magazine
YEAR ONE #06
abril | mayo 2015
CINE
CONTENIDOS CINE 08 Magical Girl de Carlos Vermut 10 Nuestros dioses cambian de color
MĂšSICA 14 Discos del mes
LITERATURA 6
La realidad fundida o Bartleby
18 Ellas escriben el siglo XXI
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CÓMIC
ARTES PLÁSTICAS
20 El secreto de mi éxito
46 ¿Who is Myles Starr?
24 Kelly Sue Deconnick: The Powerpuff Girl
52 El imperio de HuevoneArt
FOTORECORRIDO
MODA
54 La edad atómica
28 Alpha Woman 34 JUMP
TENDENCIAS
ESTÉTICA
42 La asexualidad de la moda
62 ¡Que se muera! Apología del arte comercial
44 Boho Chic: fresh, comfy, healthy & natural
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NOIR #06
DIRECTORIO
COVER Fotografía de Isabel Andreu | www.isabelandreu.com Leah para Paragon Model Management Sofia para GH Management DIRECCIÓN GENERAL Isabel Andreu | contacto@noirmagazine.com.mx COORDINACIÓN GENERAL Claudia Pérez | producción@noirmagazine.com.mx DIRECCIÓN DE ARTE Claudia Pérez | editorial@noirmagazine.com.mx REDACCIÓN Alvaro M. Dobaño | alvarodobanorequena@gmail.com Gerardo Grande | fggrande@gmail.com Israel Ávila | 82.israel@gmail.com Marcela Varela | vicca.juanela@gmail.com Mariana Estudillo | mariana_aullet@hotmail.com Marina Ruidoms | mlriudoms@hotmail.com Max Chá | literatura@farnientemagazine.com.mx Roberto Audiffred | raudiffred@gmail.com Rodrigo P. Villanueva | rodrigo.vsanchez@gmail.com Raq y Jenn | raqyjenn@gmail.com Toni Gozalbo Torner | tgt2002@hotmail.com FOTOGRAFÍA Isabel Andreu | hello@isabelandreu.com Denisse García | hello@denissegarcia.com María de León | facebook.com/mariadeleonart
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MEDIOS www.noirmagazine.com.mx /NOIRMagazinemx @NOIR_Magazine @noir_mag noirmaga.tumblr.com
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CARTA EDITORIAL
Con este número cumplimos un año de vida, y cerramos este primer ciclo presentando este Issuu #06 <JUMP! como la primera edición impresa. Para nosotros es un sueño cumplido, ya que empezamos con mucho entusiasmo pero cero experiencia, y todo se ha ido dando. Aprendiendo y disfrutando cada momento sobre la marcha. Haciendo balance durante este tiempo, he de reconocer que el éxito de NOIR Magazine radica en el gran equipo que somos; teniendo los artículos de arte y cultura más vanguardistas e impecablemente escritos, con un diseño propio y original. Sabemos que te gusta coleccionar editoriales ;) por eso trabajamos en ofrecerte imágenes llenas de vida y estilo. Infórmate donde conseguir tu revista NOIR impresa en nuestras redes sociales, y sigue disfrutando de la versión online, disponible gratis en issuu.com/noir.magazine donde también podrás ver y descargar nuestras ediciones anteriores.
NOIR Magazine Por Isabel Andreu
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CINE
NUESTROS COLABORADORES
Isabel Andreu
DAVID & MIYAGI
EDITORA GENERAL (España)
HAIR & MAKEUP (México)
Claudia Pérez
Alvaro M. Dobaño
DIRECTORA DE ARTE (México)
MÚSICA, CINE Y CÓMIC (España)
Mariana Estudillo
Marcela Varela
TENDENCIAS Y ARTE (México)
ILUSTRACIÓN Y NARRATIVA (Colombia) 8
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Roberto Audiffred
Rodrigo P. Villanueva
Israel Ávila
CÓMIC, MÚSICA Y CINE (México)
CÓMIC, CINE Y MÚSICA (México)
MUSEOGRAFÍA (México)
Leopoldo Villaseñor
Gerardo Grande
Toni Gozalbo
COORNIDADOR DE MODA
(México)
POESÍA (México)
ESTÉTICA DEL ARTE Y POLÍTICA
Jaq y Jen
Marina Riudoms
Max Chá
TENDENCIAS
LITERATURA
LITERATURA
(México)
(Barcelona)
(México)
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(México)
CINE
MAGICAL GIRL de Carlos Vermut
Signo de los tiempos Por Alvaro M. Dobaño
PUNTUACIÓN: 9.5/10
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Algo está cambiando en el cine español. En los últimos años una nueva oleada de cineastas han tomado las salas de cine en el continente ibérico y no solo las salas… Los elogios de la crítica, cosas que hace ya mucho tiempo no se alineaban en el panorama cinematográfico en España. Podemos conjeturar largo y tendido sobre los motivos que han producido esta situación (pérdida de poder de las grandes productoras, auge de medios como Crowdfunding, generación de cineastas nacidos después del régimen y criados en la cultura de internet…) pero vamos a centrarnos en hablar de la que creo es la mejor película española de los últimos años: “Magical Girl” de Calos Vermut. Ésta es la segunda película de Carlos Vermut después de la magistral “Diamond Flash”, un catálogo de cómo hacer cine de gran calidad, como crear un gran universo a través de una narrativa pequeña, basada en la relación de un grupo de personajes con el superhéroe que da nombre a la película. Siguiendo la línea narrativa de su primera película; “Magical Girl” es como un Vermut 2.0, todo antológico, todo mejorado y aumentado. La historia gira alrededor de tres personajes principales que se ven envueltos en una red de favores y chantajes originados por el deseo de una niña moribunda de tener el vestido de su personaje anime favorito. Luis (Luis Bermejo), el padre de la niña y profesor en paro que se ve en una encrucijada cuando tiene que forjar un plan (el cual va improvisando, nada de planificación maquiavélica) para conseguir una enorme suma de dinero. Damián (José Sacristán) es el símbolo de que todo el tiempo es un círculo y es un reflejo en un futuro espejo del mismo Luis. Y Bárbara (Bárbara Lennie) es una enferma mental recluída en su casa con muchas cicatrices que ocultar.
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“Magical Girl” es un ejercicio de contención narrativa, de cómo en unas pocas líneas de diálogo se puede intuir un enorme background, todo un universo creado por cada uno de los personajes, del cual se nos deja ver solo lo indispensable para que la historia continúe caminando. En algunas escenas donde realmente hay un peso reflexivo que para otros podría ser asfixiante, e incluso rozar lo lacrimógeno, Vermut sale por la tangente con simbolismos no tan evidentes manteniendo la sugerencia como bandera. Un ejemplo de esto es la famosa escena del “gin tonic”, una de las mejores que ha dado el cine ibérico. Los diálogos son los principales conductores de la película, pero lejos de una sobreexposición o de acabar siendo una película de motormouths en cuadro, están trabajados con una sensibilidad (tanto en forma como en musicalidad) de un comic book. En este sentido se ha comparado con el movimiento mumblecore. El pasado de Vermut sale a flote de la boca de sus personajes con alusiones al cómic, la ciencia ficción o incluso comentarios de videos de YouTube.
Sin más que decir, “Magical Girl” es una película que se quedará contigo un tiempo y si te dedicas (o estás en proceso) al medio audiovisual, te debatirás entre el amor y la más visceral envidia.
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NUESTROS DIOSE CAMBIAN DE COL ¿Se puede alcanzar la diversidad cambiando la raza de los superhéroes? Por Roberto Audiffred
El telón se abre y el público, moviéndose expectante en cámara rápida como ocurría en aquella época, ve aparecer ante él a un hombre de larga figura, enfundado en un traje negro, grandes guantes blancos, y un cuello igualmente blanco del cual se erige su rostro. Es un rostro alargado dominado por una gran nariz estereotípicamente judía, hecho apenas disimulado por el maquillaje negro que lo cubre (y la gruesa pintura blanca que cubre sus delgados labios). Cuando Al Jolson apareció portando una “blackface” al final de Jazz Singer (1927, la primera película sonora), lo hizo continuando con la larga tradición de los espectáculos minstrel en los que actores blancos, “pintados como negros”, interpretaban papeles o música aparentemente afroamericana en una época en que los negros no podían ni entrar a los teatros de los blancos, mucho menos actuar en ellos, así como los actores se vestían de mujeres para interpretar papeles femeninos en el viejo Japón.
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ES LOR La tradición de la “blackface”, ahora justamente vista como una grotesca apropiación racista, cayó en desuso no mucho tiempo después. Sin embargo, las controversias por decisiones raciales en cuanto a personajes de ficción es más vigente ahora en el siglo XXI que durante casi todo el siglo pasado. Ahora el debate tiene lugar en el ámbito “geek” de las populares adaptaciones cinematográficas de cómics de superhéroes. La más reciente tuvo lugar cuando 20th Century Fox anunció su elección de Michael B. Jordan, un actor negro, para interpretar a Johnny Storm, el Hombre Antorcha, un personaje rubio en el cómic y en las adaptaciones anteriores. Las principales críticas se centran en el detalle de que su hermana, Sue Storm, será interpretada por Kate Mara, una actriz “caucásica.” Esta controversia, aunada a la posible decisión de que el próximo Hombre-Araña también sea interpretado por un actor afroamericano, dividió a la mayoría de los fans en dos bandos: los que se ofendían por la aparente falta de respeto al material original y la aparente falta de lógica de la decisión (que habremos de constatar o desechar una vez visto el desarrollo de la historia), y aquellos a los que la decisión les parecía una loable y hasta necesaria medida de
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paridad de oportunidades, la cual sólo podría ser rechazada por racistas blancos de mente estrecha. Gente como Andrew Wheeler en el sitio Comics Alliance hablaba de “alcanzar la diversidad entre los superhéroes a través del cambio de raza” y Louis Falcetti de Bleeding Cool sentenció: “cuando te quejas de la farsa de cambiarle la raza a Johnny Storm, de lo que te estás quejando es de la perdida de tu privilegio blanco.” Articulando su punto de que estos cambios representaban un paso adelante en la superación de un pasado ofensivamente racista, Wheeler analizaba la predominancia de gente blanca entre los superhéroes sosteniendo que “los cómics de superhéroes no favorecen la blancura realmente, sino una subdivisión de la blancura que raya en el idealismo ario. Deberíamos considerar eso como un fetichismo incómodo, porque se trata de una estética que la industria a escogido.” John Byrne, escritor de una de las épocas más apreciadas del cómic de los Cuatro Fantásticos, fue de los pocos que expresó una opinión discordante. Para empezar, le pareció “insultante” que se tachara a los creadores originales de racistas, observando cómo tanto Stan Lee como Jack Kirby (creadores de casi todo
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el Universo Marvel original) eran judíos y además fueron pioneros en introducir diversidad étnica en los cómics, lo cual es cierto. Mi ejemplo favorito de esto es su creación Black Panther, el primer superhéroe negro. A diferencia de los demás negros que pronto lo seguirían en el mundo de los superhombres -- como Luke Cage y Falcon en Marvel, o el Linterna Verde John Stewart y Tyroc en DC -- Black Panther no caía en ninguno de los clichés raciales de moda en aquel entonces (y, gulp!, ahora), como el ex-pandillero rudo o el militante amargado. En cambio, se trataba de T’Challa, el heroico jefe de estado de la nación africana de Wakanda, la cual es un ejemplo de avance tecnológico y desarrollo. Para Byrne, la “moda” de cambiar el color de la piel de los personajes de cómic en su paso al cine es “una condescendiente versión moderna del ‘blackface’” de antaño. Visto así, se trata de lo que ciertos productores y guionistas llaman “tokenism (token=símbolo)”, que es cuando se incluye a un personaje perteneciente a una “minoría”, digamos un
negro o una mujer, en un reparto por lo demás estrictamente blanco y masculino, para así “cumplir con una cuota” de diversidad exigida para no parecer racista o sexista. Esto lo vemos en muchos programas de televisión, en los que un solitario amigo “de color” suele acompañar al grupo de protagonistas en sus aventuras semanales (desde The Big Bang Theory hasta C.S.I.). Uno podría argumentar que semejante política es en efecto racista y no un antídoto al racismo, como se propone. Esto me trae a la memoria una telenovela que había en México, Rebelde, en el que desfilaban un montón de barbies en minifalda, todas igualitas como clones, flaquitas y linditas… más una gorda. Habiendo incluido una gorda, supongo que suponían los productores, ya nadie podría acusarlos de promover ideales de belleza femenina exigentes. Y sin embargo, nadie se referiría a los productores de Televisa como adalides de la equidad y el feminismo. Es en las historias de Thor en donde podemos encontrar el mejor y el peor ejemplo de cómo introducir diversidad
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en estos universos tradicionalmente blancos y masculinos. El mejor ejemplo de cómo hacerlo bien lo encontramos en el cómic, donde Thor ahora es una mujer. Esto no sólo es política o éticamente correcto, sino que es lo más lógico para la historia: Thor es cualquier humano que consigue levantar el martillo Mjolnir ya que es digno de hacerlo, al estilo de la espada Excalibur. Lo más lógico es que a lo largo de los tiempos el martillo hubiera sido tomado por toda clase de individuos y no sólo por hombres. Es más, si nunca lo hubiera levantado una mujer, eso sería ilógico. Ahora, el peor ejemplo de cómo hacer esto lo encontramos en Thor: The Dark World, la segunda adaptación cinematográfica del exitoso cómic de Marvel. En ella aparece el actor Idris Elba, un reconocido actor inglés de raza negra, interpretando a uno de los dioses nórdicos de Asgard, Heimdall.
¿Son realmente “racistas” aquellos que piensan que un dios nórdico debería tener apariencia nórdica? ¿O son racistas quienes piensan que la diversidad avanza en nuestra sociedad cuando el color de la piel de un personaje es cambiado así, casi al azar? Difícil es coincidir en una respuesta a una pregunta tan sensible.
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MÚSICA
CRÍTICAS DEL MES Por Alvaro M. Dobaño
DRAKE_ “If You’re Reading This It’s too Late”
FATHER JOHN MISTY_ “I Love You, Honeybear”
La nuevas generaciones de gangstas (o swaggers, o Nu-B’s o como se hagan llamar fuera de su casa) vienen marchando como hordas y hordas de barbaros contra el reinado de Jay-Z. Como Drake es canadiense y deja la puerta principal de su casa abierta nos ahorra la molestia de un allanamiento de morada y nos regala en su lugar uno de sus discos más íntimos a nivel lírico. Vamos, que es de los que se quedan detrás de la pelea recordando que Jay es su “nigga”. Kanye, your move.
El “feel good” record del mes; ideal para escucharlo en mitad de tu recorrido en el transporte público y ser transportado a una Prom- night de gente vestida de peluche rozándose los unos contra los otros; excitante no, pero te ríes un buen rato. Father John Misty es un predicador folk con voz de éxito radiofónico de la década donde los T-Birds y los Scorpions peleaban a navaja y hacían carreras a muerte en Los Angeles River.
Afin a: Joey Bada$$, Kanye West o Birdman.
Puntuación: 7/10
Afines a: Fleet foxes, Damien Jurado o Devendra Banhart.
Puntuación: 7/10
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DISCO DEL MES
THE POP GROUP_ “Citizen Zombie”
LEVIATHAN_ “Scar Sighted”
Los 70’s debía ser una época fantástica para ser músico en Inglaterra: cada semana aparecían nuevos géneros, había grandes turbulencias políticas sobre las cuales gritar, el cuero y las tachuelas se vendían al por mayor... The Pop Group pertenecen a esa escuela de bandas como Gang of Four, This Heat o Pere Ubu; jovencitos que cansados del punk abrieron sus miras a otros géneros como el funk, avant-garde y goth entre otros. Este es su primer disco en 35 años y parece que no ha pasado el tiempo para ellos.
Tres reproducciones consecutivas y aún estoy descubriendo nuevos y sorprendentes elementos en la última obra de Jeff Whitehead (A.K.A. Leviathan). “Scar Sighted” dista de sus previos puñetazos como “True Traitor, True Whore” en una diversidad de elementos prestados de otros estilos hermanos del suyo propio que dotan al disco (largo en minutaje) de una diversidad y una “digerabilidad” que no había habido hasta ahora en su discografía. Jeff Whitehead, Leviathan, one man band, one man army; aún tiene el derecho de sentarse a la cabeza de la mesa del black metal americano.
Afines a: Pere Ubu, This Heat y The Slits.
Afin a: Nachtmystium, Xastur o Twilight.
Puntuación: 8,5/10
Puntuación: 8,5/10
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LITERATURA
La realidad fundida o Bartleby_ Por Max Chá
Alguna vez, ya sea por la mañana cuando nos acomodamos alguna prenda o nos lavamos los dientes o por cualquier circunstancia nos ha sucedido, nos hemos mirado al espejo con singular atención. Una atención que va más allá de resolver una cuestión estética, situación que nos ha sorprendido ya que hemos encontrado que quien nos mira es alguien que va más allá de nosotros. Miramos a alguien que se nos parece pero no somos nosotros, o de alguna manera no todo en ese reflejo somos nosotros: una mueca, la posición fruncida del ceño, la mirada profunda sobre una de nuestras pupilas; algo de eso nos acerca y aleja al mismo tiempo.
_ ¿Somos otros, por un momento, sin serlo al mismo tiempo?_
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Un proceso parecido acontece cuando asimilamos una lectura, ya sea reciente o muy lejana; algo en ella empata con nosotros de una manera que no sabemos cómo explicar. Podría ser que se concluyera la lectura satisfactoriamente, un tanto decepcionado o que no se acabara nunca, y eso no importaría realmente, pues sin saberlo no sólo buscamos un entretenimiento al leer, sino una realidad que nos agrade, que nos extraiga de ésta; y si aquella realidad no nos empata la abandonamos. Hayamos o no leído una obra completa algo en nosotros ha sido permeado, regresamos a esta realidad modificada desde la experiencia del gusto o el disgusto, muchos otros a partir del desborde al haber percibido, en tal vez un fragmento o una actitud o un escenario o una frase, el descubrimiento de algo que no habían experimentado de esa singular manera. Cuando Vigninia Woolf hablaba de que las obras de arte no contienen una verdad general, sino una pepita de verdad, se refería a esto. Asimilamos sensaciones y las acumulamos. Nadie pensaría, después de haber leído a Bartleby, vivir en una oficina, alejarse de todo y sólo contestar: “preferiría no hacerlo”, pero sí hemos tenido ganas de hacernos a la rebeldía y contestar de esa manera ante alguna circunstancia que preferiríamos no hacer. Tenemos la capacidad de confundir, o mejor dicho, fundir la realidad literaria con la realidad en la que vivimos, sin perdernos; o podríamos decir que la literatura, y las artes en general, tienen la capacidad de extraernos de nuestra cotidianidad y después regresarnos con percepciones distintas, más sensibles a ciertas circunstancias. Nos abri-
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mos, nos hacemos vulnerables, primero por la mirada y después por la experiencia corporal y abstracta. Nuestro cuerpo tiene sentidos limitados que son retados por la literatura. Pareciera que busca hacernos sentir más allá, traspasando nuestras percepciones y haciéndonos ver por medio de nosotros al otro, como el caso del espejo que miramos viéndonos y alienándonos a la par. Empatar con un personaje y usar su nombre como pseudónimo o como representante de lo que somos en determinado momento podrá ser un ejemplo. Cuando alguien me hace saber que está leyendo a Santa tengo el presentimiento de que esa persona terminará por empatar emotivamente con el personaje de Gamboa, ya sea por las circunstancias, diálogos o afinidades que atendemos en la obra, algo común para muchos personajes, también, del cine. Somos sustraídos y regresados para reinterpretar nuestra realidad a partir de los sentidos y las emociones. Reordenamos nuestro mundo.
_Nos miramos en muchos espejos y repasamos las posibilidades que nos brinda la experiencia literaria, y al regresar muchas veces preferiríamos no hacerlo._
LITERATURA
ELLAS ESCRIBEN EL SIGLO XXI Por Marina Riudoms
El pasado 8 de marzo se dispusó del día mundial de la mujer trabajadora. Fuera de plantearnos si esta discriminación positiva es todavía necesaria en el mundo de las letras -sacando a relucir estadísticas con cifras pobres de participación femenina en premios literarios, publicaciones, ferias, festivales y reseñas-, es preferible hacer un repaso a las que vienen siendo piezas clave en la literatura durante los últimos años. A veces se trata de un tema de visibilidad entre la gran oferta editorial. A muchos lectores indecisos les sirven de referencia los galardones en los principales premios para abordar la obra de un autor. Es una plataforma más o menos perversa que funciona bien para difundir la labor de uno de todos los peces que nadan en el mar. En 2013 le otorgaron a la canadiense Alice Munro el Nobel de Literatura y el Instituto Cervantes le daba su premio a la mexicana Elena Poniatowska. Al año siguiente, ganó el Pulitzer Donna Tartt con El Jilguero, libro que muchos consideran la primera obra maestra del siglo XXI. Ganadora del Pulitzer 2011 es El tiempo es un canalla de Jennifer Egan, una de las mujeres más influyentes de las letras americanas. ¿Pero qué pasa con todas las demás? Es labor de todo lector inquieto el encontrarlas. La prensa se llenó con los rostros de Chimamanda Adichie o Zadie Smith, por ejemplo, haciéndolas más accesibles a un gran plúbico. Para quienes disfrutan con un universo femenino sin tonos pastel ni costuras naíf hay que destacar a Joan Didion y Lydia Davis. Joan Didion publicó sus Noches Azules, un manifiesto sobre la vejez y el dolor que supone la falta de redención de una vida larga viendo morir a los más cercanos. Por otro
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lado, se recopilaron todos los relatos de Lydia Davis, considerada la mejor autora americana de relato. Sus cuentos son de una brevedad pasmosa y con un lenguaje seco y frío que acuchilla con ironía la realidad más cotidiana. Su rutina es la de las ex-parejas que tienen más ex-parejas en una vorágine de amor no romántico. Como ella misma dice “El amor obsesivo puede ser aburrido”. De un modo diferente, Anna Starobinets en Una edad difícil trata una aparente cotidianidad pero para ponerla del revés con extraños sucesos como le sucedía a Tenemos que hablar de Kevin de Lionel Shriver. Pero no todas las mujeres quieren ser íntimas en su escritura. Belen Gopegui viene respaldada por la crítica desde hace décadas y Francisco Umbral la nombró como la mejor escritora de su generación. Deseo ser punk es una carta donde la inmadurez adolescente sirve como camino hacia el aprendizaje. Otra novela con mucha música y aliento subversivo es la ya nombrada Jennifer Egan. De tremenda rapidez y buscando emociones extremas tenemos Los lanzallamas de Rachel Kushner que recorre la aridez de las carreteras americanas hacia NY. Impregnada por el aura de
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los 70’s es una novela que huele a gasolina. En la editorial independiente Honolulu Books se ha publicado a Maria Yuste y a Ainhoa Rebolledo. En Vida de Provincias, María Yuste se encabeza como la candidata más prometedora de la literatura alternativa española. Con un estilo minimalista de frases directas, el aburrimiento occidental y la formación a través de la televisión hacen desear un mundo perfectamente rubio, plastificado y americano. Ainhoa Rebolledo, por otro lado, pedalea por un ambiente barcelonés joven y sencillo en su diminuto Mari Klinski. Totalmente contrapuesto, Elvira Navarro en La trabajadora contiene un entorno opresivo de ansiolíticos. La novela pretende abarcar como la precariedad económica termina pasando factura a la salud mental. Se trata de una novela de obligada lectura y en la que toda la crítica ha colocado sus ojos. Retrata un mundo en crisis que ofrece pocas posibilidades y por contra devuelve obsesiones auto-exigentes. La argentina Gabriela Cabezón fue seleccionada con La virgen cabeza como mejor libro del 2009 por la Revista Ñ. Esta novela es todo una pasarela de estilo callejero, marginalidad y drogas. Para todos aquellos que disfrutan con el territorio de lo outsider es un referente a tener muy en cuenta. Otra Gabriela, en este caso de Perú, es la autora de La llamada perdida. Gabriela Wiener tiene una trayectoria impecable para la narrativa autoreferncial. En su novela está exenta de miedo a la sinceridad y a desnudar su intimidad familiar y sus temas comunes: el sexo y la maternidad. También en clave autobiográfica Agota Kristóf en La analfabeta nos descubre su mundo interior pero en este caso para reflexionar sobre el lenguaje y mostrar su pasión por la escritura y los libros. Y el camino no se termina aquí. Lo difícil es pretenderlo así sabiendo todas las autoras que se deja en el tintero. Por ejemplo: Ariana Harwicz, Sheila Heti, A. M. Homes o Judith
Schalansky entre otras. Solo hay que seguir leyéndolas para que no sea necesario un 8 de marzo ni sigamos encontrando esas incomodas estadísticas en los periódicos que, a veces, se reivindican más que el propio trabajo publicado en sí.
LISTOPÍA: Escritoras del XXI • Mi vida querida, Alice Munro, Lumen, 2013 • Leonora, Elena Poniatowska, Seix Barral, 2011 • El jilguero, Donna Tartt, Lumen, 2014 • El tiempo es un canalla, Jennifer Egan, Editorial Minúscula, 2011 • Americanah, Chimamanda Ngozi Adichie, Literatura Random House, 2014 • Londres, NW, Zadie Smith, Salamandra, 2013 • Noches azules, Joan Didion, Literatura Random House, 2012 • Cuentos completos, Lydia Davis, Seix Barral, 2011 • Una edad difícil, Anna Starobinets, Nevsky, 2012 • Tenemos que hablar de Kevin, Lionel Shriver, Anagrama, 2009 • Deseo ser punk, Belén Gopegui, Anagrama, 2009 • Los lanzallamas, Rachel Kushner, Galaxia Gutenberg, 2014 • Vida de provincias, Maria Yuste, Honolulu Books, 2015 • Mari Klinski, Ainhoa Rebolledo, Honolulu Books, 2012 • La trabajadora, Elvira Navarro, Literatura Random House, 2014 • La virgen cabeza, Gabriela Cabezón Camara, Eterna Cadencia, 2009 • La llamada perdida, Gabriela Wiener, Malpaso, 2015 • La analfabeta, Agota Kristof, Alpha Decay, 2015 • Mátate, amor, Ariana Harwicz, Lengua de trapo, 2012 • Como debería ser una persona, Sheila Heti, Alpha Decay, 2013 • Ojalá nos perdonen, A. M. Homes, Anagrama, 2014 • El cuello de la jirafa, Judith Schalansky, Literatura Random House, 2013
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KELLY SUE DECONNIC The Powerpuff Girl (La destrucción de una imagen y la reconstrucción de una lucha) Por Rodrigo P. Villanueva
Imagen. (Del lat. imāgo,-ĭnis). 1. f. Figura, representación, semejanza y apariencia de algo. 2. f. Estatua, efigie o pintura de una divinidad o de un personaje sagrado. 3. f. Ópt. Reproducción de la figura de un objeto por la combinación de los rayos de luz que proceden de él. 4. f. Ret. Representación viva y eficaz de una intuición o visión poética por medio del lenguaje.
Al final, una imagen no es más que una representación manipulada por la voluntad humana que refleja un aspecto de la realidad.
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En la cultura moderna, hay una historia de esas voluntades que acaban esculpiendo más allá de los límites de la imagen, acaban convenciendo a una sociedad para retocar la realidad y adaptarla a esos modos de representación. Ya en otros artículos he hablado de la reconstrucción de la mujer a partir de los personajes de cómic, especialmente del omnipresente género de los superhéroes. Pero esta vez (y ojalá sirviendo de precendente) vamos a asomarnos al otro lado del poder, a la resistencia y demolición de los estereotipos femeninos, y vamos a encontrar a una escritora que ha conseguido abrir la narrativa y empezar a dibujar un nuevo imaginario para el papel de la mujer en el arte secuencial. Kelly Sue Deconnick es, a su modo, una heroína, una activista social y una artista de compromiso. Echando un vistazo a sus últimos trabajos más relevantes se dubuja una bola de demoliciones que orbita y aumenta de velocidad a cada golpe, a cada semana que se publica una historia suya.
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Esta pequeña revolución comienza en el seno mismo de Marvel Comics. Kelly Sue, en 2012 es la encargada de salvar el personaje de Carol Danvers, a.k.a. Ms. Marvel, un personaje lleno de posibilidades en su inicio (una piloto de las fuerzas aéreas con poderes cósmicos) que, empujado por el poder la hiper-erotización había terminado siendo poco más que un icono masturbatorio adolescente. Bajo el nombre de Ms. Marvel, Carol Danvers combatía amenazas extra-planetarias en bañador. La escritora tomó acciones drásticas, La heroína pasó de Ms. Marvel a Captain Marvel, del bañador, pasó a un uniforme con reminiscencias a su condición de ex-piloto del ejército y recuperó la historia del comienzo de la lucha por la igualdad de género en las fuerzas aéreas, por si no era suficiente, Deconnick le borró la memoria y la mandó al espacio. Captain Marvel es una pacificadora cósmica, fuerte e independiente que representa los valores de The Avengers a a lo largo del universo.
De este dramático lavado de cara nació un personaje que cumple una función perdida en el cómic de superhéroes, un ídolo aspiracional en que cualquier niña o adolescente se pueda ver reflejada e inspirada para superarse y luchar sin negarse a sí misma. Tal es la empatía y simpatía hacia la nueva Carol Danvers que Marvel la ha incluido en su universo cinematográfico, programando la película Captain Marvel como la primera con una protagonista total femenina. Una vez asentada la lucha en Marvel (que, a partir de Captain Marvel ha tomado una pasmosa velocidad transformando todos sus personajes femeninos hacia la diversidad), Kelly Sue levanta un proyecto independiente junto a la dibujante Emma Rios y la colorista Jordie Bellaire en la editorial Image Comics. Pretty Deadly es el asalto poético del combate feminista en el indie. El desafío alegórico de una hija disidente que se enfrenta al patriarcado de la misma muerte, situada en una versión distópica del salvaje oeste. En Pretty Deadly hay una mirada
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fuerte y desafiante, pero nunca excluyente. Una de las cosas más interesantes y valiosas de la escritora es que diluye los estereotipos de lo que se entiende como temas o valores femeninos. Son historias de una narrativa brillante y feroz capaz de engullir a cualquier lector entre sus viñetas. Si Pretty Deadly fue el primer asalto al cómic independiente, fue su segunda obra la que va en camino de ser la publicación más arriesgada de las que se ha atrevido la autora. Kelly Sue Deconnick ha destapado los cañones y ya no queda nada de las sutiles alegorías de Pretty Deadly. Su última obra, Bitch Planet, es un ataque de frente a la sociedad desigual, a la cultura de la violación, a la negación de la mujer frente a la imagen de ella misma. Bitch Planet es el planeta/cárcel de máxima seguridad para “non-compliant women”, mujeres que no acatan. En Bitch Planet los mensajes los da una imagen holográfica de lo que debería ser una mujer a la que se puede respetar y en último término, amar. Las presidiarias son una colección completa de los con-
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dicionales, de los desafíos a esa imagen. “The Good Fathers” son un gobierno patriarcal y protector, creadores de la representación de la mujer que obedece, que cumple y que, en caso de mostrar resistencia es enviada a otro planeta. Por su fuerza y por su falta total de miedo y de tacto a la hora de exponer sus temas, Bitch Planet se está convirtiendo en un referente básico de la lucha por la igualdad, es más, está empezando a funcionar como punto de encuentro y eco para otras voces. Cada número de Bitch Planet incluye un ensayo de una autora feminista relevante y la sección de feedback con los lectores es ya un foro de debate y denuncia.
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Solamente con estos tres trabajos, Kelly Sue Doconnick ha conseguido atacar y hacerse un hueco en las bases de los estamentos importantes en el mundo del cómic y está modelando un nuevo imaginario más diverso, más real y por encima de todo, más divertido.
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ALPHA WOMAN
Fotografía DENISSE GARCÍA| Moda AINHOA GORMAZ | Zapatos ZARA | Modelo VIRGINIA L. BERTRANS para Trend Models | EstudioSELTONA
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JUMP Fotografﾃｭa ISABEL ANDREU Estilismo LEOPOLDO VILLASEﾃ前R Hair & Makeup DAVID&MIYAGI
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Body Alexia ULIBARRI | Falda VIESCA Y VIESCA para MAM BOUTIQUE | zapatos NINE WEST
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Top y bra MARIKA VERA | Falda ALEXIA ULIBARRI | zapatos NINE WEST
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Sofía: vestido y pantalón ALEXIA ULIBARRI | arnés MARIKA VERA Leah: crop top MARIKA VERA | vestido ALEXIA ULIBARRI 39
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MODA
Jumpsuit ALEXIA ULIBARRI | Bra y arnés MARIKA VERA | zapatos NINE WEST
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Vestido y pantalón ALEXIA ULIBARRI | arnés MARIKA VERA
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MODA
Camisa y arn茅s MARIKA VERA Pantal贸n ALEXIA ULIBARRI Zapatos NINE WEST
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Vestido VIESCA Y VIESCA para MAM BOUTIQUE | arnés MARIKA VERA 43
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MODA
Body ALEXIA ULIBARRI | Chaleco largo VIESCA Y VIESCA para MAM BOUTIQUE | Zapatos NINE WEST
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Leah: Blusa kimono MARIKA VERA | pantalón VIESCA Y VIESCA para MAM BOUTIQUE | Zapatos NINE WEST Sofía: Vestido MARITZA PEÑA para MAM BOUTIQUE | Chamarra ONE by ADRIANA BALLEZA para MAM BOUTIQUE | Zapatos NINE WEST
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TENDENCIAS
LA ASEXUALIDAD DE LA MODA Por Mariana Estudillo Foto: Cortesía ©givenchy by Riccardo Tisci
Hay que brillar sin complejos con el éxtasis de la imagen propia. Gilles Lipotvesky
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Una de las tendencias que se consolidan en el 2015 está enfocada a la desaparición de género y la expresión del ser ¿por qué diseñar para géneros y no para personas? Se trata de una zona neutral en la moda y es un claro ejercicio de igualdad de género al eliminar las divisiones o distinciones entre sexos y desaparecer la estructura sexual al vestir. En un contexto global desde el 2012 la tendencia agénero ha causado eco: tal es el caso del diseñador Raud Hounari y de Vivianne Westwood, esta última con su colección especial Unisex Gold Label. En 2015 Gucci, Givenchy y Raf Simons han apostado por la mezcla de género en sus últimas colecciones presentadas durante la semana de la moda. Por su parte y para reafirmar esta fuerte ten-
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dencia, la cadena de almacenes Selfbridges abrirá en Londres su primera tienda agénero en abril del 2015. Lina Hewson directora creativa de Selfbridges ha declarado que esta nueva apertura se trata de una tienda prueba con la idea de abrir más tiendas agénero en el resto de Inglaterra. En Latinoamérica no nos hemos de quedar atrás: propuestas como las de Cihuah y Malafacha se atreven a jugar con el género bajo un estructura social mucho más conservadora. A través de la moda reflejamos los cambios en nuestro contexto social y en este caso se trata de una tendencia que apuesta por romper paradigmas del sexo y el género.
TENDENCIAS
BOHO CHIC:
fresh, comfy, healthy & natural Por: Raq y Jenn
Cuatro de las características principales de esta tendencia: Muy influído por las chicas californianas, el Boho Chic ha sabido imponerse en el mundo entero con su imagen fresca, cómoda, sana y natural... Desde principios de 2010, cuando menos lo esperabábamos, retomó fuerzas para irse imponiendo cada vez más. Seguir esta tendencia demuestra la facilidad de saber combinar lo viejo con lo nuevo, lo hippie con lo bohemio sin, por supuesto, perder la elegancia. Las prendas y la actitud del Boho Chic se puntúan con accesorios múltiples, peinados y maquillaje. Este estilo a la hora de vestir incluye por lo general tonos naturales y tonos tierra con toques de magenta, verde y naranja. Existe una tendencia a usar prendas holgadas; sin embargo el Boho Chic es tan versátil que permite combinar lo ajustado con lo holgado y colores distintos a los colores previamente mencionados. Las sandalias son un must en el guardarropa especialmente en climas cálidos,
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sin embargo las botas son excelentes para completar el outfit. El Boho Chic se caracteriza también por peinados sensuales y rápidos de realizar; tipo rizados y ondulados, trenzas y afros ornamentados con pinzas, bandas, sombreros y otros hechizos... El Boho Chic no puede estar completo sin sus accesorios. Desde la bolsa y el cinturón, pasando por la joyas hasta los tatuajes delebles y el maquillaje, siempre sutil y natural. Nos atrevemos a decir que el Boho Chic no se resume a un estilo, una tendencia, sino que se ha convertido en estilo de vida que nació en los años sesenta y ha ido experimentando cambios hasta el día de hoy. Como íconos representativos de este estilo, tenemos a la modelo británica Kate Moss, la diseñadora francesa Isabel Marant y fan, la actriz francesa Audrey Tautou, los actores estadounidenses Mary Kate Olsen y Johnny Depp, el cantante Lenny Kravitz, la reconocida bloguera coreana Nicole Warne y la latina Jessica de Alba, sin olvidar la mexicana Eiza Gonzalez entre otros... Nos han enseñado que al estilo Boho Chic se le puede agregar fórmulas propias de combinaciones y mezclas de telas de colores y de accesorios para mantener siempre un estilo propio.
Déjate seducir por este dulce estilo de vida que no conoce edades.
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¿Who is Myles Starr? Por Isabel Andreu y Mariana Estudillo
N: ¿Quién es Myles Star y por qué se encuentra en México? Mi nombre es Myles, y estoy en México porque París tuvo su época, Nueva York tuvo su época y ahora le toca al D.F. Permítanme contarles una experiencia rápida, fue alrededor de las 2:30 pm en un día soleado cerca del Monumento a la Revolución. Las calles estaban llenas. Iba caminando por la calle en un mar de personas cuando vi a un hombre de aspecto muy extraño, alto, traje barato, pelo engominado. Me pareció más puertoriqueño que mexicano. El hombre iba con mucha prisa, desaliñado pero no ebrio. Entonces empecé a escuchar los gritos de una mujer, pero no pude oír de dónde venían. Como ya he dicho, era medio día y las calles estaban llenas, no había espacio vacío donde correr para ayudar, y no es que corra a ayudar cada vez que escucho gritar a alguien en una ciudad de 25 millones de personas. Caminé unos 20 metros y ví a una mujer de unos 100 kilos. Iba vestida con ropa ajustada, como una prostituta; estaba de pie con otras “chicas trabajadoras” en frente de un motel barato. La mujer gritaba con fuerza y su rostro estaba cubierto de sangre. Al
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parecer su proxeneta la había golpeado, pero no resultó herida de gravedad. Me encanta la Ciudad de México, no porque me guste la violencia contra las mujeres, sino porque estos hechos sólo podrían haber ocurrido aquí. Esa mujer era fea la mires por donde la mires, aún así existe un mercado en donde ella puede ofrecer sus servicios. Cosas extrañas como estas pasan todo el tiempo en México, a plena luz del día. Realmente es inimitable. Es como pensamos que era Nueva York en los años 70’s y 80’s. Una tierra verdaderamente fértil para artistas. N: ¿Qué significa el Hip-Hop en tu arte? Viniendo de Nueva York, veo el mundo a través del lente del Hip-Hop. México y Centroamérica son los únicos lugares en los que he estado donde el Hip-Hop y la cultura negra en general no son la base de la cultura popular. Es muy extraño, pero aunque me encanta el HipHop, éste es un ambiente interesante en el que estar. Me parece que la actitud mexicana hacia el Hip-Hop y las personas negras en general es bastante surrealista. La mayoría de los mexicanos
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son hipersensibles, y su experiencia con la gente negra es la misma que yo he tenido con extraterrestres. Actuan en consecuencia. Hasta el año pasado, el mayor ejemplo de ésto fue cuando vi un camión por la ciudad anunciando el pastelito “Negrito”, que ofrece un personaje de piel clara con cabello afro. Le cambiaron el nombrea “Nito” pero el icono es el mismo. Para una mirada más profunda de la separación de México de la cultura negra, googlea el empaque original “Negrito”. N: Háblanos de tu proceso creativo en la escultura y la pintura Mi obra está inspirada primeramente a través de la experiencia. Por ejemplo: pasaron meses antes de darme cuenta que en México, cuando se realiza una cirugía en la nariz, el momento que más
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entusiasma a la persona en cuestión es cuando sale a la calle con la curita para presumir la operación. De esa manera todo el mundo sabe que tiene dinero y el buen gusto necesarios. Por eso empecé a trabajar con las concepciones de la nariz en México. Y en cuanto a mis esculturas utilizo el concreto como material porque estoy interesado en el concepto de monumento; y resina, porque me recuerda a algo especial, como una brillante pieza de Lego. A veces las fotos dicen todo lo que uno necesita... como los ready mades que realicé en México. N: ¿Por qué los cocos? Todo comenzó con una discusión entre el artista Justin Lieberman y yo. Estábamos discutiendo acerca de los méritos del ca-
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pitalismo versus comunismo en términos ampliamente abstractos. Al final, Justin dijo: “Ok, y si estuvieras atrapado en una isla desierta con otras personas, ¿Qué harías con los cocos? ¿Cómo los distribuirías?” Creo que lo que haríamos con los cocos en esta situación define de lo que cada individuo cree sobre las verdades económicas simples. También estoy interesado en la fruta porque todas las sociedades interactúan con fruta; incluso los islandeses tienen moras. La fruta es simple y cotidiana, pero cuando cruza fronteras significa diferentes cosas. Por ejemplo, las manzanas en México son una “fruta nice” que se importa y se vende con una prima. Hay muchos más productos con sabor a manzana de los que tenemos en EEUU. Una manzana es un símbolo de estatus aquí. Por el contrario, no hay nada más ordinario y más barato
que una manzana en el este de Estados Unidos. La fruta me fascina por este tipo de cosas. N: Cuéntanos acerca de tu interés en el ready-made. La gente habla del comienzo del arte contemporáneo después de los impresionistas abstractos de los años 60’s y 70’s. Para mí, el arte contemporáneo se inicia con Duchamp y la idea del Ready Made. Buscar arte alredor del mundo es parte de la tradición de la que soy parte. N: La situación más “WTF” que te ha inspirado a crear (el caso del trabajador de McDonalds, el de la cirugía de naríz o el de la tienda china) ¿Puedo citar un texto que publique recientemente en mi Facebook a modo de respuesta?
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Posteé ésto el 15 de diciembre de 2014: “Mira, no soy un patriota, pero no significa que esté ciego tampoco. Una de las mejores cosas de los Estados Unidos es que nosotros no aguantamos mierda. Cuando alguien está haciendo mal su trabajo, lo sacamos fuera del negocio. Si en un banco hay una fila de espera de media hora, en primer lugar todas las personas con título de “manager” y “banquero” se ponen detrás del mostrador y comienzan ayudar a los clientes. En segundo lugar, todo el mundo se queja; todo el mundo: blancos, negros, puertoriqueños, mexicanos, residentes legales de Fiji o extranjeros, inteligentes, indigentes o ricos, EN ESTADOS UNIDOS TENEMOS MUCHO POR HACER (en México, Arabia Saudita, China y en Myanmar tienen demasiado por resolver, eso no significa que los banqueros en los países mencionados actúan como tal). México es feudal, no es capitalista. El banquero es un bufón de la corte que es feliz con tener su trabajo de 30,000 pesos al mes en el que no ayuda a nadie y sólo se ve alrededor aturdido, donde en el “mundo occidental” incluso el chico de McDonalds tiene que tratar de hacer un buen trabajo, o no va a conseguir sus $8.50. Pero, ¿podemos culpar a los banqueros? Incluso aunque hagan un buen trabajo; si son bajitos, morenos y con pocos contactos, probablemente no subrán demasiado alta en la empresa. Por el contrario si están conectados o son blancos no tienen que ser competentes para ir hacia arriba. Di lo que quieras sobre la baja del trabajo asalariado en los EE.UU., (Creo en un aumento en el salario mínimo), pero mucha gente que daba la vuelta a hamburguesas ahora son propietarios de McDonalds... Los peones en el juego en México sólo se sienta en la fila del banco por temor a
que la nobleza envé a la policía antidisturbios. Y la nobleza sólo rastrillos en los dólares, mientras que el tipo de cambio de mierda es de 15 pesos por dólar... que no les importa. ¿Quieres saber por qué 43 desaparecieron... la verdad es que se trata de uno mismo y el respeto por los demás. Creo México necesita más capitalismo no menos. Nadie respeta a nadie en este país. Se puede criticar el capitalismo, pero es el mejor de los malos sistemas que tenemos. Votar con su dinero es mejor que no votar en absoluto, que es lo que tiene el feudalismo y el comunismo... no se puede confiar en la mierda en una sociedad tan grande como la que vivimos en la confianza del poder omnipotente de moneda y el amor a su familia amigos y el resto del mundo lo mejor que puedo...” N: ¿En qué estas trabajando ahora? Estoy trabajando en un proyecto compuesto por frutas de resina, y fotos que voy a exponer en el Museo Mexicano del Ready-Made pronto. N: ¿En dónde podemos apreciar tu obra físicamente? Tengo una exposición en No Space llamado “Shlomo Kokedusky Chorizo Connecticut” que se inaugura el sábado 21 de marzo de 12pm-6pm en calle Querétaro 97, esquina con Orizaba. Roma Norte, D.F. Se trata de un proyecto sobre la nariz y la fruta. Será enorme, muy cool. Espero veros allí. Ven a la inauguración o reserva una cita a través de mí (mi correo está abajo) o escribe un mail a No Space. N: Tus redes sociales Quiero saber de ustedes: mylesstarr@gmail.com www.tumblr.com/blog/mylesstarrart
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El Imperio del HuevoneArt Por Israel Ávila
Marcel Duchamp, el artista, el gran ícono del siglo XX, dijo alguna vez que por lo que a él respecta, el papel que desempeñaba el artista en la sociedad era el de un filósofo, así que no importaba si sabía dibujar o pintar. Lo que verdaderamente debía tomarse en cuenta dentro de la obra, era la idea y el concepto que la respaldaba por encima de su presentación material. Es entonces cuando la figura del artista se desmitifica, por fin la intelectualidad, rasgo que todos poseemos en mayor o menor medida, quedaba muy por encima del dominio de la técnica que tanto requiere de años de práctica y trabajo físico. Pareciera irónico que el hombre que buscaba desmitificar al artista, lo dotó de una superioridad inimaginable, la del filósofo de su propio mundo, o dicho en otras palabras, pareciera que le permitió llegar a tal altura que “sólo porque yo lo digo”, esto es arte. La cuestión es que esto no es preciso. Jamás Duchamp, los Dadaístas o cualquier movimiento que planteara la “rebeldía” en el arte, pretendieron abrir las puertas a lo que ciertos curadores, galeristas y sindicalistas del Hipster-establishment hacen y dicen para sostener su imperio de la mediocridad. Entonces, la gran revolución que tanto esperaba el siglo XX había llegado, el concepto lo dominaría todo, se le había hecho justicia al hombre como sabio por encima del hombre como artífice. Miles
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de creadores de todo el mundo y decenas de escuelas, ismos y movimientos se integraron a la nueva ola. Obras verdaderamente interesantes, provocadoras y “rompedoras” comenzaron a surgir en medio de un frenesí intelectual que colmó las galerías, museos y revistas dedicadas al tema. Los detractores de este fenómeno cada vez eran menos y los doctos de la academia se nutrían de las nuevas ideas para llenar las aulas de una renovada teoría.
Algo de anárquico parecía haber en todo esto, y donde aparenta no haber reglas, aparecen los oportunistas. Zona MACO, México 2015. Un gran lienzo pintado en negro deja leer en letras blancas la frase “NEW STYLE”. Unos veinte palos negros de diferentes longitudes se recargan en una esquina, cuestan miles… de dólares, esto es ridículo. No pretendo, por cierto, caer en el purismo, pero creo que tampoco podemos permitir que nos tomen el pelo, el hecho de que todo pueda ser arte no quiere decir que todo lo sea.
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Retomo. Con la llegada de las nuevas ideas sobre lo que es arte y de lo que éste puede estar “hecho” (objetos de uso cotidiano, basura, acción, suceso, rito, etc.), llegaron un sin fin de personajes sin talento, llenos en el mejor de los casos, de un gran amor al arte. La aparente ausencia de reglas permitió que si se confabulaban una serie de personajes para construir un andamiaje argumentativo de solidez ilusoria apoyado en el uso de una “retórica enredadera”, esto, aquello y lo que sea, podría ser llamada obra arte. Y es que justamente la trampa en todo esto radica en la falsa idea de que al arte conceptual, sus similares y derivados, carecen de reglas. Si bien nunca se habla de forma explícita de limitantes, está claro que cuando Duchamp habla del “filósofo” se refiere a un sujeto con cierto grado de preparación. El generar una obra a partir de una idea o concepto lleva inevitablemente al artista por un camino sinuoso lleno de retos y dudas que en el momento en que son resueltas, aparece la obra de arte. El farsante, por otro lado, recorre el camino de manera inversa, crea un objeto (mientras más locochón mejor, según él) y luego le inventa una serie de patrañas usando palabras rebuscadas para así, llenar de aparente valor a algo que no lo tiene y con ello lograr también encubrir su falta de talento y exceso de deseo de reconocimiento fácil. Miles de huevones snobs se han aprovechado de lo que les contaron quiso decir Duchamp (si supieran…) para literalmente vender caca (Mierda de artista, Piero Manzoni, 1961). Miles de snobs son estafados al comprar, sí, cosas como
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caca enlatada o cajas de zapatos pintadas de blanco dejadas en el piso, para entonces cerrar el círculo y modelar el mercado más falso, grotesco y chafa que se pueda imaginar. Hacer arte no es fácil, por más sencilla que sea la pieza, hacer arte verdadero es un esfuerzo que, ya sea en su materialidad o en su idea, se nota. Hay aún buen arte conceptual, pero el mercado se ha llenado de costosísima basura que poco a poco va haciendo que el público y el coleccionista que realmente aman el arte se sientan acomplejados y se alejen. Mucho de lo que hoy se comercia tiene como fin la especulación y el lavado de dinero, y esto permite que sea el “mejor conectado” o el que tiene menos escrúpulos, quienes trasciendan y logren colar su nombre entre el de los verdaderos artistas. Estos flojos oportunistas están dominando la escena y nuestra labor como espectadores es al menos la de identificarlos, y creo que para ello muchas veces el simple instinto basta, no hay que ser un gran iniciado, uno reconoce la mierda cuando la huele. Sólo recuerden que el arte contemporáneo no es sólo aquel que es respaldado por un choro forzado y que sólo “entienden” el creador y dos monitos más (el que lo cura y el que lo vende).
El arte actual está lleno de excelentes exponentes de todas las disciplinas, pero como en la vida, en el arte también debemos irnos con cuidado.
LA EDAD ATÓMICA
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Fotografía: María de León Poesía: Gerardo Grande
Gerardo Grande. Ciudad de México, 1991. Ha publicado en México los libros “Animalito Rockero” (UANL-Fonca-Conaculta, 2013), “Canto de mi Árbol en el incendio” (Mantarraya Ediciones, 2014). Y en España, “La Edad Atómica” (La Bella Varsovia, 2014). Es columnista del periódico SinEmbargo.mx con su sección “Carne, hueso, furia y amanecer”.
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Poesía de carne y hueso furia y amanecer Ahora es posible atravesar continentes sin un centavo en el bolsillo O caminar toda la noche en cualquier ciudad Con una botella de ron Y un buen amigo que se expande por el cielo Caminar toda la noche Hasta llegar a ninguna parte Pero llegar a construir Cierro los ojos y nos miro en la edad atómica Chicos hermosos de cabello alborotado Discutiendo largas horas bajo la lluvia Ladran junto a los perros de la noche Los perros que bajo el sol desaparecen Porque saben que en la oscuridad Se esconden las flores luminosas de los sueños En la edad atómica se deja todo Para lanzarse a los caminos Y todo está bien Todo está bien Todo está bien La violencia de la que no se escapa está bien Las heridas de la desilusión están bien El cáncer del tiempo está bien El hambre Los edificios que se derrumban
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EN LA EDAD ATÓMICA SE DEJA TODO
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La lluvia de dos cuerpos encontrándose por vez primera Labios abiertos Juegos al filo del barranco Trifulcas Todo está bien Menos la inmovilidad y el silencio Corre más rápido que la policía La suma de los errores hace un estilo Baila baila Sobre las ruinas de un país sin nombre La bandera son los niños destrozados Las aves cantando su corazón En el corazón de los árboles Que miran todo Aprendimos más en una canción de 2 minutos Que lo supuestamente aprendido en una escuela Rostros jóvenes que no crecerán tristes Porque enfrentan la vida y sus miserias Y saben que lo más hermoso se esconde en el siguiente libro En el siguiente acuario
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En la siguiente noche En el siguiente sexo En la próxima canción No hay refugio Un país abierto en los corazones Así en plural Porque ahora no basta con la sístole y diástole propias Ahora se suman el palpitar de toda la flora y toda la fauna Del cielo y del infierno Todos los poemas Todas las caricias Todo cabe dentro En la edad atómica Sólo hay dos maneras de vivir la primera es disfrutar sin parar la segunda no la conocemos.
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ยกQUE SE MUERA! Por Marcela Varela
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Recuerdo que tenía una compañera en la universidad llamada Shana con quien tuve dos clases y su asistencia no fue la más constante, la verdad hablamos poco. De eso “poco” que hablamos, me contó en una ocasión que le gustaba hacer esculturas con hielo y verlas derretirse; para ella, eso era verle la cara a la nostalgia a través de las cosas desaparecer; también le gustaba tener el pelo corto, color rubio y peinarse como un “sayayin”, vivía con sus abuelos y tenía un novio.
Un día salí de clases y me fui a la casa de un amigo que durante el verano pasado había dictado una clase de arte en mi universidad y ella fue su alumna. Nos contó que ella había hecho varios trabajos durante ese tiempo, y en particular uno tan pero tan raro que no sabía que pensar. El trabajo era algo así: a su suerte, Shana escogía un nombre de la guía telefónica de la ciudad, el de un hombre, luego le enviaba cartas de amor a la dirección que aparecía en la guía y lo llamaba periódicamente para conversarle como “una amante”. Lo hacía y grababa las conversaciones. Al final presentó la conversación con un señor casado por lo menos hacía unos 35 años, con hijos de unos 20 años –en esa épocatrabajador, honrado y que parecía haber sido fiel en su matrimonio hasta entonces. El señor -llorando- e incluso sus hijos, le suplicaban confundidos y desesperados que no siguiera con eso, que su matrimonio y familia se estaban destruyendo por una
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persona que no entendían quién era y porqué hacía eso. Hoy pensé en ese hombre y si quizá él le deseo la muerte a ella en algún momento… y luego de esto pensé si tal vez ese hombre supiera que su deseo se hizo realidad. Shana murió en el 2009. Simplemente dejó de ir a clases y ninguno de nosotros la extraño. Luego a los compañeros más cercanos la facultad nos informó de su muerte, la cual tuvo muchas versiones, pero lo cierto es que murió de sobredosis de cocaína en el baño de su casa.
ESTÉTICA
APOLOGÍA DEL ARTE COMERCIAL Por: Toni Gozalbo
La dolencia de Michael Keaton en Birdman lleva a sus espaldas el peso entero de una esquizofrenia que, a su vez, vive hoy en día el arte. El arte se encuentra polarizado en dos mundos, el purista y el comercial, cuyos santuarios son la academia y la galería respectivamente. El arte del mundo comercial, por lo general, ignora el académico y éste, como un amante a quien le han sido infiel, desespera reclamando la atención del otro. En este ejercicio, el académico sale de su ámbito dando tumbos y aspavientos, tratando de hacer de menos al mundo del arte comercial, que desde luego jamás se da por enterado de nada.
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¿Quién eres tú (o yo, o quien sea) para decidir qué es arte y qué no lo es?
“Es que esto no es arte”, “este chavalito no ha leído sobre la primera Vanguardia”, “esas inauguraciones patrocinadas por Heineken no van de arte sino de ligoteo”, “el arte es la manifestación de lo más íntimo del espíritu, y en ningún caso cuatro garabatos sin reflexión”: he aquí algunas frases que se pueden escuchar fácilmente por parte de un académico al respecto de ilustraciones exhibidas en alguna exposición. Yo pertenezco al mundo de la academia pero voy a criticar esta postura. ¿Quién eres tú (o yo, o quien sea) para decidir qué es arte y qué no lo es? ¿Por qué extraña razón haber leído cuatro libros te faculta para decidir el destino de una obra? ¿Por qué mezclar las creaciones (¿artísticas?) con cerveza y flirteos está mal? Toda esta concepción proviene de una concepción hoy ya trasnochada del arte, a saber, la de que el arte es un objeto puro, que proviene de un mundo ideal y que utiliza el soporte material para elevar el espíritu a un mundo espiritual. Por eso la cerveza está mal y el ligoteo también: porque son cosas mundanas, materiales o, en una palabra, animales. Y por eso también existe la creencia de que alguien no versado en la teoría del arte no está capacitado para crear, porque no ha elevado su espíritu. En el S. XIX dice Hegel que el arte nuevo es aquél capaz de reflexionar sobre qué es eso del arte. El urinario de
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Duchamp el mejor ejemplo. Pero ha pasado mucha agua bajo el puente y va siendo hora de dejar atrás estas concepciones. Me declaro en la más absoluta rebeldía ante el arte intelectual. Claro que Keaton debe promocionar su obra en Twitter y gustar a sus críticos, pues ahora vivimos en ese mundo. Pensar el arte actual con categorías del siglo pasado –o el anterior- es un drama, es el drama de lo intempestivo-retrógrado. La pregunta por el arte, como el amor, la idea de Dios o la concepción del universo, es una pregunta sin respuesta. ¿Qué es el arte? Pues dependerá de a quién y cuándo se lo preguntes. Pretender que unos señores dieron con la respuesta y seguir afincado en ella décadas más tarde sólo puede provocar frustración. El arte ha cambiado, señores de la academia, y ustedes van a tener que renovar su mentalidad, crear una concepción actualizada del arte o, de lo contrario, sucumbir en el abismo de lo arcaico.
Dejen de ver las obras de los hombros para arriba en un mundo de ideas y perfección espiritual, y empiecen a ver las colillas y la roña del suelo.
CINE
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arte·cultura·moda·vida urbana
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