MONICA LEONE MICHELE CAMPANELLA
INSIEME
Schubert 4 hands
piano music
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
CD1
1. Fantasie in F minor, Op. 103, D. 940 (1828) 18'26
I. Allegro molto moderato
II. Largo
III. Allegro vivace
IV. Tempo I
4 Polonaises, Op. 75, D. 599 (1818)
2. No. 1: in D minor 03'27
3. No. 2: in B-flat major 03'37
4. No. 3: in E major 04'48
5. No. 4: in F major 03'58
German Dance and 2 Ländler, D. 618 (1818)
6. Deutscher mit zwei trios 04'58
7. Zwei Ländler 01'58
8. Rondo in A major, Op. 107, D. 951 (1828) 13'33
9. 8 Variations on an Original Theme, Op. 35, D. 813 (1824) 19'16 TOTAL TIME: 74'05
CD2
6 Grandes Marches, Op. 40, D. 819 (ca. 1818)
1. No. 1: Allegro maestoso 08'16
2. No. 2: Allegro ma non troppo 06'04
3. No. 3: Allegretto 07'46
4. No. 4: Allegro maestoso 09'15
5. No. 5: Andante 12'34
6. No. 6: Allegro con brio 07'11
7. Fugue in E minor, Op. 152, D. 952 (1828) 05'58
8. Fantasy in G minor, D. 9 (1811) 07'35
I. Largo
II. Allegro
III. Tempo di marcia
IV. Largo
9. Rondo in D major, Op. 138, D. 608 (1818) 09'53
TOTAL TIME: 74'36
Monica Leone primo piano (secondo in Op. 40)
Michele Campanella secondo piano (primo in Op. 40)
Yamaha CFX Opp. 40, 152 and D. 9
Steinway 1892 Opp. 35, 75, 103, 107, 138 and D. 618
Playing together is the pinnacle of music-making, through which the greatest qualities of the true musician are developed.
Playing together means connecting hearts and intellects, in an exchange that goes deeper than verbal dialogue.
Playing together teaches you to breathe in tune, to listen to every detail of the music played by those next to you, to lead or be led, to give way, to rejoice in the song you are humbly accompanying, to anticipate the intentions of those playing next to you a moment before they are realised.
Playing Schubert together is the privilege of creating a space of beauty that has few comparisons in the world of sound.
Michele Campanella and Monica Leone
Franz Schubert’s catalogue of music is a source of constant surprises, not so much for the number of compositions as for the genres covered. If the comparison with Rossini, who triumphed in Vienna in the same years, led Schubert in some works to approach, with disconcerting results, a musical language a little too similar to that of the composer from Pesaro; if Schubert’s religious works devoutly look to the authority of a tradition considered to be a point of undisputed reference; if the gift of his Lieder was immediately understood and is still universally recognised as his greatest glory; if the compositions of ensemble music – trios, quartets, quintets and so on – are finally placed in the place they deserve, i.e. rightly next to Beethoven’s music; if the piano sonatas, after amnesia of more than a century, have been rediscovered by performers and listeners alike – it is perhaps time, then, to examine the grandiose repertoire for piano four-hands that is waiting to be performed and appreciated more frequently and widely than it has been up to the present day.
One may suspect that four hands are considered a diminutio in comparison to the soloist’s two; one may imagine that this music, born to be enjoyed in a familiar environment, well away from the stage, has not yet found the status to be unreservedly welcomed in the most prestigious theatres. If this veiled ostracism is still in place, one can safely say that concert life is losing something important.
In Schubert’s vast catalogue of four-hand music, nothing is lacking, from fantasias to variations, from rondos to dances and sonatas, from the first attempts of an evidently inexperienced musician (the musicologist Otto Deutsche’s classification places the Fantasia in G major for four hands of 1810 at the top of the chronological catalogue), to small pieces of relative difficulty; also several examples of marches – military and otherwise – and various masterpieces that go beyond their social purpose and look to much broader horizons. For the latter, the starting point could be Mozart’s repertoire of four-hand sonatas, which at various times (but not always) appear as symphonic pieces. Schubert was a keen student of the great Viennese composers and may in his heart have sought ‘permission’ from the Salzburg master to lend important, specific weight to a genre that by definition was not meant to be too busy.
As examples of the increasing levels reached over the years it suffices to recall, although absent from this album, the ‘Grande Sonata’ in B-flat, Op. 30, D. 617 (from 1818) against the Sonata in C major, Op. 140, D. 812 ‘Gran Duo’ (of 1824): the former is a delightful little sonata, perfectly suited to the environment and the demand of its intended recipients, namely amateur musicians, while the latter is a monument of extraordinary stature and great difficulty, demanding more than a home reading. Another comparison helps us understand how Schubert’s talent was constantly evolving. The rondos in these recordings, the one in D major D. 608 (1818) and the one in A major D. 951 (1828) are clearly of two different levels. The first is light, innocent, distant from any excess of seriousness, while the second, written in the ultimate personal style, speaks to us from a dimension far removed from everyday life, without inferiority complexes towards the giant from Bonn who died a few months earlier.
The Variations on an Original Theme, Op. 35, D. 813 of 1824 are an exquisite example of how Schubert travelled a long way from the lesson of late Beethoven, who in the Sonatas Opp. 109 and 111 and in the Variations on a Theme of Diabelli had given that musical form an epochal turning point. If we consider the smile extraneous to great Music, in comparison to the depth of Beethoven’s thought, Schubert’s lightness may, on first listening, appear a little carefree; if we admit that in Music, however, there is also room for Apollonian Beauty, the Variations Op. 35 turn out to be a point of balance between polyphonic wisdom, Classical form and protoromantic emotionality, which never lacks the unmistakable elegance of the melodies, the delightful sense of the dancing progression present even only in the filigree, and the conquest of a conscious distribution of the hands on the keyboard, over-extended and with a marked predilection for counterpoint on the highest notes.
The marches, featured on this album with the whole of Op. 40, D. 819, are obliged to predestined and thus inevitable rhythms, but the ‘militaristic’ character often unceremoniously mutates into festively popular dance. And Schubert displays his enchanting creativity rather in the trios, where the rhythm relaxes to accompany melodies born between poetry and irony of Rossinian inspiration.
The four Polonaises, Op. 75, D. 599 and the Deutscher und Ländler, D. 618 are small musical ideas full of bonhomie, created to entertain carefree listeners and performers, while with the Fantasia, D. 9 (1811), included in the listening list alongside the celebrated Fantasia, Op. 103, D. 940, we can realise where Schubert’s creative parabola began and measure the enormous distance separating the composition of 1811 from that of 1828. The Fugue in E minor, D. 952, originally intended for the organ and later reworked for piano fourhands, also dates from 1828.
No more can be added about the Fantasia in F minor than has already been written: it is a piece that has won widespread public acclaim for its extraordinary ability to communicate emotions from the very first bars, right up to its tragic conclusion, where the same musical motif brings to a close a human story steeped in pain and nostalgia. But there is much more to the story that the Fantasia tells us; and, in our opinion, to renounce the strong definition of the different and contrasting characters in it is a mistake. The sense of form, the pride of belonging to a glorious cultural tradition where the fugato finds its natural place, the sudden and surprising appearance of the Largo in a key far removed from F minor, as well as the rhythm and ternary structure of the Allegro vivace, suggest tones that are anything but resigned. We are convinced that the Fantasia is one of the seminal works of 1828 when, in the last year of his life, Schubert reached the highest heights of music.
Michele Campanella
Duo Monica Leone – Michele Campanella
The piano duo formed by Monica Leone and Michele Campanella has no official date of birth, but is the natural development of the habit of playing together between teacher and student first, between partners in music and in life later. It is the result of a mentality and approach to the piano shared from the beginning, having both grown up, at different times, in Vincenzo Vitale’s school.
Their ever-expanding repertoire includes music for four hands and two pianos and ranges from Bach to Bartók. Among the most performed pieces are an extensive anthology of four-hand music by Schubert, Ferruccio Busoni’s Fantasia Contrappuntistica, Beethoven/Liszt’s Ninth Symphony, Stravinsky’s Concerto for Two Pianos, Liszt’s Dante Symphony and Poulenc’s Sonata.
Their appearances to be remembered are numerous and significant: from the Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rome to the Sydney Opera House; from the Coliseo in Buenos Aires to Beijing, Shanghai and Canton; from the Settimana Musicale Senese to the Sagra Umbra in Perugia; from the Teatro San Carlo in Naples to the Orchestra della Toscana in Florence, to the Orchestra da Camera di Padova e del Veneto, to the Orchestra dei Pomeriggi Musicali in Milan, to the Istituzione Universitaria dei Concerti in Rome, to the Teatro Massimo in Palermo, to the Rossini Opera Festival; from the Maggio Musicale Fiorentino to the Cantiere internazionale d’Arte in Montepulciano, to Auckland in New Zealand, to Melbourne and Brisbane in Australia.
Suonare insieme è il modo più alto di fare musica, grazie al quale si sviluppano le qualità più elevate del vero musicista.
Suonare insieme significa mettere in comunicazione cuori e intelletti, in un dialogo che va più in profondità di quello verbale.
Suonare insieme insegna a respirare in sintonia, ad ascoltare ogni minimo dettaglio della musica che suona chi ti sta vicino, a guidare o ad essere guidato, a cedere spazio, a gioire del canto che stai umilmente accompagnando, ad anticipare le intenzioni di chi suona accanto a te un attimo prima che si realizzino.
Suonare insieme Schubert è il privilegio di creare uno spazio di Bellezza che ha pochi confronti nel mondo dei suoni.
Monica Leone e Michele Campanella
Il catalogo delle opere di Franz Schubert è fonte di continue sorprese, non tanto per il numero di composizioni quanto per i generi affrontati. Se il confronto con Rossini, che trionfava a Vienna proprio in quegli anni, ha portato Schubert in alcune opere teatrali ad avvicinarsi, con risultati sconcertanti, a un linguaggio musicale un po’ troppo simile a quello del pesarese; se le sue opere religiose guardano devotamente all’autorità di una tradizione considerata punto di indiscusso riferimento; se il dono dei suoi Lieder fu subito compreso ed è ancora oggi riconosciuto universalmente quale sua gloria più grande; se le composizioni di musica d’insieme – trii, quartetti, quintetti e così via – sono finalmente collocate nel posto in cui meritano, ossia con pieno diritto accanto alla musica di Beethoven; se le Sonate per pianoforte, dopo amnesie di più di un secolo, sono state riscoperte dagli esecutori e dagli ascoltatori, è forse giunto il momento di prendere in esame il grandioso repertorio per pianoforte a quattro mani che aspetta di essere eseguito e apprezzato più frequentemente e ampiamente di quanto non sia stato sino ai nostri giorni. Si può sospettare che quattro mani siano considerate una diminutio rispetto alle due del solista; si può immaginare che questa musica, nata per essere fruita in un ambiente familiare, ben lontano dai palcoscenici, non abbia ancora trovato lo status per essere accolta senza riserve nei teatri più prestigiosi. Se questo velato ostracismo è tuttora in atto, si può serenamente affermare che la vita concertistica perde qualcosa di importante.
Nel vastissimo catalogo della musica a quattro mani di Schubert non manca nulla, dalle fantasie alle variazioni, dai rondò alle danze e alle sonate, dai primi tentativi di un musicista evidentemente inesperto (la classificazione del musicologo Otto Deutsche colloca la Fantasia in sol maggiore a quattro mani del 1810 al primo posto nel catalogo cronologico), a piccoli brani di relativa difficoltà; inoltre parecchi esemplari di marce – militari e non – e vari capolavori che vanno al di là del loro obiettivo sociale e guardano ad orizzonti molto più ampi. Per questi ultimi il punto di partenza potrebbe essere il repertorio delle Sonate a quattro mani di Mozart, che in vari momenti (ma non sempre) appaiono come sinopie di brani sinfonici. Schubert era un attento studioso dei maestri viennesi e potrebbe avere in cuor suo chiesto “l’autorizzazione” del grande salisburghese per donare un importante peso specifico a un genere che per definizione non doveva essere troppo impegnato.
Come esempi dei crescenti livelli raggiunti negli anni basta ricordare, anche se assenti in questo album, la “Grande Sonata” in si bemolle op. 30, D. 617 (del 1818) a fronte della Sonata in do maggiore op. 140, D. 812 “Gran Duo” (del 1824): la prima è una deliziosa piccola sonata, che si confà perfettamente all’ambiente ed alla richiesta dei destinatari, ovvero ai musicisti amatori, mentre la seconda è un monumento di straordinaria statura e di grande difficoltà, che chiede ben più di una lettura casalinga. Un altro confronto ci aiuta a comprendere come il talento di Schubert fosse in continua evoluzione. I rondò presenti in queste nostre registrazioni, quello in re maggiore D. 608 (1818) e quello in la maggiore D. 951(1828) sono con evidenza di due livelli differenti. Il primo è leggero, innocente, distante da qualsiasi eccesso di seriosità, mentre il secondo, scritto nell’ultimo personalissimo stile, ci parla da una dimensione lontana dal quotidiano, senza complessi di inferiorità verso il gigante di Bonn scomparso da pochi mesi.
Le Variazioni su un tema originale op. 35, D. 813 del 1824 sono uno squisito esempio di come Schubert percorreva strade ben lontane dalla lezione del tardo Beethoven, che nelle sonate op. 109 e op. 111 e nelle Variazioni sul tema di Diabelli aveva dato a quella forma musicale una svolta epocale. Se consideriamo estraneo alla grande Musica il sorriso, a confronto della profondità del pensiero beethoveniano la leggerezza schubertiana, ad un primo ascolto, può apparire un po’ svagata; se ammettiamo che nella Musica, invece, c’è spazio anche per la Bellezza apollinea, le variazioni op. 35 si rivelano un punto di equilibrio tra sapienza polifonica, forma classica ed emotività protoromantica, cui mai viene a mancare l’inconfondibile eleganza delle melodie, il delizioso senso dell’andamento danzante presente anche soltanto in filigrana, e la conquista di una consapevole distribuzione delle mani sulla tastiera, oltremodo estesa e con la spiccata predilezione per i controsoggetti sulle note sovracute.
Le marce, presenti in questo album con tutta l’opera 40, D. 819, sono obbligate a ritmi predestinati e quindi inevitabili, ma il carattere “militaresco” sovente muta senza troppi scrupoli in danza festosamente popolare. E Schubert sfoggia la sua incantevole creatività piuttosto nei trii, dove il ritmo si rilassa per accompagnare melodie nate tra poesia e ironia di ispirazione rossiniana.
Le quattro Polonaises op. 75, D. 599 e il Deutscher und Ländler, D. 618 sono piccole idee musicali piene di bonomia, create per intrattenere ascoltatori ed esecutori spensierati, mentre con la Fantasia, D. 9 (1811), inclusa negli ascolti accanto alla celeberrima Fantasia op. 103, D. 940, possiamo renderci conto da dove sia partita la parabola creativa di Schubert e misurare l’enorme distanza che separa la composizione del 1811 da quella del 1828. Anche la Fuga in mi minore, D. 952, originariamente destinata all’organo e poi ripensata per pianoforte a quattro mani, è del 1828.
Della Fantasia in Fa minore non si può aggiungere più di quanto sia stato già scritto: è un brano che si è conquistato un vastissimo consenso tra il pubblico, per la straordinaria capacità di comunicare emozioni sin dalle prime battute, fino alla sua tragica conclusione, dove lo stesso motivo musicale chiude una vicenda umana intrisa di dolore e nostalgia. Ma c’è molto altro nella storia che la Fantasia ci racconta; e, secondo noi, rinunciare alla forte definizione dei diversi e contrastanti caratteri presenti in essa è un errore. Il senso della forma, l’orgoglio di appartenere ad una gloriosa tradizione culturale dove il fugato trova la sua naturale collocazione, l’apparizione repentina e sorprendente del Largo in una tonalità lontanissima dal fa minore, così come il ritmo e la struttura ternaria dell’Allegro vivace, suggeriscono toni tutt’altro che rassegnati. Siamo convinti che la Fantasia sia una delle opere fondamentali del 1828 quando, nell’ultimo anno di vita, Schubert raggiunse le vette più alte della Musica.
Testo di Michele Campanella /Odradek Records, LLC è distribuito con licenza Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International. Autorizzazioni oltre lo scopo di questa licenza potrebbero essere disponibili su www.odradek-records.com.
Michele Campanella
Duo Monica Leone - Michele Campanella
Il duo pianistico formato da Monica Leone e Michele Campanella non ha una data di nascita ufficiale, ma è il naturale sviluppo della consuetudine a suonare insieme tra insegnante e studente prima, tra partners nella musica e nella vita poi. È frutto di una mentalità e di un approccio al pianoforte condivisi dalle origini, essendo entrambi cresciuti, in diversi momenti, nella scuola di Vincenzo Vitale.
Il repertorio in continua espansione comprende musiche a quattro mani e a due pianoforti e spazia da Bach a Bartók. Tra i brani più eseguiti, oltre a una ampia antologia di musica a quattro mani di Schubert, la Fantasia Contrappuntistica di Ferruccio Busoni, la Nona Sinfonia di Beethoven/Liszt, il Concerto per due pianoforti di Stravinsky, la Sinfonia Dante di Liszt e la Sonata di Poulenc.
Le presenze da ricordare sono numerose e significative. Dall’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma all’Opera House di Sydney, dal Coliseo di Buenos Aires a Pechino, Shanghai e Canton, dalla Settimana Musicale Senese alla Sagra Umbra a Perugia, dal Teatro San Carlo di Napoli all’Orchestra della Toscana a Firenze, all’Orchestra da Camera di Padova e del Veneto, all’Orchestra dei Pomeriggi Musicali a Milano, all’Istituzione Universitaria dei Concerti a Roma, al Teatro Massimo di Palermo, al Rossini Opera Festival, dal Maggio Musicale Fiorentino al Cantiere internazionale d’Arte di Montepulciano, ad Auckland in Nuova Zelanda, a Melbourne e Brisbane in Australia.
Recorded at Teatro dell’Aquila (Fermo, Italy) July 2008 Pianos: Yamaha CFX (Opp. 40, 152 and D. 9) Steinway D, serial No. 70768 (1892) from Roberto Valli’s collection (Opp. 35, 75, 103, 107, 138 and D. 618)
Sound Engineer & Musical Director: Valter Neri Digital editing, Mixing & Mastering: Corrado Ruzza
Photos: Claudio Celentano