizaron las largas colas para ingresar, han podido hacerlo sin tantos inconvenientes. Podemos decir entonces que la esperanza de ocupar un lugar en las gradas y, de esta forma, poder apreciar lo que las marcas y diseñadores tenían para mostrar en esta nueva temporada, se hizo realidad. Algunos desfiles tuvieron una gran convocatoria como los de las marcas Cook, Rapsodia, Como quieres que te quiera y Ona Saez, quien fue la encargada de cerrar esta semana de la moda en Buenos Aires. De más está decir que sus productos gozaron de un gran protagonismo ya que los diseñadores que mostraron sus creaciones en pasarela fueron pocos. Vero Ivaldi, con una apuesta sorprenderte; HE, con la realización de su campaña en vivo; Juana de Arco, inspirada en el ñandutí; Marcelo Senra, transportándonos a Marruecos; Grupo 134, basándose en el movimiento slowdown; Kostume, con sus efectos 3D y la frescura del Semillero UBA, fueron los que lograron mantener encendida la llama del diseño. Lo que no puedo pasar por alto es el área de los showrooms, destacando que fueron pocos los stands presentes, con puestas muy minimalistas, mucho espacio vacío y un recorrido breve y pobre. La propuesta cambió mucho a la de otras ediciones. En cuanto a las tendencias presentadas se mantuvo muy pareja la cuestión, con estampados florales y animal print, y colores brillantes y variados, con un protagonismo absoluto del blanco y el negro. Lo que predominó fue un estilo ecléctico con un amplio mix de texturas y tipologías tales como: vestidos maxi y mini, jeans gastados, rotos o raw, blusas amplias o anatómicas y pantalones en todos sus largos, desde el mini short al tradicional. En esta primavera verano todo está permitido, volúmenes, texturas y colores, solo hay que animarse a elegir lo que a uno más le guste.

Desiderata mostró UK Review, una mezcla de estilos (trendy, romántico y étnico), donde hubo puntillas, encajes y cueros. Las chaquetas, bermudas, vestidos y shorts fueron los infaltables que la marca propuso para esta temporada.

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Semillero UBA: Marcelo Giacobbe, presentó Vernissage con diseños inspirados en el funeral de Eva Perón. Con una paleta de color que incluyó el rosa, el blanco, el dorado y el gris, Marcelo trazó un recorrido por íntimas prendas sastreras y románticos vestidos, utilizando cueros, gamuzas y algodones. Por su parte Magalí Belingüeres exhibió La Minga, una colección de sastrería desestructurada y llena de color en la que combinó textiles tradicionales con rústicos. Los pliegues, recortes, volúmenes y superposiciones fueron protagonistas.

Como quieres que te quiera, manteniendo su apuesta romántica, presentó el estilo navy con distintos rayados rojos y azules, jeans en todas sus variantes, y vestidos en satén y tul con volados. Los detalles se basaron en piedras, prendedores, flores fajas y moños.

Fotos: Andrea Castro para Moda FusionARTE

Por Alexandra Muraco

Juana de Arco, marca atemporal y colorida, inspirada en la naturaleza y el arte, tomó esta temporada al ñandutí como eje de inspiración. La trama del tradicional tejido paraguayo se vio, junto a motivos con mariposas, en vestidos, shorts y blusas, acompañados por bordados en una paleta de color ácida.

Wanama nos trajo hasta la pasarela del Bafweek a Indochina. Los hombros bien marcados, las chaquetas, los colores vibrantes y los detalles que incluyen metal, galones y cordones fueron tomados de la vestimenta típica. La pasada de la línea más romántica, con puntillas, guipur y colores pasteles, completaron una colección que incluyó vestidos, shorts, chaquetas, bermudas y camisas.

Grupo 134, esta marca de estilo urbano para hombres de todas las edades, presentó una colección basada en el confort inspirada en las siluetas deportivas y en el movimiento slowdown (corriente cultural que promueve calmar las actividades humanas) sin perder el gusto por el buen vestir del hombre actual.

Marcelo Senra presentó su colección inspirada en Marruecos, con una paleta de colores pasteles que se pudieron apreciar en largas túnicas, blusas, bermudas y vestidos cortos. Su fuerte impronta étnica quedó evidenciada en los accesorios, en los trenzados y en los tejidos al crochet realizados con fibras naturales.

Rapsodia presentó su colección África inspirada en la naturaleza selvática y jugando con distintos estilos: étnico, urbano y romántico. Amplias camisolas, shorts y vestidos muy cortos, pañuelos con prints característicos de la temática tratada, jeans, remeras, y un look fresco y juvenil, definieron la primavera verano de la marca.

Cook, no solo exhibió sus básicos sino que también mostró una colección romántica de largos vestidos de encaje que dejaron translucir la figura femenina. Los estampados florales fueron un hit en vestidos y blusas para ellas; para ellos, las camisas y bermudas cobraron protagonismo en esta pasarela.

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S-Mode + Carmen Steffens presentaron las tendencias en trajes de baño, calzados y accesorios para este verano 2011, en colores vibrantes como el turquesa, el azul brillante, el oro y el plateado, acompañados por detalles de animal print. En los calzados se destacaron las sandalias altas y las ojotas muy femeninas.

Kostume se inspiró en los efectos 3D para desplegar lúdicas superposiciones, texturas en perspectiva y pura geometría en vestidos, remeras y pantalones, en blanco y negro. Sus prendas polifuncionales invitaron al desarrollo de la creatividad, de quien las elija, para diseñar su propio estilo.

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Hermanos Estebecorena, la marca elegida por el género masculino nos presentó su nueva línea de underwear, y nuevas tipologías de textiles más livianos para anticiparse a un verano caluroso. Con una paleta de color sobria en blanco, negro, azules y marrones, mantuvieron un estilo casual sin perder la elegancia y el gusto por el buen vestir.

Ona Saez desfiló una colección vanguardista y sexy, con una silueta anatómica compuesta por vestidos cortos, straples, corsets y sensuales enteritos, realizados en satén, encaje y seda, en blanco y negro y con muchas transparencias. Para los hombres la propuesta se basó en finos trajes rasados con estampados localizados.

Vero Ivaldi, presentó "el error es válido", centrando su inspiración en el método de prueba y error que desde siempre dio pie a grandes inventos como la aviación. Su homenaje a Amelia Earhart se reflejó en las tipologías presentadas: vestidos entallados, trajes, chaquetas y camisas en colores brillantes tales como el naranja, el rojo y el amarillo, junto al infaltable negro.

Uma nos deleitó con una colección femenina y casual, con propuestas para el día y la noche, que pueden combinarse entre sí, a partir de vestidos cortos, minis con texturas, chaquetas y chalecos, que completan cualquier look. Los protagonistas fueron nuevamente los prints tomados de la selva africana.

Mundo Joya 2010: Tendencias Primavera Verano e

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Fotos: Cortesía Prensa

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el 26 al 28 de Agosto se realizó en el Sheraton Hotel la décima edición de Mundo Joya. Esta temporada la exposición contó con 50 stands en los que pudimos apreciar todas las tendencias primavera - verano 2011. El color turquesa será el must que no podremos resistir, lo encontraremos en anillos, pulseras, gargantillas, aros y dijes; el negro y el blanco también serán protagonistas absolutos. Las mariposas y las flores estarán nuevamente de tendencia esta temporada, como también los dijes de gran tamaño. Mundo Joya es una exposición que nos permite encontrar de todo, desde diseños de autor hasta las más preciosas piedras Swarovski, pasando por la plata, el oro y el cristal de Murano. Las marcas que participaron de la muestra fueron variadas: Mi Vida, Banus 925, Ben Junot, Bico Australia, Cardinal, Carina Jonson, Citrino Bijoux, Cuadrifoglio, De Fernández, El Cielo, Dolce Passione, El Orfebre Joyas, Fane´s, Germany Watches, Gestijoya, Il Gioiello, JR Packaging, Jackie Joyas, Joyas Abba, Joyas Amar, Joyas Peskin, Los Ulyses, M. Berberian Orfebre, María Banus, Martín Group, Meybe Silver and Tadeo Joias Accessories, Nierto:Artayeta-Joyería independiente, Novecento25, NV, Osaka S.A., Passaparola, Paula Gallardo-Accesorios únicos, Quilate, RE Argento, Sergio ColónJoyería de Autor, Swarovski Gems, SYL Plata, Tadeo Joias, Taller de Judith, Too Late Relojes, V2 Style, Watches & Complements, Yavic, entre otros. Con más de 3000 visitantes en 3 días Mundo Joya fue un éxito. Ya se encuentra programada la próxima edición para marzo del 2011. Si te dedicas al rubro de la relojería y joyería, no dejes pasar esta oportunidad para encontrarte con las mejores marcas del sector. Por Alexandra Muraco

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47º edición de Buenos Aires Moda U A lo Rabal

Quodlibet

Judith Martin

Any Riss

Saten Ramona

Snoventa

Fotos: Javier Mansilla

na nueva edición de Buenos Aires Moda se realizó en el Centro Costa Salguero del 14 al 16 de agosto. En su amplio showroom marcas y diseñadores de indumentaria, calzado y accesorios presentaron las nuevas tendencias para la próxima temporada. La exposición, dedicada a la venta mayorista, contó con salones de venta al público y los tradicionales desfiles de marcas tales como: Calyx, Lapin, Vanlon, Belish, Ciara, Clan Issime, Exhiba, Vars, Alfredo Serrano, Mirta Armesto, Amarte así, Tía la loca, Judith Martin y La Couture. Judith Martín se presentó por primera vez en la pasarela de Buenos Aires Moda con una colección de mallas y bikinis en una paleta de color que incluyó el blanco, el negro, el turquesa y el habano, sin olvidarse del animal print. Amarte Así, marca de indumentaria para niños, mostró una puesta en escena muy divertida basada en una historia de amor pirata: las pasadas y las "actuaciones" de los chicos se llevaron todas las sonrisas y aplausos del público presente. La magia apareció en la pasarela de Ciara, que exhibió sus tradicionales vestidos de fiesta juveniles y soñados, con mucho vuelo, detalles de románticos moños que se atan en la espalda y apliques de flores. Ideales para que tanto adolescentes como adultas se sientan verdaderas princesas al elegir uno de ellos. La propuesta distinta llegó de la mano de Tía La Loca, con una colección alegre y colorida, integrada por babuchas, vestidos cortos y prendas asimétricas que llamaron la atención del público. Ni bien finalizó el desfile muchos de los asistentes no pudieron resistirse a pasar por su stand. A través de su Oficina de Moda, el CMD participó de la feria acompañando a 10 empresas porteñas seleccionadas a través de una convocatoria. El objetivo de la actividad fue dar un espacio a marcas y diseñadores profesionales con antigüedad en el mercado para que puedan acceder a compradores mayoristas y así lograr difundir diseño y calidad a todo el país. Las empresas seleccionadas participar de esta edición fueron: Cesartori (indumentaria, sastrería), Cosecha Vintage (prendas con utilización de reciclados), Jesús Fernández (corsetería, lencería fina), Juana de Arco (indumentaria y ropa de cama), Lisobono (indumentaria urbana), Vestite y andate (indumentaria femenina), María Marta Facchinelli, María Lizaso, Olive y Satén Ramona. Las propuestas de esta nueva edición fueron muchas y permitieron apreciar la bajada a producto de lo que fueron las pasarelas nacionales e internacionales, mostrándonos lo que ya se encuentra en las vidrieras de nuestra ciudad. Esta primavera apuesta a la comodidad, al confort y sobre todo al color y a la variedad. Por Alexandra Muraco

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Ciara

La Couture Judith Martin

Amarte Asi

Calyx

Tia la Loca

Belish

E.X.I.B.A JEANS Vanlon Lapin VarÂ´s

Mirta Armesto Alfredo Serrano

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Flor Monis: “Visto Mujeres Reales”

lor es una diseñadora de indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires que, antes de recibirse, comenzó a trabajar para María Cher. Con tan solo 22 años se desempeñó dentro de la marca como jefa de producto y pese a tener un puesto con posibilidades de ascenso decidió realizar un viaje a Europa porque sintió que era el momento de hacer un corte para tomar distancia y decidir su futuro. Se perfeccionó en Saint Martin´s y, enamorada de París, trabajó en A.P.C. A principios de este año realizó el lanzamiento en Buenos Aires de su marca "París by Flor Monis" con tan solo 30 prendas de una colección que fue un éxito, ya que las mujeres se enamoraron de sus diseños. En el mes de septiembre no pudo faltar un nuevo lanzamiento, en el que estuvimos presentes para disfrutar de una segunda colección en la que nos mostró sus propuestas para esta primavera - verano 2011. Además, en una charla intima, nos habló de su marca, de la nueva temporada y de su concepto sobre la moda: "la moda se usa y se tira a la basura ya que cuando no está más de moda no se usa más", nos dijo en el inicio de nuestra conversación, "por eso a mí me gusta trabajar con la atemporalidad ya que es costoso tanto producir como comprar la prenda. A mí no me gusta que mi marca sea una bomba de humo, sino que me gusta ofrecer un buen producto confeccionado con materiales nobles y que las prendas sean atemporales, que no te aburras de usarla, por eso lo que más me importa es la versatilidad de las prendas, que se pueden combinar entre sí y ser usadas tanto de día como de noche", nos sigue contando con entusiasmo y energía. MFA: ¿Como definís a la mujer que viste París? FM: No es una mujer que se viste para pretender ser, sino que es, porque la prenda que lleva define el mensaje que quiere dar. Trabajo para mujeres reales, actuales, modernas y diferenciadas del resto. MFA: ¿Qué curva de talles trabajas? FM: Manejo 3 talles, aunque hay bastantes prendas que son talles únicos ya que trabajo con la holgadez. Trato de que mi marca no caiga en el XL, pero hay prendas que quedan lindas si son holgadas.

Flor confiesa ser estructurada en su forma de vida, ya que prioriza el trabajo y el orden sobre todas las cosas, su agenda y su oficina son un orden, pero reconoce que su caos está en la prueba de calce, ya que le da mucha importancia a esta etapa de la producción. Se encarga personalmente de atender a sus clientas en su showroom de Recoleta, pero esta decisión no es solo por gusto sino porque sus clientas demandan que esté ella personalmente cuando se acercan a elegir una nueva prenda. Aunque reconoce que esto le juega en contra porque sino está no van, lo disfruta muchísimo, porque considera a su marca como un bebé que está dando sus primeros pasos, pronto llegará el momento en que pueda empezar a delegar. Con muchos proyectos por delante pero con la cautela de dar un paso a la vez, Flor nos presenta hoy una colección, con más de 70 prendas, que promete ser un boom para este verano. Por Alexandra Muraco ¿Donde podes encontrar la marca? Arenales 1465, 1º piso Tel: 4813 - 2324 Mail: info@parisbyflormonis.com Web: www.parisbyflormonis.com

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Foto: Cortesía Flor Monis

MFA: ¿Cómo manejas la difusión de tu marca? No hice inversiones de prensa porque eso viene solo, mi preocupación es que la clienta este conforme y se enamore de mi marca. El valor agregado lo encuentro en el boca a boca. Yo no le vendo a mis amigas sino que son clientas recomendadas por otras clientas.

Punto G: "Diseño para mujeres que buscan diferenciarse” C

inthya Pereyra es la diseñadora y creadora de la marca de carteras Punto G, que nació a principios de este año. Al ser un proyecto familiar nuevo, Cinthya cumple muchos roles pero espera comenzar a delegar muy pronto. Por el momento se encuentra en la etapa de experimentación, con muchos sueños y proyectos a concretar. La marca trabaja cueros exóticos de alta calidad y produce carteras únicas, cuyos interiores están forrados en tafeta o gross con estampados delicados y femeninos. Un valor agregado que tiene esta marca es que el cliente puede customizar la cartera que le gusta eligiendo los colores y herrajes porque, para Cinthya, es importante producir sobre la necesidad del cliente y no caer en lo masivo. Actualmente realiza ventas minoristas a través de su página en Facebook y tiene también clientes mayoristas que le compran desde el interior del país, pudiéndose encontrar sus diseños en Córdoba, Santa Cruz y Rosario, en tiendas boutiques que venden exclusividades. No solo en Argentina se puede disfrutar de estos objetos preciados, ya que la marca también está generando un mercado con mucho futuro por delante en España y Chile. Aunque en un principio se encontraba algo tímida, pudimos charlar con Cinthya en una entrevista que resultó dinámica y muy divertida. MFA: ¿Qué importancia le das a la tendencia? CP: Me gusta verla y analizarla, ver que repercusión tiene en la gente y dentro de eso encontrar una veta en cuanto a la interpretación del mensaje que pretende dar y desde ahí crear la propia MFA: ¿Qué valor le das a la moda? CP: La moda me encanta, no ir tras ella sino psicológicamente todo lo que conlleva la moda, lo que mueve en la gente, y la uniformidad, ya que uno busca todo el tiempo ser distinto pero terminamos siendo todos iguales. MFA: ¿Notás que la mujer hoy es esclava de la moda o que busca diferenciarse? CP: Depende de donde uno se mueva, entre las adolescente buscan ser todas iguales y tener lo mismo y ahí si son esclavas de la moda, pero entre las mujeres que me muevo, las mujeres que me interesan, hay mujeres que buscan diferenciarse, que están seguras de sí mismas y que valoran el sacrificio del diseñador. MFA: ¿De dónde tomás generalmente tu inspiración? CP: Utilizo los mismos mecanismos que aprendí en la facultad, escucho una canción y a partir de ahí escribo palabras, imagino colores y a partir de éstos me imagino a la mujer para la que voy a diseñar y así empiezo a dibujar. Todo lo que diseño tiene que ver conmigo y con mi vida personal. MFA: ¿Por qué Punto G? CP: Tiene que ver con lo íntimo, con lo femenino y los secretos de la mujer. No busco solamente vender sino darle un espíritu, que la mujer se sienta cómoda, segura, protegida, identificada y comprendida, ya que la cartera lleva sus cosas más preciadas, por eso los interiores son divertidos, porque solo ella los puede ver. La última colección de punto G está inspirada en el mar, de ahí su paleta de colores suaves y las ondulaciones. Un detalle muy original es que cada cartera tiene un nombre que la identifica, algunas tienen un porque muy interesante que vale la pena descubrir. Por Alexandra Muraco PUNTO G Carteras Cinthya Pereyra (15) 6305-3171 (011) 4-582-5508 mail: punto.g.moda@hotmail.com web: http://puntogmoda.blogspot.com Facebook:Punto G Carteras

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Ana Sammartino: El placer de vestir arte.

Nuestro preferido: el Marie Caroline de Austria (Charlotte) un abrigo negro y plata inspirado en la hermana inseparable de la reina María Antonieta de Francia, que atrapó la mirada de cuanto visitante tuvo la muestra.

Mas info en: www.anasammartino.com 16 - Moda FusionARTE Revista Digital

Fotos: Andrea Castro para Moda FusionARTE

na, licenciada en economía y diseñadora, vino desde Córdoba para presentar sus diseños en el Museo Metropolitano de la Ciudad de Buenos Aires. Debemos aclarar que, en el caso de Ana, cuando decimos diseños, no estamos hablando de indumentaria convencional sino de verdaderas obras de arte. Desde hace ocho años, esta verdadera artista compone piezas originales que pueden ser vestidas o coleccionadas como obra plástica. Su propuesta comienza con el diseño y creación de un género exclusivo, único e irrepetible, a través del uso del telar manual y de materiales que incluyen diferentes tipos de cintas y lanas, pieles y cristales, plumas y textiles como la seda, el cuero, el tweed, el tafetán y la viscosa. En colores perfectamente combinados, cada diseño tiene un detalle que lo destaca, tal es el caso de un tapado corto con una flor realizada en gemas fundidas, que fue creada especialmente para acompañarlo y convertirlo en una obra auténtica e irrepetible. Sobre el negro absoluto de las paredes de la sala del museo cada una de las 23 piezas, entre prendas y accesorios, logró destacarse con una luz propia, dejando en claro que, a pesar de su gran trabajo textil, son completamente funcionales. "No es tan fácil arroparse con un cuadro y salir por la ciudad, con la autenticidad de llevar algo singular y propio, con la certeza de que se reinventaron materiales para otros inusables. Único para quien lo porta pero plural en su capacidad de recrearse en la historia de un artista, de un lugar, de un viaje. Donde el universo nos haya unido", expresa la diseñadora. Ana, se identifica con la corriente artística denominada Arte Portante que nació en los años 60, es una persona muy metódica y prolija en lo que hace, le gusta experimentar y vive a pleno la creación de cada prenda, con el deseo de encontrar una persona adecuada para portar su arte. Nos confiesa que para ella no es difícil desprenderse de sus obras, ya que las crea mentalizada en que encontrará a la persona indicada para cada una de ellas. Sus fuentes de inspiración son múltiples y variadas: un personaje histórico, una virtud como la modestia o el proceso que sufre el vino italiano denominado affinamiento, pueden disparar en ella la creatividad. La idea para uno de sus sacos, llamado L' ombrella de Fiolita, comenzó a partir de los volados de un viejo paraguas que encontró en un baúl y que determinó el largo de la prenda. Esta excepcional artesana también trabaja a medida y por pedido y hasta ha colaborado con novias que decidieron ser auténticas y novedosas a la hora de vestirse para un momento tan especial. La clienta que compra un diseño de Ana, ya sea para vestirlo o para coleccionarlo, vuelve y adquiere otro: en todo el tiempo que lleva trabajando en esto ha conseguido clientas fieles que se visten con sus diseños y que confían plenamente en su buen gusto. En cuanto a los talles de las prendas, Ana nos cuenta que utiliza un sistema elastizado y de pinzas que permite que las mismas sean adaptables a varios talles sin problemas.

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Arte y Cultura

Humanidad y geometría son lo mismo C

Malba- Fundación Costantini Avenida Figueroa Alcorta 3415. Entrada general: $20 – Miércoles: $8 Hasta el 25 de octubre. Sala 5 (2º piso)

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Fotos: Cortesía Prensa Malba

on esta frase cerró Fabián Bianchi Lastra la impecable visita guiada que realizó a través de las obras que integran la muestra Geometría en el siglo XX en la Daimler Art Collection. Bianchi Lastra es diseñador industrial y docente de la UBA pero, fundamentalmente, ama la geometría; esto lo transforma en la persona ideal para recorrer, analizar y comprender este período tan particular de la historia reciente del arte. Se sabe, el arte abstracto no goza de la simpatía del público tanto como el figurativo, pero esconde un mundo nuevo, un paradigma de belleza diferente y significados que valen la pena descubrir. La curadora de la muestra, Renate Wiehager, tomó 100 obras de una de las colecciones corporativas más importantes y antiguas de Europa para narrar 100 años de historia del arte, dividiéndolas en cinco núcleos temáticos que muestran el nacimiento y posterior desarrollo de la abstracción desde 1905 hasta nuestros días. Fabián aclara de entrada: “el arte abstracto es no representativo y no referencial del mundo exterior, es un arte que plantea nuevas apropiaciones intelectuales y sensibles de la forma y el espacio”. “El valor principal de estas obras tiene que ver con su polisemia, es decir con las múltiples lecturas e interpretaciones que pueden tener al no estar acotadas a un tema especifico. Sus autores privilegiaron la libertad de expresión e interpretación, al trabajar desde una inagotable experimentación, brindándonos la posibilidad de apreciar texturas, materialidades, laboriosas formas de construcción” y expresiones creativas profundamente relacionadas con su contexto histórico. El recorrido comienza por el modernismo clásico, donde se destacan obras pertenecientes a la escuela de la Bauhaus, cuyo legado completo fue declarado por la Unesco Patrimonio de la humanidad, el constructivismo y el arte concreto. “Estos artistas han dejado obra material, un enorme trabajo, belleza, fruición y espiritualidad. Estaban comprometidos con su tiempo y sus ideas, fueron perseguidos, criticados, denostados y pertenecieron a un período muy complejo de la cultura humana”. Su arte recompuso el espíritu, ellos plantearon posturas filosóficas y teosóficas respecto a lo que hacían, en medio del abismo social que se vivió a principios del siglo XX: “el arte es una investigación en el plano de lo ideal” decía Adolf Hölzer, autor que, la curadora de la muestra, rescata como el primer antecedente de la Bauhaus. Aún hoy algunas personas se niegan obtusamente a llamar a estos trabajos obras de arte, por lo que se las comenzó a denominar expresiones artísticas a partir de las postulaciones que en los años 60 realizó el grupo Vanguardia Zero. El segundo núcleo de la muestra reúne la producción de los artistas que lo integraron y plantearon que para reformular el arte había que empezar de cero: “son obras muy diferentes pero todas critican el modo tradicional de entender la obra de arte y su forma de presentación, en particular lo estático y la convención de que hay un marco que la contiene y a partir del cual transcurre”. A pesar de que el grupo reunió tendencias muy distintas, que pasan por el arte óptico, el arte cinético y el arte conceptual, siempre se mantuvo fiel a reflexionar sobre: “el tiempo en la obra, su modificación, su no estaticidad, la interrelación con el observador que genera un nuevo tipo de apropiación intelectual y sensible por su parte, y el uso de materiales no convencionales y accesibles en relación a los utilizados en el arte tradicional”. La tercera sección conceptual tiene que ver con el desarrollo del minimalismo en Europa y América, una corriente potente, vinculada con el racionalismo, que se inicia en 1957 en Nueva York a partir de un grupo de artistas que, luego de decretar la muerte del arte abstracto europeo, deciden crear un arte nuevo con otros elementos, reduciendo al mínimo todas las organizaciones de la forma en sus producciones artísticas. Este movimiento tendrá una gran expansión a todo el mundo y llegará hasta nuestros días manifestándose también en la arquitectura y el diseño en general. A partir de aquí nos empezamos a encontrar con obras que remiten al inicio de este largo camino o a algún artista en particular, como si desde mediados y finales del siglo se mirara hacia atrás para volver a contar la historia del quiebre más importante que sufrió el arte a comienzos del mismo. Forma, línea y espacio es el último núcleo temático y cierra el círculo con obras de artistas contemporáneos que basan sus trabajos en estos tres elementos compositivos. “En la Bauhaus el estudio de los maestros clásicos era una costumbre, toda producción abstracta se hacía reconociendo el valor de las obras legadas por los grandes maestros, Hölsen daba clases de composición de los autores renacentistas y de estudio de perspectiva” Hoy se puede evocar la misma idea de perspectiva renacentista partiendo de una estética totalmente renovada, de una geometría y de un grado de abstracción totalmente diferentes. “La cultura humana reformula continuamente todo, reformula el conocimiento, reformula el arte (…) uno de los conocimientos más reformulados por el hombre es la geometría; pudimos ver sus diferentes usos en todas estas corrientes artísticas porque ella es una práctica intencional de la cultura humana”. Por Andrea Castro

Sylvie Fleury Formula one dress

Mathieu Mercier

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60 años de historia en 60 obras

Por Andrea Castro

Centro Cultural Recoleta. Sala Cronopios Junín 1930 CABA - Hasta el 24 de octubre Lunes a Viernes de 14 a 21 hs, sábados, domingos y feriados, de 10 a 21 hs Entrada libre y gratuita

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Fotos: Andrea Castro para Moda FusionARTE

l ingresar a la retrospectiva que dedica el Centro Cultural Recoleta a la obra de Enio Iommi uno se encuentra con una enorme fotografía que nos muestra al artista improvisando una irreverente pose, nada más y nada menos que trepado sobre el imponente grupo escultórico Los Burgueses de Calais de Auguste Rodin. Esa misma irreverencia sumada a la transgresión, al humor, a la crudeza, a una intensa belleza y a un dejo de amargura, nos acompañará a lo largo de este paseo por los distintos momentos creativos de uno de nuestros más grandes artistas. Cada uno de estos momentos, con sus cambios radicales en cuanto a estética, técnica y materialidad, nos mostrará la prolífica obra de Iommi, pero también nos contará, con susurros, gritos de dolor o irónicas carcajadas, la historia de un país que de ser casi una potencia industrial paso a ser la encarnación más vulgar del cambalache discepoliano. Con una puesta un tanto acumulativa y cronológicamente poco diferenciada, la muestra plantea un recorrido focalizado en la innovación que se producirá en su obra en el año 1976. Mucho antes de ese quiebre, Iommi transitó, entre 1945 y 1950, por los comienzos del arte concreto (el primer movimiento de arte abstracto de nuestro país), dibujando bellísimas abstracciones espaciales con las líneas y los planos que le proporcionaron los materiales industriales. “Ya no era preciso esculpir, tallar, cincelar o modelar, sino construir e inventar”. En el año 1952 realizó su primera escultura monumental para la casa que el gran arquitecto suizo Le Corbusier diseñó para el Dr. Curutchet en la ciudad de La Plata: una blanca y purísima cinta de Moebius que es imposible dejar de recorrer con la mirada. A partir de ese momento, los alambres fueron sustituidos por chapas pulidas de metal. Como si “pelara una naranaja”, Iommi las recortó y las replegó sobre sí mismas, generando sutiles geometrías orgánicas, espirales copernicanos, juegos de llenos y vacío y danzas de luces y sombras. La lustrosa y delicada femineidad de estas obras, se fue degradando con la aparición de los objetos cotidianos deconstruídos (pavas, cafeteras y regaderas), que lucirán escindidos tanto en su forma como en su función, como preanunciando el gran quiebre que estaba por acontecer. En 1977, un año después del golpe militar más terrible de nuestra historia, Iommi presentó una muestra que se llamó “Adiós a una época”, reformulando por completo su obra. Adoquines, alambres de púa, trapos viejos y hasta basura gritaron desde su rudeza y tosquedad el daño y la corrupción de sueños e ideales en que nos hundía el autoritarismo: “allí comenzó otra idea del espacio para mí, la del espacio dramático que antes era un espacio puro (…) lo que comenzó fue una estética abrupta, de tosquedad de la escultura”. Hoy, transitando el nuevo siglo, el artista se muestra profundamente desencantado con esta sociedad frívola, consumista y vulgar, que a todos nos toca padecer. Iommi se da el lujo de criticarla con crudeza, ironía y humor, a través de una estética del mal gusto que genera gracias a la suma casi absurda de objetos de uso cotidiano: “ deseo provocar un arte ligado a la filosofía (…) mi nueva etapa consiste en percibir las máscaras que llevamos puestas”.

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l título de esta nota es un verso del poema El jardín de Andrew Marvell, poeta metafísico inglés que se preguntaba si lo que uno ve, algo tan bello como un jardín, realmente está allí o en realidad se va construyendo y cambiando desde la propia mirada y el océano de nuestra mente. El título de esta nota es también el título que Alfredo Prior eligió para bautizar a su última muestra, un conjunto de 21 obras que se exhiben en el Malba y que nos permiten adentrarnos en el océano de la mente de este genial artista. Volcado a la abstracción, Prior nos presenta esta vez un inmenso mar de colores grasos y acuosos que se diluyen de diferentes formas, logrando superficies marmoladas, a veces opacas, a veces brillantes. Manchas orgánicas que parecen fluir, amalgamarse y rechazarse a la vez, dan vida a universos de tonos, temperaturas y valores que cambian según la temática que aborda cada una de las obras. “ Hay pinturas que siendo abstractas pueden sugerir una ilusión figurativa o siendo figurativas son prácticamente una abstracción", dice el artista para el cual los títulos son un elemento más del cuadro, ya que la influencia que tienen en la lectura de las obras es vital. Así al enfrentarnos a “Noé en el Hudson” (título que alude a la leyenda que cuenta que cansado de acumular tantas obras, y durante una mudanza, el gran Yuyo Noé tiró gran parte de sus cuadros al río Hudson) no podemos dejar de ver los tradicionales colores del artista diluyéndose en las aguas del río norteamericano. Mientras que en la serie Moby Dick es casi imposible no intuir al gigantesco cetáceo hundirse en lo profundo del océano junto a su incansable perseguidor. Si bien Prior es considerado un artista conceptual e informalista, él se autodefine como neomanierista porque piensa la vida como un producto de la cultura, y no de la naturaleza, y hace arte a partir del arte. Sus obras incluyen referencias mitológicas y remiten a la música, la literatura y la obra de otros artistas plásticos. La serie “Hugo y yo”, por ejemplo, está inspirada en una faceta poco conocida del gran escritor Víctor Hugo, quién solía pintar para entretenerse entre verso y verso y que, hacia 1850, con una impronta absolutamente vanguardista para la época, se dedicó a trabajar las obras con los dedos utilizando mezclas de pigmentos, hollín, ceniza y carbón. Retazos de su típica ironía de otros tiempos también se cuelan en obras ligadas a lo mitológico como Hermés que alude, desde su título, al dios romano de los ladrones pero también, desde los colores de su factura, a la tradicional marca de accesorios, que es capaz de vender una lapicera a 7.000 pesos. Alfredo se resistió a que su muestra fuera curada, seleccionó el mismo las obras que la iban a integrar y, confiando plenamente, se las entregó al Malba para que se ocupara del montaje. No se equivocó, el diálogo que se establece entre las obras, estratégicamente enfrentadas, y el intenso verde que lucen algunas de las paredes en las cuales están colgadas no hacen más que adentrarnos en “estas pinturas sin personajes y sin anécdota (...) sin distracciones y sin desvíos, en las que todo lo que es color es también pensamiento”, nos dice Eva Grinstein desde el texto crítico que redactó especialmente para el catálogo.

Sala 3 (1º piso) Malba – Fundación Costantini Avenida Figueroa Alcorta 3415 CABA. www.malba.org.ar Hasta el 1º de Noviembre

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Atlantis 2010

Un verde pensar bajo una sombra verde E

Fotos: Cortesía Prensa Malba

El triunfo de Baco 2010

Dánae 2010

La 'après-midi de Prior 2009 Moda FusionARTE Revista Digital - 23

Zumbido

Por Andrea Castro

Fotos: Cortesía Prensa Malba

na mosca y una mano que instintivamente la espanta. Ese el punto de partida de la batalla que esa mano femenina terminará perdiendo cuando los insectos se comiencen a multiplicar. Zumbido (dinámicas), la primera, de las dos videoinstalaciones que Silvia Rivas exhibe por estos días en el Malba, se proyecta sobre tres gigantescas pantallas, ubicadas en un recinto cerrado completamente pintado de blanco. La intensa luz de las imágenes, sumada a la claridad que las rodea, nos transporta a un día diáfano y caluroso de verano, haciéndonos fijar la atención en esa mano y en esa molesta mosca negra. El primer intento de alejarla rápidamente es reemplazado por la acción de aplastarla, es en ese momento cuando al molesto zumbido se suma la “música” producida por la mano que golpea aquí y allá sin tener éxito en su cometido (es importante destacar el diseño de sonido de Luciano Azzigotti). Mientras uno se compenetra y observa atentamente ese delicioso juego de acciones y resultados, piensa que el cazador humano finalmente logrará su cometido hasta que, de repente, una mancha emerge en el costado derecho de una de las pantallas para transformarse, en un segundo, en un enjambre de miles de moscas. La lucha se multiplica, se suma la otra mano y ambas improvisan una coreografía en su intento por deshacerse de los repugnantes insectos. Por fin la mayoría es espantada, queda solo una y todo vuelve a empezar. Zumbido (trama incesante), la segunda videoinstalación, pone el foco en la acción repetitiva e inútil de esas manos que ya han perdido la batalla. La diferencia es que sus pantallas se encuentran ubicadas en un espacio completamente oscuro, sin referencia espacial concreta (es muy difícil encontrar la salida) y plenamente inundado por el zumbido de miles de moscas. La reacción sensorial es inmediata, uno solo quiere irse de allí sintiendo que, de un momento a otro, los bichos saldrán de la pantalla para posarse sobre nuestro cuerpo. El contrapunto logrado por la artista es impresionante, si el primer espacio nos atrapaba y nos movilizaba a ayudar a esas manos anónimas, contagiándonos sus movimientos, el segundo directamente nos expulsa de su interior, ahogándonos y enloqueciéndonos con los zumbidos que, extrañamente, parecen potenciados por la oscuridad del lugar. Silvia nos cuenta que eligió a la mosca porque “es un bichito simple y cotidiano, que nos obliga a jugar su juego hasta la exasperación sin darse por aludido” y que espera que los espectadores de esta muestra formen parte de toda la situación a través de sus reacciones.

Contemporáneo 26 – Sala 1 (planta baja) Malba – Fundación Costantini Avenida Figueroa Alcorta 3415 CABA. www.malba.org.ar Hasta el 22 de Noviembre

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Colección Fotógrafos Argentinos Cuatro miradas, muchas historias C

uatro nuevos libros integran, desde el mes de septiembre, la Colección Fotógrafos Argentinos, un proyecto creado por Darío Lanis y Gabriel Díaz dedicado a difundir la obra de los más destacados fotógrafos contemporáneos del país. Cada libro, ya se han publicado 11, reúne en sus páginas una extensa variedad de historias, miradas, estéticas y conceptos acompañados por textos de reconocidos artistas y escritores. “La Mirada” de Sara Facio, con texto de María Moreno, se centra en sus retratos instantáneos de personajes célebres y anónimos, de hombres y mujeres que miraron y se dejaron mirar, en un pequeño momento de sus vidas. “Desapariciones” de Helen Zout, con un excelente texto de Osvaldo Bayer, es, antes que una crónica fotoperiodística, un ensayo sobre esa palabra que nos hizo, y nos hace, tanto daño a los argentinos. El rostro de los sobrevivientes, los cráneos agujereados por las balas, los fríos documentos policiales y los campos de concentración, son solo una parte de este terrible universo, en el que también se cuela la imagen de Julio López, el desaparecido de la democracia. “Salteños” de Florencia Blanco, con texto de Christian Ferrer, nos sumerge en un mundo aletargado y decadente, de vetustos salones repletos de muebles de estilo y manchas de humedad, de lúgubres comercios con falsos murales de playas paradisíacas y hombres portando el uniforme de los otrora aguerridos soldados de Güemes. Ella sabe muy bien lo que debe mostrar de ese lugar tan lejano de Buenos Aires, porque lo lleva grabado en el fondo de su memoria, que le recuerda siempre que allí pasó gran parte de su vida. “Geovany no quiere ser Rambo” de Alfredo Srur, con texto de Cristian Alarcón, nos enfrenta con una realidad que parece salida de una película de acción, pero que está cada vez más cerca de todos nosotros. Alfredo convivió durante tres semanas con Geovany, integrante de la pandilla los Rambos en la ciudad de Medellín. Bajo su guía retrató las crudas imágenes de una guerra que parece no tener fin y de la cual su joven amigo tampoco quiere ser parte, porque Geovany siempre quiso ser zapatero. “La Colección Fotógrafos Argentinos sabe combinar agudeza y simplicidad, profundidad y sensatez. A contrapelo de tanta publicación contemporánea, donde resulta arduo distinguir entre la obra de arte reproducida y el “arte” del diseño visual de la página, aquí la propuesta nos lleva sin rodeos al meollo del asunto. El libro es respetuoso del artista y amable tanto para el lector especializado como para el público en general”, remarcó la licenciada Valeria González en la presentación que se realizó a sala llena en el auditorio del Malba. Por Andrea Castro

Fotos: Cortesía prensa

Para saber más: www.fotografosargentinos.com

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Foto: Alexandra Muraco para Moda FusionARTE

PENSAR LA SOBREMODERNIDAD

a segunda edición de Filba (Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires) contó con la presencia del destacadísimo antropólogo francés Marc Augé, quien brindó una conferencia de prensa e inauguró las actividades con una disertación sobre antropología y literatura. En un gesto de tremenda cortesía Augé hizo su mejor esfuerzo para comunicarse en nuestra lengua nativa, sin dejar de mezclar algunas palabras en francés, inglés y hasta italiano, deleitándonos con su inmensa sabiduría. La invitación se debió a que en la actualidad se encuentra escribiendo un libro sobre las relaciones que se pueden establecer entre la antropología y la literatura, teniendo en cuenta que “la escritura es la relación simbólica entre el escritor y el lector, y esto concierne al antropólogo”. Según Augé, los escritores del siglo XIX tuvieron una dimensión antropológica y sociológica interesante de rescatar, y muchos etnólogos y antropólogos realizan desde siempre análisis de tipo literario de su material de estudio. Durante sus conferencias también se refirió al concepto de sobremodernidad, que plantea la aceleración de los factores que constituyen la modernidad, a partir de la propia aceleración de la historia y del brutal desarrollo de los medios tecnológicos y de comunicación. La ecuación sonó un tanto apocalíptica: aceleración del tiempo, contracción del espacio, “desaparición” del sujeto. Hoy, el anonimato y la pérdida de la identidad en manos de los avatares que permiten las comunidades en las redes sociales, atentan contra el individuo y la manera de comunicar sus pensamientos. Hoy, le inexistencia de la firma, por ejemplo, hace que el escritor no se afirme como autor, cercenando su relación con los lectores. “La escritura a mano es una expresión del cuerpo y de la emoción, es como una firma perpetua, habría que retomar la escritura como un acto de identidad”,dijo Augé luego de contarnos que él escribió a mano hasta hace 4 o 5 años, hasta que se sintió un hombre del pasado y empezó a usar la computadora, pero tratando de evitar sus facilidades: “uno se expresa diferente al escribir a través de una máquina”. La pérdida del intercambio de cartas es una pérdida para la historia futura, es una pérdida del documento histórico y del momento clave de la escritura de una persona, pensemos como ejemplo en las cartas de Van Gogh. Consultado por el futuro del libro impreso y el avance de Internet, Augé admitió que para él es terrible pensar en la muerte absoluta del libro y su sentido físico, pero reconoció que en tiempos no muy lejanos solo se editaran libros de lujo, ediciones limitadas y de bolsillo. “Internet es fabulosa pero no es un instrumento pedagógico, es una enorme base para consultar pero no para aprender, igual para mí sigue siendo mucho más fascinante poder consultar un diccionario real. “Internet reivindica una libertad sin fronteras con un gran riesgo de mediocridad porque el mundo cibernético no se plantea nuevos temas, pero construye la ilusión de conocer todas las respuestas”. Por Andrea Castro

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Rincón Literario

Cinco ruas por Fabiana

Por Daniel C. Montoya (dacmon@speedy.com.ar)

-Dezessete e dez centavos -le dijo la cajera sin mirarla. La joven mujer tenía el billete preparado; quería salir, la falta de aire abombada su mente. Con el vuelto aún en la mano tomó la bolsita plástica y se marchó; aunque la vereda no estaba mejor. El sol de enero a las nueve de la mañana invadía Río de Janeiro; su resplandor cortaba entre edificios como una gran espada al rojo, que al cortar, quemaba hasta las entrañas, cuando unas figuras bailaron en el rabillo izquierdo de los ojos de la mujer, captando su atención inmediata, alterándola. Giró rápido para ver mejor, y la respiración se le heló en sus pulmones; tal vez hasta su corazón se detuvo, al ver a una niña de unos cuatro años con vaporosos bucles de miel y un hombre regordete y calvo subir a un taxi en la vereda de enfrente. En cuatro segundos su cuerpo se estrujó en un dolor indecible, y dejó caer cartera y bolsita plástica, todavía sin respirar. - ¡Fabiana! -Con los oídos obturados por la falta de oxigeno creyó haber susurrado el nombre. La gente que pasaba la miró extrañada por semejante grito. El calor encendía su piel y un frío visceral la escarchaba por dentro cuando se lanzó a cruzar la calle en medio del transito apresurado por presentarse a trabajar. Las frenadas chillonas y los bocinazos no la devolvían en si; la obnubilación la hacía viajar por los últimos dieciocho meses de su vida… -¿Qué te pasa? ¿Te sentís bien? -Preguntó esa mañana de domingo al notar la palidez de su ex marido, generalmente de postura, tonos y dichos agresivos, siempre fisgoneando desde la puerta, por sobre su hombro, para descubrir su promiscuidad con cuanto hombre se le cruzara. Pero esta vez estaba incómodo, bañado por un ácido sudor. Un coche mediano se le atravesó un instante después de esquivar dos vehículos de manera intuitiva, sin mirarlos; el insulto por la ventanilla no esperó. Un sonido hueco salió de sus rodillas al golpear el guardabarros y quedar medio cuerpo tendida sobre el baúl. El coche arrancó en un estrépito y la mujer cayó casi arrastrada al asfalto; pero se reincorporó igual que un muñeco inflable, y empezó a caminar dolorida, con dificultad, para luego acelerar el paso al ver que el taxi arrancaba. -Señora. A senhora esta bem? ¡SENHORA! -. El taxi se alejaba y los gritos de "¡FABIANA! ¡FABIANA!" se imponían al bullicio. El taxi se marchaba con una lentitud extrema, solo imaginable para los sentidos de la mujer… - ¡Vendió todo! -Le anunció su abogada-. Después que murieron sus padres por ese escape de gas donde no se probó otra cosa, como hijo único y heredero universal, vendió la quinta de Martínez, el caserón de Villa Urquiza y el departamento que ocupaba en Congreso, amén del taller de zapatillas de Munro. Calculo que tiene más de un millón de dólares para moverse por el mundo… Va a ser difícil -concluyó satisfecha por lo investigado, sombría por lo que se avecinaba. La mujer apenas notó que sus zapatos de taco se destrozaban con la facilidad de algo que no está preparado para correr; los pedazos quedaban tras su paso; con unas sacudidas de pies se los quitó sin dejar de trotar lo más resuelta que el entrecruzado transito le permitía; sus medias se pulverizaron. El trajecito gris claro, formal ejecutivo, que llevaba a la conferencia, se descomponía; la pollera, ajustada hasta las rodillas, mostraba un tajo deshilvanado que seguía subiendo; la camisa blanca, empapada, perdiendo botones, colgaba fuera de la falda; y la chaqueta se había roto en los hombros. Pero la mujer ahora corría más cómoda…. - ¡Salieron del país! -Fue el golpe final que le dio el fiscal-. Se movió rápido su… -agregó sin saber cómo definir la relación-. Fue el mismo domingo por la tarde, vía Chile. Luego se pierde el rastro. - ¡FABIANA! ¡FABIANA! -Gritó fuerte con voz ahogada en lágrimas que le impedían ver el tránsito para esquivarlo, sin pensar en subir a la vereda, en esa fina línea que la separaba de la locura. Una motocicleta de un delivery que venía zigzagueando vehículos le rozó el brazo con la manija del freno. Ante la sorpresa de encontrar a una mujer a la carrera entre tanto automóvil, y el intento último por esquivarla, la moto se estrelló contra un auto que frenó sin pericia para eludir atropellarla, y el chico de la moto voló por arriba del coche. La mujer siguió sin voltear, ahora con un ardor que recorría su brazo derecho, en una gruesa vena escarlata que bajaba por su piel, hasta gotear por las yemas de sus dedos. El sudor que la bañaba era como si hubiese salido de la ducha, con la diferencia que la humedad la quemaba, en lugar de refrescar. Cruzó la segunda esquina con semáforo en rojo, eludiendo, casi saltando vehículos; un obeso policía probó perseguirla por menos de veinte metros ante la expectativa por el revuelo de frenadas, bocinazos y reclamos que rodeaban a la mujer mientras avanzaba enloquecida en su persecución. -Corria fora de si -atestiguó luego, al realizarse las denuncias-, como uma atleta saltando obstáculos. Tentei dete-la, mas não consegui - avergonzado ante su voluminoso vientre. -Foi tudo num instante. Apenas a vi passar feita uma seta pelo meio da rua... -confirmó una anciana del barrio-. Eu posso garantir, ¡por Deus, essa mulher estava trastornada! La congestión hacía que de a decenas de metros, los vehículos adelantaran con lentitud irritante, o se detuvieran por minutos interminables. La mujer, luego de más de tres cuadras, no se detenía… -He dictado orden de captura nacional e internacional -le informó el juez-. Aunque modero mis expectativas; si se tratara de un homicida o un narcotraficante importante, sería más fácil. Puede que un hombre solo igual, con una niñita tan rubia, termine llamando la atención. Un camión impaciente dobló mal en la cuarta esquina, atascándose entre los dos carriles que venían por su derecha; el estancamiento alentó a la mujer a buscar sus últimas fuerzas. En algunos tramos pasaba entre los autos trotando de perfil de tan estrechas que estaban las filas. Al atorarse el tránsito, se hizo un espacio de resignada espera entre coche y coche; y al llegar a este, no dudó. Con una gran zancada saltó sobre el baúl y con otra sobre el techo, para caer en la tapa del motor y luego al asfalto. Ahora no había gritos ni insultos. Todo era estupefacción. El segundo coche costó más. Las piernas se le arqueaban en un dolor indecible, superado solo por la decisión. Más lenta, repitió la acrobacia. Y al caer al asfalto, el taxi estaba delante de ella. La mujer vio los bucles dorados junto a la calva por la luneta trasera, y se dirigió a la puerta de la niña. Al manotear el picaporte con fuerza, se sorprendió por la ausencia de traba. La puerta se abrió, y la mujer quedó ante la niña, asustada por la imagen descompuesta y ahogada, empapada en sudor, el cabello largo y dorado pegoteado y hecho un revoltijo que la enfrentaba, para luego chillar: "¡MAMÁ!". El hombre a su lado solo balbuceó, "¡¿Qué hacés aquí?!" El taxista no atinó a nada. La mujer tomó a la niña por la cintura y la sacó del auto mientras esta le rodeaba encantada cuello y cintura con brazos y pies. Se dio media vuelta, y tras pasar de costado entre dos coches, se metió en la muchedumbre que bañaba la vereda, perdiéndose como una gota de agua en medio de una marea anónima de gente que bajaba de las favelas…

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Espectáculos

Estado de ira L

a primera actriz Antonia Miguens llega a una dependencia pública de los años 50, aproximadamente, para ser preparada, por un grupo de empleados, en un reemplazo que deberá realizar en la obra Hedda Gabler de Henrik Ibsen. Nosotros, los espectadores, seremos invitados a presenciar a la gran Antonia en esta especie de ensayo general, del cual suponemos saldrá victoriosa. Su personaje, el de la propia Hedda, es complicado; el tiempo, una noche, es escaso; la escenografía, conformada por diversos elementos que se arrumban en la dependencia, inexistente. Solo acompañan a la señora Miguens su vestuario de época y un grupo de empleados, que encarnan al resto de los personajes de la obra, y que, en vez de ayudarla, terminarán siendo su calvario. Antonia llega dispuesta a enfrentar el desafío, a compenetrarse con el texto y a meterse en la piel de Hedda. Sabe que la tarea no es fácil pero sus años de oficio y cualidades de gran actriz le dan seguridad. Su dominio de la escena queda claro desde el primer momento y casi al mismo tiempo que la mediocridad y la desidia de quienes deberán colaborar con ella. Actrices que la abandonan en mitad de las escenas para ir a atender el teléfono, risas y comentarios de fondo permanentes que la desconcentran, mesas que representan ligustrinas y lustradoras que se suponen esculturas, hombres y mujeres que la tironean y manipulan como a un muñeco para intentar que recuerde sus movimientos, entradas y salidas. A todo esto y mucho más se tendrá que enfrentar la pobre señora Miguens en un intento desesperado por encarnar a Hedda Gabler en medio de un clima que comienza a tornarse cada vez más violento al aflorar las disputas y los problemas cotidianos de los empleados, que encima se creen actores de primera línea. La vorágine se detiene por unos momentos porque hay que servir el refrigerio que los municipales piden a los gritos pero, como las horas extras pautadas se están por agotar, y nadie está dispuesto a quedarse un segundo más, terminan comiendo y fumando en medio de las escenas. Hedda Gabler y el profundo dramatismo de la obra de Ibsen asomarán de vez en cuando por sobre el caos, pero serán indefectiblemente destruidos por cada uno de los actores, mientras Antonia, perdiendo toda compostura, llora, se enfurece y repite el texto como una autómata. Los minutos finales mostrarán a todos alistándose para irse cuanto antes y nos dejarán a los espectadores el tiempo justo para descubrir si Antonia y nosotros mismos somos capaces de sobreponernos a la mediocridad que nos intenta atrapar y vencer todos los días. Si la empleada pública interpretada por Antonio Gasalla los ponía nerviosos les rogamos abstenerse.

Teatro Sarmiento Avda. Sarmiento 2715 (Jardín Zoológico) Funciones: de jueves a domingos, 21 hs. Platea: $45.- Jueves, día popular: $25.-

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Fotos: Cortesía Complejo Teatral de Buenos Aires

Por Andrea Castro

El Dibuk

Fotos: Cortesía Complejo Teatral de Buenos Aires

o hay pueblo y cultura en este planeta que no haya narrado o escrito una historia de amor en donde la tragedia y la muerte estuvieran presentes, pensemos en Romeo y Julieta, Orfeo y Eurídice o Janán y Leah. Estos últimos son los protagonistas de El Dibuk, una obra clásica del teatro idish, resultado de una expedición etnográfica que su autor, Shlomoh An-Ski, realizó por aldeas de Europa del Este recopilando costumbres, leyendas, tradiciones, músicas y rituales de comunidades judías en extinción. La pieza transcurre alrededor del año 1890, en los territorios de la actual Polonia, y narra la historia de dos jóvenes predestinados que son separados por culpa del dinero y la codicia del padre de la muchacha. A pesar de que el joven Janán es un brillante estudioso de la escuela rabínica, Sender ha decidido casar a su hija Leah con un candidato mucho más acaudalado, rompiendo así la promesa que muchos años atrás le hiciera a su amigo Nissan, padre del joven. Janán, irreverente y desprejuiciado, se muestra violento y combativo, prefiere la Kabalá al Talmud, recita El cantar de los cantares y suele decir, para escándalo de todos, que en el mismo Satán habita una chispa de santidad. En secreto sufre por el amor de Leah y cuando se entera que su casamiento se aproxima, desesperado, muere de dolor y se transforma en un dibuk. En la cultura judía un dibuk es un alma errante que no encuentra sosiego y se introduce en el cuerpo de una persona viva: así es como Janán se apropiará del cuerpo de su amada para poseerla y no abandonarla jamás. Leah se presenta, hasta el momento de la posesión, como una jovencita frágil y delicada que tiene la particularidad de ver y oír a las almas de los que murieron antes de tiempo, almas que quedan dando vueltas en el mundo para poder terminar de vivir la vida que les fue arrebatada tan injustamente. Desolada pero obediente a la voluntad de su padre, aceptará su destino y estará a punto de casarse con el arrogante Menashe, que se horroriza al llegar a esa aldea llena de pobres. En plena boda el dibuk hace su aparición cambiando el curso de la historia y sumiendo a todos en el desasosiego. El viejo y otrora poderoso rabí de Miropol deberá intervenir para salvar a la muchacha pero su tarea no será fácil porque aunque los hayan separado en cuerpo, ellos se unirán en alma. Tanto en el interior de la sinagoga, como en la plaza de la aldea, y hasta en en la casa del rabino Azriel se sucederán los interminables rituales, las remembranzas de viejas leyendas, las invocaciones y las supersticiones de todo tipo, que casi siempre tienen a Dios, a Satanás y a las almas de los muertos como protagonistas. Las enseñanzas tradicionales, recitadas por rabinos y estudiantes, harán hincapié en el pecado de codicia y en la brecha que separa a los ricos de los pobres: “una boda de ricos debe celebrar un banquete para pobres porque nunca se sabe qué o quién está debajo de las ropas de un pobre”. El dibuk es una excelente oportunidad para aprender y reflexionar sobre la cultura judía, sobre la naturaleza humana y sobre las grandes historias de amor de la humanidad. Por Andrea Castro

Teatro San Martín Avda. Corrientes 1530 Funciones: de miércoles a sábados, 20 hs; domingos, 19 hs. Platea: $45, miércoles, día popular: $25.-

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urante el mes de agosto Alfredo Arias estuvo en Buenos Aires para regalarnos otra de sus maravillosas creaciones, Tatuaje una obra dramática musical que narra el encuentro en el más de allá de Miguelito Maravillas (Miguel de Molina) y Eva del Sur (Eva Perón). Tatuaje es también el título de una canción que cuenta la obsesión de una mujer por un marinero que la seduce y luego la abandona, es una nueva oportunidad para admirar el talento de Pablo Ramírez como diseñador de vestuario y es, por sobre todo, una profunda reflexión sobre el autoritarismo, la discriminación y la fuerza de voluntad de quienes no tuvieron nada pero lo consiguieron todo. Miguelito, perseguido por el régimen franquista debido a su homosexualidad (estaba fichado como la marica roja), y Eva odiada por la oligarquía y diezmada por el cáncer se mostraran, mientras narran su historia, triunfales y derrotados, vivos y moribundos, pero siempre altivos y perseverantes contra la adversidad. ”A Evita nunca la vi en mi vida, pero la imaginaba como un hada que iba a pasar por mi pueblo en un tren, regalando juguetes. Por eso fui un niño peronista. Y esa magia también la encuentro en Miguel de Molina, un ser mágico con el que mi Eva mítica puede entablar un diálogo de marginados”. La obra surgió cuando Alfredo, al leer Botín de guerra (autobiografía de Miguel de Molina que incluye su encuentro real con Eva Perón, al llegar al país huyendo del franquismo), comenzó a redescubrir sus propios recuerdos infantiles sobre la calle Corrientes y sus teatros, los espectáculos de las compañías españolas en la Avenida de Mayo y la muerte de Evita. En un sube y baja de emociones que en algunos momentos arranca carcajadas y en otros ahoga la garganta, Arias pone frases y melodías disparatadas, irreverentes y dolorosas en la boca de ambos personajes: dirá Miguelito, yo sin abanico era un monumento a la maraca, imaginate con”; contestará Eva, “usted era una figurita, yo una estampita, mi teatro iba desde Misiones a la Patagonia”. Si bien los momentos más dramáticos siempre son rematados con una canción, una gracia o una de esas frases que Alfredo arroja al público cada tanto, a veces hasta saliéndose del guión, no dejan de ser sumamente emotivas la muerte de Eva y la vejez que llega lenta pero inexorable a la vida de Miguelito. El excelente vestuario de Ramírez transforma a Evita en un esqueleto y hasta en una momia, sin quitarle en ningún momento el imponente vestido blanco estilo Dior. Entre moribunda y muerta el personaje encarnado por Sandra Guida nos estremecerá, sea cual sea nuestra simpatía política, diciendo: “a María Antonieta la decapitó la guillotina, a mí el cáncer, el día que me enteré sentí que el trajecito me quedaba grande, los trajes sastre nunca mienten”. “Mi velorio fue de mala muerte, yo quería un mausoleo hollywoodense pero terminé en el hall de un sindicato”. Eva del Sur se muere y Miguelito triunfa, pero envejece. Se recluye para que nadie lo vea hasta que un día es invitado por la diva de los teléfonos a su programa. Emocionado se calza su camisa de volados y su sombrero español, enfrenta las cámaras y luego tristemente nos cuenta: “me pagaron con electrodomésticos, una cocina, una heladera, un grabador y una bicicleta fija que no usé jamás”. Las luces se apagan y la ovación se extiende por todo el teatro Presidente Alvear durante varios minutos, para homenajear a esos hombres y mujeres (actores y personajes) que nos acaban de abrir su alma. Por Andrea Castro

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Fotos: Cortesía Complejo Teatral de Buenos Aires

Tatuaje

Turismo Leyendas de Buenos Aires

Love en el Kavanagh

Por Karina Longo (karinavlongo@yahoo.com.ar)

ste edificio oculta la historia de amor de Corina Kavanagh con un joven de la familia Anchorena, uno de los apellidos más célebres y reconocidos de la época, allá por la década de 1930. La historia cuenta que esta bella mujer, que pertenecía a una familia de clase alta, se había enamorado perdidamente del hijo de Mercedes Castellanos de Anchorena, pero ésta se oponía rotundamente a la relación, ya que menospreciaba a la joven por no pertenecer a una familia aristocrática. La señora Mercedes de Anchorena hizo lo imposible hasta lograr separarlos. Ante esta situación, Corina, quien se sintió humillada, decidió tomar revancha. ¿De qué manera?, mandó construir un edificio torre sobre la calle Florida al 1065, justo donde bloqueaba la vista de la Iglesia del Santísimo Sacramento; una hermosa obra arquitectónica realizada a pedido de los Anchorena en 1920 con la intención de que se convirtiera en sepulcro familiar. Así nació el Kavanagh, un edificio con 33 pisos y más de 100 viviendas que, según se dice: "contaba con grandes comodidades para la época como aire acondicionado y telefonía central, y un frigorífico para guardar alfombras y pieles, entre otros servicios". El Kavanagh fue declarado Monumento Histórico Nacional y ostenta el orgullo de pertenecer desde 1999 al Patrimonio Mundial de la Arquitectura de la Modernidad, por decisión de la UNESCO. En él habitan importantes personalidades como la ex diputada y gremialista Alicia Castro; Roberto Devorik, el hombre fuerte de La Dolfina y el periodista argentino Joaquín Morales Solá, entre otros". De esta manera, los transeúntes y turistas que pasen por la Plaza San Martín jamás podrán ver la iglesia, sino esta torre escalonada de 120 metros de altura. Es importante destacar que, Corina Kavanagh vivió en el departamento del piso 14, el único que ocupa toda una planta y, justamente, el único lugar desde dónde puede observarse la Basílica del Santísimo Sacramento….¿Qué coincidencia no?

Edificio Kavanagh Declarado Monumento Histórico Nacional en el año 1999 Sito en Florida 1065 - Barrio de Retiro (Buenos Aires- Argentina) Inaugurado en 1936 Los arquitectos fueron Gregorio Sánchez, Ernesto Lagos y Luís María de la Torre.

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