Nº 161 MONDO SONORO ABRIL 2009

Abril de 2009 nº 161

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

LOVE OF LESBIAN

MÁS DE UNA DÉCADA MASTODON

TRONO DE SANGRE THE RIGHT ONS

érase

una vez américa THE RIGHT ONS

en

érase una vez en

UNASEMANA SEMANAEN ENEL ELSXSW SXSW(AUSTIN) (AUSTIN) UNA

Y ADEMÁS ESTE MES...

DELOREAN • COOPER • MANOS DE TOPO • MANDO DIAO • VERACRUZ • WHITE LIES • LAGARTIJA NICK • ESKORZO • GRANADIANS • MATTHEW HERBERT M WARD • WHITE LIES • PETER BJORN AND JOHN • EH! • ATENCIÓN TSUNAMI • STEVE WYNN • LA BIEN QUERIDA • LEDA TRES • ASOBI SEKSU Foto Colectivo Anguila

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KINGS OF LEON

BOYS NOIZE JOE CREPÚSCULO FIGHT LIKE APES MAGAZINE NACHO VEGAS NUDOZURDO PAUL WELLER YUKSEK

THE KILLERS

DOMINGO 19

CATPEOPLE FRIENDLY FIRES LATE OF THE PIER LAURENT GARNIER THE PSYCHEDELIC FURS TV ON THE RADIO WHITE LIES Y MUCHOS MÁS...

SARA

SERGIO

ANOCHE SOÑÉ QUE VOLABA*

MAÑANA QUIERO ESTAR FRESCO PORQUE HE QUEDADO CON* LA DE LA TIENDA VECINA PARA IR JUNTOS AL FESTIVAL DE CORTOS

PAOLA

ESTE AÑO TOCA UN PRIMO MÍO EN EL ESCENARIO FIBERFIB.COM*

CORTOS-ARTE-MODA-TEATRO-DANZA-CURSOS ÚLTIMOS ABONOS 2/3/4 DÍAS A LA VENTA (INCLUYEN ZONA DE ACAMPADA GRATUITA). DISPONIBLES ENTRADAS DE DÍA. MÁS INFO EN TICKETS.FIBERFIB.COM ORGANIZA

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Love Of Lesbian Más de una década

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Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

34-38. Let’s Festival, MTV, The Killers, Noche Ruidosa, Standstill.

entrevistas 27. Love Of Lesbian Más de una década 29. Mastodon Encuentros en la tercera fase 30. The Right Ons ¡Mueve el culo, Yanqui!

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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vinilos 43. La Bien Querida Disco del mes

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“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Jordi Nopca porque hace performances extrañas”

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6. Cooper se vuelve a vestir de largo 7. Delorean publican cuatro nuevas canciones

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NOTICIAS

Zarata (Euskadi)

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WAR CHILD

un disco en el que participan Coldplay, Radiohead, The Go! Team, Kaiser Chiefs…

57. Cine Tomas Alfredson 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

mondoweb 62. Correo

TAN cerca... ◗ Guitarrista, compositor de Antònia Font y escritor, JOAN MIQUEL OLIVER vuelve a estar de actualidad con dos novedades. El pasado mes de marzo publicó su nuevo disco en solitario, “Bombón mallorquín” (Blau, 09), un trabajo en el que echa la vista hacia su infancia. Completando el lanzamiento, verá la luz también su segundo libro, “Quadern 2008”. ◗ Ya puede encontrarse en las tiendas de cómics “LAGARTIJA NICK, ETERNAMENTE EN VUELO”, un tebeo de ochenta páginas en el que diversos dibujantes españoles interpretan las canciones del grupo andaluz.

En el cómic participan Puño, Koko, Juanfran Molina, Rafa Manso, Víctor Capdevila, Chema García, Javi Prieto, El niño de las pinturas, Carlos Hernández…

El Lagarto 2009 presenta importantes novedades

Duo Kie Foto Archivo

◗ SÓLO LOS SOLO, uno de los grupos de hip hop nacional más respetados y pioneros del país, ha decidido dejarlo tras tres discos que han marcado la historia del rap español.

Los dos miembros de la banda, Juan Solo y Griffi, seguirán en activo con sus proyectos en solitario. ◗ DOVER pasa de EMI a Sony, aunque sin aportar datos con respecto a la edición de su próximo disco o de las coordenadas estilísticas en las que se van a mover. Dover continúa siendo una de las bandas más vendedoras del rock de nuestro país cantado en inglés, tras álbumes tan exitosos como “Devil Came To Me”, “Late At Night” o “Follow The City Lights”. ◗ El 1 de abril la sala Heineken de Madrid acogerá la final del PROYECTO DEMO 09, concurso de grupos noveles organizado por el FIB Heineken, Radio Nacional de España (Radio 3) y MTV España. Los finalistas son Astradyne (Barcelona), Ozores (Albacete) y Ratolines (Alcacer, Valencia).

TAN lejos... ◗ MAXÏMO PARK editarán “Quicken The Heart”, su esperado tercer disco de estudio, el próximo mes de mayo. La banda inglesa lo ha grabado en Los Angeles con Nick Launay (Nick Cave, Talking Heads) como productor. ◗ DEVO, que hace unos años volvieron a los escenarios con éxito y llegaron a grabar un nuevo single en 2007 titulado “Watch Us Work It”, han anunciado que publicarán un nuevo disco de estudio, el primero en diecinueve años, el próximo otoño.

Jarvis Cocker Foto Archivo

◗ JARVIS COCKER, otrora líder de Pulp, ya tiene listo su segundo disco en solitario, un trabajo titulado “Further Complications” que cuenta con la producción del legendario productor Steve Albini (Pixies, Nirvana). El compacto verá la luz el 18 de mayo. Cocker lo estará presentando en la próxima edición del Estrella Damm Primavera Sound. ◗ SHUNDA K, del dúo de hip hop Yo! Majesty, se lanza en solitario con un Ep titulado “Le Passion, Yo!”, en el que participa gente como Peaches, el artista soul Caspa Codina, Tha Pumpsta, Dj Flore o el productor Kotchy.

Se trata de cuatro temas en los que Shunda K se acerca a distintos estilos.

Cooper se vuelve a vestir de largo

Como buen reptil el concurso Lagarto muda la piel cada cierto tiempo en busca de la máxima repercusión del que se considera uno de los certámenes con más solera del estado. Con este fin la organización del Lagarto ha decidido condensar en una sola jornada la final del concurso dotándola de mayor atractivo artístico. Así este año los aspirantes a llevarse los seis mil euros del premio gordo competirán en una categoría única para todos los estilos. La optimización de recursos puede ser una razón de peso en los tiempos que estamos, pero lo cierto es que las dos jornadas en las que se venía celebrando hasta ahora la fase final dilataban en exceso el evento restando la atención del público, sobre todo a los grupos finalistas. “Hemos querido potenciar la idea de festival con mayor presencia de artistas invitados sin perder la faceta de concurso que es la seña de identidad del Lagarto”, apunta Enrique Iznaola. Codirector de Lagarto. La final tendrá lugar el día 13 de junio en el Auditorio de la Alameda, a ella accederán tres bandas finalistas además de otros tantos artistas invitados. De ellos, ya se encuentra confirmada la presencia de La Excepción y Vetusta Morla. El plazo de presentación de maquetas finaliza el 30 de abril. Las bases están en la web www. lagartofestival.org. n

Un nuevo disco de Cooper no es más que una excusa para salir de gira y que los medios no le perdamos la pista. “Aeropuerto” (Elefant Records), sin presentar novedades estilísticas, arrebata el corazón de los que disfrutamos de las melodías perfectas. Cooper, la mejor banda de power pop nacional.

E

l camino de baldosas amarillas que va desde mi despejada calva hasta las canciones que me hacen olvidar mi moderna existencia y ser una persona normal de nueve a seis, no solía pasar más allá de Glasgow. Con el tiempo y algo de esfuerzo, abandoné tan poco edificante elitismo, pero siempre hubo una excepción: Alejandro Díez, ya fuera rozando el éxito mainstream en los ochenta al frente de Los Flechazos o desde principios del siglo XXI bajo el nombre de Cooper y planteándome un severo problema moral cada vez que saca un disco. ¿Es dueño de la fórmula mágica para componer pequeñas maravillas pop o se repite más que un gazpacho pasado de ajo? Lo cierto es que cada nuevo álbum es un diminuto manual de cómo transformar tres minutos de canción en una experiencia casi mística y el pop, queridos lectores, es algo de sensaciones. “El pop ha perdido la capacidad de sorprender, pero no la de emocionar. La sorpresa está en el que la escucha. Franz Ferdinand son los Talking Heads de ahora, y para una generación han sido un des cubrimiento a través del cual han llegado a otros grupos similares. En el fondo lo que importa son las canciones.

Si te gusta es suficiente, sea lo que sea”. No son, pero nunca lo fueron, buenos tiempos para un grupo como el suyo, y aun así con cada single consigue colarse en los primeros puestos de las listas de ventas.

“De los tres singles anteriores al nuevo disco, el tercero fue número uno siete semanas. Ahora han cambiado el sistema porque les debió parecer muy raro.

Empezaron a contabilizar las descargas

por Internet, así que ahora estarán los de los politonos. Renunciar al soporte físico no tiene sentido para mí. Ha sido muy satisfactorio haberlo hecho con sus propias reglas y habernos situado por encima de artistas con fuertes campañas promocionales porque la gente siempre ha comprado lo que han dado, en eso también tenemos responsabilidad los que hacemos música”. Si fuera tan fácil… el problema es que muchas veces hay que bucear tanto para encontrar algo decente que uno pierde la esperanza y se queda con lo primero que encuentra.

“Aeropuerto” es un paso más en la idea de Alejandro de ir editando Ep’s mientras que su compañía se lo permita. “Hay cuatro temas nuevos que he grabado con la misma banda que antes. Uno se llama ‘Hyde Park’ y es la primera canción conscientemente nostálgica de Cooper. Es la que abre el disco y nos fuimos a Londres a grabar el vídeo. La última es ‘La edad de la inocencia’, hay otra que se llama ‘Lisboa’, y una versión de Nacha Pop, ‘El sueño’”. Seguramente Cooper estarán actuando en más de un festival veraniego, pero parece que es complicado que tengan repercusión fuera del país. “En el sello están muy ilusionados con sacar el compacto en Italia y vamos a tocar en un festival en Inglaterra, pero Cooper no es Los Flechazos, que estaba dentro del circuito mod y podíamos ir a cualquier sitio. Creo que la barrera del idioma es demasiado importante”.■ J. Batahola

Î

◗ EMINEM vuelve a la vida. Tras cuatro años de silencio rotos por la edición hace unos meses del éxito “Crack A Bottle” junto a Dr. Dre y 50 Cent, el próximo 19 de mayo se editará su nuevo álbum, “Relapse”n

Vetusta Morla Foto Archivo

/6/ Abril 2009 · MondoSonoro Cooper Foto Luis G.Morais

NOTICIAS

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Jon Auer Foto Alex Vanhee

Jon Auer, nueva gira por nuestro país Jon Auer (The Posies, Big Star) lleva veinte años dando guerra como abanderado del power pop americano. Su último trabajo en solitario, “Songs From The Year Of Our Demise” (Pattern 25 Records, 06), data ya de hace casi tres años, pero su continuación no está lejos.

“Estoy trabajando en ello y me gustaría tenerlo terminado para finales de año”. Aunque avisa al respecto. “Creo que será algo más experimental. Incluso puede que ciertos aspectos del nuevo disco no gusten a los fans veteranos, pero estoy dispuesto a correr ese riesgo”. En cualquier caso la inactividad no forma parte de su vida. “He estado viajando por Japón, Australia, Europa o Escandinavia, además de acompañar a Fountains Of Wayne en los Estados Unidos”. Además la labor como productor cada vez ocupa un mayor espacio de su tiempo. Como muestra, el último trabajo de nuestros Half Foot Outside o el recién publicado debut de los franceses Cheap Star, donde se turna tras los mandos con su compañero de toda la vida, Ken Stringfellow. “La producción es el placentero proceso en busca de la mejor forma posible de resolver un puzzle”, afirma al respecto de esta faceta. Precisamente el trío galo del que habla maravillas (“Sus canciones están increíblemente bien escritas. ‘You Got It All’ debería estar en la lista de canciones pop perfectas”) ejercerá de banda invitada en la nueva gira que el americano realizará por nuestro país, sólo seis meses después de la última visita de The Posies. “Fue genial: las salas se llenaron para escuchar ‘Frosting On The Beater’ completo”. Su presencia siempre es bienvenida, y el sentimiento parece ser mutuo. Jon Auer estará actuando en Madrid (22 abril), Santoña (25 abril) y Burgos (26 abril), además de dos fechas en Galicia (23 y 24 de abril). Las salas se confirmarán en breve. n Raúl Julián

Delorean Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2009 /7/

NOTICIAS

festivales

Turbonegro Foto Archivo

◗ Derrame Rock No hay crisis que valga para el Derrame Rock, que este año presenta para su decimocuarta edición su cara más ambiciosa. El recinto deportivo Agones en Pravia, Asturias, contará los días viernes 10 y sábado 11 de julio con las actuaciones de Soulfly, Gamma Ray, Kreator, Turbonegro, Backyard Babies, Burning, Sex Museum, Def Con Dos o Boikot, entre otros. Infórmate en www.festivalderramerock.com

Delorean publican cuatro nuevas canciones Como el universo, Delorean es un cuarteto en constante mutación.

Ahora, antes de meterse de cabeza en su nuevo larga duración, presentan en sociedad “Ayrton Senna”, un breve y muy disfrutable Ep que verá la luz de la mano de Mushroom Pillow, además de contar con distribución internacional.

S

i dijera que siento una debilidad especial por Delorean les estaría haciendo un flaco favor. Habría quien pensaría que se trata de esas estúpidas fijaciones de periodista musical, y no se trata de eso. Más bien tiene que ver con sus canciones, con su sonido certero y con una personalidad en la que ya nadie, más allá de ellos, mete baza. “Ayrton Senna”, su primera referencia para Mushroom Pillow, lo deja claro con cuatro cortes brillantes, atmosféricos y al mismo tiempo bailables hasta decir basta. El paso intermedio hacia un inminente futuro en larga duración que tenderá aún más hacia el pop. “Básicamente, creemos que a la hora de realizar el Ep el verano pasado, estábamos aprendiendo y a la vez aplicando un montón de trucos que descubrimos conforme hacíamos remezclas, pero todavía conservando el rollo ‘rock’ (por

llamarlo de algún modo) que hemos tenido siempre. Sin embargo, ahora para nosotros lo más importante es la canción, y da igual cómo esté ejecutada (quizá no haga falta tocar la batería en tal o cual tema), ni tampoco nos importa que tenga ochocientos mil arreglos y puede que por eso sonemos más ‘sofisticados’ y electrónicos”.

La evolución estilística de Delorean ha sido una constante en su carrera. De torpes imitadores de New Order pasaron a emular con sapiencia a The Rapture, y de ahí a dar con una fórmula cada día más propia y que encajaría sin problemas en un universo comandado por The Teenagers, The Tough Alliance, Passion Pit y muchos otros que entienden la electrónica desde una perspectiva indie. “Tras dos años tocando temas del anterior álbum, hemos acabado un poco cansa-

dos del feeling oscuro que desprendían. De hecho, con los temas más ‘pop’ disfrutábamos muchísimo más. Además, haciendo los remixes nos hemos flipado con muchos trucos de producción y hemos querido aplicarlos en nuestros temas. Lo que pretendemos conseguir, básicamente, es hacer buenas canciones de pop bailable (el beat siempre presente), con influencias de todo tipo”.

En todo caso, “Ayrton Senna” es uno de esos trabajos que deja con ganas de más. Cuatro cortes que sitúan a Delorean aún más arriba, jugando en una liga a la que no se acerca ningún otro combo de rock bailable de nuestro país. “Hoy en día con esto de Internet todo el mundo está a tope, y muchas veces el listón se pone muy alto, por eso hay que intentar superarse en todo lo que hagas (aunque muchas veces no lo consigas). Cuando escuchas temas de gente ahí fuera, te tienes que medir con ellos y ponerte a la altura, dar el máximo siempre”. Además de publicarse vía Mushroom Pillow, “Ayrton Senna” contará además con distribución digital internacional de la mano del sello Foolhouse, capitaneado por los populares bloggers Fluo Kids. ■ Joan S. Luna

The Rumble Strips Foto Archivo

◗ Festival do Norte ‘09 A paso firme el Festival do Norte (1 y 2 de mayo en Fexdega; Vilagarcía de Arousa, Pontevedra) se va consolidando como el mejor remedio ara combatir la astenia con una edición en la que participan representativos grupos de la escena indie patria (Love Of Lesbian, Los Planetas, Manos de Topo, Extraperlo, La Buena Vida, Vetusta Morla o Cuchillo) junto a prometedoras formaciones internacionales como The Whip o The Rumble Strips.

Información en www.festivaldonorte.com

Aphex Twin Foto Archivo

Matthew Herbert y Pj Harvey en el Auditorio MondoSonoro.com del festival Estrella Levante SOS 4.8 Murcia acogerá, durante los días 1 y 2 de mayo, diversas actuaciones de lo más interesante (te recomendamos repasarte la noticia complementaria sobre el evento que encontrarás en este mismo número de la revista). Todas estarán enmarcadas dentro del festival Estrella Levante SOS 4.8, pero dos en concreto estarán reservadas para una cifra de público limitada (ochocientas personas por concierto) en el Auditorio MondoSonoro.com. En ese escenario actuarán ni más ni menos que The Matthew Herbert Big Band y Pj Harvey & John Parish. Para más información te recomendamos visitar la web oficial www.sos48.com y estar muy atento a www.mondosonoro.com para novedades y sorteos. ■

◗ LEV Las artes visuales, las escénicas y la música electrónica se darán cita durante los días 1 y 2 de mayo en el L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual), a celebrar en las instalaciones de Laboral Ciudad de la Cultura de Gijón. Entre los nombres están Daedalus, AGF, Aphex Twin, Isolée, Alva Noto, Nathan Fake, el director de cine y videoartista Peter Greenaway, el proyecto Moderat (Modeselektor junto a Apparat y Pfadfinderei) o Aphew Twin. En cuanto a artistas españoles, nos encontraremos con .tape, Juan Rayos, Normaa, Eedl o Bacanal Intruder. Más información en: www.levfestival.com.

Nacen los Premios de la Música Independiente La UFI (Unión Fonográfica Independiente) sigue adelante, luchando por mantener viva la industria musical independiente de nuestro país. Ahora, se suma a la lista de propuestas que generan desde su nacimiento como asociación en 2003 una cita que se convertirá en imprescindible. El próximo 4 de julio se celebrará en Madrid la primera Fiesta de los Premios de la Música Independiente. “Triunfaremos si estos premios dibujan un mapa de la música que se está haciendo mucho más rico de lo que nos están vendiendo y, sobre todo, si generamos excitación”, apunta Mario Pacheco, uno de los responsables de la UFI y al frente de CEO Nuevos Medios. “La intención es montar un auténtico evento musical, un fiestón, una celebración seria y estimulante”. Las bases para presentar candidaturas se darán a conocer el próximo 1 de abril. Más información en www.ufimusica.com n

Clem Snide Foto Archivo

John Parish y Pj Harvey Foto Archivo

◗ MVT Weekend La tercera edición del Festival MVT Weekend, que se lleva a cabo en Zaragoza, muestra este año un apreciable estirón en cantidad y sobre todo calidad. Desde el 16 al 19 de abril pasarán por los escenarios de Oasis y La Lata de Bombillas artistas de la talla de The Wave Pictures, Clem Snide, Lori Meyers, El Columpio Asesino, Tachenko, Big City, Los Negativos, Lacrosse, Muy Fellini o Jon Auer.

Más información en www.myspace.com/ lalatadebombillas n

festivales 2009 ❱〉 Alice Cooper se suma al

❱〉 El mejor indie se cita en

Azkena Rock

Contempopránea

Por si no había suficiente con la presencia confirmada de The Black Crowes como cabezas de cartel y una larga lista de nombres entre los que podemos citar a Fun Lovin’ Criminals, Bad Brains, Juliette Lewis, Dan Auerbach, The Zombies, Eli ‘Paperboy’ Reed o Dr. Dog, otro artista histórico se confirma para dar por cerrada la parrilla del Azkena Rock Festival 2009. El estadounidense Alice Cooper, leyenda del shock rock más teatral, culminará la noche del 16 de mayo. La cita es del 14 al 16 de mayo en Mendizabala (Vitoria-Gasteiz). www.azkenarockfestival.com. ■

Alice Cooper Foto Archivo

Depeche Mode Foto Archivo

❱〉 Depeche Mode presenta

disco en Bilbao BBK Live Aunque en el cartel nos encontraremos con un montón de atractivos, no cabe duda de que uno de los alicientes de esta edición (9, 10 y 11 de julio en Kobetamendi) será escuchar las canciones de “Sounds Of The Universe”, el nuevo trabajo de Depeche Mode. Aunque habrá mucho más con buena parte aún sin confirmar. Los que sí estarán presentes de momento será Placebo, Primal Scream, Babyshambles, Basement Jaxx, The Ting Tings, Fischerspooner, Vetusta Morla o E.C.A. www.bilbaobbklive.com. ■

Este clásico de nuestro circuito veraniego comienza a filtrar algunos de los nombres que conformarán el cartel de su decimocuarta edición, que tendrá lugar los días 23, 24 y 25 de julio en Alburquerque. En la línea de anteriores ediciones, volverá a reunir a los grandes nombres de la escena indie nacional: Lori Meyers, Catpeople, Russian Red, Cola Jet Set, La Buena Vida, Love Of Lesbian, We Are Standard, Ellos, Cooper o Half Foot Outside. También figura una de las bandas más míticas del pop británico The Wedding Present. www.contempopranea.com ■

Russian Red Foto Archivo

❱〉 Festimad 2M recupera

❱〉 El mejor rock duro en

su formato original

KobetaSonik 2009

Tras varios años como gran festival de un par de jornadas por las que han pasado grupos tan grandes como Smashing Pumpkins, RATM, Metallica o Slipknot, Festimad recupera su formato original. Desde el 24 de abril hasta el 9 de mayo, FestiMad 2M reunirá diversas actuaciones en más de treinta salas del circuito La Noche En Vivo, coincidiendo con las fiestas del 2 de mayo de la Comunidad de Madrid. Serán más de cincuenta conciertos, en su mayoría protagonizados por artistas de diversa orientación. Entre los participantes estarán Big Sandy & Los Straijackets, Those Dancing Days, Moriarty, Josete, La Buena Vida, Coralie Clement, Grand Archives, The Wooden Birds, No Aloha y muchos otros. Más detalles en www.festimad.es. ■

Grand Archives Foto Archivo

Franz Ferdinand Foto Archivo

❱〉 Más novedades en

FIB Heineken, Como cada año, FIB Heineken continúa sorprendiendo con nuevos nombres que se incorporan a su selección. Así, durante los días 16 a 19 de julio no solo podrás disfrutar de las actuaciones de los grandes cabezas de cartel ya anunciados (Oasis, Kings Of Leon, Franz Ferdinand y The Killers), sino que tendrás la oportunidad de vivir la reunión de Magazine o enfrentarte a los directos de Lily Allen, Nacho Vegas, TV On The Radio, Glasvegas, Catpeople, Joe Crepúsculo, We Are Standard y muchos más que van completando la programación día tras día… www.fiberfib.com. ■

Las guitarras vuelven a Bilbao. El festival KobetaSonik 2009, que ocupará el recinto Kobetamendi de la ciudad durante los días 19 y 20 de junio, continúa sumando nombres básicos para el mundo del rock duro y del metal. Acompañarán a los primeros grandes artistas (Mötley Crüe, Marilyn Manson, Dream Theater, Trivium o Anthrax), una selección que incluye a la banda de AOR Journey, los suecos In Flames, Thin Lizzy,Suicidal Tendencies, Cathedral, Machine Head, Buckcherry, Dragonforce, Hatebreed, Cradle Of Filth, Papa Roach, Devildriver o Gojira. Igualmente, se ha confirmado que Guns N’Roses no actuarán. La información había sido publicada en diversos medios y la organización ha decidido desmentirlo. www.kobetasonik.com ■

Marilyn Manson Foto Archivo

❱〉 Metal cien por cien en

❱〉 Novedades en

Sonisphere

Territorios Sevilla

Si este año destaca un evento itinerante en lo que a metal se refiere, no cabe ninguna duda de que se trata del Sonisphere, que pasará por seis ciudades europeas reuniendo a algunos de los nombres más relevantes del momento en lo que a sonidos pesados se refiere. La cita española será el próximo 11 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona y los cuatro nombres confirmados hasta la fecha dejan sin aliento. Metallica encabezarán la jornada, aunque antes estarán actuando ni más ni menos que Slipknot y dos de los nombres más importantes del año, Mastodon y Lamb Of God. www.ltinews.net y www. sonispherefestivals.com ■

Slipknot Foto Archivo

2 Many Dj’s Foto Archivo

❱〉 Cartel de lujo en

Estrella Levante SOS 4.8 Durante los próximos días 1 y 2 de mayo, el Estrella Levante SOS 4.8, subtitulado Festival Internacional de Acción Artística, se llevará a cabo en la ciudad de Murcia. Atendiendo sólo al cartel musical, podemos apuntar que no faltan los artistas destacables. Se han confirmado ya 2 Many Dj’s, Boys Noize, Babyshambles, Keane, Catpeople, Duffy, Second, El Guincho, Klaus & Kinski, Ladyhawke, Peaches, Russian Red, Spiritualized, The Prodigy, The Wombats, Those Dancing Days y Underworld. En el Auditorio Mondosonoro.com actuarán The Matthew Herbert Big Band y Pj Harvey. www. sos48.com ■

Hace unas semanas, el festival Territorios Sevilla anunció una lista de artistas que formarían parte de su edición para este año, que se llevará a cabo durante los días 28, 29 y 30 de mayo en la localidad andaluza. Entre ellos estaban Wilco, Tote King en una actuación con banda y lo que se ha dado en llamar Sevilla All Stars (que reunirá a los grandes nombres del hip hop de la zona: Tote King, SFDK, Juaninacka, Shotta, Dogma Crew, El Límite, Jesuly). Ahora, ampliando la parrilla de actuaciones, se suman Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, la leyenda del reggae Alpha Blondy y Ojos de Brujo, que actuarán en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. www.territoriossevilla.com ■

Wilco Foto Archivo

Dizzee Rascal Foto Archivo

❱〉 Cultura Urbana La gran cita de la cultura urbana y hip hop madrileña repite. La quinta edición se llevará a cabo el próximo 16 de mayo en el Telefónica Madrid Arena. Entre los nombres ya confirmados destacanm la presencia de Dizziee Rascal, Q Bert, Congo Natty o Tenor Fly. Por lo que respecta a nombres españoles, destacan Tote King, Hermano L y Hablando en Plata Squad. www.culturaurbana.es ■

Neil Young Foto Archivo xxxxxxxxxx Foto Archivo

❱〉 Neil Young en Estrella

Damm Primavera Sound 09 Barcelona estará a pleno rendimiento en lo que a conciertos se refiere con la amplísima programación de Estrella Damm Primavera Sound, que se desarrollará en el Parc del Fòrum desde el 28 al 30 de mayo. A todos los nombres anunciados hasta la fecha se han sumado Saint Etienne, Liars, Herman Dune, La Bien Querida, Jeremy Jay, DJ /Rupture, Los Punsetes, Jesu o Dead Meadow. Aunque la gran noticia es que esa leyenda del rock llamada Neil Young estará presente, protagonizando un concierto de más de dos horas y media. www.primaverasound.com ■

Hamlet Foto: Archivo

❱〉 Viña Rock Como cada año, y tengan presente que son ya catorce los que cargan a sus espaldas, los responsables del Viña Rock han redondeado un cartel que dejará satisfecho nuevamente a cualquiera que se acerque hasta el Recinto Ferial de Villarrobledo durante los próximos días 30 de abril y 1 y 2 de mayo. El XIV Festival Arte Nativo presentará plena actividad en todos sus escenarios, por los que pasarán nombres tan diversos en lo que a música española se refiere como Macaco, Betagarri, Toteking, Falsalarma, Shotta, Soziedad Alkohólika, Hamlet, Def Con Dos, Hora Zulú, Narco, Nach, La Excepción, Mägo de Oz, Reincidentes, Boikot, SFDK, Ojos de Brujo o Los Suaves. www.viñarock.com n

MondoSonoro · Abril 2009 /11/

MONDOFREAKO

Manos de Topo Foto Archivo

Manos De Topo

Besos de sapo Están aquí de nuevo. La formación que más encrespa a los defensores del pop cool, el grupo más misógino del país, el más cínico: Manos de Topo. “El primero era mejor” es su segundo larga duración, además de la constatación de que su propuesta se ha consolidado ya como una de las más brillantes del panorama estatal.

P

ara no ponerles las cosas fáciles, vamos a empezar este reportaje poniendo a Manos de Topo –léase Miguel Ángel Blanca (voz y guitarra), Alejandro Marzoa (teclados), Pau Julià (bajo) y Rafa de los Arcos (batería)- en un aprieto a propósito de “El primero era mejor”, su segunda obra maestra consecutiva tras el sorpresivo “Ortopedias bonitas”. Los defectos ante todo, como a ellos les gusta. Hace poco un servidor escribía que este nuevo disco era excesivamente continuista con respecto al anterior. (Alejandro Marzoa) “Nuestra intención no era ni mucho menos desmarcarnos de lo que es el sonido y estilo de Manos de Topo y creo que eso lo seguimos conservando. Pero si nos ponemos a analizar las canciones por separado, creo que las estructuras son más extrañas que en ‘Ortopedias bonitas’ y dan pie a canciones auténticamente locas como puede ser el caso de ‘Tortilla’ o ‘Palabra de Eva Sannum’”. Y ahí se acaba todo. Cualquier otro argumento en contra de “El primero era mejor” se me antoja fuera de lugar. Una de las virtudes (sí, virtudes, han leído bien) de Manos de Topo es

su sorprendente capacidad de tomarse la vida a pitorreo y la música muy en serio. Habrá quien lo dude, pero ese difícilmente será capaz de profundizar en el cínico universo de unos creadores ciertamente particulares y totalmente uncool, en estos tiempos de tanta tontería. (Rafa de los Arcos) “Siempre hemos tenido sentido del humor vital, al margen de la música, pero una cosa es vivir las cosas con humor y otra no tener algo muy serio que decir. El humor es un tono, pero el vehículo ha de ser mínimamente honesto, serio y bien hecho para que tu discurso no caiga en la tontería gratuita”.

A quienes quizás no gusta su cinismo y su brillante misoginia sea a las chicas que hayan pasado por su vida sin quedarse. Hasta ahí me gustan.

Donde otros se lamentan y echan mano de un tópico tras otro hasta provocar el bostezo, Miguel Ángel Blanca suelta unas frases más venenosas que la picada de un escorpión amarillo. (Rafa de los Arcos) “Manos de Topo nació como una forma de dar rienda suelta a nuestras ideas por alocadas que parecieran. Siempre se trató de tener un punto de vista diferente

deza de los dientes mal puestos, el apostar por las calvas perfectas, las barrigas horribles, las tetas caídas o las voces lloricas. Seguramente la gente a la que le gusta Manos de Topo fue la capaz de saltar esos cien metros vallas que es la voz, pero después les valió la pena”. Ahora dejemos de lado los textos del grupo o la voz de Blanca y vayamos por la música, una de las grandes bazas de su propuesta que siempre queda en un segundo término. Un robusto esqueleto acústico aderezado con millones de pequeños detalles que convierten cada

sobre las historias de amor, dar voz a esos otros pensamientos que no son tan populares, pero que todos tenemos en cuanto los sentimientos se revolucionan”. (Miguel Ángel Blanca) “No conozco a gente más cínica, en serio. Los viajes en furgoneta son un derroche de cinismo, ironía y maldad. No hay perdón... Tenemos pasteles de nata para todos los decanos. Pero sin maldad, ni azúcar. Creo que el concepto es ‘hijoputillas’.

Francamente creo que hay que reírse de todo, de la tragedia, de la mala suerte y de

“Hay que reírse de todo, de la tragedia, de la mala suerte y de las críticas. ¡Sobre todo de las malas!” las críticas. ¡Sobre todo de las malas! ”. Lo curioso es que los miembros de Manos de Topo y su vocalista son los primeros conscientes de que mucha gente no se adentra más en su cancionero (y por tanto en su imaginario) al verse incapaz de superar la barrera que supone escuchar su histriónica y deliciosamente llorona forma de cantar, lo cual es a todas luces una injusticia. (Miguel Ángel Blanca) “Es absolutamente normal. Escucho el nuevo disco y alucino de lo que tira para atrás la voz al principio. Con el ‘Ortopedias’ pasaba lo mismo, incluso más porque canté especialmente mal. Pero de eso se trata, de la belleza de las narices enormes, la gran-

canción en una miniatura pop preciosa. (Pau Julià) “Realmente la única premisa que siempre hemos tenido respecto a nuestro sonido es: usar el PT-1 siempre en modo Fantasy; cuyo sonido es indiscutiblemente característico y está muy bien logrado (¡gracias Casio!). Pero en lo demás estamos abiertos a todo. No usamos guitarras eléctricas porque no tenemos, pero creemos que, por ahora, la acústica nos acerca, aunque sea simbólicamente, a la canción de autor”. n Joan S. Luna “El primero era mejor” está publicado por Sones

LA COOPERATIVA

Dan Auerbach The Filthy Dukes Nonsense in the Dark Keep It Hid

myspace.com/coopspain

Fiction Ya disponible

Malajube Labyrinthes

City Slang Ya disponible

V2 Ya disponible

Fever Ray Fever Ray

Rabid Ya disponible

Vetiver Tight Knit

Bella Union Ya disponible

The Rakes Klang

V2 Ya disponible

Sky Larkin The Golden Spike Wichita Ya disponible

Peter Bjorn and John Living Thing Wichita Ya disponible

Royal Bangs Dear Reader Replace Why With Funny We Breed Champions City Slang Ya disponible

City Slang Ya disponible

DE SELLOS INDEPENDIENTES / NUEVOS MEDIOS Tel. 91 532 67 80

próximos discos de •Toy Fight-Peplum •The Living End-White Noise •Juan Maclean-The Future Will Come •Still Flyin’-Never Gonna Touch The Ground •Richard Swift-Atlantic Ocean •Waylon Jennings-Waylon Forever •Au Revoir Simone-Still Light, Still Night

(MONDOFREAKO /12/ Abril 2009 · MondoSonoro)

Lagartija Nick Foto Archivo

Lagartija Nick

En mi nombre “Dónde me busques/me encuentras”. Arranca “Larga duración” con contundencia, con unas guitarras recias a las que sigue esa frase que es, a la vez, desafío y reivindicación. Es (atención) décimo disco de los granadinos. Han vuelto a hacerlo.

Siguen muy grandes. Están aquí.

T

ras varios intentos, Antonio Arias y yo nos encontramos en una cafetería estrecha y algo incómoda, cercana al Teatro Real.

Como la cosa va para largo, decidimos prolongar la charla en su habitación de hotel, igualmente estrecha, mientras ensaya con un jovencísimo guitarrista flamenco un set acústico inédito que presentará esa misma noche. Le confieso mi fascinación con las canciones de “Larga duración”, su disco más personal, (con una referencia directa a la vieja barbería familiar, que sirve de espacio promocional, de leit motiv para el diseño del disco y donde Antonio escuchaba viejas cintas de Los Ángeles –que eran clientes asiduos- y de flamenco). La reformulación del punk de raíz pop (o viceversa) de finales de los ochenta que propusieron en el anterior “El shock de Leia” ha llegado a una depuración de la que sólo son capaces los maestros. “Hay una intención de comunicación en la incomunicación total. Después de todo lo aprendido pensé: la voz tiene que tener una armonía. Y para hacer una armonía de voz completa hay que hacer un montón de acordes. Los hicimos y, luego, tiré todos esos acordes y fuimos

ASI COMO SUENA

simplificando las canciones. Suelo decir que hay unas dos canciones por cada canción, a veces más... Intuyo ciertas sensaciones de la gente con el grupo, con algunas canciones.

Yo, que he estado en todas las formaciones, noto la vibración de la gente con la banda actual, con las canciones de ahora. Ahora, por fin, sé lo que es Lagartija Nick”. Antonio estalla en una carcajada. Y algo de razón tiene. En el nuevo disco nos encontramos con canciones directas, certeras, afiladas como nunca. Ahí están la desesperada “Clavo ardiendo”, la muy beatle “Sin salir”, llamada a ser uno de los hits del grupo y la favorita del público, el clásico rock oscuro de “De par en par” o “Variación y error”, o el amargo reproche, con guiños a “Tu violencia”, de “En mi nombre”, que cierra el disco de manera grave y contundente. Este es el disco en el que de manera más clara podemos rastrear las bandas favoritas de Antonio Arias. Hay ecos de The Beatles, de Syd Barret, Julian Cope y sus queridos XTC. “Scott Walker decía que su disco ‘3’ fracasó porque todas las canciones eran ritmos 3x4, así que decidí hacer un disco que fueran todo 4x4,

Chus Maestro Batería curtido en mil batallas metálicas, Chus Maestro no se anda con tonterías. Fuerza y técnica se combinan para darle a todos sus grupos (Hybrid, One Last Word, Supra) una base pesada y al mismo tiempo muy dinámica. Veamos cómo lo consigue.

Chus Maestro Foto Archivo

◗ Material de directo: Llevo el mismo que para el estudio: batería Sonor S-Classix (acabado en madera de arce) con bombo de 22”, caja de 14” y toms de 12”, 14” y 16”, doble pedal Iron Cobra bastante cascado y herrajes Sonor de la serie 600. Mi set de platos consta de

para ver si tenía éxito y comprobar si Scott tenía o no razón (risas). Ahora tocaba hacerse entender. Peleamos por el repertorio que podamos tocar en directo. Quiero hacer canciones que se puedan tocar”. “Larga duración” es un disco amargo e inquietante que gira en torno a un tema de manera obsesiva: la identidad. O, más bien, la falta de identidad. Las canciones hablan continuamente sobre lo que uno es, sobre lo que cree ser (“Sol”, “Sistema de visión”,

sar), y preocuparse por el camino que aún queda por andar. “Supongo que el público, después de éste esperará un tercer disco para saber exactamente de lo que vamos. Y la verdad es que me interesa. Me interesa saber lo que quieren. Ten en cuenta que yo hablo más con el público que con mi madre, o que con mi mujer. La independencia total es mentira.

Nadie es independiente y cuando uno lo és, más dependes de alguien... Mi primera moti-

“Noto la vibración de la gente con la banda actual...

Ahora, por fin, sé lo que es Lagartija Nick” “Variación y error”) para cerrarse con el robo indiscriminado del nombre, de la firma, de las palabras, en la estupenda “En mi nombre”. “Sí, el disco trata del ‘yo’, pero está hecho desde el ‘tú’.

Es alguien que habla sobre no tener identidad, y al que le jode mucho el que habla en su nombre, el que usa su firma”. En los últimos años Lagartija Nick están disfrutando de un estado de forma envidiable. Presentes en los escenarios por partida doble (con sus directos y con el rejuvenecido “Omega” junto a Enrique Morente), más prolíficos que nunca y con un público que se ha fidelizado a lo largo de los años, los granadinos, no obstante, intentan no darle mucha importancia (“tengo cierta sensación de desapego de todo lo que hemos hecho”, me llega a confe-

charles de 14”, crashes de 16” y 18”, ride de 20” y china de 18” de las series Mb 10 y Byzance de Meinl. En cuanto a parches, uso los Remo modelo Pinstripe. ◗¿Qué importancia tiene para ti experimentar con instrumentos nuevos?

Me he dedicado más a probar diferentes marcas y gamas de baterías, platos, pedales, parches, baquetas y cajas para buscar una configuración y sonido propios. En los estudios de grabación sí tienden a experimentar con triggers, compresores y samplers para conseguir baterías sobreproducidas, pero yo prefiero el sonido natural y dinámico de una batería acústica. ◗ Desde que empezaste a tocar,

vación para hacer el grupo era tocar con Erik y en el primer disco eso ya estaba cumplido.

La verdad es que con que haya diez personas a las que el grupo le guste de verdad, a mí ya me vale. Es lo bueno de la microfama (sonríe).

Estamos muy agradecidos y seguimos con ilusiones, con proyectos….”. Antonio se queda pensativo y, finalmente, zanja la cosa. “Aun así, hay que tener cuidado con lo que se desea porque a veces se cumple”.

■ Fernando Navarro “Larga duración” está publicado por Everlasting Records/Popstock!. lagartija nick estarán el 16 de abril en Madrid, el 17 en Barcelona y el 25 en Bergara (heineken music selector).

¿qué ha cambiado en tu equipo?

He tocado con diferentes configuraciones y marcas de baterías hasta encontrarme cómodo con mi equipo actual. También he reducido mi set de platos y medidas en los toms: llevo un kit muy jazzero que contrasta con el tópico de batería pretenciosa y abigarrada de los grupos de metal (que, por cierto, suele ser inversamente proporcional a la calidad musical de su usuario). ◗¿Usas material vintage? ¿Cuándo y dónde lo adquiriste?

No soy nada fetichista del material vintage ni de las gamas altas; yo valoro más la capacidad del músico que del propio instrumento. He visto músicos haciendo sonar a gloria baterías que

parecían de deshecho y demasiados fantasmas escondidos detrás de jaulas imposibles y equipo carísimo que ni siquiera sabían mantener el tempo. ◗¿Qué tres discos usarías como referencia por su sonido?

“White Light From The Mouth Of Infinity” (Swans), “False” (Gorefest) y “The Great Cold Distance” (Katatonia); aunque todo depende del grupo con el que vaya a tocar, ya que mi sonido de batería tiene que empastar con la banda, así que suelo personalizarlo. ◗ Cita a tres productores con los que te gustaría trabajar.

Rick Rubin, Tue Madsen y Colin Richardson. ■

(MondoSonoro · Abril 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“A la gente le encantaría que uno de nosotros se ahorcara” Harry McVeigh de White Lies, en NME

“Mi ex novia describió el sexo oral como estar masticando una bolsa de peniques verdes. Y pensé: así es cómo deben saber mis testículos” Alex Kapranos de Franz Ferdinand, en Q

“No necesito que nadie me dé su opinión, ni que me adulen”

M. Ward

Más allá del minutero “No sé lo que hace Bonnie cuando estoy ocupado. Debe de meterse en los calzones de la gente” Will Oldham, en NME

“De pequeño, yo era devoto de Los Rebeldes, Mecano y cosas así” Álvaro Martínez de Templeton, en Supernovapop

“The Stone Roses fichamos por Silverstone porque nos estábamos muriendo de hambre. Esa es la pura verdad. Nos invitaron a un plato caliente de comida italiana y nos bajamos los pantalones” Mani (Primal Scream, ex The Stone Roses) en Uncut

“Quiero el mayor público que me podáis conseguir. No quiero ser otra chica con una guitarra que parezca tonta” La Roux, en Dazed & Confused

Casi cualquiera estará de acuerdo en que M. Ward encarna al cantautor del siglo XXI, signifique lo que signifique eso. Su música parece existir fuera del alcance del tiempo, en algún lugar recóndito entre todo lo que ha sido y lo que es. En “Hold Time” ofrece su versión más heterogénea, un recorrido por sí mismo, descubriéndonos su equipaje.

S

olemos alabar de un autor que su obra nos revele algo de la naturaleza de su tiempo, que sus canciones retraten el momento histórico que le ha tocado vivir. Con Matt Ward sucede lo opuesto. Si su música es especial es porque parece existir más allá del minutero. Podría tratarse de la oscura balada de un cantautor del Village a principios de los sesenta, de un bluesman olvidado de entreguerras o del lamento sereno de un coetáneo en un porche remoto. En realidad, da igual, porque así lo quiere él, porque así es como suena, como algo más allá de la tiranía de la historia, imposible de estudiar, porque no hay nada más difícil de explicar que una buena canción. M. Ward ha escrito muchas de ellas. En los últimos años acumula una colección impresionante a la que hay que sumar su colaboración con Zooey Deschanel en She & Him (ya están trabajando en un segundo álbum para 2010). De alguna manera, encontró tiempo para componer y grabar “Hold Time”. “Siempre encuentras tiempo para las cosas que amas”, explica un Ward poco hablador, que durante buena parte de nuestra conversación parece más un monje budista ofreciendo intrigantes revelaciones que un artista de promoción. “Colaborar con otra gente es siempre divertido y hace que la música siga siendo algo interesante para mí”. En esta ocasión, además de Deschanel, Jason Lytle de Grandaddy y Mike Mogis de Bright Eyes, responsable de percusiones y mezclas, Lucinda Williams canta junto a él en uno de los momentos más emocionantes del álbum, la versión del clásico “Oh

Lonesome Me”. “Para cada canción buscas ciertas texturas y eso requiere ciertas voces. La canción manda”. Hay otras versiones: “Rave On” de Buddy Holly y “I’m A Fool To Want You”, convertida en un instrumental al estilo de

autor que confiesa que para él escribir es algo natural que no entraña esfuerzo. “Para mí es un proceso sencillo. No me peleo con las canciones. Compongo continuamente y a simple vista comprendes cuáles merecen seguir adelante y cuáles deben acabar en la pila de reciclaje”. Puede que sea eso lo que hace de su música algo ingrávido, ligero como el susurro del viento. “Para mí, ser un cantante folk significa optar por lo simple frente a lo complejo”. La música de Ward ha seguido ese proceso de simplificación, convirtiéndose por el camino en el cantante folk de nuestro tiempo,

“Ser un cantante folk significa optar por lo simple frente a lo complejo” John Fahey, una de sus máximas influencias como instrumentista. Nada nuevo. A Ward siempre le ha gustado usar canciones de otros para reforzar el argumento de sus trabajos, aunque declina explicarse con más detalle. “Sí, hay una idea o varias detrás del disco, pero prefiero que sea el público quien se haga su propia imagen”.

Está de acuerdo, sin embargo en el carácter heterogéneo de “Hold Time”, algo nuevo en él y que convierte este disco en una suerte de resumen de lo que ha venido desarrollando hasta la fecha.

“He usado instrumentos que no había usado antes y probado nuevos sonidos con lo que no había trabajado, con la intención de dar a este nuevo disco una nueva atmósfera”.

En cualquier caso, el ambiente en esta ocasión no parece tan elaborado como en sus primeros trabajos o como en “Transistor Radio” (Merge, 05) y “Post-War” (Merge, 06).

En cierto sentido, “Hold Time” es algo menos complejo que sus antecesores. Una colección de canciones sencilla y complaciente, fruto de un

algo que al parecer hemos aceptado todos sin necesidad de ponernos de acuerdo. Además de en la gira de presentación de “Hold Time”, Ward también estará embarcado en los próximos meses en la grabación de un nuevo disco junto a sus amigos Jim James (My Morning Jacket) y Conor Oberst (Bright Eyes). “Estamos empezando a grabar. No sé cuándo va a publicarse, sólo que disfrutamos trabajando juntos. Somos amigos desde hace mucho tiempo”. El tío no suelta prenda. Así que decido despedirme deseándole suerte. Le recuerdo la ocasión en que actuó en el Blues Ville, en Mallorca, hace ya unos cuantos años y darle las gracias por la maravillosa versión instrumental de The Beach Boys que tocó esa noche -el momento pelota de toda entrevista-.

Por un segundo parece volver a la vida, la voz se le achispa. Ojalá vuelva por aquí algún día.

■ Joan Cabot “Hold Time” está publicado por 4AD/Popstock!

M. Ward Foto Annie Musselman

Alaska, en Rolling Stone.

Peter Bjorn And John Foto Archivo

(MONDOFREAKO /14/ Abril 2009 · MondoSonoro)

Peter Bjorn And John

Tres de tres Ya han pasado casi tres años, pero no hay manera, para muchos el nombre de Peter Bjorn and John sigue siendo sinónimo al sonido del popular silbido de “Young Folks”. Una molesta realidad ya que no están dispuestos a seguir siendo vistos como unos one hit wonders. Y en “Living Thing” hay motivos para que todo cambie.

P

or partes. Peter Bjorn And John es ese trío de suecos capaces de conquistar medio mundo al tiempo que casi enloquecen al otro medio gracias a la hiperradiada “Young Folks”. Cierto, pero también aquella banda creada sin demasiadas pretensiones en 1999 por tres chavales con intereses musicales comunes y una idea clara, hacer buena música. Una idea que hasta el momento han venido materializando en discos como “Peter Bjorn And John” (2002), “Falling Out” (2005), “Writer’s Block” (2006), “Seaside Rock” y el recién editado “Living Thing”. “Lo mejor que hemos hecho hasta el momento, sin duda. En una escala del uno al diez, un diez”. Una afirmación rotunda que en boca de John Eriksson, batería de la banda, continúa sonando modesta. Esa modestia un poco cínica del que sabe lo que es pasar de la indiferencia a que todo el mundo tararee tu música, esa del

▲ Por segundo año consecutivo sube la canti-

dad de GRUPOS ESPAÑOLES presentes en el festival americano South By South West, que se celebró el pasado mes en Austin (Texas).

que se permite repetir sentencias como que su única intención es “seguir haciendo la música que nos gusta”. Una declaración que resulta creíble si tenemos en cuenta que no tuvieron ningún miramiento en continuar su discografía, tras el exitoso “Writer’s Block”, con un disco básicamente instrumental dedicado a sus pueblos de la infancia. “Living Thing” llega apenas un año después de aquello y, en cierto modo, recupera la línea de “Writer’s Block”, si bien resulta un trabajo más denso y menos inmediato. “Supongo que ‘Living Thing’ suena bastante diferente a ‘Writer’s Block’ porque en general nos ha salido un álbum más oscuro, más cool, más metropolitano y al mismo tiempo lleno de singles. Los doce temas son singles potenciales”. Ellos achacan los cambios a su propia evolución natural como banda. “Nuestras referencias siguen siendo las mismas, es decir,

▲ Vuelven a subir los PROYECTOS BENÉFICOS en el mundo de la música. Nos llegan discos como “War Child: Heroes”, “Take Action” o “Dark Was The Night”.

casi todas. Los tres escuchamos muchísima música diferente y siempre estamos intercambiando discos que, de una forma u otra, influyen en nuestras propias composiciones”. Sin embargo, no dejan de llamar la atención ciertos sonidos más inclinados hacia el hip hop y que se subrayan con acciones promocionales tan curiosas como que fuese Kanye West la persona encargada de presentar el primer video clip del álbum, ‘Nothing To Worry About”, en su blog. “Lo de Kanye West es anecdótico, pero sí que es

discos que les da la gana. “Lo importante es hacer buena música y nosotros hemos estado trabajando muy duro en este álbum durante nueve meses. Ha sido como un embarazo y ahora estamos ansiosos porque nuestro hijo empiece a descubrir el mundo por sí mismo, a explorar todo lo que puede conseguir, especialmente en España”. Esto último lo dice con cierta sorna, ya que por el momento no tienen fecha para venir, ni puede asegurar que la vayan a tener. “Hablo un poco de español de

“Es un álbum más oscuro, más cool, más metropolitano y al mismo tiempo lleno de singles” verdad que en este álbum se pueden percibir ciertas influencias del hip hop, aunque no podría nombrar a ningún artista en concreto, sino más bien a toda la vieja escuela de los ochenta. Es una influencia que está ahí, pero también lo está la del techno, el pop africano o la música minimalista”. Escuchándoles hablar de música y de su nuevo trabajo, es fácil creer que no les preocupe verse encasillados como el grupo de la canción del silbido y que su única motivación sea seguir sacando los

▲ Sube también la cantidad de CLIPS de artistas

patrios que buscan denunciar injusticias con ayuda de sus amigos. En un mismo mes coinciden en las pantallas Macaco y Huecco.

cuando estuve en Argentina, aunque mejor no digo nada que te reirías mucho”. Pero el que se ríe es él y otra vez surge esa modestia cuando le pregunto por las que él considera sus principales virtudes como banda. “Bueno, pues que somos tres músicos trabajando como tres directores en una banda de tres. Sin líder”. ■ Cristina Miranda “Living Thing” está publicado por V2/Nuevos Medios.

Meter Bjorn and John estarán en el FIB Heineken.

▲ Finalmente, se estrenan en nuestro país LARGOMETRAJES tan esperados como “Control” de Anton Corbijn, “Déjame entrar” de Tomas Alfredson o “Ponyo” de Hayao Miyazaki.

SUBEN ▲

▼ No podemos evitar incluir el cierre definitivo

de la web musical FABCHANNEL. Tras nueve años de actividad y cuando empezaba a afianzarse en nuestro país.

▲ Suben el número de artistas AUTOEDITADOS o de sellos minúsculos que despiertan el interés de medios y público. Fíjense bien en las páginas de este mes de nuestra publicación.

▼ bajan

▼ Baja la furia rockera de IGGY POP. En su nuevo disco se acercará al jazz, cantará sobre la obra de Michel Houellebecq y le ha encargado la portada a la dibujante de cómics Marjene Satrapi.

▼ Tenemos que llorar también la despedida, el pasado 14 de marzo, del F.E.A. Festival, uno de los eventos más descerebrados que se han llevado a cabo en nuestro país.

▼ Aunque sea algo que no afecte para nada a los

▼ Bajan las excusas para reconocer que todos

aficionados a la música, sino a los periodistas musicales, debemos apuntar que bajan los DISCOS PROMOCIONALES con voice-over grabados.

somos unos FRIKIS. No hace falta más que echarle un vistazo al libro “Orgulloso de ser friki” del Señor Buebo, para descubrirlo.

(MONDOFREAKO /16/ Abril 2009 · MondoSonoro)

10

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DISCO

(No Way Out)

Vocalista de la banda de hardcore melódico No Way Out, Noel Campillo creció durante los noventa, de ahí que algunos clásicos de aquella década se hayan marcado a fuego en su corazón. Aquí nos los descubre para compartirlos con nuestros lectores.

Weezer “Weezer (Blue Album)” (1994) Además de ser el primer compacto que compré, resultó ser uno de esos discos que me atrapó desde la primera escucha, y que siempre ha logrado sonar actual y a la vez con un toque vintage. Tras esa estética nerd se esconden diez canciones que confirman que las melodías pop y las guitarras distorsionadas no son incompatibles.

Lagwagon “Hoss” (1995) No entiendo la música tal y como la he conocido, sin “Hoss”. Aparentemente no es ni el disco más técnico, ni el más cañero, ni el que mejor suena de Lagwagon, pero tiene las mejores canciones, y eso supera todo lo anterior. Una obra maestra.

NOFX “Punk In Drublic” (1994) Si Lagwagon tiene “Hoss”, NOFX tiene “Punk In Drublic”. El álbum que más han vendido en toda su historia sin pretenderlo. A su manera, este disco aún sigue abriendo los ojos a mucha gente que sube buscando la senda musical a seguir.

Francisco Nixon Foto Archivo

Francisco Nixon

Aquella melodía Sin las presiones de tiempos pasados pero con una autoexigencia ejemplar, Fran Fernández ha cocinado en los dos últimos años las canciones que ahora dan forma a “El perro es mío”, su segunda entrega bajo el nombre de Francisco Nixon.

S

er Fran Fernández no debe de ser fácil.

Todo el mundo te conoce y todo el mundo tiene una opinión sobre lo que haces, es lo que tiene estar ahí desde el principio. Fran llega muy tranquilo a la entrevista, lo cual en cierta manera me sorprende, ya que esa misma mañana ha habido revuelo a su costa en varios foros de Internet. Y es que resulta que ahora las letras de Francisco Nixon son machistas. En fin. Lo que ha pasado es que Fran ha comentado en su blog que una periodista le hizo una observación acerca de sus letras y algunas webs han aprovechado la coyuntura para realizar un juicio sumario.

La ultracorrección política y el oportunismo, otra vez, de la mano. “Cada uno tiene sus propios criterios. De todas maneras, aunque casi nadie lo diga en las entrevistas, lo cierto es que los músicos pensamos mucho en el rechazo que pueden generar las canciones que hacemos, porque no es fácil exponerse. Por eso tienen tanta importancia la crítica y las modas, porque es fácil y seguro subirse al carro de lo que suena en cada momento. Creo que eso condiciona las canciones que hace la gente casi más que cualquier otra cosa”, explica Fran, y pasamos a otros asuntos, la música y la creación, por ejemplo, todo eso que no siempre colocamos en primer lugar. Esta misma mañana he escuchado “El perro es mío” más de cinco veces seguidas, y no precisamente por celo profesional. El disco es todo un homenaje a la melodía y a las

historias contadas en canciones. Tan sencillo y a la vez tan complicado. “Me gusta buscar la simplicidad, sobre todo en Nixon, que son canciones que hago en casa, pensadas con acústica, y que descansan más en la letra que en el arreglo. Si logro que la estructura sea robusta, consigo que sea más fácil ir a grabar al estudio con poco tiempo y poder defender las canciones en directo sin echar

ta escapar de ese recurso y exponerse. “Ahora hay muchos grupos que se han pasado al castellano y hacen de la ironía su único argumento. Yo también lo hago, pero la ironía, si bien está muy prestigiada porque de alguna forma te haces pasar por una persona ingeniosa, puede llegar a cansar y al final lo que esconde es falta de contenido, falta de valentía para buscar tus emociones”, explica Fran, que en todo momento habla del pop en la más extenso de los sentidos.

“Las letras del pop siempre han girado en torno al amor, y es verdad que quizá es un tema que ya está muy trabajado. Pero toda la vida hemos escuchado canciones así que

“Me gustaría poder grabar un disco de pop más barroco, pero de momento sólo es una idea” nada de menos. La verdad es que también me gustaría poder grabar un disco de pop más barroco, pero de momento sólo es una idea”. La producción del disco, aun así (orquestada de nuevo por Paco Loco), es por momentos bastante exuberante, pero sobre todo se nota que Fran Fernández hace un esfuerzo por caminar hacia la naturalidad y huir de imposturas, algo que quizá venga del plano personal y que quiere reflejar en su música. Douglas Coupland ha escrito que la ironía de la sociedad moderna viene dada por la falta de Dios, que es como el escudo que nos queda para poder soportar la total responsabilidad que tenemos sobre nuestras vidas. Últimamente se habla mucho de esa máscara de ironía tras la que tantos y tantos grupos indies se protegen, de lo difícil que resul-

nos han emocionado, y siento que es muy difícil emocionar con la acidez”. Ayudado de nuevo por Ricardo Vicente, que ha aportado varias composiciones brillantísimas a las que también pone voz, Fran continúa buscando emocionar y dar con esa tecla mágica del pop, con esa melodía que nos salve la vida. “Sí que doy importancia a la melodía por encima del ritmo. Ahora hay muchísimos grupos que hacen lo contrario. Desde que salió Arcade Fire ves que los grupos se concentran mucho más en el ritmo. No sé por qué no lo llaman rock experimental”. ■ Jorge Ramos

“El perro es mío” está publicado por Siesta.

Francisco Nixon estará el 3 de abril en Plastidepop.

Oasis “(What’s The Story) Morning Glory” (1995) Si hay que definir este disco en una palabra, me quedo con “Wonderwall”. Aunque para muchos fue una especie de revival barato de The Beatles para adolescentes, el tiempo ha puesto tanto a Oasis como al álbum en el sitio que les corresponde.

Foo Fighters “The Colour And The Shape” (1997) Una de las cosas que descubrimos con el unplugged de Nirvana, era que junto a Kurt había un chico llamado Dave a la batería que metía unos coros acojonantes. Resulta que unos años después nos regaló un pedazo de disco que no te cansas de escuchar nunca.

U2 “The Joshua Tree” (1987) Al no poder escoger siete álbumes de U2 para esta lista, cosa que nos dejaría apenas sin espacio para otros discos, me quedo con “The Joshua Tree”, a modo de intento de resumir y definir lo que ha sido y lo que sigue siendo U2.

AC/DC “Live” (1992) El mejor disco para descubrir a AC/DC y el que mejor les define. Directo arrollador y ausencia de la paja que han llegado a meter en otros discos como “Flick Of The Switch” o “The Razor’s Edge”. temazo tras temazo.

Green Day “Dookie” (1994) El disco que hizo que el punk llegara a todas las casas, para bien o para mal según quién lo cuente.

Para mí es el encargado directo de recoger el testigo dejado por Sex Pistols, The Clash o Ramones.

Bad Religion “The Grey Race” (1996) Aunque creo que casi cada disco que saca Bad Religion es mejor que el anterior, siempre habrá un antes y un después de “The Grey Race”, tanto por sus buenas canciones como por toda la polémica que generó al saltar a una multi.

The Beach Boys “Sounds Of Summer. The Platinum Collection” (2005) El problema de quedarte con un disco de los Beach Boys, es que no te puedes quedar sólo con uno. Gran invento el de los Best Of para estas ocasiones. No hace falta estar enamorado del surf para que los chicos de la playa te conquisten con sus dulces armonías. De hecho, aún hoy en día, decenas de bandas sacan discos plagados de tics de The Beach Boys.n

No Way Out Foto Carles Rodríguez

NOEL CAMPILLO

(MondoSonoro · Abril 2009 /17/ MONDOFREAKO)

Eskorzo Foto Archivo

Eskorzo

en la gloria Utilizando una expresión muy del Sur, lo granadinos se han quedado en la gloria. Con “Paraísos artificiales”, su cuarto álbum, han vuelto a huir como de la peste de los prejuicios estilísticos para reinventar su propuesta. Como ya lo hicieron con el jazz y el ska en su anterior trabajo ahora se arriman al pop y al rock ajenos al pataleo de sus fans más ortodoxos.

N

o cabe duda que los “eskorcistas” tendrán que asimilar que la banda dejó atrás hace mucho tiempo el mestizaje entendido como única forma de fusión. Eskorzo han sido siempre una formación esponja, capaz de estrujarse cuantas veces sea necesario para empapar su música de aquellos sonidos que en ese momento les fueran más sugerentes. Si en el “Árbol de la duda” su último trabajo, abrazaban el jazz y sus derivados en este nuevo disco el rock, la psicodelia, los sintetizadores y los estribillos pop fluyen por doquier y esto no significa nigún giro estilístico vertiginoso sino un concepto de fusión actualizado y bien entendido. “Está claro que ahora no íbamos a hacer fusión como se entendía en los noventa, cuando sacamos nuestro primer disco. Fusión no es sólo mestizaje o ritmos latinos, fusión es combinar estilos, es comer de todo, no cocinar sólo con morcilla y chorizo. Creemos que

es una evolución natural de nuestro último disco, solamente que utilizamos elementos diferentes como el rock o el pop”. Y así es, quien haya seguido la carrera de Eskorzo sabrá que no estamos hablando ya de aquella banda que se dió a conocer tras ganar el Lagarto de 97 con los dieciocho años recién cumplidos, en una mutinacional y en plena eclosión del “buen rollito sound”. “Este disco no es para dar saltos, ni del rollo alza la mano y tal…, pero eso no significa que las canciones no funcionen en directo. Algunas ya las hemos probado en conciertos por Alemania y la gente ha respondido muy bien”. El salto es acrobático pero no mortal. Eskorzo no han practicado un número que no viniera ya ensayado en sus dos discos anteriores donde flirtearon con el jazz, con el ska clásico y con los sonidos porteños sin restar intensidad a su propuesta. Esta claro que este disco es distinto, como distinta ha sido su

gestación. “La grabación ha sido especial, nos hemos dejado llevar a lo que surgiera y por eso muchas canciones las hemos terminado en el estudio. El cambio estilístico ha sido grande, pero no lo hemos perseguido, ha salido así. Lo que nos iba pidiendo el cuerpo sin pensar en la reacción del público luego, sin condicionarnos”. El disco se ha grabado en pleno paraíso de la Alpujarra granadina y pro-

feliz”. Buscando la llave de la felicidad, así reza el texto del tema que da nombre al disco, una llave que Eskorzo como banda no pierde desde su formación. Los nueve miembros son un ejemplo de hermandad, incluso compartiendo negocios de otra índole logran mantenerse unidos y participar de este último trabajo con unanimidad. “Es el disco más democrático en cuanto a participación de todos los miembros de la banda

“Fusión es combinar estilos, es comer de todo, no cocinar sólo con morcilla y chorizo” ducido por Carlos Díaz, guitarrista de la banda y uno de los técnicos de sonidos más emergentes del momento (Lagartija Nick, Amparanoia…). Han buscado el karma adecuado para un trabajo que se ha forjado en el estudio íntegramente, experimentando, un disco muy conceptual donde el fin es más importante que el medio, de ahí la apertura hacia sonidos nuevos. Incluso las letras de las canciones han huído de los habituales planteamientos reivindicativos para buscar un discurso interno. “Las letras son más espirituales, hay menos reivindicación material, un mensaje más orientado a búscate a ti mismo… en resumen son pequeños consejos para ser

tanto a la hora de componer como grabar los temas”. También han recibido muchas visitas al estudio. Desde las letras de Jose Sánchez (Matilda) a los coros de Lori Meyers pasando por el dueto de Toni con Aitor Velazquez (Hora Zulú) en el tema “Estoy mucho mejor”. Está claro que este nuevo disco dará que hablar. ■ Arturo García

“Paraísos artificiales” está publicado por Acostao Records. Eskorzo estarán el 3 de abril en Murcia, el 4 en Almería, el 16 en Madrid, el 17 en Mérida (Extremúsica), el 18 en Cuenca, el 22 en Barcelona y el 30 en Albacete (Viña-Rock).

(MONDOFREAKO /18/ Abril 2009 · MondoSonoro)

Veracruz Foto Lola de Fez

Veracruz

tensa calma Cuatro años después de su debut, el cuarteto barcelonés vuelve con “Veracruz”, un disco más sosegado y sombrío. Han suavizado el ritmo y las voces han cobrado protagonismo sin perder ni un ápice de intensidad. Producidos por el omnipresente Jens Neumaier, su nuevo trabajo suena más cinematográfico, como la banda sonora de un western de terror.

R

ecuerdo haber visto a Veracruz hace años en ese pequeño garito del Raval llamado Big Bang. Era uno de los primeros conciertos de la banda y su puesta en escena me impresionó, pues gritaban y saltaban como locos. Ha llovido mucho desde entonces y ahora Veracruz juegan en otra liga. Su nuevo trabajo se aleja del punk bailable y ofrece canciones reposadas, lúgubres, imbuidas de esa falsa calma de las películas antes de que pase algo, de que salga el monstruo, se desenfunden las pistolas y todo explote. Mario (batería) explica este cambio. “Cuando grabas un disco depende del momento en el que vives. Las circunstancias han cambiado y la música que escuchamos también y eso se plasma en el disco. El proceso empieza en el local de ensayo, un día tocas las canciones de una manera más lenta y de repente te gustan cómo suenan las cosas y decides tirar por ahí”. Que nadie espere pues, las guitarras aceleradas y el griterío de su anterior álbum.

“Aquello salió así pero era también porque

no teníamos ni puta idea de tocar, no era nada premeditado, nunca pensamos en ‘vamos a hacer punk saltarín’”. Sea como sea los Veracruz de 2009 se presentan con un sonido más elegante y tenebroso, donde la voz ha pasado al primer plano y los temas se han ralentizado buscando más crear una atmósfera, un paisaje. “Sí, todo es más intenso, más elaborado, tiene un rollo más oscuro. Cuando te haces mayor las resacas son más duras y eso afecta, ya no vas a ensayar con la misma energía”. De ahí seguramente la calma que se ha apoderado de los nuevos temas, una calma que también se ha reflejado en la grabación del disco. “Se empezó a gestar hace dos años, porque entre que tuvimos las canciones que nos gustaban y que pudimos entrar al estudio a grabar pasó mucho tiempo. Luego en el estudio estuvimos un año y todo se ha dilatado mucho”. Al igual que el anterior, lo han grabado en el estudio de Jens Neumaier (12twelve, Coconot), que viene a ser el quinto elemento de Veracruz. “Fue todo

muy de colegueo. Grabamos la estructura de las canciones en dos días pero luego Jens tenía mucho curro con Giulia y los Tellarini, luego entraron a grabar Extraperlo y, bueno, la cosa se fue alargando. Nos divertimos mucho en los detalles, empezamos a probar cosas… Jens se emociona mucho y nos proponía cosas en plan ‘ahora vamos a tirar el sofá por la escalera a ver cómo sue-

Stranglers o The Gun Glub, y a mí, por momentos, me suenan precisamente a estos últimos cantados por Howe Gelb, por el aire desértico que se respira en ciertos temas y la manera de cantar de Adrián.

“Sí, esa era una de las ideas que teníamos para algunas canciones, que tuviera un rollo western, en otras no”. En otras suenan más a banda sonora de una película de terror de los sesenta. “Port Of Havana” tiene unas percusiones

“Cuando te haces mayor las resacas son más duras y eso afecta, ya no vas a ensayar con la misma energía” na, ahora rascamos el sofá’… era de puta madre, pero cuando añadimos todo eso a los temas quedaba muy raro, como de ópera rock y lo tuvimos que ir puliendo hasta que quedó algo más equilibrado. De todas maneras nos lo pasamos muy bien haciendo todas esas pruebas y aprendimos mucho”. Jens no ha sido el único que les ha ayudado, en estas nuevas canciones también han dejado su huella Pablo Díaz-Reixa (El Guincho, Coconot), Israel Marco (Cuchillo) y Alex Reynolds (Tu Madre). “Pablo se pasaba por el estudio cuando no estaba por Yakarta o Tombuctú e Isra tocará con nosotros a partir de ahora en los directos”.

Respecto a los grupos que les han influido en este nuevo sonido citan a Billy Childish, The Church, The

(homenaje al puertorriqueño Héctor Lavoe) y unos coros que evocan danzas tribales y vudú y “Flesh Carving Man” no desentonaría en un filme de Mario Bava. El álbum además ha sido grabado para ser escuchado en un tocadiscos, con lo que se acentúa ese sabor añejo. “Jens lo ha hecho todo para que suene en vinilo no para un formato digital y, bueno, se van a sacar quinientas copias –la mayoría de las cuales ya están adjudicadas- y va a estar en las tiendas un tiempo limitado”. ■ Marc Luelmo “veracruz” está publicado por yo-yó industrias y puede descargarse de forma gratuita vía internet. estarán en el estrella damm primavera sound

(MONDOFREAKO /20/ Abril 2009 · MondoSonoro)

NO confidencial

Joe Crepúsculo Foto Inma Varandela

Joe Crepúsculo Joe Crepúsculo no tiene suficiente con Tarántula. De ahí que, en apenas unos pocos meses, haya revolucionado la escena estatal más alternativa con “Escuela de zebras” y “Supercrepus”, dos discos en los que se revela como un artista personal y de lo más particular.

◗◗

¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me hubiera gustado mucho componer “Who Wants To Live Forever” de Queen y hubiera odiado, a “Kind Of Magic” también de Queen

¿Qué piensa la familia de tu música?

Con Tarántula no les molaba la voz que pongo.

Mi madre dice que no es la mía, pero me imagino que cada vez lo aceptan más.

¿Cuál es la canción que más veces has fusilado en tu vida?

El “Hey” de los Pixies.

Mando Diao Foto Archivo

Mando Diao

bailar con alguien Ya está aquí lo nuevo de Mando Diao. “Give Me Fire”, su quinto álbum de estudio y posiblemente el más esperado hasta la fecha, después de que tras una primera trilogía bastante aplaudida y continuista sorprendiesen con un cambio en su sonido habitual en “Never Seen The Light Of Day”, un cuarto disco que nos llevaba a preguntarnos ¿Y ahora qué?

A

hora, baile. Mando Diao regresan con un álbum repleto de hits rompepistas o esa es la intención. “Nos alegra que nos digas que ‘Give Me Fire’ está hecho para las pistas de baile porque, al fin y al cabo, de eso trata el single ‘Dance With Somebody’, de salir a bailar a los clubes, de pasarlo bien”. Una mentalidad que se transmite a lo largo de todo el disco, a pesar de que ellos insisten en que la única línea común es que todas las historias de las canciones transcurren de noche. “La noche es nuestro momento del día preferido, es cuando realmente vivimos”.

Noche y sexualidad, porque tras pensarlo unos segundos, así es como Bjorn Dixgård, cantante y guitarrista de la banda, decide que puede ser descrito su nuevo trabajo. “Creo que ‘Give Me Fire’ es nuestro álbum más sexy, basta oír canciones como ‘High Heels’, que tienen una gran carga sexual”. Un comentario sobre el que volveremos más tarde, cuando, en un entusiasta ataque de cinefilia, encuentren cuál es verdaderamente la mejor manera de entender su nuevo álbum. “Con ‘Give Me Fire’ hemos querido hacer un disco que no sonase como música realmente, sino como una película, ya sabes, una de esas películas de Hollywood de los setenta o de Tarantino. Si te fijas, cada canción podría servir perfectamente para cada tipo de escena, ‘Dance With Somebody’ sería

la persecución en coche, ‘Blue Lining White Trenchcoat’, la escena de acción, ‘High Heels’ el momento sexy…”. Más allá de sus propias divagaciones acerca de su música, lo cierto es que con “Give Me Fire”, Mando Diao han dicho adiós a muchas cosas, como las guitarras rotundas y el sonido más garage de sus primeros discos, optando por un camino en el que aseguran sentirse más

fácil”. Con una explicación así resulta comprensible el cambio de aires en los sonidos de su nuevo álbum y en su repentina querencia por las pistas de baile. Sin embargo, los principales responsables del sonido Mando Diao en “Give Me Fire” continúan siendo Mando Diao. Ellos y sus infinitas influencias musicales que, ahora más que nunca, han dejado fluir.

Mando Diao han logrado el que seguro es su disco más ecléctico y bailable, un trabajo con el que sorprenderán a gente nueva, agradarán a algunos de los de siempre y seguramente decepcionarán a otra buena parte de estos, pero lo cierto es que han vuelto con un trabajo en el que recuperan el carácter fuerte y definido que siempre les ha caracterizado y que, según muchos, habían perdido con “Never Seen The Light Of Day”. “Como perio-

“Las otras bandas sólo son bandas, pero para nosotros Mando Diao es la vida” cómodos. Un camino que posiblemente no habría llegado a trazarse si en él no hubiesen aparecido los Salazar Brothers, más conocidos por su trabajo de producción para artistas de hip hop y concretamente The Latin Kings, y en quienes Mando Diao aseguran haber encontrado el complemento perfecto. “Hasta ahora nos hemos caracterizado por cambiar mucho de productores, por no repetir, pero es que encontrar a alguien que produzca tu disco y con quien realmente puedas entenderte resulta muy difícil. Es como encontrar novia, no es hasta que realmente conoces a alguien que entienda cómo eres de verdad, que te enamoras. Alguien capaz de saber lo que piensas, que está en tu mismo rollo y que consigue hacerte la vida más

distas sabemos que aún lo haréis, pero creemos que con este disco nos hemos ahorrado definitivamente la comparación con otras bandas. Las otras bandas sólo son bandas, pero para nosotros Mando Diao es la vida. Cómo nos movemos, cómo hablamos, cómo actuamos. Todo.

Por eso intentamos hacer aquello que nadie más hace, conseguir lo que nadie más consigue. Y si en el camino perdemos o ganamos fans no es algo que deba preocuparnos. No somos políticos, no coleccionamos votos”.

■ Cristina Miranda “Give Me Fire” está publicado por Vertigo/ Universal. Mando Diao estarán el 2 de abril en Barcelona y el 5 en Bilbao.

¿A quién quieres engañar con eso de que “Baraja de cuchillos” está inspirada en “Walk Of Life” de Dire Straits?

Es totalmente cierto. Quería hacer algo similar, y si comparas las melodías verás que tengo razón. ¿En lugar de llevar músicos de acompañamiento no has pensado nunca en llevar una cabra que baile al son de tus teclados?

He pensado llevar chimpancés, pero eso hubiera sido posible hace setenta años, ahora te llamarían explotador de animales.

¿Eres un músico con suerte o tienes la suerte de ser músico?

Siempre he sido músico y he hecho lo que me apetecía. La suerte es una disposición de estar en un momento adecuado.

¿En cuantas tardes has escrito las canciones de “Supercrepus”? ¿Cuántas canciones llevas hechas desde que se publicó?

En casi todas las tardes que hay entre febrero y octubre. De momento llevo quince, de las cuales sólo nueve son aprovechables. ¿Sabías que “llevar navaja siempre es conveniente”?

Depende... es arriesgado también.

¿Es cierto que eres capaz de confundir MondoSonoro con El Mundo Deportivo?

No. Eso fue un lapsus.

Tengo un amigo que dice que una vez le amenazaste con clavarle una navaja en las nalgas. ¿Puede ser eso cierto?

No creo.

¿Cuántas veces te han dicho que deberías haber nacido durante La Movida?

Nunca, pero en todas las entrevistas que he hecho siempre aparece la palabra “Movida” por algún sitio. ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has llegado a tocar?

Con Tarántula hemos tocado en muchos sitios horribles, pero cuando pasa el tiempo se convierten en graciosos y no te acuerdas de lo malo. ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores?

Joan S.Luna.

¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

No, la crítica es necesaria en este feedback tan extraño que mueve la música en este país. n

(MondoSonoro · Abril 2009 /23/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Filthy Dukes Foto Archivo

FILTHY DUKES

◗ ¿Qué buscabais cuando empezasteis a ejercer de pinchadiscos?

Empezamos juntos hará unos cinco años.

Montamos un club llamado Kill Em All en un sucio local llamado Barfly en Camden. Pinchábamos cosas de DFA, que en aquel momento estaba empezando, y las referencias de OutPut. También caían canciones Roxy Music, Talking Heads o Can. En aquellos días, todos los locales indie ponían a The Libertines y Kaiser Chiefs, con lo que la gente nos odiaba porque nosotros odiábamos a esos grupos y nunca queríamos pinchar ni una de sus canciones. ◗ ¿Podrías decirnos algún disco que nunca falle en las sesiones de Filthy Dukes?

Depende siempre del lugar en el que pinchemos, pero nuestras sesiones suelen ser de material muy nuevo, con algún clásico en medio. Pinchamos cosas del último año, a poder ser de hace menos de seis meses. ◗ ¿Y cuál de vuestros discos favoritos no habéis podido pinchar jamás?

No demasiados. La mayoría de los que nos gustan han sonado alguna vez, quizás te diría que no he puesto a Neu!, que me encantan, y tampoco recuerdo haber pinchado nunca un disco de Captain Beefheart. ◗ ¿Recordáis algo gracioso de todos estos años de sesiones a lo largo del planeta?

Hicimos una gira de NME con The Rakes hace cuatro años. Los de la revista nunca habían puesto Dj’s, con lo que ninguno de los promotores sabía qué hacer con nosotros. El primer día no pudimos siquiera pinchar porque nadie había pensado en una mesa. Creían que la llevábamos nosotros como si fuésemos de esos que pinchan en las bodas. ◗ ¿Habéis perdido u os han robado alguna vez los discos?

Por suerte nunca. Siempre los guardamos en nuestro equipaje de mano para que eso no ocurra. ◗ ¿Consideráis que los disc jockeys son demasiado famosos en la actualidad o realmente su papel es fundamental en el mundo de la música?

Creo que los Dj’s son ahora menos famosos de lo que fueron antes. Creo que ahora se preocupan más por la música, como debería ser. Muchos Dj’s son productores, están en grupos o hacen remixes además de pinchar, así que su implicación en el mundo de la música es absoluta. ◗ ¿Os importaría decirme cuáles consideráis que son los mejores Dj’s del mundo?

Erol Alkan y Boys Noize son grandes Dj’s.

También nos gusta Paul Woolford dependiendo del estado de ánimo y de la hora que sea de la mañana. ■

The Matthew Herbert Big Band

Hombre (y) orquesta Respiremos hondo ante el oportuno regreso del genio y su “There’s Me And There’s You”, disco con el que protesta contra políticos, manipuladores capitalistas y gurús del periodismo corrupto a los que ridiculiza con samplers más imaginativos que nunca (restregó 70.000 condones contra el suelo del British Museum) y a los que pretende sobresaltar con dieciocho músicos de Big Band. Podremos verlo en el escenario MondoSonoro del Estrella Levante SOS 4.8.

C

on los tiempos que corren, a Matthew Herbert, que creíamos desaparecido por razones alejadas de la música (su separación de su cantante y mujer, Dani Siciliano), no le faltan argumentos para armarla elegantemente. Y lo hace uniendo, de nuevo, su pasión a su preocupación: la música (desde que tenía cuatro añitos, ya siendo hijo de un ingeniero de sonido de la BBC, con sus estudios de violín y piano, su posterior descubrimiento del sampler cual hombre primitivo que inventa el fuego, y catorce discos a sus espaldas), a la protesta política y social. En un país en crisis económica y de identidad, donde el excesivo control sobre el ciudadano se opone al libertinaje de las grandes corporaciones, la publicidad y la televisión, el doctor de la denominada “electrónica inteligente” nos confiesa que “’There’s Me And There’s You’ es un título que clama por la igualdad, porque no hay nadie por encima de nadie. ¿Por qué hay que creerse que Madonna es mejor persona que un taxista, por ejemplo? ¿Por ser una celebridad? Todos somos lo mismo y tenemos el mismo derecho a respirar oxígeno o al agua”.

Y lo dice quien bien podría haber jugado el mismo papel, produciendo a modo populista o forrándose con composiciones para anuncios de televisión.

Independiente y arriesgado, Herbert es un músico con ideas claras, y un tío de treinta y cinco años con una modestia increíble a pesar de ser tan respetado por crítica electrónica, indie e inclusive jazzística.

Triunfa por sus aventuras, como la de arreglárselas uniendo la manipulación de variados samplers a algo tan poco cool como una Big Band. “Sé que suena

a orquesta para público de tercera edad, pero sus posibilidades son tremendas. Es todo acústico, carece de electrónica, y de ahí viene su diversión”. Pero también destaca por su filosofía global, contra la injusticia, el consumismo que gastamos y la cultura de lo superfluo. Tan admirable es que lo practique con absoluta coherencia (“hace muchos años que me negué a volar en avión”), como igual de sorprendente que haga música tan original de sus teorías. “Siempre he sido muy político, pero no fue hasta que hice ‘The Me-

la realidad con historias sin sustancia”. Un primer tema que ya nos descubre que lo diferente de este disco es la intensidad de vientos más la cantante Eska, que parece una Liza Minelli de la electrónica. Esta combinación funciona para que nadie se quede dormido ante lo banal (“quería un disco que sonara muy alto”, nos confiesa Matthew), pero faltaría sumarle el tercer elemento fundamental en el que Herbert se supera: samplers del sonido de la incubadora donde estuvo su bebé para el tema “One Life”, de los pasillos del parlamento británico, grabados en clandestinidad para “The Waiting”, de cien clavos insertados en un ataúd, de un disco de Madonna y setenta ejemplares de The Sun, de las cientos de voces de políticos diciendo “Yes” para “The Yesness” o del sonido de disparos en Gaza, entre otros. ¿Cómo convertir esto en canciones?

Herbert admite que comienza “por tener un motivo, pero no sé exactamente cómo se desarrollará un tema hasta grabar in situ”. Recogió un apacible sonido de la misma campiña inglesa que, paradójicamente, resulta estar podrida de basura

“There’s Me And There’s You’ es un título que clama por la igualdad, porque no hay nadie por encima de nadie” chanics Of Destruction’ cuando me di cuenta de que podía incorporar la política a la música, y que cualquier cosa denunciable al final tiene su sonido”. A la vez que aquel disco de descarga gratuita, explícitamente político, elaboró su manifiesto PCCOM contra la desidia creativa, y de camino a esta vertiente músico-humanista, su obra maestra, “Bodily Functions”, donde lo corporal parecía ser pura nota musical, y los últimos “Plat Du Jour”, contra la mierda propiciada por la industria alimenticia, o “Scale”, una burla pop de la celebridad. El motivo de su regreso, tras haber tenido un bebé y dedicar dos años a este álbum, es de nuevo poderoso. Para empezar tenemos “The Story”, que arranca con la cortinilla del telediario inglés como denuncia contra los medios “que sólo sirven para disfrazar

subterránea. De ahí que este disco, a pesar de las penas, reparta alboroto y alegría orquestal en exceso. Y es precisamente porque Herbert insiste en tocar sobre el hecho de que nuestra naturaleza social sea harto contradictoria, cerrando el disco con “Just Swing”, en la que dice: “no dejes de beber champán.

La vida es un lugar donde bailar swing”, a la vez que es capaz de unirlo a un manifiesto de portada que reza: “creemos en la música como instrumento de protesta política y no como una mera banda sonora del exceso consumista”.■ Lara Sánchez “There’s Me And There’s You” está publicado por K7!/Popstock!

Estarán tocando en el estrella levante sos 48

The Matthew Herbert Big Band Foto Ali Mahdavi

Olly Dixon y Tim Lawton son Filthy Dukes, dos gamberros que pinchan, pero que también graban. Ahora ve la luz su primer largo, “Nonsense In The Dark” (Fiction/Nuevos Medios, 09), en el que toman la música más en serio de lo que parece.

(MONDOFREAKO /24/ Abril 2009 · MondoSonoro)

White Lies Foto Archivo

White Lies

Oscuridad a plena luz Han presentado sus credenciales para consagrarse como la banda más importante de las nacidas este año. Su estreno, “To Lose My Life”, está teñido de letras y atmósferas que vuelven a poner de moda el rock más oscuro. Si bien en el caso de este trío londinense la partida la ganan unas melodías contagiosas y realmente accesibles.

A

rebufo del éxito construido en los primeros años de siglo por combos como Interpol, Editors o The National, una segunda generación de bandas atraídas por los sonidos más oscuros del rock está naciendo en el Reino Unido. A la cabeza se encuentra White Lies, un trío del oeste de Londres, más melódico y dulzón que los grupos mencionados, pero que acaba de editar una colección de temas sin desperdicio. Entre sus propósitos, dejar de mirar hacia el Manchester de finales de los setenta y fijar más la atención en los grupos más aprovechables que nos deparó la siguiente década. No faltan en su música y estética préstamos a los ochenta más oscuros. Nos responde Harry McVeigh, cantante.

“Son ridículas las comparativas que he leído con Joy Division. Los conocemos, pero nunca les hemos prestado demasiada atención.

Nuestros gustos están mucho más cerca de bandas como Echo & The Bunnymen, que de hecho nos parece mucho mejor banda que Joy Division. También somos grandes fans

de The Cars o Björk”. No disimulan tampoco los guiños a la actitud e imaginería de iconos como Nick Cave. “Somos grandes admiradores suyos. No es un gran cantante, pero su sentido de la atmósfera en las canciones y sobre todo el carisma que desprende su persona es siempre una inspiración”. Comparaciones aparte, si por algo destacan los londinenses es por haber sido capaces de volver a sorprender en el refrito de un género que parecía haber alcanzado lo mejor entre sus nuevas encarnaciones. Los temas de “To Lose My Life”, si no tan perdurables como los de “Turn On The Bright Lights”, sí son igual de inspirados que los que juntó Editors en su primer “The Back Room” y más accesibles que cualquiera de los dos discos mencionados.

“Los tres discos de Interpol están entre los mejores trabajos editados en los últimos años. Nos encantan, pero no somos muy admiradores de Editors. Somos incapaces de entender su propuesta”. En ocasiones parece forzado el giro oscuro del sonido y la imagen de la

banda, que parece más cómoda en el pop radiable que en las atmósferas más impenetrables normalmente asociadas al género. “Estoy de acuerdo. El foco se encuentra en escribir buenas canciones pop, mucho más que en dotarlas de un sonido oscuro. De hecho, nuestra música está teñida de un tono feliz”. Y de ahí precisamente el nombre que da definición al trío, traducible al castellano como “Mentiras Piadosas”.

“Así es. Es un término casi contradictorio que creemos nos representa muy bien. Por

que ver con nosotros. Somos tres personas bastante felices, afortunadamente”. Con sus contradicciones, White Lies son la nueva apuesta de Londres por seguir dando origen a las bandas más interesantes del continente, en un momento en que otras ciudades alejadas de la capital, como Sheffield o Manchester, por no hablar de la escocesa Glasgow, parecen haber tomado el relevo como principal caldo de cultivo musical en las islas. “No lo veo así. Londres siempre es la principal fuente de origen de bandas

“Echo & The Bunnymen, de hecho nos parece mucho mejor banda que Joy Division” un lado están las letras, derrotistas, amargas, que se conjugan con un sonido muchas veces inocente, con toques tenebrosos, pero que no pierde su sensibilidad pop”.

Precisamente las letras son uno de los principales elementos que definen “To Lose My Life”; cuentos macabros y breves alegorías de venganza, desamor y desolación, que sí encuadran a White Lies en el tipo de grupo que se siente cómodo en la concepción sombría de la vida, y con una cierta obsesión con la muerte. “Son cosa de Charles (Cave, bajista). Las utiliza como una especie de terapia, para quitarse de encima sus pensamientos negativos, pero no tienen mucho

en el Reino Unido. El ambiente de la ciudad sigue siendo fantástico y nunca paran de surgir grupos que valen mucho la pena. Este año oiremos hablar mucho de Florence And The Machine, una banda increíble”. A White Lies les tendremos presentándonos sus temas en la próxima edición del Festival de Benicàssim y posiblemente nos visiten en unos meses protagonizando su propia gira. ■ Robert Aniento

“To Lose My Life” ” está publicado por Universal / White Lies estarán en el FIB Heineken

presenta

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(MondoSonoro · Abril 2009 /27/ ENTREVISTA)

Desabrochando a Love Of Lesbian Foto Archivo

Love Of Lesbian

juicio sumarial “1999” es el sexto trabajo de estudio en una década de los lesbianos y el tercero en castellano. También es el disco que más opiniones en un sentido u otro está generando. Por eso no nos queda más remedio que sentar a Santi Balmes (voz y guitarra) en el banquillo de los acusados, aunque sepamos de antemano que el veredicto será el de inocente.

M

e voy una semana fuera y cuando regreso la polémica sobre el nuevo trabajo de Love Of Lesbian está servida. O al menos lo está en nuestro foro de internet.

Las opiniones sobre “1999” son encontradas.

Desde quién opina que es su mejor trabajo y lo tacha de opera-pop, a los detractores que arremeten contra el timbre vocal de Santi Balmes –nada nuevo-, sus directos y lo ampuloso de sus nuevas composiciones. Pues ni lo uno, ni lo otro. Ni nos encontramos antes su mejor obra, ni tampoco vamos a cargarnos ahora a un grupo por el mero hecho de arrastrar a un buen puñado de jovencísimas fans que se saben de memoria cada una de sus imaginativas letras y se empeñan en demostrarlo en cada concierto para enfado del público purista. Ese indie que los vió crecer hace una década y que ahora parece tener los cuchillos afilados, algo que por otra parte suele suceder cuando el éxito llama a tu puerta. Así que empezaré por decir para, ser justo, que “1999” es un disco algo fallido. Primero porque parte de una idea (narra la relación sentimental de una pareja a lo largo de un año) que acaba naufragando fruto del caos narrativo y unas letras más cripticas que de costumbre. Segundo, porque se hace excesivamente largo y acabas con la sensación de que un par o tres temas menos le hubieran sentado bien al ritmo global del álbum. Tercero porque apenas hay lugar para el desvario cachondo, las letras fuera de madre y el universo más trivial y jocoso de los lesbianos. Y cuarto porque, en ocasiones, el colchón de sintetizadores que envuelve a las canciones hace que la melodía pierda cierta

inmediatez pop. Pese a todo, “1999” recoge grandes logros y muy buenas canciones. Temas como el que da título al álbum, el single “Club de fans de John Boy”, las preciosas “Voy a romper las ventanas”, “Incendios de nieve” e incluso la bailonga “Algunas plantas” dan para mantener el tipo de forma bastante más que digna y encima consiguen que estemos ante su disco más variado y en el que adoptan un mayor número de registros.

Pero, para que no se diga que aquí enjabonamos a los artistas en los que creemos y pese a tener una relación excelente con la banda, dejemos que sea el propio Santi Balmes (quien por cierto acude a la cita en solitario) el que se enfrente a los diferentes defectos que le he encontrado a su disco.

año conviviendo con una persona que tenía una vida caótica...Y puede ser que sea más críptico, no lo sé. Lo que está claro es que en el anterior volqué unas experiencias muy fuertes y en dos años no he tenido tiempo material de adquirir experiencias tan fuertes como para servirme del presente inmediato. Entonces tuve que hacer un ejercicio bestia de mirar hacia atrás y servirme del pasado para concebir un presente. Al fin y al cabo de qué quieres que hable sobre estos dos últimos años: ¿De los coles de las nenas?, ¿De cosas de las que no puedo hablar? (risas). Estaba un poco entre la espada y la pared porque llevo una vida bastante estable para estar metido en el rock’n’roll. Podría hablar de las nubes en un momento dado, aunque te engañaria si te dijera que en el disco no hay experiencias actuales, sí que las hay. Todo lo he condensado en un año y en una persona, pero son experiencias acumuladas durante años y en diversas personas...

Segundo cargo. El disco alcanza la hora y por primera vez me da la sensación de que le sobran canciones.

“Las producciones indies de este país siempre han sido muy ñoñas” Porque los aciertos de esta banda son de sobras conocidos y los saben explotar como nadie. Sentémosle pues en el banquillo de los acusados y que responda por él mismo.

Primer cargo en su contra: El álbum como concepto. Las letras más crípticas y enrevesadas que de costumbre.

En realidad no es un álbum conceptual es más como un ábum de fotos. Suena muy pomposo el tema de hacer algo “conceptual” por mucho que me gusten Pink Floyd, pero en el caso de este disco la historia que se muestra es el resumen de un

Puede que este disco no sea para los medios.

Está hecho para toda la gente que piensa que los discos de los lesbianos se hacen cortos. Por cierto, el otro día soñé que Paco Rabal, como cuando aparece en “Airbag”, me decía: “Tienes huevos, chaval, sí señor. Déjame decirte que eres un poquito gilipollas, demasiado largo el disco”.

Si lo dice Paco Rabal debe ser verdad. Es culpa mía, pero lo asumo... A veces pienso que hemos puesto un listón tan alto que tenemos derecho a equivocarnos en algun tema. Si acabas haciendo lo que todo el mundo espera, al final eso se vuelve en tu contra. Y no te creas, que cuando empiezas

a saber lo que quiere la gente, es muy fácil complacerlos, pero entonces componer se convierte en un acto muy cerebral, por eso queríamos jugárnosla.

Tercer cargo. Apenas hay lugar para el desvario cachondo.

Es verdad que teníamos miedo a caer en la trampa del “pallasismo”, porque ya tenemos canciones como “El villancico para mi cuñado Fernando” o “Shiva” y opino que habíamos llegado a un tope en el cual no quería ser el típico pavo que se lía a explicar chistes y, a partir del sexto, la gente empieza a desear que se calle. También es posible que haya algunas facciones que no hayan entendido esta dualidad nuestra. Creo que somos el único grupo de la escena que ofrece canciones con sentido del humor con otras que son para cortarse las venas.

Cuarto cargo. Es vuestro disco más barroco, más inflamado.

Sí, pero es lo mismo que te puede pasar si escuchas, no sé, por ejemplo a Animal Collective. Es que las producciones indies de este país siempre han sido muy ñoñas y con este queríamos que fuera un auténtico desparrame. n Don Disturbios ➲ Love Of Lesbian visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

“1999” está publicado por Music Bus/Warner Love of Lesbian actúan en la gira Levi’s® 501® Live!. Para másinformación consultar www.myspace.com/levis501

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(MondoSonoro · Abril 2009 /29/ ENTREVISTA)

Encuentros en la tercera fase Si hay una banda artísticamente independiente, personal y respetada en el firmamento metálico actual no cabe duda de que se trata de Mastodon. Los colosos de Atlanta se reinventan para marcar una vez más la pauta con su cuarto disco, “Crack The Skye”, un insondable y colorista viaje astral preñado de psicodelia, rock setentero y una buena dosis de polvo cósmico.

B

arroco. Fluido. Alucinógeno. Irreal.

Emotivo. Clásico. Mágico. Espacial. Y así podríamos seguir hasta llenar la página entera. “Crack The Skye”, el nuevo álbum de los norteamericanos Mastodon, constituye un auténtico prodigio de la naturaleza. A estas alturas deberíamos estar acostumbrados ya a su particular manera de entender el metal –si es que podemos seguir denominando metal a su propuesta-, pero no hay manera. Desde la edición de su debut “Remission” (Relapse, 02), buffet libre de riffs ardientes, redobles de batería imposibles, actitud e inventiva que impactó de lleno en el corazón del metal underground, uno ha tenido siempre la sensación de estar ante una banda fuera de lo común. Su segunda entrega, “Leviathan” (Relapse, 04), mejoró, si cabe, los aciertos de su tarjeta de presentación, pulverizando sus propias marcas y poniendo a la banda en boca de todo el mundo. El miedo se apoderó de algunos de sus seguidores al saber que Mastodon fichaban por la multinacional Warner, pero su tercer disco, “Blood Mountain” (Warner, 06), resultó ser el más variado e imaginativo de su carrera hasta la fecha, una poliédrica y pesada pieza de orfebrería en la que, sin rebajar revoluciones ni decibelios, el cuarteto sacaba brillo a su bullicioso magma melódico. En el periplo contaron, además, con la significativa colaboración de artistas como The Mars Volta, Josh Homme (líder de Queens Of The Stone Age) o Scott Kelly de Neurosis, quien repite en el tema-título del nuevo disco. Han tenido que pasar tres años –bien invertidos, eso sí- para que estos genios locos tatuados hasta la médula compartan con todos nosotros, simples mortales, su flamante “Crack The Skye”, una nueva vuelta de tuerca al universo de Mastodon que, ya lo habían avisado, ahonda en la vena melódica de un grupo de todo menos comercial. El cambio resulta evidente en muchos ámbitos, aunque sobresale en

el apartado vocal, con Brent Hinds acercándose más que nunca a Ozzy Osbourne y a los primeros Soundgarden. El guitarrista Bill Kelliher contesta relajado al otro lado del teléfono. “Nos dimos cuenta que las canciones pedían ser cantadas con voces limpias y armónicas. Nos gustan las bandas de música pesada con voces de gran belleza, como Black Sabbath o Soundgarden, amo sus primeros discos.

Lo cierto es que cuando creamos la banda, ni Brent ni Troy –Sanders, bajista y cantantetenían pensado ser cantantes. De hecho, teníamos a otra persona para hacerlo, pero finalmente se fue, así que no tuvieron más remedio que aprender a cantar (risas)”.

A

ñadan a la lista de adjetivos desgranados al principio de la entrevista el vocablo progresivo. Y es que “Crack The Skye” es uno de esos discos que requieren ser escuchados una y otra vez de principio a fin para poder saborear como es debido sus múltiples pliegues y recovecos. Los intrincados desarrollos y las estructuras marca de la casa siguen ahí. Como si los días previos a la grabación, Kelliher y sus compañeros se hubieran encerrado pasados de quién sabe qué sustancias para escuchar repetidamente las discografías enteras de Rush, Yes y King Crimson.

“Bueno, siempre he sido fan de bandas clásicas como Boston, Thin Lizzy, King Crimson y, por supuesto, Led Zeppelin. Por otra parte, hicimos una gira europea de dos meses junto a Tool, y puede que nos contagiaran su manera de estructurar las canciones (risas).

De todas formas, creo que nuestra evolución es fruto de años y años de escuchar mucha música. La nuestra es una trasformación interna, lenta y profunda”. Como sucede con los discos de Tool, el factor progresivo de Mastodon no está reñido con la inmediatez y la frescura;

ni su técnica con la calidez y las canciones con alma. “Nos gusta crear música hermosa, bella, con sonidos nítidos y partes acústicas.

Por supuesto que tenemos una parte dura y oscura, pero emana siempre de lo más profundo de nuestros corazones”. Mi interlocutor no miente. Además de contagiar múltiples sensaciones, sus temas albergan historias de cariz mitológico y a menudo, también, tremendamente emotivas. En esta ocasión, el concepto entero del álbum –sí, “Crack The Skye” es de nuevo un álbum conceptual- nació a raíz de un viaje a Rusia del batería Brann Daylor y de una triste tragedia familiar. “Brann visitó el palacio ruso en el que fue asesinado Rasputín y empezó a escribir sobre ello. El álbum es también una especie de tributo a su hermana, que murió cuando él tenía quince o dieciséis años. Se llamaba Skye, de ahí el título del disco”. Dicha historia, dolorosamente personal, adquiere en “Crack The

las melodías y las armonías. Este disco no hubiera sido posible sin él”. El hecho de que O’Brien poseyera un estudio en Atlanta, cerca del hogar del grupo, ha propiciado, sin duda, un clima mucho más relajado y proclive a la creatividad.

Algo positivo también para un recién recuperado Brent Hinds, quien casi abandona este mundo a raíz de la pelea con Shavo Odadjian de System Of A Down tras la gala de los MTV Awards de 2007. El guitarrista necesitó nueve meses para recuperarse. “Tras el accidente, Brent tuvo que pasar mucho tiempo reposando en casa y lo invirtió en componer en el sofá con su guitarra acústica. Fue un momento difícil y a la vez muy especial. Todos llevamos la música en nuestras venas, pero creo que tuvo que pasar algo así para parar y detener la agitación de nuestro día a día. Brent necesitaba sacar todo lo que llevaba dentro. El disco refleja todo lo que pasaba en ese momento por

“Nos gusta crear música hermosa, bella, con sonidos nítidos y partes acústicas” Skye” una dimensión más fantasiosa: narra cómo un chico tetrapléjico abandona su cuerpo para volar hacia el sol, entablar amistad con el fantasma de Rasputín y revisitar juntos su vida. “Finalmente vuelve a su cuerpo y se recupera junto a su familia. El típico final feliz (risas). Es un cuento de hadas, pero esconde lecturas más serias que cada oyente podrá interpretar según sus experiencias vitales”. Volviendo a la forma, la banda reconoce que desde el primer momento tenían en mente grabar un disco de rock clásico. Así se lo expresaron al reputado productor Brendan O’Brien, habituado a trabajar con grandes bandas de rock como Pearl Jam, AC/DC, Bruce Springsteen o The Black Crowes. “Estábamos encantados con Matt –Bayles, productor de sus tres primeros discos-, pero nos apetecía un cambio de verdad. La aportación de Brendan ha sido decisiva. Además de productor es un gran músico y tiene muchos instrumentos y amplificadores de los sesenta y los setenta que hemos podido utilizar. Insistió en la necesidad de trabajar mucho más las voces,

su cabeza y por su alma”. Tras ese obligado parón y la exitosa recuperación de Hinds, el agitado ciclo vital de la banda está a punto de volver a empezar. Desde su formación en el año 2000, Mastodon han tocado junto a grupos que admiran profundamente como Isis, High On Fire, Melvins, Iron Maiden, Metallica o Slayer. “Nos hace muy felices, como el hecho de poder viajar a sitios como Hawai, Rusia o México”. ¿Qué podemos esperar de sus próximas actuaciones en nuestro país junto a Metallica y Lamb Of God, y en Barcelona también junto a Slipknot, en el marco del impresionante Sonisphere Festival? “Serán conciertos muy heavies. Conciertos metal up your ass (risas)”. ¿Un sueño hecho realidad?

“Crecí escuchando a Metallica, viendo tocar a James Hetfield y aprendiéndome todas sus canciones… ¡Maldita sea! Sigo poniéndome nervioso al pensar en ello! (risas)”.

■ David Sabaté “Crack The Skye” está publicado por Warner.

MASTODON ESTARÁN EN EL FESTIVAL SONISPHERE

Mastodon Foto Archivo

Mastodon

(ENTREVISTA /30/ Abril 2009 · MondoSonoro)

¡mueve el

culo yanki!

The Right Ons Foto Colectivo Anguila

CRÓNICA DE UNA SEMANA EN EL SXSW (AUSTIN)

The Right Ons Deben su nombre a una canción de James Brown, su energía a una fe a prueba de bombas en lo que hacen y su directo es posiblemente uno de los más desenfadados, sólidos y contagiosos de nuestro país. No tienen coartada arty, pero eso no va con ellos.

Son The Right Ons, el grupo de rock’n roll que arrasó en el SWSX de Austin. Esta es la crónica de una intensa semana en la feria más importante de América.

R

econozcámoslo, no suele ser habitual ver a una banda española de rock’n’roll que canta en inglés ocupando nuestra portada. Si nos ponemos a repasarlas todas, la última fue la dedicada a Atom Rhumba y es muy posible que la culpa se reparta a partes iguales entre nuestra habitual inclinación por las bandas de pop que cantan en castellano y los grupos que practican sonidos digamos que más vanguardistas, pero también porque posiblemente no haya habido una banda que recoja la herencia de Rolling Stones, James Brown y MC5 con tanta efectividad y desparpajo como The Right Ons. Y encima esa herencia clásica la saben transportar al directo con una soltura y contundencia que, aunque pueda no ser de tu agrado, no te dejará indiferente. En directo son una máquina de rock’n’soul divertida y sólida, con la suficiente entidad como para salir sin ningún complejo a defender su propuesta en cualquier escenario internacional que se precie.

Conocedores de esto, cuando surgió la oportunidad de acompañarlos al SWSX de Austin para convivir con ellos durante una semana y comprobar de primera mano como los recibían los yanquis en la cuna del rock’n’roll, no nos lo pensamos dos veces: Había que hacerlo. Además la historia del rock está trufada de historias como esta. Desde el fallido viaje de Truman Capote con The Rolling Stones en 1972 a “Casi famosos”, la ligera película de Cameron Crowe... muchos han sido los testimonios de periodistas metidos como un miembro más de la banda para descubrir sus intimidades.

Historias tan antiguas y manidas como el rock, repletas de sexo, drogas y rock’n’roll aunque, para

 Momento Right On número 1: Miércoles 18-3-09: Actuación en una tienda de ropa con Eli ‘Paperboy’ Reed Tras las presentaciones de rigor en el aeropuerto de Madrid y la mala fortuna de un servidor de caer en desgracia frente a la responsable de la línea aérea americana y sufrir un registro en toda regla, empezamos a convivir y a conocernos. La primera impresión ya fue positiva.

Mi habitual inclinación a todo lo que huela a fiesta y diversión se iba a sumar a las diferentes personalidades de los cinco miembros de The Right Ons. Por un lado, Ramiro (batería y voces), sin duda el verdadero motor del grupo siempre pendiente de todos los detalles. En el otro extremo, Álvaro, cantante y guitarrista que ejerce su rol de frontman descarado y canalla aunque no exento de una entrañable inocencia. En medio, la dedicación y habilidad de Rafa como guitarrista líder y músico dotado; la solidez robusta de Utah al bajo, con ese cinismo tan gallego que lo hace impermeable a casi todo y, por último, la profesionalidad de Martín, el teclista y conductor abstemio de la banda que nos recogía noche tras noche, sin importar nuestro estado, para devolvernos a nuestra casa de ensueño con piscina digna de Beverly Hills y que habían alquilado para la ocasión sabedores de que saldría mucho más barata que un hotel para los nueve componentes de la expedición (a los cinco miembros del grupo hay que sumar a Leandro como tour manager, David como manager, Cristian Picore como técnico y un servidor como crápula dispuesto a pasárselo en grande). De esa guisa llegaría el primer punto de inflexión del carrusel de la gira. La actuación en una pequeña tienda de ropa llamada Sonics Vintage en la que compartirán escenario nada más y nada menos que con el fenómeno soul de los últimos meses en Europa, Eli “Paperboy” Reed ante no más de

veinte privilegiados pares de ojos que, como un servidor, se frotaban ante un acontecimiento poco común. La explicación es sencilla, tanto Eli como The Right Ons comparten el mismo productor y valedor en América. Un personaje de fino olfato para el soul llamado Ed Valauskas que está en Austin para propiciar el máximo éxito y rendimiento de sus pupilos y sin el que “Look Inside Now!”, segundo álbum de la banda, no hubiera sido lo mismo. (Álvaro) “No sólo ha sido importante la labor del productor, que sin duda ha sido fundamental, sino también el hecho de grabarlo en Boston.

Cualquier factor ambiental que te rodea cuando estás haciendo algo creativo te influye. Por eso no es lo mismo grabarlo aquí que en un estudio de Madrid”. (Martín) “Lo hemos grabado estando quinientas horas juntos, todo el rato, y por eso también se nota lo que es una banda ya que estamos empujando todos en el mismo sentido”.

(Rafa) “Y la forma de trabajar y de grabarlo todo en directo con un equipo de primera y trabajando muy duro, porque se trabaja muy duro y el oído que tiene esta gente está muy educado. Sólo por eso estamos muy satisfechos”.

Acreditándose

Pizza en el aeropuerto

Bolo en The Ginger Man Fotos Don Disturbios

no faltar a la verdad, esta vez hubo mucho y buen rock, algo de drogas (las justas) y nada de sexo. A no ser que el onanismo y algún intento fallido sean “pulpo como animal de compañía”. Pero como es imposible resumir tantas experiencias vividas en tan sólo unas líneas, dejadme que destaque los cinco momentos “Right On”, del Festival más inimaginable jamás vivido.

Los cinco momentos más “Right On” del SWSX de Austin

 Momento Right On número 2:Jueves 19-3-09. Saltando con Primal Scream El día anterior, tras el concierto en la tienda de

(MondoSonoro · Abril 2009 /31/ ENTREVISTA) Inspirándose en la piscina

De compras

Pinceladas desde Austin

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La grandeza de un acontecimiento único como este es, al margen de su inabarcable propuesta, la oportunidad que brinda a los músicos de conocerse y darse a conocer. Por eso vamos a dejar que sean los propios artistas quienes nos cuenten por qué el SWSX de la capital de Texas es mucho más que un simple festival de música.

ropa, The Right Ons, al igual que el resto de la delegación financiada por Fundación Autor, tenían la cita oficial del programa del Festival en el Esther’s Follies y precisamente el show de nuestros protagonistas fue el más concurrido. Se nota que es el segundo año consecutivo que acuden al festival y eso les ha grangeado cierta popularidad. Al día siguiente, las actuaciones españolas se repetirían en el mismo orden, pero esta vez en una carpa habilitada bajo el lema “Sound From Spain”, en la que se ofrecerá paella y bebidas de forma gratuita y que además servirá de punto de encuentro de toda la delegación española y parte de la catalana.

Sin embargo, la vivencia imborrable vendrá por la noche cuando la banda al completo ocupe las primeras filas de un coqueto local llamado Cedar Street Courtyard, en el que Primal Scream van a desatar la locura entre los no más de doscientos privilegiados que han conseguido acceder al recinto. Los Primal tiran de clásicos y la proximidad no hace más que magnificar el evento. ¡Qué importante es ofrecer algo más que tan sólo música sobre un escenario! (Rafa) “La gente va a un show a pasárselo bien y cuando se inventó el rock’n’roll o la música negra iban a las caravanas a bailar y a refrotarse, porque para ver a cuatro estatuas de cera pues la verdad a lo mejor me apetece más escuchar el disco o ir al cine. Yo creo que el espectáculo visual es muy importante y sino imagínate a James Brown sin el espectáculo que ofrecía, no sería lo mismo”. (Álvaro) “En nuestro caso no se puede separar ningún elemento. Yo, por ejemplo, no podría hacer lo que hago si no estuviéramos los cinco. No me sentiría cómodo haciendo el capullo con otros tíos que no fueran estos”. (Rafa) “Además nuestro show no ha sido premeditado, ha ido variando y creciendo a la vez que lo hacíamos nosotros sobre el escenario”.

esa misma energía del directo, pero con las canciones más elaboradas y buscando matices distintos, más luminosidad y que no fuera todo en una misma línea”.  Momento Right On número 4: Domingo 22-3-09. Barbacoa a la española.

El sábado fue mi día más desprendido, tocaba concentrarse en el resto de propuestas del Festival y apenas coincidí con los chicos. Además, para la jornada siguiente habíamos previsto una barbacoa en la piscina de la casa de alquiler, una fiesta en la que me quedé con las ganas de ver a Nacho Vegas en bañador (no se quitó ni la chaqueta) o a Eli “Paperboy” Reed de cachondeo (poco comunicativo, aunque luego me enteré que va a venir una semana a nuestro país de vacaciones y declararse a su novia... flipo). Pero lo que sí pude ver es al binomio Tokyo Sex Destruction/It’s Not Not, a The Right Ons y a un servidor haciendo el cafre en la piscina... Nada destacable excepto para nosotros mismos que nos lo pasamos como niños.  Momento Right On número 5: Lunes 23-3-09. New York, New York Con el cansancio de una semana acumulado y apenas un par de horas de cama (la barbacoa se alargó más de lo previsto y tenemos que estar en el aeropuerto a las cuatro y media de la mañana), llegamos a New York, donde tenemos diez horas de espera para enlazar con el vuelo a Madrid. Taxi y camino a la ciudad que The Right Ons conocen bien. Primera parada en el Coffeshop de Union Square, en el que realizamos por fin la entrevista rodeados de bellas camareras aspirantes a modelos. Es el momento que aprovecho para preguntarles sobre lo satisfechos que han dejado a una variada audiencia americana (en los conciertos es habitual ver a gente de todas las edades). (Ramiro) “Antes teníamos la percepción que una

“Nosotros somos campeones del mundo de baloncesto y ellos inventaron la NBA”  Momento Right On número 3: Viernes 20-3-09. Bolazo en el Ginger Man Llega el turno del tercero de los seis conciertos que van a protagonizar The Right Ons en el festival y el que se convierte, sin duda, en el mejor de ellos. Las canciones de su “Look Inside Now!” se suceden con rapidez y contundencia. Ese vacilón y contagioso himno de agradecimiento que es “Thanks”; la juguetona “Frontline”, donde explotan al máximo la combinación de las voces de Ramiro y Álvaro; el insinuante ritmo de bajo de “Look Inside”; el sonido Motown de “The Right Song” o la efectividad de ese himno que es “That’s New York” desatan la locura entre el respetable que acaba ovacionando al grupo. Si a eso le añades recursos escénicos simples, pero efectivos, como la chulesca manera en que Álvaro arroja al suelo unos dólares durante la versión de “Waiting For My Man” o el lanzar panderetas y maracas al público para que se sumen a la fiesta, está todo hecho. The Right Ons conquistan América... bueno, al menos un pedacito de Austin, Texas. Lo que queda claro es el enorme salto cualitativo entre su primer álbum y este segundo, que es la base de su show. (Álvaro) “Es cierto que hay un salto cualitativo entre el primero y éste, aunque el proceso de creación fue bastante similar en cuanto a tiempo y energía. La única diferencia es que el primero era un vómito necesario que teníamos que sacar rápidamente, crudo, directo y este segundo tiene

banda de rock como la nuestra casi tenía que dar las gracias cuando venía aquí por dejarte tocar su música, pero creo que con el tiempo este sentimiento de inferiodidad ha ido a menos. Antes si venía un grupo español a tocar aquí, lo hacía casi con miedo, pero con el tiempo va cambiando la mentalidad”. (Rafa) “El símil sería que nosotros somos campeones del mundo de baloncesto y ellos inventaron la NBA...”. (Álvaro) “Aunque tampoco se trata de una guerra”. (Rafa) “Ya lo sé, pero es que estamos al mismo nivel”.

(Martín) “A ellos no les importa que seamos de España o de dónde sea. De hecho no es la primera pregunta que nos hacen. Cuando se lo dices se sorprenden, pero no es lo que más les importa”. (Álvaro) “Aquí la gente no tiene los odios o envidias que te encuentras en la escena musical española. Al contrario, hacen una comunión musical entre ellos acojonante. Son una gran hermandad, también con el público, que va muy receptivo y no va a examinar si tienes fallos. Aquí la gente va a los conciertos, si les gusta, perfecto y sino a lo mejor se va o se toma su cerveza y punto”. Poco más, tan sólo añadir que, pese a todo, en mi cabeza no deja de resonar esa canción de Manel que dice “No s’està a cap lloc com a casa”. n Don Disturbios “Look Inside, Now” está publicado por 2Fer Records/Pias.

Abraham Boba (Músico y teclista de Nacho Vegas) Sobre el SWSX: Destacaria el hecho de que el festival se haga en sitios pequeños y no sea el típico festival de escenarios, sino de música en todas partes y el hecho de que haya como mil grupos que lo hace único.

Mejor momento: Me quedo con Echo and The Bunnymen, que me gustó bastante porque no es un grupo que tengas la oportnidad de ver en un sitio pequeño Enric Montefusco (Vocalista de Standstill) Sobre el SWSX: Hace sólo tres horas que hemos llegado y estamos intentando entender todo esto que está pasando, porque de repente te vuelves muy pequeñito con tanta gente, tantos conciertos y has de encontrar tu lugar porque eso es enorme y el ambiente que se respira increible.

Mejor momento: Como te he dicho, acabamos de llegar y todavía no hemos visto ningún concierto destacable, pero hemos paseado por la Sexta y realmente es tal y como nos lo habían contado, sino más.

Eric Fuentes (Vocalista y guitarra de The Unfinished Sympathy) Sobre el SWSX: A mí el rollo de este festival me recuerda a los sitios de veraneo en las playas de Cádiz que lo único que haces es estar bebiendo, pateando por las calles bajo un sol de justicia y disfrutando de las mil cositas que van apareciendo a cada esquina.

Mejor momento: Lo que me ha molado más hasta ahora es el hecho de que yo me pensaba que Texas sólo existía en la películas y veo que existe de verdad. Me ha encantado ver a los Van Pelt, que se han reunido después de doce años y el descubrimiento ha sido Pete And The Pirates y un tío que hay en la calle tocando como si fuera un batería de death metal con cubos de plástico.

Joel Not Not (Vocalista de It’s Not Not) Sobre el SWSX: Principalmente es una Feria y no se puede comparar con un festival como el Primavera Sound en el que no se va a hacer negocio, porque aquí vienes a tocar y después de la actuación te entra un promotor que quiere que vayas a tocar al Canada, así que lo importante es tocar cuantas más veces mejor.

Mejor momento: Hay muchos grupos que me gustaría ver, pero, cuando estoy en un sitio así, me da mucho palo hacer colas, así que no he visto todo lo que me gustaría.

De lo que he visto me quedo con N.A.S.A. y después me he dedicado a ver a los amigos, los Tokyo o los Standstill, para apoyarnos entre todos.

RJ Sinclair (Vocalista y guitarra de Tokyo Sex Destruction y The Lions Constellation, bajista de It’s Not Not) Sobre el SWSX: Es el segundo año que estamos aquí. El primero fue un shock ver todo esto y este, más con la calma, intentamos elegir los conciertos que ver y conocer a la gente porque aparte de festival es más una feria para hacer negocio que otra cosa.

Mejor momento: Ayer estuve viendo a The Bar-Kays, la banda de apoyo a Otis Redding, que hicieron un concierto de soul que me moló mucho y ahora no sabría decirte más grupos porque satura un poco tanta oferta. Es mejor es ir a tu olla, caminar por la calle y entrar en un sitio tras otro que volverte loco con el programa.

Martín Guevara (Vocalista y guitarra de Cápsula) Sobre el SWSX: Es la segunda vez que venimos y la verdad es increible porque lo que estamos viendo este año es que mucha gente que nos vio el año pasado ya son fans de la banda y nos siguen. El de hoy es el quinto concierto que hacemos y hay gente que ha venido todos los días a vernos. También es un punto de reencuentro con un montón de amigos de bandas con las que has coincidido tocando durante el año.

Mejor momento: De momento, la mejor actuación ha sido la de Kid Congo Powers, el guitarra que fue de The Cramps, The Gun Club y Nick Cave. Es la segunda vez que lo vemos en un local para treinta personas y nos puso los pelos de punta.

Zatu (MC de SFDK) Sobre el SWSX: Disfrutar del show no disfrutas porque no tienes un público que conozca tú música, pero se viene sobre todo para hacer contactos y que te vean promotores o demás. Por la noche contactamos con un tipo que nos quiere llevar a un festival a Nueva York y esa es la auténtica finalidad de todo esto.

Mejor momento: Pensábamos que veníamos a un festival de rockeros y veníamos un poco “rayaos”, pero hemos descubierto que hay un montón de grupos de hip hop que nos gustan. Anoche, por ejemplo, estuvimos viendo a Talib Kweli.

Mikel Alberdi (Guitarra de Underwater Tea Party) Sobre el SWSX: Como espectador creo que es espectacular, es como la Warner, pero con música en directo. En los garitos se leen carteles que dicen con orgullo “aquí no se tocan versiones”. Para los músicos, tocar aquí es tener posibilidades casi imposibles en España. Gracias a nuestra actuación vamos a poder publicar el disco en varios países de todo el mundo próximamente con un sello americano.

Mejor momento: El concierto de Ben Harper fue un viaje, me pareció acojonante, realmente me asusté y también el concierto de Asakusa Jinta, un grupo japonés que tocaba ska a a velocidades imposibles. Nunca había visto a un grupo así, pero en general me quedo con cómo sonaban los conciertos. Los músicos no probaban sonido.

En el primer tema sonaban fatal, pero enseguida sonaban bien. Se ve que están acostumbrados a la guerrilla. n

(ENTREVISTA /32/ Abril 2009 · MondoSonoro)

PJ Harvey Fotos Don Disturbios

Bart Daventport

Capsula

Elvis Perkins

It’s Not Not

White Lies

Primal Scream

Black Lips

Una ruta a través del SXSW A

este paso ya estaréis cansados de que todo el mundo deje este acontecimiento musical por las nubes. No me extraña.

Yo sería el primero si me explicaran lo vivido, pero me temo que me váis a tener que aguantar un poco más si estáis interesados en saber qué presencié en Austin. Lo primero y más importante es que sepáis que cada uno de los asistentes a este festival con el que hables te dará una ruta totalmente diferente de lo que vivió. Esta es la mía de forma resumida.  Miércoles 25 de marzo Lo primero que hay que decir es que una cosa es la programación del festival y otra es la cantidad de fiestas y presentaciones paralelas que se desarrollan alrededor. Así, el miércoles era la presentación oficial de Sounds From Spain (ver reseña adjunta) y poco más pude ver, excepto decepcionarme con la poca robustez de unos Annuals que no me trasmitieron las emociones que sí hace su segundo álbum y constatar que Eli “Paperboy” Reed tiene una garganta privilegiada y demasiado apego a los clásicos.  Jueves 26 de marzo Por la mañana, en el pequeño auditorio de la cafetería, no hubo nada reseñable, pero paseando por la ciudad me encuentro con Kari K, una chica de Austin menudita y con cresta que suena a una Lucinda Williams con treinta años menos y decididamente más cabreada. Más paseos y el canadiense Elliott Brood, cantautor de voz rasgada y folk oscuro e intenso, me deja un buen sabor de boca y Justin Townes Earle me sitúa de golpe en el mapa de Texas con su country tradicional y pinta de Hank Williams. Después nada reseñable, del rock alternativo de My Solstice al heavy rock brutote a lo Motörhead de unos pintas llamados Revolution Mother. Ya por la tarde, lo mejor según mi olfato está en el escenario gratuito situado en un parque junto al rio Colorado que me regala la actuación de Elvis Perkins, quien además tiene el acierto de empezar el show con la chispeante “Shampoo”, tema que abre su nuevo trabajo y finalizar con una fanfarría propia de New Orleans como guinda a un pastel a priori inesperado. Tras él, los azucarados y olvidables Cold War Kids y luego el gran, el enorme, M. Ward. O al menos con ese estado de euforia salí yo tras un concierto epatante basado sobre todo en “Post-War”, su anterior disco, del que cayeron “Chinese Translation” -con la que empezó su show-, “Poison Cup”, la preciosa lenta y sinuosa “Post War”, “Requiem”,

“Magick Trick” para finalizar con una versión del “Roll Over Beethoven” de Chuck Berry y, cómo no, un “To Go Home” coreado por todo el público que me dejó con la sensación de que no vería nada así en años. Quién me iba a decir que una horas más tarde en una pequeña sala encadenara a unos efectivos y contundentes Delta Spirit con su “americana” épica, a unos decepcionantes Black Lips muy apegados al guión y con la sensación de que la cosa no iba con ellos y a unos Primal Scream sobrios y efectivos que dejaron el club literalmente bocabajo. De ensueño.  Viernes 27 de marzo El día empieza de forma inmejorable en una terrazita disfrutando del contagioso y chispeante Bart Davenport que, acompañado de su chica al xilofon y coros, más bajo y batería presenta su último trabajo “Palaces”. Debajo, los jóvenes The Stone Foxes le dan al rock de base blusera y al otro lado de la calle It’s Not Not, Tokyo Sex Destruction y Capsula ponen el contrapunto punk-rockero provocando que la gente se detenga para echar un vistazo. Tras ellos, We Should Be Dead, un interesante combo de indie-rock alternativo con una menudita pero aguerrida chica de potente voz y desgarradora mirada. Sorpresa.

Durante la ruta caen también In Endeavors, harcore melódico tipicón; The Sheepdogs, rock de aires sureños desde Canadä muy bien ejecutado y conjuntado y un decepcionante Ed Harcourt en solitario con la acústica, unos quilitos de más y nula capacidad de emoción. Más que frío, helado. En otro escenario, la triada “americana” de la noche. Unos más que correctos Dawes, de hecho los clasificaría de agradable sorpresa con su clásico rock americano; los marcianos inclasificables y grasientos The Felice Brothers, que lo bordan tanto en lo cafre como en saber transmitir desparpajo y fiesta a partes iguales y el decepcionante show de Jason Isbell, con su rock americano inflamado y decididamente mainstream tras la estela de Tom Petty. Para finalizar la noche, un Sam Robers correoso y tenaz, pero con unas canciones con las que no conecto.  Sábado 28 de marzo Por la mañana, café en el Auditorio mientras presencio la primera tacada poco reseñable de la mañana. Los japoneses Matccu, Great Nothern, chico-chica con acústicas y canciones algo estándar (eso sí bonitas gafas de sol), Shad (del hip-hop ya saben que paso) y unos The Spinto Band, que poco a poco se van a borrar y con razón de

nuestro recuerdo. De ahí corriendo a la fiesta de los sellos Slip/Lowitt para ver a grupos de coartada hardcore como Des Ark, Milemaker, Frodus y los más históricos The Van Pelt y Cursive. De todos ellos me quedo con la actuación de Frodus, tan brutota y contundente que incluso acabó con silla volando del escenario hacia el respetable, afortunadamente sin heridos. Tras la descarga de guitarra y actitud corriendo para entrar sin problemas a un recinto donde White Lies empiezan fuertes con con la aclamada “Farewell To The Fairground” para demostrar a continuación por qué son los más serios candidatos a seguir la estela de Interpol o Editors aunque en directo suenen mucho menos oscuros que en su disco de debut y mucho más épicos con sus envolventes melodías. Tras estos, unos obviables Razorlight que le deben más de un tic escénico a The Doors y a Jim Morrison. Se hace el silencio para recibir a una Pj Harvey que se presenta con un peinado y vestido que me recuerda a Billie Holiday y todas las decadentes cantantes de jazz de los años treinta, coronada además por una peineta a lo

Martirio. Acompañada de un impertérrito John Parish, desgranan las canciones de “A Woman A Man Walked By”, un álbum que no he escuchado todavía, pero que en directo deja la sensación de que esta mujer ha dado un nuevo salto carpado con tirabuzón y que definitivamente su música y presencia escénica ha trascendido al olimpo de grandes del rock inclasificable y personal como Tom Waits. Canciones como “Sixteen Fifteen Fourteen” o un “Pig Will Not” epatante, con el que finaliza su show literalmente ladrando con rabia, me dejan noqueado para toda la noche. Pero las sorpresas no han acabado. En una sala muy próxima la Noche Japonesa me depara la sorpresa de la noche. Asakusa Jinta mezclan la música balcánica a lo Kusturica con el swing macarra de Muchachito, el ska y unos riffs guitarreros de lo más heavy. Un cóctel explosivo que provoca un pogo mayúsculo. Por último, Bobby Bare Jr. despide una cita inolvidable con el “Where Is My Mind” de Pixies, pregunta que no puedo dejar de hacerme tras semjante maratón de música.

■ Don Disturbios

SOUNDS FROM SPAIN

D

os eran las citas, programadas por la Fundación Autor, que presentaban a los grupos españoles en Austin. Por un lado el miércoles por la noche en una sala de unas doscientas personas de capacidad llamada Esther’s Follies y, por otro, al día siguiente en una carpa habilitada para la ocasión en la que los presentes podían degustar paella, vino de la tierra y, cómo no, sangría. En ambas ocasiones el orden fue el mismo y en general no deparó grandes sorpresas pues los shows no superaban los cuarenta y cinco minutos y todo el mundo venía con disco más o menos reciente bajo el brazo. Veríamos las actuaciones de Nacho Vegas, en su línea habitual. Quizás un poco fuera de lugar por eso de ser el primero, se limitó a presentar su “Manifiesto desastre” sin dejarse la piel en ello. Todo lo contrario que Underwater Tea Party, quienes cuajaron dos actuaciones muy diferentes. Nerviosos, algo estáticos y con un sonido que no les hacía justicia por la noche y mucho más sueltos, entregados y chispeantes al día siguiente. Su propuesta indie-pop resulta tan curiosa en América que incluso se vinieron con la posibilidad de editar allí el disco bajo el brazo. Tras ellos, el huracán The Right Ons. Poco más que añadir a lo dicho en el artículo, tan sólo que fueron los que más público congregaron en ambas ocasiones. Luego Los Coronas que, con la ayuda de DePedro, cuajaron una de esas actuaciones sólidas y rocosas en las que demuestran que van tan sobrados de técnica que el único pero que se les puede poner es que ir tan a piñón puede agotar el oído del espectador por monocorde. Por último, SFDK, quienes parecían un poco fuera de lugar ante tanta guitarra, pero que incluso así congregaron a un puñado de fans de origen mexicano que parecía reconocer los temas de los sevillanos. Sin demasiados alardes coronaron una presentación que si bien no dejó huella sí sirvió para que surgiera algún que otro contacto aprovechable. D.D.

Nacho Vegas

Underwater

(MondoSonoro · Abril 2009 /33/ CONCIERTOS)

Precios de Entradas: día 28 de mayo - Anticipada 20 euros (+gastos de distribución) - taquilla día del concierto 25 euros. día 29 de mayo - Anticipada 25 euros (+gastos de distribución) - taquilla día del concierto 30 euros. día 30 de mayo - Anticipada 20 euros (+gastos de distribución) - taquilla día del concierto 25 euros.

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ORGANIZAN

COLABORAN

PATROCINAN

MEDIOS COLABORADORES

CON EL APOYO DE

CatPeople

We Are Standard

The New Raemon Fotos Fernando Ramírez

( CONCIERTOS /34/ Abril 2009 · MondoSonoro)

6-7/3/09

Let’s Festival Sala Sala Salamandra 1 (L’Hospitalet de Llobregat) Fecha 27-28/2/09 y 6-7/3/09 Estilo diversos Público sold out Promotor Salamandra/Depósito Legal

27-28/2/09 Año tras año el Let’s Festival se ha ido consolidando gracias a su habilidad para reunir a las bandas que han marcado la pauta de la temporada. Además, su estratégica disposición en el calendario les permite servir de puesta de largo, casi de estreno, de los nuevos trabajos de los grupos. De esta manera se presentaba la primer jornada de un evento que colgó desde primera hora el cartel de sold out. Abrieron los locales Gudar, haciendo gala de un desparpajo que caló en el ya abundante público de primera hora. Gentle Music Men aparecieron a continuación para defender su propuesta de pop anglosajón y consiguieron hacer mover los pies al público en una noche más dada a los medios tiempos. El primer plato fuerte llegó con The New Raemon, una de las revelaciones de la temporada y el nuevo proyecto de Ramón Rodríguez (Madee, Ghouls’n’Ghosts).

Discreto y sencillo, pocos trasladan con tanta honestidad y sobriedad su música al escenario.

Superó con creces la prueba de fuego que supone trasladar un repertorio tan acústico, quizá más apropiado para otro tipo de escenarios, al formato del festival. Estilísticamente sirvió de perfecto aperitivo para la llegada al escenario de un Nacho Vegas que hizo las delicias de los asistentes con un concierto sensible, perfecto en su ejecución (el papel de Abraham Boba en los teclados, un lujo) y que tuvo ese aroma a clásico que desprende el asturiano. Recorrió los temas de su último tra-

bajo “El Manifiesto Desastre” sin olvidar sus coreadas “El hombre que casi conoció a Michi Panero” o “Idénticas estrategias”, que sirvieron de colofón para una lúcida noche de grandes autores. Mi puntualidad es bien conocida, así que me perdí a Zenttric, el único grupo que cantaba en español. Los comentarios oídos oscilaron entre que sonaban como Bloc Party, qué bien, y sonaban como Bloc Party, qué mal.

O sea que a saber si sonaron como los del primer disco o los siguientes. Half Foot Outside presentaban su disco más melódico y nos llevaron con energía a los añorados noventa. A las distorsiones de Dinosaur Jr., los ritmos de Pixies y las melodías de Weezer o The Posies.

Lo hicieron con naturalidad, con convicción y ganas. Nada nuevo pero tampoco nada malo.

Reconozco mi debilidad por CatPeople, por su seriedad, por sus ganas de hacer las cosas bien. Pero es que incluso el detractor más acérrimo del sonido Interpol que practican, tendría que reconocer que en directo son irreprochables. Máxima entrega, sonido perfecto, la magnífica voz de Adrián creciéndose y el público respondiendo con emoción y alma.

We Are Standard fueron a por todas desde el primer momento, una avalancha dance-rock para no dar respiro a las piernas. Buscaron la intensidad de !!! y quizá el único problema fue no saber dosificar esa potencia. Estar siempre arriba puede llevar a lo monótono. En cualquier caso, bailable, energético y un buen fin de fiesta.

En la segunda entrega del festival a la semana siguiente hubo propuestas emergentes que sorprendieron, bandas que volvieron tras tiempo en paro, y otras que se consolidaron. Bajo esas premisas se vertebró la estructura del festival que ayudó a los organizadores a dividir los dos días según dos grandes nombres. Los de Manel y Love Of Lesbian. Ambos, caracterizados por conseguir movilizar a la masa indie que se desplazó hasta el Salamandra. El primer día, Le Petit Ramón, consolidado como una de las propuestas más interesantes de la música catalana que toma el relevo a la psicodelia de antaño, abrió el festival. Se presentó con Experimenta 3, su formato habitual. Gamberro como siempre, cumplió por todo lo alto, repasando repertorio antiguo junto a temas de lo que será su próximo álbum. Tras ellos, el público, agradecido, estalló a gritos cuando se levantó el telón que descubría a Manel. Guillem Gisbert y los suyos interpretaron, de forma excelente y multitud de detalles, cada uno de los temas de “Els Millors Professors Europeus”, contextualizados con introducciones de Gisbert que rozaban el minuto y medio. Tras ellos, cuando el reloj marcaba las once pasadas y una parte de la asistencia abandonaba el recinto, subió al escenario Julio de la Rosa y con él, acompañantes de la talla de -otra vez- Abraham Boba (acordeón y teclado). Interpretaron, en prime time, “El Espectador”, un trabajo que delata virtudes de música de cámara. El final de la noche tuvo un nombre, el de los navarros El Columpio Asesino, que antes de dejar al público con los Dj’s, llenaron las paredes del Salamandra de ritmos electrónico-rockeros, metiéndose al público, completamente, en el bolsillo. La resaca del día siguiente se hizo mucho menos pesada gracias al concierto de Los

Punsetes, con una de las mejores actuaciones del festival. En sus manos, el pop ruidoso vuelve a tomar sentido. Con una afinidad palpable a lo que años atrás fueron El Inquilino Comunista y, después, Triangulo de Amor Bizarro, Los Punsetes pusieron el listón del ruido muy alto y, además, con actitud. Con algo menos de ruido, pero más de simpatía escénica, Charades interpretaron, sin pena ni gloria, buena parte de su material. Lo que pasó tras la actuación de Charades fue una auténtica sorpresa. Souvenir han abandonado por completo el sonido pop afrancesado de la escuela de Les Tres Bien Ensemble, para convertirse a la religión de la electrónica de baile. Ahora mucho más enlatados y recuerdan a la música de grupos como Ladytron o Yelle, sobre todo a esta última por lo del francés. Por fin, a las doce pasadas, el escenario acogió a los responsables del sold out de aquel día. Love Of Lesbian demostraron lo que todo el mundo sabe, que son un grupo de pop de masas, y que los vestigios de “Maniobras de escapismo” aún siguen seduciendo a sus fans. Los de Santi Balmes centraron su repertorio en el concepto del treinta y tres por ciento, un tercio del tiempo de su actuación, para cada uno de sus discos en castellano. Presentando, en exclusiva, canciones de su inminente álbum, “1999”. Tras los lesbianos aún había una sorpresa, el misterioso Oscar Tienealas, proyecto de un joven canario que, con una filosofía aparatosamente electrónica, presentó en vivo y directo un espectáculo que combinaba, a partes iguales, show escénico –lo de ‘tienealas’ viene de los brincos que pega- y música gamberra. Con él, nos despedimos del extrarradio. Deseando que vuelva a ser el año que viene y enamorarnos de las glorias de este pequeño gran festival.

Arnau Sabaté, J. Palmer y Rafa de los Arcos

Álvaro Laura

(MondoSonoro · Abril 2009 /35/ CONCIERTOS)

COLABORAN:

ORGANIZAN:

GESTIONAN:

MTV Winter Festival 1111 Sala Ciudad Artes y Ciencias (Valencia) Fecha 24/02/09 Estilo indie/rock Público 35.000 personas aprox Promotor MTV Damas y caballeros, esta noche: Franz Ferdinand.

El principal reclamo del segundo MTV Winter en Valencia hizo superar la asistencia de público de su primera edición. Pequeños inconvenientes de un evento gratuito: acuden personas a las que poco interesa lo que sucede sobre el escenario. Obviando eso, disfrutamos de un llamativo cartel que comenzó con los valencianos Polock, mejor demo de MondoSonoro Comunidad Valenciana 2008 y una de las bandas participantes en las Demoscópicas de 2009. Su actuación fue breve pero intensa, y no se amedrentaron en absoluto ante miles de espectadores. Los británicos Starsailor presentaban su cuarto trabajo y pasaron desapercibidos por el escenario, ya que su pop para grandes estadios no cuajó entre el público. Su vocalista preguntó: “¿Estáis esperando a Franz Ferdinand?”

para, a continuación, interpretar su mayor hit “Four To The Floor” imprimiéndole un ritmo bailable que causó efecto en la multitud. También Mando Diao presentaron varios temas nuevos como el single “Dance With Somebody” en un concierto irregular con un horrendo sonido en sus inicios: bajo retumbante, guitarras inaudibles. Para tratar de compensar las deficiencias tiraron mano de trallazos inapelables de sus tres primeros discos. Por último , los triunfadores de la noche, Franz Ferdinand, que convencieron con la interpretación de las canciones de su nuevo álbum repleto de melodías pegadizas, como “No You Girls” o “Ulysses, además de no olvidarse de arrolladores éxitos como “Take Me Out” o “Jacqueline”, por poner dos ejemplos. No defraudaron y con “This Fire” terminó de arder la ciudad. Carlos Ciurana

The Killers Foto Archivo

Fotos Carmen Monteagudo

( CONCIERTOS /36/ Abril 2009 · MondoSonoro)

The Killers 111 Sala Pavelló Olímpic de Badalona Fecha 21/03/09 Estilo pop Público entradas agotadas Promotor Gamerco/Live Nation Hubo un tiempo reciente en que lo fácil era criticar a Coldplay. Ahora que con “Viva la vida” los británicos parecen haber conciliado a público y crítica –algo que no pasaba desde “Parachutes”- siempre seguirán estando ahí grupos como The Killers para despacharse a gusto. Otros sostienen, viendo la eufórica comunión entre la banda y los ocho mil presentes que agotaron las entradas en horas, que tanta gente no puede estar equivocada. La respuesta más fiel a la realidad, probablemente, no la tengan ni unos ni otros. The Killers, como Coldplay, son, en efecto, un grupo de pop rock de estadios. La banda ha ganado soltura con los años y el cantante Brandon Flowers, aún sin ser la alegría de la huerta, muestra más tablas y capacidad comunicativa que en su anterior visita. En directo, los temas de su nuevo “Day & Age” suenan más rock que disco, y su puesta en escena al estilo Las Vegas, eso es, a lo

grande –con palmeras, letreros luminosos, un saxofonista, confeti y pirotecnia incluidos- subraya su perfecta adaptación al gran formato.

En cuanto al repertorio, y al margen de debates entre cambios de chaqueta sin rumbo o notable capacidad de reinvención, el problema sigue siendo el de siempre: The Killers son un grupo de singles, que no de discos. Lo confirmó el contraste entre canciones como la inicial “Human” o “Somebody Told Me” –la tercera de la noche- y otras más anodinas, entre las que se salvaron “Bones” y novedades como “Spaceman” o “The World We Live In”. Aunque por encima de todas destacaron con diferencia “Mr. Brightside” y una vibrante “When You Were Young”, punto final a una hora y media claramente desigual. Si todos sus himnos formaran parte de un solo disco, sin duda, estaríamos hablando de The Killers en otros términos.

David Sabaté

(MondoSonoro 路 Abril 2009 /37/ CONCIERTOS)

Nudozurdo

Los Punsetes

Triángulo de Amor Bizarro Foto Ricardo Esclápez

( CONCIERTOS /38/ Abril 2009 · MondoSonoro)

La Noche Ruidosa Sala Caracol (Madrid) Fecha 18-3-09 Estilo rock Público lleno Promotor Everlasting/Mushroom Pillow que entre ésta, “Ganar o perder” o “Negativo” casi se nos olvida que los verdaderos protagonistas de la noche no eran ellos sino las estrellas revelación del indie más rasposo de 2007, que desde entonces nos tienen en ascuas esperando lo próximo que está por venir. Triángulo de Amor Bizarro salieron al escenario con la actitud de una noche ruidosa, aportando más distorsión que nunca a clásicos suyos como “El fantasma de la transición”, pero también con la ilusión de quien presenta un nuevo trabajo.

No sabemos si una noche como esta era la ideal pero los tres o cuatro nuevos temas que se permitieron interpretar los gallegos sonaron más pop y dulces de lo que nos tienen acostumbrados.

Habrá que esperar a la sentencia final, pero de momento el argumento promete. Sabíamos a lo que veníamos y, por una vez, nos fuimos satisfechos. La noche ruidosa resultó ser todo un jaleo.

Cristina Miranda

Standstill Foto Nacho B. Sola

Prometieron una noche ruidosa y no defraudaron. Ninguno de ellos, empezando por Los Punsetes, encargados de abrir un concierto en el que no ofrecieron nada nuevo o diferente, pero demostraron con su puesta en escena, a base del estatismo de juguete de su cantante y la calculada frialdad de los músicos, que lo suyo no es un juego ni un plagio ameno de los ochenta a pesar de todo, sino una propuesta seria y alternativa que no cansará a los ya fans de “Dos policías” o “Fondo de armario”, pero que también gustará a los neófitos en la materia. En todo caso, para demostrar que no están solos aparecieron también Nudozurdo, con la sala llena ya a rebosar y esos temas que tanto les caracterizan, en los que consiguen ir del susurro al grito. A Nudozurdo les favorecen las buenas salas y la Caracol resultó ser el espacio ideal para temazos como “Otra vez”, que ganan en intensidad cada vez que los escuchamos y ayer se llevaron la palma. Y es

Standstill 11114 Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 14/03/09 Estilo rock Público lleno Promotor Standstill

“A ver si voy a ponerme a llorar”, dijo Enric Montefusco, rendido ante el público, el lugar, la ocasión y su historia, en definitiva, los chicos de Standstill no olvidarán la noche del Joy Eslava, y lo que es más importante, la gente posiblemente tampoco. Pienso en ese grupo apabullante que recordaba a Refused y me sorprendo viendo la entrega de una teatro lleno de amantes de la música en general, como dice Eric Fuentes, desde viejos fieles del hardcore hasta rockeros y niñas pop tarareando los despertares de Montefusco en esos relajados arranques que caracterizan la segunda etapa de la carrera de este grupazo. Con tanto ingrediente bien repartido, con tantas ganas de celebrar el concierto, las canciones de “Vivalaguerra” sonaron vivas y grandes y muy bien iluminadas (literalmente). Seguramente son más eléctricas de lo que parecen e incluso los más nostálgicos debemos reconocer

que en fuerza pueden competir con aquellos días de “Memories Collector”. Desde luego los superan en creatividad, innegable el gran valor de estos músicos. Se hizo un poco más difícil encajar que el retrovisor sólo diera para “Dead Man Picture” y no, por ejemplo, para un poco de tormenta con “Not The Place”. Pienso que a los viejos fans se les deben estas cosas en una ocasión como la de la otra noche, pero el pensamiento es fugaz ante tal exhibición de valentía. Era el día de sacar brillo al riesgo, al disco blanco, de celebrar a coro “¿Por qué me llamas a estas horas?”, “Noticias del frente” y “La mirada de los mil metros”. A la fiesta se sumaron las mejores canciones del disco marrón homónimo, el punto de inflexión que define a Standstill: “Feliz en tu día” lo llenó todo y “Cuando” cerró un concierto redondo, especial. Qué pena les dio terminar. Jerónimo Martín

(MondoSonoro 路 Abril 2009 /39/ CONCIERTOS)

Atención Tsunami

escaparate

Vienen de: Madrid Publican: “El lejano oyente” (Esto Es Casa, 09) En la onda de: Healthcontrol, Standstill, Templeton de audacia en lo musical y de sentido en lo literario, ¿acaso se le pide algo más a una buena canción? “Si este hubiese sido el segundo disco de Healthcontrol sería infinitamente mejor que el primero. Ahora somos mejores músicos, hemos tenido el tiempo necesario para hacerlo y las ideas muy claras. Aprendimos mucho grabando con Javier Ortiz, él nos puso en contacto para masterizarlo con John Golden (Sonic Youth, Sunny Day Real Estate). Hemos potenciado lo bueno de nuestro directo y hemos mejorado nuestro trabajo en estudio. Además ahora han entrado de lleno los sintetizadores y los teclados, lo que hace que no sea sólo un disco de guitarras, eso le da mucha riqueza”. ■ Tomás Martínez

No es ningún secreto que el shoegaze vuelve a estar de moda: el regreso a los escenarios de My Bloody valentine, discos recopilatorios como el de Rob Da Bank o la atención que ha despertado el debut de The Pain Of Being Pure At Heart dan buena muestra de ello. Desde su formación en 2001 Asobi Seksu vienen poniendo su granito de arena para que esto suceda, pioneros en su condición de recuperadores de un movimiento que ha sido arrastrado por los suelos tras su rápida decadencia allá a comienzos de los noventa. Pero no ha sido hasta su tercer disco que han podido mirar de frente a los clásicos del género.

“Creo que las canciones son mucho mejores. Al mismo tiempo teníamos la intención de que éste fuera un disco mucho más espacioso y con mucha más luz, con un sonido cristalino alejado de la densidad de los precendentes”. Yuki Chikudate, belleza de origen japonés que se ha convertido desde el comienzo de la banda en voz y también en su sensual rostro, les lleva la contraria a aquellos que les acusan de meros revivalistas. “Es obvio que hay una influencia grande en la forma en que aquellas bandas utilizaban los pedales de las guitarras y la voz como una textura, pero creo que con este disco empezamos a desmarcarnos de ese sonido. Desde luego el revival no nos interesa lo más mínimo porque somos conscientes de que por mucho que lo intentemos jamás llegaremos a acercarnos a My Bloody Valentine, a toda la belleza contenida en su manera de tratar el ruido. Verles en directo en Nueva York fue una revelación”. ■ Luis J. Menéndez

Vienen de: Nueva York Publican: “Hush” (One Little Indian/Popstock!, 09) En la onda de: The Pale Saints, Lush, Cocteau Twins

Vienen de: Inglaterra/España Publican: “Burning Sand” (Green Ufos, 09) En la onda: The Divine Comedy, The Go-Betweens, The House Of Love

Asobi Seksu Foto Archivo

Asobi Seksu

Southern Arts Society

“Burning Sand” ha supuesto la confirmación de todo lo que apuntaba su debut homónimo (“Southern Arts Society”), publicado hace tres años: que Andy Jarman es uno de los más certeros creadores de canciones del panorama pop estatal. El músico británico, afincado en nuestro país desde los tiempos en que lideraba Strange Fruit, allá por los primeros noventa, coincide en que “a veces es difícil ser objetivo con tu propia obra, pero todo el mundo me está diciendo que es mi disco más completo. No suelo escuchar demasiado mis propios discos, aunque alguien lo puso el otro día en un coche y me sorprendió gratamente”.

Los referentes de su propuesta, ligados a la elegancia británica menos obvia de los ochenta y noventa (Tindersticks, The Divine Comedy, The House Of Love), siguen presentes. “Empecé a tocar en los ochenta y mi forma de componer sigue teniendo influencias de algunos aspectos de aquella época, como usar cajas de ritmo y sintetizadores de la época cuando empiezo a montar una canción”. Mientras que su debut aún esgrimía un sonido casero, este trabajo es más de banda. “El primer disco lo hice yo en casa y es mucho más electrónico y minimalista. Después formé un grupo para los conciertos, y las canciones de ‘Burning Sand’ son fruto de muchos conciertos y la magia que, a veces, crea un grupo cuando toca en directo”. En el disco, por cierto, llama la atención la lujosa nómina de colaboradores: Françoiz Breut, Roger Quigley, Gary Olson o Muni Camón. “Siempre me he preguntado por qué se había retirado”. n Carlos Pérez de Ziriza

Los del Puerto, con su segundo largo, pierden la compostura que exige su cliché pop elegante y pluscuamperfecto para firmar un disco más visceral cuya producción ha buscado momentos y estados de ánimo concretos “Más que una producción matemática y milimétrica es una producción hecha con el corazón y la emoción. Por eso buscábamos determinados momentos del día para grabar determinadas cosas. Por ejemplo, grabar una voz a las nueve de la mañana porque algunos temas nos pedían esa tono de desgarro mañanero. Lo que queríamos reflejar es la organicidad de la banda”. Leda Tres juegan con la expectación que levanta un hit como “Mis operaciones habituales” para después sumergirte en un mundo de sonidos y sabores contrapuestos, como el wasabi y la salsa de soja. Y es que el sonido de los gaditanos es un juego infantil, lleno de combinaciones de timbres y loops. “Somos muy niños, con mucho humor infantil, incluso el teclista es profesor de música en un colegio de niños, esto le confiere al sonido un matiz lúdico”. Pues sí, Leda Tres son un poco niños aunque este disco lo consideran más reflexivo y reconocen haberse vuelto más oscuros.

Canción a canción derriban tópicos, como aquel que hasta ahora sostenía el embrutecimiento melódico de los textos convertidos al castellano. “A la hora de componer en castellano perseguíamos la idea de que no variara la línea silábica de las canciones”. Pero lejos de nacionalizar su poética llaman la atención algunas referencias a la cultura japonesa, entendida como icono de modernidad. “Alguien me dijo ayer que habíamos hecho un disco manga (risas). La verdad es que soy muy amante de la cultura japonesa”.

■ Arturo García

Leda Tres Vienen de: El Puerto de Santa María (Cádiz) Publican: “Mis operaciones habituales” (Origami Records, 09) En la onda de: Phoenix, The Flaming Lips, La Habitación Roja…

Leda Tres Foto Archivo

Souther Arts Society Foto Archivo

Atención Tsunami Foto Archivo

Álvaro Marcos y Miguel Bellas, cabezas pensantes del colectivo de nuevo cuño Atención Tsunami nos hablaron de “El lejano oyente”, segundo paso de la banda después de abandonar su anterior marca: Healthcontrol.

“Sí, supongo que es un segundo disco en realidad porque la mutación surgió en medio de la grabación, no antes. Los dos discos son diferentes, ‘El lejano oyente’ surgió sin una idea previa tipo ‘ahora somos Atención Tsunami y vamos a hacer esto’. En realidad, la batalla por el nombre la tenemos desde la primera maqueta...

A los que estábamos por el cambio nos ha costado seis años convencer a los puretas del grupo”. Una vez consensuada su denominación, estos chicos nos han dado en las narices con un trabajo cargado

Los Granadians .... Foto Archivo

Los Granadians del Espacio Exterior Vienen de: Granada y Madrid Publican: “Donde ningún hombre ha llegado jamás” (Liquidator Music, 08) En la onda de: The Upsetters, Los Relámpagos, Symarip

Eh! Vienen de: Badalona/Madrid Publican: “36 de 48” (B-Core, 09) En la onda de: Barry Adamson, June Of 44, Rodan

intento buscar una personalidad con lo que he expresado con el bajo y con lo que hago ahora con el contrabajo. He intentado construir mi propio camino musical y parece que la gente me reconoce en lo que hago. No es igual que Standstill, pero el espíritu de lo que yo podía aportar entonces sigue ahí”. Ese “entonces” es la época más hardcore de Standstill, cuando el amor por el lado negro de Eh! no era tan patente. “Desde el principio estábamos muy interesados en los grupos que te sorprenden con lo que va a pasar a continuación, eso a mí siempre me ha gustado, por eso siempre hemos querido dar más información con cada instrumento… Algo del punk que me gusta es condensar el mensaje en una sola frase buena”. ■ Jorge Obón

Î

Eh!, una llamada de atención. Eh!, uno de esos conceptos musicales difícilmente definibles que ponen a prueba la validez de los adjetivos utilizados todos los días en la prensa musical. Eh!, Elías Egido, bajista de Standstill hasta 2005, ha construido y grabado un álbum instrumental, “36 de 48”, con inspiración cinematográfica y lounge, pero alma hardcore y post-rock, del post-rock de Chicago de los noventa, de June Of 44 más que de Tortoise, de Rodan más que de The For Carnation; a pesar de tener regusto a Lalo Schiffrin. “Construyo temas y dependiendo del feelin’ que me da cada uno elijo la gente con la que toco. Además, Javier Diez-Ena (Dead Capo, Ainara Legardón, Aaron Thomas, Hyperpotamus) es amigo mío desde la infancia, por lo que le dejo libertad para hacer lo que quiera porque es un crack”. Por eso, estando tan lejos de su anterior grupo, no debería ser tan importante presentarlo en los medios diciendo que viene de Standstill. “Pero es que siempre

Más información en:

Novalima Vienen de: Perú Publican: “Coba Coba” (Cumbancha/Karonte, 08) En la onda de: : Gotan Project, Sidestepper, Da Lata Novalima nació en 2001 de la amistad y pasión por la música negra de su país de cuatro estudiantes de secundaria en Lima. Un tiempo después cada uno de ellos se estableció en una ciudad diferente, pero la conexión continuó. Ramón Pérez Prieto (Lima), Grimaldo Del Solar (Barcelona), Rafael Morales (Londres) y Carlos Li Carrillo (Hong Kong) consiguieron unir sus pasiones compartidas utilizando la tecnología. “Funcionábamos como un colectivo. Cada uno en su base, en su estudio, avanzaba lo que podía y luego lo enviaba a los otros. La producción de los temas se hacía en distintos momentos y en distintas ciudades”. En 2001 editan un sorprendente disco homónimo, en 2004 el sugerente, “Afro”, y este pasado año “Coba Coba”. Ellos los definen respectivamente como “Experimentación, introspección y evolución”. Y lo cierto es que este último disco es un cóctel rítmico total y en él profundizan en sus raíces afro-peruanas pero unidas al son cubano, salsa, hip hop, samba, dub, afrobeat o reggae y todo ambientado con texturas electrónicas y latin beats. “La base rítmica y percusiva de es predominantemente afro-peruana, un estilo musical con más de cuatrocientos años de antigüedad. Le hemos dado vida nueva y eso ha despertado cierta curiosidad y ha acercado a nuestra gente a sus propias raíces”. Lo cierto es que han ayudado a salvar la separación que existe entre la música comercial y la comunidad afro-peruana, una minoría que ha luchado contra la discriminación y la amenaza de disolución cultural. Ahora la banda está en plena gira europea y hará parada en Barcelona el próximo 5 de abril. ■ Miguel Amorós

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Eh! Foto Archivo

Coge tus canciones y márchate a grabarlas a un lugar extraño sin saber exactamente cómo lo vas a hacer, déjate llevar por las sensaciones del momento. Eso es lo que ha hecho Steve Wynn, y el resultado es “Crossing Dragon Bridge”, un disco con aroma a clásico y con esa particular cohesión de disco de los de antes, una forma actualmente en peligro de extinción. “Un disco es como una película, tiene partes, pero están interconectadas, pertenecen a un todo.

Es así como entiendo la música”, explica Wynn. Quizá la inmersión de tres semanas en la capital eslovena ayudó a crear esa sensación que recorre el trabajo de principio a fin, a ratos melancólica pero dejando en todo momento ventanas abiertas al optimismo. “Los mejores discos son aquellos que, durante una hora, te llevan a un mundo que no es el tuyo. Me gusta grabar en cualquier sitio menos en el que vivo, creo que únicamente he grabado dos veces en Nueva York. Las canciones son de por si introspectivas, muy personales, y la narrativa avanza de una canción a otra, pero grabar en Eslovenia sí que ayudó a conseguir que el conjunto tuviese esa atmósfera integradora”. La idea de hacerlo surgió porque allí es donde vive y tiene su estudio Chris Eckman (The Walkabouts, Chris And Carla), que se ha encargado de la producción. “Me dijo que en principio me quería a mí solo con la guitarra. Siempre me gustó la manera en la que mezclaba la música folk con cuerdas y arreglos orquestales, así que acepté. Poco a poco el disco fue creciendo, pero partimos de las canciones desnudas y nos fuimos dejando llevar por las sensaciones del momento. ”. Wynn ha colaborado con multitud de músicos, ha tenido numerosas bandas, pero se niega a comprometerse, le gusta ser un lobo solitario. “Me gusta tocar con gente, pero me siento bien a solas. Es normal, a veces te encuentras a alguien en un bar y te puede resultar interesantísimo, pero si luego sigues viéndole todos los días igual acabas cansado de las mismas gracias”. ■ Jorge Ramos

Steve Wynn Vienen de: Estados Unidos Presentan: “Crossing Dragon Bridge” (Astro, 09) En la onda de: The Walkabouts, Paul Westerberg, Chuck Prophet

Steve Wynn Foto Archivo

Novalima Foto Archivo

Los Granadians del Espacio Exterior han vivido con fervor las aventuras de la Sonda Fénix. Del mismo modo que sus progenitores disfrutaron de las misiones de la lanzadera espacial Apolo. Su lema de música de otros mundos para gente de la tierra lo deja bien claro. Por eso editan un tercer álbum de incógnito título. “En esta ocasión escribimos las canciones justo antes de ir a Gijón a grabarlas -con Jorge Explosión y Mike Mariconda-. Nunca habíamos tocado ninguna en concierto.

Fuimos al estudio dos veces: la primera en febrero para grabar la mitad del disco. Después volvimos en agosto para grabarlas y mezclarlas todas juntas. En la mayoría de los casos dejamos bastante para hacer en el estudio, arreglos, letras, etcétera.

Así es más divertido. El estudio Circo Perrotti es bastante inspirador”. Su conjunción de rocksteady, skinhead reggae y pop del siglo pasado, tanto vocal como instrumental, causa furor en cualquier latitud del planeta Tierra. “Alemania es un país que nos quiere bastante.

Allí hay un fuerte club de fans y siempre estamos deseando volver. En Francia hemos estado en cuatro ocasiones, dos de ellas encabezando festivales. También en Suiza y en la República Checa. El próximo verano estaremos en Japón. El año pasado el sello Ska In The World publicó una antología de Los Granadians de quince canciones llamada ‘Del Espacio Exterior’. El disco funciona bastante bien por lo que el público ya nos conoce bien”.

El actuar como músicos de leyendas como Dennis Alcapone, Derrick Morgan y Dave Barker, y ser elegidos en 2003 para celebrar el veinticinco aniversario de Radio 3 han sido dos momentos clave. “Era divertido poner la radio y escuchar nuestra versión de ‘Hacia Belén va una burra’. La ponían a todas horas”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

MondoSonoro · Abril 2009 /43/

‘77

“21st Century Rock” Weight Recordings

HARD ROCK

111

Aquí no hay trampa ni cartón. Muchos se escudan en una fachada supuestamente original para disimular que, en realidad, están repitiendo la misma fórmula explotada por otras bandas durante décadas. Los catalanes 77, en cambio, van de cara y no ocultan en ningún momento que son prácticamente unos clones de AC/DC. Una vez asumida esta declaración de intenciones, nos toca valorar el grado de eficiencia que alcanzan en su cometido. Y ahí es donde sorprende la aparente facilidad con la que saben crear riffs de guitarra hermanos gemelos de los típicos de los hermanos Young. La base rítmica tampoco anda a la zaga de la contundencia y precisión características en la formación australiana, mientras las tareas vocales parecen rendir un respetuoso homenaje al añorado Bon Scott. Con estas armas, ‘77 han logrado completar un disco de debut que, evidentemente, no pretende desplazar a AC/DC de su pedestal, sino presentar una alternativa más cercana y accesible. Por otra parte, no se puede obviar el mérito de escribir temas propios frente a la propuesta de las bandas clónicas. Xavier Llop

1990’s “Kicks”

Rough Trade/Popstock

POP

1114

Permítanme utilizar unas cuantas líneas de esta crítica para decir no a Bernard Butler, individuo que un día dio lustre con sus guitarras a los mejores trabajos de Suede y que ahora se gana la vida como productor de éxito. Me explico. Este tiparraco es el culpable de que Duffy nos haya torturado los oídos el pasado año con uno de los no-hits más grandes que uno recuerda, ese éxito odioso de radiofórmula que es “Mercy”.

Butler también es el responsable de quitarle todo el encanto a Black Kids, un grupo que apuntaba maneras gracias a una maqueta de ensueño y que acabó naufragando en un debut de producción inflada. El ex Suede hizo lo propio con Sons And Daughters en aquel espanto de indie AOR que era “This Gift”. Y ahora casi consigue destruir a 1990’s. Digo casi porque este “Kicks”, otro notable disco de rock macarra que recupera el glam más festivo y chicletero de los setenta (algo que queda claro en “The Box”, el hitazo definitivo de los de Glasgow), mantiene el tipo frente a “Cookies”, primer disco de 1990’s y uno de los debuts más adictivos del rock británico reciente, un álbum que también contaba con la ayuda de Butler en los mandos. La excepción que confirma la regla. Xavi Sánchez Pons

THE ALL AMERICAN REJECTS

“When The World Comes Down” Interscope/Universal

ROCK

11

Si no eres un jovenzuelo imberbe que no tiene ni puta idea de música y tampoco demasiada intención de convertirte en un sabelotodo, no te acerques a este disco ni de coña. No vas a encontrar nada que antes no hicieran más y mejor un montón de

bandas que empezarían en Cheap Trick, se encumbrarían con Weezer, se harían interesantes pero efímeros con Third Eye Blind o Everclear y acabarían rizándolo con, por ejemplo, unos Rooney. Bandas americanas que le han dado a eso del rock alternativo de melodías infecciosas, pegadizas con unos coros y arreglos tan inflamados como resultones y eficaces para saltar como una cabra loca en estado de celo. Aquí no vas a encontrar nada nuevo y las melodías te van a resultar tan conocidas que podríamos jugar a los parecidos razonables. Nada nuevo bajo el sol, aunque, eso sí, de una efectividad tan certera que no me extrañaría que obtuvieran las rentas que ya han logrado en su país con sus dos álbumes anteriores.

Claro que fuera de yanquilandia pegan tanto como una lagarterana en un rodeo.

Don Disturbios

vinilos

la bien querida clásico instantáneo

BRUCE SPRINGSTEEN “Working On A Dream’” Sony

ROCK

114

En un sueño, como el que cita el título de su nuevo álbum, debe sentirse Bruce.

Obama ya es presidente, en su nueva gira se auguran llenazos y conciertazos como los de la anterior y, además, al menos aparentemente, su entorno es la auténtica familia feliz. Lástima que todo eso no tenga por qué traducirse en una inspiración y una creatividad a la altura de su mito.

Efectivamente, aunque “Working On A Dream” arranca majestuoso con la épica “Outlaw Pete”, acaba diluido entre melodías anodinas y una instrumentación que aplaca el potencial de la E Street Band. Su trabajo anterior, “Magic”, ya apuntaba hacia la sencillez y la inmediatez del pop, pero entonces lo hacía respaldándose en un puñado de temas que, sin ser nada del otro mundo, tenían su gancho. Aquí, en cambio, predominan los cortes blandos y aburridos, mientras los salvables -apenas dos o tres- se convierten en excepción.

Celebramos que el Boss siga tan activo, sobre todo en lo referente a sus directos, pero a la hora de grabar debería contenerse y esperar a tener separado el grano de la paja. Menos mal que en sus maratonianas actuaciones no caerán muchas de éstas. Xavier Llop

La Bien Querida Foto Albert Jodar

LA BIEN QUERIDA “Romancero” Elefant Records

POP

BRONNT INDUSTRIES KAPITAL

11111

Es curioso que la gran mayoría de obras cumbre del pop en castellano hayan nacido de la modestia más absoluta. De la mano de artistas y de bandas que no necesitaron alzar la voz para convertirse en favoritos de una gran minoría. Sólo talento, ganas y mucho sentimiento. Me vienen a la cabeza “Cecilia 2” de Ceci-

lia, “Heliotropo” de Vainica Doble, “Un soplo en el corazón” de Family, “Entresemana” de Le Mans o “Popemas” de Nosoträsh. Clásicos que tienen mucho que ver con el debut de La Bien Querida para Elefant.

Discos que la gente ha hecho suyos con una facilidad pasmosa. Obras maestras que demuestran que menos es más, donde las pequeñas cosas logran el milagro, que todo cuadre. “Romancero” es un trabajo que recorre con una gracia especial, única, y con un gusto por el detalle preciosista (se nota la mano sabia de David Rodríguez en la producción), la historia del pop español más sensible, conmovedor y cercano. Ese que habla de las relaciones amorosas sin vergüenza, de forma lúcida, directa y sincera. Ana Fernández-Villaverde se revela como una nueva Jeanette, criada en la historia reciente del indie español, capaz de entregar una colección de canciones sobresaliente en la que no existen los altibajos. Y es que un álbum que está coronado por cumbres del pop agridulce del calibre de “Corpus Christi”, “De momento abril”, “7 medidas de seguridad”, “Cuando lo intentas” y “Los estados generales”, merece las cinco estrellas que presiden esta crítica. Xavi Sánchez Pons

Hard For Justice

Get Psysical/Popstock!

ELECTRÓNICA

1111

El que Guy Bartell haya recibido la llamada de Tartan -una de las más prestigiosas productoras de DVD de autor- para poner música a “Häxan”, el filme mudo de Benjamin Christensen que documenta la historia de la brujería a través de los siglos da una idea de hacia dónde dirige sus pasos el de Bristol. Lo cinemático también está presente en la portada y en el contenido de este segundo trabajo -tercero si contamos con la citada banda sonora- de un artista ligado a Gravenhurst, pero que, en su aventura en solitario, se aventura en parajes mucho más desolados. “Hard For Justice”, compuesto íntegramente por temas instrumentales, es otra opresiva banda sonora imaginaria que surge de las entrañas del suroeste británico, como Foehn y el Third Eye Foundation de los primeros tiempos, un disco propulsado por el motorik rítmico característico de Neu! y ribeteado de hermosos colchones de teclados de candor analógico.

Luis J. Menéndez

en la onda

PIC-NIC

AVENTURAS DE KIRLIAN

ESPANTO

11114

“Pic-Nic” (Hispavox, 1968)

“Aventuras de Kirlian” (Dro, 1989)

11111

11111

Obra maestra absoluta del folk-pop español más exquisito, el disco de Pic-Nic es una suma de talentos soñada. El genial Rafael Trabucchelli en la producción y los arreglos, una jovencísima y estelar Jeanette a la voz y en la composición (suya es “Cállate niña”, una de las canciones más estremecedoras del pop patrio), y Toti Soler y Rafael Turia como inspirados y fieles escuderos.

Cuando en España casi nadie sabía de qué iba eso del indie-pop, los donostiarras debutaron con un minilp que fue el germen de aquello que llamaron Donosti Sound y de muchas cosas más. Orange Juice, la Motown y el encanto de Él Records, se dan cita en un disco pionero en muchos sentidos dentro del pop español. De sus cenizas nacerían Le Mans.

“Ísimos” (Birra y Perdiz, 2008)

Con el disco de La Bien Querida, “Ísimos” es la otra joya reciente del pop tranquilo hecho aquí. El dúo formado por Teresa y Luis ha entregado una gran colección de canciones capaz de recuperar, con tino y personalidad propia, el espíritu de los grupos de Cherry Red de los ochenta (Marine Girls, Felt) y la herencia de las Vainica Doble más accesibles. X.S.P.

(vinilos /44/ Abril 2009 · MondoSonoro)

yeah yeah yeahs jugando con la electrónica FRISKA VILJOR

“Tour De Hearts” Crying Bob/Green Ufos

POP

Yeah Yeah Yeahs Foto Archivo

YEAH YEAH YEAHS “It’s Blitz!”

Interscope/Universal

ROCK

1111

Karen O y compañía se ganarán un buen puñado de detractores. Quien avisa no es traidor. Si en “Show Your Bones” el punk desgarrador de “Fever To Tell” ya empezó a mostrar síntomas de flaqueza, con “It’s Blitz!” los neoyorquinos, como si de Blondie o The Human League se tratara, reemplazan hasta nuevo aviso los sucias guitarras por los sintetizadores y las melodías más pop. Para algunos este sorprendente giro sonoro será un sacrilegio, pero lo cierto es que a diferencia de sus compatriotas The Killers han sabi-

ANTHONY JOSEPH AND THE SPASM BAND “Bird Head Son” Naïve/Popstock!

SPOKEN-SOUL

VV. AA.

LILY ALLEN

Parlophone/EMI

EMI

“Bird Head Son” es el segundo y más ambicioso disco de Anthony Joseph And The Spasm Band. Aparece dos años después que “Leggo de Lion”, que publicó la discográfica holandesa “Kindred Spirits” a principios de 2007, una apuesta seguramente debida a la trayectoria ascendente de su frontman, poeta y novelista originario de Trinidad, residente en Londres desde hace veinte años y cuyas obras han sido alabadas por ilustres escritores de origen caribeño como Edward Kamau Brathwaite o Linton Kwesi Johnson. Si este último optaba por el reggae y el dub en transposiciones discográficas de su universo poético como “Dread Beat An’ Blood” (Virgin, 1978), Anthony Joseph apuesta por recitar largos poemas narrativos con una alineación soul que incluye un saxo tenor, un trombón, un vibráfono, guitarras muy inspiradas y un número importante de percusiones. Tal y como ha repetido Joseph una y otra vez, “Bird Head Son” quiere ser una síntesis musical de la diáspora africana: de ahí la ambición estilística, el minutaje (setenta y tres minutos intensos) y la temática de la mayoría de sus canciones. Jordi Nopca

“It’s Not Me, It’s You”

“War Child. Heroes” POP

1114

do sacar todo el jugo que las pistas de baile les pueden aportar. Si “Zero” durante las últimas semanas ha despuntado como uno de los mejores temas de lo que llevamos de año, “Heads Will Roll” y la adictiva “Dull Life” no se quedan cortas sacando a florecer la vena mainstream que los neoyorquinos habían mantenido hasta el momento bajo llave. Aunque el disco rozaría el excelente de no ser por ese prescindible homenaje a Giorgio Moroder que es “Dragon Queen” o alguna que otra balada que reduce drásticamente la adrenalina del oyente, la verdad es que gracias a su nuevo sonido acabarán recibiendo la atención de un público más heterogéneo de lo que estaban acostumbrados.

Sergio del Amo

111

Teniendo en cuenta que se trata de una compilación benéfica, sabe mal cargar las tintas, así que hablemos en genérico. Los discos de versiones cada día funcionan menos y lo peor del asunto es que me pregunto el motivo. Grupos destacados recuperando clásicos de la historia del pop. ¿Por qué demonios, entonces, algo suele fallar y la cosa no cuaja? En el caso de Scissor Sisters atreviéndose con el “Do The Strand” es sencillo, porque la destrozan sin piedad, firmando posiblemente su peor grabación hasta la fecha.

En el resto, lo ignoro. Más que nada porque hay muestras de inspiración aquí o allí, aunque no tenga que ver directamente con mis gustos (a excepción de TV On The Radio, a quien les encaja más que bien “Heroes” de Bowie). Lily Allen y Mick Jones se desenvuelven bien con el “Straight To Hell” del grupo más importante del segundo, Estelle con el “Superstition” de Stevie Wonder (aunque errar el tiro con ese pedazo de tema debería ser pecado mortal) y The Hold Steady honran el “Atlantic City” de Springsteen. Siento no haber desvelado el misterio, pero les aseguro que sigo pensando qué demonios es lo que falla. Joan S. Luna

POP

111

Ojo con el nuevo disco de Lily Allen que es un grower, vocablo anglosajón que se utiliza para denominar a los discos que crecen con las escuchas. Y aunque esa expresión parezca guasa al referirse al segundo trabajo de la díscola cantante británica, lo cierto es que le va como anillo al dedo. “It’s Not Me, It’s You” despista, y mucho, al principio. Parece la nueva entrega de una diva del pop mainstream sin personalidad. El lavado de cara de una niña mala que ha cambiado el ska-pop saltarín y resultón de su debut por el pop electrónico estandarizado, muy in para los tiempos que corren, que le hará vender unos cuantos discos de más. Algo de eso hay, pero es de justicia reconocer que, tras varias escuchas, uno se recupera del susto y empieza a disfrutar de más de una canción que se convierte en favorita del repeat del iPod. Me quedo con esa tonada a lo The Cars que es la nuevaolera “The Fear”, la balada “I Could Say”, uno de los guilty pleasures más grandes del año, ese caramelo envenenado que es “Fuck You”, con homenaje a The Carpenters incluido, y “22”, una canción que recuerda lo grande que era la Lily Allen del principio. Xavi Sánchez Pons

1114

Si tu novia te ha dejado y tienes dotes para la música puedes hacer dos cosas, o irte a una cabaña del bosque y grabar preciosas canciones de folk triste o bien emborracharte con tu amigo a quien también ha dejado la novia y poneros a cantar a voz en grito canciones rápidas, animadas, donde repasáis todos los bellos momentos que pasasteis con vuestra amada: esas tardes de verano en el lago, su pelo rubio de sueca, el sabor de sus besos… Friska Viljor son claramente de los segundos, lo suyo es exorcizar la tristeza y el dolor con grandilocuencia y alcohol. A ratos recuerdan a Arcade Fire por su majestuosidad (“On And On”), y a Irene por los vientos y esa alegría desbordante, pero lo de este dúo tiene un toque más hooligan (de hecho el nombre del grupo es el de un equipo de fútbol de segunda). Y es que no es fácil sonar cristalino cuando el dolor de la perdida está presente. En todo el disco sólo hay una canción en que relajen en el tono (“Dear Old Dad”), en el resto se balancean entre momentos de calma y subidones llenos de coros y arreglos varios, sin olvidarse tampoco del pop electrónico (“Arpeggio” que se acerca a Belle & Sebastian o “Sunday”, que es más electro). Marc Luelmo

SAXON

“Into The Labyrinth” SPV

HEAVY

111

Bill Byford, uno de los alma mater del metal británico, nos descarga otro nuevo disco grabado en esta ocasión en el estudio de Blind Guardian, algo que quizás se note demasiado (basta con escuchar “Battalions Of Steel” y los gritos que incluyen). El single, “Love To Rock”, se dio a conocer el pasado año y causó un grata impresión entre sus fans más devotos e incondicionales. Ahora, parece que el disco es solamente la introducción de una nueva pieza en la maquinaria del grupo ya que, en breve, se podrá descargar otro tema nuevo a través de iTunes. Los temas de “Into The Labyrinth” se basan en temas históricos, aunque también añaden una versión blues de “Coming Home”, incluida años atrás en “Killing Ground”. Obviamente, no estamos ante otro “Wheels Of Steel”, sino que seguimos la estela de “Lionheart”, combinando cada día más el clásico sonido NWOBHM con el power metal europeo, algo que será una satisfacción más para los fans del grupo. Eduard Tuset

VV. AA.

“Dillanthology” Rapster/Popstock!

RAP

1111

Puede que, dentro de un par de años, lo que empezó como un necesario homenaje y la recuperación del legado de uno de los productores más influyentes de la historia del rap, acabe degenerando en otro caso clásico de profanación (esperemos que Ma Dukes y Illa J no lo permitan). Por ahora, álbumes como este “Dillanthology” cumplen esa doble función de rendir tributo y resumir

algunos de los trabajos más memorables de James Yancey, muerto en febrero de 2006.

En esta ocasión, Rapster ha seleccionado once de sus producciones clásicas en un disco que no debería tener ningún atractivo para los que hayan seguido la carrera de Jay Dee o las de The Pharcyde, Common y De La Soul, pero que en cambio ofrece una nueva oportunidad para todos los que vieron la luz con sus últimas producciones de descubrir a Slum Village o escuchar algunas de las mejores producciones del genio de Detroit.

Desde “Runnin” a “Stakes Is High”, pasando por “Dynamite” de The Roots, una lección de clase, clarividencia y groove que compone el verdadero legado de Dilla, las producciones que lo convirtieron en una leyenda y en un maestro para los que vinieron tras él.

Joan Cabot

LE PIANC

“Le Pianc” “Sones

POP

1111 Hay grupos que hacen de la indefinición una bandera, grupos cuya sana voluntad es juntar todo lo que les gusta en algo que no sea un lío inexplicable. Y hacen canciones por el placer de disfrutarlas, poniendo una pizca de esto por aquí, otra de aquello otro allí. No por embarullar, sino lo contrario: para ser todo lo que les gusta, sin renunciar a nada. Le Pianc son uno de esos grupos, y para ser ellos mismos no les ha hecho falta hacerse los raros.

Por eso de repente parecen Would Be Goods y allí, como nacidos de un mismo padre y madre, aparece un arreglo cortando la melodía principal que nos lleva hasta la época dorada del post-punk europeo (no piensen mal, algunos cambios recuerdan a la maravillosa saga Liliput/Kleenex). Y eso pasa de repente y todo es frescura, arreglos saltarines y alegría de vivir. De lo que se trata es de celebrar a la vida, gritar y seguir con las palmas estribillos perfectos como el de la stereolábica “Douceur Poignante Dans Le Cerveau” o “Sickly-Sweet” (puro Talulah Gosh) o emparejar el mejor twee con B-52’s (“Through My Window”). Por si no fuera suficiente, han tenido el buen gusto de dejar que los hits de sus singles previos se queden como perlas secretas para sus seguidores de siempre, repescando sólo dos canciones. Enrique Ramos

SPUNKFOOL

“Happily sinister” Lucinda Records

ELECTRÓNICA

111

Si hubiera que hacer un listado con las bandas que tanto les da una guitarra que un sintetizador machacón, seguramente acabaríamos confeccionando un tocho infumable que ríete tú del Quijote. La banda de Granollers Spunkfool en su segundo álbum “Happily Sinister” se deja llevar por el hedonismo de la pista de baile con una fórmula que combina los beats y el rock inofensivo apto para todos los oídos. Aunque a un servidor (amante del Rod Stewart pre-crooner) inevitablemente se le ponen los pelos de punta al oír el préstamo melódico de “You Kill Me”, asimismo, debe reconocer que el delicado sampler de “Some Velvet Morning” en “Pasan las horas” consigue con creces su objetivo de hacernos gastar la suela de las deportivas a destajo.

Aunque su valía artística no destaca precisamente por dejarnos con la boca abierta en cuanto a ingenio musical se refiere, temas como “Excusas” o ese punto y final que supone “I Will Love You Until Your Man Gets Home” aguantan el tirón de un álbum que no pierde fuelle si lo que pretendemos es pasar un buen rato en la discoteca de turno. Sergio del Amo

(MondoSonoro · Abril 2009 /45/ vinilos)

el heavy metal grasiento de lamb of god

top10 internacional

BOWERBIRDS

“Hymns For A Dark Horse” Dead Oceans/Popstock!

FOLK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

MASTODON

“Crack The Skye” Warner

PJ HARVEY & JOHN PARISH“A Woman A Man

Walked By” Island/Universal

DAN AUERBACH

“Keep It Hid” CQQP/Nuevos Medios

THE JUAN MACLEAN

“The Future Will Come” DFA/Nuevos Medios

PETER BJORN AND JOHN “Living Thing” V2/Nuevos Medios

BLACK LIPS

“200 Million Thousand” Vice Records/Pias

PHOENIX

“Wolfgang Amadeus Phoenix” EMI

LAMB OF GOD

“Wrath” Roadrunner/Divucsa

JEREMY JAY

“Slow Dance” K Records/Green Ufos

1990’s

“Kicks” Rough Trade/Popstock!

1111

El debut de Bowerbirds podría ser la perfecta definición del nuevo paradigma del folk pop norteamericano: voces de iglesia, un tratamiento preciosista y ligeramente artificioso del sonido, como si la pretensión de hacerlo bonito fuese siempre más una cosa de sonido que de las canciones en si. Pero al igual que a Fleet Foxes les salvan canciones como “White Winter Hymnal”, a Bowerbirds los hacemos nuestros por cosas como “In Our Talons”. Siguiendo ese mismo hilo podríamos decir que la principal diferencia entre los dos es que donde los primeros impresionan a la primera por ese eco casi religioso que parece destinado a que se le abran a uno las puertas del cielo en cada escucha, las canciones de Bowerbirds entran con más modestia, poco a poco, pero al final del disco podrías silbarlas sin acordarte demasiado de si era una sola persona cantando o, como en realidad pasa, hay más capas haciéndolo bonito.¿Lo mejor del tema?

Vuelves a escuchar “Dark Horse” y resulta que el violín hacía una cosa que te hace saltar el corazón, y hay una percusión que parece diluirse en los coros perfectamente, o que cuando entra la pandereta en “Bur Oak” y empieza el estribillo vuelve a convertirse en tu canción favorita en la historia del universo. Y es que por más que cada año pueda definirse con un sonido, la historia del pop la escriben las canciones, no la pirotecnia.

Enrique Ramos

top10 nacional

Lamb Of God Foto Archivo

LAMB OF GOD “Wrath”

Roadrunner/Divucsa

METAL

1111

Se les ha definido en ocasiones como la versión macarra de Pantera. Olvídenlo. Más allá de algunas partes vocales y de otros tantos riffs de guitarra, Lamb Of God constituyen por méritos propios una de las realidades más sólidas del metal actual. Así, metal a secas, sin aditivos y fiel a sus principios; porque si algo une a este quinteto de Virginia con los desparecidos autores de “Vulgar Display Of Power”, por encima de similitudes estilísticas, es el haber arrasado en las listas norteamericanas ajenos a etiquetas y sin ceder ni un ápice de brutalidad. Todo lo contrario. “Wrath” es más crudo y directo que su anterior “Sacrament”,

que en su primera semana se convirtió en el álbum de metal más vendido al otro lado del charco de todo 2006. Pero las cifras no serían nada sin un buen disco detrás. Y “Wrath”, no les quepa la menor duda, lo es. Tras una introducción de lo más épica, el quinteto de Florida entra al trapo con una tremebunda “In Your Words” y la no menos salvaje “Set To Fail”, toda una advertencia de lo que se avecina: un banquete de heavy metal grasiento, intimidante y directo a la yugular con espacio también para matices novedosos, como las guitarras aflamencadas de “Grace” o el ruido de olas en la final “Reclamation”. Lidera la fiesta Randy Blythe, cuyo perfeccionado registro, en algún punto entre Phil Anselmo, Peter Dolving y la guturalidad death, pone la guinda al mejor disco de Lamb Of God hasta la fecha. Vayan calentando cervicales.

David Sabaté

PET SHOP BOYS “Yes”

Parlophone/Emi

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

DELOREAN

“Ayrton Senna” Mushroom Pillow

LA BIEN QUERIDA “Romancero” Elefant Records

THE RIGHT ONS

“Look Inside Now!” Bittersweet

MANOS DE TOPO

“El primero era mejor” Sones

HELLO CUCA

“Esplendor en la arena” Austrohúngaro

VERACRUZ

“Veracruz” Yo-Yó Industrias

MENDETZ “Souvenir” Sinnamon

HAMLET

“La puta y el diablo” Roadrunner/Divucsa

LOS CORONAS “El baile final” Bittersweet

LEDA TRES

“Mi operaciones habituales” Origami Records

1114

Han pasado prácticamente veinticinco años desde que Neil Tennant y Chris Lowe iniciaron su andadura en esto del pop electrónico de calidad. Mantener la inspiración tras una carrera tan dilatada en el tiempo no debe ser tarea fácil ni para ellos ni para muchos otros artistas a los que han servido de inspiración.

De ahí que sus últimos trabajos, pese a contar con algunas canciones destacables, se resintieran lo suficiente para que su nombre perdiese la credibilidad que se ganaron con sus influyentes y completos cuatro primeros álbumes, aún clásicos en su género. Quizás la madurez mal entendida de algunos cortes o aquella fugaz necesidad de enfrentarse a temas acústicos lastraron otras canciones más interesantes. Aunque en “Beautiful People” se enfrentan a un sonido más pop rock, “Yes”, por suerte para todos, es un disco de pop en el que, con una ayudita por parte del colectivo de productores y compositores Xenomania, mucho más coherente en conjunto. Sabiendo que poco les queda por aportar al género, Tennant y Lowe parecen más relajados al ponerse a componer sin evitar huir de sus propios tópicos (que suponen al mismo tiempo sus mejores bazas). ¿Qué significa eso?

Pues sencillamente que les queda la cuerda suficiente para ofrecernos un buen puñado de sus mejores canciones recientes, desde el redondísimo single “Love etc” a “Pandemonium”, pasando por “All Over The World” o “Did You See Me Coming?”. Joan S. Luna

Las Escarlatinas

ELVIS PERKINS

THE PRODIGY

Siesta

XL/Popstock!

Blanco y negro

“Elvis Perkins In Dearland”

“Al galope” POP

1114

Segunda entrega de este supergrupo de diseño, con Guille Milkyway a los mandos (se nota su mano sobre todo en las partes más bailongas) y composiciones en castellano firmadas por habituales del universo Siesta como Alberto Matesanz o Sergio López de Haro. Almudena, Belén, Lúa y María ponen las voces y el resultado es un disco de pop delicioso y ubérrimo en instrumentación cuya bella sencillez melódica, en estos tiempos post-todo, no debería pasar por simpleza. En la parte del debe, quizá sea inevitable que por momentos el disco desprenda cierto aroma a laboratorio.

Nada que no se pueda superar con buenas canciones, en cualquier caso, y aquí son sobresalientes. Quien a los veinte años no es revolucionario, no tiene corazón, leemos en la web de Las Escarlatinas. Llevados por ese espíritu rebelde de la música pop (el que te lleva a querer eliminar el tiempo y hace que cada día aprendas a ser joven), podríamos añadir que quien pasa de los treinta y aún tiene corazón es un revolucionario. También dicen que están preparadas para recibir los vapuleos de la crítica. No serán los de ésta.

Jorge Ramos

FOLK

1114

Ah, si todo el disco estuviera a la altura de “Shampoo” y “Hey”, las dos primeras que caen de esta nueva colección del bueno de Elvis Perkins, estaríamos hablando de otra cosa. “Elvis Perkins In Dearland” arranca con dos canciones soberbias, de composición afilada y vitalidad contagiosa. Esa vitalidad, ese empuje, es una de las novedades de este segundo trabajo del hijo de Anthony Perkins y Berry Berenson, cuyo debut nos fascinó por su reposado y profundo duelo.

Allí donde “Ash Wednesday” (XL/07) era una crónica de la miasma, “In Dearland” se agarra a la esperanza, al amor y a la redención. Perkins podría ser un nuevo Hank Williams, alguien capaz de entregar en la misma nota un pellizco de alegría y una cucharada de insalvable melancolía. Esa posibilidad se atisba en alguno de los mejores momentos del álbum, pero a ratos cae en la monotonía, el encanto irresistible de esas dos primeras desaparece de repente para no volver hasta “123 Goodbye”, aunque algo hay en “I Heard Your Voice In Dresden” o “How’s Forever Been Baby”. Si esta continuación pretendía darle la vuelta a su antecesor, se queda a medio camino. Joan Cabot

“Invaders Must Die” ELECTRÓNICA

1114

La clandestina escena ravera de medio mundo después de oír aquel “Always Outnumbered, Never Outgunned” no sabía a ciencia cierta con que nos iban a sorprender Liam Howlett y sus pupilos en un futuro que se les presentaba cuanto menos oscuro. Superar el impacto de “The Fat Of The Land” es prácticamente imposible, pero al menos con “Invaders Must Die” los británicos vuelven a dejarnos para la posteridad un buen puñado de canciones para bailar con la boca desencajada, a pesar de las recomendaciones médicas. En esta nueva entrega, los nostálgicos volverán a encontrarse con los Prodigy más sucios, cargados de bajos machacones donde la delicadeza y los beats minimalistas no han sido invitados (obviamente, era lo mínimo que se les podía pedir). Aunque la reinvención no es algo que promulguen, temas como el que da nombre al álbum o ese homenaje a su debut que es “World’s On Fire” se entremezclan con notables canciones como “Thunder” (démosle nuevamente la bienvenida a Maxim) o “Run With The Wolves”, que no hubiera desentonado en exceso allá por 1997. ¿Quién necesita oír hablar de la nu-rave? Sergio del Amo

(vinilos /46/ Abril 2009 · MondoSonoro)

bigott no para de crecer

BIGOTT “Fin”

Grabaciones en el Mar

FOLK

11114

Tercer largo de Bigott y permitidme que os deje claro desde el principio que es, sin lugar a dudas, el mejor de todos ellos. Un hecho que no resultaba nada fácil de lograr dado el enorme nivel de sus dos anteriores obras y que va camino de convertir a este mañico en unos de los secretos mejor guardados de la canción de autor de este país junto a Remate. Escuchas los diez temas de este álbum y la sensación de que estamos ante el Mark Linkous español se acrecienta a

cada nueva escucha. Voz profunda y dotada de matices, instrumentación de querencia americana que lo situaría en algún punto entre el anti-folk de Devendra Banhart, la capacidad para partir de la esencia de la raíz de la música yanqui de mis admirados Sparklehorse para en cierto modo pervertirla y la Velvet Underground más comatosa (“The Party” es un claro ejemplo de ello). Pero las referencias son para que los no iniciados sepan de qué va el juego y se animen a participar en él. Para los ya lo están, decirles que encontrarán momentos que directamente te erizan el vello, como cuando rinde sentido homenaje a su amigo Sergio Algora en ese pequeño vals que es “Algora campeón” (El nombre de Leonard Cohen también podría añadirse a los anteriores) o esa inicial “Afrodita Carambolo” que podría competir con cualquier tema de Grand Archives o Iron And Wine e incluso el uso de los coros que directamente recuerdan a la tonada de “El río” de Miguel Rios en “She Is My Man” o en la marciana “Kinky Merengue” y la frágil dulzura de “Oh Clarin”... Puestos a hacer una crítica el disco se me antoja demasiado corto, aunque ya saben que lo bueno, si breve... Don Disturbios

Bigott Foto Clara Carnicer

THE CANNIBAL QUEEN

SOUVENIR

THE RIFLES

EL PÁRAMO

NEKO CASE

Autoeditado

Jabalina

679/Naïve

Alone Records

Anti/Pias

ELECTRÓNICA

ROCK

“Drums, Sex And Dance”

“The Cannibal Queen” ROCK

111

Nueva banda barcelonesa del prolífico Ray Varela (My Own Gravity) que esta vez nos seduce con un disco rockero con tintes metálicos y algo más oscuros tal como demostraron en su pasada actuación en directo junto los suecos Dark Tranquillity. En estudio, muestran todas estas vertientes comentadas que incluyen riffs rítmicos, bajos agresivos y un increíble trabajo a la batería por parte de Jordi Riera, redondeando un sonido muy compacto y sólido. Se atreven además a incluir un pequeño homenaje a todos esos grupos metaleros que tantos les gustan realizando una intro al revés en la canción “Beneath The Floor”, pieza que se adentra algo más en el metal industrial de artistas como Ministry, Prong o The Young Gods, aunque ciertamente algo mucho más edulcorados. Para finalizar, se marcan una versión de Metallica “Unforgiven2”, sinceramente, una curiosa elección entre un repertorio tan amplio como el de los americanos, pero que interpretan con personalidad, consiguiendo que el resultado se disfrute.

Eduard Tuset

111 Después de aquel giro sonoro que supuso “64”, en el que abandonaron su vena más melódico-francesa en pro de las pistas de baile, los pamplonicas vuelven a apostar por los sintetizadores analógicos en un álbum que le debe, y mucho, a esa diva flúor llamada Yelle o a los políticamente incorrectos Vive La Fête. Jaime Cristóbal y Patricia de la Fuente parece que le han pillado el punto a esa moda que desde hace un par de años le ha dado a todo hijo de vecino por reivindicar el synth pop vintage por el cual nadie apostaba un mísero duro hace apenas un lustro.

Aunque Patricia sigue explotando la Brigitte Bardot que lleva dentro, “Drums, Sex And Dance” nos redescubre a una banda que intenta consolidar de una vez por todas su delicado electropop. A pesar de todo, “A Cause De Moi” (con ese indudable toque italo disco) o la pegadiza “Monkey See Monkey Do” (la mejor baza del álbum gracias a su riff instantáneo) hacen de este disco (el primero en el que el idioma de Hemingway hace acto de presencia en “The Sun Goes Out”) un constante déjà vu sin licencia para descubrirnos algo realmente novedoso. La próxima vez será… Sergio del Amo

“Great Escape”

“El Páramo” 111

Tenían una gran oportunidad ante si y la han desaprovechado. El que aquí escribe, sabe que no dice mucho de un disco el empezar la crítica con esa frase, así que maticemos. Tras las buenas críticas que tuvo su primer trabajo; este “Great Escape” nos muestra algo parecido a su anterior largo. Y eso a pesar de que comienza con uno de sus mejores temas, ya que “Science In Violence” contiene toda la sonoridad esperada en un grupo para confirmar su progresión. Sonido apabullante, guitarras bien afiladas, una base rítmica pegadiza y un estribillo fácilmente recordable. Con este primer tema escapan de las dichosas comparaciones con The Jam y acercan su sonido a la modernidad de Arctic Monkeys o The Kooks. Los dos siguientes temas, “The Great Escape” y “Fall To Sorrow”, aunque bajan el nivel del primero, mantienen el espíritu juvenil y aguerrido del new wave, pero dejando la puerta abierta a otros sonidos (como el aire The Smiths de cortes como “Winter Calls” o “Romeo And Julie”).

Marcos Martín Lora

ROCK

“Middle Cyclone” 1111

El Páramo se podrían convertir en los hijos bastardos de Adrift, ya que todos sus componentes provienen de aquellos y de la separación de Sou Edipo, aventura finiquitada allá por el año 2005. Esta vez se acercan totalmente a la herencia legada por grupos como Kyuss, aportando ritmos quizás más progresivos a sus temas, de ahí que su propio sello les describa como “rock psicodélico instrumental con aroma a cactus”. Y es que la etiqueta les queda como anillo al dedo, puesto que así es precisamente como suenan (observando su excelente diseño de portada, uno ya puede encontrar pistas al respecto). Sus temas son complicados y nunca sabes cuánto van a durar, si cinco minutos o más de diez, ya que consiguen llevarte con ellos en ese viaje completamente lisérgico que solo llega a la extenuación cuando un tema llega a su final y empieza otro. En resumen, “El Páramo” es un discazo que encantará tanto a los amantes de Viaje a 800 o como a los de tendencias más agresivas al estilo de Moho.

Eduard Tuset

POP

1111

Continuación natural de su anterior trabajo, el alabado “Fox Confessor Brings The Flood”, pocas cosas han cambiado en este “Middle Cyclone”. Neko Case continúa sacando pleno rendimiento a su timbre vocal, cristalino y bello, para escorarse todavía más a un pop de autor basado en unas melodías y textos tan tiernos como bucólicos. Y tanto se acerca al pop que ha dejado en apenas anécdota las sonoridades country del pasado, que han llevado de forma equivocada a etiquetar este disco como alt-country o americana. Chorradas.

Aquí hay una bonita voz (de las más bonitas del mercado) que bien acompañada por músicos de lujo (miembros de Giant Sand, Los Lobos, Garth Hudson y hasta el inefable M. Ward “no me pierdo una”) sabe exprimir sus posibilidades y entregar un álbum tan bello como inofensivo. Y digo esto porque “Middle Cyclone” no le cambiará la vida a nadie, no provocará revelaciones ni estallidos de intenso placer melódico de arreglos pomposos, tan sólo entrará con una naturalidad tan pasmosa que, sin que te des cuenta, se adueñará de unas cuantas tardes de esta primavera. Don Disturbios

(MondoSonoro · Abril 2009 /47/ vinilos)

black lips tipos sucios BLACK LIPS

“200 Million Thousand” Vice Records/Pias

GARAGE

1111

Con dos cojones. En un época en la que la gran mayoría de grupos interesantes surgidos del underground que logran ser hype de temporada pierden casi todas las señas de identidad en un abrir y cerrar de ojos al relajar su discurso en pos de una audiencia mayor, van Black Lips y hacen justo lo contrario. Y encima lo clavan. Bravo. “200 Million Thousand” es un discazo de garage embrutecido de grasa industrial, un escupitajo rabioso de punk sesentas con olor a whisky barato, que hace honor a un grupo que tiene muy claro de dónde viene. De esa cantera inagotable de grupos seminales que son Bomp! e In The Red, dos milagros en forma se sello que vieron crecer a los primeros Black Lips. Y es que el nuevo disco de los de Atlanta tiene mucho de vuelta

a los orígenes, a esas grabaciones locas, casi suicidas, subterráneas y lo-fi de sus inicios. Eso sí, por muy guarros que sean, siempre hay lugar para unos cuantos rompepistas de alma cafre. “Drugs”, “Short Fuse” y “Again Again”, esta última con unos coros de frenopático de aupa, gastarán muchas suelas de zapatos. Una cosa más, los Black Lips de 2009 también dejan claro que, a pesar de ser unos malotes, tienen su corazoncito. Así lo atestiguan “Starting Over” y “I’ll Be With You”, dos gemas de pop encabronado bonitas a rabiar. Xavi Sánchez Pons

Black Lips Foto Archivo

FENNESZ

KTL

ÈLENA

MÁS GRAVES

OLIMPIC

Touch/Discmedi

Maui/Mego

Music Bus/Warner

Zona Bruta

Fever

RAP

ROCK

“Black Sea” ELECTRÓNICA

“IV” 1111

Que su conexión con el gran público llegase a través de álbumes con sonoridades tan similares como “Endless Summer” o “Venice”, provocan que la vuelta al redil de un hombre tan prolífico como Christian Fennesz sólo sea remarcable por situarse otra vez dentro de esas tesituras amables y atmosféricas con que el austriaco nos regala a menudo. Porque, dejando aparte sus otros múltiples intereses que le acercan al ruido o la música concreta y han dejado huella en un sinfín de colaboraciones, es en esta vertiente más pacífica donde el laptopista hasta ahora ha jugado mejor sus cartas, cualitativa y comercialmente. Unos parámetros que en “Black Sea” se presentan con pocas novedades a destacar, pues no revelan nada más de lo que ya le sabíamos capaz, tan sólo recrearse en ese punto más de oscuridad, restando melancolía, aportando frialdad y envolviendo su rúbrica con una menor dosis de vivacidad.

Simples matices y connotaciones que redibujan el mismo buen hacer y la típica elegancia de siempre de este genio de la electrónica. Francesc Feliu

EXPERIMENTAL

“Un café setanta matins” 111

Puede que para muchos sea impensable, pero que gente de géneros tan dispares como el metal y la electrónica digital se unan, no sólo no es una casualidad, sino algo totalmente necesario. Sólo hay que recordar como, al fin y al cabo, los objetivos tanto de Peter Rehberg (Pita), Atsuo (Boris) como de Stephen O’Malley (Sunn 0))), tienden a lo mismo. Por eso, que una grabación como “IV” rompa barreras en lo musical y tienda nuevos puentes a lugares desconocidos, más allá de las formalizaciones tan características de sus respectivas sonoridades que cada uno de ellos aporta al proyecto, o de la épica con que tratan las composiciones, este nodo singular en que converge todo este espectro musical (y que otros ya han intentado aunar en diferentes momentos sin repercusión alguna), sin duda puede resultar una vía en la que muchos se embarquen en el futuro.

En resumidas cuentas, una pugna entre titanes que, por su entendimiento interno y aportaciones acaba por ser bastante equilibrada, y muy notable a nivel formal (a destacar la producción de Jim O’Rourke).

Francesc Feliu

POP

1114

Es una mera anécdota el hecho que Èlena comparta cantante con un afamado grupo español. Y lo es porque esta banda ha conseguido hablar por sí misma, sin necesidad de referencias externas ni explicaciones del tipo “es la antigua banda de”. Este reencuentro hace tiempo que venía siendo reclamado por los corazones de muchos aficionados a la música. Y qué bien les han sentado estos años de hibernación, porque el proyecto ha eclosionado para convertirse en un rejuvenecido adolescente en la flor de la vida, rico en ideas y precioso en su concepción del pop. El cambio al catalán empaca perfectamente con la voz pequeña, amable y cariñosa de Helena Miquel, dotando a la banda de un nuevo concepto, alejado de la oscuridad de aquel “Present” (2003) que supuso su temporal retirada. Con la duración de un desayuno calmado, el disco concentra en apenas media hora una obra inspirada, sin imposiciones y con unos referentes que van desde el rock sureño hasta el Sufjan Stevens más folclórico. Hay una nueva vida para Èlena y hay que celebrarlo.

Rafa de los Arcos

“ Sonido campeón ”

111 Parte de uno de los pedazos más importantes de la historia del rap nacional y ex compañeros en CPV, el grupo que más influencia han tenido en la evolución del hip hop en España, Jota Mayúscula y Supernafamacho han seguido cada uno su propio camino, a pesar de haberse reencontrado puntualmente. El primero es uno de los productores más respetados y de más éxito de la escena y el segundo ha apurado el momento de su regreso hasta la edición de este “Sonido campeón” y su trabajo en solitario “Gran reserva”. Su estilo no ha cambiado con los años, sigue ofreciendo sus rimas con un flow apagado, monocorde, casi hablando, y tan marcado que deja invariablemente todo el protagonismo al MC invitado -destacan Pachamama Crew y Duddi Wallace-, pero ofreciendo pocos momentos de verdadero lucimiento. Más jugo tienen las bases de Jota Mayúscula, que muestra su dominio en algunos de los cortes más crudos como ”Cruje”, “¿Quién lo mueve?” o en el single “Crema”.

La sensación general es que no todos los colaboradores están a la altura y que teniendo en cuenta el peso de uno y otro podríamos haber esperado algo más. Joan Cabot

ANÚNCIATE EN EL ESPECIAL FESTIVALES 2009

MONDOSONORO Salida: Primera semana de JUNIO 2009 Reserva antes del 20 de Mayo: publicidad@mondosonoro.com

“Dirty Towels” 1114

Fueron los ganadores del Proyecto Demo de hace un par de años y se han recorrido los festivales de media España como si de una masiva puesta de largo se tratara. La ocasión lo merecía. Catapultados como una banda a tener en cuenta por parte de crítica y público, obviamente, registrar su primer álbum se les antojaba como algo más que un reto.

Siguiendo la estela de We Are Standard y suspirando por el recuerdo de la escena de Manchester, este cuarteto vasco apuesta por esa corriente dance rock que tantas alegrías nos ha dado recientemente en noches de desfase salvaje. Y lo cierto es que dejan a un servidor con un buen sabor de boca. “Twilight Day” y su bajo minimalista, ese “Power Life In America” que podría entonar el mismísimo James Murphy o los oscuros sintetizadores de “In The City” hacen de “Dirty Towels” una ecléctica mezcla de rock bailable para ser degustada en su hábitat natural: la pista de baile. La jugada les ha salido redonda y todas las expectativas que se habían depositado en ellos se han superado con creces. Sergio del Amo

(vinilos /48/ Abril 2009 · MondoSonoro)

u2 recupera la salud MAZONI

“Eufòria, 5-Esperança, 0” Bankrobber

ROCK

1112

“Si els dits fossin xilòfons” (Bankrobber, 07), segundo disco de Mazoni, flirteaba con el pop, la psicodelia e incluso la canción de autor. Dos años después, y con toda esperanza arruinada, Jaume Pla vuelve con el tercer largo en catalán de su alter ego inspirado en las malvadas amazonas que aparecían en el manga y anime Capitán Harlock. “Eufòria, 5-Esperança, 0” es una apuesta clara por la intensidad y la fuerza del rock menos obvio, sin perder ni un ápice de jugueteo con otros estilos.

Además del endurecimiento de sus letras, descarnadas y poco conformes con la situación social actual, la principal novedad del nuevo álbum de Mazoni es que las canciones experimentan multitud de cambios en su interior. Olvidémonos de la estrofa– estribillo clásica: el nuevo Mazoni flirtea con multitud de géneros e instrumentos y los presenta bajo la energía intensa del rock, consiguiendo piezas con multitud de capas y fragancias. Jordi Nopca

U2 Foto Archivo

U2

“No Line On The Horizon” Island/Universal

ROCK

1114

Si son ustedes de aquellos que dudan sobre la posibilidad de que U2 firmen buenos discos a estas alturas, sigan evitando cualquier comentario a propósito de “No Line On The Horizon”. Quizás Bono, The Edge, Clayton y Mullen estén viejos, calvos o gordos, tanto da, lo que importa es que mantienen la cabeza despejada y, con las escuchas, lo que podía parecer desorientación va tomando cuerpo y dibujando un presente apreciable. Producido por Brian

FANGORIA

“Absolutamente” Dro

POP

1114 Alaska y Nacho Canut son unos supervivientes del glamour más castizo y melodramático, pese a quien le pese. El ramalazo rockero que demostraron en “El extraño viaje” vuelve a hacerse palpable en su última obra, “Absolutamente”, un álbum que no nos descubre nada nuevo en el particular universo fangoriano, pero que desde la primera escucha resulta ser de lo más adictivo. Grabado en Londres de la mano de sus admirados Neal X y Tony James (de la mítica banda Sigue Sigue Sputnik), este popurrí de influencias confesas que va desde el rock más banal hasta el electro de sus idolatrados Pet Shop Boys recoge, a su modo, lo que Fangoria ha sido durante los últimos años. “Las Walpurgis te van a llamar” (una joya chiclé-pop con título marciano predestinada a ser una rompepistas) o la poligonera de postín “Perdiendo los papeles otra vez” cohabitan con la arriesgada “Mi futuro sin ti” (digna sucesora de la era Jean) o la inquietante oda mortífera “Con los ángeles”.

A pesar del cambio de tinte de la polifacética Alaska siguen siendo unos petardos de aúpa. Pero, eso sí, suenan más contundentes que nunca. Sergio del Amo

Eno y Daniel Lanois, con la dosis justa de modernidad (algo de electrónica, algunas guitarras rockeras como las de “Get On Your Boots”, un aire a “Achtung Baby” en el sonido de ciertos temas como “Stand Up Comedy”) entendida desde la perspectiva de U2, “No Line On The Horizon” mira al mismo tiempo al pasado del grupo, al tiempo que incluye los coros más efectivos que hayan incluido en cualquiera de sus últimos discos (con “Unknow Caller” al frente). No cabe duda de que los irlandeses no ganarán seguidores con el disco, pero quienes llevamos años disfrutando con ellos (que somos legión) no vamos a tener que esconder la cabeza frente a sus detractores (que también son legión). Joan S. Luna

OF MONTREAL

TRECE14

Polyvinyl/Locomotive

Urban Empire

“Trece14ando”

“Skeletal Lamping” POP

1114

Cuando de lo que se trata es de hablar de esa rara especie de creadores de universos, enumerar estilos o referencias es caer en futilidades. En el caso de Of Montreal, el estilo es lo de menos, el lenguaje es sólo un vehículo, una mera traducción. Kevin Barnes acaricia tu sistema receptor con la melodía, permite que reconozcas tu bagaje musical en lo que escuchas, dos segundos, un minuto, y de repente, tú aún no lo sabes, has entrado con él en el descacharramiento y la espiral bizarra. Hay algo de enfermo en la música de Of Montreal, algo puro, algo que arrastra y es más grande que lo que suena. “Juntaos con vuestros amigos y haced algo especial, significativo, algo que recordar cuando seais ancianos”, dice el colectivo Elephant 6. Quizá ese sea el secreto, ese y no poner caminos para encauzar lo que viene de dentro, contaminar la verdad lo menos posible. No tengo ni idea de qué tipo de música hace Kevin Barnes, pero celebro sus discos excesivos, a ratos molestos, de tacto sexual y espíritu intangible como una columna de aire. La exploración de la mente humana crea monstruos, pero no tenemos por qué intentar entenderlos. Jorge Ramos

RAP

11114

Trece14 son los invitados inesperados al banquete. A pesar de que tanto Tomy G como Coco sean dos veteranos respetados, uno valenciano y miembro de los desaparecidos Fill Black y el otro de Barcelona y ex de los también disueltos Elements, nadie podía anticipar que lo que saldría de aquella primera colaboración de 2001 sería uno de los álbumes más sorprendentes, incontestables y bombásticos del rap nacional en tiempo. Y es que “Trece14ando” debería poner la escena patas arriba y mandar a más de uno de vuelta a su casa a pensárselo un rato antes de volver a ponerse el micro en la boca o a tocar el Fruity Loops. Producido en su grueso por JC Moreno y Cookin’ Soul, el álbum remite al mejor underground americano, de NYGz a Clipse, sin vergüenza, con credibilidad, la que te confiere la experiencia y una suprema calidad en la lírica. Desde ese inicio a degüello con “Avanzo” y “Manos en el aire” hasta el buenrollismo de “Estamos bien” y “Siempre”, cada uno de los temas de este debut es un argumento a favor de Trece14, quienes, casi a traición, no sólo se han presentado sin invitación a la cena, sino que nos han dejado sin postre. A su salud. Joan Cabot

LOS NEGATIVOS

“Dandies entre basura” Bittersweet

POP

1114

Acérquense a Los Negativos aparcando las etiquetas estilísticas. Olvídense de si simpatizan o no con las texturas musicales revival en cualquiera de sus variantes. Háganlo y podrán disfrutar plenamente de este “Dandies entre basura”, el regreso de la mítica banda Barcelonesa Los Negativos. Rock fronterizo, melancolía en las melodías y una herencia evidente (incluso demasiado directa) de otra época. Pero Los Negativos no buscan introducirse en una máquina del tiempo que les traslade a los años sesenta, sino que son responsables de un sonido propio que para nada resulta anacrónico.

Una producción impecable y lúdica viste las canciones de actualidad con los ingredientes justos de los grandes del rock de entonces. La tríada Paul Weller, The Beatles y The Rolling Stones es la religión que parecen seguir fielmente a lo largo de canciones como la deliciosamente ingenua “Flash” o la exquisita “Dandies entre basura”, que da título al largo. Una lástima que ciertos pasajes en el ecuador del disco (por la incomprensión que provocan) bajen el nivel general de un trabajo lúcido, sólido y de flequillos prominentes. Rafa de los Arcos

MORRISSEY

“Years Of Refusal” Polydor/Universal

POP

1114

Ni el perfil de crooner con plan de jubilación a cargo del erario lúdico de Las Vegas con el que amenazaba en el solvente (aunque sobrevalorado) “You Are The Quarry” (04) ni la plúmbea veta adulta, acolchada entre cuerdas, del denostado “Ringleader Of The Tormentors” (06). Lo de Mozz con su nuevo álbum, seguramente el mejor de los tres que ha facturado con el cambio de milenio, es mucho más. Es su mejor colección de canciones en mucho tiempo, y la prueba

fehaciente de que el registro rugoso y abiertamente rockista del malogrado productor Jerry Finn es el que mejor le sienta de un tiempo a esta parte. Nada como testar sus similitudes con el centelleante glam rock de “Your Arsenal” (92), posiblemente el eslabón de la cadena post-Smiths con el que más tiene en común. Y es así pese a que los cumplidores “All You Need Is Me” y “That’s How People Grow Up”, sus dos adelantos, no auguraban grandes volantazos en su trayecto. Pero ciertas audacias ornamentales, para lo que acostumbra (los vientos fronterizos de “When Last I Spoke To Carol” o “One Day Goodbye Will Be Farewell”), la perenne maestría para el melodrama pop (“It’s Not Your Birthday Anymore”) y, sobre todo, la fulminante rotundidad de casi todo su minutaje, hacen olvidar deslices. Carlos Pérez de Ziriza

MI AMI

“Watersports” Quarterstick/Pias

ROCK

1114

Si hubo algo positivo en la disolución de Black Eyes es, ahora lo sabemos, que aquello supusiese el nacimiento de Mi Ami, trío de colgados en el que militan Daniel MartinMcCormick y Jacob Long, otrora miembros del quinteto que publicaba en Dischord.

Grabado en dos días, “Watersports” es uno de esos trabajos que se desarrolla sin más límites que los que su minutaje provoca, en los que sus miembros experimentan con el ritmo y con los desarrollos. Bailables a veces, psicodélicos cuando pierden de vista el mundo, y sobre todo vibrantes, Mi Ami le patean el culo a Gang Gang Dance sonando tan rasposos como Liars, con unas guitarras que escuecen como jugo de limón en el lagrimal, y agarrándose a la abstracción de unos 23 Skidoo renacidos en San Francisco vía Washington. Mientras, Martin-McCormick susurra, grita o canta sobre la base rítmica con un registro agudo y chirriante, como si alguien le estuviese estrujando las pelotas a Ian Svenonius. “Watersports” es un buen disco para dejarse llevar en casa, sin iluminación, sin prisas, y quien sabe, si fuman ustedes hierba hasta podría parecerles una obra maestra. Joan S. Luna

J. TILLMAN

“Vacilando Territory Blues”

Bella Union/Nuevos Medios

FOLK

1114

Cuando Fleet Foxes ficharon a Joshua Tillman, poco antes de entrar en el estudio para grabar su celebrado primer álbum, se llevaron algo más que un buen batería. Tillman ya lleva a sus espaldas sendos álbumes en solitario y, tras escuchar “Vacilando Territory Blues”, su sexto trabajo, resulta recomendable y casi obligatorio volver a escuchar “Fleet Foxes” (Bella Union/Nuevos Medios, 08) para rastrear la que ha sido su influencia en el sonido de la banda de Robyn Pecknold.

En los coros semisacros de Firstborn hay un primer ejemplo, pero hay muestras de su peso en todo el álbum: la atmósfera ceremonial, los arreglos precisos y preciosistas, aquí ejecutados de forma escueta, sobria y apegados a una atmósfera sombría alejada de los espacios abiertos que conforman el paisaje en el anterior proyecto. Las canciones de Tillman podrían considerarse el anverso del debut de los de Seattle, las hermanas tristes y melancólicas pero igualmente bellas de una de las colecciones más emocionantes de las que escuchamos el año pasado. El resultado es, en cualquier caso, igualmente emocionante y evocador. Si uno te invitaba a viajar y soñar, pero, este te invita a quedarte en casa a lamerte las heridas acurrucado al lado del fuego. Joan Cabot

(MondoSonoro · Abril 2009 /49/ vinilos)

AKRON/FAMILY

“Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free” Young God

ROCK

1114

El que avisa no es traidor y Akron/Family lo hicieron en su último paso por España el pasado verano. Con el abandono de Ryan Vanderhoof aún tierno y entregados al nuevo formato a tres bandas, centraron su repertorio en nuevas composiciones y montaron una jarana de padre y muy señor mío a base de galopadas psych-rock tan excesivas como hipnóticas. Ese dato y un simple vistazo al line-up de aquella noche -como compañeros de gira les acompañaban los tradicionalistas Vetiver- nos ofrece las claves para entender el cuarto álbum de la formación neoyorquina. Ni rastro de aquella experimentación africanista que Seth Olinsky, el líder de la banda, me prometió en la entrevista promocional de “Love Is Simple” para su siguiente paso.

“Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free” se refugia en el folk y el rock más tradicional, con Neil Young y sus Crazy Horse siempre en el horizonte, y responde a sus diferentes estados de ánimo con extensas y furiosas jams guitarreras o delicadas composiciones acústicas en la línea de la banda de Andy Cabic. Los puristas estarán contentos, pero quienes admirábamos la capacidad de Akron/Family para sonar tan sólo a sí mismos nos llevamos un pequeño chasco. Luis J. Menéndez

BENJAMIN DIAMOND “Cruise Control” Diamondtraxx

POP

111

En su tercer trabajo, Benjamin Cohen ha decidido desprenderse un poco de los sonidos house para hacer un álbum más pop. El resultado es un trabajo ecléctico e irregular, pues la mezcla entre intimismo y hits bailables no acaba de cuajar. Las piezas destinadas a la pista de baile funcionan bastante bien, pero no se puede decir lo mismo de los cortes más pop. Benjamin intenta sonar cercano, pero queda postizo. Y no es que el chico no lo intente, pero en general cuando se aleja de los beats y intenta que todo suene más sencillo, más orgánico, los temas dejan de tener interés. “Same Old Things” es un rompepistas de la escuela Daft Punk de lo más pegadizo y “Don’t Stop” tiene un toque funk muy Jamiroquai. “Baby’s On Fire”, el primer single, es un trallazo que le acerca a los Franz Ferdinand más electrónicos; sin embargo en la balada “The Letter” o la psicodélica “The Other Side” resulta tibio. Más a gusto se le ve en “Still”, “Deep Inside” o “This Is It”, donde se acerca al pop de sintetizadores de paisanos como Phoenix o Tahiti 80. Marc Luelmo

THE RAKES “Klang!”

V2/Nuevos Medios

POP

111

The Rakes son esa banda londinense que se creen más de lo que son, para qué vamos a engañarnos. Un grupo de cuatro jóvenes que tocan instrumentos y hacen canciones pegadizas cogiendo de aquí y de allá y que se visten como directores de cine noveles con la certeza de estar tocados con un designio divino. Vale, su misión en el planeta consiste de momento en entregarnos su

tercer álbum, que no llega a media hora, con una urgencia propia de estos tiempos. Pero entrados en materia, y aunque parezca una contradicción, “Klang!” es un disco relevante, que no vital, en esto del pop bailable al que se dedica el cuarteto. Temas como “Bitchin’ In The Kitchen” son un recuerdo a los Blur más gamberros, algo que sobrevuela a lo largo del disco, pero son inevitables las sensaciones al cerrar los ojos: ¿estamos en los probadores de un H&M de periferia cualquiera o tratando de centrarnos en casa y hacer una reseña de lo último de The Rakes?

Vale, esto último. Pues, siendo así, es de justicia decir que este tercer largo de la banda supone un tiro en la diana más, pero que las balas no son infinitas y el tiempo pasa, y The Rakes no serán por siempre cuatro esmirriados exitosos, proyectores del tópico británico. Nacho P.L.

the unfinished sympathy más sólidos que nunca

UNDERWATER TEA PARTY “Crisis, What Crisis?””

Green Ufos

POP

1114

Podría empezar escribiendo que si fueran británicos tendrían mucho más éxito y que siempre desmerecemos lo nuestro; porque sencillos como “Better Than The Movies” son incontestables y bla, bla, bla; pero no merece la pena. Las delicias del exceso se disfrutan igual vengan de dónde vengan, y lo que cada cual piense es cosa suya mientras que los coros estén en su sitio. Y lo están. Su segundo disco -primero para Green Ufos- suena menos a Stereolab o The Flaming Lips y más a ellos mismos. Con su debut fueron una de las efímeras sensaciones del año y hoy, con un trabajo más contundente gracias al sonido analógico y a la calidez del Mellotron y el mini Moog y con más o menos el mismo número de buenas canciones, pueden quedarse tranquilamente en una de esas burbujas que explotan sin dejar rastro si no les prestamos la atención necesaria. Delicias como “Mind The Gap”, “Granma, I’ve Just Seen Elvis”, “Runaway”, “Witch Train” (muy en la onda de los suecos Cloudberry Jam o Club 8) conviven con canciones en las que la psicodelia está más presente (“Caught By The 25th” o “Plastic Cans”) y con algún medio tiempo con el que tal vez no han dado en el clavo. Es sólo su segundo álbum, así que denles tiempo: prometen. J. Batahola

YOU AM I

“Dilettantes” Bittersweet

POP

1114 Poco conocidos en Europa, los discos de You Am I siempre se cuelan en las listas de los más vendidos en Australia. Ellos no tienen la respuesta, y quizá lo consigan por eso mismo, sólo con no hacer caso a lo que cada momento dicta que deberías hacer si quieres estar arriba. Si en su anterior disco eran convictos, diletante es ahora la palabra sobre la que gira todo. Son notorias las posturas de Tim Rogers, cantante y compositor de la banda, que ha declarado en más de una ocasión ser un músico normalito, que no se preocupa mucho por conseguir la excelencia porque sabe que no está a su alcance, pero lo cierto es que en esta entrega, desde la preciosista “Dilettantes” que abre y da título al disco, pasan muchas cosas. Hay contenido y hay tensión, alguien ha llegado hasta un lugar y vuelve para contarlo. Las guitarras son claras y las melodías son más amables (casi más en línea con los trabajos en solitario de Rogers) pero en absoluto inofensivas.

Un poco adulto, un poco indie, muy noventero, es difícil coger las chinchetas y poner en coordenadas este trabajo. Si es así, que vivan los diletantes. Jorge Ramos

The Unfished Sympathy Foto Guillem La Foz

THE UNFINISHED SYMPATHY “Avida Dollars” Subterfuge

ROCK

11114

Cuando uno se hace mayor se va dando cuenta de que no hace falta apretar la mandíbula para mantener el equilibrio y de que éste sigue ahí si, simplemente, caminamos con la cabeza erguida. Profundamente convencidos de sí mismos, The Unfinished Sympathy cogen una caravana (“Girl, You Don’t Have A Heart”), camisa de cuadros y gafas de sol (“Hooligans In Love”), mirada fugaz al retrovisor (“Continental Drift”) en un viaje sin peaje (“Homedrunk”) y

optimista (“Magic Harvest”), con las paradas estrictamente necesarias (“Dear Diamond”), que les lleva a unos terrenos que siempre habían pisado pero nunca así (“We’re Gonna Be Parents”), tan libres de justificaciones (“Give Up Dig Down”). No pregunten cómo los pisan esta vez pues la respuesta sincera sería más sencilla que la normalmente esperada, sólo recuerden que -encuentren comida o dólares- estas canciones sólo se buscan a si mismas. Unas canciones que, parafraseando al maestro Galeano, sirven nada más y nada menos que para caminar. Y si lo prefieren sin metafísicas: probablemente el mejor disco posible de unos Unfinished que nunca se fueron, sólo caminaban en su propia dirección. Nacho P. L.

LA PEGATINA

HATCHAM SOCIAL

DE VITO

Kasba Music

Fierce Panda/Popstock!

King Of Patio/Naked Man Recordings

RUMBA

POP

“Via Mandarina”

1114 Segundo disco de esta banda callejera y buen ejemplo de que la unión de Internet y asumir las tareas de producción, promoción y management por parte del propio grupo funciona. Los resultados hablan por si solos, en pocas semanas llevan más de diez mil descargas del disco y aumentando vertiginosamente. En su primer trabajo colaboró Manu Chao y, aunque en éste no aparece, dicen que les dio consejos sabios de por dónde tirar. Ellos no lo ocultan, admiran y han mamado musicalmente de Manu (“A Morriña”), también de Che Sudaka (“Mandarinas y Pomelos”) o de Dusminguet (“Lerei”) y honran a Mártires Del Compás (ilustre su per-versión de “Qué bonito es el amor”) o a los extintos granadinos Tatamka (irreconocible su versión de “Sun Bay”) y, cómo no, a Gato Pérez (“El gat rumberu”). Los que sí colaboran son El Puchero del Hortelano y D’Callaos. Estos últimos lo hacen en “Alosque”, de lo mejor del disco. Son como los Ramones de la rumba urbana. No han inventado la pólvora, pero no veas cómo la utilizan.

Miguel Amorós

“You Dig The Tunnel I’ll Hide The Soil” 1111

El verano pasado pudimos comprobar en el Faraday de Vilanova i la Geltrú la efectividad en directo de esta banda de Londres, cuando tan sólo habían publicado algunos singles, como “How Soon Was Then?” (WaKS, 07), “Til The Dawn” (WaKS, 07) o “So So Happy Making” (Loog, 08). Ahora se presentan con su disco de debut bajo el brazo, y vaya disco.

Son once temas capaces de dejarle a uno atrapado tras la primera escucha. Será el disco de la temporada para muchos –sobre todo para todos aquellos adictos del pop elegante de los ochenta-. Llevan en activo desde 2006 y entre sus filas cuentan con el ex-batería de Klaxons; son muy amigos de The Horrors (Faris Badwan les ha producido y ha creado el artwork de algún single), y han sido producidos por Tim Burgess de The Charlatans –declarado fan de la banda-. Temas como “Murder In The Dark” nos traslada hasta hace dos décadas; baterías secas y bajos musculosos te hacen menear la osamenta mientras te desgarran unas guitarras en forma de sierra bien afilada. En “Hypnotise Terrible Eyes” se alarga la sombra de los The Smiths más aguerridos. Si te gustan Josef K y Orange Juice les adorarás. Lluís S. Ceprián

“Arty Party” ROCK

1111

De las cenizas de los Sullivans, uno de los grupos más relevantes del panorama pop zaragozano en el último lustro y de tres de los componentes de aquel proyecto (Fuxedo, Ed Sullivan y Pablo Malatesta), nacieron hace cosa de dos años De Vito, un divertido proyecto de rock con pinceladas punk y pop que tras patearse conciertos y concursos a lo largo y ancho de la península, ven ahora publicado su primer trabajo editado en vinilo rosa. Cinco temas que podríamos encasillar dentro del desparrame electrónico de unos Klaxons etílicos a orillas del Ebro y con acento alemán en la inmediata “Alles Auf Deustch”; y el humor maño y las guitarras a lo The Killers (los de su primer disco, entiéndanme) de “Clap Your Hands Say Co!”.

Entre medias quedarían el desparrame madchesteriano de “De Putas y astronautas” y “Buenas noches Beirut”, quizá el tema más elaborado, un hit inmediato de rock bailable, que junto a la gamberra “Arturito y Citripio” completa este interesante miniálbum apto para rockeros sin complejos y discotequeros hartos de ritmos trotones y aburridos. Fiesta, fiesta y más fiesta.

José Manuel Cisneros

(vinilos /50/ Abril 2009 · MondoSonoro)

los coronas, la mejor música instrumental A CAMP

“Colonia” Reveal Records

POP

111

Hace años que The Cardigans perdieron el rumbo. Fue justo al editar “Gran Turismo”, un disco en el que abrazaban definitivamente el indie masivo de garrafón que fue capaz de atrapar a más de un oyente despistado.

Una operación que tenía en “My Favourite Game”, su cima cutre, una de los éxitos más bobos del mainstream de qualite reciente.

Quizás por mala conciencia, o por echar de menos sus primeros pasos (a The Cardigans les quisimos mucho en sus inicios por ese pop sesentas tan cool que sabían facturar a la perfección), Nina Persson, su cantante, dio vida A Camp, un proyecto paralelo que está, hoy por hoy, muy por encima de su banda madre. “Colonia” es el segundo disco de esta aventura, un apañado trabajo de pop orquestal que se mira con respeto en el grande pop de Rufus Wainwright y en los sesenta más arreglados. Mark Linkous (Sparklehorse), productor del debut de A Camp, está aquí sólo como músico invitado, papel que comparte, entre otros, con Joan Wasser (Joan As Police Woman) y James Iha (Smashing Pumpkins). Xavi Sánchez Pons

Los Coronas Foto Archivo

LOS CORONAS “El baile final” “Bittersweet

INSTRUMENTAL

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Se jugaban mucho. Había que volver a demostrar que no son sólo uno de los grupos con mejor directo instrumental del planeta, sino que además saben innovar y aportar nuevos matices desde el estudio. Conociendo su hiperbólica autocrítica, estoy seguro de que la apuesta iba por dentro.

Detalles como que este sea su disco más cinematográfico, con mayor aroma desértico o que la etiqueta “Spanish instro band” sea más visible que nunca se resumen en una

palabra: personalidad. Curtidos en mil timbas han jugado sus cartas con las ideas claras, resultando la entrega más redonda de su trayectoria. “Big Wave Riders” y “Soul Surfer” son dos piezas maestras que reivindican el surf del que nacieron. La magistral “Los rumbaleros” y “Rancho Leone” españolizan los sonidos fronterizos. “Aguascalientes” y “Calle Tesoro” reflejan que la melodía es un arte.

“Alamerde”, con más gancho que pretensiones, será una de las piezas mejor recordadas. Y las versiones “Libertwango” y “Jinetes radioactivos” aclaran que tienen todas las puertas abiertas. “El baile final”, un disco hecho por y para amantes de la música instrumental, que debería despertar a nuevos apasionados. Diego R. J.

DAN AUERBACH

GRANDMASTER FLASH

zZz

CQQP/Nuevos Medios

Strut/Popstock!

Anti/Pias

“Keep It Hid” ROCK

“The Bridge: Concept Of A Culture” 1111

A Dan Auerbach le conocemos por ser la mitad barbuda del dúo de garage-rock The Black Keys, pero puede que, a partir de ahora, también lo empecemos a apreciar por este disco en solitario que muestra, con toda la crudeza de lo auténtico, catorce composiciones de proto-rock, blues, soul y demás sonidos añejos emitidos con una clarividencia propia de quien conoce el medio a la perfección. Pero esto que podría quedar tan sólo en una mera anécdota perdida en ese mar de referencias que nos asalta mensualmente, cobra valor gracias a unas composiciones que, pese a una producción descacharrada y rasposa como una barba de tres días, se adueñan de tu inconsciente, conectando con ese primigenio sentimiento de autenticidad pura. Es como si diera en el blanco del arquetipo de la música norteamericana y lo sacara a flote con una efectividad pasmosa. Por eso te lo pones y sientes la necesidad de volver a caer en ello una y otra vez, sin agotarte. Desde la balada soul “When The Night Comes” a la oscuridad fuzz de “The Prowl” o el blues a lo RL Burnside de “Keep It Hid” hay un abanico de sabores tan grande por recorrer que no te cansas jamás. Don Disturbios

RAP

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Grandmaster Flash fue el gran cerebro técnico de su tiempo. Sus conocimientos de electrónica le ayudaron a llevar a cabo innovaciones ahora comunes en mesas de mezcla y su estilo de producción se avanzó a los samples. Más de tres décadas después y veinte años después de su último disco de estudio, Joseph Saddler pública “The Bridge”, en el que tributa a la cultura que él ayudó a nacer poniendo de relieve su impacto global (“We Speak Hip Hop”, con la presencia de Kase-O de Violadores del Verso es el mayor reflejo), su influencia más allá de lo que podría haber imaginado hasta el más iluso de aquellos chavales del Bronx que sacudieron la historia de la música negra asaltándola con absoluto descaro. Él era uno de ellos y en cierto sentido “The Bridge” no deja de ser un autohomenaje. Flash domina este lenguaje como un padre conoce a su hijo y es capaz de darle un enorme álito de dignidad a un disco cuya aportación se limita a recuperar a una de las figuras más importantes en la música del último medio siglo y verlo trabajar junto a sus alumnos y algunas leyendas como Big Daddy Kane, KRS One o Grandmaster Caz. Palabras mayores. Joan Cabot

“Running With The Beast” ROCK

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El nombre de su grupo reproduce la onomatopeya que se asocia al sueño (zZz), pero su apuesta sonora quiere provocar lo contrario: si nos remitimos a algunos de los títulos de su primer álbum “Sounds Of zZz” (05) y a los efectos que generan en el oyente, transmiten una cantidad importante de energía (“Ecstasy”), escupen martilleos insanos (“Hammerhead”) y emanan mucha suciedad (“House Of Sin”). En “Running With The Beast”, Björn Ottenheim y Dan Schinkel apuestan por un sonido más limpio que el de “Sounds Of zZz”: los referentes siguen siendo Suicide –por la oscuridad–, las voces torturadas de Ian Curtis y Jim Morrison y cualquier melodía sencilla que pueda ser transformada en hit. zZz han perdido un poco de fuelle, en estas nuevas composiciones –y la mejor manera de aproximarse a ellos continúa siendo su debut– pero aun así intuimos que bajo el medio gas de “Amanda” o “Angel” se encuentra, aunque maquillada, la fuerza de su repertorio más intenso, que en “Spoil The Party” o “Loverboy” aparece sin disimulo y recupera por momentos la magia del synth-rock más primitivo pero extrañamente interesante de zZz. Jordi Nopca

BISHOP ALLEN “Grrr...”

Dead Oceans/Popstock!

POP

1114

Comparándolo a la energía de sus actuaciones en directo o al sonido de su anterior “Broken String”, el tercer álbum de la banda que lideran Christian Rudder y Justin Rice podría decepcionar en una primera escucha: aquí no hay ningún “Middle Management”, la exaltación pop desaparece en favor de un sonido más elaborado y a la vez más desnudo, sin tanta profusión de arreglos como en su debut. En cambio, las composiciones de Rice se estilizan. Podríamos hablar de madurez si no fuera una palabra fuera de lugar en casos como el de Bishop Allen, eternamente jóvenes gracias al poder de la canción pop.

“Dirt On Your New Shoes” es un gran ejemplo: uno de esos temas en los que apenas te fijas hasta que tropiezas con él, te caes dentro, y ya no puedes salir. A su lado “Oklahoma” parece hasta algo tonta. Y en “Grrr...” todo funciona un poco al revés: las mejores canciones son las que pasan primero desapercibidas, y las que te habían gustado de entrada van quedando en segundo plano, y si al principio tenías alguna duda sobre si serían todavía uno de esos grupos para guardar en la cajita de Remedios Caseros Para Malos Días, éstas se van disipando con cada escucha de “Don’t Hideaway” y “South China Moon”. Sigue funcionando. Joan Cabot

MONTAÑAS/LE MOT “Ep’s” Tres Pies

POP

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No es sólo que el día a día parezca a veces ciencia ficción, ni que vivir en una ciudad pequeña pueda llegar a ser el motor de muchas cosas. Es Asturias y un calamar gigante varado en la playa. Es Asturias y un museo para admirar al calamar. El Atlántico, los Picos de Europa, las montañas verdigrises. Todo eso son Montañas, pero no sólo eso. Es el nervio

de las canciones vaqueiras y las formas de los primeros Beat Happening, más bestiales, primitivos y otra vez asturianos. Por si fuera poco, las canciones de este single son una maravilla de pop troglodita y estribillos de los que se cantan a gritos. Por su parte, Malela (Grande-Marlaska, Nosoträsh, El Coro de la Dinamo...) hace debutar por fin a Le Mot, su alter ego para hacer canciones bonitas y desnudas, sobre echar de menos, sobreponerse y coger fuerzas para volver a empezar. Este debut tiene auténticas maravillas como “Uh Uh” (sería favorita en cualquier disco de Bart Davenport), “Mi menor primera” (puro Eliott Smith) o “Una menos”, la más Nick Drake del lote. Voz y melodías cuidadas y un gusto por el detalle preciosista, pero exacto. La perfección folk-pop. Enrique Ramos

VV. AA.

“Fly Girls! B-Boys Beware” Soul Jazz Records

RAP

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Coincidiendo con el treinta aniversario de la grabación de la primera canción de rap por parte de una mujer -las hermanas Winley en 1979- Soul Jazz escava en la historia del hip hop en clave femenina, partiendo de sus orígenes en la poesía y la música negra de los setenta hasta llegar a Missy Elliott. “Fly Girls” mezcla sin rigor cronológico a precursoras como Nicki Giovanni y su electrizante reafirmación de la feminidad negra en “Ego Tripping” (Blackalicious la recuperó para su “Nia”), Camile Yarborough (cuyo “Take Yo’ Praise” usó Fatboy Slim) y Sarah Webster Fabio, quienes influyeron tanto en la actitud y estilo de las MC’s femeninas como en el rap en general a diferentes niveles, con The Sequence, Tina B, Tanya Winley, Lady B y Roxanne Shanté, ésta última una de las figuras más importantes en este relato. She Rockers, JJ Fad, MC Lyte, Bahamadia y Queen Latifah (cuya carrera como actriz ha logrado que muchos se olviden de la gran rapera que fue) toman el testigo y ofrecen una visión de la evolución del género de Costa a Costa y de cual fue la aportación de esas B-Girls que intentaron que sus voces fueran escuchadas en un momento en que el rap era de cada vez más testosterona y menos flow. Si hay una ausencia es la de Sha Rock, de The Funky Four + 1, aunque esa omisión está en cierto sentido justificada. Aquí mandan ellas.

Joan Cabot

CHALLENGUER

“Dilitid”

Arindelle Records

ROCK

1114 Tardío álbum de debut para los madrileños, que llevan en activo en esto desde nada menos que 2002, tocando en directo con la mayoría de los grupos punteros de la escena (It’s Not Not, (lo:mûeso), The Unfinished Sympathy...). Rock sucio de la vieja escuela de los noventa, guitarrero, saltarín y con una inclinación bien definida por la melodía como principal vector. El disco suena muy compacto y en una escucha continuada se nota preocupación porque el resultado tenga cierta coherencia global. Abundan las referencias, cómo no, pero bien elegidas y contando con la voz como principal elemento diferenciador. Sirva como ejemplo el segundo tema, el magnífico “Rusty Moore”, una mezcla entre los Ramones más corales y los primeros Teenage Fanclub. Con “Seven Shorts” nos muestran su vertiente más college punk americano con unas guitarras que no dejan de hacer ruido. “What I Used To Be” es puro Oxford Collapse (nada menos) y la versión final del “Police On My Back” de The Clash hace de este un sorprendente disco de debut. Dani Arnal

(MondoSonoro · Abril 2009 /51/ vinilos)

PURE REASON REVOLUTION “Amor Vincit Omnia” SPV/Pias

ROCK

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Amantes de Pink Floyd, Super Furry Animals y Porcupine Tree, “Amor Vincit Omnia”, segundo largo de este cuarteto británico liderado por Jon Courtney y Chloe Alper, refina y redimensiona las coordenadas establecidas en su anterior “The Dark Third”. El resultado es un marciano y dinámico conglomerado de punk, electrónica, pop y metal con tendencias progresivas. De sonido potente aunque ligeramente sobreproducido, el disco se abre con la bailable “Les Malheurs”, medio tiempo marcial con vocación de rompepistas que funde sin complejos a Depeche Mode, Gravity Kills y Muse. La siguiente “Victorious Cupid” introduce el factor contundencia; unos riffs de guitarra corpóreos con una retahíla de samples orgánicos y otros tantos falsetes.

Hasta aquí bien. Y así continúan con una alternancia de tonalidades que perpetúan sin estridencias, pero que acusa cierta dispersión e incoherencia a medida que avanza el disco. Con todo, logran sorprender, que ya es mucho. David Sabaté

GORAN BREGOVIC “Alkohol” Universal

BALKAN MUSIC

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Nuevo disco de uno de los máximos representantes de la cultura y música balcánica.

Bregovic nació en Sarajevo, de madre serbia y padre croata, pero en su país despierta tanta pasión como animadversión. Por un lado ha contribuido muchísimo a la expansión de esa cultura, pero, por otro, muchos músicos le repudian por apropiarse de derechos de autor de canciones sin registrar. Sin embargo si hay que valorar su música, la nota es excepcional.

Y con este compacto vuelve a puntuar alto.

Un disco dividido en dos partes. Éste está dedicado a la Sljivovica, bebida nacional de su país (una variedad de la rakia) y fue grabado en directo en Guca, una pequeña población serbia que durante una semana de agosto se convierte en un “San Fermín”, pero musical.

Aquí volvemos a encontrarnos con canciones tradicionales (y algunas ¡composiciones propias!) basadas en el folklore balcánico e interpretadas por su Banda de Bodas y Funerales. Por mucho que su grupo tenga ese nombre, su música es para bailar y festejar. Y es que con títulos como “Streets Are Drunk”, “Venzinatiko” o “Gas Gas Gas” se embriagan hasta nuestros oídos. ¡Bendita locura gitana!

Miguel Amorós

... AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD “The Century Of Self” Superball/Pias

ROCK

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Ha pasado mucho tiempo desde que Trail Of Dead (dejémoslo así) nos sorprendieron con sus guitarras abrasivas y nos dejaran sin palabras poco después, cuando les vimos sobre un escenario. Pero todo aquello cambió.

Desde “Madonna” (00) y sobre todo tras la cumbre “Source Tags & Codes” (02), su popularidad ha ido cuesta abajo y también la confianza de muchos. De la rabia noise de sus inicios habían derivado hacia una suer-

te de rock progresivo muy noventas, denso en ocasiones, delicadamente melódico en otras, que se complicaba en algunos discos y se estandarizaba en otros. Y ahí siguen, como si las reglas del mercado no fuesen con ellos, en este “The Century Of Self”, un disco cuya carpeta está dibujada por el propio Conrad Keely. Alejados ya de la multinacional que les apoyó durante unos años, Trail Of Dead tienen madera de supervivientes, y por ello les tenemos aún aquí batallando, grabando (esta vez a pelo, sin overdubs) y girando sin necesidad de dar forma a discos redondos, canciones memorables o éxitos para el recuerdo. Trail Of Dead juegan en segunda y parece que ahí se van a acomodar de por vida. Joan S. Luna

La selección Jäger:

un maestro en DFA

N.A.S.A.

“Spirit Of Apollo” Anti/Pias

ELECTRÓNICA

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Uno de esos discos que rebosan ambición y que, en último término, la padecen. Algo evidente tanto en la nómina de colaboradores como en el mensaje y forma de un álbum que pretende fundir lenguajes musicales y proyectar una imagen de unión, de fin común, de misión. Y puestos a buscar amigos de la bondad universal sólo falta Bono, porque en la lista de invitados están David Byrne, Kanye West, Santogold, George Clinton, M.I.A, Ghostface Killah, Likke Li e incluso Tom Waits, todos juntos y revueltos en torno a Sam Spiegel (Squeak E. Clean) and Ze Gonzales (DJ Zegon), ambos productores contrastados que han tirado de listín telefónico y de colección de discos para dar forma a su debut. Este tipo de álbumes excepcionalmente cubre expectativas. Siempre suena demasiado bien sobre el papel y las buenas intenciones no hacen más que lastrarlo, porque lo importante deja de ser la música y es otra cosa. Allí donde el estreno de Handsome Boy Modelling School era todo talento, N.A.S.A. parten con un primer álbum que se deja escuchar, con algunos ramalazos brillantes (“Way Down” con RZA, “There’s A Party”, con Chali 2na y George Clinton), pero que no alcanza en ningún momento la grandeza que hacía prever la nómina de participantes. Tan entretenido como inocuo. Joan Cabot

WILLIS DRUMMOND “Willis Drummond” Bidehuts

ROCK

1111 Si alguien echa de menos un rock hardcorizado en euskera a lo Kuraia, o siendo más globales, una música potente hecha con más arrestos y menos glamour que la del común peninsular, aquí están Willis Drummond para, sin ser unos recién llegados, ser capaces de alejar cualquier tipo de nostalgia acomodaticia en esto del panorama estatal. Música arriesgada y clásica a partes iguales, los euskaldunes tiran de la escuela del D.C. para ponerla en carne viva en un citado panorama, en el que sólo tiende a prosperar quien hace esa música en una gran urbe, quien tiene mejores contactos o aquel que se peina mejor. Pero los Drummond son otra cosa, son de los que en veintinueve minutos se sienten capaces de decir cosas que después se quedan en tu cabeza mucho más tiempo, al contrario de la habitual norma de decir en sesenta minutos lo que cabría en seis. Ritmos rotundos, pedaleo inmisericorde, existencialismo cotidiano, concisión, energía en tiempos cansados, la cortina rasgada de la voz y el mensaje. En definitiva, autenticidad. Eso es Willis Drummond, la prueba fehaciente de que, a diferencia de otros eslóganes vacíos, sí se puede hacer música relevante cuando se tiene algo que decir. Nacho P.L.

The Juan Maclean Foto Archivo

THE JUAN MACLEAN “The Future Will Come” DFA/V2

ELECTRÓNICA

1111

Si algo me gusta de Juan Maclean, si algo me ha gustado desde que cambio el rock espasmódico de su anterior banda Six Finger Satellite (nuevamente en activo, aunque sin nuestro protagonista en la formación), es que ha sabido dar forma a un montón de singles que deberían ser de pinchaje obligado en las salas más cool.

Sin la suerte de Hercules And Love Affair, Maclean ya nos obsequió con “Less Than Human”, un tratado de electrónica rítmica influida por la música disco más robusta de New York. Ahora completa la proeza con “The Future Will Come”, que, aunque marcado por el sonido LCD Soundsystem en la pieza titular o en “No Time”, no pierde baza respecto a su predecesor. Pop

electrónico, disco, electro, algo de house, cencerros, percusiones, burbujeo disco setentas y sobre todo una lista de canciones que ya querrían para sí artistas bastante más populares y mucho menos inspirados.

Con la ayuda de Nancy Wang en las voces y echando mano de un par de doce pulgadas ya editados hace unos meses, el estadounidense completa un álbum (el único bajón sería la lánguida “Human Disaster”, aunque tampoco esté mal) que le confirma como uno de esos artistas a los que, injustamente, se les sigue resistiendo la popularidad.

Y sepan que, solamente por los doce abrumadores minutos de “Happy House”, ya se la merecería. En DFA deben estar orgullosos de continuar teniéndole en casa.

Joan S. Luna

(MondoSonoro · Abril 2009 /53/ vinilos)

pj harvey vuelve a las guitarras LADY GAGA

SQUAREPUSHER

“The Fame”

“Just A Souvenir”

Interscope/Universal

POP

Warp/Pias

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Las futuras candidatas a divas del pop mainstream inevitablemente salen de debajo las piedras. Mientras Britney Spears aparentemente ha dejado atrás su vena más putera y Madonna vuelve a la carretera para embolsarse unos cuantos millones de dólares, la honestidad parece que está en peligro de extinción. Aunque es demasiado temprano para pronosticar su futuro, la extravagante neoyorquina en “The Fame” realiza un ejercicio de pop electrónico y petardo de lo más convencional. “Just Dance” abrió la veda del politono y “Poker Face” fue un acertado relevo para que hablaran de ella, pero su debut, asimismo, esconde alguna que otra perla a tener en cuenta. Temas como el medio tiempo “Paparazzi” o “Beautiful, Dirty, Rich” realzan un disco que acaba haciéndose repetitivo y poco dado a las sorpresas. Nadie es perfecto. Las comparaciones con la segundona Christina Aguilera son inevitables, pero al menos Joanne Stefani Germanotta (como se llama realmente la criatura) es capaz de componer sus propios temas, que ya es mucho para la cíclica farsa del universo pop. Sergio del Amo

ELECTRÓNICA

THREATMANTICS

HANDSOME FURS

Domino/Pias

Sub Pop/Everlasting

ROCK

ELECTRÓNICA

“Upbeat Love”

111 Al oír de un tirón “Upbeat Love”, temas como “Get Outta Town” o “Little Bird” se me antojan como la banda sonora perfecta para una revisión rockera de aquel soporífero espectáculo de antaño que era “Lord Of The Dance”. Bromas aparte, este trío de galeses no nos descubre nada nuevo en su debut, pero lo cierto es que el hecho de que su vocalista toque la viola y el batería se anime a juguetear con los teclados por igual, fuera de la anécdota que es, los convierte en unos inquietos amantes de la grabación lofi. Influenciados por el grunge y la estela inmortal de Ian Curtis y compañía, la banda en “High Waister” y la atronadora “Big Man” demuestran que lo suyo, lejos de considerarse ruidismo simplón, es un sentido homenaje al post-punk con solera. A pesar de las distorsiones vocales y el hecho de que la nitidez en algunos momentos brille por su ausencia, demuestran que son capaces de ponerse melosos en “Lonely Heart” con una nota más que aceptable. Quizás su disco pasará por los estantes sin pena ni gloria, pero en directo prometen. Sergio del Amo

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Doce años y doce discos después Tom Jenkinson sigue sin bajar la guardia. El mismo que quiso, pero no pudo, revolucionar el panorama de la electrónica mundial al emparentarla con el jazz, fibrarla con líneas de bajo a lo Pastorius y desquiciarnos con una estrepitosa rítmica rota en mil fragmentos, se planta en 2009 con una nueva entrega, “Just A Souvenir”, en la que los calificativos de manso y domesticado se antojan bastante significativos. Como suele pasar, la enjundia y la garra se van perdiendo en el tiempo, destacando aquí más por su esencia musical que por su puesta en obra. Esto quiere decir que, más que encontrarnos con la metralla habitual de beats drum’n’bass o con la proliferación de melodías próximas, lo vamos a hacer con el inglés construyendo su vertiente más jazz (a la par que funk y electro), despojándola de elementos superfluos (y en el fondo innecesarios para lo que pretende), mostrándose maduro, con más interés por equipararse a viejos jazz-rockeros de los setenta que por volver a epatar con otro “Hard Normal Daddy”. Y qué carajo, me parece perfecto. Francesc Feliu

“Face Control”

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Si vas a Rusia y quieres ir a un local de moda una noche, deberás reservar tu mesa, tu sitio, con un previo desembolso de panoja tan insultantemente alto como piensas. Ahora bien, este derecho puede verse anulado si al llegar al club tu aspecto no gusta. Esto es básicamente el “face control” que ha inspirado a Dan Boeckner (Wolf Parade) y su compañera Alexei Perry para firmar este disco cargado de electrónica bastarda y hedonista.

Uno lo pone y se puede imaginar perfectamente a las cuatro y cuarto de la madrugada en un sofá de discoteca en Moscú, oliendo a cocaína, vodka y alcanfor, siendo el protagonista perdido de la colaboración que nunca existió entre Burroughs y Gus Van Sant y preguntándose qué hace allí. Significativamente elocuente es el libreto: chinos de porro (como mínimo) en una ropa deportiva, lindes de carreteras, uñas mugrientas sosteniendo un vaso de indeterminado contenido y sobre todo retratos y autorretratos de los dos autores del disco son sus únicas imágenes... eso y el tributo legal a New Order por fusilar “Temptation”. Nacho P.L.

PJ Harvey & John Parish Foto Archivo

PJ HARVEY & JOHN PARISH “A Woman A Man Walked By” Island/Universal

POP

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Muchos seguimos estremeciéndonos al recordar las melodías de su anterior “White Chalk”, desnuda mirada al abismo interior protagonizada por pianos colgantes y un registro vocal procedente del más allá. Su hipnótica y fantasmal belleza se trasforma de nuevo en este “A Woman A Man Walked By”, aunque la esencia de aquél perdura en canciones como la ensoñadora y espectral “Leaving California”. Sin embargo, aquí regresan las guitarras, sucias pero contenidas, cortesía de un inspirado John Parish con quien Harvey coescribe de nuevo tras “Dance Hall At Louse Point”. La cantante retoma también esa tesitura

atormentada prácticamente inaudita desde el ya lejano y desigual “Is This Desire?”, así como los textos recitados en la línea del Nick Cave más airado. Es el caso de “Pig Will Not” o de la cuenta atrás con banjo incluido de “Sixteen, Fifteen, Fourteen”. En “April”, guiada por un órgano entre gospel y setentas, adopta un nuevo registro cercano al soul; mientras que la inquietante “The Chair”, marcada por guitarras disonantes y redobles rotos de batería, deriva en un crescendo de luz invernal salpicado de pianos antiguos que han perdido la mitad de sus teclas. “A Woman A Man Walked By” conecta por momentos con el espíritu de “To Bring You My Love”, con puntuales catarsis eléctricas que esbozarán una sonrisa entre los seguidores más desorientados con su reciente evolución. Con todo, es éste un trabajo compartido, de paso, meditativo, aunque no por ello menos bello, exquisito y turbador. David Sabaté

/54/ Abril 2009 · MondoSonoro)

Propellerheads Foto Archivo

LAVENTANA

Wall Of Sound

Punto de inflexión El sello británico cumple quince años de vida y lo va a celebrar con diversos eventos en todo el mundo. También tiene en cartera importantes nuevos trabajos de Tiga, Royksopp y Reverend And The Makers y enjundiosas novedades como el debut de Mongrel (con miembros de Arctic Monkeys y Babyshambles) y el estreno en el sello de Mpho. Una disográfica fundamental para la electrónica indie.

A

Imprescindible

Mark Jones, fundador de Wall Of Sound, le ha ido mejor de lo que esperaba cuando se metió en el berenjenal de editar discos. “Comencé sin una estrategia y quince años después sigo sin tenerla”, asegura. “Sólo he dejado que las cosas pasaran”. El sello nació con espíritu punk, pero con el ojo puesto en la pista de baile. Aunque en su catálogo encontramos pop-rock de corte libérrimo (Mogwai, Reverend And The Makers, The Shortwave Set), lo que abunda es la canela electrónica para el público indie sobre todo después de la joint venture con Pias en 2006 (editan a

Soulwax, Vitalic, Tiga, Agoria, Amp Fiddler y Felix The Housecat entre otros pesos pesados) y las formaciones que mixturan sin complejos electro y pop-rock: Zoot Woman, veteranos en la casa, son el mayor exponente de ello, y sirven de ejemplo Infadels, el synth punk de Shy Child o el cóctel electro pop de Elektrons. De méritos van sobrados. Al margen de lanzar algunos de los discos más memorables de los últimos años (vean la selección de abajo), Wall Of Sound dio a conocer al mundo ese sonido tan ‘noventas’ como el big beat con los trabajos de Wiseguys, Propellerheads y Mekon. Una cosa está clara, la amplitud

de miras de Mark Jones ha sido clave en la educación poliforme del sello. “Me gusta todo lo que se encuentra en medio de Fleetwood Mac y Aphex Twin.

Esto me permite hacer que el sello esté en continúa evolución. Nadie, yo incluido, sabe qué será lo próximo”, sostiene, aunque reconoce que uno de sus sellos de referencia siempre ha sido Mute Records, el que le abrió las puertas a la electrónica mediante artistas como Depeche Mode, Fad Gadget y The Likes. Wall Of Sound ha vivido muchos ciclos desde mediados de los noventa, y ha picoteado en cada uno de ellos sin casarse con ninguno. “Vivimos la explosión del trip hop, el big beat y montones de etiquetas más inventadas por la prensa.

Nuestra regla siempre ha sido estar al margen de las modas y editar todo aquello que nos gusta”. Recientemente han protagonizado uno de los últimos campanazos en la industria discográfica: editar el regreso de Grace Jones, “Hurricane”.

■ Javier López

Les Rythmes Digitales 11114 “Darkdancer” (1999) Clasicazo. “Darkdancer” fue uno de los álbumes de electrónica más significativos y divertidos del cambio de milenio, y sirvió para dar a conocer de manera global el nombre de Stuart Price (Jacques Lu Cont, colaborador básico de Madonna). Reinventaba los sonidos funk y disco de los setenta cruzándolos con el house de Chicago y el tecno pop de los ochenta para crear hits como “Music Makes You Lose Control” o “Jacques Your Body”, o abrumadores medios tiempos electro pop (“Sometimes”). Un disco infalible de principio a fin.

RECOMENDABLES

Royksopp

“Melody AM” (2001) 1111 Torbjørn Brundtland y Svein Berge, dos jóvenes de Bergen (Noruega) editaron en 1998 una ópera prima de softhouse y electro meloso que sobre todo es recordada por “Eple”. El disco despachó un millón de copias en su momento (es el trabajo más vendido de la historia del sello) y se convirtió en uno de los fenómenos de aquella añada.

Propellerheads “Decksandrumsandrockandroll” (1998) 11114 Alex Gifford (compositor y pianista) y Will White (batería) se comieron 1998 con papitas con su único disco largo, que se convirtió en referente del sonido big beat junto a los de Fatboy Slim y The Chemical Brothers. Incluso Wall Of Sound le dedicó una reedición conmemorativa en su décimo aniversario. Propellerheads fueron orquestales, bailables y tremendamente divertidos. Destripaban los trucos de John Barry para ponerlos al servicio del hedonismo

NOVEDADES

Grace Jones “Hurricane” (2008) 1111 Wall Of Sound es la platea desde la que Grace Jones ha hecho un sonoro corte de mangas a las grandes discográficas, aquellas que le rechazaron dos álbumes durante los noventa. Con “Hurricane” la dicográfica ha conseguido trascender a los grandes medios de comunicación gracias al tirón de la que fuera musa de Warhol. Un trabajo sólido respaldado por una pléyade de colaboradores de primer nivel: Tricky, Tony Allen, Sly And Robbie, Brian Eno…

Tiga “Ciao!” (2009) 1111 Tiga vuelve a entregar en su nuevo disco lo que de él se espera: electro maximalista, un festival de sintetizadores, buenos estribillos y un discurso que encaja en todo tipo de clubes. La continuación del celebrado “Sexor” (06) ha venido precedido por la edición de un single de aúpa (“Mind Dimension”) acidote y deepero, pero el disco, además de estar trufado de colaboraciones de lujo (Soulwax, James Murphy, Gonzales, Jori Hulkonnen, Jake Shears, Jesper Dahlback…) es poliédrico.

Ofrece desde tralla ‘soulwaxera’ hasta medios tiempos a lo New Order. Uno de los discos de baile de 2009 n.

POLOCK Grupo ganador del Premio Sennheiser / Fiestas DemoscĂłpicas 2009 Premiado con 2000â‚Ź en material Evolution

(MondoSonoro · Abril 2009 /57/

MONDO MEDIA)

CINE

Control, por fin en España

Tomas Alfredson

Adiós a la inocencia Bellísima historia de amor entre dos niños y aplicada e inspiradísima reinvención de los clichés del cine de vampiros, “Déjame entrar” llega por fin a nuestras pantallas el 17 de abril. La película de Tomas Alfredson se alzó con el Méliès d’Or en la pasada edición del Festival de Cine de Sitges, y es ahí donde tuvimos la oportunidad de charlar con él.

2

008 fue el año de los vampiros, un género que siempre ha tenido un lugar privilegiado en la historia del cine pero que estaba de capa caída en la última década.

Tres propuestas basadas en obras literarias de éxito, fueron las responsables claras en este revival. Primero, la resultona “Crepúsculo”, un guilty pleasure total que ha cruzado el universo teen de “The O.C.” con el mito de Drácula. Segundo, la desigual pero interesantísima serie de televisión “True Blood”, primera apuesta por el género fantástico de HBO donde Alan Ball retrata con acierto los usos y abusos de la América profunda. Tercero, “Déjame entrar”, la apuesta más arriesgada y victoriosa del lote. Una cinta sueca dirigida con mano sabia por Tomas Alfredson que adapta el best-

muy fiel al original pero también hemos obviado algunas cosas. El libro tiene más de trescientas páginas y muchas subtramas que en la película no aparecen. La diferencia principal es que en la novela el proveedor de sangre de Eli es un pedófilo.

Ese era un tema muy difícil de explicar en la gran pantalla. En muchos telefilmes la pedofilia se utiliza con un efecto especial sentimental, y creo que eso es un uso irresponsable”. Si por algo destaca “Déjame entrar” es por el perfecto equilibrio entre cine de género, con fugas al horror puro y duro (ojo a el clímax final que tiene lugar en un piscina pública) e intensidad dramática. Alfredson consigue el milagro de hacer una película de terror humanista, conmovedora, de esas que pro-

“La violencia muy directa es menos interesante que la sugerida” seller de John Ajvide Lindqvist, una novelafenómeno en su Suecia natal que narra la historia de amistad y el romance entre dos niños, uno normal y apocado víctima del bullying (Oskar), y otro vampiro y letal (Eli). “La novela se publicó hace un año y medio en España y sé que también ha funcionado muy bien. Cuando salió en Suecia fue un gran éxito al instante debido a esta mezcla tan especial de realismo social e historia fantástica y sobrenatural. La adaptación es

ducen escalofríos y lágrimas a partes iguales.

Un logro que han alcanzado muy pocos: John Landis con “Un hombre lobo americano en Londres”, Lucky McKee con “May”, Frank Darabont con “La niebla”, J. A Bayona con “El Orfanato”… “Encontrar ese equilibrio ha sido muy complicado. Para mí, el terror no se basa en el terror en si, sino en la fantasía que nosotros tenemos sobre él.

Es mucho peor creer o fantasear que vas a ser atropellado por un coche, que el

“Déjame entrar” Foto Archivo

Sabemos que los seguidores de Anton Corbijn y de Joy Division lo daban ya por imposible, pero se ha cumplido: “Control”, primer largometraje del primero dedicado a la vida de Ian Curtis, llega a nuestras pantallas.

Aunque con dos años de retraso respecto a su estreno en Inglaterra, se estrena en nuestro país “Control”, el biopic de Ian Curtis dirigido por Anton Corbijn, quien fuera fotógrafo oficial de la banda, que posteriormente pasaría a convertirse en una de las personalidades del mundo de la fotografía y que ahora salta al mundo del cine tras su experiencia detrás de las cámaras como director de clips para bandas del calibre de U2, Nirvana o Depeche Mode. A nuestras preguntas sin embargo responde Sam Riley, frontman de la banda británica 10,000 Things que da vida a Ian Curtis, en una interpretación que le ha valió un el premio al Actor Revelación en los British Independent Film Awards. “Encontré un DVD pirata en un mercadillo de Londres (“Here Are The Young Men”, el vídeo que Factory comercializó en VHS en 1982 con las únicas imágenes de

atropello en si mismo. El atropello real dura un segundo, mientras que la fantasía te puede atormentar mucho más tiempo, te angustia. Como director creo que se trata de mantener un diálogo con el público sobre lo que podría haber pasado. La violencia muy directa es menos interesante que la sugerida. Y he querido evitar la violencia explícita en la película”.

A

lfredson, hasta hora un neófito en el cine de género, se revela con un director dotadísimo para el mismo. El uso que hace del cinemascope es brillante, y es capaz de dar al relato una atmósfera especial, un look arrebatador y un espíritu único, alejado de cualquier película de vampiros que uno pueda recordar. Ahí es donde radica otro acierto del filme: su atinada revisión del cine de vampiros.

Una revisión que, en mucho casos, respeta algunos clichés (el título de la película hace referencia al hecho de que los no muertos solo pueden entrar en las casas si son invitados a hacerlo). “Me enamoré de la historia desde un principio. Como he dicho antes, me atrajo su mezcla original entre realismo social e historia fantástica y sobrenatural que encaja perfectamente. La idea de los vampiros era algo totalmente nuevo para mí, no conocía ni películas ni libros sobre el tema. Así que desde el principio me tuve que fiar del conocimiento que John Ajvide Lindqvist tenía de los mitos vampíricos. A mí, en Suecia, se me conoce sobre todo por dirigir dramas y comedias en televisión y algunas obras teatrales”. Como decíamos al principio de esta entrevista el revival vampírico solo ha hecho que empezar. El último en apuntarse a la moda ha sido el coreano Park Chan Wook con “Thrist”, una película de terror humanista en la línea de “Déjame entrar” donde Song Kang-Ho interpreta a un sacerdote que accidentalmente se convierte en vampiro.

■ Xavi Sánchez Pons

directo conocidas hasta hoy de Joy Division) y me pasé dos meses frente a la televisión intentando bailar como Ian. Mis compañeros de piso estaban desesperados y me decían que cortara el rollo y pusiera a los Stones de una puta vez (risas)”. Eso, el libro de memorias de Debbie Curtis en el que se inspira la película -“Touching From A Distance”, publicado recientemente en España por Metropolitan- y “Torn Apart: The Life Of Ian Curtis”, el libro de Mick Middles y Lindsay Reade -la ex de Tony Wilson- fueron la únicas fuentes de inspiración de Riley. “Bueno, también hablé con Peter Hook, Bernard Summer y Stephen Morris, pero su único consejo fue que nos lo pasáramos de muerte haciendo la película. En cuanto a Anton, cuando él conoció a Ian tenía diecinueve años y acababa de llegar de Holanda, así que no se enteraba de qué coño pasaba a su alrededor”. En realidad ésta no era la primera vez que Joy Division se cruza en el camino de Sam. “Iba a interpretar a Stephen Morris en ‘24 Hour Party People’, pero la noche anterior de hacer el cásting me metí en una pelea en un bar de Leeds, así que me presenté en la prueba con un ojo morado. Me preguntaron si sabía tocar la batería y les dije que no, así que me volvieron a mirar y dijeron: ‘La verdad es que con ese ojo te pareces mucho más a Mark E. Smith’. Tenían razón, me parezco mucho más a Mark: en mi banda todos me quieren pegar…”. ■ Luis J. Menéndez

mondorecomienda

LA ENTREVISTA Rubén Lardín Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

Josetxo Grieta

Alamedadosoulna

“Hitzak, Eginak, Animaliak, Pertsonak” Discos Crudos/Munster (1114)

“La película” Alamedadosoulna (1114)

Josetxo Anitúa siempre eligió moverse al margen, pero lo experimental de su propuesta musical de la última década le había convertido en un proscrito, olvidado por medios y público hasta que la noticia de su suicidio nos pilló por sorpresa. Ésta es su escalofriante última actuación, en el no menos mítico Matadero de Azkoitia gestionado por Akauzazte. L. J. M.

Su puesta en escena siempre ha tenido un componente teatral así que no es de extrañar que su primer DVD esquive el típico concierto para ofrecer algo más, una película interactiva en la que los diez músicos que forman la banda viven toda una aventura para llegar a tiempo a tocar. Además, incluye una reedición con temas extras de su álbum “Finísimo”. Adrián Santos

The Mission

CSNY

Parece que ahora sí, que Wayne Hussey se despide definitivamente de The Mission. Para hacerlo por todo lo alto, el pasado año interpretó en Londres sus discos más emblemáticos de cabo a rabo. “Final Chapter” resume la exitosa experiencia en tres DVD’s filmados en el Shephers Bush Empire y sin olvidarse de ningún clásico de sus tiempos dorados.

Ernesto Bruno

Relato de carretera de la reciente gira Freedom Of Speech de Crosby, Stills, Nash y Young con las guerras de Irak y Afganistán de fondo. De esta forma, se convierte en algo más que un diario de ruta, analizando las reacciones de su público ante la politización de la banda. Como extras, una serie de vídeos que se quedaron fuera del montaje definitivo y diez clips del disco “Living With War” de Neil Young. L. J. M.

“Final Chapter” SPV (1111)

“Déjà Vu” Avalon (1114)

Rubén Lardín

Literatura punk Editor de numerosos fanzines, guionista, ensayista mordaz; Rubén Lardín publica “Imbécil y desnudo” (Ediciones Leteo), traslación al papel de su desaparecido blog de culto. Amante del cine de serie B, las viñetas y el porno, el autor nos brinda en él un destructivo e irónico dietario pop sobre la desintegración del individuo y la enferma sociedad actual.

“

cómics

El ser humano es repugnante y hoy ya vivimos en una distopía voluntaria y absoluta”, afirma Lardín. En pleno tiempo de descuento de la involución humana, el autor no duda en demoler axiomas sociales, violar tabúes y cuestionar todo lo aprendido. ¿Deberíamos resetearnos de vez en cuando? “Supongo que eso es algo jodido, tiene que doler. Lo que importa, como decía no sé quién, es que las ideas fijas no se conviertan en tumores”. Con ese fin, Lardín arremete contra aspectos como la figura de Dios; el inmovilismo y los prejuicios culturales; la extendida fiebre egomaníaca (aquí hasta el más listo tiene el ego maltrecho o ansioso) o los libros de autoayuda (la escoria como Bucay es ya algo viral). El trayecto, encabezado por una poderosa ilustración de Santiago Sequeiros, destila cinismo, misantropía, surrealismo (se me ocurre darle una navaja barbera a un simio y soltarlo por los tejados) y trazos de melancolía (los domingos ya no son aquellos domingos desastrados). Todo ello servido en un formato

ágil y divertido, literariamente estimulante y nutrido de referencias pop. “Discrimino mucho, pero intento evitar distinciones de clase”. Al margen de la televisión –“me produce ansiedad”-, sus referencias abarcan nombres y campos tan distintos como los de Buñuel, Clovis Trouille, el giallo italiano, Ennio Morricone, Cicciolina, Robert Crumb, los Ramones, Cronenberg o Alan Moore. “Lo que vale es el cómo lo destilas tú. Sí me molesta, por ejemplo, que alguien deteste ‘Rocky Balboa’ y luego ensalce ‘El luchador’ de Aronofsky. No me cabe en la cabeza”. Más cercano a Hernán Migoya que a Kiko Amat, tampoco se siente parte de una supuesta generación de escritores pop. “Supongo que es algo que inventan los propios escritores, ansiosos porque les suene la flauta. Yo me limito a escribir”. Y en el periplo, citando a Bertrand Blier, sostiene que la verdadera revolución consiste en follar en el metro a las seis de la tarde. ¿Alguien se anima a dar el primer paso? ■ David Sabaté

El borrón

Breakdowns

Surrealista y kafkiano es el universo que el estadounidense Tom Neely nos descubre en su primera novela gráfica. “El borrón” es un prodigio narrativo, una pirueta imaginativa y una obra de dibujo encantador que, pese a recordar a los primeros trabajos de Disney, esconde una carga existencial mucho más potente de lo que puede imaginarse.

Joan S. Luna

Por mucho que le pese -referencias al respecto puedes encontrar en este “Breakdowns”- Art Spiegelman será recordado por siempre como el padre de “Maus”.

Pero es de justicia reconocerle su vital importancia en el desarrollo del cómic de autor por obras como ésta, una imaginativa y también descarnada colección de historietas autobiográficas. Luis J. Menéndez

No Comment

Las enseñanzas de Mr. Natural. Iluminaciones

Cómo no hacer nada

Inolvidable

Trágame entera

Vuelve uno de los personajes más queridos por los fans de Crumb, Mr. Natural, una suerte de deidad tal y como lo entiende la cultura judeocristiana, fuera de control y que sigue las hechuras de un viejo hippy hasta arriba de ácido. En este volumen encontrarás alguna historieta inédita y otras que ya han visto la luz en la colección que La Cúpula le dedica desde hace años al rey del underground. L. J. M.

Si por algo vale la pena “Cómo no hacer nada”, es por ver reunidos los primeros trabajos de Guy Delisle y descubrir la diversidad de estilos en los que se puede mover su dibujo. Desgraciadamente, eso no resulta suficiente para soportar unos guiones que quedan a años luz de sus grandes obras autobiográficas, pero cuyo valor documental es indudable. Joan S. Luna

Qué haríamos si con cuarenta años pudiésemos volver a los quince, cómo veríamos todas nuestras antiguas obsesiones.

Esto es el resumen de este gran cómic, donde la diversión y la tragedia de tiempos pasados van mezclados con un dibujo claro y preciso, haciendo que la memoria del personaje evolucione junto a la nuestra inmersas en nuestros propios errores y fracasos de juventud. Eduard Tuset

Paradigma de autor independiente (además de músico), Nate Powell nos adentra en las confusas mentes de sus protagonistas, adolescentes enfermos, que sufren alucinaciones, no dan con su lugar en el mundo y acaban pagando las consecuencias. El resultado es una obra que no emociona, pero que plantea complejas preguntas de difícil respuesta. Joan S. Luna

Tom Neely La Cúpula (1111)

Ivan Brun La Cúpula (11114) Gran acierto el de La Cúpula al presentar en nuestro país la obra del galo Ivan Brun, un autor cuyos orígenes se remontan al arte callejero y que se ha adaptado al medio con un estilo preciosista, engañosamente infantilizado y que devuelve al cómic su capacidad para escandalizar.

“No Comment” le sitúa desde ya a la altura de otros grandes nombres del brut.

Luis J. Menéndez

Art Spiegelman Mondadori (1111)

Robert Crumb La Cúpula (111)

Guy Delisle Astiberri (111)

Alex Robinson Astiberri (1111)

Nate Powell La Cúpula (111)

(MondoSonoro · Abril 2009 /59/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LOS CLIPS DEL MES Kiko Amat Foto Lisbeth Salas

LIBROS

Comic Art Now

Dez Skinn Gustavo Gili (1114) Que faltan libros en español que se tomen el mundo del cómic tan en serio como merece no tiene discusión. Por eso, cualquier lanzamiento es bienvenido. “Comic Art Now” no entra en demasiados detalles, pero funciona como amplio escaparate de diversos estilos que conviven en el mundo de la viñeta (en su mayoría superheroica y de filosofía cercana). Faltan muchos, pero sobran pocos. Enrique Gijón

◗ MSTRKRFT “Bounce” (111) Con la ayuda del rapero N.O.R.E., el dúo electrónico MSTRKRFT mete un pie dentro del mundo de la cultura hip hop, aunque “Bounce” resulte ser una pieza de electro sucio y muy bruto. El macarrismo elevado a la máxima potencia.

Kiko Amat

Lejos de la gran ciudad Diez años de foca en un circo Julio de la Rosa Ed. Chorrito de Plata (1111)

A punto de ver la luz su nuevo disco y con la banda sonora de “Una palabra tuya” compuesta por él ya en los cines, De la Rosa nos entrega, por medio de la editorial creada por Bunbury y Antonio Estación (Niños del Brasil), una colección de textos extraídos de lo más hondo de un alma inquieta y genial.

Canciones, poemas, reflexiones y sensaciones relacionadas de algún modo con el circo que supone el mundo del espectáculo, un circo que De la Rosa demuestra haber saboreado, para bien y para mal. Rafa Angulo

Rumbo a la gloria.

Memorias Woody Guthrie Global Rhythm (1111)

“This machine kills fascists”. Esa frase, inscrita en su guitarra, ejemplifica la manera en que Guthrie entendía la música: un agente de cambio, un arma contra la opresión y la injusticia. No era de esos que hablan en nombre de los miserables sin haber padecido como ellos, más bien todo lo contrario.

Sus memorias suponen un relato revelador, tanto de las circunstancias que hicieron al hombre como de su espíritu, con pasajes memorables. Joan Cabot

Llega la tercera novela de uno de los iconos de la independencia estatal.

“Rompepistas” descubre la vida de los adolescentes de extrarradio en los primeros ochenta, de los punks de las ciudades dormitorio y del propio Amat en tiempos de juventud.

E

l Costa Brava es uno de los muchos bares escondidos en callejones de Gràcia donde te puedes tomar unas tapas y una cerveza acompañadas de buena música. En este escenario conspiraban los personajes de “Cosas que hacen BUM”. Kiko Amat escoge el Costa Brava para hablarnos de su tercera novela, “Rompepistas” (Anagrama, 09), que pasa íntegramente en un pueblo del extrarradio de Barcelona y que nos aproxima al intenso y apasionado submundo de los punks. “En ‘Rompepistas’ quería mostrar la adolescencia de unos personajes de ficción basados en mis propias experiencias como adolescente. Las vivencias personales son integradas mediante mecanismos de ficción”. A diferencia de su libro anterior, la nueva novela de Kiko Amat ha reducido notablemente las referencias culturales para acercarse mucho más al cuarteto de personajes protagonistas: Rompepistas (diecisiete años sudorosos, esquivos, rebeldes y culpables); Clareana (ex novia resentida y aún medio enamorada de Rompepistas);

Carnaval (mejor amigo de Rompepistas: muestra toda clase de habilidades con su inmenso culo); Chopped (tipo duro, que desencadena una pugna con los Chungos del pueblo de al lado). “Reducí al mínimo las referencias culturales porque me interesaba que el lector entendiera cómo viven los adolescentes de extrarradio.

En el extrarradio todo se transforma en una cosa muy pública: todo el mundo te conoce y sabe lo que estás haciendo. En este tipo de situaciones se toma partido por opciones vitales que rápidamente encuentran opciones antagonistas, como en la novela pasa entre los punks y los cuellos”.

Los cuellos son todos aquellos que practican alguna clase de deporte. “A medida que avanza la novela el lector descubre que en vez de hacer apología del rollo talibán huyo del maniqueísmo: una de mis intenciones iniciales al escribir ‘Rompepistas’ era que no se pudiera leer como una novela de buenos y malos”. ■ Jordi Nopca

Libros

◗ The Black Lips “Short Fuse” (114) Dirigido por el propio miembro del grupo Joe Bradley y con la tosca pero efectiva animación de Chris Taylor, “Short Fuse” acaba estando a la altura del descaro y el pasotismo de estos chicos malos del garage actual.

◗ Estirpe “Te seguiré” (111) Filmado en HD, el video de “Te seguiré” sorprende por su escenografía, por la profesionalidad con la que se ha rodado, lo que deja entrever que el grupo se ha tomado muy en serio lo de presentar un vídeo en condiciones.

◗ El Gremio “Dame otro papel” (111) Sabido es que la imaginación puede superar cualquier traba de presupuesto. Y eso es lo que consigue este clip, en el que la animación sobre imagen real consigue redondear un video tan efectivo como la canción a la que acompaña.

“The Rise Of Jamaican Dancehall Culture”, la verdad sobre Jamaica La historia del dancehall está llena de personajes brillantes y algo sórdidos, fiestas callejeras, baile, tiros y esa rara efervescencia que se da especialmente en el lado chungo de la ciudad, entre aquellos que tienen poca cosa que hacer más que buscarse la vida e intentar pasarlo bien con lo que tienen a mano. Beth Lesser ha compuesto un retrato cautivador de uno de los movimientos más importantes y, en los últimos tiempos, más influyentes de la música jamaicana. Acompañado de un ingente tesoro fotográfico y analizando todas las aristas y rincones del movimiento, “Dancehall: The Rise Of Jamaican Dancehall Culture”, el libro publicado por Soul Jazz Records y distribuido en España por K-Industria, se completa con la edición de un doble álbum de esos de compra obligatoria, algo a lo que nos tiene acostumbrados el sello londinense, merecedor del Príncipe de Asturias o algo. ■ Joan Cabot

◗ Depeche Mode “Wrong” (1111) Patrick Daughters (The Rapture, Death Cab For Cutie) dirige y Julian Gross (batería de Liars) protagoniza el clip de presentación del nuevo disco de los británicos Depeche Mode. Una idea simple, bien filmada y capaz de mantener la tensión.

Toy Land

Louis Bou Monsa (1114) No resulta sencillo seguir la actualidad de los toys (muñecos diseñados por artistas de vanguardia). Las novedades inundan el mercado mes tras mes, así que ayuda contar con libros de referencia que nos acerquen un poco a las referencias más destacadas o a los artistas más activos en ese mundo en particular. “Toy Land” incluye fichas de muchos de ellos y excelentes fotografías.

Ernesto Bruno

◗ Templeton “Las casas de verano e invierno” (111) Santiago Castillo dirige este clip, filmando una película tradicional en la que el grupo se muestra mucho más risueño de lo que algunos esperamos. Un clip bien realizado, pero a medio camino . n

MondoSonoro · Abril 2009 /61/ mondomedia

CONEXIONES

Music Week de Toronto, la feria musical más antigua de América del Norte, para después acudir en Texas al South By South West por segundo año consecutivo. Además, Toyota ha seleccionado la canción “Dont Give Up” para su nueva campaña, que comienza a mediados de marzo.

Lee Kaos T-shirts Foto Archivo

◗ Sol Música y el club MMT Estudiantes han firmado un acuerdo de colaboración con el objetivo de crear una fusión única: la mejor música y máximo espectáculo del baloncesto.

Por ello, y desde el 8 de marzo, Sol Música estará presente a través de diversas acciones en los partidos de baloncesto del MMT Estudiantes con un espectáculo de breakers y gratiteros.

◗ Lee presenta su nueva línea de camisetas a las que les ha dado el nombre de Kaos T-shirts. Desorden, caos y confusión, eso lo que expresan las camisetas para chico de la línea Blue Monday de Lee. Sobredosis de sensaciones, superposición de significados, alucinaciones de rock, en definitiva, camisetas con mensaje.

◗ Una mala noticia, la del punto final de la actividad de la web Fabchannel.com. El canal de conciertos online cesa su actividad debido a la perspectiva negativa de futuro en la industria musical y el mercado de la publicidad online. Durante los pasados nueve años, Fabchannel ha cumplido saztisfactoriamente su papel como promotor de artistas nacionales e internacionales, así como de la cultura de la música en vivo. ◗ La Red Bull Batalla de los Gallos vuelve este año con una novedad: un concurso de bases en el que un jurado compuesto por importantes figuras del hip hop, Dj’s y productores seleccionarán las mejores creaciones. Los seleccionados podrán ver cómo sus bases se sueltan en las batallas y sus créditos aparecen en los vídeos. Además, los dos ganadores viajarán a la Final Internacional con todos los gastos pagados. Para concursar sólo hay que registrarse en la página web oficial: www.redbullbatalladelosgallos.com y adjuntar un archivo de audio.

◗ Quienes paseabais por las calles de Madrid en las últimas semanas posiblemente os vierais sorprendidos por la proyección sobre los edificios de una serie de vídeos promocionales sobre la nueva línea de zapatillas Converse. A los vídeos los acompañaban canciones creadas específicamente para la marca deportiva por artistas de la talla de Santogold, Pharrell, Julian Casablancas, Shay Haley, Quaintance, Dan Coop (Does It Offend You, Yeah?) o Bradford Cox (Deerhunter). ◗ Kate Jackson, el rostro de la popular banda británica The Long Blondes, se acercó el pasado 5 de marzo a la tienda Wrangler de Fuencarral para situarse tras los mandos en una improvisada cabina de Dj y poner música a la presentación de la nueva colección cara al verano. ◗ Quiksilver y Wheel Sound Estudio acaban de publicar el grupo ganador del concurso musical Quiksessions. Un jurado compuesto por representantes de Wheel Sound estudio, Quiksilver y Rockzone, han emitido el fallo definitivo con el que hacen ganadores a los punkrockers asturianos Helltrip (www.myspace.com/ helltrip) que hace tres años ya fueron destacados por la edición asturiana de MondoSonoro por firmar la mejor maqueta de 2006. ◗ La gira de presentación del nuevo disco de We Are Standard cruzó el charco el mes pasado para visitar Estados Unidos y Canadá. En el país de la Policía Montada participaron en el Canadian

emergente, evolucionando el proyecto iniciado en 2008. Así en marzo empezará la gira de conciertos Levi’s 501 Live! que está contando con grupos como Delorean, Extraperlo, Love of Lesbian, Lori Meyers, We Are Standard, CatPeople, Cohete, The Baltic Sea o L.A y tendrá lugar durante el mes de marzo y abril en Barcelona, Valencia y Madrid. Además junto a estas bandas tocarán los finalistas el concurso de maquetas que se llevará a cabo a través de MySpace. ◗ Esa no es la única noticia que nos llega desde Levi’s. La Playa La Boca en Cuba sirve de inspiración para las nuevas prendas de temporada de Levi’s, prendas para chicos y para chicas, llenas de color y que le dan a la colección un look de lo más veraniego.

Como dice la veterana marca norteamericana , la colección Levi’s Red Tab reflejan la confianza en uno mismo y el libre espíritu del rock’n’roll.

Juan Lafita Foto Archivo

◗ La noche del pasado 21 de Febrero de 2009, en la espectacular playa de Cabeza de Toro en Punta Cana, se celebró por segundo año consecutivo Ron Barceló Desalia, la mayor fiesta del Caribe en la que cinco mil universitarios españoles bailaron al ritmo de la música de Dover, Felix Da Housecat y Vinila Von Bismark sobre la blanca y paradisíaca arena de la playa de República Dominicana. ◗ El pasado otoño Levi’s puso en marcha su primer concurso de bandas, basado en la idea del rock y el pop alternativo. Después del éxito de la primera edición, en la que participaron más de ochocientas bandas, Levi’s sigue apostando por la escena musical

◗ Ray-Ban vuelve a consolidar su presencia en el mundo de la música al convertirse en el patrocinador oficial del festival Estrella Damm Primavera Sound. El escenario Ray-Ban combinará bandas nacionales e internacionales de rabiosa actualidad, principalmente inscritas en estilos con predominio de las guitarras, incluyendo además propuestas electrónicas orientadas al baile en las últimas horas de la noche. ◗ The War On Drugs, Le Punk, Vetusta Morla, Russian Red, Lagartija Nick, Nudozurdo, Damien Jurado, Lori Meyers y Elastic Band conforman la nueva tanda de de conciertos que conforman el Heineken Music Selector que se llevan a cabo desde finales de marzo hasta principios de mayo en diferentes ciudades españolas. Consulta las fechas en www.heineken.es/musica. ■

MONDOWEB

/62/ Abril 2009 · MondoSonoro

E-MAIL: Envía tus cartas a mondo@mondosonoro.com

U

POR TORQUE MONDITO

na de las ventajas del fenómeno blogger es la desaparición de la -antañohabitual pataleta de nuestros lectores con las opiniones que se expresan en la revista. Como ahora todo aquel que lo necesita encuentra una válvula de escape haciéndose sus pajillas en Internet, nos llegan muchas menos misivas amenazadoras cagándose en nuestros muertos por llevarnos por delante el último disco de (es un decir) Radiohead. Con ello obviamente el plumilla musical vive mucho mejor, sin la amenaza constante de que la opinión de los lectores caiga con la fuerza de la guillotina sobre su cabeza. Pero sería hipócrita no reconocer que, de vez en cuando, nos invade una sensación de nostalgia, algo así como cuando lo dejas con esa novia que te hacía la vida imposible y a la que sin embargo echas de menos. En el Mondo nos va la caña, lo reconocemos. Por eso nos llena de regocijo abrir la carta de un lector que responde al nombre de Diego y que, aunque comienza haciéndonos la pelotilla, acaba repartiendo mandobles a diestro y siniestro (por recibir, reciben hasta los de la competencia). Vean, vean… “¡Buenas! me llamo Diego, soy un argentino que vive en Valencia hace ocho años y hace aproximadamente dos que conocí la revista en el Café Carajillo y me enganchó. Me fui guiando muchas veces por las críticas que hacen, sobre todo las de Joan S. Luna, Xavi Sánchez Pons y Joan Cabot. También por ese personaje que es Don Disturbios, que a veces no coincidimos pero lo hace genial también. Bueno, no me enrollo más y te cuento el porqué de este mail. Muchas veces descubrí verdaderos genios musicales gracias a algunas notas de ustedes, pero en la revista de diciembre tuve ya la tentación de escribirles para hacer énfasis en el desacuerdo que sostengo con la critica de Xavi Sánchez Pons donde dice que

nos dejemos de prejuicios contra el disco de Nena Daconte, lo cual, demuestra dos cosas: a) Desafortunadamente Xavi también se puede equivocar. b) Xavi también fuma, esta clarísimo. Yo no soy muy prejuicioso, pero creo que esos grupos no deberían de salir ni siquiera nombrados en MondoSonoro, sobre todo cuando al lado sale Elvira y en la tapa Lori Meyers.

No es prejuicio, simplemente no pega...

Quizás sí en la revista de Los 40 Principales”. Ayyyyyy, la polémica crítica de Nena Daconte. Algo de lo que también se ha llegado a hablar en el foro de nuestra web, donde incluso Xavi tuvo a bien hacer una aparición para explicar por qué el disco en cuestión le parece un pepinazo en toda regla. “El disco de Nena Daconte es más que digno. Lo que pasa es que los prejucios os pueden. Buenas canciones pop las puede tener tanto el grupo más indie del planeta, como la banda más descaradamente mainstream del mundo. Esa es la grandeza del pop. […] En el mainstream, como en el indie, también hay clases, y Nena Daconte son muy dignos y sin la carga trascendental y babosa de Amaral. De hecho Nena Daconte en los ochenta hubiera sido un grupo de nueva ola vendedor muy digno”.

Unas manifestaciones por las que propongo formalmente la expulsión de Xavi Sánchez Pons de la crew de esta revista. Es cierto que Xavi nos ha dado grandes momentos de gloria en el pasado en su defensa encendida del pop en sus diferentes variantes. Pero también que la ingesta continuada de producciones de la Troma y demás bazofia terrorífica de la que siempre ha sido aficionado ha terminado por causarle lesiones cerebrales que, visto lo visto, se me antojan irreversibles. No se entiende de otra manera su defensa de un subproducto como es el disco de Nena Daconte, una colección de canciones que es a la música lo que El Vengador Tóxico al cine (sin gracia, todo sea dicho), material de derribo sin más sostén que el estribillo pegajoso de la dichosa “Tenía tanto

que darte”. Si eso es un disco notable (lo que se desprende de la calificación que Xavi le ha dado en su crítica: tres estrellas y media sobre cinco) entonces lo que han firmado Airbag hace unos meses es el mayor acontecimiento mundial en el pop de guitarras desde el debut de los Ramones. Pero volvamos con nuestro amigo Diego que, una vez solventado el asunto Nena Daconte, sigue arremetiendo a diestro y siniestro entre el estupor y la incredulidad. “En el último número de MondoSonoro sale una crítica firmada por Fernando Navarro donde dice: ‘La más clara demostración de que el reggaetón (¡¡¡EL REGGAETON!!!) es una música (¿?) para tomarse muy en serio’. Ahí me mataste campeón. Sé de antemano que ustedes se acuestan con sus colaboradores además de estar de acuerdo con ellos, pero realmente ¿están de acuerdo con esa afirmación? Es imposible tomar en serio eso cuando hay realmente artistas en este país dignos, muy que muy dignos. Antes, hace años, leía la Rolling Stone, hasta que una vez leí que me tenía que comprar un gel para la cara, pues Jagger usaba uno igualito, y después leí que me tenía que poner tal o cual cosa, y cada vez menos y menos música. Hasta que al final pusieron: ‘La revista de estilo y música?’. Conclusión: la editorial de la Rolling Stone se la puede meter por el culo, hay miles de revistas así que parecen de prensa rosa de la música, pero MondoSonoro afortunadamente NO es así. Me gusta y mucho vuestro curro. Pero, por favor, esos comentarios parecen tendenciosos, de prepago, de amiguismo, no sé cómo decirlo sin ofender. No malinterpretes mi intención, Fernando, pero hay miles de discos por analizar y si decís que el reggaetón es digno de atención creo que la estás cagando, y prefiero decírtelo.

Ni Nenas Daconte, ni reggaetones”. Un eslogan que está a la altura del “otro mundo es posible”. Dios te oiga, Diego. Por desgracia,

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me temo que la batalla del reggaetón la tenemos perdida. Hay por ahí un montón de gente, entre ellos críticos de esos bien sesudos y de mucho peso (opinativo, se entiende) a los que el paso de los años les preocupa de tal manera que han decidido acometer un lifting musical y ondear la bandera, buscando comparaciones entre el género en cuestión y movimientos pretéritos como el punk y el hip hop. Puestos a buscar paralelismos, yo propongo la Lambada, ¡¡¡el baile prohibido!!!, como decía el tío Phil en un episodio de “El Príncipe de Bel Air”.

En definitiva, que tal y como anda el patio me temo que vas a tener reggaetón y Calle 13 para rato. Al menos para el rato que suelen durar estos fenómenos antes de volverse demodé.

Entre tanto ya sabes lo que te toca, hacer lo mismo que comenta tu admirado Don Disturbios en un post en el foro de Mondo titulado “Sólo en casa”, que sirve para demostrar que el salvaje mundo del rock’n’roll ya no es lo que era. “Tengo a la family celebrando un cumpleaños en un puto chiquipark y no he podido resistir la sensación de ponerme a todo trapo el puto ‘Get Our Way’ de los Cynics (y en vinilo rojo... toma ya!!!)... qué gustazo!!!!!... voy a por otra birra!!!!”.

Escondido de la mujer y los niños para rockear y tomarse una cerveza, quién lo ha visto y quién lo ve… ¿Dónde han quedado los días de vino y rosas? Esto con los críticos del Ruta y el Popu no pasa…■

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‘Spiritualized’. ‘The Matthew Herbert Big Band’.

‘The Prodigy’. ‘Underworld’.

ESTRELLA DAMM PRIMAVERA SOUND 2009 DEL 28 AL 30 DE MAIG. BARCELONA, PARC DEL FÒRUM DIMARTS 26, SALA APOLO Limbo Starr showcase: Tachenko, Half Foot Outside, PAL, Brian Hunt Heart Of Gold showcase: Reigning Sound, The Right Ons SIDECAR B-Music showcase: Andy Votel, Wio Leokadio, Chris ” The Judge” Arthur dj DIMECRES 27, SALA APOLO Acuarela showcase: Dälek, Zu, Agent Ribbons, Bélmez SIDECAR Holy Cobra Society showcase: The Intelligence, Muletrain DIJOUS 28, PARC DEL FÒRUM My Bloody Valentine, Aphex Twin, Yo La Tengo, The Jesus Lizard, Phoenix, Squarepusher, The Vaselines, Spectrum, Andrew Bird, Jay Reatard, Lightning Bolt, The Bats, Marnie Stern, Dead Meadow, Ponytail, Ebony Bones, Wooden Shjips, The Bug, Bowerbirds, Joe Crepúsculo y Los Destructores, Wavves, The Tallest Man On Earth, Women, Magik Markers, Veracruz, La Bien Querida, Girls, Cuzo, Meneo DIVENDRES 29, PARC DEL FÒRUM My Bloody Valentine (actuació a l’Auditori, aforament limitat), Bloc Party, Jarvis Cocker, Spiritualized, Throwing Muses, Saint Etienne, Shellac, Joe Henry, Art Brut, A Certain Ratio, Sunn O))) performing ”The Grimmerobe Demos” , Magnolia Electric Co., Jason Lytle from Grandaddy, The Pains Of Being Pure At Heart, Michael Mayer, Dan Deacon Ensemble, Rhythm & Sound (Mark Ernestus) feat. Tikiman, The Mae Shi, The Drones, Bat For Lashes, Damien Jurado, Fucked Up, The Extraordinaires, Tokyo Sex Destruction featuring Gregg Foreman, Crystal Stilts, Vivian Girls, Crystal Antlers, Uffie, Extra Life, Mahjongg, Carsick Cars, Sleepy Sun, Los Punsetes, Skatebård, Extraperlo, Rosvita DISSABTE 30, PARC DEL FÒRUM Neil Young, Sonic Youth, The Jayhawks, Michael Nyman, Ghostface Killah, The New Year, Liars, Herman Dune, Deerhunter, Black Lips, The Bad Plus, Gang Gang Dance, Oneida, Th’ Faith Healers, DJ /rupture, Ariel Pink, El-P, Simian Mobile Disco, Jeremy Jay, A-Trak, Jesu, Alela Diane, Shearwater, Kitty Daisy & Lewis, The Soft Pack, Chad VanGaalen, Plants & Animals, The Secret Society, Maika Makovski, Zombie Zombie, The Lions Constellation, Lemonade, Dj Mehdi DISSABTE 30 I DIUMENGE 31, PRIMAVERA AL PARC Kimya Dawson, Crystal Stilts, Ponytail, Bowerbirds, Angelo Spencer, Karl Blau, Plants & Animals, Klaus & Kinski DIUMENGE 31, SALA APOLO Festa de comiat: Dj Yoda, John Maus, Stanley Brinks featuring Freschard & Ish Marquez, Tim Burgess (The Charlatans), Duchess Says, Merienda Cena, Daniel Devine (WaKS records), Dr. Kiko.

Fins el 15 d’abril abonament tres dies a 145 € (+ despeses de distribució) i entrades de dia a 60 € (+ despeses de distribució) Punts de venda: Xarxa Tick Tack Ticket, CD Drome Barcelona, CD Drome Madrid, tendes Rift, Entradas.com i www.primaverasound.com Consulteu la programació a: www.primaverasound.com i www.myspace.com/primaverasound

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DILLUNS 25, SALA APOLO