Música - Nigromante Enero 2019

Ediciรณn

Mร SICA

DIRECTORIO Universidad Nacional Autónoma de México Rector Dr. Enrique Graue Wiechers

Secretario General Dr. Leonardo Lomelí Vanegas

Facultad de Ingeniería Director Dr. Carlos Agustín Escalante Sandoval Secretario General Ing. Gonzalo López de Haro

Jefa de la División de Ciencias Sociales y Humanidades Mtra. Claudia Loreto Miranda

Nigromante Jefe Editorial Lic. José René Gómez Rodríguez Ing. Carolina Garrido Morelos Coordinador Luis Alberto Santoyo Cruz Edición y corrección de textos Daniel Mares García Dirce González Guerrero Diseño y arte creativo Jennifer Sharon Alvarez Candelario Emirith Aylin Rodríguez Serrano Yunit Yetzare Valencia Amaya

Redes Sociales Bibiana Rojas Amaya Lesllie Viridiana Figueroa González Jaime Hernández Espinoza

Colaboradores Irma Sofía Cortés César María Fernanda Hernández Hernández Francisco Cesáreo Mendoza León María José Ávila Arredondo María Fernanda Carrisoza Zamora Samantha Lizeth Castrejón Chávez Pablo Lutrillo Contreras Eduardo López Bravo

NOTA EDITORIAL Enero de 2019

Las expresiones artísticas ocupan un papel sumamente importante en la vida del ser humano y me atrevería a decir que la que más resalta es la música, pues creo que no hay persona en el mundo que carezca de gusto musical, por cualquiera que este sea. Algunas personas se apasionan más que otras en cuanto a este arte, ya sea por algún género o personaje en específico, pero lo realmente importante es la forma en la que vivimos y sentimos la música, el sentido que le damos y que, en muchos casos, termina resignificando vidas o salvándolas.

En esta edición el equipo de Nigromante intenta plasmar lo amplio que es el ámbito de la música llegando hasta el de la danza, el de la tecnología e incluso el de los videojuegos; exponiendo también la importancia de la experiencia de la música en vivo o de cómo esta profesión suele ser peculiar.

En portada y 4ta de forros Circula en internet La música y la tecnología han unido muchas veces su camino para mejorar la experiencia de intérpretes y oyentes para conseguir la más elevada calidad y perdurabilidad.

No. 34 Enero de 2019

Invitamos a usted, querido lector, a que acompañe su lectura con un poco de su música preferida e intente analizar las sensaciones y emociones que ella le genera, para de esta forma justificar el sentido de esta edición.

Por Dirce González Guerrero

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íNDICE

De la danza a la música

VIDAS

Sofía Cortés

8 La Prima Donna mexicana

Daniel Mares 12 Orquesta Sinfónica de Minería

REVIEW

Jaime Hernández

46 Vocaloid:

LETRAS

creando cantantes virtuales

14 ¿Andar con un músico?

Bibiana Rojas 18 Teoría musical para dummies

María José Ávila 28 Antes de las cuerdas

Bibiana Rojas 32 Donde la ópera cobra vida

Samantha Castrejón

50 Rogers Waters:

más que un concierto

Dirce González

54 ¡A jugar con ritmo!

Pablo Lutrillo 58 Tu mentira en abril:

la música transmitiendo sentimientos

Jaime Hernández

Samantha Castrejón

CIENCIA Y TECNOLOGÍA

AGENDA CULTURAL

36 Las nuevas tecnologías al servicio

60 Kandinsky. Pequeños Mundos.

PARALELOS

de la música

María José Ávila

64 La torre, el número, el asesino de la

TOP RANDOM

40 Las notas del séptimo arte

blanca paloma y un nunca más Hugo Germán Serrano Miranda

66 A 33 años del temblor de 1985 y

Sofía Cortés

4

y a un año del sismo de 2017 Claudia M. Pérez Ruíz

Concurso de relato

Una historia de desamor Para alumnos y profesores de la Facultad de IngenierĂ­a

Participa @NigromanteFI

5

Consulta las bases aquĂ­

Efemé

Ene

19.1927 Muerte de la emperatriz María Carlota Amelia de México

04 Día The Doors

21.1941

28.19

El transborda estadounidens estalla en momentos d desp

Natalicio del cantante español José Plácido Domingo

04.1

Última sesión de The

15.1929 Natalicio de Martin Luther King Jr

27.1756 Natalicio del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart

6 Lic. José René Gómez / Sofía Cortés / Jaime Hernández / Emirith Rodríguez

Lic. José René Gómez

08.2

Fallece Da

érides

ero

986

ador espacial se Challenger n el aire, después del pegue

14.1866 Fundación del Conservatorio Nacional de Música

25.1947 Muerte del famoso gánster estadounidense Alphonse Gabriel Capone

1970

n de grabación Beatles

2016

23.1936 Se estrena en EU, Sinfonía india de Carlos Chávez

31.1950 Muerte del músico mexicano Alfonso Esparza Oteo.

Albur de amor

avid Bowie

7

VIDAS

La Prima Donna mexicana Por Daniel Mares

L

a figura de Ángela Peralta (1845-1883), conocida como ‘El ruiseñor mexicano’, ha quedado grabada en la historia como la de la primera gran cantante mexicana en incursionar en el género operístico. Lo cierto es que antes de que ella naciera, otra joven se había ganado su lugar dentro de la crítica mexicana como una de las mejores cantantes de la época. Su éxito era bien visto por algunas personas pero con recelo por otras ya que se trataba de una mujer tomando espacios públicos, mismos que, según dictaba la dinámica social, no le correspondían.

María de Jesús Cepeda y Cosío nació en la ciudad de México el8 de julio de 1823 bajo el seno de una familia con buena solvencia económica .Sin embargo ,cuando creció) pero aún siendo una niña( su familia sufrió una grave crisis monetaria luego de la muerte de su padre .Intentando superar eso ,doña Mariana Gómez de Cosío ,madre de la niña ,se empeñó en darle una buena educación basada en la enseñanza de las bellas artes .Con el paso del tiempo ,doña Mariana notó que María de Jesús destacaba en la música) específicamente en el canto) así que decidió centrarse en ese ámbito.

Unos cuantos escritos de la época dedicaron algunas de sus páginas para hablar de la vida de la naciente cantante mexicana ,como El Museo Mexicano ,texto donde se refieren a ella como la “prima donna de la Compañía de Ópera Italiana del Teatro Nacional de México”, seudónimo que se originó al tratarse de la primera cantante mexicana en involucrarse en la ópera italiana .Ello implicó un problema para la época pues ,según se creía ,los cantantes talentosos tenían que venir del extranjero .Además ,si bien se aceptaba que las mujeres mexicanas cantaran ,no se veía con buenos ojos el que llegasen a figurar en espacios públicos ,como el teatro ,a menos de que su labor estuviera relacionada con la Iglesia misma .Ma .de Jesús contrariaba ambas normas sociales.

8

VIDAS

9

VIDAS

Los historiadores Verónica Zárate Toscano y Serge Gruzinski dicen que para el siglo XIX la ópera:

]…[constituía a la vez un espacio de sociabilidad con pretensiones aristocráticas ,y un lugar de difusión de la creación artística) la escena (y de la moda) la sala(.La ópera enseñaba a la burguesía la” cultura de corte”,permitiéndole entrar en moldes aristocráticos o considerados así .La ópera ofrecía una especie de club para las élites del siglo XIX.

El hecho de que Ma .de Jesús Cepeda haya sido una entretenedora en el círculo aristócrata que representaba el teatro no fue bien recibido por el gran número de personas que consideraban que una mujer debía pertenecer al espacio privado y no al público ,se tratara de quien se tratara .Esto claramente respondía al arquetipo

© María de Jesús Cepeda y Cosío

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educativo del que debía formar parte la mujer mexicana de clase acomodada.

Como se mencionó antes ,la educación de la joven cantante se centró en las bellas artes .El texto Historias del Bello sexo .La introducción del Romanticismo en México de la historiadora Montserrat Galí contiene un esbozo de las distintas formas de educación que las mujeres recibían a lo largo del siglo XIX en México .En él se dice que la única actividad pública donde podían participar mujeres y que era bien vista y aplaudida era la filantropía ya que” en ella la mujer podía poner en marcha todas sus cualidades y virtudes :la paciencia ,la ternura ,la comprensión ,la piedad ,la generosidad ,la caridad, la abnegación y el sacrificio“.Además ,dice la autora que” en general ,para el bello sexo se privilegiaba la educación en casa ]...[ dirigida por la madre“. Para este tipo de educación algunos profesores se promovían para enseñar música, dibujo e idiomas ,principalmente.

El momento donde la formación en las bellas artes dejaba de ser bien visto era cuando pasaba

VIDAS

© Detalle de la porta de La despedida de Vicente Blanco, obra dedicada a María de Jesús Zepeda. Imagen del archivo particular de Jorge Martín Valencia Rosas.

de ser un elemento para sociabilizar y se volvía la forma en que se ganaba la vida ,que fue lo que sucedió con Ma .de Jesús .Recordemos que cuando nació ,su familia gozaba de una buena solvencia económica ,razón por la que pudo recibir su educación artística y religiosa .Sin embargo ,por necesidad fue que más adelante ,apoyada por su madre ,decidió trabajar de aquellos dotes que hasta el momento sólo había mostrado en tertulias y otras pequeñas reuniones.

na .Como resultado ,la academia se convirtió en el Conservatorio de la Sociedad Filarmónica Mexicana ,hoy Conservatorio Nacional de Música.

Pese a la gran formación musical que cimentó su carrera como cantante ,así como el gran talento que las fuentes han dejado constancia que tenía ,María de Jesús Cepeda y Cosío fue una mujer mexicana dedicada a la ópera que sufrió los estigmas y rechazo social de su época .Primero ,por ser mujer ;segundo ,por tratarse de una mexicana que se atrevió a incursionar en un ámbito donde la sociedad solía darle más valor a los extranjeros que a los mexicanos .Poco se conoce sobre sus últimos años de vida ,sólo que en 1849 compuso la canción Un recuerdo de Antonia Aduna en honor a una amiga fallecida y que seis años después ,en1885 , murió en la ciudad de México a la edad de 32 años.

Dentro de su formación musical profesional destaca la presencia de Agustín Caballero .Él, junto con Joaquín Beristain ,fundó en 1838 la Academia de Música de México ,la primera de su tipo en el país y de la cual egresó la joven cantante .La academia se transformó ,después de la muerte de Beristain ,en la Academia de Música de Agustín Caballero y ,años después, se fusionó con la Sociedad Filarmónica Mexica-

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VIDAS

Por Jaime Hernández

U

na de las características de las que se jactan los ingenieros es la de ser melómanos. Esta pasión ha sido llevada a tal extremo por la comunidad de la Facultad de Ingeniería de la UNAM, que fundó su propia academia y orquesta de música. La Orquesta Sinfónica de Minería, nombrada así por el Palacio de Minería, es una orquesta que solamente se presenta en verano y destaca por la calidad y selección de sus interpretaciones.

La también llamada “orquesta que toca cuando nadie toca” surgió como un proyecto para juntar a los mejores músicos. Lo peculiar es que se decidió tener sólamente programas de verano, ya que en esta época descansan casi todas las demás filarmónicas y, anualmente, se presenta principalmente en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la UNAM. Descendiente indirecta de las academias de música surgidas a partir de 1807 con sede en el

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Palacio de Minería, la Orquesta Sinfónica de Minería fue fundada en 1978 por egresados de la Facultad de Ingeniería. En su primer recital se tocaron piezas de Mozart, Hartmann y Schedrin, bajo la batuta de Jorge Velazco, el primer director titular.

Jorge Velazco se mantuvo en el puesto hasta 1985 y lo volvió a ocupar de 1995 a 2003, seguido por Luis Herrera de la Fuente (1985-1995), Carlos Spierer (2003-2005) y Carlos Miguel Prieto (2006-). Además, ha tenido como directores asociados a José Areán y León Spierer.

Entre los muchos músicos que han participado en la orquesta destacan: Haiffter Caro (director), Alfonso Moreno (guitarra solista), Ida Haendel (violín), Klaus Stoll (contrabajo principal), Gabriela Jimenez (timbal principal), María Teresa Rodriguez (pianista), Lukas Foss (director), Ofelia Stol (contrabajo), Lourdes Ambriz (soprano) y Mercedes Gómez (arpa).

VIDAS

Algunos episodios destacados en la historia de la Orquesta son, por ejemplo, el estreno de las obras Ficciones y Sonatina de los autores mexicanos Mario Lavisa y Manuel Enrique, respectivamente; la interpretación del Aleluya de Haendel en 2007; ser la primera orquesta mexicana nominada a los premios Grammy en 2009; tocar toda la obra de Mahler entre 2010 y 2011 y la celebración de los 40 años de la Orquesta Sinfónica de Minería en 2018.

Desde sus orígenes el proyecto ha ido creciendo y se espera que continúe haciéndolo. Prueba de esto es que se tienen planes para hacer una gira por Estados Unidos y Sudamérica.

La próxima temporada 2019 date la oportunidad de conocer este grupo, o de volver a disfrutar de su interpretación.

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LETRAS

¿Andar con un músico?

Por Bibiana Rojas

Mi papá se ha dedicado al transporte de carga desde muy joven y a mí en varias ocasiones me ha tocado ver cómo agarraba camino con su camión mientras mi mamá nos alistaba a mí y a mi hermana para asistir a alguna reunión familiar. Mi pregunta era: ¿por qué mi papá no viene a las fiestas con nosotras?

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LETRAS

C

onforme iba creciendo me daba cuenta de que el trabajo de mi papá es muy diferente al que tienen los oficinistas o jornaleros, pues ellos tienen un horario fijo que solo de vez en cuando llega a variar, pero el trabajo de mi papá no lo tiene.

Nunca se sabe cuándo estará y cuándo no. Hay dos frases que recuerdo que mi mamá mencionaba mucho en esa época donde me tocaba asistir a las fiestas sin mi papá: “Uno propone y Dios dispone” y “Chamba es chamba”. Con estas frases y las historias que mi papá nos contaba acerca de sus viajes, entendía que él, a pesar de lo complicado y cansado que resultaba su labor, la disfrutaba.

tocas, la pasas en la fiesta y luego a descansar.

Nada de complicaciones”.

Sin planearlo, empecé a tener más comunicación con el baterista de la banda, que al principio se me hacía exageradamente elevado para ser solo el baterista de una banda porque, por favor, ¿quién no puede hacer música? Lo conocí y era buena persona, nada que ver con la apariencia que tenía.

En una ocasión celebrábamos el cumpleaños de mi primo y una banda de rock llegó a amenizar la fiesta. Recuerdo muy bien que por mi mente pasaba la idea de que ser músico en el mundo actual era de las actividades más fáciles que existen.

Él estaba en proceso de titulación cuando comenzamos a salir. Empecé a notar que ser músico no es cualquier cosa y que, como en toda profesión, existen profesionistas buenos y malos. Me tocó ver cómo pasaba horas estudiando para presentar su examen profesional y lo complejo que esto empezaba a ser. Me di cuenta de que para ser músico se requiere mucha práctica, entrenar el oído para que se desarrolle bien y así poder tener mayor percepción de sonidos.

Una infinidad de cosas que se tienen que practicar, cosas que definitivamente a mí no se me dan: como la coordinación, pues un día me aventuré a poner a prueba mis dotes musicales en la batería y resulté ser un fracaso: o movía mis manos o movía mis pies, no podía hacer ambas cosas al mismo tiempo. Mi visión de que ser músico es fácil cambió. Caí en cuenta de que todos estamos hechos para cosas diferente y que no todas las mentes son iguales; no todo es cuadrado y eso está bien.

Las fiestas familiares eran amenizadas con mayor frecuencia por esta misma banda y se empezaba a formar una amistad entre mi familia y los integrantes de ella. Mis primos y yo comenzamos a asistir frecuentemente a un billar donde se presentaban por las noches y yo pensaba “Ha de ser muy padre ser músico. Todo relajado, solo

Por otro lado, mis amigas me decían que seguramente era increíble ser la novia de un músico, que seguramente me divertía en las tocadas a las que lo acompañaba. Para ser honesta, al principio sí lo era pero con el paso del tiempo ser músico se volvía más demandante y ya había menos tiempo para nosotros.

Cuando entré a la etapa en la que empiezas a conocer amigos y donde inician los coqueteos y miradas me pregunté cómo podría ser la persona con la que en realidad me gustaría compartir mi vida. Obviamente tenía que ser alguien que tuviera el tiempo para compartir reuniones, fiestas y fines de semana, para que de vez en cuando pudiéramos echar la flojera hasta tarde.

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LETRAS

La mayoría de los profesionistas descansan los fines de semana pero para el músico solo es el momento para poner en práctica todo lo que en la semana estuvo estudiando. Mi idea de encontrar a alguien que pudiera compartir fiestas, reuniones, fines de semana conmigo no se cumplió, la historia de mis papás (en ese aspecto) se volvía a repetir. La vida de un músico tiene cambios repentinos de horario, la mayor parte de su vida laboral es estar dando vida y movimiento a las reuniones familiares o de amigos. Sumado a eso están los ensayos y grabaciones. Sin embargo, sinceramente me encantan las ocasiones que me toca verlo en escena disfrutando estar dando “tamborazos” (como yo le digo a tocar batería). Saber que realmente hace lo que le gusta y que está hecho para eso es más fuerte que el tiempo que no estamos juntos. Ahora entiendo a mi madre: ver que la persona con la que compartes la vida disfruta al máximo lo que hace es lo mejor que puedes compartir en pareja. Ser la novia de un músico definitivamente no es fácil, pero no lo cambiaría por nada.

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LETRAS

Teoría musical para dummies Por María José Ávila

Importante: antes de comenzar a leer esto, recomiendo reproducir tu canción o álbum favorito de tu artista preferido.

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LETRAS

Ahora sí...

Lo primero: las notas

¿Alguna vez te has puesto a pensar qué hay detrás de la música que escuchas? Seguramente te has encontrado por ahí con alguna partitura o con algo rebuscado sobre teoría musical donde solamente ves símbolos raros que crees que no tienen sentido pero, ¿qué me dirías si te comento que esas cosas extrañas son la base de la canción que estás escuchando en estos momentos?

Sé que es algo difícil de ver, y por ello, para no hacer las cosas difíciles y evitar que pases la página, te compartiré algo de teoría musical básica sin tanto rollo.

Como ves, las notas musicales son la base de todo, y por eso son muy importantes. La música que escuchas (sin importar el género) está basada en 7 notas: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si. La distancia entre las notas la llamamos tono o semitono (la mitad de un tono); por ejemplo, de Do a Re hay un tono, pero de Mi a Fa hay un semitono.

Para empezar, podemos hacer una analogía sencilla: la música se asemeja a la escritura. En el momento que te encuentras leyendo esto ves letras que, una vez juntas, conforman palabras, y que, a su vez, conforman una oración. La música funciona de la misma manera, solo que las letras son las notas, las palabras son los acordes y las oraciones en conjunto son una canción o composición.

Si te das cuenta, todas parten de una unidad que es la redonda. A partir de esta se generan las demás: la blanca, cuyo valor es de 2 tiempos sería la ½ de una redonda; una negra es ¼, y así sucesivamente.

Las notas viajan por el aire, son solo un sonido que, si se quiere plasmar en papel, se representan con figuras:

El compás Seguramente has escuchado hablar de canciones o piezas en cuatro cuartos (4/4) o tres cuartos

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LETRAS

Figura 1 La distancia entre las notas, T son los tonos y St los semitonos.

Figura 2 Notas musicales (parte superior) y su duración (en tiempos)

(3/4), pero ¿qué significa esto? Imagina un pastel (el cual representará a la redonda), si lo partes a la mitad formas una blanca, que es ½ de la redonda, y si vuelves a partirlo serían 4 rebanadas (o 4 negras), siendo ¼ el valor de cada una. Para entender qué significa un 4/4 debes saber que el número que está arriba nos indica la cantidad de notas que podemos usar en ese compás (ni más ni menos) de ¼ de valor (negras). Para que te quede un poco más claro: el ¾ es el compás usual de un vals (sí, el “chun ta ta”), nos dice que caben 3 notas de ¼.

Ritmo: el latido de la música ¿Recuerdas que cuando escuchabas We Will Rock You de Queen marcabas “pum pum pam” con las palmas? Pues déjame decirte que en ese momento estabas marcando el ritmo de la canción. La definición de ritmo explicada en mil páginas se puede resumir en esto: es el latido

de la música. En la música académica se suele expresar en latidos o golpes por minuto (ppm) o en palabras italianas como Andante, Allegro, Grave, Presto, las cuales indican rangos específicos, por ejemplo, el Andante es de 79 a 108 ppm. Como ejercicio, trata de obtener el ritmo de la canción que estés escuchando.

Las escalas ¿Has escuchado blues o música árabe? Si has prestado atención te habrás dado cuenta de que muchas de las canciones, a pesar de ser interpretadas por distintos músicos, suelen seguir un patrón característico. Bueno, esto se debe a las escalas. Para poder comprender qué es una escala necesitas recordar que las notas están separadas entre sí por tonos (T) y semitonos (S).

Las escalas son un conjunto de notas musicales, las cuales suelen nombrarse como la nota con la que empiezan. En la actualidad hay un sinfín de

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LETRAS Figura 3

estas, incluso para cada género, pero las más importantes son las escalas mayor y menor. Las escalas son utilizadas comúnmente por los guitarristas para hacer sus solos, o por los músicos de jazz y blues para improvisar (no solo tocan notas al azar).

Acordes: la fusión de todo ¿Recuerdas la analogía de la música con la literatura? Los acordes son las palabras. Los acordes se conforman por 2 notas o más las cuales se tocan simultáneamente. Los principales acordes son los mayores (suenan alegres), los menores (suenan más tristes) y los de séptima (mayormente utilizados en los puentes de las canciones). Los acordes son en extremo importantes, pues son la base de toda canción que escuches.

Ahora que sabes algunas cosas básicas sobre música, te toca aplicarlas a las canciones que escuches.

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LETRAS

De la danza a la música Por Sofía Cortés

E

s prácticamente inevitable escuchar música y permanecer totalmente estático.

Cada canción tiene algún momento que impulsa una emoción que debe ser manifestada físicamente, ya sea mediante movimientos de la cabeza, tamborilear los dedos en una superficie o seguir el ritmo de la música con nuestros pies. Sin duda alguna, así como la música es un medio para expresar emociones y pensamientos, la danza complementa estas expresiones personales.

La danza y la música se han combinado desde hace siglos e incluso podríamos decir que la danza y la música comparten su origen. En el antiguo Egipto se llevaban a cabo danzas acompañadas de arpas y flautas, las cuales simbolizaban historias de dioses y representaban constelaciones, así como el cambio de la noche al día.

Como esta cultura, la mayor parte de la música y la danza en la antigüedad tenían el objetivo de fungir como rituales religiosos hacia diversas deidades. Estas tradiciones eran comunes en Grecia e India, por ejemplo.

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LETRAS

A partir del Renacimiento, tanto la música como la danza experimentaron un cambio radical. A inicios del siglo XVI, las culturas celtas desarrollaron lo que se denominó como “danza Ceili”, un baile popular se llevaba a cabo por parejas que se intercambian a lo largo del mismo. Estas culturas también crearon bailes como Step Dance y Danza Sean-nós. El Step Dance es un baile que surge de danzas militares y consiste en rápidos cambios y combinaciones de movimientos con los pies, los cuales pueden incluir zapateado y saltos. Todo esto debe llevarse a cabo mientras se mantiene la parte superior del cuerpo totalmente rígida. Por su parte, la Danza Sean-nós es similar a la anterior, con la excepción de que esta ofrece mayor libertad de improvisación y movimiento en la parte superior del cuerpo.

Las culturas celtas son el ejemplo perfecto de cómo la música se adapta a la danza. De hecho, toda la música irlandesa que se compone se hace específicamente para ser bailada. Esta música se reproduce mediante acordeones, violines, flautas, gaitas e instrumentos de percusión y cuerdas originarios de Irlanda (como el Bodhrán, el arpa celta y el bouzouki irlandés).

La danza en estas culturas ha jugado un papel sumamente importante en la muestra pública de poder desde hace casi tres siglos, donde los bailarines se retaban entre ellos en eventos públicos hasta que alguno colapsaba por agotamiento.

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LETRAS

BALLET

Una de las muestras más reconocidas de la unión de danza y música es el ballet. Este permite la narración de una historia y la expresión de emociones sin necesidad de pronunciar una sola palabra ya que todo es expresado a partir de la elegancia y precisión de los movimientos. Claro que la emoción que provoca no sería la misma sin la música que lo acompaña: a través de sus notas e instrumentos, la música del ballet es un elemento clave para la historia que se representa, haciendo sentir al espectador miedo, alegría, tristeza y paz.

A pesar de ser inventado en Italia en 1459, el ballet se popularizó en las cortes francesas a lo largo del siglo XVII gracias a que contó con el apoyo de la reina Catalina de Médici. El gusto por este arte se pasó de monarca en monarca y cada uno de ellos se involucraba cada vez más en él. Tal fue el crecimiento y el gusto por esta disciplina que, en 1661, el rey Luis XIV fundó la Real Academia de la Danza y, como la danza no estaría completa sin la música (y viceversa), ocho años después se creó la Real Academia de Música.

El ballet y su expresión continuó desarrollándose exponencialmente, hasta que alcanzó una de

sus épocas más destacadas en el siglo XIX. En 1890, 1892 y 1895 se crearon tres de los ballets más conocidos en la historia: La Bella Durmiente, El Cascanueces, y El Lago de los Cisnes. Las coreografías fueron creadas por Marius Petipa (creador de más de 60 ballets y conocido como el Primer Maestro de Ballet en el Teatro Imperial Ruso) y Lev Ivanov.

Si has escuchado la música que acompaña a estas obras, sabrás que se adapta perfectamente a la historia y los sentimientos que se transmiten. Las canciones de El Lago de los Cisnes fueron compuestas por el músico ruso Peter Ilych Tchaikovsky casi 20 años antes de ser creada la coreografía. Podríamos decir que, en este caso, la danza se adaptó de una manera magistral a la música existente para lograr un resultado maravilloso. Algo similar sucedió con La Bella Durmiente, pues la música fue compuesta un año antes de que se creara la coreografía. En el caso de El Cascanueces, la música y la coreografía fueron compuestas a la par por Petipa y Tchaikovsky (incluso se dice que Petipa determinaba ciertos detalles de la música para cada coreografía, como el tempo y el número de compases).

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LETRAS

Tap Uno de los bailes más flexibles en términos musicales es el tap. Algo que lo diferencia de otros es que este puede bailarse ante cualquier tipo de música, basta con encontrar los sonidos correctos y adaptarlos al tiempo de la música.

El tap nació a inicios del siglo XIX y compartía varios aspectos con la danza irlandesa. Como la posesión de esclavos era común en América durante estos años, las culturas y tradiciones africanas viajaron a América a la par de los esclavos. Los hacendados temían que los esclavos pudieran comunicarse mediante tambores y códigos a larga distancia, por lo que se prohibió el uso de los instrumentos. Esto no detuvo las expresiones culturales de los esclavos, ya que los sonidos que se utilizaban por medio de los tambores se transmitieron a los pies, mediante el zapateado.

ofrece al artista una libertad total de movimiento e improvisación. La inclusión de movimientos de los brazos y las piernas contribuyen a los sentimientos que se desean abordar.

El tap moderno tuvo su auge en el siglo XX, a la par del jazz. De hecho, el tap y el jazz están estrechamente relacionados en términos de orígenes y técnica, pues ambos dependen de las interpretaciones personales del ritmo y dinámica. Fue también en estos años que los zapatos de tap comenzaron a fabricarse con tapas de aluminio en la punta y tacón del zapato, lo cual permitió dar más intensidad a los sonidos que se producen.

A través de los años, el tap y el jazz no sólo se usaron en las artes escénicas. Artistas como Bill “Bojangles” Robinson, Fred Astaire y Ginger Rogers, Gene Kelly y Donald O’Connor llevaron este arte a la pantalla grande, lo cual fue un Este baile, a diferencia de otras disciplinas, éxito entre los años 30’s y 50’s.

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LETRAS

HIP HOP

El hip hop es una de las expresiones artísticas más modernas del baile. Este emergió en el barrio del Bronx (en Nueva York) durante los años 70’s como resultado de la música de la época, la cual consistía en un DJ (Disc Jockey: persona que reproduce música para un grupo de personas) y un MC (Master of Ceremonies: “el que mueve a la multitud”). Esta música consiste en diversas variaciones y mezclas de ritmos, velocidades, acentos, entonaciones y palabras en una canción. El hip hop es considerado uno de los orígenes del rap.

Este género fue aprovechado por artistas como Eminem, Kanye West, Kendrick Lamar, Ice Cube, Beyonce y muchos más. De hecho, la carrera artística de Will Smith comenzó gracias al hip hop, ya que él formaba parte de un dueto en Pennsylvania durante los años 80 (considerada como la época dorada del hip hop), donde su nombre artístico era “The Fresh Prince”. Ese

nombre sería usado por Will Smith algunos años después cuando se lanzó la serie El Príncipe del Rap, la cual abordaba diversos temas relacionados con este tipo de música y, por ende, la promovió extensamente.

Si bien la música es un medio de expresión siempre cambiante, hay algo que permanece constante: el deseo de transmitir diversas ideas y emociones. La danza también cuenta con disciplinas que persiguen este mismo objetivo, por lo que al combinar estas dos expresiones artísticas se obtiene una explosión de emociones y sentimientos mediante sonidos y movimientos; algo tan perfectamente calibrado que en ocasiones hasta pareciera imposible de lograr. Por lo tanto, la danza y la música sin duda son dos artes que jamás podrán separarse, pues dependen la una de la otra para alcanzar la belleza que las caracteriza.

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LETRAS

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LETRAS

Antes de las cuerdas Por Bibiana Rojas

La música es para muchos solo un pasatiempo y para otros tantos una profesión y un modo de vida. Lo cierto es que la música ha influido de manera diferente en la sociedad a través del tiempo.

E

l ser humano se ha basado en la naturaleza para ir progresando en diferentes ámbitos de la vida. La música no se queda atrás, pues con la finalidad de imitar los sonidos que se iban encontrando, los hombres prehispánicos iban creando instrumentos para llevar a cabo dicha práctica, pues era un medio eficaz de comunicación y hasta eran capaces de manejar la naturaleza a su conveniencia. Esto ocurrió cuando lograron imitar los sonidos de los animales para después implementarlos en la cacería pero, ¿qué pasó cuando encontraron sonidos desconocidos?

Para estos sonidos no había otra explicación más que la religión: sonidos de los dioses.

Con el desarrollo de la cerámica en la era preclásica era más sencillo recrear los sonidos que ayudaban a entrar a un entorno más espiritual

para tener contacto con los dioses. Incluso dentro de los instrumentos había algunos más sagrados que otros porque de algunos se podían escuchar las voces de los dioses y de otros no.

Al menos ese era el significado que se le daba a los sonidos que procedían de estos.

La música era de suma importancia en los rituales y no cualquiera podía hacerla, es decir, ya existían escuelas para que las personas tuvieran una buena preparación y el canto pudiera ser fructífero en los rituales. Estas escuelas se llamaban Cuicacalli, y es que, ¡cómo la música no iba a tener importancia en esta cultura si estuvo presente en la creación del hombre! En la mitología prehispánica existe la Leyenda de los Soles, donde se puede conocer el origen de la trompeta de caracol y cómo Quetzalcóatl, en la quinta era, viajó al inframundo para conseguir

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LETRAS

El mundo en una orquesta

Músicos (Codice Florentino)

huesos de los seres de eras pasadas para crear al ser humano. Para poder llevarse con él los restos necesarios, tuvo que tocar cuatro veces la trompeta de caracol de Mictlantecuhtli (el señor del inframundo) y dirigirse hacia los cuatro puntos cardinales. De ahí que en esta cultura también sean importantes estos últimos, pero esa es otra historia. Regresando a la música y la travesía de Quetzalcóatl para poder crear al ser humano, no resultaba tan fácil para él tocar la trompeta pues también tenía que fabricarla. Con ayuda de insectos logró perforar el caracol para hacer la trompeta pero, a pesar de las dificultades, Quetzalcóatl logró obtener lo necesario para crearnos. Sin la música, según esta cosmovisión, probablemente no hubiéramos existido.

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LETRAS

La música no solo se limitaba a su función ritual ni a la comunión con los dioses, también existía la música de guerra, la cual se interpretaba antes y después de las batallas; y la música recreativa, que era la que se utilizaba en los bailes llamados “mitotes” y fiestas públicas; aunque también era una herramienta para el aprendizaje de los jóvenes que se reunían el los Cuicacalli, un lugar donde eran instruidos en el canto y danza y donde además aprendían la historia y hazañas de sus pueblos. La música no se realizaban al “ahí se va”, sino que había una organización en todo esto. Estaba el director de ejecuciones musicales llamado Ometocht-

li; el constructor y maestro de ejecuciones de instrumentos musicales llamado Tlapizcatzin; el compositor de cantos llamado Cuicapicque y el Tlamacazque y el Quaquacuiltzin, que eran los tañedores de los instrumentos de viento (caracol y flautas) y de las percusiones (teponaztli), respectivamente.

La música está presente en las escuelas, eso es algo que aún tenemos en común con nuestros antepasados pero me parece que ya no es el mismo valor que se le daba en aquella época.

La sociedad ha ido devaluando el sentido de la música, al grado de creer que para crear música no es necesario ningún tipo de preparación.

Tal vez si nos interesamos por conocer el origen de las cosas que nos rodean nuestra conciencia sobre el alcance que estas pueden tener sea mayor, en el caso de la música nos daríamos cuenta de que es, sin duda alguna, una herramienta poderosa. En nuestro país se ha ido enriqueciendo con la llegada de otros instrumentos musicales, por ejemplo, los instrumentos de cuerda. Desgraciadamente no hay mucha difusión sobre cómo inició la música en nuestro país y la importancia que tenía en las culturas pasadas. Creo que difícilmente podremos saber qué rumbo tiene la música si no sabemos su origen.

Siempre he pensado que el mundo y todo lo que en él habita y se reproduce debe estar en constante cambio pues es la base para un crecimiento, pero también creo que no se debe olvidar el origen de las cosas.

Trompeta de caracol con escena de combate Año: 1200 - 1521 d.C. 30

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Donde la ópera cobra vida Por Jaime Hernández

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n factor importante para disfrutar de la música que puede pasar desapercibido es el espacio donde la escuchas. Conscientes de esto, los músicos, arquitectos e ingenieros han colaborado para construir espacios que garanticen una perfecta experiencia para el espectador. Como las edificaciones cambian según el espectáculo a interpretar, me enfocaré en los teatros para ópera.

La ópera es una manifestación artística en la que se combinan principalmente música y teatro (dependiendo de la obra pueden mezclarse otras artes como la danza). En la ópera los actores principalmente cantan acompañados de una orquesta.

Los teatros de ópera suelen tener forma de herradura para facilitar la acústica. La obra tiene lugar en lo que se denomina “caja escénica”. Esta es el espacio donde se realiza la obra y donde se encuentra el equipo técnico auxiliar para la misma. Una caja escénica puede tener, entre otras cosas: un foso para la orquesta, plantas para escenografía y un sótano donde se guarda la utilería.

Además de lo necesario para la obra, los teatros pueden contar con salones, restaurantes y terrazas. A continuación, una lista de algunos de los teatros más reconocidos mundialmente.

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Teatro Real: Ubicado en Madrid, España.

Este teatro tiene 65 mil metros cuadrados de superficie y capacidad hasta para 1,746 butacas en su sala principal. Su caja escénica es tan grande que puede caber un edificio de más de diez plantas en ella. Cuenta con varias plataformas para escenografía capaces de subir y bajar que funcionan con un sistema de plataformas superpuestas. El edificio cuenta con un foyer y siete salones.

Metropolitan Opera House: Se encuentra en Nueva York, E.U.A. Es el teatro más grande del mundo con 3,979 butacas. Algunos servicios que lo caracterizan son: pantallas en los asientos con subtítulos de la obra en varios idiomas, y sinopsis de las piezas en braille.

El edificio cuenta con un balcón con vista al Lincoln Center, un restaurante, una muy bien surtida tienda de discos y una exposición permanente de los vestuarios más representativos usados en el teatro.

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Dubai Opera: Ubicado, como su nombre indica, en Dubai, Emiratos Árabes Unidos. La arquitectura del edificio se basó en la historia marítima local. Algo por lo que resalta este edificio es por su capacidad de adaptarse a tres modos: modo teatro, modo sala de conciertos y modo plano. En el modo teatro tiene un aforo máximo de 2,000 espectadores, además de un restaurante y un jardín con vista a la fuente de Dubai y al Burj Khalifa.

Sydney Opera House: Ubicado en Sydney, Australia.

Este edificio fue diseñado por el arquitecto Jorn Utzon, quien ideó que los recintos estuvieran lado a lado y el techo en forma de conchas de mar para representar los acantilados y el puerto. Un edificio adelantado a su tiempo por dos cosas: su estilo arquitectónico y por la ingeniería necesaria para su construcción.

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LETRAS

Festspielhaus: Célebre por su peculiar historia, ubicado en Bayreuth, Baviera. Este teatro fue impulsado y financiado por el compositor Richard Wagner. Su principal objetivo era usarlo en la representación del ciclo completo del Anillo del Nibelungo. Aunque se le ha dado el apodo de “El Granero” por lo humilde de su decorado, resalta por tener una acústica increíble, por tener oculto el foso de los músicos y porque solo se presentan en él las obras de Wagner.

Nuestro país no se queda atrás:

Palacio de Bellas Artes: Se encuentra en la Ciudad de México. El teatro está decorado con una cortina de cristal con los volcanes Popocatépetl e Iztaccíhuatl (que sirve de telón contra incendios) y con un plafón pintado con Apolo rodeado de las Musas. El Palacio incluye también las salas Manuel M. Ponce y Adamo Boari, y el Museo Nacional de Bellas Artes.

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Las nuevas tecnologías al servicio de la música Por María José Ávila

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a industria musical ha evolucionado en demasía los últimos 50 años. En un principio se tenían los LP’s como formato para expandir y hacer crecer esta emergente industria, posteriormente fue evolucionando a formatos como el cassette, el CD y más a finales del siglo pasado llegó el Mp3. Una de las incógnitas es ¿cómo se logra pasar la música a estos formatos? Pues bien, si quieres escuchar a tus artistas favoritos, ya sea en formato físico o digital, se requieren de dos grandes procesos: la grabación y la masterización (o mezcla). Para que una canción pueda comercializarse podemos decir que el proceso es como armar un rompecabezas: las piezas son el equivalente a la grabación (cada pieza es un instrumento diferente) y la masterización consiste en unir cada una de esas pequeñas piezas para formar el rompecabezas (o sea, una canción). La grabación y mezcla son posiblemente la parte más importante, pues de ellas depende la calidad del sonido.

A continuación te mostraré algunos de los softwares más utilizados en la industria musical:

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CIENCIA Y TECNOLOGÍA

Audacity Es uno de los programas más populares en la actualidad. Siendo creado en el 2000, es compatible con los principales sistemas operativos (Windows, Linux, Mac OS X). Entre sus principales funciones están:

• Grabación de audio

• Mezclar varias pistas (por ejemplo: voz, guitarra, batería, etc)

• Agregar efectos

• Cortar y agregar nuevas pistas de audio

© Audacity con dos pistas de audio (en azul)

Lo anterior son las funciones básicas de un programa de edición de audio. Una de las ventajas de este software es que no tienes que pagar para poder utilizarlo.

Logic Pro X A diferencia de Audacity, en este caso sí necesitas comprar Logic Pro X para poder utilizarlo.

Este programa es uno de los más utilizados a nivel profesional, aunque sólamente está disponible para Mac. Una de las funciones que hacen que sea tan utilizado es que puedes grabar y masterizar sin necesidad de usar otro programa, además puedes agregar muchísimos efectos y súmale a esto el hecho de que tenga incluido un editor de partituras.

© Logic Pro X

Ableton Live Si lo tuyo es la electrónica, sin duda el programa ideal es Ableton Live. La principal función de este programa es mezclar varias pistas de audio y agregar efectos, con lo cual puedes ir creando tus primeras canciones de este género. Es compatible con Windows y Mac OS. © Programa con algunas pistas agregadas

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CIENCIA Y TECNOLOGÍA

Reaper Es uno de los softwares más usados en la actualidad, esto debido a dos principales virtudes: es gratuito y pesa muy poco a comparación de otros programas. Reaper está diseñado para editar audio, agregar efectos y masterizar con una calidad muy buena. Es ideal para aquellas personas que se están iniciando en el mundo de la producción, ya que su interfaz es muy sencilla. © Reaper

Por otra parte, no solo hay programas para editar audio, sino también para editar partituras:

Sibelius y LilyPond El el mundo de la música académica los softwares también son de suma importancia ya que facilitan muchas labores, como lo es hacer una partitura. El programa por excelencia para crear y editar partituras es Sibelius, sin embargo, para usarlo es necesario comprarlo. Por otra parte, existe un programa igual de eficaz que el anterior pero completamente gratis: LilyPond.

© LilyPond

© Sibelius

Guitar Pro Este es un software más enfocado a guitarristas y bajistas que te permite editar partituras y tablaturas de tus propias composiciones, e incluso puedes crear y grabar un acompañamiento de instrumentos electrónicos, como el piano y la batería.

© Guitar Pro

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CIENCIA Y TECNOLOGÍA

Algunas de las desventajas de la mayoría de softwares es el costo, pero si lo que quieres es aprender a manejarlos para en un futuro editar tus propias canciones te recomiendo utilizar Reaper para edición de audio y LilyPond para crear y editar partituras. Eso sí, si quieres utilizarlos también te convendría tener un micrófono y una tarjeta de audio, pues esta se encarga de pasar los sonidos al software.

Ahora sí, ya conoces el gran trabajo que hacen los productores e ingenieros en audio para que puedas escuchar con la mejor calidad tus canciones favoritas.

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TOP RANDOM

Las notas del séptimo arte Por Sofía Cortéz

¿Qué elementos conforman una película ganadora del Oscar?

Una gran historia, actuaciones que van más allá de esta, ediciones dignas de ser llamadas “mágicas” y, por supuesto, música que sea capaz de transportarnos instantáneamente al momento que se vive en la película.

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a música es un elemento imprescindible en las películas pues, cuando es utilizada correctamente, puede funcionar como otro actor que permita que el espectador sienta el drama, la alegría, el miedo o alguna otra emoción en una escena. De hecho, muchas películas dejarían de ser tan memorables si se omitiese su banda sonora. ¿Puedes imaginarte a Rocky realizando su rutina de entrenamiento sin escuchar Gonna Fly Now en el fondo? ¿Crees que aquella icónica escena de El Resplandor sería igual sin los sonidos que provocan un escalofrío en tu espalda? ¿Crees que el épico viaje al pasado de Marty McFly se hubiera vivido de la misma manera sin la extraordinaria música de Alan Silvestri?

A pesar de que las premiaciones del Oscar comenzaron en 1929, no fue sino hasta 1934 que se implementó el premio a Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora, los cuales reconocían las canciones y soundtracks que fueran escritos específicamente para la película que representaban.

Desde 1942 hasta la mitad de la década de los 80’s, el premio a Mejor Banda Sonora presentó una división en la que las películas nominadas se clasificaban en Dramas y Comedia o Musicales, y se otorgaba un premio a cada categoría. La frecuencia con la que se le otorgaba a los musicales el reconocimiento a Mejor Banda Sonora disminuyó a través de los años, pues dejaron de realizarse películas de este tipo.

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TOP RANDOM

41 © The Oscars

TOP RANDOM

Asimismo, durante algunos años la categoría de Mejor Banda Sonora se dividía en dos subcategorías: Mejor Banda Sonora Original y Mejor Banda Sonora Adaptada. Pero, ¿qué se toma en consideración para la nominación de una canción original y banda sonora de una película?

Para una nominación de canción original: esta debe tener letra y, evidentemente, música, además de que debió haber sido escrita específicamente para la película participante. La canción debe ser clara, audible y nítida, y debe estar contenida en alguna escena de la película, o bien, debe ser la primera canción de los créditos. Para presentar estas canciones a una nominación no es necesario que tengan un videoclip. En el caso de la Banda Sonora: debe haber sido compuesta exclusivamente para la película y debe reiterar el drama y emoción de la película.

Actualmente se puede convocar la participación de la categoría Mejor Musical Original: el largo-

© John William

metraje debe contar con cinco o más canciones originales que deben ser interpretadas visualmente. Esta categoría solo podrá agregarse cuando el Comité Ejecutivo de Música considere que existen los participantes y la competencia suficiente dentro de esta categoría.

La música presentada para las nominaciones será juzgada en cuanto a la efectividad, destreza, creatividad y contribución a la trama de la película y solo podrán votar los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que posean conocimientos musicales (compositores que hayan sido nominados a un Premio de la Academia y que tengan un mínimo de tres contribuciones reconocidas por el Comité Ejecutivo de Música de la Academia).

Estos miembros realizan una primera votación en la que se eligen 15 títulos por categoría que, posteriormente, en una segunda votación, se reducen a 5 (estas serán las nominaciones finales para las categorías).

© Menken (L) and Ashman (R) winning the Oscar for "Under the Sea" (1989)

© Williams conducted a 'Star Wars' suite at the Los Angeles Philharmonic’s Walt Disney Concert Hall in 2014.

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TOP RANDOM

A través de los años, películas de diversos estilos han sido galardonadas con este premio, desde la animación hasta el drama. Sin duda la mejor inspiración musical puede provenir de cualquier lugar. Prueba de esto son los compositores Alan Menken y John Williams. El primero ha sido un compositor clave en lo que se conoce como el “Renacimiento Disney”, el cual abarca un periodo de 1989 a 1999 en el que se crearon películas como La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdin, Hércules y El Jorobado de Notre Dame. Todas estas obras cinematográficas tuvieron a Alan Menken como compositor principal, mismo que ha recibido ocho Premios de la Academia y un total de 19 nominaciones gracias a su música.

Por otro lado, John Williams es el responsable de componer la música de películas como la

saga de Star Wars, El Violinista en el Tejado, Jaws, Indiana Jones, Harry Potter, La Lista de Schindler, entre otras. Ha recibido cerca de 50 nominaciones al Oscar y se ha llevado este reconocimiento cinco veces.

Como podemos ver, ambos compositores poseen estilos totalmente distintos en su música y, sin embargo, ambos han sido reconocidos no solamente por la comunidad cinematográfica sino también por los fanáticos de estas películas. Esto es, sin duda, una muestra clara de lo importante que resulta la música dentro de una historia y más específicamente dentro de una película.

A continuación te presentamos algunas de las películas cuya música ha sido reconocida en el mundo del cine. ¿Ya las conocías?

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Mejor Banda Sonora Original

• El Mago de Oz. 1939

• La Sirenita. 1989

• Pinocho. 1940

• La Lista de Schindler.

1993

• Dumbo. 1941

• Siete Novias para Siete • Titanic. 1997 Hermanos. 1954 • El Señor de los Anillos. La Comunidad • Ben Hur. 1959 del Anillo. 2001 (El • Amor Sin Barreras.

Retorno del Rey 1961 ganaría este mismo • Mary Poppins (Mejor premio en 2003) Banda Sonora) y Mi • Up. 2009 Bella Dama (Mejor • El Gran Hotel Adaptación). 1964 Budapest. 2014 • El Violinista en el Tejado. 1971 • Star Wars. 1977

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• La Forma del Agua.

2017

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Mejor Canción Original

• El Mago de Oz. “Over the Rainbow”. 1939 • Mary Poppins. “Chim Chim Cher-ee”. 1964 • Fama. “Fame”. 1980 • Dirty Dancing.

“I’ve Had the Time of My life”. 1987 • Aladdin. “Un Mundo Ideal”. 1992 • Titanic. “My Heart Will Go On”. 1993 • Skyfall. “Skyfall”.

2012 • Lalaland. “City of Stars”. 2016 • Coco. “Recuérdame”.

2017

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REVIEW

Vocaloid:

creando cantantes virtuales Por Samantha Castrejon

En estos tiempos ha corrido la noticia de que una cantante inexistente llamada Hatsune Miku era más famosa y popular que cualquier cantante actual. Lo curioso es que ella es solo un holograma que tiene forma de personaje de anime, misma que ha ganado fama por todo el mundo.

Pero la pregunta es, ¿qué es Hatsune Miku? ¿De dónde viene y cuál es el secreto de su éxito?

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En la actualidad se han sacado las versiones actualizadas de los originales llamadas append (con nuevos diseños de personajes) y cada cierto tiempo se les da un Vocaloid a un país,

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iku es un Vocaloid, es decir, un programa sintetizador de voz que permite a los usuarios generar voces a través de su computadora, algo así como Loquendo, con la diferencia fundamental de que en este se puede cantar y, aunque Miku es el Vocaloid más popular y la cara del producto, no es la única que le ha dado fama a la marca. En la actualidad muchos países tienen su propio Vocaloid representante, como es el caso de España, Corea y China.

Vocaloid se convirtió en un fenómeno en 2007.

Junto con el crecimiento de los sitios de intercambio de videos en línea, los músicos y productores desarrollaron un nuevo género que pronto se expandió más allá de internet. En las listas de éxitos, las estrellas del pop tradicional trataron de sonar como robots, los minoristas de música abrieron nuevas secciones dedicadas a la música Vocaloid, y las cadenas de karaoke cargaron cientos de canciones de este tipo en sus bibliotecas. En resumen, la tecnología Vocaloid ha abierto un lugar enorme en la cultura pop japonesa, todo a través del canto generado por computadora.

Su éxito ha sido tal que se han sacado discos, se han hecho animes de sus canciones y miles de objetos de mercancía como peluches o figuras.

Mucha gente se disfraza de ellos para hacer videos de live action. Incluso se han coronado los certificados de matrimonio para casarse con Miku. En este año un chico hizo una boda con la cantante virtual e invitó a 40 personas; se hizo viral.

Los Vocaloid fueron creados por Yamaha, considerando a Hideki Kenmochi como su padre.

Aunque la mayor parte de la investigación del sintetizador de voz fue desarrollada en Barcelona, incluido el desarrollo de las bibliotecas de procesamiento de señales centrales en C ++.

Cuando todo comenzó a encajar, el prototipo Vocaloid se presentó al mundo por primera vez en 2003 en la feria musical alemana “Musikmesse”.

Originalmente se llamaría Daisy pero una marca ya estaba registrada bajo ese nombre, así que decidieron usar el de Vocaloid, que significa “vocal android”, pues al inicio se podía usar el programa en celulares.

La versión 1 de Vocaloid se puso a disposición del público el 3 de marzo de 2004, cuando la compañía británica Zero-G lanzó a Leon y Lola, voces masculina y femenina respectivamente. Sin embargo, tomó un poco de tiempo para que el software se volviera enorme. Crypton Future Media creó el personaje Hatsune Miku, y fue Wataru Sasaki a quien se le ocurrieron la mayoría de los

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detalles que la convirtieron en el avatar perfecto para el software.

Crypton creó un personaje, pero su movimiento más inteligente fue dejar a Hatsune Miku como un lienzo en blanco. De todos los lanzamientos de Vocaloid 1, Crypton experimentó el mayor éxito. Luego, la compañía diseñó a Meiko Sakine (otro personaje) y la colocó al frente de la caja.

Cuando se desarrolló la segunda versión de Vocaloid con voces más suaves y una interfaz más fácil de usar, Crypton diseñó un nuevo personaje para la próxima entrega. Pero ese no fue el único cambio. Las voces de Vocaloid 1 se basaban en el análisis de la voz humana, pero para Vocaloid 2 se usaron voces humanas reales (para la voz de Miku se utilizó a Saki Fujita, una actriz de doblaje).

Después de crear el banco vocal y obtener diseños del ilustrador Kei Garo, Hatsune Miku (cuyo nombre significa “primer futuro del sonido”) salió a la venta. Los clientes se sintieron atraídos por el personaje y las tiendas no podían creer el éxito del producto.

Tras su liberación, se publicó cierta información específica sobre ella: su edad (16), su altura (5.18 pies) y su peso (92.5 lbs).

Crypton permitió a los usuarios darle a Miku la personalidad que quisieran. Vocaloid aprove-

Hatsune Miku, una cantante virtual creada p ofrece shows únicos en su tipo, con una esp

chó este mercado y se extendió más allá de la música. Los artistas visuales y los fabricantes de videos musicales aficionados también se sintieron atraídos por Miku, así que Crypton alentó activamente la apropiación de este personaje, creando una “Licencia de personaje” que permitía a los usuarios tomar la imagen de Miku y hacer lo que quisieran.

A partir de eso, Miku provocó una fiebre enorme en todo el mundo pues varios fans empezaron a hacer su propio Vocaloid, los llamado utas, refiriéndose a una versión gratuita del software que presenta bancos de voces caseros, como Teto Kasane, Ruko Yokune y la mexicana Arisa Mitsuko.

Vocaloid incluso se ha hecho un gran arte en los últimos años. Isao Tomita, uno de los primeros músicos japoneses en adquirir un sintetizador en la nación, formó una sinfonía protagonizada por Hatsune Miku a finales de 2012, mientras que una ópera llamada The End, protagonizada por ella, apareció poco después. Y por supuesto, los shows en vivo con artistas holográficos se han vuelto enormes.

Incluso las estrellas del pop japonesas han tratado de aferrarse al carro de Vocaloid. El cantante Mayu Watanabe es un miembro

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yi y Yanhe, entre otros. Además se ha pulido el hecho de que puedan cantar en varios idiomas, por ejemplo cuando Miku vino a México cantó en español y Yuzuki Yukari es la primera en poder rapear.

por la compañía Crypton Future Media, y que pecie de fusión entre tecnología y música.

del grupo más vendido en Japón (AKB48), y en 2012 lanzó un single electro pop llamado Hikaru Monotachi. Hachioji-P fue reclutado para producirlo y, para el video de esa canción, la voz de Watanabe sonaba muy similar a un Vocaloid.

La empresa no se quedó atrás pues tenía que seguir expandiendo su mercado. Con la versión de Vocaloid 1 nació otro personaje llamado Kaito Shion. De Vocaloid 2 aparecieron los gemelos Kagamine Rin y Len, y con la versión 3 apareció Megurine Luka, el primer Vocaloid que cantaba en inglés. Este grupo se convirtió en el más popular pues no solo son los más escuchados sino que son los acompañantes de Miku en sus videojuegos de música y han hecho sagas completas de música basada en ellos.

Más nombres se pueden unir a la lista, pues entre Vocaloid y Utaloids son bastantes y en la versión oficial del software ya está Vocaloid 5. Aunque su fama ya ha caído un poco (comparada en sus inicios) no cabe duda que la reina indiscutible siempre será Miku, pero no por eso los demás dejan de tener un séquito de fans, incluso los que apenas están saliendo.

Así que, si no conoces a estos cantantes, podrás encontrar sus canciones en YouTube subtituladas y en Spotify ya hay muchas listas de reproducción.

Deja que las voces de estos artistas virtuales te conquisten.

También otras compañías empezaron a hacer sus versiones, entre los más populares están Gakupo Kamui, Gumi Megpoi, y Lily.

En la actualidad se han sacado las versiones actualizadas de los originales llamadas append (con nuevos diseños de personajes) y cada cierto tiempo se les da un Vocaloid a un país, por ejemplo Bruno y Clara de España, SeeU de Corea, Oliver de Inglaterra y varios que pertenecen a China, como Luo Tian-

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Vocaloid. Software de síntesis de voz, capaz de cantar.

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Roger Waters:

más que un concierto Por Dirce González

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uiero pensar que, sin importar nuestros gustos musicales, toda persona en el mundo sabe que existe Pink Floyd: una banda británica que se desarrolló desde mediados de los 60’s hasta mediados de los 90’s. En realidad es un periodo demasiado largo en el que se mantuvieron activos, sin embargo, aconteció infinidad de cosas y la banda sufrió varios cambios radicales.

No planeo hablar de Pink Floyd en este texto, sino solo de uno de sus integrantes: Roger Waters. He decidido hablar de él porque, sin demeritar a los demás integrantes y tomando en cuenta que hubo trabajos solistas por parte de cada uno de ellos, ha sido el único (habría que cuestionarnos la situación de David Gilmour respecto a este punto) que ha querido y podido mantener vigente la música de Pink Floyd a través de sus shows.

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Roger Waters decidió salir de Pink Floyd en 1985 debido a diferencias legales y creativas con el resto de la banda, mismas que comenzaron a germinarse más o menos desde diez años antes de su salida; obviamente llegó un punto en el cual la situación ya no era salvable.

Independientemente de las razones por las cuales dejó la banda, es importante saber que él adquirió la mayor parte de los derechos con respecto a la música de Pink Floyd, lo cual le ha dado oportunidad de llevar al escenario sus más grandes creaciones.

Y quizás es por eso que desde 2010 decidió hacer una gira específica de The Wall, probablemente el álbum más conocido de la banda.

El espectáculo que ha montado Waters con The Wall es peculiar por el lado que se le quiera ver. Es un show que representa en vivo el álbum completo (los dos discos), de inicio a fin en el orden exacto de cada canción. Esta es una de las características principales de Pink Floyd y más aún de este álbum, pues en su totalidad nos cuenta una historia, así que el orden de las canciones es primordial para que esta tenga sentido.

Para que a la historia se le de la importancia debida es necesario que se represente dramáticamente. El recurso teatral que se utiliza durante todo el show es, creo yo, la base del espectáculo mismo, pues no solo es un concierto en el que se pueden escuchar ciertas canciones, sino que se vive con los cinco sentidos cada canción. La escenografía juega un papel importantísimo, comenzando por el escenario que es un muro inmenso sobre el cual se proyectan imágenes y animaciones que se van modificando a lo largo de la historia. El mismo muro va cambiando poco a poco, hasta terminar completamente destruido.

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REVIEW Hablar de The Wall en vivo es hablar de un espectáculo simplemente increíble respecto a lo visual: luces, animaciones, escenografía, vestuario, pirotecnia; y lo auditivo: excelente interpretación por parte del equipo de músicos, coristas y el propio Waters. Si bien este show ya lo había presentado anteriormente en 1990 tras la caída del muro de Berlín, a partir de 2010 se perfeccionaron técnicamente los efectos, escenografía, sonido e imágenes. A mediados de 2013 terminó esta gira.

Para aquellos(as) que somos fans nos preocupaba el hecho de que Waters se fuera a retirar de los escenarios (a pesar de lo bien aceptado que fue su proyecto en vivo con The Wall). Sin embargo, a inicios de 2016 anunció una nueva gira; esta vez sin The Wall. En realidad a aquella gira nunca se le dio un nombre en particular, solo se promocionó anunciando que tocaría canciones de otros álbumes de Pink Floyd, en especial de Dark Side of the Moon, Wish You Were Here y Animals. Tremenda noticia fue esta porque, ¿qué probabilidad teníamos de escuchar en vivo alguna vez en nuestra vida música de Pink Floyd? Al menos yo nunca lo imaginé. Sé que lo ideal para muchos hubiera sido ver a Pink Floyd con cada uno de sus miembros en un escenario pero, por desgracia, la muerte de Wright y de Barrett lo hace imposible.

Desde luego, esta era la oportunidad perfecta para aquellos(as) que deseábamos escuchar canciones clásicas como Time, Brain Damage, Eclipse, Dogs, entre otras más. Por fortuna, tuve la oportunidad de asistir a un concierto de esta gira y puedo decir con seguridad

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que fue un show tanto o mejor que la gira pasada. Al inicio del show el escenario era muy parecido al muro (muy largo y blanco) solo que sin la simulación de ladrillos. Se proyectaba sobre él mucho material visual. Cuando llegó el momento de Dogs, salieron de cada uno de los extremos del escenario las chimeneas con el cerdito en medio de ellas, simulando la portada del disco Animals. Jamás pensé ver algo así y mucho menos imaginé escuchar mi canción favorita en vivo.

A inicios del año pasado se anunció una nueva gira titulada Us+Them, confirmando en marzo de este año los con-

REVIEW que sería un espectáculo súper increíble, como siempre lo ofrece.

Llegué al Palacio de los Deportes media hora antes del show, desbordando emoción y nervios, incluso comencé a llorar antes de que iniciara. La primera parte del concierto fue muy sencilla: Roger y su equipo tocando, teniendo detrás de ellos una pantalla en la que se transmitían videos, imágenes y animaciones. Nada de escenografía espectacular como acostumbra. “Sí, esta vez tenía que ser diferente, pues el espacio es muy pequeño” pensé. (Las veces anteriores se había presentado en el Foro Sol).

ciertos en nuestro país. Con el nombre de la gira ya nos dábamos una idea del posible setlist que traería esta vez.

Contando mi experiencia personal en cuanto a estos eventos, tengo que mencionar que para la gira de este año yo no alcancé a comprar mi boleto para ninguna de las tres fechas que abrió en la Ciudad de México, pues el sistema de Ticketmaster es demasiado deficiente y, además, cada vez se elevaban más los precios. Me resigné a no verlo este año, pero por una situación personal una amiga tuvo que vender su boleto porque no iba a poder asistir; yo fui la compradora.

Estaba muy emocionada desde días antes del concierto recordando mis experiencias anteriores en las giras pasadas, y estaba cien por ciento segura de que no me defraudaría y de

Llegó el primer encore y él se retiró del escenario unos minutos. Se apagaron las luces de nuevo y desde una estructura en el centro del Palacio comenzó a desplegarse la estación eléctrica con sus chimeneas y el cerdito. En realidad todo el show fue increíblemente espectacular, Roger nunca queda mal en esto. Pese a ser un espectáculo muy similar al del 2016, lo disfruté muchísimo, quizá más de lo habitual porque no pensé estar ahí esta vez.

Lo que nos ofrece Roger Waters en vivo siempre vale mil veces la pena, incluso las personas que no son muy aficionadas a la música de Pink Floyd comentan haber pasado una excelente noche en alguno de sus shows. Eso es algo que debemos reconocerle siempre: su creatividad tanto en la composición como en la presentación. Recordemos que una de las cosas que caracterizaron siempre a Pink Floyd fue la crítica político-social que hacían a través de su música, y Waters no soltó esto jamás. Hasta el día de hoy, en cada uno de sus discos como solista y en cada uno de sus shows sigue lanzando mensajes políticos en gran parte del contenido visual. De hecho, en todos los shows desde la gira del 2010 saca un cerdo inflable con anotaciones políticas específicas y lo hace volar por todo el recinto para que cada persona presente lea los mensajes que el cerdo nos comparte.

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¡A jugar con ritmo!

Por Pablo Lutrillo

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s común encontrar más videojuegos de acción que de ritmo o de baile, pero este tipo de juegos, a pesar de parecer escasos, tienen una amplia gama de títulos que te permitirán experimentar sueños como tocar en una banda de rock o, incluso, enseñarte a tocar algún instrumento. Así que empecemos por este viaje de sueños e ideales musicales.

Hace algunos ayeres había un juego de pintura que tenía un mini-juego donde podías componer canciones. El juego te proporcionaba un pentagrama y 19 sonidos diferentes que funcionaban como notas musicales, permitiéndonos crear canciones. El juego es Mario Paint para SuperNintendo (SNES). Salió a la venta el 5

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Dance Revolution de mayo de 1992 en Estados Unidos y, a pesar de ya no distribuirse copias físicas del videojuego, cada cierto tiempo salen covers de canciones actuales realizadas con él.

Avanzó el tiempo y llegó para Dreamcast un juego de ritmo bastante difícil, pues tenías que imitar los pasos que el mismo juego te dictaba y no aparecían los botones pues todo era casi de memoria y repetición.

El juego era Space Channel 5, donde controlabas a una linda conductora de noticias que bailaba mientras peleabas con extraterrestres y salvabas humanos sin dejar perder la noticia principal: el avance de la conquista marciana. El juego fue tan bueno que Michael Jackson pidió hacer su cameo en él, siendo el primero que implementó esta idea, la cual

Dance Central

evolucionó y comenzó a mostrar los botones a presionar y un cuadro que señalaba el momento en donde debías presionar algún botón, naciendo así juegos como PaRappa The Rapper, Bust a groove, Project DIVA, Persona Dancing, entre otros.

En esta evolución hay excepciones y, en este caso, con el ritmo y el toque de un tambor (que eran los botones a presionar), controlabas a una tribu que tenía que recolectar comida, abrirse paso por cuanto obstáculo se colocara frente a ellos, pelear con criaturas gigantes, recolectar armamento para hacerlos más fuertes y luchar contra otra tribu. El juego se llama Patapon y cuenta con uno de los ritmos más simples y pegajosos de los juegos, tanto que obtuvo 3 entregas inolvidables para PSP y actualmente se tiene una remasterización para PS4.

En la era del PlayStation llegaron más juegos donde el ritmo era importante, pero estos llegaron con aditamentos extra, llamados “periféricos”. Unos llegaron con un tapete de baile inicialmente para PlayStation.

La franquicia era Dance Dance Revolution (DDR). Su tapete contaba con flechas señalando hacia arriba, abajo, izquierda y derecha. Permitía al jugador sentir el ritmo de las canciones japonesas del momento (la mayoría fueron traducidas al inglés) mientras apretabas

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Guitar Hero

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los botones necesarios con los pies para ganar puntos.

Pero no quedó ahí, pues también llegó un juego que hasta la actualidad sigue siendo famoso por las arcades (o mejor conocidas como maquinitas de videojuegos), Pump It Up. A diferencia de DDR, el tapete contaba con un botón al centro, y las flechas apuntaban diagonalmente, haciendo una nueva experiencia junto con sus canciones selectas que en un futuro se las tomarían de la cultura coreana. Además, cabe destacar que este juego también dejó a Xbox contar con su propio tapete de baile.

Otros juegos llegarían con un tambor para jugarse o, en su defecto, con botones. El juego es Taiko no Tatsujin. Solo salió en Japón, pero llegaron unas cuantas copias para Nintendo DS teniendo buena recepción, aunque sin los tambores para arcades. Este juego constaba en seguir ritmos mientras golpeabas el centro o los lados del tambor logrando hacerte sentir en festivales japoneses.

Sin olvidar aquellos juegos que llegaron con una guitarra como Guitar Hero, donde al usarla nos permitía sentirnos como nuestro guitarrista favorito mientras tocábamos nuestras canciones preferidas, consiguiendo puntos y fanáticos. Este título revolucionó la industria de los periféricos, permitiendo crear más y para diferentes estilos de juegos, pero todos basados en el estilo de Guitar Hero, que era presionar botones de colores en el momento preciso. El primero que salió fue DJ Hero que te permitía ser un DJ con tu propia tornamesa.

Aun así, su desarrollo no se detuvo ahí, pues hay algo mejor que ser solo un guitarrista famoso y esto era tener tu propia banda de música de 4 integrantes. Así fue como llegó Rock Band, un juego que te permitía jugar con dos guitarras y ser guitarrista o bajista, con micrófono para sentirte el cantante o con una batería para ser el percusionista. Cada instrumento con su estilo y dificultad única.

Aún con lo anterior, los juegos no dejaron de cambiar, pues con la llegada del Kinect los juegos de tapete dejaron de usarse y

Aunque fuera solo para un juego, llegó un micrófono que te permitía comparar los decibeles de tu voz con la del cantante en cuestión y al mismo tiempo hacer karaoke, todo para darte un puntaje y calificación final. Este juego es SingStar para PlayStation 2.

Rock Band

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se empezaron a leer las siluetas, permitiendo crear Dance Central, donde se imitaban los movimientos que el mismo juego nos va dando con todo el cuerpo. Este juego solo contaba con 90 rutinas de baile, que inspiraron a ver más allá y crear Just Dance, haciendo que dichos movimientos se inspirarán en las coreografías originales y en pasos de baile famosos, y en algunos casos se crearon coreografías únicas para las canciones. Este último título está para las consolas de última y penúltima generación de Xbox y PlayStation, mientras que Dance Central solo llegó a Xbox 360.

Como ya mencionamos, Guitar Hero fue un pionero en el género musical de ritmos, sin embargo Rocksmith no solo mejoró la idea, sino que también logró enseñar a usar una guitarra de verdad al mismo tiempo que te diviertes jugando y tocando canciones de Aerosmith y otras bandas. Este juego necesita un cable USB que se conecta a la consola y del otro lado una entrada de 6.35mm que se conecta a una guitarra eléctrica. Una vez conectado todo y teniendo el juego en formato físico o digital, te permitirá entrar al mundo de la guitarra, ya sea para aprender, practicar o disfrutar.

Guitar Hero juegos móviles de celulares, este juego rítmico se llama Osu! Tatakae! Ouendan, es para la consola portátil Nintendo DS y nos cuenta la historia de tres sujetos que animan a la gente a seguir adelante con sus metas haciendo que enfoquen su desesperación en acciones. La jugabilidad consiste en seguir una secuencia de puntos que va apareciendo en pantalla mientras sigues el ritmo, los puntos pueden ser de solo un toque, mantener presionado y seguir un camino y, en situaciones extrañas, dar vueltas a una ruleta táctil. A pesar de que solo salió en Japón, tiene muchos fanáticos en el mundo, tan es así que actualmente existe una versión para PC llamada Osu!, la cual tiene una gran base de datos musicales que cuenta con cuatro modalidades: Taiko!, es como si fuera un tambor; Catch!, trata de mover un personaje para que consiga fruta. Estos dos se juegan con teclado. Mania!, el cual representa un piano y se puede jugar con teclado o piano USB; y el original Beatmap de Osu, que se puede jugar con teclado, ratón, touch y tablet de dibujo.

Con esto terminamos este paseo musical, entonces ¿qué ritmo tocaremos hoy?

Por último tenemos un estilo de juego que da entrada a los

Dj Hero

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Tu mentira

la música transmiti

La música es un medio por el cual se transmiten muchas emociones pero, ¿qué es de un músico cuando no puede tocar más?

E

sto le pasa a nuestro protagonista Kousei Arima, un prodigio del piano que, debido a un trauma, cada vez que intenta tocar algo, se le hace imposible escuchar algún sonido. Pero cuando su vida parece ya no tener ningún sentido y su retiro es inminente, aparece una violinista llamada Kaori, la cual es todo lo contrario a él y que lo incitará a regresar al espectáculo con su forma tan singular de tocar el violín.

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a en abril:

iendo sentimientos Por Samantha Castrejón La intromisión de Kaori en la vida de Kousei no solo provoca que él quiera superar su trauma, sino que él empieza a sentir algo por ella, el problema es que ella ha dejado claro que su interés está en el mejor amigo de este. A pesar de saber eso, Kousei sigue pasando tiempo con ella y cumpliendo todos sus caprichos para recobrar su amor por la música y, tal vez, tener una oportunidad con la violinista, pero Kaori esconde el hecho de padecer una enfermedad que cada día la debilita más y más.

Las serie es una adaptación del manga del mismo nombre.

Posee 24 capítulos en los cuales podrás disfrutar piezas de

música clásica interpretadas en piano, violín y saxofón principalmente. Cada pieza es tocada magistralmente y te sumerge en el ambiente de cada escena.

Cada intérprete te dejará ver cómo saca a flote todas las emociones que siente, pues no solo Kousei es el único que toca piano ya que en un momento fue el mejor de Japón y dejó algunas rivalidades con varios chicos que no dejarán que su regreso los opaque de nuevo.

Actualmente el manga se está publicando en México, pero es más recomendable la versión anime pues la música utilizada le da más sentimiento a esta historia al ser esencial para unir a la gente.

Si quieres saber cómo Kaori cambiará la vida de Kousei y quién es el que mintió en abril, pasa a ver y disfrutar de esta gran historia musical.

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AGENDA CULTURAL

AGENDA CULTURAL

Enero d

El mes de enero contará con un gran núme podemos colocarlas todas decidimos traerte los links que hay en cada entrada

Kan Pequeño

Detalles: Todos som ños mundos. Unos s estrechos. Todos son por un lado, y por el o De sí y no. Del gusto que ve, escucha, bus mos un mundo (que queño mundos). Vas creó un imaginario va de que lo anunció y n de Bellas Artes nos a que se queda hasta e

Lugar Museo del Palacio de

Horario: Martes a domingo de Hasta el 27 de enero

Costo: Entrada libre los do estudiantes, maestro la Secretaría de Cult

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de 2019

ero de actividades culturales, pero como no e solo algunas de ellas. No olvides ingresar a a para que conozcas más detalles.

ndinsky. os mundos.

mos micro-universos, pequeson más vastos y otros más n la síntesis de condiciones, otro de diminutas decisiones. o, interés y curiosidad. De lo sca. Si estamos atentos haceno es sino solamente un pesili Kandinsky estuvo atento y asto y rico, y ahora (después nos emocionamos) el Museo acerca a él con la exposición enero del 2019.

CONFERENCIA Una exposición de cuadros Presenta: Roberto Ruiz Guadalajara Jueves 10 de enero, 17 h Wassily Kandinsky tuvo desde temprana edad una formación musical que exploró más adelante a través de la pintura; bajo la idea del espíritu en todas las manifestaciones artísticas. Esta sesión abordará la relación que existió entre la música de artistas como Modest Mussorsky, Richard Wagner yArnoldSchöenberg -entre otros-, y la producción pictórica de Kandinsky

e Bellas Artes

CHARLA Kandinsky y Schönberg: pintura disonante

e 10:00 a 18:00 hrs. de 2019

En colaboración con la Coordinación Nacional de Música y Ópera Presenta: Sergio Ortiz Miércoles 16 de enero, 17 h Sala Diego Rivera

omingos y con credencial de os, INAPAM, empleados de tura e INBA

En enero de 1911 Kandinsky asistió a un concierto con música de Arnold Schönberg, mismo que dio paso a una relación de amistad. Esta charla revisará la cercanía personal entre el músico y el pintor, así como sus paralelismos artísticos Entrada libre

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AGENDA CULTURAL

¿Actuamos como caballeros o como lo que somos? El humor en el cine mexicano

Horario: Mié-Lun, de 10:00 a 17:40 hrs.

Detalles: Realiza un recorrido por la historia de la comedia en la cinematografía mexicana, desde la época de la colonia, pasando por la aparición de los espectáculos callejeros en las carpas y circos, hasta el actual cine mexicano.

Lugar: Museo del Estanquillo. Calle Isabel la Católica #26, Col. Centro, C.P. 06000, CDMX Precios: Entrada libre

La muestra está integrada por más de 500 piezas, entre fotografías, videos, carteles y objetos provenientes de la colección de la Cineteca Nacional y del Museo del Estanquillo.

Hot Chocolate - Ciudad de México Cirque Du Soleil: LUZIA 3er FestivalCirque de Café, Du Chocolate Soleil: LUZIA y Pan de Muerto

Forma parte de este maratón que, por primera vez, llega a la Ciudad de México desde Estados Unidos.

Corre la carrera de 5K o 15K y disfruta de un delicioso desayuno con todo el chocolate caliente que puedas beber.

Fecha: Domingo 6 de enero Horario: 7:00 AM Lugar: Auditorio Nacional. Av. Paseo de la Reforma 50, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11580, CDMX

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Ballet BalletElElCasca Casca

AGENDA CULTURAL

Via Láctea

Fecha: Disponible hasta el 24 de febrero del 2019 Horarios: Martes a domingo, de 10:00 a 18:00 hrs.

Detalles: En la exposición Vía Láctea, el fotógrafo Gonzalo Lebrija muestra parte del trabajo que realizó en La Habana.

La temática de su obra gira en torno al tabaco y la acción de fumar: vemos retratos de fumadores profesionales que consumían productos de la producción más selecta de Vegas Robaina al momento de ser fotografiados. Las piezas dan cuenta de los rituales del fumar en Cuba y de los mitos que envuelven a esta acción.

anueces anueces 2018 2018

Lugar: Museo Tamayo Arte Contemporáneo. Av. Paseo de la Reforma #51, Bosque de Chapultepec I Secc., C.P. 11580, CDMX Costo: $65 MXN.

Rock en tu Idioma Sinfónico, Vol. 2

Rock en tu idioma sinfónico Vol. 2 revive los temas que marcaron a más de una generación que escuchaba a grandes iconos de distintas bandas de Rock en México.

Está conformado por nuevos invitados, grupos y solistas como: Ugo Rodríguez, Javier Gurruchaga, Sergio Arau, Las Víctimas del Dr. Cerebro, Cecilia Toussaint, La Lupita, Aterciopelados, José Fors, María Barracuda y El Gran Silencio.

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Fecha: Jueves 31 de enero.

Horario: 20:30 hrs.

Lugar: Av. Paseo de la Reforma # 50, Col. Polanco V Sección, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, CDMX Costo: $419.75 - $1,888 MXN

PARALELOS

PARALELOS

La torre, el número, el asesino de la blanca paloma y un nunca más Por Hugo Germán Serrano Miranda

Cuando le pregunté a mi hijo, joven abogado de 27 años, ¿cuándo se tiene justicia?, me respondió con una aclaración especial y una explicación sencilla y didáctica dirigida a un profesor que labora en la Facultad de Ingeniería. Me dijo: Mira apá’, en primer lugar, la palabra justicia proviene del vocablo latino iustus, y con el tiempo esta palabra derivó en justo, este es un calificativo (adjetivo,...pues) que se emplea para nombrar a aquello que resulta conforme a la justicia. Lo justo, por lo tanto, corresponde a equidad, imparcialidad o razonabilidad y todo lo que señale a estas virtudes de manera similar o analógica”.

Parte 3 de 3 © Dijo que las palabras contenidas en la imagen lumínica de “Nunca más“ es lo que exige la Universidad Nacional sobre estos hechos que marcaron a la sociedad mexicana. Foto Cristina Rodríguez

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Existe una amplia variedad de esta noción. Existe justicia distributiva y retributiva, y estas tienen su origen desde los griegos presocráticos; pero también existe una justicia reciente que dizque acaban de inventar y está de moda: la justicia social. Este encanto de justicia surgió a mediados del siglo XIX para referirse a la necesidad de lograr un reparto equitativo de los bienes sociales.

dón, el olvido y el nunca más. Especialmente dirigido a quienes profesan, al igual que yo, las ciencias duras, es decir, a la gran mayoría de espíritus ejercitados en los avatares de la precisión y el quehacer matemático, de corazoncito más o menos blindado a los derroteros de la cotidianeidad social y que se recrean un poco más allá de la avenida Copilco.

En una sociedad con justicia social, el Estado debe tener el compromiso de que los derechos humanos deben respetarse y también que las clases sociales más jodidas deban contar con oportunidades de desarrollo.

A manera de reflexión motivada por este artículo y con el objeto de ser congruente con la certeza aproximada de su contenido, las siguientes sentencias (demandas) suenan muy razonables y poco rebatibles a 50 años de lo sucedido en el movimiento popular estudiantil de 1968:

¡¡Uyy apá!!, este tipo de justicia nunca ha existido en México, y difícilmente creo que se pueda alcanzar en el largo plazo, nomás léete la Gaceta de la UNAM de la semana pasada, donde tu rector reconoce que la riqueza de 10 mexicanos equivale a la de 60 millones de pobres ¡Chíngale!, si esto reconoce el señor Graue, ¿cómo andarán las cifras reales del señor Peña Nieto?

Ante el genocidio perpetrado por el ejército y grupos paramilitares el 2 de octubre de 1968, en la Plaza de las Tres Culturas: Ni perdón ni olvido… justicia sí.

Ante este crimen infame, nosotros los viejos y ustedes los jóvenes comprometidos:

¡¡Heyy…apá!!, te veo un poco desencantado, te aclaro que no todo es negrura y pesimismo en jurisprudencia, mira, lo que sí se puede alcanzar mínimamente en México es la justicia retributiva, la cual corresponde al castigo o pena que se le aplica a un individuo en proporción a la falta cometida por este. Contesté más optimista: ¡¡Ahh…bien!!, ya me estaba preocupando mijo’ (pensé casi de inmediato en Díaz Ordaz, Luis Echeverría, el batallón Olimpia…y otros asesinos).

¿podremos ser tolerantes?, ¿indiferentes?, ¿resignados?, ¿aceptar la más mínima reconciliación con los culpables? ¡nunca, jamás!

Pues bien, aquí culmina esta especie de prontuario light, acerca de un cúmulo de aproximaciones referentes a definiciones, significados, descripciones, postulados y hasta anécdotas ejemplificadas, que tienen que ver con el per-

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… NUNCA MÁS, pero con letras resplandecientes que iluminen la esperanza de justicia en todos los jóvenes que anhelan un México mejor.

PARALELOS

A 33 años del temblor de 1985

y a un año del sismo

de 2017

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Por Claudia Claudia Pérez Pérez Ruiz Ruiz Por

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Parte 3 de 3

M

i desempeño fue malo, pensé que lo sucedido no había sido tan grave, ni que hubieran tantos daños, ya estaba en la fila del camión, al finalizar el movimiento telúrico me formé y esperé para subir. Por donde pasé no había edificios colapsados, solo vidrios en el piso, en ese instante me di cuenta que no era un evento que se tomara a la ligera, conforme fui

llegando a la zona donde vivo me percaté de la gravedad pero reaccioné antes de llegar a la casa. O quizá en el momento mi actitud no fue la correcta pero al momento de entrar a mí casa me di cuenta.

A raíz de este suceso aprendí que debo de estar preparado ante cualquier evento y ver los posibles problemas y encontrar resultados.

Luis F. M. F.

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M

i experiencia al pasar el temblor fue muy fuerte, se que a otras personas les afectó en mayor manera perdiendo su legado, patrimonio, trabajo o incluso a seres queridos, y aunque ese no fue mi caso, me sentí muy afectado por este, demasiado nervioso, demasiado impotente ante la situación.

En el momento del temblor me encontraba saliendo de clase y llegando a practicar tiro con arco, en la mitad del camino sentí el temblor y oí la alerta sísmica, también aprecié como el campo de tiro y la cancha de futbol americano se movían

estrepitosamente, al terminar el temblor fui a buscar a un amigo y me encontré con un grupo de conocidos que se dirigía a un destino semejante al mío, por lo que decidimos emprender el viaje juntos, llegando cansados y atareados a nuestras casas, cada uno con preocupación de los otros.

El día siguiente al temblor estuve ayudando como pude en donde vivo.

Con ayuda de mi familia y de mi psicóloga pude superar la crisis en la que me sumergí, hasta un mes después, regresando a la mayor normalidad que se puede en el momento.

Carlos A. M. S.

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Dividí mi dibujo en tres.

D

u ra n t e e l s i s mo todo fue de lo peor, ver la gente de prisa, asustada y llena de tristeza, me causo tanta lástima, fue un momento súper feo, donde la compañía de alguien era lo mejor que podías tener en ese entonces, no podías comunicarte con nadie.

En el presente pude ayudar con una brigada en recolectar productos para llevarlos a los más necesitados, el poder estar con mi familia me reconfortó y ver a todos unidos también.

En el futuro, si vuelve a pasar, ayudaría económicamente y mi medalla es para la familia Mandujano Villagómez por brindarme tos su apoyo aquel día.

Ricardo A. O. L.

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U

nos minutos antes del sismo, terminó mi clase, estaba en la parte de abajo con Marlet. Comenzó a temblar y a sonar la alarma sísmica, el semáforo se alcanzaba a ver que se movía sin dirección.

El movimiento no me asustó, pude conservar la calma e intenté llamarle a mi mamá, la llamada no entró porque no había señal. Fui hacia el metro con el fin de regresarme a casa al pendiente de las noticias y

de los avisos de la universidad para el regreso a clases.

Hoy vine a la escuela como de costumbre, todo está en orden, sólo cambiamos de salón para una clase, el profesor dijo que sólo es por una semana. Me siento tranquila.

Para el futuro es importante contar con una mochila de emergencia, porque es importante estar prevenidos, que es un fenómeno que no se puede predecir.

Lucero J. P. O.

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E

pico universitario para ayudar en lo que se necesitara pero me regresaron a causa de que ya había mucha gente y no requerían de más ayuda por el momento.

En la mañana del día siguiente al temblor asistí al estadio olím-

Espero que si en el futuro se llega a presentar nuevamente una situación de esta clase pueda estar preparado como ingeniero para poder brindar mi apoyo a todas las personas que la requieran y hacer más de lo que pude hacer en esta ocasión.

l día del temblor yo me encontraba en la escuela cuando empecé a escuchar que unas laminas golpeaban en ese momento creí que era a causa del aire, sin embargo comencé a escuchar la alarma sismíca y fue en ese momento que lo sentí y me desconcertó mucho puesto que jamás había vivido uno.

Eduardo A. G.

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Imagen 1. https://betanews.com/wpcontent/uploads/07/2015/Audacity.jpg Imagen 2. https://img.audiofanzine.com/ images/u/product/normal/apple-logicpro-x169678-.jpg Imagen 3. http://static.keymusic.com/ products/263059/XL/ableton-live-10suite-upg-from-live-lite-download.jpg Imagen 4. https://www.reaper.fm/v5img/ ss.png Imagen 5. https://files.soniccdn.com/ files/19/06/2015/Sibelius_Main_Screen_ enlarge.jpg Imagen 6. https://scottlinux.com/wpcontent/gallery/lilypond/-03lilypond.png Imagen 7. https://assets.guitar-pro. com/1.3/images/www/home/gp-7splashinterface.jpg

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La torre, el número, el asesino de la blanca paloma y un nunca más.

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REFERENCIAS

@NigromanteFI

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