FusionARTE MODA
Eco-Frienly
REVISTA DIGITAL Año 1 Número 10 12 de Julio 2010
Desfiles: Topissima y Sr Amor Teatro: Festejo 50 años TGSN Entrevista a Toto Castiñeiras. arteBA, Edición Bicentenario Robert Mapplethorpe en el MALBA
s ne io os ic al ed reg 10 s s! jo ho o te uc a v es m ar ¡F n p co
FLAMENCO Muestra Antonia Mercé, en el Museo Larreta Moda Flamenca Espectáculo Corazón Corazón
Mariel Carolina Gutiérrez Asesora de imagen integral y personal shopper // Image & shopping consult.
*Actualización y organización del guardarropa / Wardrobe organization & update. *Armado de conjuntos y valijas para viajes / Outfit & suitcase planing. *Asesoramiento en vestuario y accesorios / Advice in clothing. *Estudio de colorimetría / Color analysis. *Imagen empresarial / Corporate consulting. *Asesor de compras / Personal shopper (on touristic places, gastronomy, entertainment and gear) *Capacitación presencial y on-line / Personal One-on-one & On –line trainning.
fgstudio.com.ar 15 41 81 27 81 info@fgstudio.com.ar
Festejo 10 ediciones
Gracias!!
Carta Editorial
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ué agradables son los festejos, mucho más cuando nos involucran, como en este mes de julio, en el que estamos lanzando nuestra 10ª edición. Como para nosotros es un acontecimiento importante, hemos decidido celebrarlo junto a todos nuestros lectores. Si, junto a ustedes que nos escriben, nos leen y nos brindan todo su cariño en cada nueva edición. Pensamos cuál sería la mejor forma de festejar este hecho y se nos ocurrió que lo más conveniente era con muchos regalos. Marcas y diseñadores, amigos de Moda FusiónARTE, decidieron cedernos algunos de sus productos para que nosotros podamos sortearlos entre todos los suscriptores que nos manden un mail. Esta edición aniversario llega con un especial de flamenco, en el que analizamos el fenómeno de la moda flamenca y les contamos cómo fue la muestra que el Museo Larreta le dedicó a una gran bailarina: Antonia Mercé, “La Argentina”. Ojalá que muchos de ustedes hayan podido acercarse a verla, si no pudieron ir, no deben dejar de leer la nota en la pagina 48. Nuestra Jefa de Redacción estuvo presente en la impecable inauguración de la muestra de Robert Mapplethorpe en el Malba y en la página 32 les cuenta los detalles de su excelente montaje, analizando los aspectos más controvertidos de su obra. También estuvimos presentes en arteBA’10 en lo que fue la edición Bicentenario, que incluyó mucho arte Latinoamericano y una variedad de técnicas y lenguajes conceptuales que no entrarían en una edición entera. En la sección moda podrán encontrar el desfile del Sr Amor, marca lanzada por el Ejército de Salvación y en la que participaron, este año, diseñadores de la talla de Pablo Ramírez y Martín Churba. También les traemos la review de Topissima, desfile realizado en la UP por los alumnos de la cátedra de Gustavo Lento, en el que descubrimos el alto potencial de quienes serán los futuros diseñadores de la industria nacional. Como les adelantamos vía mail y Facebook, en esta edición, queda inaugurada la columna de la Asesora de Imagen, Mariel Gutiérrez, quien está dispuesta a responder todas las consultas que le hagan llegar. Además se suma una columna mensual de George Blanco, nuestro corresponsal en Córdoba, que nos trae noticias sobre las celebrities, con un toque ácido y de humor.
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a r d n a lex Editora Responsable
Quienes hacemos Moda FusionARTE 12 de Julio 2010
Año 1 Número 10
Propietario: Daniel Alejandro Rivero
Editora Responsable: Mariela Alexandra Muraco.
Jefa de Redacción y Corrección: Andrea Castro.
Redacción: Andrea Castro. http://laberintosdelarte.blogspot.com Alexandra Muraco. www.alexiafashionworld.com
Diseño Gráfico y Retoque Digital: Alejandro Rivero.
Colaboradores: Mariel Gutiérrez: www.fgstudio.com.ar Maryori Coello www.miradactiva.blogspot.com Julio C. Castellanos Q www.casthellanox.blogspot.com Mercedes Del Carril www.gossipfashionista.com George Blanco Samantha Lynch Nadia Barroso Da Costa Martha Nascimento
Como Contactarnos: E-mail: modafusionarte@gmail.com. Facebook: Moda FusionARTE Web: www.modafusionarte.com.ar Domicilio Legal: Crisostomo Alvarez 5407 (1439) Capital Federal
Photo Espectáculo Corazón Corazón de Verónica Marcovsky Cortesia de Pintos & Gamboa Retocada digitalmente por A. Rivero Moda FusionARTE es una revista digital gratuita de distribución mensual. Para publicitar enviar un correo electrónico a: modafusionarte@gmail.com Moda FusionARTE es una marca registraba por lo tanto se prohíbe su reproducción parcial o total sin pedido de autorización a la editora responsable. Propiedad Intelectual en Trámite.
Propiedad Intelectual: Nº836368
COMO PUBLICITAR EN MODA FUSIONARTE Propuesta 1 - Guía de compras: Se basa en la publicación de productos. En nuestra revista contamos con una página diseñada especialmente para que se expongan los diseños, organizados por rubro, con el nombre de cada diseñador y un mail, página web y teléfono de contacto.
Propuesta 2 - Anuncios: Se basa en el sistema publicitario convencional que manejan las revistas a partir de espacios modulares de publicidad de 9,5 cm de ancho x 6,5 cm de alto; los mismos se podrán mantener tal cual o se podrán ir sumando hasta llegar a la medida que necesite cada anunciante en particular.
Propuesta 3 – Banners: Nuestro newsletter, de próxima aparición, ofrece una oportunidad única para dar conocer tu marca, tus diseños, productos o servicios. El mismo será enviado una vez por semana a nuestros más de mil suscriptores y a todos los que siguen nuestra revista a través de las redes sociales y contará con espacios tipo banner.
Cualquier consulta no dudes en comunicarte con nosotros a modafusionarte@gmail.com O (+54 11)4759-9954
No desperdicies la oportunidad de llegar a mas de 1000 suscriptores!!
Como en cada Edición 3 - Carta Editorial 4 - Sumario Sumario Moda Internacional 6 - La Moda en Munich 8 - Moda Flamenca 10 - ¿Burka o jean y remerita? Moda Nacional 12 - Desfile Sr Amor 14 - Lanzamiento Bonnes Aliees 15 - Nuevo local de Sisters 16 - Desfile Topissina 18 - Jimena Anastasio Invierno 2010 19 - 2º Seminario Civil 20 - Adelanto Bafweek SS 2011 Belleza e Imagen 22 - Charla entre Mujeres, Lanzamiento day´s 23 - Make up Desfile de Trosman 24 - Lanzamiento Palmolive Natural´s 25 - Lanzamiento coloración Excellence Creme de L´Oreal 26 - Taller de Imagen 27 - La Columna de Mariel Variedades 28 - La columna de George Blanco 29 - Lanzamiento Revista Prosche 30 - Nueva Plataforma MasterCard Arte 32 - Muestra de Robert Mapplethorpe 34 - arteBA - Edición aniversario 36 - Muestra de Distéfano 38 - Inauguración Espacio de Milo Lockett Teatro 40 - Esperando a Godot 41 - Entrevista a Toto Castiñeiras 42 - Aniversario 50 años del Teatro San Martín 43 - Una Gaviota Afortunada 44 - El espejo soñado Danza 46 - Noemi Lapzeson: Pasos y Corazón 47 - Carmina y Alina, 50 años del Teatro San Martín 48 - Muestra en Homenaje a Antonia Mercé. La Argentina 50 - Corazón Corazón de Verónica Marcovski
GANADORES DE JUNIO Libros Diseño de Afiches 2008: Ana de Lara Cecilia Inés Cuenca Libro Actas de Diseño 8: Fiorella Caruso Una colorimetría Carla V. Cragnolino
FE DE ERRATAS En nuestra edición pasada en la nota correspondiente a la producción bicentenario en la página 22 la camisa multifunción y la cinta pulsera pertenecen a la diseñadora Jessica Bellomo, por un error de tipeo se omitió el nombre en la primera y, en la segunda, se colocó el nombre de la marca Vintage. Pedimos disculpas a nuestro lectores y a la diseñadora.
Turismo 51 - Misiones Cine 52 - Belle de Jour (1967) 53 - Pink Flamingos (1972) 54 - A single Man 55 - Toys Tory 3 Música 56 - Recital de Peter Cetera 57 - Honrar la vida de Sandra Mihanovich
Por Mechi del Carril
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a Ciudad de Múnich, es el corazón de Baviera. Ésta zona, ubicada al sur de Alemania, está rodeada por los Alpes, por los grandes lagos, por la denominada Selva Negra y por hermosos castillos que atesoran una gran cultura e historia. Múnich es una encantadora mezcla entre un gran pueblo y una ciudad cosmopolita, lo que hace que la moda, en esta atípica ciudad, sea un fiel reflejo de estos dos aspectos. Por un lado podemos encontrar a las grandes marcas internacionales, y por otra parte, a la moda autóctona con sus trajes típicos regionales. En Múnich, las más importantes casas de moda internacional han encontrado, en la alta sociedad, a un público fiel que consume sin prisa ni pausa sus productos de lujo. Múnich no dista de las grandes capitales del mundo en este sentido. Maximilianstraße, es similar a la Quinta Avenida en New York, o a nuestra Avenida Alvear en Buenos Aires. Caminando por Maximilianstraße, uno se encuentra con marcas como Channel, Dior, Chloé, Louis Vuitton, Jimmy Choo, Versace, Ralph Lauren, Prada, Burberry, Valentino y Armani. Las grandes joyerías también tienen su lugar aquí: al mirar las hermosas tiaras y pulseras de Chopard o Cartier una no puede dejar de suspirar como una niña enamorada, hasta ver el precio claro está. Ahí se acabó el amor. Sin embargo, en Múnich, al igual que en otras grandes ciudades, también se observa el fenómeno del “fast fashion” o “moda rápida”, que se da en la zona del centro de Múnich, sobre la calle principal peatonal, que vendría a ser algo así como nuestra calle Florida. Este consiste, básicamente, en que las grandes marcas, que apuntan al público masivo que quiere vestirse a la moda, generan una bajada a producto desde las pasarelas hasta las vidrieras en cuestión de semanas. Aquí encontramos marcas como H&M, Zara, C&A, Espirit, Mango y United Colors of Benetton, entre otras firmas locales. Si bien varían en cuanto al precio y no están destinadas a un público específico, por pocos euros, especialmente en la época de rebajas, uno puede renovar su guardarropa por completo y estar a la última moda.
6 - Moda FusionARTE Revista Digital
Las Fotos fueron tomadas por Mechi del Carril
Moda Internacional
La moda en Múnich.
http://www.facebook.com/gossipfashionista
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Múnich y la moda tradicional
n Munchen se da, paralelamente, otro fenómeno que nos permite ver coexistir a la moda cosmopolita e internacional, con una moda regional y autóctona. Deben existir pocas ciudades del mundo en las cuales los trajes típicos, siguen formando parte de la vestimenta diaria de sus habitantes. En Múnich, el traje típico, se llama Dirndl, y la versión masculina, se llama Lederhosen. Llevar el dirndl para una mujer bávara, es mucho más que llevar un lindo traje, es un gran orgullo. Originalmente, el dirndl, era usado por las mujeres en la zona de Baviera y de Austria, más específicamente en los Alpes. Luego, comenzó a ser utilizado, en la ciudad, por la servidumbre de las clases altas, hasta que hacia el año 1870, se puso de moda en los sectores más elitistas y altos de la sociedad bávara. Antiguamente, según el lugar en donde la mujer armaba el nudo o el moño con el lazo de su delantal, comunicaba de manera precisa su estado civil: a la izquierda soltera, a la derecha casada o comprometida, y atrás viuda. Podríamos decir que esta práctica era una suerte de versión antigua de match.com, antes de la revolución cibernética. Hoy en día, el dirndl, es un traje popular que no pertenece a ninguna clase social en particular. Sin embargo, hay muchísimas opciones a la hora de elegir un dirndl. Hay algunos de uso diario, más económicos, y hay versiones que cuestan cientos o incluso miles de euros y están confeccionadas con hermosísimas telas y bordadas a mano. Nuevamente, el traje típico, es hoy una moda de todos y para todos. La parte más llamativa y pintoresca de este fenómeno, es que durante todo el año, muchísimas mujeres usan esta vestimenta en su vida cotidiana que, para los bávaros, es considerada muy sexy, ya que resalta las curvas de la mujer. Es realmente una experiencia única, estar en Múnich para septiembre u octubre, en la época del Oktober Fest (que es la fiesta de la cerveza) y ver a un pueblo entero vestir durante semanas sus trajes tradicionales. Realmente uno, vestido de civil, se siente el “disfrazado”, ya que hombres y mujeres, andan por toda la ciudad, en su rutina diaria, vestidos con sus dirndl y lederhosen. Es difícil, hoy en día, y en un mundo que tiende a la globalización permanente, mantener las tradiciones como sucede en Munchen. Las tradiciones de los pueblos solo se mantienen vivas cuando siguen siendo parte de la cultura diaria, no cuando, esporádicamente, forman parte de espectáculos o shows. Este punto, es de hecho, uno de los principios fundamentales de las leyes de preservación del patrimonio y de los bienes culturales a nivel mundial. Cuando los trajes tradicionales se dejan de usar diariamente, terminan quedando en el olvido de la gente para pasar a ser solo algo pintoresco y anecdótico. En este sentido, ésta es una hermosa lección de la cultura alemana, que, gracias a Dios, nada tiene que ver con el fútbol.
Moda FusionARTE Revista Digital - 7
Moda Flamenca. E
Por Andrea Castro
l traje flamenco es un traje regional único en el mundo, que evoluciona año tras año marcando nuevas tendencias y estilos en la denominada moda flamenca. Si bien hay muchos diseñadores (Valentino, Vittorio & Lucchino, Nicolás Osano, John Galliano, Jean Paul Gaultier, entre otros), que a lo largo de todo el siglo XX y aún en la actualidad se han inspirado en el flamenco como danza y como parte de una cultura, el fenómeno de la moda flamenca es completamente diferente. El sector nuclea a más de 100 firmas y diseñadores que se dedican específicamente a crear trajes y accesorios que se usan en la vida diaria, transformando así un traje típico en moda. El Salón Internacional de la Moda Flamenca (SIMOF) es la única pasarela flamenca del mundo, se realiza todos los años en la ciudad de Sevilla, considerada la cuna del flamenco, y reúne a los profesionales y a los admiradores de las últimas creaciones andaluzas. Su principal tarea es la de fomentar y desarrollar el sector de la moda flamenca y el tejido industrial que hay detrás de ella, además de presentar a los nuevos diseñadores que se suman a este interesantísimo mercado. El origen del atuendo flamenco, que se emparenta con el utilizado por las gitanas, se remonta a finales del siglo XIX y principios del siglo XX cuando las vendedoras acudían a la Feria de Abril, acompañando a los tratantes de ganado, vestidas con modestas batas de percal adornadas con numerosos volados. Las mujeres de las clases pudientes comenzaron a copiar el vestido de estas trabajadoras del campo, hecho que se sumó a que la feria, al perder su costado comercial, pasó a formar parte de las festividades andaluzas. Ambos sucesos determinaron que aquella primitiva bata comenzara a engalanarse cada vez más hasta que, en los años 30, la profesionalización del baile flamenco, terminó de consagrar a la vestimenta tradicional andaluza como vestuario de escenario y de enriquecerla con encajes, tiras bordadas, flores y accesorios. A medida que se multiplicaron las presentaciones y la comunidad artística creció, la libertad creativa y de diseño comenzó a transformar el traje tradicional (compuesto por un cuerpo entallado sobre el perfil de la cadera y una falda repleta de volados), acercándolo cada vez mas al mundo de la moda. Los trajes fueron evolucionando y adoptando características comunes a las nuevas épocas, llegando a hacerse minifalda en los años 60 y cubriéndose de barrocos encajes y cintas de raso en los ‘80. En la década del ’90 el traje de flamenca se desvistió de adornos, almidón y caderas escondidas, sufriendo una metamorfosis de la que salió vaporoso, ligero y sensual, gracias a las telas sedosas, los colores lisos y los sempiternos lunares. En la actualidad este atuendo ya trasciende la categoría de traje regional, continuando su constante evolución por imposiciones de una moda autogenerada y reinventada cada temporada. Vicky Martín Berrocal es una de las tantas diseñadoras que se ha abierto camino en el mundo de la moda flamenca, un segmento en el que ya va por la sexta colección y al que acaba de añadir nuevas líneas de joyería, trajes de novia y de fiesta. En el 2006 Vicky debutó como diseñadora con “Al Alba”, una colección dedicada a su hija, que fue desfilada en París en una muestra de moda flamenca. Le siguió “Tus Lunares”, dedicada a su madre y que consolidó su particular visión del traje de flamenca, y luego “Va por ti”, homenaje al gran maestro Valentino, donde el típico rojo del diseñador inundó la pasarela con vestidos y pétalos de rosas. El pasado año presentó “Vivir”, colección dedicada a su padre fallecido en diciembre de 2008, que se movió entre las formas de los años setenta, el retro british y la sofisticación inspirada en las actrices americanas de la década del 60. Este año la diseñadora mostró su primera colección de novias, que se llamó “Al Sur” haciendo referencia a la mirada que Vicky tiene sobre su tierra y sus raíces, las cuales son una constante fuente de inspiración para ella. Viendo sus vestidos de novia y tomando también como referencia su última colección “Sentir” nos damos cuenta que, a pesar de mantener la silueta tradicional, Vicky se atreve a experimentar y a redefinir el traje flamenco. “Sentir es la colección más libre que he hecho, aquella en la que he diseñado lo que he querido. Es mi colección más atrevida, en la que he experimentado más, apostando por nuevos tejidos, como el tul, e incluyendo pedrería de la India en los trajes”.
8 - Moda FusionARTE Revista Digital
Vicky Martín Berrocal
Vicky Martín Berrocal
Moda FusionARTE Revista Digital - 9
LA OPRESIÓN DE LA MUJER: BURKA O JEANS Y REMERITA.
Por Martha Nascimento
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o que sabemos hoy en occidente sobre llevar el velo (burka, chador o niqab) se limita a que su uso es religioso y está discriminando a las mujeres musulmanas. Esto se está transformando, de un tiempo a esta parte, ya que las propias mujeres musulmanas nuevamente están utilizando estos símbolos, como un acto de resistencia cultural y una afirmación de su identidad religiosa. Desde el año pasado, diversos países de Europa han votando y también implementando leyes que prohíben el uso del velo, a las integrantes de las comunidades musulmanas, en lugares públicos tales como: escuelas, calles, centros comerciales, teatros y restaurantes, si bien la justificación de este proceder tiene que ver con los atentados fundamentalistas de los últimos años, esto constituye una verdadera discriminación para con el pueblo musulmán, que avasalla los derechos de las mujeres que por cuestiones religiosas o culturales desean respetar la tradición. No debemos olvidar que la cultura occidental también es discriminatoria al imponer la dictadura de lo bello y lo perfecto desde los medios de comunicación y los formadores de opinión, que someten tanto a mujeres como a hombres a la imitación de estereotipos de belleza que dictan la delgadez extrema y la juventud eterna. Hoy por hoy, la búsqueda de esa perfección inalcanzable se basa fundamentalmente en el retoque digital de las fotografías y en la sobrevaloración de la apariencia física de los personajes mediáticos que, gracias a su exposición excesiva, crean espejismos e ideales sumamente frívolos y efímeros. ¿Cómo se puede juzgar a quien usa la burka para mantener una cierta magia, un misterio que ser descubierto solo por quien la ama, tildando su uso de discriminatorio? ¿Hay algo que seduzca más que ser revelada y descubierta de a poco, dejando que la imaginación intervenga? ¿Por qué occidente cayó en el error de confundir la seducción con la exposición sexual explícita? La sociedad occidental mira desde su soberbia y, generalizando, enarbola banderas que le son propias (liberación femenina), sin darse cuenta que sus cánones de belleza son iguales o mucho más exigentes. La mayoría de los países occidentales están completamente gobernados por las leyes del consumo, que igualan y uniforman a hombres y mujeres con el uso de jeans, remeras y zapatillas, homogeneizando a todos y, muchas veces, invadiendo antiguas culturas y tradiciones, cambiando los hábitos cotidianos y empujando a sectores sociales de escasos recursos a caer en un consumo voraz. El uso del jean se inició entre los buscadores de oro de los Estados Unidos, gracias a la genialidad y la visión de futuro de Levi Strauss. Al mismo tiempo las camisetas de algodón, que en los años 50 se transformarán en las t-shirt, protegían a estos hombres del frío en el invierno y absorbían el sudor de sus cuerpos en los meses de calor. Muchos años pasaron hasta que estos prototipos de la indumentaria masculina pasaron a ser íconos de la juventud rebelde y de la liberación femenina, pero lo cierto es que comenzaron a ganar cada vez más espacio en los roperos y a cargarse de valores subjetivos y comunicacionales, para ser hoy en día un símbolo común a todas las edades. Debemos tomar conciencia de que las mujeres que respetan el régimen islámico son objetos de deseo de sus maridos, para quienes ellas se arreglan y adornan, solamente dentro de sus hogares. Muy por el contrario, en la cultura occidental, la mujer sale a la calle con sus mejores galas dispuesta a seducir, mientras que en su casa se relaja y desestructura de tal manera que llega a olvidarse de que también es gratificante arreglarse para seducir a su pareja. Sabemos que generalizar no es bueno y que hay miles de matices y situaciones diferentes, muchos se asombran al saber que, bajo la burka, las mujeres musulmanas se visten y se arreglan como las occidentales, con prendas de etiquetas de lujo y bastante maquillaje. Otro dato curioso tiene que ver con que en los países de la república islámica es donde se encuentran los mayores índices de cirugías plásticas de nariz. La libertad de elegir usar o no el velo islámico, donde sea, no debe estar reglada por decisiones políticas que, de alguna manera, también son fundamentalistas y, mucho menos, por una cultura opresora. No podemos permitir que la intolerancia extrema ataque a alguien que pertenece a una cultura diversa, porque las culturas de los pueblos, sus diferencias y tolerancias conforman la fascinante historia del mundo, que siempre podrá ser convivida y descubierta.
10 - Moda FusionARTE Revista Digital
Moda Solidaria
Moda Nacional
Señor Amor
Por Andrea Castro
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r. Amor es una marca hecha por todos para el Ejército de Salvación, una marca que nació para generar algo mucho más importante que ganancias, una marca que nació para generar otra manera de ayudar. En ella intervienen miles de personas que donan ropas y accesorios que ya no utilizan, muchos artistas y, al menos este año, 5 de los mejores diseñadores argentinos que se prestaron a intervenir las prendas y generar 5 mini colecciones: 12-NA, Hermanos Estebecorena, Mariano Toledo, Pablo Ramírez y Tramando. El resultado de este interesante proyecto se presentó en un desfile realizado en la Ciudad Cultural Konex, el pasado 10 de junio. Las paredes de la vieja construcción reciclada funcionaron como pantallas ideales para dar a conocer, en primer lugar, la labor de esta organización religiosa de beneficencia que desde el siglo XIX brinda ayuda y soluciones concretas a los sectores más necesitados. Antes de cada pasada, pudimos ver también, proyecciones que mostraron a cada uno de los diseñadores trabajando en vivo en el lugar (con barbijos, parados sobre enormes montañas de ropa y eligiendo muy meticulosamente los materiales) y explicando cuales habían sido sus procesos de diseño. 12-NA (la docena, proyecto artístico de reciclaje textil) rompió el frió de la noche apuntando su trabajo al “reciclaje como un nuevo lenguaje de diseño, a partir de grupos de prendas que puedan conformar una prenda nueva y reinventando algo que ya no tiene uso”. Pensando en Latinoamérica, sus diseñadores trabajaron con prendas norteamericanas (camperas y buzos deportivos, guantes y camisas leñadoras) que tuvieran diferentes tipologías y texturas para generar interesantes faldas, enteritos, ponchos y trajes campesinos con reminiscencias folk. Para Javier, de Hermanos Estebecorena, la experiencia fue como “flotar en un espacio sin tiempo donde uno va eligiendo lo que más le parece conveniente de diferentes épocas” “Yo pensaba que estaba haciendo una selección pero en realidad estoy haciendo una selección de una selección porque esta es ropa que alguien compró y que en algún momento entendió que era importante y valiosa”• La propuesta masculina de los HE se centró en los abrigos (camperas, un chaleco y un sobretodo) con la utilización de piel, cuero y paño, aires vintage y militares y un detalle muy pintoresco: una típica pollera escocesa de mujer utilizada como pequeña capa. Mariano Toledo jugó de la manera que más le gusta y mostró una imagen futurista y algo dark, construida a partir de elementos clásicos: pied de poule, terciopelo, collares de cadena, lentejuelones y tul, entre otros. Muy interesado y comprometido con el proyecto, se sintió a gusto con el tema de la solidaridad y la ayuda. “Hay que pensar este tema de acumular, ya sea riqueza, ropa u objetos. ¿Para qué seguimos haciendo ropa? El mundo ya está lleno de ropa, basta, ¡no fabriquen más ropa!. Esto tiene mucho que ver con nuestra cultura que está hecha de retazos y con lo que se puede, estamos en el tercer mundo” Las sofisticadas damas de Pablo Ramírez, con sus aires colegiales, monacales y campesinos provenzales respetaron el blanco y negro casi obsesivo de su autor, salvo una rebelde que se atrevió al rojo. Pablo eligió cuidadosamente sus materiales: cuadrillés, antiguos encajes, broderie y la aparición de un típico uniforme de colegio religioso, le fueron como anillo al dedo. La novia, sensual y aniñada a la vez, se llevó todos los aplausos. “Yo soy tan obsesivo y perfeccionista con lo que hago que quería seguir viendome reflejado en lo que había hecho pero, al mismo tiempo, deseaba comunicar y poder hacer llegar a una mayor cantidad de gente la tarea y la misión que cumple el Ejército. Uno siente que establece una relación y un vínculo con ese objeto que formó parte de un momento y de una situación determinada”. Martín Churba basó su trabajo en la elección de prendas muy antiguas, repetitivas y portadoras de un significado, como la ropa de trabajo. La superposición, el mix de textiles y su particular manejo de las texturas, el color y los brillos estuvieron presentes en tapados, vestidos, sacos, faldas y bermudas; todos muy bien acompañados por una importante cantidad de accesorios. Para Martín “cuesta dar porque en general pensamos que las cosas tienen nuestra historia o un pedazo de nosotros pero, en realidad, cuanto más cosas dejas ir, más cosas nuevas aparecen. Reciclar es encontrar en cosas que existen algo nuevo, reinventando, deconstruyendo y construyendo a la vez”. Luego de la pasada final, la banda del Ejército de Salvación, nos recordó que la moda una vez más sirvió para hacernos tomar conciencia y reflexionar sobre temas tan importantes como la pobreza, la frivolidad, la necesidad de ayudar y la relación del hombre con los objetos. Lástima que algunos invitados especiales no lo vieron desde ese lugar y en medio de la actuación de estos hombres y mujeres que se dedican a darle una mano a los más desposeídos, se retiraron sin dar explicaciones.
12 - Moda FusionARTE Revista Digital
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12-NA
Hermanos Estebecorena
Mariano Toledo
Pablo Ramírez
Martín Churba
12-NA
Hermanos Estebecorena
Mariano Toledo
Pablo Ramírez
Martín Churba
Fotos: Facebook Sr Amor
Moda FusionARTE Revista Digital - 13
Lanzamiento línea de carteras y accesorios de cuero
bONNES aLIEES: handbags & leather goods
Por Alexandra Muraco
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l mes pasado en Buenos Aires se lanzó una nueva marca de carteras y accesorios de cuero, cuyas creadoras son Victoria Pocovi y Macarena Rosas. Ambas lograron que sus productos conjuguen la sofisticación y la calidad que toda mujer desea al elegir un accesorio tan importante como lo es una cartera ya que, hoy en día, ocupa un lugar significativo a la hora de completar un look. Su exclusiva línea fusiona la vanguardia, la practicidad y la modernidad inspirada “en una mujer urbana, chic y osada”. La colección está confeccionada en su totalidad en cuero argentino y su fuente de inspiración se basa en las catedrales rusas, cuyos detalles se ven reflejados en su forma, la paleta de color utilizada y en los apliques tales como pliegues y tachas. Para su confección se utilizó un mix de texturas a partir del cuero gamuzón, el cuero nassa y la cabra gamuzada. La forrería interior presenta un delicado estampado floral que las hace aún más femeninas. Estas preciosidades se pueden encontrar, solo por el momento, en el Almacén de Belleza (Nicaragua 4835, Palermo).
“Bonnes Alliees quiere brindarle a la mujer una propuesta cómoda y original para llevar a toda hora, priorizando la versatilidad en sus diseños, la calidad en sus materias primas, e invitando a jugar con los estilos y modelos, para expresar el espíritu libre y creativo de la marca”.
14 - Moda FusionARTE Revista Digital
Nueva Tienda en Galería Promenade Por Alexandra Muraco
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SISTERS by Melina y Jessica Solnicki
as hermanas Melina y Jessica acaban de inaugurar su nueva boutique en la famosa Galería Promenade, ubicada en la Avenida Alvear, justo al lado del hotel con el mismo nombre. Con una decoración para enamorarse y sentirse una princesa, el local alberga la calidez y el romanticismo que le gusta encontrar a toda mujer elegante.
Revisando los percheros de la tienda se observan prendas elegantes, sofisticadas y muy femeninas, en una amplia variedad de colores y texturas, y para las que se utilizaron tules, gasas y encajes. Vestidos largos y cortos, camperas de cuero, abrigos de piel, pantalones super chic, blusas sugerentes y brillos, conforman una colección inspirada en las muñecas antiguas, en sus vestidos y accesorios. “Muñecas en una bombonería”, donde hoy las muñecas son de carne y hueso y los bombones son esos ítems a los que no te podes resistir, expresa la marca. El look de la petit boutique se completa con la exhibición de accesorios para el cabello, joyas, sobres y carteritas, zapatos y algunos productos de belleza. Vení a conocer a las Sisters y viví un sueño romántico, encontralas en la Galería Promenade (Av. Alvear 1883, Capital Federal).
Moda FusionARTE Revista Digital - 15
Moda en Palermo
Topissima!
FOTOS: Cortesía Facultad de Diseño y Comunicación (CPDC) - Universidad de Palermo
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16 - Moda FusionARTE Revista Digital
Por Andrea Castro
el 14 a 25 de junio la Universidad de Palermo reunió, en su tradicional ciclo de desfiles, muestras y performances, los trabajos de los alumnos de todas sus Cátedras de Diseño. Moda FusiónARTE tuvo el agrado de ser invitada al megadesfile Topissima! que cerró la muestra el viernes 25 por la noche, y en el cual, alumnos de 1º, 2º y 3º año, de las cátedras del profesor Gustavo Lento, presentaron sus diseños conceptuales con una calidad de creatividad y confección impecables. A pocos minutos del comienzo se palpó una gran alegría, en un ambiente distendido que reflejó el orgullo de los familiares y amigos que estuvieron presentes. Gracias a una organización, que suponemos titánica, todos pudieron lucirse por igual, ya que cada pasada fue acompañada por su respectivo video, música y coreografía. La pasarela fue invadida por todas las operaciones de diseño y siluetas posibles de realizar hasta el momento pero, si bien la diversidad de textiles y temáticas fue importante, no hubo señales de caos ni grandes desconexiones. La secuencia de las pasadas y el tempo del desfile estuvieron manejados de una manera que logró transformarlo en una agradable suma de momentos, cada vez que un grupo de modelos se desarmaba y comenzaba a proyectarse el siguiente video, uno sentía claramente que ya estaba adentrándose en la mente y el universo de un nuevo creador. Hubo lugar y tiempo para todo: la revalorización de lo artesanal a través del tejido; un fuerte espíritu lúdico, que llego a coquetear con el surrealismo; la reformulación de trajes masculinos en tipologías femeninas; los aires coloniales que refirieron al Bicentenario; la presencia infaltable de un futurismo, algo apocalíptico y andrógino; la sensualidad y el glamour. Un párrafo aparte se merecen los trabajos realizados en denim, que mostraron un dominio poco frecuente del ya mencionado material y fueron observados muy atentamente desde la platea por Alejandro Ogando (Encargado de Producto de Santana Textiles). Una fuerte desestructura y una necesidad casi imperiosa de doblegar la tela, a través de costuras, cortes, entrelazados, pliegues, plisados, repeticiones y superposiciones de módulos, entre otras operaciones, predominó en todos los diseños. La pasada final los fue reuniendo uno a uno sobre la pasarela, en una acertada sumatoria que pudo dar una perspectiva general de la relación que cada alumno logró entablar con el textil, sin olvidarse del cuerpo, el trabajo de las formas y el manejo del espacio. No en todas las instituciones se privilegia a los alumnos en momentos como este, por suerte el final de Topissima fue con todos ellos sobre la pasarela, desfilando cada uno junto a su modelo y disfrutando felices, mientras su docente los aplaudía aún más feliz desde el primer piso.
Moda FusionARTE Revista Digital - 17
Colección invierno 2010
Por Alexandra Muraco
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imena es Diseñadora de Indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires, Jimena desarrolla la idea del dos en uno, en prendas que son reversibles y desmontables. Su mirada es atemporal y en ella prima la asimetría, recurso que la diseñadora utiliza para llegar a una desconstrucción que mantiene el equilibrio sin llegar al caos en las prendas. Su marca apunta a una mujer clásica, activa y femenina, que busca la practicidad y originalidad a la hora de vestirse. Para esta temporada Jimena Anastasio nos propone una paleta de color que contempla el negro, el gris, el rojo, el violeta y el berry. Estampados y sastrería, cobran vida a través de trenchs y vestidos que se fraccionan y se transforman en chaqueta y falda. Jimena Anastasio se comercializa principalmente en la Trastienda de Diseño en Corrientes y Dorrego, y en destacados retail stores como Crisantelmo (Piedras 899 y Puntos en el Espacio (Perú 979).
18 - Moda FusionARTE Revista Digital
Por Alexandra Muraco
2º SEMINARIO CIVIL
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iviles cumplió 10 años y lo festejó organizando su segundo Seminario Civil que, sin lugar a dudas, ha sido un gran éxito. La interesante propuesta se llevó a cabo desde el 26 de mayo hasta el 4 de junio del corriente año. Los Seminarios Civiles constan de una serie de seis encuentros íntimos, con no más de 20 asistentes, que permiten una mejor comunicación con los expositores. Estos últimos se presentan en forma de duplas integradas por referentes de los distintos ámbitos de la industria de la moda. Quienes han participado de este seminario fueron pares que se relacionaron tanto por haber trabajado juntos, como por tener experiencias como equipo, a pesar de sus diferentes disciplinas: Gisela Filc y Roxana Urresti, Victoria Lescano y Pablo Ramírez, Pablo Franco y Roxana Harris, Ana Torrejón y Jesica Trosman, Gabriel Rocca y Andrés Pastor, Laura Muchnik y Mariano Toledo. Los encuentros permitieron que los disertantes se expresaran con total libertad y se sintieran cómodos al hablar sobre la actualidad de la moda desde sus vivencias personales. “A mí me gusta trabajar con luz natural y eso me generó un estilo propio y particular” comentó la fotógrafa Gisela Filc. Por su parte, Victoria Lescano expresó, “estoy más cerca de la antimoda que de la moda, (…) trabajo el lado B de la industria y me gustan las tramas paralelas que hay a su alrededor”. Pablo Ramírez aseguró, “soy antes que nada un dibujante”. “Un día me di cuenta de que estaba vistiendo de pobre a gente rica”. La productora Roxana Harris contó cómo fueron sus inicios en la profesión y resaltó que “lo que más me define es el erotismo sofisticado”. Ella compartió la exposición con el fotógrafo Pablo Franco, quien sostuvo, “mis cámaras tienen mi energía. (…) Mi relación con la fotografía es muy física, le pongo el cuerpo para que todo salga bien”. El fotógrafo Gabriel Rocca, a su vez, destacó en la cuarta charla el papel de los modelos, y afirmó que “hoy deben ser al mismo tiempo modelos y actores”. Gabriel compartió panel con el productor Andrés Pastor quien confesó, “cuando termina la sesión de fotos comenzamos a hacer el después de hora, que nosotros llamamos ‘lo artístico’ y de lo que resultan grandes fotografías”. En el siguiente encuentro la periodista y galerista Ana Torrejón dijo, “nadie puede decir qué está bien y qué está mal en la moda”, concluyendo que “el concepto sigue siendo lo más importante”. Jessica Trosman destacó, “yo trabajo desde la emergencia”. El cierre del Seminario Civil estuvo a cargo de la dupla integrada por Laura Muchnik (consultora) y Mariano Toledo (diseñador). Laura aseguró, “hago muchos viajes inspiracionales que generan nuevas ideas, y estoy agradecida de poder trabajar y generar trabajo”. “Es tanto más moderno el trabajo en equipo que el trabajo individual. Hoy todos los modelos exitosos a nivel mundial tienen que ver con la complementariedad”. Mariano por su parte comentó, “yo sabía que tenía algo importante y lindo para contar. (...) La moda tiene que ver con disfrutar de la imagen más allá de poseer la prenda”; para concluir diciendo que “en lo que respecta al diseño, hoy tengo una visión mucho más cerca de la industria que del arte”.
Seminario Civil es una propuesta innovadora de coaching que reúne a los profesionales argentinos más destacados vinculados a la industria de la moda. Más información en: www.civiles.com
Moda FusionARTE Revista Digital - 19
ADELANTO BAFWEEK – PRIMAVERA / VERANO 2010/11 Por Alexandra Muraco
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a semana de la moda en Buenos Aires para esta primavera – verano 2010/11 ya tiene fecha: se realizará del 11 al 13 de Agosto en La Rural de Palermo.
El tema de la campaña para esta temporada giró en torno a la moldería. De la misma participaron prestigiosos diseñadores y marcas tales como: Catalina Ichaso y Lucinda Walmsley (ganadoras del semillero UBA 2010); Vicki Otero; Kostüme; Nadine Zlotogora; Martín Churba y Prüne, aportando los zapatos. El equipo de realización estuvo integrado por: - Modelo: Azul Caletti - Agencia: Lo Management - Maquillaje: Verónica Mendoza para Natura - Pelo: Juan para Estudio Olivera - Fotógrafo: Martín Traynor - Estudio de Diseño: Bonadeo & Gálvez - Estilismo: Florence Arguello y equipo de BAFWEEK. Aunque todavía no están confirmadas todas las marcas y diseñadores que participaran en el próximo BAFWEEK, en Moda FusiónARTE te adelantamos algunos de los que ya han confirmado su participación en pasarela: Cook, Juana de Arco, Kostüme, Marcelo Senra, Rapsodia, Tramando, Uma y Wanama.
20 - Moda FusionARTE Revista Digital
¡Agendate la fecha y no te pierdas todo lo que se vendrá para la próxima temporada!
PREMIO INFLUENCIAS 2010 Abierta la inscripción
Buenos Aires, junio 2010.- Intel presenta Influencias: Premio Argentino a la Innovación y comunica que desde el 2 de junio hasta 30 de julio está abierta la inscripción para participar de la edición 2010. Más información en www.influencias.org Luego de una exitosa primera edición, el certamen que distingue a los desarrollos locales más innovadores en los ámbitos del diseñoy de Internet se consolida y elige a los mejores de cada categoría, a través de un prestigioso jurado conformado por referentes de cada una de las disciplinas: Guillermo Tragant, Mariano Toledo, Enrique Avogadro y Carolina Muzi en diseño; Omar Arab, Fernando Barbella, Ariel Arrieta y Mariano Amartino en internet. En cuanto a las categorías, diseño contempla diseño de producto (objetos, mobiliario e iluminación) y de indumentaria (prendas y accesorios de moda), en las modalidades Profesional y Estudiante. Internet, por su parte, incluye servicios on line, publicidad on line y blogs, sólo para Profesionales. “La edición 2009 colmó nuestras expectativas y estamos felices de distinguir nuevamente los trabajos de talentosos estudiantes y profesionales argentinos. También de poder ayudarlos a difundir sus producciones, que son un orgullo nacional”, destacó la directora de Green Tara y productora del premio, Alejandra Cordes. Los ganadores recibirán una estatuilla y sus trabajos se publicará en “Influencias, Guía de la Innovación en Argentina”, libro que tiene por objetivo registrar los proyectos destacados. A su vez, la propuesta ganadora de la categoría Internet será incubada por la factoría de emprendimientos Dreams 2.0. El evento de premiación será el 14 de septiembre en el espacio Godoy.
Cronograma de actividades: Inscripciones: desde el 2 de junio hasta el 30 de julio Comunicación de los ganadores: 14 y 15 de agosto Evento de premiación: 14 de septiembre Influencias está producido por Green Tara producciones culturales y GrupoSiete contenidos. Te invitan a participar del premio Agea Digital, Godoy y Revistatdi.com. Auspicia el Centro Metropolitano de Diseño, la Universidad de Palermo y Palermo Valley. Más información acerca de Influencias, bases y condiciones en www.influencias.org Hazte fan en FCB: Influencias
Day´s lanza su blog
Belleza e Imagen
CHARLA ENTRE MUJERES.
Por Alexandra Muraco
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ay´s la marca líder en protección femenina, lanza en Argentina su nuevo blog llamado “Charla entre Mujeres”, el mismo será desarrollado por Carolina Aguirre (autora del blog Ciega a Citas), quién relatará sus experiencias y reflexiones sobre el amor, la pareja, el cuerpo y la moda, entre otros temas interesantes. También se incluirán entrevistas realizadas a mujeres “como vos” por Julieta Pink. Este proyecto nació de la necesidad de compartir el diverso, complicado y maravilloso mundo de ser mujer a través de charlas, relatos y reflexiones de cientos de mujeres que al igual que vos sienten, se tropiezan, lloran, se ríen y se enamoran. En el blog se podrán encontrar también sugerencias para cada etapa del período femenino para que todas puedan disfrutar cada momento al máximo y de la mejor forma. Cada semana se tratarán diversos temas femeninos como por ejemplo, “las citas” o “mi primer amor”, entre otros y se subirá un nuevo video para que todas lo puedan compartir. Se prevén más de 30 capítulos o temas semanales. “Desde Day´s venimos trabajando para acompañar a las mujeres, ofreciéndoles los mejores productos en innovación y calidad para su salud e higiene, y brindándoles información interesante para cada etapa de su ciclo. Estamos muy contentos con el lanzamiento del blog, que permitirá fomentar las charlas entre mujeres sobre temas que compartimos y nos hacen únicas”, señaló Guillermina Mas, Gerente de Categoría FEM CARE para Argentina, Paraguay y Uruguay.
22 - Moda FusionARTE Revista Digital
Ahora que ya te lo presentamos te invitamos a que lo descubras: www.days28diasconvos.com.
Por Alexandra Muraco.
MAKE UP: DESFILE TROSMAN
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´Oréal Paris fue la marca realizadora del make up del desfile que Jessica Trosman presentó en el piso 20 de Madero Harbour. El look elegido por la diseñadora fue un rostro neutro, andrógino y moderno, perfectamente logrado por el equipo de maquilladores de Verónica Momenti que trabajó fundamentalmente sobre la piel. Se cubrieron imperfecciones y líneas de expresión con Infalible Concealer tono 140, para aplicar luego la base Mat Morphose en el mismo tono de la piel de la modelo, logrando así un cutis liso y sin brillo. Las cejas y las pestañas fueron neutralizadas consiguiendo un efecto blanquecino que permitía confundirlas con la piel del párpado. Para las espetadas se utilizó Double Extension. En la boca se usó un gloss color Juice Gloss Bubble Gum 115 de un rosa traslúcido, para subir apenas el tono carne propio de los labios y en las mejillas, un suave golpe de rubor Accord Parfait Blush 150 Rose Boudoir, muy sutil a modo de mantener el aspecto andrógino de las modelos. Para resaltar el ya mencionado aspecto se sumaron gorros que, al cubrir la totalidad del cabello, dejaron en primer plano las minimalistas caras.
Martín Churba
Moda FusionARTE Revista Digital - 23
Palmolive Natural´s
HUMECTACIÓN CON GOTAS DE GLICERINA
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Por Alexandra Muraco.
almolive Natural´s lanza al mercado su nueva línea de geles para ducha glicerinados. Gracias a su exclusiva fórmula con gotas de glicerina y extractos aromáticos de origen natural, son ideales para lograr una mayor humectación de la piel, proporcionando una sensación de relajación en cada baño. Además, prometen durar hasta 50 usos más que los jabones comunes.
Palmolive comparte con todas nosotras unos lindos consejos para transformar nuestro baño diario en un Spa personal: 1. Usá siempre el producto con una esponja ya que te ayudará a una mejor remoción de las impurezas. 2. Aplicá una pequeña cantidad de Palmolive Gel de Ducha sobre tu esponja mojada hasta conseguir abundante espuma. 3. Masajeá suavemente tu cuerpo disfrutando de su cremosa espuma y deliciosa fragancia. 4. Enjuagá con agua, y repetí si así lo deseas.
Las opciones que nos brinda la marca son 3: Palmolive Natural’s Té de Naranja: brinda a la piel una agradable sensación de humectación y frescura. Palmolive Natural’s Granada y Mango: con propiedades humectantes y nutritivas que revitalizan la piel. Palmolive Natural’s Té de Manzanilla: humectación suave y relajante.
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Excellence Creme de L’Oreal
LANZAMIENTO DE LA NUEVA COLORACIÓN TRIPLE PROTECCIÓN
Por Alexandra Muraco.
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xcellence Creme se renueva una vez más, en esta ocasión, con una fórmula que promete proteger y rejuvenecer los cabellos tratados con esta coloración. Gracias a la mencionada fórmula, en la que se asocia keratina regenerativa a la crema colorante, se logra reconstituir la fibra capilar y de esta forma devolverle al cabello su fortaleza perdida, de modo tal que el mismo es reparado favoreciendo un color más visible y duradero. La fórmula colorante se enriquece con Pro-Keratina que comprende 2 ácidos aminados, constituyentes naturales de la keratina del cabello. Este lanzamiento también ofrece una mayor cobertura de canas en una amplia gama de tonos. Excellence creme protege y cuida el cabello de modo durable, incluso entre 2 coloraciones, gracias a sus tres niveles de tratamiento:
• El Serum pre-coloración: que se aplica sobre largos y puntas para proteger las partes sensibilizadas del cabello durante la aplicación de la mezcla colorante, contiene dos polímeros catiónicos patentados que permiten tomar cuidado de las mismas. • La crema colorante: con 2 ácidos aminados, contiene también los 2 polímeros anteriormente nombrados por lo que aporta una protección durable al cabello y un efecto alisante de la superficie. También está enriquecida con un perfume floral, afrutado y agradable. • El cuidado post-coloración: se encuentra enriquecido con ingredientes que aportan suavidad al cabello.
Martín Churba
Moda FusionARTE Revista Digital - 25
TALLER DE IMAGEN PERSONAL Y TENDENCIAS DE MODA. Por Alexandra Muraco.
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a cita fue el pasado 8 de junio en el Hotel Argenta. Allí la Asesora de Imagen y Personal Shopper Mariel Gutiérrez dictó un taller íntimo y casi personalizado para 20 mujeres que asistieron con la expectativa de aprender un poquito más sobre la imagen personal y conocer las tendencias que mejor se adecúan a su estilo y figura. Con la frase, “la imagen sí importa” Mariel comenzó su charla explicando por qué es tan importante verse y, sobre todo, sentirse bien. Según el viejo dicho: “la primera impresión es lo que cuenta” y, los marketineros tiempos que se viven, cada vez hay más certeza en sus palabras. Es importante vestirse acorde para solicitar un empleo o cuando se tiene una primera cita, porque lo primero que captará nuestro interlocutor será nada más y nada menos que nuestra imagen, lo cual nos abrirá o nos cerrará las puertas. Ahora bien, ¿de qué se compone la imagen? La misma es un conjunto de cosas, no solo se trata de la vestimenta, sino también del cabello, los accesorios, el make-up, la postura y la silueta; hay que aprender a conocerse para poder destacar los puntos fuertes y disimular los débiles. En el taller, Mariel enumeró los distintos tipos de silueta, destacando que “el talle correcto es el que le queda bien a todas”. A medida que los ejemplos se sucedían, las asistentes aprovecharon para identificarse con un estilo, pudiendo apropiarse de algunos tips para destacar lo mejor de cada una, además de despejar todas sus dudas. Con su amabilidad de siempre, Mariel no solo respondió todas las consultas sino que también aconsejó a las damas en forma personalizada. Luego del break, en el que todas pudieron disfrutar de un rico té con masitas, se comenzó a charlar sobre la influencia del color en las personas: a pesar de que la colorimetría es un tema, muy útil, pero algo complejo, Mariel supo hacerlo dinámico y fácil, eligiendo a una de las participantes para realizar la colorimetría en vivo y motivando al resto a participar de la misma. Finalmente el taller culminó con la presentación de las tendencias de moda para el alto invierno en indumentaria, accesorios y calzado. Fue una tarde-noche muy productiva en la que cada una se llevó los conocimientos necesarios para verse mejor en el trabajo y en la vida cotidiana.
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LA COLUMNA DE MARIEL GUTIÉRREZ Tengo que presentarme en varias entrevistas de trabajo para promociones, el tema es que no se con que tipo de ropa, colores o zapatos debo ir. Es un tema que me preocupa, porque algunos me dicen que tengo que ir de negro y otros que no. Necesito ayuda Jesica Quería consultarte sobre consejos para ir a una entrevista y no caer en el típico pantalón negro y camisa blanca. Ni en el conjunto tallieur de un mismo color. Carla Ante una entrevista laboral siempre es importante saber cuál es la identidad y el perfil de la empresa que nos convoca ya que nosotras, como futuras empleadas, deberemos proyectar una imagen positiva y sólida del lugar donde trabajaremos, siempre teniendo en cuenta nuestra propia imagen personal. Otros datos a tener en cuenta son, por ejemplo, el cargo al cual nos estamos postulando y la locación de la empresa. El guardarropa elegido para la ocasión debe ser versátil y reflejar quienes somos: lo importante es que el toque de personalidad siempre esté impreso en el estilo de vestir como un sello imborrable. El secreto es tener algunas piezas claves. A continuación les menciono un par de pautas de vestuario según los distintos ambientes de trabajo. En un ambiente conservador imperan los conjuntos clásicos, el traje sastre de pantalón o falda es la prenda ideal. Pueden optar por un look femenino & masculino: blazer negro largo, una camisa blanca lisa, con alforzas, o porque no rayada y una falda a la rodilla o un pantalón con botamangas. También pueden darle un leve toque creativo con un par de tiradores, medias con rombos y zapatos abotinados. En un ambiente formal pero más relajado se puede llevar un estilo más casual ya que, en las empresas un poco menos tradicionales, este tipo de estilo es un concepto nuevo, derivado del atuendo tradicional. Aquí les propongo una polera de modal blanca y, sobre ella, una remera semi transparente con arabescos y cuello buche, en combinación con un pantalón de gabardina espigado en color marrón y una faja color suela con tachas. El ejemplo lo pueden observar en la fotografía (“Habita” Av. Rivadavia 4995 - Local 32 Caballito). En los ambientes creativos se desarrollan actividades en las que la indumentaria suele reflejar la capacidad creativa e innovadora de sus integrantes. Con un toque original y, siguiendo lo que indican las tendencias, lo mejor es un look vanguardista, por lo que les recomiendo un saco sastre cruzado, con forrería estampada; un pantalón de jean bien gastado; zapatillas plateadas y un cinto negro finito. En todos los casos los accesorios deben ser discretos, al igual que el maquillaje y el peinado. También deben tener cuidado con el perfume que lleven a la entrevista: que no sea el de las noches de boliche, sino uno suave, que no empalague y ponga de mal humor a nuestro entrevistador. Y siempre recuerden: “la primera impresión de una persona es determinante”.
Mariel responde todas las consultas que tengas para hacerle sobre imagen, Animate y mandale un mail a modafusionarte@gmail.com con tus dudas. Y participa del sorteo de una colorimetría sin cargo.
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La Columna de George Blanco (http://twitter.com/georgeblanco)
Variedades
Celebrities en Sudáfrica
¿
Habrá entendido que al fútbol se juega con los pies y que son once contra once? No importa. Señoras y señores, Sudáfrica 2010 no es lo mismo sin la reina de las celebrities (vacías), Paris Hilton. Y es que a pesar de que ya no esté su compañero de aventuras (Cristiano Ronaldo), Paris empacó sus maletas Louis Vuitton, se sacó una foto, la subió a su Twitter y explicó sus sensaciones respecto del viaje inminente: "All Packed and Ready for The World Cup! So excited!". No sabemos porque estaba tan excitada, si por el fútbol (imposible) o si por algún player, cuestión que me parece lo mas probable. Aunque claro, no sería Paris Hilton sin algún escándalo, y es por eso que al llegar a Johannesburgo, la arrestaron durante unos minutos por tenencia de marihuana, cosa que la misma París confesó después de que la policía la apretara un poco (no sean mal pensados). Y como la rubia “tuitea” todo, esto fue lo que puso al respecto: “No he sido arrestada, ni acusada, porque no hice nada. Solo ayudé a la policía y respondí algunas preguntas y todos fueron muy amables conmigo. ¡Adoro Sudáfrica! Es un lugar maravilloso, sobre todo durante el Mundial”. Todo pasó y Paris fue junto a su hermana (la fracasada, Nicky) a Porth Elizabeth a ver Brasil-Holanda. Esta claro que a la vuelta seguro hará alguna fiestita copada en L.A, a la que seguramente estarán invitados varios futbolistas. Twitter de Paris: http://twitter.com/ParisHilton Si hay una celebritie a la cuál debemos respetar esa es Mick Jagger. Aunque nos den ganas de preguntarle a que fue a Sudáfrica a ver todos los partidos, la respuesta es palpable: Sir Mick tenía trabajo. Si bien el es fanático del fútbol, se hizo unos pesos trabajando de mufa, ya que el bueno de los Stones resultó ser tremenda “drapie” para varios equipos, entre los cuales estaba… Argentina. El muchacho pudo tomarse revancha de aquella vez que eliminamos a los Ingleses en Francia 98’ con el en la platea (que carita que tenía aquella vez). Veamos: Mick llegó a Sudáfrica para ver al equipo de su segundo hogar, USA, y los yanquis quedaron afuera (Clinton fue el otro mufa). Al otro día fue a alentar a su país, Inglaterra, y el equipo se comió cuatro goles frente a Alemania. La tercera fue la vencida: cuando Mick llevó a su hijo “brasuca”, el que tuvo con Luciana Gimenez, a ver como Brasil sacaba a Chile del mundial. Todos nos quedamos tranquilos y dijimos que tildar a Jagger de mufa “había sido apresurado y era casualidad del destino que sus equipos perdieran”, pero en los cuartos de final decidió volver a la torcida (hinchada) brasilera. Todo estaba bien con el gol de Robinho, hasta que apareció Sneijder y chau jogo bonito: Brasil a casa. No conforme con arruinarles el campeonato a tres equipos, Mick dejó asentado que iría a Ciudad del Cabo a ver Alemania-Argentina. Muchos nos quedamos con la tranquilidad de que haría fuerzas por Alemania, pero resultó ser que ¡hinchaba por Argentina! El resto no hace falta decirlo y no estoy en condiciones de hacerlo. Es que, encima de que tuvimos que soportar las predicciones de El Pulpo Paul, apareció Mick y nos dejó sin chances. Yo te banco Mick, sabelo, soy tu fan desde la primera hora, pero que la bardeaste, la bardeaste. Pero Mick tuvo compañía. No conforme con asistir siempre que puede a hacer rostro al Staples Center para ver a los Lakers, el figuretti de Leonardo Di Caprio fue al Green Point a ver a Argentina, acompañando al Stone. ¿Qué hizo de interesante? Tocar la Vuvuzela (sin éxito) y sacar fotos a todo lo que se movía con su Canon (se tomo en serio lo del safari). ¿En que categoría entraría? Quien además estuvo en Sudáfrica viendo el partido de cuartos del equipo de Diego fue la bella Charlize Theron, sudafricana de nacimiento y cara bonita de la FIFA, estuvo a cargo de leer el sorteo de la primera ronda allá por el mes de diciembre: ¡que trabajito, Charlize!. Creemos que no estuvo solo para ser “shooteada” ya que, como se ve en esta foto, fue tomada por los paparazzis mientras chamuyaba con Joseph Blatter. Qué ideas intercambiaban no lo sabemos, pero seguro fueron intrascendentes. En serio: ¿para cuándo una película, Charlize?
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Lanzamientos Por Alexandra Muraco
PORSCHE LANZÓ SU REVISTA EN ARGENTINA
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partir de este año, Porsche le otorga a sus clientes un nuevo beneficio, el de acceder a esta publicación en la que encontrarán contenidos exclusivos sobre automóviles, gastronomía y buen vivir.
La revista fue lanzada en el mes de junio en un evento exclusivo en el Park Tower Buenos Aires, al cual asistieron importantes figuras del espectáculo local, prestigiosos empresarios y clientes, que además pudieron disfrutar de shows en vivo y modelos clásicos de la marca exhibidos en el lugar. “Es un orgullo para nosotros dar este nuevo gran paso que representa una muestra más de la importancia de la marca en el país. Además, es una manera de acompañar y agradecer a nuestros clientes por todos estos años de fidelidad”, comentó Hugo Pulenta, Presidente de Porsche Argentina. Y agregó: “Porsche es en el mundo sinónimo de buen gusto, refinamiento y pasión por la perfección; bajo estos principios hemos desarrollado una revista de colección”. La publicación está disponible en hoteles, restaurantes y locales de lujo y, además, es distribuida trimestralmente a clientes de la compañía. Revista Porsche contiene materiales exclusivos, con secciones que van desde automóviles, hasta entrevistas a celebridades y consejos para disfrutar del tiempo libre. Una vez más, Porsche reafirma su posición de prestigio en el país y renueva su compromiso con la innovación y la calidad de todos sus productos y servicios.
Moda FusionARTE Revista Digital - 29
Nueva plataforma digital para mujeres
MASTERCARD: NOVEDAD PARA LA MUJER DE HOY Por Alexandra Muraco
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l pasado mes de junio MasterCard lanzó una novedosa plataforma digital destinada a la nueva mujer del siglo XXI. El sitio contemplará beneficios, servicios y contenidos de interés, durante todo el 2010 y gracias a él se podrá ver la primera serie 3D en 6 capítulos protagonizados por Ana, “una mujer actual que conjuga sus roles de madre, esposa, profesional y amiga”. En cada episodio Ana contará, de una manera divertida, cómo se desarrolla su vida de todos los días y cómo MasterCard la acompaña. “En esta oportunidad creamos una plataforma orientada específicamente a la mujer por su creciente protagonismo y por ser la principal decididora de compra. Estamos orgullosos de presentar un sitio íntegramente pensado para el sexo femenino, a través del cual le ofrecemos beneficios combinados con experiencias que no tienen precio”, afirmó Jorge Colombatti, VP de Marketing de MasterCard Cono Sur. Para participar de las promociones y sorteos de la plataforma, las tarjetas MasterCard, pertenecientes a titulares o adicionales, deberán registrarse en www.mastercard.com.ar/mujeres. Una vez activada su cuenta, las participantes podrán entretenerse y obtener descuentos y beneficios durante todo el año. También, a través de su tarjeta, irán acumulando puntos con cada una de sus compras, los que se cargarán automáticamente cada mes para poder ser canjeados por premios. Para el lanzamiento de esta nueva plataforma MasterCard realizó una investigación, de la que se encargó la consultora Neder, sobre la mujer actual. La misma mostró que las mujeres solteras de entre 25 y 30 años se definen como independientes y aseguran que disfrutan de la experiencia de vivir solas. Focalizadas principalmente en el progreso laboral, consumistas y dueñas de su propio presupuesto, creen difícil amalgamar el éxito profesional con la idea de maternidad y familia. En cambio, a las mujeres mayores de 30 años, casadas y con hijos, a quienes les resulta fundamental organizarse, les cuesta delegar y las horas del día no les alcanzan para realizar todas las tareas que les demanda su multiplicidad de roles. Para ellas el cuidado de los hijos es prioridad, ya que con la maternidad el desarrollo profesional quedó, lamentablemente, relegado a un segundo plano. . Conciben al trabajo como una forma de adquirir mayor autonomía e independencia, pero se ven y están sobrepasadas de responsabilidades. “Más allá de las diferencias, podemos afirmar que algunas de las mujeres argentinas, urbanas e independientes, pueden disfrutar de una buena lectura, navegar por Internet, ir de shopping, salir con amigas y mirar la tele”.
30 - Moda FusionARTE Revista Digital
Robert Mapplethore
Arte
Eros and Order Por Andrea Castro
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l único antecedente de una muestra individual de Robert Mapplethorpe en la Argentina es la exposición realizada en la Galería Klemm en junio de 1992. Gracias al Malba, por estos días y hasta el 2 de agosto, podremos disfrutar de la primer gran retrospectiva de este maestro de la fotografía que llega a nuestras costas. Robert Mapplethorpe fue uno de los fotógrafos más controvertidos del siglo XX debido al alto contenido erótico y sexual de muchos de sus trabajos. Pero además fue uno de esos genios, que aparecen de tanto en tanto para quebrar la Historia del Arte desde todo punto de vista. Robert comenzó a sacar fotos con una cámara Polaroid en los años 70 y al ir desarrollando su propio camino estético “empezó a quebrar la forma de pensar la fotografía que se tenía hasta el momento, a romper paradigmas morales y a generar nuevas estructuras de deseo”. Mapplethorpe nos enrostra ese deseo desordenado, caótico, que muchas veces se reprime y hasta se niega pero, y ahí está su genialidad, lo hace a través de obras de una calidad estética, de un purismo y de una perfección innegables. “Yo busco la perfección de la forma. Lo hago con los retratos, lo hago con los penes, lo hago con las flores”. “Soy un artista que usa una cámara y un rollo para mis creaciones”. La muestra que llegó al Malba curada por Anne Tucker, incluye varios retratos de artistas y celebridades, series de naturalezas muertas con flores, desnudos de hombres y mujeres e imágenes homoeróticas y sadomasoquistas (debidamente resguardadas y con un cartel que indica claramente su contenido, para que cada uno pueda decidir qué negarse o permitirse ver). Puesta en palabras la obra de Robert asusta, pero al enfrentarse a ella, uno queda subyugado por la tremenda belleza de sus imágenes, por ese paso del deseo carnal al deseo purista que objetualiza los cuerpos y transforma a las formas humanas y vegetales (las tomas de flores y frutas son maravillosas) en un canto a la vida. Los cuerpos blancos que retrató parecen de mármol y los negros (una de sus obsesiones) de bronce o chocolate. Las formas corporales que descubrió a través de la lente de su cámara recuerdan, por diferentes motivos, a la escultura clásica griega, a Leonardo da Vinci, a Miguel Ángel y hasta al propio Picasso, pero van mucho más allá, porque él, como nadie, pudo liberarse de la imagen corporal más censurada de toda la historia del arte: el desnudo frontal masculino. En el Encuentro cara a cara con Fabiana Barreda, organizado por el Museo, la artista dejó bien en claro que hay algunos puntos de contacto, salvando las distancias, entre la obra y la vida de Mapplethorpe y Caravaggio. Uno de ellos se puede advertir en la muestra y es el que tiene que ver con la dualidad entre vida y muerte que plantea el trabajo de ambos artistas. Robert “permanentemente nos está mostrando formas de vivir y formas de morir”, lo cual está estrechamente relacionado con su circunstancia personal como artista y ser humano. A partir del año 1986 su actividad se volvió incesante y febril, al enterarse que estaba infectado con el virus del HIV ya que, sin cócteles de drogas inventados, la noticia fue una sentencia de muerte segura. Robert aceleró su proceso creativo para dar lo mejor de sí en sus últimos años, en este momento las referencias a la muerte comenzaron a ser cada vez más frecuentes en su obra y la mayoría de sus trabajos fueron autoretratos. Recorriendo la muestra nos encontraremos con escenas de violencia y pasión desmedida que nos remitirán al dolor y a la muerte, al igual que el retrato de una calavera que emula a las vanitas (categoría de bodegón que en el siglo XVII tenía un alto valor simbólico al trasmitir la idea de la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte) pintadas por Caravaggio y sus ya mencionados autoretratos. Es devastadora la abismal diferencia que media entre la fotografía de 1975, que nos muestra a un hombre bellísimo, alegre, jovial, fuerte, lleno de vida y proyectos y el autoretrato fechado en 1988, un año antes de su muerte. En esa última imagen se pueden observar claramente dos planos: el primero, en foco y concentrando una entidad material conformada por su mano aferrada firmemente a un bastón, cuya empuñadura es una calavera; el segundo, fuera de foco y revelando una entidad que se diluye y parece flotar desdibujada, su cabeza. Creando su propio vanitas y aceptando su final, Mapplethorpe, que tenía tan solo 41 años pero lucía como un anciano, se aferraba a la muerte tratando de encontrar alguna respuesta en ella.
Martín Churba
Museo de Arte Latinoamericano de Bs. As. / Sala 5 (2º piso) - Avenida Figueroa Alcorta 3415 / www.malba.org.ar Ero and Order. Del 4 de junio al 2 de agosto de 2010.
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Fotos: Š Robert Mapplethorpe Foundation. Used by permission
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arteBA ‘10
Una panzada de arte Por Andrea Castro
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ara los amantes del arte, tengan o no dinero para comprar una obra, la edición Bicentenario de arteBA será inolvidable. Sus organizadores, para celebrar nuestro especial momento patrio y sus 20 años de trabajo, tiraron la casa (o mejor dicho la feria) por la ventana. Si bien trataron de armar una propuesta amena y recorrible, con un número limitado de galerías, la variedad de técnicas y planteos conceptuales fue apabullante. Este año se logró potenciar la dimensión latinoamericana de la edición al invitar a participar a los países que también transitan su bicentenario por estas fechas. El stand de Uruguay dedicó gran parte de su estructura a los maravillosos grabados de Antonio Berni y en el espacio mexicano se pudo apreciar el busto de un gaucho montado sobre un alto pedestal que, si bien, a golpe de vista daba la impresión de ser inanimado, sutilmente seguía a los visitantes con la mirada. Los tres días consecutivos que fui a visitar la feria me encontré con el mismo hombre metido, vaya uno a saber de qué manera, dentro del pedestal, inmóvil, prácticamente sin respirar y solo moviendo sus ojos. Nada logró inmutarlo, ni las risas, ni las fotos, ni los gritos de las jovencitas más desprevenidas y mucho menos los homenajes a Susana Giménez que se repetían sin cesar cuando los visitantes se preguntaban, ¿está vivo? El espacio del Banco Ciudad expuso valiosas obras, que saldrán a remate próximamente, de Guttero, Fader y Vito Campanella, entre otros, y albergó a los Obeliscos del Bicentenario, que fueron realizados a partir de la intervención de otros artistas sobre la escultura previa de Nora Iniesta. El Museo Nacional de Bellas Artes no se quedó atrás y acercó a la gente algunos de sus más preciados tesoros: nadie quiso perderse el privilegio de sacarse una foto posando junto a Manuelita Rosas, quien lucía joven y bella como siempre desde el famoso cuadro de Prilidiano Pueyrredón. El tan de moda work in progress tuvo su lugar en los stands de Arnet, en el que 6 artistas contemporáneos recrearon partes del mapa de la Argentina; la Revista Ñ, que desafió a varios creadores a generar su propia versión de la tan conflictiva letra; y Página 12. Esta última propuesta consiguió reunir, para pintar un mural en vivo, a cuatro grandes maestros, ver pintar juntos a Luis Felipe Noé (que con 77 años no vaciló en subirse a una escalera para llegar a lo más alto de la estructura), León Ferrari (un joven de 90 años que mantiene intactas su sonrisa y su alegría de vivir), Eduardo Stupía (uno de los dibujantes más importantes del país) y Miguel Rep (un humorista de pura raza) fue un honor y una de las mejores cosas que me pasó en la vida. El rescate de grandes referentes y obras no terminó allí ya que, gracias al auspicio del Patio Bullrich, se trajo nuevamente a la vida a la escenografía que el artista Edgardo Giménez diseñó para la primer película pop de la Argentina: Psexoanálisis, filmada en el año 1967 por Héctor Olivera. Por aquellos años el director le pidió a Edgardo el diseño de un dormitorio para filmar unas escenas con la despampanante Libertad Leblanc, grande fue su sorpresa cuando el artista le presentó esa especie de tienda dorada rodeada por unos gigantescos monos vestidos como si fueran los botones del mejor hotel internacional. La película y la escenografía fueron un éxito tanto en 1967 como ahora, en el 2010, cuando pudo verse a un exultante Giménez, enfundado en un traje de terciopelo negro y luciendo una corbata animal print, posando en su reconstruida obra junto a una vedette vestida con el mismo atuendo que lució la Leblanc hace 33 años. Marta Minujin fue otro de los grandes referentes con fuerte presencia en la muestra a través de su enorme obelisco multidireccional en oro, de su nueva y sus tradicionales obras que ocuparon el stand de la galería Loreto Arenas por entero y de sus dos clones. Si, leyeron bien, la artista se paseó por la feria, flanqueada por dos señoritas ataviadas con pelucas rubias platinadas, anteojos de sol y calzas doradas, mientras regalaba cajitas con réplicas de sí misma en chocolate. Este año el Premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales le fue otorgado a una obra conceptual de Adriana Miranda llamada El espacio de acá, resultado de cuatro años de trabajo en un programa de investigación urbana en la ciudad de San Juan. La artista estudió y documentó profundamente a la gran población de perros callejeros del lugar, logrando establecer pautas que le permitieron individualizar dos grupos o “razas” nuevas: el Delmer Andino (por perros del mercado) y el Delafer Andido (por perros de la feria). En esta nueva edición el Barrio Joven se extendió, incorporando tanto artistas del interior del país como del resto de Latinoamérica y, además, logró afianzarse en relación a la calidad conceptual y técnica de las obras presentadas. La reflexión en torno a la condición humana y el mensaje ecológico profundo y alejado de los estereotipos conocidos fueron una constante, destacándose las numerosas alusiones a la naturaleza elevada a la categoría de arte y hasta de objeto de lujo. Algunas perlitas para rescatar: la entrada de cabaret kitsch que montó la galería Apetite, con muchachitos andróginos semidesnudos enjaulados y todo, la inmensa estructura circular giratoria, algo así como una réplica del edificio El rulero, repleta de zapatillas que armó Converse, el stand Panic Picnic de Diego Bianchi, con una inmensa bola de pelos naturales que producía entre aprensión y asco, el homenaje al fotoperiodismo por parte de La Nación, las obsesivas miniaturas de Dino Bruzzone, el Trailer de Nicola Constantino, las obras de Carlos Gallardo. arteBA’10 ya terminó, pero nos dejó algunos mensajes claros. Nos dejó mucho pop, muchas referencias a mundos infantiles, de cuentos y de ensueño y mucha ecología. Algo de kitsch mezclado con animé y un par de imágenes de guerra, que nunca faltan pero, por suerte, muy poco futurismo apocalíptico.
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Juan Carlos Distéfano Obras 1958-2010
Sanación y condena Por Andrea Castro
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uevamente el Espacio de Arte de la Fundación Osde nos presenta una excelente muestra. Curada por María Teresa Constantin, su Coordinadora de Arte, y excepcionalmente montada, la exhibición se divide en cuatro núcleos centrales. El primero reúne los trabajos de los años 60; el segundo los de la década del 70; el tercero, escapa a un orden cronológico pero agrupa las obras gracias a un mismo hilo conductor, “el equilibrio tenso de los cuerpos” y, finalmente, el cuarto agrupa los trabajos del último período revelando nuevos ejes en la producción del artista. Observando los numerosos dibujos que dan cuenta de los estudios preliminares que realiza Juan Carlos, para cada una de sus obras, y deteniéndonos un momento para disfrutar del video que lo muestra trabajando durante un lapso de tiempo, difícil de determinar, nos damos cuenta que Distéfano no es, ni podrá ser nunca, un artista compulsivo. Su particular y complicada técnica de representación escultórica, basada en el uso de resina poliéster, esmalte epoxi y ocasionales refuerzos de fibra de vidrio, le brinda la posibilidad de reflexionar y tomar decisiones estéticas y éticas a cada paso de la materialización de su obra; a la vez que le posibilita ese dramático tratamiento de lo corporal que ya es su marca registrada. El crítico Fabián Lebenglik ha dicho de Distéfano:”el centro de sus reflexiones es el cruce entre cuerpo y violencia. En sus obras el cuerpo humano modula torsiones, se extenúa, se estira, se contrae, se expande, se confunde con los objetos, forzado por distintas clases y grados de violencia. Son cuerpos atravesados (e inscriptos) por el dolor de la violencia social y política que caracteriza la historia facciosa y sangrienta de la Argentina”. Sus primeros trabajos nos hacen pensar en un creador atrapado dentro de la bidimensión y cercano al pop (a partir de 1960 formó parte del departamento de diseño gráfico del Instituto Di Tella) ya que sus rostros y cuerpos comienzan a emerger tímidamente desde telas tratadas con velos de vidrio, lonas y la infaltable resina poliéster (Todos los días, 1965; Tres versiones, 1966). En los años 70 Distéfano ya se adueña por completo del espacio 3D para centrar su mirada “sobre la gravedad de la violencia y del ejercicio del poder autoritario, tanto de la dictadura como de la postdictadura”. La transparencia de la resina lo ayudará a incorporar la imagen del agua que, en general, aparecerá en su obra como un elemento asociado a la muerte. Su camino estético transitará, a partir de aquí, por una suerte de expresionismo que, en algunas obras, remitirá claramente a Francis Bacon (Giallo II 1972). El mudo (1973), obra que paradójicamente permaneció en exhibición durante los años de la dictadura, representa a un hombre con los brazos atados a la espalda y sacando su cabeza de un balde con agua, en obvia alusión al método de tortura denominado el submarino; Telaraña (1974/75), en cambio, no supone la intervención de terceros pero deja en claro la imposibilidad de ese ser humano de librarse de la sustancia viscosa que lo envuelve y retiene, sin dejarlo nacer. En los años 80, algunos de sus personajes comienzan a experimentar momentos de escape gracias a la vuelta de la democracia, así sus caídos Icaros de alas vedadas por fin pueden animarse a volar (Primer intento de vuelo, 1989; Un pequeño escape II, 1991). A pesar de estas licencias creativas, y de sus posteriores homenajes a otros artistas, los años de plomo continuarán siendo un tema recurrente en su obra pero, lentamente, la violencia se irá trasladando hacia otros interlocutores: los que van a ir surgiendo poco a poco desde la marginación y la exclusión social. Kinderspelen (2003/06) es una obra compuesta por 9 piezas, basada en el célebre cuadro de Brueghel, Juego de niños: lamentablemente los niños de Juan Carlos, tienen armas de fuego incrustadas en su anatomía y “sus juegos siniestros ofrecen una galería de violencias físicas”. Esta excelente retrospectiva del maestro Distéfano, que puede visitarse hasta fin de mes, llega hasta la actualidad. La última obra que se exhibe en ella está fechada en el 2010: La urpila en Buenos Aires, nos muestra a una niña que camina descalza sobre un piso cubierto de monedas que le son ajenas y, como tantos pequeños cartoneros, arrastra su carretilla en la que carga, lo que ha encontrado, a su perrito y, muy simbólicamente, al Obelisco.
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Del 3 de junio al 24 de julio Espacio de Arte – Fundación OSDE - Suipacha 658 1º piso - CABA- Buenos Aires, Argentina Lunes a Sábado de 12 a 20hs.
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“En la pobreza emerge el arte” Por Andrea Castro
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l título de esta nota es una muy acertada frase del artista chaqueño Milo Lockett que, el pasado 3 de junio, inauguró su propio espacio de arte en el barrio de Palermo. “Es un espacio para contener mi obra, pero que con el tiempo tratará de ayudar a otros artistas en el desarrollo de sus proyectos”, explicó Milo, un artista que, gracias a la crisis del 2001, decidió abandonar el rubro textil para dedicarse al arte, especialidad en la cual es autodidacta. En el año 2006 fue el artista revelación de arteBA y en la actualidad, con casi 10 años de trayectoria a cuestas, atrae a un público ecléctico compuesto por grandes coleccionistas y por jóvenes que buscan adquirir su primera obra de arte. Su principal referente es Jorge de la Vega, algunos rasgos gráficos y el manejo de la paleta de color del maestro se cuelan entre sus niños de ojos grandes. No es casual que estos particulares personajes, los sentimientos y la sencillez de lo cotidiano, sean el eje conceptual de su obra. Milo sabe muy bien de lo que está hablando porque vive en una provincia que posee una de las poblaciones aborígenes más grandes del país, esto también lo ha motivado a comenzar a dedicar parte de su tiempo a involucrarse en proyectos sociales.”Siento que estoy empezando a cumplir una etapa. Hace ya como diez años que estoy en esto y ahora tengo ganas de hacer otra cosa, de trabajar en lo social. Cada año hacemos una obra de bien con un grupo de amigos o subastamos obras mías. Pero ahora empezó a rondarme en la cabeza la idea de que, aunque no estoy holgado de dinero, ya tengo lo que tenía que tener. Entonces empiezo a necesitar otras cosas”. Usualmente viaja al Impenetrable para pintar murales con los niños de la comunidad Wichí y realiza la misma tarea con chicos afectados por el Síndrome de Down, en el marco de la denominada Gira Interminable, en jardines de infantes. “Creo que, en un contexto de pobreza, lo primero que emerge es el arte. Por eso de todos los países del Primer Mundo vienen a Latinoamérica a buscar pintura, artistas, teatro, cine. Me parece que cuando el ser humano está muy cómodo, el espíritu se inquieta. Y cuando esa comodidad es económica, es difícil ser creativo. Ante una crisis, el ser humano se da cuenta de que tener tanto no es importante y se pregunta qué es lo que realmente quiere hacer en la vida”. Palabra de Milo.
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¡Gracias a quienes nos acompañaron en este festejo!
Teatro
Esperando a Godot
Por Maryori Coello
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os clásicos siempre tienen un sabor redondo, un instante en que se saborea la plenitud. Esperando a Godot es un trago amargo que se recuerda por mucho tiempo, diría mejor: un cálido alimento para el pensamiento que te golpea fuertemente.
Escrita en 1953 por Samuel Beckett, ésta obra no pierde vigencia. Las angustias humanas, la soledad, la desazón de la cotidianidad y la reiteración de actos que pierden todo sentido son tan palpables en el siglo XXI como en aquellos tiempos modernos de mitad del siglo XX. Aquella sociedad desorientada por la posguerra no es menos ni más angustiosa que nuestra era de Internet que mide el tiempo en nanosegundos y está plagada de inseguridades varias. Por eso escuchar y ver a Vladimir y Estragón (o Didi y Gogo como los cercanos preferimos llamarlos) conversar sobre nada, discutir por nada y esperar esa nada llamada Godot, por el solo hecho de darle sentido a sus vidas y acallar los gritos de desesperación que llevan dentro; nos esculca, también, lo más profundo de nuestras existencias. Esperando a Godot es un texto denso, no se lo puede negar, pero El Teatro Anfitrión ha sabido imprimirle dinamismo sutilmente. Manteniendo los principales rasgos de esta obra como una frágil antigüedad, se mantiene el escenario al ras del suelo, la escenografía compuesta sólo por aquel árbol junto al que Didi y Gogo esperan a Godot y aquella luna que les marca el paso del tiempo. Si bien, las caracterizaciones se apegan, como en muchas de las representaciones de esta pieza, a las conocidas características de los vagabundos clásicos como Chaplin y Buster Keaton, el elenco es el que hace la diferencia. Actores y actrices dan vida a estos 2 personajes, pasándose la posta de unos a otras para encarnar a Vladimir y Estragón, en momentos en que parece ya inaguantable seguirlos mirando allí esperando y desesperando. Esta alternancia será también un respiro para quienes vean la obra por vez primera. Los otros dos personajes que completan la historia, Pozzo el viajante y su esclavo Lucky, también son interpretados por mujeres, las cuales lo hacen magníficamente: la soberbia repugnante de Pozzo y la enajenación miserable de Lucky quedan intactas, sin importar el género, gracias al maravilloso trabajo de ambas actrices. El Esperando a Godot del Teatro Anfitrión, dirigido por Berta Goldenberg, también deja intacto el trabajo fuera de las tablas de la compañía, ya que, al rotar a los actores durante la obra, pareciera que también fuésemos cómplices de un ejercicio de interpretación en un taller actoral. Los matices entre una y otra interpretación son muy leves, Didi sigue siendo Didi y Gogo sigue siendo Gogo: “nada hay que hacer”, nos queda claro que Didi y Gogo también fuimos y somos nosotros.
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Por Andrea Castro
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Entrevista a Toto Castiñeiras
n nuestro número anterior publicamos la reseña de Finimondo, el espectáculo unipersonal que este maravilloso clown argentino estuvo presentando, en funciones esporádicas, durante los meses de mayo, junio y julio. Como Toto, muy amablemente, también nos concedió una entrevista, nos pareció muy interesante compartirla con ustedes para que, además de su trabajo, puedan conocer un poco más de la vida de este gran artista. Castiñeiras nació en Mar del Plata, lugar donde comenzó estudiando teatro y artes visuales, y en cuya Plaza San Martín, a los 14 años, realizó su primer trabajo como actor. Desde ese momento y hasta el día de hoy continuó desarrollando su trabajo en teatro, en la calle, en bares, en televisión, en circos y hasta en cabarets, representando Shakespeare, Discépolo, Marivaux, Saint Vincent Millay y autores contemporáneos. Toto se formó en Máscara Neutra, Tragedia, Bufón, Melodrama, Commedia dell'arte y Clown, investigando además sobre teatro antropológico, danza teatro, improvisación y acrobacia. También estudió puesta en escena y dirección. El 5 de octubre de 1998 creó la Compañía LAFARFALA para la cual escribió y dirigió los espectáculos "CELESTYNA" (2000-2002) Premio Estrella de Mar a la Dirección, "BERNARDA" (2001), "DESDEMONA y UNA COMEDIA" (2002-2003). En 1999 estrenó "FINIMONDO!", su primer unipersonal, en el Teatro Auditorium de Mar del Plata y continuó representándolo por cinco temporadas en Buenos Aires. En el 2004 se integró a la Compañía del Cirque du Soleil, donde creó dos rutinas cómicas para el show "QUIDAM". También dictó talleres, trabajo como coach de clowns y supervisó rutinas para la compañía canadiense. MFA: ¿Cómo nace tu vocación? ¿Desde lo actoral o desde el trabajo con el cuerpo? TC: Hablar de lo actoral sin hablar del cuerpo es inconcebible. Van ligados. La vocación surge desde muy chiquito, siempre quise actuar y en mi casa siempre me incentivaron. También dibujaba muchísimo y me gustaba armar historias, no eran solo dibujos, me interesaba dibujar personajes y colocarlos en situaciones. Había una dramaturgia en lo que dibujaba. MFA: ¿Hay una diferencia entre el clown dedicado a espectáculos para adultos y el que se dedica a trabajar específicamente para niños? TC: El clown es universal. Es un humor blanco ligado a la vulnerabilidad. MFA: ¿Cómo concebiste a Finimondo? TC: Es un camino que comienza hace como 10 años cuando tenía la sensación de que no encontraba grupo que contuviera toda una vorágine de ideas que se me aparecían acerca del clown. Tuve la necesidad de plantarme solo en un escenario a mostrar una historia personal sobre el mundo de los payasos. MFA: Viendo la obra me encontré, paradójicamente, riendo en momentos bastante dramáticos: ¿considerás que desde el humor se puede tener una mejor llegada al público en relación a temas tan pesados como la muerte, las relaciones humanas, la traición, la soledad y los amores enfermizos? TC: La gente suele identificarse con el drama y la problemática del clown y reírse. La gente se identifica con uno cuando uno trata temas como la muerte o el desamor desde un lugar verdadero y sin fisuras. Yo, en lo personal tengo una estructura humorística donde la tragedia me hace pensar en situaciones hilarantes. Es inevitable en mi no leer una tragedia clásica sin imaginármela patas para arriba. MFA: ¿En todas las funciones tratás de incluir al público? En la que tuve la oportunidad de ver aprovechaste hasta los ocasionales llantos de los chicos. TC: Si, y es ahí donde Finimondo se vuelve clownesco. Sería muy pretencioso decir que uno puede hacer clown 50 minutos, es una gran mentira. El clown es fugaz, un aquí y ahora con el vértigo de la pista circense donde todo tiene que suceder rápida y eficazmente. Finimondo es teatral y es clownesca cuando se abre en relación con lo que propone el público desde la platea. Cuando se olvida la trama teatral y el actor empieza a conversar con el público, ahí es donde aparece el payaso. MFA: ¿Cómo llegaste al Cirque du Soleil? TC: El circo llega a mí. Ellos ven dos espectáculos míos en Buenos Aires en 1999 y me ofrecen trabajo. MFA: ¿Cómo estás viviendo esa experiencia? ¿Nos podés contar alguna anécdota de tu participación en la compañía? TC: Es una experiencia única. Más que una experiencia una forma de vida. Ya llevo 6 años en la ruta y la idea es seguir moviéndome. El mundo es demasiado hermoso como para perdérselo. MFA: ¿Cómo recibió el público porteño a Finimondo? TC: Con mucha emoción. Recibí mucho cariño, mas allá de algunos hermosos elogios de la prensa, que me hicieron muy bien, porque uno deja su lugar, su tierra y hace tantas cosas alrededor del mundo. Por suerte a mi me va muy bien afuera y vengo humildemente a celebrar mi paso por Buenos Aires sin mas pretensiones que pasarla bien con mi público, y además de eso a la gente le conmueve tu trabajo, es hermoso. MFA: ¿Cuáles son tus proyectos para el futuro? ¿Soñás con tener una compañía propia? TC: Yo ya soy mi compañía propia. Con mi compañía Lafarfala ya monte varios espectáculos y tenemos idea de montar algo muy pronto en Buenos Aires. En cuanto a Finimondo, presentarlo en diciembre en Río de Janeiro y llevarlo por algunos festivales aquí y allá. En cuanto a Quidam, seguimos nuestra gira sudamericana por Santiago, Lima y Bogotá y en enero viajamos a Canadá y a Quebec.
Más información: www.totocastineiras.blogspot.com
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Aniversario del Teatro General San Martín
50 AÑOS DE TEATRO Por Andrea Castro
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pacado por la reapertura del Teatro Colón, con un deterioro significativo y en medio de promesas de pronta recuperación, por parte del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, cumplió 50 años de vida el Teatro Municipal General San Martín. Una muestra fotográfica colectiva (50 años en 60 fotos) que reúne una apretada síntesis de su historia en imágenes y 3 funciones, con entrada libre y gratuita, brindada por todos sus elencos estables, fueron el centro de los festejos organizados por este verdadero centro cultural. Moda FusiónARTE estuvo presente en la emotiva función que, libre de todo divismo y pompa mediática, fue brindada para prensa e invitados especiales. Para una platea repleta de actores de raza y verdaderos protagonistas de la cultura nacional se representó un conjunto de escenas que resumió parte de los grandes momentos del repertorio histórico de esta casa, que ha sabido integrar los clásicos con las vanguardias y los autores nacionales con los extranjeros. El inicio y el cierre de la extensa función estuvieron a cargo del Ballet Contemporáneo, cuya excelente performance describiremos en la sección de danza de este mismo número. Al término del solo Alina comenzó la maratónica representación de escenas que, una tras otra, fueron convocando al escenario a un numeroso elenco de prestigiosos actores de todas las edades y géneros. El teatro se mostró por entero: sin telones de fondo que ocultaran los trastos y las bambalinas, con actores que sigilosamente transitaban por detrás de las escenas para tomar sus lugares, con un proscenio que subía y bajaba ante la vista de todos, cada vez que era necesario, y con mínimas escenografías (compuestas en su mayoría por conjuntos de muebles) que se sucedían gracias al mecanismo de cinta transportadora del escenario. Esa desnudez, ese acercamiento genuino del detrás de escena para con el público, también se vio reflejado en el hecho de que algunos actores leyeran el libreto como si estuvieran ensayando, y en uno de los momentos más emocionantes de la noche: el que se vivió en el saludo final, cuando se sumaron, a un escenario repleto de actores y bailarines, los integrantes del personal técnico que fueron ovacionados de pie. Durante más de dos horas de función se alternaron en el escenario 10 fragmentos escénicos, piezas musicales y un homenaje a Ariel Bufano, fundador del Grupo de Titiriteros del teatro. El comienzo fue con Stéfano de Armando Discépolo, En familia de Florencio Sánchez y Tres hermanas de Anton Chejov, momento en el que se lució Malena Solda. A continuación, el recordado dúo musical de Chicago, Alejandra Radano y Sandra Guida, interpretaron, junto al pianista Diego Vila, variaciones del clásico Moritat, dando paso a uno de los momentos más alegres y distendidos de la noche: la muestra de algunos fragmentos de El gran circo criollo, de la mano del grupo de titiriteros. Sus integrantes se llevaron los primeros vítores de la jornada haciendo volar por los aires al pobre Goleto, transformado en hombre bala, enamorándose de Pepita, una enorme muñeca que terminó bailando con su titiritero y presentando a los hermanos Peralta, tres pequeños gauchos que acompañan a uno de tamaño natural y malambean como nadie. El momento musical retornó de la mano de las cantantes ya mencionadas y sus desopilantes versiones de los tangos El choclo y Caminito en inglés, italiano y japonés; a su término, Ingrid Pelicori y Cutuli nos volvieron a hacer reír con Dar la vuelta de Griselda Gambaro y una excelente Alicia Berdaxagar nos recordó la tensión reinante en El reñidero de Sergio de Cecco. La nostalgia llegó de la mano de Rodolfo Mederos y su melancólico bandoneón preparándonos para afrontar las problemáticas planteadas por piezas tales como: El pan de la locura de Carlos Gorostiza, Panorama desde el puente de Arthur Miller y Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen, cuyos intérpretes (Luis Brandoni y Horacio Peña) se llevaron otra de las ovaciones de la noche. El legendario Villanueva Cosse fue el encargado de personificar, nuevamente desde el proscenio, el monólogo que William Shakespeare puso en boca de Galileo Galilei hace más de 500 años. En un audaz juego escénico, mientras Galileo se negaba a renunciar a sus descubrimientos científicos, el piso entero del escenario se abrió en dos para que silenciosamente fuera ascendiendo el cuerpo de baile del Ballet Contemporáneo, ya dispuesto para brindarnos el regalo final: el más romántico y vital de los fragmentos de Carmina Burana, es maravilla coreográfica creada por Mauricio Wainrot en el año 1998. Pasadas las once de la noche sólo quedó tiempo para el saludo final que convocó a todos los participantes y a un emocionadísimo Kive Staiff (actual Director Artístico del teatro) que invitó a subir al escenario a todos los actores, autores y directores teatrales que se encontraban en la platea, incluyendo a Osvaldo Bonet, el primer Director de la casa. Los interminables aplausos y un espontáneo feliz cumpleaños que brotó desde la conmovida platea dejaron en claro que este fue un festejo íntimo, realizado con lo que se pudo pero sin dejar de lado la pasión por el buen teatro.
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Una Gaviota Afortunada
Vuelo de emociones Por Nadia Barroso Da Costa
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l valor de la palabra empeñada, la perseverancia, el amor al prójimo, la igualdad de propósitos ante la diferencia física y la amistad, son gran parte de los valores que maneja esta emotiva historia que nos presenta el Grupo de Titiriteros del Teatro General San Martín, dirigidos por Adelaida Mangani.
“Afortunada”, una gaviota que crecerá bajo la tutela de un grupo de gatos portuarios será la protagonista de esta historia. Zorbas y su pandilla felina, los que la ayudarán a cumplir el último deseo de su madre: que aprenda a volar. Los tiernos muñecos y la música de los Beatles envuelven de sentimientos la sala entera, y llevan al público a vivir emociones casi extremas. La obra es también una excelente experiencia para los más chicos que se llevan consigo valores que los ayudarán por el resto de sus vidas. Los más grandes viven las situaciones presentadas con un poco más de conciencia pero logran tener la conexión necesaria para poder disfrutarla. Emotiva, excelente y para no perdérsela en estas vacaciones de invierno.
Basada en la novela "Historia de una gaviota y del gato que le enseñó a volar", de Luis Sepúlveda. Adaptación y Dirección: Mabel Marrone Teatro Gral San Martín: Av. Corrientes 1530 - CABA - Buenos Aires - Argentin. Teléfonos: 0800-333-5254 ó 4371-0111/18 Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar - Funciones: sábados y domingos a las 16 horas. Platea: $15.-
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El Espejo Soñado
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Por Andrea Castro
a propuesta sonaba interesante y ambiciosa, quizás por eso la desilusión fue mayor. La gacetilla de prensa invitaba al estreno en el Teatro Nacional Cervantes de una “Cantata Latinoamericana narrada en clave de ficción histórica, con letra y música originales, que transitaría por los hechos más sobresalientes de los doscientos años de América Latina, para conjugar la historia de nuestra América, con una relación de amor entre una mujer nacida en el exilio mexicano y un comprometido catedrático argentino”. Lamentablemente la puesta terminó siendo forzada, inconexa en relación a los hechos históricos presentados, con aires demasiado panfletarios y deficiencias insalvables. Es muy difícil intentar narrar la historia de un continente casi de manera literal, con escasas o trilladas metáforas, alternando textos cantados y declamados, en una hora y media y no fracasar en el intento. El aporte de los músicos tocando en vivo, entre los que se puede destacar la presencia de una mujer bandoneonista (Ana Escalada), y la excelente voz y calidad interpretativa de María Rojí (en el papel de la joven Nayeli) mitigaron la inaudible participación de Gustavo Guillén, en el papel protagónico del Doctor Bruno Segovia. La voz grave y seductora del galán, más apta para susurrar palabras de amor al oído de las actrices de telenovela, le creó un gran problema a la hora de imponerse por sobre la orquesta con la debida potencia que requería su personaje y, lamentablemente, lo dejó muy mal parado. La escenografía, a cargo de Carlos Monzani, merece un párrafo aparte. Desperdiciando la enormidad y belleza del escenario del Cervantes, el diseño se limitó a colocar una especie de pequeña caja rectangular que funcionó como organizadora de las escenas y pantalla de proyección a la vez, mediante un engorroso sistema de cortinas que los actores abrieron y cerraron, con cierta dificultad, mil y una vez durante la obra. La apoyatura a esta estructura, que pretendió ser vanguardista, estuvo dada por otra de igual forma y mayor tamaño que fue arrastrada desde su interior por el personal técnico, con muy poco disimulo y, nuevamente, una y mil veces durante la obra. Tampoco se entendió mucho la participación de una pareja de bailarines que, si bien se desempeñaron con justeza técnica, no aportaron más que otro elemento de distracción. Con el auspicio de la Secretaría de Cultura de la Nación, El espejo soñado, se presentó en el Cervantes con entrada libre y gratuita, para luego dar comienzo a una gira por las diferentes provincias de nuestro país. Habiendo estado presente en una de las funciones y con el recuerdo todavía fresco de la impecable, coherente y emotiva puesta que el grupo De la Guarda realizó durante los festejos del Bicentenario, surgen en mi mente dos reflexiones: en primer lugar, pensar que es saludable ser ambicioso, siempre y cuando uno tenga con qué serlo; y en segundo lugar analizar profundamente el daño gratuito que, algunas veces, la demagogia le hace a nuestra cultura.
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Vertical Dance en Buenos Aires
Danza
Cuando el cuerpo habla
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Por Andrea Castro
urante el mes junio la sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín albergó dos obras de la compañía de danza contemporánea Vertical Danse, fundada por la coreógrafa argentina, radicada en Ginebra, Noemí Lapzeson. Con una importantísima trayectoria, Noemí, formó parte, a sus catorce años, del grupo de danza de Ana Itelman, creando una obra para esa compañía. Dos años más tarde viajó a Nueva York y comenzó a estudiar en la Escuela Juilliard gracias a una beca. En 1959, en la misma ciudad, se unió a la Martha Graham Company, en la cual se desempeñó como bailarina durante diez años. Luego participó de la fundación de la London Contemporary Dance Company and School y trabajó allí como bailarina, coreógrafa y maestra. Después de mudarse a Suiza, en 1980, creó su propia compañía, Vertical Danse, en 1989, y comenzó, a entrenar a numerosos bailarines. Acostumbrada a trabajar en colaboración con músicos, artistas plásticos, actores y poetas, Lapzeson, construye obras intimistas, en las que el lenguaje corporal es el que manda. La casi completa oscuridad de la sala, enclavada en el tercer subsuelo del teatro y tan cerca del subte que se sienten sus vibraciones cada tanto, nos cobijó durante una hora y media en un mundo en el que reinaron sonidos, palabras y cuerpos en movimiento. Al ingresar vimos que, de espaldas a nosotros, había también una espalda, que sería la protagonista de Pasos, un solo creado por Noemí para la bailarina Romina Pedroli. Ataviada con un larguísimo vestido blanco que dejaba la parte trasera de su torso al descubierto, cubría la estructura en donde se encontraba sentada y se extendía hasta nosotros, Romina quedaba transformada en un espalda que parecía flotar en el aire, que por momentos no tenía cabeza que sostener, a la cual de golpe le surgían brazos y piernas y que, fundamentalmente hablaba. Al ritmo de la composición sonora, que fue interpretada en vivo por Gabriel Scotti, los 26 músculos de esa espalda tenuemente iluminada, nos regalaron múltiples significados, en los que por momentos hubo tensión y, a veces, una extrema delicadeza. Cada una de sus fibras se fue desperezando de a poco y, al avanzar en sus contracciones, nos hipnotizaron lentamente hasta que, de pronto, llegó el final. Romina se paró y, siempre de espaldas, se perdió en la penumbra dejándonos una sensación extraña, ya que en ningún momento pudimos ver su cara. La segunda y última obra que se presentó se llama Corazón y está basada en un poema de Heiner Müller. Su planteamiento coreográfico es grupal (4 mujeres y 2 hombres), mucho más hermético y confuso, con muy pocos momentos de armonía y algo de violencia. La escasez de recursos fue casi minimalista, no hubo vestuarios fastuosos, ni melodías específicas acompañando la escena y mucho menos espectacularidades técnicas. Ese despojamiento, característico de la danza moderna, no hizo más que afianzar el significado brutal de los cuerpos y sus movimientos y, al igual que en el arte moderno sacrificó lo bello en nombre de la fuerza expresiva. “Para mí Corazón es un poema, una música, una obra breve donde las imágenes pueden ser creadas libremente. No busco un efecto narrativo aunque podría flirtear con él”, resume Noemí.
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Muestra en el Museo Larreta
ANTONIA MERCÉ, “LA ARGENTINA” Por Alexandra Muraco.
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caba de finalizar una de las muestras más conmovedoras que hemos tenido dentro del marco de los festejos por el Bicentenario. La misma se realizó en el Museo de Arte Español Enrique Larreta (Juramento 2291 - Capital Federal) y homenajeó a una de las mejores bailarinas de la danza española del siglo pasado: nada más y nada menos que Antonia Mercé, “La Argentina”. Antonia nació el 4 de septiembre de 1890, hija de un matrimonio de bailarines españoles. Observando la foto en la que tan solo tiene 10 meses de vida, puede notarse la sangre flamenca que corría por sus venas. Desde muy pequeña la niña demostró su acercamiento a la danza española comenzando a tocar las castañuelas. Viendo el video que acompañaba la muestra, se podía comprobar que Antonia, las castañuelas y la danza flamenca fueron desde siempre una sola: las imágenes en blanco y negro, de una filmación de los años 30, me hicieron sentir que la estaba viendo bailar como si estuviera presente, algo que disfruté mucho. Cuando ella tenía tan solo dos años sus padres decidieron volver a España, pero como Antonia nunca olvidó la tierra que la vio nacer, adoptó su nombre: “la Argentina” En 1915 Antonia regresó al país con una gira que estaba realizando por Sudamérica y dentro de su repertorio habitual incluyó tangos como “¡Che, mi amigo!”, “El afilador” y “La rezongona”. Gracias a las favorables críticas que obtuvo firmó contrato con el teatro Buenos Aires, para presentarse posteriormente en el teatro Lola Membrives, en el Nacional Cervantes, en el teatro Avenida y, durante tres temporadas consecutivas, en el Teatro Colón. Su última visita a la Argentina, antes de su fallecimiento, fue en 1935, para estrenar la “Suite Argentina” en agradecimiento a su país de origen. Antonia Mercé alcanzó el reconocimiento internacional y fue una bailarina premiada. Conocida como la Pavlova española, logró estilizar y revolucionar el flamenco en el mundo entero, enamorando a cada espectador que se acercaba a verla bailar hasta el día en que dejó este mundo en Francia, el 18 de julio de 1936, el mismo día en el que se iniciaba la Guerra Civil Española. En la muestra se exhibió una fotografía de la artista, tomada el mismo día horas antes de su muerte. “Antonia Mercé, La Argentina: Alma y vanguardia de la danza Española” nos ofreció un panorama de las distintas etapas de su vida con fotos de pequeña, de su casa en Buenos Aires, del plano que su madre había diseñado de la misma, de sus presentaciones, junto a amigos y de sus vestidos. También se exhibieron sus castañuelas y sombreros, una boquilla, los programas de sus obras (representadas en todo el mundo), manuscritos, cartas de amigos, un dibujo que le realizara García Lorca, afiches, la partitura de la obra “El amor brujo”, zapatos, joyas y los hermosos trajes donados al Museo por la Asociación Les Amis d´Argentina (Antonia Mercé) con sede en París. Los mencionados vestidos se exhibían al público por primera vez, luego de su restauración, y parecían contener miles de historias, que cobraban vida en los maniquíes. Todos estuvieron acompañados por fotos que mostraban a Antonia luciéndolos para encarnar cada una de sus danzas: Sacromonte, El contrabandista y Sonatina. Los videos colaboraron mostrando las performance de Antonia y un amplio reportaje audiovisual, realizado por la Agencia Efe, sumó testimonios de algunos de sus amigos y más escenas de sus actuaciones. La excelente muestra, conmovedora y muy bien montada, fue cuidada en cada uno de los detalles, desde la restauración de los trajes a la disposición de los objetos y fotos. A quienes son muy jóvenes les dio la oportunidad de conocer y descubrir a una gran artista.
48 - Moda FusionARTE Revista Digital
MISIONES LANZÓ SU TEMPORADA INVIERNO 2010 Por Alexandra Muraco
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ecientemente la provincia de Misiones realizó el lanzamiento de su nuevo programa turístico para este invierno 2010, con novedosas y muy atractivas propuestas. En el evento estuvieron presentes el Gobernador de la provincia, Dr. Maurice Closs, el Subsecretario de Turismo, Ing. Sergio Ferreyra, diversas autoridades nacionales y de Aerolíneas Argentinas. Se estima que en Misiones, el turismo durante el período de verano y en los fines de semana largo creció un 20 % en relación al año 2009, aumentando considerablemente la ocupación de las plazas hoteleras. La oferta turística que propone, para estas vacaciones de invierno, la provincia de la tierra colorada comprende el ecoturismo, el turismo aventura, el rural, el cultural y sobre todo el histórico. Entre las actividades recomendadas se encuentran los deportes al aire libre como el cicloturismo, el canoping, el wet rapelling, el trekking, el biking y las travesías por los hermosos paisajes agrestes de serranías selváticas y reservas naturales. Durante el invierno 2010, los visitantes podrán deleitarse con el ya consagrado espectáculo de imagen y sonido montado en las reducciones Jesuítico-Guaraníes de San Ignacio (inaugurado en julio de 2009), realizar paseos a la luz de la Luna llena por las Cataratas del Iguazú, y cobijarse dentro del importante entorno selvático que ofrecen los lodges de selva: para hospedarse, nada mejor que optar por uno de ellos ya que son la propuesta hotelera diferencial de Misiones, están situados en el corazón de la forestación y son atendidos con la contención y guía de personal especializado. Los cuatro atractivos con los que cuenta esta maravillosa provincia son visitados por personas de todo el mundo: Iguazú, San Ignacio, Moconá y el Parque Temático Santa Ana (que está en período de finalización de obras), pueden ser recorridos durante todo el año. "Tanto en nuestro país como en el mundo, reconocen que en Misiones contamos con riquezas naturales únicas, y estamos trabajando no sólo para potenciar el disfrute de nuestras tierras sino, también para su preservación" expresó el Subsecretario de Turismo Sergio Ferreyra. Por parte de Aerolíneas Argentinas se anunció que en breve estará disponible un vuelo que unirá Bariloche, Mendoza, Salta e Iguazú, esto permitirá que los turistas puedan visitar los puntos más importantes de nuestro país sin tener que pasar obligatoriamente por Buenos Aires.
Turismo
Turismo
Cataratas del Iguazú
San Ignacio
San Ignacio
En el próximo número comenzaremos a mostrarles y describirles cada uno de los importantes atractivos turísticos que hemos mencionado y les brindaremos información sobre cómo votar para que nuestras Cataratas sean declaradas Patrimonio de la Humanidad.
Moda FusionARTE Revista Digital - 51
Cine 52 - Moda FusionARTE Revista Digital
Belle de Jour (1967). Por. Julio César Castellanos Q.
Es un gran placer para mí escribir sobre el séptimo arte. En esta oportunidad quiero hablarles de una película en la cual la protagonista es una de las prostitutas más famosas del cine: no les hablo de Pretty Woman, si no de Belle de Jour (Bella de día). Este clásico estuvo basado en un libro del mismo nombre y fue llevado a la pantalla grande, en el año 1967, por el gran cineasta Luis Buñuel. Belle de Jour se desarrolla en París y está protagonizada por Catherine Deneuve en el papel de Severine, una mujer con una vida perfecta, felizmente casada con un exitoso médico que la ama. Aparentemente, ella también lo ama pero, extrañamente, no puede tener relaciones sexuales con él; solo puede ser dulce en su trato y como máximo regalarle un beso. Vale aclarar que Severine creció de niña bajo una fuerte educación religiosa. Un día, hastiada y aburrida de su vida perfecta y delicada, decide asistir a una casa de citas y postularse para trabajar en las tardes como prostituta. Siendo la novedad del burdel comienza a profesionalizarse, hasta hacerse una experta prostituta a la que cada vez le llegan más clientes. Mientras trabaja, la mujer, tiene muchas fantasías sexuales (sueña despierta): imagina que la violan reiteradas veces, que tiene sexo con el mejor amigo de su esposo debajo de una silla o que su sirviente la azota. Sus fantasías son masoquistas, a ella le gusta ser dominada y poseída. Cierta tarde llega a ella un personaje muy extraño, un cliente del burdel, de origen asiático, que decide tomar sus servicios: una vez que Severine se queda en ropa interior, el hombre le muestra una caja negra y la abre ante sus ojos. Si bien el contenido de la caja nunca le será revelado al espectador, son los ojos de la mujer los que le harán pensar que habrá allí dentro ya que, a juzgar por su expresión Severine parece haber llegado al éxtasis de un orgasmo. Las diversas reacciones a la cajita se transformarán, de aquí en más, en lo interesante: a algunos les atraerá y a otros les repelerá y cada uno de nosotros tendrá que suponer porqué. Según el guionista de la película Jean- Claude Carrière, se dice que la famosa caja negra fue inspirada por la pintura “Vistiendo a la novia” de Marx Ernst (no olvidemos que Buñuel, era gran amigo y colaborador de todo el grupo surrealista). Belle de jour, a pesar de ser una película silenciosa, que no contiene mucho fondo musical, sino más bien gemidos, conversaciones y un claro sonido de campanas, que marca el comienzo de cada uno de los “sueños” de la protagonista, es un film bastante entretenido, bizarro, lleno de erotismo y muy profundo. En esta película de género dramático, que también cuenta con un impecable vestuario diseñado por Yves Saint Laurent, las mujeres se sentirán identificadas con la protagonista y los hombres atraídos por ella.
Bajo la dirección de John Waters
Pink Flamingos (1972) Por Sam Lynch
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ivine vive bajo el nombre de "Babs Johnson", con su madre Edie, que tiene una adicción por los huevos (de gallina), su hijo Crackers, que disfruta de prácticas sexuales no convencionales, y su amiga Cotton, que es voyerista. Todos viven juntos en una caravana, que afuera tiene unos flamencos de plástico rosados. Divine tiene el título de “persona más asquerosa del mundo”, pero el matrimonio Marble, que secuestra jovencitas, las embaraza con el criado, y vende sus bebés a parejas lesbianas (además de comercializar heroína en los colegios) considera que ese título les pertenece y harán lo que sea para que se les otorgue a ellos. Desde el vamos uno se da cuenta que la trama no tiene sentido alguno y que, posiblemente, la hayamos visto por el simple morbo de saber qué era eso tan asqueroso que podían mostrarnos. Ok, si es asquerosa realmente. Leí en varios lugares que no es apta para estómagos delicados y después me enteré que cuando se estrenó, en los cines regalaban bolsas de papel para que la gente vomitara, en caso de sentirse descompuestos. Con esto último les digo todo, pero sigo sin aceptar que no sea una película para mirar. Ahora es considerada de culto. No sé muy bien por qué, pero que no puede resultar indiferente a nadie, eso lo aseguro. Una vez superado el shock del asco, analizamos que si nuestra protagonista se enorgullece de su titulo “la persona más asquerosa del mundo” es porque todo lo que vemos es asqueroso. Además de construir una crítica mordaz hacia la sociedad, el director en ningún momento nos quiere hacer creer que las acciones de los personajes son “normales”. La película es atemporal pero preocupa: si en 1970 se criticaba duramente el hecho de que las personas son capaces de hacer cualquier cosa por la fama, acaso, 40 años después, ¿no estamos parados en el mismo lugar? ¿No prendemos la tv unos minutos y nos empapamos de noticias de mal gusto? Esta película lo junta todo en 108 minutos con cosas que, por lo menos a mí, ni se me hubiesen ocurrido y, además, esta filmada horriblemente siendo las actuaciones muy exageradas, por no decir pésimas. La intención es clara: agigantar aún más este, de por sí, ya inmenso grotesco bizarro. En resumen y como diría Bart Simpson: “¡qué bonita cochinada!”, aunque vale la pena verla solo para decir, ¿cómo puede mirar esto? La película está clasificada para mayores de 17 años. Y, los prevengo, en la filmación murió una gallina. El director se justificó diciendo que como la gallina era de criadero, se iba a morir de todas maneras pero, particularmente, esa escena me molesto bastante.
Moda FusionARTE Revista Digital - 53
En una tarde lluviosa: A Single Man Por George Blanco
54 - Moda FusionARTE Revista Digital
Mi ansiedad a la hora de sentarme frente a la TV tenía nombre propio y se llamaba A Single Man. El día estaba gris mientras la lluvia golpeaba mi ventana. Todo estaba en condiciones. En el camino, algunas buenas críticas desparramadas y un puñado de razones para verla: Tom Ford, uno de los diseñadores mas grandes y exitosos de los últimos tiempos escribía y adaptaba a la pantalla grande su primer película, basada en la novela homónima de Christoper Isherwood, de 1964. Sumado a esto, el agregado de ver a Colin Firth, un gran actor y que, según se dijo por ahí, había protagonizado un papel conmovedor, junto a quién lo acompañaba: una de las actrices con más proyección en Hollywood, la hermosa Julianne Moore. ¿Acaso no son suficientes motivos para semejante expectativa? La respuesta comenzó a escribirse ni bien empezó la película con una escena cruda y emotiva: Colin Firth que juguetea con la melancolía y roza el prototipo del norteamericano que cuida su imagen y se agita al compás del ritmo del capitalismo, pero que se pudre por dentro. Ya de entrada, se esclarecen las intenciones del gran Tom. El contexto adquiere mayor relevancia al ser ambientado en la década del 60 y, más precisamente, en medio de la crisis de los misiles cubanos. Aquí aparece uno de los méritos del director, que no sabemos si fue buscado o no, pero que, indefectiblemente, le aporta una cuota de calidad ideológica al film: el mensaje político. Justo en un momento en donde la mecánica de la industria cinematográfica yanqui solo piensa en ocuparse de Irak. Los estiletazos de Ford como diseñador se dejan entrever también desde el primer instante y está bien que así sea. La historia y los escenarios donde sucede lo ayudan, es cierto, pero es el re-fundador de Gucci quien probablemente sea el más capacitado para contarla, con un vestuario de época impecable y un make-up que, sin duda alguna, nos transporta a esos años, revividos a puro glamour gracias a una fotografía impresionante. En mi opinión, el tema del vestuario no llega a convertirse en una redundancia a partir de la jugada riesgosa que significa para Ford ser el director a la vez que el diseñador de parte del vestuario. Los personajes hacen una especie de presentación justo antes de caer en el cliché, dándole al desarrollo de la historia el verdadero punto de relevancia, y la música deja de ser un elemento más para convertirse en una protagonista impresionante, que adquiere un tempo magnifico entre cuadro y cuadro y en muchos casos hasta se vuelve frenética y atrapante para, después, soltar al espectador en el silencio más cruel y absoluto. Cuando todo parece ajustarse a un mero ejercicio de la estética, se transforma en una maravillosa adaptación sobre un tema que supone riesgos en el deseo de ser bien tratado: las pautas serán una novela y un tema clave para una sociedad (la de 1962) que verá florecer al movimiento gay. La sociedad actual, que aún no puede superarlo, en su intento por conocer como "funciona" esa mente, se dejará conmover por un relato sinuoso que reivindicará la condición. Y ahí aparecerá, una vez más, el ojo de Tom Ford para seleccionar a quien será el encargado de darle vida propia en la pantalla a esta historia. George (Colin Firth) resulta tierno y desgarrador a la vez, encantador e intolerante por otro lado, mientras juega con la peligrosa idea de que la condición de ser humano, en su caso, no es más que vivir del pasado. Firth nos convence a todos, nos da lástima y nos unimos a su lucha, pero en ningún momento (al menos en mi caso) nos da la sensación de caminar por la cuerda floja. Es su batalla y el toma las riendas, los espectadores no podemos más que admirarlo. El final está escrito, George lo tiene claro y quienes lo observan también. Lo maravilloso de su interpretación reside en los pasajes de la obra y en los recursos que utiliza para decorar los capítulos, sin importar el final.Increíble e injusto que no se haya llevado el premio al mejor actor en los Oscars y Globos de Oro, aunque si lo hizo en el influyente festival de Venecia. Julianne Moore encarna a una mujer escandalosa que se establece como principio estar a la vanguardia los derechos humanos pero que, al fin y al cabo, vive una sensación de celos y resentimientos incontenibles. Si bien no aparece demasiado, lo hace con justicia y mostrando porque puede ser una de las grandes animadoras de Hollywood en los próximo años. Nos hubiese encantado verla un poco más junto a Colin Firth, aunque sus apariciones a dúo son suficientes para comprobar que son una gran pareja del mainstream. El resto del reparto acompaña la estética del producto, ajustándose (bien) a los tiempos de Firth. Finalmente rescato una frase de Tom Ford en la Red Carpet de los Oscars, cuando en una entrevista a Ryan Seacrest, del canal E! dijo: “me importa ser feliz con los verdaderos valores de la vida, las cosas materiales no hacen más que deformar esa felicidad". No sabemos si es cierto, lo que si sabemos es que A Single Man es una prueba de ello, y que en todo caso la opera prima de Tom Ford quedará en nuestra memoria como una gran representación del ser humano en la belleza de los sentimientos y a través del tiempo. Comprobarlo a través del trabajo del artista que produjo, guionó y dirigió la obra, era mi objetivo de aquel día y debo decir que se cumplió habiendo superado mis expectativas, cuando no era más que "una tarde lluviosa".
Toy Story 3
Por Sam Lynch
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asaron 11 años de la última aventura que vivieron nuestros protagonistas. Ahora deben enfrentarse a una nueva etapa, ya que su dueño, Andy, va a dejarlos para ir a la Universidad. Como desde hace tiempo Andy no juega con Woody, Buzz, o cualquiera de sus amigos, todos temen por el futuro que les espera. Hasta aquí el panorama general de esta nueva entrega. Al comienzo de la película todo nos hace pensar que estos juguetes van a terminar abandonados en el ático pero, después de una confusión, terminan siendo donados a una guardería. Allí conocerán a un oso no muy cariñoso, que en principio es amigable, pero que después, nos hará conocer su pasado, y lo malvado que es. En la secuela aparecerán nuevos juguetes a falta de otros que, según nos cuentan Woody y Buzz fueron regalados, vendidos, o se rompieron. Entre los desaparecidos, particularmente extrañé al Pingüino, y de los nuevos, puedo destacar a varios, pero mis elegidos son Ken y el Puercoespín. No quiero adelantar mucho más de la trama, porque vale la pena verla, ya sea, con la excusa de acompañar a nuestros hijos, sobrinos, ahijados, o al vecinito que a veces nos sonríe; o porque son valientes, como mis amigos y yo. Siendo todos mayores de edad nos fuimos a verla en la función de la medianoche, porque valientes sí, pero suicidas no. La saga de Toy Story nunca decepcionó porque en cada entrega nos brindó cosas nuevas. A mi entender, el secreto está en que nunca se perdió la esencia de la película: siempre que terminamos de verla queremos salir corriendo a buscar ese juguete que fue tan importante para nosotros hace tanto tiempo. Cualquier adulto que fue viviendo sus etapas, y dejo su niñez atrás, quizás reflexione, aunque sea unos minutos, sobre lo que archivó en su pasado y quiera recuperarlo tan solo por un momento. Claro que también me gustaría saber que piensa un nene de 8 años al ver la película, porque estoy segura que en su cabecita no entra la idea de “abandonar” a su juguete favorito. En conclusión volvemos a la misma cuestión de siempre: ¿para quién están hechas estas películas animadas? Si de mi humilde opinión depende, creo que para que las vea todo el mundo y disfrute. Para tener en cuenta: el momento del Sr. Cara de Papa y, si la ve con un niño: ¡maldito mono y bebote!
Moda FusionARTE Revista Digital - 55
Peter Cetera en Argentina.
NOCHE DE BALADAS EN BUENOS AIRES. Por Alexandra Muraco
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oche fría en Buenos Aires, ideal para acaramelarse con esos temas románticos de las décadas del ´70 y `80 que enamoraron a muchos corazones deambulantes y que fueron testigos de cientos de historias de amor. La mencionada noche fue el pasado 22 de junio cuando el bajista y compositor Peter Cetera se presentó por primera vez en la Argentina y en una única función en el Estadio Luna Park. Con gran convocatoria y en un clima relajado y tranquilo, sus fieles seguidores, en igual proporción de hombres y mujeres, entonaron a coro temas como “The Glory of Love”, “Hard to Say I’m Sorry” (su mayor éxito como solista), “If You Leave Me Now”, entre otros. El show quedó inaugurado cuando Cetera salió al escenario con la bandera Argentina a saludar a su público, los aplausos no cedieron hasta que comenzó la primer melodía. Mirando alrededor se podían ver cientos de celulares tratando de capturar el momento, o llamando a los familiares y amigos que no habían podido acudir a la presentación y podían, de esta manera, compartir una pequeña porción de sus éxitos. El cantautor, ex vocalista de Chicago y con 40 años de trayectoria logró, en una hora y media de show, hacer un repaso de todos sus hits y transportarnos a aquellos años dorados de su música. Dándonos la oportunidad de conocer más sobre este gran ídolo de épocas pasadas, que sigue manteniéndose vigente en el 2010 y que se mostró divertido e incansable ante la gran cantidad de público que no paró de exigir bises al finalizar el show. Para quienes son muy jóvenes y no tienen el privilegio de conocerlo, pero que seguramente han escuchado alguno de sus temas en algún momento, les cuento que Peter nació en 1944 en la ciudad de Chicago y que sus inicios en la música se los debe a la influencia de la banda The Rebel Rockers ya que, luego de asistir a un show de ellos decidió comprarse una guitarra acústica y comenzar a tocar en su ciudad natal con un grupo de amigos. A principios de los años ´70 se integró a Chicago, grupo que ya era popular en EE.UU. Por el año ´76 escribió “If You Leave Me Now”, que pronto llegó a los primeros puestos de los rankings, repitiéndose nuevamente este fenómeno en 1982 con “Hard to Say I’m Sorry”. Su disco solista debut, que lleva su nombre, lo grabó en 1981, aunque siguió integrando Chicago hasta 1985. Luego de dejar la banda llegó al tope de los rankings con “The Glory of Love“, el primer sencillo de su álbum Solitude/Solitaire y el tema de la película The Karate Kid Part II. Ese mismo año tuvo otro gran éxito con “The Next Time I Fall”, cantado a dúo con Amy Grant. Un año más tarde produjo “I Stand Alone”, de Agnetha Faltskog, y después de volver en 1988 con One More Story, Cetera tuvo otro hit con “After All”, cantado también a dúo con Cher. Su última producción se llama “You’re The Inspiration” y es una colección de viejos éxitos y material nuevo que alcanzó la máxima posición en la lista Billboard Hot 100.
56 - Moda FusionARTE Revista Digital
Sandra Mihanovich en el Maipo
HONRAR LA VIDA + CLASICOS NUEVAS PRESENTACIONES Por Alexandra Muraco
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a cantautora Sandra Mihanovich vuelve al Maipo, con 5 únicas funciones que se llevarán a cabo durante todos los martes del mes de Julio. Con este show, cuya dirección musical está a cargo de Alejandro Devries, no solo rendirá homenaje a su gran amiga Eladia Blázquez, sino que también rememorará todos los clásicos de su carrera. La primer función se realizó el pasado 29 de junio, en un show donde cada tema logró llegar hasta lo más profundo del corazón del público para hacerle recordar sus años de juventud. La interpretación de Sandra fue excelente y su recital es realmente un regalo para todo espectador que vaya a escuchar su voz. Al término de estas presentaciones, la cantante, realizará una gira nacional que la llevará, durante el resto del año, a lo largo y a lo ancho de todo el interior del país, algo que no hacía desde hace ya varios años. Las fechas en el interior del país se programarán a partir del mes de agosto.
Presentaciones los martes 13, 20, 27 de julio 21 horas Teatro Maipo: Esmeralda 443 – CABA – Buenos Aires Argentina
Moda FusionARTE Revista Digital - 57
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