DAVID GUERCHOVITCH VIOLIN SLAVA GUERCHOVITCH PIANO
RAVEL IMAGINAIRE
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Violin Sonata No. 2 in G Major, M. 77 (1923/27)
1. I. Allegretto 08'00
2. II. Blues. Moderato 05'36
3. III. Perpetuum mobile. Allegro 03'59
Ma mère l’Oye, M. 60 (1908/10)
Version for solo piano transcribed by Jacques Charlot
4. Prélude 04'14
5. I. Danse du Rouet et Scène 04'04
6. II. Pavane de la Belle au bois dormant 03'33
7. III. Les entretiens de la Belle et de la Bête 05'12
8. IV. Petit Poucet 05'29
9. V. Laideronnette, Impératrice des pagodes 05'09 10. Apothéose. Le jardin féerique 03'19
11. Tzigane, rapsodie de concert, M. 76 (1924) 11'01
Total Play Time: 59'52
Maurice Ravel, a French composer from the early 20th century, is an iconic figure of Impressionist music, although he often distanced himself from this label. His work is distinguished by a deep exploration of the imagination, where each composition seems to create a unique sound universe. Works such as Boléro and Gaspard de la nuit illustrate his talent for transforming abstract ideas into concrete musical experiences, immersing the listener in alternative worlds through innovative orchestrations and complex harmonies.
Ravel’s imagination is not limited to escapism or mere fantasy. It is often rooted in mythological, literary or poetic narratives, as demonstrated by Daphnis et Chloé, a ballet inspired by an ancient Greek novel. This penchant for musical storytelling allowed Ravel to fuse different art forms, creating works that resonate as much for their narrative richness as for their sonic aesthetics. The orchestral textures and dynamic nuances serve to illustrate stories, emotions and landscapes, transforming each performance into an immersive experience.
Furthermore, Ravel used his imagination to push the technical and expressive boundaries of music. His piano compositions, such as Jeux d’eau and Miroirs, exemplify his innovative approach. Through advanced pianistic techniques and an inventive exploitation of timbres, he manages to evoke images and sensations with astonishing precision. Thus, Ravel’s imagination is both a quest for beauty and a technical challenge, inviting musicians and listeners to explore new dimensions of musical art.
In our album, we therefore decided to rediscover three works for violin and piano, ignoring the amalgams of tradition and editorial notes of the last century as far as is possible, in order to try to experience and understand the imagination of Ravel in all purity and remaining faithful to the spirit of the composer.
David and Slava Guerchovitch
Maurice Ravel’s Sonata for Violin and Piano in G major, composed between 1923 and 1927, is an exemplary work of the composer’s exploration of his imagination. Each movement illustrates in a different way Ravel’s ability to transport the listener into contrasting sound worlds, while pushing the boundaries of the classical tradition through harmonic, rhythmic and textural innovations.
The first movement presents a simplicity and transparency that invites the listener to an intimate contemplation. The opening theme, played on the piano with restrained elegance, is then taken up by the violin, accompanied by pentatonic waves creating an ‘oriental’ atmosphere, which will spread throughout the movement. This economy of means creates a purified sound space, allowing the imagination to flourish. The bithematic sonata form, with its themes in G major and D minor, is fertile ground for Ravel’s subtle harmonic exploration. The delicate modulations and variations of the development give the impression of a stroll through changing and dreamlike landscapes; a stroll for two, where the voices of the violin and the piano, often in counterpoint, create two distinct characters, each bringing its own colour to the musical picture. This movement is imagined as a reverie, where everything is full of colours but at the same time without precise sharpness, doing justice to the Impressionist style of the composer.
The second movement, ‘Blues’, plunges from the first bars into the world of jazz and blues, predating by a few years Ravel’s trip to America. This movement is imbued with a nostalgic and sensual atmosphere, evoking the style of W.C. Handy’s blues band, which toured Paris in the 1920s. The violin, with its glissandos and double stops, creates a rich and expressive texture, ranging from a jazz voice to a brutal imitation of the banjo, while the piano maintains throughout the movement the rhythmic relentlessness of a double bass, with at times Gershwinesque melodies. The free ternary form (A-B-A) allows Ravel to explore different facets of blues imagery. The A section introduces a languorous melody, while the B section provides a rhythmically more lively contrast, illustrating Ravel’s ability to juxtapose different musical styles and characters. The use of chromaticisms and mordants reinforces the improvisational and jazzy character of the movement, adding a dimension of spontaneity and unpredictability.
The ‘Perpetuum mobile’ third movement is a display of pure virtuosity. It evokes a frantic and continuous race, a veritable whirlwind of sound that hypnotises the listener. The modified rondo form, with its recurring main theme, is the only anchor that allows the listener not to get completely lost in a storm of rhythms, harmonies and accents. The violin’s semiquaver passages and the piano’s rhythmic supports
build a dense texture, evoking images of moving landscapes and activities. The use of syncopations and unexpected accents reinforces the excitement and unpredictability of the movement, which ends with a recapitulation of the themes of the previous movements, but in deafening and violent nuances; this mixture bursts abruptly on the harmonic reconciliation of violin and piano in a dazzling chord in the main key, putting a stop to what seemed to be an inexhaustible kinetic energy.
The performance of this sonata was for us a key element in understanding Ravel’s imagination; indeed, the manuscript of the first performance contains not only the indications of Ravel, but also of George Enescu, the first interpreter of the sonata and a great friend of the composer, with whom he had studied. We see clear parallels between each movement and other compositions by Ravel: the dreamy first movement reminiscent of Ma mère l’Oye; the second movement finding parallels in the harmonies and interpretative techniques of L’enfant et les sortilèges; the last movement taking up an interminable rhythm and ending abruptly, anticipating Boléro. In this way, Ravel’s G major Violin Sonata allows the listener to appreciate the range of the composer’s imaginary worlds, while presenting the rigour and pure form of a musical masterpiece.
Ravel’s Ma mère l’Oye is a charming and delicate work, initially composed for piano four hands and later orchestrated by the composer. Initially published in 1910 under the title of Cinq pièces enfantines for piano four hands, it took the form of a suite for orchestra then a ballet, and once again demonstrates the composer’s talent as an arranger and orchestrator. Written for the children of his friends Ida and Cipa Godebski, Jean and Mimie, the original suite is created for the hands of the two children, aged six and ten, confirming this “childish” theme recurrent in Ravel’s work.
Jacques Louis Albert Charlot, composer and close friend of Ravel, left his mark by publishing with his uncle, the Parisian publisher Jacques Durand, numerous transcriptions of works by Ravel and Claude Debussy. Approved by Ravel himself, this transcription reproduces the work in its final form, that of the ballet created in 1912. Charlot was mobilised and killed at the front of the Great War, and Ravel paid a final tribute to him by dedicating his ‘Prelude’ from Le tombeau de Couperin to him. The particularity of Charlot’s transcription lies in the fact that the interpretation of the first two movements requires one or two additional hands for the execution of the additional staves, making public performance impossible without technological assistance or artifice. Thanks to modern recording technology, Slava records the additional voices separately, then combines them with the main voice.
Hence we are talking about a world premiere recording of the entire solo piano version. Furthermore, access to Ravel’s personal score, including his annotations, allows for a performance that remains faithful to the original source and the composer’s vision.
Inspired by the fairy tales of Charles Perrault, the suite is divided into five pieces. The ballet opens with a Prélude, which begins with perfect, soft chords with a pianissimo nuance. Little by little, Ravel not only reveals the thematic formulae that we will find in each of the interludes separating each tableau (in the manner of Mussorgsky and his ‘Promenades’ in Pictures at an Exhibition, orchestrated by Ravel!), but he also reveals the entire orchestral nomenclature and its colours, leading us to the rising of the curtain and the First Tableau: ‘Danse du rouet et scène’. In a playful and joyful manner, Ravel introduces Princess Florine, a character of his invention but based on Sleeping Beauty, from the tale by Charles Perrault. Towards the end of the tableau, Ravel perfectly illustrates the moment when “she stumbles and goes to hit the spinning wheel and the distaff hurts her”, before weakening and falling into a deep sleep. The interlude that follows, taking up the thematic element of the beginning of the ballet but in a much darker character and colour, prepares us for the slow and melancholic Second Tableau: ‘Pavane de la Belle au Bois Dormant’. At the end of this Pavane (which could be considered a younger sister, more candid, of the Pavane pour une infante défunte for solo piano), the whistling of the Fairy Bénigne, another character from the composer’s imagination, announces the change of scenery to make way for the tale of Madame Leprince de Beaumont : ‘Les Entretiens de la Belle et de la Bête’. In this waltz, the most poetic tableau of the ballet, Ravel imitates the dialogue between the two characters; the Beast ultimately transforms into “a prince more beautiful than Love”.
The following interlude furtively announces the main melody of the Fourth Tableau, ‘Le Petit-Poucet’, another tale by Perrault. Ravel refers here to the episode where Petit-Poucet leaves pieces of bread on the ground in order to find his way home, but this bread is ultimately eaten by birds. In a scene where Petit-Poucet and his brothers sob, the Tableau ends to make way for an interlude including a dazzling moment in which, through the pentatonic scale, Ravel pays direct homage to the music of the East. This pentatonism is a central element in the Fifth Tableau: ‘Laideronnette, Emperesse des Pagodes’, the main character of Madame d’Aulnoy’s tale Serpentin Vert. This tale, the most wonderful in the ballet, showcases Laideronnette, rejected by her family for her ugliness, loved by Serpentin-Vert, himself condemned to a reptilian appearance. In Ravel, Laideronnette is dressed as a Chinese lady, because he wanted to stage a “chinoiserie” filled with Pagodas and Pagodines.
Following this tale, the last interlude takes the listener back to the setting of the First Tableau, in order to find Princess Florine, asleep, in the ‘Apothéose: le Jardin Féerique’. All the characters who appeared previously come together to accompany Prince Charming guided by Cupid towards the princess. The fairy Bénigne blesses the couple; Ravel, for his part, honours the wonderful nature of the tale, this literary genre that has sometimes been too underestimated and depreciated in the past, and manages to capture the essence of these stories with remarkable finesse and sensitivity, using subtle textures and evocative harmonies to transport the listener into an imaginary world, imbued with nostalgia and magic.
Ravel’s Tzigane is a work that embodies the imagination through its vibrant and passionate evocation of the work’s eponymous culture. Ravel, a fervent defender and admirer of Romanian and Hungarian music, captured the essence and free spirit of these nomadic peoples, transforming his impressions into a bold and captivating rhapsody. The opening cadenza, played by the solo violin, evokes a story without words, a musical narrative that invites one to delve into one’s own visions and reveries. Techniques such as glissandos and pizzicatos add a fantastical dimension, evoking images of distant landscapes. From the piano’s entrance, the listener is further transported into an imaginary world, where the interactions between piano and violin recall a wild dance with fiery melodies.
The influence of Jelly d’Arányi, a Hungarian-born violinist to whom the piece is dedicated, is felt in the fervent and emotional violin writing, reinforcing the improvisatory character of the work. Ravel remains true to himself, however, and this improvised character is dictated by rigorous rhythmic notations, which we were able to observe on the manuscript itself, kept in our hometown of Monaco. These often ignored indications allowed us to take a new approach to and interpretation of an undoubted classic, opening a door to the exotic universe of this composer’s imagination.
David and Slava Guerchovitch
Following a three-generations family tradition, David Guerchovitch started learning the violin with his parents, and continued with Pavel Vernikov, Ana Chumachenco and Maxim Vengerov. He has won numerous prizes in competitions as a soloist (Andrea Postacchini in Italy, Klöster Schöntal in Germany), but also in chamber music (First Prize at the Gianni Bergamo Classic Award in Lugano, Third Prize at the International Mozart Competition in Salzburg, Special Prize Jeunesses Musicales at the Wigmore Hall Quartet Competition in London). Since 2019, he has been First Concertmaster at the Bern Symphony Orchestra, and as well as playing solo and chamber music concerts he collaborates regularly with the Houston Symphony Orchestra, the Orchestre de la Suisse Romande, the Basel Symphony Orchestra, and the Royal Philharmonic Orchestra of London, among many others. David Guerchovitch plays on a 1739 Sanctus Seraphino violin kindly loaned by the Tharice Foundation.
David Guerchovitch
Born in 1999 in the Principality of Monaco, Slava Guerchovitch is a French pianist raised in a musical family of Soviet immigrants. After studying at the Rainier III Academy of Music in Monaco, he entered the CNSM de Paris, where he obtained his bachelor’s degree in piano with unanimous congratulations from the jury. Slava Guerchovitch is currently studying with the Russian pedagogue Réna Shereshevskaya at the École Normale Cortot in Paris. Winner of numerous international competitions (Epinal, Rome, Bellan, Scriabine, Sète, Claude Kahn...), he is regularly invited to perform in France and abroad: Festival Piano à Saint-Ursanne, La Società dei Concerti di Milano, Festival Musicorum, Artenetra, Piano en Valois, Festival de Menton, Festival Chopin à Paris, Festival Bach à Toul, Les Nuits d’Eté à Saint-Médard-enJalles, Piano à Levens, Festival Max Van der Linden... He collaborates as a soloist and in chamber music with the Monte-Carlo Philharmonic Orchestra, the Bern Symphony Orchestra, the Roma Tre Orchestra, among others. Since June 2022, Slava has been the ambassador of the Sancta Devota Humanitarian Foundation of Monaco.
“Slava Guerchovitch has not only the necessary culture and technique for a career, but also the sound and sensitivity that make him a unique artist.”
Olivier Bellamy
“From the very first notes, there is a signature sound: Slava Guerchovitch, with the significant presence of his touch, his awareness and mastery of the material he shapes, captures the attention and draws the listener into a singular poetic universe. We follow him joyfully; so much so that his approach, so full of life, enriched by a sharp perception of the musical text, served by admirable technical skills, a wide range of colours and an extreme concentration of gesture, embodies necessity and clarity. At 23, Rena Shereshevskaya’s disciple has not finished surprising us…”
Alain Cochard, rédacteur en chef de Concertclassic.com
Slava Guerchovitch
Compositeur français du début du XXe siècle, Maurice Ravel est une figure emblématique de la musique impressionniste, bien que lui-même se soit souvent tenu à distance de cette étiquette. Son œuvre se distingue par une exploration profonde de l’imaginaire, où chaque composition semble créer un univers sonore unique.
Du Boléro, où un rythme simple se transforme en une voyage musicale, au Gaspard de la nuit, ancré dans une œuvre littéraire concrète, Ravel enchante les auditeurs grâce à des orchestrations innovantes et des harmonies de plus en plus complexes.
L’imaginaire chez Ravel ne se limite donc pas à l’évasion ou à la simple fantaisie. Il s’enracine souvent dans des récits mythologiques, littéraires ou poétiques, comme le démontre Daphnis et Chloé, un ballet inspiré d’un roman grec antique. Ce penchant pour la narration musicale permet à Ravel de fusionner différentes formes d’art, créant des œuvres qui résonnent autant par leur richesse narrative que par leur esthétique sonore. Les textures orchestrales et les nuances dynamiques servent à illustrer des histoires, des émotions et des paysages, transformant chaque performance en une expérience immersive.
En outre, Ravel utilise son imagination pour repousser les limites interprétatives de la musique. Par des techniques d’écriture avancées et une exploitation inventive des timbres, il évoque, de par ses indications précises, des images et des sensations ensorcelantes.
L’imaginaire chez Ravel est donc à la fois une quête de beauté et un défi technique, une idée éphémère mais un acte concret, invitant les musiciens et les auditeurs à explorer des dimensions nouvelles de l’art musical.
Dans notre disque, nous décidons donc de redécouvrir trois œuvres pour violon et piano, en ignorant les amalgames de tradition et de notes éditoriales du siècle passé, afin d’essayer d’éprouver et de comprendre l’imaginaire de Maurice Ravel, en toute pureté et en restant fidèle à l’esprit du compositeur.
David et Slava Guerchovitch
La Sonate pour violon et piano en sol majeur de Maurice Ravel, composée entre 1923 et 1927, est une œuvre exemplaire de l’exploration de l’imaginaire du compositeur. Chaque mouvement illustre d’une manière différente la capacité de Ravel à transporter l’auditeur dans des univers sonores contrastés, tout en repoussant les frontières de la tradition classique par des innovations harmoniques, rythmiques et texturales.
Le premier mouvement présente une simplicité et une transparence qui invitent l’auditeur à une contemplation intime. Le thème d’ouverture, joué au piano avec une élégance retenue, est ensuite repris par le violon, accompagné par des vagues pentatoniques, créant une atmosphère orientale, qui se rependra tout au long du mouvement. Cette économie de moyens crée un espace sonore épuré, permettant à l’imaginaire de s’épanouir. La forme sonate bithematique, avec ses thèmes en sol majeur et en ré mineur, est un terrain fertile pour l’exploration harmonique subtile de Ravel. Les modulations délicates et les variations du développement donnent l’impression d’une promenade à travers des paysages changeants et oniriques; une promenade à deux, où les voix du violon et du piano, souvent en contrepoint, créent deux personnages distincts, chacun apportant sa propre couleur au tableau musical. Ce mouvement s’imagine comme une rêverie, où tout est plein de couleurs mais en même temps sans netteté précise, rendant justice au style impressionniste du compositeur.
Le second mouvement, ‘Blues’, plonge dès les premières mesures dans l’univers du jazz et du blues, pré-datant de quelques années le voyage de Ravel en Amérique. Ce mouvement est imprégné d’une atmosphère nostalgique et sensuelle, évoquant le style du blues band de W.C. Handy, en tournée à Paris dans les années 1920. Le violon, avec ses glissandos et ses doubles cordes, créé une texture sonore riche et expressive, allant d’une voix de jazz jusqu’à une imitation brutale du banjo, alors que le piano garde tout le long du mouvement l’implacabilité rythmique d’une contrebasse, avec de mélodies par moment gershwinesque. La forme ternaire libre (A-B-A) permet à Ravel d’explorer différentes facettes de l’imaginaire blues. La section A introduit une mélodie langoureuse, tandis que la section B apporte un contraste rythmiquement plus vif, illustrant la capacité de Ravel à juxtaposer différents styles et caractères musicaux. L’utilisation de chromatismes et de mordants renforce le caractère improvisé et jazzy du mouvement, ajoutant une dimension de spontanéité et d’imprévisibilité.
Le troisième mouvement ‘Perpetuum mobile’ est une démonstration de virtuosité pure. Il évoque une course effrénée et continue, un véritable tourbillon sonore qui hypnotise l’auditeur. La forme de rondo modifiée, avec son thème principal récurrent, est le seul ancrage qui permet à l’auditeur de ne pas entièrement se perdre dans une tempête de rythmes, harmonies et accents. Les passages en doubles
croches du violon et les soutiens rythmiques du piano construisent une texture dense, évoquant des images de paysages mouvants et d’activités. L’utilisation de syncopes et d’accents inattendus renforce l’excitation et l’imprévisibilité du mouvement, qui se termine avec une récapitulation des thèmes des précédents mouvements, mais dans des nuances assourdissantes et violentes; ce mélange éclate d’une manière abrupte sur la réconciliation harmonique du violon et du piano dans un accord éblouissant de la tonalité principale, arrêtant ce qui semblait être une énergie cinétique inépuisable.
L’interprétation de cette sonate était pour nous un élément clé de la compréhension de l’imaginaire de Ravel; en effet, le manuscrit de la première interprétation comporte non seulement les indications de Ravel, mais également de Georges Enesco, premier interprète de ladite sonate, et grand ami du compositeur, avec lequel il avait étudié. Nous voyons des parallèles claires entre chaque mouvement et d’autres compositions de Ravel: premier mouvement rêveur nettement réminiscent de Ma Mère l’Oye; second mouvement empruntant les harmonies et les techniques interprétatives de L’enfant et les sortilèges; dernier mouvement reprenant un rythme interminable pour s’achever abruptement, tout comme le Boléro. De ce, la Sonate pour violon et piano en sol majeur de Maurice Ravel permet à l’auditeur d’apprécier l’éventail des mondes imaginaires du compositeur, tout en présentant la rigueur et la forme pure d’un chef d’œuvre musical.
Ma mère l’Oye de Maurice Ravel est une œuvre charmante et délicate, composée initialement pour piano à quatre mains et plus tard orchestrée par le compositeur. Initialement publiée en 1910 sous le titre de Cinq pièces enfantines pour piano à 4 mains, elle prendra la forme d’une suite pour orchestre puis d’un ballet, et témoignera une fois de plus du talent d’arrangeur et orchestrateur du compositeur. Ecrite à l’intention des enfants de ses amis Ida et Cipa Godebski, Jean et Mimie, la suite originelle est crée par les mains des deux enfants âgés de six et dix ans, confirmant cette thématique « enfantine », récurrente dans l’œuvre de Ravel.
Jacques Louis Albert Charlot, compositeur et ami proche de Ravel, laisse son empreinte en publiant chez son oncle, l’éditeur parisien Jacques Durand, de nombreuses transcriptions d’œuvres de Maurice Ravel et Claude Debussy. Approuvée par Ravel en personne, cette transcription reprend l’œuvre sous sa forme finale, celle du ballet créé en 1912. Mobilisé et tué au front de la Grande Guerre, Ravel rendra un ultime hommage à Jacques Charlot en lui dédiant son « Prélude » du Le Tombeau de Couperin. La particularité de cette transcription de Charlot réside en le fait que l’interprétation des deux premiers mouvements nécessite une à deux mains supplémentaires pour l’exécution des portées additionnelles, rendant la performance publique impossible sans une aide ou artifice technologique. Grace à la technologie d’enregistrement moderne, Slava enregistre les voix supplémentaires séparément, pour ensuite les combiner avec la voix principale.
On parle ici donc de l’enregistrement en première mondiale de la version pour piano solo dans son integralité. De plus, l’accès à la partition personnelle de Ravel, comprenant ses annotations, permet une exécution fidèle à la source et à la vision du compositeur.
Inspirée par les contes de fées de Charles Perrault, la suite musicale se divise en cinq pièces. Le ballet s’ouvre sur un Prélude, qui débute avec ces accords parfaits et doux, à la nuance pianissimo. Petit à petit, Ravel dévoile non seulement les formules thématiques que l’on retrouvera dans chacun des Interludes séparant chaque tableau (à la manière de Mussorgsky et ses « Promenades » dans les Tableaux d’une Exposition, orchestrés par Ravel !), mais il dévoile l’intégralité de la nomenclature orchestrale et ses couleurs, nous amenant au lever du rideau et au Premier Tableau : ‘Danse du Rouet et Scène’. Dans un caractère espiègle et joyeux, Ravel introduit la Princesse Florine, un personnage de son invention mais basé sur La Belle au bois dormant, du conte de Charles Perrault. Vers la fin du tableau, Ravel illustre parfaitement le moment où « elle trébuche et va donner sur le rouet dot la quenouille la blesse », avant de faiblir et tomber dans un sommeil profond. L’interlude qui suit, reprenant l’élément thématique du début du ballet, mais dans un caractère et une couleur beaucoup plus sombre, nous prépare au Deuxième Tableau, lent et mélancolique, de la ‘Pavane de la Belle au bois dormant’. A la fin de cette Pavane (qui pourrait être considérée comme une petite sœur, plus candide, de la Pavane pour une infante défunte pour piano solo), le sifflement de la Fée Bénigne, autre personnage de l’imaginaire du compositeur, annonce le changement de décor pour laisser place au conte de Madame Leprince de Beaumont dans ‘Les Entretiens de la Belle et de la Bête’. Dans cette valse, tableau le plus poétique du ballet, Ravel réussit à imiter le dialogue entre les deux personnages, en leur attribuant un instrument différent. La mélodie aimable interprétée dans l’orchestre par la clarinette représente la Belle, tandis que le contrebasson au timbre rauque peint le caractère de la Bête, qui se transforme en « un prince plus beau que l’Amour » lorsque résonne le glissando magique de la harpe.
L’interlude suivant annonce furtivement la mélodie principale du Quatrième Tableau, ‘le Petit-Poucet’, autre conte de Charles Perrault. Ravel fait ici référence à l’épisode où le Petit Poucet laisse par terre des morceaux de pain dans le but de retrouver le chemin vers la maison, mais ce pain sera finalement mangé par des oiseaux. Dans une scène où le Petit-Poucet et ses frères sanglotent, le Tableau prend fin pour laisser place à une interlude comprenant un éblouissant solo de harpe où, à travers la gamme pentatonique, Ravel rend un hommage direct à l’Orient. Ce pentatonisme est un élément central dans le Cinquième Tableau, ‘Laideronnette, Impératrice des Pagodes’, personnage principal du conte de Madame d’Aulnoy, Serpentin Vert. Ce conte, le plus merveilleux du ballet, met en lumière Laideronnette,
rejetée par sa famille pour sa laideur, aimée par Serpentin-Vert, lui-même condamné à une apparence reptilienne. Chez Ravel, Laideronnette est habillée en dame chinoise, car il souhaite mettre en scène une « chinoiserie », remplie de Pagodes et Pagodines.
Suite à ce dernier conte, le dernier interlude ramène l’auditeur au décor du Premier Tableau, afin de retrouver la Princesse Florine, endormie, dans l’Apothéose : ‘Le jardin féérique’. Tous les personnages apparus précédemment se réunissent pour accompagner la Prince Charmant guidé par un Amour vers la princesse. La fée Bénigne bénit le couple ; Ravel, lui, honore le monde merveilleux du conte, ce genre littéraire qui fut beaucoup trop sous-estimé et déprécié dans le passé, et parvient à capturer l’essence de ces récits avec une finesse et une sensibilité remarquables, utilisant des textures orchestrales subtiles et des harmonies évocatrices pour transporter l’auditeur dans un monde imaginaire, empreint de nostalgie et de magie.
Tzigane de Maurice Ravel est une œuvre qui incarne l’imaginaire par son évocation vibrante et passionnée de la culture éponyme de l’œuvre. Ravel, fervent défendeur et admirateur de la musique roumaine et hongroise, a su capturer l’essence et l’esprit libre de ce peuple nomade, transformant ses impressions en une rhapsodie audacieuse et envoûtante. La cadence d’ouverture, jouée par le violon solo, évoque une histoire sans paroles, une narration musicale qui invite chacun à se plonger dans ses propres visions et rêveries. Les techniques de jeu, comme les glissandos et les pizzicatos, ajoutent une dimension fantastique, évoquant des images de paysages lointains. Dès l’entrée du piano, l’auditeur est davantage transporté dans un monde imaginaire, où les interactions entre piano et violon rappellent une danse effrénée aux mélodies enflammées.
L’influence de Jelly d’Arányi, une violoniste d’origine hongroise à qui la pièce est dédiée, se ressent dans l’interprétation fervente et émotionnelle du violon, renforçant le caractère imaginaire et improvisé de l’œuvre. Ravel reste cependant fidèle à lui-même, et le caractère improvisé est dicté par des notations rythmiques fort rigoureuses, que nous avons pu observer sur le manuscrit même, gardé dans notre ville natale de Monaco. Ces indications souvent ignorées nous permettent d’avoir un nouveau regard, et de ce fait une nouvelle interprétation d’un classique indubitable, ouvrant une porte sur l’univers exotique de l’imagination du compositeur.
David et Slava Guerchovitch
Suivant la tradition familiale depuis 3 générations, David Guerchovitch a commencé le violon avec ses parents, et a continué avec Pavel Vernikov, Ana Chumachenco, et enfin avec Maxim Vengerov. Il a gagné de nombreux prix à des concours en tant que soliste (Andrea Postacchini en Italie, Klöster Schöntal en Allemagne), mais aussi en musique de chambre (1er Prix au Gianni Bergamo Classic Award à Lugano, 3ème Prix au International Mozart Compétition à Salzbourg, Prix Spécial Jeunesses Musicales au “Wigmore Hall Quartet Competition” à Londres). Depuis 2019, il est premier violon solo à l’Orchestre Symphonique de Berne, et il joue en solo et collabore régulièrement avec le Houston Symphony Orchestra, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre Symphonique de Bâle, le Royal Philharmonic de Londres, pour n’en citer que quelques-uns. David Guerchovitch joue sur un violon Sanctus Seraphino de 1739 gracieusement prêté par la Fondation Tharice.
Issu d’une famille musicienne d’immigrés soviétiques, Slava Guerchovitch est un pianiste français né en 1999 dans la Principauté de Monaco. Après des études à l’Académie de Musique Rainier III de Monaco, il rentre au CNSM de Paris, où il obtiendra sa Licence de Piano à l’unanimité avec les félicitations du jury. Actuellement, Slava Guerchovitch poursuit sa formation artistique auprès de la pédagogue russe Réna Shereshevskaya, à l’Ecole Normale Cortot à Paris. Lauréat de nombreux concours internationaux (Epinal, Rome, Bellan, Scriabine, Sète, Claude Kahn…), il est régulièrement invité en France et à l’étranger : Festival Piano à Saint-Ursanne, La Società dei Concerti di Milano, Festival Musicorum, Artenetra, Piano en Valois, Festival de Menton, Festival Chopin à Paris, Festival Bach à Toul, Les Nuits d’Eté à Saint-Médard-en-Jalles, Piano à Levens, Festival Max Van der Linden… Il collabore en soliste ou en musique de chambre avec l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre Symphonique de Berne, le Roma Tre Orchestra… Depuis Juin 2022, Slava est l’ambassadeur de la Fondation Humanitaire Sancta Devota de Monaco.
Slava Guerchovitch possède non seulement la culture et la technique nécessaires à toute carrière, mais aussi une sensibilité et une sonorité qui en font un artiste unique.
Olivier Bellamy
Dès les premières notes, une signature : Slava Guerchovitch, par la présence signifiante de son toucher, sa conscience et sa maîtrise du matériau qu’il façonne, happe l’attention et entraîne l’auditeur dans un univers poétique singulier. On l’y suit avec bonheur, tant son propos, totalement vécu, nourri d’une perception aiguë du texte musical, servi par des moyens techniques admirables, une large palette de couleurs et une extrême concentration du geste, rime avec nécessité et évidence. A 23 ans, le disciple de Rena Shereshevskaya n’a pas fini de nous surprendre ...
Alain Cochard, rédacteur en chef de Concertclassic.com
5-9 September 2022
Piano: Steinway and Sons
This project would never have seen the light of day without the generous support of: Ce projet n’aurait jamais vu le jour sans le généreux soutien de :
Sound Engineer: Gaetan Juge Editor and Mastering: Slava Poprugin
Photos: Daria Korotkova
www.odradek-records.com