Noir, Revista Cultural. Número 17, Junio 2016 by Noir, Revista Cultural

NOIR REVISTA CULTURAL

AÑO 1 NÚMERO 17 JUNIO 2016

REVISTA CUL

OIR . Sin embargo, la crítica del públi

LTURAL

ediciones dK

Director: Juanka Casas juanka@noircultural.com Sub-dirección : Deborah P. Gómez deborah@noircultural.com Redactora Jefa: Deborah P. Gómez Juanka Casas Dirección RRHH: Deborah P. Gómez Juanka Casas Coordinación Editorial: Juanka Casas Deborah P. Gómez Maquetación y diseño: Juanka Casas Correción de estilo: Deborah P. Gómez Dirección y coordinación publicaciones en redes sociales: Juanka Casas Deborah P: Gómez Diseño Web y Marketing: Xavier Madrid marketing@noircultural.com Direccion Comercial: Teresa López García comercial.info@noircultural.com LITERATURA: Victor Montero MODA: Natalia Laura Méndez FOTOGRAFÍA: Juanka Casas

6 Creta, el espíritu salvaje del Mediterráneo Luis Pali

12 LOS MISTERIOS DE ALEJANDRÍA Rosario Tirado Burgos

16 A FLOR DE PIEL Xavier Madrid

21 DIARIO DE UNA REINA, por Benjamin Lacombe Natalia Laura Méndez

27 EL MUNDO DEL CINE DE LA MANO DE UN HIYAB Natalia Laura Méndez

34 LA JOYA DE AUTOR Xavier Marid

40 CINE ESPAÑOL DE TODOS LOS TIEMPOS Dorian

ARTE: Natalia Laura Méndez CINE: Deborah P. Gómez MÚSICA: Mary Torregosa

46 ERIKA LUST - PORNOGRAFÍA ÉTICA Y FEMINISTA Valeria Pedrosa Arana

VIAJES Y CULTURAS: Rosario Tirado Burgos Noir, Revista Cultural,es una publicación de ediciones dK Registration Number: 09924522 20-22, Wenlock Road N1 7GU London Fotografía Portada:

TREVOR ELLIS (TMB)

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56 TREVOR ELLIS, EN BUSCA DE LAS EMOCIONES

“Realmente no tengo un estilo favorito, pero me decanto por imágenes que cuenten una historia, que capturen una emoción, elegancia, belleza, que sean poderosas” Deborah P. Gómez TREVOR ELLIS, SEEKING TO CAPTURE AN EMOTION “I don’t really have a favourite style, but I do favour images that either tell a story, capture an emotion, elegance, beauty or are powerful.” Deborah P. Gómez

UN FOTÓGRAFO ENTRE LAS SOMBRAS Entrevista a Juan Carlos Casas San Nicolás, autor de El lado oscuro de las sombras Deborah P. Gómez

74 ASÍ DE SENCILLO

Marta Aubà Salvadó

Se bebe el océano a los muertos Fernando Luis Pérez Poza

76 Retrato a Miguel Hernández, de Antonio Buero Vallejo.

Producto de un compañerismo en la prisión de Santander Guerson Torres Maqueda

79 En la piel de la Memoria Jeremías Vergara.

82 Los sueños como fuente de inspiración Victor Montero

83 ENTREVISTA A COCO DESALES Mary Torregrosa

Creta, el espíritu salvaje del Mediterráneo

n medio de las colinas que rodean la ciudad de Heraklion se encuentran los restos de una de las civilizaciones más antiguas que poblaron Europa, los minoicos. Cuando en las tardes de verano el sol re-

mite y las oleadas de turistas empiezan a escasear, pasear entre las ruinas del palacio de Cnosos, con el incansable canto de las cigarras, se convierte en una experiencia espiritual.

Luis Pali

Se estima que los restos de Cnosos se remontan al año 1700 a.C. cuando el palacio antiguo tuvo que ser reconstruido debido a la destrucción de una edificación por un terremoto. Tras la caída en desgracia de la civilización

ser aquel gran palacio en su época de esplendor. El palacio de Cnosos se encuentra a las afueras de Heraklion, la capital de Creta. Creta es la más grande de las numerosas islas de la República Helénica y una isla que tiene mucho que ofrecer a los visitantes.

minoica, los restos fueron olvidados, y quizás debido a la turbulenta historia de la isla de Creta, que por su posición privilegiada en el Mediterráneo fue ocupada por romanos, bizantinos, venecianos y turcos, el yacimiento no fue escavado por Arthur Evans hasta finales del siglo XIX. Evans no sola-

mente se dedicó a excavar los restos sino que además llevó a cabo ciertas reconstrucciones de estructuras y frescos del palacio, fruto de sus interpretaciones, y que si bien los más puritanos pueden considerar una aberración, permiten al visitante entrar en mayor conexión con lo que pudo

Heraklion es una ciudad caótica donde en verano su centro se inunda de numerosas terrazas en las que locales y turistas combaten el calor y el sol disfrutando de los famosos cafés fríos o simplemente llenan sus estómagos con los productos locales. Turísticamente Heraklion no tiene mucho que ofrecer al visitante más allá de la obligada visita al palacio de Cnosos y al

recientemente renovado museo arqueológico, donde se pueden apreciar numerosos objetos de la civilización minoica así como reconstrucciones de los frescos del palacio de Cnosos. Entre los puntos de interés que uno no debe perderse en la ciudad, destacan la fuente de Morosini o fuente de los leones, construida durante el dominio veneciano; la iglesia de Agios Titos, una pequeña iglesia que a lo largo de la historia ha servido como iglesia ortodoxa, católica y mezquita, y el fuerte veneciano o Koules, que domina el puerto de la ciudad. Tras visitar Heraklion, merece la pena salir a explorar la isla, alquilar un coche es la mejor

opción por la libertad que otorga y para evitar los tediosos viajes en autobús. Aunque las carreteras en Creta tienen un estado de conservación aceptable, hay que prestar atención a los conductores locales. Conducir por Creta puede ser una gran experiencia pues sus carreteras montañosas ofrecen a menudo unas magníficas vistas que hacen las delicias de los aficionados a la fotografía. Hania o La Canea es un destino obligado, no solo por su magnífico casco viejo, sino porque también es un buen lugar desde el que explorar la parte occidental y el sur de la isla que nos sorprenden con impresionantes playas y ma-

ravillas naturales. El puerto veneciano de Hania bulle durante las noches de verano donde miles de turistas y locales disfrutan paseando por la tranquilidad del puerto o disfrutando de sus cafés y restaurantes. No dejes de pasear por el puerto amurallado que va desde un fuerte veneciano hasta el viejo faro y donde se encuentra la única mezquita de Creta. Uno debe además adentrarse en las pequeñas y laberínticas callejuelas del casco viejo donde, además, se pueden encontrar multitud de tiendas de artesanía y restaurantes donde disfrutar de la gastronomía local. La cocina de Creta bebe de la tierra y del mar; junto a sus

deliciosos pescados y mariscos, uno puede degustar carnes como cordero o cabra, la carne de esta última puebla gran parte de los platos locales ya sea guisada o a la parrilla. Además en Creta es muy habitual comer las numerosas y nutritivas plantas que crecen al abrigo de las montañas, ya sea en forma de ensalada, cocidas o en sus famosas empanadas o pitas. Merece la pena probar la yemistá, vegetales rellenos de arroz y especias, en especial las flores de calabacín, o los dakos, un snack local a base de pan seco, aceite de oliva, tomate, especias y quesos, bien feta o el local myzithra. Todo ello debe ser bien acompañado por uno de los vinos locales, Creta tiene tradición vinícola desde tiempos de la civilización minoica, y dejar espacio para tomar con el postre uno de sus numerosos dulces. El suroeste de Creta ofrece numerosas y salvajes playas,

a las que las sinuosas carreteras de montaña han protegido de la masificación turística. Un lugar que visitar es la aldea de Paleohora, que fue durante los 70 una meca hippy, pero que ha escapado de la masificación siendo hoy una pequeña población pesquera con una larga y tranquila playa donde uno puede relajarse y disfrutar de un baño en las cálidas aguas del Mediterráneo. En la zona suroeste también se debe visitar la playa de Elafonisi que goza de gran popularidad entre locales y turistas. Una playa de aguas cristalinas y arena rosada, que toma este color por las deposiciones de las conchas de animales marinos. Esta playa posee un brazo de arena que dirige a un pequeño islote cubierto con dunas, cuenta la playa además con una pequeña y cálida laguna donde tomar un año a salvo del oleaje. Aunque

en los meses de verano es imposible evitar la afluencia de turistas, la playa se encuentra en perfecta conservación sin más edificaciones que un par de chiringuitos donde tomar un refrigerio. Otra popular excursión en la zona oeste de la isla es la garganta de Samaria, que es el cañón más largo de Europa, con una longitud de 16km y que en su punto más estrecho tiene una anchura de tan solo 3 metros, siendo una buena opción para hacer senderismo en la isla. En el extremo noroccidental, la península de Gramvousa, donde uno puede disfrutar de la hermosa playa de Balos cuyas aguas cristalinas y su laguna hacen delicias de los visitantes. Aunque es posible acceder a Balos por una escarpada carretera de tierra o con el autobús, se debe considerar uno de los numerosos ferris que parten del puerto

de Kissamos. El ferri permite visitar la playa de Balos, pero también hacen parada en la isla de Gramvousa, en cuya colina se pueden visitar las ruinas de un fuerte veneciano que aguantó durante años mientras los turcos ocupaban el resto de la isla, y que años más tarde sería usado por los rebeldes cretenses durante la guerra de independencia contra el Imperio Otomano. El fuerte Gramvousa ofrece una impresionante vista de toda la bahía que quedará en la retina y el objetivo del visitante durante mucho tiempo. Antes de abandonar la pequeña isla es recomendable tomar un baño en sus aguas cristalinas y totalmente despobladas de visitantes. Merece la pena visitar Creta con tiempo suficiente para descubrir en profundidad sus playas, sus pequeñas ciudades costeras y a sus habitan-

tes, los cretenses son famosos en el resto de Grecia por sus peculiaridades, su carácter indómito y tradicional pero también por su legendaria hospitalidad, nunca debes rechazar la invitación de un cretense. Antes de abandonar la isla y tras haber visitado alguna de las villas pesqueras más cercanas a Heraklion, con mayor número de hoteles y turistas pero más accesibles para disfrutar de un día en la playa, uno debe volver a dirigirse al salvaje sur de la isla para visitar la playa de Preveli. Situada al final de una garganta en la desembocadura del río Megalopotamos, esta playa es famosa por su bosque de palmeras. Este bosque, que ardió durante unos incendios en 2010, ha vuelto a renacer en tan solo unos años, recuperando su antiguo esplendor. En la playa de Preveli uno puede pasar el día bañándose en las frías aguas del río o en

el cálido mar de Libia o simplemente relajarse a la sombra de las palmeras huyendo del sol abrasador del mediodía. Cerca de la playa se encuentra Moni Preveli, un aislado monasterio que goza de impresionantes vistas al mar de Libia, este monasterio jugó un papel importante durante las rebeliones contra los otomanos pero también durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los monjes ayudaron a la evacuación de los soldados británicos tras la derrota frente a los nazis. Es ésta otra muestra del carácter de la isla y sus habitantes, es Creta una isla que contiene algo de salvaje, sea en sus escarpadas montañas, sus impresionantes cañones o sus paradisíacas playas, la isla es una muestra de la belleza del Mediterráneo, una belleza que debe perdurar.

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LOS MISTERIOS DE A L E J A N D R Í A Rosario Tirado Burgos

ajo las turbias aguas de lo que antaño fue el Puerto Magno Alejandrino, se encuentra una multitud de piezas de esta antigua ciudad de Egipto, que esperan ser redescubiertas y rescatadas, para dar testimonio de la grandeza y belleza que impregnó la urbe durante más de siete siglos, desde el año 331 a.C., momento de su fundación, hasta su declive, en el siglo IV de nuestra era. Fue en ese siglo, cuando una serie de fenómenos naturales, en concreto un gran terremoto seguido de un maremoto, produjeron que parte de la ciudad quedara hundida en las aguas fangosas que llegaban desde el rio Nilo al Mediterráneo. Aunque no fue el único motivo por lo que la ciudad sucumbió a su derrumbe. El “peso” de la ciudad fue otro factor clave. Alejandría, conocida también como “la ciudad de los mil palacios”, contaba con grandes y magníficas edificaciones; sin embargo, el terreno sobre el que se alzaba, como nos cuenta Franck Goddio, arqueólogo submarino que trabaja en la zona desde 1.992, no era el ideal para soportar

tales construcciones. El terreno está compuesto por fragmentos de cristales, que a su vez contiene agua, lo que provoca que el suelo se hunda si se ejerza una presión considerable. Esto fue lo que pasó con la mítica ciudad, hundiéndose con ella una parte importante de la historia de Egipto. Las piezas –de incalculable valor– hasta el momento recuperadas, han seguido un proceso de limpieza, restauración, catalogación y algunas de ellas incluso de exposición al gran público. Es el caso de

una pequeña muestra de objetos de diferente índole expuestos en el 2008 en Madrid, bajo el título “Tesoros sumergidos de Egipto”, una colección que reflejaba las diversas civilizaciones que confluyeron hace 2000 años en esta región de Mediterráneo. NACIMIENTO DE ALEJANDRÍA. La ciudad, fue fundada por Alejandro Magno en el siglo IV a.C., en el norte de Egipto, al oeste de la desembocadura del Rio Nilo. Estratégicamente

do antiguo, objetivo que cumplió y que lamentablemente no pudo contemplar, debido a su prematura muerte, con la construcción de la BibliotecaMuseo de Alejandría, célebre hasta nuestros días.

hablando, esta zona del Mediterráneo no podía ser más perfecta. Se podía acceder a ella tanto por mar como por río, el clima lo hacía agradable, y cerca se encontraba una cantera que podía abastecer para la realización de las construcciones que necesitaran o desearan. Para aprovechar todo este potencial de la zona, Alejandro

decidió encargar el diseño de la ciudad a un famoso arquitecto de la época, Dinócrates de Rodas, quien convirtió esta comarca del Mediterráneo, en una de las grandes y más importantes ciudades del mundo antiguo, compitiendo en elegancia, belleza, y funcionalidad con la misma Roma. El diseño se basaba principalmente en distribuir el espacio respetando las grandes y espaciosas avenidas, las calles debía seguir un ángulo recto y construir un dique que conectaba la ciudad, y por tanto el continente, con la cercana isla de Faros (donde se encontraba el famoso Faro de Alejandría) y que a su vez dividía el puerto en dos. Pero la visión de Alejandro, no se limitaba solo al aspecto estético de la ciudad. Influenciado quizás por su maestro Aristóteles, desarrolló una pasión por el saber y los conocimientos, que pretendió plasmar en su metrópolis, por lo tanto, deseaba convertir su ciudad en el centro cultural del mun-

La importancia de la ciudad se debió, por tanto a tres factores principalmente: uno, a la majestuosidad de las edificaciones que han sido recordadas muchos siglos después de su completa desaparición; dos, al alto nivel cultural de los pensadores, filósofos o científicos que hicieron de la experimentación y el descubrimiento una forma de vida académica y dinámica más allá de la mera transmisión de conocimientos; y tres, al crisol de culturas que formaba parte de su población. Así pues, en los años de mayor esplendor, la sociedad estaba formada por macedonios, romanos, griegos, egipcios, fenicios, judíos… todos ellos conviviendo en armonía, sin grandes conflictos entre ellos. LA BIBLIOTECA DE ALEJANDRÍA. La biblioteca, producto del sueño de Alejandro Magno de crear el mayor centro cultural del mundo antiguo, comienza a construirse en el siglo IV a.C., pocos años después de la fundación de la ciudad, con un doble objetivo; por un lado, recopilar en un mismo recinto todas las obras y documentos realizados por el ser humano (independientemente de la temática u origen), y por otro, convertirse en un referente intelectual para el resto del mundo. De hecho, gracias a la labor divulgativa y de in-

vestigación, la Biblioteca está considerada en la actualidad como la primera Universidad del mundo, donde personalidades como Arquímedes o Euclídes impartían clases. Estos dos motivos, llegaron a alcanzarse, por lo que su destrucción final a manos del fuego, es considerada como uno de los mayores desastres culturales de la historia, una gran pérdida y retraso del saber y conocimientos acumulados durante siglos irremplazables. Uno de los aspectos más envidiado por el resto de escuelas, museos o bibliotecas de la época, era que allí existía la única escuela de medicina donde practicaban con cadáveres reales, fuera de este lugar no existía sitio similar y por lo tanto la formación que recibían los doctores que estudia-

ban allí solía ser muy superior a los de sus contemporáneos formados en otros centros. Sin embargo, no era la única ciencia que dominaban, destacaban también los trabajos y autores relacionados con el campo de las matemáticas, astrología, filosofía, historia… y un largo etcétera. A pesar de su prestigio y popularidad, en el siglo III de nuestra era comienza su declive. Las continuas revueltas y rebeliones entre Egipto y Roma provocaron que, tanto el museo como la biblioteca, dejaran de recibir subvenciones y materiales; en consecuencia poco a poco ambas se fueron dejando de lado hasta su abandono. La religión (tanto cristiana como islámica) no contribuyó

a mejorar la situación cultural de tiempos pasados. Aunque no hay datos fiables de la época, se dice que tras la invasión islámica, multitud de libros y documentos fueron utilizados para calentar durante meses todas las termas y baños de la ciudad. La biblioteca acabó desapareciendo finalmente en torno al siglo VII, con unas revueltas que se saldaron, además de con las vidas arrebatas, con la quema de la biblioteca-museo. Cabría que nos preguntásemos si la importancia de la biblioteca era tan grande, ¿cómo es posible que acabara siendo saqueada y quemada? La respuesta, según diversos historiadores, se debió a que los descubrimientos realizados en la biblioteca, no se

tradujeron en mejoras para el resto de la sociedad. Solo una minoría de élite tenía acceso al conocimiento y las mejoras se centraban en el perfeccionamiento de maquinarias de guerra o para el divertimento de reyes. Poco o nada de ese gran saber llegó a la ciudadanía en general, por lo que éstos no supieron darle el valor que le correspondía. EL FARO DE ALEJANDRÍA. Construido en el siglo III a.C., en la isla de Pharos (Egipto), representa la unión de belleza y eficacia para la defensa de la ciudad. El Faro, que servía como punto de referencia del puerto e iluminación a los barcos, durante mucho tiempo estuvo considerado como la estructura más alta construida por el hombre. Se estima que medía aproximadamente 120 metros de altura y su luz podía verse a una distancia de 60 kilómetros. El secreto de que su luz pudiera verse a tanta distancia se debe a la colocación de un espejo junto al fuego (mezcla de leña y resina) que reflejaba la luz a una mayor distancia, aunque no era su única función. Hay autores que sugieren que a través de ese espejo instalado en la parte superior del faro, se podía dirigir la luz solar para hacer quemar a los barcos enemigos antes de que pudieran alcanzar la costa. Formaba parte de las siete maravillas del mundo antiguo, lo cual es del todo comprensible si nos creemos la información que de él nos ha llegado a través de cuentos antiguos.

Se la describe como una gran torre, con varios niveles y recubierta de mármol blanco. La belleza de su estructura no le salvó de su destrucción. Aunque el impresionante faro fue restaurado en varias ocasiones, finalmente la sucesión de terremotos fuertes en la zona debilitaron su armazón y su posterior derrumbamiento a mediados del siglo XIV. Hoy, en el lugar donde se alzaba una de las edificaciones más emblemáticas de Alejandría, se encuentra un fuerte que el sultán de Egipto, Qaitbay, construyó en 1.480 aprovechando las ruinas pertenecientes al faro. La idea era construir un elemento que sirviera para la defensa de la ciudad y la costa mediterránea, y debido a la situación estratégica de la isla, se hacía necesario edificarlo ahí. Esta es pues, la historia de unas de las ciudades de la antigüedad que pasó de ser una modesta zona pesquera a capital de Egipto, una ciudad que llegó a ser referente

y sinónimo de cultura, conocimiento, pero que las intrigas por el poder y los fenómenos naturales provocaron su destrucción tal y como fue soñada por su fundador. A lo largo de la historia, pocas son las ciudades en el mundo que despierten interés incluso después de su completa desaparición siglos atrás. Historias, mitos, cuentos y leyendas (verdaderas o ficticias) nos traslada a siglos atrás y nos invita a comprobar cuantos misterios en torno a esta urbe podremos desvelar; ésta precisamente es la labor que desde hace varias décadas, tanto historiadores como arqueólogos, intentan llevar a cabo con proyectos, estudios y financiación, todo para poder desvelar los misterios y secretos sumergidos junto con parte de la ciudad. El Faro y la Biblioteca son dos edificaciones cuya fama ha traspasado la barrera del tiempo, pero no las únicas y pronto conoceremos más de esta fascinante región del Mediterráneo.

A FLOR DE PIEL Xavier Madrid

e conoce como arte a todo lo creado por el ser humano, mediante el cual expresa una visión sensible sobre el mundo que lo rodea, sea éste real o imaginario. El arte expresa ideas, emociones, percepciones, sensaciones que experimenta el creador, que no es posible explicar de otro modo. Y existen muchas formas de expresión, tantas, como lugares donde hacerlo.

me ha gustado expresar todo lo que sentía por medio de la pintura y el dibujo. Así que es algo que viene de serie conmigo. No recuerdo el plantearme dedicarme a ello, simplemente empecé así y, a lo largo de los años, fui proyectando mi carrera artística formándome en el bachiller de arte y universidad de Bellas Artes.

Pues en mis inicios, como suele pasar, no tenía un lenguaje pictórico muy definido y tuve épocas en las que me dio por el “trash art” y el público se sentía confuso, y otras épocas más clásicas, en las que el público se sentía más cercano a opinar.

¿Has tenido la oportunidad de exponer en alguna sala privada?

¿Qué hace decidirte a comenzar en el mundo del tatuaje?

He expuesto mi obra pictórica y gráfica en salas, como por ejemplo, la sala de exposiciones del museo de Alcalá de Guadaíra, El Ateneo de Sevilla o La sala de exposiciones de la Universidad de Bellas Artes de Sevilla, entre otras.

Pues como ya había experimentado numerosas técnicas pictóricas a lo largo de mi carrera, sentí curiosidad por la técnica del tatuaje, una desconocida para mí. Al practicarla por primera vez me pareció difícil, entonces sentí la necesidad de hacerme con ella, o al menos, intentarlo.

Además, el arte tiene otras funciones sociales, no sólo el hecho de mostrar mensajes al mundo a través de la pintura o la escultura. La unicidad, la posibilidad de ser seres con características individuales visibles dentro de un colectivo social. Y así nacen las modas, tendencias, a través de la creatividad aplicadas a la imagen personal. Y decidí salir a la calle a buscar artistas de la moda que, precisamente, ponen toda su alma creativa al servicio de las personas para que, cada día, su obra salga a la calle, sin firmas ni objetos de quita y pon. Y encontré a Marta Scout, joven artista de las que casi ya no se encuentran, de las que se dejan la piel en lo que hacen, incluso dejando huella en la piel de los demás… Quedé con ella en un pequeño estudio de artistas de Sevilla, CreaTattoo, con obras propias colgadas en las paredes. ¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del arte? Pues aunque suene típico, la verdad es que desde peque

¿Cómo fue el primer encuentro de tu obra con el público?

¿Viste esta forma de arte como medio para ganarte la vida desde el primer día?

Por supuesto que no, no sabía cómo se me iba a dar. El camino hacia el éxito (para mí, el éxito es poder ganarte la vida haciendo lo que más te gusta) es bastante duro y lento. Si piensas en beneficios desde el primer día, vas muy mal.

debe ser original y no copiar, solo te estarías mintiendo a ti mismo. ¿Qué te aporta el Tatuaje a nivel creativo? El tatuaje es una técnica muy rica cuando te adentras en ella, a mayor destreza más cosas puedes hacer con las agujas. Por ejemplo, hay cantidad de texturas que puedes

Cuando viene una persona y te expone una idea de lo que quiere… ¿Cómo es tu proceso creativo? Lo que suelo hacer es primero decirle si es viable o no. Si veo que sí, le expongo mi forma de cómo representar la idea, intento captar su personalidad enseñándole imágenes de tatuajes de lo que creo que es su idea para ir cerrando el círculo de posibilidades. Suelo esbozar algo rápido delante del cliente, le aconsejo sitios del cuerpo donde iría mejor el tatuaje y le tomo medidas. Si se tiene claro el sitio siempre adapto el diseño a la anatomía para que el resultado sea armónico. Una vez que nos pongamos de acuerdo me pongo a trabajar en el diseño y, unos días antes de tatuarse, se lo muestro para que me dé el OK definitivo o hacer alguna pequeña modificación. Alguna anécdota. Pues te das cuenta de que hay mucha gente peculiar. Gente que “canta ópera” como remedio al dolor, gente que tiene la obsesión de tomarse la tensión cada poco y te hace parar para ir a la farmacia de la esquina, gente que insulta para no sufrir tanto… son los más comunes.

Define tu estilo. ¿Cómo te definirías a ti misma? Me gusta lo orgánico, todo lo animal, lo espontáneo, lo detallado y no relamido. Lo oscuro y místico. Tu estilo es reflejo de tu personalidad, por ello se

crear. Después el lienzo es muy variable, ya que no es el rectangular típico de un folio o lienzo, y por lo tanto te limita menos. Lo malo es que el lienzo se queja y se puede mover, pero eso se sobrelleva como se puede.

Supongo que no todo será conversación dentro de la sala de tatuajes. ¿Habéis pensado en poner un medidor de decibelios y dar un premio a los que menos se quejan?

¡Claro! El premio es la piruleta. Creo que debes soportar dignamente el ritual y el sufrimiento que conlleva el que te hagan un tatuaje. No es digno llorar ni gritar, si lo haces habitualmente quizás tatuarte no es lo tuyo. Aunque siempre hay días malos y días buenos. Fuera de bromas. Esto debe doler, tanta aguja pinchando a la vez la piel. Me acaban de anular una sesión, así que, puedes decírmelo tú. ¿Tienes pensado algo

que te gustaría llevar siempre encima?

Vale. Dame unos minutos que prepare las cosas.

¿Ahora? ¿Te dará tiempo? Me gustaría algo relacionado con mis hijos, en la espalda.

Y así, sin más, sin apenas pensarlo, ofrecí mi espalda para ser usado como un lienzo más, y perpetuar así una bella imagen de mis hijos: Mis guías, mis Guardianes, mis Atalayas y mis Vigías.

Necesito alguna foto, si tienes, ¿te animas o qué? Creo que sí, en el teléfono tengo varias. Viendo tu trabajo, me pongo en tus manos. Pero, quiero que firmes al acabar.

Gracias a Marta Scout y al estudio CreaTattoo, por abrirme sus puertas entre sesiones para esta entrevista.

DIARIO DE UNA REINA, por Benjamin Lacombe

Natalia Laura Méndez

enjamin es un autor e ilustrador francés de 34 años (1982) afincado en París. EN 2001 se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas parisina, donde mientras continuaba su formación, trabajó en publicidad y animación. En ese mismo año, además, publicó su primer comic. Cereza Guinda fue su proyecto de fin de carrera, él mismo lo

escribió e ilustró, pero pronto se convirtió en su primer libro para niños y publicado por Les ditions du Seui. Mas el éxito le llegó en 2007, cuando Walker Books lanzó el libro en Estados Unidos y la Revista Time lo consideró uno de los diez mejores libros infantiles del año, momento en el que se le empezó a considerar como uno de los ilustradores más exitosos del momento.

Su trabajo destaca por el tono caricaturesco y elegante, además de por el uso del gouache, el lápiz, grafito, las acuarelas y el óleo. Las influencias Prerrafaelistas son claras, así como el Quattrocento italiano y el flamenco más primitivo; pero también se ven en su obra tintes de Tim Burton, Tod Browning o Diane Arbus. Uno de sus sellos distintivos es que intenta incluir siempre que puede en sus ilustraciones a su perro Virgile y su carlino. El gran secreto de este

ilustrador ha sido enganchar a todos aquellos que odiaban lo gótico con hombres-perro, tez pálida y ropas de épocas pasadas; obras a caballo entre Allan Poe y Tim Burton.

de su maestría en Los cuentos macabros (Soleil edición, 2009); Notre-Dame de Paris (Soleil edición, 2011-2012) y Madame Butterfly (Soleil edición, 2014)

Sus obras suelen tener un público infantil, caso de Caperucita roja (Seuil Jeunesse edición, 2004); El herbario de las hadas (Albin Michel Jeunesse edición, 2011) u Ondine (Albin Michel Jeunesse edición, 2012); pero también los adultos podemos disfrutar

Ahora Benjamin Lacombe nos deleita con la vida y secretos de la esposa de Luis XVI; según ha asegurado el artista llevaba años hechizado con la reina Maria Antonieta. Gracias al descubrimiento de unos diarios y cartas desempolvadas que María Antonieta

Antonieta con sus hijos realizado por Elisabeth Vigée-Lebrun. Y siempre había querido indagar en la personalidad de la primera y la única Reina de Francia que fue condenada a muerte”. Con la cooperación de Cécile Berly (historiadora experta en la época y asesora de Lacombe en este libro), escritora del prólogo, intentaron desenmascarar su aspecto femenino y más intimo ya que “profundizamos en toda la presión que siente, porque ella no estaba preparada para lo que se le venía encima con 15 años, porque ni siquiera tenía que

cruzó con algunos de sus allegados, sobre todo su madre María Teresa de Austria, que le han permitido imaginar los pensamientos íntimos de la Reina. Con todo ello publica, con Contempla Edelvives, su nuevo libro Maria Antonieta: diario secreto de una reina, donde aborda el perfil psicológico de la monarca. El autor asegura que: “Siempre me ha fascinado y me ha atraído su figura. Ya desde la escuela me obsesionaba uno de los retratos más conocidos de María

ser la reina, sino su hermana. Así, imaginamos cómo vivió esa presión y el destino fatal que le esperaba al final”. Un dato curioso es que en este libro no solo están presentes su Shar pei y su carrillo por antojo, sino que la monarca adoraba a los carlinos, por lo que la presencia de sus mascotas tienen, además, un por qué en la obra. Según ha afirmado en varias entrevistas uno de los motivos por los que más le atrae Maria Antonieta es porque: “Fue un icono de moda. No existirían las revistas de moda sin

ella. María Antonieta propulsó al extremo que la gente quisiera vestir como sus soberanos. Todas las aristócratas iban a la tienda de Madame Bertin para comprar los modelos que lucía la reina. La gente que disfruta con la moda va a descubrir muchas cosas con este libro”. Este libro intenta enseñarnos una nueva Maria Antonieta, unas facetas nunca vistas de la monarca. Según Afirma Cécile: “Con este libro –asegura la historiadora- Benjamin ha renovado completamente la imagen que teníamos de María Antonieta. En los últimos quince años hay dos obras que han cambiado la visión que teníamos sobre ella, la película de Sofía Coppola (2006) y la imagen que nos brinda Benjamín en esta obra”. Y además continúa: “Por supuesto tenía esa faceta frívola de Reina de la Moda, de la superficialidad, pero vemos que poco a poco se convierte en una Reina cada vez más seria, más reflexiva… Algo que no mostró a su llegada a Versalles, porque no se la exigía que pensase ni actuase; su única obligación era procrear. Pero paulatinamente la Reina cobró una gran importancia, tanto en el propio palacio como en la vida política de la época”.

EL MUNDO DEL CINE DE LA MANO

DE UN HIYAB Natalia Laura Méndez

araswati, una maquilladora malasia, se ha hecho viral en las redes por su facilidad de transformación. La particularidad y genialidad de esta joven no se basa en el poder del maquillaje para hacer milagros, sino en el uso de su hiyab, ya que con su ayuda es capaz de emular a la mayoría de los personajes de la factoría Disney, tanto princesas como villanos; y como la fama hizo que Disney se le quedase corto, ahora se atreve con Marvel, personajes de Tim Burton, e incluso Darth Vader. Triunfa en Instagram bajo el nombre @queenofluna, cuenta abierta hace dos años aunque el reconocimiento le haya llegado ahora, y en este perfil demuestra que el uso del pañuelo no tiene por qué ser un freno para tener miles de seguidores del mundo de la moda o la belleza. El despegue a ser el centro de atención lo consiguió gracias a su transformación en Ariel (La Sirenita), foto en la que acumuló más de 16.000 likes en tan solo dos semanas. Maquilladoras hay muchas, y muy buenas, y esta red social las ayuda -y mucho-, en su trabajo; pero que usen el hiyab como tocados y peinados solo hay una. Ella se define como una geek y disnerd, además de reconocer que lo que más tiempo la lleva es colocarse el pañuelo. Para celebrar el año nuevo chino Saraswati se vistió de Mulán, un estupendo trabajo de maquillaje y vestimenta que acumuló 1.400 comentarios y 18.000 likes. Y es por cosas como esta que suma ya más de 280.000 seguidores con tan solo 300 fotos.

LA JOYA DE AUTOR Xavier Marid

oy dedicaremos un espacio a la Joya de Autor, una tendencia que, tal vez por el actual panorama económico laboral de nuestro país, quizás por recuperar un sector ya saturado de joyas prefabricadas de importación, pero que, sin duda, está regresando. La Asociación Joyas de Autor (AJA), nace en un año crítico, en 1995, cuando aún se estaba saliendo de la crisis que en 1993 llevó a España a una re-

cesión económica. Pero mejor, hablamos con ellos: José Francisco Alfaya, y Liane Katsuki, Secretario y Presidenta de la AJA. ¿Cuál fue el motor que impulsó el nacimiento de AJA?

res de joyería de autor a nivel nacional y les permitiese apoyarse mutuamente y generar, así, sinergias. Dos décadas más tarde, la AJA conserva este mismo espíritu y su propósito sigue siendo poner en valor la joya de autor en todas sus dimensiones.

JFA.- En 1995 un grupo de profesionales del diseño de joyas decidió sumar fuerzas para construir una plataforma que aglutinase a los diseñado-

LK - Un grupo de valientes, talentosos y soñadores diseñadores de joyas, entre ellos Carlos Pereira (actual director de la Escuela del Atlántico y

Laura Márquez (entonces elegida Presidenta) y otros cuantos hoy día famosos diseñadores, unieron sus ideales y talento para formar la Asociación Joyas de Autor en 1995, y así en conjunto, añadir fuerzas a sus objetivos y lograr realizarlos. ¿Cuáles son las motivaciones actuales de la AJA para no ceder ante la crisis actual? JFA.- Los profesionales que se dedican a la joyería lo hacen, en términos generales, por vocación. Esta disciplina tiene un componente de autoexpresión determinante, puesto que el diseñador de joyería de autor desarrolla un discurso creativo único y personal. Esa pasión es una fuerza motriz realmente poderosa... irrefrenable, diría yo. Supongo que por eso somos inasequibles al desaliento (o al menos lo intentamos). LK - Nuestras motivaciones tienen su inagotable fuente en el Arte. Ante todo, somos artistas que demuestran su talento y vocación a través del diseño de la joya. Este ideal hace que nos motivemos y resistamos en frente a cualquier obstáculo. ¿Cómo se puede definir una Joya de Autor? JFA.- Tal y como se explica en la web de la AJA, desde nuestro punto de vista, la joyería de autor se caracteriza por lo siguiente:

Ha sido concebida y diseñada en el desarrollo de un proyecto creativo con discurso propio y lo más habitual es que se encuentre avalada por la utilización del nombre de su creador como marca comercial. Así, la joya de autor es una alhaja “con nombre y apellidos”. Ha sido manufacturada empleando procesos de trabajo propios de la joyería, tanto artesanales como semiartesanales (nunca industriales), con especial énfasis en la pieza única y las series cortas. En general, sus materiales principales son metales preciosos y gemas. No obstante, esto no quiere decir que la utilización de otros materiales quede totalmente excluida. La clave es que el concepto de joya de autor es sinónimo de máxima calidad, tanto en relación a sus materiales y acabados como a su usabilidad.

rácter propio, es una mini-escultura que adorna el cuerpo humano. Esto se hace notar desde los primordios de la humanidad.

LK - La joya de autor es una obra de Arte, el diseñador de joya tiene su lenguaje particular como la tiene un pintor, un escultor, un escritor, y todo aquel que se expresa a través del Arte.

Por esto la Joya de Autor tiene su carácter y firma propia.

La joya de autor tiene su ca-

JFA.- Para unirse a la AJA

Cada diseñador tiene su manera de expresar y realizar su pieza, que puede estar manufacturada, con procesos de joyería artesanales, o semi-artesanales, un diseñador debería estar al corriente de las últimas tendencias y de los desarrollos técnicos, como el actual proceso 3D. Los materiales son empleados según el estilo del diseñador, o sea; el oro, la plata, el platino, el bronce, el titanio, la madera etc. Las piedras naturales y preciosas, o el plástico, plumas, semillas, todos los materiales empleados estarán al servicio y criterio del diseño de su creador.

Requisitos fundamentales para ser miembro de la AJA.

cil que surjan colaboraciones para diseñar conjuntamente. Sí es cierto que existen “proyectos corales”, como nos ocurre a mi compañera Irene López y a mí, que desarrollamos Decimononic mediante el trabajo en equipo. Algo que sí me gustaría destacar es que, egos aparte, sí se produce colaboración a la hora de resolver dudas, acometer iniciativas a nivel colectivo, etc.

sólo hay que cumplir cinco requisitos: Ser mayor de edad y tener plena capacidad legal. Desear pertenecer a la Asociación Joyas de Autor durante el periodo mínimo de un año. Ser diseñador de Joya de Autor (en caso contrario es posible asociarse en la modalidad de “Asociado Simpatizante”). Estar dispuesto a implicarse de forma activa en los proyectos que desarrolla la AJA para alcanzar sus fines. Por último, pero no por ello menos importante, abonar la cuota correspondiente. ¿Cómo es el día a día de la Asociación? JFA.- En cierto modo eso depende del grado de implicación de cada asociado, pero hay dos actividades que siempre están presentes en el día a día de la AJA: compartir información de interés y dar difusión a noticias de actualidad del sector a través de nuestros canales de comunicación (página web, redes sociales,

etc.). LF.- En la asociación tenemos constante intercambio de ideas y de informaciones, de las cuales debemos estar al corriente. A través de nuestra web, redes sociales, que nos ayuden a mantenernos informados de las últimas ocurrencias en el mundo de la joya. Esto nos resulta sumamente útil.

LK.- Somos conscientes de que cada artista tiene su “universo personal “, donde no hay sitio para interferir. No se trata de “egos”, es muy difícil intervenir en el estilo y diseño de un colega que tiene su forma de expresarse. Lo que sí existe entre los asociados, es mucha colaboración para la difusión del trabajo de todos sus participantes. ¿Diseñador, artesano o ambos?

Tengo constancia que, en este oficio, tal y como existe en otros, muchas veces se lucha contra los egos propios y ajenos. ¿Existe algún tipo de colaboración entre los asociados de la AJA? Y cuando hablo de colaboración, me refiero a un trabajo colaborativo, en el que el conocimiento o especialidad de diversos artistas se aúnan para concretar el acabado de una pieza.

JFA.- La artesanía juega un papel fundamental en la joyería de autor, eso es indiscutible, pero un artesano, al igual que un diseñador, concibe productos única y exclusivamente para su comercialización. Además de artesanía y diseño, la joyería de autor es, para muchos, una disciplina con una vertiente artística. Yo lo dejaría en creador, pero me temo que encontrarás tantas respuestas como diseñadores de joyería de autor… es algo muy personal.

JFA.- Mi sensación es que, debido al fuerte componente personal de la joyería de autor como vehículo para articular un discurso creativo, no es fá-

LK.- Me pregunto si hay fronteras marcantes? ¿Y porque definirlas? ¿Acaso uno no necesita al otro?

¿Cuáles son las expectativas de la Joya de Autor en el mercado? JFA.- Hoy por hoy la joyería de autor en España es un nicho de mercado muy pequeño. A medio y largo plazo, y analizando las tendencias en los países de nuestro entorno, y los cambios en los patrones de consumo, las perspectivas deberían ser halagüeñas. Son cada vez más los consumidores que demandan productos que cuenten historias, que tengan un significado. La joyería es una categoría de producto con un poderoso componente emocional, y eso se hace muy patente en la joyería de autor, ya que nos encontramos ante piezas únicas (como todo producto artesanal), en muchos casos diseñadas a medida (por encargo): exclusividad genuina. LK.- Mientras el público español no tenga en cuenta el gran valor de una joya de autor con su carácter propio, y el valor

artístico que contiene, será difícil encontrar su sitio en el mercado. En España nuestro camino encuentra todavía bastantes dificultades. En países como Alemania, Holanda, Inglaterra, nuestro valor ya tiene su reconocimiento. Nuestro producto tiene su carácter muy especial y genuino. Uno de los objetivos de la AJA es precisamente este: abrir en España el mercado que nuestras joyas merecen tener. ¿Mercado nacional o internacional? JFA.- España nunca ha sido un mercado especialmente receptivo para la joyería de autor, aunque nosotros seguiremos trabajando para que esto siga cambiando poco a poco. Se trata de un producto muy valorado fuera de nuestras fronteras y la tecnología pone a nuestro alcance herramientas para acceder a un

mercado global, lo que ocurre es que salir los procesos de internacionalización presentan desafíos importantes y es necesario prepararse para ello. Éste debe ser uno de los caballos de la batalla para la Asociación Joyas de Autor, ya que promover la internacionalización del sector es primordial. En España hay mucho talento, lo que falta es que salga a comerse el mundo. LK.- Que nos hagamos reconocer nacionalmente ya será todo un logro. El “salto” al mercado internacional, además de un gran esfuerzo personal, es costoso. El lado económico aquí dificulta bastante. Pero trabajando en conjunto, en la AJA, esta tarea resultará más asequible a cada artista. Estáis a punto de cumplir 20 años. ¿Qué celebráis? ¿Haber superado vuestra mayoría de edad? ¿O la entrada a un nuevo decenio?

JFA.- La verdad es que no es fácil alcanzar las dos décadas de actividad, sobre todo para una organización pequeña como es la AJA, y tenemos mucho que celebrar. Celebramos que son muchos los profesionales que han creído en este proyecto y lo han apoyado a lo largo de los últimos veinte años, celebramos que aún tenemos metas por alcanzar, celebramos que la joyería de autor, a pesar de todas las dificultades, aún tiene mucho que decir. LK- Que el hecho de haber cumplido 20 años ya es un logro. Celebramos la realización de la victoria de ideales unidos por los 20 años de la Joya de Autor. Con las ganas de cumplir otros cuantos con nuevos diseñadores que se

unen y tienen el mismo ideal. ¿Qué puede aportar la AJA a la Joya de Autor o, mejor dicho, al Autor de Joyas? JFA.- Para mí, lo más importante es el hecho de contar con el respaldo de un colectivo integrado por profesionales afines. A esto tenemos que añadir iniciativas como eventos profesionales de distinta naturaleza (encuentros de confraternización, exposiciones, ferias, etc.), acceso a información relevante (convocatorias de concursos, conferencias, noticias de actualidad sectorial), publicaciones, retos creativos como el Concurso de Diseño de Joya de Autor AJA, etc. LK.- El hecho de pertenecer a

la AJA que les ayuda a estar presentes en eventos, en exposiciones, en ferias del sector, de darse a conocer en el mundo joyero, ya es un gran aporte al Autor de Joyas . ¿Es posible vivir de la Joya de Autor? JFA.- Es posible, pero no es fácil. Por una parte, es imprescindible encontrar un equilibrio entre los aspectos comerciales y los puramente creativos. Por otra parte, ser un diseñador excepcional no es suficiente… es necesario tener la capacidad de tomar decisiones de gestión acertadas, con todo lo que conlleva de conocimiento empresarial. Hay muchos factores que influyen, desde el “músculo financiero” hasta encontrar los

canales de distribución adecuados, saber construir relaciones con los clientes, la capacidad para comunicar de forma efectiva la propuesta de valor… y, como en todo en esta vida, una pizca de suerte. LK.- Es posible, aunque muy difícil. No olvidemos que no es tan fácil vivir del Arte... como en cualquier profesión, hay que encontrar el camino y las oportunidades en el mercado que luego permitan vivir de su labor. Algún consejo para nuevos

diseñadores. JFA.- No me gusta demasiado dar consejos, pero yo incidiría en lo siguiente: formación, humildad, perseverancia. Sumando a esto espíritu de superación, tenemos una base sobre la que siempre es posible crecer. En la AJA hay muchos profesionales, y se puede aprender algo con cada uno de ellos. Todo un lujo al alcance de los que quieran aprovecharlo. LK.- Ser un artista constante y perseverante. Saber crear y

producir, tener la paciencia y constancia creativa, aplicando y ampliando los conocimientos técnicos. En fin, saber que el diseñador es un ser privilegiado, que no debe ceder ante ninguna circunstancia. José Francisco, Liane, muy agradecido por vuestro tiempo y cercanía. Espero que podamos volver a coincidir en algún evento, disfrutar de vuestras creaciones, y conocer un poco más al artista que lleváis dentro.

Web: www.joyasdeautor.org.es Facebook: https://www.facebook.com/asociacionjoyas.deautor/https://www.facebook.com/ asociacionjoyas.deautor/ https://www.facebook.com/asociacionjoyas.deautor/ https://www.facebook.com/asociacionjoyas.deautor/

CINE ESPAÑOL DE TODOS LOS TIEMPOS Dorian

uando se habla de cine español muchas veces y para algunas personas, parece que empezó en los años 90, dejando atrás una época donde el cine español también existía, donde había actores y actrices de la talla de Gracita Morales, que hacía dos y tres pelis por año, por ejemplo. O directores como Mariano Ozores, que en pleno rodaje ya estaba escribiendo el guion de la siguiente. Era una época de mucho talento y se hacía un cine que el público pedía y se abarrotaban los cines mucho más que ahora para ver, por ejemplo, a don Paco Martínez Soria estrenar una de sus comedias. En el caso de Martínez Soria, llegó a ser toda una estrella interpretando a personajes tan dispares como vestirse de mujer para La Tía de Carlos (1982) o hacer del “cateto” que venía a la gran ciudad para dar una lección a todos sus hijos en Abuelo Made In Spain (1969).

instantes de aquella España tan gris, un pueblo en plena guerra que acudía al cine para poder olvidar por unos minutos sus penas al ver a estas mujeres que llenaban la pantalla con su belleza y sus canciones, eran películas muy humildes con un argumento casi siempre parecido, pero que el público agradecía aquellos momentos de gloria en que soñaban con salir de aquel cuadro gris y oscuro que era la guerra y pertenecer a aquel mundo de color y alegría que se les presentaba en aquella Pero antes que ellos estuvieron actrices que no eran actrices en sí, eran cantantes de copla que en los años 30, 40 y 50 se hicieron muy populares, actrices de la talla de Estrellita Castro con la película Suspiros de España (1938), Imperio Argentina en Carmen la de Triana (1940), o Juana Reina en Lola la Piconera (1951), entre otras, no eran grandes actrices de la pantalla, claro que no, pero sí tenían el talento suficiente para hacer que el pueblo se olvidara por unos inmensa pantalla de aquellos cines de los pueblos donde la gente aplaudía como en un teatro al ver a sus ídolos. Dejando atrás aquella época tan oscura llegaron los años 60-70 y con ellos Mariano Ozores, el rey Midas de aquellos años, no había actor o actriz que no quisiera trabajar con él porque sabían que Mariano era símbolo de éxito. Entre sus muchas películas (más de 100) se pueden incluir auténticos éxitos de taquilla como por ejemplo Dos

sas películas, sobre todo en la época del Destape, cintas con mucho éxito pero con muy baja calidad artística. Todavía queda mucho cine por recordar, actores y actrices de los que seguramente se podría escribir mucho más, esto es solo un pequeño repaso por la historia de una parte de nuestra cultura española. Queda demostrado que nuestro cine español ha pasado por muchas épocas también muy buenas y de mucho talento, a veces más acertado que otras, casi siempre con poco dinero pero con mucho ingenio y con el único propósito de que el público, ese público que paga una entrada y se sienta en su butaca frente a la gran pantalla lo pásese bien. Chicas de Revista (1972) con Lina Morgan o Venta por Pisos (1971) con Rafaela Aparicio o Florinda Chico entre otras. Era un cine muy comercial con un argumento simple y unas expresiones muy de andar por casa donde su mayor objetivo era sacar una sonrisa al público y aquellas películas lo conseguían. A finales de los 70 y principio de los 80 con la llegada de la Transición en España corrían vientos de libertad y progreso, a pesar de que el dictador todavía tenía la sartén por el mango. Llego una moda en el cine llamada “el Destape” un género donde casi siempre había una actriz que enseñaba alguna parte íntima de su cuerpo, no importaba si el guión era malo o bueno o si venía a cuento o no desnu-

darse, el caso era hacerlo. Y si hay una pareja experta en este género ellos son sin duda Andrés Pajares y Fernando Esteso con películas como Los Bingueros (1979) o El Liguero Mágico (1980) entre otras. Nadiuska también fue mito erótico del cine español, una modelo alemana que llegó a España a principio de los 70 participando en numero-

Que no solo podemos denominar cine de calidad al que se hace en nuestros tiempos, antes también hubo cine español de calidad, a su manera, con los medios que habían pero no dejan de ser unas películas con unos directores y unos actores que ponían toda la ilusión y todo el entusiasmo en hacer cine, cine español.

Aventuras y desventuras de estar soltera en Madrid. Una carga o una fuente de diversi贸n; seg煤n como se mire, y con quien quedemos.

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ERIKA LUST PORNOGRAFÍA ÉTICA Y FEMINISTA Valeria Pedrosa Arana

urante años, numerosos colectivos feministas se han posicionado fervientemente en contra de la pornografía. En sus discursos, se atacaba a la representación de la mujer como simple objeto pasivo al servicio de la mirada y del placer masculinos. Lo cual no deja de ser cierto: la pornografía mainstream posee un alto contenido patriarcal, al que, además, debemos añadirle unos cánones (tanto masculinos como femeninos) que poca relación tienen con un tanto por ciento de la población muy elevado (lo cual, no deja de formar parte del propio sistema patriarcal). Por tanto, es más que comprensible que dichos colectivos protesten ante estos imaginarios creados para un público, en el fondo, limitado.

Sin embargo, existen otras respuestas que han brotado con fuerza y que han utilizado el lenguaje pornográfico para combatirlo. Uno de los ejemplos más destacables es el de la directora Erika Lust (1977), nacida en Suecia y afincada en Barcelona y cuyos objetivos son claros y rotundos, tal y como se aprecia en una entrevista realizada por Vanity Fair: “No me gusta cómo los jóvenes crecen y usan la pornografía; no es sólo una herramienta de placer sino educativa. Y política. La pornografía es un discurso. Habla sobre sexualidad, feminidad, sobre roles… Eso es tan importante que quería dar mi visión alternativa. No quiero que sea Nacho Vidal quien explique a mis hijas qué es el sexo.”

Está licenciada en Ciencias Políticas y autora de cuatro libros, además de numerosos premios cinematográficos, posee un mensaje rotundo: lo íntimo también es político. A partir de sus películas, en las que la mujer se torna protagonista, Lust cuestiona los roles,

No quiero que sea Nacho Vidal quien explique a mis hijas qué es el sexo. la normativización del placer; muestra otro tipo de deseo que pretende convivir con Nacho Vidal.

En su obra, los actores se encuentran lejos de parecer actrices y actores porno convencionales, lejos de aquellos patrones que emanaban pornografía. Guion, escenario, vestuario, maquillaje, casting… todo está escrupulosamente estudiado. Los mencionados actores se encuentran lejos del ambiente característico de la industria pornográfica. “Cuando nosotros rodamos hay un ambiente muy bonito de grabación, no es esa típica sensación -por lo que me han contado muchas actrices- de un mundo de hombres, donde productores y directores incluso invitan a sus amigos para ver a las chicas, o se promueve el uso de fármacos para asegurar la erección o potenciar la eyaculación”, tal y como afirmó Erika Lust en una entrevista para El País.

Su último proyecto, XConfessions, visibiliza las fantasías sexuales que mujeres anónimas le hacen llegar a la directora. De entre todas las recibidas, Lust selecciona aquellas que le resultan más inspiradoras para, seguidamente, convertirlas en películas. Tal y como confiesa en la página web La voz de Gina: “Surgió porque la gente siempre me escribe contando sus fanta-

sías para que las convierta en películas, y al final dije: ¡vamos a montar una plataforma para esto! Hay más de 20.000 usuarios registrados, cerca de 1.000 confesiones escritas, 20 ya están rodadas… Está gustando mucho a todos/as!” En definitiva, podemos afirmar que, más allá de la decisión de consumir o no pornografía, de los reparos morales que

cada individuo pueda tener al respecto o de las preferencias fílmicas, lo que no nos cabe la menor duda es que el cine de Erika Lust surgió como una necesidad de satisfacer a un público que no había sido escuchado dentro de la industria pornográfica: la voz femenina, pero también la de muchos hombres que anhelaban otro tipo de representación del placer y la sexualidad.

Juanka Casas www.juankacasas.com

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TREVOR ELLIS, EN BUSCA DE LAS EMOCIONES “Realmente no tengo un estilo favorito, pero me decanto por imágenes que cuenten una historia, que capturen una emoción, elegancia, belleza, que sean poderosas” Deborah P. Gómez

TREVOR ELLIS, SEEKING TO CAPTURE AN EMOTION “I don’t really have a favourite style, but I do favour images that either tell a story, capture an emotion, elegance, beauty or are powerful.” Deborah P. Gómez

elancolía, esperanza, desasosiego, pasión, venganza… Trevor Ellis lleva más de cuarenta años inmortalizando las emociones humanas con su inseparable cámara, mostrándole al mundo historias que deben ser contadas. Nacido en la localidad inglesa Coventry, pronto se vio obligado a moverse a un pueblecito llamado Nuneaton, dónde creció y atendió a la escuela. Fue precisamente durante este periodo cuando desarrolló su amor por el campo y las granjas y sin saber cómo, había pasado los siguientes veintiocho años con un tractor antes de convertirse en técnico informático, a lo que actualmente se dedica, a raíz de una lesión en la espalda. Cuéntanos, Trevor, ¿cómo empezaste en esta aventura? Fue unos cuantos años después de dejar la escuela y estaba ganando dinero, así que compré mi primera SLR, que era una Canon TLB. Era completamente manual y me funcionaba bien hasta que más tarde, me pasé a la Canon AE1 (que aún conservo). Fue entonces cuando empecé a interesarme más por la fotografía como una forma de producir imágenes estéticamente agradables y, aunque todavía disparo color y transparencia, también empecé a explorar el blanco y negro y convertí mi habitación en un cuarto oscuro, desarrollando mis propias impresiones. Este sendero me llevó a más lentes y al zoom de 35mm 100-200mm, todos ellos accesorios que fue-

ron añadidos a mi kit básico de 50mm. Fue durante este tiempo cuando publiqué por primera vez, fue en Amateur Photographer con una foto en blanco y negro. En 1980 me casé y en 1982 nació nuestro primer hijo. Con los gastos de mantener una familia, la fotografía pasó a un segundo plano excepto para inmortalizar las vacaciones familiares, y algunas de ellas nunca fueron procesadas porque simplemente no podía permitírmelo.

¿Y cuál fue esa primera cámara que te acompañó? Supongo que fue durante el final de los sesenta, a la edad de trece años cayó en mis manos una Kodak Instamatic, la que disfruté mayormente con impresiones en color antes de pasarme a las trasparencias. Todo artista trata de buscar un estilo propio que le defina. ¿Cuál dirías que es tu estilo favorito? Realmente no tengo un estilo favorito, pero me decanto

elancholy, hope, restlessness, passion, revenge... Trevor Ellis has spent more than forty years immortalizing human emotions with his inseparable camera, showing stories that must be told. He was born in Coventry and moved soon to the small town of Nuneaton, where he grew up and attended school. It was during this period when he developed a love of the countryside and farming and

eventually, he had spent the next 28 years working as a tractor driver, but he became an IT technician due to a back injury. Tell me Trevor, how did you start this adventure? It was a few years later after I had left school and was earning, that I purchased my first SLR which was a Canon TLB. This was completely manual and served me well until I la-

ter upgraded to a Canon AE1 (which I still have). It was then that I started to become more interested in Photography as a way of producing aesthetically pleasing images and although I still shot colour and transparency I also started to explore black and White and turned my bedroom into a dark room, developing my own prints. This path also led me to add more lenses and a 35mm 100200mm zoom were added to the basic 50mm kit. It was

plo es mi sesión más reciente, que quería inspirarla en el show Alegría del Circo del Sol. Otros ejemplos están basados en pinturas que he visto y admirado, o en el trabajo de otros fotógrafos. ¿Qué tipo de modelos prefieres delante de tu objetivo?

por imágenes que cuenten una historia, que capturen una emoción, elegancia, belleza, que sean poderosas. Puede ser un paisaje, personas, una naturaleza muerta o algo abstracto. ¿Dirías que te decantas por la luz natural o la artificial para tus obras? Creo que todas las formas de luz tienen ciertas propiedades pero creo que la luz natural, cuando es la correcta, será siempre mi favorita y si estoy haciendo fotos en un edificio

bien iluminado o en exteriores, no necesito ninguna fuente de luz. Sin embargo, en el estudio uso luz artificial, aunque la manipulo con unas hojas de papel para hacer las imágenes más impresionantes y tener un mayor control sobre la situación general. Sea cual sea la luz disponible, al final se trata de hacer la foto. ¿Dónde encuentras la inspiración? En la música, el arte, o simplemente del entorno en el que estoy trabajando. Un ejem-

He trabajado con modelos tanto profesionales como amateurs e incluso que no eran modelos y creo que, si no tienes conexión con la que persona que está delante de tu objetivo, la sesión no funciona. Si trabajas con una profesional, no son necesarias demasiadas indicaciones ya que sabe exactamente cómo hacer su trabajo, cómo modelar sus manos, e incluso aporta ideas para mejorar la sesión. Así que si estoy buscando una temática específica, por lo general trabajo con una profesional y la elección depende de quién encaje mejor en la idea que tengo en mente. Otra cosa es si quiero probar una idea de iluminación o algo así, entonces puedo trabajar con una amateur. Por lo general busco cosas normales en una modelo, si es fácil tratar con ella, si nos entendemos, qué niveles están dispuestas a trabajar, si son versátiles o tienen otras habilidades, como la danza o la actuación… También busco que hagan la sesión divertida. Cuéntanos algún hobby inconfesable… Cuando no estoy haciendo fotos o retocando, me gusta bailar con mi mujer. Pasamos unas tres horas a la semana practicando y aprendiendo

of Photography? I don’t really have a favourite style, but I do favour images that either tell a story, capture an emotion, elegance, beauty or are powerful. These can be landscape, people, still life or indeed abstract. Do you prefer working with natural or artificial lightning? I think all forms of light have certain properties but I think natural light when it’s right will always be a favourite and if shooting in a well-lit building or location then there is no need for any other source. In the studio though artificial light does give a blank sheet of paper on which the lighting can be manipulated to produce stunning images with more control over the overall picture. Which ever lighting is available it is about producing that one shot in the camera. How do you get inspired?

also during this time I had my first Publication in Amateur Photographer with a Black and White image. In 1980 I married and 1982 our first child was born. With the expense of supporting a family photography took a back seat except for taking the odd holiday pictures some of which never got processed because we simply couldn’t afford it.

And which camera was your first? I suppose it was during the late 60’s I was presented with a Kodak Instamatic with which, at the age of 13. I enjoyed shooting mainly color prints before later transferring to shooting transparency. What is your favourite style

I gather my inspiration from music, the arts, or just the surroundings I happen to be working in. An example is my most recent shoot I based on the Cirque Du Soleil show Alegría, where I put the outfits and styling together. Other examples may be based on paintings I have seen and admire, or work from other photographers. Having got the theme then the creativity and developing the idea begins. How do you choose your models? I have worked with both, professional, amateur and

que me transmita cada imagen. Algunas necesitan muy poco retoque mientras que otras evocan un sentimiento de nostalgia que requiere una apariencia vintage o procesarlas como si fueran un cuadro. ¿Algún reconocimiento a tu obra que quieras compartir con nosotros? Me enorgulleció enormemente ser galardonado por una imagen en la página Purpleport. Pero el año pasado también me uní al “Guild of Photographers” (gremio de fotógrafos) dónde gané el bronce a la fotografía del mes y era la primera vez que participaba. Desde entonces, he obtenido otros premios bronce, así que ahora estoy en busca del Plata o el Oro, así como tener un portfolio que gane la calificación del gremio.

nuevas rutinas y pasos de Ballroom y latino, e incluso bailamos en competiciones a lo largo del país. Fotógrafo y bailarín. Háblame de los artistas que te han inspirado a lo largo de tu carrera. Soy bastante abierto de mente en cuanto al arte se refiere y me gustan desde Constable hasta Picasso. Pero también admiro la obra de Jack Vettriano, y obras más alternativas como Banksy. En el mundo de la fotografía, Bailey, Litchfield, Parkinson y Man Ray siempre han destacado para mí. En el mundo del baile, Vin cent Simone y Flavia Cacace siempre me han inspirado con sus

Háblame de tus herramientas de trabajo…

Has mencionado que te gustaba lo vintage. ¿Te consideras amante de la fotografía de la vieja escuela o eres más bien de aquellos que prefieren las ventajas que otorga la fotografía digital?

Uso un ordenador estándar con Photoshop CS6, además de Bridge y Adobe Raw. Con eso hago unos efectos perfectos y ocasionalmente uso Imagenomic Portraiture. Sin embargo, la fase de post producción sigue siendo mi punto débil, siempre estoy buscando otras formas de hacerlo, nuevas técnicas para mejorar la manera en la que hago las cosas. Me gusta conservar la imagen en la cámara y alterarla o jugar con las texturas, el balance de color, etc. dependiendo de la sensación

Aunque ahora hago digital, prefiero lo analógico. Disparar en un carrete era táctil, podía sentir la textura de la película y manejar los negativos después de haberlos procesado. También es cierto que estabas limitado a cuantas fotografías podías hacer y tenías que pensar mucho más en la composición, exposición etc. Si no estaba todo planificado y la foto no era buena, definitivamente habías perdido un disparo. Con el digital la oportunidad de tomar cientos de imáge-

habilidades y su estilo tan cuidado.

non-models and have found if you don’t make a connection with the person then the shots don’t happen. If working with a professional little direction is needed as they know what makes them look good and how to shape and pose the hands as well inputting their ideas on how a shot can be improved. So if I am looking for a specific theme then I will generally work with a professional and the choice will depend on who I think will best fit the idea. If I want to perhaps to test a lighting idea then I may work with an amateur but the main things I look for, are they easy to talk to and are we going to get on with each other? What levels are they prepared to work to? Are they versatile and have any other skills such as dance or acting? Most of all I like to make a shoot fun and enjoyable. Any hobby, apart from pho-

tography? When not shooting or re-touching dance plays a large part, with my wife as partner we spend 3hrs a week practising and learning new ballroom and Latin routines, which we dance in competitions around the country. Photographer and dancer. Which artist most influenced you? I am fairly broad minded on the subject of art and like Constable – Picasso. But I do admire the work of Jack Vettriano as a modern day artist as well as Banksy. In the world of Photography Bailey, Litchfield, Parkinson and Man Ray have always stood out for me. In the world of dance Vincent Simone and Flavia Cacace have always inspired with their Skill and sheer brilliance.

Tell me about the software you are using to process your pictures… I run a standard PC with Photoshop CS6 and use Bridge and Adobe Raw. I do have perfect effects and Imagenomic Portraiture as add on which I do occasionally use. However the post processing area is possibly where I feel weakest and am constantly looking at other ways and techniques to improve how I do things. I still like to get the shot in the camera first and may alter or play with textures, color balance etc. depending on the feel I may get from an image. Some images need very little doing to them whilst others may invoke a feel that requires to appear vintage or as a painting. Have

you

received

any

award for your achievements? I was extremely excited to be awarded and FPI for an image on the Purpleport networking site. But last year also joined the Guild of Photographers where I was awarded a bronze for an image in my first submission for the image of the month. Since then I have had other bronze awards but am now looking for a Silver or Gold as well as entering a portfolio to gain a guild qualification. You mentioned you like vin-

tage pictures. Do you prefer the â&#x20AC;&#x153;old school photographyâ&#x20AC;? or the digital era? Although I now shoot digital, I preferred analogue. Shooting on film was tactile, you could touch the film and handle the negatives after you had processed them. Also you were limited to how many shots could taken and so more thought had to be given to composition, exposure etc. and if it wasnâ&#x20AC;&#x2122;t right then the shot was effectively lost. With Digital the opportunity to take hundreds of shots and

hope one will be correct is now possible and I am sometimes guilty along with many others of exploiting this, although during a shoot this can vary from ten to 100. Shooting in Raw gives me the control of how the image should look, instead of the camera deciding when shooting in Jpeg. The birth of digital has also flooded the markets and with the internet, millions of images are available, which has devalued photography to large degree. If you would have the chance to take some pictures in any time bygone in the his-

nes y esperar que tan solo una sea buena, es ahora posible y tal vez sea culpable, junto con muchos otros, de haber explotado esta ventaja. El digital te permite cosas como que si disparas en JPG, la propia cámara decide cómo debería ser la imagen, a pesar de que en RAW tienes el control para hacerla correctamente. El nacimiento del digital también ha inundado los mercados e Internet con millones de imágenes disponibles que han devaluado la fotografía en gran grado. Supongamos que después de esta entrevista, puedes montarte en tu máquina del tiempo y tomar algunas instantáneas de recuerdo. ¿A dónde irías? Habría dos posibilidades: época Victoriana o Isabelina. Creo que iría a la victoriana ya que era una época en la que la vida sufrió muchísimos cambios con la Revolución Industrial con el desarrollo del ferrocarril, la fotografía y otros inventos, hubieran sido tiempos excitantes.

tory, when it would be? There would be a choice of two. Elizabethan or Victorian. I think I would go for the Victorian as this was the era in which lives were changing with the Industrial Revolution developing and development of the railways, photography and other innovations would have been exciting times. Your readers can find out more about me: http://purpleport.com/portfolio/dancecrazy/?referrer=dancecrazy https://500px.com/trevorellis http://www.facebook.com/tmephotograpy/

UN FOTÓGRAFO ENTRE LAS SOMBRAS Entrevista a Juan Carlos Casas San Nicolás,

autor de

El lado oscuro de las sombras Deborah P. Gómez

acido en Olten (Suiza), un 12 de diciembre de 1964, este fotógrafo catalán que de niño robaba la cámara a su padre para poder capturar sombras a escondidas, acaba de publicar su primer libro de fotografías, El lado oscuro de las sombras, en el que nos muestra 35 imágenes en blanco y negro acompañados de frases de artistas célebres, cargadas de significado. Esta obra muestra la evolución personal y fotográfica del artista durante dos años de duro trabajo, que comenzó con una ex-

posición fotográfica en Manresa y culminó finalmente en esta obra visual. Juanka –como le conocen los más allegados- estudió Edición de Imagen y Fotografía, y sigue estudiando y mejorando cada día en todo lo que está relacionado con este campo, aunque reconoce que le gustaría adentrase en el mundo del vídeo. Recibió su primera cámara cuando hizo la comunión y desde entonces, no ha dejado de fotografiar todo aquello que tiene a su alrededor: una calle solitaria, personas anónimas con las que se cruzaba cada día

y que, de repente, se han convertido en absolutos protagonistas de esta obra, una mano que sostiene un café, una guitarra, la noche, y por supuesto, las sombras. Y aquel niño inquieto se convirtió en fotógrafo… ¿Por qué? Es una forma de dejar constancia de toda mi vida y, de una forma personal, ver otros acontecimientos a mi manera. La mayoría de tus obras son en blanco y negro. ¿Sientes algún tipo de predilección por esta gama cromática? Creo que la fotogra-

fía en blanco y negro tiene mucha más fuerza, llega más a la sensibilidad del espectador; también es más complicada, quiero decir que una imagen muy colorida normalmente llama más la atención que una en blanco y ne-

gro, tienes que jugar con esa ausencia, o con esa ventaja. A mí, sin lugar a dudas, me encanta la fotografía en blanco y negro. Háblame de la obra que acabas de publicar. ¿Cómo surge

El lado oscuro de las sombras? Surge de casualidad, tras hacer varias exposiciones, ver que tenían una buena aceptación me hizo replantearme por qué no podía incluirlo en un libro y unir frases

de autores célebres, explicar lo que me transmiten con alguna cita famosa. ¿Cuál dirías que es tu “sombra” favorita? Fotográficamente hablando, mi sombra fa-

Quien compra lo superfluo no tardará en verse obligado a vender lo necesario. Benjamin Franklin (1706-1790)

vorita es la que ilustra la portada del libro, una escena en pleno caos y tumulto de personas andando de aquí para allá. Creo que refleja bien el ir y venir de la ciudad y nuestras vidas, que viene acompañada de una frase de Benjamin Franklin.

No puedo olvidar las tres imágenes en las que aparecen cada uno de mis hijos y la persona que siempre ha estado a mi lado: uno es un retrato de mi hijo pequeño acompañado de una frase de Charles Chaplin, la otra un detalle de las manos de mi hijo mayor to-

cando la guitarra con una frase de Kurt Cobain, y la última, un detalle de la mano de mi mujer tomando café con una frase de Joan Manuel Serrat. ¿Qué criterio seguiste para escoger las frases?

“Sé tú, e intenta ser feliz, pero sobre todo, sé tú”. Charles Chaplin (1889 –1977)

ce. ¿Podrías contarnos alguna? Anécdotas siempre hay, fotos que salen espontaneas el día que sólo llevas la cámara por llevar, como la que te he contado antes del café de mi mujer, esa foto para nada estaba prevista ni tenía que existir; ir a un bar, tomar un café y en un momento concreto, ves la luz y la sombra que incide sobre la mano, y una de las mejores fotos del libro, esta allí sin que nadie lo preparara. ¿Qué cámara has utilizado? En casi todas mi fotos utilizo siempre una Canon 6d o la 60d. ¿Crees que fotógrafo es cualquiera que tiene una cámara en su Smartphone?

Realmente no sé si escogí las frases o éstas aparecieron porque ya formaban parte de la imagen. Algunas frases ya las conocía con anterioridad de autores que había leído, o formaban parte de la banda sonora de mi vida, y el resto fueron apareciendo poco a

poco, o bien leyendo, o buscando en internet frases que expresaran lo que me inspiraba la fotografía. Seguro que se esconden cientos de historias detrás de cada fotografía, anécdotas que solo su autor cono-

Eso es lo que tristemente se cree mucha gente, igual también que no por tener una cámara réflex, eres fotógrafo. Hay mucho aprendizaje detrás, muchas horas, y aun así sigues aprendiendo cada día, eso no quita que haya grandes fotos realizadas con Smartphone.

De vez en cuando la vida toma conmigo cafĂŠ y esta tan bonita que da gusto verla. Joan Manuel Serrat (1943-?)

La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor. Kurt Cobain (1967-1994) ¿Qué hace para ti una buena fotografía? Te tiene que mover algo, hacerte sentir, no creo que haya fotografía buena o mala, hay fotografías que llegan o no llegan, y esa para mí es una

buena fotografía. Cierto es que hay unas ciertas normas, pero hay infinidad de grandes imágenes que no siguen ninguna de ellas. Las normas hay que romperlas y si con ello logras hacer que alguien sienta algo al ver esa imagen, has

conseguido hacer una buena fotografía. ¿Qué te ayuda a inspirarte? Al ser una persona inconformista y muy autoexigente, creo que esto hace que siem-

mente? Tengo varios proyectos iniciados, uno de retratos sin gran preparación, la mirada, la expresión de cualquier ser anónimo. Y uno más reivindicativo sobre la libertad del amor en parejas del mismo sexo, creo que es fundamental respetar y aceptar cualquier tipo de amor, ya es difícil encontrar a la persona que realmente llene tu vida, como que aun tengamos que ponerle condicionantes a religión, sexo, raza, etc. Y la pregunta clave de nuestras entrevistas… Si pudieras coger una máquina del tiempo para fotografiar el momento de la historia que tú quisieras, ¿dónde viajarías? Siempre me han gustado las fotos que significan algo, las que reivindican o simplemente los hechos que han marcado la historia y creo que coincidiendo en el tiempo, hubiera sido genial poder haber plasmado el famosos mayo parisino del 68, el festival de Woodstock o la Revolución de los claveles en Portugal. Puedes encontrar su obra en: Amazon: https://www.amazon.es/El-ladooscuro-las-sombras-ebook/dp/ B01F0CL222/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1463969770&sr=8-1&keywords=el+lado+oscuro+de+las+sombras pre este en constante creación, eso hace tener muchos trabajos iniciados que poco a poco van viendo su final. ¿Prefieres la noche o la luz del día?

La luz de la noche sin lugar a dudas, aunque el día puede ofrecer unos contrastes magníficos. La noche tiene un misterio y un encanto especial. ¿Algún otro proyecto en

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Viviam Kerr Mañana será otro día

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ASÍ DE SENCILLO Marta Aubà Salvadó

Las ocasiones, esas que se sostienen por hilos diáfanos, buscan el momento oportuno para mostrarse a ojos ciegos que no saben apreciar la sutileza, el encanto y el hechizo de un simple gesto, una mirada perdida, aquella canción que suena sin pedirlo, y el beso que se regala. Y cuando esto ocurre, cuando esto sucede, por un instante el mundo se detiene y emerge la magia. Así de sencillo.

Se bebe el océano a los muertos Fernando Luis Pérez Poza Libro: El ojo abierto de la luz

Se bebe el océano a los muertos, uno a uno, como negros caramelos de miseria; vacía en su estómago la cal de los huesos que aún no ha sido capaz de robar el hambre, y a nadie le resulta extraña su larga digestión desmemoriada, su empacho de tiburón caníbal, el fúnebre obrar de su intestino cuando devuelve a la playa el residuo más mudo del silencio.

Se bebe el océano a los muertos, los tritura con saña en su corazón de sal, los mastica con dientes de gigante y los reboza en bilis inhumana.

¿Quién cerró con llave el horizonte? ¿Quién tejió la horca de las olas? ¿Quién empujó a la mar el cayuco o la patera?

Se bebe el océano a los muertos y aquí seguimos todos, empeñados en coser fronteras de alambre, cavar tumbas sin lápida y negar el paso a la madrugada.

Y nadie dice nada. Y nadie sabe nada. Y nadie siente nada. Y lo que es peor: Nadie hace nada.

Retrato a Miguel Hernández, de Antonio Buero Vallejo.

Producto de un compañerismo en la prisión de Santander Guerson Torres Maqueda

ace algunos meses, redacté los textos de “Literatura aprisionada I y II” publicados en esta revista; y con la indagación que me llevaron a hacer los anteriormente citados artículos, destapé una caja de pandora que no creo nunca poder vaciar. Topé con cientos de casos de libros, pinturas, investigaciones, descubrimientos mismos, esculturas y demás, hechas al interior de las mazmorras que involucra ser un reo de prisión. Y ahora retomo una especia de metamórfica “Literatura aprisionada III” pero con un subtema, por decirle de alguna manera, algo como “Literatura aprisionada 3.1”. La historia del retrato de Miguel Hernández, obra dibujada en una presión de Santander. Antonio Buero Vallejo, letrado artista de las hojas y la brocha, nacido en Guadalajara, España, en 1916. Segundo hijo de

un matrimonio compuesto por un docente de Cálculo en la Academia de Ingenieros de Guadalajara, y María Cruz, su madre. Los reflectores se volcaron encima de Buero Vallejo, principalmente cuando lanzó “Historia de una escalera” al mercado. Este texto lo consagró, e impulsó a Buero para conseguir el premio Lope de Vega, entre otros varios más; otorgados por reconocidas Academias españolas analíticas de la literatura. Sin embargo, otro ámbito que también le regaló fama entre los críticos del arte, fue aquel retrato que le dibujó al ex comandante ferroviario, Narciso Julián Sanz. Conocido como “Retrato a Miguel Hernández”, fue una excelsa recreación a lápiz sobre una amarillenta hoja vieja, de Narciso Julián Sanz, que pidió él mismo para enviársela a su familia, y así sus hijos, confor-

me crecieran, no olvidarían el rostro de quien fue su padre, pues recalcando; ambos estaban condenados en la cárcel. Regresando a la vida de Buero Vallejo, vivió toda su infancia en La Alcarria, con un breve lapso radicado en Marruecos. Gracias a la profesión de su padre, Vallejo desde temprana edad, le tomó gran admiración a la biblioteca casera que poseía su progenitor. Adquirió amor a la lectura, la música, el teatro. A los 4 años le descubrieron una importante pasión hacia el dibujo, que años después lo inmortalizaría. A los 9 años, en su colegio, comenzó a dirigir varias obras de teatro con marionetas. Su papá constantemente lo llevaba a recintos teatrales para que viera las representaciones que se exponían. En 1932 recibió un premio literario para alumnos de enseñanzas, por su narración “El

que puedo mi palabra, que no puedo ir de carne y hueso, iré de lápiz, o sea, dibujado por mi compañero de fatigas. Como verás, bastante bien, se lo enseñarás al niño todos los días para que vaya conociéndome, y así, no me extrañará cuando me vea”.

único hombre”. En su juventud comenzó a escribir un libro de confesiones, pero al borde de terminarlo, la destruyó. En 1934, en el marco de la mudanza de su familia a Madrid, Buero ingresó a la Escuela de Bellas Artes de San Francisco. Al inicio de la Guerra Civil, Buero Vallejo quiso alistarse como voluntario al ejército, pero su padre, quien también fue militar, lo impidió. En 1937 se incorporó a un batallón de infantería, colaborando con dibujos y algunos escritos en “La Voz de la Sanidad”. Al finalizar la guerra, Buero estaba en la Jefatura de Sanidad de Valencia, pero se le permitiría volver a su residencia, con el condicionamiento de presentarse a las autoridades, la cual, por cierto, no la acató. Comenzó a trabajar en la reorganización del Partido Comunista, de donde se alejaría años después. Entre mayo y agosto de 1939, se le detuvo y condenó a muerte, por el cargo de adhe-

sión a la rebelión. Luego de ocho meses, se le conmutó la pena por una de treinta años. Sufrió de diversos traslados entre cárcel y cárcel, y en la de Torrijos, Santander, coincidiría con Narciso Julián Sanz, a quien le pintaría el mítico retrato de Miguel Hernández. Del ex comandante Julián, se conoce poco. Algunos libros del Partido Comunista lo señalan como un enlace entre la dirección del PCE en el exilio, y los militantes en España. Se le reconoce, eso sí, como una leyenda viviente de la comandancia de milicias ferroviarias comunistas. También se puede citar que la agrupación del partido en Alicante, lleva su nombre. Como se dijo con anterioridad, Hernández tenía un presunto temor a que sus hijos crecieran sin conocerle, por ello, solicitó a su compañero de celda, le retratara para mandársela a su esposa, Josefina. Acompañó al arrugado papiro, algunas líneas que redactaban “No quiero dejar de cumplir en lo

No fue la única labor de este tipo que hizo Buero Vallejo, sino todo lo contrario, escribió y pintó diversos retratos de sus compañeros en la prisión, de hecho constantemente lo hacía. Vallejo en su momento se obtuvo la libertad condicional, y a pesar de ello, seguía visitando a sus ex compañeros de cárcel. Un par de años después, lanzaría otra de sus cúspides artísticas como lo fue “Historia de una escalera”. En un intervalo como el ya dicho, parió sus dos grandes pródigas que lo glorifican en la historia del arte, la literatura y pintura. Si bien ya quedó claro cuáles fueron sus dos más grandes obras, la extensa colección de autorías de Antonio Buero Vallejo va muchísimo más allá. “La ardiente oscuridad”, fue el primer drama que escribió; posteriormente se le sumó “Historia despiadada”, “Otro juicio de Salomón”. “Las Palabras en la arena” es otro título de su autoría, por ejemplo. “La tejedora de sueños”, “La señal que se espera”, “Casi un cuento de hadas”, “Madrugada”, “Irene o el tesoro”, “Hoy es fiesta”, “Un soñador para un pueblo”, fueron obras que publicó en los 50’s.

En la piel de la Memoria Jeremías Vergara. Te vi parada con tantos golpes más allá de la piel, muy joven en tanta vejez caminando en círculos junto al dolor de un reloj con agujas de otros rostros que no encuentran respuesta. Tan Hermosa siempre en el recuerdo de una fotografía siendo tu ausencia, naciendo - muriendo en tus labios cuando sonríes besando mi nombre. No pares tú me sostienes en tanta evanescencia como a muchos junto a la suela con el asfalto rojo de sangre en tanta búsqueda. Te siento cerca, en la lejanía cuando acaricias el papel latente de las cuentas de tu corazón que inspiró la lucha contra el silencio. Siempre supiste que, donde me encontraras, estaría esperándote junto al grito de justicia que no se dejara torcer ni olvidar tampoco callar. Si hubieran preguntado a qué temía… habría dicho: a ver a mi madre sufrir. Si la historia de los hombres diera nombre hasta el último de los días yo lo llamaría: el duelo que nunca acabó o la argentina de las infinitas lágrimas. Cuántas flores fueron arrancadas, mamá por el ejercicio del poder pero cuántas gracias a tu lucha volvieron a florecer en el polen de la memoria.

Los sueños como fuente de inspiración

Victor Montero

os sueños han sido una tenaz fuente de inspiración en la literatura universal. En su obra La vida es sueño, Calderón de la Barca hace que sus personajes se pregunten constantemente si lo que viven, aún siendo lo más intenso de todo lo posible, es un sueño o es la realidad, y si esta realidad podría, en todo caso, ser un sueño. Existen miles de ejemplos de relatos que a vista de águila podrían ser productos de los sueños. “Volvía del trabajo, al anochecer, cansado, casi enfebrecido, cuando se me ocurrió que me gustaría ser un animalillo silvestre, que sabría administrar esa vida simple, limpia de la confusión y el alboroto de las preocupaciones, que podría acomodar con facilidad mi conciencia a ese estado ideal. Como una bendición, alguien, lejos de

escamotear mi deseo, me dio la forma de una criatura peluda y diminuta y me soltó en el bosque. Era, como vi después, una vida descorazonadora: no sentía interés por otra cosa que no fuera acarrear alimentos, avariciosa e infati-

gablemente, hasta mi agujero al pie del tronco de un árbol podrido; los límites de cada territorio desencadenaban continuos litigios entre los habitantes de la fronda; las voces de los pájaros me ensordecían; los parásitos habían

invadido mi pelambre; los apareamientos resultaban tan gravosos como los espulgos; y mis ojos revolaban de pánico en sus órbitas cada vez que presentía a los rapaces. Aquel desconsuelo, por fortuna, no duró demasiado. Un día se acercó con sigilo un trozo de oscuridad y, aunque husmeé su hedor a distancia y oí luego las pisadas y los furiosos ladridos, apenas tuve

tiempo de entrever sus dientes cerrándose sobre mí.” Árboles al pie de la cama - Ángel Ogloso Cualquier rastro de verdadera extrañeza, o mixtura entre realidad y fantasía súbita, podría estar indicando la presencia de la musa de los sueños, o de las pesadillas, por supuesto. El

mismo Julio Cortázar estimaba que un veinte por ciento de sus cuentos provenían de las pesadillas.* He aquí la raíz de un problema para los escritores: ¿cómo hacer para recordar los sueños? Se han escrito muchas páginas al respecto pero el consejo que se repite una y otra vez es el hábito llamado “la primer nota”, que consiste en escribir en una libreta lo que se recuerde del sueño, apenas la persona se despierte. Según se indica, en los primeros intentos el soñador olvidadizo no será capaz de recordar nada, es habitual, pero con el correr de los días la exigencia mental consciente sumada a la voluntad de “querer recordar” lo que ha sido soñado, le hará ir recogiendo los retazos que cada noche sea capaz de ofrecer. Hay otras técnicas un tanto más perturbadoras y tal vez por ello más interesantes, como la consistente en quebrantar el sueño exactamente en la fase REM*, es decir, hacer sonar la alarma del despertador cerca de las tres y media o cuatro de la madrugada. Luego del malhumor al abrir los párpados, la tarea será anotar lo que se estaba soñando justo antes de despertar. Se supone que es sencillo recordarlo, puesto

Referencias * Julio Cortázar y Omar Prego Gadea. La fascinación de las palabras. * Fase REM: Rapid Eye Movement (movimientos oculares rápidos). * Técnica WILD: Wake Induced Lucid Dream (sueño lúcido inducido desde la vigilia). * Experiencia OBE: Out of Body Experience (experiencia extracorporal). * http://www.suenoslucidos.com

que en la fase REM se expone el sueño más profundo y vívido del soñador, y por ello despertar en medio de ese estado significará abrir la tinaja de pandora personal, para observar qué estaba sucediendo dentro. Sin embargo, la técnica más interesante –y por lo tanto la más terrorífica– es el dominio del sueño. Para el lector de corazón débil, aquí termina el artículo. Usted ha sido advertido. El sueño lúcido consiste en reconocer que se está soñando, mientras se sueña. Muchas personas despiertan de repente, ya que el mero hecho de descubrirse a sí mismos “conscientes” en medio de un sueño puede resultarles catastrófico, todo un cortocircuito mental para el inexperto. En un sueño la escritura suele ser borrosa

y los relojes funcionan de manera extraña. La persona que quiere despertar suele tomar el hábito en su vida cotidiana de leer y estar muy atento a estos detalles. Observa la hora en el reloj, aparta la vista pero vuel-

ve a mirarlo súbitamente, por si acaso. Este tipo de acciones las repite sin falta. Entonces un día (o mucho mejor, una noche) el borde de las palabras no se distingue en los libros, o el reloj cambia la forma de girar. Sorpresa mediante, luego recelo: la persona sabe que está despierto en medio de un sueño. Para no despertar con un alarido entre las sábanas, existe la llamada Técnica WILD*: pasar desde la fase de vigilia directamente al estado de sueño lúcido. “Si después de relajarte ves puntos de colores, rayas o imágenes que pasan por tu campo visual, entonces puedes aprovechar estas imaginería del “estado hipnagógico” (entre la vigilia y el sueño), y enfocar ligeramente tu atención en las

imágenes que se te presentan. Como en todas las técnicas atencionales, debes adoptar el papel del “testigo”, que observa en silencio pero no se involucra. Después de un tiempo estas imágenes o punto irán

desarrollándose hasta formar escenas completas. Cuando se tornen extremadamente “sólidas” o “reales” esta escenas, sencillamente “entras” al sueño y de repente te encuentras en el mundo onírico. Si lo anterior no funciona (muchas personas no ven imágenes ni puntos), puedes contar mientras te quedas dormido, por ejemplo hasta 100, y cuando llegues a ese número, enuncias “estoy soñando”, y verificas mirando a tu alrededor por si efectivamente lo estás. Si no estas soñando, repites, y verificas nuevamente. “Contar” es una técnica de meditación usada en diferentes tradiciones. Otra opción para mantener la atención es fijarla en las sensaciones del cuerpo. Después de un buen rato, comenzarás a sentir la sensación de estar “flotando”, y puedes experimentar unas extrañas vibraciones por todo tu cuerpo; señal de que estás cerca. Relájate entregándote a estas vibraciones, y cuando la experiencia llegue a gran intensidad te verás inserto en una escena dentro de un sueño, o puede que tengas una experiencia tipo OBE* o fuera del cuerpo; si esto llegara a suceder deberías intentar “salir” de tu cuerpo, hacia arriba o rodando hacia el costado, para luego salir de la cama usando el cuerpo mental u onírico.”* Parece complejo. Tal vez incontrolable. ¿Hasta dónde llegar buscando la inspiración literaria? ¿Dónde se encuentran las musas?

ENTREVISTA A COCO DESALES Mary Torregrosa

oco Desales, es un artista alicantino que sacó a finales de 2015 su primer álbum llamado Coco Desales. Imagino que seguramente ya te habrán hecho muchas entrevistas y que muchas de las preguntas quizás se repitan para ti, pero no obstante, intentaré que sea diferente y que al menos tu trabajo llegue, no solo a, los seguidores de la revista Noir que nos si-

guen mensualmente sino que también llegue a mucho más público. Háblanos un poco de ti, ¿qué te motivó a dar el paso para sacar el álbum? Siempre he compuesto canciones porque es algo que me ha gustado desde pequeño. Siempre ha sido un juego para mí, con el que he pasado

miles de horas embelesado, imaginando mundos distintos al mío y especiales... La idea de sacar el disco no fue mía, fue de Manuel Illán. Él produjo el disco y decidió el repertorio entre todas las canciones que yo tenía compuestas por aquel entonces. Mi idea en un principio era componer para otros, pero viendo lo difícil que resultaba esto también, pensé que podría prepararme a conciencia para defender yo mis-

mo mis propias canciones. Y es que actuar sobre un escenario es otra de mis grandes pasiones. ¿Hay algo más que te inspire a parte del tema del amor para componer tus canciones? Como te comentaba, he compuesto muchas canciones, más de cien... y claro que tengo canciones que no hablan de amor. ¡La mayoría son de desamor, que es peor! Ahora en serio, tengo canciones que hablan de lo difícil que es vivir, reinventarse día tras día, de superación personal, otras que hablan de personajes a los que les pasan diferentes historias... Cuando empecé me inspiraba la crítica social directa, pero poco a poco me fui decantando por mensajes más irónicos. Siempre compaginando todo esto con las canciones de amor y desamor. Ahora mismo estoy en un mo-

mento de cambio; recopilando sensaciones para ver qué me pide el cuerpo. ¿Cómo te sentiste cuando pasaste de empezar a componer los temas a sacar el álbum y verlo en tus manos, sabiendo que está llegando a tanta gente? Cuando salió vi cumplido un sueño. El sueño casi se vuelve una pesadilla, pero acabo de despertar y lo bueno es que todo esto ha sido una gran experiencia para mí, de la que he aprendido mucho. Me alegra mucho ver mi trabajo plasmado en ese disco y que la gente pueda escucharlo. Pero no quiero quedarme ahí, y sobre todo, quiero seguir disfrutando de lo que realmente me hace feliz, que es hacer canciones. ¿Es muy difícil dar el paso? Lanzarse y decir... voy a realizar mi sueño Lo difícil no es dar el primer

paso, eso se hace casi sin pensarlo. Lo más complicado es tener la paciencia de aguantar en un mismo sitio cuando las cosas no salen a la primera. En Youtube podemos ver tu paso por el programa LA LA LA y la entrevista en El Mirador, ¿has estado en alguno más? ¿Qué tal fue la experiencia? Estuve en Telecinco en los programas Qué tiempo tan feliz de María Teresa Campos y en Sálvame con Paz Padilla. La experiencia cuando he ido a grabar a alguna televisión siempre ha sido para mí muy placentera. Siempre me he sentido muy a gusto; y creo que la cámara me trata bien... O eso me han dicho. En Telecinco, María Teresa me trató de manera muy cariñosa y siempre me acordaré de mi paso por ese

programa. ¿Cómo fue la primera vez que te subiste a un escenario? Era muy pequeño y salí en una de las obras de teatro que montaba mi padre, que era director de teatro, y necesitaba que saliera diciendo el nombre de uno de los personajes mientras atravesaba corriendo el escenario... Aún me acuerdo. Y en un escenario, tocando la guitarra y cantando, fue con mi primer grupo de punk-rock, que se llamaba Ácido Úrico. Tocamos en una feria artesanal que hicieron en Catral, allá por 1996, y tocábamos versiones de Nirvana, Ramones, The Clash...Siempre me ponía muy nervioso al principio, pero al mismo tiempo, termina los conciertos con unas ganas terribles de quedarme allí para siempre...

En el programa El Mirador abres la entrevista con una canción en acústico que por cierto, suena muy bonita. ¿Ha pensado incluir en tus próximos trabajos o conciertos alguna canción así? Gracias. Pues la idea ha sido hacer las canciones del disco

pero en un formato acústico. Y eso es lo que estamos haciendo ahora mismo. Tengo la fortuna de contar con unos músicos extraordinarios como son Luis Rodríguez a la percusión, Paolo Olivo al teclado y al acordeón, y Tano Giménez al bajo. Yo también toco la guitarra acústica en algunas canciones. Aparte de componer y cantar también tienes otros intereses artísticos y aptitudes, ya que desde pequeño has estado rodeado de artistas y has tenido mucha influencia en ese aspecto. ¿Te gustaría desarrollar algún nuevo proyecto diferente no relacionado con la música? ¡Claro que sí! Me encanta el mundo del vídeo. Y con la ayuda de mi amigo Alberto Márquez, excelente artista plástico, he conseguido realizar un videoclip que pronto subiremos a las redes. Además de seguir haciendo vídeos, la pintura es otra de mis grandes pasiones. Y me gustaría poder realizar alguna exposición de

mis cuadros dentro de poco. Anécdotas, curiosidades durante el proceso, colaboraciones... En el disco han participado grandes profesionales del mundo de la música como son José Manuel Navarro, compositor de dos canciones del disco, Óscar Clavel, ingeniero de sonido, y los productores Erik Nilsson, Miguel Ángel Collado, David Villar y Ludovico Vagnone. Todos dirigidos por Manuel Illán, el productor artístico. Tu mayor propósito. Ser feliz haga lo que haga. Y hacer canciones bonitas que me emocionen y me llenen el alma y la mente de ilusión por seguir haciendo cada vez mejor mi trabajo. Tras la puesta en escena y el inicio de su gira con la presentación de su disco, Coco Desales poco a poco va conquistando los escenarios Españoles. Su álbum, cargado de música electrónica, se fusiona con sonidos de tango, cha-cha-chá o influencias musicales de los 80, como Tino Casal, Berlanga, o Alaska y Dinarama. Los directos, bien cuidados y con un sonido muy limpio, nos ofrecen dos formas de disfrutar su música, bien electrónica o acústica, como el pasado concierto realizado en La casa de cultura de Guardamar, con tres músicos que le acompañaron a los teclados, batería y bajo, en el que se pudieron palpar influencias como

el Rock o hasta un toque de Jazz que contrastaba con el realizado anteriormente en La Lonja de Orihuela, más bien electrónico, algo más bailable y más parecido a la escena ochentera. De cualquier modo, Coco Desales es capaz de hacer que su

público disfrute. Su voz suave, grave, serena, sensual, transportan al oyente por las letras de sus canciones que hablan de amor, desamor y otras experiencias. Recientemente ha publicado su primer videoclip Ya no soy yo, un remix que ya tiene más

de 1.300 visualizaciones conseguidas en muy poco tiempo, pues este artista sin duda tiene y tendrá mucho éxito. En la biografía que aparece en su web, y por lo que nos ha contado en la entrevista, vemos que la música, el teatro o la pintura, han sido una

gran influencia en su vida desde su infancia hasta ahora, ya que creció rodeado de artistas lo que le proporciona una mayor sensibilidad dentro de este ámbito. Esto lo convierte en un artista polifacético, además de ser una persona muy cercana,

con mucha ilusión y pasión por su trabajo. Se agradece el tiempo dedicado en la entrevista y su trato tan agradable. ENLACES DE INTERÉSwww. cocodesales.eshttps://www. facebook.com/CocoDeSalesOficial

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