CREAMIER ARG. Seleccion y traduccion. TRAC5

coordenadas

-estrategia principal } recurso, medio, comunicación, visualidad, verbo

-microrrelato } identidad, intimidad, herencia, historia del arte, pertenencia, local/global

TRAC 5.0 – paralelotrac.wordpress.com

ROSA CHANCHO Es un grupo de cuatro artistas y un crítico que arrancó como una galería que invitaba a artistas a trabajar en condiciones específicas de producción, experimentando con diversos formatos expositivos y yuxtaponiendo sus producciones.

La práctica de este grupo es esporádica y reactiva. Se reúnen a partir de invitaciones institucionales, generando así, obras e incluso una identidad acorde a lo solicitado.

INAUGURACION (2006)

Construyeron un cubículo en una feria de arte (Estudio Abierto), en donde organizaron una inauguración sin que hubiera obra alguna.

BOLA DE LODO (2006)

Fue una respuesta irónica al proyecto "Bola de Nieve". Esta es una obra colaborativa, pero en lugar de ser virtual, fue real. Una enorme y pesada bola de lodo. Participaron muchos artistas convocados en tres grupos y seleccionados por cada uno de ellos (formato BdN)

SIN TÍTULO. STAGE DIVING (2008)

Seleccionados para participar en un festival de performance, invitan a los visitantes a ser parte de la escena del rock participando con sus propios cuerpos de la práctica de tirarse desde el scenario hacia el publico.

La fuerza del grupo radica en su habilidad para meterse en el mundo del arte con una sensibilidad irónica y humorística.

Según Villa, lo que hacen difiere de otros proyectos en que ellos ponen “su fe no tanto en la el potencial constructivo del diálogo, como lo haría una obra "relacional", sino en el poder emocional y sensorial de la experiencia de grupo".

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ALEJANDRO CESARCO Desde 1998 viene redefiniendo su rol como artista, en función de saberse un consumidor cultural, asumiendo un diálogo artístico con los aquellos a quienes admira, siendo ésta su estrategia principal.

Su obra, que abarca medios más o menos tradicionales (tales como la instalación, el texto, los vídeos) pero también otros como la traducción, lo editorial, curatorial y educacional, empieza a encontrar una identidad a través del proceso de investigación e identificación de preferencias e influencias.

En el corazón de su proyecto se encuentra la historia del Arte Conceptual, mientras que otro aspecto básico es el carácter melancólico de sus producciones (algo que se hace evidente en la inclusión de referencias irónicas a la tradición Romántica).

INDEX (2000) Doce páginas de un libro que no existe, "mitad biográfico, mitad teórico".

Cesarco deja caer nombres como Lacan, Merlau-Ponty, pero también sus amigos de Uruguay, su mamá, etc.

SCRABBLE (2001) Una versión del juego clásico en la que sólo se pueden usar las influencias que se tuvo como artista.

Estas primeras obras en las que hace gala de ser un "estudiante ejemplar" fueron dando paso a una creciente sofisticación en términos del desarrollo de estas referencias.

Si al principio, las referencias "eran” la obra (este sentido de aprendizaje caracterizado por ser un joven artista), con el paso del tiempo fue emergiendo un a situación que coloca al diálogo en el centro de la obra.

Hoy, Cesarco no produce si no es en diálogo, citando, apropiándose o generando plataformas de diálogo con otros artistas: creó una serie de libros en lo que se despliegan diálogos entre artistas de diferentes generaciones; hizo una curaduría de la Bienal de Mercosul (2007) también entablando diálogos entre grupos de obras, como si de un juego se tratara; realizó un exhibición de obras producidas en colaboración con el artista conceptual John Baldesarri.

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Una de sus obras más interesantes en formato libro es Love Poems (2004) una traducción hecha de los Poemas de Amor del poeta uruguayo Idea Vilariño.

Este proyecto resumen sus preocupaciones: la circulación de la información entre dos contextos culturales diversos, el pieza de arte como un acto político y cultural, escribir como imagen, la traducción como una re-escritura, la re-escritura como apropiación.

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MATIAS DUVILLE Al principio de su carrera como artista en Buenos Aires, Duville decidió dejar de lado su indiscutible maestría como dibujante para ganarse un lugar en el campo porteño del arte desde otra perspectiva. Como resultado de esta decisión, empezó a explorar otros tipos variados de soportes para la imagen que le permitieran dejar de lado su destreza.

Por ejemplo: dibujos hechos en filtros de agua para piletas; una vez que el dibujo estaba terminado, sacaba los filtros y en base a lo esbozado volvía a dibujar.

También hay dibujos en alfombras que luego "afeitaba" para hacer aparecer paisajes.

Combina así, procesos sustractivos y aditivos, convirtiéndose esto en una fortaleza de su obra: crear un dibujo o una pintura y luego atacar el soporte hasta que aparece una nueva imagen más inestable que la original.

Sus dibujos sobre madera aparecen de la misma manera. Con martillo, va desbastando la madera ya dibujada. La sensación de catástrofe y extrañamiento, de un imaginario ominoso, es intensificado por este proceso destructivo

Luego de años de experimentación, parece que encontró su formato más cómodo y prolífico en la simplicidad del dibujo de carbonilla sobre pared o papel. A través de este lenguaje se las arregla para alcanzar la perfecta tension entre los silenciosos y tenebrosos ambientes creados y la urgencia performativa de las marcas y trazos dejados.

Con el tiempo su imaginería realista fue cediendo paso hacia ‘catástrofes inventadas’ –según las propias palabras del artista: océanos que, debido a algún proceso imposible de congelamiento se vuelven bosques; cuevas repletas de extraños follajes o piras gigantes en medio de alguna abandonada gruta, todo lo cual apunta al futuro después de la catástrofe de la que sólo quedan trazos frágiles de solitarios sobrevivientes.

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EDUARDO NAVARROMás allá de estar confortablemente embebida de las últimas tendencias del arte conceptual, la obra de Navarro evade cualquier clasificación simplista.

Hay algo excesivamente preciso, no obstante absurdo, en cada una de sus proyectos, lo que al principio aparece ligado a una intencionalidad estratégica e incluso política, pero que finalmente funciona con un inusual grado de ambigüedad y humor.

La estrategia artística fundamental puede ser definida como una interrupción de los contextos normativos en cuales él elige trabajar, a través de la producción de situaciones experimentales dentro de estructuras preexistentes y códigos de comportamiento sociales. Según él mismo declara, hace "esculturas de la realidad a medias absurdas", persiguiendo mímicas de la vida producidas con la intención de provocar una extraña tensión para el espectador.

Para lograrlo, toma temas tales como la religión, la auto-ayuda, lo esotérico, la psicología o la economía, y procede a recontextualizarlos con absoluta convicción.

COLLEAGUES (2006) es una obra paradigmática en su producción, dado que la obra transformó el taller rural del artista en una sala de consulta psicoanalítica, únicamente destinada para la comunidad de residentes. La cita debía ser pagada con obras de arte, las cuales eran mostradas en la oficina del profesional una vez terminado el proyecto.

FABRICANTES UNIDOS (2008) Este tipo de intercambios entre espacios y sus funcionalidad fue explorado mas en profundida en esta fábrica clandestina de budines que Navarro construyó en una espacio rentado en uno de los barrios más comerciales de Buenos Aires, instalado en un local de venta de productos “truchos”.

ARTS CENTER CHAPEL (2008) en esta obra, el Frankfurter Kunstverein fue transformado en una capilla consagrada en donde se realizaban misas para un grupo de devotos al arte.

En cada una de estas instancias, Navarro se apropia de tipologías y estilos arquitectónicos de cada lugar (iglesia, consultorio, fábrica) en función de intensificar la sensación de realismo y la resolución de comprometerse con esos sitios de intercambio social y económico.

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A través de este proceso, satisface su propia curiosidad sobre comunidades, creencias, prácticas y convenciones sociales que aparecen como algo exótico para él, mientras refrena la ilusión de empatía y comunión. Todos sus proyectos ganan en su carácter tanto humorístico como crítico al comprender, desde su concepción, la enorme distancia que separa ciertas prácticas artísticas de la diversidad del mundo social. En este aspecto, su obra no es una escultura construida a partir de un idealismo de lo social, sino más bien es una práctica que provoca desde y a pesar de, una posición política de desencantamiento.

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LEO ESTOLSu Carrera empieza bastante influenciado por la poética de Gabriel Orozoco y la dispersión espacial de las instalaciones contemporáneas (Thomas Hirschhorn), que con el tiempo culminaría en su manifestación actual: ‘ arte relacional para la intimidad ’ según sus propias palabras.

Poco a poco fue desprendiéndose y alejándose de los circuitos art usuales para una carrera artística en Buenos Aires, en donde había participado activamente (no sólo con obra, sino también como curador y escritor de críticas).

Empezó, en cambio, a mezclar "pop" con "cultura joven", diseminando su obra a través de una red que combina intimidad con incisiva cítrica institucional y una juguetona noción de mirada naïve.

POXIPICS: IMÁGENES DE PRINCIPIOS DE SIGLO.

una instalación consistente de fotos, objetos y recortes de diarios. En las fotos, objetos anodinos aparece en inesperada yuxtaposición, nada puede adelantarse de estos encuentros caprichosos entre objetos. En su lugar, la idea de Estol es la de crear alegorías del presente de los objetos más comunes, como haikus de la vida contemporánea.

Con estas imágenes Estol deseaba crea un "museo temporario apuntando a la relación entre objetos que son visibles y 'eye-catching' en la vuelta del siglo, pero que, dad la velocidad de los avances tecnológicos y la inestabilidad del consumo, puden desaparecer de un día al otro".

MI PRIMERA ESCULTURA

Con un espíritu similar, realiza esta obra que consiste en una cantidad enorme de latas usadas de Speed, paquetes de cigarrillos Malrboro vacíos y botellas de agua ya tomada, todo esto esparcido en el piso del espacio para que el espectador circule alrededor. El gesto desapasionado resitúa los restos de una rave en el contexto de un museo.

LA MANANA DEL MUNDO

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explora otro humor y otra intencionalidad. Esta exhibición es el resultado del proceso de traducir el desorden y la lógica acumulativa del espacio de vivienda del artista a una galería comercial. Hizo esta acción en conjunto con un grupo de artistas amigos, con quienes fue llenando al galería de objetos, textos, fotos familiares, música, vídeos, muebles.

El resultado fue un caos optimista que demostró la intención del grupo con absoluta claridad: componer un espacio de una intensidad sensorial lo más fuerte posible, como un manifiesto de juventud y como salvaguarda del cinismo.

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