Revista MúsicaClasicaBA #5

Revista semestral de Cultura Musical

#5 Año 3

JULIO

BOCCA

Un trabajo que da alegrías

ZUBIN MEHTA

Música y paz

MISCHA

MAISKY Autenticidad pura MAXIM

VENGEROV

La música es energía positiva

NUEVOS DISCOS LUIS GORELIK

MÚSICA Y CINE KRZYSZTOF PENDERECKI

musicaclasicaba.com.ar

El mundo de la mĂşsica clĂĄsica en un solo lugar.

DIRECTORES PROPIETARIOS MCBA Gabriela Levite Maximiliano Luna SUB-DIRECTOR Nicolás Gagliani DIRECTORA EDITORIAL

FOTOGRAFÍA DE TAPA Marcelo Lombardi DISEÑO IMAGEN DE TAPA MusicaClasicaBA María Luz Guillén SUSCRIPCIONES musicaclasicaba@gmail.com

Staff MCBA

Gabriela Levite DISEÑO EDITORIAL María Luz Guillén guillen.marialuz@gmail.com

CONTACTO COMERCIAL musicaclasicaba@gmail.com (+54 11) 4733 9048

ILUSTRACIONES Ayelén Ramadán

DOMICILIO LEGAL Av. Cabildo 1708 4°D C.P.: 1426 C.A.B.A.

ESCRIBEN EN ESTA EDICIÓN Gustavo Fernández Walker Pablo A. Lucioni Maximiliano Luna Nicolás Gagliani Gabriela Levite

IMPRESIÓN FROMPRINT Tel: 4745-8558 int 33 Coronel Brandsen 527 San Fernando (1646) Buenos Aires - Argentina www.fromprint.com.ar

AGRADECIMIENTO ESPECIAL Alan Kwiek Arnaldo Colombaroli Máximo Parpagnoli

DICIEMBRE 2016 EDICIÓN N°5 - AÑO 3 Ejemplares: 5000 + versión online Registro DNDA en trámite

MCBA ha sido declarada de interés cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y por el Teatro Colón.

Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin previa autorización por escrito de sus autores.

Los anuncios, artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de MusicaClasicaBA. Ilustración de Contratapa basada en: http://www.freepik.com Designed by Freepik Imágen de retiración de contratapa: http://galleryhip.com/popular-social-media-collage.html Fotografía de Julio Bocca, página 12: http://www.sentidog.com/lat/2012/03/julio-bocca-45-anos-de-danza-de-alto-vuelo.html Fotografía de C Penderecki, página 31: http://www.porta-polonica.de/en/Atlas-of-remembrance-places/devils-loudun-hamburg-opera-house-1969-krzysztof-penderecki Fotografía de Banderas Argentinas, página 46 http://www.stockvault.net/photo/134040/argentina-grunge-flag

Editorial Cada edición nueva de MusicaClasicaBA Revista nos sorprende por su gran contenido. Si creemos que un número ha sido excelente, el que le sigue, aún lo supera. Y este es el caso del N°5: Todas grandes figuras. Nos ha sido muy difícil elegir el diseño de la tapa. ¿A cuál de todos elegir? Cada uno de los entrevistados tenía sus motivos para estar en la portada.

Finalmente nos decidimos por Julio Bocca, debido a su inobjetable trayectoria y a su gran presente en la dirección artística del Ballet del SODRE. Además, en este número recargado de figuras internacionales -Zubin Mehta, Maxim Vengerov, Mischa Maisky y Penderecki- nos pareció importante seguir destacando a los artistas argentinos, premisa fundamental de MusicaClasicaBA. Por eso, también encontrarán en nuestra página web una gran base de datos con streaming incluido de músicos, directores, compositores y agrupaciones argentinas hasta una agenda mensual con sus presentaciones, entre muchísima más información.

En este número de la revista, como siempre contamos además, con la colaboración de destacados periodistas y las bellas imágenes que nos brindan fotógrafos como Arnaldo Colombaroli y Máximo Parpagnoli, entre otros.

Disfruten y los invitamos a sumarse a tan importante emprendimiento ¡vamos por mucho más MusicaClasicaBA!

Muchas gracias, Equipo MusicaClasicaBA Gabriela Levite, Maximiliano Luna y Nicolás Gagliani. musicaclasicaba@gmail.com www.musicaclasicaba.com.ar

Gidon Kremer

Maxi Luna y Raúl Lavié

Krzysztof Penderecki

Trío Luminar

María Luisa Rayan

Violonchelos Argentinos y Carla Filipcic Holm

Leonardo López Linares

Emiliano Linares

Daniel “Pipi” Piazzolla

Luis Ovsejevich y Ángel Mahler Pedro Aznar y Co-directores de MCBA

Julio Bocca y Gabriela Levite Mischa Maisky

Matías Hernán Sagreras Natasha Binder y Mariano Nante

#5 6. SUMARIO

12. JULIO BOCCA 20. ILUSTRACIÓN 30. KRZYSZTOF PENDERECKI 36. MARÍA LUISA RAYAN 40. #HOYCONCIERTO 41. NUEVOS DISCOS 45. MÚSICA Y CINE 48. SORDOS RUIDOS OÍR SE DEJAN 64. RESUMEN DE TEMPORADA 69. NOTICIAS BREVES 78. GUÍA MUSICAL 80. CONTRAPUNTO: VERA CIRKOVIC

SUMARIO 22 LUIS

55 MAXIM

60 MISCHA MAISKY

72 ZUBIN

GORELIK

VENGEROV

MEHTA

En nuestra tienda ONLINE comprá de forma fácil CDs de músicos argentinos, Objetos, Libros y/o la suscripción a la revista MusicaClasicaBA. Ingresá y elegí tu música preferida http://musicaclasicaba.com.ar/tienda

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9 a 18 hs.).

• Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125. Martes a sábado de 12 a 20 hs.)

• I Violini (Perú 1076. Lunes a Viernes 9 a 19 hs. Sábados 9 a 14 hs).

• Pianos Baldwin (Paraná 913. Lunes a Viernes 10 a 19.30 hs

Sábados de 10 a 12.30 hs).

• Fundación Beethoven (Av. Santa Fe 1452. Lunes a viernes 10 a 22 hs).

ONLINE: http://musicaclasicaba.com.ar/revista

PH. Gentileza Revista Sentido G

“La vida es un hermoso sacrificio” Esfuerzo y satisfacción parecen ser las mejores palabras para describir a Julio Bocca.

No sólo porque las menciona constantemente, sino porque su carrera y su vida han sido marcadas por esas características.

Por Gabriela Levite

COMENCEMOS CON TU TRABAJO EN EL

las mejores del mundo, y esto me da mucha

SODRE, SIEMPRE DIJISTE QUE TE HACÍA

satisfacción.

MUY FELIZ, LUEGO DE 6 AÑOS, ¿SIGUE SIENDO TAN IDÍLICO?

Haber logrado todo eso en poco tiempo, demostrar que se puede hacer las cosas

Sí. Estos seis años fueron un proceso para

simplemente trabajando, organizando con

posicionar a la compañía y se logró. No sólo

tiempo, teniendo una programación y, por

nacionalmente, sino también en la región.

supuesto, con el apoyo que venimos tenien-

Ahora se está trabajando para poder llegar

do, me da mucha alegría.

al resto del mundo. Es una misión que está buena porque es algo nuevo. También para

EN LA MÚSICA CLÁSICA SE ESTÁN BUS-

mí, y de a poco se está logrando. Creo que la

CANDO CONSTANTEMENTE FORMAS DE

compañía, y el resto de la gente del audito-

ATRAER NUEVOS PÚBLICOS, SOBRE TODO A

rio, ha comprendido lo que venimos hacien-

LOS JÓVENES. ¿PASA ALGO SIMILAR EN LA

do y hacia dónde queremos ir. He trabajado

DANZA?

para que ellos entiendan que son parte, que se sientan orgullosos de este auditorio y de esta nueva época. Y no sólo porque Julio Bocca lo dijo.

Además, como estamos empezando a salir más internacionalmente, hay todo un esfuerzo que da alegrías.

El 4 de octubre fue el World Ballet Day en el cual durante todo el día diferen-

“Para mí la cultura de la educación tiene que ser política de Estado, esté quien esté arriba.”

Sí. Como en todo hay que tratar de atraer el público, y por suerte se da. Viene gente de 6 a 80 años, gente joven, parejas, amigos que en vez de ir a ver un partido de fútbol vienen a ver ballet. Se dio todo un cambio.

Una de las cosas que a mí personalmente me dio resultado es reducir las obras

tes compañías muestran el trabajo inter-

clásicas -que se hacen sin perder la esen-

no de ensayos; y realizan entrevistas tam-

cia, la excelencia, el estilo ni la historia- y

bién. Eran sólo seis compañías del mundo,

llevarlas a un ritmo al que la gente joven

cada una tenía una invitada, y por primera

está acostumbrada. Ellos están todo el tiem-

vez en la historia estuvo presente una lati-

po con el celular e internet y van cambiando

noamericana. Nos invitó el San Francisco

para no aburrirse. Entonces si al Lago de los

Ballet. Se transmitía en directo por el Face-

Cisnes en vez de hacerlo en 4 actos lo hacés

book live de la página del BNS (Ballet Na-

en 2, y en vez de que sean 3 horas lo das en

cional Sodre) y se veía el auditorio, la sala,

2 horas con intervalo incluido, va a ayudar.

los talleres y la compañía ensayando. Otras de las compañías que estaban eran:

The

Eso ayudó a que la gente cuando termina un

Australian Ballet, Bolshoi Ballet, The Royal

espectáculo, quiera volver; y no que cuan-

Ballet, The National Ballet of Canada. Se

do se vuelva a poner en cartel diga que no

puede decir que comenzamos a codearnos

porque ya lo vio una vez. Luego está el estilo

con esas compañías, con un alto nivel, de

nuevo y también el clásico que depende del

14

PH. Gentileza Nuova Harmonia

bailarín, de cómo lo interpretará. Creo que

perder la excelencia, la calidad, la historia,

a mí, por ese lado, me dio muchos resulta-

ni el estilo de lo que se está mostrando.

dos. En sí, hay un montón de factores, pero yo prefiero que todo sea más reducido a ver

SON MEDIDAS PENSADAS PARA AUMENTAR

que el público empieza a sacar el celular

EL PÚBLICO, Y EL SODRE LO HA AUMENTA-

para chequear los mensajes. Lo he visto…

DO CONSIDERADAMENTE EN ESTOS AÑOS.

QUE SEA GENTE INTERESADA EN ASISTIR…

Nosotros vendemos entre 15 mil y 25 mil entradas por espectáculo y para una capital

Quizás la gente está interesada pero si, a

que tiene 1.200.000 personas, es muchísi-

veces, a uno que está en esto, le parece lar-

mo. A veces vendemos más que un partido

go, a una persona ajena le cuesta mucho

de fútbol. También te das cuenta de que hay

más engancharse y le va a resultar intermi-

un apoyo y unas ganas de ver. Hemos hecho

nable. Hay que tratar de balancear, pero sin

un ballet y a los dos años lo hemos repetido 15

y ha vuelto la gente, y mucha más. Y eso

guna barra, alguna clase, para mante-

es bueno porque cada vez se va superando.

nerme físicamente y moverme un poco, si no estás en el escritorio todo el tiem-

No tanto las obras contemporáneas. Con

po. Y me sentía tan bien como si tuviera

lo contemporáneo cuesta mucho más,

30. Empecé a saltar, a girar... pero al

incluso a la gente joven. Y eso que yo

día siguiente no podía más de la rodi-

estoy llevando más obras del siglo XX,

lla. Me hice un estudio y tengo una pequeña

neoclásicas, y no tan contemporáneas.

fisura de menisco. Entonces uno se siente

Lo más actual que hacemos es de coreógrafos uruguayos. Y veo que cuesta.

Por

una

lado,

me sorprende porque la gente joven está viniendo mucho más al clásico que al contemporáneo; pero está bueno porque la compañía es clásica.

Yo quiero que la compañía sea clásica así que por ese lado me pone feliz. Pero no hay que dejar de hacer cosas más actuales.

DIJISTE

QUE

NO

EX-

TRAÑÁS SUBIR A UN ESCENARIO, PERO BAILAR,

de 30 pero el cuerpo es de

“A un niño que se le empieza a dar danza clásica o folclórica, música o teatro, lo preparás para el desarrollo de la vida. Lo preparás para todo, para salir al mundo.”

50. Ya está. Ya lo usé y tuve varias lesiones. Así que no.

COMENZASTE A ESTUDIAR BALLET A LOS 4 AÑOS CON TU MAMÁ, PERO CÓMO FUE. ¿VOS LE PEDÍAS? En mi casa el arte siempre estuvo presente. Mi abuelo

fue

quien

im-

puso a mi madre estudiar danza, piano, dibujo, música, entonces estaba siempre en el ambiente.

Mi madre se recibió temprano como profesora y él le hizo un estudio detrás de casa donde daba sus

ME IMAGINO QUE DE UNA MANERA IN-

clases y yo me metía. Estaba ahí presente

FORMAL AÚN LO HARÁS A PUERTAS CER-

y era algo que a mí me gustaba. Nunca me

RADAS ¿NO?

obligó, ni me llevó, ni nada. Al contrario.

En un momento le digo: “Má, quiero es-

No, la verdad que no. Y mirá que tengo ahí

tudiar”. Me anotó en la escuela nacional

el escenario en casa… bueno, en el teatro

de danzas, en expresión corporal donde

que es como mi casa.

estaba Antonio Truyot -un ex bailarín del Colón y también Director- y le dijo que

TENGO QUE BORRAR DE MI IMAGINACIÓN

por qué no me anotaba en la escuela del

VERTE YENDO A LA HELADERA A BUSCAR

teatro, aunque en ese momento entraban

UN VASO DE AGUA HACIENDO PASITOS DE

a los diez años y yo tenía ocho. Le insistió

BALLET ENTONCES…

que igual me llevara, lo hizo y entré. Ahí comenzó todo.

(Risas)... Mirá hace un mes estábamos con Carmen y entre medio de dos funciones

VOLVIENDO

me puse hacer clase. Cada tanto hago al-

BRE VOLVIÓ A DAR V UELTAS CON FUER-

16

AL

PRESENTE,

TU

NOM-

ZA ESTE AÑO, CON LA BÚSQUEDA DE UN

Con una cultura, una educación que pueda

NUEVO MINISTRO DE CULTURA DE LA

estar a la par. Que se le enseñe que al traba-

CIUDAD…¿TE INTERESA EN UN FUTURO

jo hay que respetarlo y amarlo. Que no sea

OCUPAR UN CARGO DE ESE ESTILO?

una carga. Es un sacrificio todo ese aprendizaje, y la vida es un sacrificio, pero un

Eso fue más que nada una llamada telefóni-

sacrificio hermoso.

ca, no hubo una propuesta formal sino que fue una consulta para ver si me interesa-

CUANDO UNO PUEDE ELEGIR Y TIENE LAS

ba, y les dije que por ahora no. No me sien-

HERRAMIENTAS...

to preparado para ser Ministro de Cultura.

Abarca muchas cosas. Si es de Ballet, encan-

Sí, pero aunque no puedas elegir. Ir a tu

tado. Pero más de ahí no. Y mezclarme den-

trabajo te da tu alimento, así que hay que

tro de la política, tampoco.

Creo que puedo ayudar mucho más desde afuera que estando adentro.

COMO TU EJEMPLO DE GESTIÓN

EN

URUGUAY

ESTÁ FUNCIONANDO TAN BIEN… Una de las cosas que yo agradezco es la confianza, el apoyo y la libertad

tratar de buscarle el lado

“Hacer algo que vos sentís te hace bien. El sacrificio está en todas las carreras, no es diferente.”

positivo. Si igual lo vas a tener que hacer. Entonces hay que estar orgulloso de lo que estás haciendo y si no pudiste hacer lo que vos querías... bueno tratá de hacerlo como hobby.

Tenemos

que

cambiar

muchas cosas y eso depende de nosotros no de los

políticos

solamente.

para manejarme como quiero. Hay una

Creo que como sociedad ese es el cambio

gestión pero con mucha libertad. Y que

que tenemos que hacer porque sino vamos

sea público y privado también es muy bue-

a estar siempre en la misma rueda. Cuando

no porque podés agarrar lo mejor de cada

estamos arriba estamos divinos y cuando

lado. Si el arte estuviera visto de esa forma

estamos abajo, estamos abajo. Y la idea es

sería maravilloso. Para mí la cultura de la

que cuando estemos arriba saltemos a otra

educación tiene que ser política de Esta-

rueda aún más grande, y así sucesivamente.

do, esté quien esté arriba. Es fundamental

Los países nórdicos y otros países están a

para que la sociedad siga creciendo y lle-

un nivel más allá, con sus problemas, pero

varla desde abajo para que vengan arriba,

por lo menos con educación, cultura y tra-

y no desde arriba para abajo. Nivelar hacia

bajo. En China están haciendo teatros por

arriba. Para que deje de ser elitista y para

todos lados. Están cultivando a su pueblo

que deje de ser algo diferente... no encuen-

que por años no lo tuvo y saben que es nece-

tro la palabra adecuada.

sario para la felicidad de la sociedad. Porque ellos quieren ser los mejores y saben que eso

A un niño que se le empieza a dar dan-

es parte del camino.

za clásica o folclórica, música o teatro, lo preparás para el desarrollo de la vida. Lo

VOLVIENDO AL CARGO MENCIONADO, SA-

preparás para todo, para salir al mundo.

BER TODO DE TODO ES IMPOSIBLE, PERO 17

ALGUIEN CON ESE PENSAMIENTO ES LO QUE HACE FALTA...

Quizá, pero no creo estar preparado. Por lo menos todavía. ¿QUÉ LE RECOMENDARÍAS A LOS JÓVENES QUE QUIEREN HACER DE LA DANZA SU MEDIO DE VIDA? Primero, que empiecen muy jóvenes. Les diría más que nada a las familias que tienen que apoyarlos en la elección. Que empiecen a los seis o siete años porque les va a resultar mucho más fácil después.

Que las familias estén apoyando, que preparen al chico y que se preparen ellos también, porque quizá no todos tienen la posibilidad de llegar. Que nunca dejen la educación de lado, ya que esta es una carrera muy sacrificada pero muy linda. No es un sacrificio de película, de esa cosa que muestran.

COMO EL CISNE NEGRO… El Cisne Negro... y hay series también... Y no es todo así. Porque si uno lo hace es porque lo siente. Hacer algo que vos sentís te hace bien. El sacrificio está en todas las carreras, no es diferente. Tiene que haber una disciplina, una constancia y muchas horas de práctica. Esto no es algo que lo podés hacer con una hora diaria, no sirve. Pero tiene que tener la contención de la familia porque quizá, por el físico o porque nunca se da el momento, no puede seguir en esta carrera. Hay que estar preparado. Y saber que si eso pasa, no es el fin del mundo. Uno puede seguir como hobby, además hay diferentes estilos de danza.

Entonces les digo, e insisto sobre todo a las familias, que apoyen lo que el niño quiera.

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Ph. Nombre PH. Marcelo Lombardi 19fotogrรกfo

¿Cómo identificar a un bailarín?

En honor a Julio Bocca

20

Ilustraciรณn: Aye Ramadรกn

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Entrevista a Luis Gorelik

NUEVO ESPACIO DE REFLEXIÓN ACERCA DE LO QUE LLAMAMOS

MÚSICA

ARGENTINA Por Nicolás Gagliani

Ph: Anabela Gilardone

Casi cerrando su primera temporada a cargo de la Orquesta Nacional de Música Argentina, Luis Gorelik nos habla de sus tareas, sus pasiones y del desafío que representa combinar estilos más ligados a la “música popular” con otros más “clásicos”.

22

23

Entrevista a Luis Gorelik

Gorelik tiene una extensa y prestigiosa carrera que comenzó a los 22 años al frente de la Orquesta Filarmónica de Mendoza y continuó en distintos organismos nacionales e internacionales. También es profesor en la Universidad Nacional de las Artes y lleva adelante un programa en Radio Nacional Clásica.

Luego de la emotiva despedida al Maestro Salgán en sus 100 años de nacimiento, pudimos conversar con el Maestro Gorelik y repasar su primer año al frente de la orquesta.

“La elección del repertorio para la ONMA es parte de un proceso apasionante, que me lleva a realizar una tarea de investigación permanente y a la cual soy, digamos, “adicto”. ¿QUÉ OBJETIVOS SE PROPUSO AL COMENZAR SU ROL COMO DIRECTOR DE LA ORQUESTA NACIONAL DE MÚSICA ARGENTINA (ONMA)?

El objetivo principal es la creación de un espacio de reflexión acerca de la naturaleza de lo que llamamos ¨Música argentina¨ a través de una temporada diversa, de excelencia y con amplio nivel de convocatoria que consiga reflejar las diferentes estéticas y rumbos que se han desarrollado en el país y desde el país en relación a lo musical.

APARTE DE SU CARGO EN LA ONMA SIGUE SIENDO DIRECTOR ARTÍSTICO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE ENTRE RÍOS. ¿CÓMO CONVIVEN ESTAS DOS OBLIGACIONES? La Orquesta Sinfónica de Entre Ríos es un organismo al cual estoy ligado desde hace siete 24

años, y que ha venido transitando un proceso de profunda puesta en valor, no solo por la ampliación de su planta y renovación de sus cargos más importantes, sino por el desarrollo de su plataforma programática, que permitió una amplísima llegada al público regional. Puedo afirmar con orgullo que es probablemente el mejor organismo sinfónico provincial del país. Con bastante esfuerzo combino mis actividades en Entre Ríos y Buenos Aires, a pesar de tratarse de dos orquestas con una planificación de contenidos bastante distinta.

EN EL NUEVO REPERTORIO DE LA ORQUESTA JUAN DE DIOS FILIBERTO SE VE UNA REVALORIZACIÓN DE MUCHAS OBRAS QUE LLEVABAN AÑOS SIN SER INTERPRETADAS DE COMPOSITORES ARGENTINOS COMO J. J. CASTRO Y J. C. PAZ. ¿CÓMO ES LA ELECCIÓN DE ESTE REPERTORIO? La elección del repertorio para la ONMA es parte de un proceso apasionante, que me lleva a realizar una tarea de investigación permanente y a la cual soy, digamos, “adicto”.

La ONMA combina pasado, presente y futuro en su programación, y por ello es que toman relevancia los cruzamientos estéticos que generan perspectivas únicas. De hecho, hace muy poco combinamos música de Juan José Castro con música de Horacio Salgán arreglada por Carlos Franzetti, y en otro concierto obras de Jacobo Ficher con Chango Spasiuk o Juan Carlos Paz con Astor Piazzolla. Todo es parte de lo que llamamos argentino. Incluso obras de compositores que tratan de escapar del imaginario de la argentinidad hacia un internacionalismo abarcativo, como Juan Carlos Paz, Mauricio Kagel o el propio Alberto Ginastera en su última etapa, terminan funcionando como un foco que ilumina aquello que niegan. ¿CÓMO SURGIÓ LA IDEA DE ORQUESTAR LA MÚSICA DE HORACIO SALGÁN CON CARLOS FRANZETTI? Me interesa mucho la lectura de un género tradicional como el tango que puedan tener

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Entrevista a Luis Gorelik

compositores contemporáneos. Franzetti aporta una mirada diferente a los tangos de Salgán, y sin perder la sonoridad plástica y el sonido flexible del género, aporta una elaboración orquestal muy fina. Tenemos programados para el 2017 algunos proyectos similares, con músicos como Lito Vitale, por ejemplo, quien aportará su mirada sobre el folklore, o el uruguayo Hugo Fattorusso tocando tangos, y mucho más.

quien fue el primero en inculcarme el amor por la música. Luego continué mis estudios de composición en la Facultad de Bellas Artes de esa ciudad de la mano de Gerardo Gandini y Virtú Maragno, a la vez que realizaba estudios particulares de dirección con Pedro Ignacio Calderón, tras lo cual me trasladé a Israel a realizar mi posgrado en la Universidad de Jerusalén, donde estudié Dirección Orquestal con un enorme artista y maestro: Mendi Rodán.

“Hay un enorme bache entre las grabaciones realizadas en los años 40 y 50 por grandes directores como Víctor Tevah, Juan José Castro y otros, y la actualidad.”

EN LOS ÚLTIMOS AÑOS GRABÓ CON LA ORQUESTA DE SALTA Y LA DE ENTRE RÍOS DOS DISCOS MUY IMPORTANTES CON MÚSICA ARGENTINA. ¿CUÁNDO COMENZÓ EL INTERÉS POR NUESTRA MÚSICA SINFÓNICA?

FRANZETTI COMENTÓ EN UNA NOTA QUE LA RIQUEZA DE LA ONMA ES QUE, POR SUS INSTRUMENTOS, PUEDE SER UNA ORQUESTA TÍPICA DE TANGO Y TAMBIÉN UNA ORQUESTA CLÁSICA. ¿QUÉ SE NECESITA PARA PODER CAMBIAR DE ESTILOS EN UN MISMO CONCIERTO? Se necesita, en primer lugar, apertura mental y capacidad de sorpresa. Creo que estas experiencias son muy enriquecedoras, ya que, además, le permiten a los diferentes públicos exponerse a géneros que no son necesariamente los de su preferencia. Y como nadie puede elegir lo que no conoce, estoy convencido que una buena programación debe nutrir y encontrar el punto justo entre ser complaciente y desafiante.

CONOCIMOS VARIOS DIRECTORES QUE EN SUS COMIENZOS ESTUDIARON GUITARRA, ¿CÓMO FUERON SUS COMIENZOS MUSICALES? Soy de La Plata. Allí me crié y comencé mis estudios de música de la mano de un gran docente neuquino llamado Domingo Mercado, 26

Lamentablemente hay una sorprendente escasez de grabaciones de música sinfónica nacional. Hay un enorme bache entre las grabaciones realizadas en los años 40 y 50 por grandes directores como Víctor Tevah, Juan José Castro y otros, y la actualidad.

Es más, creo que los CDs grabados en Salta y Entre Ríos, respectivamente, han sido los primeros proyectos de esa dimensión encarados en más de 30 años. Es muy triste eso, y espero que pueda revertirse dicha situación. ¿TIENE PREVISTO REALIZAR GRABACIÓN CON LA ONMA?

ALGUNA

No por el momento, pero espero que pronto se den las condiciones para hacerlo.

ADEMÁS DE SUS TAREAS COMO DIRECTOR SE DEDICA A LA DOCENCIA Y CONDUCE UN PROGRAMA DE RADIO ¿CÓMO REPARTE SU TIEMPO EN ESTAS ACTIVIDADES Y EN CUÁL SE SIENTE MÁS A GUSTO? La verdad es que el tiempo es un bien valioso y escaso. Además de mis obligaciones en Buenos Aires y Entre Ríos, he tenido durante este año algunos viajes para dirigir la Slovenian Philharmonic y la Filarmónica de la UNAM (México), entre otras. Amo la docencia y también disfruto muchísimo de mi programa radial. Creo que, en el fondo, son distintas maneras de hacer lo mismo, es decir, transmitir a la gente mi profundo amor por la música.

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CALIDAD SUPERIOR A TODO LO CONOCIDO Mario Parmisano Mario Parmisano es un gran pianista argentino, reconocido en la escena del jazz mundial por su trayectoria junto al legendario guitarrista norteamericano Al Di Meola y por su interpretación de la obra del maestro Astor Piazzolla. Fue declarado recientemente “Personalidad Destacada de la Cultura” por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

respecto de lo conocido hasta ahora dentro de ésta categoría de Pianos.”

Con su Tango Jazz Trío, durante los últimos cinco años se ha presentado en algunos de los más importantes escenarios nacionales e internacionales: en tres oportunidades junto a la Orquesta del Kremlin, en Moscú; en el Bulgaria Symphony Hall, festivales de Jazz en Puerto Rico, Venezuela, Turquía, entre muchos otros. Además del Teatro Gran Rex y el Teatro de Colón de la Ciudad de Buenos Aires.

“La calidad del sonido es un capítulo aparte, con un sampleo de altísimo nivel, nota por nota, cuatro muestras de cada una de ellas, y con un rango de velocity MIDI que en lugar del tradicional 0-127 llega hasta 16.000. Hace que las prestaciones para poder utilizar un muy amplio rango de matices, sea algo muy, pero muy superior a lo ya conocido.”

Aquí cuenta de su experiencia con el Casio Celviano Gran Hybrid GP 500: “No puede ser mayor mi felicidad como pianista, el Casio Celviano Gran Hybrid GP 500 es lo máximo,

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“Contar con la maquinaria completa de un Bechstein de cola -las teclas de madera, el peso y los martillos- además de poder seleccionar el sonido de un Steinway o un Bossendorfer con sólo apretar un botón. ¡Es el sueño de cualquier pianista!”

“Por último, destaco la practicidad de este instrumento, con un tamaño pequeño y un peso total de 85 kilos, no tiene problemas de espacio, es transportable y además se puede tocar a cualquier hora sin molestar a los vecinos”.

Apasionado de la música y de la vida

Entrevista a Krzysztof Penderecki

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Krzysztof Penderecki estuvo de visita en nuestro país para dirigir un concierto con sus obras junto a la Orquesta Sinfónica Nacional en el Centro Cultural Kirchner.

MCBA pudo mantener una interesante charla con el gran compositor polaco.

Por Maxi Luna

PH. Gentileza www.porta-polonica.de

Entrevista a Krzysztof Penderecki

Previo a la entrevista con el gran compositor polaco, una verdadera leyenda viviente y referente indiscutido de la creación musical de los últimos 60 años, pude presenciar los momentos finales del ensayo junto a la Orquesta Sinfónica Nacional. Al ingresar en la imponente Sala Sinfónica del CCK -“Ballena Azul”- Penderecki se encontraba ajustando detalles del “Concerto Grosso para tres violoncellos”, una obra de gran dificultad y virtuosismo, tanto para los solistas como para la orquesta. El Maestro repasaba pasajes breves dando indicaciones concisas, en tono amable y con gran seguridad, sabiendo exactamente lo que quería lograr de cada uno los intérpretes. De a ratos pedía más carácter y expresividad a los solistas; más volumen al oboe en el solo; o articulaciones marcadas a los fagotes.

Hizo transpirar a uno de los cellistas -algo nervioso a pesar de su vasta experiencia y capacidad-, en un pasaje con armónicos -extremadamente difícil-, quien logró salir airoso recibiendo los clásicos “zapateos” de felicitación por parte de sus compañeros de orquesta y la aprobación del compositor. Cada tanto, Krzysztof, luego de repetir algún fragmento, decía en voz apenas perceptible “está muy bien”. Y así, satisfecho, dio por terminado el ensayo 15 minutos antes y procedió a sacarse fotos con los entusiasmados músicos.

Llegó la hora de la entrevista. Después de presentarme, lo acompañé al camarín donde se sirvió un vaso de agua, se pusó un ligero abrigo y se sentó predispuesto a responder todas las preguntas. Atrás suyo, a escasos metros de distancia, se sentó su esposa, con quien lleva 50 años de casado, y quien se nota es además su confidente y asistente personal. Ella escuchará atenta el reportaje y aportará datos, fechas y nombres a medida que lo crea conveniente.

Era abogado, pero amaba tocar y por él es que yo soy músico. Fue así que me envió a un muy buen profesor de violín alrededor de los 6 o 7 años, luego también estudié un poco de piano. Pero el violín fue mi primer acercamiento a la música. ¿ESCRIBIÓ SUS PRIMERAS OBRAS PARA ESE INSTRUMENTO? Sí, porque durante la guerra (Segunda Guerra Mundial) no había partituras para comprar porque Polonia estaba ocupada por los alemanes. Mi padre tenía algo de música, pero yo empecé a escribir “Estudios” para mi mismo. Y luego para 2 violines para poder tocar con él, esto es algo que recuerdo muy bien de aquellos primeros años.

“Durante la Segunda Guerra Mundial no había partituras para comprar... Mi padre tenía algo de música, pero yo empecé a escribir Estudios para mi mismo.” ¿CÓMO FUE CRECER EN ESE PERÍODO TAN CONVULSIONADO DE LA HISTORIA? Yo no pensaba en eso, para mí la música era lo más importante. Pasaba el día en la escuela, pero el resto del tiempo estaba tocando mi violín y luego componiendo. Además vivíamos en un pueblo muy pequeño de Polonia.

¿CÓMO SE INICIÓ EN LA MÚSICA?

¿CUÁNDO SE DIO CUENTA DE QUE QUERÍA SER COMPOSITOR?

Fue a través de mi padre que tocaba el violín.

Desde el comienzo. Mi padre me insistía en

32

PH. Laura Szenkierman

practicar, y yo era un chico normal al que le gustaba jugar con sus amigos más que tocar el violín, pero él siempre me pedía que pasara 2 o 3 horas estudiando. En mi tiempo libre además componía, así que desde el comienzo comencé a crear mi propia música.

VANGUARDIA EN UN PAÍS COMUNISTA?

Desde luego… Siempre, y sobre todo siendo joven, es importante el reconocimiento, y ganar premios ayuda. Tuve suerte de ganar primeros premios toda mi vida de hecho.

No comencé componiendo música de vanguardia. Al principio escribía música clásica “normal” en un estilo de mucho virtuosismo, como Paganini y otros compositores románticos. Esto fue hasta que me fui a estudiar a Cracovia, ya que vivíamos en una ciudad pequeña. Ahí comencé a aprender armonía y contrapunto, luego entré en la escuela de música, originalmente una carrera de 5 años pero que yo terminé en 2. Después fui a la Academia de Música y en ese tiempo pensé seriamente en ser un compositor.

¿CÓMO

En Polonia, en esa época no existía la “Van-

¿FUERON IMPORTANTES LOS PREMIOS QUE GANÓ?

ERA

SER

UN

COMPOSITOR

DE

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Ph: Laura Szenkierman PH. Laura Szenkierman

guardia”, yo fui uno de los primeros. Y luego algunos más en Europa comenzaron a escribir esa música también. Hubo un festival de “Nueva Música” en Oslo en el año 1956, y lo que fue más importante para mí: se creó un Laboratorio de Música Electrónica. Yo estuve inmediatamente ahí porque estaba buscando algo nuevo, estaba aburrido de escribir lo mismo y quería hacer algo diferente. Esa experiencia abrió mis oídos a nuevas posibilidades. ¿POR QUÉ SIENTE LA NECESIDAD DE CAMBIAR DE ESTILO TAN A MENUDO? Es una necesidad de no aburrirme de la misma música todo el tiempo. Yo puedo escribir en cualquier estilo, pero esto fue la búsqueda de encontrar uno propio. Al principio me interesaba poder componer al estilo del siglo XIX, y luego ir avanzando. Romanticismo, Siglo XX, Stravinsky, Shostakovich, a quien tuve la suerte de conocer, quien además realmente me influenció mucho cuando era joven y a quien considero uno de los más grandes compositores del siglo XX. Luego comencé a escribir mi propia música.

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¿CUÁNDO SINTIÓ QUE HABÍA ENCONTRADO SU PROPIA VOZ? Fue con la obra “Treno para las víctimas de Hiroshima”, con la cual gané una competencia en Polonia y luego fue estrenada. Es de las primeras obras en utilizar y aprovechar las técnicas extendidas, al punto que uno ni siquiera puede distinguir, de a ratos, qué tipo de instrumentos están sonando. Desde ese momento sentí que había encontrado mi estilo. Existía un movimiento en esa época, no estaba solo. También fue una forma de protestar contra el régimen oficial y su forma de pensar el arte. En el período comunista todo estaba dirigido, el estilo oficial era el “Realismo Socialista”. ¿CREE QUE SU MÚSICA HUBIERA SIDO DIFERENTE DE HABER NACIDO FUERA DEL BLOQUE COMUNISTA? Sí, de hecho ese es el motivo por el cual comencé a escribir Música Sacra, como estaba prohibida tenía que hacerla (risas). Alre-

dedor del mundo los jóvenes siempre están haciendo algo “en contra de”. Recuerdo que al principio no querían interpretar mi música, no estaba permitido. Escribí mucha música para teatro y para películas cortas “Avangard”, había una escuela muy importante en Polonia para ese tipo de cine y a mí me pedían que escribiera la música. En ese entonces el arte se desarrollaba más rápido que ahora, porque nosotros estábamos haciendo algo en contra del sistema oficial. Por eso nuestro arte y nuestra música eran muy populares.

“En Polonia, en esa época no existía la Vanguardia, yo fui uno de los primeros.”

TAMBIÉN SU MÚSICA SE INTERPRETABA EN OTROS SITIOS DE EUROPA...

Tuve suerte de haber ganado todos los premios en una competición (primero, segundo y tercero). Eso lo hizo todo mucho más fácil para mí.

Me dieron permiso para viajar al Oeste, lo que no era fácil en esa época, y eso me permitió tener contacto con otros compositores como Luigi Nono, Stockhausen, Pierre Boulez, Bruno Maderna -fantástica persona-, pero yo escribía una música distinta a la de ellos. El “Trenody” sigue con vida y la música de Stockhausen, Maderna y otros, ha desaparecido completamente. ¿POR QUÉ CREE QUE SUCEDIÓ ESTO? NO ES COMÚN PARA UN COMPOSITOR DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA TENER TANTO RECONOCIMIENTO COMO EL QUE TIENE USTED. No puedo responder esa pregunta… Mi música es diferente… No lo sé; quizás porque mi música es buena (esta última frase la dijo con cierta ironía y no después de haberle insistido bastante).

ES UNA BUENA RESPUESTA…(RISAS) También tuve la suerte de que grandes músicos y amigos, interpretaran y encargaran mis obras, como Rostropovich, Isaac Stern, y más recientemente Anne-Sophie Mutter, entre otros. ¿COMENZÓ A DIRIGIR DEBIDO A LA DIFICULTAD QUE TENÍAN LOS DIRECTORES EN INTERPRETAR SU OBRA? En realidad en esa época era bastante común que los compositores dirigieran sus propias obras, por lo que comenzaron a invitarme de manera bastante regular. ¿QUÉ CONSEJO LE PODRÍA DAR A LOS JÓVENES COMPOSITORES? Hay que estudiar mucho. Algunos piensan que se puede componer sin necesidad de estudiar nada. Yo creo que es muy importante aprender contrapunto, algo que hacen muy poco en los conservatorios; fugas de Bach a 2, 3 y 4 voces, lo cual permite comprender y manejar distintas líneas simultáneas. También el estudio de Orquestación, conocer bien los instrumentos y sus posibilidades. Para mí es muy importante la forma y la estructura a la hora de componer. ¿CÓMO VE EL FUTURO DE LA MÚSICA CLÁSICA? Soy muy optimista. Hoy en día hay más festivales que nunca y uno puede llevar la música literalmente en el bolsillo. ¿CUÁL ES EL SECRETO DE SU VITALIDAD Y ENERGÍA? No lo sé…Tener una esposa insistente... (risas y tiernos reproches de su mujer). Soy un apasionado de la vida y de la música. Otra cosa que me gusta mucho es plantar árboles, tengo una verdadera colección en mi jardín.

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Entrevista a María Luisa Rayan

Seguir soñando Desde que se sentó por primera vez frente a una arpa, con apenas cinco años, supo que ese instrumento iba a convertirse, prácticamente en una extensión de su cuerpo. Proveniente de un pequeño pueblo entrerriano -del que añora, sobre todo, la vida en torno al río- con apenas once años ya andaba girando por el mundo, tomando clases con grandes maestras y brindando conciertos.

Por Maxi Luna PH: Marcelo Lombardi

Este año, después de mucho tiempo, estuvo en Buenos Aires donde realizó una brillante versión del “Concierto de Aranjuez” en el Teatro Colón, Masterclasses en la UNA y un concierto solista en la Usina del Arte, luego del cual pudimos conversar con la talentosa, bella y simpática arpista María Luisa Rayan. ¿CUÁLES SON TUS PRIMEROS RECUERDOS CON LA MÚSICA? Mi mamá tenía una colección de 100 fasciculos donde estaba todo el repertorio orquestal e instrumental de los grandes compositores, y ese es uno de mis entendimientos globales de la música fuera del arpa. Luego, los viernes por la noche escuchaba las transmisiones del MET, porque yo vengo de un pueblo, Concepción del Uruguay, donde no había producciones. Por ejemplo, nunca vi una ópera hasta que me fui a vivir afuera, a Estados Unidos. Entonces el aprendizaje fue en mi casa. ¿VENÍS DE UNA FAMILIA DE MÚSICOS? Sí, por parte de la familia de mi mamá. Ella toca el piano y siempre dirigió coros. Le encanta cantar también. Mi tío toca violín; y mi otro tío, el contrabajo. ¿MÚSICA CLÁSICA O MÁS POPULAR? 36

Clásica y un poco de Jazz, también. Cuando era chica me dediqué completamente a estudiar música clásica y cuando crecí, después de los 20, me incliné hacia distintos tipos de música y me encanta. Uno de mis sueños es tocar obras de Sting, lo conocí una vez y me ofrecí para cuando necesitará un arpa (risas).

Tengo la idea de irme un poco más al área Folk. Los arreglos de Bjork son divinos por ejemplo... Uno siempre está buscando algo nuevo y distinto para hacer. Veremos. ¿CÓMO Y CUÁNDO FUE TU ACERCAMIENTO AL ARPA? Yo digo que el arpa me escogió a mí. Cuando tenía 5 años fuimos de visita con mis hermanos a la escuela de música donde mi mamá estudiaba piano y la maestra de arpa me vio y me llevó directo a tocar. Luego le dijo a mi mamá: “Luisita va a tocar el arpa”. Y cuando empecé primer grado, comencé también con el arpa.

Mi vida la recuerdo siempre con el arpa. Es una parte absolutamente integral de mi vida. ¿RECORDÁS TU PRIMER CONCIERTO? Sé que tocaba mucho en la escuela de música, pero eran muestras. El primer concierto importante fue cuando fui a Davos a tocar al Foro Mundial de Comercio, tenía 11 años. Toqué la Cumparsita, y una obra de Haendel también...

Era un concierto compartido a beneficio de Unicef, y la verdad es que a esa edad no era muy consciente de las presiones de tocar en público, así que lo recuerdo como algo muy especial, además era mi primer viaje a Europa.

Fue especial pero a la vez lo sentí como parte de lo que tenía que ser, me sentí a gusto. ¿LUEGO COMENZARON A APARECER LOS TÍPICOS NERVIOS...?

Los nervios siempre están y yo le digo a mis alumnos: “Tienen que tener nervios porque les genera una cosa extra, positiva”. No es algo normal salir al escenario, da miedo pero se genera una familiaridad. Para mí es una comunicación y lo tomo desde ese punto de vista. ¿CÓMO FUE LA EXPERIENCIA DE IRTE A ESTADOS UNIDOS SIENDO TAN CHICA? Me fui a vivir a los 17 años. Comencé a viajar a los 11 años. Primero, a Europa a tomar clases privadas; y luego, a los 13, a Estados Unidos. Mi maestra de allá quería que me mudará ya esa edad, que terminara la secundaria en Estados Unidos, pero mis papás no querían. Entonces hice el secundario libre y mientras tanto hacía concursos, con38

ciertos y viajaba muy seguido. Pero ya tenía en mente que me quería ir, así que cuando me fui finalmente becada a realizar la universidad fue un gran alivio, algo que quería hace mucho. Y como me fui a Indiana, fue como haber pasado de un pueblo a otro... Un lugar muy tranquilo, donde estuve más de 7 años. De ahí me fui a vivir a Chicago.

TE DEDICÁS TAMBIÉN A LA ENSEÑANZA ¿NO? Sí, soy profesora en Bloomington, Estados Unidos, y luego enseño muchísimo cuando viajo en simposios y congresos, y también individualmente. Tengo una academia de verano en Hong Kong, y muchos alumnos que viajan unos días para cosas puntuales, como la preparación de un concurso, o una audición de orquesta o universidad. Y ahora también enseño mucho por Skype. Me encanta enseñar, me gusta lograr que cada alumno alcance su potencial máximo. Y que ellos mismos descubran sus límites y qvean que pueden ser mucho más altos de lo que pensaban. A veces uno se pone una vara, un límite mucho más bajo de lo que realmente puede dar. Y estoy hablando a todo nivel, desde el que está haciendo el repertorio más complejo hasta princi-

piantes. Y principiantes adultos también. Hace poco viajó una mujer de Filipinas, de más de 40 años, que tiene tres hijos y un trabajo, pero ama tocar el arpa y está aprendiendo. Me gusta darles herramientas para que descubran que hay todo un mundo de posibilidades, y que ellos mismos pueden superarse.

Yo soy super exigente con los alumnos pero lo soy cuando sé que pueden dar. Si sé que tienen ciertas limitaciones no tiene sentido que la persona se sienta menos. Todo el mundo tiene capacidades distintas, no vale la pena empujar a alguien y que luego esa persona se quiebre y que nunca más quiera tocar el instrumento. La enseñanza es una relación muy complicada porque abarca no sólo el proceso de aprendizaje del instrumento puntual sino también una relación personal muy estrecha.

EN LOS CONCIERTOS QUE BRINDASTE EN BUENOS AIRES, TE VIMOS CON ORQUESTA Y COMO SOLISTA, ¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE GUSTA HACER? Todo. Me encanta la variedad, interpretar distinto repertorio. Cada situación es única, porque es en un lugar específico, con gente

también distinta. Hasta cuando toco sola es distinto porque el arpa no es la mía, generalmente es un arpa que nunca he tocado. ¿QUÉ ES LO MEJOR Y QUÉ ES LO PEOR DE TOCAR EL ARPA? Creo que peor no... Voy a empezar con lo mejor: ¡La posibilidad de generar tantos sonidos distintos! Para mí eso es increíble, descubrir sonidos. Podés tocar de un millón de formas, sacar un millón de sonidos de una sola cuerda según la posición del dedo, la presión, la intención. Todo te cambia completamente el sonido. Son infinitas las posibilidades sonoras del arpa, todavía sigo buscando y descubriendo. Y peor, podría ser el traslado pero trato de ignorarlo, lo tomo como parte de lo que es. ¿QUÉ LE RECOMENDARÍAS A LOS ESTUDIANTES DE ARPA? En mi estadía en Buenos Aires hablé mucho con los estudiantes y les dije que tengan ideales y que tengan perseverancia y disciplina, pero más que nada que sean artistas. Que lo que hagan, lo hagan con pasión, con todo, dando lo mejor de sí. Me gustaría decirles que sueñen mucho, siempre.

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#HoyConcierto | Fotos del público

Oski Rivero Orquesta Arakaendar en la Iglesia San Ignacio de Loyola.

15 de Noviembre 2016

Dario Crucil.

Alexander Panizza (ensayando) Museo de Arte Tigre 10 de Septiembre 2016

Fernando Villareal Joshua Bell en el Teatro Colón 2 de Septiembre 2016

Marcelo Lombardi Orquesta Sinfónica de 3 de Febrero en la Facultad de Derecho 15 de Octubre 2016

Nora Devesa Dúo Isas Kwiek en el Colegio de Escribanos de Buenos Aires 3 de Noviembre 2016

Envianos tu foto por email a:musicaclasicaba@gmail.com, Asunto: #HoyConcierto con tu nombre completo, el concierto al cual asististe, dónde y cuándo se realizó. Publicamos todas las fotos en: http://musicaclasicaba.tumblr.com 40

Nuevos Discos

Para mรกs informaciรณn ingresรก a la secciรณn Nuevos Discos en www.musicaclasicaba.com.ar

Nuevos Discos

Por Nicolás Gagliani |

@nicogagliani

Ginastera- Prokofiev- Janaceck Elías Gurevich y Haydée Schvartz Obras de Ginastera, Prokofiev y Janaceck Tags:

Música de cámara

Piano

Violín

Edita:EPSA Disponible:

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Fuego Nuevo Camerata Argentina de Guitarras Obras de Piazzolla, Farías y Márquez Tags:

Orquesta de guitarras

Edita: Independiente Disponible:

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Violon Roberto Sawicki Obras de Prokofiev, Ysaye, Kreisler y Stalman.

Tags:

Violín

Edita: Gallo Disponible:

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Senanes Cuerdas | Antología sonora Vol 1 Gabriel Senanes Obras de Gabriel Senanes.

Tags:

Orquesta de cuerdas

Edita: Independiente Disponible:

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Spotify

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REFERENCIA DISQUERÍAS musicaclasicaba.com.ar/tienda

Claude Debussy-Maurice Ravel Valentina Díaz-Frenot Obras de Debussy y Ravel Tags:

Piano

Edita: Pretal Disponible:

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Shakespeare´s winks Cecilia Piehl Obras de Juan María Solare Tags:

Piccolo

Edita: Independiente Disponible:

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Música para (seres) parlantes Jorge Sad Levi Obras Jorge Sad Levi Tags:

Acusmática

Contemporánea

Edita: Luscinia Discos Disponible:

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Siglo XXI Saratoga Trío Obras de Julián Galay, Sebastián Pozzi-Azzaro, Iván Knees Tags:

Contemporánea

Flauta

Edita: Independiente Disponible: https://Soundcloud.com

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Especial #OtrasMúsicas

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Spotify

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REFERENCIA DISQUERÍAS musicaclasicaba.com.ar/tienda

Gardel Sinfónico Ariel Ardit & Filarmónica de Medellín Obras de Carlos Gardel Tags: Tango Edita: Alfiz Producciones Disponible:

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Teatro Colón (CD+DVD) Guillo Espel Cuarteto Obras de Espel, Jeréz, Bascuñán y Aznar Tags: Folklore Edita: Epsa Music Disponible:

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Mancha Arena El sonido de los durmientes Obras de Gabriel Lombardo Tags: Música Urbana Actual Edita: Independiente Disponible:

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Distancias Julio Azcano Obras de Azcano y Sinesi Tags: Guitarra Edita: EOS Guitar Edition Disponible:

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Cumulus Mingus Mingunos Obras de Charles Mingus Tags: Jazz Noneto Edita: Independiente Disponible: https://bandcamp.com/

Woody & Jazz Manuel Fraga Trio Obras de George Gershwin, Duke Ellington y Benny Goodman, Tags: Jazz Edita: Independiente Disponible:

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Música y Cine

Música y Cine

Por Nicolás Gagliani |

@nicogagliani

ESPECIAL JAZZISTAS Cuatro films destacados e imperdibles para los melómanos del jazz.

MILES AHEAD (2015) DE DON CHEADLE Con Don Cheadle y Ewan McGregor.

Música: Robert Glasper.

LO NUEVO

Biopic (biografía) de una de los músicos más innovadores del jazz: Miles Davis.

Dirigida y protagonizada por Cheadle (Crash, Hotel Rwanda), la película muestra a Davis atravesando una brecha en su carrera en la década del ‘70. Su co-protagonista McGregor (Trainspoitting, Star Wars) es un periodista que acecha a Miles hasta formar parte de una historia que incluye una cinta perdida, gánsters y tiros.

ROUND MIDNIGHT (1986) DE BERTRAND TAVERNIER

LO CLÁSICO

Con Dexter Gordon, François Cluzet y Gabrielle Haker.

Música: Herbie Hancock.

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El film está inspirado en un libro sobre dos grandes jazzistas: Lester Young y Bud Powell.

La cereza del postre: Nada menos que el saxofonista Dexter Gordon como protagonista.

La trama transcurre principalmente en París, donde el personaje ficticio Dale Turner (Gordon) da una serie de actuaciones memorables en la cumbre de su carrera.

BORN TO BE BLUE (2015) DE ROBERT BUDREAU Con Ethan Hawke and Carmen Ejogo.

Música: David Braid.

Segunda biografía lanzada el mismo año y dedicada a un trompetista, en este caso a Chet Baker. Hawke (Before sunrise, Training day) le da vida a este exponente del West Coast Jazz de los años ‘50. El film se centra en la lucha de Baker contra sus problemas de adicción y de cómo vuelve a retomar su carrera de trompetista y cantante.

BIRD (1988) DE CLINT EASTWOO Con Forest Whitaker, Diane Venora y Michael Zelniker.

Música: Lennie Niehaus.

En su faceta como director, Eastwood mostró bastante interés en la música y especialmente en el jazz. Esta biopic sobre Charlie Parker tiene como protagonista a Forest Whitaker (Ganador del Oscar en el año 2006 por “El último rey de Escocia”).

La cinta se basa en los aspectos más dramáticos de la vida del gran revolucionario que fue Parker (Bird).

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PH. www.freepik.es 48

SORDOS RUIDOS OÍR SE DEJAN “Usted, ¿qué hace, además de ser argentino?”, se lee en El amigo de Baudelaire de Andrés Rivera. La pregunta flota como una nube suspendida sobre toda la novela, cuya figura central es un anciano Domingo Faustino Sarmiento. Otro francés, Louis Ferdinand Céline, lanza otro dardo, que Rivera ubica desafiante entre los epígrafes de su obra: “Los argentinos no existen”.

La literatura, el cine, las artes plásticas llevan varias décadas preguntándose por la idiosincrasia argentina (esa realidad elusiva para la que se reserva el nombre de “argentinidad”). A la música, en cambio, parece resultarle más difícil interrogar sobre la propia identidad. La relación de la música popular con “lo argentino” parece estar más cerca de la afirmación contundente (de “Argentinísima” hasta los reclamos a Lionel Messi para que cante el himno a viva voz y con lágrimas en los ojos) que de la puesta en discusión, la duda o la suspensión del juicio.

Curiosamente, la ópera parece ser el lugar en el que se producen las grietas por las que, como cantaba el recientemente fallecido Leonard Cohen, se filtra algo de luz. Desde ya, existen también las óperas “oficiales”, en las que se exalta la identidad argentina: basta con recordar Aurora (1908) de Héctor Panizza y su aria para tenor que todos cantamos alguna vez (sin el sobreagudo final, afortunadamente), a veces ejerciendo una variante juvenil de la desobediencia que consistía en derribar imaginariamente el “águila guerrera” con una apro49

PH. Máximo Parpagnoli

piada “gomera” de rima consonante. Esa tra- la versión compacta de El anillo del nibelungo de ducción, que en el fondo tenía algo de inocencia Wagner que el Teatro Colón ofreció bajo el títu(“¡Pobre aguilucha!”), lo Colón-Ring en 2012 era en rigor la segunda (aunque, en ese caso, La literatura, el cine, operación ejercida sohubo mayores escándalas artes plásticas bre el texto original de los que los de la puesta llevan varias décadas Luigi Illica, el libretista en escena), la guerra de responsable de Tosca y Malvinas en Macbeth preguntándose por la La bohème: Aurora, la de Verdi o, más recienidiosincrasia argentina. ópera argentina por antemente, los vuelos de A la música, en cambio, la muerte y las rondas tonomasia, se estrenó cantada en el italiano de las Madres de Plaparece resultarle más natal de su compositor. za de Mayo en el doble difícil interrogar sobre la programa Volo di notte / propia identidad.

En ocasiones, no es la Il prigioniero de Dallapiccola. propia ópera la que aborda un tema argentino, sino la puesta en es- En su lectura del Macbeth verdiano, Marcelo cena de un título clásico del repertorio. En tiem- Lombardero vuelve sobre la guerra de Malvinas pos recientes, para no ir tan atrás en el tiempo, que ya había abordado en Aliados, la ópera de suscitaron módicos escándalos algunas puestas Sebatián Rivas con libreto de Esteban Buch que que, de manera más o menos explícita, ponían retrata el encuentro entre Margaret Thatcher en escena episodios de la última dictadura mi- y Augusto Pinochet (comentada el año pasado litar argentina: el robo de bebés en el centro de en estas mismas páginas). Tratándose de un ar50

tista argentino, perteneciente además a la ge- te reparar en el hecho de que en ambos casos, neración que vivió en carne propia esa época como en tantos otros que podrían agregarse a de la Argentina, la referencia es doblemente este breve repaso, la última dictadura argentisignificativa. Pero también resulta interesante na constituya el telón privilegiado sobre el que detenerse en las puestas de Valentina Carrasco proyectar una obra originalmente pensada en (Colón-Ring) y Michał Znaniecki (Volo di notte términos más abstractos o universales. Tres / Il prigioniero). Por cierto, ambos directores Jefes de Estado que visitaron el país en el últienen una larga relatimo año incluyeron en En ocasiones, no es la ción con la Argentina: su itinerario y en sus Carrasco nació en Buenos propia ópera la que aborda discursos el Parque de Aires, aunque su carreun tema argentino, sino la la Memoria y la referenra se desplegó internacia a las asociaciones de puesta en escena de un cionalmente como inteDerechos Humanos. Las grante de La Fura dels título clásico del repertorio. referencias de los presiBaus. Por su parte, el dentes de Francia y los polaco Znaniecki ofrece regularmente espec- Estados Unidos, y del Primer Ministro de Canadá táculos en nuestro país. (aquí también, la lista podría multiplicarse), se intersectan allí con las puestas de las óperas de Más allá del juicio que merezcan sus respectivas Wagner, Verdi y Dallapiccola. Desestimar esas puestas (algunos habrán encontrado soluciones referencias como una preocupación “por el paconvincentes a los problemas dramáticos que sado” es ignorar su costado más incómodo y suscitan las obras; otros habrán lamentado de- por eso mismo urgente: lo que esos episodios terminadas decisiones), parece más interesan- revelan es, en el fondo, una preocupación por 51

PH. Máximo Parpagnoli

la identidad nacional. No se trata de interrogantes acerca de un episodio puntual que tuvo lugar en la Argentina, sino de una pregunta por la Argentina misma.

música en vivo de Ezequiel Abregú, en el Teatro de la Ribera; y La patria en la oreja, una ópera con libreto de Abel Gilbert y música de Marcelo Delgado, en el Centro Cultural Kirchner.

LA ESPADA, LA PLUMA, EL PENTAGRAMA Marcelo Delgado ya había incursionado en Volvamos, entonces, a Sarmiento. Viajero, exi- los años fundacionales de la Argentina en otra liado, presidente, contradictorio y polémico, ópera inspirada en un texto emblemático de escritor genial. Su monumental figura parece la llamada Generación del ‘37: El matadero de privilegiada para reaEsteban Echeverría. lizar sobre él la misma En el centro de La patria Tanto en aquella obra, operación que él realizó estrenada en el Centro en la oreja, un Sarmiento sobre la igualmente míCultural Rojas en 2009, en su lecho de muerte tica figura de Facundo como en este nuevo tíQuiroga: descubrir en reflexiona: “La música en tulo (que en cierto modo una vida la cifra de toda ilumina y es iluminado un país de exiliados es la una nación. La literatura por el primero), el resulsordera que suena”.

(El amigo de Baudelaire, tado final es el producto 1991) y el cine (Su mejor de una feliz alquimia enalumno, 1944) aventajan por varias décadas a la tre el texto y la música. Con las diferencias del música en el abordaje de esa figura casi totémi- caso, lo que comparten los libretos de Emilio ca. En los últimos meses, sin embargo, se estre- García Wehbi y de Abel Gilbert es una cierta naron con pocos días de diferencia el ballet Los desmesura, una profusión de citas, referencias y viajes de Sarmiento de Marina Sarmiento, con resonancias, que la partitura opta por no reforzar.

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Ph. Gentileza Máximo Parpagnoli PH. Gentileza Prensa CCK

Lejos de la redundancia, la música de Marcelo Delgado apela a los mejores rasgos de la música de cámara: la exploración tímbrica, una escritura vocal exquisitamente contenida, una expresividad que no cae en el melodrama. Como si se confiara en la potencia evocativa de las palabras y la música se permitiera entonces trazar su propio repertorio de referencias sonoras.

novedad. El hallazgo de La patria en la oreja, presente ya desde su mismo título, es trasladar ese campo de batalla al terreno de los sonidos.

Al nivel del lenguaje, eso se advierte en el contrapunto con la lengua guaraní que atormenta al viejo Sarmiento, cuyas tristemente célebres boutades contra el Paraguay confieren un sentido paradójico a su muerte en Asunción.

El libreto de La patria en la oreja, por su parte, deja bien en claro que, aun cuando el eje de la obra es Domingo Faustino Sarmiento (su juventud avasallante, su ocaso, sus amores, su familia, su muerte), los racimos de sentido que se agolpan a su alrededor son los de toda la Argentina: desde el inevitable peronismo hasta una no tan velada referencia a Milagro Sala en el texto original, finalmente no incluido en la versión definitiva. Que la célebre dicotomía instaurada por Sarmiento (civilización vs. barbarie) articuló como una columna vertebral las discusiones políticas nacionales, asignando a cada uno de esos términos significados diversos en cada nueva coyuntura, no es una

Pero la apuesta de Gilbert y Delgado es más sutil y, por eso mismo, más efectiva: la ecuación entre la sordera y el exilio, el contraste entre la omnipresencia de la música en la cultura y su incapacidad de escuchar en esos sonidos la propia voz. En ese sentido, la ópera puede leerse en consonancia con el más reciente libro de Esteban Buch, Música, dictadura, resistencia. La Orquesta de París en Buenos Aires (Fondo de Cultura, 2016), y su descripción de la Argentina de los años 1976-1983 como un “teatro silencioso”. En el centro de La patria en la oreja, un Sarmiento en su lecho de muerte reflexiona: “La música en un país de exiliados es la sordera que suena”.

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“LA MÚSICA ES ENERGÍA POSITIVA” Entrevista a Maxim Vengerov

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Entrevista a Maxim Vengerov

El gran violinista ruso, acostumbrado a los escenarios desde los 5 años, comenzó a demostrar su talento y a estar en la mira de todos con cada concurso y premio obtenido.

En el tiempo que pasó sin tocar, aprendió a dirigir, algo que deseaba desde niño. Ahora con una mirada más integral se siente más maduro como persona y con su estilo. Como él mismo dice: “Más enamorado de la música y de la vida que nunca antes”.

Por Maxi Luna PH. Liliana Morsia

¿CUÁLES SON TUS PRIMEROS RECUERDOS RELACIONADOS CON LA MÚSICA? Tuve la suerte de crecer en una familia muy musical. Me acuerdo de ir a ver los ensayos de mi padre con la orquesta (tocaba el oboe), yo tenía 3 años y realmente lo disfrutaba mucho. Recuerdo también de ver a mi madre que dirigía un coro.

DIJISTE UNA VEZ ALGO MUY LINDO, QUE EL VIOLÍN PUEDE CANTAR COMO UN AVE, LLORAR COMO UN SER HUMANO PERO A LA VEZ SONAR ENOJADO... ¿QUÉ FUE LO QUE TE ATRAJO? ¿POR QUÉ EL VIOLÍN Y NO EL OBOE COMO TU PADRE, POR EJEMPLO? El oboe no porque recuerdo ver a mi padre muy nervioso tratando de respirar y hacerlo sonar (risas). Para mí el violín siempre fue un instrumento cantante y sentía que además podía hablar a través de él sin decir palabras, a través de sus sonidos. ¿NUNCA TE RESULTÓ UNA CARGA SER CONSIDERADO UN PRODIGIO?

mucho tiempo sin tocar, sólo fueron tres años. Otras personas como Horovitz se tomaron más tiempo, la última vez fueron doce años sin tocar. Muchos necesitan tiempo para pensar, reflexionar o aprender otras cosas. Yo aprendí a dirigir, por ejemplo. ¿QUÉ TE DA LA DIRECCIÓN A LA HORA DE INTERPRETAR, Y VICEVERSA? Es una muy buena pregunta. Cuando estaba creciendo no sólo me gustaba el violín, lo que más quería era dirigir como mi madre. Además mi padre estaba en una orquesta y me encantaba todo lo que pasaba en los ensayos, pero tenía que aprender algún instrumento primero.

Después mi carrera se fue dando... pero siempre estuve interesado en dirigir.

Ahora tengo tiempo de estudiar el gran repertorio, me interesa mucho la ópera y tengo pensado hacer Eugin Oneguin de Tchaikovsky.

Todo esto cambió mi forma de interpretar. ¿DE QUÉ PERSONA HAS APRENDIDO MÁS EN LA MÚSICA Y EN LA VIDA?

Tuve la suerte de tener No realmente; los chicos se acostumbran a Para mí el violín siempre fue dos muy buenos Maestros de violín (Galilo que sea que les tiren un instrumento cantante na Turschanínova encima. Hay niños en y, posteriormente, el África que se mueren de y sentía que además podía distinguido pedagogo hambre; otros que tieZakhar Bron). Tamnen que trabajar muy hablar a través de él sin bién aprendí mucho de duro en Tailandia o en decir palabras, a través de los músicos con los que otros países. La vida es toqué. Luego tuve didiferente en todos lasus sonidos. rectores maravillosos dos. Para nosotros, en como Claudio Abbado, Siberia, la vida se trataba de realizar tus talentos, cuales sea que fue- Zubin Mehta, Daniel Barenboim. Aprendí muran. Había una gran presión, algunos la podían cho de Rostropovich, también. soportar y otros no. Yo tuve la suerte de poder soportar. Esta fue mi vida; vi a otros chicos so- ¿EN QUÉ HA CAMBIADO TU FORMA DE TOCAR bresalir en otras áreas, y para mí fue la música. EN ESTOS AÑOS? A los 5 años ya estaba arriba del escenario. Lo Creo que tocar el violín es un poco como ser un consideraba bastante natural. pintor, los pintores cambian cada tanto su esPASASTE MUCHO TIEMPO SIN TOCAR, ¿QUÉ TAN tilo y es bastante normal. Eso pasa porque uno va adquiriendo experiencia en la vida. Depende DURO FUE Y QUÉ APRENDISTE EN ESE TIEMPO? de lo que aprendés, a quiénes conocés, yo tenNo soy el único músico que tuvo que pasar go una familia ahora por ejemplo. Como decía 57

Entrevista a Maxim Vengerov

antes, también mi forma de abordar e interpretar una obra cambió. El hecho de dirigir me dio un conocimiento más integral de las grandes obras de Beethoven, Brahms, Tchaikovsky, por nombrar algunos. Me siento más maduro ahora como persona y mi estilo maduró también.

Me siento más enamorado de la música y más enamorado de la vida. Soy una persona mucho más feliz ahora que nunca antes. ¿SOS CONSCIENTE DE TODO LO QUE GENERÁS EN EL PÚBLICO CUANDO TOCÁS EN EL ESCENARIO?

Trabajar con chicos en situaciones de riesgo, en África, en Uganda; tocar para ellos en Tailandia, en Harlem. Son chicos con desnutrición, que no tienen agua, y poder llegar a ellos a través de mi violín y de la música es una experiencia de mucho aprendizaje y muy conmovedora. interesante y dificil

Es tratar de explicar con palabras lo que una música quiere expresar.

Además es muy enriquecedor porque enseñando uno también aprende mucho.

No, porque yo estoy ahí arriba y no me doy cuenta. Estoy muy metido en mí. Toco desde el corazón y trato de llegar a la gente con mi violín, de enviar un mensaje.

Creo que esta es la misión de cada músico, la de crear energía positiva y quizás cambiar algo en la vida de las personas con la música.

La música está altamente cargada de energía positiva y trato de lograr algo ya desde el momento mismo en que elijo mi repertorio.

Una de las grandes creaciones del ser humano, es la música. Obras como las de Beethoven, Ravel, Paganini... -grandes Maestros, verdaderos profetas musicales-, ayudan a la gente a estar inspirada.

La música hoy en día ya no es un lujo para algunos, es una necesidad para todos. Hoy solo en un gran concierto la gente se puede desconectar de su vida cotidiana, relajar, apagar los teléfonos, olvidarse de sus problemas por un momento. Tenemos que usar este tiempo de ir a conciertos para sentir placer, es un gran momento para hacerlo, para permitirse estar en contacto con la belleza. Es muy importante conectarse con la música.

FUISTE EL PRIMER MÚSICO CLÁSICO NOMBRADO EMBAJADOR DE BUENA VOLUNTAD DE 58

UNICEF, ¿QUÉ ME PODÉS CONTAR ACERCA DE TU COLABORACIÓN?

¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE GUSTA DE ENSEÑAR?

Me gusta mucho transmitir lo que siento por la música, no sólo los aspectos técnicos sino todo aquello que la música emite, las emociones.

Es interesante y difícil tratar de explicar con palabras lo que una música quiere expresar. Además es muy enriquecedor porque enseñando uno también aprende mucho.

SOBRE SUS CONCIERTOS PARA EL MOZARTEUM ARGENTINO Los recitales de cámara son una de mis formas favoritas de hacer música. Tocar mi violín con un gran compañero como Roustem Saitkoulov. Además, me tomé el tiempo de elegir muy cuidadosamente el programa para este recital, dos grandes obras del repertorio tradicional para violín: el gran dúo de Schubert y la magnífica sonata de Beethoven. Esas obras son muy diferentes en cuanto a lo dramático; Beethoven está muy cargado de dinámica y drama, luego una muy brillante y encantadora sonata de Ravel. “La última rosa del verano” de Heinrich Wilhelm Ernst es una obra muy especial para mí porque la toqué por primera vez cuando tenía 10 años.

Entrevista a Mischa Maisky

UNO NUNCA DEBE USAR LA MÚSICA CON EL FIN DE MOSTRAR LO BIEN QUE TOCA EL INSTRUMENTO

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Días previos a una nueva visita a nuestro país para el Ciclo 2016 de Nuova Harmonia, Mischa Maisky nos brindó una entrevista donde pudimos conocer un poco más a la persona que hay detrás de la increíble música que despliega.

Por Maxi Luna PH. Gentileza Nuova Harmonia

Nacido en Letonia, Mischa Maisky debutó en 1965 con la Filarmónica de Leningrado, donde se ganó el apodo: “Rostropovich del futuro”. Al poco tiempo comenzó su estudios con el mismísimo Maestro ruso, y luego de emigrar de la URSS (donde había sido encarcelado en un campo de trabajo) estudió también con Gregor Piatigorsky. ¿CUÁLES SON SUS RECUERDOS DE ROSTROPOVICH Y GREGOR PIATIGORSKY? ¿QUÉ CLASE DE PERSONAS Y MAESTROS ERAN? Si tuviera el talento y el tiempo, podría escribir un libro entero... Ambos eran personalidades muy singulares y no sólo dos de los mejores violonchelistas de todos los tiempos, sino también, en mi opinión, los más grandes maestros que podría imaginar. Y a pesar de ser muy diferentes tenían un enfoque muy similar en la enseñanza. Nunca hablaron del violonchelo como tal, sino más bien de hacer música.

Lo más importante que he aprendido de ellos es que el cello -en nuestro caso- o cualquier otro instrumento es solo lo que la palabra “instrumento” indica; es el vehículo que nos ayuda a alcanzar el último objetivo, que es la música, y no a la inversa. Uno nunca debe usar la música con el fin de mostrar lo bien que toca el instrumento.

¿CÓMO INFLUYERON EN SU ESTILO? Nunca intentaron hacer de sus estudiantes una copia de sí mismos, los ayudaron a desarrollar su propia personalidad. Tuvieron una enorme influencia en mi desarrollo musical, pero nunca he tratado de imitar a ninguno de ellos. ¿HA DICHO QUE LA ELECCIÓN DEL CELLO FUE MÁS UNA DECISIÓN PRÁCTICA QUE UNA ROMÁNTICA, PERO ME IMAGINO QUE EN ALGÚN PUNTO A LO LARGO DEL CAMINO SE ENAMORÓ DEL INSTRUMENTO. ¿CUÁNDO Y POR QUÉ SUCEDIÓ?

Nunca me pesó mi elección, excepto si hablamos de las condiciones del viaje… La música para mí es lo más importante, por lo que fácilmente podría imaginarme tocando cualquier otro instrumento, pero no puedo imaginarme a mí mismo no siendo un músico. ¿HACE ALGUNOS AÑOS DIJO QUE “HAY MÁS INSTRUMENTISTAS QUE LOGRAN SUPERAR LAS DIFICULTADES INHERENTES A CUALQUIER TIPO DE REPERTORIO, PERO PARALELAMENTE DISMINUYEN SU PERSONALIDAD”. ¿TODAVÍA VE ESTE PROBLEMA CON LOS MÚSICOS? Creo que aún existe el problema. En la actualidad, el nivel técnico es muy alto; pero para 61

Entrevista a Mischa Maisky

mí, este no es el tema más importante...

TAMBIÉN COMENTÓ QUE LOS INTÉRPRETES ESTÁN AQUÍ PARA SERVIR BIEN A LOS COMPOSITORES, ¿PODRÍA DECIRNOS MÁS ACERCA DE ESTA IDEA? La música como cualquier arte es muy subjetiva, y creo que cuanto más grande es, mayor cantidad de maneras de interpretarla existen.

“La música para mí es lo más importante, por lo que fácilmente podría imaginarme tocando cualquier otro instrumento, pero no puedo imaginarme a mí mismo no siendo un músico.”

RECIENTEMENTE GIDON KREMER (N°4 DE LA REVISTA) NOS DIJO QUE EN LA UNIÓN SOVIÉTICA SINTIÓ LA PRESIÓN DE LA IDEOLOGÍA DOMINANTE QUE TRATÓ DE REPRIMIR LA CREATIVIDAD Y LA LIBERTAD PERSONAL, PERO EN OCCIDENTE EL GOBERNANTE ENFOQUE COMERCIAL PUEDE SER MUY PELIGROSO TAMBIÉN PARA TODO EL MUNDO. ¿ESTÁ DE ACUERDO CON ESTA IDEA? Obviamente estoy de acuerdo con esto y creo que lo más importante para los artistas es no poner en peligro su propia integridad. ¿CÓMO SE LLEVA CON LA INDUSTRIA MUSICAL? Todos tenemos que ajustarnos y adaptarnos a los tiempos modernos con tal de que esto no afecte a nuestra actitud sincera de hacer músi62

ca. Creo que la música debe permanecer como lo más importante, el resto es secundario. ¿ESTÁ CANSADO DE EXPLICAR POR QUÉ INTERPRETA BACH EN LA FORMA QUE LO HACE? Soy un gran creyente de la autenticidad. Pero creo en la autenticidad de las emociones, lo que viene de los corazones de los músicos es auténtico para ellos en ese momento particular. ¿HA ENCONTRADO LA RAZÓN POR LA QUE

MOZART NO ESCRIBIÓ UN CONCIERTO PARA CELLO? ¿TODAVÍA LO ATORMENTA? Obviamente no sé la razón, ¡todavía no he tenido la oportunidad de hablar con él sobre ello! En realidad, no me atormenta, pero siento que es una gran pena que un gran genio como Mozart haya escrito para casi todos los instrumentos que existía, ¡pero no para cello! ¿CUÁLES SON SUS EXPECTATIVAS CON RESPECTO A ESTA NUEVA VISITA A NUESTRO PAÍS?

He tocado en la Argentina en varias ocasiones: en 1999 con Martha Argerich en el Teatro Colón, en 2000 con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y también las “Suites” de Bach.

Luego en el 2013 junto con Sergio Tiempo en Córdoba. Además la Argentina ha producido algunos de los más grandes músicos de todos los tiempos, como mi compañera favorita desde hace más de 40 años: Martha Argerich.

Estoy muy ansioso por volver a tocar de nuevo en el Teatro Colón, que es uno de los más maravillosos lugares en el mundo.

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Resumen de Temporada

Llegando nuevamente a un final de año, es un momento más que propicio para recordar y hacer un repaso de todo lo que nos ofreció la escena musical local en este activo 2016.

Por Pablo A. Lucioni

PH. Arnaldo Colombaroli

CENTENARIO GINASTERA Sin duda este año que termina estuvo marcado, todo a lo largo, por el hecho de que en 1916 nació Alberto Ginastera. Así que hubo conciertos, homenajes, artículos periodísticos, libros, actividades múltiples…en relación a su centenario.

Este músico argentino -que es polémico determinar cuán determinante ha sido como creadordebe haber sido, y esto es un mérito que le corresponde: el compositor de música académica con mayor trascendencia y alcance internacional nacido en nuestras tierras. Tuvimos ocasión de escuchar muchas de sus obras, en mejores y peores versiones, tanto aquellas más interesantes, como algunas que por su carácter experimental nunca tuvieron el favor del público. La costumbre de las efemérides en el mundo musical no es un hecho para nada nuevo, pero lo que vimos en relación a Ginastera, ha llegado a hacer sombra a los años de homenaje de varios grandes compositores universales. En este sentido, inclusive, se podría decir que todo empezó hacia fines del 2015, cuando Catrin Finch tocó una excelente versión del Concierto para Arpa con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC. Esto siguió con la que debe haber sido la apuesta más alta de todo el año de homenaje: la Beatrix Cenci que se dio en el Colón en marzo. Esta árida y exigente obra, tuvo en la puesta de Alejandro Tantanian una posible, pero no poco controversial, visión escénica. Guillermo Scarabino la dirigió musicalmente.

TEATRO COLÓN La temporada de ópera del Colón siguió con un Don Giovanni en el que lo más importante fue el debut, en este rol emblemático, de Erwin Schrott, probablemente el más destacado Don Juan de su generación. La puesta y la dirección musical no fueron particularmente atractivas.

Luego vino el Fidelio que dirigió el maestro chileno Francisco Rettig, el cual fue musicalmente muy pobre, salvo contadas excepciones como la labor de Carla Filipcic Holm. La puesta de Eugenio Zanetti careció totalmente de intención dramática teatral, y en una serie de escenografías tan personales como arbitrarias, desplegó movimientos y situaciones irreconciliables con el espíritu de la obra. Le siguió el Dido y Eneas de Sasha Waltz, una producción alemana en paquete que contó con la música de Purcell sólo como fondo de una propuesta de danza contemporánea. Lo extraordinario de la obra fue la calidad musical de la Akademie für Alte Musik Berlin, que brindó una lectura maravillosa de la partitura.

Con bastante preparación de los cuerpos estables, dado que no habían participado en el título anterior, llegó el estreno latinoamericano de Die Soldaten de Zimmermann. La puesta de Pablo Maritano fue muy fiel al espíritu crudo y violento de la obra, creando un dispositivo escénico monstruosamente preciso y multidimensional. Todo funcionó muy ajustadamente, con un buen grupo de cantantes, y la dirección de Baldur Brönnimann.

El título siguiente de la temporada lírica fue Tosca, donde el Teatro, en homenaje a Roberto Oswald, repuso la producción escénica que vimos anteriormente, varias veces. Esta puesta en sí ya parece haber perdido vigencia, y en la reposición de Aníbal Lápiz, fue correcta, pero algo destemplada. Dirigió Carlos Vieu, quien logró empezar a revertir un desánimo importante que la Orquesta Estable venía mostrando con los títulos de repertorio. La producción marcó la vuelta de Marcelo Álvarez al Colón, quien hizo un buen Cavaradossi.

PH. Arnaldo Colombaroli

Luego llegó el turno de Macbeth, que por esto de los aniversarios, estaba programado como evento del Año Shakespeare. Fue probablemente el mejor trabajo de la Estable, dirigida por el italiano Stefano Ranzani, quien con exigencia y algunos roces, logró una performance musical muy precisa y lúcida. Se distinguió Fabián Veloz en el rol protagónico, y la puesta de Marcelo Lombardero, polémica por supuesto, fue recibida con un abucheo notable en el estreno.

Esta temporada lírica con casi la mitad de títulos del Siglo XX, continuó con Volo di Notte e Il Prigioniero de Dallapiccola, que tuvieron puestas llamativas, pero algo caprichosas en referencias locales, en la propuesta de Michał Znaniecki. Musicalmente las obras estuvieron muy bien preparadas por Christian Baldini.

Además, el Teatro Colón, a través de sus Abonos Azul y Verde, tuvo notables presencias internacionales. Por un lado una nueva edición del Festival de Música y Reflexión, atractivo pero disparejo, con maravillas musicales como los 66

conciertos de Argerich con Barenboim dirigiendo, pero también otros mucho menos interesantes. Después de varias ediciones, pareciera que repetir el mismo formato empieza a generar cierta sensación de estancamiento. Dentro del Festival tuvimos el tan ansiado debut de Jonas Kaufmann, quien luego se lució en el recital solista del Abono Verde. La visita después de mucho tiempo de Renée Fleming también fue emotiva y de buen nivel. Volvió Lang Lang, para seguir convenciendo a quienes les gusta su estilo, y para seguir ofuscando a quienes no aceptan las libertades que se toma en el piano…

La Filarmónica de Buenos Aires, tuvo durante la mayor parte del año un nivel bastante irregular, justificado aparentemente por cierta displicencia en relación a cuestiones institucionales y/o contractuales. Sea cual fuere la razón, se escucha como una orquesta bastante desmotivada actualmente. Ya desde el comienzo de año con el Ciclo Tchaikovsky, que forzó en una semana todas las sinfonías del compositor ruso, esto, que parecía interesante en los papeles, mostró

PH. Liliana Morsia

varios de los conciertos con poca preparación.

Se hizo evidente una inercia difícil de romper para alcanzar una productividad y una agilidad en la elaboración materiales, que no parecen ser patrimonio de la O.F.B.A. Fue en ese sentido bastante especial el concierto No 2 del abono, que dirigido por el maestro chino Zhan Guoyong, mostró un nivel instrumental substancialmente más alto que el que un mes atrás se había escuchado en los Tchaikovsky.

Entre varios solistas internacionales buenos, cabe destacar el debut del excelente Ray Chen haciendo una versión notable del Concierto para violín de Sibelius, y la vuelta de Joshua Bell para el No 3 de Saint-Saëns.

MOZARTEUM ARGENTINO & NUOVA HARMONIA En lo que respecta a conciertos, el año tuvo varios hitos. El Mozarteum Argentino contó con excelentes recitales de Joyce Di Donato y Nelson Goerner. Maxim Vengerov tuvo dos presentaciones en dúo sencillamente deslumbrantes.

Tuvimos por primera vez en nuestro país al director italiano Antonio Pappano, junto a la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, en dos excelentes conciertos. También en el rubro orquestal fue notable la presentación de la Tonhalle-Orchester Zürich dirigida por el ascendente Lionel Bringuier, y el debut en violín de Lisa Batiashvili. Kent Nagano también volvió a visitarnos, en este caso con la Filarmónica Estatal de Hamburgo, y luego, la presentación del Rundfunkchor Berlin, cerrando la temporada, también fue destacable.

Nuova Harmonia, que cumplió treinta años de existencia, tuvo algunas interesantes presentaciones, como la de la Orquesta Sinfónica de Bamberg, el muy buen concierto de la Kremerata Báltica conducida por Gidon Kremer, y la presentación del Ballet Nacional del Sodre para cerrar.

BUENOS AIRES LÍRICA & JUVENTUS LYRICA La tendencia actual, por momentos asfixiante, de cambiar el emplazamiento y la época de las óperas a condiciones indefinidas y ambiguas, 67

PH. Alba Barelli

en general abundantes en contradicciones, no es patrimonio único de los teatros estatales.

Buenos Aires Lírica, tanto para Faust, para I Capuleti e I Montecchi como para Manon Lescaut, adoptó este camino, y en los tres casos, eso llevó a planteos escénicos bastante débiles. Fue probablemente con Ernani, que por el contrario tuvo una puesta convencional, con que hubo una combinación más feliz de todos los factores: cantantes con buenas voces verdianas, una orquesta que respondió de manera más inspirada que en general, y un buen trabajo de preparación de Juan Casasbellas.

Juventus Lyrica tuvo una versión básica de La viuda alegre para la apertura de temporada, y luego una asombrosa y osada puesta de María Jaunarena para el Orfeo ed Euridice de Gluck, que con buenas voces, y una propuesta escénica bastante elaborada, pero insólita, desplazó demasiado la atención de lo musical, y del autor mismo. Madama Butterly todavía no se había estrenado para el cierre de esta edición.

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SINFÓNICA NACIONAL La actividad de la Sinfónica Nacional en el Centro Cultural Kirchner, tardó en empezar. Como se sabe, este año el CCK recién inició las actividades de artes escénicas en junio. Se entiende que la nueva administración se tomó un tiempo para reorganizar el funcionamiento, pero igual la situación es extraña. Si antes parecía sobrar gente, ahora claramente parece faltar, el dispositivo de difusión, con otra impronta, sigue pareciendo inefectivo. Entre lo más relevante de este medio año, correspondería destacar la Sinfonía No 1 de Mahler dirigida por Gunter Neuhold, o la interesante visita de Kryzsztof Penderecki para dirigir a la O.S.N. con algunas de sus obras. Fue extraña, pero atractiva, la visita de la Orquesta Sinfónica de Qingdao (China) al CCK, que sin ser una agrupación particularmente importante, mostró un nivel y una doctrina instrumental notable, tanto haciendo música sinfónica china, como en especial en un Carmina Burana bastante logrado. También dirigió Zhang Guoyong, su titular, el mismo que nos había sorprendido antes en el concierto No 2 de la O.F.B.A.

NOTICIAS BREVES

BIENVENIDO ARIEL ALONSO AL CORO POLIFÓNICO NACIONAL

PH. Gentileza Ariel Alonso

Ariel Alonso, quien reside en francia desde hace 29 años, ha sido designado como el nuevo Director del Coro Polifónico Nacional. El argentino, que realizó sus estudios en el Collegium Musicum de Buenos Aires y en el Conservatorio “Manuel de Falla” para luego perfeccionarse en Francia, no cree que exista una misión única o predominante de un organismo como el CPN, sino que su actividad puede derivarse en varias ramas, todas ellas de una importancia relevante y que justifican ampliamente la existencia del organismo: “Probablemente la primera que viene a nuestra mente es la misión artística: el trabajo profundo de una obra, teniendo en cuenta sus dificultades técnicas, su estilo, con el objetivo final de producirla en situación de concierto.”

“Al mismo tiempo el concepto de «concierto» podría ampliarse y enriquecer esta misión

artística primera -motor de nuestra actividadconvirtiéndola en misión pedagógica, en donde se darán pistas para escuchar de otra manera, creando un intercambio activo adaptado al contexto en donde se produce el coro -escuela, universidad, hospital, penitenciaría, etc.- y las características propias del público.”

“La misión de difusión e intercambio se concretaría a través de la organización de giras en el interior de la República Argentina como así también a nuestros países limítrofes.

Es para mí de gran importancia promover la venida de directores de todos los orígenes por lo menos una vez al año, con un programa musical elegido por el director o la directora invitados.”

El flamante director estará viajando frecuentemente a Buenos Aires hasta su instalación permanente a partir de julio de 2017.

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NOTICIAS BREVES Giacomo CASANOVA y escenas de ópera de Lorenzo DA PONTE y Wolfgang Amadeus MOZART. Con: John Malkovich (Giacomo Casanova) y con la participación especial de Fanny Ardant & Jonas Kaufmann.

70° ANIVERSARIO DEL COLLEGIUM MUSICUM El Collegium Musicum de Buenos Aires cumplió 70 años de vida y los festejó con una muestra de alumnos en la Sala Argentina del CCK. En mayo de 1946 un grupo de músicos centro- europeos radicados en Argentina (Guillermo Graetzer, Erwin Leuchter y Ernesto Epstein), decidieron formar una asociación de aficionados a la música con el fin de cultivar su pasión por dicho arte. Así nació el Collegium Musicum de Buenos Aires.

Desde entonces ha desarrollado en forma ininterrumpida una profunda acción educativa que no sólo se ha proyectado sobre los más de 85.000 alumnos que han pasado por sus aulas, sino que ha formado generaciones de docentes especializados. Si bien es cierto que el objetivo principal del Collegium no es el de formar músicos profesionales, muchos niños sienten despertar en ellos la vocación para luego dedicarse a la música profesionalmente.

Actualmente, grandes músicos de reconocida trayectoria nacional e internacional, han dado sus primeros pasos musicales en el Collegium Musicum.

CASANOVA VARIATIONS + JOHN MALKOVICH & JONAS KAUFMANN Se estrena Casanova Variations dirigida por Michael Sturminger. Basada en “Histoire de ma vie” de 70

Como un himno a la libertad y a todos los engaños, esta película utiliza los modos de expresión artística para evocar símbolos del hedonismo: cine, teatro, ópera, música y literatura.

Extractos de óperas de Mozart y de “Historia de mi vida” de Giacomo Casanova se fusionan con la representación de un espectáculo, sus juegos en bambalinas, el backstage y conversaciones en los intervalos. John Malkovich encarna a Casanova (este innato actor experto en la mentira) y es a la vez el orquestador de un grupo de entusiastas actores y cantantes. El largometraje aplaudido en el Festival de San Sebastián se estrena en Argentina en diciembre de 2016.

“MADERAS” PARA EL CUARTETO DE CUERDAS DE LA UNTREF El Cuarteto de Cuerdas de la Untref (Universidad Tres de Febrero) cumple 5 años. Dedicado a la interpretación de la música contemporánea para esa formación, se especializa en el repertorio

NOTICIAS BREVES escrito entre la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del XXI. La selección de los aspirantes para su conformación fue realizada mediante un concurso abierto de oposición y antecedentes en 2011, contando con un jurado presidido por el violinista británico Irvine Arditti y el violinista venezolano David Núñez, en su carácter de director y primer violín del Cuarteto.

Como resultado del proceso selectivo fueron elegidos: Carlos Brítez (segundo violín), Mariano Malamud (viola) y Martín Devoto (violoncello).

En este tiempo, ya se ha presentado junto a músicos de trascendencia internacional como Ian Pace y Garth Knox, y participado de los festivales ATEMPO en Venezuela, de la Música Contemporánea Chilena, Nuevas Músicas X la Memoria y el homenaje al compositor Steve Reich en el marco del Festival de Música Contemporánea del Teatro San Martín.

jazz de Piazzolla o Duke Ellington. Tuvieron que repetir tres veces el final de su Bastones dorados.

Buenos Aires Ballet es una compañía -creada hace dos años- integrada por los más prestigiosos bailarines de los teatros: Colón, Argentino de La Plata y el Teatro Municipal de Río de Janeiro, reunidos con el objetivo de brindar un espectáculo de alta calidad artística, y sobre todo con la pulsión de bailar para todas aquellas personas interesadas en el valor de la belleza y la sutil sensibilidad de este arte que surge de un largo camino de dedicación y exigencia, pero sobre todo la convicción de comunicarse a través de la danza.

Paralelamente realiza una importante actividad académica ligada a la Licenciatura en Música de la UNTREF.

CLAUDIA MONTERO RECIBIÓ EL LATIN GRAMMY

BUENOS AIRES BALLET, INTERNACIONAL La agrupación liderada por el bailarín argentino Federico Fernández irrumpió en el XXV Festival Internacional de Ballet de La Habana. La prensa internacional ha catalogado a Buenos Aires Ballet, como uno de los triunfadores indiscutibles del festival con sus energéticas y estimulantes piezas mezclando clásicos como Vivaldi con el

La obra “Cuarteto para Buenos Aires” de la compositora argentina Claudia Montero ha sido premiada con el Latin Grammy 2017 como “Mejor Obra de Música Clásica Contemporánea”. La celebración se llevó a cabo el 17 de noviembre en la ciudad de Las Vegas.

Claudia Montero, quien desde el año 2002 reside en Valencia, donde ultima una tesis doctoral en la Universitat de València sobre a la influencia del tango y del folclore en la música académica argentina y pertenece al cuerpo de catedráticos de Música y Arte Escénicas de la Generalitat Valenciana, desde el 2003, ya había recibido la preciada distinción en el año 2014.

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LA MÚSICA PUEDE AYUDAR A CONSTRUIR LA PAZ Entrevista a Zubin Mehta

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Zubin Mehta volvió a la Argentina una vez más.

Estuvo en Córdoba, La Plata y en el Teatro Colón de Buenos Aires. A solo unas horas previas de su concierto en el Orfeo Superdomo pudimos mantener una charla telefónica con el gran Director Indio.

Por Maxi Luna PH: Máximo Parpagnoli

¿CUÁL FUE SU PRIMER ACERCAMIENTO A LA MÚSICA?

Hay mucha gran música compuesta en 400 años. ¿Y CUÁL ES EL MÁS DIFÍCIL DE DIRIGIR?

La verdad es que casi no me acuerdo... No me acuerdo si canté primero, o si hablé primero.

En la casa de mi padre (quien fue violinista y Director fundador de la Orquesta Sinfónica de Bombay) la música estaba presente todo el tiempo; escuché música prácticamente desde que nací. ¿Y CUÁNDO SE DIO CUENTA DE QUE QUERÍA VIVIR DE LA MÚSICA? Eso fue mucho más tarde. Yo había comenzado la universidad para estudiar medicina, en realidad pre-medicina que son dos años antes de la universidad. Así que en esos dos años me di cuenta de que en realidad quería ser músico. Primero comencé tocando el contrabajo pero siempre quise ser director. ¿QUÉ ES LO MÁS IMPORTANTE QUE CONSIDERA QUE HAY QUE TENER PARA SER UN BUEN DIRECTOR? El conocimiento. Pero el conocimiento de todo: la orquesta, los instrumentos, la música, la forma, la historia. ¡Todo! También conocimiento de psicología porque tenés que dirigir a 100 personas cada día, así que para convencer a 100 personas tenés que tener conocimiento de todos los aspectos. ¿CUÁL ES SU COMPOSITOR FAVORITO? La verdad es que no puedo contestar esa pregunta.

Tampoco puedo contestarle eso...algunas pequeñas sinfonías de Haydn son más difíciles que las de Mahler a veces... pero depende de la orquesta. Si la orquesta tiene sentido del estilo una sinfonía de Haydn es una cosa; si no lo tiene, entonces es un trabajo muy difícil ya que es un estilo muy transparente.

“Los directores jóvenes deberían dirigir orquestas jóvenes, con un cierto nivel, lo cual es bueno para ellos como entrenamiento y para ganar experiencia.

Dirigir es experiencia básicamente.”

UD. HA DADO CONCIERTOS JUNTO A GRANDES MÚSICOS, EN LOS TEATROS MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO Y EN DIFERENTES SITUACIONES. ¿RECUERDA ALGUNO CON ESPECIAL EMOCIÓN? Bueno, es la Filarmónica de Israel... Tenemos muchas emociones porque no sólo realizamos conciertos, también representamos al Estado 75

de Israel, aunque esta orquesta es un organización privada, no es una orquesta estatal.

¿VE ALGUNA SOLUCIÓN AL CONFLICTO PALESTINO-ISRAELÍ?

La primera vez que tocamos en Alemania fue muy emotivo, y la primera vez que tocamos en la frontera con el Líbano en 1982 fue una experiencia muy movilizante también.

Por supuesto que puede haber una solución.

Puede haber una solución mañana mismo si se sientan a la mesa a conversar y a encontrarle la vuelta. Pero no se sientan en la mesa porque su ego es demasiado fuerte.

¿LE QUEDA ALGÚN SUEÑO POR CUMPLIR EN ESE SENTIDO? Sí, seguro. Tocar en el Cairo, en Amán, Jordania. Nos encantaría ir a esos sitios.

UD. ES UN GRAN MILITANTE POR LA PAZ, ¿CÓMO VE EL MUNDO EN ESTOS TIEMPOS? Depende de sus líderes sobre todo. Algunos líderes son conscientes y piensan en el futuro de nuestros nietos, pero otros sólo piensan en su ego y les interesa más ser líderes que construir para el futuro, así que depende.

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¿REALMENTE CREE QUE LA MÚSICA PUEDE AYUDAR A UNIRNOS? No puede traer la solución final, pero la música puede ayudar a construir la paz de seguro. ¿QUÉ NOS PUEDE CONTAR DE LA FUNDACIÓN MEHLI MEHTA? Es una fundación que creamos junto con mi hermano en Bombay, India, con voluntarios que nos ayudan. Tenemos alrededor de 150 niños aprendiendo música clásica occiden-

tal y un día realmente espero que podamos construir una escuela y veremos lo que podemos hacer. ¿CÓMO VE EL FUTURO DE LA MÚSICA CLÁSICA? ¡Es muy bueno realmente! Soy bastante optimista. Por ejemplo nosotros, en Europa Central y en Sudamérica tocamos para públicos maravillosos y siempre con las salas llenas. Venimos cada cierto tiempo acá y somos muy populares. Nos encanta la audiencia sudamericana. Estamos deseosos de presentarnos en el Teatro Colón. ¿CÓMO SE PUEDE ATRAER NUEVO PÚBLICO? Depende de la programación también. A algunos jóvenes les gusta la música barroca; a otros les gusta Tchaikovsky. Así que realizar programas balanceados es muy importante. A veces tener un solista que sea muy popular; otras un compositor como Mahler. Nosotros estamos haciendo la 3° sinfonía, por ejemplo, y solo es una pieza para toda la velada, pero compositores como Mahler hoy en día son muy populares. También la música barroca. Así que uno tiene que hacer una buena mezcla: barroca, romántica, clásica, un buen solista -también un solista joven- obras de compositores jóvenes. No se puede tocar solo Tchaikovsky y Mahler, también tenés que programar y ayudar a compositores de hoy en día. ¿QUÉ OPINA DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA?

¿HAY ALGÚN COMPOSITOR EN ESPECIAL QUE LE INTERESE? De la actualidad, sí muchos. Recientemente hice una obra del compositor estonio Arvo Pärt en el Festival de Salzburgo, un compositor fantástico realmente.

UD. HA VENIDO EN VARIAS OCASIONES A NUESTRO PAÍS, ¿QUÉ ES LO QUE LO ATRAE DE LA ARGENTINA? Para empezar el Teatro Colón tiene una de las mejores acústicas del mundo, es muy balanceada realmente. El público es muy bueno y somos siempre bienvenidos. Ahora queremos conocer a los nuevos directores así que siempre vengo con grandes expectativas. ¿QUÉ CONSEJO LE PODRÍA DAR A LOS JÓVENES ESTUDIANTES DE DIRECCIÓN? Como le dije antes: el Conocimiento. Tienen que llenarse de conocimiento, estudiar y ganar experiencia. Dirigir orquestas chicas, no siempre querer dirigir a la Filarmónica de Nueva York. Porque uno gana experiencia enseñando a orquestas más pequeñas.

Las orquesta de primera clase son parte de un proceso diferente. Los directores jóvenes deberían dirigir orquestas jóvenes, con un cierto nivel, lo cual es bueno para ellos como entrenamiento y para ganar experiencia.

Dirigir es experiencia básicamente.

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CONTRAPUNTO | VERA CIRKOVIC I ¿A qué edad diste tu primer concierto?

A los 17 años.

II ¿Qué obra/s cantaste en él?

“La reina de la noche” en una versión de concierto con orquesta de “La flauta mágica” de Mozart.

III ¿Cuál fue tu concierto más memorable?

En el Liceo de Barcelona luego de haber ganado el primer gran premio del concurso Viñas.

La sala estaba colmada presenciada por los reyes de España, era la primera vez en la historia que un(a) Francés ganaba este concurso.

Estaba sola, sorprendida de haberlo ganado.

IV ¿Cuál es tu compositor predilecto?

Soy demasiado ecléctica para tener uno solo pero si no pudiera ser de otra forma sería Poulenc por “La voz humana” y el “Diálogo de carmelitas”.

V ¿Qué instrumento te hubiera gustado tocar?

Estudié piano y flauta traversa pero quería tocar arpa. Fue imposible por falta de instrumento en el conservatorio.

VI ¿Qué instrumento nunca hubieras tocado?

Todos me gustan.

VII ¿De qué persona aprendiste más?

De Darío Volonté. Es probablemente el ser que más me conecto con ser libre dentro de mi trabajo. Es una elección, pasé mi vida en el medio del teatro y me encontré con un cantante que era un extraterrestre dentro de este mundo.

Mis maestros me dieron mucho, él me dio el ejemplo del coraje de ser uno mismo.

VIII ¿Cuál es tu pasatiempo o hobbie no musical?

Detesto la palabra pasatiempo porque encaro todo con demasiada seriedad. Pero estoy trabajando en un proyecto de artes plásticas a largo plazo.

IX ¿Qué te gusta hacer en el día de una presentación?

Levantarme lo más tarde posible, hacer fiaca, estirarme y relajarme antes de la rutina de pasar toda mi música 50 veces mentalmente, maquillarme y repasar la letra una y otra vez.

X ¿Qué es lo que más te gusta de ser música?

De que nada nunca es adquirido, descubrir todo el tiempo músicas increíbles y nunca haber tenido la impresión de trabajar. De estar viva.

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VERA CIRKOVIC Nació en Francia, formada en el reconocido Conservatorio Superior de la capital francesa, dueña de numerosos premios internacionales de canto el concurso internacional Viñas de Barcelona, España, Nápoles, Italia, y Oporto, Portugal. En la Argentina fue destacada con el premio “Estrella de Mar” de la ciudad de Mar del Plata por el mejor concierto lírico multitudinario en Mar del Plata y reconocida como ciudadana ilustre de esta ciudad.

Ecléctica, políglota, en Europa cantó los principales roles protagónicos en las óperas de Mozart, Tosca de Puccini, obras de Wagner y música sacra desde Haendel, Haydn o Rossini. También incursionó en la Ópera cómica con gran éxito con la casi totalidad de los protagónicos de Offenbach destacando “La grande duchessa” de Gerolchtein.

En su rol de actriz realizó “Juana de Arco en la Hoguera” de Honneguer en el Teatro Colón, “Persefona” de Stravinsky con la Sinfónica Nacional, “Pierrot Lunaire” de Schönberg en el CETC ,”El amor brujo” de De Falla en el Festival Argerich y “La voz humana” de Cocteau Poulenc en Mar del Plata, Santa Fé, Rosario y Teatro Solís de Montevideo.

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