PORTAFOLIO - HISTORIA DEL ARTE - NATALY DIAZ by Nataly Del Rosario Diaz Cusirramos

PORTAFOLIO DE

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS 20210858 2022 - 1

321

DOCENTE: MARIA DE LA PALOMA CARCEDO MURO DE MUFARECH

HISTORIA DEL ARTE

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA Ciclo 2022 - 1

CONTENIDOS

Imagen: Parte de la pintura Terraza del café en la noche Fuente: Cultura Genial https://www.culturagenial.com/es/pinturas-vincent-van-gogh/

CRITERIOS RIBA.........................................................................................................04 EC1...............................................................................................................................06 ACTIVIDAD 1: EL POEMA DE GILGAMESH CG2 CG3.............................................08 ACTIVIDAD 2: ESCULTURA Y ARQUITECTURA PALEOLITICO Y EGIPTO CG2 CG3...............................................................................................................................10 ACTIVIDAD 3: GRECIA Y ROMA CG2 CG3...............................................................12 ACTIVIDAD 4: PALEOCRISTIANO, BIZANTINO, ROMANICO CG2 CG3...............................................................................................................................16

tabla de 2

EC2...............................................................................................................................22 ACTIVIDAD 5: GÓTICO, RENACIMIENTO Y BARROCO CG2 CG3..........................24 ACTIVIDAD 6: IMPRESIONISMO; POSTIMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO CG2 CG3...............................................................................................................................32 ACTIVIDAD 7: INLUENCIAS EN LA PINTURA DEL S.XX Y XXI CG2 CG3............38 REFLEXIÓN DEL CURSO............................................................................................43 INFORMACIÓN ADICIONAL........................................................................................44 Currículum Vitae..................................................................................................46 Información del Curso.......................................................................................47

CRITERIOS RIBA

CG2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas. 1. Historias culturales, sociales e intelectuales, teorías y tecnologías que influyen sobre el diseño de las edificaciones. 2. Influencia de la historia y la teoría sobre los aspectos espaciales, sociales y tecnológicos, de la arquitectura. 3. La aplicación de conceptos teóricos apropiados a los proyectos del taller de diseño, demostrando un enfoque crítico y reflexivo. CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico. 1. Cómo las teorías, prácticas y tecnologías de las Artes influyen en el diseño arquitectónico. 2. La aplicación creativa de las bellas artes y su relevancia e impacto sobre la arquitectura. 3. Aplicación creativa de esta labor para los proyectos de taller de diseño, en términos de su conceptualización y representación.

EC1

NOTA: 18

NOTA 1: ACTIVIDAD 1 EL POEMA DE GILGAMESH CG2 CG3.................8 NOTA 2: ACTIVIDAD 2 ESCULTURA Y ARQUITECTURA PALEOLITICO Y EGIPTO CG2 CG3.........................................................................................10 NOTA 3: ACTIVIDAD 3 GRECIA Y ROMA CG2 CG3.................................12 NOTA 4: ACTIVIDAD 4 PALEOCRISTIANO, BIZANTINO, ROMANICO CG2 CG3.......................................................................................................16

EC1

NOTA 1: AC1 NOTA 2: AC2 NOTA 3: AC3 NOTA 4: AC4

5/5 19/20 15/25 49/50

÷5

17,6 -> 18

CG2/CG3

POEMA DE GILGAMESH HISTORIA DEL ARTE - 2022.1

Los alumnos leerán el poema de Gilgamesh cuyas lecturas se encuentran en el Aula Virtual y están dadas en las Referencias y comentarán: ¿Qué busca Gilgamesh en este poema? - Gilgamesh busca la gloria y la inmortalidad. ¿Dónde se desarrolla? - Se desarrolla en Uruk. ¿Quién le acompaña en su viaje? - Enkidu, quien principalmente fue enviado para enfrentarse a Gilgamesh, pero que después se hizo su amigo es el que acompañaba a Gilgamesh en sus aventuras hasta antes que Enkidu contrajera una enfermedad que le causara la muerte. ¿Qué enseñanzas sacamos del poema? - El poema de Gilgamesh nos enseña a apreciar cada momento con nuestros seres queridos; a apreciar la vida y todo lo que podemos disfrutar de esta; a vivir cada día de nuestra vida creando recuerdos, pues son los recuerdos la verdadera fuente de inmortalidad, pues cuando los creamos nos hace seres eternos en las mentes de las personas. ¿Por qué piensa que ha trascendido tantos siglos y ha influenciado a tantas culturas? - Principalmente por los temas que aborda como la amistad, el deseo de poder y gloria, el amor y que es la primera obra que muestra cómo es la muerte de un ser humano y el tema de la inmortalidad de los Dioses.

IMAGEN 1: PARTE DEL POEMA DE GILGAMESH FUENTE: DEPERTA FERRO https://www.despertaferroediciones.com/2020/epopeya-de-gilgamesh-el-heroeque-vencio-a-la-muerte/

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

IMAGEN 2: ESTATUA DE GILGAMESH FUENTE: HISTORIA NATIONAL GEOGRAPHIC https://historia.nationalgeographic.com.es/a/epopeya-gilgamesh_6746

¿Qué enseñanzas sacamos del poema? - El poema de Gilgamesh nos enseña a apreciar cada momento con nuestros seres queridos; a apreciar la vida y todo lo que podemos disfrutar de esta; a vivir cada día de nuestra vida creando recuerdos, pues son los recuerdos la verdadera fuente de inmortalidad, pues cuando los creamos nos hace seres eternos en las mentes de las personas. ¿Por qué piensa que ha trascendido tantos siglos y ha influenciado a tantas culturas? - Principalmente por los temas que aborda como la amistad, el deseo de poder y gloria, el amor y que es la primera obra que muestra cómo es la muerte de un ser humano y el tema de la inmortalidad de los Dioses.

REFERENCIAS Anónimo (2020) Gilgamesh. Lara Peinado, Federico (2008). Poema de Gilgamesh: un viaje fallido a la inmortalidad. Bitarte. Revista Cuatrimestral de Humanidades. Año 15, No 45. Donostia. España NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

CG2/CG3

PALEOLITÍCO Y EGIPTO HISTORIA DEL ARTE - 2022.1

El alumno deberá realizar la siguiente practica calificada de 2 preguntas, cada un vale 10 puntos. Analice una escultura del Paleolítico y otra del Egipto antiguo teniendo en cuenta la lectura de Análisis y Comentario de una Obra de Arte. Pueden ser la Venus de Willendorf y una escultura egipcia a elección. (10 puntos) VENUS DE WILLENDORF

IMAGEN 1: VENUS DE WILLENDORF FUENTE: National Geographic en Español https://www.ngenespanol.com/descubrimientos /las-venus-significan-hambruna-y-no-fertilidad/

HORUS PROTEGIENDO AL FARAÓN

IMAGEN 2: HORUS PROTEGIENDO AL FARAÓN FUENTE: Egiptologia.org https://egiptologia.org/?page_id=2005

Período: Paleolítico Descubrimiento: 1908 Procedencia: Willendorf, Austria Material: Piedra caliza y pintada en tonos de ocre rojo.

Años: Entre los años 360 a.C. y 343 a.C. Localizada: Al noroeste de la ciudad de El Cairo, en el Bajo Egipto. Material: Está fabricada en grauvaca, mediante las técnicas

Ubicación: Museo de Historia Natural de Viena Altura: 11 centímetros

de incisión y tallado. Ubicación: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. Medidas: Tiene una altura de 72 cm, una anchura de 20 cm y una profundidad de 46,5 cm.

No tiene pies, pero tiene brazos pequeños que descansan arriba de sus senos, caderas anchas, órganos sexuales muy marcados, vientre abultado, pechos grandes, es simétrica y no tiene rostro. Su significado está relacionado con la fertilidad. No es una escultura que haya sido hecha para estar de pie, tal vez fue diseñada para llevarla en la mano. Más que para representar a una persona en concreto, creo que se quiso representar a los órganos reproductores femeninos, ya que le ponen más detalles a estos que al mismo rostro.

Es una escultura de bulto redondo que representa al dios Horus protegiendo al faraón Nectanebo II. Se representa a la deidad como un halcón con la corona doble, la cual representa tanto al Alto como al Bajo Egipto. Se puede apreciar al faraón que es representado en un menor tamaño, que está de pie entre las patas del halcón y vestido con un faldellín. Además, lleva en la cabeza el jat, el cual es un tocado fijado con una diadema que tiene en la frente el ureo, objeto que lleva como emblema protector.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

Analice con un dibujo el templo de Khonsu en Karnak en donde comente las diferentes áreas que lo conforman y los elementos sustentantes y sustentados siguiendo la lectura de Análisis y Comentario de la Obra de Arte de Morante y Ruiz Zapata (10 puntos)

IMAGEN 3: Templo de Khonsu en Karnak FUENTE: AULA DE HISTORIA https://auladehistoria.org/comentario-templo-de-khonsu-jonsu-en/

IMAGEN 4: Templo de Khonsu en Karnak FUENTE: ARTCHIST

EL TEMPLO DE KHONSU Está ubicado dentro del gran Recinto de Amun-Re en Karnak, Luxor, Egipto. A primera vista se puede deducir que está construido con un material parecido a la piedra, en este caso se utilizaron sillares de roca caliza. Está básicamente construido por una base rectangular y está dividida en salas de diferentes tamaños, también se debe mencionar que posee simetría en sus espacios. Como soporte principal se pueden apreciar varias columnas, las cuales tienen un gran tamaño y a mi parecer sirven también como elementos decorativos. Para acceder al templo, se debe recorrer un largo camino rodeado en ambos lados por esfinges, por lo que se le conoce como la avenida de las esfinges. Al final de esta, se encuentra la fachada exterior del templo llamada pilono, y en el centro se encuentra la puerta de acceso en forma de trapecio. En dos aberturas talladas en el pilono se encuentran los mástiles y delante de estos se ubican los obeliscos. La primera sala es la hipetra, la cual es un espacio que no está cubierto por un techo y que está rodeado de columnas, a manera de patio porticado. Después, se encuentra la sala hipóstila, que a diferencia de la sala hipetra esta sí está cubierta y permanece sostenida por columnas, que mayormente son adinteladas y con la nave central más elevada que las restantes y con claraboyas laterales en el desnivel. Por último, encontramos el sancta-sanctorum, lugar en donde se veneraba a los dioses y a la que solo podían acceder el sacerdote y el faraón. El templo cuenta con un eje y las salas presentan una disminución de altura a medida que vas entrando más al lugar;, de igual modo ocurre con la iluminación del lugar, la cual va disminuyendo desde la sala hipetra. Cada sala está dirigida a un grupo social, por lo que el pueblo se ubica en la avenida de las esfinges; en la sala hipetra, los nobles; en la hipóstila, la familia real; y en el santuario, el faraón. A mi parecer el templo es una maravilla arquitectónica que goza de gran belleza y que nos da la idea de lo tan avanzados que estaban los egipcios en cuanto a la arquitectura en esos tiempos.

REFERENCIAS Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Londres: Paidon Press Limited. Morante López F. y Ruiz Zapata A.M (1997) Tema I Introducción. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: Estudio de Obras de Pintura, Arquitectura y Escultura. pp. 11-19. Editorial Edinumen. Madrid. Tema II Arte Egipcio. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: Estudio de Obras de Pintura, Arquitectura y Escultura. pp. 31-39. Editorial Edinumen. Madrid.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

CG2/CG3

GRECIA Y ROMA HISTORIA DEL ARTE - 2022.1

El alumno no solo describirá, sino que criticará, los elementos formales y hará un comentario sobre las esculturas y edificios abajo mostrados. Deberán hacerlo según la lectura de “Análisis y Comentario de una Obra de Arte” de Morante y Ruiz Zapata de los capítulos sobre Grecia y sobre arte Romano, además de lo que les pueda ayudar como el libro de Gombrich y otras lecturas subidas al Aula Virtual, las cuales se describen en las referencias al final de esta Actividad. El alumno seguirá las siguientes instrucciones: ESCULTURA: Deberá explicar, cultura artística, periodo dentro de esta y fecha de cada una. Deberá explicar las características formales del periodo a que corresponde cada escultura, no a la escultura en general griega o romana, solo la del periodo a que corresponde y explicar en qué características formales se materializan esos conceptos. Luego, realizará un comentario en donde critique los usos, fines y diferencias y similitudes que observa en estas esculturas. (10 puntos)

LAOCOONTE Y SUS HIJOS Autores: Agesandro, Arenorodo y Polidoro de Rodas. Creación: Pertenece al periodo helenístico (323 a.C. – 30 d.C.). Hallazgo: Siglo XVI. Material: Mármol blanco. Ubicación actual: Museo Pío-Clementino, Ciudad del Vaticano. Medidas: 2,42 m de altura En la figura 1 podemos apreciar a Laocconte y a sus hijos. Existe una obra, la cual es la inspiración original que dio vida a esta versión, que está hecha de cobre. Esta versión más actual fue hecha gracias a la técnica de tallado en mármol blanco. En la imagen podemos apreciar a dos serpientes estrangulando a sus víctimas, estas dos simbolizan la cólera de los Dioses y los castigos que son capaces de infligir a los mortales. En cuanto a la composición de esta estatua, podemos ver una disposición de los elementos de una forma triangular, atrayendo la vista Laocoonte en la parte superior y la de sus hijos en los extremos inferiores. La postura de esta estatua no es similar a la de sus antecesoras, ya que las antiguas estatuas se mostraban en reposo, mientras que en esta se ve una tensión en los cuerpos producida por la misma batalla que están lidiando. En cuanto a su estilo, está basada en el estilo helenístico, el cual muestra en esta estatua una representación de las emociones bien claras hasta se puede decir un poco exageradas y una representación física bien expresada para esos tiempos. Gracias a este estilo podemos decir que Laocconte se ve desesperado no solo por el dolor físico, sino que también por el hecho de que a sus hijos les espera el mismo destino que a él y que no puede hacer nada para ayudarlos. Su mensaje es un es tanto religioso por el hecho que mencioné antes de que representa los castigos que podrían llegar a dar los Dioses a quienes los desobedecían. Una crítica que le podría hacer a esta obra es que me parece que de por sí sola cuenta una historia sin necesidad de conocer sobre su origen, también está el hecho de todos los detalles que posee, los cuales hacen a esta estatua una gran obra de arte. (Imaginario, n.d.)

FIGURA 1: El Laocoonte y sus hijos. Escultura Helenística 200 a.C. Museo Vaticano FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/ Laocoonte_y_sus_hijos

PERIODO HELENÍSTICO (323 A.C. - 30 D.C.) El inicio del periodo helenístico fue marcado por la muerte de Alejandro Magno y finalizó con el suicidio de Cleopatra VII de Egipto. Este periodo aportó mucho hablando culturalmente. Se creó el Mecenazgo que es el acto de acoger a un artista o a un científico, de esta forma ellos se podrían concentrar en su arte o investigaciones. Gracias al Mecenazgo hubo muchos avances científicos, médicos e incluso en la anatomía. Algunos de estos avances fueron gracias a las prácticas de dos técnicas, las cuales son: Las disecciones y las vivisecciones. Gracias a estas técnicas se descubren los orígenes reales de las enfermedades, por lo que se dejó de creer que eran castigos que los dioses mandaban al pueblo. Ahora hablando de la filosofía se crearon 4 escuelas enfocadas en alcanzar la felicidad, estas 4 escuelas fueron: Cinismo, Epicureísmo, Estoicismo y Escepticismo. También es importante hablar del arte de esta época, ya que muchas de las más importantes obras de arte en general pertenecen a este periodo. Hablando exclusivamente de las esculturas, se incorpora el estudio de los ropajes, de la transparencia en los vestidos y de la flexibilidad en las actitudes. (Suárez, n.d.)

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

ESCULTURA DE CÉSAR AUGUSTO Autor: Desconocido Creación: Imperio romano. Posterior al 14 d.C. (Siglo I d.C.), copia de una original del 20 a.C. Material: Mármol blanco. Ubicación actual: Museos Vaticanos, Roma Medidas: 208 centímetros y 12 centímetros x 130 centímetros En la figura 2 podemos apreciar la escultura de bulto redondo de César Augusto, él cuál está tallado en cuerpo entero y de pie. Describiendo la acción que hace este emperador romano con la mano levantada, pareciera que se dirige a sus tropas, ya que a la vez lleva puesto su traje de batalla, que en esos tiempos acostumbraban ponerle a las estatuas de los emperadores. Esta escultura hecha en mármol blanco no es la versión original, puesto que fue hecha a pedido de la esposa de César Augusto cuando este murió. A simple vista se puede confundir las texturas de la escultura con la de la piel humana por su gran trabajo de pulido y tallado, mientras que en la armadura que lleva puesto se observan varios relieves que demuestran mucho trabajo en cada detalle. Las facciones que muestra el emperador romano en esta estatua son tranquilas, es decir, que no demuestra ninguna emoción fuerte como el odio o el enojo. También podemos apreciar que inclina la cabeza y el hecho de apoyar todo su peso sobre una pierna y dejar la otra sin algún peso alguno da alusión a la naturalidad y ya no utiliza las típicas posiciones rígidas de frente que había en la antigüedad. Como podemos observar en la imagen, la anatomía del emperador romano César Augusto está muy bien trabajada en el mármol, incluso si somos más observadores podemos apreciar que emplean una técnica de paños mojados para que se apreciara más su figura. También es importante resaltar el hecho de que no lleva calzado y que con la mano izquierda sujeta varios pliegues de su vestimenta, lo que le hace dar un toque de naturalidad. Por último, al lado de su pierna derecha hay un delfín y un cupido, la razón de la estancia de estos dos personajes en esta estatua era para brindar estabilidad.

SIGLO I D.C. EN ROMA En Roma, durante este ciclo hubo más de 13 emperadores, incluyendo, obviamente, al gran emperador César Augusto. Durante el transcurso de este siglo, el gran Imperio Romano completó todo el dominio, su dominio en Europa meridional y occidental, en el Norte de África, Asia Menor y el Levante mediterráneo. Los emperadores de esta época se caracterizaron por las grandes obras arquitectónicas y artísticas que hicieron para "decorar" sus imperios, todo esto gracias al gran momento económico que atravesaba el Imperio romano durante esta época. También es importante mencionar que César Augusto fue considerado como el mejor emperador que Roma alguna vez tuvo. (Wikipedia, 2022)

FIGURA 2: Escultura de Cesar Augusto. Museo Chiaramonti,, Ciudad del Vaticano. S. I d.C. FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/ Augusto_de_Prima_Porta

DIFERENCIAS Y SIMILITUDES ENTRE LA ESCULTURA DE "LAOCOONTE Y SUS HIJOS" Y LA DE "CÉSAR AUGUSTO" Una de las más claras diferencias entre las estatuas de "LAOCOONTE Y SUS HIJOS" y la de "CÉSAR AUGUSTO" es que la primera no lleva prendas que tape los cuerpos de las personas representadas, mientras que en la estatua de César Augusto, el emperador lleva su traje de batalla característico de la época. Otra diferencia era las expresiones que mostraban, ya que en la primera se ve expresiones un tanto exageradas, mientras que en la segunda se veía una facción más natural. En cuanto a las similitudes, pues la más obvia es que ambas están trabajadas en mármol blanco y que no son las versiones originales, sino que son copias de esculturas más antiguas hechas con cobre. Otra similitud es el trabajo empleado en cada detalle que poseen, a simple vista se puede ver el arduo trabajo que representó cada estatua.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

ARQUITECTURA: El alumno deberá analizar los elementos formales de ambas edificaciones, así como escribir sobre los dibujos de ambas plantas y alzados las partes, secciones o elementos constructivos que distinga en cada una de ellas. Deberá realizar un comentario en donde explique: diferencias arquitectónicas en ambas, uso del edificio y de los espacios, materialidad, fecha y siglo aproximado y en caso de que se sepa, los arquitectos y escultores que intervienen, como el caso del Partenón de Atenas. (15 puntos)

PARTENÓN DE LA ACRÓPOLIS DE ATENAS Ubicación: Atenas, Grecia. Construcción: 447-432 a. C. Demolición: Más o menos el 26 de septiembre de 1687 Arquitecto: Ictino, Calícrates y Fidias Dedicado a: Atenea Tipo: Templo griego Dimensiones: Exterior: 69,5 × 30,9 m. Cella: 29,8 × 19,2 m

FIGURA 4: Dibujo de la planta del Partenón de la Acrópolis de Atenas FUENTE: Wikipedia Commons

FIGURA 5: Dibujo de un corte del Partenón de la Acrópolis de Atenas FUENTE: ANÁLISIS HISTORICO I

Cornisa Estatua de Atenea

Cubierta: se construía a dos vertientes

Friso

Fue construido entre los años 447 y 432 a.C. en la Acrópolis de Atenas. Es considerado uno de los monumentos más importantes de la antigua Grecia, incluso es su monumento más representativo. Está construido con mármol blanco y su principal función era refugiar la estatua de oro y marfil de Atenea, tal como se aprecia en la figura 6, la cual mide doce metros de altura y fue tallada por Fidias. Las medidas que posee este templo son de 70 m de largo y posee 30 m de ancho. Como podemos apreciar en la figura 3 el lugar estaba rodeado de columnas al rededor de todo su perímetro, 8 estaban ubicadas en la fachada y en su posterior del Partenón y 17 estaban ubicadas en cada lado del mismo. Estas columnas poseen un estilo dórico y asimismo cada una de ellas mide 10,93 m de alto y poseen un diámetro de 1.91. El friso que tiene el Partenón como elemento de decoración mide unos 160 m de largo y rodeaba la parte superior de la cella del Partenón, son una serie de esculturas talladas a bajo relieve con el mismo material de mármol del Partenón y poseen un estilo jónico, aunque el Partenón de la Acrópolis de Atenas no poseía el mismo estilo, ya que este Partenón poseía un estilo dórico. La estructura de este Partenón fue copiada para otros templos en estos tiempos. Como mencioné antes, una de las estancias de este Partenón estaba destinada a albergar a la estatua de la Diosa Atenea, mientras que la otra estancia que se accedía mediante el pórtico ubicado en la parte trasera fue un lugar en el cual se decidió guardar el tesoro del pueblo, posee cuatro delgadas columnas jónicas que sostienen el techo tal como se observa en la figura 5 y posee el nombre de la "cámara de las doncellas", ya que en un principio sirvió como una sala en la cual su fin era que las jóvenes le rindieran culto a Atenea.

Columna Alquitrabe

FIGURA 6: Dibujo, alzado y corte del Partenón de Atenas FUENTE: EOSGIS. com

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

FIGURA 3: Imagen del Partenón de la Acrópolis de Atenas FUENTE: ABC

TEMPLO ROMANO DE SATURNO FIGURA 7: Dibujo de un templo romano. Fuente: Alargos, Arte e Historia

País: Italia Ubicación: Foro Romano Tipo: Templo romano Construcción: Se construyó entre 501 y 498 a. C. Dueño: El rey Lucio Tarquinio el Soberbio Dedicado a: Al Dios Saturno Estilo: Jónico Fue construido entre los años 501 y 498 a.c. y está ubicado adentro del Foro Romano, también se debe mencionar que es considerado una de las construcciones más importantes dentro de este Foro y sus restos actualmente son los más antiguos de esa zona. Fue construido para adorar al Dios Saturno, el cual era Dios de la agricultura y la cosecha, es por eso que los romanos en la antigüedad hacían fiestas a honor de este Dios. El estilo que posee el templo es jónico y en su composición encontramos ocho columnas que estaban hechas de granito. También tuvo la función de almacenar el tesoro nacional de los romanos, por lo que se le dio el nombre de Aerarium, pero posteriormente la función que tenía fue reemplazada por otra. Como se puede observar en la figura 7 este templo posee una gran escalera que sirve como entrada, la cual sería la única que tenía, pues no se podía acceder a este templo, por otro lado, por la disposición de estas escaleras. También se observan columnas al rededor del espacio principal, a la vez se puede observar los muros que conforman este único espacio, los cimientos de estos muros poseían un grosor de 3 m y una altura que no pasaba de los 3.92 m. Es importante resaltar el podio en el que se encuentra este templo, ya que no todos los templos tienen uno igual y eso era lo que caracterizaba a los romanos. Este podio poseía 24 m de ancho, 33 de largo y se elevaba 9 metros encima de la explanada del Foro. La fachada posee 6 columnas y llevan fustes lisos de 1.35 m de diámetro en sus bases y poseen un alto de 11.65 m, estas 6 están hechas con granito egipcio de Mons. Claudianus, mientras que las

Figura 8: Planta de un templo romano Fuente: Domingo et al, 2011, p.226

demás columnas ubicadas en los laterales del templo fueron hechas con granito egipcio rosa.

DIFERENCIAS Y SIMILITUDES ENTRE EL "PARTENÓN DE LA ACRÓPOLIS DE ATENAS" Y EL "TEMPLO ROMANO DE SATURNO" Una de las más claras diferencias entre el "PARTENÓN DE LA ACRÓPOLIS DE ATENAS" y el "TEMPLO ROMANO DE SATURNO" es el material del cual fueron construidos, ya que el primero fue construido con el material de mármol blanco, mientras que el segundo fue construido con granito. Otra diferencia que poseen es su sistema de ingreso, por el hecho de que en la primera se podría ingresar de todos los lados de la edificación, mientras que en el templo Romano de Saturno solo se puede ingresar por la parte delantera, esto porque posee una base con una única escalera ubicada en la parte delantera de la edificación. Por otro lado, una de las similitudes que tienen es que ambos fueron construidos para adorar a Dioses, en el caso del Partenón fue construido para adorar a Atenea, mientras que el Templo de Saturno fue para adorar al mismo Dios que lleva de nombre. Otra similitud que poseen es que ambos templos utilizan las columnas, ya sea como sistema de soporte y/o como elemento decorativo.

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) - Arte Griego En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema III: Grecia, pp. 41-55. Editorial Edinumen. Madrid. España. - Arte Romano En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema IV, pp. 57-74, Editorial Edinumen. Madrid. España.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

CG2/CG3

PALEOCRISTIANO, BIZANTINO Y ROMÁNICO HISTORIA DEL ARTE - 2022.1

El alumno no solo describirá, sino que criticará, los elementos formales y hará un comentario sobre las esculturas y edificios abajo mostrados. Deberán hacerlo según la lectura de “Análisis y Comentario de una Obra de Arte” de Morante y Ruiz Zapata de los capítulos sobre Grecia y sobre arte Romano, además de lo que les pueda ayudar como el libro de Gombrich y otras lecturas subidas al Aula Virtual, las cuales se describen en las referencias al final de esta Actividad. El alumno seguirá las siguientes instrucciones: ARQUITECTURA: El alumno deberá analizar los elementos formales de las edificaciones, así como escribir sobre los dibujos de ambas plantas y alzados las partes, secciones o elementos constructivos que distinga en cada una de ellas. Deberá realizar un comentario en donde explique: diferencias arquitectónicas en ambas, uso del edificio y de los espacios, materialidad, fecha y siglo aproximado y en caso de que se sepa, los arquitectos y escultores que intervienen.

BASÍLICA PALEOCRISTIANA DE SAN PEDRO EN EL VATICANO

Ábside

transeptum o crucero Naves Laterales

Nave Central

Nartex

Atrio

Puerta de entrada

Fuente

FIGURA 1: Planta de la Basílica de San Pedro del Vaticano FUENTE: Alamy https://www.alamy.es/foto-arquitectura-planos-de-planta-basilica-de-sanpedro-viejo-roma-construida-alrededor-de-324-326-ad-por-el-emperador-flaviovalerio-aurelio-constantino-dibujo-19814982.html

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

FIGURA 2: Dibujo de la reconstrucción de la Basílica Paleocristiana de San Pedro del Vaticano S.IV. FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Pedro

Estilo arquitectónico: Arquitectura de la antigua Roma. Arquitectos: Bernardo Rossellino, Leon Battista Alberti. Conocido también como: Según Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) se le conoce como la Basílica Constantiniana, por haber sido mandada a construir por el emperador Constantino I. Dedicado a: San Pedro.

La actual Basílica de San Pedro, ubicada en la Ciudad del Vaticano, no es la versión original, ya que antes de esta moderna versión hubo otra, la cual se analizará a continuación: Esta Basílica estuvo construida en el lugar en donde se sepultó a San Pedro y también se sabe que la mayoría de los papas han sido enterrados en este lugar desde la época paleocristiana. Según Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) las basílicas se construyeron para resolver las necesidades del culto del cristianismo, por lo que los fines de esta edificación son religiosos y esta edificación aparece gracias al Edicto de Milán. Además, mencionan que se empleaba materiales baratos para la construcción de sus edificaciones, por lo que esta basílica pudo haber sido construida con ladrillos, mampuestos, madera o incluso pudo contener mármol en las columnas. Los arcos que poseía esta basílica eran de medio punto y de medio punto peraltado. En cuanto a la decoración de esta basílica pudo haber consistido en murales, mosaicos o incluso incrustaciones de mármoles, este último al ser un material barato para estos tiempos y al tener un uso frecuente en las diferentes obras arquitectónicas, es muy probable que haya sido utilizado también en la decoración de esta basílica. Ahora, como mencionan Ching F.D.K., Mark M. Jarzombek y Vikramaditya Prakash (2011) para ingresar a los espacios de esta basílica, primero debían subir varias escaleras que conducían al atrio de la basílica, el cual estaba construido arriba de una plataforma amplia que estaba ubicada en una pendiente. Como podemos apreciar en la figura 1, la cual es la planta de la basílica, luego del atrio encontrábamos la nave, la cual se dividía en una central y las naves laterales, todas estas divididas por así decirlo por columnatas en ambos lados. Las columnas antes mencionadas no fueron construidas para esta basílica en especial, ya que Ching F.D.K., Mark M. Jarzombek y Vikramaditya Prakash (2011) menciona que estas fueron tomadas de varios edificios romanos precristianos. Además, la nave central era un lugar en el que se enterraban a algunas personas, tanto así que Ching F.D.K., Mark M. Jarzombek y Vikramaditya Prakash (2011) mencionan que los suelos llegaron a ser completamente tomados por las tumbas, es decir, no había un solo espacio en el que no haya una tumba en este lugar de la basílica, por lo que se consideraba a la nave como un pasadizo, un cementerio y a la vez un santuario. La nave central no acababa en el ábside como en otras edificaciones, como por ejemplo en San Juan de Letrán, sino que acababa en el transepto o también conocido como crucero, si bien esto ahora es considerado algo normal, en el siglo IV no lo era, por lo que Ching F.D.K., Mark M. Jarzombek y Vikramaditya Prakash (2011) mencionan que el transepto no fue considerado omnipresente hasta que los carolingios lo convirtieron en la parte central de sus iglesias alrededor del siglo IX. También es importante mencionar que el crucero era considerado como un elemento que diferenciaba a las iglesias martyrium de una basílica imperial. Luego del transepto encontramos ahora sí a el ábside como espacio final.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

LA IGLESIA DE SANTA SOFÍA EN ESTAMBUL, TURQUÍA

Skenophy Lakión

Contrafuerte

Nártex

Pórtico

Exedra

Ábside

SemiCúpula Atrio

Nave Lateral

Pórtico Cúpula

Pórtico Baptisterio

FIGURA 3: Planta de la Iglesia de Santa Sofía en Estambul, Turquía FUENTE: Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes https://www.cervantesvirtual.com/portales/la_caida_de_constantinopla/imagenes_de_santa_sofia /imagen/imagenes_de_santa_sofia_00-constantinopla_plano_de_la_planta_de_santa_sofia/

FIGURA 4: Vista exterior general de la Iglesia de Santa Sofía en Estambul, Turquía FUENTE: My Modern Me thttps://mymodernmet.com/es/hagia-sophia/

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

Estilo arquitectónico: Arquitectura bizantina. Arquitectos: Isidoro de Mileto, Antemio de Trales. Inauguración: 27 de diciembre de 537 d. C. Altura: 56 m. Su nombre significa: Sagrada Sabiduría. Sus inicios: En un inicio era una mezquita del Imperio otomano. Según mencionan Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) la arquitectura bizantina se da en respuesta a conceptos funcionales, simbólicos e incluso estéticos que se producen de los siglos VII hasta el siglo XI y que perduran hasta el siglo XVII. Ahora se dará un análisis de la iglesia de Santa Sofía, ubicada actualmente en el ahora conocido Estambul. En la figura 3 podemos apreciar la planta de la iglesia de Santa Sofía y como mencionan Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) podemos ver que la planta está conformada por un rectángulo, cuyas proporciones son casi idénticas a las de un cuadrado, y que también tiene un remate, el cual se da, como podemos apreciar en la imagen, en el espacio del ábside, ya que posee una forma diferente al resto de la planta. En cuanto a los materiales utilizados, cada uno cumplía una función específica, es decir, cada material iba destinado a una parte exacta de la edificación. Por ejemplo, en las columnas y pavimentos se empleaba diferentes mármoles de varios colores y pórfidos, por otro lado, la piedra se empleó en sillares para los pilares y a la vez la piedra con el ladrillo fue usado para los muros de esta edificación, por último, para las cubiertas se utilizó ladrillo y otros materiales ligeros. Si bien por el exterior ya goza de un gran atractivo visual, nada se compara al atractivo a la vista que posee en su interior, ya que está llena de detalles y como mencionan Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) se centró el interés es este espacio, por el hecho de que en el interior se patentiza la función del mismo, quiero decir de las tendencias cesaropapistas que funden "imperium" y "sacerdotium". En cuanto a la decoración del lugar, esta cumple un rol importante en el interior de esta iglesia, encontramos diferentes elementos decorativos y no todos estos tienen sola la función de decorar el lugar, sino que otros también sirven como soportes del mismo. Por ejemplo, algunos de estos elementos decorativos que cumplen también la función de soportes son las columnas y arquerías, otros elementos decorativos son algunas estatuas de relieves a bisel y trépano de los capiteles en las mismas columnas, también encontramos algunos mosaicos, los cuales se encuentran en la cúpula y por último, encontramos taraceas en los pavimentos. Aparte del remate antes mencionado, también aparece el ritmo, el cual se evidencia en la forma de ubicar las columnas y arquerías. También es importante mencionar el espectáculo de luz que ofrece esta iglesia, ya que como mencionan Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) la luz entra por diferentes ventanas y esta misma varía su entrada dependiendo de la hora del día y cae por las paredes y por los pavimentos, por otro lado, las sombras de este lugar están asociadas al relieve plano y al uso de la policromía, lo cual resulta en una disipación de las formas.

IGLESIA ROMÁNICA

girola

crucero

ábside absidiolos

portada lateral

transepto nave central

torre campanario naves laterales

FIGURA 5: Planta de una Iglesia Románica FUENTE: DICCION ARTE http://diccionarioarteconpedro.blogspot.com/2015/05/planta-de-cruz-latina.html

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

cubierta

bóveda de cañón

cimborrio

arco de medio punto

nave central

torre

crucero

portada lateral

altar nave lateral

ábside

absidiolo

transepto

FIGURA 6: Corte isométrico de una Iglesia Románica FUENTE: Arkiplus https://www.arkiplus.com/caracteristicas-de-una-iglesia-romanica/

Estilo arquitectónico: Arquitectura románica

Según Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) el material utilizado en la arquitectura románica más usado es la piedra, la cual se usa en muros de sillería y el ripio. Como soporte tenemos a los muros, esta función que cumplen determina el grosor de estos y la cantidad de vanos que presentan, que a la vez serán abocinados. Además, también emplean como soporte exento a los pilares compuestos que mayormente son cruciformes para la división de las naves, por último, también se emplean columnas sin proporciones ni en un orden específico, las cuales son empleadas mayormente en criptas, pórticos y claustros. También es importante mencionar que en sus edificaciones utilizan arcos de medio puntos. Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) describen estas obras como lugares oscuros, donde domina el macizo sobre el vano. También mencionan que es un edificio donde predomina la horizontalidad, por lo que poseen un ritmo, donde únicamente las torres lo rompen. En cuanto a la decoración de sus edificaciones, hay una relación con el interior y el exterior, es decir, que aparecen tanto afuera como adentro. Algunos ejemplos de tipos de decoración son: Ajedrezado, dientes de sierra, puntas de diamante, medias bolas, etc. Algunos de los espacios que podemos encontrar en una iglesia románica son: El Transepto, Ábside, Absidiolos, Nave central, Contrafuerte, Crucero, etc. Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) también mencionan que las iglesias poseen una o más naves longitudinales, naves de crucero sobresalientes en planta y cabecera, además, si como en el caso anteriormente mencionado existen varias naves, la nave central siempre suele ser la más alta y en algunas ocasiones en las naves laterales se encuentra una tribuna. En cuanto a los ingresos, existen varias puertas, pero la principal se encuentra ubicada en el lado oeste, donde está la fachada y las dos torres campanarios, tal como se puede observar en la figura número 5. Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) mencionan que el interior está focalizado en el altar y en cuanto al exterior, este es un buen ejemplo de la buena articulación interna de la edificación y que los volúmenes son puros.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

COMENTARIO Una de las más claras similitudes que poseen estas tres obras arquitectónicas es la relación de espacios que las conforman, ya que presentan casi los mismos espacios entre todas. Otra similitud que poseen es la utilización de columnas, ya sea como elementos decorativos o como elementos de soporte. Por otro lado, una de las más claras diferencias que poseen estas tres edificaciones se evidencian en las plantas de estas mismas, puesto que en la basílica de San Pedro se evidencia más la horizontalidad de la edificación, por el hecho de que su planta está conformada por un rectángulo bien largo, al igual que en la planta de la iglesia de Santa Sofía, solo que en este caso el rectángulo es más pequeño en cuanto a su largo, casi evidenciando un cuadrado y, por otro lado, la planta de la iglesia románica no es un rectángulo, sino que tiene forma de una cruz. Otra diferencia que poseen es que la basílica de San Pedro se encuentra encima de una plataforma y su forma de ingreso es mediante una única escalera, caso contrario ocurre en las otras dos edificaciones, en donde se encuentran ubicadas en el mismo nivel del suelo y poseen varias entradas.

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) - Arte Paleocristiano En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema V, pp.75-84; . Editorial Edinumen. Madrid. España. - Arte Bizantino En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema VI, pp. 85-94. Editorial Edinumen. Madrid. España. - Arte Románico Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema VIII, pp. 105-122. Editorial Edinumen. Madrid. España.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

EC2

NOTA: ¿?

NOTA 5: ACTIVIDAD 5 GÓTICO, RENACIMIENTO Y BARROCO CG2 CG3...............................................................................................................24 NOTA 6: ACTIVIDAD 6 IMPRESIONISMO; POSTIMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO CG2 CG3........................................................................32 NOTA 7: ACTIVIDAD 7 PINTURA S XX Y XXI CG2 CG3........................38

EC2

NOTA 5: AC5 NOTA 6: AC6 NOTA 7: AC7 NOTA 8: PORTAFOLIO

36/40 20/20 ¿?/15 ¿?/25

÷5

¿?

CG2/CG3

PINTURA: GÓTICO, RENACIMIENTO Y BARROCO HISTORIA DEL ARTE - 2022.1

El alumno elegirá un tema que encuentre transversal en diferentes periodos artísticos estudiados de la semana 9 a la 14. Es decir, que se encuadre en el gótico, renacimiento y barroco. Deberá ser un tema que le recuerde a “romper las cadenas” con el periodo anterior y en la que demuestre que el artista que ha hecho algo “revolucionario” con el periodo anterior, tanto sea en técnicas artísticas empleadas como en temática. Puede ser un tema relacionado con la figura de la mujer a través de estos periodos, el retrato femenino o masculino, el erotismo a través de las pinturas de estos periodos, la representación de escenas al exterior o interior, con o sin arquitectura, temáticas mitológicas, religiosas (por ejemplo, la figura de la Virgen María) o aquella obra que el alumno/os les parezca que el pintor en esa pintura (mural, lienzo, table, etc.) supuso una revolución con los cánones iconográficos o artísticos que en ese momento estaban establecidos. Expliquen cuál fue su originalidad, su aporte a la historia de la pintura y el por qué la eligieron. Tiene que estar dentro de los artistas que se piden en el sílabo del curso. En su análisis, deben analizar los elementos formales de la pintura, teniendo en cuenta lo aprendido en clase y desde el punto de vista de Análisis Formal y del Comentario, tal como se indica en la lectura de Morante y Ruiz Zapata (1997) en los capítulos del Gótico, Renacimiento, Barroco y lo leído en Gombrich (2007). Deberán poner referencias tanto en al comentario del texto como al final del trabajo y deberán utilizar fotos o dibujos que expliquen sus comentarios. Por ejemplo, detalles de las fotos, etc. Escriban o dibujen encima de las fotos para las explicaciones. Debajo de cada imagen OBLIGATORIO pongan: Figura XXX: Descripción y debajo el link de la fuente.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

GÓTICO TEMA ESCOGIDO: LA REPRESENTACIÓN DE CRISTO OBRA: DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ PINTOR: ROGIER VAN DER WEYDEN Detalles bien representados.

Dirección hacia el centro.

IMAGEN 1: DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_(Rogier_van_der_Weyden)

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

1. Descripción: Autor: Rogier Van Der Weyden Fecha: Aprox. 1436 Asunto representado: Están bajando a Cristo de la cruz. Técnica: Óleo Soporte: Tabla Tamaño: Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Estilo: Gótico Ubicación actual: Museo del Prado, Madrid, España. 2. Forma de expresión: Debido a la identificación de varios objetos y personas en la pintura se puede afirmar que es una pintura figurativa.

IMAGEN 2: ROGIER VAN DER WEYDEN FUENTE: Metropolitan Museum of Art https://www.metmuseum.org/es/art/collection/ search/437487

Análisis: Rogier Van Der Weyden, el cual se aprecia en la imagen 2, utilizaba en sus composiciones una amplia gama de colores. Tal como se puede apreciar en la imagen 1 los colores parecen ser únicos, es decir, no se repite el mismo color en otra parte de la pintura. Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época se solía emplear tonos de gamas ternarias y que alcanzaban el preciosismo, también mencionan que algunos pintores usaban diferentes graduaciones tonales para crear una perspectiva en la pintura, lo cual se deja apreciar en la imagen 1. En cuanto al trabajo con la luz, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época la luz juega más un papel de apoyo, por lo que no toma una gran notoriedad en las pinturas, tal como se puede observar en la imagen 1 donde se puede ver un juego sutil entre la luz y las sombras, pero no a gran escala, por lo que no se puede apreciar una notoria profundidad en cada elemento de la pintura. En cuanto al fondo de la pintura, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época era empleado los fondos de color dorado, los cuales eliminaban la profundidad y generaban ambientes ultraterrenos y eso se puede confirmar si se presta atención al fondo de la pintura de la imagen 1, el cual es de un color dorado bien brillante. En cuanto a la composición del cuadro, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época tienen muy en cuenta el eje de simetría, las composiciones son cerradas, los elementos son globalizados y están orientados hacia el centro de la pintura, tal como se puede apreciar en la figura 1, se puede ver que la composición de la pintura es cerrada y que todos los elementos que la componen o están ubicados en el centro de la pintura o se enfocan en el centro, es decir, algunas de las personas de la pintura dirigen sus cuerpos o miradas hacia el centro. En cuanto a los rasgos y expresiones, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época se refleja un nuevo ideal estético, el cual está orientado hacia un naturalismo idealizado, el cual es individual y expresivo, lo cual Van Der Weyden lo representa en esta pintura, ya que idealiza un poco a los personajes, pero no deja que se pierda la naturalidad de cada uno. También es importante mencionar la simplicidad en los rasgos faciales, en la ropa y hasta en la misma jerarquía de los elementos, puesto que como se puede apreciar en la imagen 1 hay 10 personajes de iguales proporciones, todos están juntos y no poseen algo que los haga jerárquicos a los demás, por lo que ninguno se lleva toda la atención, sino que es compartida. Por último, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que la temática más usada durante esta época era la religiosa y eso es algo que claramente describe a la pintura de la imagen 1.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

RENACIMIENTO OBRA: CRUCIFIXIÓN MOND PINTOR: RAFAEL SANZIO Posee jerarquía.

Dirigen la vista hacia el elemento jerárquico.

IMAGEN 3: CRUCIFIXIÓN MOND FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Crucifixi%C3%B3n_Mond

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

1. Descripción: Autor: Rafael Sanzio Fecha: Aprox. 1502-1503 Asunto representado: Se puede observar a Cristo crucificado en la cruz. Técnica: Óleo Soporte: Tabla de álamo Tamaño: Mide 283,3 cm de alto y 167,3 cm de ancho. Estilo: Renacimiento Ubicación actual: National Gallery, Londres, Reino Unido. 2. Forma de expresión: Debido a la identificación de varios objetos y personas en la pintura se puede afirmar que es una pintura figurativa. 3. Elementos de diferenciación respecto al periodo anterior: Si se compara el cuadro de Rafael Sanzio con el cuadro de Rogier Van Der Weyden la característica más notoria que los diferencian es el fondo de sus cuadros, ya que Van Der Weyden utiliza un fondo dorado de acuerdo a la época, mientras que Sanzio utiliza un paisaje de día para este cuadro. Otra cosa que los diferencian es la jerarquía de los elementos de cada pintura, puesto que Van Der Weyden no define una clara jerarquía para los elementos de su obra, mientras que en la pintura de Sanzio se puede apreciar facilmente cuál es el elemento jerárquico.

IMAGEN 4: RAFAEL SANZIO FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio

Análisis: Rafael Sanzio, el cual aparece en la figura 4, para esta obra (figura 3) pareciera que no utiliza una amplia gama de colores, sino que a simple vista se podría decir que utiliza varias veces los diferentes colores que conforman la pintura, los casos más notorios son los de los de tonos verdes y rojos. En cuanto al trabajo con la luz, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época la luz era empleada de forma intensa en los primeros planos y que disminuían su utilización en los fondos, lo cual ayudaba a los efectos de la perspectiva del cuadro, lo cual se puede apreciar claramente en la figura 3 donde se ve a las personas más iluminadas que el paisaje del fondo. En cuanto al fondo anteriormente mencionado, se puede decir que es un paisaje que tiene una elaboración simple, ya que tal vez no se quiso opacar los otros elementos de la obra. En cuanto a la composición del cuadro, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época se organizaba de acuerdo a esquemas geométricos elementales, lo cual si se ve con cuidado podemos ver cómo los elementos que conforman el cuadro en la figura 3 están ubicados de acuerdo a un triángulo. En cuanto a los rasgos y expresiones, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época se utilizaba una forma de expresión figurativa, naturalista e idealizada, la cual condecía una importancia básica a la figura humana bella, bien proporcionada y que mayormente aparecían desnudas, lo cual le permitía a los artistas alardear de todos sus conocimientos sobre la representación de la anatomía humana, lo cual Rafael Sanzio representó en esta obra de una forma bien elaborada. También es importante mencionar la simplicidad al momento de darle movimiento a las personas, es decir, las personas poseen una pose que denota relajación, lo cual no expresa mucho en cuanto a sentimientos. Por último, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que las temáticas más usadas durante esta época eran la religiosa y lo profano, lo cual en este cuadro se evidencia más lo religioso.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

BARROCO OBRA: LA ELEVACIÓN DE LA CRUZ PINTOR: PEDRO PABLO RUBENS

Expresiones más reales. Posee jerarquía.

Claro uso de las luces y las sombras.

Dirigen la vista hacia el elemento jerárquico.

IMAGEN 5: LA ELEVACIÓN DE LA CRUZ FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/La_elevaci%C3%B3n_de_la_cruz

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

1. Descripción: Autor: Pedro Pablo Rubens Fecha: Aprox. 1610-1611 Asunto representado: Se puede observar que están alzando la cruz con Cristo crucificado en ella. Técnica: Óleo Soporte: Tabla Tamaño: Mide 462 cm de alto y 341 cm de ancho. Estilo: Barroco Ubicación actual: Catedral de Amberes, Bélgica. 2. Forma de expresión: Debido a la identificación de varios objetos y personas en la pintura se puede afirmar que es una pintura figurativa. 3. Elementos de diferenciación respecto al periodo anterior: Si se compara el cuadro de Pedro Pablo Rubens con el cuadro de Rafael Sanzio la característica más notoria que los diferencian es el realismo o idealismo que cada pintor decide otorgarle a su obra, por ejemplo, Sanzio elige una forma de representación más idealizada y no tan representativa en cuanto a los rasgos, es decir que no expresa cada emoción, sino que representa expresiones tranquilas. Por otro lado, Rubens elige una manera de representación más realista, ya que en su pintura se puede ver en las expresiones de cada personaje la angustia, el dolor y desesperación que viven reflejados perfectamente en sus rostros. Otra cosa que los diferencian es el juego con las luces y las sombras, en la obra de Sanzio este juego es casi nulo, mientras que en la obra de Rubens es bien notoria.

IMAGEN 6: PEDRO PABLO RUBENS FUENTE: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Pablo_Rubens

Análisis: En cuanto al color, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que es uno de los grandes protagonistas, ya que define las formas y crea efectos espaciales, un ejemplo es la obra (figura 3) de Pedro Pablo Rubens, el cual aparece en la figura 6, él utiliza varios tonos de colores y de esta forma da una sensación de espacialidad entre los elementos que conforman su obra. En cuanto al trabajo con la luz, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época la luz fue uno de los valores más importantes de una pintura, la cual debía de estar dotada de una gran expresividad, lo cual se deja fácilmente ver en la obra de Rubens, ya que en la figura 5 se puede apreciar un juego entre la luz y la sombra, se podría decir que el elemento principal o jerárquico de la composición cuenta con más iluminación y que los demás elementos se van perdiendo en las sombras, pero sin descuidar cada detalle que los componen. En cuanto a la composición del cuadro, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época los cuadros contaban con una composición dinámica, de forma abierta y profunda, lo cual se puede apreciar en el cuadro de Rubens en la figura 5. En cuanto a los rasgos y expresiones, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época responden a un naturalismo realista que rompe con los estándares de belleza del XVI y que se orientan a lo expresivo, lo cual Rubens en su obra lo representa de un buen modo, ya que se puede ver expresiones más realistas que denotan lo que están sintiendo verdaderamente los personajes de la pintura, los cuales parecen estar asustados, tristes y desesperados. En cuanto a la línea, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta época se pierde la importancia en la delimitación de los contornos de los cuadros, lo que se evidencia en la figura 5 donde no se puede dibujar un contorno definido. También es importante mencionar la gran cantidad de detalles que posee esta obra y muy bien representados, se debe decir, ya que se puede ver los músculos de cada personaje en la obra, se puede ver la sangre caer de las manos de Cristo, los detalles en los rostros de las personas y hasta el cuidadoso manejo en la representación del cabello de cada personaje. Por último, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que las temáticas más usadas durante esta época eran la religiosa, mitológica, histórica o retratos, etc. Por lo que el tema utilizado en esta obra es más religioso.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) -Tema IX Arte Gótico. En: “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura”, pp, 123-140. Editorial EDINUMEN. Madrid. -Tema XI. Arte Renacentista. En: “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura”, pp. 147-173. Editorial EDINUMEN. Madrid. -Tema XII Arte Barroco “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura”, pp. 175- 198 Editorial EDINUMEN. Madrid. NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

CG2/CG3

IMPRESIONISMO, POST IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO HISTORIA DEL ARTE - 2022.1 Los alumnos deberán realizar la siguiente práctica calificada. Elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo las cuales representen un mismo tema. Este puede ser: - Un paisaje urbano. - Un paisaje campestre. - Una mujer bañándose, por bañarse, saliendo del baño o secándose - Retrato de un hombre. - Una escena de baile o personajes bailando. - La naturaleza muerta. Trabajo: El alumno debe de hacer un trabajo académico con una extensión máximo 1500 y 2500 palabras (entre 5 páginas máximo).

ABSTRACT El objetivo de este informe es analizar formalmente dos obras que poseen el mismo tema retratado, pero que a la vez pertenecen a dos corrientes artísticas que poseen características muy diferentes. El tema elegido para las obras es el paisaje campestre, el cual está representado en cada cuadro de forma característica de la corriente y que a la vez tiene el estilo que cada pintor posee, por lo que, si bien ambos cuadros tratan de un mismo tema, no poseen características similares hablando del estilo en el que fueron pintados. Asimismo, para esta investigación se está utilizando lecturas que abordan temas como el impresionismo, el expresionismo y cómo se debe de analizar un cuadro, a la vez se está utilizando algunas imágenes de los cuadros y de los respectivos pintores para una mejor comprensión de lo escrito.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

INTRODUCCIÓN Como se explicó anteriormente, el objetivo de este informe es realizar un análisis formal de dos obras que poseen un mismo tema, en este caso el tema es un paisaje campestre, por otro lado, estas obras pertenecen a diferentes corrientes artísticas, una pertenece al impresionismo y la otra al expresionismo. Las obras que se van a comparar son el Puente Japonés (estanque de lirios de agua) de Claude Monet, que pertenece al impresionismo, y la Country House In Osterholm de Erich Heckel, que pertenece al expresionismo. La razón de la elección de estas obras es que pertenecen a pintores que dieron un gran aporte para cada corriente artística en la que pertenecen. ANÁLISIS FORMAL DE LAS PINTURAS Primero se analizará la obra “Puente Japonés (estanque de lirios de agua)” de Claude Monet. Descripción:  Autor: Claude Monet  Fecha: 1920 – 1922  Técnica: Óleo  Tamaño: 90 cm x 1,16 m  Estilo: Impresionista  Ubicación actual: Museo de Arte de la Universidad de Princeton

Figura 2. Pintura Puente Japonés (estanque de lirios de agua) - Claude Figura 1. Claude Monet Fuente: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

Monet Fuente: Arthive https://arthive.com/es/claudemonet/works/389669~Puente_japons_esta nque_de_lirios_de_agua

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

Claude Monet, el cual se aprecia en la figura 1, pintaba escenas al aire libre, un ejemplo es su obra “Puente Japonés (estanque de lirios de agua)”, la cual cuenta con una amplia gama de colores vibrantes. Tal como se puede apreciar en la figura 2, hay tonos verdes, amarillos y hasta azules, los cuales estaban según Morante y Ruiz Zapata (1997) en relación con la luz directa, ya que mencionan que durante esta corriente artística se usaba mucho los colores claros, vivos y puros, lo cual es algo que se puede confirmar si se observa la figura 2, puesto que como se mencionó anteriormente este cuadro presenta colores vibrantes. Además, Morante y Ruiz Zapata (1997) también mencionan que una característica de esta corriente artística es que omiten la mezcla de colores en la paleta que utilizan para pintar los cuadros, en lugar de esto se prefería aplicar colores puros yuxtapuestos y que la mezcla de estos se produzca en la vista de las personas, es decir, colocaban colores juntos que daban la impresión de estar mezclados a la vista de las personas, lo cual llamaban según mencionan Morante y Ruiz Zapata (1997) una “mezcla verde”, con lo cual se buscaba obtener una viveza cromática, si observamos el cuadro de la figura 2 se puede comprobar lo anterior, ya que si se da una vista rápida del cuadro se puede detectar tres colores, los cuales son amarillo, azul y verde, pero si observamos detalladamente cada parte del cuadro como en la figura 3, en la cual podemos ver de cerca el detalle del puente y de su alrededor, se puede confirmar lo anteriormente escrito, ya que los colores azul y amarillo están colocados de una forma yuxtapuesta y dan la ilusión de la “mezcla verde” antes mencionada y se debe mencionar también que el cuadro posee una viveza pura, es decir está lleno de colores tan alegres que dan la una ilusión vibrante. En cuanto a la pincelada, Claude Monet pintaba rápidamente utilizando cortas pinceladas, lo cual era característico de los impresionistas, según Morante y Ruiz Zapata (1997), ellas mencionan que la pincelada de los impresionistas era muy suelta, corta y rápida, ya que muchos pretendían capturar un momento específico de un lugar durante una hora específica del día, lo cual concuerda con Monet, por el hecho de que como se puede observar en la figura 3, sus pinceladas en este cuadro son cortas y suaves.

Figura 3. Detalle de la pintura del Puente Japonés (estanque de lirios de agua) - Claude Monet Fuente: Arthive https://arthive.com/es/claudemonet/works/389669~Puente_japons_estanque_de_lirios_de_agua

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

En cuanto a la línea, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente artística fue decayendo, puesto que las pinceladas y el color eran los protagonistas de las obras, por lo que la composición y las figuras ya no eran muy relevantes en las pinturas. Lo anterior se puede confirmar en esta obra de Monet, pues si observamos la figura 2 lo que más resalta no es el puente en sí, sino que lo que más se aprecia son todos los colores utilizados en esta obra y a la vez la forma de sus pinceladas. En cuanto al modelado, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente no se planteaba dar volumen a las figuras, por lo que si se observa el puente de la obra en la figura 2 se puede apreciar que no posee una profundidad o al menos no una notoria, solo es un volumen bastante luminoso y cromático, ya que ya no hay interés en fingir la profundidad de las figuras en las obras, por lo que durante esta corriente se valoraba más los planos y los efectos lumínicos según Morante y Ruiz Zapata (1997). También se debe mencionar que durante esta corriente 7 artística los impresionistas renuncian a la utilización del color negro para la construcción de las sombras, en su lugar empleaban colores complementarios a los que usaban en sus pinturas, según Morante y Ruiz Zapata (1997), lo cual se puede apreciar en el cuadro. Finalmente, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente artística se sigue utilizando una pintura figurativa y realista, lo cual define a la obra “Puente Japonés (estanque de lirios de agua)” de Monet. Ahora se analizará la obra “Country House In Osterholm” de Erich Heckel. Descripción: Autor: Erich Heckel  Fecha: 1906  Técnica: Óleo  Tamaño: 50×67 cm  Estilo: Expresionista

Figura 4. Erich Heckel Fuente: Historia del arte https://hstraarte.wordpress.com/2020/06/01/er ich-heckel/

Figura 5. Pintura Country House In Osterholm - Erich Heckel Fuente: PaintingStar https://www.paintingstar.com/item-country-house-in-osterholm-s151359.html

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

Erich Heckel, el cual se aprecia en la figura 4, fue miembro fundador del grupo expresionista Die Brücke. Heckel en su obra Country House In Osterholm utiliza varios colores vivos y que tienen un gran contraste, según mencionan Morante y Ruiz Zapata (1997) durante el expresionismo se 9 utilizaban colores agresivos, vivos, planos y violentamente contrastados, lo cual es algo que confirma el hecho de que esta pintura pertenece a esta corriente. En cuanto a la luz, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente artística se evidenció un evidente desinterés por la luz y las sombras, por lo que no formaban parte relevante en las obras, tal como se puede apreciar en la figura 5 no se puede definir ningún juego entre la luz y la sombra en este cuadro. En cuanto a la pincelada, Erich Heckel pintaba con pinceladas gruesas y toscas, tal como se puede observar en la figura 6. En cuanto a los volúmenes en las obras, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente artística tampoco hubo interés por una buena representación de los volúmenes o figuras que aparecían en las pinturas, lo cual se puede confirmar si se observa la figura 5, en la cual podemos ver que en el cuadro se logra ver tres objectos que dan la impresión de ser casas, pero que no poseen una forma bien definida. En cuanto a los detalles de la obra, Heckel no define ninguno, es más pareciera que con cada pincelada quiere representar algo en específico, pero no abunda en detalles, tal como se puede observar en la figura 6. Finalmente, Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que durante esta corriente artística las obras siguen siendo figurativas, que poseen una fuerte carga simbólica y que son bien expresivas, gracias a la agresividad de sus representaciones, tanto como en el uso de los colores como en la forma de sus pinceladas, lo cual define a esta obra de Heckel, ya que gracias a sus colores bien vivos y la forma tan agresiva de su pintura se puede percibir de una forma bien expresiva la carga simbólica que posee esta pintura. Asimismo, es importante mencionar que se evidencia una clara influencia de ciertos artistas como Van Gogh, el cual según Morate y Ruiz Zapata (1997) influenció a varios artistas del expresionismo.

Figura 6. Detalle de la pintura del Country House In Osterholm - Erich Heckel Fuente: PaintingStar https://www.paintingstar.com/item-country-house-in-osterholm-s151359.html

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

COMENTARIO SOBRE LAS OBRAS Una de las más claras similitudes que poseen estas dos obras es que ambas utilizan colores vivos, aunque también poseen cierta diferencia en su uso, ya que mientras que la pintura del impresionismo utiliza colores vivos de una forma sutil, por así decirlo, el expresionismo utiliza los colores vivos de una forma agresiva en la pintura, Heckel no tenía miedo de utilizar todas esas mezclas de colores en su obra que creaban una especia de caos visual de cierta manera. Por otro lado, una de las más claras diferencias que poseen estas dos pinturas es la forma del pincelado que le dan los pintores a estas obras, ya que mientras Monet pintaba rápidamente empleando cortas pinceladas, Heckel hacía lo contrario, puesto que sus pinceladas en este cuadro eran algo toscas y largas. Otra diferencia que poseen estas obras es la forma de representación de los volúmenes y figuras, mientras que Monet logra plasmar de una forma definida el puente en su pintura, Heckel plasma de una forma no tan definida tres volúmenes en su obra, las cuales parecen ser casas. CONCLUSIONES 1- ¿Cómo se representan en ambos cuadros elegidos las corrientes impresionistas o expresionistas desde al análisis formal de la pintura? - El cuadro de Claude Monet llamado Puente Japonés (estanque de lirios de agua) pertenece al impresionismo, ya que posee las características de los cuadros que pertenecen a esta corriente, tal como fue mencionado anteriormente en el análisis formal del cuadro, de igual modo pasa con el cuadro de Erich Heckel llamado Country House In Osterholm, el cual pertenece al expresionismo, puesto que posee características dadas durante esta corriente artística. 2- ¿Qué cree que llevó a los artistas a cambiar de un estilo impresionista a otro tan opuesto como el expresionista? ¿La sociedad? ¿Un cambio de mentalidad político como las guerras? - Creo que una de las razones que llevó a los artistas a cambiar de un estilo impresionista a uno expresionista fue el contexto de las guerras que se desarrollaron durante estas épocas, ya que luego de regresar de estos terribles eventos, las personas tenían otra 11 mentalidad, por lo que eso pudo afectar la forma en la que los pintores se expresaban en sus obras. 3- ¿Con cuál de las dos corrientes se identifica más y por qué? - En cuanto a mi opinión, me identifico más con la corriente artística del impresionismo, ya que me siento más atraída por ciertos artistas que pertenecen a esta corriente como Vincent Van Gogh y Claude Monet, lo que me atrae de estos artistas es su forma tan característica de pintar, los colores que utilizan y los objetos que pintan.

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) - Tema XVI Las Artes Plásticas en la Segunda Mitad del XIX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 233-248. Editorial EDINUMEN. Madrid. - Tema XIX Las Artes Plásticas en el Siglo XX En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 269- 308. Editorial EDINUMEN. Madrid

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

CG2/CG3

INLUENCIAS EN LA PINTURA DEL S.XX Y XXI HISTORIA DEL ARTE - 2022.1 Los alumnos deberán realizar la siguiente práctica calificada: Elegir 2 pinturas entre el S. XX y XXI: 1 figurativa y 1 abstracta. De las figurativa, a ser posible, que el artista se haya inspirado para hacerla en obras de periodos anteriores. Por ejemplo, Las Meninas de Velázquez, La última Cena de Leonardo da Vinci, Desayuno en la hierba de Eduard Manet, etc. De la abstractas elijan una obra que piensen que revolucionaron de alguna manera la pintura del momento y expliquen por qué. (Por ejemplo, Malevich, Mark Rthko, Kandisky, Alexander Caldier, Joan Miro, etc)

PINTURA FIGURATIVA

Figura 1: Prohibido estacionar aquí

Figura 2: Herman Braun-Vega

Fuente: Herman Braun-Vega, La pintura como gran diálogos https://braunvega.com/picture?/523

Fuente: La Repúplica https://larepublica.pe/cultural/1469636-homenaje-herman-braunvega/

Descripción:  N ombre: Prohibido estacionar aquí. Autor: Herman Braun-Vega. Fecha: 1984. Técnica: Acrílico sobre lienzo. Tamaño: 195 × 300 cm.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

Figura 3:Las Meninas Fuente: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Las_meninas

Figura 4: Diego Rodriguez de Velazquez Fuente: Reprodart https://www.reprodart.com/a/velazquez-werkstatt/diego-rodriguezvelazquez.html

Descripción:  Nombre: Las Meninas Autor: Diego Rodriguez de Velazquez. Fecha: 1656. Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 320,5 cm × 281,5 cm. Estilo: Barroco. Ubicación actual: Museo del Prado, Madrid, España. Herman Braun-Vega (figura 2) es un pintor peruano y autor de la pintura "Prohibido estacionar aquí" (figura 1), en la cual Braun-Vega se inspiró en la pintura "Las Meninas" (figura 3) de Diego Rodriguez de Velazquez (figura 4). En el cuadro de la figura 1 podemos ver a varios personajes del cuadro de "Las Meninas" (figura 3), pero en un ambiente diferente, acompañados de otros personajes nuevos, con otro tipo de iluminación y otras dimensiones.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

PINTURA ABSTRACTA

Figura 5: Composición No. III - Piet Mondrian Fuente: Reprodart https://www.reprodart.com/a/mondrian-piet/composicion-iii.html

Figura 6: Piet Mondrian Fuente: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian

Descripción:  Nombre: Composición No. III. Autor: Piet Mondrian. Fecha: 1927. Técnica: Óleo sobre tela. Piet Mondrian, el cual se aprecia en la figura 6, es el autor de la pintura "Composición No. III", la cual se puede apreciar en la figura 5. A simple vista del cuadro (figura 5) se pueden apreciar unas líneas negras gruesas y continuas, dos están posicionadas en un sentido vertical y otras dos en sentido horizontal. Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que en esta obra no hay un trabajo lumínico ni un modelado. En cuanto a los colores, el blanco es el color dominante en esta composición, el negro es utilizado en las líneas que componen los rectángulos y los otros tres colores que se observan en la pintura son los 3 colores primarios: amarillo, azul y rojo, los cuales están colocados en el cuadro en un espacio mínimo. Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que los colores de esta composición están colocados sin ningún matiz, que también son completamente planos, puros y que cada uno de estos colores cubre un rectángulo, es decir, que este cuadro se compone por líneas negras que crean rectángulos y estos rectángulos están siendo cubiertos por los demás colores del cuadro, en total hay 8 rectángulos, de los cuales cinco son blancos, uno es rojo, uno es amarillo y otro es azul. Morante y Ruiz Zapata (1997) también mencionan que el color negro actúa como un elemento aislador que potencia la viveza de los demás colores.

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS

En cuanto a la profundidad, no se puede apreciar ningún elemento que la posea en la figura 5. Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que este cuadro no tiene interés por el espacio y por la profundidad, ya que se compone por planos, lo que lo hace bidimensional. Morante y Ruiz Zapata (1997) también mencionan que es una composición asimétrica, pero equilibrada, lo cual se puede comprobar en la figura 7, en la cual se puede observar que ninguna de sus partes es igual a las otras. Por último, es una pintura tipo abstracta, la cual no tiene ningún elemento que haga una referencia a lo figurativo. Morante y Ruiz Zapata (1997) mencionan que en esta pintura no

PARTE 1

PARTE 2

PARTE 3

PARTE 4

hay nada subjetivo o personal, lo que se intenta dar a entender con este cuadro es lo esencial y la estructura de una manera más racional e impersonal.

Figura 7: Composición No. III - Piet Mondrian Fuente: Reprodart https://www.reprodart.com/a/mondrianpiet/composicion-iii.html

Se considera que este cuadro revolucionó la pintura del momento, ya que Piet Mondrian fue uno de los primeros artistas en crear pinturas abstractas. De hecho, este cuadro pertenece al estilo de arte "The Stijl" el cual fue creado por Piet Mondrian y que representó una revolución no solo en la pintura, sino en la arquitectura y hasta en la moda. Uno de los artistas en los que influyó Piet Mondrian fue Mark Rthko.

VALORACIÓN NIVEL DE DIFICULTAD Del curso

MOTIVACIÓN FRENTE AL curso

TIEMPO UTILIZADO EN PRÁCTICA

TIEMPO UTILIZADO EN TEORÍA

NIVEL DE APRENDIZAJE

Imagen: Los girasoles Fuente: Wikimedia Commons https://es.wikipedia.org/wiki/Los_girasoles

Imagen: Un paisaje de Vincent Van Gogh Fuente: National Geographic en Español https://www.ngenespanol.com/traveler/conoces-la-obra-mas-cara-de-vangogh/amp/

Imagen: Terraza del café en la noche Fuente: Cultura Genial https://www.culturagenial.com/es/pinturas-vincent-van-gogh/

REFLEXIÓN DEL CURSO CONSIDERO QUE LA ASIGNATURA DE HISTORIA DEL ARTE ME HA AYUDADO MUCHO EN MI FORMACIÓN COMO ESTUDIANTE DE ARQUITECTURA, YA QUE GRACIAS A ESTE CURSO HE CONOCIDO MÁS TÉRMINOS ARQUITECTÓNICOS Y ARTÍSTICOS. HE APRENDIDO QUE EL ARTE TIENE VARIOS ESTILOS, QUE NO SOLO PODEMOS CLASIFICAR LAS PINTURAS POR LOS COLORES O POR LAS PINCELADAS, SINO POR SU TIPO DE ILUMINACIÓN, SUS COMPONENTES, LÍNEAS, ETC. ESTUDIAR SOBRE LA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y DEL ARTE A LA PAR ME DIO OTRA PERSPECTIVA, YA QUE ANTES SOLO CONOCÍA A ARTISTAS MUY MENCIONADOS, AHORA TENGO UN AMPLÍO VOCABULARIO CON RESPECTO A NOMBRES DE DIVERSOS ARTISTAS DE DIFERENTES PERIODOS DEL TIEMPO Y DE SUS OBRAS TAMBIÉN. EL TEMA QUE MÁS ME GUSTÓ DEL CURSO FUE EL IMPRESIONISMO, Pues UNO DE MIS PINTORES FAVORITOS PERTENECE A ESTA CORRIENTE ARTÍSTICA, ME REFIERO A VINCENT VAN GOGH, CONOCER MÁS SOBRE ÉL Y DE OTROS ARTISTAS ME RESULTÓ FASCINANTE Y MUY ENTRETENIDO. ADEMÁS, ANALIZAR LAS DIFERENTES OBRAS DE ARTE AL REDEDOR DEL CURSO ME PERMITIÓ ENTENDER MEJOR EL ARTE, Puesto que ANTES DE ESTE CURSO NO SABÍA CÓMO MIRAR DE LA FORMA CORRECTA UN CUADRO Y SUS COMPONENTES, POR LO CUAL NO LOGRABA COMPRENDERLOS EN SU TOTALIDAD, PERO GRACIAS A LAS LECTURAS OBLIGATORIAS PUEDO DECIR QUE AHORA SÉ CÓMO ANALIZAR DE MANERA CORRECTA LAS DIFERENTES OBRAS DE ARTE QUE PUEDA OBSERVAR. POR ÚLTIMO, QUISIERA HABLAR SOBRE EL SISTEMA DE ENSEÑANZA DE LA PROFESORA A CARGO DE ESTA SECCIÓN, QUIEN SIEMPRE MOSTRABA ENTUSIASMO A LA HORA DE EXPLICAR CADA TEMA DURANTE EL CICLO Y QUE ME MOTIVÓ A QUERER SABER MÁS SOBRE CADA TEMA. SIN DUDA, AHORA GRACIAS A ESTE CURSO AMO MÁS EL ARTE.

INFORMACIÓN ADICIONAL

Currículum Vitae...................................................................................46 Información del Curso........................................................................47

NATALY DEL ROSARIO DIAZ CUSIRRAMOS Sobre mí

Programas

Soy una estudiante del tercer ciclo de la carrera de arquitectura en la Universidad de Lima. Me considero una persona comprometida con mis obligaciones. Me gustan los retos que desafíen a mi mente a buscar una solución. Trabajo muy bien en equipo, aporto y valoro las opiniones de mis compañeros. Me gusta ayudar a los demás y descubrir nuevos lugares.

Sketchup RHINOCEROS 3D REVIT AutoCAD

Educación 2010 - 2015 Primaria La Merced Sur 2016 - 2020 Secundaria La Merced Sur 2021 - Actualidad Universidad de Lima Reconocimientos IV TORNEO CUBO DE RUBIK 2016 Primer puesto Certificada en ingles intermedio por la Asociación Cultural Peruano Británica.

Idiomas Inglés Italiano Español Intereses Dibujar Leer Tenis Tiro con arco Viajar Tocar instrumentos musicales

INFORMACIÓN DEL CURSO Nombre del curso HISTORIA DEL ARTE Sección 321 Docente: MARÍA DE LA PALOMA CARCEDO MURO DE MURAFECH Sumilla del curso El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. Objetivos generales Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. Objetivos específicos 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica. 5. Objetivos de Desarrollo Sostenible – ODS: - Objetivo 5: Lograr la igualdad entre los géneros y empoderar a todas las mujeres y niñas. - Objetivo 10: Reducir la desigualdad en y entre los países. - Objetivo 11: Lograr que las ciudades sean más inclusivas, seguras, resilientes y sostenibles. CRITERIOS RIBA DESARROLLADOS EN LA ASIGNATURA CG-2 --> Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas. CG-3 --> Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

PORTAFOLIO DIGITAL EN ISSUU