Inasherah magazine n 6

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KANAME PROJECT

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Indice pg. 4 InAsherah Vivimus: Martine Johanna pg.7 Vulnicura, il nuovo album di Bjรถrk pg.11 Flavio T. Petricca. Una ricerca per il "contagio" pg. 14 Risorgere nella Madre pg. 18 Negazione di direzione.

Emiliano Yuri Paolini e la questione del senso pg.24 Sesso e carcere: "Le stanze dell'amore" pg. 26 Giorgio Morandi 1890-1964 pg. 28 Cinesegnalazioni

In copertina: Martine Johanna - "The last thought"

Scrivono per InAsherah - Il Magazine: Giulia Ambrosini Sara Donfrancesco Lucia Lo Cascio Cassandra Rotelli Chiara Sabatini Stefano Valente

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InAsherah Vivimus: Martine Johanna InAsherah Vivimus vuole essere un nuovo spazio in questa rivista dedicato a quell'arte vicina alle tematiche del femminino, della sacralitĂ del donna e del suo corpo per rispondere ad un appello di Lei, la Nostra Madre, che risale a 4300 anni fa: "ovunque voi siate in qualunque tempo non ignoratemi"!!!

Dear Darkness acrilico e grafite su lino cm 60x70

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La prima artista di questa nuova rubrica viene direttamente dall'Olanda, nonostante sia entrata da pochi anni nel mondo dell'arte (2008) ha già alle spalle delle mostre di tutto rispetto e una galleria che la rappresenta.

Martine Comincia la sua carriera come stilista di moda, ma nonostante il successo ottenuto, sente forte il richiamo nei confronti di un diverso modo di esprimersi.

"Deep summer" grafite su carta cm 30x40

"Indra" cm 30x40 grafite su carta

E' così che abbandona il mondo dorato della moda a favore di quello da dorare dell'arte.

Nelle sue opere al centro la donna, la troviamo relazionata alla natura, alla lussuria, agli incubi che la ossessionano, alla morte. Le sue donne crescono in una naturale curiosità verso ciò che è dentro e fuori di loro.

L'ambiente è surreale, tra sogno e realtà Dice Martine a proposito della sua arte, che è come un oscuro vagabondo che si aggira di notte sui tetti per far visita ai nostri sogni, per aiutarci a perderci come lei si è persa, sottolineando però, senza essere una donna perduta...

Personalmente credo che quello che Martine Johanna fa con le sue illustrazioni è di

tradurre il cammino della vita con le sue piccole e grandi tragedie in poesia visiva.

Nelle sue illustrazione felicità e paure si accompagnano, nessun giudizio su cosa è bene o cosa è male, come il giorno e la notte, si appartengono reciprocamente.

Manifestano un desiderio travolgente di libertà sia mentale che fisica.

Le sue eroine sembrano dirci di sognare l'impossibile perchè anche se resta un'illusione, espandendosi nel nostro io quale pura immaginazione, attraversa poi lo stadio successivo del desiderio e non sono proprio i desideri a tenerci in vita?

Ciò che una donna immagina e desidera poi andrà a caratterizzarla nel suo essere ente nel mondo e Martine ci invita ad essere un ente libera, fuori da ogni standard, ma sfuggente al tempo stesso.

"Under the Moon" grafite e smalti su legno 60x50 cm

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"The last thought" acrilico su lino 120x150 cm

Info: http://martinejohanna.com/

Lucia Lo Cascio

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Musica: Vulnicura, il nuovo album di Björk

Vulnicura è il titolo del nuovo album della cantante islandese Björk che è stato pubblicato il 20 gennaio 2015, anche se l'uscita era inizialmente prevista per marzo, in concomitanza con l'apertura della mostra sulla sua carriera organizzata dal Museo di Arte Moderna di New York. L'opera è stata infatti vittima della pirateria informatica, che ha permesso di ascoltare e scaricare prematuramente tutte le tracce e che ha costretto la cantante a rilasciarlo su iTunes.

L'album consta di nove brani, alcuni realizzati

in collaborazione con altri artisti. Quando a Björk è stato chiesto riguardo a Vulnicura, dopo l'annuncio del 14 gennaio, ha risposto che “è un album più tradizionale di Biophilia – il precedente – per ciò che concerne la stesura delle canzoni. Parla di cosa può succedere a una persona alla fine di una relazione, dei dialoghi che possiamo avere nelle nostre menti e nei nostri cuori, il processo di guarigione”. Il riferimento alla fine della storia con il compagno Matthew Barney è diretto.

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Björk (Reykyavik, 1965) ha pubblicato il suo primo album da solista, omonimo, nel '77, in cui ha reinterpretato, cantandole in lingua islandese, una canzone dei Beatles e una di Stevie Wonder (The Fool on the Hill e Your Kiss is Sweet); con i soldi guadagnati, ha potuto comprare un pianoforte, che ha poi utilizzato per diventare una vera e propria cantautrice.

Dopo una parentesi con la band alternative rock The Sugarcubes, il secondo album Debut è uscito nel 1993 ed è quello che l'ha resa famosa a livello internazionale, soprattutto grazie alla prima traccia Human Behaviour, molto piacevole per il ritmo incalzante, e la più dolce Venus as a boy. Il ritmo molto orecchiabile delle canzoni lo rende la sua opera più pop.

Due anni dopo, è uscito Post, album che si presenta decisamente più eclettico, grazie alla sperimentazione tra i generi, sia rock che techno, senza far mancare delle più tranquille ballad; il singolo Army of me è forse il più celebre di Björk e presenta sonorità decisamente rock; da citare anche Hyperballad. Tra le tracce, anche It's Oh So Quiet, cover molto popolare.

Nel 1997 sono usciti Telegram, composto da remix dei brani dell'album precedente, e Homogenic, con dieci tracce che mettono insieme un'architettura di estrema eleganza, quali Joga, Bachelorette e All is full of love; da menzionare il video di quest'ultimo singolo, in cui due robot con le sembianze facciali simili alla cantante islandese sembrano avere un -dolce- rapporto sessuale.

Dopo Selmasongs (2000), colonna sonora del film Dancer in the dark di Lars von Trier, è stato pubblicato Vespertine, molto più intimo dei precedenti a detta della stessa Björk, anche grazie all'utilizzo di carillon, come ad esempio nel singolo Pagan Poetry.

Nel 2004 è la volta di Medùlla, album molto particolare in cui al centro di tutto c'è la pura voce umana; il primo singolo Oceania è stato riprodotto durante la cerimonia di apertura delle Olimpiadi di Atene 2004, poiché commissionato dal Comitato Olimpico; il testo della canzone fa riferimento al fatto che tutte le creature provengano dall'acqua.

Gli amanti delle percussioni e della musica elettronica dovrebbero adorare Volta, album del 2007 in cui Björk ha collaborato il rapper statunitense Timbaland e con vari artisti africani per realizzare un'opera che avesse un eccezionale senso del ritmo, che di certo per molti versi si distingue da quello a cui lei aveva abituato il suo pubblico.

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Nel 2011, Biophilia ha debuttato sia come album che come app per iPad e ha spaccato la critica: c'è chi lo definisce un'opera irraggiungibile, la migliore, e chi sostiene che rappresenti il fondo della carriera e che sia stato estremamente deludente. Il tema della natura è sempre predominante nell'opera della cantante islandese, in questo caso sviluppato nell'argomento dell'universo.

Ciò che Björk ci ha regalato con Vulnicura è una storia estremamente semplice, toccante e in cui molti possono immedesimarsi.

Mentre l'oggetto di ogni traccia, la fine di un amore, è molto “pop” ed estremamente sincero e semplice, lo stile di Björk è sempre

quello immutato di passione intrinseca per la musica autentica e per la sperimentazione fra generi, strumenti, armonie di suono, in una caoticità che allo stesso tempo risulta chiara alle nostre orecchie, sebbene, come la maggior parte dell'opera di Björk, di difficile comprensione per le masse. Vulnicura è intenso e credo sia difficile definirlo solo “triste”: è un insieme di mille sfaccettature di emozioni diverse.

Ringrazio Giulio Bottecchia per gli spunti di riflessione.

info: http://bjork.com/ Giulia Ambrosini

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Arte: Flavio T. Petricca. Una ricerca per il "contagio"

Untitled dalla serie "mushrooms" cm 14x15x10 materiale sintetico

Spesso l'esperienza estetica non trovando riscontro nell'ethos, si rifugia nello shock.

Moda, o se volete, delirio pubblico, pongono questo o quello come bello assoluto, un assoluto però che cade nel momento stesso in cui viene pronunciato.

Diversamente da questa operazione di pubblico compiacimento, Flavio con i suoi atti di invasione virulenti, copre per scoprire.

Nella sua operazione riscontriamo la volontĂ di ridar vita ad una dimensione che - in virtĂš del contagio - si fa nuovamente pubblica.

Nuovamente, dico, come era l'arte prima del romanticismo, soprattutto nel periodo della Grecia antica, dove l'arte e l'artista avevano un ruolo che era sociale e politico.

"Il Vaso di Pandora" cm 35x18 - materiale sintetico

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"Now Dark" cm 10x25x8 - materiale sintetico

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La risultante della sua operazione, lungi dall'essere personale, viene esposta proprio come un'eucarestia, stringendo così una nuova alleanza con il mito religioso nella misura in cui riesce ad andare oltre quella che è la natura del mondo.

Le opere di Flavio escono dall'arte del Sé, abbandonano il territorio dell'apparenza alla ricerca di un sensus communis, il solo a restituire all'arte quell'aura che

nell'espressione artistica moderna e contemporanea si è persa proprio perchè lontana da quella mitopoiesi, da quel contatto col sacro tipico dell'arte del passato.

Tale contatto restituisce all'opera l'oggettività dell'incanto.

Siamo così al cospetto non tanto di una rivelazione, quanto piuttosto di una apparizione intesa come svelamento di un fatto a quegli occhi che non vogliono vedere.

Interrogato sul suo lavoro, Flavio T. Petricca risponde: "Si tratta di lavori di concetto principalmente estetico e allusivo alla situazione globale attuale e alla volontà di cambiarla; il connubio tra l'antico e materiali industriali sintetici di ultima generazione cerca una dimensione immutata e parallela al nostro tempo, mediante la decontestualizzazione di oggetti antichi, come vasi, sarcofagi, acquasantiere di cattedrali o consolle del '700 dorate, fino all'espressione più nuda di questa arte, come una pianta infestante e purificatrice o una muffa che mangiando una carta da parati la piega e lascia intravedere il trascorso che c'è sotto o che flette e deforma un pannello facendolo cedere e aderire ai punti stabili dove si appoggia, fino a cespugli che fuoriescono dal soffitto o dal pavimento per un paio di metri in tutte le direzioni cercando disperatamente la propria sopravvivenza. Scontato è il gioco scenografico e l'esigenza profonda di trasformazione di un luogo mal visto e vissuto, in un nuovo spazio, che grazie a questa vegetazione sintetica cerca di evolversi in un limbo puro e immortale."

Info: http://www.flaviotiberiopetricca.com/ https://www.facebook.com/pages/Flavio-T-Petricca/179948332026500?fref=ts In fofo: Untitled dalla serie "infesting" cm 240x180 materiale sintetico

Lucia Lo Cascio

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Mistero: Risorgere nella Madre

Cover art of For you Katrina's debut LP by Polish artist Tomasz Malka

Secondo Jung nasciamo con un innato bisogno di connessione con la nostra madre archetipa. Questa necessità universale è stata espressa collettivamente da antiche società matriarcali. Queste società hanno adorato e venerato il femminino sacro come la forza

creativa della natura, responsabile del rinnovamento della vita. La grande madre rappresentava la nascita dell'umanità e la fertilità della terra, la fonte di tutta la vita. Era, come Jung ha scritto a proposito dell'archetipo della Grande Madre:

«La magica autorità del femminile, la saggezza e l'elevatezza spirituale che trascende i limiti dell'intelletto; ciò che è benevolo, protettivo, tollerante; ciò che favorisce la crescita, la fecondità, la nutrizione; i luoghi della magica trasformazione, della rinascita; l'istinto o l'impulso soccorrevole; ciò che è segreto, occulto, tenebroso; l'abisso, il mondo dei morti; ciò che divora, seduce, intossica; ciò che genera angoscia, l'ineluttabile».

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Abbracciare il paradosso insito nella Grande Madre richiede l'accoglienza di questa polarità presente in noi come negli altri e capire che tutto nella vita e in se stessi viene qualificata dal suo opposto. Jung ipotizza che la fusione di questi opposti porta alla trascendenza e all'attualizzazione, in quanto riflette le possibilità maggiori contenute nell'accettazione delle cose come sono veramente. Per consentire di unire gli opposti, l'ego è sfidato a lasciare andare il suo bisogno infantile di identificarsi soltanto con talune parti considerate sicure ed esaltanti. Solo allora si potrà sostituire all'umiltà delle paure la potenza della gioia, in modo che la Grande Madre, con tutta la sua ambiguità possa essere onorato per le tante verità paradossali che contiene.

Tuttavia, con l'aumento del patriarcato, e la convinzione che la natura è una forza non intellettualmente comprensibile e controllabile, la saggezza della Grande Madre e della sua sapienza fatta di trasformazioni

sapere consapevole, rimanendo tuttavia strettamente legata ad un sapere inconscio proprio per la sua derivazione archetipa.

sacred chants of shakti

Ciò che viene percepito come minaccioso viene negato. Il femminile è relegato in un luogo meno invadente e viene visto come inferiore e pericoloso. Viene portata avanti sola la figura della "Buona Madre" - vedi immagine della Madonna - deturpando, in qualche modo il femminile, escludendone tutti quegli aspetti oscuri e tuttavia naturali, che caratterizzano la donna come l'uomo.

Viene quindi scisso il femminile in Buona Madre e Madre Terribile ( pensiamo alla figura di Lilith, terribile e nera poichè libera ).

Queste parti rinnegate sono una proiezioneombra, non solo della madre, ma anche degli aspetti oscuri di noi tutti che neghiamo e temiamo. Pertanto, quando la proiezione dell'ombra si incontra nel mondo esterno, l'impulso di distruggere violentemente viene attivato. Inoltre, rinnegare quella parte oscura porta alla ricerca del capro espiatorio,

"Cosmically Conscious" - Babs Webb

vittima più o meno inconsapevole che andrà punita e resettata.

continue, energie oscure, e potere cosmico è stata esclusa dalla coscienza, intesa come

Abbiamo bisogno di tornare alla bellezza e la potenza della Grande Madre, al suo

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archetipo, nelle sue dimensioni positive e negative, solo così è possibile un'esplorazione profonda del sé.

La Dea Madre allevia le ferite psicologiche e spirituali di oppressione, sessismo, e disillusione che relegano le donne ad un posto inferiore. La Grande Madre ci ricorda anche di ascoltare l'urgenza della crisi ecologica che si verificano nel mondo. Ci rivolgiamo alla Grande Madre con la consapevolezza che la nostra coscienza insieme ai nostri comportamenti devono cambiare radicalmente.

ognuno di noi, in modo da rendere possibile un rapporto diverso con la nostra madre personale. Solo quando restituiremo alla Grande Madre il posto che le è stato usurpato potremo essere in grado di rendere grazia e benedire per quel che siamo e perdonare tutte le madri di non averci dato quel che non potevano darci.

Per la guarigione e il collegamento con la Grande Madre possono essere utili rituali spirituali. Invocando la Madre Divina attraverso la preghiera, i riti e la meditazione, la sacralità della natura e del potere femminile possono essere onorati e quindi una armonizzazione di psiche e spirito può verificarsi.

Adam Scott Miller

Todd Baxter "Spoon"

Lei ci sfida a identificare in noi colui che crea come colui che distrugge, origine e fine ci caratterizzano perchè ci appartengono. Lei ci sfida a scoprire il carattere archetipico della Grande Madre che vive nella fantasia di

Dobbiamo imparare a fidarci del potere femminile. Solo quando scopriremo la sua bellezza e la sua ferocia dentro di noi, possiamo risorgere nello splendore della Grande Madre.

Amiamoci

Cassandra Rotelli, Lucia Lo Cascio

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L'Angolo Valente: Negazione di Direzione.

Emiliano Yuri Paolini e la questione del senso

Torno con piacere a scrivere sull’opera di Emiliano Paolini. In questo breve articolo vorrei soffermarmi su una serie di tre tele intitolate: “negazione di direzione” – ma prima una precisazione.

Chi scrive è tutto fuorché un critico d’arte ed il suo interesse per l’arte non è di tipo professionale.

Non sono in possesso di nessuna patente che mi autorizzi a pronunciare giudizi su questa o quell’opera d’arte; eppure non sono propriamente un dilettante, né un critico della domenica.

Il mio interesse per l’arte ed in particolar modo per le opere di Emiliano Paolini è – vorrei dire – di natura filosofica.

Mi spiego. Nello scrivere questo articolo non sono tanto interessato a sottolineare la cosiddetta “qualità estetica” delle realizzazioni di Emiliano (del resto non c’è bisogno che sia io a mettere in evidenza il suo indubbio talento); né mi importa inserire nel contesto della storia dell’arte più o meno recente la sua produzione artistica; tanto meno è mia intenzione enucleare qualcosa come una sua poetica.

Ma allora cosa significa accostarsi da filosofo all’arte ed alle opere di Emiliano in particolare? Vuol dire interrogarsi sul senso del nostro essere nel mondo sull’occasione di quella che non da molto tempo chiamiamo opera d’arte.

Ora le realizzazioni di Emiliano offrono al filosofo l’occasione (ma non il pretesto!) per tale messa in questione del senso e del significato di quella esperienza in genere in cui tutti noi siamo immersi; esperienza che per questo non possiamo a rigore oggettivare e conoscere scientificamente, anche se possiamo coglierne tutto il senso e tutto il non senso proprio attraverso le opere d’arte (riuscite!).

Nel nostro caso sappiamo fin dal titolo delle tre opere qui in esame che la questione del senso è centrale. Tuttavia Emiliano nella sua produzione artistica non si è mai abbandonato ad una enfatizzazione ampollosa o solamente retorica della necessità di una ricerca intorno al senso delle cose, ma l’ha messa in opera dando così a questa inevadibile questione uno spessore ontologico che

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in nessun modo può essere confuso con quei sociologismi e psicologismi con cui siamo soliti affrontare non solo sui giornali o alla televisione tali domande.

Emiliano, infatti, riesce attraverso la sua arte a mettere in forma in maniera esemplare quella che qui per brevità abbiamo chiamato questione del senso che specialmente oggi è questione centrale per ogni riflessione che si voglia filosofica. Da questo punto di vista la sua opera offre non solo al filosofo, ma all’uomo comunque interessato a cogliere il senso del nostro essere nel mondo una occasione che vale la pena di essere colta.

Queste tre opere (acrilico e carbone su tela o su legno) dovevano essere le prime di una serie di cento e sono state realizzate tra la fine del 2004 ed il 2005 nello stesso periodo in cui a Palazzo dei Capitani in Ascoli Piceno veniva allestita la mostra L’ora dell’oro, esposizione fondamentale per chi voglia comprendere il percorso recente dell’artista.

In ogni tela ricorre lo stesso tema anche se declinato in modi diversi: da un intrico di linee e colori emerge una freccia la cui forma è abbastanza riconoscibile e ben distinta eppure al tempo stesso i suoi contorni hanno margini labili ed indecisi che mettono i colori e le linee di confine della freccia in dialogo col resto della composizione cioè con lo sfondo su cui la freccia si staglia: orizzonte da cui questa rischia continuamente di essere riassorbita.

La cosa che subito mi ha colpito non è il tema della freccia, che può far pensare ad un autore come Klee dove, però, il tratto ha più una funzione narrativa che è completamente assente in queste tele di Emiliano; mi ha colpito il titolo, o meglio: mi ha preso e coinvolto il gioco di rimandi che si instaura tra l’opera ed il suo titolo. Tale gioco di rimandi viene innescato da una dissociazione fondamentale per la quale in primo luogo abbiamo di fronte una freccia (non siamo ancora del tutto consapevoli di trovarci di fronte ad una immagine di una freccia) eppure il titolo ci dice che qui la freccia non sta ad indicare una direzione (come fanno tutte le frecce del mondo) bensì ha a che fare non con una affermazione ma con una negazione di direzione.

Prima conseguenza di questa dissociazione è che quella freccia che vediamo davanti a noi ora è ed insieme non è una freccia. Questa piccola (ma non innocua) esperienza di spaesamento ci fa nascere la domanda: se non è una freccia (come quelle che incontriamo tutti i giorni quando per esempio guidiamo la nostra automobile) che cosa è? Potremmo dire che si tratta di una immagine che rappresenta una freccia (immagine che potremmo incontrare per esempio entrando in una scuola di

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guida). È un po’ presto per dirlo ed infatti tale risposta non è capace di rendere familiare quella sensazione di spiazzamento che il titolo dell’opera ci aveva procurato.

Ma allora su cosa riposa il senso di disorientamento che proviamo di fronte a questa strana freccia?

Per tentare di rispondere a questa domanda dobbiamo innanzitutto renderci conto di un piccolo (ma non innocuo) paradosso su cui si sono interrogati filosofi del calibro di Ludwig Wittgenstein, ma che è sotteso ed implicito ad ogni nostra comune esperienza di una freccia e non solo di una freccia (si tratta, infatti, di un paradosso-fondante cioè di un paradosso che inevitabilmente incontriamo quando tentiamo – e tentare in qualche modo dobbiamo - di comprendere il senso della nostra esperienza in genere).

Quando nella vita di tutti i giorni vediamo una freccia cosa vediamo? Vediamo un segnale (non si tratta propriamente di un vedere, possiamo dire che si tratta di un reagire) cioè qualcosa che rimanda a qualcosa d’altro, un segno che indica qualcosa, in questo caso una direzione (un senso di marcia, per esempio). Fin qui niente di strano – eppure per guardare dove indica la freccia dobbiamo pur guardare la freccia: ecco il paradosso!

La freccia – questo è il paradosso – per riferirsi ad altro deve riferirsi a se stessa. Se vogliamo parlare come parlano i filosofi dobbiamo dire che l’etero-referenzialità del segno si dà solo grazie alla sua auto-referenzialità.

Ma andiamo avanti. Appena prendiamo consapevolezza di questo paradosso – e le opere qui in esame hanno addirittura la capacità di farci sentire tale paradosso prima ancora di farci pensare ad esso – cominciamo a vedere in modo diverso la freccia raffigurata nel quadro: è come se vedessimo una freccia per la prima volta.

Le tele di Emiliano ci fanno fare una esperienza quanto meno diversa di una freccia: questa non è più solo un segnale che rimanda ad altri segnali ed in ultimo al codice della strada (se vogliamo continuare ad attenerci al nostro esempio). In fondo Emiliano riesce a suscitare in noi la meraviglia per qualcosa che abbiamo continuamente sotto gli occhi, ma che proprio per questo non vediamo mai. Se ci lasciamo provocare da queste tele al senso di spaesamento segue qualcosa che sarebbe difficile

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definire: in chi guarda si avvia un processo sia percettivo che riflessivo che potrei descrivere dicendo che sotto i nostri occhi il segno diventa immagine.

Non è possibile caratterizzare ulteriormente le modalità di questo processo: dobbiamo farne esperienza!

Io mi limito ad alcune brevi considerazioni sulla natura del segno e su quella dell’immagine - il mio compito, infatti, non è quello di spiegare il significato di queste opere, ma è quello di condurre al senso di queste al fine di mettere in grado chi guarda di fare una esperienza.

Quale è la funzione del segno? Il segno è un qualcosa che sta per qualcosa (per qualcuno). La sua funzione sta nell’indicare qualcosa d’altro. Il segno mi dice l’altro da sé e si consuma tutto in questo rimandare ad altro. Ma se il segno mi dice l’altro da sé, cosa mi dirà l’immagine?

Per rispondere a questa domanda ci viene in aiuto ancora una volta Wittgenstein. Nel paragrafo § 522 delle Ricerche filosofiche egli si chiede: Ma allora che cosa mi dice l’immagine? E così si risponde nel paragrafo successivo: “L’immagine mi dice se stessa” – vorrei dire. Vale a dire, ciò che essa mi dice consiste nella sua propria struttura, nelle sue forme e colori.

Emiliano proprio per aver sospeso o messo tra parentesi la funzione significante della freccia (il suo essere segno) mette lo spettatore nella condizione di fare esperienza con la sua opera (i suoi colori, le sue forme e la sua struttura) e non con un suo preteso significato (perciò a chi guarda non viene nemmeno in mente di chiedersi: ma che significa?).

Grazie alla dissociazione messa in atto dal titolo (un titolo la cui funzione non è quella di dirci cosa rappresenta il quadro, ma che, anzi, sospende ogni riferimento a qualsivoglia rappresentato) si instaura tra segno ed immagine un gioco continuo di rimandi la cui inesauribilità riposa inquieta proprio sulla fondamentale irriducibilità dell’immagine al segno e del segno all’immagine (qui non ho modo di affrontare questa fondamentale questione – invito chi voglia approfondirla alla lettura dell’ormai classico saggio di Cesare Brandi intitolato appunto Segno e Immagine).

Questo va e vieni tra segno ed immagine invece di paralizzarci (paralizzare a un tempo e la nostra percezione e la nostra riflessione) come farebbe una contraddizione, ci dà piacere e ad un tempo ci dà da pensare contribuendo ad espandere, dilatare, estendere, rendere plastica e più flessibile la esperienza che comunemente facciamo sia dei segni che delle immagini con cui abbiamo continuamente a che fare nella nostra vita quotidiana.

Non è facile esprimere in parole le complesse dinamiche che qui sono in gioco. Mi limito solo a due osservazioni. Da una parte la sospensione della funzione segnica della freccia messa in opera da

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Emiliano ci mette in qualche modo sotto gli occhi una sorta di significante che, invece, di rimandare ad altro si ripiega su se stesso fino al limite dell’insignificanza (non è un caso che il modo in cui la freccia è dipinta dall’artista ricordi non tanto alla lontana i graffiti che ormai riempiono molti muri delle nostre città ). Dall’altra parte questo ripiegarsi del segno su se stesso nel metterci sotto gli occhi il processo che ci fa passare dal segno all’immagine ci apre ad una esperienza nuova e radicale dell’apparire stesso per cui a chi guarda non appare più o questo o quello, ma appare l’apparire medesimo ( i colori, le forme e la struttura dell’immagine).

Emiliano riesce a mettere in forma, riesce a rappresentare al limite proprio ciò che non si può rappresentare cioè quella doppiezza paradossale per cui è possibile riferirsi ad altro solo riferendosi a sé. Anche i filosofi cercano di dar conto di tale doppiezza (che qui ho esposto come doppiezza di segno ed immagine) discutendo, per esempio, il famoso problema dello schematismo su cui Kant per primo ed in modo esemplare si è cominciato ad interrogare. È come se Emiliano riuscisse a cogliere non solo la transitività della rappresentazione cioè il suo consumarsi nel rimandare al suo rappresentato; ma anche la sua intransitività cioè riesce a cogliere quello che nella rappresentazione non si riferisce all’oggetto della rappresentazione e che Emiliano (durante una intervista in occasione della mostra L’ora dell’oro) ha chiamato aspetto soggettivo.

Tuttavia bisogna precisare che il termine “soggettivo” non deve far pensare – per esplicita dichiarazione di Emiliano – all’artista soggetto creatore di ascendenza romantica. Se oggettivo è tutto ciò che nella rappresentazione si riferisce al rappresentato, soggettivo sarà tutto ciò che in essa si riferisce alla rappresentazione in quanto tale (aspetto che non può essere detto, ma solo mostrato).

Ora la freccia dipinta da Emiliano non indica più in questa o quella direzione; ma nel suo paradossale indicare se stessa - e così apparire per se stessa in tutta la sua insostenibile insignificanza - non si limita a ricordarci che l’uomo è un segno senza significato (Holderlin), ma comincia a fare segno verso una ulteriorità irriducibile a segno o ad immagine che spesso Emiliano chiama l’oltre-altro della rappresentazione. Una ulteriorità indicibile ed irrappresentabile che non abita al di là delle nostre collezioni di immagini e dei nostri sistemi di segni, ma che si dà proprio nel loro stesso cuore.

Immagini: pg. 18: NEGAZIONE DI DIREZIONE N. 7 cm 120 x 60 (SMALTI CARROZZERIA ROSSETTI CIF su TELA)

pg. 19: NEGAZIONE DI DIREZIONE N.5 cm 120 x 60 (SMALTI CARROZZERIA ROSSETTI CIF su TELA)

pg. 20: NEGAZIONE DI DIREZIONE N. 10 cm 160 x 90 (carbone smalti carrozzeria cif cementite stoffa antica e ammuffita su tela)

pg. 21: NEGAZIONE DI DIREZIONE N.9 cm 120 x 60 (carbone smalti rossetti su tela)

Stefano Valente

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Società: Sesso e carcere: "Le stanze dell'amore"

Non è un corpo ad entrare in carcere, ma una persona, nella sua intera complessità.

Forse non tutti sanno che per i detenuti, anche il carcere fornito di tutti i conforti (doccia, televisione, giornali) è comunque una sofferenza.

sofferenza.

Le ricerche hanno dimostrato le ripercussioni della mancanza di sesso, induce pesanti regressioni, accentua i tratti violenti della personalità e coltiva nei detenuti forti risentimenti nei confronti della società.

Paesi a confronto

Con il passare del tempo, infatti, i reclusi sono vittime di gravi alterazioni non solo dal punto di vista fisico, ma anche psichico. Tra i più rilevanti, un gravissimo problema in carcere, del quale non si parla mai è la mancanza del sesso.

Un detenuto non ricorda più il sapore di un bacio, una carezza, un abbraccio.

Come possono, dunque, i detenuti, placare il proprio desiderio sessuale? Con la masturbazione, la pornografia, riviste, foto.

Non sempre è facile, non sempre ce la si fa.

Alcuni di loro decidono persino di cucirsi l’organo sessuale, pur di mettere fine alla

Già alcune direttive europee del 1985 invitavano gli Stati appartenenti alla comunità, ad adottare misure necessarie a tutelare la vita intima dei detenuti. Numerosi i Paesi che hanno provveduto: In Francia sono nate delle vere e proprie “stanze per l'intimità” ovvero locali idonei all'interno

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della struttura penitenziaria dove i detenuti possano intrattenere rapporti affettivi senza controllo visivo, la Svizzera e la Germania mettono a disposizione dei piccoli appartamenti, mentre in Spagna fare l'amore, è un premio per buon comportamento.

E ancora, se è vero che il carcere ha un'accezione educativa, è giusto tollerare comportamenti restrittivi di chi, fuori dalle sbarre, fa leggi e regolamenti non sempre utili al reinserimento sociale di questi soggetti?

In Italia che succede?

La vita sessuale e affettiva è fondamento di dignità per ogni essere umano.

Valentina Bellezza

La Materia dell'Assenza

In Italia, già dal 1997 si parla della possibilità di realizzare le “stanze dell'amore”, ma l'ultima proposta di legge è davvero recente, risalendo proprio al 2015.

L'obiettivo, come espresso dal disegno di legge, è quello di ': "Rendere più umano il periodo di detenzione, affinché alla fine della pena, sia più facile il reinserimento nella famiglia e nella società". D'accordo anche la Toscana e l' Emilia Romagna.

Desi Bruno, Garante delle persone sottoposte a misure restrittive o limitative della libertà personale dell'Emilia Romagna, ha affermato come i luoghi per l'affettività in carcere siano necessari soprattutto per coloro che sono condannati all'ergastolo.

Criticità Se è vero che è necessario abbattere i pregiudizi, il nostro Paese d'altra parte si giustifica sottolineando la mancanza di strutture logistiche idonee.

Come fare dunque? Ad essere a rischio sono anche le relazioni, i matrimoni. Come è possibile, per un uomo ed una donna, continuare per anni una relazione, se gli unici momenti di contatto sono dei brevi colloqui?

Dal 7 al 28 marzo Museo Civico Umberto Mastroianni - Marino Piazza G. Matteotti, 13 00047 Marino Mostra curata da Lorenzo Canova tel.: 06 9385681 e-mail: museocivico@comune.marino.rm.it

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Giorgio Morandi. 1890-1964

Giorgio Morandi / Natura morta, 1952 / Olio su tela, 40 x 53 cm

Dal 27 Febbraio 2015 al 21 Giugno 2015 ROMA LUOGO: Complesso del Vittoriano CURATORI: Maria Cristina Bandera COSTO DEL BIGLIETTO: intero € 12, ridotto € 9 TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 06 6780664 “Giorgio Morandi 1890-1964”, al Complesso del Vittoriano dal 27 febbraio al 21 giugno 2015, documenta la vicenda artistica del pittore bolognese attraverso un numero cospicuo di opere di grande rilevanza che provengono da importanti istituzioni pubbliche e da prestigiose collezioni private, inclusi alcuni capolavori meno noti al grande pubblico concessi eccezionalmente in prestito e accostati in modo inedito secondo un progetto mirato, pensato appositamente da Maria Cristina Bandera per questa occasione romana.

Roma accoglie l’opera di Giorgio Morandi dopo la mostra postuma curata da Cesare Brandi alla Gnam di

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Valle Giulia nel 1973, con una esposizione straordinaria che conferma l’attenzione del Vittoriano per la pittura italiana del Ventesimo secolo. Un percorso iniziato nel 2012 con Renato Guttuso, proseguito nel 2013 con la mostra dedicata a Cézanne e ai pittori italiani che dal padre dell’impressionismo trassero ispirazione e nel 2014 con la mostra “Mario Sironi. 1885-1961”.

Affidata a Maria Cristina Bandera, direttrice della Fondazione Longhi e specialista di Morandi a cui si devono le ultime grandi mostre internazionali (New York, Metropolitan Museum, 2008; Bologna, MAMbo, 2009; Lugano, Museo d’Arte della Città, 2012; Bruxelles, Bozar, 2013), la rassegna ripercorrerà l’intero cammino

dell’artista,

attraverso

una

nutrita

selezione

di

opere.

Accanto ai dipinti ad olio – circa 100 – saranno riunite in un percorso di lettura critica anche le opere incisorie, attestazione di una attività non secondaria ma parallela a quelle pittorica che valse a Morandi nel 1953 il riconoscimento internazionale del Gran Premio per l’Incisione alla Biennale di San Paolo in Brasile. Le incisioni saranno eccezionalmente affiancate dalle rispettive matrici in rame provenienti dall’Istituto Nazionale per la Grafica, abitualmente non esposte al pubblico per ragioni conservative. Sarà inoltre presente una sezione notevole di finissimi disegni e di acquerelli,

vere

e

proprie

opere

autonome

dall’asciuttezza espressiva e esiti assoluti della ricerca costante di essenzialità di Morandi.

Le opere provengono da importanti musei – tra cui il Museo Morandi, l’istituzione ufficiale dell’artista bolognese, il Centre Pompidou (Parigi), i Musei Vaticani, la GAM – Galleria Comunale d’Arte Moderna (Roma), la Galleria degli Uffizi (Firenze), la Pinacoteca di Brera (Milano), il MART – Museo d’Arte Moderna e Contemporanea (Rovereto), la Pinacoteca Nazionale di Siena, il Museo d’Arte Moderna Mario Rimoldi (Cortina d’Ampezzo), la Civica Raccolta delle Stampe Achille Bertarelli del Castello Sforzesco (Milano) – da Fondazioni importanti come la Fondazione Longhi (Firenze), la Fondazione Magnani Rocca (Mamiano di Traversetolo, Parma) e la Fondazioni Spadolini(Firenze), e da prestigiose collezioni private. Nel percorso espositivo sono previste anche due sezioni con documenti d’archivio dedicate ai rapporti epistolari e critici di Morandi con Roberto Longhi e Cesare Brandi, i due grandi storici dell’arte che per primi sottolinearono l’importanza dell’opera di Morandi.

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Cinesegnalazioni Altra novità di questo numero. Si tratta di segnalarvi i film in uscita al cinema la cui visione aspettiamo con ansia e che speriamo possa servire a voi per compiere una scelta qualora foste in dubbio.

Partiamo col segnalarvi due film entrambi in uscita giovedì 26 febbraio:

Vizio di forma Regia: Paul Thomas Anderson attori: Reese Witherspoon, Sasha Pieterse, Jena Malone, Joaquin Phoenix, Josh Brolin Produzione: Usa 2014 Genere: Thriller Niente di originale, in realtà nella storia raccontata. In una Los Angeles di fine anni sessanta vive il solito detective dalla vita non troppo regolare innamorato, sentite un pò, della cattiva ragazza della situazione che però ha una relazione con un altro. Chi? L'immancabile riccone!

Affamata di denaro la fanciulla si rivolge al suo ex, il detective, con il quale progetta il rapimento dell'amante.

Perchè vederlo? confidiamo nella bravura di regista e attori, mostri sacri del cinema!

Dancing with Maria Regia: Ivan Gergolet attori: Maria Fux, Martina Serban, Maria Josè Vexenat, Marcos Ruiz, Macarena Battista Produzione: Italia, Argentina, Slovenia 2014 Genere: Documentario

La storia vera di una strepitosa donna, Maria Fux, danzatrice argentina che dopo una vita passata a insegnare danza a chiunque, senza discriminazioni, insegnando a sentire la musica a identificarsi con essa, si trova all'età di 90 anni nella condizione di insegnante di se stessa.

Ottimo esempio di coraggio e di amore, perchè l'importante è fare sempre ovunque ci si trovi e qualsiasi cosa noi abbiamo...

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