Historia Del Arte

ARTE PREHISTÓRICO

Comprende el conjunto de las manifestaciones humanas con valor artístico llevadas a cabo antes de que aparecieran los primeros textos escritos. Sus muestras más abundantes e importantes se centran en el continente europeo, donde puede seguirse la evolución artística a lo largo de miles de años.

● Paleolítico: las más antiguas manifestaciones artísticas datan de este periodo en el que, después de la última glaciación, hace unos 11000 años, apareció el Homo Sapiens. Se trataba fundamentalmente de amuletos y objetos rituales, dotados de expresividad y que mantuvieron una gran uniformidad en su estética, durante miles de años y en lugares muy alejados entre sí.

● Revolución neolítica: se produjo entre el 7000 y el 6000 a. C. y con ella la sedentarización, la estratificación social y la ordenación de los primeros sistemas de creencias. En el ámbito artístico, ello dio lugar a la aparición de representaciones humanas, tanto pictóricas como escultóricas, y a las primeras formas de cerámica.

● Edad de los Metales: hacia el 4500 a. C. tuvo lugar el descubrimiento de las técnicas de fundición, con lo que se iniciaba la Edad de los Metales. Junto a la aparición en esta época de nuevos objetos decorados como espadas, cascos, brazaletes, etc., se generó una nueva espiritualidad relacionada con el culto al Sol y que determinó la aparición de los monumentos megalíticos. Esta edad se divide en Edad del Cobre (4000-2000 a. C.), Edad del Bronce (2000-1000 a. C.) y Edad del Hierro (1000-siglo III a. C.)

El Arte en el Paleolítico y el Mesolítico

El arte paleolítico tiene como máximas expresiones las representaciones de animales en las paredes de las cavernas. Entre las más importantes cabe citar las de Rouffignac, Lascaux o Niaux, en el sur de Francia, y las de Altamira, Tito Bustillo o El Pindal, en la cornisa Cantábrica española. Junto al denominado animalismo parietal o arte rupestre, la otra forma artística más significativa del Paleolítico fueron las pequeñas estatuillas de figuras femeninas sin rostro llamadas venus y relacionadas con el culto a la fertilidad. Entre ellas cabe citar la de Willendorf, la de Laussel y la de Lespugue. En el Mesolítico o Epipaleolítico, la figura humana se esquematiza y se convierte en protagonista de la pintura parietal. Aparecen también formas decorativas sobre materiales como el hueso, con el que se fabricaban agujas, punzones o bastones de mando.

El Arte Neolítico

Las figuras parietales del Neolítico mantienen un acusado esquematismo respecto de las del Paleolítico, más naturalistas. En este periodo se consolidan las bases de la religión animista, que identifica los fenómenos de la naturaleza con la voluntad de los espíritus o dioses. Desde el punto de vista artístico ello dará pie a la aparición de múltiples formas de amuletos, ídolos, símbolos sagrados y de los primeros monumentos funerarios.

Una de las aportaciones de mayor interés del Neolítico es la cerámica, con piezas realizadas con moldes, por superposición de anillos o con un torno. La decoración de las vasijas suele ser de diseño abstracto o muy esquemático.

ARTE ANTIGUO

Es un arte que se originó en la Edad Antigua y cuya historia crea una gran división en la historia del arte. Desde dicha división, la historia del arte se centra más en la interpretación y el estudio de las obras de arte que en su explicación. Este estilo de arte se ubica cronológicamente desde el comienzo de la historia del arte (por el milenio IV a. C) hasta la derrota del Imperio romano en el Occidente (en el siglo V). También existe otra más coloquial que dice que este tipo de arte son todas aquellas obras de arte u objetos que se consideran “antigüedades''. Por ello, el arte antiguo se puede considerar a todos los objetos u obras de arte que no están dentro del estilo considerado como arte moderno.

Disciplinas de este estilo de arte

Existen varias disciplinas que son estudiadas hoy en día de la edad antigua y con estas disciplinas podemos observar el cambio que ha dado el arte a lo largo de los siglos. Como ejemplo tenemos la música del arte antiguo, la historia de la danza, la literatura antigua. Dentro de la literatura podemos encontrar la historia de la escritura y dentro de la historia de la escritura encontraremos varias clases como, por ejemplo: la caligrafía y la epigrafía. Existen otras formas de arte como son las artes menores, las artes efímeras o las artes suntuarias que estaban dentro del arte antiguo. Estas formas a partir del siglo XX se les denominaron como diseño, pero en la edad antigua podíamos encontrarlas con sus propios nombres, es decir, artesanías, artes y oficios, artes aplicadas, oficios artísticos y artes aplicadas. Dentro de estas formas de arte podemos destacar: la orfebrería, la cerámica, la gastronomía y la perfumería. Si hablamos del arte efímero podríamos destacar expresiones específicas como son los triunfos romanos o las ceremonias religiosas que se hacían, además de las artes marciales. Hoy en día estas formas de arte se agrupan en un solo término, pero ese término engloba a todas esas formas de arte que hemos comentado anteriormente.

ARTE MESOPOTAMICO

Hace 5000 años, los sumerios y los acadios, asentados en la región comprendida entre los ríos Tigris y Eufrates (actual Irak) desarrollaron la primera civilización urbana en Oriente Medio, una de las cunas de la civilización, junto con Egipto. El arte desarrollado por los sumerios tiene sobre todo un significado religioso, respondiendo a la estrecha unión entre religión y política. Una de sus características es la acusada continuidad estética, que se traspasará a las civilizaciones posteriores. Por tanto, a pesar de constituir pueblos diferentes, se pueden observar ciertos rasgos que perpetúan esta continuidad. Debido a la pobreza de los materiales existentes en la región de la Mesopotamia, no han quedado muchos ejemplos tanto en la arquitectura como en las artes plásticas. Sin embargo, en lo relativo a otras disciplinas, como la glíptica y en la orfebrería, destacarán por su destreza técnica y la variedad y originalidad de los temas.

Arquitectura

La arquitectura sumeria se desarrolló en torno al desarrollo de los núcleos urbanos alrededor de un centro político-religioso constituido por el templo (el famoso zigurat, o pirámide escalonada) y el palacio.

Los materiales empleados en la arquitectura fueron el adobe y el ladrillo, frente a la piedra o la madera, escasas en la zona. Esto es su principal hándicap, pues la fragilidad de estos materiales ha impedido la conservación de monumentos, frente a, por ejemplo, lo sucedido en Egipto, cuyo empleo de la piedra caliza permitió el que sus construcciones hayan podido llegar hasta nuestros días en un aceptable grado de conservación.

Escultura

La escultura sumeria se realizó en piedra caliza o en alabastro, y sus principales producciones fueron de esculturas de bulto redondo y de relieves. Trata temas y escenas de la realidad cotidiana, lo que ayuda a la hora de aprender acerca de determinadas características de su cultura. El sumerio se representa como una figura de aspecto rechoncho, de cabeza rapada, sin cuello, con grandes ojos y nariz curva y marcada. Aparecen vestidos con el "kaunakes", un manto o falda de piel de oveja, a veces con la parte plana hacia fuera, representada con bucles o escamas, otras con la parte de la piel con unos flecos. La postura de perfil con el ojo de frente recuerda al arte egipcio. La boca sonríe un poco. La postura de los pies y brazos es hierática, así como la composición de las escenas, realizada de forma lineal. Las representaciones destacan sobre un fondo liso, sin paisajes.

Orfebrería

la orfebrería los sumerios alcanzaron una gran perfección, como puede verse en los objetos hallados en las tumbas de Ur, entre los que destacan la diadema de la reina Puabi, un fino trabajo orfebre de un tocado formado por hojas y una especie de flores, realizado en oro; el arpa de madera y oro, con una cabeza de toro barbado con incrustaciones de lapislázuli; el carnero rampante, apoyado sobre el árbol de la vida. Así como el vaso de plata de Entemenna, con grabados representando a dos leones agarrados por una gran ave, y con inscripciones cuneiformes en el cuello.

ARTE PERSA

La Antigua Persia ocupaba aproximadamente el territorio de la actual Irán. Limitaba al norte con el Mar Caspio, Armenia y Rusia, al este con Afganistán, al sur con el Golfo Pérsico y al oeste con Irak. El arte persa aporta algunas novedades, como la decoración con finalidad de exaltación del imperio, pero con un carácter pacífico. De igual manera, es destacable el uso de la columna tauriforme, que llega a tener gran altura, hasta 20 metros de altura y el capital hasta cinco metros. A veces se construían en piedra y a veces en madera estucada. Podía ser completa o incompleta si el capitel no estaba desarrollado. La base era campaniforme, el fuste estriado o liso y el capitel con tres cuerpos: cuerpos de hojas, cuerpos de dobles volutas y, por último, las figuras de toros tumbados y enfrentados. Los palacios estaban decorados con esculturas a base de relieves, no habiendo escultura exenta. Eran bajorrelieves excepto los toros alados que eran imitación de los babilónicos técnicamente pero algo monótonos. Representaban las figuras de perfil y con movimiento pausado y tranquilo. Los adornos se esculpían con gran detallismo y se tenía gran cuidado con la proporción.

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno. La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso. El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado, el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior. Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión. Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata de un arte áulico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo. El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.

ARTE GRIEGO

Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas. Tras las invasiones de eolios, jonios, dorios y aqueos a finales del II milenio, la civilización micénica va a desaparecer. Los eolios y los jonios van a ocupar los dos centros micénicos más importantes: Atenas y Esparta. Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a asentarse una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas las cosas. Hay una explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está determinado por la vida pública, por la democracia. Grecia va a crear unas bases para la vida moderna.

Las principales características del Arte Griego son: ● Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista. ● Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura. ● Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros momentos, pero, sobre todo, aportaciones propias. ● El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer que este sea un arte de una gran perfección. ● Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy representada en escultura. ● Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Los períodos del arte griego son: ● Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones. ● Fase Orientalizante: s. VII - principios s. VI a.C. ● Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo. ● Período clásico: siglos V y IV o Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C. o Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo IV. ● Período helenístico: 323 - s. I a.C.

ARTE ROMANO

El arte romano, al igual que su arquitectura e ingeniería, se extendió, como su imperio, a lo largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo, siendo uno de los principales exponentes de la avanzada civilización romana. El arte romano hunde sus raíces en diversas influencias, especialmente del mundo etrusco y del griego.

La fuerte organización y personalidad del Imperio Romano exige un arte y una arquitectura que aúne el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy centralizado y unitario que abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor o menor medida, a todas sus provincias.

No cabe duda que el arte romano es la manifestación artística más significativa de la historia del mundo occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado de percibir a lo largo de los muchos siglos desde su desaparición en toda Europa. No ha habido momento histórico (quizás el gótico es el arte y arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor medida su influencia. Los romanos penetraron en la Península Ibérica en el 218 a.de C. y, sobre todo, a partir de la mitad del siglo II a. de C. empezaron a crearse asentamientos estables. No tardó en generarse una pronta e intensa romanización que duró más de cinco siglos y que dejó en nuestro suelo restos arqueológicos de primer orden.

ARTE MEDIEVAL

Es un periodo de la historia del arte que desarrolló un largo periodo para una gran extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de mil años de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares. El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos que incluir los oficios y las artes que no se incluían normalmente en las bellas artes como por ejemplo la confección de la vestimenta medieval.

El Arte Medieval en la Edad Media

Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el concepto de bellas artes o de artistas. El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte:

1. Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda de la legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios. 2. Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana y su historia sagrada. 3. Ha de ser una confirmación de poder, por un lado, ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales.

Movimientos y periodos principales ● Arte paleocristiano ● Arte Bizantino ● Arte islámico ● Arte prerrománico ● Arte del periodo de las migraciones

En la Baja Edad Media podemos estos movimientos y periodos

En esta etapa se pueden destacar dos estilos internacionales divididos en: arte románico, que va desde el siglo XI hasta el XII y el arte gótico que se originó en Francia a mediados del XII y se desarrolla en Europa Occidental desde el siglo XIII hasta el XIV. ● Arquitectura románica: en este estilo, en la arquitectura se construían templos perdurables con una gran grandeza para evitar su destrucción, siguiendo una evolución perfeccionando y resolviendo problemas tectónicos en busca de altura y luz, utilizando la piedra como material principal creando construcciones que se caracterizaban por sus macizos muros y contrafuertes para hacer de soporte a las robustas bóvedas de cañón. ● Arquitectura gótica: se origina en el siglo XII en Francia. En la arquitectura gótica se introduce la bóveda de crucería, los arbotantes y el arco apuntado. Como características destacan edificios altos con un sentido simbólico de ascensionalidad, como queriendo llegar al cielo, espacios interiores muy luminosos y coloristas, predominando las vidrieras sobre los muros, con elementos escultóricos naturistas, con follajes, hojas y animales en la decoración de los capiteles. El material utilizado es la piedra cortada, encuadrada y pulida en sillares regulares, y los muros pierden gran parte de la función de sustentantes, por lo que se abren grandes ventanas. A medida que este arte evoluciona, las bóvedas son más decorativas, convirtiéndose en bóvedas estrelladas, florales o reticulares.

ARTE ROMÁNICO

Este movimiento se dio a raíz de la prosperidad en los aspectos materiales que existían en la época y a la renovación espiritual que surgió y tuvo un enorme auge en los siglos XI y XIII. Fue el arte de la Edad Media y de la época del Feudalismo. Su estilo se basaba y adapta a una sociedad sin cultura y controlada en su totalidad por la iglesia. Fue uno de los primeros estilos de arte y fue variando conforme se acercaban a la Edad Media. Procuraba reflejar la sociedad feudal, la guerra y la cristiandad por lo que se desempeñaron en la realización de un gran número de iglesias y de edificios religiosos.

Es muy importante mencionar que la arquitectura fue la parte más importante relacionada con el arte románico. Todas las grandes esculturas y diferentes pinturas no eran importantes para la religión y su destino principal era el templo. Las esculturas y las pinturas eran utilizadas para dar un tipo de decoración a los edificios de la época.

El arte románico era un arte enfocado a lo rural, lo campestre. No era un arte muy refinado. Siempre buscaba la realización de trazos, de líneas colocadas en forma horizontal y vertical, poseía un gran número de arcos, pero elaborados de una manera muy sencilla. Era un arte totalmente geométrico, utilizando en sus creaciones formas muy sencillas que buscaban identificar la sensibilidad primitiva y rural.

Arquitectura

El tipo de arquitectura románica era de dedicada al clero de la iglesia, primero porque éste era el único consumidor y segundo, porque ellos eran los únicos que sabían como elaborarla. El monumento principal de la arquitectura románica fue el conocido templo Románico. Otra de las grandes innovaciones que realizaron los fieles a este tipo de arte fue el campanario, el cual fue incluido en los templos de las iglesias. Una variedad de templo románico es el llamado templo claustral o monasterio.

Escultura

Sus figuras tenían un gran sentido de la espiritualidad y la anatomía quedaba completamente en un segundo plano. Era más importante cuando se colocaba en la entrada de los templos. Su relieve fue siempre muy plano y las escenas que envolvían no tenían ningún tipo de complicación. Con el paso del tiempo, las figuras fueron empezando a tener más evolución.

Pintura

Llena de intensos contrastes, el dibujo y los colores retenían toda la atención del artista. Dibujaban líneas gruesas de color negro o rojo que se encargaban de darle forma a las figuras mientras que para los rostros utilizaban una mezcla de pintura rojas, sobre todo para que la barbilla, la mejilla y la frente. En el centro de las bóvedas de las iglesias se solía representar el Cristo en la Majestad y algunas veces a la Virgen también. Algunos ejemplos de pintura románica pueden ser encontrados en Cataluña, en las iglesias Tahull.

ARTE BIZANTINO

Es un concepto que alude a las manifestaciones artísticas desarrolladas en la zona de Bizancio. Una de sus expresiones más reconocidas es la arquitectura bizantina, que dio lugar a la Iglesia de los Santos Apóstoles, la Iglesia de los Santos Sergio y Baco y la Iglesia de Santa Irene, entre otros edificios de importancia. Podemos decir que los orígenes del arte bizantino se encuentran en el siglo V. A partir de entonces, se enraizó con fuerza en oriente y en el mundo helenístico, continuando el legado del arte paleocristiano y como resultado de la fusión entre los estilos romanos y griegos. Desde entonces, el arte bizantino cobró cada vez más definición, un carácter más propio que se puede apreciar especialmente a partir del año 527, junto con el reinado del emperador romano Justiniano I, momento en el cual comenzó la Primera Edad de Oro. Esta etapa duró hasta el año 726 y representó el nacimiento de los aspectos formales del arte bizantino.

Esta primera etapa llegó a su fin cuando apareció la querella iconoclasta. El término iconoclasta hace referencia a las personas que practican la iconoclasia, es decir, la destrucción de obras de arte de carácter sagrado. Precisamente, el emperador bizantino León III, quien gobernó desde el año 717 hasta 741, dio la orden de eliminar todas las representaciones de los santos, de la Virgen María y de Jesús. El foco principal de la crisis que se desató a causa de la querella iconoclasta fue el arte figurativo. Desde el año 726 y hasta 843, tuvo lugar un marcado enfrentamiento entre los iconoclastas y los iconódulos, aquellos que veneraban las imágenes que los primeros destruyen. Medio siglo más tarde, en el año 913, comenzó la Segunda Edad de Oro del arte bizantino. Esta etapa se extendió a lo largo de tres siglos, hasta que en 1204 los cruzados destruyeron Constantinopla. El nombre cruzado se usó para identificar a un grupo de militares pertenecientes a la religión cristiana que intervinieron en varias cruzadas durante la Edad Media. La última etapa, denominada la Tercera Edad de Oro, duró desde 1261 hasta 1453, año en que los turcos tomaron Constantinopla. En la cultura bizantina, la pintura tenía una función de gran importancia, que también involucra la religión, pues la consideraban la propia materialización de lo divino, en ocasiones por «manos no humanas». En occidente, esto solía pensarse de las reliquias.

ARTE GÓTICO

El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradiaba al resto de Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno adquirió características particulares.

La catedral como ofrenda y orgullo

La catedral fue un centro de referencia en el gótico, ya que constituía la máxima ofrenda a Dios y tenía como propósito alcanzar la trascendencia espiritual e histórica. Fue el resultado del apogeo de las ciudades, cuando la prosperidad del campo permitió que se formaran centros urbanos o burgos. Los habitantes de los burgos, o burgueses, pagaban impuestos al rey, lo que significó una mayor riqueza para este y un mayor poder de inversión social. Las catedrales fueron construidas con la participación de todos los sectores de la sociedad: las autoridades civiles, el clero, los donantes (tanto nobles como burgueses) y los gremios de artesanos, quienes por primera vez en la historia recibían un salario. Por todo esto, la catedral gótica fue al mismo tiempo símbolo de la alianza entre el rey y el obispo y símbolo del orgullo burgués. Además de las catedrales, también se construyeron iglesias, monasterios, palacios y diferentes tipos de edificios con este estilo.

Estética de la luz

El abad Suger, quien fue consejero de los reyes Luis VI y Luis VII de Francia, formula los principios de la estética de la luz, fundamento de todo el arte gótico. Esto lo hace a partir de la lectura de los escritos del Pseudo Dionisio Areopagita (siglos V y VI d. C.). Según esta corriente, la luz se concebía como símbolo de la divinidad, creadora de todas las cosas. Si el universo entero era creación divina, todo lo que en él habitaba era reflejo de la luz de Dios. En consecuencia, los elementos de la vida, espirituales o materiales, se revalorizaron desde una perspectiva teocéntrica. Para el abad Suger, así como para sus contemporáneos, la contemplación estética se transformó en una experiencia espiritual. Esto fue, sin duda, un punto de inflexión en la cultura occidental.

Vitrales y Rosetones

Gracias a las nuevas técnicas arquitectónicas, los muros macizos se sustituyeron por grandes ventanales donde se hicieron vitrales. Los vitrales permitieron la resuelta iluminación solar del interior de los edificios por primera vez en la historia. Al mismo tiempo, sustituyeron a los frescos propios del arte románico. Se usaron los vitrales con forma de arcos apuntados y también los rosetones, que son ventanas circulares caladas dispuestas radialmente. Los vitrales multicolores proporcionaron una iluminación absolutamente novedosa, efectista e impactante. La luz dentro de las catedrales fue concebida como un elemento de contemplación divina.

Carácter didáctico de las artes figurativas

El arte gótico tiene un carácter didáctico. Su mensaje se orienta a la celebración del Dios encarnado y la unión de Dios con sus criaturas, lo que se hizo visible en las artes figurativas, tanto escultura como pintura. Las fachadas de las catedrales góticas aún serán concebidas como libros de piedra abiertos al transeúnte, llenas de relieves escultóricos, originalmente pintados en colores vivos. En el caso de la decoración interior, los vitrales serán comprendidos como una puerta hacia la revelación, pues sus efectos favorecen la contemplación espiritual.

Humanismo teológico y tendencia al naturalismo en las artes figurativas

La estética de la luz está unida indisolublemente al humanismo teológico, una corriente filosófica de fines de la Edad Media que revalorizó la dignidad del ser humano como creación divina. Los temas del gótico poseen una tendencia emocional y expresionista. Los elementos simbólicos propios del arte románico comienzan a dar entrada al naturalismo, que se va perfeccionando gradualmente al eliminar la frontalidad. Por ejemplo, la representación de la crucifixión será cada vez más sinuosa y flexible.

El gótico representa el juicio final como triunfo de Cristo, el cual dispone en la entrada como alegoría de la frase bíblica: “yo soy la puerta”. Mientras tanto, por encima de los Salmos, el libro de los Reyes y el Apocalipsis, propios de la mirada románica, el gótico hace énfasis en los Evangelios. Además, aparecen en el repertorio figurativo profetas, antepasados de Cristo y sus apóstoles. Lo curioso es que, en las vidrieras y otros objetos artísticos, se comienzan a retratar también a los gremios de artesanos y donantes que hicieron posible su elaboración.

EL ARTE DEL RENACIMIENTO

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, desviándose de la apasionante tradición, cultura y arte medieval, basada en una profunda teología y espiritualidad cristiana. No es de extrañar que sea en Italia donde se produzca tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a despegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.

En lo concerniente a la pintura renacentista del siglo XVI hay que tratar a Juan de Juanes, Alonso y Pedro Berruguete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" pero muy especialmente el sublime y espiritual genio del manierismo "El Greco"

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.1El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos»,2 y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.

MANIERISMO

El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael. Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura, sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.

Arquitectura Manierista

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno. En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica. La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

Escultura Manierista

Es una tendencia estética que se inicia a finales del Renacimiento y se señala como transición al Barroco. Tuvo sus orígenes en las magistrales características escultóricas de la obra de Miguel Ángel, tales como el equilibrio estable entre la masa y el movimiento, sentido de la grandiosidad, facciones perfectas, gestos terribles y la perfección anatómica de la figura. Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni

EL ARTE BARROCO

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso. El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

Origen del Arte Barroco

• Causas Político Religiosas Barroco valenciano: torre de Santa Catalina Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura. Hay que recordar que los luteranos se alejaron negando la intercesión de la Virgen María y de los santos, por lo que en el arte barroco se incide en su representación en fachadas, retablos y todo el arte mueble. En las artes figurativas barrocas (pintura y escultura) se produce un alejamiento de los temas paganos de las mitologías griega y romana que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento. Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.

• Causas Sociales y Psicológicas El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco. En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida, así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto que, en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral. Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular. Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claroscuristas enérgicos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo, el tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera contrastada con numerosos salientes y entrantes para provocar acusados juegos de luces y sombras, como se puede apreciar, por ejemplo, en la Basílica del Pilar de Zaragoza.

Pintura Barroca

Se refiere a las obras artísticas pictóricas producidas en el período de la historia de Occidente conocido como el Barroco (siglo XVII y principios del XVIII). Este movimiento se caracterizó por el auge en ciertos países de los valores culturales del catolicismo y su entrada al Renacimiento, plasmados a menudo en diversas formas de arte: la literatura, la música, la danza y también la pintura. El barroco como estilo artístico está inicialmente vinculado a la contrarreforma católica y a la ideología monárquica absolutista, pero es posible identificarlo también en la obra de artistas pertenecientes a naciones protestantes y no absolutistas. Esto ratifica su popularidad e importancia en su contexto histórico. Se gestó en el continente europeo, pero fue transmitido a sus colonias, especialmente en Latinoamérica. La pintura barroca reflejó la importancia de la religión en los países católicos, a la par que, del gusto burgués en los protestantes, y se caracterizó por el realismo, la riqueza e intensidad de los colores, así como un fuerte contraste entre luces y sombras. La pintura barroca presenció el nacimiento de nuevos géneros pictóricos, como son los bodegones, vanitas y cuadros costumbristas, que enriquecieron la iconografía religiosa heredada del medioevo. Se caracterizó por la búsqueda de realismo a través del efectismo (los trampantojos son comunes) y de una cierta teatralidad. La luz y el color pasaron a ser grandes protagonistas, encargados de producir la profundidad y la perspectiva, más que la línea y el trazo. Las formas fueron particularmente abundantes (como sucedió en todas las artes del barroco) y las pinturas se llenaron de volumen y de detalle, en lo que para muchos constituyó el dominio total de las técnicas pictóricas, tanto con óleo como al fresco.

TENEBRISMO

El tenebrismo es el claroscuro llevado al extremo. Tal es así que el sólo efecto convierte a la obra en inquietante, la recarga de tensión dramática. Empecemos entonces comprendiendo el claroscuro: es el contraste fuerte de luces y sombras, que permite generar volumen en las figuras y atraer la atención del espectador hacia elementos fundamentales de la obra. El tenebrismo va al límite y a veces sólo hace foco, destaca, el punto crucial de la obra, el de mayor tensión, y puede dejar el resto de la obra casi a oscuras. El primer gran maestro del tenebrismo de Caravaggio, por ello todos aquellos que siguieron sus pasos aprovechando este recurso, suelen ser llamados “caravaggistas”. En el tenebrismo caravaggista, el foco de donde proviene la luz es indeterminado, es arbitrario, no se sabe de dónde proviene la luz. En cambio, en la pintura de los holandeses de la escuela de Utrecht, el origen de la luz se hace explícito y toda la tensión del cuadro se genera, por ejemplo, a partir de la luz de una simple vela.

ARTE NEOCLÁSICO

El neoclasicismo es el último movimiento artístico de dimensiones universales. Afecta a todas las artes y en todo el mundo. Es un movimiento filosófico, moralizante, social e intelectual muy ligado a los ideales ilustrados y a los de la Revolución francesa de la burguesía liberal. Aunque afecta a todo el mundo, su centro es Francia, concretamente París, que se convierte en la capital del mundo artístico reemplazando a Roma. Este movimiento se fragua en el último cuarto del siglo XVIII. El descubrimiento de Pompeya y Herculano despierta el gusto por la antigüedad clásica. Pero no es una vuelta imitativa a los modelos

antiguos sino una reinterpretación de sus formas. En Francia Diderot y D’Alembert han publicado la Enciclopedia, como resultado de la compilación del saber humano sobre todos los temas. Se trata de un arte didáctico que pretende recuperar los valores de la antigüedad clásica y el Renacimiento. Francia es la primera potencia artística del momento. El arte del neoclasicismo se caracterizó por basarse en la cultura clásica, los artistas tenían la intención de ilustrarse en la arquitectura antigua. El arte en el neoclasicismo, se enfoca en la expresión de los sentimientos, en el movimiento, es decir buscaban retomar las técnicas empleadas por los clásicos, buscaron recuperarlos valores clásicos. Las Academias desempeñan un papel fundamental en la difusión de los principios del arte clásico ya que eran las encargadas de formar a los artistas. En España se funda la Academia de Bellas Artes de San Fernando. ● Arquitectura neoclásica ● Escultura neoclásica ● Pintura neoclásica

Escultura

La escultura neoclásica surge como reacción al Barroco. El Neoclasicismo tiende a la contención de los volúmenes, a la claridad y pureza de los contornos y al equilibrio y simplicidad. La escultura del Neoclásico se distingue por: • El empleo del mármol blanco. • Los temas son de la antigüedad clásica, sobre todo mitológicos. • Toma como ejemplo las obras grecorromanas. • Se interesa por la belleza ideal, las actitudes reposadas, la severidad y pureza del arte antiguo. • Esculpan desnudos alejados del erotismo, retratos individualizados, retratos ecuestres, sepulcros, relieves unidos a monumentos conmemorativos o edificios públicos. El avance de la escultura urbana, que sirve de referente obligado en los ordenamientos viarios. Las formas más frecuentes son los arcos triunfales y las columnas conmemorativas.

Arquitectura

Reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, más no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano. Bajo el liderazgo de la revolución francesa primero y de Napoleón Bonaparte después, se construyen edificios romanos en Francia y en las capitales de Europa y América. Después del barroco y del Rococó, el neoclasicismo representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos. La simetría se generaliza, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones triangulares sustituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios.

ROCOCÓ

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia. Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo. El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores. Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales. En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos. En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es una figura bella y sensual.

ARTE MODERNISTA

Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional. Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, comoArt Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países Bajosy Liberty o Floreale, en Italia. Se buscaba crear un artenuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas yse trató de crear un arte de inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial, con materiales como el hierro y el cristal.

Se puede confundir el arte moderno con el arte contemporáneo, pero no tienen nada que ver uno con otro. La posición de innovación que tienen los artistas de esa época abre una puerta a la libertad del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte hasta ese momento. Los artistas de este tipo de artehicieron una declaración en la deformación de las cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que las cosas poseían.

Es por ello por esas técnicas usadas en el arte por lo que nace el concepto de arte moderno, que se define como el irracionalismo en su manera más grande, aunque también tenemos que decir que esto no es una característica sólo de este tipo de arte ya que pasados los siglos ha habido muchos tipos de arte que han presentado ese irracionalismo. Características del arte moderno: ● Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural, pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. ● Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. ● Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su representación realista. ● Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringles de sus vestidos. ● Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso al erotismo. ● Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de estampas japonesas.

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

El arte como lo conocemos no hubiera sido tal sin la existencia de las vanguardias. El término “vanguardia” fue tomado del léxico militar para dar nombre a estas corrientes que buscaban romper con lo establecido y reinventar el arte. Las vanguardias son corrientes combativas, que han confrontado a la historia y a la sociedad. Estos movimientos tuvieron lugar en Europa, los primeros surgieron al inicio del siglo XX en una coyuntura compleja a nivel político y social. Estos dieron paso a las vanguardias que surgieron luego, en el periodo de entreguerras, y más adelante, sobre mediados del mismo siglo, surgieron otras, que se enfrentaron a las anteriores. Fue uno de los ismos de menos duración. Nació en 1904 y para 1910 ya estaba extinto. Surgió en Francia y su nombre nació como una crítica: “fauvismo” significa “fieras”. Este término fue utilizado por los críticos que no entendieron este arte porque era imposible de clasificar. Las características principales del Fauvismo son: la simplificación de las formas y el énfasis en la utilización de colores. Los temas de las pinturas hacen referencia a la alegría y recrean paisajes, retratos y rostros desnudos. Los integrantes de esta corriente no se preocupaban tanto por la técnica, sino que querían expresar las emociones a través del color, que muchas veces no se correspondía con los colores que los objetos tienen en la realidad.

Impresionismo

El impresionismo es un movimiento artístico inicialmente definido para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley, Berthe Morisot).

Neoimpresionismo

Movimiento pictórico francés desarrollado a finales del siglo XIX que constituye a la vez una evolución y una reacción contra el impresionismo y se caracteriza por el uso de puntos de colores puros organizados de manera que, vistos desde cierta distancia, provocan un efecto de gran luminosidad.

Postimpresionismo

Este término engloba diversos estilos personales planteándose como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Principales Artistas

• Paul Cézanne • Maurice de Vlaminck • John Cage • Le Corbusier • José Gutiérrez • Henry Moore • Avigdor Arikha • Manuel Valdés Blasco • Luis Buñuel Pablo Picasso • Ramón Gomez de la Serna

ARTE POSTMODERNISTA

El arte posmoderno es un cuerpo de movimientos de arte que buscaba contradecir algunos aspectos del modernismo o algunos aspectos que surgieron o se desarrollaron después de él. En general, los movimientos como el intermedio, el arte de instalación, el arte conceptual y multimedia, particularmente el video, se describen como posmodernos. Hay varias características que le dan al arte ser postmoderno; estos incluyen bricolaje, el uso de palabras prominentemente como el elemento artístico central, collage, simplificación, apropiación, arte de performance, el reciclaje de estilos y temas del pasado en un contexto moderno, así como la ruptura de la barrera entre la multa y alto arte y bajo arte y cultura popular. Un estilo de arte posterior a la década de 1960 que rechazó los valores tradicionales y las suposiciones políticamente conservadoras de sus predecesores, a favor de un concepto de arte más amplio y entretenido, utilizando nuevas formas artísticas enriquecidas por el video y la tecnología informática.

El "posmodernismo" no es un movimiento, es una actitud general. Por lo tanto, no hay una lista acordada de características que definen el "arte posmodernista". Pero debemos comenzar en alguna parte, así que aquí hay algunos punteros seleccionados. Los artistas posmodernos han desechado la idea de que una obra de arte sólo tiene un significado inherente. En cambio, creen que el espectador es un juez de significado igualmente importante. La fotografía surrealista de Cindy Sherman, por ejemplo, destaca la idea de que una obra de arte puede interpretarse de varias maneras. De hecho, algunos artistas, como la artista de performance Marina Abramovic (n. 1946), incluso permiten que los espectadores participen en sus "obras de arte", o incluso requieren la intervención de los espectadores para completar su trabajo.

Los mayas clásicos desarrollaron, según las regiones, diversos estilos en arquitectura, pintura, escultura y otras artes, en las que desplegaron un alto grado de calidad técnica. La labor de los artistas estuvo íntimamente relacionada con las características sociales, culturales y políticas de su entorno. El despliegue ritual era esencial para reafirmar el poder político. Los grandes conjuntos arquitectónicos, escultóricos y pictóricos servían como escenarios para la actividad ritual y cortesana, la cual involucra el uso de artefactos lujosos, lujosamente elaborados, tales como vestimenta, adornos personales y otros de uso ritual. Entre dichos objetos, los de lujo también formaban parte de utensilios funerarios, cuyo grado de elaboración reflejaba la categoría del individuo en vida. En buena medida, el arte del periodo clásico se derivó de modelos originados durante el preclásico. Sin embargo, fue en el periodo clásico cuando se alcanzaron los niveles más altos de elaboración artística, tanto en las artes monumentales como en los objetos portátiles.

Arquitectura

La planificación de los centros ceremoniales mayas siguió la topografía y condiciones del terreno, lo que determinó las diferentes formas y estructuras de las edificaciones. La arquitectura maya participó de las características generales de las culturas americanas, pero tuvo modalidades especiales, incluso dentro de su propio estilo (el "arco falso",bóveda maya-, cresterías o peines, estelas y altares, etc.). Se registraron varios estilos arquitectónicos como el "estilo de Petén" en Uxmal; el "estilo Usumacinta:" En Palenque; el "estilo Puuc" de Uxmal, etc. Y, hubo además otro detalle muy valioso: el de la pintura integrada a la arquitectura.

Escultura

Incluye una gran variedad de manifestaciones: altares, estelas, lápidas, dinteles zoomorfos, tableros, tronos, jambas, columnas, figuras de bulto y marcadores de juego de pelota. Sus principales características son la utilización del relieve, la monumentalidad en el tratamiento de los temas, el uso del color en el acabado superficial, la dependencia del ámbito arquitectónico, la profusión de signos caligráficos y ornamentales, la relevancia de las líneas curvas y el carácter abigarrado y escenográfico de la composición. Las estelas conmemorativas son magníficos trabajos entre los que destacaremos las de Tikal, Copán, Quiriguá y Cobán. Se trata de enormes lajas de piedra clavadas verticalmente en el suelo, en las que los escultores mayas tallaron en bajorrelieve imágenes del jubileo de sus reyes. Se erigían al finalizar un periodo temporal concreto, cada cinco y cada veinte años, y en ellas, mediante jeroglíficos, se narraban los acontecimientos más importantes del reinado. Excelentes son los dinteles figurativos que flanqueaban las puertas de los palacios y templos de Yaxchilán, los altares de Piedras Negras y los zoomorfos de Quiriguá, aunque quizá la cumbre de la escultura maya sean los paneles de los edificios de Palenque. El palacio, y los templos de las inscripciones, el Sol, la Cruz y la Cruz Foliada, constituyen uno de los mejores ejemplos de cómo el hombre es capaz de plasmar en piedra su universo religioso.

Arte Mural

Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos, la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística, logrando un difícil equilibrio

entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco, después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras, la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I), la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún, Palenque, Coba y Chichén Itzá.

Cerámica y Lítica

De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones, los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. La cerámica polícroma asociada con el mundo funerario fue la más extendida. La técnica era similar a la de los murales, aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. Suelen ser cilindros, platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo, crema o anaranjado. El otro estilo, del que se conservan muy pocos, llamado códice, recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia, y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarla en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). La talla de las piedras semipreciosas, en jade y obsidiana, suponen una valiosa aportación al arte maya. Figuras humanas, excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas.

Tejido y Arte Plumario

Aunque las extremas condiciones de calor y humedad han impedido que estas manifestaciones llegaran hasta nosotros, las escenas figurativas que aparecen sobre distintos soportes nos permiten hacernos una idea de cómo debieron ser. Los reyes y dignatarios aparecen vestidos con taparrabos, camisas, capas, túnicas y mantas realizadas en algodón, piel y fibra vegetal. Los trabajos plumarios alcanzaron un gran desarrollo. Los artesanos mayas disponían de una tradición muy rica dentro del medio natural más apropiado.

Juego de Pelota

El Juego de Pelota maya fue una actividad de gran importancia para la historia de esta civilización en Guatemala. Actualmente, aún se encuentran varias ruinas con los patios de juego que fueron testigos, incluso, de sacrificios. Los orígenes exactos de este deporte antiguo no son claros, pero la zona olmeca de 1500 a 200 a.C., posee una de las primeras áreas con dibujos y escultura relacionadas con el Juego de Pelota. Se cree que, con el tiempo, la tradición se fue propagando a través de toda Mesoamérica.

El patio de Juego de Pelota más antiguo en Guatemala es el que se encuentra en Retalhuleu, en Takalik Abaj, y que data de 800 a 500 a.C. El Popol Vuh o “Libro de la Comunidad” expresa los inicios mitológicos de este juego con el relato de los hermanos gemelos, Hun- Hunahpú y Vucub- Hunahpú. El ritual del Juego de Pelota servía para conmemorar el mito de la creación. Representaba la lucha entre las fuerzas opuestas del universo —la luz y oscuridad, el día y la noche—. La pelota en constante movimiento igualaba el movimiento de los astros y las fuerzas de la creación. Los patios eran campos de duelo donde se cumplía la ley cósmica. Esto debido a que se representaba al cielo e inframundo en constante confrontación. Al terminar cada juego en eventos rituales, el ganador vivía y el perdedor era sacrificado para unirse a sus antepasados.

Calendario Maya

El calendario maya es cíclico, porque se repite cada 52 años mayas. En la cuenta larga, el tiempo de cómputo comenzó el día 0.0.0.0.0 4 ajau y 8 cumkú (en notación maya) que equivale, según la correlación generalmente aceptada,1 al 11 de agosto del 3114 a. C. en el calendario gregoriano.2 Sin embargo, muchos mayistas prefieren igualmente la fecha del 13 de agosto de 3114 a. C. como la fecha del inicio de la cuenta larga. El calendario maya completo se compone de cinco cuentas largas. En la quinta entra la era cronología hebrea, e incluso ésta comenzó al final de la cuarta cuenta larga. Y la fecha de final fue el 21 de diciembre de 2012 d. C. El periodo fue de 5.125,36 años terrestres/solares, aunque en términos mayas sí resulta una cifra entera y redonda puesto que son 5.200 tunes, que son ciclos de 360 días (Tun), y también en días o kines como un total de 1.872.000. Cinco repeticiones o cinco cuentas largas componen el gran ciclo de 26.000 tunes equivalentes a 25.626,8 años. De esta manera el gran calendario maya es visualizable como un círculo estructurado en cinco partes, cada una de 5.200 tunes. La cifra de 26.000 no es de años sino de tunes, y por ello no hay que confundirlo con 26.000 años ni tampoco con el periodo de precesión de los puntos equinocciales y solsticiales de la Tierra cuya cifra es semejante: 25.800 ó 25.920. El último día de la 5ª cuenta larga y del calendario maya de 5 cuentas largas coincidió con evento astronómico, el solsticio (21-22 de diciembre de 2012 de la era cristiana) y también con que actualmente los solsticios de la Tierra ocurren en el momento en que el plano de la eclíptica se interseca con el plano ecuatorial de la Galaxia.

Figuras Cerámicas

La mayoría de la cerámica decorada (vasos cilindros, platos con tapa, floreros, copas) fue una vez “moneda social” entre la nobleza maya y conservada como reliquias de familia, y también acompañó a los nobles en sus tumbas. La tradición aristocrática de las fiestas de intercambio de regalos y visitas ceremoniales, y la emulación que inevitablemente ocurrió durante estos intercambios, explican en gran medida el alto nivel artístico alcanzado en la época clásica. Producida sin torno de alfarero, la cerámica decorada fue pintada con delicadeza, tallada en relieve, incisa, o sobre todo durante el periodo Clásico Temprano, estucada, aplicando la pintura a una superficie de arcilla húmeda, una técnica desarrollada para los frescos de Teotihuacan. Los objetos preciosos de cerámica fueron fabricados en numerosos talleres distribuidos por los reinos mayas; algunos de los objetos más famosos se asocian con el “estilo Chamá”, el “estilo Holmul”, el llamado “estilo Ik”, y, para la cerámica tallada, el “estilo Chocholá”. La decoración de las vasijas de cerámica presenta una gran variación, mostrando escenas de palacios, rituales cortesanos, mitología, glifos adivinatorios, e incluso textos dinásticos tomados de las crónicas, y sigue jugando un papel importante en la reconstrucción de la vida y creencias del mundo maya del periodo Clásico. Las escenas de cerámica y los textos pintados en negro y rojo sobre un fondo blanco, semejantes a las páginas de los libros plegados, se conocen como el “estilo códice”; la superposición glífica y pictórica con los tres códices mayas que se conservaron es, al menos hasta ahora, relativamente pequeña. El arte de la cerámica escultórica incluye tazones del Clásico Temprano con tapas montadas por figuras humanas y animales; algunos de estos tazones, bruñidos negro, están entre las obras más destacadas del arte maya.

Tipos de Esculturas Mayas

En este mismo grupo pueden incluirse las esculturas de estuco o piedra adosadas a fachadas y pilares o empleadas como columnas, así como los complejos diseños de los dinteles esculpidos en madera propios del periodo Clásico, los cuales honran también a los mandatarios mayas. Aparte se consideran las estelas, los altares y las lápidas. Comúnmente, estas obras fueron labradas en monolitos individuales asociados a diversas edificaciones y constituyeron, en su momento, auténticos documentos en piedra, los cuales narraban la historia de los personajes representados en ellos. Así, la escultura de los mayas estuvo, como se ve, íntimamente ligada a la escritura. Finalmente, la escultura de bulto, sin relación directa con la arquitectura, fue realizada sobre todo en estuco y cerámica. Destacan, en este grupo, los grandes incensarios y urnas y, por su alta calidad artística, las figurillas funerarias de Jaina, que representaban a hombres de diferente posición social. Es evidente que la figura humana fue, con mucho, el tema central de la escultura maya. No obstante, abundaban también las representaciones de deidades antropomorfizadas, así como las de animales, plantas y seres sobrenaturales altamente significativos para la civilización maya, como las serpientes emplumadas, los monstruos terrestres y las aves fantásticas.

Tipos de Estelas

Los mayas investigaban las estelas con santidad y creían que las estelas poseían una esencia divina parecida a un alma que casi las hacía seres vivos. A unas estelas dieron nombres propios en los textos jeroglíficos y consideraban que eran participantes en los ritos que realizaban en su cercanía. En el período clásico estos ritos incluyeron el rito k'al tun de atar, en que envolvían la estela en tiras de tela y las ataban. El rito k'al tun era íntimamente relacionado con la ceremonia calendárica de fin de k'atun. Un cráneo de pecarí depositado como ofrenda funeraria en Copán lleva un rito k'al tun inscrito en él, mostrando una escena con dos nobles flanqueando un complejo estela-altar donde la estela está atada con una tela. El hecho de envolver o atar un objeto sagrado era de suma importancia en toda Mesoamérica, y así lo atestiguan entre los mayas hasta hoy en día. El significado preciso del hecho no se queda muy claro, puede ser que es para proteger el objeto atado o para contener su esencia sagrada. Puede ser que el acto de atar las estelas está relacionado con la costumbre moderna de los mayas k'iche's de envolver piedras pequeñas adivinatorias en un bulto. No consideraban que la estela fuera un retrato neutral, consideraban que el sujeto era dueño de la estela, sin importar si aquel sujeto era una persona o un dios. La Estela 3 de El Zapote en Guatemala es un monumento pequeño que data del período clásico temprano, la fachada de la estela lleva un retrato del dios de la lluvia Yaxhal Chaak, "Chak de Agua Clara”. El texto jeroglífico de la estela relata cómo dedicaron la propia deidad Yaxhal Chaak, no solo su imagen en el monumento. Éste implica que la estela era la encarnación de la divinidad y éste también era el caso con las estelas que llevaban retratos reales, que eran la encarnación sobrenatural del gobernante que representaban. La estela, junto con su altar, era la representación perpetua en piedra de la ceremonia real. David Stuart ha dicho que las estelas "no simplemente conmemoran los hechos pasados y las ceremonias reales sino que sirven para perpetuar el hecho ritual hacia la eternidad” . Las estelas que llevaban retratos reales eran extensiones de la persona real y eran una afirmación poderosa de la autoridad política-religiosa. Las estelas que llevan imágenes de varias personas, por ejemplo, de varios nobles realizando una ceremonia o de un rey con sus cautivos de guerra, probablemente eran excepciones de esta idea de la estela como encarnación sagrada del sujeto.

Expresión Artística