Arts vice 5

SELECT ART BOOK, LIMITED EDITION FOR SELECTED PLACES Trois opérations : voir, opération de l’œil. Observer, opération de l’esprit. Contempler, opération de l’âme. Quiconque arrive à cette troisième opération, entre dans le domaine de l’art.

Three operations : see, eye’s operation. Observe, mind’s operation. Contemplate, soul’s operation. Anybody who get to this third operation, enter into art’s field. Emile Bernard

ART’S ViCE© 11 RUE DES TROIS MARIE 69005 LYON contact@artsvice.com ARTSViCE© éDiTé pAr les ÉDiTiONs ART’SViCE© DiffUSé à paris, LyON, COURCHEVEL, MEGèVE, annecy, st tropez, cannes, nice, GENèVe, monaco ...

CONTACT PUBLICATION - regie publicitaire / ABONNEMENT Yves Markarian – Hervé Léger contact@artsvice.com Direction Artistique Hervé Léger – Marielle Vacheron Photo Couverture :

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iMprESSiON

Imprimerie CHIRAT - 42 540 ST JUST LA PENDUE - N°201307.0139 PICTOGRAMMES Bird designed by Peter Chilton from The Noun Project / Camera designed by Juan Pablo Bravo from The Noun Project / Pinceau from The Noun Project / Cube designed by Rafa Goicoechea from The Noun Project / Gavel designed by Connie Shu from The Noun Project / Frame designed by Connor Cesa from The Noun Project / City designed by Thibault Geffroy from The Noun Project

‘‘Trois opérations : voir, opération de l’œil. Observer, opération de l’esprit. Contempler, opération de l’âme. Quiconque arrive à cette troisième opération, entre dans le domaine de l’art.‘‘ ‘‘Three operations : see, eye’s operation. Observe, mind’s operation. Contemplate, soul’s operation. Anybody who get to this third operation, enter into art’s field.‘‘ Emile Bernard

éditorial

Pour ce nouveau numéro, Art’s Vice va encore plus loin pour satisfaire vos appétits artistiques.

Suite au succès que rencontre le magazine auprès des lecteurs, vous êtes de plus en plus nombreux à nous contacter afin d’acquérir des œuvres présentées dans ce dernier.

C’est donc avec plaisir que Art’s Vice propose ses services aux lecteurs qui souhaitent investir dans l’art. Nous endossons le rôle d’intermédiaire entre la galerie, l’artiste et tout collectionneur potentiel, et permettons ainsi une transaction dans les meilleures conditions possibles.

Vous pouvez dès à présent nous contacter, directement ou par l’intermédiaire de notre site internet, sur lequel une page est prévue à cet effet.

This new edition of Art’s Vice goes even farther to satisfy your artistic appetite.

Following the success of our magazine among the readers, you are more and more numerous to contact us in order to acquire artworks you saw in the latter.

It is with great pleasure that Art’s Vice offers its help to our readers willing to invest in art. We will play an intermediary role between the gallery, the artist and any potential art collector, allowing a transaction in the best condition.

You can contact us now, on the phone or on our web site through a page dedicated to that purpose.

www.artsvice.com

PEINTURES

Sommaire 05

Nouveauté !

Les pictogrammes pour vous accompagner dans votre lecture

Pedro Campos p.40 JayOne p.54 Ash p.55 Rammellzee p.55 Futura 2000 p.56 Fab Prenat p.58 Ernest Zacharevic p.59 Nathan Walsh p.106 Adeline Dutel p.129

PHOTOGRAPHIES Cerise Doucede p.44 Tadao Cern p.64 Laurent Chehere p.68 Nick Meek p.74 Marine Palayer p.96 Fabian Oefner p.98 Jean-Jacques Bernard p.110 Emmanuelle Bousquet p.118 Rémi Rébillard p.126

ARCHITECTURE Tour Odéon p.88 Alila Hotel p.138

DOSSIER SPECIAL DOSSIER SPECIAL MONACO p.75

INSOLITES

EXPOSITIONS

Berndnaut Smilde p.50 Yun Woo Choi p.60 Samuel p.62 Juan Francisco Casas p.70 David Schwen p.94 Jae Ko p.102 Jason Daquino p.104 Red Hong Yi p.117 Magnus Muhr p.122 Cube Works p.132 Mehmet Ali Uysal p.134

Keith Haring p.16 Magritte p.20 Calder-Prouvé p.22 Fondation Maeght p.24 Daniel Firman p.25 Simon Hantaï p.26 Claes Oldenburg p.28 Design p.30 Docks Art Fair p.32 Les rencontres d’Arles p.34 World Press Photo 2013 p.36 Matisse Nice p.38 Picasso p.82

SCULPTURES Rémi Favier p.112 Sayaka Ganz p.114 Diet WieGman p.116 Ichwan Noor p.123

INSTALLATIONS Felice Varini p.48 Monika Grzymala p.52 Daniel Arsham p.53 Anne Lindberg p.66 Michael Johansson p.90 Giuseppe Licari p.97 Florentijn Hofman p.100 Paul Sibuet p.109 Pierre Orssaud p.120 Los Carpinteros p.128 Yuki Matsueda p.130

EVASION Affiches minimalistes p.136 Herr Zatz p.140 Jaguar Eagle Speedster p.142 Yacht p.144 Editions Taschen, Genesis p.146

ARTICLE Art et Défiscalisation p.113

HOW MUCH ?

HOW MUCH ? p.8

Villas Prestiges & Services S A I N T- T R O P E Z

Villas Prestige & Services - Saint-Tropez - 5 bis rue Joseph Quaranta, 83 990 Saint-Tropez - France Tel. +33 4 94 97 30 78 - info@villa-prestige-service.com - www.villa-prestige-service.com

$ How Much ?

Connaissez-vous le prix d’un tableau de Damien Hirst ? D’une table Prouvé ? D’une sculpture de Dali ? Savez-vous quelles œuvres d’art ont été vendues dernièrement et quelles étaient leurs estimations ? Dans notre rubrique « How Much ? » nous vous proposons un aperçu du marché de l’art contemporain et des ventes de ces derniers mois afin de vous guider dans vos démarches d’acquisition ou simplement pour satisfaire votre curiosité.

Fin Juin, le Conseil des ventes, autorité de régulation du marché de l’art, a rendu son rapport pour l’année 2012. Il marque le repli de la Chine au profit des États-Unis. La France arrive en quatrième position. À en juger par les ventes record de Mai à New York et la frénésie acheteuse en Juin à la Foire de Bâle, le marché de l’art semble toujours aussi florissant.

Dans une mondialisation croissante, il reste l’un des rares secteurs exonérés de fiscalité qui attire encore en masse les investisseurs en quête de plus-value rapide, à moindre risque. New York, place forte de l’art contemporain qui a enregistré des montants historiques de près d’un milliard de dollars en Mai dernier, reste dans sa bulle dorée.

En 2012, le marché des enchères en France a fait preuve d’une bonne résistance, dans un contexte économique général pourtant difficile. Le montant total des adjudications hors frais s’élevant à 2.423 millions d’euros a progressé de 1,9% par rapport à 2011.

L’internationalisation croissante, qui conduit à une compétition généralisée, pousse aussi à une volatilité du marché. Les nouveaux collectionneurs, riches milliardaires aux quatre coins du globe, apparaissent et disparaissent aussitôt. Il n’y a pas de position acquise.

Could you guess the price of a Damien Hirst painting? A Prouvé table? A Dali sculpture? Do you know what works of art were recently sold and what their estimated price was? In our «How Much?» section, we are offering an outline of the contemporary art market and these last months’ sales to guide you into acquiring a piece of art or simply for your curiosity.

At the end of June, the Conseil des ventes, regulating body of the art market, published its 2012 report. It enhanced the declining position of China in favor of the United States; France ranks fourth position.

On the evidence of the New York top sales during May and the buyers’ craving at the Basel Fair in June, the art market seems as prosperous as usual. In an increasing globalization, it is one of the rare tax -exempt sectors that are still massively attracting investors in search of fast added value, at a smaller risk. New York is staying in its golden bubble given that the artsy city recorded historic added value amounts of about a billion dollars last May. In 2012, the auction market in France remained strong despite a difficult general economic environment. The total amount of auctions (expenses not included) reached € 2,423 Million, gaining 1.9 % compared to 2011.

The increasing globalization leads to a more general competition and also pushes toward market volatility. New collectors, mainly rich billionaires at every corner of the globe, appear and disappear right away: Nothing is being acquired.

HOW MUCH ?

ROBERT MAPPLETHORPE (1946 - 1989) KEN, LYDIA ET TYLER - 1985

DIANE ARBUS (1923 – 1971) UNTITLED – 1970 / 1971

ALEXANDRE CALDER (1898 – 1976) UNTITLED - 1940

Tirage argentique contrecollé sur carton fort Image 38,4 x 38,4 cm, feuille 50,1 x 40,1 cm

Tirage argentique, signé par Doon Arbus 39 x 38,3 cm / 50,8 x 40,6 cm

Peinture sur métal 115,5 x 91,5 x 35,5 cm ; 294 x 232,1 x 90,4 cm

Estimation : 30 000 - 40 000 €

Estimation : 6 000 – 9 000 €

Estimation : 610 000 – 915 000 €

Maison de vente Sotheby’s Paris 29 Mai 2013 - Photographies

Maison de vente Christies New York 5 Avril 2013 - Photographs

YVES KLEIN (1928 – 1962) SANS TITRE – 1959

DONALD JUDD (1928 – 1994) UNTITLED – 1991

ROBERT LONGO (1953) MEN IN THE CITIES : FINAL LIFE – 1981

Pigment bleu séché dans de la résine synthétique, sur des éponges naturelles 111,7 x 112,7 cm

Acier inoxydable et plexiglas rouge 22,8 x 101,6 x 78,7 cm

Charbon de bois, graphite sur papier et laque sur bois, en 3 parties 243,8 x 487,7 x 78,7 cm

Vendu : 73

Vendu : 17

500 €

000 000 €

Maison de vente Sotheby’s New York 14 Mai 2013 - Contemporary Art Evening Auction

Vendu : 7

500 €

Estimation : 4 600 000 – 6 100 000 € Vendu : 4

400 000 €

Maison de vente Sotheby’s New York 14 Mai 2013 - Contemporary Art Evening Auction

Vendu : 2

000 000 €

Maison de vente Sotheby’s New York 15 Mai 2013 – Contemporary Art Day Auction

Estimation : 30 500 – 45 700 € Vendu : 500

000 €

Maison de vente Sotheby’s New York 7 Mars 2013 – Contemporary Art

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CHRISTOPHER WOOL (1955) UNTITLED – 2000

HERB RITTS (1952 – 2002) JACK NICHOLSON I, LONDON – 1988

PIERRE SOULAGES (1919) PEINTURE 81 x 130 CM – 1987

Sérigraphie sur papier de riz vernis 167,6 x 119,4 cm

Tirage argentique, avec le timbre sec copyright du photographe en bas à droite. Au verso, signé, titré, daté et numéroté 10/25. Monté sous passe-partout et encadré 31,4 x 24,8 cm

Huile sur toile 81 x 130 cm

Estimation : 114 000 – 150 000 € Vendu : 733

000 €

13 750 €

Vendu :

313 500 €

Maison de vente Sotheby’s New York 7 Mars 2013 - Passion + Transmission: International Contemporary Art from the CAP Collection

Vendu :

BERNARD VENET (1941) LIGNE INDETERMINEE – 1997

TIMOTHY FLACH (1958) SPIRIT – 2010

HENRI MATISSE (1869 – 1954) PORTAIT DE FEMME

Acier roulé 175 x 190 x 175 cm

Empreinte chromogénique montée sur dibond 162,5 x 201,2 cm

Fusain sur papier 52,6 x 40,6 cm

Estimation : 125 000 – 175 000 €

Estimation : 14 500 – 20 500 €

Estimation : 70 000 – 10 000 €

Vendu :

Vendu :

Vendu :

217 500 €

Maison de vente Christies Paris 4 Juin 2013 – Art Contemporain

10

Estimation : 5 000 – 7 000 €

Estimation : 180 000 - 250 000 €

Maison de vente Christies Paris 4 Juin 2013 – Art Contemporain

Maison de vente Sotheby’s Paris 29 Mai 2013 - Photographies

26 000 €

Maison de vente Christies London 15 Mai 2013 - Photographs

61 500 €

Maison de vente Christie’s Paris 28 Mai 2013 – Art Impressionniste et Moderne

HOW MUCH ?

JOAN MIRO (1893 – 1983) FEMME ET OISEAUX DANS LA NUIT – 1970

SALVADOR DALI (1904 – 1989) VENUS DE MILO AUX TIROIRS – 1964

DAMIEN HIRST (1965) SKULL SPIN PAINTING – 2009

Huile, gouache et mine de plomb sur plastique imprimé 137,2 x 73,6 cm

Epreuve fondue en 1998 – Bronze à patine verte 112,5 cm

Acrylique sur papier 71 x 51 cm

Estimation : 500 000 – 700 000 €

Estimation : 100 000 – 150 000 €

Estimation : 5 300 – 6 800 €

Vendu :

Vendu :

Vendu :

625 000 €

73 500 €

5 700 €

Maison de vente Christies Paris 28 Mai 2013 – Art Impressionniste et Moderne

Maison de vente Christies Paris 28 Mai 2013 – Art Impressionniste et Moderne

Maison de vente Rago Mai 2013 – Fine Art

JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) CROWN HOTEL (MONA LISA BLACK BACKGROUND) – 1982

JEAN PROUVÉ (1901 - 1984) ‘TABLE S.A.M. BOIS’ – 1941/1945

JEAN-MICHEL OTHONIEL (1964) SANS TITRE (COLLIER MULTICOLORE) – 2007

Chêne et métal 73 x 190 x 97,5 cm

Verre de Murano et câble en acier 255 x 60 x 15 cm

Estimation : 40 000 – 60 000 €

Estimation : 60 000 – 80 000 €

Maison de vente Christies Paris 23 Mai 2013 – Arts décoratifs du XXe siècle et Design

Maison de vente Sotheby’s Paris 5/6 Juin 2013 – Art Contemporain

Acrylique et collage papier sur toile sur support bois 124 x 216 cm Estimation : 5 000 000 – 7 000 000 € Vendu : 5

697 500 €

Maison de vente Sotheby’s Paris 5/6 Juin 2013 – Art Contemporain

Vendu : 55

000 €

Vendu : 97

500 €

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GERARD SCHLOSSER (1931) ELLE EST REPARTIE – 1997

JACQUES MONORY (1934) MEURTRE N°VI – 1968

CESAR (1921 – 1998) COMPRESSION MURALE – 1970

Acrylique sur toile sablée 100 x 100 cm

Huile sur toile, plexiglas et cadre en métal de l’artiste 119,5 x 65,5 cm

Éléments de vélomoteurs compressés 65 x 47 x 20 cm

Estimation : 8 000 – 12 000 €

Estimation : 25 000 – 35 000 €

Estimation : 25 000 – 35 000 €

Maison de vente Sotheby’s Paris 5/6 Juin 2013 – Art Contemporain

Maison de vente Sotheby’s Paris 5/6 Juin 2013 – Art Contemporain

Maison de vente Sotheby’s Paris 5/6 Juin 2013 – Art Contemporain

LIU YE (1964) WOW – 2005

CARL ANDRE (1935) IRREGULAR RECTANGLE COMPOSED OF 4 UNEQUAL PARTS - 1985

SOL LEWITT (1928 – 2007) FIVE GEOMETRIC FIGURES – 1986

Vendu :

10 063 €

Lithographie 77 x 100 cm Estimation : 3 000 – 4 900 € Vendu : 6

700 €

Maison de vente Sotheby’s Hong Kong 5 Avril 2013 - Contemporary Asian Art

12

Vendu : 35

000 €

Acier 0,5 x 21 x 25,5 cm Estimation : 10 000 – 15 000 € Vendu :

13 750 €

Maison de vente Christies Amsterdam 16 Avril 2013 – Post War and Contemporary Art

Vendu : 37

500 €

Sérigraphie 250 x 250 mm (5) Estimation : 1 500 – 2 000 € Vendu : 3

750 €

Maison de vente Christies Amsterdam 16 Avril 2013 – Post War and Contemporary Art

HOW MUCH ?

Rolex, une montre chronographe extrêmement rare en acier inoxydable.

Signée Rolex, Chronographe, antimagnétique, Ref. 4113, Case n°051314, fabriquée en 1942

La marque Rolex est une marque emblématique dans le domaine de l’horlogerie de luxe, mais également dans le domaine du luxe plus généralement. Cependant, la montre-bracelet la plus chère du monde est une montre de la marque Mouawad avec sa « Snow White Princess Diamond Watch » vendue 6.8 millions de dollars, un garde-temps qui a détrôné la « 5 millions de dollars » présentée par Hublot en 2012.

Rolex ne semble pas s’être lancée actuellement dans la course à la production de la montre la plus chère du monde, la maison horlogère suisse n’est cependant pas en reste avec quelques modèles d’exception qui s’arrache à prix d’or lors de ventes aux enchères. La Rolex la plus chère a été adjugée à Genève par la maison Christies en 2013, un chronographe en acier équipé d’un mouvement Valjoux 55 (ref 4113) produit en 1942 (à seulement 12 exemplaires) qui a changé de propriétaire pour 1,16 millions de dollars.

La première montre Rolex a passé le million de dollars devient donc la Rolex la plus chère du monde. Bien loin des records établis par Hublot et plus récemment Mouawad, c’est du côté des modèles mythiques produits en série limitée qu’il faut aller chercher pour trouver les prix les plus élevés.

Estimation : 559 464 - 959,108 € Vendu : 879 604 € Maison de vente Christies Genève 13 Mai 2013 – Important Watches

Rolex is a symbolic brand in the luxury watch field, but also in the luxury field more generally. However, the most expensive bracelet-watch in the world is not a Rolex but a Mouawad: The “Snow White Princess Diamond Watch” sold for 6.8 million dollars, knocked off the top the “5 million dollars” Hublot timepiece that was displayed in 2012.

Even though Rolex does not seem to be willing to produce the most expensive watch in the world, the Swiss brand is however still in the race with a few outstanding pieces that are being snapped up for a fortune during auctions.

The most expensive Rolex in the world was awarded in Geneva by Christie’s in 2013. It is a 1942 model (only 12 pieces were made) with a steel chronograph equipped with a Valjoux 55 movement (ref. 4113) and it changed owner for 1.16 million dollars.

The first Rolex to be sold more than one million dollars is indeed the most expensive Rolex in the world despite being far from the records broken by Hublot, and more recently Mouawad. Limited edition mythical watches are most definitely the most expensive ones you could find.

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HOW MUCH ?

Ferrari 340/375 MM Berlinetta ‘Competizione’

by Pinin Farina – 1953

Vendu : 9 856 000 € Vente Villa Erba Maison de vente RM Auctions Le 25 Mai 2013

Ferrus de voitures de collection, préparez-vous à découvrir une fantastique Ferrari 340/375 ayant parcouru les 24 h du Mans en 1953 et vendu dernièrement en salle des ventes.

Conjuguant rareté, mécanique puissante et carrosserie flamboyante, cette historique Ferrari 0320AM est l’une des trois Ferrari 340/375 à avoir été introduite sur le circuit des 24 h du Mans par la marque au cheval cabré en 1953 afin de contrer ses concurrents mythiques comme Jaguar, Maserati et Lancia.

Exposée à la presse lors du Festival de Vitesse de Goodwood en 2008 et 2010, cette Ferrari sensationnelle offre des performances de courses dont très peu de voitures disposaient à son époque. Modèle de restauration, c’est la seule voiture de course Ferrari à avoir été pilotée par 3 champions du monde : Alberto Ascari, Dr Nino Farina et Mike Hawthorn. Elle constitue le couronnement de toute collection automobile.

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Vintage car addicts, get ready to discover a fantastic Ferrari 340/375 having ridden the 1953 session of Les 24 heures du Mans (French race that lasts 24 hours) recently sold at an auction.

This historical Ferrari 0320AM conjugates scarcity, powerful mechanics and a blazing body. It is one of the three Ferraris 340/375 that have been introduced by the rearing horse logo brand in 1953 on the 24 heures du Mans tracks in order to compete against its mythical enemies such as Jaguar, Maserati and Lancia.

Exhibited to the press during the Goodwood Speed Festival in 2008 and 2010, this sensational Ferrari offers race performances that very few cars had at that time. This restored model is the only Ferrari race car to have been driven by 3 world champions: Alberto Ascari, Dr Nino Farina and Mike Hawthorn. This car is the crowning achievement of any car collection.

www.leclere-mdv.com TABLEAUX ANCIENS & DU XIXE S. + TABLEAUX PROVENçAUX + ART MODERNE + DESIGN + ART NOUVEAU + ART DECO + PHOTOGRAPHIES ANCIENNES & MODERNES + TABLEAUX ORIENTALISTES + ART CONTEMPORAIN + ART D’AFRIQUE + ART D’ASIE + STREET ART + MOBILIER & OBJETS D’ART + BIJOUX + VINS + DOCUMENTS ANCIENS + LIVRES ANCIENS & MODERNES + AUTOGRAPHES + PHILATELIE + CARTES POSTALES + NUMISMATIQUE + VOITURES DE COLLECTION...

Keith Haring Untitled - 1982 Collection de Sheikha Salama bint Hamdan Al Nahyan, Abou Dabi. Emirats Arabes Unis Peinture vinylique sur bâche vinyle 365,7 x 375,9 cm © Keith Haring Foundation

Keith Haring Untitled - 9 avril 1985 Collection particulière Acrylique sur toile 152,4 x 152,4 cm © Keith Haring Foundation

Keith Haring Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, avec le CENTQUATRE, consacre une rétrospective de grande envergure à l’artiste américain Keith Haring (1958 – 1990).

Cette exposition permettra d’appréhender l’importance de son œuvre et plus particulièrement la nature profondément « politique » de sa démarche, tout au long de sa carrière. Avec près de 250 œuvres réalisées sur toile, sur bâche ou dans le métro, dont une vingtaine de grands formats sont exposés au CENTQUATRE, cette exposition est l’une des plus importantes jamais réalisées sur cet artiste.

Virtuose du dessin - qu’il pratiquait depuis l’enfance à haute dose - Keith Haring a étudié à la School of Visual Arts à New York. Génie de la ligne, travailleur incessant et rapide, il a énormément produit, réalisant ses œuvres en écoutant de la musique. Il a utilisé de multiples supports et eu recours aux médias de son époque allant jusqu’à commercialiser des produits dérivés dans son célèbre Pop Shop à partir de 1985.

Les messages et les idées politiques qu’il a véhiculés ne constituent pas seulement une part de son héritage, mais ils ont considérablement influencé les artistes et la société. Ses « Subway Drawings » réalisés dans le métro, ses peintures, ses dessins et sculptures, étaient porteurs de messages de justice sociale, de liberté individuelle et de changement. Icône du Pop Art, artiste subversif et militant, Keith Haring a multiplié les engagements tout au long de sa vie : très jeune, il était animé par une envie de transformer le monde.

En utilisant délibérément la rue et les espaces publics pour s’adresser au plus grand nombre, il n’a cessé de lutter contre le racisme, le capitalisme et toutes sortes d’injustices et de violences, notamment l’Apartheid en Afrique du Sud, la menace de guerre atomique, la destruction de l’environnement, l’homophobie et l’épidémie du sida (dont il est mort non sans avoir créé une fondation caritative au profit de la lutte contre la maladie). Le parcours de l’exposition rend compte de ses prises de position critiques.

Cette exposition majeure se devait d’être organisée à Paris. En effet, présenté dès 1984 par l’Arc, au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris dans l’exposition Figuration Libre France/USA, aux côtés de Robert Combas, Hervé Di Rosa, Jean-Michel Basquiat... Keith Haring a séjourné, travaillé et exposé à de nombreuses reprises à Paris, ville qu’il affectionnait particulièrement.

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EXPOSITION

Keith Haring Untitled - 25 août 1983 Collection particulière, courtesy Enrico Navarra, New York Acrylique sur bâche vinyle 185,5 x 185,5 cm © Keith Haring Foundation

Keith Haring Untitled - septembre 1982 Collection particulière Peinture vinylique sur bâche vinyle 182,8 x 182,8 cm © Keith Haring Foundation

Musée d’Art Moderne de Paris The Political Line 19 Avril – 18 Août 2013 The Paris Museum of Modern Art, in association with Le CENTQUATRE, is devoting a wide-ranging retrospective to American artist Keith Haring (1958-1990). The exhibition will bear witnessing the importance of Haring’s work, in particular his profoundly «political» content, apparent in his work throughout his career.

Almost 250 pictures on canvas, tarpaulins and subway walls – as well as twenty monumental works – will be shown at Le CENTQUATRE, making this exhibition one of the largest presentations of Keith Haring’s works ever.

Haring studied at the School of Visual Arts in New York. Endowed with a gift for lining, this virtuoso draughtsman – he would draw endlessly even as a child– worked rapidly, tirelessly and was greatly prolific, frequently working while listening to some music. He worked on all kinds of surfaces and his response to contemporary media included disseminating reproductions of his imagery on merchandise, via his New York retail store, the Pop Shop, which opened in 1985.

Not only were his political messages and ideas a part of his legacy; they have also had a real influence on other artists and on society. His «subway drawings» paintings, works on paper and sculptures speak of social justice, individual freedom and change. Haring, a subversive, militant Pop icon, was committed to social causes throughout his life: Even when very young, he was driven by an urge to change the world. Consciously and frequently choosing the street and public spaces to make contact with the widest audience imaginable, he never stopped fighting against racism, capitalism, violence and injustice in all their forms, with a special emphasis given to the Apartheid in South Africa, nuclear war threats, environmental destruction, homophobia and the AIDS epidemic (diagnosed HIV-positive in 1988, he launched a charitable foundation, dedicated to helping those affected by AIDS and HIV). The layout of the exhibition provides a narrative of Haring’s social and political views.

Paris was unquestionably the place for this major exhibition. After taking part in the Figuration Libre France/USA show presented in 1984 at the Paris Museum of Modern Art together with Robert Combas, Hervé Di Rosa, Jean-Michel Basquiat and others, Haring became attached to the city and often stayed, worked and exhibited there.

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Keith Haring The Tree of Monkeys — 1984 Courtesy Fondazione Orsi Acrylique sur toile 152,4 x 152,4 cm © Keith Haring Foundation

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EXPOSITION

Keith Haring Brazil — 1989 Glenstone Acrylique et émail sur toile 183 x 183 cm © Keith Haring Foundation

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René Magritte (Belgium, 1898-1967) La trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (The Treachery of Images [This is Not a Pipe]) - 1929 Huile sur toile 60,33 x 81,12 x 2,54 cm Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California, U.S.A. © Charly Herscovici -– ADAGP – ARS, 2013. Photograph: Digital Image © 2013 Museum Associates/LACMA,Licensed by Art Resource, NY

MOMA : MAgritte Cette exposition, organisée en collaboration avec la Collection Menil, Houston, et l’Institue d’Art de Chicago, est la première à se concentrer exclusivement sur les années révolutionnaires surréalistes de René Magritte, créateur de certaines des plus belles œuvres du XXème siècle. Commençant en 1926, quand Magritte a d’abord pour but de créer des peintures qui, selon ses mots, « défient le monde réel », et s’achevant en 1938 (un moment historique et biographique significatif juste avant la Seconde Guerre Mondiale) l’exposition retrace les stratégies et les thèmes majeurs de la période la plus intensive et expérimentale de la prolifique carrière de l’artiste. Le déplacement, la transformation, la métamorphose, « le nom inexact » des objets, et la représentation d’images perçues dans un état de semi-réveil façonnent l’image novatrice de Magritte pendant ses années essentielles. Rassemblant environ 80 peintures, collages, objets, avec une sélection de photographies, de périodiques et un premier travail commercial, cette exposition offre un aperçu nouveau sur l’identité de Magritte comme peintre Moderne et Surréaliste.

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The Mystery of the Ordinary 1926 – 1938 22 Septembre 2013 au 12 Janvier 2014

This exhibition is jointly organized with The Menil Collection, Houston, and The Art Institute of Chicago. It is the first to exclusively focus on René Magritte’s revolutionary surrealist years, who created some of the most beautiful paintings of the 20th century. The exhibition shows paintings from 1926 to 1938, two keyyears in the artist’s life: Magritte first painted “to challenge the real world”; and along with 1938 came a significant historical and biographical period, just before the outbreak of World War II. The exhibition traces the major themes within the most intensive and experimental period of the artist’s career. Magritte had an innovative look upon these themes during his essential years: Displacing, transforming, metamorphosing, “misnaming” objects, and representating of dream visions to name a few. With some 80 paintings, collages, and objects, along with photographs, newspaper articles, and an early commercial work, this exhibition gives us a fresh insight into the modern surrealist painter’s personality.

EXPOSITION

René Magritte (Belgium, 1898-1967) La condition humaine (The Human Condition) – 1933 Huile sur toile 100 x 81 x 1,6 cm National Gallery of Art, Washington, Gift of the Collector’s Committee © Charly Herscovici -– ADAGP – ARS, 2013

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EXPOSITION

Installation view, Calder | Prouvé Gagosian Gallery, Le Bourget, Paris 8 Juin au 2 Novembre 2013 Œuvre de Alexander Calder ©2013 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York. Œuvre de Jean Prouvé ©Galerie Patrick Seguin. Photo by Thomas Lannes, courtesy Gagosian Gallery

Calder/Prouvé

Galerie Gagosian Le Bourget 8 Juin – 2 Novembre 2013

Gagosian Paris, en collaboration avec la Galerie Patrick Seguin, a le plaisir de vous présenter une exposition des travaux d’Alexandre Calder et Jean Prouvé.

Gagosian Paris, in collaboration with Galerie Patrick Seguin, is pleased to present an exhibition of works by Alexander Calder and by Jean Prouvé.

« Calder-Prouvé », installée dans les hauts espaces de Gagosian Le Bourget, évoque des comparaisons dans une large et expressive gamme de production, utilisant de nouvelles technologies que leurs amis proches et leurs collaborateurs ont présentées comme un travail en parallèle entre l’artiste et le designer. Les mobiles de Calder, Rouge Triomphant (1959-1963), Plants and Shoots (1966), et Les trois barres (1970), sont des études parfaites de la forme kinésique et de la couleur, tandis que Long-Legged Red (1966) et Stabile (1975), imposent des structures en tôle. Ces oeuvres démontrent une maîtrise des principes de gravitation avec ses arcs imposants en acier, miraculeusement soutenus par quelques points de contact avec le sol. Les lignes fortes et distinctes de Prouvé, sont visibles dans des meubles et des projets architecturaux : le Pavillon démontable (1944), Potence (1950), Table Flavigny n°504 (1951), Brise-Soleil en aluminium (1957), et Station essence Total (1969) ; tandis que la géométrie espiègle et le turquoise brillant de Chaise Métropole n°305 (1953) font écho à l’étrange sensibilité de Calder. Considérées ensemble, ces œuvres témoignent de l’échange fructueux entre ces deux géants du Modernisme et de leurs aspirations utopiques.

“Calder - Prouvé”, installed in the lofty spaces of Gagosian Le Bourget, evokes comparisons in the broad, expressive range of production using new technologies that the close friends and collaborators evinced in their parallel practices as artist and designer. Calder’s mobiles - Rouge triomphant (1959-1963), Plants and Shoots (1966), and Les trois barres (1970) - are perfect studies of abstract kinetic form and color, while Long-Legged Red (1966) and Stabile (1975), imposing sculptures made of bolted sheet metal, demonstrates a mastery of gravitational principles with their its weighty steel arcs borne miraculously by just a few points of contact with the ground. Prouvé’s strong, distinctive lines are visible in furniture and architectural projects, including Pavillon démontable (1944), Potence (1950), Table Flavigny n° 504 (1951), Brise-soleil en aluminium (1957), and Station essence Total (1969), while the playful geometry and bright turquoise of Chaise Métropole n°305 (1953) echo Calder’s more whimsical sensibilities. Considered together, these works testify to the fruitful exchange between two giants of Modernism in its most utopian aspirations.

www.gagosian.com 22

1Jean-Michel Basquiat, Crisis X - 1982 Huile, acrylique et crayon gras sur toile montée sur palette en bois 185 x 115 x 17,5 cm Succession Jan Krugier © Succession Jan Krugier – the estate of Jean-Michel Basquiat / Adagp, Paris 2013

2Mark Rothko, Untitled (Red, Yellow, Blue, Black and White) – 1950 Huile sur toile 171,5 x 97,2 cm Collection particulière © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Adagp, Paris, 2013 1.

Fondation Maeght Pour la grande exposition estivale de cette année 2013, la Fondation Maeght donne carte blanche au philosophe et écrivain Bernard-Henri Lévy. Sur le thème « Peinture et philosophie », Bernard-Henri Lévy, commissaire artistique, propose un itinéraire en sept séquences pour comprendre le corps à corps millénaire, entre la philosophie et la peinture, parfois rivales, parfois alliées. Une centaine d’œuvres anciennes et contemporaines, issues de collections publiques et privées, françaises et internationales, sont réunies pour cette exposition, dont certaines issues du patrimoine de la Fondation Marguerite et Aimé Maeght et de la collection de la famille Maeght.

L’exposition propose un va-et-vient entre art ancien, moderne et contemporain ; entre une crucifixion de Bronzino et de Basquiat, un « Ecce Homo » d’Yves Klein, une Sainte Véronique du XVème siècle et sa réinterprétation par Picabia ou Jim Dine ; entre un tableau de Paul Chenavard prétendant illustrer Hegel et une œuvre de Joseph Kosuth prétendant, lui, dépasser et prolonger l’hégélianisme.

Dans une série de courtes vidéos, filmées par Bernard-Henri Lévy, on verra des artistes contemporains (entre autres : Marina Abramovic, Miquel Barceló, Olafur Eliasson, Alexandre Singh, Huang Yong Ping, Jacques Monory, Anselm Kiefer, Gérard Garouste, Kehinde Wiley, Maurizio Cattelan, Zeng Fanzhi ou Enrico Castellani) lire une page de philosophie (Platon, Hegel, Schelling, un fragment du Talmud, etc.). Noir et blanc. Artiste face caméra. Lieu de son choix. Ces films, à la fois pierres de soutènement et mouvement de l’esprit, porteront par leur parole une autre forme de souffle aux côtés de celui des œuvres.

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Les aventures de la vérité peinture et philosophie : un récit 29 Juin au 11 Novembre 2013 For the major 2013 summer exhibition, the Maeght Foundation gives carte blanche to philosopher and writer Bernard-Henri Lévy. Bernard-Henri Lévy, artistic curator, offers us an itinerary made up of seven series on the theme “Painting and philosophy” in order to understand the age-old battle between philosophy and painting, both rivals and allies. About one hundred ancient and contemporary works from public and private collections, both French and international, were brought together for this exhibition. This exhibition includes some works from Marguerite and Aimé Maeght Foundation’s holdings and the family’s collection.

The exhibition offers a back and forth movement between ancient, modern and contemporary art; between a crucifixion by Bronzino and Basquiat, a “Ecce Homo” by Yves Klein, a St. Veronica from the fifteenth century and its reinterpretation by Picabia or Jim Dine; between a Paul Chenavard painting claiming to illustrate Hegel and a work by Joseph Kosuth claiming to exceed and to extend beyond Hegelianism.

In a series of short black and white videos shot by Bernard-Henri Lévy himself, we will watch contemporary artists (including Marina Abramovic, Miquel Barceló, Olafur Eliasson, Alexandre Singh, Huang Yong Ping, Jacques Monory, Anselm Kiefer, Gérard Garouste, Kehinde Wiley, Maurizio Cattelan, Zeng Fanzhi and Enrico Castellani) reading a page of a philosophy book (Plato, Hegel, Schelling, the Talmud, etc.) For this series, Levy chose to have the artists facing the camera in a spot they had chosen. These short movies which operate as a retaining wall as well as a movement of thoughts will bring another form of inspiration through words alongside that of the artwork.

EXPOSITION

Vue de l’exposition Daniel Firman, La matière grise, au Musée d’art contemporain de Lyon (25 mai – 21 juillet 2013) Daniel Firman, Nasutamanus 2012 Courtesy Galerie Perrotin, Hong Kong & Paris © photo Blaise Adilon

MAC LYON

Daniel Firman - La matière grise 25 Mai – 21 Juillet 2013

Première grande exposition personnelle de Daniel Firman dans un musée, La matière grise révèle toutes les facettes de son œuvre. Daniel Firman a intégralement redessiné l’espace et présente dans une scénographie entièrement nouvelle des œuvres déjà « historiques » qu’il associe à des créations inédites.

Daniel Firman’s first major solo exhibition La matière grise (literally “Grey matter”) reveals all the facets of his work. Daniel Firman entirely redraws space and presents the already «historic» works he has associated with new unreleased creations in a completely new setting.

Son intérêt pour tout ce qui constitue aujourd’hui la sculpture est composé « à la manière d’une partition ». Des références iconographiques et chorégraphiques jusqu’aux questions les plus liées à la tradition et la sculpture (moulage, corps, réalisme), du son à l’espace, du geste à l’image... c’est une véritable polyphonie que crée Daniel Firman ici pour la première fois.

For the first time, Danier Firman has created a real melody thanks to his deep passion for sculpture. You can tell he has been inspired by icons and choreographies just by looking at the mold and the realism of his sculptures.

Avec La matière grise, Daniel Firman évoque le sens multiple de cette expression : de la matière neuronale à la terre comme matière première ou encore les matériaux composites industriels, la lecture se fait immédiatement réversible et simultanée. Sans ignorer l’utilisation du gris dans l’art contemporain, ce référent neutre et substantiel pose la question : peut-on appréhender la même chose de deux manières différentes ?

Sur deux étages du MAC LYON, le visiteur chemine dans un parcours oscillant entre objets et corps visibles ou invisibles, présence et absence, au fil d’une forme d’« histoire en sculptures » qui progressivement introduit des espaces perceptuels. La question de la réversibilité est omniprésente dans cette exposition, dès la première salle consacrée aux « sculptures/objets » fonctionnant comme une série de télescopages sur le sens même du renversement.

With La matière grise, Daniel Firman evokes multiple definitions of the grey matter: neuronal matter, earth as a raw material, or industrial composite materials.

Reading gets then immediately reversible and simultaneous. One question arises when paying attention to the use of the color grey in contemporary art: Can we dread the same thing with two different ways?

Visitors walk in two floors of the Lyon Museum of Contemporary Art around visible and invisible bodies and objects, presence and absence, in the course of a ‘sculpture history’ that progressively adds perceptual spaces. Reversibility is an ever-present subject within the exhibition and from the first room, dedicated to the very sense of what reversal means.

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Simon Hantaï

Centre Pompidou, Paris 22 Mai au 2 Septembre 2013

Le Centre Pompidou rassemble pour la première fois l’œuvre de l’un des plus grands peintres de la seconde moitié du XXème siècle, figure magistrale de l’abstraction : Simon Hantaï.

The work of one of the greatest painters of the second half of the 20th century has been brought together for the first time at the Pompidou Center in Paris: Simon Hantaï, who is a master figure of abstraction.

Cinq ans après la disparition de l’artiste, le Centre Pompidou consacre à l’œuvre de Hantaï une exposition inédite, la première depuis plus de 35 ans. À travers plus de 130 peintures créées à partir de 1949 jusqu’aux années 1990, cette exposition sans précédent par son ampleur et son caractère rétrospectif, témoigne de l’importance et de la richesse foisonnante d’une œuvre aujourd’hui internationalement reconnue.

Five years after the artist’s death, the Pompidou Center is dedicating an original exhibition of Hantaï’s work – for the first time in over thirty-five years. With more than 130 paintings created from 1949 to the 1990s, this exhibition witnesses the importance and abundant richness of an art piece that has gained international recognition.

La dernière rétrospective consacrée à l’œuvre de Hantaï avait eu lieu en 1976 au Musée national d’art moderne quelques mois avant son transfert au Centre Pompidou. Depuis, Hantaï avait été invité dans de nombreux musées en France, ainsi qu’en Allemagne et à la Biennale de Venise dans le pavillon français (1982), mais les occasions de voir son œuvre sont ensuite devenues extrêmement rares.

Hantaï s’est alors volontairement retiré du monde de l’art, se refusant à exposer sauf en d’exceptionnelles occasions, jusqu’à son décès en 2008.

Surtout connu pour ce que l’artiste nomme « le pliage comme méthode », initié en 1960, l’œuvre de Hantaï se déroule en moments successifs d’une étonnante diversité. L’exposition s’ouvre sur les premières années de création qui suivent son arrivée en France et offre une lecture chronologique de son parcours artistique dès les années 1950 : des toiles surréalistes, Femelle Miroir - 1953, aux peintures gestuelles, telle Sexe-Prime, Hommage à Jean-Pierre Brisset - 1955, des peintures de signe, comme Souvenir de l’avenir - 1957, à celles constituées de petites touches, cette époque s’achève avec les peintures d’écriture. Cette première phase, largement méconnue, culmine avec deux chefs-d’œuvre de 1958-59 réunis pour la première fois : Écriture Rose et À Galla Placidia.

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The last retrospective dedicated to Hantaï’s work took place in 1976 at the Paris National Museum of Modern Art a few months before its transfer to the Pompidou Center. Since then, Hantaï had been invited to numerous museums in France, Germany and to the French pavilion of the Venice Biennale in 1982. The opportunity to see his work later became extremely rare. Hantaï then voluntarily withdrew from the world of art, refusing to exhibit except on special occasions, up until his passing in 2008.

Best known for what the artist called « folding as a method» which he began exploring in 1960, Hantaï’s work successively took place in surprisingly different periods. The exhibition opens on the first years of creation that followed his arrival in France and offers a chronological reading of his artistic journey starting at the 1950s: surrealistic paintings, such as Femelle Miroir (1953) to gestural paintings, such as Sexe-Prime, Hommage à Jean-Pierre Brisset (1955), sign paintings such as Souvenir de l’Avenir (1957), to those consisting of small brush strokes: this period ends with writing paintings. This first phase, largely unknown, culminates with two masterpieces from 1958-59 brought together for the first time: Écriture Rose and À Galla Placidia.

EXPOSITION

1Étude - 1969 Huile sur toile 275 x 238 cm National Gallery of Art, Washington, Don du Collectors Committee, 2012 © Adagp, Paris 2013

2Mariale m.a.2 - 1960 Huile sur toile 278 x 214,5 cm CAPC, musée d’art contemporain, Bordeaux. Don en 1982 © Adagp, Paris 2013

3Blanc - 1974 Peinture acrylique sur toile 205 x 182 cm Collection Larock-Granoff © Adagp, Paris 2013

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Claes Oldenburg (American, born Sweden 1929) Pastry Case, I - 1961-62 Sculptures en plâtre, assiettes en céramique peintes, plateaux métalliques et présentoir en métal et en verre 52,7 x 76,5 x 37,3 cm The Museum of Modern Art, New York. The Sidney and Harriet Janis Collection © 1961-62 Claes Oldenburg. Photo: MoMA Imaging Services

MOMA : Claes Oldenburg

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The Street and The Store 14 Avril – 05 Août 2013

Les représentations pleines d’humour et de profondeur que Claes Oldenburg fait des objets du quotidien ont porté sa réputation au rang d’un des plus grands artistes de sa génération. Claes Oldenburg : The Street and The Store explore le début de l’extraordinaire carrière de l’artiste avec un vaste et profond regard sur sa production artistique de la première moitié des années 1960.

Claes Oldenburg’s humorous and profound depictions of everyday objects have earned him the reputation of one of the most important artists of his generation. Claes Oldenburg: The Street and The Store explores the beginnings of Oldenburg’s extraordinary career with an extensive and in-depth look at his artistic production from the first half of the 1960s.

L’exposition se concentre sur deux éléments majeurs du travail qui redéfinissent le concept de sculpture. The Street , une installation qui évoque l’atmosphère grivoise et chaotique du centre-ville de New York, exposé à l’origine à la Galerie Judson du Judson Memorial Church en 1960, et The Store, un large groupe de sculptures vivement colorées faites main, qui dépeignent une corne d’abondance de marchandises commerciales et de denrées comestibles, présentées en diverses répétitions entre 1961 et 1964.

The exhibition focuses on two major bodies of work that redefined the concept of sculpture: The Street, an installation that conjures the gritty and chaotic atmosphere of downtown New York City, originally shown at the Judson Gallery of the Judson Memorial Church in 1960, and The Store, a large group of handmade, brightly painted sculptures depicting a cornucopia of commercial commodities, repeatedly presented between 1961 and 1964.

EXPOSITION

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1- Claes Oldenburg (American, born Sweden 1929) Floor Cone - (1962) in front of Dwan Gallery, Los Angeles, 1963 Oldenburg van Bruggen Studio. © Claes Oldenburg

2- Claes Oldenburg (American, born Sweden 1929) Floor Burger – 1962 Toile fourrée de mousse en caoutchouc et de boîtes en carton, peinte à l’acrylique Toile remplie de caoutchouc mousse et boîtes cartonnées, peintes avec peinture acrylique 132,1 x 213,4 x 213,4 cm Collection Art Gallery of Ontario, Toronto.

Purchase, 1967 © 1962 Claes Oldenburg. Photo: Sean Weaver

3- Claes Oldenburg (American, born Sweden 1929) 7-Up – 1961 Tissu recouvert de plâtre, fils de fer, laque 140,7 x 99,7 x 14 cm Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Joseph H. Hirshhorn Purchase and Bequest Funds, 1994 © 1961 Claes Oldenburg. Photo: Lee Stalsworth

4- Claes Oldenburg (American, born Sweden 1929) Giant BLT (Bacon, Lettuce and Tomato Sandwich) - 1963 Vinyle, kapok et bois peint à l’acrylique 81,3 x 99,1 x 73,7 cm Whitney Museum of American Art, New York. Gift of The American Contemporary Art Foundation, Inc., Leonard A. Lauder, President © 1963 Claes Oldenburg. Photo: David Heald, Solomon R. Guggenheim Foundation

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EXPOSITION

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MOMA : Applied Design

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02 Mars 2013 – 19 Janvier 2014

Il y a toujours des gens qui pensent que le design c’est uniquement rendre les choses, les gens et les endroits beaux. En vérité, le design s’est étendu à presque chaque facette de l’activité humaine : la science, l’enseignement, les politiques et la politique. Et ceci pour une raison simple : une des tâches fondamentale du design est de pousser le public à réagir pour changer. Aujourd’hui, un designer peut vouloir se concentrer sur des interactions, des interfaces, Internet, des visualisations, des infrastructures et des produits sociaux, des espaces en 5D, le développement durable, les jeux vidéos, des scénarios critiques et oui, même des meubles. Plusieurs exemples remarquables de cette vitalité et de cette diversité sont présentés dans cette installation, allant d’un détonateur de mine par le jeune concepteur afghan Massoud Hassani à un navire fabriqué à partir de sable du désert transformé en verre en utilisant uniquement l’énergie solaire. Quatorze jeux vidéo sont également exposés, incluant Pac Man, The Simset Katamari Damacy ; ce qui constitue une nouvelle branche de la collection du MoMA.

There will always be someone who thinks design is just about making things, people, and places look prettier. In truth, design has spread to almost every facet of the human activity, from science and education to politics. And this, for one simple reason: Design fundamentally pushes people toward change. Today, a designer can choose to focus on interactions, interfaces, the Internet, visualizations, social infrastructures and products, 5-D spaces, sustainable development, videogames, and even furniture. Several outstanding examples of this diversified vitality are presented in this installation: A mine detonator of young Afghani designer Massoud Hassani, or a vessel made of desert sand transformed into glass using solar energy only. 14 videogames are also on display—including Pac-Man, The Sims, and Katamari Damacy. They now are part of a new branch in the MoMA’s collection.

1 -Tōru Iwatani (Japanese, born 1955) of NAMCO LIMITED, now NAMCO BANDAI Pac-Man - 1980. Gift of NAMCO BANDAI Games Inc. © NAMCO BANDAI Games Inc.

2 -Installation view of the exhibition Applied Design at The Museum of Modern Art – 2013 Photo by Jason Mandella

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4ème édition Foire internationale d’art contemporain

lyon-Fr. -

pour plus d’informations sur cette nouvelle édition: www.docksartfair.com

ou

flasher ce code

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Docks Art Fair 4ème Édition

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Une fois de plus et pour la 4ème édition, Docks Art Fair s’installe à Lyon. Cette foire internationale, petite par la taille, grande par la qualité propose du 10 au 15 septembre 2013, une manifestation totalement dédiée à l’art contemporain.

Sous la forme d’un salon invitant 30 à 35 galeries, locales, nationales et étrangères, ces dernières exposent sur leur stand des artistes contemporains émergents ou confirmés. Docks Art Fair cette année s’ancre dans du solide. Fini le chapiteau éphémère !

Partenaire privilégié de la foire, Gl Events invite celle-ci à s’installer dans son nouveau bâtiment, signé par l’architecte Odile Decq, sur le quai Rambaud, à 150 m de la Sucrière qui accueillera la Biennale d’Art Contemporain de Lyon.

Par ailleurs, Docks Art Fair aura lieu durant la semaine inaugurale de cette manifestation.

Lors des précédentes éditions, le succès fut à chaque fois au rendez-vous, enthousiasmant les visiteurs de Lyon et d’ailleurs. Public spécialiste ou non, il se retrouve dans les allées de Docks Art Fair pour y découvrir les talents de demain.

Faire une place à Lyon sur le marché : voilà la motivation des créateurs de la foire.

Avec cette 4ème édition, Docks Art Fair tend à prouver que la passion pour l’art contemporain est commune aux artistes, galeristes, collectionneurs et visiteurs.

The 4th edition of Docks Art Fair takes place in Lyon again this year, from September 10th to September 15th 2013. Small in terms of size but big in terms of quality, this international fair is all about Contemporary Art. The exhibition will be inviting 30 to 35 local, national and foreign galleries, which will exhibit either upcoming or confirmed contemporary artists on their booth. This year, Docks Art Fair settles down for good. Enough with the temporary circus tent!

Foire d’Art Contemporain à Lyon

A privileged partner, Gl Events, has offered to host the fair down in its new building located on the Rambaud quay, 150 yards from la Sucrière, which will welcome Lyon’s Contemporary Art’s Biennial. Docks Art Fair will actually take place during this event’s inaugural week.

The previous editions were a real success. Whether you are an art specialist or just a visitor, you will find yourself discovering the new talents of tomorrow. The planners of the fair have one goal: Get Lyon to enter the art market.

With this 4th edition, Docks Art Fair is willing to prove that passion for contemporary art is common to everyone, from artists to gallery owners, collectors and visitors.

Voici un premier aperçu des galeries présentes à cette édition : La Galerie Laurent Godin, la Galerie Bernard Ceysson, la Galerie Les Filles du Calvaire, la Galerie Nosbaum et Reding, la Galerie Eva Meye, la Galerie l’Antichambre, la Galerie Houg, la Galerie Lange et Pult, la Galerie Claire Gastaud

La Galerie Voss, la Galerie Martine et Thibault de la Châtre, la Galerie Semiose, la Galerie Vallois, la Galerie RX, la Galerie XPO, la Galerie Lili Ubel, la Galerie Leonardo Agosti, la Galerie Georges Verney Carron et d’autres…

Informations Pratiques :

Ouverture au public Du jeudi 12 au dimanche 15 septembre de 12h00 à 19h00

Ouverture de la foire aux professionnels et aux VIP. Mardi 10 et mercredi 11 septembre de 12h00 à 19h00.

Contact Docks Art Fair info@docksartfair.com 45 quai Rambaud 69002 Lyon France +33478429850 T +33478379703 F

Vernissage Mercredi 11 septembre de 19h00 à 22h00 Accès réservé VIP, professionnels et détenteurs de l’invitation uniquement

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www.docksartfair.com

EXPOSITION

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1Gregory Chatonsky Telofossiles II, 2013 sculpture, matériaux mixtes...

XPO Gallery

2Valérie du Chéné Qui va lui jeter la première pierre ?, 2012 Acrylique sur calcaire et basalte Dimensions variables Galerie Martine et Thibault de La Châtre

3Pierre Buraglio Masquage vide (1978) Rubans de masquage, altuglas, 52 x 39 cm, collection privée Galerie Bernard Ceysson

4Mary A. Kelly Rom 7, 2009 Lambda Print, 120 x 120 cm, courtesy Galerie Voss, Düsseldorf Galerie Voss

5Helmut Grill Give me more illusion, 2012 150 x 180cm Galerie Lili-Ubel

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Les Rencontres d’Arles 2013

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In Black 01 Juillet – 22 Septembre 2013

La 44ème édition des Rencontres d’Arles propose un parcours photographique radicalement en noir et blanc, du 1er Juillet au 22 septembre. Cette année, Arles sera donc « in Black ». Ce choix, fidèle à l’esprit du festival, est motivé par la volonté de faire un état des lieux de la création photographique en noir et blanc au XXIème siècle. À l’heure où la couleur domine et où l’on s’interroge sur la profonde mutation de cet art liée à l’arrivée du numérique, force est de constater que le noir et blanc reste toujours bien présent dans la création contemporaine. Quelle est donc sa place aujourd’hui ? Les Rencontres d’Arles 2013 sont placées sous le signe de la (re)découverte : nouveaux talents, créations inédites d’artistes consacrés et trésors du passé.

La semaine d’ouverture du festival, du 1er au 7 Juillet, propose comme chaque année de nombreux événements axés sur la photographie, au sein des lieux historiques de la ville : projections nocturnes au Théâtre Antique, Nuit de l’Année, visites d’expositions par les artistes et les commissaires du programme, débats, colloques, soirées, signatures de livres, remise du Prix Découverte, Village des éditeurs et institutions photographiques, lecture de portfolios… Par ailleurs, les Rencontres d’Arles proposent des stages de photographie encadrés par des photographes professionnels de renom, pour praticiens de tous niveaux, jusqu’à la fin de l’été.

From July 1st to September 22nd, the 44th edition of the Meetings of Arles will offer a radically black and white photo journey, definitely getting the city “in Black» this year. This decision sticks to the festival spirit and is fueled by a will to see how things have gone for black and white photography during the 21st century.

1- Sergio Larrain Passage Bavestrello, Valparaiso, Chili, 1952 © Sergio Larrain/Magnum Photos © Rencontres Arles

3- Gilbert Garcin Lorsque le vent viendra, 2007 Courtesy galerie Les filles du calvaire, Paris © Rencontres Arles

2-Viviane Sassen pour Numero magazine Courtesy de l’artiste © Rencontres Arles

4- Arno Rafael Minkkinen Narragansett, Rhode Island, 1973 © Rencontres Arles

www.rencontres-arles.com

5- Arno Rafael Minkkinen Fosters Pond, 1989 © Rencontres Arles

At a time when color dominates and digital technology has profoundly transformed photography, we can’t deny the fact that black and white has always strongly remained anchored in contemporary creation. So where is it standing nowadays? The 2013 edition of Meetings of Arles will be under the sign of (re) discovery: New talents, unseen works of respected artists and treasures of the past will come up.

From July 1st to July 7th, the opening week offers, as usual, numerous photobased events within the city’s historical places: night-projections at the Ancient Theater, “Night of the Year” exhibition visits by the artists and the commissioners of the program, debates, colloquiums, parties, Discovery Prize award, etc.

Besides, the Meetings of Arles offers summer photography internships for any level with famous professional photographers.

EXPOSITION

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World Press Photo Le Jury international de la 56ème édition annuelle du Concours World Press Photo a couronné une image de Paul Hansen du journal suédois Dagens Nyheter comme photographie World Press de l’année 2012. Le Jury a donné des prix dans neuf catégories de 54 photographes de 33 nationalités : Argentine, Australie, Belgique, Brésil, Canada, Chili, Chine, République Tchèque, Danemark, France, Allemagne, Inde, Indonésie, Iran, Italie, Jordanie, Malaisie, Mexique, Territoires Palestiniens, Pays-Bas, Pérou, Pologne, Portugal, Russie, Serbie, Afrique du Sud, Espagne, Suède, Suisse, Turquie, Royaume-Uni, États-Unis et Vietnam.

The international jury of the 56th annual World Press Photo Contest has awarded a picture by Paul Hansen in the Swedish daily newspaper Dagens Nyheter as the 2012 World Press Photo of the Year. The jury awarded 54 photographers of 33 different nationalities in nine categories: Argentina, Australia, Belgium, Brazil, Canada, Chile, China, Czech Republic, Denmark, France, Germany, India, Indonesia, Iran, Italy, Jordan, Malaysia, Mexico, Palestinian Territories, the Netherlands, Peru, Poland, Portugal, Russia, Serbia, South Africa, Spain, Sweden, Switzerland, Turkey, United Kingdom, USA, and Vietnam.

Le Jury a récompensé les premiers, deuxièmes et troisièmes prix de chaque catégorie. Les gagnants du premier prix de toutes les catégories ont reçu 1 500 €.

Les gagnants du second et troisième prix et ceux qui ce sont vus attribuer une mention Honorable ont reçu un Golden Eye Award et un diplôme. Le premier prix, le World Press Photo de l’année, s’est vu remettre une somme de 10 000 €. De plus, Canon lui a offert un appareil photo professionnel DSLR et un kit objectif.

In each category, the jury awarded first, second and third place. First-place winners got €1,500. Second and third-place winners and the photographers who got an Honor prize got a Golden Eye Award and a diploma. The supreme award that is, the World Press Photo of the Year, received €10,000. In addition, Canon gave out a professional DSLR camera and lens kit.

Le World Press Photo organise le plus important concours international en matière de journalisme visuel. Son but est de produire un large intérêt public et une reconnaissance vis-à-vis du travail des photographes et autres journalistes visuels, ainsi que pour la liberté d’information. Les programmes de la World Press Photo Académie s’efforcent de stimuler le journalisme de haute qualité par des programmes éducatifs, des subventions, et une variété de publications. Le World Press Photo est un organisme à but non lucratif indépendant, basé à Amsterdam, Pays-Bas, où il a été fondé en 1955.

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World Press Photo organizes the leading visual journalism international contest.

Its aim is to generate wide public interest in and appreciation for the work of photographers and other visual journalists, as well as free exchange of information. The programs of the World Press Photo Academy strive to stimulate highquality visual journalism through educational programs, grants and a variety of publications. World Press Photo is an independent non-profit organization headquartered in Amsterdam, the Netherlands, where it was founded in 1955.

EXPOSITION

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11st Prize Sports – Sports Action Single Wei Seng Chen, Malaysia

31st Prize People – Observed Portraits Singles Nemanja Pančić, Serbia, Kurir

22nd Prize Sports – Sports Action Stories Sergei Ilnitsky, Russia, European Pressphoto Agency

41st Prize Sports – Sports Action Stories Roman Vondrous, Czech Republic, Czech Press Agency

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EXPOSITION

Henri MATISSE La Tristesse du roi - 1952 Papiers gouachés découpés 292 x 386 cm © Succession H. Matisse Photo : Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais

Nice un été pour Matisse À l’occasion du 50ème anniversaire de son Musée Matisse, la Ville de Nice propose, pour la première fois, 8 expositions simultanées en hommage à la figure et à l’oeuvre d’Henri Matisse. Le commissariat général de cet événement culturel intitulé « Nice 2013. Un été pour Matisse » a été confié à Jean-Jacques Aillagon.

Des hauteurs de Cimiez à la Promenade des Anglais, en passant par le VieuxNice, 8 expositions, présentées simultanément dans 8 Musées municipaux, inviteront les visiteurs à un parcours inédit qui les conduira du Musée Matisse, au Musée d’archéologie, au Théâtre de la Photographie et de l’Image, au Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, au Palais Lascaris, à la Galerie des Ponchettes, à la Villa Masséna et au Musée des Beaux-Arts. Deuxième ville de France, après Paris, pour la fréquentation de ses Musées municipaux, avec près de 700 000 visiteurs en 2012, la Ville de Nice a souhaité rendre un hommage à sa mesure, à la figure, à l’œuvre et à la postérité du peintre amoureux de la capitale azuréenne tout en mettant en valeur la diversité de ses musées.

Début Septembre 1905, le critique d’art Félix Fénéon offre à Matisse, homme du Nord, né au Cateau-Cambrésis, un billet de train lui permettant de découvrir Cannes, Nice, Monaco et Menton. Douze ans plus tard, en Décembre 1917, Matisse retrouve Nice. Il s’installe dans une petite chambre de l’hôtel Beau-Rivage.

La rencontre du peintre avec Nice est une véritable révélation. Durant les presque 40 ans qu’il passe à Nice et dans la région niçoise, jusqu’à son décès, l’artiste honore la Côte d’Azur d’une fidélité et d’une passion indéfectible. Il y puisera l’inspiration donnant naissance à de nombreux chefs-d’oeuvre. « Nice 2013. Un été pour Matisse » bénéficie de prêts de musées français et étrangers parmi les plus prestigieux ainsi que de collections privées. En tout, ce sont plus de 700 oeuvres qui sont ainsi présentées au public.

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21 Juin - 23 Septembre 2013

For the Matisse Museum’s 50th anniversary and for the first time, the City of Nice will offer 8 simultaneous exhibitions in tribute to Henri Matisse and his work.

Jean-Jacques Aillagon will be the art commissioner of this cultural event named “Nice 2013 - A summer for Matisse”.

From Cimiez to Promenade des Anglais through the Old Town, 8 exhibitions will simultaneously be presented in 8 local museums in Nice, taking the visitors on an original journey which will lead them to the Matisse Museum, the Museum of Archeology, the Theater of Image and Photography, the Museum of Modern Art and Contemporary Art, Palais Lascaris, the Ponchettes Gallery, Villa Masséna and the Museum of Fine Arts. Nice being the second city in France – after Paris – in terms of museum attendance with about 700 000 visitors in 2012, the city wished to pay a tribute up to its standards to the painter who fell in love with the French Riviera capital city, emphasizing as well the diversity of its museums.

In early September of 1905, art critic Félix Fénéon offered Matisse, man of the North, a train ticket giving him a chance to discover Cannes, Nice, Monaco and Menton. Twelve years later, in December of 1917, Matisse found Nice again.

He settled down in a small room at Beau Rivage Hotel: Discovering Nice was a revelation to Matisse. For the last 40 years Matisse spent around Nice and the Riviera, he kept honoring the region with constant loyalty and passion. He drew out of it the inspiration to design numerous masterpieces. « Nice 2013 A summer for Matisse » benefited from loans coming from some of the most prestigious French and foreign museums, as well as private collections.

All in all, more than 700 art pieces will be shown to the public.

Lamborghini Lyon

Lamborghini Mulhouse

Passion Automobiles Prestige 2, Chemin des Cuers 69 570 Dardilly Tél: 04 72 29 12 21

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Tél: 07 62 58 38 25 Mail : lionel.laffont@passionautomobiles.fr

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Tél: 06 86 75 88 01 Mail : jf.casazza@lamborghini-mulhouse.fr

1.

Pedro Campos « La plupart des Photoréalistes sont considérés comme des super modernistes, en grande partie à cause de l’idée reçue selon laquelle il est original, glamour et audacieux pour un artiste de pratiquer la photographie. Mais un intérêt pour l’extrême réalisme, l’adhésion à un concept de précision quasi scientifique dans la peinture nous ramène à la Renaissance. Cela implique donc que la photographie n’est pas le seul moyen d’approcher l’exactitude.

Campos est un restaurateur professionnel, diplômé de l’École Officielle de Conservation et de Restauration des Objets d’Art de Madrid. Il pourrait sûrement produire le même effet dans ses peintures hyperréalistes sans aucun support ou inspiration photographique. Cependant, étant donné que la photographie existe, il serait absurde de ne pas s’en servir pour peindre, et Campos voit les avantages qu’il y a à utiliser tous les supports possibles.

Campos, né en 1966 à Madrid, a fait sa première exposition en solo en 1998, en Espagne. Le résultat fût tellement encourageant que, l’année suivante, il décide de devenir peintre à plein temps et de renoncer à toute autre activité. Jusquelà, il n’a exposé qu’en Espagne, où il connaît un succès considérable grâce à la précision quasi mathématique avec laquelle il exécute ses méticuleux fragments du monde réel. Et finalement ses illustrations qui semblent être fraîches, impassibles et qui embrassent une esthétique calme, provoquent une expérience riche en émotions. » Retrouvez-le désormais à Londres où il est exclusivement représenté par Plus One Gallery.

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NON NON, ce n’est pas de la photographie !

Most Photorealists are considered super-modernists, mainly because photography is perceived as the new shiny and bold contemporary art. But a concern for extreme realism, a subscription to a concept of quasi-scientific precision in painting, takes us back to the Renaissance era. This must surely imply that photography is not necessarily the only way to approach accuracy.

Campos is a professional picture restorer as he graduated from the Official School of Conservation and Restoration of Works of Art in Madrid. He could probably produce the same effect in his hyperrealist paintings even if he didn’t have any visual base at all. However, given that photography does exist, it would seem absurd not to use it to paint. Campos understood that and uses any possible existing base.

Born in 1966 in Madrid, Campos had to wait until 1998 to get his first solo exhibition in Spain. The results were so encouraging that the following year he gave up on all of his other activities and became a full-time painter. He has exhibited only in Spain so far and he got pretty big there thanks to his meticulously executed snatches of the real world, executed with the minute precision of higher mathematics. And yet what seem to be very cool, unemotional artworks, embracing a quietist aesthetic, turn out to set off an intensely emotional experience.

From ‘’Exactitude : Hyperrealist Art Today ‘’ by John Russell Taylor, edited by Maggie Bollaert.

PEINTURE

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PEINTURE

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1Legs Huile sur toile 97 x 162 cm © www.plusonegallery.com

2Coke Trilogy Huile sur toile 97 x 195 cm © www.plusonegallery.com

3Silver Marble Huile sur toile 81 x 116 cm © www.plusonegallery.com

4Hot Day III Huile sur toile 120 x 170 cm © www.plusonegallery.com

5Louboutin & Cavalli Huile sur toile 81 x 130 cm © www.plusonegallery.com

6Triumph Huile sur toile 114 x 162 cm © www.plusonegallery.com

www.plusonegallery.com

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Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

Cerise Doucede Cerise Doucede est née à Toulon en 1987. Après des études supérieures de graphisme, elle découvre la photographie qui était au départ un simple outil pour fixer ses réalisations. Peu à peu, celle-ci est devenue le but même de ses créations.

La photographie est pour elle un moyen de mettre en forme ses rêves éveillés, de créer un univers qui lui est propre. Elle s’est passionnée pour la mise en scène, la création d’installations dans lesquelles les objets prennent vie. Montrer l’invisible, révéler les pensées, les émotions est devenu son leitmotiv.

En donnant forme à ses propres visions, elle retranscrit sa version du réel et sublime les moments les plus ordinaires. Les objets prennent alors vie autour d’un ou plusieurs personnages, dans des lieux intimes, à des moments clés de la vie de tous les jours, comme les repas par exemple. Elle réinvente ainsi l’art du portrait, en concevant des environnements qui foisonnent d’objets suspendus dans l’espace, comme autant de pensées virevoltantes, propres à exprimer une part de la personnalité de chacun.

Cerise Doucede a été élue lauréate, au côté de Noémie Goudal, de l’édition 2013 du Prix HSBC pour la Photographie. Depuis 1995, le Prix HSBC s’engage à promouvoir, de façon durable, la génération émergente de la photographie. Il accompagne et soutient ses deux lauréats en publiant avec Actes Sud leur première monographie et en organisant une exposition itinérante de leurs œuvres dans quatre lieux culturels réputés.

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L’artiste qui suspend le temps.

Cerise Doucede was born in Toulon in 1987. Photography was at first a simple tool to achieve her work in the scope of her graphics college degree. It then slowly became the purpose of her work. Photography is her way of putting into shape her dreams and creating a universe of her own. She developed a passion for mise en scene that is creating installations in which objects take life. Showing the unseen, revealing thoughts and feelings became her leitmotiv.

By embodying her own visions, she manages to convey her version of reality and this way sublimates the most ordinary moments. She gives life to objects, around one or several characters, in intimate places, during the key moments of our daily life. She reinvented the art of portrait by conceiving unique environments full of floating objects as well as many circling thoughts that suit each model’s personality.

Cerise Doucede won, jointly with Noémie Goudal, the 2013 HSBC Photography Award. Since 1995, this award has been committed to durably promoting the emergent photographer generation. It accompanies and supports its two prizewinners by publishing alongside with Actes Sud their first monograph, and organizing an itinerant exhibition of their works in four well-known cultural sites.

PHOTOGRAPHIE

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

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Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

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PHOTOGRAPHIE

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

www.cerisedoucede.fr

Série Égarements - 2010-2012 © Cerise Doucede

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INSTALLATION

Cinq cercles concentriques noirs « F.V. », Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, Paris

Felice Varini

Cinq cercles concentriques noirs « F.V. », Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, Paris

Tout est une question de point de vue !

En général, Felice Varini parcourt le lieu en relevant son architecture, ses matériaux, son histoire et sa fonction. À partir de ses différentes données spatiales et en référence à la dernière pièce qu’il a réalisée, il définit un point de vue autour duquel son intervention prend forme.

Felice Varini generally roams through space noticing its architecture, materials, history and function. From all this data and referring to the last piece he produced, he then picks a specific vantage point from which his work will be shaped.

Il appelle point de vue un point de l’espace qu’il choisit avec précision : il est généralement situé à hauteur de ses yeux et localisé de préférence sur un passage obligatoire, par exemple une ouverture entre une pièce et une autre, un palier, etc. La forme peinte est cohérente quand le spectateur se trouve à cet endroit. Lorsque celui-ci sort du point de vue, le travail rencontre l’espace qui engendre une infinité de points de vue sur la forme.

The vantage point is carefully chosen: it is generally at his eye-level and preferably located alongside an inevitable path, for instance a hall between two rooms, a landing, etc. The painted form will be consistent when the viewer stands there. When he moves away, the form meets with space, generating infinite vantage points on it.

S’il établit un rapport particulier avec des caractéristiques architecturales qui influent sur la forme de l’installation, son travail garde toutefois son indépendance quelles que soient les architectures qu’il rencontre. Il part d’une situation réelle pour construire sa peinture. Cette réalité n’est jamais altérée, effacée ou modifiée, elle l’intéresse et elle l’attire dans toute sa complexité. Il a pour habitude de travailler « ici et maintenant ».

If he establishes a particular relation to architectural features that influence the installation, his work keeps its independence whatever architectural spaces he encounters. He starts from an actual situation to structure his painting. Reality is never altered, erased or modified: It interests and seduces him in all its complexity. He works « here and now ».

Retrouvez Felice Varini du 28 Juin au 1er Septembre 2013. Grande Exposition rétrospective, la HAB Galerie invite l’artiste à « rejouer » ses œuvres qui ont particulièrement compté dans son parcours jusqu’à nos jours.

www.varini.org 48

www.levoyageanantes.fr

1.

Berndnaut Smilde Berndnaut Smilde vit et travaille à Amsterdam. Il a été exposé à travers toute la Hollande et également à Toronto, Taipei, Istanbul, Dublin, Paris, London, Rotterdam et San Francisco. Plus tôt en 2013, il a ouvert sa première exposition solo à grande échelle aux États-Unis à Land of Tomorrow, Louisville, dans le Kentucky. Les œuvres de Smilde résident notamment dans les collections Saatchi et Smithsonian.

Berndnaut Smilde produit des images saisissantes de nuages « réels » suspendus dans des pièces vides. En utilisant une machine à brouillard, il ajuste soigneusement la température et l’humidité pour produire des nuages, juste assez longtemps pour les photographier. Il y a un aspect unique et éphémère dans ces œuvres où le photographe capture un très bref instant avant que le nuage ne se dissipe et disparaisse aussi mystérieusement qu’il s’est formé.

Son choix en matière de lumière et de point de vue lui permet de représenter physiquement le nuage. Smilde a commencé à travailler avec un médium appelé aérogel, constitué à 99,8 % d’air ; il s’agit de la matière solide la plus légère au monde.

www.berndnaut.nl 50

La tête dans les nuages Berndnaut Smilde lives and works in Amsterdam. He has exhibited across the Netherlands and also in Toronto, Taipei, Istanbul, Dublin, Paris, London, Rotterdam and San Francisco. Earlier in 2013, he opened his first big solo exhibition in the US at Land of Tomorrow in Louisville, Kentucky. Smilde’s work resides in both the Saatchi and the Smithsonian collections, among others.

Berndnaut Smilde creates striking images of ‘real’ clouds suspended in the air within empty rooms. Using a fog machine, he carefully adjusts temperature as well as the level of humidity to produce clouds that last long enough to be photographed. The photographer captures a very brief moment before the cloud fades away as mysteriously as it was created, adding to his work a unique temporary aspect. His choice of lighting and point of view enables him to create a real-aspect cloud. Besides, Smilde has started working with a material called aerogel. It consists of 99.8% air and it is the lightest solid material on earth.

www.ronchinigallery.com

INSOLITE

2.

3.

1Nimbus LOT - 2013 125 x 186 cm Courtesy the artist and Ronchini Gallery

2Nimbus Cukurcuma Hamam II - 2012 Impression sur dibond 125 x 184 cm Courtesy the artist and Ronchini Gallery Photo Onur Dag

3Nimbus NP3 - 2012 Impression digitale sur dibond 125 x 185 cm Courtesy the artist and Ronchini Gallery

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Monika Grzymala Le travail de Monika Grzymala prend comme point de départ les limites du dessin comme intermédiaire : l’espace architectonique tridimensionnel et la matérialité du papier. La galerie Crone a le plaisir de présenter les nouvelles oeuvres sur papier et spatiales de l’artiste, qui explorent et repoussent les limites du dessin.

Au rez-de-chaussée, un dessin spécifique dans l’espace du site s’ouvre au spectateur de manière à ce qu’il puisse y pénétrer. À partir de kilomètres de bandes noires, Grzymala a créé un élément dévorant l’espace et qui devient une entité indépendante de la galerie. D’une façon remarquable, l’artiste réalise cela de manière à ne pas écraser l’espace, mais à ce que l’œuvre définisse son propre environnement. Malgré la densité et la noirceur monochromatique du dessin spatial, celui-ci exhale la légèreté et semble flotter. « Aerial » signifie une vue du dessus ; une vue depuis laquelle les œuvres de Grzymala apparaissent comme des paysages fictifs composés de lignes et de nœuds qui progressent sur la structure en papier indisciplinée réalisée à la main.

L’artiste a affirmé une fois que dessiner c’était laisser sa main être guidée par la pensée. L’exposition « Aerial » nous fait faire l’expérience d’un moyen tactile de voir, penser et traduire le dessin d’une manière physique.

www.t-r-a-n-s-i-t.net 52

www.cronegalerie.de

Du dessin en 3D !

Monika Grzymala’s work takes as its point of departure the limits of the medium of drawing: the three dimensional architectonic space and the physical materiality of paper. Galerie Crone is pleased to present the artist’s newly developed works on paper and spatial drawings that explore and expand the limits of drawing.

On the ground floor a site-specific drawing in space opens up to the beholder as an image-space that can be entered. Out of many kilometers of black tape Grzymala created a space-consuming lineament that becomes an independent entity in the gallery space. In an outstanding way the artist accomplishes not to overwhelm the space but to make a gesture that defines its own place. Despite the density and the monochromatic blackness of the spatial drawing it emanates an air of weightlessness.

“Aerial” also means view from above; a view from which Grzymala’s works appear as fictional landscapes composed of lines and knots that protrude out of the fractious structure of the handmade paper. The artist once said that drawing is hand-guided thinking. The exhibition “Aerial” makes us experience a tactile way of seeing and thinking and renders drawing as a physical experience.

Expositions actuelles : Monos Meros, Hamburger Kunsthalle du 26 Mai au 25 Août 2013 Exposition solo à la Bibliothèque Morgan à New York du 18 Juillet au 3 Novembre 2013

INSTALLATION

DANIEL Arsham

STORM

En août 1992, Daniel Arsham a réchappé d’un gigantesque ouragan à Miami. C’est ce terrible événement qui a inspiré cette exposition intitulée STORM. Témoin des conséquences dramatiques et désastreuses de la nature et de son impact sur les constructions humaines, Arsham a réalisé une nouvelle série de ses interventions architecturales manifestante sa capacité à provoquer de l’inattendu par l’architecture.

Dans la plupart ces œuvres, Arsham exploite l’énergie destructrice observée lors du cyclone et la soumet a des usages singuliers et fertiles, créant ainsi un contexte étrange à travers des perceptions aberrantes : un mur recouvre tel un drap un personnage (Hiding Figure).

Créant des possibilités à partir de ruines, les peintures et sculptures d’Arsham semblent suspendues dans le temps, offrant une interprétation similaire à celles des paysages de Nicolas Poussin ou Hubert Robert.

View of the exhibition «Reach Ruin» at The Fabric Workshop Museum Philadelphia (USA) in 2012 Daniel Arsham « Wrapped Figure » 2012 Fiberglass, paint, joint compound, mannequin, fabric and shoe 200 x 250 x 38 cm/6.6 feet x 8.2 feet x 15 inches Courtesy Pippy Houldsworth Gallery, London

Galerie Perrotin – Paris In August of 1992, Daniel Arsham was nearly killed in a hurricane in Miami.

This experience has provided him with the initial inspiration for this exhibition named STORM. Witnessing the dramatic and destructive possibilities of nature and its impact on human constructions, Arsham has created a new series of his architectural interventions that enhance his ability to make architecture perform the unexpected.

In most of his show, Arsham takes the destructive energy he observed in the storm and transforms it into new and imaginative purposes, creating an uncanny context through aberrant/stunning/flabbergasting perceptions: a wall blows over a figure as if it were a sheet (Hiding Figure).

Creating possibilities out of ruins, Arsham’s paintings and sculptures seem to float in time, giving a similar interpretation as in Nicolas Poussin and Hubert Robert landscapes.

www.danielarsham.com www.perrotin.com 53

1.

Galerie GZ

Street Art

GZ Galerie est un espace dédié à l’art, couvrant la période de 1950 à nos jours, elle devient le rendez-vous incontournable pour les collectionneurs et amateurs d’Art contemporain sous toutes ses formes.

Elle s’emploie à sélectionner avec la plus grande exigence les œuvres qu’elle juge les plus significatives des artistes suivants : Robert Combas, Victor Vasarely, Bernard Venet et Jacques Villeglé, pour ne citer qu’eux.

Ayant depuis l’ouverture de la galerie défendu le mouvement du Street Art à travers des artistes comme Futura 2000, Rammelzee, Toxic, Crash ou encore JR ; George Zorgbibe est aujourd’hui l’expert dans ce domaine auprès de l’Alliance Européenne des experts.

Située au cœur du 8ème arrondissement à quelques pas de la place Beauvau, du Bristol et de l’avenue Matignon, GZ Galerie s’adresse aux collectionneurs avec lesquels elle entretient des liens privilégiés de confiance à long terme.

GZ gallery is a place dedicated to art from 1950 to nowadays. It has now become an unavoidable rendez-vous for all the collectors and contemporary art lovers.

The gallery strives to select the most significant works of the following artists: Robert Combas, Victor Vasarely, Bernard Venet, and Jacques Villeglé to name a few.

Since the opening of the gallery, they have stood up for the Street Art movement through different artists such as Futura 2000, Rammelzee, Toxic, Crash or even JR. Today, George Zorgbibe, alongside the European Alliance of Art Experts (AEE), is an expert in this field.

Located at the heart of Paris, in the 8th district and steps away from square Beauvau, Bristol, and Matignon Avenue, GZ gallery talks to collectors with whom it has had a long-term trustworthy relationship.

www.galeriegz.fr 54

PEINTURE Rammellzee Rammellzee, né en 1960 à New York et mort à Far Rockaway (Queens) le 27 juin 2010, est un artiste pluridisciplinaire américain. Il a commencé sa carrière de writer en 1974, ses cibles favorites étaient les stations de métro qu’il bombait. Il réalise des performances et s’exprime à travers différents médiums : la peinture, la sculpture et la musique. À travers sa peinture il cherche à illustrer le Hip Hop, ainsi, pour lui, le scratch n’est rien d’autre que le principe d’enluminure appliqué au son. Peintre sur toile, développant ce qu’il nomme le Gothic Futurism et l’Ikonoklast Panzerism, mélanges de calligraphies, collage, signes et traces, il est surtout un fameux musicien.

Rammellzee 2.

Rammellzee was an American multidisciplinary artist who was born in 1960 in New York and died June 27th, 2010 in Far Rockaway (Queens). He began his career as a “writer” in 1974, spray-painting subway stations, his favorite spots. His performances were first-rate and Rammellzee was expressing himself through different means: the painting, the sculpture and the music. He tried to illustrate the hip-hop culture through his paintings so in his mind, scratching was nothing but the principle of illumination applied to sound. He painted on canvas, developed what he called Gothic Futurism and Ikonoklast Panzerism: a mix between calligraphy, collage, signs and tracks; but he mostly was a famous musician.

Ash Son travail, chargé de réflexions sur la nature humaine, oblige le spectateur à s’interroger sur les sujets qu’il évoque. Problèmes sociaux, espace urbain, nature, quête de l’identité, contre-culture. Avec son style qui nous interpelle et son utilisation de figures aux allures vertigineuses qu’il adapte sur différents supports : murs, papier ou verre, ASH a développé une nouvelle signature dans laquelle il ne cesse de se renouveler. Son travail a été présenté dans le monde entier, de Tokyo à Berlin en passant par New York.

Ash His work is loaded with reflections on human nature, and gets the public to wonder about the subjects he is alluding to: Social problems, urban space, nature, identity quest, and counterculture. With his striking style and the use of vertiginous figures he adapts on different surfaces – walls, paper, glass – ASH developed a new signature work which he never stops renewing. His works were exhibited all over the world, from Tokyo to Berlin through New York.

3.

1JayOne True – 2009 Acrylique sur toile

2Rammellzee Lust Technique mixte sur papier 47 x 80 cm

3Victor Ash DJ and horses – 2007 Pochoir acrylique sur toile 125 x 100 cm

Jay One Né en Guadeloupe en 1976, JAY ONE Ramier, développe sa créativité dès son plus jeune âge. Son style élaboré au fil des années allie travail calligraphique, 3D, personnages et mises en scène. L’équilibre de ses compositions repose sur un subtil jeu de gestion de l’espace, des vides et des accumulations, des matières, des pans se superposant. Son travail regroupe une déstructuration des courbes et des couleurs. Le graffiti laisse place à l’art contemporain.

Jay One Born in Guadeloupe in 1976, JAY ONE RAMIER has developed his creative skills since his youngest age. His elaborate style has over the years combined calligraphic work, 3D, characters and set-ups. The balance of his compositions lies on a subtle game of space and accumulation management, materials, overlapping pieces. His work includes a deconstruction of curves and colors: Graffiti is being replaced by contemporary art.

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PEINTURE Futura 2000 Chef de file du « Graffiti Abstract », il est le premier à réaliser un « whole-car » (wagon complet) sans lettrage.

La singularité de son trait aussi fin qu’un pinceau et sa maîtrise de l’aérosol participent à son ascension dans le monde des graffeurs et dans celui de l’art contemporain.

Sa carrière va en effet illustrer le tournant décisif des années 70 et 80 où le graffiti intègre le paysage culturel new-yorkais en s’exposant dans les galeries du Bronx, du East Village et du Lower East Side.

Futura 2000 Leader of «Graffiti Abstract», he was the first one to realize a “whole-car” without any letters. His singular ability to draw lines as fine as a brush would and his aerosol can control participate in his ascent within the graffiti artist and the contemporary art worlds. His career is going indeed to illustrate the decisive bend of the 70s and 80s when graffiti was an integral part of New York’s cultural landscape and was exhibited in galleries at the Bronx, East Village and the Lower East Side.

Futura 2000 One of seven – 2007 Acrylique sur toile 152 x 91 cm

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bulthaup b3 suit des convictions, et non des tendances éphémères. bulthaup unit précision et cuisine hautement personnalisée.

L’amour du détail joue un rôle tout aussi important que le concept architectonique global, ce qui fait de chaque cuisine bulthaup une œuvre absolument unique, pour un travail sur mesure authentique, parfaitement adapté à l’espace et à tous ses occupants.

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FABRICE PRENAT

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2.

Street Art

Cet autodidacte moniteur de tennis et directeur sportif au Tennis club de Michon St Étienne est fasciné par les subtilités des expressions et la singularité des visages. Sa préférence va souvent aux traits marqués par le passage du temps, laissant transparaître les émotions passées en filigrane.

This self-taught, tennis instructor and sports director in the Tennis club of Michon St Etienne is fascinated by the subtleties of the expressions and the peculiarity of faces. His preference often goes to the lines marked by the passage of time, letting show through the past implicit feelings.

Il découvre le graffiti à l’âge de 16 ans et peint ses premiers portraits en noir et blanc à la bombe. Il travaille désormais sur des toiles carrées (de 80 à 150 cm de côté) avec différents médiums : peinture à l’huile, acrylique, bombe, poscas.

He discovers the graffiti at the age of 16 and paints his first portraits in black and white with spray paint. He works from now on square paintings (from 80 to 150 cms aside) with various mediums: oil paint, acrylic, spray paint, poscas.

Ses portraits en noir et blanc des idoles de la culture (musicale, cinématographique ou picturale) sont associés à des citations et des réinterprétations de célèbres œuvres d’art. Le spectateur peut alors s’interroger sur la création, la société de l’image et la personnalité des modèles.

His portraits in black and white of the idols of the culture (musical, film or pictorial) are associated to quotations and re-interpretations of famous works. The spectator can then wonder about the creation, the company of the image and the personality of the models.

2011 - 2013 : Rejoint l’exposition permanente de la galerie Art Génération à Paris 2012 : Récompensé par le 2ème prix du concours Graffik’art organisé par la Fédération Vaudaise 2011 : Exposition sur le thème de l’émotion aux Caveaux des arts à Saint Galmier 2011 : Récompensé par le 1er prix du jury dans la catégorie huile/acrylique et le 1er prix du public de la Fête des peintres de Saint-Galmier 2011 : Récompensé par les 1ers prix du jury et du public

2011 - 2013 : Joins the permanent exhibition of Art Génération’s Gallery to Paris 2012 : Rewarded by the 2nd prize of the competition Graffik’ art organized by the Federation Vaudaise 2011 : Exhibition on the theme of the emotion in the Vaults of the arts to Saint Galmier 2011 : Rewarded by the first prize of the jury in the oil / acrylic category and the 1st prize of the public of the Party of the painters of Saint-Galmier 2011 : Rewarded by the first prizes of the jury and public

1Pourquoi pas toi, hommage a Warhol Technique mixte sur toile 120 x 120 cm

2Love, hommage a keith haring Technique mixte sur toile 100 x 100 cm

PEINTURE

1.

Ernest Zacharevic Ernest Zacharevic est un jeune et éminent artiste lithuanien. Il a gagné une reconnaissance sur le plan international grâce à sa série de street painting réalisée avec des objets en 3D à George Town, en Malaisie, où il a été chargé de réaliser une oeuvre rendant hommage au patrimoine de la vieille ville de Penang, pour le festival de George Town en 2012. Après beaucoup de recherches, Ernest crée des peintures murales qui reflétaient la vie quotidienne de George Town et mettaient en évidence l’atmosphère particulière de cet espace classé au patrimoine de l’UNESCO. Devenues incontournables pour les habitants de la ville et leurs visiteurs, ces oeuvres susciteront toujours une file d’attente pour être prises en photo ! « Protect what’s behind you » est un projet collaboratif pour Toyota, mis en oeuvre par Ernest Zacharevic et l’agence creative Happiness-Brussels en Belgique. Sur les murs du parking Q-parc Lepage à Bruxelles, Zacharevic a réalisé six peintures 3D uniques, représentant des jeux pour enfants. Le réalisme est d’autant plus fort qu’il est renforcé par des objets réels, intégrés aux oeuvres comme un chariot, un tricycle ou encore une balle. Le résultat est une série dynamique d’installations trompe-l’oeil avec lesquelles les conducteurs pourraient entrer en collision s’ils ne prennent pas garde.

Ernest Zacharevic est actuellement basé à Penang, en Malaisie. Artiste à temps plein, il crée aussi bien dans la rue qu’en studio. Une exposition personnelle est prévue pour décembre prochain, il participera également au Festival Nuart en Norvège et au Festival d’Art de rue à Vilnius, en Lithuanie.

1George Town 2012

2.

Street Painting Ernest Zacharevic is a young and upcoming Lithuanian artist. A series of street paintings made of 3D objects he made in George Town, Malaysia gave him international recognition. While he was there, he was commissioned to create a piece of art for the 2012 George Town Festival that would pay tribute to the heritage of Penang’s old town. After much research, he painted on walls scenes that reflected the daily life in George Town and highlighted the particular atmosphere reigning in this World Heritage zone. As the murals became a hit for locals and visitors, there is always a line to take pictures!

Ernest Zacharevic and creative agency Happiness-Brussels from Belgium set up “Protect what’s behind you”- a collaborative project for Toyota. Zacharevic also made six unique 3D street paintings representing kids games in a parking lot in Brussels. Realism is all the more enhanced since real objects are part of the paintings: a shopping trolley, a tricycle or even a ball. These dynamic trompe-l’oeil seem so real drivers need to be cautious in order to avoid them.

Ernest Zacharevic lives in Penang, Malaysia and continues to work as a full-time artist both in his studio and in the streets. His exhibition is scheduled for this coming December. He will also go to the Norwegian Festival Nuart in 2013 and the Street Art Festival in Vilnius, Lithuania.

www.zachas.com 2Brussels 2012

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Somewhere I Belong, 074 – 2007 Feuilles A4 76 x 76 x 43 cm

Choi Yun-Woo

Des magazines s’il vous plaît !

Après des années d’errance philosophique et physique au travers de livres et de séminaires, Choi s’est rendu compte qu’il était la clé pour faire quelque chose à partir de rien. Il se compare à un archéologue ; il décrit la vie d’un artiste comme un processus de découverte de soi. En effet, l’art de Choi est comparable à la délicatesse du pinceau de l’archéologue lorsqu’il exhume un fossile et à l’ardeur de son eurêka !

After years of wandering through philosophy and physics books and seminars, Choi realized that he himself was the key to making “a big something out of too much nothing.” He compares himself to an archeologist; he describes the life of an artist as a process of “discovering and excavating oneself.” In fact, Choi’s art consists of both the delicacy of an archeologist’s brush as he exhumes a fossil and the vehemence of his eureka! moment.

Le processus créatif de Choi peut être divisé en trois étapes. D’abord, il passe deux à trois jours seul dans l’espace d’exposition. Pendant la deuxième étape, il commence la production avec l’aide de nombreux assistants. L’étape finale est l’installation véritable de l’oeuvre. Durant la seconde étape il coupe, roule et traite les journaux avec de la résine : c’est à ce moment que la délicatesse de l’artiste et de ses assistants est la plus sollicitée.

Choi’s process can be divided into three stages. First, he spends two to three days alone in the exhibition space. Then, the production stage begins with the help of numerous assistants. The final stage is the actual installation of the artwork. It is in the second stage, which consists of cutting out, rolling in, and resin-processing newspapers, that the artist and his assistants’ finesse is the most required.

L’artiste dessine pendant les deux ou trois jours d’étude spatiale, mais il est susceptible d’être modifié durant l’étape d’installation finale. La musique est une variable importante dans ces changements.

The artist draws up during his first two or three days of space study, but it can be subject to change at the final installation stage. Music plays a major role in these changes.

www.yunwoochoistudio.com 60

INSOLITE

Somewhere I Belong, The Hole 01 – 2006 Magazines 2,5 x 2,5 x 4,5 m

Op. 68 - 2013 Journaux, résine, lanternes 9 x 3 m

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INSOLITE

Autoportrait Papier, Pigment, Bois, Vis et Acrylique sur Forex © Galerie Lazarew

Samuel

Autoportrait détail Papier, Pigment, Bois, Vis et Acrylique sur Forex © Galerie Lazarew

Ça pixélise !

Samuel, né le 16 mai 1973, vit et travaille à Dunkerque. Après plusieurs expositions en France et à l’étranger entre 1995 et 2007, c’est en 2011 qu’il se consacre intégralement à sa nouvelle recherche picturale. Il fixe des images qui lui sont chères, les fragmente et les déforme à l’aide de milliers de bûchettes de bois peints émergeant de la toile.

Samuel, born on May 16th, 1973, lives and works in Dunkirk. After several exhibitions in France and abroad between 1995 and 2007, it is in 2011 that he dedicates himself entirely to his new pictorial research. He fixes images which are dear to him, splits up them and deforms them by means of thousands of sticks of wood painted which emerge from the painting.

Les images se projettent alors vers le spectateur qui, obligé de tourner autour de l’oeuvre, de reculer ou de s’en approcher pour les visualiser, prend le temps de les faire siennes. La notion du temps est d’autant plus présente que chaque pièce est le fruit d’un long travail de patience et de précision. Entre 2000 et 7000 bûchettes de bois, peintes puis vissées une à une, entrent dans la composition de chaque oeuvre.

The images then emerge towards the spectator who, obliged to turn around the work, to move back or to approach it to visualize them, takes time to own them. The notion of time is present all the more as every work is the fruit of a long work of patience and precision. Between 2000 and 7000 sticks of wood, painted then screwed one by one, enter the composition of every work.

Samuel ne met pas pour autant de côté l’instinct et le jeu lors de la disposition des bûchettes ; d’ailleurs, il revendique son côté enfantin dans le désir de posséder, d’amener vers soi ses sujets, les étirant en de superbes architectures colorées, qui se dévoilent à mesure que l’on s’imprègne des oeuvres.

A l’occasion de l’exposition Galerie Lazarew : 3 ans !, il montrera pour la première fois à Paris les impressionnants portraits de ses maitres (Basquiat, Warhol, Bacon), issus de ses dernières réflexions sur l’idolâtrie.

Samuel does not put aside for all that the instinct and the game during the arrangement of sticks; besides, he claims his childish side in the desire to possess, to bring towards one his subjects, stretching them in magnificent colored architectures, which come to light as we imprint his works.

On the occasion of the exhibition Gallery Lazarew: 3 years! Will be shown for the first time in Paris the impressive portraits of his masters (Basquiat, Warhol, Bacon), stemming from its last reflections on the idolization.

www.galerie-lazarew.fr 62

RESTAURANT - NAVETTE BATEAUX - PONTON BOUTIQUES - LOCATION TRANSATS - MASSAGES...

Moorea Plage à St Tropez, une plage où vous pouvez déjeuner les pieds dans le sable!

Moorea plage, un demi siècle d’histoire. Depuis1952 cette plage n’est rien d’autre qu’amitié, convivialité, joie de vivre et tradition.

CHEMIN DES MOULINS 83350 RAMATUELLE 04 94 97 18 17 info@moorea-plage.com www.moorea-plage.com

Blow Job ©TadaoCern

Tadao Cern

Blow Job ©TadaoCern

Dans l’air du temps

Tadao Cern est un photographe et artiste basé à Vilnius en Lituanie. Il est diplômé en architecture, mais au printemps 2010 il décide d’essayer quelque chose de nouveau et trouve ainsi sa voie dans le monde de la photographie.

Il a travaillé sur une série de portraits amusants dans laquelle de puissants souffles d’air sont dirigés sur le visage des sujets.

Tadao Cern is a photographer and artist based in Vilnius, Lithuania. He graduated in architecture, but in the spring of 2010 he decided to try something new and found himself in the world of photography. He has been working on a series of funny portraits where blasts of air are blown into the subject’s faces.

« N’ayez pas peur de changer quelque chose dans votre vie, parce que ce fut une de mes meilleures décisions. » affirme Tadao.

« Don’t be afraid to change something in your life, because that was one of my best decisions. »

He wanted to do something very fun for himself and the visitors, just laugh and have a good time. He was surprised that there were so many laid-back people who were not afraid to look funny. Spacious studio was bursting at the seams and everyone was crying with laughter, laughing at themselves and at each other. Everyone (and there were more than one hundred !) who dared to stand up in front of Tadao’s lens that evening will remember this photo shoot for a long time and have an extraordinary shot in his album.

Il voulait réaliser quelque chose de vraiment drôle pour lui même et pour les visiteurs, juste pour rire et passer un bon moment. Il fut surpris qu’il y ait autant de personnes à l’aise avec l’idée d’avoir l’air drôles. Le spacieux studio était rempli de gens pleurants de rires, se moquant d’eux-mêmes et des autres. Chaque personne (et ils étaient plus d’une centaine !) qui a osé se tenir face à l’objectif de Tadao, se souviendra de cette séance photo pendant un long moment et a désormais un cliché extraordinaire dans son album.

www.tadaocern.com 64

PHOTOGRAPHIE

Blow Job ©TadaoCern

Blow Job ©TadaoCern

Blow Job ©TadaoCern

Blow Job ©TadaoCern

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INSTALLATION

Anne Lindberg Drawn pink - 2012 Coton égyptien, agraphes 1067 x 183 x 305 cm Installation view at the Bemis Center for Contemporary Arts, Omaha, NE ©Anne Lindberg&Carrie Secrist Gallery, Chicago

Anne Lindberg Les sculptures et les dessins d’Anne occupent un espace non verbal faisant écho aux états humains primaires. Systématiques et non représentatives, ses œuvres sont subtiles, rythmées, abstraites et immersives. Avec ces récentes installations de la taille d’une pièce, elle a découvert un phénomène optique et spatial qui l’enthousiasme : une œuvre qui persiste en périphérie de notre champ de vision. L’œuvre fait référence aux systèmes physiologiques : comme un battement de cœur, une respiration, les connexions neuronales, l’équilibre ; ainsi qu’à des états psychologiques.

Elle en est venue à comprendre son travail comme un autoportrait. Son travail est un miroir sur sa manière d’expérimenter le monde et sur la façon dont elle négocie la réalité physique, optique et exprime ses idées à travers le dessin.

Anne revient souvent sur la subtile distinction entre le dessin comme un nom, un verbe, et la ligne directrice de son travail en studio. Cette différenciation floue l’amène avec fascination à une large définition des langages du dessin et à la réapparition de ce dernier dans l’Art Contemporain. L’ensemble de son travail est une itération de ce langage.

Sur le fil.

Anne’s sculptures and drawings inhabit a non-verbal place resonant with primal human conditions. Systemic and non-representational, these works are subtle, rhythmic, abstract, and immersive. In recent room-sized installations, she discovered an optical and spatial phenomenon that excites her as the work spans the outer reaches of our peripheral vision. The work references physiological systems – such as heartbeat, respiration, neural paths, equilibrium - and psychological states.

She has come to understand her work as a kind of self-portraiture. Her work is a mirror of how she experiences the world and as she negotiates physicality, optics and ideas through drawing languages. Anne frequently returns to subtle distinctions between drawing as noun and verb as a long held focus in her studio practice. This blurred distinction drives her fascination with an expanded definition of drawing languages and the resurgence of drawing in contemporary art. Her collective body of work is an iteration of this language.

www.annelindberg.com 66

Artiste Plasticien : Michel Froment . Conception graphique : Dinezine Design

Art Gallery TWO BE CHIC Saint-Tropez 5 bis rue Joseph Quaranta - Saint-Tropez - TĂŠl. +33 4 94 97 30 78 info@villa-prestige-service.com | www.villa-prestige-service.com

Foyer Africain – Flying Houses ©L.CHEHERE

Laurent Chehere

Aussi léger qu’une maison

Laurent Chéhère est un photographe français. Ce parisien est un ancien publicitaire qui décida un jour de quitter ce métier pour faire le tour du monde. À son retour, il choisit de vivre de ses deux passions : le voyage et la photographie. De Shanghai à Valparaiso, de Srinagar à Ushuaia, de La Paz à Bamako ou de Lhassa à Bogota, il va nourrir son imaginaire et nous livrer un regard sur le monde et les autres. Il aime explorer les villes, les banlieues, les pays ; comme il aime explorer tous les champs de la photographie, du reportage à l’image conceptuelle.

Laurent Chéhère is a French photographer. This former advertising executive decided one day to leave his job and travel the world. When he came back, he chose to live for his two passions: traveling and photography. From Shanghai to Valparaiso, from Srinagar to Ushuaia, from La Paz to Bamako through Lhasa and Bogotá, he kept nourishing his imagination and gave his look on the world and on the others. Chéhère likes exploring cities, suburbs, countries as much as he likes exploring all the photography fields, from photo coverage to conceptual images.

De son intérêt particulier pour l’architecture et les idées décalées va naître la série des maisons qui volent. Maisons réelles ? Maisons imaginaires ? Il essaye de nous montrer leur beauté cachée en les arrachant à leur anonymat et nous invite à partir. Cette série s’inscrit également dans un travail de mémoire des quartiers populaires parisiens comme Ménilmontant et Belleville où le photographe a passé son enfance et dont les immeubles anciens disparaissent un à un. En galerie, ces images sont exposées en grand format (120 x 120 cm), elles prennent alors tout leur sens, laissant à l’observateur curieux le soin de découvrir des détails qui exacerbent le réalisme (un graffiti, une inscription, un anachronisme, un personnage, un nom de rue, une fenêtre, une référence à un film, un musicien...) et qui suggèrent une double lecture : une histoire de loin et une autre de prêt.

His interest for architecture and off-the-wall ideas have brought him to the flying houses series. Are these houses real or fake? He tries to enhance their hidden beauty by extracting them from their anonymity and invites us to sail away. This series is also a work of memory regarding Parisian popular districts such as Ménilmontant and Belleville, where the photographer spent his childhood and where sadly, old buildings disappear one by one. In galleries, these pictures are exhibited in a large format (120 x 120 cm) allowing a curious audience to discover realist details (a graffiti, an inscription, an anachronism, a character, a street name, a window, a reference to a movie, a musician) that suggest a double-reading, a long story and a story so far.

www.laurentchehere.com

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Blanchisserie - Flying Houses ©L.CHEHERE

galerieparisbeijing.com

PHOTOGRAPHIE

Cirque - Flying Houses ©L.CHEHERE

Harmonie - Flying Houses ©L.CHEHERE

En feu - Flying Houses ©L.CHEHERE

Linge qui sèche - Flying Houses ©L.CHEHERE

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©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

Juan Francisco Casas Juan Francisco Casas (né en 1976) est reconnu comme l’un des plus talentueux artistes de la scène émergente espagnole. En 2010, ses œuvres sont présentées dans le cadre de l’exposition Réalisme, l’aventure de la réalité (Kunsthal Museum, Munich, Rotterdam, Emdem) aux côtés de G.Courbet, E.Hopper, A. Gursky.

Casas dessine des images qu’il capture, d’abord, avec son appareil photo.

Ses œuvres mettent en scène ses modèles, souvent dénudés, nous laissant apprécier ainsi des compositions empreintes d’une grande liberté et d’une insouciance affichée. Par ses cadrages singuliers et ses perspectives déroutantes, il nous offre son point de vue, sa présence suggérée, qu’il suspend au filet de l’encre bleue ou noire de son stylo bille.

Ses dessins, d’un réalisme troublant et saisissant, figent alors ces instants intimes entre justesse et virtuosité. Sa technique aussi précise qu’implacable captive puis séduit ; Juan Francisco Casas explore sans cesse de « nouveaux chemins », qui prennent toute leur dimension par sa technique du dessin.

Les dessins au Bic® de Juan Francisco Casas nous plongent dans un univers d’exubérance où se confrontent légèreté et rigueur.

Mieux qu’un pinceau : un stylo bille !

Juan Francisco Casas (born in 1976) is one of the most talented artists of the Spanish emergent scene. In 2010, his works were presented within the framework of the exhibition Realism, the adventure of the reality (Kunsthal Museum, Munich, Rotterdam, Emdem) alongside Courbet, Hopper, and Gursky.

Casas draws images he first captures with his camera. His works stage his models often bared, letting us appreciate an art marked with freedom and open frivolity. His simple framings and puzzling perspectives are giving away his point of view, his presence in the room with the model is being suggested, thanks to the blue (or black) ink of his pen.

His drawings are strikingly realistic, they freeze intimate moments juggling with accuracy and virtuosity. His meticulous and merciless technique captivates, then seduces; Juan Francisco Casas keeps investigating «news ways» that take all their dimension by his drawing technique. Juan Francisco Casas’ Bic ®Drawings immerse us into a universe of exuberance where casualness and rigor are playing side by side.

Galerie SEINE 51 51, rue de seine - 75006 Paris +33(0) 1 43 26 91 10 contact@seine.51.com Du mardi au samedi - 11h -13h / 14h30 - 19h30

www.seine51.com 70

1.

INSOLITE

©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

2.

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INSOLITE

©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

1Suckinggrandpa - 2011 Bic sur papier 66 x 102 cm ©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris 2Ifyoudon’tgiveadamnwedon’tgiveafuck No2 - 2013 Bic sur papier 200 x 140 cm ©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

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3.

©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

3Aquafan13 - 2010 Bic sur papier 180 x 140 cm ©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

4Berlinonmymind 3,(autoportrait) – 2013 Bic sur papier 102 x 66 cm ©Juan Francisco Casas / Galerie SEINE 51. Paris

4.

Une Nouvelle Sensation chez Bentley Lyon Une Nouvelle Sensation chez

Bentley Lyon

BENTLEY LYON 2 Chemin des Cuers, 69570 Dardilly, France. Tel : +33 4 72 29 12 29 - Port : +33 7 62 58 39 32 E-Mail : jean.balandras@passionautomobiles.fr www.lyon.bentleymotors.com

BENTLEY LYON

2 CheminChiffres des Cuers, 69570 Dardilly, France.

Tella: Continental +33 4 72 29 29 -enPort : +33 7 62 58 de consommation de carburant pour GT12 Speed l/100km : urbaine 22,239 ; 32 E-Mail : jean.balandras@passionautomobiles.fr extra-urbaine 10,1 ; combinée 14,5. Emissions de www.lyon.bentleymotors.com CO2 (g / km) : 338. Classe énergétique : G. La marque “Bentley” et son logo en forme de “B” ailé sont déposés. © Mars 2013 Bentley Motors Ltd..

Chiffres de consommation de carburant pour la Continental GT Speed en l/100km : urbaine 22,2 ;

BENTLEY LYON

BENTLEY LYON

PHOTOGRAPHIE

©Nick Meek courtesy Florence Moll & Associée

Nick Meek Nick Meek a étudié la photographie à Leeds, dans le West Yorkshire avant de passer un bref moment comme assistant à Londres pour un photographe publicitaire de New York. Passionné de voyages, Meek passe les quelques années suivantes à parcourir le monde et se constitue un portfolio de paysages et de natures mortes. Armé de son nouveau portfolio d’images originales et très colorées, il se rend à Londres, où il commence très vite à travailler pour Wallpaper, Esquire et Wired Magazine, en réalisant des campagnes publicitaires pour American Airlines, VW, BT, Marlboro, BA et PlayStation.

www.nickmeek.com 74

The Freaks Nick Meek studied photography in Leeds, West Yorkshire before spending a short time as an assistant in London for a New York-based advertising photographer. This avid traveler spent then a few years traveling the world and building a solid portfolio of landscapes and still-life studies. Thanks to his new portfolio full of quirky colored pictures he quickly started to work in London for Wallpaper, Esquire and Wired Magazine: He has shot advertising campaigns for American Airlines, VW, BT, Marlboro, BA and Playstation. He is represented by Levine/Leavitt in New York.

www.florencemoll.com

Dossier Special Monaco

1.

Nouveau Musée National Monaco L’ Art Contemporain à Monaco !

La naissance de l’art contemporain à Monaco coïncide sans doute avec l’arrivée de Serge Diaghilev et de ses Ballets russes entre 1909 et 1929, bien que Claude Monet y ait donné son premier essor en 1883. Dans leur sillage, des artistes comme André Breton ou Marcel Duchamp et ses célèbres « Bonds de Monaco » allaient peupler une ère de création intense en Principauté. La Deuxième Guerre mondiale ouvrait une parenthèse forcée de cet âge d’or... qui pourtant allait renaître avec l’arrivée en Principauté, dès 1946, de Francis Bacon.

The birth of the contemporary art in Monaco doubtless coincides with the arrival of Serge Diaghilev and his Russian Ballets between 1909 and 1929, although Claude Monet gave it his first development in 1883. In their trail, artists as André Breton or Marcel Duchamp and his famous « Bonds de Monaco « were going to populate an era of intense creation in Principality. The World War II opened a bracket forced by this golden age which nevertheless was going to be reborn with the arrival in Principality, from 1946, of Francis Bacon.

La Principauté manquait incontestablement d’un véritable Musée, espace d’expression de l’Art Contemporain. Ses bases en étaient jetées par Jean-Michel Bouhours auquel succédait en 2009 Marie-Claude Beaud, à la tête du Nouveau Musée National de Monaco (NMNM).

The Principality was unmistakably lacking a real Museum, a space of expression of the Contemporary Art. His bases were thrown by Jean-Michel Bouhours whom succeeded in 2009 Marie-Claude Beaud, at the head of the New National Museum of Monaco (NMNM).

À la même époque, Robert Calcagno prenait la tête du célèbre Musée océanographique de Monaco. Naissait alors une collaboration entre les deux institutions permettant la tenue d’expositions de renommée internationale : Damien Hirst (Cornucopia, 2010), Mark Dion (Oceanomania, 2011 – installation permanente). Parallèlement, le NMNM accueillait des artistes comme Thomas Demand (La carte d’après nature, 2011) ou Thomas Schütte (Houses, 2012, en coproduction avec le musée turinois du Castello di Rivoli).

At the same time Robert Calcagno took the head of the famous oceanographic Museum of Monaco. A collaboration between both institutions was then born which will allow the holding of exhibitions of international fame: Damien Hirst (Cornucopia, on 2010), Mark Dion (Oceanomania, on 2011 - installation perms). At the same time the NMNM welcomed artists as Thomas Demand (La carte d’après nature, on 2011) or Thomas Schütte (Houses, on 2012, in coproduction with the Turinese museum of the Castello di Rivoli).

Dans son travail de reconstruction de l’histoire de Monaco, le NMNM a pour politique, outre de faire découvrir un aspect patrimonial méconnu, d’inviter les artistes à travailler sur tous les aspects importants de Monaco et son territoire : danse, musique, arts du spectacle, science, recherche et archéologie. En juillet 2013, le NMNM accueillera une grande exposition de Erik Boulatov.

In its alteration work of the history of Monaco, the NMNM has for policy, besides to make discover an underestimated patrimonial aspect, to invite the artists to work on all the important aspects of Monaco and its territory: dance, music, performing arts, science, research and archaeology. In July, 2013, the NMNM will welcome a big exhibition of Erik Boulatov.

www.nmnm.mc 76

Dossier Special Monaco

2.

77

Dossier Special Monaco

3.

4.

1LE SILENCE Une fiction NMNM - Villa Paloma 2 février - 3 avril 2012 Vue d’exposition Tony Cragg et Geert Goiris Crédit photo : NMNM/Mauro Magliani & Barbara Piovan, 2012 2Katharina Fritsch Oktopus / Octopus - 2010 Polyester et peinture 21 x 45 x 60 cm L’artiste et Matthew Marks Gallery, New York © Katharina Fritsch / VG Bild-Kunst, Bonn & ADAGP, Paris Images Courtesy Matthew Marks Gallery

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3Vue d’exposition La carte d’après Nature Nouveau Musée National de Monaco - Villa Paloma © NMNM par Adrien Missika, 2010

4Vue d’exposition La carte d’après Nature Nouveau Musée National de Monaco - Villa Paloma © NMNM par Adrien Missika, 2010

WR AITH And the world stood still

Introducing Wraith – the most dynamic Rolls-Royce in history. Experience the power, style and drama for yourself.

Rolls-Royce Motor Cars Monaco - 7, Avenue Princesse Grace - 98000 MONACO Tel: +377 97 97 97 30 - Por t: +33 6 78 63 40 42 www.rolls-roycemotorcars-twelvemonaco.com

Š Copyright Rolls-Royce Motor Cars Limited 2013. The Rolls-Royce name and logo are registered trademarks.

Dossier Special Monaco

Philippe Pastor

De nouveaux territoires

Influencé par la compagnie de César, Antoni Clavé, Paul Rebeyrolle entres autres, l’artiste autodidacte, Philippe Pastor met en scène une vision personnalisée de la nature ; il travaille au contact de la nature, avec la nature, en interprétant l’interaction de l’homme avec la nature.

Influenced by the company of César, Antoni Clavé, Paul Rebeyrolle, among others, autodidactic artist Philippe Pastor creates a personalized vision of nature by working directly in nature and with nature, translating man’s interaction with nature.

Intéressé depuis toujours par l’art et l’environnement, il a développé une technique lors de son travail à son atelier à la garde Freinet en Provence-Alpes-Côte d’Azur. Il utilise des matériaux vivants et les transforme en faisant du temps et de son environnement immédiat un allié ; il mélange la terre, les pigments, les minéraux et plantes de toutes sortes, représentant ainsi sa vision de la vie, de la destruction de l’environnement et le rôle de l’homme dans la société.

La participation de l’artiste à la 52 ème et 53ème Biennale de Venise marque un tournant dans son œuvre. À l’occasion de la 53ème biennale, il inaugure le pavillon de la Principauté de Monaco ou il expose la série Le ciel regarde la terre. L’utilisation de multiples pigments mélangés à l’eau et travaillés à l’aide de la flamme oxhydrique crée une image impressionnante de destruction et met en œuvre des scènes qui dénoncent le chaos de la nature et de l’homme vu du ciel.

www.philippe-pastor.com 80

Always interested in art and in the environment, pastor developed a technique during the time spent at his atelier and home in la garde-freinet, in the region of provencealpes-cote d’azur. Using living matter and its transformation through time and immediate surroundings, combining soil, pigments, minerals and plants of all kinds, Philippe Pastor represents though his works, his vision of life, environmental destruction and man’s involvement in society.

The artist’s participation in the 52nd and 53rd Venice Bienniale, mark turning points in his work. In the 53rd Bienniale, he inaugurated the pavilion for the principality of monaco where he exhibited The sky is watching the earth series. The use of multiple pigments, mixed with water and oxy-hydrogen flames, create a vivid image of scenes that resemble satellite photographs of the earth and how it is being destroyed.

www.monacomodernart.mc

LEGEND - 18, RUE PRINCESSE CAROLINE MONACO - TEL. 00 377 93 30 02 55

Monaco fête Picasso – Exposition

1.

12 Juillet au 15 Septembre 2013, Forum Grimaldi

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Cet été, le Grimaldi Forum créé l’événement en produisant l’exposition « Monaco fête Picasso », un hommage rendu à l’occasion du 40ème anniversaire de la disparition de cet artiste mondialement reconnu. La volonté du Grimaldi Forum Monaco est d’offrir un regard inédit sur sa production artistique, révélant non seulement les liens privilégiés qu’il a entretenus avec la Côte d’Azur, mais également une sélection exceptionnelle d’œuvres majeures issues d’une collection privée remarquable.

This summer, the Grimaldi Forum has produced the exhibition «Monaco fête Picasso» (Monaco celebrates Picasso), paying a tribute on the occasion of the 40th anniversary of the artist’s passing. The Grimaldi Forum Monaco is willing to offer an unpublished look at his artistic work, revealing not only the privileged bond he had with the French Riviera, but also an exceptional selection of his major works that are coming from a remarkable private collection.

Deux ensembles thématiques illustrent cette exposition à travers plus de 150 œuvres : « Picasso Côte d’Azur » amènera les visiteurs autour d’Antibes-Juan-les-Pins, GolfeJuan, Mougins, Cannes, dans cette région qui a tant attiré Pablo Picasso l’été, entre 1920 et 1946, et où la lumière méditerranéenne, la mer et le littoral furent pour lui des sources directes d’inspiration.

Two thematic sets illustrate this exhibition through more than 150 works: «Picasso Côte d’Azur» will take the visitors around the region that attracted Pablo Picasso so much between 1920 and 1946: Antibes-Juan-les-Pins, Golfe-Juan, Mougins, and Cannes. The Mediterranean light, the sea and the coast were for him direct sources of inspiration.

« Picasso dans la Collection Nahmad » mettra en lumière les chefs-d’œuvre de l’artiste qui occupent une place essentielle dans cette collection unique au monde, de par son importance et sa qualité, constituée par Ezra et David Nahmad durant ces cinquante dernières années.

«Picasso dans la Collection Nahmad» will bring to light the artist’s masterpieces which are at the center of this unique collection that was done by Ezra and David Nahmad during these last fifty years.

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1Pablo Picasso Studio with Plaster Head, Juan-les-Pins - 1925 Huile sur toile, 98 x 131 cm Acquisition, 1964 Inv. 116.1964 New York, Museum of Modern Art (MoMA) © Succession Picasso 2013 © 2012. Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence.

4Pablo Picasso Femme couchée à la mèche blonde – 1932 Huile sur toile 130 x 162 cm Collection Ezra et David Nahmad © Succession Picasso 2013

2Pablo Picasso Composition, Cannes - 1933 Aquarelle, plume et encre sur papier marouflé sur carton 41 x 51 cm Collection privée © Succession Picasso 2013

5Pablo Picasso Homme à la pipe - 1968 Huile sur toile 130 x 97 cm Collection Ezra et David Nahmad © Succession Picasso 2013

3Pablo Picasso Minotaure à la carriole – 1936 Huile sur toile 45,5 x 54,5 cm Collection particulière Photo Maurice Aeschimann Genève © Succession Picasso 2013

6Pablo Picasso Femme à l’oiseau (Dora Maar) – 1939 Huile sur toile, 92 x 73 cm Collection Ezra et David Nahmad © Succession Picasso 2013

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Dossier Special Monaco

Bassin caresse : T. Ameller/ Musée Océanographique de Monaco

Musée Océanographique : Exposition «Requins» Depuis le 8 Juin, Journée mondiale des océans, le Musée Océanographique de Monaco propose à ses visiteurs une exposition sensorielle à la rencontre des requins. C’est à travers une nouvelle expérience de visite que le public est invité à vivre une véritable aventure pour dépasser ses préjugés et découvrir la vraie nature de ces seigneurs des mers.

Le parcours de visite débute tout naturellement par les aquariums et le Lagon aux requins, aquarium géant de 450 000 litres d’eau contenant plusieurs spécimens tels que l’imposant requin-nourrice de 3 m de long aux impressionnants requins à pointes noires ; en passant par de nouveaux pensionnaires, les requins gris de récif.

Durant cette exposition, plusieurs expériences sont proposées au public, comme une fresque interactive ou une « Galerie des sourires » qui propose aux visiteurs de découvrir les mâchoires de ces majestueuses bêtes. Enfin, pour initier une réconciliation entre l’homme et le squale, les visiteurs qui le souhaitent, peuvent glisser une main dans l’eau pour caresser le dos ou le flanc d’un requin Pyjama, d’un requin Léopard rayé ou d’une Émissole tachetée. Une expérience inédite !

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Since June 8th, world Day of the oceans, the Oceanographic Museum of Monaco proposes to its visitors a sensory exhibition on the meeting of the sharks. It is through the new experience of visit that the public is invited to live a real adventure to exceed prejudices and discover the real nature of these Lords of seas.

The route of visit begins quite naturally with aquariums and the Lagoon to the sharks, the huge aquarium of 450 000 liters of water containing several specimens such as the impressive shark nursemaid of 3 m of length to the impressive sharks in PointeNoire; by way of new boarders, the grey sharks of cliff.

During this exhibition, several experiences are proposed to the public, as an interactive fresco or a « Gallery of the smiles « which suggests to the visitors discovering the jaws of these majestic stupid. Finally, to introduce a reconciliation between the man and the shark, the visitors who wish it, can slide a hand in the water to caress the back or the side of a shark Pajamas, of a shark Leopard or of speckled Emissole.

A new experience!

Dossier Special Monaco

© 2012 Tour Odeon Monaco

© 2012 Tour Odeon Monaco

Tour Odéon Monaco Érigée majestueusement face à la Méditerranée, surplombant la Principauté de Monaco, la Tour Odéon élève l’art de vivre à un niveau de luxe inégalé. Conçue par une équipe ambitieuse et visionnaire – Groupe Marzocco, promoteur, Alexandre Giraldi, architecte, Alberto Pinto, décorateur – la double tour sera livrée en 2014. Avec ses 70 appartements, duplex et penthouse bénéficiant d’une gamme de services exceptionnelle, la Tour Odéon crée un degré ultime dans la résidence de luxe, à Monaco, comme à l’échelle mondiale. La tour Odéon vous offre l’opportunité unique de vivre au cœur du luxe suprême.

Depuis votre appartement de la Tour Odéon, vous serez à proximité immédiate des grandes adresses de Monaco, la Place du Casino, l’Hôtel de Paris ou l’Hermitage, établissement de renommée mondiale. Vous aurez le choix entre pas moins de cinq restaurants étoilés au Guide Michelin, parmi lesquels le Louis XV d’Alain Ducasse, triple étoilé et le restaurant de Joël Robuchon, deux étoiles. Dans les boutiques Carré d’Or, de l’avenue Princesse Grace et d’autres artères réputées de la Principauté, vous trouverez les dernières tendances de la mode et tous les grands noms du luxe.

Rising majestically above the azure waters of the Mediterranean and the captivating Principality of Monaco, Tour Odeon takes luxurious living to dazzling new heights. The collective vision of developper Groupe Marzocco, architect Alexander Giraldi and interior designer Alberto Pinto, the double tower of 70 exceptional serviced appartments, duplexes and a penthouse is due for completion in 2014 and will set a new gold standard in residential lifestyle- not just for Monaco but for the world. Tour Odeon offers a unique opportunity to live in the ultimate home.

Tour Odeon places its residents within a few minutes of Monaco’s landmark destinations, including Place du Casino, the world-famous Hôtel de Paris and Hôtel Hermitage. You can chosse from no less than five Michelin-starred restaurants including Alain Ducasse’s three-Michelin star Le Louis XV, or Joël Robuchon two-Michelin star, while shopping at the « Carré d’Or » boutiques and along the Avenue Princess Grace and other famous Monaco boulevards, will guarantee you the latest in fashion and all the famous names in luxury.

www.odeon.mc

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Michael Johansson Michael Johansson utilise des objets du quotidien que nous connaissons tous, mais d’une façon peu ordinaire. Guidés par la tendance générale à densifier le monde, les objets sont empilés de manière à créer un cube parfait, connecté à un lieu, où leur but sera de catalyser de nouvelles significations.

Des articles démodés compris dans la même gamme de couleurs sont assemblés à l’image d’une vie homogène et fictive, renforcée par notre imaginaire collectif : le paysage compressé d’un temps passé. Dans l’espace de rangement excessivement bien ordonné, chaque objet semble être une partie immuable d’un tout solide. Le nouvel ordre rigide éloigne les objets de leur utilisation première et nous invite dans un espace où se côtoient le familier et l’inconnu.

Confronté à ce concept dans l’espace public, le spectateur est face à une situation pouvant être perçue à la fois comme un incident étrange et un soigneux assemblage. Johansson a également une autre ligne directrice dans son travail. Comme un enfant, il est fasciné par l’assemblage d’objets en kits : il va donc transformer des objets du quotidien d’après ces modèles. Ces kits grandeur nature offrent une nouvelle vision de nos modes de vie actuels : la fonction l’emporte sur la fonctionnalité.

Un rangement artistique !

Michael Johansson deals with ordinary objects we all recognize, but in a way far from the ordinary. Driven by the agenda to develop the world, objects are morphed into precisely stacked rectangular shapes, connected to a certain place, where their original purpose are transformed into catalysts of new meanings.

Outdated items within the same colour range are reconstructed into a homogeneous image of a fictional life reinforced by our collective imaginary: the compressed scenery from a time gone by. Or the excessively well packed storage space where each object appears to be an immutable part of a solid whole. The new found rigid order separates the objects from their usage, and invites us to a shared space where the familiar meets the unfamiliar.

Engaging with this concept in the public space, the viewer is confronted with a situation that could both be perceived as either a very odd incident or as carefully put together. Johansson also has another guideline in his work.

Fascinated by assembling objects from model kits as a child, he transforms everyday objects into models of themselves. These life-size kits offer a novel commentary on today’s ways of living: displaying their function, while taking away their functionality.

www.michaeljohansson.com 90

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1Recollecting Koganecho – 2012 Yokohama – Japon Meubles, accessoires ménagers 4,5 x 1,8 m

3The Move Overseas – 2012 Containers, accessoires ménagers 6 x 7,8 x 2,4 m

2Dawn – 2013 Oslo – Norvège Sacs, boîtes, objets divers 80 x 80 x 80 cm (3)

4Tetris Witte de With – 2011 Rotterdam – Pays Bas Meubles, cabinets, réfrigirateur, piano éléctrique, boîtes, canapé, etc 1,6 x 10 m

© 2002 - 2013 Dschwen

David Schwen

Food Art Pantone

Pendant plus de dix ans, Schwen a été un designer et illustrateur basé à Minneapolis, mais il a consacré toute sa vie à la création artistique. En bon natif du Midwest qu’il est, il amène une vision enthousiaste et un travail acharné et éthique à tout ce qu’il fait.

For more than ten years, Schwen has been a Minneapolis-based designer and illustrator, but he has been creating art his whole life. As a native Midwesterner, he brings a fervent vision and an unstoppable work ethic to everything he does.

« Comme un designer, vous choisissez constamment des morceaux colorés que vous assemblez entre eux. Il y a quelque temps, j’avais eu l’idée de faire des éléments Pantone à partir d’objets ménagers – des éponges, du carton, etc. Mais, alors que j’achevais un projet d’affiche, j’ai regardé l’ensemble. J’ai immédiatement pensé à la manière dont les gens associent les aliments entre eux. C’est ainsi que j’ai inventé les paires Pantone. »

« As a designer, you’re constantly picking color chips and pairing them up with one another. A while back I had an idea of making Pantone chips out of real household objects - sponges, cardboard, etc. But while I was finishing up a poster design, I had taped two Pantone chips together to see how they looked together. Instantly I thought of how people pair food together. And that was how I came up with Pantone pairings. »

Un Pantone est un ensemble de couleurs standard destinées à l’impression, chacune étant définie par un numéro. Il est possible d’acheter un livre d’échantillons Pantone, contenant chaque couleur.

A Pantone is a set of standard colors for printing, each of which is specified by a single number. You can buy a Pantone swatch book containing samples of each color.

La vision de Schwen présente un large éventail : des hommes armés miniatures construisant des bonshommes de neige, à la récente série très appréciée : FoodArtPairing, laquelle associe des aliments allant ensemble (beurre de cacahuètes et gelée, pâtes et fromage ou encore cookie et lait).

Schwen vision runs the gamut from figures of tiny army men building snowmen to the recent much-acclaimed paint chip series-#FoodArtPairings-which matches foods that go together (peanut butter and jelly, macaroni and cheese, or cookies and milk).

www.dschwen.com 94

INSOLITE

© 2002 - 2013 Dschwen

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PHOTOGRAPHIE

Les copains, 2009

MARINE PALAYER Psychologue de formation, Marine Palayer fait reposer son travail sur le ressenti et sur l’émotion. C’est le souci permanent de la réalité instantanée et du naturel qui prédomine et les images sont « vraies », elles ne demandent pas de préparation, elles sont comme des rencontres… Des rencontres empreintes de gaité et de rythme.

Un travail pop, poudré, un univers féminin qui révèle des images instantanées, résultat d’un ressenti particulier à un instant « t ». Les images sont donc spontanées, avec le moins de contraintes techniques et de retouches possibles.

Tout est histoire de rythme, d’équilibre, et de surprises parfois, ce qui donne une dimension encore plus profonde et subtile à ses photographies ! Après 15 ans de stylisme-photo, elle met son souci du détail et de la good touch au service de ses envies et de son univers.

Ses photographies sont des partitions et les sujets en sont les notes ; il y a aussi des aigus, des graves, des silences et des doubles-croches…

Dansez maintenant !

Originally a psychologist, Marine Palayer’s work is based on what is felt and on emotions. It is reality’s permanent concern that prevails and the images are «true», they do not require any preparation, they are like meetings marked with rhythm and happiness.

Her imagery is spontaneous: Her pop art reveals a feminine universe which is the result of a particular moment. with least technical constraints and possible alterations. Everything is a question of rhythm, balance, and sometimes surprises, giving an even deeper and more subtle dimension to her photos! After 15 years of fashion photography, she pays attention to detail for her desires and her universe.

Her photos are like sheet music and the subjects are notes of all sorts: highpitched, low-pitched, silences and double quaver …

marinepalayer-photographie.com 96

INSTALLATION

photo by Job Janssen & Jan Adriaans

Giuseppe Licari L’installation spectaculaire de l’artiste sicilien Giuseppe Licari présente un réseau imaginaire de racines d’arbre qui semble transformer l’espace central de la TENT en un lieu mystérieux : les racines jaillissent du plafond comme si les arbres l’avaient traversé. Le titre de l’oeuvre est Humus, en référence à la couche du sol qui est essentielle pour la croissance des arbres et des plantes, mais qui est absente ici. Les relations entre l’humanité et la nature, la croissance et la décrépitude sont des thèmes majeurs dans le travail de Licari, faisant écho à l’Arte Povera.

Utilisant des matériaux divers, sa référence est constante à la nature et à l’environnement construit. Le public, invité pour participer, pour partager, pour éprouver et interagir, créant ainsi une mémoire collective, est le point central de son travail.

Humus – Secret Gardens The spectacular installation by Sicilian artist Giuseppe Licari presents a fanciful network of tree roots, which seem to transform TENT’s central space into a mysterious underworld: The roots are coming down from the ceiling as if the trees were growing above it. This work’s title is ‘Humus’, referring to the soil layer essential to the growth of trees and plants, but which, indeed, is absent here. The relationship between humankind and nature, growth and decay are central themes in Licari’s work, echoing Arte Povera.

He uses different materials constantly referring to nature and the artificial environment. Aiming at creating a collective memory, the public is invited to participate, share, experience and interact, becoming then the central point of his work.

Humus Secret Gardens, Tent Rotterdam 2012.

Installation spécifique sur un site avec des racines d’arbres Construction de plafond, racines d’arbres, lampes d’halogène.

www.giuseppelicari.com 97

PHOTOGRAPHIE

© www.fabianoefner.com

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© www.fabianoefner.com

© www.fabianoefner.com

Fabian Oefner Black Hole est une série d’images qui nous montre de la peinture modelée par la force centrifuge. La configuration est très simple : les diverses nuances de peinture acrylique sont placées sur une tige métallique, connectée à un foret.

Une fois allumée, la peinture se détache du foret grâce à la force centrifuge, créant ces structures étonnantes.

Le mouvement de la peinture s’effectue en un clin d’œil et les images que vous voyez sont prises une demi-seconde après que le foret ait été allumé.

Pour capturer le moment où la peinture a sa forme la plus distincte, Fabian a connecté un capteur au foret, envoyant ainsi des impulsions aux flashes. Ces unités spécialisées sont capables de créer ces flashes aussi courts qu’un 1 /40 000 de seconde, capturant alors le mouvement de la peinture.

Peinture centrifugée.

«Black Hole» is a series of images, which shows paint modeled by centripetal force. The setup is very simple: Various shades of acrylic paint are dripped onto a metallic rod, which is connected to a drill. When switched on, the paint starts to move away from the rod, creating these amazing looking structures.

The motion of the paint happens in a blink of an eye, the images you see are taken only millisecond after the drill was turned on. To capture the moment, where the paint forms that distinctive shape, Fabian connected a sensor to the drill, which sends an impulse to the flashes. These specialized units are capable of creating flashes as short as a 1/40000 of a second, freezing the motion of the paint.

www.fabianoefner.com 98

Réservé À UN CARRÉ DE CONNAISSEURS Domaine

La Rouillère VIGNOBLE DE LA PRESQU’ÎLE DE SAINT-TROPEZ

www.domainedelarouillere.com

l’abus d’alcool est dangereux pour la santé. à consommer avec modération.

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Florentijn Hofman Humour, émotion, impact maximum ; l’artiste de renommée internationale Florentijn Hofman (né en 1977) ne se contente pas de peu. Ses sculptures sont grandes, vraiment grandes et doivent nécessairement faire impression.

Prenez Rubber Duck (2007) par exemple : un gigantesque canard en plastique jaune de 26 mètres de haut. C’est une structure gonflable, basée sur le modèle que tous les enfants du monde connaissent. Cet impressionnant canard en plastique a voyagé à travers le monde, surgissant dans différentes villes telles que : Auckland et Sao Paulo à Osaka. Une ligne artistique positive qui cherche à connecter directement les personnes à leur enfance.

Les sculptures d’Hofman s’inspirent toujours d’objets du quotidien. Un simple bateau en papier, un pictogramme d’une zone industrielle ou un jouet fabriqué en série peuvent tous servir de source d’inspiration. Ce sont tous des ready-mades, sélectionnés par l’artiste pour la beauté de leur forme. La peau de Big Yellow Rabbit (2011), par exemple, est constituée de milliers de bardeaux suédois, c’est pourquoi les projets d’Hofman nécessitent souvent une importe main d’œuvre. Il défie la gravité grâce à son amour des matériaux et de sa profession.

Nous sommes tous des enfants !

Internationally renowned artist Florentijn Hofman (born in 1977) would not settle for less: good sense of humor, emotions, high impact. His sculptures are very big, and make an impression for sure. Take Rubber Duck (2007) for instance: a gigantic 26-metre-high yellow rubber duck. It is inflatable and based on the standard model children from all around the world are familiar with. The impressive rubber duck has traveled the world, popping up in many different cities: from Auckland to São Paulo and Osaka. This positive artistic statement immediately connects people to their childhood.

Hofman’s sculptures often originate from everyday objects. A mere paper boat, a pictogram of an industrial zone or mass-produced toy figures can all serve as a starting point. They’re all ready-made and are chosen for the beauty of their forms. For example, the skin of Big Yellow Rabbit (2011) is made of thousands of Swedish shingles, which is why Hofman’s projects require an important workforce. His love for materials and his job allow him to defy gravity.

Encountering one of Hofman’s extraordinary sculptures gets you to stand still for a moment and look; admire it and maybe take a picture if you’d like.

Une rencontre avec les extraordinaires sculptures d’Hofman vous invite à rester immobile un instant et à regarder, vraiment regarder et prendre une photo si vous le souhaitez.

www.florentijnhofman.nl 100

INSTALLATION

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1Rubber Duck – 2007 Sculpture gonflable, ponton et générateur 14 x 15 x 16,5 m Courtesy : Trey Ratcliff

2Big Yellow Rabbit – 2011 Orebro - Suède Béton, métal, bois et takspan 13 x 16 x 16 m Courtesy : Lasse Person

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INSOLITE

1JK697 Papier roulé, encre de calligraphie, colle 29 x 23 x 19 cm Courtesy Walker Contemporary

2JK721 Papier roulé, encre sumi, poudre de graphite, colle 111,8 x 30 x 23 cm Courtesy Walker Contemporary

Jae Ko

Paper sculpture

Les formes sensuelles et riches en couleurs de Jae Ko vous attirent immédiatement. Il utilise d’exquis matériaux afin de créer de puissantes œuvres qui n’ont pas d’égal. De près, la complexité du travail est révélée, couche après couche de ce papier teint roulé à la main. Les motifs qui en résultent produisent un rythme méditatif dans ce travail et un processus introspectif créé des formes abstraites.

Ces deux éléments sont un signe de tête approbatif à l’héritage coréen de Jae Ko aussi bien qu’une transformation de cette tradition en quelque chose de totalement nouveau, frais et contemporain.

Jae Ko’s sensuous forms and rich colors are immediately attracting to the eye.

Her exquisite use of delicate materials to create powerful pieces is unmatched.

Up close the detailed intricacy of the work is revealed in layer after layer of dyed, hand-rolled paper.

The resulting patterns produce a meditative rhythm in the work while a timeconsuming, introspective process creates abstract forms that are both a nod to Ko’s Korean heritage as well as a transformation of that tradition into something totally new, fresh and contemporary.

www.walkercontemporary.com 102

Chalet de Luxe

« Les balcons de la Chapelle »

Méribel Les 3 vallées Méribel se positionne clairement comme une destination de sports d’hiver haut de gamme.

Les clients, français comme étrangers, sont de plus en plus désireux de séjourner dans notre vallée, de profiter du plus grand domaine skiable du monde, et de goûter à un réel confort au niveau de leur hébergement.

Fort de 25 ans d’expérience APODISS vous propose un programme d’exception : « Les balcons de la Chapelle » composé d’un chalet et de quelques logements construits selon les règles actuelles, et ceci dans la tradition savoyarde.

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Nous souhaitons vous faire partager notre attachement à ce lieu d’exception.

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Mona Lisa Graphite on vintage matchbook

The Good, The Bad and The Ugly Graphite on vintage matchbook

Jason Daquino Jason commence à s’intéresser au travail en miniature il y a environ douze ans. Un de ses amis travaillait pour un grand bijoutier, taillant des diamants, des bagues en or et en platine, ce qui représentait un travail très méticuleux.

Il utilisait des lunettes à fort grossissement pour son travail, les ramenant un jour chez lui. Jason les essaye et tombe immédiatement sous le charme que représente le défi de créer des dessins détaillés à très petite échelle. En créant un détail qui ne pouvait pas être entièrement apprécié à l’œil nu, les œuvres prenaient alors une dimension magique et attirent le spectateur de plus en plus près.

Les boîtes d’allumettes sont de loin son support préféré. Elles intègrent une référence de mesure. La première fois qu’un spectateur est confronté à son travail, c’est généralement par l’intermédiaire d’un écran d’ordinateur ou via une image imprimée dans un magazine. Sans un contact direct avec l’œuvre, la notion d’échelle peut être perdue. Cependant, la boîte d’allumettes est un objet universellement reconnaissable, donc une fois que le spectateur voit les allumettes, il prend plus facilement conscience de la taille du dessin.

La boîte d’allumettes en elle-même joue un rôle nostalgique. Les boîtes d’allumettes qu’il utilise comme support sont toutes anciennes. Il y a plusieurs années, celles-ci étaient distribuées dans les bars, les restaurants et les lieux touristiques, comme souvenirs ou cartes de visite.

L’art dans une boite d’allumettes !

Jason first became interested in miniature art about twelve years ago. A friend of his had an extremely meticulous job: He was working for a major jeweler cutting diamonds, gold and platinum rings. He would wear magnifying glasses to work, and bring them back home with him. One day, Jason tried them on, and instantly fell in love with the challenge that was creating detailed drawings at a very small scale. By creating details that could not be fully appreciated to the naked eye, his works took a magical dimension, bringing the viewers closer and closer.

Matchbooks are by far his favorite surface to work on: They indeed have a built-in scale reference. When a viewer sees his work for the first time, it generally is on a computer screen or a magazine. the concept of scale can be lost if you can’t see the original artwork. Matchbooks are however a universally recognizable object, so once the viewers notice the matches, they instantly figure out the real size of the artwork that is, approximately one inch tall.

The matchbooks D’Aquino uses as asurface play a role of nostalgia as they all are old. Years ago, these were handed out in bars, restaurants, and touristy spots as souvenirs or business cards.

www.jasondaquino.com 104

Nine Graphite on vintage matchbook

INSOLITE

Watch Graphite on vintage matchbook

Typewriter II Graphite on vintage matchbook

Hitchcock Graphite on vintage matchbook

Bikes Graphite on vintage matchbook

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Nathan Walsh

Hyperréalisme

Nathan Walsh (né en 1972 – Vit à York, Angleterre) voit son œuvre comme une investigation dans le paysage urbain. C’est un peintre réaliste s’inspirant de l’expérience humaine dans le monde qui nous entoure. Il veut réaliser un travail précis et convaincant qui pourrait être apparenté à un monde parallèle au nôtre.

Nathan Walsh (Born in 1972 – Lives in York, England) seeshiswork as an investigation into the urban landscape. He is a realist painter whose work is grounded on the human experience of the surrounding world. He wants his work to be precise and convincing: something that would resemble a parallel world to ours.

Sans liste de lieux prédéfinie, il visite de nouveaux pays, de nouvelles villes ; enthousiasmé à l’idée d’être en contact avec de nouvelles cultures visuelles, architecturales et de nouvelles personnes. Cet artiste curieux a la démarche de suivre ses pieds et de voir où cela le mène. Cependant, il est toujours tenté de se référer à un guide et de découvrir des lieux touristiques. Nathan accepte également les choses comme elles sont : il n’attend pas des jours ensoleillés pour commencer à dessiner et photographier. De cette façon, ses peintures sont plus fidèles à son expérience.

His enthusiasm to discover new visual and architectural cultures as well as new people pushes him to spontaneously visit new countries and cities.

This curious artist would rather enjoy just setting off on foot and see what he can find, even though he is always tempted to follow a guide book and end up visiting touristy places. Nathan accepts things as they are: He won’t wait for a bright sunny day to start drawing and photographing.

Il réalise de petits dessins, des centaines de photographies sur place et retourne ensuite à son studio pour rassembler du matériel et réfléchir à ses peintures. Ses études au crayon ou à l’aquarelle sont épinglées sur ses murs avant de décider quel projet il va développer. Ainsi, une peinture peut prendre jusqu’à cinq mois selon sa taille pour être achevée.

He makes small drawings and hundreds of photographs, he then goes back to the studio where he starts going through his material and thinking about his paintings. Before he decides on what project he will work, Nathan will first pin his watercolor or pencil drafts up on the studio wall. Depending on its size, a painting can take up to five months to be complete. This can involve lots of drawing, revision and change along the way.

www.nathanwalsh.net 106

PEINTURE

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PEINTURE

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1Central Camera - 2012 Collection privée Huile sur toile de lin 69,5 x 103 cm

3Little Russia - 2009 Collection privée USA Huile sur toile de lin 170 x 225 cm

2Chicago in the rain - 2012 Collection privée Huile sur toile de lin 129 x 183 cm

4Queensborough Bridge – 2009 Collection privée UK Huile sur toile de lin 196 x 236 cm

INSTALLATION

PAUL SIBUET

L’art comme antidépresseur !

Paul Sibuet, né à Lyon, est un jeune plasticien de 26 ans, qui nous surprend à chaque exposition. Ses études de design et sa formation en atelier d’artistes ont révélé sa technicité pointue et audacieuse, mêlant peintures, sculptures et installations.

Paul Sibuet, born in Lyon, is a young 26-year-old plastics technician, who surprises us in every exhibition. His studies of design and his training in artist studio revealed his sharp and audacious technicality, mixing paintings, sculptures and installations.

Traitées avec subtilité et ironie, ses œuvres nous touchent inconsciemment par le biais d’objets ludiques, familiers ou hors du commun (jouets, dollars, médicaments, tubes de peinture, fourrures de vison, etc). Tantôt amusé, serein, séduit… tantôt troublé, bousculé… Les perspectives offertes par les toiles et les installations sont fortes de contrastes chromatiques et symboliques.

Deal with subtlety and irony, his works touch us unconsciously by means of playful, familiar or outstanding objects (toys, dollars, medicine, tubes of paint, mink furs, etc.). Sometimes amused, serene, seduced, sometimes disturbed, pushed aside … The perspectives offered by paintings and installations are strong of chromatic and symbolic contrasts.

L’artiste semble « mettre en boite » le monde qui nous entoure.

The artist seems « to put in box » the world which surrounds us.

Son travail est accueilli et encouragé par la critique et récompensé déjà à de multiples reprises. Un jeune talent à découvrir.

His work is welcomed and encouraged by the criticism and rewards already many times. A young talent to be discovered.

Prozac 100 x 100 x 19 cm Installation sous plexiglas, assemblage, technique mixte sur bois © Paul Sibuet

www.paulsibuet.com

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La Habana – 2011, Edition limitée et numérotée à 8 exemplaires, Papier photo Fine Art, contre-collage sur dibond, recouvert d’un plexiglas, 80 x 120 cm.

JEAN-JACQUES BERNARD C’est dans la cacophonie urbaine que Jean-Jacques Bernard se sent à l’aise.

Du coeur des villes, il extrait une photographie coloriste, nerveuse, humaniste, et compose des tableaux que l’on croirait mis en scène, presque échappés du réel. S’il aime promener son regard dans des métropoles en pleine mutation et hautement chargées symboliquement (Shanghai, New York, Rio, Tokyo, Bombay, Dubai, La Havane...).

Jean-Jacques Bernard préfère suggérer que montrer, et offrir au spectateur une vision à la fois quotidienne et assez peu banale des « lieux communs en couleur » qu’il visite, ou revisite.

Jean-Jacques Bernard est représenté à Lyon par la galerie Comtesses.

www.jeanjacquesbernard.com 110

Photographie urbaine contemporaine.

It’s in the urban cacophony that Jean-Jacques Bernard feels comfortable. He extracts a colored, nervous, humanist photography out of the heart of cities and composes paintings which we would consider staged, almost stolen from reality.

Although Jean-Jacques Bernard likes wandering around fast-changing metropolises (Shanghai, New York, Rio, Tokyo, Bombay, Dubai, Havana), he would rather suggest than actually show, and this way he offers the public a daily and uncommon vision of «common colored places» he has(re)-visited.

Jean-Jacques Bernard is exhibited in the Comtesses gallery in Lyon.

www.galeriecomtesses.com

PHOTOGRAPHIE

Newyorkmatic 2 - 2010 Edition limitée et numérotée à 8 exemplaires.

Papier photo Fine-Art, contre-collage sur dibond, recouvert d’un plexi. 80 x 120 cm.

Le train bleu – 2010, 73 x 110 cm Edition limitée, Tirage sur papier Hahlemühle.

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SCULPTURE

Bulle I Sculpture en acier et verre 28 x 15 x 10 cm

REMI FAVIER Rémi Favier (né en1969) est sensibilisé à l’architecture moderne de par sa formation professionnelle. En effet, maçon et géographe, il est constructeur de béton armé pour les jetées de ponts. Aménageur de ville, il est un artiste passionné par le modernisme.

Ces deux attraits l’ont progressivement amené à la sculpture.

Ses matériaux sont ceux de l’architecture : béton, verre, bois, acier, terre…

Rémi Favier associe avec talent des pleins et des vides, fait jouer la lumière sur les formes pour toucher le fond du sensible.

Rémi Favier participe depuis 2008 au salon des Réalités Nouvelles, fondé en 1946 par Robert et Sonia Delaunay. Ce salon présente toutes les tendances de l’Abstraction. Retrouvez-le à cette occasion du 22 au 29 septembre 2013 au Parc Floral de Paris.

Rémi Favier (born in1969) is sensitive to modern architecture due to his professional training. In fact, he built concrete for piers as he was a former mason and a geographer. City planner, he also is an artist fascinated by modernism.

These two characteristics gradually brought him to sculpture.

The materials he uses are the same as in architecture: concrete, glass, wood, steel, etc. Rémi Favier brightly associates fullness and emptiness, plays with the light on the outside to touch the sensitive inside.

Since 2008 Rémi Favier has participated in the New Realities salon, established in 1946 by Robert and Sonia Delaunay. This show presents all the tendencies of Abstraction. You can meet him on this occasion from September 22nd to September 29th 2013 in Paris at Parc Floral.

Expositions passées : - Salon Viva’Art, Art Contemporain, 2ème édition, Albi, du 3 au 23 Mai 2013 - Salon Réalités Nouvelles de Belgrade, pavillon Cvijeta Zuzoric, du 8 au 23 Mai 2013

Past exhibitions: - Viva’Art Salon, Contemporary Art, 2nd edition, Albi, from May 3rd to 23rd 2013 - New Realities Salon at Belgrade, Cvijeta Zuzoric pavilion, from May 8th to 23rd 2013

Ses œuvres sont actuellement exposées à la Galerie Comtesses à Lyon.

His works are currently exhibited at Galerie Comtesses in Lyon.

www.remi-favier-sculpture.com 112

Artiste en construction

www.galeriecomtesses.com

L’Art

et la Défiscalisation

L’art dans l’entreprise - comment défiscaliser avec l’art contemporain ?

La menace de taxation des oeuvres d’art agite régulièrement le monde institutionnel, les professionnels du marché de l’art et les collectionneurs privés.

A la veille de l’inauguration de la FIAC Paris, l’année dernière, un amendement prévoyait d’intégrer les oeuvres d’art d’une valeur supérieure à 50 000 euros dans l’assiette de l’impôt sur la fortune. S’il n’en fut rien en 2012, qu’en sera t-il lors de la prochaine loi des finances ?

The threat of taxation of works of art shakes regularly the institutional world, the professionals of the market of the art and the private collectors.On the eve of the inauguration of the FIAC Paris, last year, an amendment planned to integrate the works of art of a value superior to 50 000 euros in the wealth tax base. If it was not only in 2012, will there be during the next law of the finances?

Cependant, investir dans l’art reste un bon moyen de développer et protéger son patrimoine However, invest in the art is a good way to develop and to protect its heritage: the art, the : l’art, valeur spéculative en période de croissance, constitue une valeur refuge en période de speculative value in period of growth, establishes a safe investment in times of crisis. crise.

Comment ça marche ?

How does it work?

Aujourd’hui, une entreprise qui investit dans l’art contemporain peut déduire la totalité du montant de son acquisition, dans la limite de cinq pour mille de son chiffre d’affaires et ce par fractions égales pendant cinq ans (article 238 AB du Code général des Impôts).

Today, a company which invests in the contemporary art can deduct the totality of the amount of its acquisition, within the limits of five for one thousand of its sales and it by equal fractions during five years (article 238 AB of the general Code of the Taxes).

Sont concernées les entreprises relevant de l’impôt sur les sociétés, de l’impôt sur le revenu dans la catégorie des bénéfices industriels et commerciaux (BIC), des bénéfices non commerciaux (BNC) ou des bénéfices agricoles (BA), de même les professions libérales qui ont opté pour une déclaration au réel de leurs revenus.

La contrepartie de cet avantage fiscal consiste en l’obligation d’exposer l’oeuvre acquise d’une manière permanente cinq ans durant, dans un lieu accessible au public, aux salariés et aux clients de l’entreprise, à l’exclusion des bureaux.

Companies recovering from the corporate tax, from the income tax in the category of the industrial and commercial profits (BALL-POINT), from not commercial profits ( BNC) or from agricultural profits (BA), also liberal professions are concerned which opted for a statement in the reality of their income.

The compensation of this tax benefit consists of the obligation to exhibit the acquired work in a permanent way for five years, in an open to the public place, to the employees and to the customers of the company, with the exception of offices.

Et pour aller plus loin ?

Patricia Ruffy- Chadan de la Galerie Comtesses

And to go farther?

L’œuvre doit être enregistrée en immobilisation. Une réserve correspondant aux déductions effectuées créée au passif du bilan est réintégrable aux bénéfices imposables si l’œuvre cesse d’être exposée ou est cédée avant l’échéance des cinq ans. Dans le cas de cession, les excédents éventuels sur le prix d’acquisition seront assujettis au régime des plus-values professionnelles et bénéficieront pour les cessions au-delà de deux ans de la TVA à taux réduit.

The work must be registered in fixed asset. A reserve corresponding to the made deductions created in the liabilities of the balance assessment is re-integrable in the taxable profits if the work stops being exhibited or is given up before the term of five years. In the case of transfer, the possible surpluses on the purchase price will be subjected to the diet of the professional capital gains and will benefit for the transfers beyond two years of the VAT at reduced rate.

Enfin, la décision de pratiquer cette déduction fiscale relève de la gestion de l’entreprise et n’est subordonnée à aucune autorisation préalable de l’administration.

Finally, the decision to practice this tax deduction recovers from the management of the company and is subordinated to no prior authorization of the administration.

Galerie Comtesses

39, rue Auguste Comte 69002 Lyon www.galeriecomtesses.com

113

SCULPTURE

Emergence ©Vanentina Ragozzino

Sayaka Ganz

L’animal qui sommeille en chaque objet.

Son processus commence par la découverte des bons objets de récupération, qu’elle trie par couleur dans diverses poubelles de stockage. Finalement, quand elle a rassemblé assez d’objets de même couleur, elle peut faire un plan pour un projet en se concentrant sur un animal spécifique.

Sayaka fait des recherches sur chaque animal en se référant principalement à des photos avant de commencer la construction de chaque sculpture. Elle n’étudie pas spécifiquement chaque anatomie, mais elle observe la même pose sous de nombreux angles différents afin d’en comprendre la forme, le volume et comment les articulations s’assemblent, les points de pivots, etc.

Ensuite, elle soude une armature à un épais fil d’acier qui va supporter la structure.

Cette étape de la sculpture de Sayaka est très soigneusement planifiée et exécutée. Elle s’assure que l’armature a assez de trous, d’intersections et d’endroits à partir desquels elle peut lier les objets en plastique. Une fois que l’armature est complète et peinte, elle commence à attacher des objets en forant de petits trous et en les liant sur l’armature avec un fil électrique.

Her process starts with finding the right reclaimed objects. They are sorted by color into various storage bins. Eventually when she has collected enough of one color she can make a plan for a project focusing on a specific animal.

Sayaka extensively researches each animal through photo references before she starts building each sculpture. She typically doesn’t study anatomy, but she looks at the same pose from many different angles and try to understand the form, volume, and how the joints fit together, pivot points etc. Then she welds an armature with thick steel wire for structural support.

This stage of Sayaka’s sculpture is very carefully planned and executed. She makes sure the armature has plenty of holes, intersections and places she can tie the plastic objects onto. Then she paints the armature to match the overall color of the plastic objects she will be using. Once the armature is complete and painted she starts attaching plastic objects by drilling small holes and tying them onto the armature with electrical wire.

www.sayakaganz.com 114

E Y E W E A R

13, rue Emile Zola - 69002 Lyon TĂŠl. 04 78 37 43 77 - www.nagabbo.com

SCULPTURE

Shadow Dancing © The Diet Wiegman Archive 1965-2013

Diet Wiegman

Le sculpteur d’ombres.

L’artiste allemand Diet Wiegman est appelé « l’omnivore d’art » et crée un mouvement du même nom. Son travail est très complet dans une multitude de disciplines, il est aussi conceptuel que visuellement fascinant.

Dutch artist Diet Wiegman is referred to as the ‘art omnivore’ and has started an art movement by the same name. Wiegman’s work is truly complete in a multitude of disciplines: It is both conceptually and visually intriguing.

Il va surprendre les gens avec des sculptures auxquelles il intègre du verre brisé et des reflets avec son concept « d’art fantôme ». En créant ceci il y a presque quarante ans, Wiegman est devenu un pionnier dans ce domaine et son travail a inspiré de nombreux artistes au fils des décennies. Pendant une interview dans les années 1970 il dira laconiquement : « Je n’ai pas inventé le phénomène d’ombres, je fais juste des trous dans la lumière ». En conséquence, ses sculptures produisent plus qu’une ombre : derrière chaque œuvre se trouve un concept.

He amazed people with sculptures in which he integrated shattered glass and mirror reflections with his shadow-art concept. By creating shadow art almost four decades ago, Wiegman is seen as a pioneer in this field and his work has inspired numerous artists throughout the years. In the 1970s, during an interview, he laconically said: ‘I didn’t invent shadows; I just make holes in the light’. His light sculptures therefore produce more than just a shadow: a concept lies behind each one of his works.

En 2009, Wiegman a été élu « Artiste le plus brillant des Pays-Bas ». Sa carrière s’étend sur plus de cinquante ans de créations contemporaines : sculptures, peintures et « art fantôme » ; et il ne montre aucun signe de fatigue.

Son art est représenté dans les musées et les collections privées du monde entier.

In 2009, Wiegman was elected ‘Most brilliant artist in The Netherlands’. His career spans more than fifty years of contemporary sculpting, painting and shadow art, without ever showing any fatigue. His art is shown by museums and private collections from all around the world.

www.dietwiegman.com 116

David After Dinner © The Diet Wiegman Archive 1965-2013

INSOLITE

Série Food Art

Série Food Art

Série Food Art

Série Food Art

Red Hong YI Hong Yi, surnommée « Red », est une architecte et artiste Malaysienne. On lui a donné ce surnom, car Hong rappelle le mot « rouge » en mandarin. À la fin de ses études dans une université australienne, elle intègre la société d’architecture HASSEL à Shanghai et est complètement saisie par la ville, ses structures et ses tensions spéciales, son histoire et sa culture unique. Cela va l’inspirer pour entamer une création artistique, et ainsi utiliser comme moyen d’expression des matériaux locaux qu’elle trouve chaque jour en Chine. C’était une échappatoire pour elle, une façon d’exprimer ce qu’elle ressentait pour cet endroit que ses grands-parents avaient dû fuir.

Connue comme l’artiste qui « aime peindre mais pas avec des pinceaux », Red crée des portraits d’icônes avec des matériaux qui leur sont liés (comme nous avons pu le voir dans Art’s Vice numéro 3). Elle a aussi réalisé un projet d’un mois : faire une illustration amusante chaque jour à partir de sa nourriture.

Ses contraintes étaient simples : l’œuvre doit être uniquement composée de nourriture et l’assiette qui sert de fond doit être blanche.

www.redhongyi.com

De l’art dans votre assiette Hong Yi, who goes by the nickname “Red”, is a Malaysian artist-architect.

She was given the nickname because her name, Hong, sounds like the word “red” in Mandarin.

After graduating from university in Australia, she took up an offer to work for Australian architecture firm HASSELL in their Shanghai office, and was completely taken with the city, with its special structures and tensions, its unique history and culture. This inspired her to start on creating art using local everyday materials she found in China as her medium. It was an outlet for her to express how much she felt for a place her grandparents once fled from.

Known as the artist who “loves to paint, but not with a paintbrush”, Red creates portraits of iconic people with materials that have a connection with her subjects (as we saw it in the Art’s Vice 3). She also realized a month-long project: create a daily fun illustration with her food. Her parameters were simple: the image had to be comprised entirely of food and the only backdrop could be a white plate.

www.ohiseered.com 117

PHOTOGRAPHIE

Emmanuelle Bousquet Dans la série « Whispers », Emmanuelle Bousquet a choisi de poser par procuration, de parler d’une période difficile de sa vie. L’adolescence se trouve fantasmée par l’artiste, à travers le corps en devenir de très jeunes filles âgées de 13 à 18 ans.

Des clichés d’Emmanuelle Bousquet, se dégage un univers très symbolique, cherchant à traduire la pensée, le songe intérieur, le rêve. Ses photographies tendent à trouver un équilibre parfait entre la netteté et le flou, comme si l’apaisement tant recherché résidait dans ce mélange de réalité et de refoulé.

Ces effets de distorsions revisitent l’héritage d’André Kertész, animé d’un nouveau souffle de vie et de modernité. Comme elle le fit dans ses précédentes séries, Emmanuelle Bousquet continue d’avancer hors de soi dans l’intimité de sa nuit, et de grandir.

Murmures…

In the series « Whispers «, Emmanuelle Bousquet chose to pose by proxy, to speak about a difficult time of her life. The adolescence is fantasized by the artist, through the body in future of very girls from 13 to 18 years old.

Emmanuelle Bousquet’s pictures, gets free a very symbolic universe, trying to translate the thought, the internal dream, dreams about her. Her photos are tightened in a research for balance completed between clear and fuzzy, as if the reassurance so looked for lived in this mixture of reality and repressed person. These effects of distortions revisit André Kertész’s inheritance, livened up by a new breath of life and of modernity. As she made it in her previous series, Emmanuelle Bousquet continues to move forward beside oneself in the intimacy of her night, and to grow up.

Représentée par : Acte2galerie - Paris – France www.acte2galerie.com

Richard F. Taittinger Fine Art - New York – USA www.rftfineart.com

www.emmanuellebousquet.com 118

Daisy © Emmanuelle Bousquet

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INSTALLATION

Pierre Orssaud

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© Pierre Orssaud

Pierre Orssaud, directeur artistique et passionné de photographie, a fait de la création son métier. Le support papier est omniprésent dans sa création : additions, maquettes, tirages, affiches, il le déchire, en fait des lambeaux. Aux limites de l’abstraction et du figuratif, il créé petit à petit du relief. Dans ses collages, chaque déchirure trouve sa place, créé un volume, se superpose en une multitude de fragments qui se figent sous la résine.

Pierre Orssaud, art director and a photography enthusiastic, has become a creator. The paper base is omnipresent in his work: additions, models, editions, posters; he tears it off, in fact scraps. In the limits of abstraction and fiction, the artist gradually creates relief. In his collages, every torn piece of paper finds its place, creates volume, overlaps in a multitude of fragments which freeze under a layer of resin.

Il réalise également des assemblages, principalement avec des objets. Pierre est un collectionneur, il invente de nouvelles histoires, fragmentées, explosées, qu’il recompose à partir de débris cassés, assemblés et collés. Il détourne les matières et les outils : la pince devient une écaille de poisson, et la tige un porte-flingue. Il organise le chao, il répète le motif jusqu’à ce que celui-ci se charge de sens.

He also creates assemblages, mainly with objects. Pierre is a collector, he invents new, fragmented, exploding stories, which he recomposes from broken, assembled and stuck pieces. He diverts his materials and tools: the crowbar becomes a fish scale, and the stalk carries a gun. He organizes the chao, he repeats a pattern until it makes full sense.

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INSOLITE

Cossack Dance © Magnus Muhr

Laundry © Magnus Muhr

Married © Magnus Muhr

Vacation © Magnus Muhr

Magnus Muhr

Sa majesté des mouches !

Magnus Muhr est un éducateur spécialisé de formation, il consacre son temps libre à sa passion : la photo. Portraits, nus, faune, flore sont ses genres de prédilection.

Travaillant un jour des natures mortes, composées de cadavres de mouches sur une feuille de papier, il s’amuse à croquer autour un décor minimaliste, leur ajoute en deux coups de crayon quelques attributs humains, photographie le résultat… et crée une galerie absolument inouïe, faisant le « buzz » sur Internet. Son idée de génie est devenue un livre, vendu dans le monde entier.

Magnus Muhr is a caretaker for mentally challenged people but spends his free time for his passion: photography. portraits, nude portraits, wildlife, and flora are his favorite genres.

One day, while he was working on still-lives made of dead flies on a sheet of paper, he sketched around them a minimalistic set-up and added them some human attributes in two pencil strokes. He then took pictures of the final result and created an absolutely incredible gallery, creating the buzz on the Internet. His genius idea became a book that is now sold all over the world.

www.muhr.area81.se 122

SCULPTURE

Beetlesphere- 2013, Aluminium, polyester, pièces détachées de Volkswagen Beetles’53, peinture 180 x 180 x 180 cm

Ichwan Noor

Quand la Beetle se met en boule

En 2011, Ichwan Noor a créé une Beetle de 1967 grandeur nature, en forme de boîte qu’il a simplement nommée Beetlebox. De la même manière, il transforme cette année une Beetle de 1953 en sphère : la Beetlesphere ! Pour cela, Ichwan Noor n’a pas utilisé de machine. Dans un premier temps, il en a étudié une de ces répliques miniatures que l’on trouve dans les magasins de jouets.

Il commence donc par imaginer les effets de chaque contorsion, pression ou courbure. Après l’étude de ces « provocations », tant à l’extérieur qu’à l’intérieur, Ichwan peut commencer à projeter un modèle et se demander comment il va incorporer de réels composants de la Beetle.

In 2011, Ichwan Noor created an actual-sized 1967 Beetle in the shape of a box, which he simply named Beetlebox. This year, he transformed a lifesized 1953 Beetle into a sphere-the Beetlesphere. To create them, Ichwan Noor did not use any heavy machinery. First, he studied a miniature Beetle replica, which could be easily acquired in toy shops. He then began to imagine the effects of each bend, push, and contortion. After studying the effects of these «provocations» on both the exterior and interior, Ichwan was able to start creating a model, already imagining how he could incorporate ready-made objects-i.e. real Beetle components.

Ichwan Noor agrandit ensuite ce prototype pour lui donner la taille souhaitée.

Pour Beetlesphere, il réalise d’abord une grosse sphère en polyuréthane de 180 cm de diamètre. Il va alors commencer à tailler et sculpter l’intérieur de la Beetle de 1953 sur celle-ci.

Ichwan Noor then enlarged this model to the real size. For Beetlesphere, first he created a massive polyurethane sphere, measuring 180cm in diameter. On this polyurethane sphere, he began to carve and sculpt the exterior of the 1953 Beetle.

Son intention n’étant pas seulement de reproduire la Beetle par une forme inhabituelle ; il réussit avec cette oeuvre à transmettre son idée : présenter la Beetle Volkswagen comme un artefact.

His idea was not just a desire to reconstruct the Beetle in an unusual shape or form. He manages to convey his idea through the Beetle, to present it as an artifact.

ichwannoor.com

www.mondecor.com 123

mobilier contemporain

Fauteuil LC2 de LE CORBUSIER collection «Cassina Maestri».

MOBILERS & AGENCEMENTS

CONTEMPORAINS HABITAT - BUREAUX & COLLECTIVITéS

24 RUE JARENTE - 69002 LYON TEL: 04 72 41 17 77 / FAX: 04 72 41 17 70 SITE : www.arrivetz.com EMAIL : info@arrivetz.com

PHOTOGRAPHIE

Age of innocence Photographe : Remi Rébillard Styliste : Lawnette Lucille Modèle : Alexandra @ Prodigy model management/Silent models Paris Make-up and hair : Marianne Tamposi @ Prodigy models Assistant Christy Hand

Rémi Rébillard Rémi a toujours été fasciné par la beauté. Ces dernières années, l’évolution de son travail l’a porté à exploiter le thème de la fragilité dans notre société en dérive. Dans les dernières séries réalisées, il pointe du doigt la survie de l’innocence et de la beauté dans un monde qui part à vau-l’eau, mais toujours avec grâce et harmonie. Les petites filles oubliées du rêve américain, celles qui survivent aux ouragans, celles d’usines abandonnées de l’Europe en déclin industriel.

La série Doll’s house s’inscrit dans ce contexte et parle au spectateur de l’innocence de l’enfance. Le modèle est une poupée figée qu’en apparence, elle nous interroge sur ce que nous avons fait du monde dans lequel elle est posée. Le temps semble suspendu autour d’elle, de manière irrémédiable et tragique. Ce travail, Rémi le réalise en développant un code couleur très particulier, saturé et dense. Il utilise les lumières comme autant de couleurs d’une palette magique et fragile, préférant travailler en lumière basse avec des éclairages et des filtres qui lui sont propres, parfois quitte à attendre des heures, le rayon de lumière qui transcendera la scène, plutôt que de faire appel à la technologie.

Beauté figée Rémi has always been fascinated by beauty. These last years, his work evolution pushed him to explore fragility in our drifting society as a theme. In the series he has made these last years, he pointed at the survival of innocence and beauty in a deteriorating world, but always in a beautiful and harmonious way: Forgotten girls of the American dream, hurricane survivors, and those abandoned by the Europe in industrial decline.

The series Doll’s house joins in this context and speaks to the spectator about the innocence of childhood. The subject is a doll that seems motionless, she wonders what we have made of the world in which she was put in. Around her, time seems to have stopped in an irreversible and tragic way. Rémi does this work by developing a very particular, saturated and dense color code. He uses the lights as if they were magical colors, preferring to work in low light with lightings and filters of his own, rather than using technology, even if it sometimes means waiting for hours the perfect ray of light that will transcend the scene.

www.remirebillard.com 126

Publireportage de la ville de Saint-Tropez

S

ez, arts

et de la mer

Saint-Tropez a toujours été ouverte sur le grand large. Il fut un temps où les tropéziens parcouraient le monde, aujourd’hui, le monde entier vient à Saint-Tropez. Cité aux multiples facettes, fille des arts et de la mer si chère à Colette, terre de tradition et de culture, Saint-Tropez jouit d’une notoriété exceptionnelle.

Le musée mettra à l’honneur, à l’occasion de son exposition d’été, des œuvres de Maurice de Vlaminck, artiste majeur du fauvisme. Cette tradition artistique se perpétue aujourd’hui. En effet, la ville prépare activement l’ouverture dans moins de deux ans, d’un nouvel espace muséal en lieu et place de l’ancienne gendarmerie. Une offre culturelle de plus qui mettra en exergue l’histoire du corps de gendarmerie et du cinéma tropézien…

Saint-Tropez, fille des arts, est une terre d’inspiration. Artistes, peintres, écrivains sont venus nombreux saisir les couleurs et lumières si particulières de la cité. Signac, Matisse, Marquet ont réalisé ici des œuvres exceptionnelles que l’on peut admirer au magnifique musée de l’Annonciade, considéré d’ailleurs comme l’un des plus précoces musées d’art moderne de France.

Saint-Tropez, fille de la mer, se prévaut d’un riche passé maritime. La cité est en effet indissociablement liée à l’histoire de son port et aux grands évènements qui s’y sont déroulés dans le passé et qui y sont organisés aujourd’hui à l’image des Voiles de Saint-Tropez et de la Giraglia Rolex Cup.

Une manière comme une autre de raconter cette histoire d’amour entre Saint-Tropez et le 7e art.

Dès cet été, le nouveau musée de la Citadelle contera au monde entier le temps où les Tropéziens allaient sur toutes les mers du globe. Car c’est bien l’objectif du nouvel espace muséal : présenter l’histoire de Saint-Tropez sous l’angle de son identité maritime. Sur un espace de 400 m² seront évoquées les différentes activités maritimes des 500 dernières années de la cité, à partir de thèmes relativement familiers comme l’école d’hydrographie, la pêche, le cabotage, ou d’autres plus surprenants comme les navigations dans les mers australes ou dans l’océan Indien. Une scénographie ambitieuse, des pièces rares, des jeux, voilà un avant-goût de ce qui attend les visiteurs amoureux de notre cité.

Saint-Tropez continue d’écrire son histoire et de la conter, aujourd‘hui plus que jamais, au monde entier…

INSTALLATION

Los Carpinteros

Les Charpentiers

Le collectif Los Carpinteros (les Charpentiers) basé à La Havane a produit quelques-uns des travaux les plus importants de Cuba ces dix dernières années. Formé en 1991, Los Carpinteros (constitué de Marco Castillo, Dagoberto Rodriguez et, jusqu’à son départ en 2003, Alexandre Arrechea) a pris son nom en 1994, renonçant à la notion d’individualisme pour revenir à celle plus ancienne de guilde d’artisans travailleurs qualifiés. Les sculptures, dessins et installations du groupe, pleins d’humour, d’élégance et de mordant, prennent leur inspiration dans le monde physique, en particulier celui du mobilier. Les œuvres soigneusement réalisées utilisent l’humour afin d’exploiter une syntaxe visuelle mettant en place des contradictions entre l’objet et la fonction.

The Havana-based collective Los Carpinteros (The Carpenters) has created some of the most important work to emerge from Cuba in the past decade.

Formed in 1991, Los Carpinteros (consisting of Marco Castillo, Dagoberto Rodríguez, and, until his departure in June 2003, Alexandre Arrechea) adopted their name in 1994, deciding to renounce the notion of individual authorship and refer back to an older guild tradition of artisans and skilled laborers. The group’s elegant and mordantly humorous sculptures, drawings, and installations draw their inspiration from the physical world, particularly that of furniture. Their carefully crafted works use humor to exploit a visual syntax that sets up contradictions among object and function.

Le mois dernier à la Galerie Two, Los Carpinteros a créé trois structures en briques LEGO ©, le jouet pour enfant bien connu, obscurcissant ainsi les potentielles tensions politiques entourant l’œuvre.

The last month in Gallery Two, Los Carpinteros created three structures in LEGO® bricks, the well- known children’s toy, thus obfuscating the potentially fraught political con- notations of the work.

Show Room - 2008 LOS CARPINTEROS Parpaings, fils de pêche, mobilier Dimensions variables Exposition : Psycho Buildings : Artists Take On Architecture, Hayward Gallery, London, UK, 2008 © Los Carpinteros Photographie : Stephen White Courtesy : Sean Kelly, New York

www.loscarpinteros.net www.skny.com 128

PEINTURE

Ferrari 250 G70 Acrylique et résine sur toile 100 x 100 cm

Ferrari 250 G70 Acrylique et résine sur toile 100 x 100 cm

Adeline Dutel

Quand le contemporain devient vintage.

Née à Lyon le 2 mars 1967, Adeline est passionnée de dessin depuis son enfance et a été influencée par son père Gilles Dutel - Architecte d’intérieur.

Après un diplôme de graphiste qu’elle obtient en 1989, elle s’oriente vers le décor en postulant pour la prestigieuse école belge, située à Bruxelles, Van der Kelen, où elle fut prise et a été récompensée de la médaille d’argent.

Drawing has always been Adeline Dutel’s passion since she was born, on March 2nd, 1967, and she was influenced by her father Gilles Dutel who was an interior designer. After she obtained her graphic designer’s diploma in 1989, she applied at Van der Kelen, the prestigious Belgian decoration school situated in Brussels, where she got in and was awarded a silver medal.

Adeline Dutel a travaillé comme peintre décorateur, principalement spécialisée en trompe-l’œil pendant 15 ans : faux marbres, faux bois, fresques, sur de nombreux chantiers chez des particuliers et en entreprises où elle s’est perfectionnée dans le travail de « la matière », de la patine en travaillant sur toute sorte de supports tels que : le béton, le métal, le bois etc. Elle a désormais son propre atelier.

Adeline Dutel has mainly worked as a painter and decorator, specializing in trompe-l’oeil during 15 years: fake marble, fake wood, frescoes. Her customers were private and companies where she worked on her material skills and on patina on all sorts of surfaces such as: concrete, metal, wood, etc. She now has her own workshop.

Son travail évolue par thème, dans un style néo pop - art, selon des tendances qui l’inspirent, principalement composé d’acrylique, de collages et des techniques mixtes. Adeline se concentre aujourd’hui sur des œuvres sur toiles ou aluminium, autour du thème vintage (des belles voitures anciennes), alliant ainsi son travail de précision et sa connaissance des matières, comme la résine qui donne cette touche originale et contemporaine.

Her work is evolving in an innovative pop-art style, according to trends that are inspiring to her. Her work mainly consists of acrylic, collages and mixed techniques. Adeline is now focused on working on canvas and aluminum, having vintage as her main theme (especially vintage cars), allowing her to combine her meticulous work and her knowledge of materials like resin, which she uses to give an original and contemporary touch to her work.

www.adelinedutel.fr 129

1.

Yuki Matsueda

2.

L’art en 3D.

Un des thèmes du travail de Matsueda est de former un « moment impossible ».

Pour illustrer ce thème, ses œuvres consistent en des solides en 3 dimensions qui naissent de motifs plats en 2 dimensions.

One of Matsueda’s work themes is to create an «impossible moment.» To illustrate this theme, his works consist of 3-dimensional parts that come from 2-dimensional patterns.

Matsueda achève son BFA et son mémoire post licence à l’Université des Arts de Tokyo et est actif depuis comme artiste 3D. Bien que ses parents dirigent une société d’impression au Japon, son intérêt se tourne plutôt vers de l’impression 3D que sur des copies en 2 dimensions. Néanmoins, ses souvenirs d’enfance et ses goûts esthétiques conservent toujours une certaine affinité avec les produits imprimés de ses parents.

Matsueda completed his BFA and postgraduate at Tokyo University of the Arts and has since been active as a 3D artist. Matsueda completed his Bachelor of Fine Arts and his postgraduate memoire at the Tokyo University of Arts and has since been active as a 3D artist.

Le travail récent de Matsueda met en scène des motifs plats en deux dimensions qui se projettent et englobent des espaces en 3 dimensions. L’auteur cherche à contourner les limites de l’industrie de l’impression et de ses produits.

Although his parents run a printing company in Japan, he is more interested in 3-dimensional prints rather than 2-dimensional prints. Nevertheless, his childhood memories and aesthetic senses are still keeping some kinship toward his parents’prints.

www.yuki-matsueda.com www.keumsan.org 130

INSTALLATION

3.

1Super Egg – 2012 35 × 35 × 33 cm coquille, bois, résine, PET

2Slippery floor - 2012 Acrylique, PET 19 x 19 x 14 cm

3Today’s Happy Colors ! - 2008 38,5 × 38,5 × 42 cm PET, résine, bois

4Slippery floor - 2012 Acrylique, PET 19 x 19 x 14 cm

4.

131

© Cube Works Studio

Cube Works Studio

Vu en Rubik’s Cubes

Cube Work Studio est un collectif artistique de renommée mondiale grâce à leurs œuvres en Rubik’s Cube. Basé au centre-ville de Toronto, leur studio se spécialise dans la création d’œuvres stupéfiantes utilisant des Rubik’s Cubes très colorées comme support. Vous avez peut-être vu certaines de leurs réalisations aux fil des ans, par exemple les plus grandes mosaïques de Rubik’s Cube du monde : The Last Supper (+4 000 cubes) en 2010 ou The Hand of God (12 000 cubes) en 2011.

Cube Work Studio is an art collaborative world-renowned for its works in Rubik’s Cube. Their studio, which is located in downtown Toronto, specializes in creating stunning works of art using brightly colored Rubik’s Cubes as a medium. You may have seen some of their work over the years as they have created the world’s largest Rubik’s Cube mosaics including The Last Supper (+ 4,000 cubes) in 2010, as well as The Hand of God (+ 12,000 cubes) in 2011.

Plus récemment, ils ont battu tous les records existants du Guiness World avec Largest Rubik’s Cube Mosaic Ever Created en utilisant 85 794 Rubik’s Cubes pour recréer l’horizon de Macao en Chine. Ils ont travaillé dur et passé plusieurs mois avec des équipes internationales pour concevoir, créer et manipuler chacun des 85 794 Rubik’s Cubes de cette monumentale œuvre d’art. Étonnamment, la fresque murale terminée dépasse 4 m de haut pour 60 m de long. L’œuvre a été dévoilée début Décembre sur le bord de mer de Macao, à l’extérieur de Hong Kong avec la présence du Guiness des Records pour confirmer le record et le photographier et le filmer pour sa publication annuelle. Il faut également noter que le Cube Work Studio réalise aussi des œuvres à partir d’autres matériaux comme des bobines de fil, des LEGOS, des crayons, des médiators, des petits soldats…

Most recently, they have broken every single existing World Record for Largest Rubik’s Cube Mosaic Ever Created. In fact, they used 85,794 Rubik’s Cubes to recreate the skyline of Macau in China. They have been working hard over the past few months with international teams to conceptualize, design and twist each of the 85,794 Rubik’s Cubes into this monumental work of art. Surprisingly, the finished mural reaches over 13 feet high and stretches over 180 feet across. The mural was unveiled in early December on the Macau waterfront just outside of Hong Kong and the Guinness World Records team was on hand to confirm the record-breaking achievement as well as to photograph and film the mural for their annual publication. Cube Works Studio also works with others materials such as spools of thread, LEGO bricks, pencils, guitar picks, toy soldiers…

www.cubeworks.ca 132

INSOLITE

© Cube Works Studio

© Cube Works Studio

133

INSOLITE

Mehmet Ali Uysal Skin – 2008 Installation, 11.Le Vent De Forets, France courtesy of the artist and Pi Artworks

Mehmet Ali Uysal Né à Mersin (Turquie) en 1976, Mehmet Ali Uysal a étudié l’architecture et la sculpture. Dans ses travaux, l’espace est le facteur majeur. Le monde d’aujourd’hui est un monde en constant devenir dans lequel le procédé de création, d’exposition et de perception de l’art est inévitablement connecté au lieu de sa production. C’est pourquoi, dans l’art contemporain, l’espace est un paramètre de première importance qui a le pouvoir d’influencer l’œuvre, l’artiste et le spectateur.

Avec son œuvre Skin, la sculpture s’inscrit dans l’interaction entre le pincement de la couche supérieure de la pelouse et le soulèvement de celle-ci par une pince à linge de six mètres de haut. L’artiste joue avec les échelles et les proportions : nous voyageons dans l’univers de Gulliver pour mieux nous rappeler que l’on marche sur une peau que l’on appelle la planète Terre.

mehmetaliuysal.com 134

Tout n’est qu’illusion…

Born in Mersin (Turkey) in 1976, Mehmet Ali Uysal studied architecture and sculpture. Space is the major element of his artworks. Our contemporary world is constantly building itself and the process of creation, exhibition and perception of art is inevitably tied to the place where it was made. That is why in contemporary art, space is a parameter of utmost importance and it has the power to influence the artwork, the artist as well as the spectator.

With Skin, sculpture joins in the interaction between the the top layer of the lawn and its lifting thanks to a six-meter high clothespin. The artist plays with proportions: We travel within Gulliver’s universe to remind us that we walk on the skin of a person called Earth.

www.piartworks.com

IPnternational OLO CUP SAINT-TROPEZ DU 4 AU14

JUILLET 2013 ENTRÉE LIBRE

DU JEUDI 4 AU JEUDI 11 JUILLET Matchs de qualification dès 17h30 Happy Hour les jeudis dès 17h00

VENDREDI 12 JUILLET Demi-finales le matin 19h30 : Défilé à cheval des équipes de polo en fanfare sur le port de Saint-Tropez depuis la Capitainerie jusqu’à la Mairie

SAMEDI 13 JUILLET Dès 17h00 : Animations diverses et finale de la coupe subsidiaire 21h00 : Soirée Argentine - Réservation obligatoire au +33 (0)4 94 55 22 12 Asado, tango et musique sud-américaine

DIMANCHE 14 JUILLET Dès 17h00 : Animations diverses, remise des prix par les autorités

RENSEIGNEMENTS www.polo-st-tropez.com

Chronométreur officiel

Habilleur officiel de l’équipe de Saint-Tropez

Partenaires média : Circle, Equestrio, Pololine, Livingpolo.com, Via Edition

Polo Club Saint-Tropez - 1999, route du Bourrian - 83580 Gassin - +33 (0)4 94 55 22 12

EVASION

136

LYON - VILLEURBANNE

UN MARCHÉ QUI SE SECOUE LES PUCES !

ANTIQUITÉS - BROCANTE VOTRE RENDEZ-VOUS DU DIMANCHE !

Découvrez un espace étonnant, au charme indémodable, point de rencontre des tendances passées et actuelles.

www.pucesducanal.com - Les Puces du Canal - 1 rue du canal - 69100 Villeurbanne

© The Alila Hotels & Resorts Photo Library

Alila Villas Uluwatu

Alila Villas Uluwatu - Bali

Posé sur un haut plateau, rencontrant les falaises de calcaire qui se jettent dans l’océan : les Villas Alila Uluwatu offrent une vue parfaite. Re-découvrez les joies de la relaxation pure avec un confort sans égal et un espace luxueux.

Livrez-vous à l’enchantement qu’offre Bali, ainsi que sa sérénité, tout cela dans un écrin de perfection.

Poised on an elevated plateau that meets with limestone cliffs sweeping down to the ocean, the view from the Alila Villas is nothing less than perfect. Rediscover the joy of pure relaxation in unparalleled comfort and space in each of our exquisitely designed Bali luxury villas. Surrender yourself to the enchantment of Bali’s beauty and serenity in the luxury of flawless perfection.

En harmonie avec la nature environnante, le design intérieur des Villas Alila Uluwatu s’intègre de façon parfaitement homogène à l’architecture intérieure et extérieure. Cet hôtel moderne situé à Bali a été conçu par la société d’architecture primée de Singapour : WOHA. La réputation mondiale de cette dernière n’est plus à faire : ses projets novateurs en matière d’aménagements design en environnement tropical ont connu de nombreuses louanges. On compte notamment le prix international de l’Institut Royal d’Architecture Australien (RAIA) pour sa Maison sur Rochalie Drive à Singapour et le prix Architectural Review MIPIM Future Projects pour le Met, un haut building de Bangkok.

Blending in with the surrounding natural environment, the inside’s design at Alila Villas Uluwatu fits in perfectly with the whole architecture. This cuttingedge hotel was designed by the award-winning Singapore architectural firm WOHA, owing it a global reputation for innovative design projects in tropical environments. Among them the Royal Australian Institute of Architect’s (RAIA) International Award for its House on Rochalie Drive in Singapore, and the Architectural Review MIPIM Future Projects Award for The Met, a building located in Bangkok.

www.alilahotels.com 138

ARCHITECTURE

© The Alila Hotels & Resorts Photo Library

© The Alila Hotels & Resorts Photo Library

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Herr Zatz

Le luxe nomade

Herr Zatz imagine, dessine et réalise tous vos projets. Il présente aujourd’hui un airstream de 1976 entièrement rénové et revisité en suite mobile de luxe, un produit 100 % sur mesure qui réunit plusieurs artistes, chacun dans leur domaine de compétences. La noblesse de ses matériaux et son design intérieur font de ce Landyacht un exemplaire unique au monde qui nécessita 3 ans de travaux.

Salle de bains miroir, capitonnage en cuir d’autruche, TV plasma sur flat lift, glace maquillage, chauffage, climatisation. Le soin qu’Herr Zatz a apporté à chacun des détails vous invite au voyage là où tout n’est que luxe calme et volupté.

Herr Zatz imagines, draws and realizes any of your projects. He is presenting a completely renewed 1976 airstream that has been revisited as a mobile luxury suite. It is 100 % custom-made and has gathered several artists to work together, each one being an expert in their field. The great elegance of its materials and its internal design that required 3 years of work make this Landyacht unique in the world: Mirror bathroom, ostrich leather padding, flat screen on a flat lift, make up Mirror, heating, air conditioning. The extreme care Herr Zatz has brought to every single detail invites you to a journey full of quietness, luxury and voluptuousness.

This piece is for sale and is exhibited in St Tropez.

Remerciements à Anthony Vest, Marie–Jo Gebel, François Lebars, Enzo Di Natal, Yvan Ull. Cet objet est à la vente et visible à St-Tropez / This object is for sale and visible to St Tropez.

Contact 0033 (0) 615 893 201

www.herrzatz.fr 140

EVASION

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Photography by James Lipman © www.jaguarspeedster.com

Jaguar Eagle Speedster Une édition très limitée.

Quand vous êtes client chez Eagle E-Types, quelque chose « d’un peu spécial » est standard. Lorsque les conversations ont commencé entre Rick et Paul Brace d’Eagle, le mot « Speedster » a été mentionné. Paul a sorti son crayon et a esquissé une silhouette. Rick l’a approuvé : c’était le début d’Eagle Speedster N°1.

Au cours des mois suivants, en tandem avec la direction exécutive d’Eagle, Paul a travaillé pour concevoir et perfectionner les détails de l’unique et extraordinaire E-Type. Fidèle à la Jaguar E-Type des années 1960 avec le détail classique et la finition, elle a été conçue à partir de la meilleure ingénierie d’Eagle EType, incluant le moteur de 4,7 litres d’Eagle, la boîte de 5 vitesses Eagle et la suspension optimisée.

Bien qu’initialement fabriqué comme modèle unique, le Speedster a été bien reçu dans le monde entier et l’intérêt qu’il a provoqué était tel qu’il a été convenu d’en construire un autre, le résultat étant « Lightweight Speedster », qui rencontré un franc succès.

Cette dernière création couleur « cognac noir » est un hommage technique aux 12 Lightweight E-Types que Jaguar a construit en 1963 pour des courses. Ces voitures de course Jaguar sont par la suite qualifiées comme « Poids légers » et, point commun avec notre Speedster, ont un corps et un moteur en aluminium, 5 vitesses et un moteur à injection.

When you are a customer at Eagle E-Types, “something special” becomes a standard. When Rick and Paul Brace from Eagle started talking, the word “Speedster” was mentioned. Paul took his pencil out and started sketching an outline. Rick loved it and approved: This is how the Eagle Speedster No.1 was born.

Over the next months, Paul, alongside the executive team, was then working to design and improve the details of this truly unique and extraordinary EType. Faithful to the 1960s Jaguar E-Type down to the last detail, this model was designed with the finest Eagle E-Type engineering including an Eagle 4.7 liter engine, an Eagle 5-speed gearbox and a maximization of the suspension system.

Although one single copy was initially built, the Speedster was universally wellaccepted and interest was such that the brand decided to build another one, the ‘Lightweight Speedster’ was therefore a great success.

This latest creation in Black Cognac color is an homage to the 12 Lightweight E-Types that Jaguar built in 1963 for racing purposes. These Jaguar race cars have subsequently become well established as “Lightweights”. Their fuel injection engines as well as their bodies are made of aluminum and have a 5 speed gearboxes just like our Speedster.

www.jaguarspeedster.com 142

EVASION

Photography by James Lipman © www.jaguarspeedster.com

Photography by James Lipman © www.jaguarspeedster.com

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© Riva Yacht

Yacht Ce yacht de 26m a été conçu pour être visuellement remarquable, ne pas laisser indifférent. Sa ligne et sa couleur spécifique « Metallic Ice » lui donnent un impact saisissant à quai ou en mer, qui contraste avec un aménagement intérieur respirant le bien-être et la convivialité dans un niveau de luxe élevé.

Une cabine équipage séparée pour 4 membres, une cabine propriétaire avec coin salon, salle d’eau, dressing, une cabine VIP, une cabine invitée avec lit modulable... L’habitat impressionnant rivalise avec l’équipement de chaque « pièce », cuisine, les salles d’eau et les différents salons, cabine, de proue, de poupe et même sundeck. Ce dernier est parfaitement intégré à la ligne agressive et sportive du bateau, presque invisible à moins de prendre de la hauteur.

Un Riva c’est aussi un esprit de navigation, croiser en Méditerranée à 38 nœuds et laisser dans son sillage blanc d’écume, une trace éphémère de sa vie en mer. La dolce & vita !

144

RIVA DOMINO 86 This yacht of 26m was conceived to be visually remarkable, not leave unmoved.

Its line and its specific color « Metallic Ice « give it an impact seizing alongside the quay or at sea, which contrasts with an internal arrangement inhaling the property to be and the conviviality in a level of high luxury. A cabin crew separated for 4 members, a cabin owner with place lounge, shower-room, dressing room, a VIP cabin, a cabin invited with flexible bed... The impressive habitability competes with the equipment of every «room», kitchen, the rooms of waters and the various lounges, cabin, in bow, in stern and even sundeck. The latter is perfectly integrated into the aggressive and sports line of the boat, almost invisible unless rising.

A Riva it is also a spirit of navigation, to cross in the Mediterranean Sea in 38 knots and to leave in its trail white with foam, a short-lived track of its life at sea. The dolce & vita !

EVASION

© Riva Yacht

145

Sebastiao Salgado

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Genesis de Sabastiao Salgado Editions Taschen

« Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut mon privilège. » - Sebastião Salgado

“In GENESIS, my camera allowed nature to speak to me. And it was my privilege to listen.” - Sebastião Salgado

Sebastião a commencé sa carrière de photographe professionnel à Paris en 1973 et a travaillé avec les agences de photographie Sygma, Gamma et Magnum Photos. En 1994, avec son épouse Lélia, il fonde Amazonas images qui le représente en exclusivité. Les projets photographiques de Salgado ont été l’objet de nombreux livres et expositions toujours en préférant la palette claire obscure des images en noir et blanc.

Sebastião began his career as a professional photographer in Paris in 1973 and subsequently worked with the photo agencies Sygma, Gamma and Magnum Photos. In 1994 he and his wife Lélia created Amazonas images, which exclusively handle his work. Salgado’s photographic projects have been featured in many exhibitions. He has always preferred the chiaroscuro palette of blackand-white images.

Que découvre-t-on dans GENESIS ? Les espèces animales et les volcans des Galápagos ; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l’Antarctique et de l’Atlantique-Sud ; les alligators et les jaguars du Brésil…

Contrairement à l’édition limitée, conçue comme un portfolio grand format zigzagant autour de la planète, l’édition grand public présente une sélection différente de photographies organisées en cinq chapitres géographiques : Aux confins du Sud, Sanctuaires, Afrique, Terres du Nord et Amazonie et Pantanal.

Chacune à sa manière, l’édition de collection et l’édition grand public - toutes deux conçues et réalisées par Lélia Wanick Salgado - rendent hommage au projet GENESIS de Salgado, aussi grandiose qu’exceptionnel.

What does one discover in GENESIS? The animal species and volcanoes of the Galápagos; penguins, sea lions, cormorants, and whales of the Antarctic and South Atlantic; Brazilian alligators and jaguars… Whereas the limited Collector’s Edition is conceived like a large-format portfolio that meanders across the planet, this unlimited book presents a selection of photographs arranged in five chapters geographically: Planet South, Sanctuaries, Africa, Northern Spaces, Amazonia and Pantanal. Each in its own way, this book and the Collector’s edition - both edited and designed by Lélia Wanick Salgado - pay homage to Salgado’s triumphant and unparalleled GENESIS project.

EVASION

1.

L’exposition Sebastião Salgado : GENESIS a été présentée en première mondiale au Musée d’Histoire Naturelle de Londres le 11 avril 2013.

L’exposition « GENESIS » sera présentée dans les lieux suivants : -Musée d’Histoire Naturelle de Londres, Grande-Bretagne, du 11 avril au 8 septembre 2013 -Jardin Botanique, Rio de Janeiro, Brésil, du 28 mai au 25 août 2013 -Musée de l’Ara Pacis, Rome, Italie, du 15 mai au 15 septembre 2013 -Musée Royal de l’Ontario, Toronto, Canada, du 2 mai au 2 septembre 2013 -Maison Européenne de la Photographie (MEP), Paris, France, du 25 septembre 2013 au 5 janvier 2014 -SESC Belenzinho, São Paulo, Brésil, du 9 septembre à novembre 2013 -Musée de l’Élysée, Lausanne, Suisse, du 21 septembre 2013 au 12 janvier 2014

147

PEINTURE

2.

110-4-7501 Since elephants are hunted by poachers in Zambia, they are scared of humans and vehicles. Alarmed when they see an approaching car, they usually run quickly into the bush.

Kafue National Park. Zambia. 2010.

Copyright Sebastião SALGADO / Amazonas images

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205-1-450/43 Iceberg between PauletIsland and the South Shetland Islands on the Antarctic Channel.

At sea level, earlier flotation levels are clearly visible where the ice has been polished by the ocean’s constant movement. High above, a shape resembling a castle tower has been carved by wind erosion and detached pieces of ice.

The Antarctic Peninsula. 2005.

Copyright Sebastião SALGADO / Amazonas images

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