Moda FusionARTE Nº 11

ModaFusionARTE

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Eco-Frienly

REVISTA DIGITAL

Año 1 Número 11 09 de Agosto 2010

Arte: Imán: Nueva York en Proa Festival de la Luz Trailer

Premieres: El aprendiz de brujo y Miss Tacuarembó

Teatro: La Vida es sueño y 1810

DESFILE FUTURISTA Cierre de la muestra El Universo Futurista en Proa a cargo de la cátedra Saltzman

Visitá: www.modafusionarte.com.ar

Mariel Carolina Gutiérrez Asesora de imagen integral y personal shopper // Image & shopping consult.

*Actualización y organización del guardarropa / Wardrobe organization & update. *Armado de conjuntos y valijas para viajes / Outfit & suitcase planing. *Asesoramiento en vestuario y accesorios / Advice in clothing. *Estudio de colorimetría / Color analysis. *Imagen empresarial / Corporate consulting. *Asesor de compras / Personal shopper (on touristic places, gastronomy, entertainment and gear) *Capacitación presencial y on-line / Personal One-on-one & On –line trainning.

fgstudio.com.ar 15 41 81 27 81 info@fgstudio.com.ar

¿COMO PUBLICITAR EN MODA FUSIONARTE? Propuesta 1 - Guía de compras: Se basa en la publicación de productos. En nuestra revista contamos con una página diseñada especialmente para que se expongan los diseños, organizados por rubro, con el nombre de cada diseñador y un mail, página web y teléfono de contacto.

Propuesta 2 - Anuncios: Se basa en el sistema publicitario convencional que manejan las revistas a partir de espacios modulares de publicidad de 9,5 cm de ancho x 6,5 cm de alto; los mismos se podrán mantener tal cual o se podrán ir sumando hasta llegar a la medida que necesite cada anunciante en particular.

Propuesta 3 – Banners: Nuestro newsletter, ofrece una oportunidad única para dar a conocer tu marca, tus diseños, productos o servicios. El mismo será enviado una vez por semana a nuestros más de mil suscriptores y a todos los que siguen nuestra revista a través de las redes sociales y contará con espacios tipo banner.

No dejes de consultar por otras propuestas publicitaria a: redaccion@modafusionarte.com.ar o (+54 11) 4759-9954

No desperdicies la oportunidad de llegar a mas de 1200 suscriptores!!

Carta Editorial

Quienes hacemos Moda FusionARTE 09 de Agosto 2010 Año 1 Número 11 Propietario y Director General: Daniel Alejandro Rivero. arivero@modafusionarte.com.ar

Editora Responsable: Agosto es el mes en el que comenzarán las semanas de la moda en Buenos Aires, por lo cual, pese a la ola polar que estamos viviendo, ya comenzamos a pensar en Primavera. Del 11 al 13 de Agosto se realizará el Bafweek, que estaremos cubriendo minuto a minuto para quienes no puedan asistir, ya que no queremos que se pierdan detalle de lo que se vivirá en las pasarelas del pabellón Azul del predio de La Rural. Seguido al Baf, del 14 al 16, se llevará a cabo Buenos Aires Moda, con la presentación de la bajada a producto que también estaremos detallando a través de Facebook, Twitter y nuestra página web.

Dejando la moda de lado, me quiero centrar en los cambios que podrán descubrir este mes en la revista, ya que durante todo julio hemos estado trabajando mucho para seguir brindadotes lo mejor y para que en Moda FusiónARTE puedan encontrar todo lo que les interesa. Nuestra idea es que la revista no se transforme en un catálogo que solo sirve para mirar fotos, sino que la misma tenga un contenido informativo y educativo que puedan conservar y consultar cuando lo deseen. Por esto hemos creado un tutorial para que vean como descargar la revista en formato pdf, para leerla sin tener que requerir de un acceso a Internet (http://www.modafusionarte.com.ar/?p=317), y también hemos modificado su forma envío. A partir de este mes la recibirán por mail a través de un Newsletter en el que bastará hacer click en la imagen para acceder a ella. Lo más novedoso es que así la podrán ver en un tamaño mayor que les permitirá una buena lectura sin tener que hacer zoom, éste, se podría decir, que es uno de los cambios mas relevantes que hemos realizado.

Otra novedad es que en la revista solamente podrán encontrar material de colección, ya que los lanzamientos, las novedades y los eventos comenzarán a ser derivados a nuestra página web. Esta última cuenta ya con un nuevo formato tipo magazine, para que sea más interactiva y dinámica. No dejen de visitarla a diario, ya que también está permanentemente actualizada con todas las novedades inmediatas en relación a desfiles, inauguraciones de muestras de arte, charlas, concursos y estrenos de cine y teatro (www.modafusionarte.com.ar).

Como todos los meses esperamos sus comentarios y que nos cuenten si las mejoras y cambios que estamos implementando son de su agrado: nuestro nuevo mail a partir de Agosto será: redaccion@modafusionarte.com.ar .

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Alexandra Muraco. amuraco@modafusionarte.com.ar

Jefa de Redacción y Corrección: Andrea Castro. acastro@modafusionarte.com.ar

Redacción: Andrea Castro. http://laberintosdelarte.blogspot.com Alexandra Muraco. http://alexiasworld.blogspot.com

Diseño Gráfico y Retoque Digital: Alejandro Rivero.

Ejecutiva de Cuentas en Publicidad: Alejandra Aragonés. aragones@modafusionarte.com.ar

Colaboradores: Mariel Gutiérrez: www.fgstudio.com.ar Maryori Coello www.miradactiva.blogspot.com Samantha Lynch Nadia Barroso Da Costa Martha Nascimento

Como Contactarnos: E-mail: redacción@modafusionarte.com.ar .

Facebook: Moda FusionARTE Web: www.modafusionarte.com.ar Domicilio Legal: Crisostomo Alvarez 5407 (1439) Capital Federal

Photo Desfile Futurista cátedra Saltzman Cortesia Fundación Proa Retocada digitalmente por A. Rivero

Moda FusionARTE es una revista digital gratuita de distribución mensual. Para publicitar enviar un correo electrónico a: redacción@modafusionarte.com.ar .

Moda FusionARTE es una marca registraba por lo tanto se prohíbe su reproducción parcial o total sin pedido de autorización a la editora responsable. Propiedad Intelectual: Nº836368

Arte 24 - Coaching Artístico 26 - Trailer 28 - Muestra Imán: Nueva York 30 - Festival de la Luz Variedades 32 - Entrevista a Hugo Paredero

Como en cada Edición 3 - Carta Editorial 4 - Sumario

Sumario Moda Internacional 6 - A la Moda 200 años 7 - Fitting Room 8 - Retrospectiva de Yves Saint Laurent en París 11 - Entrevista a Nixia Varela La Mar

Moda Nacional 14 - Desfile Futurista 16 - Entrevista a Jessica Bellomo 18 - Entrevista Reyes y Reinas 19 - Entrevista Basilotta 20 - V Encuentro Latinoaméricano de Diseño Belleza 22 - Lanzamiento Marina de Bourbon

Espectáculos 34 - La vida es sueño 35 - 1810 36 - Yo Gabba Gabba 37 - Los Fabulosos Grimm y Clasificlownies 38 - Viaje de Invierno 40 - Miss Tacuarembó 41 - El Aprendiz de Brujo 42 - Verónika decide Morir

Moda Internacional

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l próximo 20 de agosto se llevará a cabo en Chile un evento que conmemorará el bicentenario de la moda en el país. El mismo reunirá a 25 diseñadores que, a través de sus diseños, representarán en pasarela, las distintas décadas de la historia chilena, contemplando desde el vestuario vanguardista y cotidiano hasta los vestidos de novia.

La celebración apuntará a destacar la evolución de la moda en Chile desde su independencia y hasta nuestros días, demostrando que es un país que marca tendencias tanto en la moda femenina como en la masculina.

“Se romperán todos los esquemas y se jugará con el tiempo. En tres horas de desfiles, se verá una puesta en escena nunca antes vista en el país, porque disfrutaremos la moda de nuestros antepasados, llegaremos al presente y luego nos proyectaremos a cómo seremos en el futuro”, señaló Marcela Guzmán, productora del evento.

A la Moda 200 años se realizará en el aniversario del natalicio de Bernardo O´Higgins y en el mismo participarán prestigiosos diseñadores emergentes como: Ricardo Oyarzún, Israel Camus, Jackie Cottin, Iván Grubessich, Irene Schumann, Ximena Claro, María Antonieta, María Luisa Vega, Kevin Kobek, Paloma Labrín, Lujuria Vestuario, Melodie Murillo, Hablan de ti, Mía Chic Ke Kitsch, Wendy Pozo con Londress y representantes de Pucón como Isabel Peña de Psicodélica y de Temuco con Etnias Chile, entre otros.

Se realizará también un especial homenaje al fallecido y destacado diseñador de alta costura Jaime Troncoso, en el que se mostrará un resumen de sus mejores y diversas colecciones, y se entregarán los premios “Mujer destacada”, “Hombre destacado” y “Diseñador Innovador” a personalidades muy importantes.

El evento está ligado a la campaña solidaria “Abriguemos Chile” gracias a la cual, con la venta de entradas, se donará un número importante de frazadas para la comunidad de Iloca.

Por Alexandra Muraco

La cita será el 20 de Agosto en el Teatro Teletón a las 21 hs.

Información a partir del 3 de agosto: www.frproducciones.cl

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Fitting Room

Un showroom muy particular

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itting Room es una cita pionera y exclusiva con el arte, la moda y las tendencias que se realiza en España dentro de un contexto artístico innovador: las habitaciones de un hotel ambientadas y convertidas en un mundo personal por cada creador. Diferentes disciplinas artísticas se reúnen en este excepcional evento que contempla lo mejor y más novedoso del panorama nacional e internacional. Los artistas y diseñadores presentan sus trabajos en un espacio de interacción con el público, ya que los visitantes pueden ser asesorados por los propios diseñadores. En las dos ediciones anteriores, llevadas a cabo en Bilbao y en Madrid, creadores tanto del ámbito nacional como internacional presentaron sus últimos trabajos mientras conversaban y asesoraban a más de 2.000 visitantes. Amantes del arte, la moda y las tendencias, bloggers, trendsetters y medios de comunicación disfrutaron de las talentosas puestas en escena de algunos de los profesionales más vanguardistas del momento. Los días 24 y 25 de septiembre se realizará la tercera edición de Fitting Room en el Hotel Meliá de la cuidad de Bilbao. En esta ocasión participarán, junto a los españoles, artistas y diseñadores de Estados Unidos, Italia, Alemania, Portugal, Cuba, Colombia, Costa Rica y Venezuela. El objetivo primordial del evento consistirá en un showroom efímero donde se desarrollarán vínculos de networking entre los participantes y los visitantes; cada habitación será una auténtica obra de arte y la creatividad fluirá en un espacio intimista y de buen gusto.

Por Andrea Castro

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Retrospectiva de Yves Saint Laurent en París Visitar la primer retrospectiva íntegramente dedicada a la obra de Yves Saint Laurent, en el Petit Palais de París, nos lleva a transitar por un mundo de sueños y logros, ya que estar en contacto con los trabajos de este genio es simplemente inolvidable. La muestra, montada en 15 salas y en un muy agradable orden cronológico, nos revela a una persona adelantada a su tiempo, que tuvo la fuerza y el poder necesarios para alcanzar un objetivo: ser famoso y dejar un impresionante legado a las generaciones más jóvenes de diseñadores.

La exposición resume los 40 años de trayectoria del gran modisto francés a través de 307 modelos, íconos del Prêt – à – Porter y de la Haute Couture mundial, fotografías, films y dibujos, sin dejar de lado el contexto histórico, la construcción de su estilo y los fundamentos claves de su obra. Una de las salas está dedicada a Catherine Deneuve, su principal musa, y otra a las demás damas polifacéticas, modernas, bellas y poderosas que también vistió a lo largo de su carrera: Grace Kelly, Marie Hélène de Rothschild, Elsa Schiaparelli, Lauren Bacall, Loulou de la Falaise, Betty Catroux, entre otras.

En el año 1955 Yves, ingresa a la Maison Christian Dior como asistente personal de su fundador para, con solo dos años en el puesto, convertirse en su Diseñador en Jefe, tras la repentina muerte del creador del New Look el 15 de noviembre de 1957. Saint Laurent tenía entonces 21 años y su cabeza bullía de revolucionarias y nuevas ideas, que contrastaban con el tradicional pensamiento de los accionistas de la firma, por lo que en 1958 renuncia para lanzar, con gran éxito, su colección debut llamada “Trapecio”. Con la llegada de la nueva década y preanunciando una revolución de estilo dedicada a la mujer moderna, funda su propia Maison de Alta Costura, a la cual se dedica de lleno hasta su muerte en el año 2008.

Saint Laurent revolucionó el vestuario femenino tomando prestado el smocking, el traje y la chaqueta safari de la indumentaria masculina para vestir a las mujeres, transfiriendo los clásicos símbolos de poder de un sexo al otro. Inspirándose en la calle (Colección Escándalo de 1971), en sus viajes imaginarios a través de diferentes países (India, China, Rusia, España, Japón, África y Marruecos) y en sus diálogos con el arte (Mondrian, Picasso, Matisse, Van Gogh, Braque, Wesselmann y el arte africano), este gran diseñador logró transformar la moda en una celebración.

Nacido en Argelia, llegó a París de pequeño y, como no le gustaba viajar, abandonó pocas veces Francia. Fueron su mente y su imaginación las que lo llevaron a conectarse con países remotos, con la literatura (la poesía de Cocteau y Apollinaire), la música y el arte, para crear magníficos trajes desde su propio mundo interior.

Desde el homenaje a Mondrian, colección de 1965 en la que exaltó los colores primarios y las líneas geométricas, hasta el primer smocking femenino que elaboró en 1967, Saint Laurent supo dejar una marca, con su simplicidad y la constante búsqueda de un nuevo estilo.

Yves Saint Laurent, un apasionado por vestir mujeres dijo alguna vez: “le plus beuau vetement d’une femme c’est sa nudite” (el mejor vestido de una mujer es su desnudez).

Por María Martha Nascimento

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ENTREVISTA A NIXIA VARELA LA MAR

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ixia es una exitosa diseñadora de Panamá que acaba de presentarse en el Fashion Week de dicho país con gran éxito y convocatoria. A pesar de dedicarse al diseño desde muy pequeña, hace tan solo siete años que tiene su marca y supo ganarse muy bien el lugar que hoy ostenta en el mundo de la moda de su país. “Soy tan afortunada de poder hacer lo que realmente amo solamente porque adoro crear cosas bonitas y no por el dinero ni la fama”, me confesó entusiasmada durante la entrevista que pude realizarle luego de finalizar el Fashion Week.

A pesar de estar sumida en las obligaciones que demanda una marca, presentarse en pasarelas y dar entrevistas a los medios, ella reconoce que: “mi prioridad personal siempre es la familia, les enseño a mis hijos que el trabajo es una inversión en uno mismo y que no se consigue de otra manera”.

MFA: ¿Cómo nace tu vocación por la moda?

Nixia Varela La Mar: Desde muy pequeña he estado involucrada con la ropa porque soy hija de un sastre. Muchas niñas siguen los pasos de la mamá, pero con mi padre trabajando con ropa… era una decisión fácil seguirlo a él.

Mi primer proyecto nació de la necesidad. En Panamá, en aquellos tiempos, las reglas del uniforme de escuela eran muy estrictas y no se permitían bolsillos dentro de las faldas; como a mí me pareció absurdo, decidí coser bolsillos escondidos dentro de las mías. Me sentí muy orgullosa no solo por haber solucionado el problema sino porque había hecho algo como mi papá, así, en mi pequeña mente de ocho años, me convertí en adulta. Desde entonces siempre estuve dibujando, cortando y confeccionando hasta que por fin me metí a estudiar la carrera. Dicen que uno no debe ir corriendo buscando el dinero, sino que uno debe seguir la pasión: ¡y así lo hice!

MFA: ¿Cuánto hace que estás en este rubro?

NVLA: Siete años pero, honestamente, como ya te he dicho, toda la vida.

MFA: ¿Cómo es la mujer para la que diseñas?

NVLA: Es difícil no proyectar un poco de una misma en las creaciones. Por lo mismo mis clientas tienden a ser como yo. Seria espectacular poder complacer a todas, pero para eso tendría que dejar de ser Nixia, ¿no?

En primer lugar, para mi producción diaria, cuando me pongo a dibujar, tengo en mente una mujer segura de sí misma y que quiere distinguirse de las demás, pero no de manera llamativa, si no porque realmente quiere expresar su individualidad. Estas mujeres comparten mi gusto básico el cual es clásico pero con toques divertidos y detalles del momento. En segundo lugar, para mis trabajos privados y realizados para ocasiones especiales, siempre busco formar un lazo de unión. Cuando logro establecer esa conexión mis clientas pueden expresarse a través de mis diseños.

MFA: ¿Tenés un modelo a seguir?

NVLA: Claro, me gustaría seguir el “business model” de Chanel: yo me dedico al diseño mientras otras personas -mi esposo- maneja todo lo que es mercadeo (marketing), cuentas, etc. Reconozco que la moda es un negocio como cualquier otro, pero de igual manera, aunque suene arrogante, me considero artista, por lo menos de personalidad artística y no me gusta invertir mi tiempo en los detalles que están aparte de mis diseños.

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MFA: ¿Cuáles son los diseñadores nacionales e internacionales que más te movilizan?

NVLA: Siempre he buscado “role models” dentro de mi propio mundo. Es fácil decir que uno admira a una figura famosa que tiene reconocimiento a nivel mundial pero: ¿realmente puedes inspirarte con una persona totalmente desconocida? En mi caso es difícil identificarme con una persona que solo veo en la televisión o en libros, ya que lo que sobran son ejemplos en mi propia comunidad.

Afortunadamente aquí en mi país hay diseñadoras que realmente me han servido de inspiración, no solamente como profesionales sino como mujeres modernas. Es un reto llevar el papel de esposa, madre y empresaria a la vez, asique estoy agradecida por el camino que ellas abrieron para nosotras las emergentes.

MFA: ¿Tomás en cuenta las tendencias de temporada o generas tu propia tendencia?

NVLM: Básicamente me guío por mi propio instinto, ya que pienso que seguir tendencias establecidas por otros no sería tan original. No sería auténtica, ni estaría representando quién soy yo. De igual manera, trato de estar pendiente, hasta cierto punto, de cuáles son los gustos del momento para complacer a mis clientas.

MFA: ¿En qué se diferencia tu marca de las demás? ¿Cuál es tu valor agregado?

NVLM: Desde siempre me han dicho que en toda la ropa que he diseñado -ya sea blusas, trajes o pantalones- hay un tema común, una conexión. Pero no estoy tan pendiente de ello, ni logro descifrar bien qué es. Es como las cosas que otros reconocen en ti, pero que uno mismo nunca puede ver. En cuanto a mi “valor agregado”, creo que es el hecho de que yo estoy directamente involucrada en la producción de cada pieza, desde el inicio hasta la entrega.

MFA: ¿Cómo comercializas tus productos? ¿Exportas?

NVLM: Viviendo en un país pequeño como Panamá el tema es un cuchillo de doble filo: por un lado, es fácil ser reconocida si trabajas bien, pero por el otro, estás demasiado expuesta. A través del buen trabajo te llegan clientas pero, para poder exportar –que es algo que está en mis planes- hay que hacer un doble esfuerzo. Por el momento -sin decir más- les cuento que algunos de mis productos ya tienen destino final en Europa. ¡Les aviso como me va!

MFA: ¿Cómo te definís como diseñadora? ¿Y como mujer?

NVLM: Es difícil verme a mí misma con objetividad. Soy la suma de muchas contradicciones, por un lado estoy muy decidida en mis gustos, pero a la vez abierta a explorar. Por otro lado soy fanática de lo formal, pero a la vez me gusta entretenerme con toques innovadores. Me considero estricta con ciertas normas y reglas del vestuario, pero a la vez siento la necesidad de divertirme.

Como mujer me han dicho que tengo un carácter ¡bastante fuerte!, aunque para mí es muy importante siempre ser cortés y no creo que nadie pueda decir que falto a los modales, de hecho, me encanta tratar con toda clase de gente, lo cual es una ventaja para toda persona comprometida en el mundo de moda.

MFA: ¿Cuál fue tu mayor satisfacción desde que te desempeñas en este universo fashion?

NVLM: La mejor satisfacción no la tuve ni en la pasarela ni cuando me pagan. Lo mejor es estar en un lugar público y ver a una extraña pasar llevando mi ropa puesta o con una de mis carteras en la mano.

MFA: ¿Cómo te sentiste participando del Fashion Week de Panamá?

NVLM: Me gusto mucho ver que a la gente le gustaron mis diseños. También fue muy conmovedor ver la solidaridad que hubo entre todos los diseñadores porque, aunque a veces se caracteriza como una competencia, el Fashion Week es realmente una colaboración entre todos y nos permite entregar al público algo artístico.

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Su última colección presentada en el Fashion Week de Panamá

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u nueva colección está dirigida a una mujer con un estilo definido, que quiere verse elegante y a la vez acorde a las tendencias de la temporada, sin ser una esclava de la moda.La propuesta busca resaltar lo nacional, reforzando la identidad cultural y dando a conocer a Panamá a través de la moda: aprovechando la gran cantidad de material para el diseño que su país le ofrece. Nixia trabajó inspirándose en las exclusas del Canal de Panamá y en el Puente Centenario, fusionando el arte y el diseño con el mundo de la arquitectura y la ingeniería.

“Aunque para el público, la idea central sea celebrar nuestro patrimonio, para mí, el puente tiene un significado personal ya que tiene que ver con mi carrera y mi vida personal: es una estructura que conforma conexiones entre puntos lejanos”, nos cuenta la diseñadora.

La colección está integrada por prendas cuya prioridad es la comodidad y la facilidad de combinación, que están elaboradas con materiales obtenidos tanto localmente como en el extranjero, especialmente en Francia. Con bases textiles acordes al clima del país (algodón, hilo y seda); con texturas, ligeras, frescas y exquisitas; con transparencias y con detalles de recamados en metal, Nixia ha logrado mostrar elegancia y sobriedad.

Por Alexandra Muraco

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Revista Digital

Moda FusionARTE y Amala Conciencia Pura junto a FG Studio Imagen Te invitan a una charla sobre Asesoramiento de Imagen La charla estará a cargo de Mariel Gutiérrez, Asesora de Imagen y Personal shopper, en la misma se trataran diversos temas como tipos de cuerpos, rostros, siluetas, estilos y todos los secretos para verte linda frente al espejo.

Animate y veni a aprender todos los secretos de la imagen.

20 de Agosto de 19 a 21 hs Te esperamos en: Amala Conciencia Pura Espacio de diseño Indumentaria y Antiguedades Shopping Caballito Rivadavia 5108 local 126 Subsuelo

Moda Nacional Desfile Moda Futurista Hoy en la Fundación Proa

Mundo nuevo, moda nueva

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Foto Gentileza Gonzalopepe y Fundación Proa

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l verdadero objetivo del Futurismo no era simplemente reemplazar una moda por otra sino abolir el sistema mismo de la moda diseñando el vestuario como una obra de arte, lo cual tuvo mucho más que ver con aplicar el dinamismo futurista a todas las cosas de la vida diaria, que con la lógica mercantil de la moda. En 1914 Giacomo Balla publicó el manifiesto futurista sobre la vestimenta antineutral llamado “El traje masculino futurista”, en donde acusa al traje antiguo de representar “la negación de la masculinidad, la cual se enfoca en un antihigiénico pasado de telas pesadas y medios tonos aburridos, afeminados o decadentes”. En contraste con la ropa del pasado, el nuevo vestido futurista sería dinámico, asimétrico, ligero, simple y confortable, higiénico, alegre, revelador, voluntarioso, ágil, y sobre todo, variable. Las principales razones para estas cualidades eran “el deporte, y la necesidad de variar muy frecuentemente el entorno”. La ropa futurista de Balla se variaba o transformaba mediante el uso de modificadores (piezas de tela de diferentes tamaños, espesores o colores) que se podían colocar “a voluntad en cualquier parte del vestido, con botones neumáticos”. El impacto de los modificadores no se limitaba solo a su color o textura: algunos eran perfumados.

Este extracto de Against Fashion: Clothing as Art, 1850-1930 publicado por The MIT Press (©2004, Massachusetts Institute of Technology), fue quizás uno de los tantos textos que los 400 alumnos de la cátedra de Diseño de Indumentaria y Textil de Andrea Saltzman (UBA), investigaron para poder materializar el magnífico desfile que cerró la muestra El Universo Futurista en la vereda de la Fundación Proa. Lejos de las olas polares que estaban por venir la tarde del 4 de julio, se perfilaba como una tarde de domingo más en la Vuelta Rocha, salvo por la enorme pasarela montada en plena calle, por la gran cantidad de gente acumulada y por la adrenalina que fluía en derredor.

La señal de partida la marcó el comienzo de la pieza musical creada por Carlos Campos a partir de las grabaciones de los sonidos que día a día inundan el edificio de Proa, desde una silla que es arrastrada hasta el desplazamiento del ascensor, y continuó con los cientos de trabajos de los alumnos de Diseño de Indumentaria I, II y III. El desfile, según el comunicado de prensa, presentaría cuatro núcleos de investigación y trabajo: vestidos adherentes a modo de tatuaje con motivos futuristas; resignificación del traje masculino, cuestionando los conceptos de severidad y aportando confort, identidad y flexibilidad; nomadismo urbano y vestimenta transformable, adaptable a diferentes contextos a partir de la valoración del aspecto lúdico y el movimiento con trajes danzantes con efectos cinéticos.

Lo que el desfile presentó en realidad fue el arduo trabajo de más de un mes de cientos de alumnos, 140 de los cuales desfilaron las prendas, con un nivel de diseño y compromiso conceptual impecable, en una vibrante explosión de color, formas, movimiento, signos y palabras que hubiera dejado con la boca abierta hasta al mismísimo Tomasso Marinetti. Los vestidos y enteritos de lycra, teñidos y pintados a partir de obras del movimiento y acompañados por medias y zapatos también coloreados por los estudiantes, se sucedieron sin tregua en series de a cuatro; cuando la mente ya pedía un respiro los deconstruidísmos trajes masculinos hicieron su aparición. En medio de la comprensión de tipologías y colores que uno, lamentablemente, no está habituado a ver sobre una pasarela, de pronto un rostro resultó extrañamente familiar, la ovación de la gente reforzó la sensación y nos dimos que, como uno más, acababa de subirse a la pasarela nada más ni nada menos que Martín Churba, alumno de la cátedra en épocas pasadas, en un gesto que solo un grande podría tener con estos futuros diseñadores. Las excelentes tipologías urbanas transformables que siguieron fueron solo el comienzo de un final demoledor con surrealistas criaturas que no pararon de danzar y desplazarse acompañadas, en una perfecta sintonía, por las formas, colores y texturas de sus trajes. Cuando, sin dejar de contornearse, las extrañas medusas, erizos, pájaros, caracoles y mariposas bajaron para mezclarse con parte del público y despejar la pasarela para la pasada final, la bacanal fue completa: miles de imágenes, colores, formas y sensaciones se reunieron para saturar nuestras almas y hacernos gritar: ¡viva el futurismo!

Por Andrea Castro

Fotos Andrea Castro

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Entrevista a Jessica Bellomo

Cuando el diseño se fija en la historia

Por Andrea Castro

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essica Bellomo siempre supo que algún día iba a diseñar ropa. A los cinco años dibujó a una dama antigua enfundada en un traje rosa viejo y negro y, durante sus años de colegio, se llevó varios retos porque customizaba su uniforme. Si bien siempre le gustó escribir y dibujar, el mundo de los trajes de época la fascinó por completo durante una excursión que realizó al Teatro Colón, a partir de ese día en su casa no se escuchaba otra cosa que: “mamá llevame al museo”. Hacia los 13 años su camino comenzó a tomar un rumbo definido ya que, como en general no le gustaba la ropa que veía en los locales, empezó a transformarla, primero para sí misma (diseñaba las prendas que usaba para ir a recitales) y después para venderla en ferias. De más está decir que ella diseñó y materializó su vestido de 15 años y, unos años más tarde, el de su graduación; que no vaciló en ir a buscar modelos a un taller de teatro porque necesitaba que supieran actuar y que es capaz de fusionar todo tipo de prendas para crear imágenes nostálgicas compuestas por divas de cine, milongueras y damitas estancieras de principios del siglo XX. MFA: ¿Cómo aprendiste a coser desde tan chica?

Jessica: Aprendí mirando, ya que mi mamá siempre se dedicó a la costura y mi abuela cosía camisas de Christian Dior.

MFA: ¿Cuáles son tus principales referentes a la hora de diseñar?

Jessica: Todo lo que tenga que ver con las artes dramáticas y la época de oro del cine argentino, me encantaba ver las películas de Zuly Moreno y Mirtha Legrand, también las de Audrey Hepburn y Sofía Loren, que dicho sea de paso, es mi ideal en cuanto a silueta femenina. También me baso en las similitudes que encuentro en las prendas de diferentes culturales, tanto occidentales como orientales. Me gusta fusionar elementos provenientes de diferencias culturas y épocas para generar diseños funcionales, cómodos y poéticos a la vez.

MFA: ¿Cómo definirías tu estilo?

Jessica: Mis prendas se podrían enmarcar dentro de un Prêt-à-Couture vanguardista, ya que no son estrictamente de alta costura, pero tampoco de Prêt-à-Porter. La mujer de hoy en día, según mi punto de vista, tiene que volver a recuperar su femineidad, sin dejar de lado la comodidad y la funcionalidad. Es verdad que hoy estamos a full, pero no se puede ir por la vida vestida de “cachito” con pantalones de tiro bajo y remerita de modal.

MFA: ¿Cuál es tu propuesta entonces?

Jessica: Mi marca se basa en dos básicos fijos que la definen, la remera-corset y el kimono con cinturete (camisola con mangas regulables y faja tipo corselete). Estas tres tipologías se pueden combinar de diferentes maneras con prendas como pantalones, faldas o calzas, y funcionan para diferentes ocasiones de uso, ya que se pueden usar tanto para ir a trabajar como para una fiesta. El secreto está en la combinación y en los detalles. Algunos de esos detalles acompañan a las prendas en forma de valor agregado, ya que muchas de ellas se venden acompañadas por diferentes tipos de prendedores y camafeos.

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MFA: Estoy intrigadísima con la remera-corset, ¿Me contás cómo es?

Jessica: Nace de la fusión de una musculosa de tela plana con un corset de época, estiliza como un corset pero no aprisiona el cuerpo ni está emballenada, por supuesto. La remera se coloca por la cabeza como una remera común, el secreto es que posee dos cierres laterales que, una vez puesta, la entallan a gusto del usuario. En el frente tiene el típico cerramiento cruzado de los corset de época (en forma de cordón elastizado con pasamanería o arandelas) que también se puede ajustar o dejar como mero elemento decorativo. Los modelos están disponibles en telas opacas y diseños simples para el día y en brocatos más ornamentados para la noche.

Fotos cortesía Jessica Bellomo

MFA: ¿Quiénes te compran?

Jessica: Cuando comencé con la marca mi idea era que, por el tipo de prendas, seguramente el mayor mercado iba a estar entre las veinteañeras vintage que aman los años 40 y 50. Pero, para mi sorpresa, se empezaron a sumar las madres de esas chicas, que principalmente consumen mis camisas. Estas prendas tienen un gran trabajo de moldería ya que, si bien las confecciono en telas sobrias, presentan alforzas, pinzas y espaldas elastizadas.

MFA: ¿Con qué textiles y paletas de color trabajás más a menudo?

Jessica: Las telas que uso son agradables y fundamentalmente de buena calidad, tienen que seducir pero no distraer en la tipología, uso mucha muselina, cotton satén, arciel, poplin, batista y lino. En un principio la paleta de color estuvo dominada por los acromáticos (blanco y negro) con algunos acentos en lila y natural. Hoy ya estoy incorporando el rojo, el azul, el celeste y el rosa, pero no en su tonalidad tradicional, sino más volcados a un concepto entre navy y funk cincuentoso.

MFA: ¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?

Jessica: En primer lugar quiero explotar, en bordados y texturas, todas las posibilidades de la cinta de organza que, al igual que las transparencias, es el distintivo de la marca y, en segundo lugar, quiero aprender a delegar. El tema de la confección es una lucha cotidiana.

Ya estoy programando mi nueva colección, que lanzo el 20 de agosto, en la que pienso incluir algunos conjuntos de ropa interior y mallas y estoy avanzando en el hecho de que la marca también ofrezca servicios.

MFA: ¿Cómo es eso?

Jessica: Siempre luché porque se considere al diseño como un arte, una diseñadora de modas no es una chica tonta que cose pavaditas, por eso comencé a incursionar en la producción de modas en general y, específicamente, en la de eventos de moda. Mis desfiles son acting de pasarela, verdaderos ciclos de moda y arte a los que se suma el humor, la música y el trabajo de artistas plásticos. Junto a Cintia Pérez de Reina Margot creamos Bellomo-Margot y ya inauguramos el ciclo de producciones.

MFA: ¿Cómo te ves de aquí a un par de años?

Jessica: Como la bandera del diseño y del arte argentino.

http://www.jessicabellomo.com.ar http://www.facebook.com/pages/Jessica-Bellomo/364398770... http://jessicabellomo.blogspot.com

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Reyes y Reinas S

abrina Saad hace tiempo que está ligada al mundo de la confección de prendas básicas para la industria mayorista. Sin embargo, su personalidad inquieta y creativa y la gran facilidad que siempre tuvo para lo artesanal, la llevaron a buscar un nuevo lugar desde donde poder responder a las necesidades de la gente. Comenzó por perfeccionarse en diseño y a realizar prendas de autor hasta que su cumpleaños número 40 le puso una nueva oportunidad en el camino. Sabrina recordó, el 17 de marzo del 2007, algo que siempre le decía su mamá: “el día que seas grande vas a poder tener tu propio perro”. Ese mismo día decidió que era lo suficientemente grande para hacer esas palabras realidad. Así llegó a su vida Olivia, una blanquísima Caniche Toy que se transformó en la mimada de la familia. Al llegar el invierno abrigar a la cachorrita fue todo un desafío: en ese momento Sabrina se dio cuenta que todo lo que había en el mercado era lisa y llanamente horrible. “Decidí hacerle algunas prendas yo y desde ahí no paré más, primero fueron los amigos, después el veterinario de la vuelta, y más tarde veterinarias hasta del interior del país”. Como no es ninguna improvisada, a pesar de su experiencia en confección, hizo un curso específico de prendas para mascotas, ya que tanto la moldería como las progresiones son totalmente diferentes. Luego de presentarse en la feria Puro Diseño por dos años consecutivos (lo cual significó una explosión a todo nivel para la marca) hoy, Reyes y Reinas, está en franco crecimiento, no deja de incorporar nuevas ideas y productos y hasta realiza una campaña solidaria.

Al ingresar a su página web uno se encuentra con el logo (inspirado en Olivia) y el slogan de la marca: compartir un mismo estilo. Sabrina es contundente: “la idea no es ni disfrazar, ni ridiculizar a la mascota sino tener respeto por su comodidad. Las prendas deben proveer abrigo, confortabilidad, funcionalidad y estilo, ya que nuestra idea es que si el dueño es rockero, fashion o hippie, su mascota pueda identificarse con él”. Sus productos no son ni complicados, ni estrafalarios y tienen un precio accesible: “esto no es elitista, nuestros clientes son personas comunes y corrientes que aman a sus animales, no le vendemos a Susana ni a Paris Hilton”. Olivia y Dora (Boston Terrier), sus dos perras y modelos demuestran que los diseños cubren todas las razas y tamaños de animales: en la página web hay una tabla de medidas y un ingenioso sistema para que cada uno pueda medir y calcular el talle del propio can. En relación a los estampados, Sabrina nos cuenta que la vedette es el animal print (las típicas huellitas fueron desechadas por obvias y trilladas), que da el toque fashion a través de diseños de leopardo, cebra y croco. También los hay escoceses, florales o rayados: “aunque siempre mantenemos nuestro estilo, tratamos de adaptar las últimas tendencias de moda a las colecciones”. Las líneas de productos son varias: indumentaria (capas, pilotos, buzos, remeras, conjuntos y vestidos); accesorios, tanto para las mascotas (cuellitos, dijes y toallones) como para sus dueños (llaveros y bolsos); camas, moisés y colchonetas (cuchas bah); collares y correas (en todos los colores y estampados); juguetes y comederos y maniquíes. Aquí vale la pena detenerse porque los maniquíes articulados para vidrieras, con forma de perro, no existían en el mercado hasta que Sabrina se dio cuenta de que las veterinarias no tenían forma de exhibir adecuadamente sus productos. “En general las veterinarias amontonan en sus vidrieras gigantescas bolsas de comida o a los animalitos que venden, tristemente enjaulados. Reyes y Reinas les propone un muñeco articulado para exhibir no solo prendas sino también correas, chucas, o juguetes”.

Como la cabeza de esta mujercita no para nunca y, teniendo en cuenta el retorno a los juguetes didácticos y artesanales que se está viendo en el mercado, a Sabrina se le ocurrió que su maniquí también se podía transformar en un juguete artesanal. En solo un par de días y junto a Bettina Cositorto, creadora de la editorial Nazhira, nació “Mi pequeña mascota”, un cálido muñeco que se comercializa junto a una capa blanca de tela de avión y un librito para que los chicos coloreen, en ambos casos, mientras aprenden a cuidar a las mascotas. Gracias a la empresa Pelikan, que les donó los materiales de pintura, la iniciativa se transformó en solidaria: parte de lo recaudado por la venta de cada uno de los muñecos se convertirá en material didáctico, que se donará a la escuela hospitalaria y a los pacientes oncológicos del Hospital de Niños Pedro de Elizalde desde el Día del Niño hasta fin de año.

En palabras de Sabrina: “Reyes y Reinas es pura pasión, es un punto de encuentro donde se une el amor y el respeto por nuestros animales, porque estamos convencidos que en la vida nada es más lindo que compartir”.

Por Andrea Castro

Para saber más: www.reyesyreinas.com Mi pequeña mascota: info@editorialnazhira.com.ar 4308-1521 o 1566613787

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Reyes y Reinas nos a obsequiado gentilmente un set para tu mascota integrado por 2 juguetes y un comedero. Si te lo querés ganar mandá un mail con tus datos a concursos@modafusionarte.com.ar

: La esencia de la unión y el éxito familiar. rnella, Carla y Mora son quienes dan vida a Basilotta, son el corazón que late en cada prenda y en cada diseño. A las tres hermanas que lograron unir los pilares que necesita una empresa, como son el diseño, la administración y la imagen se suma, en esta temporada, Franco. El es el cuarto hermano, el benjamín de la familia y con el que se completa finalmente esta empresa. La misma es, desde su esencia, familiar y, viendo su progreso durante estos 7 meses, desmiente el mito que afirma que es muy difícil llevarse bien trabajando en familia. En Basilotta cada uno de sus integrantes tienen un rol y una responsabilidad, pero funcionan en conjunto, conformando un todo que le da vida a una marca que hoy ya tiene su local en Palermo, que gira por el interior del país y que, como proyecto a futuro, podremos encontrar en el exterior.

El 29 de julio las hermanas Basilotta lanzaron su nueva colección Primavera – Verano 2011, que lleva el nombre “Carnaval toda la vida” en Datil de Patricia Alfie, un lugar romántico y cálido. En él pudimos apreciar las prendas de esta nueva temporada y enterarnos, gracias a Ornella, que se reunieron previamente con Patricia para ultimar detalles y elegir una decoración en composé con las mencionadas prendas, las tazas floreadas y las mesas con dulces. De esta manera, en cada lugar donde uno mirara, podía encontrar el espíritu de la marca.

Entre todos los asistentes, muchos de ellos periodistas y clientes mayoristas, Ornella se hizo un rato para charlar con Moda FusiónARTE y contarnos algunos detalles de la marca. Basilotta principalmente tiene un mercado mayorista que vende a todo el interior del país, respetando la premisa de exclusividad zonal, Ornella confiesa: “no hacemos más de treinta prendas, quizás llegamos a cincuenta pero es una excepción, preferimos mantener la exclusividad de la marca, y en lugar de producir el mismo diseño, crear nuevos”.

Esto es lo que les permite tener a la vez, variedad, exclusividad y nuevos clientes.

En cuanto a los talles, nos cuenta que manejan el S, M y L, aunque hay prendas de talle único que se adaptan muy bien. Sus diseños se caracterizan por no tener edad, ya que tanto una adolescente como una señora más grande pueden animarse a usarlos, eso es lo que más la gratifica además de, nos confiesa, asesorar a sus clientas en cuanto a imagen: en algún momento le gustaría incorporar ese servicio a la marca. A pesar de que están avanzando a pasos agigantados, ya que acaban de presentar su segunda colección y ya inauguraron su primer local de venta al público en Palermo, se nota que miden cada paso, analizándolo y estudiándolo detenidamente.

En cuanto a su nueva colección Ornella relata que se inspiraron en el carnaval como consecuencia de la crisis por la que pasamos y continuamos transitando: es una forma de transmitir alegría y llevar su espíritu al diseño. Para lograrlo trabajaron con una paleta de colores cálida y alegre, donde no faltó el amarillo, el rosa, el verde agua, el coral y el lila, sin dejar de lado los infaltables atemporales que son el blanco y el negro.

También combinaron géneros lisos con florales, puntillas con algodones, baticks hechos manualmente y en pequeña escala, volados, cintas y lentejuelas.

Un detalle para destacar es que Ornella, a la hora de diseñar su colección, tuvo muy en cuenta los cambios climáticos que estamos sufriendo, por lo que la separó en dos líneas: una de media estación levemente más abrigada, donde podemos encontrar sacos, tejidos y textiles más pesados; y otra más fresca y relajada en linos, gasas, satenes, y demás telas bien de verano.

Ornella define esta colección como: “alegre, con un toque romántico, naif y fresca”. Nosotros definimos a Basilotta como una marca ideal para acercarse a conocer y descubrir.

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Por Alexandra Muraco

Local: Gurruchaga 1532 - Palermo - Tel: 4832-1859 www.basilotta.com

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V ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO

Para más información sobre el Encuentro: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/

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Fotos cortesía Universidad de Palermo

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el 27 al 30 de Julio la Universidad de Palermo nos albergó muy gentilmente, brindándonos sus instalaciones y recursos para que podamos disfrutar de uno de los eventos académicos más importantes del año. Personalmente pude vivir la experiencia desde dos lugares, como conferencista y como participante, y me encontré con un verdadero encuentro de estudiantes, docentes y diseñadores llegados desde toda América Latina. Fue un desafío escuchar la gran cantidad de acentos y tonadas diferentes, tratando siempre de adivinar de qué lugares provenían, y hasta tener que improvisar un tímido portuñol; pero nada impidió la comunicación, porque las imágenes, las prendas, las ganas de aprender y la vitalidad que se respiró en los pasillos y salones pudo más que cualquier barrera idiomática o de costumbres. La moda y la sustentabilidad, la indumentaria tecnológica, la historia del arte y de la moda, el diseño gráfico, editorial y publicitario, la cacería de tendencias, fueron algunas, solo algunas de las cientos de actividades que se pudieron disfrutar en 3 días que se vivieron a pleno.

El cierre fue un verdadero lujo, con una conferencia de Norberto Chaves (El feliz desengaño: más allá del diseño hay vida) y una mesa en la que debatieron todos los invitados de honor sobre la actualidad del diseño latinoamericano, el rol de los nuevos profesionales de la disciplina y las perspectivas del futuro de la actividad. A pesar del frío y la lluvia el auditorio de la sede ubicada en la calle Salguero estuvo colmado con casi 500 personas que escucharon muy atentamente a los invitados de honor: Alejandro Magallanes (México), América Sánchez (Argentina), Norberto Chaves (Argentina) y Felipe Taborda (Brasil); los cuales destacaron la importancia de las palabras y la observación en el diseño. “No pienso que una imagen vale más que mil palabras, porque las palabras son imágenes”, explicó el diseñador Alejandro Magallanes.

También definió su profesión como el juego y el trabajo “con letras e imágenes”, aseguró que se emociona cuando ve los “trabajos impresos y repetidos” y dijo que “el diseño tiene la capacidad de generar memoria colectiva”. América Sánchez describió el placer que le provoca su profesión como diseñador: “estoy muy orgulloso de vivir de dibujitos, es un lujo total” y defendió “a rajatabla” la importancia del trabajo y la caligrafía manual en su profesión. “Gozo cada vez que tengo que escribir un número y por eso lo hago lentamente, lo mío es casi sensual”. Emocionado por la pasión que expresó Sánchez por el dibujo, Norberto Chaves aclaró: “el arte gráfico no es sólo el de las grandes manifestaciones de la plástica. Escribir en un papel una frase como te quiero mucho, llamame también es gráfica, porque escribir es dibujar letras”. Chaves, dijo además ser un gran observador de la realidad, lo que desarrolló su capacidad interpretativa a lo largo de los años, y comentó que estas habilidades lo ayudaron a entender y responder a las demandas de los clientes en su trabajo como asesor de imagen corporativa. Felipe Taborda cerró la conferencia y, al igual que Chaves, subrayó la importancia de la observación. Taborda habló del “furor visual” como la constante “necesidad de querer agarrar todo con nuestros ojos”. Moda FusiónARTE estuvo presente en este importante evento a través mío y de la ponencia: “Buenos Aires: una ciudad que marcaba tendencia en el siglo XIX” que pueden disfrutar en su formato original en el siguiente link: http://www.slideshare.net/encuentro2010/slideshows/3.

Por Andrea Castro

ModaFusionARTE

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REVISTA DIGITAL

Estuvo Presente en el V Encuentro Latinoamericano de Diseño Organizado por la Universidad de Palermo Andrea Castro, Jefa de Redacción de la Revista dio la Charla “Buenos Aires: Una ciudad que marcaba tendencias en el Siglo XIX”

¡¡¡¡Gracias a todos los asistentes!!!!

Belleza Lanzamiento Perfume Marina de Bourbon

Con aroma a Francia barroca E

n el mes de julio desembarcó en la Argentina Marina de Bourbon, princesa de una de las familias más famosas de Francia. Llegó con Reverence, su clásica fragancia femenina. Marina De Bourbon fue desde siempre, y por muchos siglos, un símbolo de poder y de gloria, hoy se ha convertido en un signo de prestigio, estilo, buenos modales y refinamiento francés.

La reverencia, un gesto de respeto tradicional de todas las épocas y culturas, estaba reservada en Europa solo a los cortesanos; hoy en día, solamente es privilegio de príncipes y princesas. Esto se debe a que la sociedad aristocrática sigue manteniendo viva esta tradición, con la emoción de la celebración y para no olvidar a un mundo antiguo, tradicional y romántico. En honor a esta tradición Marina de Bourbon lanza su nueva fragancia.

Reverence es una conjunción entre la modernidad y lo barroco que viaja desde la pureza a la ostentación. Es un deslumbramiento de colores, sensaciones y emociones, que recorren el mundo antiguo.

Notas de Cabeza La frescura de la bergamota, combinada con el picante de la pimienta, revela la fragancia en la primera aplicación.

Notas de Corazón La dulzura y el brillo de los frutos rojos, la transparencia del té de jazmín, la suavidad de la rosa y la deslumbrante ciruela crean un aroma inconfundible y encantador.

Notas de Fondo Lo oriental está dado por el sándalo y el almizcle, que le brindan sensualidad y misterio a la fragancia.

Para compartir este gran acontecimiento la marca invitó a la prensa al Hotel Caesar Park. Los invitados fueron recibidos al majestuoso desayuno con una decoración a tono con la fragancia, cuyo dulce aroma se podía sentir en el aire. Mientras Esther Castrogiovanni comentaba los secretos de esta novedad, en el mercado de la coquetería femenina, se proyectaban imágenes de Francia para reforzar la bucólica puesta. El evento contó con la presencia de la señora Leonor Benedetto, considerada una representante de la belleza femenina en nuestro país.

Reverence ya se puede conseguir en las mejores perfumerías del país acercarte a descubrirla y a vivir un verdadero cuento de príncipes y princesas.

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Espacio de Publicidad

Arte Entrevista a Ileana Catalano y Sol Rodríguez

Coaching Artístico Ileana Catalano y Sol Rodríguez están innovando en la fusión del arte y el coaching ontológico proponiendo un interesante taller de desarrollo de proyectos dirigido a estudiantes, artistas plásticos y almas inquietas, (formados o no en bellas artes) que busquen expresarse, decir y comunicar. Moda FusiónARTE tuvo la oportunidad de interiorizarse en el tema a través de una amena entrevista con sus protagonistas MFA: ¿Qué es el coaching ontológico?

Sol: Es una disciplina relativamente nueva que ayuda a las personas a cumplir con sus objetivos (ya sea realizar un cambio en su vida, mejorar las relaciones, establecer metas y lograrlas, desarrollar una actitud diferente, mejorarse como líder de proyectos personales) desarrollando una visión más amplia y clara de su realidad. Trabaja con la idea de ser observador de uno mismo y aprender de los procesos, dando nuevas posibilidades de acción.

Ileana: Amplia la visión que tenemos de nosotros mismos y de lo que generamos, dándonos la posibilidad de diferenciar entre el gran bagaje de juicios con los que vivimos y que nos limitan para accionar de nuevas formas y ser consientes de los hechos. El coaching me dio a mí las herramientas para generar un cambio real, modificando mi accionar y de ese modo pude superar un bloqueo artístico.

MFA: ¿Cómo lograron fusionar una disciplina como el coaching con el arte?

Ileana: Después de mi maternidad y la crisis de identidad que eso representó para mí, viví personalmente un bloqueo creativo muy grande y una amiga en común me conecto con Sol: Empezamos a vivir el proceso inverso, Sol me “coacheaba” y yo la ayudaba a trabajar sobre unos proyectos artísticos que ella tenía inconclusos. La fusión fue maravillosa y los resultados enriquecedores. Eso nos dio la pauta para desarrollar un taller perfeccionando lo que intuitivamente se dio entre nosotras.

MFA: ¿Cómo se supera un bloqueo creativo?

Sol: Normalmente, si hay un bloqueo se da en lo creativo y paralelamente en todos los ámbitos de la vida porque somos una unidad. Este bloqueo puede tener que ver con una opinión que se tenga sobre uno mismo, por ejemplo: “no voy a poder hacerlo”, “no tengo tiempo”, “no tengo recursos económicos”, “ninguna galería me va a aceptar”. O puede ser un bloqueo emocional (enojo quizás) o corporal, que no me permita pasar a la acción concreta. Se trata entonces de llegar a que la persona se contacte con el bloqueo, se observe, se transforme en un espectador para tener más claridad, y pueda generar un cambio consiente, que se vea reflejado en todos los ámbitos: personal, laboral, artístico, etc.

Ileana: Desde lo artístico se pueden utilizar pequeños ejercicios para despertar la creatividad y, de a poco, ir llegando a la temática de fondo, que generalmente está ligada al bloqueo que se produjo.

MFA: ¿Qué tipo de formación le recomendarían a alguien que quiera profesionalizarse en el mundo del arte?

Ileana: Desde mi experiencia personal, siendo ayudante de Cátedra del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte), noté siempre que la formación que se da es puramente técnica e histórica. No se ayuda a que los alumnos se conecten con el mensaje y el sentido que el arte tiene para cada uno. Lleva mucho trabajo de introvisión encontrarlo. Esa búsqueda es apasionante y está viva. Descubrir las temáticas subyacentes en uno mismo te da una coherencia en tus trabajos que te sirve para encarar toda tu carrera artística. Creo que la formación técnica es importante tanto, como tomar conciencia de quién sos y que deseas transmitir.

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Por Andrea Castro

MFA: ¿Cómo definirían a un artista plástico?

Ileana: Como una persona que tiene la capacidad creativa y las herramientas técnicas para transmitir una mensaje universal a través de su obra. Como artistas plásticos siempre debemos contemplar al receptor y su contexto para acortar brechas.

MFA: El arte contemporáneo y sus múltiples manifestaciones, ¿brindan hoy una mayor posibilidad de expresión?

Ileana: por supuesto. Hay un abismo entre las academias del siglo XIX y el Facebook. Hoy podes contar con herramientas técnicas, tecnológicas y globales que antes no existían ni como posibilidad. Hay artistas que trabajan con fotografías tomadas con celulares y las circulan a través de mensajes multimediales. Hoy cualquier manifestación puede ser arte, siempre que se le dé un sentido artístico.

MFA: ¿Se necesita una gran inversión para montar una muestra?

Ileana: No necesariamente, pero si se necesitan recursos. Y eso es parte del ser creativo. Sol: Lo más importante es saber cuál es tu intención verdadera e ir progresivamente hacia ese objetivo. Podes lograr cualquier cosa a partir de ser consciente de cuál es tu punto de partida: tus herramientas y tus limitaciones.

También podes aprender a generar conversaciones efectivas para coordinar acciones con otros que te ayuden a montar la muestra. Es importante saber pedir, ofertar y aprender la dinámica de los compromisos.

MFA: ¿Se puede vivir del arte?

Ileana: el arte es una opción de vida, a partir de eso generas vos la posibilidad que el arte sea redituable.

Sol: creo que como seres humanos tenemos un gran potencial y podemos lograr lo que queramos. Podemos desarrollar actitudes, estados emocionales, acciones que nos permitan cumplir nuestros sueños o que nos mantengan alejados de ellos. Conozco muchísima gente que vive de lo que le gusta, también del arte, y creo que es clave para estar en armonía, porque sos coherente entre lo que sentís, pensas y haces.

El taller propone como punto de inicio el hecho de poder identificar las ideas, inquietudes o inspiraciones, para luego transitar todas las instancias de creación de obra/s (incluyendo desbloqueos, incertidumbres, caudal creativo, etc.). Los docentes acompañan el proceso generando contención, desarrollando una actitud profesional en los alumnos y ampliando las posibilidades a la hora de definir cuál será el método de circulación de obra según las necesidades. Dicho proceso finaliza con el armado de carpeta, blog, revista o web para la presentación adecuada de cada proyecto.

Docente de Arte: Ileana Catalano, Coach: María Soledad Rodríguez.

Informes: 1554726118 - e-mail: semillasdelavida@gmail.com www.semillasdelavida.blogspot.com

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ARTE EN LA TORRE

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principios de este año la empresa YPF inauguró un espacio de arte en su sede de Puerto Madero, más precisamente en la planta baja del edificio diseñado por el reconocido Arquitecto Cesar Pelli y conocido como la Torre YPF. El mismo está destinado a mostrar la producción de importantes artistas contemporáneos a través de proyectos especialmente concebidos para ser albergados en él. La artista rosarina Nicola Costantino fue la segunda convocada para intervenir este espacio con su nuevo proyecto relacionado con el cine. “Trailer” es una gran instalación que exhibe los espacios en los cuales se ha desarrollado y filmado la historia de Nicola y su nueva creación: su doble, Nicola artefacta. Conformando una metáfora perfecta del dilema al cual se enfrentan hoy en día miles de mujeres, Nicola, recurrió una vez más a la autorreferencia para plasmar el cimbronazo físico y emocional que significó para ella convertirse en madre. Duplicarse pareció ser la solución ante la nueva situación como madre y como artista que por, estos días, le está tocando vivir.

La planta baja del edificio fue ocupada por trailers, parecidos a los que utilizan los equipos de filmación de exteriores, dentro de los cuales podían verse, congelados en una escena y desde diversas perspectivas, momentos de lo que pasó entre Nicola y La Artefacta. La historia se terminaba de completar con la proyección del trailer de Trailer, valga la redundancia, casi cuatro minutos de una intensidad dramática y simbólica conmovedora.

Las imágenes del film comienzan en su luminoso estudio, describiendo “lo soñado”: el momento en que Nicola se entera de su embarazo. Poco a poco se van volviendo más sórdidas y oscuras, ya que algunas escenas del final se cuelan y a la vez se encadenan con las que muestran la creación de La Artefacta. En un taller que ahora luce transformado en una especie de tenebroso laboratorio y mientras su propia panza crece, Nicola recurre a su experiencia como escultora para duplicarse. Moldea el cuerpo, lo pinta con aerógrafo, ajusta y pule las articulaciones, le inserta las pestañas y pinta sus uñas. A esta altura de la película las asociaciones y las paradojas ya son varias: Nicola engendra dentro suyo una nueva vida, que llevará en sus genes una parte de ella misma y, a la vez, da vida a su doble, que no es otro que ella misma transformada y convertida en un ser artificial. La artista luce feliz y satisfecha, cuida a su doble, la viste, la integra a su vida y a su obra (las fotografías en gran formato son impecables), como si fuera una hija. “La Nicola Artefacta existe por obra de mi creación; su alteridad refuerza mi identidad. Dos cuerpos, una sola alma. El mejor encuentro es con uno mismo: mi doble es un antídoto contra la soledad”.

Lentamente la presencia de La Artefacta va ocupando más espacios y lo que parecía funcional se convierte en descarnado. Ese ser que le permitía desdoblarse y tener un otro que hiciera las cosas cuando ella necesitaba descansar, comienza a tener demasiado protagonismo en su vida y en la de su bebé recién nacido. “Es un extraño cadáver viviente…idéntica a mí pero sin estar embarazada, interactúa conmigo embarazada. Ella parece escindida y en un momento se torna amenazante y perversa”. Nicola nos dice que “el doble es lo ominoso” y nos recuerda que al final siempre llega “lo inevitable”: desde lo alto de una rampa Nicola deja caer a La Artefacta, la destruye (“uno se odia y se ama a la vez, sin ser más que víctima de uno mismo”) o simplemente la deja ir, como toda madre debería dejar ir a su hijos al obligarse a no pensar que por ser de su creación son una parte inseparable de sí misma.

Por Andrea Castro

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Youtube: Nicola Costantino-Trailer

Cortesía Catálogo Fundación YPF

Torre YPF: Av. Macacha Güemes 515 PB - www.fundacionypf.org.ar Próxima muestra: Esteban Álvarez - Del 11 de agosto al 1 de octubre.

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IMÁN: NUEVA YORK

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Fotos: Cortesía Fundación Proa

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l final de la Segunda Guerra Mundial partió en dos al siglo XX y produjo numerosas consecuencias sociales, políticas, económicas y culturales. Una de estas últimas fue el desplazamiento del epicentro del cambio y la experimentación artística de París y Nueva York. Durante los años 60 Estados Unidos se transformó en la usina creativa del mundo, opacando a una Europa que intentaba recuperarse de las profundas heridas que habían dejado en ella la guerra y el Holocausto. Paralelamente el Instituto Di Tella y los jóvenes vanguardistas revolucionaban la escena nacional, generando momentos de ebullición creativa pocas veces vistos por estas pampas. Gracias a los concursos y muestras programadas por el Di Tella llegaron a Buenos Aires muchos artistas y curadores, para oficiar como jurados, sumarse a los happenings y performances, dar charlas y conferencias. El intercambio fue recíproco y muchos artistas argentinos viajaron a Nueva York para mostrar sus obras y proyectos gestados en el país y para empaparse de lo que fue el imaginario visual de una época. Una de las frases de cabecera de Luis Felipe Noé describe muy bien el momento histórico: “cuando viajé con Jorge de la Vega a Francia me di cuenta de que nosotros acá hablábamos de París y en París hablaban de Nueva York”.

La excelente muestra, recientemente inaugurada en la Fundación Proa y curada por Rodrigo Alonso, es histórica ya que reúne obras, proyectos, documentos, libros y fotografías que rescatan no solo la labor de nuestros plásticos, sino que también ponen el acento en el rol de instituciones y personajes como Jorge Romero Brest que trabajaron desmedidamente para ayudar a generar y difundir el arte contemporáneo vernáculo. Moda FusiónARTE tuvo el privilegio de estar presente en la inauguración, en la que varios de los artistas expuestos recordaron agradablemente aquellos años, comentaron anécdotas y expresaron su alegría y agradecimiento por el rescate de obras que hasta ellos mismos tenían archivadas ya en su memoria. Junto a los figurines de los trajes para la obra Drácula de 1966, Delia Cancela comentaba: “los redescubrí ahora, para la muestra, los tenía guardados en sobres. Cuando yo viajé a Nueva York la Institución era Vogue.

Mi trabajo comenzó en los 60 y continúa hasta hoy, porque toda mi obra tiene relación; mi trabajo en el arte y en la moda tienen el mismo nivel”. A pesar del viento helado que sopló ese mediodía a la vera del Riachuelo, el restaurante y todas las salas de Proa, estuvieron colmadas de público y artistas: Marta Minujín no paraba de saludar gente, Juan Stoppani y Yuyó Noé se reencontraban después de varios años y un orgulloso Rodrigo Alonso era felicitado y requerido por Nicolás García Uriburu, Carlos Espartaco y Leandro Katz, entre otros. Los espaciosos ambientes de Proa resultaron ideales para albergar algunas de las obras de gran tamaño que conforman la muestra, como la enorme cruz que alberga a un Cristo pintado cuyo rostro está enmarcado por la pantalla de un televisor (Nuestro Señor de cada día 1964, Yuyo Noé) o las tenues sombras pintadas con látex (parecen proyectadas) sobre una pared blanca de Liliana Porter.

Da escalofríos pensar en la visión de futuro que tuvieron nuestros creadores en aquellos años donde todo se estaba por hacer, como alguien nos pudo anunciar, cuarenta años antes, que la tele llegaría a ser tan importante y reverenciada como Dios en nuestras vidas o que nos transformaríamos en sombras sin identidad presas de la la violencia de Estado, la globalización y la rutina. La exhibición propone también disfrutar de joyas de mucho menor tamaño como la desopilante carta que el genial Federico Peralta Ramos le escribiera a Mr. James Mathias, director de la Jhon Simon Guggenheim Foundation, para informarle en que había invertido el dinero de la Beca Guggenheim que le había sido otorgada. En la esquela escrita a máquina Federico le comenta que, siguiendo la convicción de que la vida es una obra de arte, en vez de pintar una comida, dió una cena para 25 personas en el Hotel Alvear y, siguiendo con la misma filosofía también se fue a bailar, se mandó a confeccionar tres trajes, pagó una deuda y, luego de poner el resto del dinero a interés, con lo que cobró invirtió en obras de arte, adquiriendo un cuadro de Josefina Robirosa para su padre, uno de Ernesto Deira para su madre y, finalmente, uno de Jorge de la Vega para el mismo.

Hasta el 30 de septiembre están todos invitados a sumergirse en este maravilloso recorrido que va desde la abstracción lírica, pasa por el arte geométrico puro y desembarca en el arte conceptual, sin dejar de lado al happening.

Por Andrea Castro

Fundación Proa: Av. Pedro de Mendoza 1929 - www.proa.org Martes a Domingo 11 a 19 hs. Entrada General: $10 - Sábados de agosto 17 hs: visitas guiadas por artistas

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FESTIVAL DE LA LUZ 2010 D

el 2 de agosto al 30 de septiembre próximos se llevarán a cabo los XVI Encuentros Abiertos de Fotografía-Festival de la Luz. Esta nueva edición se realizará bajo el título “Identidades en tránsito” y tratará el tema de las migraciones. El hecho que un individuo cambie su lugar de residencia, una o cientos de veces, no es un fenómeno nuevo. Mudarse de país, de continente, de provincia, municipio, o incluso de barrio es una práctica corriente en el mundo contemporáneo. Pero la historia de las migraciones es tan antigua como los mismos orígenes de la humanidad: desde la Edad de Piedra hombres y animales se desplazaron a lo largo y ancho de la tierra en busca de nuevos hábitat. Los nómades, cazadores o recolectores, seguían sus primitivos instintos de supervivencia, persiguiendo a su presa o migrando según las estaciones del año y los frutos que la tierra brindaba. A lo largo de los siglos distintas causas pusieron a las personas en movimiento: alimentos, religión, guerras, conocimiento, aventuras. Los pueblos se mezclaron, nacieron costumbres, se perdieron otras, se crearon tradiciones, se armaron alianzas, aparecieron conflictos, descubrimientos, avances, inventos, profesiones. En el año del Bicentenario, nuestro país no podía mantenerse ajeno a esta temática, ya que los inmigrantes fueron, son y serán parte de nuestra identidad como Nación. Este año el Festival cumple 22 años. Los primeros 10 años se realizaron en forma anual, cumplido este período y, dado su crecimiento, pasó a ser una bienal, convirtiéndose en el festival de fotografía más importante de Latinoamérica. Desde 1998 se realiza en todo el país, llevando exposiciones y otras actividades fotográficas a distintas ciudades de la Argentina: este año participan 31 de ellas. Moda FusiónARTE estará presente en varias de las actividades programadas, para poder entregarles una reseña completa en su próximo número, lo cual no quita que puedan disfrutarlas por ustedes mismos.

Por Andrea Castro

Actividades del Festival de la Luz: 1- Exposiciones.

2- Tres Ciclos de conferencias y debates en: Alianza Francesa, Centro Cultural Recoleta, Escuela Argentina de Fotografía.

3-Foro de Portfolios en el Centro Cultural Borges.

4-Intervenciones urbanas en las calles y parques de Buenos Aires, Mar del Plata y Neuquén.

5- Presentación de libros.

6-Cine.

7- Concursos, visitas guiadas a cargo de artistas y curadores.

Entrada libre y gratuita.

Información de sedes y fechas en: www.encuentrosabiertos.com.ar

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Mas DinĂĄmica Arte s o s o m a F Moda Cine Teatro s o e t r o S MĂşs ica

Mira Todas las Novedades en www.modafusionarte.com.ar

Variedades

Entrevista a Hugo Paredero: “Yo al escribir su vida, la viví con él.”

Por Alexandra Muraco.

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ecientemente la editorial Capital Intelectual acaba de lanzar el primer libro de la colección “Paisanos”, la cual estará conformada por 5 libros que van a testimoniar el aporte de importantes personalidades de la comunidad judeo - argentina con reconocimiento nacional e internacional.

El primer libro de dicha colección está dedicado a un grande del humor y se titula: “Jorge Guinzburg, La Inteligencia Rebelde”. Su autor es el reconocido periodista Hugo Paredero quien, gentilmente, me brindó una porción de su valioso tiempo para contarme que sintió y como vivió el desarrollo de esta biografía. No les adelanto más y los invito a leer la entrevista: MAF: ¿Cómo fue la convocatoria para realizar este libro?

Hugo Paredero: A principios de marzo de 2009 me llamó a Radio Nacional, donde yo estaba trabajando, Daniel González, de la editorial Capital Intelectual. No nos conocíamos. Me dijo que quería hablarme de un proyecto y me citó en la editorial. Nos reunimos en el domicilio anterior, Acuña de Figueroa y Sarmiento. Me contó que estaban planeando editar una colección, Paisanos, dedicada a homenajear, en el año del Bicentenario, a judíos que en distintas áreas lograron sobresalir en nuestro país. Artistas, religiosos, periodistas, científicos...Cada personaje, o personalidad, tendría su libro y para cada libro pensaban un autor distinto. Ahí fue cuando me tiró la noticia de que habían pensado abrir la colección con Jorge Guinzburg y querían que esa biografía la escribiera yo.

MAF: ¿Qué sintió en el momento que supo que era el elegido?

HP: Acusé el impacto y en la coctelera interior se me hizo un batido de felicidad, agradecimiento y pánico. Supongo que habrá sido este último el que me hizo decirle a González que ese era un libro para que lo hiciera Carlitos Ulanovsky y no yo. Es lo primero que cuento en el prólogo. Felizmente muchos, empezando por el editor y el propio Ula, me disuadieron de esa idea.

MAF: ¿Cómo fue el hecho de “comenzar” a narrar esta biografía? ¿Qué tiempo le tomó culminar el libro?

HP: Fue costoso, por varios motivos, primero por mi autoexigencia en el trabajo, que se magnificó ante un proyecto como este, donde el protagonista era un petiso monumental, un personajón digno de una enciclopedia en varios tomos: yo tenía el deber quirúrgico de recordar que el límite (nunca inflexible pero límite al fin) era que tendría que manejarme con tal cantidad de caracteres. También fue costoso porque yo no disponía de todo el tiempo libre para el libro, estaba en un programa diario en Radio Mitre, al mediodía, que conducía Debora Pérez Volpin, y otro en Nacional en trasnoche. Y fue costoso porque se trataba de hablar con el entorno (madre, hermana, viuda, hijos, cuñado, amigos de anteayer, de ayer y de hoy, compañeros de trabajo, el presidente y el ex presidente de Vélez, su psicoanalista, colegas, etc) y cada uno de ellos tenía su dolor en carne viva por la muerte de Jorge, fallecido hacía apenas un año. Era tanto el amor que sentían por él, tanto lo que lo extrañaban que, evidentemente, no lo habían terminado de llorar. De modo que lo lloré con cada uno de ellos, y eso me generó un compromiso emocional finalmente entrañable, por eso pude adentrarme en el personaje, o metérmelo en mí, y ya no sentir más culpas ni pudores ante su magnitud, sino solamente entusiasmo, fervor y mucho agradecimiento porque me hayan dado el honor de ser el (primer) biógrafo de un tipo tan genial. ¿El tiempo que me tomó culminar el libro? Nueve meses, un homenaje a la obviedad.

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MFA: ¿Fue una persona cercana a Jorge?

HP: No, nos habremos visto tres o cuatro veces en la vida: hola qué tal, una beso y nada más.

Solíamos cruzarnos en el bar de Canal 13 en el ´91, yo hacía Hagamos el humor con Gabriela Acher, y Jorge su Peor es nada. Pero si me traés la pregunta al presente, te contesto sin vacilar que sí, que soy una persona muy cercana a Jorge. Yo al escribir su vida, la viví con él. Fue con el hilo precioso que me dieron los/sus entrevistados que yo pude urdir su historia. El libro es un objeto y ya ha nacido, es el hijo que tuvimos en común. Pero Jorge se quedará en mi corazón para siempre.

MFA: ¿Qué fue lo que más le asombró o desilusionó de Jorge Guinzburg, tras investigar e indagar en lo que fue su vida?

HP: Muchas cosas me asombraron. Su inteligencia rebelde y prodigiosa, su imparable modo de vivir, su usina creativa echando humo las 24 horas del día, su expansión en tantos rubros... y todo eso conviviendo con un enemigo insoportable y constante que terminó siendo fatal, su asma, que contrajo cuando tenía 3 años. Si uno se pone a pensar que ese enemigo vive en la propia respiración, sus hechos, su personalidad, su todo se agiganta. ¿Qué me desilusionó? Que no fuera inmortal.

MFA: ¿Desde lo personal que es lo que más destacaría del artista?

HP: Creo que está contestado en la anterior, y agregaría: su extraordinario concepto de que un grupo de trabajo debe ser, antes que nada, un grupo de amigos. Un club de amigos, eso pretendía y lograba él para funcionar en cada emprendimiento. Y destacaría su generosidad: la misma generosidad que lo llevaba a potenciar lo mejor de sus compañeros para que cada uno se luciera en lo suyo, a darle guita al prójimo que la necesitara, a emprender movimientos benefactores... La misma generosidad que le hizo sacarse su reloj y regalárselo a un compañerito, cuando tenía 10 años. ¿Por qué hiciste eso?, lo increpó su hermana Mirta. "Yo se lo di para que se sintiera mejor porque estaba triste", respondió Jorgito. Ese era, es y será siempre.

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Teatro

LA VIDA ES SUEÑO de Pedro Calderon de la Barca

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l jueves 15 de julio se estrenó en el Teatro San Martín, esta obra clásica del Siglo de Oro de la literatura española, con las actuaciones de Joaquín Furriel, Muriel Santa Ana, Osvaldo Santoro, Patricio Contreras, y elenco, en la sala Martín Coronado.

La obra cuenta la historia de Segismundo (Furriel), un joven que se encuentra encerrado en una torre por órdenes de su padre. El rey Basilio (Contreras), al enterarse por premoniciones astrológicas que su hijo será un rey tirano y malvado que castigará a su pueblo, toma la brutal decisión de encerrarlo de por vida, designando como carcelero a Clotaldo (Santoro), quien será su única compañía durante los años de encierro. Por otro lado, Rosaura (Santa Ana) realiza un largo viaje con su compañero Clarín (Pacha Rosso), buscando recuperar su honra y saber cuál es su origen, porque no sabe quién es su padre.

Los destinos de Segismundo y Rosaura finalmente se entrecruzarán, atravesando diferentes sentimientos, que irán desde la ira y la sed de venganza y muerte; a la duda, el miedo, y el perdón.

La puesta en escena, de una de las obras más bellas y perfectas del teatro universal, ya ha sido probada mil veces, así que se sabía que en ese sentido no podía fallar. Todo quedaba en manos de los actores y el director (el notable catalán Calixto Bieito) y, evidentemente, pasaron la prueba porque el trabajo de todos es más que satisfactorio.

Pero, a la hora de puntualizar, debemos destacar a Furriel, que da vida a un Segismundo lleno de pasión, de fuerza física y espiritual, que nos hace sentir su locura y su miedo y nos hace entender que la vida no es simple porque las dudas siempre están presentes.

También es impecable la Rosaura de Santa Ana, nos deja mudos con su monólogo y nos trasmite cierta ternura e inocencia, a pesar del motivo que la lleva hasta su destino.

Dispuesta a todo, hace valer sus principios y su honra: ¿cuánto vale nuestra integridad?

Un párrafo aparte merece Pacha Rosso. La historia, y las situaciones que se viven a lo largo de ella, son muy densas y pesadas; la contemporánea puesta en escena está confeccionada para que nosotros, los espectadores, nos sintamos parte de cada discurso y parte también de los sentimientos de los personajes, que se nos vuelven propios. Será Rosso, con Clarín, quien nos dará una bocanada de aire que nos permitirá reinos porque, como ya se dijo, la vida no es simple, pero siempre nos podemos reír de ella. Pacha Rosso le saca lo espeso a la obra, y nos divierte con excelencia.

El vestuario no es el que uno espera encontrar en el siglo XVIII y la música no trasmite demasiadas sensaciones pero, realmente, son cuestiones que pasan a segundo plano, porque cada uno de los actores nos obliga a estar en el escenario con ellos, viviendo su pena, su miedo, su codicia, su locura, y su amor.

Por Sam Lynch Teatro San Marín: Av. Corrientes 1530 - Boletería: 0800-333-5254 Funciones: de miércoles a sábado, 20:30hs; domingos, 20hs.

Entradas desde. $50 - Miércoles entrada general: $25.-

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L

1810

a obra que Martín Coronado escribiera en verso para celebrar el primer Centenario de la Revolución de Mayo es un canto a la libertad y una oportunidad para reflexionar, desde otros puntos de vista, sobre este hecho histórico que aprendimos casi de memoria en nuestros años de colegio. Lejos de la tradicional postal lluviosa, de las damas antiguas vestidas con ropas que en realidad no usaban en esa época, de la negra que vendía mazamorra y del pueblo que quería saber, 1810 nos plantea un sinfín de nuevas preguntas: ¿cómo vivió la población negra de Buenos Aires la posibilidad de poder dejar de ser esclava?, ¿qué sintieron los españoles que residían desde hacía varios años en la ciudad?, ¿qué sintieron sus hijos, que eran criollos pero estaban fuertemente ligados a España también? Coronado instala los hechos de Mayo en el seno de un matrimonio español que posee un local de mercería frente a la Plaza Mayor, una sobrina casada con un inglés, una hija a punto de comprometerse con un joven integrante del Regimiento de Patricios y una esclava negra. Desde el salón de su casa y a través del mostrador de su negocio, Teodora (Ingrid Pelicori) y Cipriano (Manuel Vicente) observarán y sufrirán en carne propia el devenir de los acontecimientos. Cada una de las noticias, llegadas desde Europa o desde el Fuerte, caerán como bombas, alterando las relaciones familiares de forma devastadora y generando la primera de las tantas antinomias que se multiplicarán a lo largo de la historia de nuestro país. Las situaciones cotidianas se alternarán con toques distendidos, cuando el negro Mateo se rete a sí mismo por seguir llamando amo a su ahora jefe militar y hechos históricos, cuando French entre a la mercería pidiendo cintas celestes y blancas. Pero, como es de suponer, las situaciones tensas y dramáticas tendrán el protagonismo y estarán casi siempre encarnadas en el autoritarismo, la bronca y el amor enfermizo que devotamente sienten Cipriano, su mujer y su hija por España. La sutil cadencia del texto escrito en verso alcanzará momentos sublimes: “ámame libre y grande como me amaste cautivo” le ruega Julián (Pepe Monje) a Inés (Paloma Contreras), que se niega a ser su mujer si continúa con esas ideas que lo trastornan.

La impecable puesta y dirección de Eva Halac hará circular a los personajes por un espacio con muebles de estilo, delicadamente dividido y separado del exterior gracias a vaporosas cortinas blancas que, semejando el velamen de un barco, se izarán o se dejarán caer, para sumarse o escapar a lo que sucede en las calles de la ciudad. Continuando con los habituales estereotipos que suelen rondar al vestuario femenino de la época, solo asomarán leves toques neoclásicos en los trajes de las mujeres más jóvenes algo que, en este caso, reforzará la inclinación que éstas deberían tener por las nuevas ideas llegadas desde Francia. Hace 100 años atrás Martín Coronado pudo ponerse en la piel de aquellos que no se nombra habitualmente en los libros de historia, dejando en claro que, a pesar de todo, “el 25 de Mayo fue una victoria ganada sin sangre”.

Por Andrea Castro

Teatro de La Ribera: Av. Pedro de Mendoza 1821 Sábados 18 hs, Domingos 12:30 hs - Platea: $45 – Pullman: $30

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Teatro para Chicos

YO GABBA GABBA

Y

o Gabba Gabba, una de las series animadas más populares del canal Play House Disney, se presentó por primera vez en Buenos Aires en un espectáculo en vivo, en el Teatro Metro de la calle Cerrito al 500.

El show comienza con la introducción de los 6 personajes de la saga de Yo Gabba Gabba y contando que están llegando a nuestra Ciudad de Buenos Aires para realizar una fiesta junto a todos sus amigos, que no son otros que los niños presentes en la sala.

Una vez armada la fiesta, los mencionados personajes, cantarán acerca de lo bueno de comer cosas sanas, de tener paciencia y de saber esperar, y nos mostrarán que todos podemos ser diferentes y que eso esta bueno. Entre sueltas de globos gigantes, explosiones de papelitos de colores y tiras plateadas, los chiquilines vivirán una hora llena de alegría, fiesta y diversión, que además les dejará buenos mensajes y enseñanzas. Para finalizar llegará un invitado especial: un gusano gigante que se sumará a la canción del adiós, que no es triste porque todos nos vamos contentos sabiendo que nos volveremos a ver.

Como mamá, además de las enseñanzas volcadas mediante canciones, colores y diversión, me gustó el espacio otorgado al público, que en vez de sentarse en butacas, pudo congregarse en torno a mesas para compartir el show con otra familia y junto a una rica merienda.

Por Mariel Gutiérrez

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Clasificlownies

Los Fabulosos Grimm - Locos Años ´20

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Ficha Técnica: Voz en off: Enrique Pinti Presentador radioteatro: Mariano Chiesa “El Pescador y su Mujer” Dirección: Christian Forteza “La niña que quería aprender a tener miedo” Dirección: Noralih Gago “Rapunzel” Dirección: Diego Bros “El Rey Rana” Dirección: Mecha Fernández Asistencia: Julieta Rey Dirección general: Gustavo Monje y Giselle Pessacq Para niños a partir de los tres años y para toda la familia.

Ficha Técnica: Karina Hepner – Marina Apat – Esteban Rozenszain - Gerardo Serre – Patricio De Luca Dramaturgia y dirección: Gustavo Monje Música original: Esteban Rozenszain, Patricio De Luca, Yair Hilal

s una obra que entretuvo a grandes y a chicos durante las vacaciones de invierno.

Jacobo y Guillermina Grimm, dos hermanos enamorados de las artes representativas, son el alma de esta historia que retoma los cuentos “El Pescador y su Mujer”, “La niña que quería aprender a tener miedo”, “Rapunzel” y “El Rey Rana”. En un recorrido atípico por ciertas tradicionales historias infantiles, la puesta va del cine mudo al radioteatro, pasando por el charlestón y el vaudeville.

La dupla de Gustavo Monje y Giselle Pessaq conquistó las risas de todos los asistentes y logró transportarlos a la magia de aquellos años ´20, que no conocieron pero que pudieron sentir y transmitir en esencia.

Los Fabulosos Grimm es una excelente obra que vale la pena disfrutar.

burridos de ser quienes son, los clownies deciden cambiar de oficio para probar nuevas cosas. Para esto, por medio de los clasificados del periódico, acuden a realizar distintas labores como ser: cazadores de mosquitos, peluqueros de leones y afines, plumereantes y entrenadores de marionetas.

En todas estas nuevas ocupaciones encuentran y hacen grandes amigos, como el sapo Ruperto, la rana Clara y Leoncio, que los ayudan a concretar las tareas hasta que las cosas se complican. Lejos de quedarse de brazos cruzados, Karina, Marina y Esteban, buscan un nuevo aviso y allá van… a compartir una nueva aventura.

La obra busca valorar las distintas habilidades que poseemos y demostrar que todos tenemos la capacidad para realizar diversos oficios. Una aventura divertida y super entretenida que, además, les dejará una enseñanza.

Funciones: Sábados y domingos a las 16:45 Centro Cultural de la Cooperación – Av. Corrientes 1543 – 5077-8077

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Música Espectáculo Musical

Viaje de Invierno

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oda FusionArte fue a ver Viaje de Invierno, un ecléctico espectáculo que conjuga música, textos, poesía e invitados sorpresa, y que se remonta a los Lieder de Schubert. Un viaje musical dedicado al amor, a la amistad, al deseo, a lo exótico, a la vida y a la muerte. Su creador, Alejandro Tantanian lo describe de esta manera: “ tomando como punto de partida el ciclo de canciones con textos de Wilhelm Müller y música de Franz Schubert, Winterreise, el espectáculo se centra sobre la figura de un hombre –el viajero– que decide emprender un viaje hacia lo desconocido, el futuro, los deseos, la revolución y la muerte”.

El mencionado viajero se encontrará en su camino con amigos, invitados especiales que en las diferentes noches de presentación nos deleitarán con sus canciones, y estará acompañado por un amplio repertorio que irá de Händel a Silvio Rodríguez, pasando por Jacques Brel, Boris Vian, el mismísimo Schubert, Paco Ibáñez, The Tiger Lillies, Chico Buarque, Celedonio Flores, Andrew Lloyd Webber, Homero Manzi, Pablo Milanés y Stephen Sondheim, entre otros.

El show, que es pura esencia de café concert, invita a que el público participe activamente en cada descanso entre tema y tema, y a que se transforme en el coro de los estribillos, en aquellas canciones que invitan al recuerdo de viejas épocas.

Recomendable para ir en pareja, con un amigo o en grupo, pero siempre dispuesto a pasarlo muy bien.

Nadia Barroso Da Costa

Teatro Metropolitan 2 – Av. Corrientes 1343 / 5277-0500 Funciones: Viernes a las 23:15 - Localidades: desde $ 30.- En venta por PLATEANET

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Vincha diseño de Maryorie Coello Karin Klausch

Jean diseño de Sofía Forb mona

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Lorena Montenegro

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GRACIAS A TODOS LOS QUE PARTICIPARON!!!

Cine

E

l estreno de la opera prima de Martín Sastre no generó polémica pero si una ola de comentarios tan surrealistas como la película misma. Enmarcada en una estética entre kitch y pop ochentosa, este musical narra la historia de Natalia, una joven nacida en el pueblo uruguayo de Tacuarembó que desde niña tuvo una única aspiración en la vida: ser famosa y llegar a Hollywood con la ayuda de Cristo. La llegada de este artista visual a la pantalla grande es bastante despareja ya que, si bien hay escenas que denotan su calidad como cineasta y ciertos guiños que se comparten con el espectador culturalmente informado (los tres momentos en los que aparece el personaje de Mónica Villa remiten directamente a su actuación en Esperando la carroza), la adaptación de la novela de Dani Umpi, el mensaje y conclusión final del film y ciertas secuencias muy cercanas al video clip barato (sobre todo las que se desarrollan en el parque temático Cristo Park) directamente hacen agua. Para no ser injustos entre los aciertos podemos comentar el manejo temporal, que va y viene desde la niñez de Natalia en su pueblo natal a su adultez en Buenos Aires; los cameos al misterioso personaje de Graciela Borges; la reconstrucción de época a través de detalles claves como la aparición de un frasco de perfume Coqueterías, el doble papel de la Oreiro y ese cura que nos hace acordar tanto a Imanol Arias en Camila (aunque una sola imagen de esa obra maestra de María Luisa Bemberg en nuestra mente nos dé ganas de levantarnos del cine ya).

Sastre tiene con que lograrlo, pero necesita desesperadamente desprenderse de ciertos clichés y pulir su lenguaje, las tomas en la iglesia y el manejo de una estética que por momentos remite al trabajo del fotógrafo Marcos López dan prueba de ello. Es particularmente bella y perturbadora, aunque totalmente fuera de contexto, la escena en la que Mike Amigorena, interpretando a un semidesnudo y muy erótico Cristo, baila con la Oreiro. Esa secuencia es una de las tantas parodias y críticas que en el film embisten duramente contra la Iglesia Católica como Institución, y una de las causantes de que se llegara a comparar la película con el trabajo de los Monty Python en la Vida de Brian. La inclusión de Rossy de Palma, en un papel sumamente decadente y deslucido, llevó también, a algunos delirantes, a insinuar estéticas almodovarianas, sin detenerse a pensar siquiera en lo que estaban escribiendo. Para terminar solo resta decir que lo peor sigue siendo el mensaje que proclama a la fama como una nueva religión, que privilegia el hecho de pedir atención de una manera soberbia antes de generar y que endiosa a la televisión basura que tanto daño nos está haciendo desde hace tanto tiempo. En palabras del personaje de Natalia: “yo siempre supe que Cristo vive para mí”.

Por Andrea Castro

Cine Gaumont: Av. Rivadavia 1635 Horarios: 15:40 | 17:40 | 19:40

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C

omo hablar de géneros cinematográficos en el cine hollywoodense actual se hace complicado, denominaré al Aprendiz de Brujo como multitasking, porque más que congregar géneros creo que cumple la tarea de ser varios films a la vez para que el público, tanto adulto como infantil, se pueda llevar un verdadero combo cinematográfico por el precio del ticket (sabemos que el negocio del cine no está en su mejor momento). Ante todo es un film fantástico -si hablamos de brujos obviamente hablamos de género fantástico- apto para los más pequeños, que no aburre a los más grandes y que además cuenta con: impactantes escenas de acción, combates al mejor estilo oriental, efectos especiales por doquier, persecuciones en auto, una pizca de romance, otro tanto de aventura, comedia por supuesto, y ese toque de viejo cuento de hadas que siempre nos llega de la mano de Disney. Con su respectivo narrador en off , las hojas ajadas del viejo Encantus, el libro de hechizos que nos va relatando la historia de todos los brujos que sucedieron al Mago Merlín hasta el 2010 en NY, y su nuevo discípulo Dave Stutler (Jay Baruchel), el éxito está asegurado. La historia del Aprendiz de Brujo, logra mantener la candidez del que aún cree en lo mágico, pero sin perder el moderno e irónico carácter neoyorquino que bien aporta el personaje de Dave quien, en su aprendizaje de las artes de Merlín, acepta una inmensa herencia que consideraba anticuada y ridícula para amalgamarla a su saber científico. Con ambos conocimientos a su favor Dave enfrenta al mal y descubre su verdadero potencial humano.

Al ser una nueva versión, el Aprendiz de Brujo de Jon Turteltaub, rinde homenajes a las versiones predecesoras y está plagada de referencias al género aunque con fórmulas distintas: no veremos dragones surcando los cielos, bajo los conjuros de Balthazar Black (Nicolas Cage), sino una gárgola del edificio Chrysler, por ejemplo. La película tiene más de un momento perfecto para que los grandes le cuenten luego a los más chicos sobre las películas que veían a su edad o para comentarles, quizás, que el auto de Balthazar es un Rolls-Royce Phantom del año 1935, cuyo motor se conoce como Merlín (un dato no menor con el que quedaran muy bien).

Sin duda la referencia más divertida y bien lograda de todo el film es la que homenajea al clásico de Disney Fantasía y a su icónica secuencia del “Aprediz de Brujo”. Sólo me pregunto si el parecido de Dave, el aprendiz, con Jimmy Neutron es meramente casual. En todo caso le va muy bien porque ambos aman la física.

El Aprendiz de Brujo es una película muy entretenida, ideal para comer muchos pochoclos y salir tarateando la melodía de Paul Dukas que hiciera famosa el ratón Mickey y las escobas encantadas.

Maryori Coello

Moda FusionARTE Revista Digital - 41

V

eronika decides to die es una película dramática, dirigida por Emily Young, con guión de Larry Gross, basado en el Best Seller Veronika decide morir de Paulo Coelho y protagonizada por un excelente elenco encabezado por Sarah Michelle Gellar, Jonathan Tucker, Melissa Leo, Erika Christensen, Florencia Lozano y Rena Owen. El film es una muy buena representación del libro ya que, a pesar de algunas omisiones que son inevitables a la hora de pasar de una obra literaria a una película, los detalles de la historia están perfectamente cuidados sin perder la esencia ni el mensaje que quiso dar el escritor.

Vale la pena destacar la excelente y acertada actuación de la actriz Sarah Michelle Gellar (ex “Buffy, la caza vampiros”), que supo encarnar a la chica de 28 años que parecía tenerlo todo pero que, en realidad, sentía un vacío existencial tan grande que la llevó a intentar quitarse la vida. A los pocos días, recuperándose del hecho, Veronika despierta en un hospital psiquiátrico. Este “volver a nacer” la llevará por un camino desconocido, que estará obligada a recorrer cuando el médico le comunique que su intento de suicidio le dejó una lesión muy grave en el corazón que le provocará, en cualquier momento, la inevitable muerte que ella estaba buscando. A partir de ese momento su única certeza será que no le quedan más que unos días de vida. Empeñada en encontrar la forma de volver a suicidarse, Veronika irá descubriendo nuevos personajes, con los que comenzará a establecer relaciones y que cambiarán su forma de pensar y de apreciar la vida. Así conocerá a Edward un joven que no habla, pero que se transforma en una pieza clave de la historia tras conquistar su corazón, hacerla vivir emociones intensas y lograr que descubra el verdadero sentido del amor y la amistad.

Quienes leyeron el libro estoy segura que disfrutaran tanto como yo de este film. A quienes aún no lo hicieron, no solo los invito a visitar el cine sino también a descubrir sus páginas.

Por Alexandra Muraco

Cine Premier: Av. Corrientes 1565 – Horarios 16:20 / 20:30

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