Gábor Varga Nicolas Costantinou EMPNEUSIS
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
Sonata for Clarinet and Piano No. 1 in F minor, Op. 120, No. 1 (1894)
1. I. Allegro appassionato 07'44
2. II. Andante un poco adagio 04'56
3. III. Allegretto grazioso 04'10
4. IV. Vivace 05'18
CONSTANTINOS Y. STYLIANOU (b. 1972)
Sonata for Clarinet and Piano * (2021)
5. I. j = 76 10'22
6. II. h = 52 11'34
7. III. q = 192 06'22
8. IV. q = 138 12'03
* World Premiere Recording
Total Play Time: 62'33
The album empneusis (from Ancient Greek ἐμπνεῦσις) highlights the deep connection between music and breath, as reflected in its etymology, which comes from the Ancient Greek word ἐμπνέω. This word is formed from the prefix ἐν-, meaning ‘within’, and the verb πνέω, meaning ‘to breathe’. Air is essential for producing sound, and the process of breathing into a wind instrument brings music to life. Through this album, we explore how our inspiration shapes the direction of that air, allowing us to give substance to our feelings, express our imagination, and ultimately share our art with the audience.
The album features Brahms’s First Sonata for clarinet and piano, a contemplative late work imbued with melancholy that gradually gives way to a more uplifting finale. In stark contrast, the Sonata for Clarinet and Piano by Constantinos Y. Stylianou – recorded here for the first time – showcases the dramatic extremes and expressive qualities of both instruments, dedicated to clarinettist Gábor Varga.
We hope you enjoy our album as much as we enjoyed creating it!
Nicolas Costantinou & Gábor Varga
In March 1891, Brahms visited Meiningen and had the opportunity to hear Richard Mühlfeld (1856–1907) perform Weber’s Clarinet Concerto and Mozart’s Clarinet Quintet. Brahms wrote to Clara Schumann that no one could play the clarinet more beautifully than him. Interestingly, Mühlfeld was originally a violinist and learned how to play the clarinet on his own during his three-year military service as a member of the band of the 32nd regiment. Thereafter, he became the principal clarinettist of the Meiningen Court Theatre Orchestra, where he would occasionally serve as an assistant conductor.
Brahms experienced an epiphany. Through Mühlfeld’s unequalled playing, he came to appreciate the instrument’s many qualities, such as the rich reediness of the low register, the velvety sound of the middle register, and the sometimes flutelike and sometimes piercing sound of the high register. In fact, he was so deeply impressed that he soon came to realise that the instrument could be “another incarnation of the kind of dark, soulful voice that had always seduced him” (J. Swafford). This realisation initially encouraged him to compose two works for his talented friend: the Trio in A minor for Clarinet, Cello, and Piano (Op. 114) and the Quintet in B minor for Clarinet and Strings (Op. 115); and, three years later, two more works, the two sonatas, Op. 120. All these works were composed in Brahms’s summer residence in Ischl in Upper Austria. Following a series of unofficial private performances, the public premiere was scheduled for January 1895 in Vienna: The Sonata in E-flat major on 8 January and the Sonata in F minor on 11 January. Both performances were part of violinist Arnold Rosé’s string quartet concerts at the Bösendorfersaal.
For the composition of the two sonatas, Brahms asked Mühlfeld to play the full range of clarinet repertoire to date for him, overwhelming him with questions about the technical and tonal characteristics of the instrument. The works marvellously show the clarinet to its best advantage, in ideal symbiosis with the piano. In the hands of the mature composer, the works avoid anything superficial and demonstrate once again the faultless structure that is typical of Brahms’s late chamber music.
The two sonatas, as with the last series of piano pieces (Op. 116–119), seem to reflect Brahms’s own observation to Clara that he no longer wrote music for the public but only for himself. Michael Musgrave observed that these pieces reflect an “autumnal” mood in which resignation is not the only important element of their quality. The works are imbued with an “assertive” quality and an omnipresent “rhetorical aspect”, their character arising “from the remarkable synthesis of elements that reveal the composer in his technical and expressive essence”.
The Sonata in F minor unfolds in four movements. It is passionate, rich in rhetorical expression, and full of formal adventure. It begins with a rhetorical statement of a Phrygian flavour, which not only sets the mood but also presents all the main material of the movement. Subsequently, the clarinet indulges in a soaring and passionate melody with large leaps and sudden outbursts. In contrast, the secondary subject area, which begins in D-flat major, presents the opening statement in a tranquil and nostalgic manner. An animated third section in C minor follows, restoring the passionate character of the movement. The development begins with the second subject and wanders off to distant keys until the music suddenly erupts in the remote key of C-sharp minor, which brings the second and third subjects to their apotheosis. This leads to a recall of the opening phrase, now in the distant F-sharp minor, which in turn leads back to F minor and the recapitulation. The movement concludes with an extensive and free coda that grows out of the first subject and returns to the opening statement, ending in an even more sombre mood.
The second movement, Andante un poco Adagio, in the relative major, is a tender reverie in ternary form. The main, almost Schubertian-in-character song-like melody is delivered with gradually unfolding chords, with the bass delayed. The middle section, although slightly more animated, does little to disturb the prevailing mood of resignation.
The genial Allegretto grazioso is effectively a stylised Austrian Ländler with trio. It is reminiscent of the kind of folk music that Brahms might have heard in the local Biergartens of his time. The movement provides an ideal contrast with its surrounding movements.
The concluding Vivace is written in rondo form. It is an exuberant finale that casts away the rather sombre mood of the previous movements. It begins with an exuberant fanfare (three repeated notes on the piano), which contrasts with the playful and joyful character with which the clarinet continues. The second subject, in the dominant key, is more expressive and lyrical, unfolding in triplets over the initial three-note fanfare from the opening. The third subject is in the relative minor with a theme full of desire. By having the second theme follow the third rather than the first, Brahms gradually restores the mood. A series of statements of the opening fanfare in different keys and in augmentation, at first, give the impression that the music has come to a halt, when suddenly the opening fanfare returns, this time on the clarinet, for an even more playful and condensed last restatement of the first part of the rondo, leading the movement to a triumphant and soaring ending.
Despite the optimistic mood that pervades the movement, the brief references to the relative minor key in the first section seem to cast a passing shadow on the musical narrative. A close analysis of the material will reveal a hidden reference to a musical symbol dating from 1853, when Brahms was 20 years old. This reference seems to be related to the motto “Frei aber einsam” (“Free but lonely”) that his very close friend, violinist, and composer Joseph Joachim often used in his compositions, and which he spelled with the musical notes F-A-E. It is true that Brahms greatly valued Joachim’s friendship, which was, with a single exception, constant. Back then, Brahms, together with Schumann and Dietrich, decided to entertain Joachim by composing a sonata for him that was to be based on this exact motif. Thereafter, Brahms seems to have used this motif in several of his compositions, not least the Sonata for Piano No. 3 in F minor, Op. 5, and the String Quartet in A minor, Op. 51, No. 2. This reference is present, in one guise or another, throughout the sonata, adjusted to fit in with the tonality in which it appears, and it is heard unchanged at the end of the first phrase of the finale’s third section and again at the end, moments before its conclusion. In fact, the opening rhetorical statement of the sonata is based on this motif (C-F-D-flat), with a passing E-flat in between the last two notes.
Brahms’s biographer Max Kalbeck made claims that the composer’s response to this motto was the motif F-A-F, a cypher for “Frei aber froh” (“free but happy”), but failed to provide evidence to support this claim. It is worth noting, however, that the last statement of Joachim’s motto is immediately answered by the notes F-A-F that extend over three semibreves and which bring the work to its end. Was Brahms, by using these cyphers, trying to send a message to Joachim (or even to Clara), or was he simply telling the world that he could be single but happy with his choice, even in the twilight of his life?
Dr Nicolas Costantinou
Constantinos Y. Stylianou’s Sonata for clarinet and piano was composed in 2021. It is the second sonata for a wind instrument and piano, the first being for flute and piano. The composer himself explains:
“For several years now, I have been looking into sonata form very closely and composing several sonatas for violin, viola, and cello, as well as the flute. This happened parallel to an intense focus on melody as the primary force that sets in motion a piece of music. In essence, I am exploring how these two elements (sonata form in conjunction with melody) can be relevant to my work and within current frameworks and times. This by no means diminishes the importance of harmony, rhythm or the use of form in a more general sense. I was simply intrigued by the role of melody within this dialectic form. I felt that melody deserves to be rediscovered in a way that points the way forward. The aim is for melodies to be vehicles for varied and different emotions in a current context, not simply to allude to the past (although this can also be part of the wider gamut).
I was drawn to the sound of the clarinet, having been a clarinet player myself. I felt the need to explore the combination of the sound world of the clarinet with that of the piano, and how certain ‘gestures’ can be shared. By gestures, I mean motifs that can be seen in a more organic way rather than simply specific notes or durations. Such a gesture could be a wide-ranging arpeggio, a feature that, depending on the specific chord, can be easier on the clarinet or, conversely, on the piano, while a fast rising or descending scale (chromatic or otherwise) could create many varied soundscapes on either instrument. Furthermore, something that might seem straightforward can in fact create different challenges for either instrument: long, slow, unfolding melodies that require extreme control of breathing for the clarinet or extreme control of touch for the piano. None of these were meant as exercises or an exploration in its own right, but simply starting points for what I hoped would be a celebration of the sound of the clarinet and melody in general.
First movement: the mysterious opening, performed by the unaccompanied clarinet, contains in quick succession the two main themes of the sonata: a rising and then descending arpeggio, and a short melody made up of a quintuplet gesture followed by a dotted rhythm. This sets in motion a dialectic of maximum contrast between these two subjects that creates intense peaks throughout what is in fact a very extensive development section. This leads to an explosive recapitulation before plunging into a tragic ending.
Second movement: a long, slowly unfolding melody, which mainly focuses on the lower register of the clarinet, that carries qualities of depth of emotion and even wistfulness. This leads to the middle section, where the piano takes centre stage in a dream-like sequence. The return of the first section is extended to include moments of intense passion.
Third movement: a humorous scherzo-like movement that contains frenetic and persistent (and sometimes chromatic) motifs juxtaposed with each other. The mood changes in the middle section, both rhythmically (it becomes slower) and emotionally (it becomes more expressive). The return of the opening section leads to a conclusion with a surprising twist.
Fourth movement: playful and majestic at the same time, this rondo takes full advantage of certain characteristics of the clarinet to create this atmosphere. One of the contrasting sections evokes an atmosphere of intense romanticism, whereas a further contrasting section has an air of folklore. The energetic and glorious finale goes back full circle to the first movement and ends with the same tragic feeling.”
Constantinos Y. Stylianou
Born in Hungary in 1974, Gabor Varga’s journey as a clarinettist began at the University of Szeged and the Liszt Academy of Music in Budapest, where he earned his diplomas in 1996 and 1998. He later advanced his studies at the prestigious Paris Conservatoire, completing his postgraduate degree in 2002. His professional orchestral career began in 1995, when he was appointed principal clarinettist for the Győr Philharmonic Orchestra. A year later, he assumed the same role at Concerto Budapest, and between 1997 and 2022, he served as principal clarinettist of the Hungarian Radio Symphony Orchestra. From 2005 to 2007, while on sabbatical from Budapest, Varga held the position of principal clarinettist with the Singapore Symphony Orchestra. Since 2001, he has also performed regularly with the Franz Liszt Chamber Orchestra.
Varga’s achievements have earned him several national (1985, 1988, 1992) and international (1994, 1995, 2001) awards. His performances have taken him to over 25 countries, including the United States, Japan, China and the United Kingdom. He has graced prestigious stages such as the Musikverein in Vienna and the Gewandhaus in Leipzig, and has appeared at numerous music festivals and clarinet conventions worldwide.
A strong advocate for contemporary music, Varga has premiered a number of chamber works and commissioned concertos from leading Hungarian composers such as Kovács, Durkó and Vajda. He continues to champion new music for Hungarian audiences, performing works such as Weinberg’s Sonata and Thea Musgrave’s Clarinet Concerto.
His discography includes recordings of chamber music and clarinet concertos by Weber and Mozart for Hungarian Radio, as well as CDs featuring Nielsen’s Clarinet Concerto, Kovács’s Dreamdances, and works by Družecký and Vajda.
In addition to his performing career, Varga is a sought-after teacher. He has delivered masterclasses across Europe, Asia and the Americas, at institutions such as the Beijing Central Conservatory, the Academy of Music in Katowice, and the Royal College of Music in London. Since beginning his teaching career as an assistant at the Liszt Academy in 2001, he has held positions at NAFA in Singapore, the University of Debrecen, and the University of Győr.
Currently, Varga holds the International Chair of Clarinet at the Royal Northern College of Music in Manchester, and since 2022, he has been an Associate Professor of Clarinet at the Jacobs School of Music, Bloomington, Indiana.
GÁBOR VARGA
Steinway Artist Nicolas Costantinou is renowned for captivating audiences with his bold repertoire choices, blending both classical and contemporary works, and his collaborations with outstanding instrumentalists and ensembles. Critics have praised him as “an artist of deep emotions, capable of performing music with his whole being and soul” (Kaleva, 2003), while his interpretations have been described as “colossal” and “dramatic” (Dimitri Nicolau, 2002).
Costantinou has performed extensively across Europe, the USA and the Middle East, including recitals at prestigious venues such as London’s Wigmore Hall, the Brahms Saal at Vienna’s Musikverein, the Beethoven-Haus in Bonn, and the Grand Hall of the Franz Liszt Academy of Music in Budapest. His festival appearances include the Kuhmo Chamber Music Festival and Oulunsalo Soi Music Festival in Finland, as well as the Gödöllő Chamber Music Festival in Hungary. He has also performed concertos with renowned orchestras, including the Philharmonia Orchestra, the Russian Chamber Philharmonic of St Petersburg, the Budapest Concert Orchestra, and the Cyprus Symphony Orchestra, under the baton of maestros such as Konrad von Abel, Juri Gilbo and Esa Heikkilä, among others.
Alongside his solo career, Costantinou enjoys making music in the company of others and occasionally engages in interdisciplinary collaborations with dancers, choreographers, painters and other multimedia artists. His partners include violinists Chloë Hanslip, Simos Papanas and Vilmos Szabadi; violist Máté Szűcs; cellists Tytus Miecznikowski, Erkki Rautio, Gustav Rivinius and Péter Somodari; flautist János Bálint; clarinettist Gábor Varga; and the Meta4 string quartet. Costantinou also has a deep passion for art song and frequently collaborates with a wide range of singers. He regularly performs works by living composers, many of them world premieres.
Costantinou’s passion for music and the arts developed from a young age, growing up in a family of renowned musicians, artists, actors, dancers, choreographers and architects. He pursued his piano studies in Hungary, the USA and the UK, earning degrees from the Faculty of Music at the University of Szeged and the Franz Liszt Academy of Music in Budapest. He also holds a Master of Music in Performance from the Cleveland Institute of Music. In 2013, Nicolas was awarded a Doctor of Philosophy from the Royal College of Music in London.
Die CD empneusis (von altgriechisch ἐμπνεῦσις) hebt die tiefe Verbindung zwischen Musik und Atem hervor, die sich etymologisch im altgriechischen ἐμπνέω widerspiegelt. Dieses Wort setzt sich zusammen aus der Vorsilbe ἐν-, was „innen“ bedeutet, und dem Verb πνέω („atmen“). Luft ist für die Klangerzeugung unerlässlich, und der Prozess, Luft in ein Blasinstrument hineinzublasen, erweckt die Musik zum Leben. In dieser CD zeigen wir, wie unsere Inspiration den Luftstrom formt und uns ermöglicht, unseren Gefühlen einen klaren Ausdruck zu verleihen, unserer Fantasie freien Lauf zu gewähren und schließlich unsere Kunst mit dem Publikum zu teilen.
Auf der CD ist Brahms’ erste Klarinettensonate zu hören, ein kontemplatives, von Melancholie durchdrungenes Spätwerk, das allmählich in ein erhebendes Finale übergeht. In starkem Kontrast dazu steht die Sonate für Klarinette und Klavier von Constantinos Y. Stylianou in ihrer ersten Einspielung, die dem Klarinettisten Gábor Varga gewidmet ist und die stimmungsreichen und expressiven Möglichkeiten beider Instrumente erforscht.
Wir hoffen, dass Ihnen unsere CD genauso viel Freude bereitet wie uns bei der Entstehung.
Nicolas Costantinou & Gábor Varga
Im März 1891 besuchte Brahms Meiningen und hatte die Gelegenheit, das Klarinettenkonzert von C.M. von Weber sowie Mozarts Klarinettenquintett mit Richard Mühlfeld (1856-1907) zu hören. Brahms schrieb an Clara Schumann, dass niemand die Klarinette schöner spielen könne als dieser. Interessanterweise war Mühlfeld ursprünglich Geiger und erlernte das Klarinettenspiel während seines dreijährigen
Militärdienstes als Mitglied der Kapelle des 32sten Regiments. Danach wurde er Soloklarinettist der Meininger Hofkapelle, wo er gelegentlich auch als stellvertretender Dirigent tätig war.
Brahms erlebte eine Art Offenbarung. Durch Mühlfelds unvergleichliches Spiel lernte er die vielen Eigenschaften des Instruments zu schätzen, wie etwa den vollen Klang im tiefen Register, den samtigen Klang des mittleren und die manchmal flötenartigen, gelegentlich schrillen Töne des hohen Registers.
Tatsächlich war er so tief beeindruckt, dass er bald erkannte, dass das Instrument „eine andere Verkörperung jener Art von dunkler, seelenvoller Stimme sein könnte, die ihm immer vorgeschwebt hatte“ (J. Swafford).
Diese Erkenntnis ermutigte ihn zunächst, zwei Werke für seinen talentierten Freund zu komponieren: das Klarinettentrio a-moll für Klarinette, Cello und Klavier (op. 114) sowie das Klarinettenquintett in h-holl für Klarinette und Streichquartett (op. 115), und dann drei Jahre später die beiden Klarinettensonaten op. 120. Alle Werke wurden in Brahms’ Sommersitz in Bad Ischl in Oberösterreich komponiert. Nach einer Reihe privater Aufführungen wurde die öffentliche Uraufführung für Januar 1895 in Wien angesetzt: Die Es-Dur-Sonate erklang am 8. Januar und die f-Moll-Sonate am 11. Januar. Beide Aufführungen fanden im Rahmen der Konzerte des Geigers Arnold Rosé im Bösendorfersaal statt.
Für die Komposition der beiden Sonaten bat Brahms Mühlfeld, ihm das gesamte bisherige Klarinettenrepertoire vorzuspielen und überhäufte ihn mit Fragen zu den technischen und klanglichen Eigenschaften des Instruments. In den Werken kommt die Klarinette in idealer Symbiose mit dem Klavier wunderbar zur Geltung. In den Händen des reifen Komponisten wurde alles Oberflächliche gemieden. Einmal mehr weisen die Werke eine makellose Struktur auf, die für seine späte Kammermusik typisch ist.
Die beiden Sonaten, wie auch die letzten Klavierstücke op. 116-119, scheinen Brahms’ eigene Bemerkung gegenüber Clara widerzuspiegeln, nämlich dass er nicht mehr für die Öffentlichkeit, sondern nur noch für sich selbst Musik schreibe. Michael Musgrave stellte fest, dass diese Stücke eine „herbstliche“ Stimmung haben, bei der Resignation nur eine der wichtigen Stimmungen ist. Die Werke sind von einer „auffallenden“ Stringenz und einer allgegenwärtigen „Rhetorik“ durchdrungen; ihr Charakter ergibt sich „aus der bemerkenswerten Synthese von Elementen, die den Komponisten in seinem technischen und expressiven Wesen offenbaren“.
Die viersätzige Sonate in f-Moll ist leidenschaftlich, reich an rhetorischen Mitteln und frei in der Form. Sie beginnt mit einem Ablauf mit phrygischem Einschlag, der nicht nur die Stimmung vorgibt, sondern auch das gesamte Hauptmaterial des Satzes vorstellt. Anschließend schwelgt die Klarinette in einer rasch aufsteigenden und leidenschaftlichen Melodie mit großen Sprüngen und plötzlichen Ausbrüchen. Im Gegensatz dazu präsentiert sich das in Des-Dur beginnende Seitenthema auf eine ruhige und nostalgische Weise. Es folgt ein lebhafter dritter Abschnitt in c-Moll, der zum leidenschaftlichen Charakter des Satzes zurückführt. Die Durchführung beginnt mit dem 2. Thema und verläuft in entfernten Tonarten, bis die Musik plötzlich in cis-Moll verharrt und das 2. und 3. Thema zur Apotheose bringt. Dies führt zu den Anfangstakten zurück, hier im entfernten fis-Moll, was wiederum nach f-Moll und zur Reprise zurückführt.
Der Satz schließt mit einer ausgedehnten und freien Coda, die aus dem ersten Thema erwächst und dann zum Kopfsatz zurückkehrt, um in einer noch düstereren Stimmung zu enden.
Der zweite Satz in der parallelen Durtonart (Andante un poco Adagio) gleicht einer sanften Träumerei in dreiteiliger Form. Die liedhafte Hauptmelodie mit schubertschem Anklang wird mit sich allmählich entfaltenden Akkorden und einer Basslinie in den leichten Taktteilen vorgetragen. Der Mittelteil ist zwar etwas lebhafter, ändert aber kaum etwas an der vorherrschenden Resignation.
Das geniale Allegretto grazioso ist quasi ein stilisierter Ländler mit Trio. Es erinnert an die Volksmusik, die Brahms in den örtlichen Biergärten seiner Zeit gehört haben könnte. Der Satz bildet einen idealen Kontrast zu den angrenzenden Sätzen.
Das abschließende Vivace folgt der Rondoform. Es ist ein überschwängliches Finale, das die eher düstere Stimmung der vorangegangenen Sätze vertreibt. Es beginnt mit einer überschwänglichen Fanfare (drei wiederholte Töne auf dem Klavier), die mit dem spielerischen und fröhlichen Charakter kontrastiert, mit dem die Klarinette fortfährt. Das 2. Thema in der Dominanttonart ist ausdrucksvoller und lyrischer und entfaltet sich rhythmisch in Triolen um die dreitönige Fanfare des Anfangs herum. Das 3. Thema in der parallelen Molltonart ist voller Sehnsucht. Indem Brahms das 2. Thema auf das 3. und nicht auf das 1. folgen lässt, stellt er die friedliche Stimmung allmählich wieder her. Mehrere Wiederholungen der Eröffnungsfanfare in verschiedenen Tonarten und rhythmisch augmentiert erwecken zunächst den Eindruck, dass die Musik zum Stillstand gekommen ist, als unvermittelt die Eröffnungsfanfare wiederkehrt — diesmal auf der Klarinette — für eine noch spielerischere und verdichtete letzte Wiederholung des ersten Teils des Rondos, die den Satz zu einem triumphalen Ende führt.
Trotz der heiteren Stimmung des Satzes scheinen die Abstecher auf die parallele Molltonart im ersten Abschnitt einen flüchtigen Schatten auf den musikalischen Ablauf zu werfen. Eine genaue Analyse des Materials offenbart einen versteckten Hinweis aus dem Jahr 1853, als Brahms zwanzig Jahre alt war. Dieser Hinweis scheint mit dem Motto „Frei aber einsam“ zusammenzuhängen, das sein enger Freund, der Geiger und Komponist Josef Joachim, in seinen Kompositionen häufig verwendete und das er mit den Noten F-A-E beschriftete. Es stimmt, dass Brahms Joachims Freundschaft sehr schätzte, die - mit einer einzigen Ausnahme - beständig war. Damals beschloss Brahms zusammen mit Schumann und A. Dietrich, für Joachim etwas zu schreiben. Die Sonate von Brahms sollte genau auf diesem Motiv beruhen. Danach scheint er es in mehreren seiner Kompositionen verwendet zu haben, nicht zuletzt in der Klaviersonate Nr. 3 in f-Moll, op. 5, und dem Streichquartett in a-Moll, op. 51, Nr. 2. Dieses Motiv ist in der gesamten Sonate präsent, jeweils in der entsprechenden Tonart: unverändert am Ende der ersten Takte des dritten Abschnitts des Finales und dann ganz am Ende. Tatsächlich basiert der rhetorische Kopfsatz der Sonate auf diesem Motiv (C-F-Des), hier mit einem Es als Durchgangsnote zwischen der zweiten und dritten.
Brahms’ Biograph Max Kalbeck behauptete, die Antwort des Komponisten auf dieses Motto sei das Motiv F-A-F gewesen, eine Chiffre für „frei aber froh“, ohne jedoch Beweise für diese Behauptung zu liefern. Es ist jedoch bemerkenswert, dass die letzte Erscheinung von Joachims dreitönigen Motiv sofort von den drei Noten F-A-F in Form von ganzen Noten beantwortet wird und das Werk abschließt. Wollte Brahms hier eine Botschaft an Joachim (oder sogar an Clara) übermitteln, oder wollte er der Welt einfach nur mitteilen, dass er auch in seinem letzten Lebensabschnitt allein und glücklich sein konnte?
2023 © Dr Nicolas Costantinou
Autor des Textes Dr Nicolas Costantinou (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.
Die Sonate für Klarinette und Klavier von Constantinos Y. Stylianou wurde 2021 komponiert. Es ist die zweite Sonate für ein Blasinstrument und Klavier; die erste ist für Flöte und Klavier. Der Komponist selbst erklärt:
„Seit einigen Jahren beschäftige ich mich sehr intensiv mit der Sonatenform und habe mehrere für Violine, Viola und Cello sowie für Flöte geschrieben. Dies geschah parallel zu einer intensiven Beschäftigung mit der Melodie als der primären Kraft, die ein Musikstück in Bewegung setzt. Im Wesentlichen erforsche ich, wie diese beiden Elemente (die Sonatenform in Verbindung mit der Melodie) für meine Arbeit und in der heutigen Zeit relevant sein könnten. Dies schmälert keineswegs die Bedeutung von Harmonie, Rhythmus oder der Verwendung der Form im allgemeineren Sinne. Ich war einfach fasziniert von der Rolle der Melodie innerhalb dieser Dialektik. Ich war der Meinung, dass die Melodie es verdient, auf eine Art und Weise wiederentdeckt zu werden, die den Weg in die Zukunft weist. Das Ziel ist, dass die Melodie in einem aktuellen Kontext vielfältige und unterschiedliche Emotionen erweckt und nicht einfach nur auf die Vergangenheit anspielt (obwohl auch dieses Teil eines weiteren Spektrums sein kann).
Ich fühlte mich vom Klang der Klarinette angezogen, da ich selbst das Instrument spielte. Ich hatte das Bedürfnis, die Kombination der Klangwelt der Klarinette mit der des Klaviers zu erforschen, und wie bestimmte „Gesten“ gemeinsam genutzt werden können. Mit Gesten meine ich Motive, die als organische zu sehen sind und nicht nur bestimmte Noten oder Dauern darstellen. Eine solche Geste könnte ein weitreichendes Arpeggio sein, das je nach Akkord auf der Klarinette oder umgekehrt auf dem Klavier leichter zu spielen ist, während eine schnell ansteigende oder abfallende (chromatische oder sonstige) Tonleiter auf beiden Instrumenten viele verschiedene Klanglandschaften erzeugen kann. Darüber hinaus kann etwas, das einfach zu sein scheint, in Wirklichkeit für jedes Instrument eine andere Herausforderung
darstellen: lange, langsame, sich entfaltende Melodien, die bei der Klarinette eine extreme Kontrolle der Atmung und beim Klavier eine extreme Kontrolle des Anschlags erfordern. Keines dieser Stücke war als Übung oder eigenständiges Forschungsobjekt gedacht, sondern einfach als Ausgangspunkt für etwas, von dem ich hoffte, dass es die Freude am Klarinettenklang und der Melodie im Allgemeinen zeigen würde.
Erster Satz: Der geheimnisvolle Anfang, der von der unbegleiteten Klarinette vorgetragen wird, stellt in rascher Abfolge die beiden Hauptthemen der Sonatenform vor: ein ansteigendes und dann absteigendes Arpeggio und eine kleine Melodie, die aus einer Quintole und einem punktierten Rhythmus besteht. Dies setzt eine Dialektik maximaler Kontraste zwischen den beiden Themen in Gang, die im gesamten, in der Tat sehr ausgedehnten Durchführungsteil, intensive Höhepunkte erzeugt. Dies führt vor dem kraftlos wirkenden Ende zu einer lebhaften Reprise.
Zweiter Satz: Er besteht aus einer langen, sich langsam entfaltende Melodie, die meist im tiefen Register der Klarinette erklingt und Gefühlstiefe oder sogar Wehmut ausstrahlt. Dies führt zum Mittelteil, in welchem das Klavier in einer traumartigen Sequenz die Hauptrolle spielt. Die Wiederkehr des ersten Abschnitts wird durch Momente intensiver Leidenschaft erweitert.
Dritter Satz: Hier handelt es sich um einen humorvollen, scherzoartigen Satz, der heftige und hartnäckige (und manchmal chromatische) Motive enthält, die einander gegenübergestellt werden. Im Mittelteil ändert sich die Stimmung, sowohl rhythmisch (der Satz verlangsamt sich) als auch emotional (er wird ausdrucksvoller). Die Wiederaufnahme des Anfangsteils führt zu einem Schluss mit einer überraschenden Wendung.
Vierter Satz: Verspielt und majestätisch zugleich, nutzt dieses Rondo bestimmte Eigenschaften der Klarinette voll aus, um die für diesen Satz charakteristische Stimmung zu erzeugen. Einer der kontrastierenden Abschnitte evoziert eine Atmosphäre intensiver Romantik, ein anderer lässt Volksmusik durchschimmern. Das gewaltige und prachtvolle Finale schließt den Kreis zum ersten Satz und endet mit demselben tragischen Gefühl.
Autor des Textes Constantinos Y. Stylianou (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.
2023 © Constantinos Y. Stylianou
Gabor Varga, 1974 in Ungarn geboren, begann seine Laufbahn als Klarinettist an der Universität Szeged und der Liszt-Akademie für Musik in Budapest, wo er 1996 und 1998 seine Diplome erwarb. Später setzte er seine Studien am renommierten Pariser Konservatorium fort und schloss 2002 sein Aufbaustudium ab.
Seine professionelle Orchestertätigkeit begann 1995, als er als Solo-Klarinettist beim Philharmonischen Orchester Győr verpflichtet wurde. Ein Jahr später übernahm er dieselbe Rolle bei Concerto Budapest, und zwischen 1997 und 2022 war er Solo-Klarinettist des Ungarischen Radio-Symphonieorchesters. Von 2005 bis 2007, während seines Sabbatjahres in Budapest, war Varga Solo-Klarinettist beim Singapore Symphony Orchestra. Seit 2001 tritt er auch regelmäßig mit dem Franz Liszt Kammerorchester auf.
Vargas’ Leistungen haben ihm mehrere nationale (1985, 1988, 1992) und internationale (1994, 1995, 2001) Auszeichnungen eingebracht. Seine Auftritte haben ihn in über 25 Länder geführt, darunter die Vereinigten Staaten, Japan, China und Großbritannien. Er ist auf prestigeträchtigen Bühnen wie im Musikverein in Wien und dem Gewandhaus in Leipzig aufgetreten sowie auch bei zahlreichen Musikfestivals und Klarinettenkongressen weltweit.
Als starker Befürworter zeitgenössischer Musik hat Varga zahlreiche Kammerwerke uraufgeführt und Konzerte bei führenden ungarischen Komponisten wie Kovács, Durkó und Vajda in Auftrag gegeben. Er setzt sich weiterhin für neue Musik für das ungarische Publikum ein und interpretiert Werke wie Weinbergs Sonate und Thea Musgraves Klarinettenkonzert.
Seine Diskografie umfasst Aufnahmen von Kammermusik und Klarinettenkonzerten von Weber und Mozart für den Ungarischen Rundfunk sowie CDs mit Nielsens Klarinettenkonzert, Kovács’ Dreamdances und Werken von Družecký und Vajda.
Neben seiner künstlerischen Laufbahn ist Varga ein gefragter Lehrer. Er hat Meisterkurse in Europa, Asien und Amerika an Institutionen wie dem Beijing Central Conservatory, der Musikakademie in Kattowitz und dem Royal College of Music in London gehalten. Seit Beginn seiner Lehrtätigkeit als Assistent an der Liszt-Akademie im Jahr 2001 hatte er Positionen an der NAFA in Singapur, der Universität Debrecen und der Universität Győr inne.
Derzeit hat Varga den Internationalen Lehrstuhl für Klarinette am Royal Northern College of Music in Manchester inne und ist seit 2022 Associate Professor für Klarinette an der Jacobs School of Music in Bloomington, Indiana.
Der Steinway-Künstler Nicolas Costantinou macht sich einen Namen mit seiner gewagten, das Publikum beeindruckenden Auswahl an altem und neuem Repertoire und seiner Zusammenarbeit mit außergewöhnlichen Instrumentalensembles. Kritiker priesen ihn als „… einen Künstler mit tiefen Gefühlen, dem es gelingt, Musik mit seinem ganzen Wesen und seiner ganzen Seele zu spielen…“ (Kaleva, 2003), während seine Interpretationen als „kolossal“ und „dramatisch“ beschrieben wurden (Dimitri Nicolau, 2002).
Nicolas hat zahlreiche Konzerte in Europa, den USA und im Nahen Osten gegeben sowie Liederabende in der Londoner Wigmore Hall, im Brahms-Saal des Wiener Musikvereins, im Beethoven-Haus in Bonn und im Großen Saal der Franz-Liszt-Musikakademie in Wien. Außerdem trat er auf internationalen Festivals wie dem Kuhmo Chamber Music Festival, dem Oulunsalo Soi Music Festival (Finnland) und dem Gödöllő-Kammermusik-Festival (Ungarn) auf. Auch mit dem Philharmonia Orchestra, der Russischen Kammerphilharmonie St. Petersburg, dem Budapest Concert Orchestra und dem Zyprischen Symphonieorchester sowie mit Maestros wie Konrad von Abel, Juri Gilbo, Esa Heikkilä und anderen ist er aufgetreten.
Neben seiner Solokarriere musiziert Nicolas gerne in Gesellschaft Anderer und pflegt hin und wieder interdisziplinäre Kooperationen mit Tänzern, Choreografen, Malern und anderen Multimedia-Künstlern.
Zu seinen Partnern zählen die Geiger Chloë Hanslip, Simos Papanas und Vilmos Szabadi, der Bratscher Máté Szűcs, die Cellisten Tytus Miecznikowski, Erkki Rautio, Gustav Rivinius und Péter Somodari, der Flötist János Bálint, der Klarinettist Gábor Varga und das Meta4-Streichquartett. Nicolas hat eine besondere Vorliebe für Kunstlieder und arbeitet gerne mit einer Vielzahl von Sängern zusammen. Er führt regelmäßig Werke lebender Komponisten auf; viele davon sind Uraufführungen.
Nicolas’ Interesse an Musik und den Künsten im Allgemeinen entwickelte sich schon in früher Kindheit; Er stammt aus einer Familie angesehener Musiker, Künstler, Schauspieler, Tänzer, Choreografen und Architekten. Er studierte Klavierspiel in Ungarn, den USA und Großbritannien und erhielt Abschlüsse von der Musikfakultät der Universität Szeged und der Franz-Liszt-Musikakademie in Budapest; er besitzt auch einen Master of Music in Performance vom Cleveland Institute of Music. Im Jahr 2013 wurde ihm der Doktortitel der Philosophie vom Royal College of Music in London verliehen.
(Thea Musgrave).
(Mieczysław
Szabadi,
Philharmonia,
Konrad von Abel, Juri Gilbo, Esa Heikkilä
This album was made possible through the generous sponsorship of the Jacobs School of Music of Indiana University, USA
Recorded at Strovolos Municipal Theatre, Cyprus
3-6 December 2023
Recording producer/Engineer, Mixing, Editing and Mastering: Stefanos Ioannou
Piano: Steinway D 573751
Piano Technician: Constantinos Loizou
Photography: Dinah Kaprou
Cover Photo: Tommaso Tuzj
Graphic: marcoantonetti.com
Translations: Antonio Gómez Schneekloth (German) costantinou.com buffet-crampon.com/artist/gabor-varga www.odradek-records.com