JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
Capriccio in B-flat major ‘sopra la lontananza del suo fratello dilettissimo’, BWV 992 (1704)
1. Arioso: Adagio. Ist eine Schmeichelung der Freunde, um denselben von seiner Reise abzuhalten (Friends gather and try to dissuade him from departing)
2. Ist eine Vorstellung unterschiedlicher Casuum, die ihm in der Fremde könnten vorfallen (They picture the dangers which may befall him)
3. Adagiosissimo: Ist ein allgemeines Lamento der Freunde (It’s a general lament of friends)
4. Allhier kommen die Freunde (weil sie doch sehen, daß es anders nicht sein kann) und nehmen Abschied (All here the friends come (because they see that it cannot be otherwise) and say goodbye)
5. Aria di Postiglione: Allegro poco
6. Fuga all’imitazione di Posta (Fuga imitating the Post)
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Le Tombeau de Couperin, M. 68 (1914/17)
FRANZ LISZT (1811-1886)
13. Années de pèlerinage 2ème année: Italie
Après une lecture du Dante: Fantasia Quasi Sonata, S.161/7 (1858)
The Principality of Monaco is not only my birthplace, it is also the cradle of my musical journey. Before I was born, Monaco became the home of my family. My father joined the Monte-Carlo Philharmonic Orchestra in 1991 as a violinist, and my mother became a violin teacher at the Rainier III Academy of Music and Theatre, where my older brother would play his first violin notes. It is in this same institution, with my hands on the keyboard, that I grew up before joining the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris for advanced studies. It seemed only natural that the Principality of Monaco should also become the starting point for my discography. Thanks to the generous support of the Sancta Devota Foundation, this recital programme was recorded in Monaco, in the Yakov Kreizberg Hall of the Rainier III Auditorium, home of the Monte-Carlo Orchestra, which also happens to be the home of my first experiences as a classical music concertgoer. So you could say that this album is, just like me: Born in Monaco.
It is therefore not a coincidence that the works performed on this album are all related to one particular notion: that of the ‘departure’. Monaco having become my own line of departure, it seemed symbolic to me that, for my first recording, each work presents a departure from a different angle and meaning. Bach describes the departure of his older brother to a new life in Sweden, Ravel mourns the departure of his friends who died in the middle of the First World War, and Liszt evokes Dante and the loss of his muse Beatrice. These three works are close to me, surely due to the fact that common points remain between each of the works and myself.
The journey of Bach’s older brother to Sweden reminds me of my older brother David’s journey from home for higher education in Germany, especially since the honour guard in which Johann Jakob was enrolled is traveling to Russia (my family’s original home country), hence the use of the Russian folk theme ‘Ah you, inner porch’ by J.S. Bach in the last movement of his Capriccio.
Maurice Ravel had a very close relationship with the Principality and in particular with the Salle Garnier of the Casino de Monte-Carlo, the place where his lyrical fantasy L’Enfant et les sortilèges was created. As for Liszt’s work, it was one of the great musical revelations of my childhood, and one of the works that pushed me to become a pianist, a craft that I am proud to keep mastering.
Slava Guerchovitch
The three works on this album have accompanied pianist Slava Guerchovitch for a long time. He considers them as lucky charms, as they have helped him, among many other things, to win international piano competitions. Although they belong to very different musical periods and languages, they share the theme of departure, of farewell.
Bach probably composed his Capriccio on the departure of his elder brother Johann Jakob to Sweden, to join the guard of honour of King Charles XII, where he served as an oboist. It is well known that Ravel dedicated each of the six movements of his Tombeau de Couperin to a friend who died in the First World War, and with Après une lecture du Dante, Liszt musically sheds light on the Divine Comedy. The programmatic content of this Fantasia quasi Sonata is limited to the visionary representation of hell and the torment of the damned in contrast to the amorous episode of Francesca da Rimini.
Bach’s biographically inspired and programmatically contextualised Capriccio for the departure of the beloved brother is one of his best known early works. In its development, it is almost improvisatory in mood, without formally following fixed rules, as well as showing signs of an unconventional treatment of musical material. Bach proceeds in his six short movements in a different way from usual, leaving aside his polyphonic style to enter a world outside that of the great cycles such as the Goldberg Variations or the Well-Tempered Clavier. The very term Capriccio (someone defined it in music as the playful transgression of academic norms) indicates that this is a personal dedication, a message that since the time of Bach’s biographer Philipp Spitta (1841-1894) has been thought to be addressed to the composer’s older brother. Current musicology questions this, claiming that the title alludes to Bach’s friend Georg Erdmann, whom he considered a “brother”. Be that as it may, Bach moves in his Capriccio between the descriptive reality of an event (the departure) and the feelings of affection towards the “beloved brother”.
The first movement is notable for its parallel sixths, sweet like a declaration of love. The second movement is striking for its triple repetition of a fugato that resembles a warning. The third is a sighing lament, the fourth an energetic farewell. With the Aria di Postiglione, this emotionally swinging Capriccio regains its jovial character with graceful, bouncy octaves leading into the sixth and final movement: a fugue imitating the postillion bugle, once used to announce the departures and arrivals of mail deliveries.
On the eve of the First World War, Ravel had set out to write a Suite française for piano and to dedicate it to the famous baroque composer and organist François Couperin. He wanted his suite to be “française” first and foremost to counterbalance the dominance of powerful German music. It was necessary to return to one’s own roots, as the nationalist climate that prevailed shortly before the outbreak of war in France demanded. Ravel could not have found a better source than the court music of the time of Louis XIV to set his own project in motion, feeling himself to be a “musicien français”. He therefore opted for the baroque suite, to which he added three famous dances, including a Forlane, based on the eponymous movement from the Concert Royaux No. 4 that Couperin had written for the chamber concerts of the Sun King. From this material he composed a suite in six movements that not only paid homage to Couperin, but also to the Grand Siècle of French music in general.
Beyond the nationalistic character of Tombeau, with its tonal richness and formal clarity, the work also contains autobiographical traits that certainly characterise it and which, in time, became its true purpose. As well as recalling the death of his mother in 1917, each movement is dedicated to a friend who fell in the war. This gives the term Tombeau its full meaning, already used in baroque times to commemorate a close person. Ravel’s Tombeau came about in a slow process, typical of him, consisting of mentally visualising the piece before writing it down in a few days and then eliminating superfluous notes in a process that could take years.
Liszt often tried to transfer the lush orchestral sound of his tone poems to his piano works. An excellent example of this is his ‘Fantasia quasi sonata’ Après une lecture du Dante. After all, he was the creator of a new kind of piano music that utilised the full range of the instrument with technical refinements such as playing with rapid changes of register, parallel octaves, complex ornamentation and extended arpeggios. His melodic, harmonic and rhythmic achievements paved the way for the music of the 20th century. Indeed, Liszt has long been considered a composer who, as a piano virtuoso with a meteoric career, would not resist the temptations of the easy path, even in creative matters. His unprecedented triumphal march through Europe’s concert halls as a celebrated soloist belies the fact that the exuberant and exalted youth was capable of very deep and far-reaching emotions, which he then knew how to translate into sound in an ingenious way, often pushing the musical boundaries of his time. Crossing them was the only way to realise his ideas of sound.
Often referred to as the Dante Sonata, the final piece from the second volume of the Années de Pèlerinage has distinctly orchestral characteristics, as the original title reveals: Paralipomènes à la Divina Commedia, Fantaisie symphonique. In other words, a highly technically demanding symphonic fantasy for the performer, which also requires a considerable dose of imagination in order to reproduce the multi-layered instrumental colors in sound. The most extensive and important piece from the Pilgrimage Years, the Années de Pèlerinage, shows how the still young composer increasingly matured musically under the influence of his travels, which could represent nothing else than departures and arrivals, arrivals and departures.
Antonio Gómez Schneekloth
Born in 1999 in the Principality of Monaco, Slava Guerchovitch is a French pianist raised in a musical family of Soviet immigrants. After studying at the Rainier III Academy of Music in Monaco, he entered the CNSM de Paris, where he obtained his bachelor’s degree in piano with unanimous congratulations from the jury. Slava Guerchovitch is currently studying with the Russian pedagogue Réna Shereshevskaya at the École Normale Cortot in Paris. Winner of numerous international competitions (Epinal, Rome, Bellan, Scriabine, Sète, Claude Kahn...), he is regularly invited to perform in France and abroad: Festival Piano à Saint-Ursanne, La Società dei Concerti di Milano, Festival Musicorum, Artenetra, Piano en Valois, Festival de Menton, Festival Chopin à Paris, Festival Bach à Toul, Les Nuits d’Eté à Saint-Médard-en-Jalles, Piano à Levens, Festival Max Van der Linden... He collaborates as a soloist and in chamber music with the Monte-Carlo Philharmonic Orchestra, the Bern Symphony Orchestra, the Roma Tre Orchestra... Since June 2022, Slava has been the ambassador of the Sancta Devota Humanitarian Foundation of Monaco.
“Slava Guerchovitch has not only the necessary culture and technique for a career, but also the sound and sensitivity that make him a unique artist.”
Olivier Bellamy
“From the very first notes, there is a signature sound: Slava Guerchovitch, with the significant presence of his touch, his awareness and mastery of the material he shapes, captures the attention and draws the listener into a singular poetic universe. We follow him joyfully; so much so that his approach, so full of life, enriched by a sharp perception of the musical text, served by admirable technical skills, a wide range of colours and an extreme concentration of gesture, embodies necessity and clarity. At 23, Rena Shereshevskaya’s disciple has not finished surprising us…”
Alain Cochard, rédacteur en
La Principauté de Monaco n’est pas seulement mon lieu de naissance, elle est aussi le berceau de mon parcours musical. Bien encore, avant ma naissance, Monaco est devenu la terre d’accueil de ma famille. Mon père rejoint l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo en 1991 en tant que violoniste, ma mère devient professeur de violon à l’Académie de Musique et de Théâtre Rainier III, là où mon grand frère fera sonner ses premières notes de violon. C’est dans ce même établissement, mes mains sur le clavier d’un piano, que je grandirai avant de rejoindre le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris pour des études supérieures. Il me semblait donc absolument naturel que la Principauté de Monaco devienne aussi le point de départ de ma discographie. Grâce au généreux soutien de la Fondation Sancta Devota, ce programme de récital a pu être enregistré à Monaco, dans la salle Yakov Kreizberg de l’Auditorium
Rainier III, foyer de l’Orchestre de Monte-Carlo, qui se trouve aussi être le foyer de mes premières expériences en tant que spectateur de concert de musique classique. On peut donc dire que cet album est, tout comme moi : Born in Monaco.
Ce n’est donc pas une coïncidence si les œuvres interprétées dans cet album sont toutes liées à une notion en particulier : celle du « départ ».
La Principauté de Monaco étant devenue ma « ligne de départ », il m’a semblé symbolique que, pour mon premier enregistrement, chaque œuvre présente le « départ » sous un angle et un sens différents. Bach décrit le départ de son grand frère vers une nouvelle vie en Suède, Ravel pleure le départ de ses amis décédés en pleine Guerre Mondiale, et Liszt évoque Dante et la perte de sa muse Béatrice.
Ces trois œuvres me sont proches, sûrement dû au fait que des points communs subsistent entre chacune des œuvres et moi-même. Le départ du grand frère de Bach qui rejoint la Suède, me rappelle celui de mon grand frère David lorsqu’il est parti de la maison pour des études supérieures en Allemagne, d’autant plus que la garde d’honneur dans laquelle se trouve Johann Jakob voyage en direction de la Russie (pays d’origine de ma famille), d’où l’utilisation du thème musical populaire russe Ah, mes auvents par J.S. Bach dans le dernier mouvement de son Capriccio. Maurice Ravel a un lien très intime avec la Principauté et en particulier la Salle Garnier du Casino de Monte-Carlo, lieu où sera crée sa fantaisie lyrique L’Enfant et les Sortilèges. L’œuvre de Liszt, quant à elle, fut un de mes grands chocs musicaux de mon enfance, et une des œuvres qui m’ont poussé à faire le métier de pianiste, que je suis fier d’exercer.
Slava Guerchovitch
Les trois oeuvres de cet album ont accompagné le pianiste Slava Guerchovitch au fil des ans. Il les considère comme des porte-bonheur, car elles lui ont permis, entre autres, de remporter des concours internationaux de piano. Bien qu’appartenant à des périodes et langages musicaux très différents, elles partagent le thème du départ, de l’adieu.
Bach a probablement composé son Capriccio à l’occasion du départ en Suède de son frère aîné Johann Jakob, qui devait rejoindre la garde d’honneur du roi Charles XII en tant que hautboïste. On sait que Ravel a dédié chacun des six mouvements de son Tombeau de Couperin à un ami mort pendant la Première Guerre mondiale, et avec Après une lecture du Dante, Liszt met musicalement en lumière la Divine Comédie. Le contenu programmatique de cette Fantasia quasi Sonata se limite à la représentation visionnaire de l’enfer et du tourment des damnés en contraste avec l’épisode amoureux de Francesca da Rimini.
Le Caprice pour le départ du frère bien-aimé, d’inspiration biographique et au programme contextualisé, est l’une des œuvres de jeunesse les plus connues de Bach. Dans son développement, la pièce est presque improvisée, sans règles formelles fixes, et montre certains signes d’un traitement non conventionnel du matériau musical. Dans ses six courts mouvements, Bach va à l’encontre de ses habitudes et abandonne son style polyphonique pour entrer dans un monde étranger à celui des grands cycles tels que les Variations Goldberg ou le Clavier bien tempéré. Le terme même de Capriccio (quelqu’un l’a défini en musique comme la transgression ludique des normes académiques) indique qu’il s’agit d’une dédicace personnelle, un message qui, depuis l’époque du biographe de Bach, Philipp Spitta (1841-1894), est censé être adressé au frère aîné du compositeur. La musicologie actuelle remet cette thèse en question, affirmant que le titre fait allusion à l’ami de Bach, Georg Erdmann, qu’il considérait comme un « frère ». Quoi qu’il en soit, Bach évolue dans son Capriccio entre la réalité descriptive d’un événement (le départ) et les sentiments d’affection envers le « frère bien-aimé ».
Le premier mouvement se distingue par ses sixtes parallèles, douces comme une déclaration d’amour. Le deuxième mouvement frappe par sa triple répétition d’un fugato qui ressemble à un avertissement. Le troisième est une lamentation soupirante, et le quatrième un adieu énergique. Avec l’Aria di Postiglione, ce Capriccio aux émotions oscillantes retrouve son caractère jovial avec des octaves gracieuses et sautillantes qui mènent au sixième et dernier mouvement : une fugue imitant le clairon du postillon, autrefois utilisé pour annoncer les départs et les arrivées des courriers.
A la veille de la Première Guerre mondiale, Ravel avait souhaité écrire une Suite française pour piano dédiée au célèbre compositeur et organiste baroque François Couperin. Cette suite était à ses yeux essentiellement « française », en vue de contrebalancer la domination de la toute puissante musique allemande. Il fallait revenir à ses propres racines, comme l’exigeait le climat nationaliste ambiant peu avant le déclenchement de la guerre en France. Se sentant « musicien français », Ravel ne pouvait trouver meilleure source que la musique de cour du temps de Louis XIV pour mettre en œuvre son projet. Il opta donc pour la suite baroque, à laquelle il ajouta trois danses célèbres, dont une Forlane, basée sur le mouvement éponyme des Concerts Royaux n° 4 que Couperin avait écrit pour les concerts de chambre du Roi Soleil. À partir de ce matériau, il composa une suite en six mouvements rendant hommage non seulement à Couperin, mais aussi au Grand Siècle de la musique française en général.
Au-delà du caractère nationaliste du Tombeau, avec sa richesse tonale et sa clarté formelle, l’œuvre comporte également des traits autobiographiques qui la caractérisent clairement et qui, avec le temps, sont devenus sa véritable finalité. Outre l’évocation de la mort de sa mère en 1917, chaque mouvement est dédié à un ami tombé à la guerre. C’est ainsi que le terme Tombeau prend tout son sens, déjà utilisé à l’époque baroque pour commémorer un proche. Le Tombeau de Ravel est né d’un processus lent, comme souvent chez le compositeur, consistant à visualiser mentalement la pièce avant de l’écrire en quelques jours, puis à éliminer les notes superflues dans un processus qui pouvait prendre des années.
Liszt a souvent essayé de transposer la sonorité orchestrale luxuriante de ses poèmes symphoniques dans ses œuvres pour piano. La « Fantasia quasi sonata » Après une lecture du Dante en est un parfait exemple. Liszt est après tout le créateur d’un nouveau genre de musique pour piano exploitant toute la tessiture de l’instrument avec des raffinements techniques tels que des changements rapides de registre, des octaves parallèles, une ornementation complexe et des arpèges étendus. Ses réalisations mélodiques, harmoniques et rythmiques ont ouvert la voie à la musique du XXe siècle. En effet, en tant que virtuose du piano à la carrière fulgurante, Liszt a longtemps été considéré comme un compositeur n’ayant pas résisté aux tentations de la facilité, même en matière de création. Son parcours triomphal sans précédent dans les salles de concert européennes en tant que soliste célèbre ne doit pas faire oublier que ce jeune homme exubérant et exalté était capable d’émotions très profondes et de grande portée, qu’il a ensuite su traduire musicalement de manière ingénieuse, repoussant souvent les limites musicales de son temps. Les transgresser était le seul moyen de concrétiser ses idées sonores.
Souvent désignée comme la Sonate de Dante, la dernière pièce du 2ème volume des Années de Pèlerinage présente des caractéristiques orchestrales distinctes, comme le révèle le titre original : Paralipomènes à la Divina Commedia, Fantaisie symphonique. En d’autres termes, une fantaisie symphonique très exigeante techniquement pour l’interprète, qui exige également une dose considérable d’imagination afin de restituer en son ces multiples couleurs instrumentales. Cette pièce, la plus vaste et la plus importante des Années de Pèlerinage, montre comment le compositeur encore jeune a progressivement mûri musicalement sous l’influence de ses voyages, qui n’étaient rien d’autre que des départs et des arrivées, et des arrivées et des départs.
Antonio Gómez Schneekloth
Issu d’une famille musicienne d’immigrés soviétiques, Slava Guerchovitch est un pianiste français né en 1999 dans la Principauté de Monaco. Après des études à l’Académie de Musique Rainier III de Monaco, il rentre au CNSM de Paris, où il obtiendra sa Licence de Piano à l’unanimité avec les félicitations du jury. Actuellement, Slava Guerchovitch poursuit sa formation artistique auprès de la pédagogue russe Réna Shereshevskaya, à l’Ecole Normale Cortot à Paris. Lauréat de nombreux concours internationaux (Epinal, Rome, Bellan, Scriabine, Sète, Claude Kahn…), il est régulièrement invité en France et à l’étranger : Festival Piano à Saint-Ursanne, La Società dei Concerti di Milano, Festival Musicorum, Artenetra, Piano en Valois, Festival de Menton, Festival Chopin à Paris, Festival Bach à Toul, Les Nuits d’Eté à SaintMédard-en-Jalles, Piano à Levens, Festival Max Van der Linden… Il collabore en soliste ou en musique de chambre avec l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre Symphonique de Berne, le Roma Tre Orchestra… Depuis Juin 2022, Slava est l’ambassadeur de la Fondation Humanitaire Sancta Devota de Monaco.
Slava Guerchovitch possède non seulement la culture et la technique nécessaires à toute carrière, mais aussi une sensibilité et une sonorité qui en font un artiste unique.
Olivier Bellamy
Dès les premières notes, une signature : Slava Guerchovitch, par la présence signifiante de son toucher, sa conscience et sa maîtrise du matériau qu’il façonne, happe l’attention et entraîne l’auditeur dans un univers poétique singulier. On l’y suit avec bonheur, tant son propos, totalement vécu, nourri d’une perception aiguë du texte musical, servi par des moyens techniques admirables, une large palette de couleurs et une extrême concentration du geste, rime avec nécessité et évidence. A 23 ans, le disciple de Rena Shereshevskaya n’a pas fini de nous surprendre ...
Alain Cochard, rédacteur en chef de Concertclassic.com
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