The programme of our first album is based on many intertwining ideas. Every composer represents the countries we come from and uses folk material, but in a veiled way; these are not the most obvious representatives either of 20th-century ‘authentic’ folk, nor the ‘clichéd’ understanding of folk music.
When exploring Frank Martin’s trio, we felt the influence of the French impressionists, as well as Stravinsky and a little bit of Bartók. Some parts even evoke a Celtic peasant dance, or the landscape of the Swiss mountains. This jewel of the chamber music repertoire gave us the opportunity as a trio to search for different colours and subtleties, means of musical expression, articulations and different ways to communicate between ourselves while playing.
Shostakovich’s Piano Trio No. 2 also has a very personal significance for our trio. It is one of the first works we played together as a group; we formed during the pandemic, when many things were very uncertain for us as young musicians, and we have brought it with us to the present moment, playing it in many concerts, accompanied by the horrors of wars we hear about every day.
Tofiq Bakikhanov’s Trio No. 3 has never been recorded until now. For us, this work was a great discovery and we love to perform it, with its dynamism intertwined with lyricism and Eastern poetry. The folk material in Bakikhanov’s trio is veiled, just as it is in the Shostakovich and Martin. Bakikhanov’s motivation in using folk material was a search for his identity, and this is integral to this recording: elements embedded in the music often become a key that unlocks the identity of these great composers.
Folk music is deeply embedded in the culture of different communities in a way that is difficult to measure or define. Often it will be something veiled, of which people are aware only subconsciously; at other times it is a living, palpable tradition that cements bonds between people, and between the past, present and future. It is perhaps unsurprising that folk elements appealed to the composers on this recording. Swiss composer Frank Martin was of Huguenot descent, while Azerbaijani composer Tofig Bakikhanov’s lineage stretches back to nomadic Persian tribes, the Baku khans; an awareness of these roots almost inevitably ignites interest in ancient cultures. Shostakovich, meanwhile, was of Siberian and Polish descent, and he turned to Jewish folk music in numerous compositions as a means of expressing the plight of persecuted peoples in the Second World War.
Frank Martin’s music is difficult to categorise and evolved throughout his life, reflecting the relative fluidity of his music education. Martin began to compose as a child and was taught the piano, harmony and composition by Joseph Lauber, but was not taught counterpoint. This omission influenced his methods and he prized harmony above all, later using techniques such as 12-tone serialism with his own unique approach, distinct from that of Schoenberg. Martin did not attend a conservatoire, but studied maths and physics before moving into work as a pianist, harpsichordist and academic at a number of institutions; he was also president of the Swiss Musicians’ Union.
A formative experience for the pre-teen Martin was hearing Bach’s St Matthew Passion, and although Bach’s counterpoint may not have entered Martin’s studies, Bach’s harmonies had a lasting impact, audible in many early works. In the 1920s he began to compose in an archaic style emphasising triadic harmonies and modal melodies, eschewing the chromatic complexities of Romanticism and even the modulations of the Classical era. This opened Martin’s mind to music from different cultures, and he embraced the rhythmic complexities of Indian and Bulgarian repertoire, early music, and folk music.
These explorations of both culture and rhythm fed into the composition of Frank’s Trio sur des mélodies populaires irlandaises of 1925, which was written to a commission from an Irish-American patron of the arts who requested a piece based on Irish folk songs. The commission was withdrawn when the benefactor deemed Frank’s initial response to be inauthentic, so he set about studying the collections of Irish folksongs at the Bibliothèque Nationale in Paris and wove several traditional Irish melodies into this new work. The Trio was composed while Martin was staying in Capbreton on the west coast of France.
Frank said of the piece, “this Trio hardly draws on harmony and the polyphonic principle of imitation; everything is achieved through the rhythm and melody that forms the basis of Irish song and dance”.
Throughout the work, the Irish themes are frequently shrouded by Martin’s impressionistic style, as
though we are perceiving folk art through a layer of voile. In the first movement, momentum is gained through quickening of tempo, while rhythm is integral to the way the material is unified and developed. The second movement is founded on a recurring melody, around which the other elements shift. For the third movement gigue, Frank layers together an array of motifs to create a rich, intricate effect that is at times, perhaps unexpectedly, reminiscent of Shostakovich.
Shostakovich’s Piano Trio No. 2 in E minor, Op. 67 was begun in December 1943, and was dedicated to the composer’s friend, musicologist Ivan Sollertinsky, who died in February 1944. Sollertinsky had seen sketches for the work not long before his death; Shostakovich went on to complete the Trio during the year, and was at the piano for its premiere in Leningrad on 14 November 1944, joined by two members of the Beethoven String Quartet, violinist Dmitri Tsyganov and cellist Sergei Shirinsky.
Shostakovich also wrote the work as a more veiled homage to his pupil Vienamin Fleishman, who had died in battle at Leningrad. Shostakovich lamented: “… he volunteered for the army. He was killed. He went into the People’s Volunteer Guard. They were all candidates for corpsehood”.
The final layer of personal meaning stems from Shostakovich’s tribute in this work to victims of the Holocaust, the news of which did not reach his homeland until the liberation of the camps had started. Shostakovich’s sympathy for those killed during the Second World War, and by Stalin, was intense:
“I feel eternal pain for those who were killed by Hitler, but I feel no less pain for those killed on Stalin’s orders. I suffer for everyone who was tortured, shot, or starved to death. The majority of my symphonies are tombstones. Too many of our people died and were buried in places unknown to anyone, not even their relatives. Where do you put the tombstones? Only music can do that for them. I’m willing to write a composition for each of the victims but that’s impossible, and that’s why I dedicate my music to them all.”
The Piano Trio No. 2 begins with the cello playing at a higher register than the violin, in canon starting with the cello’s haunting harmonics followed by the violin, then the piano in the lowest register. The use of canonic devices continues in the pacier material that follows, in which Shostakovich develops the initial theme into music of increasing energy, at times ferocious, at others possessing that sardonic humour so characteristic of his style. This dark humour continues in the frenetic Scherzo.
The Largo opens with imposing, heavy piano chords. Shostakovich treats these chords as a recurrent chorale theme, repeated six times, forming the basis of a passacaglia. The violin and cello play in canon again, unfolding an anguished theme that creates astringent dissonances as the two lines overlap.
This movement proceeds seamlessly to the finale, in which Shostakovich uses Jewish musical idioms as an allusion to the Holocaust victims to whom he was paying tribute, including the Dorian mode with an augmented fourth, and rhythms associated with Jewish folk dances such as klezmer music. Shostakovich deliberately turned this Jewish dance style into a danse macabre, unflinchingly drawing the listener’s attention to the horrifying realities of the Holocaust. After this searing account, the Largo’s chorale theme returns; Shostakovich’s anger, though never absent, is translated into a heartfelt desire for the victims he is commemorating to be at peace.
Tofig Bakikhanov is one of the most significant of today’s Azerbaijani composers. His earliest musical studies focused on the violin, which he continued alongside composition at the Azerbaijan State Conservatory. As a student he played in ensembles such as the Azerbaijan State Symphony Orchestra and the Azerbaijan Radio symphony orchestra. He has received numerous awards and accolades, and is a prolific composer across a range of genres, including chamber and symphonic music, ballets, and musical comedies.
Bakikhanov’s Piano Trio No. 3 dates from 1979 and is cast in two movements rather than the conventional three or four; these are played attacca to create a seamless whole. The work begins with an arresting statement, the strings playing in octaves over the piano’s chords, before Romantic piano writing that recalls Rachmaninov ushers in a lyrical violin melody. The cello enters, its lines intertwining with those of the violin, before quicker, jazz-inflected music reminds us that this is a work of the 20th century; the folk element is to the fore, even hinting at the street-music ease of Reinhardt and Grappelli.
In total contrast, there follows an ominous, militaristic churning from all three instruments, softened by folk-like inflections. There are hints of romanticism – snatches of soaring violin melody and rich piano harmony – which seem to be trying to break through the hard armour of the militaristic idea. Eventually, they succeed, giving way to a section of ardent lyricism that recalls the opening. In the second movement, the marching rhythms resurface like soldiers interrupting a pair of lovers, but this time one senses that the folk-like and lyrical elements are prepared to resist, and although the marching rhythm never entirely goes away, by the end of the work it has been transformed by those elements into something more hopeful.
Joanna Wyld
Piano Trio Areal was founded in 2020 at the Zürcher Hochschule der Künste in Zurich. Three talented and promising young musicians, Daria, Jamila and Sandro, began playing together in the famous Toni Areal building, where the idea for the trio’s name was born. Although they come from different parts of the world, these three musicians each have a mixed cultural background; all three possess the ability to play with a great musical expression that never fails to captivate audiences, and a strong desire to explore and share their personal stories through mainstream repertoire, as well as to discover trio repertoire that is not yet well known worldwide.
Daria, Jamila and Sandro are outstanding young soloists, each the recipient of prestigious international and Swiss prizes, scholarships and competitions, playing as soloists with symphony and chamber orchestras and in chamber music with renowned musicians from all over the world. A great passion and love for chamber music, and in particular the piano trio, brought them together and motivated them to develop further as a group. Trio Areal is an ardent advocate of bringing piano trio music to a wider audience, as well as presenting new music.
Living and studying in Switzerland has enabled the trio to take classes with leading musicians such as Marc Pantillon, Till Fellner, Cobus Swanepoel, Thomas Grossenbacher and Ilya Gringolts. Each of these artists has expressed their belief in Trio Areal’s bright future career because of its strong musical expression and vision. The trio performs actively throughout German and French-speaking regions of Switzerland, and collaborates with the Préverenges concert series, Konzert um 5 series, Yehudi Menuhin Forum, Fondation Louis Moret, Heritage Cultural Association, and La Chapelle aux Concerts (Couvet), among others.
Violinist Jamila Garayusifli, born in Baku, obtained her Master Soloist diploma at the ZHdK Zurich in Ilya Gringolts’ class in 2023. Previously, she studied with professors Svetlana Makarova, Julien Zufferey, Ilya Konovalov and Zahra Guliyeva. She was awarded the Buchmann-Mehta scholarship in Tel Aviv, First Prize at the Music Association of the 21st-century International Competition, the Hans Schäuble prize in Arosa and Second Prize at the Contemporary Music Interpretation Competition in Zurich. As a soloist, Jamila has performed under the baton of Maxim Vengerov, Johannes Kalitzke, Fuad Ibrahimov and Rauf Abdullayev; she also played as a soloist and chamber musician at various international festivals: Lucens Classique Festival, Festival Les Amplitudes, Lucerne Festival, Crans-Montana Classics, Schubertiade Espace 2, Rostropovich International Festival and Musica Mundi. As invited Concertmaster, she collaborates with the Opéra du Rhône orchestra, Orchestre régional de Normandie, Sedunum String Orchestra, Sinfonietta de Lausanne, Orchestre Nexus, and Camerata Ataremac.
Swiss cellist Sandro Meszaros, born in 2000, started playing the cello at the age of five. Nearly 20 years later, he regularly performs as a soloist and chamber musician. He has won prizes at various competitions, including First Prize at the Concorso Internazionale Salieri di Legnago (Verona), and has performed with the Swiss Youth Symphony Orchestra (SJSO) in prestigious concert halls, as well as being invited as soloist and chamber musician to festivals such as Davos Festival and Schubertiade Espace 2. In 2019 he left his home in Ticino to study with Thomas Grossenbacher at Zurich University of the Arts (ZHdK). In 2022 he received the Rahn-Kulturfonds scholarship. He then started studying with Maximilian Hornung in Munich and won a position within Tonhalle Orchester-Zürich in January 2024.
Daria Korotkova started the piano at the age of three. She received her first music education in Rostov-on-Don, then studied at the Special Music School at the St Petersburg Conservatory. She gained her Master Soloist degree with the guidance of Christian Favre and her Master Accompaniment degree with Marc Pantillon and Todd Camburn at HEMU Lausanne. She is currently working at the Lucerne School of Music. Daria is laureate of international competitions such as those of the CLAVARTE Fondation, Tel-Hai International Piano Masterclasses in memory of Yasha Bistrizky, VALIANTforum, 13e Concours d’Interpretation musicale, Fond Gartow, ‘In Corpore’ Chamber Music Festival, and the Music Performance and Pedagogics Forum. She has recorded many albums, has performed on radio and TV, and has toured throughout Russia, Italy, Germany, USA, Estonia, Finland, Hong-Kong, Israel, Poland, Spain, Switzerland and Greece.
Le programme de notre premier album est basé sur de nombreuses idées qui s’entrecroisent. Chaque compositeur représente les pays dont nous sommes originaires et utilise du matériel folklorique, mais de manière voilée ; ce ne sont pas les représentants les plus évidents du folklore « authentique » du 20e siècle, ni de la compréhension « clichée » de la musique folklorique.
En explorant le trio de Frank Martin, nous avons ressenti l’influence des impressionnistes français, ainsi que de Stravinsky et d’un peu de Bartók. Certaines parties évoquent même une danse paysanne celtique ou le paysage des montagnes suisses. Ce joyau du répertoire de musique de chambre nous a donné l’occasion, en tant que trio, de rechercher différentes couleurs et subtilités, des moyens d’expression musicale, des articulations et différentes manières de communiquer entre nous tout en jouant.
Le Trio pour piano n° 2 de Chostakovitch a également une signification très personnelle pour notre trio. C’est l’une des premières œuvres que nous avons jouées ensemble en tant que groupe ; nous nous sommes formés pendant la pandémie, lorsque beaucoup de choses étaient très incertaines pour nous en tant que jeunes musiciens, et nous l’avons emporté avec nous jusqu’à aujourd’hui, en la jouant dans de nombreux concerts, accompagnée par les horreurs des guerres dont nous entendons parler tous les jours.
Le Trio n° 3 de Tofiq Bakikhanov n’avait jamais été enregistré jusqu’à présent. Pour nous, cette œuvre a été une grande découverte et nous aimons la jouer, avec son dynamisme entremêlé de lyrisme et de poésie orientale. Dans le trio de Bakikhanov, la matière folklorique est voilée, tout comme dans les œuvres de Chostakovitch et de Martin. La motivation de Bakikhanov pour utiliser le matériel folklorique était la recherche de son identité, et cela fait partie intégrante de cet enregistrement : les éléments incorporés dans la musique deviennent souvent une clé qui déverrouille l’identité de ces grands compositeurs.
La musique folklorique est profondément ancrée dans la culture de chaque communauté, d’une manière difficilement mesurable ou définissable. Il peut s’agir d’une impression diffuse, perçue de manière inconsciente ; ou au contraire d’une tradition vivante et palpable qui cimente les liens entre les individus, et entre le passé, le présent et l’avenir. Il n’est guère surprenant que les éléments folkloriques aient séduit les compositeurs de cet album. Le compositeur suisse Frank Martin était d’origine huguenote, tandis que la lignée du compositeur azerbaïdjanais Tofig Bakikhanov remonte aux tribus nomades perses, les Khans de Bakou. La conscience de ces racines suscite presque inévitablement un intérêt pour les cultures anciennes. Chostakovitch était quant à lui d’origine sibérienne et polonaise, et s’est tourné vers la musique folklorique juive dans de nombreuses compositions pour évoquer le sort des peuples persécutés durant la Seconde Guerre mondiale.
La musique de Frank Martin est difficile à catégoriser et a évolué tout au long de sa vie, reflétant la fluidité relative de son éducation musicale. Martin a commencé à composer dès son enfance et a étudié le piano, l’harmonie et la composition auprès de Joseph Lauber, mais pas le contrepoint. Cette omission a certainement influencé ses méthodes, privilégiant l’harmonie par-dessus tout et utilisant plus tard des techniques telles que le sérialisme à 12 tons à travers une approche unique et personnelle, distincte de celle de Schoenberg. Martin n’a pas fréquenté le conservatoire, mais a étudié les mathématiques et la physique avant de travailler comme pianiste, claveciniste et universitaire dans plusieurs institutions ; il fut également président de l’Association suisse des Musiciens.
L’écoute de la Passion selon Saint Matthieu de Bach fut une expérience formatrice pour le jeune Martin, et bien que le contrepoint de Bach ne figurait peut-être pas dans son répertoire d’étude, les harmonies de Bach eurent un impact durable, perceptible dans de nombreuses œuvres de jeunesse. Dans les années 1920, il commence à composer dans un style archaïque mettant l’accent sur les harmonies triadiques et les mélodies modales, évitant les complexités chromatiques du romantisme et même les modulations de l’ère classique. Il s’ouvre ainsi à la musique de différentes cultures et explore les complexités rythmiques du répertoire indien et bulgare, de la musique ancienne et de la musique folklorique.
Ces explorations de la culture et du rythme ont accompagné la composition du Trio sur des mélodies populaires irlandaises de Frank en 1925, écrit à la demande d’un mécène irlando-américain qui souhaitait une pièce basée sur des chansons folkloriques irlandaises. La commande fut cependant retirée, le mécène jugeant la réponse initiale de Frank inauthentique. Le compositeur décida alors d’étudier les recueils de chansons folkloriques irlandaises à la Bibliothèque nationale de Paris, et d’intégrer plusieurs mélodies traditionnelles irlandaises dans cette nouvelle œuvre. Le Trio fut composé alors que Martin séjournait à Capbreton, sur la côte ouest française.
Frank a noté à propos de la pièce : « ce Trio ne s’appuie guère sur l’harmonie et le principe polyphonique de l’imitation ; tout est réalisé grâce au rythme et à la mélodie qui constituent la base du chant et de la danse irlandais ». Tout au long de l’œuvre, les thèmes irlandais sont souvent masqués par le style impressionniste de Martin, comme si l’art populaire était perçu à travers un voile. Dans le premier mouvement, l’élan est obtenu par l’accélération du tempo, et le rythme est essentiel à l’unification et au développement du matériau. Le deuxième mouvement est fondé sur une mélodie récurrente, autour de laquelle évoluent les autres éléments. Pour la gigue du troisième mouvement, Frank superpose un éventail de motifs pour créer un effet riche et complexe qui rappelle parfois, peut-être de manière inattendue, Chostakovitch.
Commencé en décembre 1943, le Trio pour piano n° 2 en mi mineur, opus 67 de Chostakovitch fut dédié à l’ami du compositeur, le musicologue Ivan Sollertinsky, décédé en février 1944. Sollertinsky avait vu des esquisses de l’œuvre peu de temps avant sa mort. Chostakovitch acheva le Trio au cours de cette même année et était au piano lors de sa première à Leningrad le 14 novembre 1944, rejoint par deux membres du Quatuor à cordes Beethoven, le violoniste Dmitri Tsyganov et le violoncelliste Sergei Shirinsky.
Cette œuvre constitue également un hommage plus voilé de Chostakovitch à son élève Vienamin Fleishman, mort au combat à Leningrad. Chostakovitch s’est ainsi lamenté : « … il s’est porté volontaire pour l’armée. Il a été tué. Il est entré dans la Garde populaire volontaire. Ils étaient tous candidats à la mort ».
Le dernier niveau de signification personnelle découle de l’hommage que Chostakovitch rend dans cette œuvre aux victimes de l’Holocauste, dont la nouvelle n’est parvenue dans son pays qu’après la libération des camps. L’empathie de Chostakovitch pour les victimes de la Seconde Guerre mondiale et celles tuées par Staline était intense : « Je ressens une douleur éternelle pour ceux qui ont été tués par Hitler, mais je ne ressens pas moins de douleur pour ceux qui ont été tués sur ordre de Staline. Je souffre pour tous ceux qui ont été torturés, abattus ou affamés. La majorité de mes symphonies sont des pierres tombales. Trop de nos compatriotes sont morts et ont été enterrés dans des lieux inconnus de tous, même de leurs proches. Où placer les pierres tombales ? Seule la musique peut le faire pour eux. Je souhaiterais écrire une composition pour chacune des victimes, mais c’est impossible, et c’est pourquoi je dédie ma musique à chacun d’eux. »
Le Trio pour piano n° 2 commence avec le violoncelle dans un registre plus élevé que le violon, dans un canon amorcé par les harmoniques obsédantes du violoncelle, suivies du violon, puis du piano dans le registre le plus bas. L’utilisation d’arrangements canoniques se poursuit dans le matériel plus rythmé qui suit, dans lequel Chostakovitch développe le thème initial avec une énergie croissante, parfois féroce, d’autres fois possédant cet humour sardonique si caractéristique de son style. Cet humour noir se poursuit dans le Scherzo frénétique.
Le Largo s’ouvre sur des accords de piano imposants et lourds. Chostakovitch traite ces accords comme un thème choral récurrent, répété six fois, formant la base d’une passacaille. Le violon et le violoncelle jouent à nouveau en canon, déployant un thème angoissé qui crée des dissonances astringentes lorsque les deux lignes se croisent.
Ce mouvement se poursuit sans heurts jusqu’au finale, dans lequel Chostakovitch utilise des idiomes musicaux juifs comme allusion aux victimes de l’Holocauste auxquelles il rend hommage, notamment le mode dorien avec une quarte augmentée et des rythmes associés aux danses folkloriques juives telles que la musique klezmer. Chostakovitch transforme délibérément ce style de danse juive en danse macabre, attirant irrémédiablement l’attention de l’auditeur sur les horreurs de l’Holocauste. Après ce récit incandescent, le thème choral du Largo revient ; la colère de Chostakovitch, bien que jamais absente, se traduit par un désir sincère de voir les victimes qu’il commémore retrouver à jamais la paix.
Tofig Bakikhanov est l’un des compositeurs contemporains azerbaïdjanais les plus importants. Ses premières études musicales se sont concentrées sur le violon, qu’il a poursuivi parallèlement à la composition au Conservatoire d’État d’Azerbaïdjan. En tant qu’étudiant, il a joué dans des ensembles tels que l’Orchestre symphonique d’État d’Azerbaïdjan et l’Orchestre symphonique de la radio d’Azerbaïdjan.
Il a reçu de nombreux prix et distinctions et est un compositeur prolifique à travers plusieurs genres, notamment la musique de chambre et symphonique, les ballets et les comédies musicales.
Le Trio pour piano n° 3 de Bakikhanov date de 1979 et se compose de deux mouvements plutôt que des trois ou quatre classiques ; ceux-ci sont joués attacca pour créer un tout homogène. L’œuvre commence par une ouverture saisissante, les cordes jouant en octaves sur les accords du piano, avant qu’une écriture romantique pour piano rappelant Rachmaninov n’introduise une mélodie lyrique au violon. Le violoncelle entre en scène, ses lignes s’entrelaçant avec celles du violon, puis une musique plus rapide, aux accents jazz, nous rappelle qu’il s’agit d’une œuvre du XXe siècle. L’élément folklorique est au premier plan, évoquant même la musique de rue virtuose de Reinhardt et de Grappelli.
Dans un contraste saisissant, s’ensuit une turbulence menaçante et militariste des trois instruments, adoucie par des inflexions de type folklorique. On y trouve des touches romantiques – des bribes de mélodies de violon planantes et une riche harmonie de piano – qui semblent essayer de percer l’armure militariste. Elles y parviennent finalement, laissant place à une section au lyrisme ardent qui rappelle l’ouverture. Dans le deuxième mouvement, les rythmes de marche réapparaissent tels des soldats interrompant un couple d’amoureux, mais les éléments folkloriques et lyriques semblent cette fois prêts à résister, et bien que le rythme de marche ne disparaisse jamais complètement, ces éléments insufflent une note d’espoir à la conclusion de l’œuvre.
Joanna Wyld
Le Piano Trio Areal a été fondé en 2020 à la Zürcher Hochschule der Künste de Zurich. Trois jeunes musiciens talentueux et prometteurs, Daria, Jamila et Sandro, ont commencé à jouer ensemble dans le célèbre bâtiment de Toni Areal, où est née l’idée du nom du trio. Bien qu’ils soient originaires de différentes parties du monde, ces trois musiciens ont chacun une origine culturelle mixte ; ils possèdent tous les trois la capacité de jouer avec une grande expression musicale qui ne manque jamais de captiver le public, et un fort désir d’explorer et de partager leurs histoires personnelles à travers le répertoire traditionnel, ainsi que de découvrir le répertoire du trio qui n’est pas encore bien connu dans le monde entier.
Daria, Jamila et Sandro sont de jeunes solistes exceptionnels, chacun ayant reçu de prestigieux prix, bourses et concours internationaux et suisses. Ils jouent en tant que solistes avec des orchestres symphoniques et de chambre, ainsi qu’en musique de chambre avec des musiciens renommés du monde entier. Une grande passion et un grand amour pour la musique de chambre, et en particulier pour le trio avec piano, les ont réunis et les ont motivés à poursuivre leur développement en tant que groupe. Le Trio Areal est un ardent défenseur de la diffusion de la musique pour trio avec piano auprès d’un public plus large, ainsi que de la présentation de musique nouvelle.
Le fait de vivre et d’étudier en Suisse a permis au trio de prendre des cours avec des musiciens de premier plan tels que Marc Pantillon, Till Fellner, Cobus Swanepoel, Thomas Grossenbacher et Ilya Gringolts. Chacun de ces artistes a exprimé sa conviction quant à l’avenir prometteur de la carrière du Trio Areal, en raison de la force de son expression musicale et de sa vision. Le trio se produit activement dans toute la Suisse alémanique et romande, et collabore notamment avec la série de concerts Préverenges, la série Konzert um 5, le Yehudi Menuhin Forum, la Fondation Louis Moret, l’Association Cultural Heritage, et La Chapelle aux Concerts (Couvet).
La violoniste Jamila Garayusifli, née à Bakou, a obtenu son Master de soliste en 2023 à la ZHdK de Zurich, dans la classe d’Ilya Gringolts. Auparavant, elle a étudié avec Svetlana Makarova, Julien Zufferey, Ilya Konovalov et Zahra Guliyeva. Elle a reçu la bourse Buchmann-Mehta à Tel Aviv, le premier prix du concours international de l’Association musicale du XXIe siècle, le prix Hans Schäuble à Arosa et le deuxième prix du concours d’interprétation de musique contemporaine à Zurich. En tant que soliste, Jamila s’est produite sous la direction de Maxim Vengerov, Johannes Kalitzke, Fuad Ibrahimov et Rauf Abdullayev ; elle a également joué en tant que soliste et chambriste dans divers festivals internationaux : Lucens Classique Festival, Festival Les Amplitudes, Lucerne Festival, Crans-Montana Classics, Schubertiade Espace 2, Rostropovich International Festival et Musica Mundi. En tant que violon solo invité, elle collabore avec l’orchestre de l’Opéra du Rhône, l’Orchestre régional de Normandie, Sedunum String Orchestra, Sinfonietta de Lausanne, Orchestre Nexus et Camerata Ataremac.
Le violoncelliste suisse Sandro Meszaros, né en 2000, a commencé à jouer du violoncelle à l’âge de cinq ans. Près de 20 ans plus tard, il se produit régulièrement en tant que soliste et chambriste. Il a remporté des prix lors de divers concours, notamment le premier prix du Concorso Internazionale Salieri di Legnago (Vérone), et s’est produit avec l’Orchestre symphonique suisse des jeunes (OSJS) dans des salles de concert prestigieuses, tout en étant invité en tant que soliste et chambriste à des festivals tels que le Festival de Davos et la Schubertiade d’Espace 2. En 2019, il quitte son Tessin natal pour étudier avec Thomas Grossenbacher à la Haute école des arts de Zurich (ZHdK). En 2022, il reçoit la bourse du Rahn-Kulturfonds. Il a ensuite commencé à étudier avec Maximilian Hornung à Munich et a obtenu un poste au sein du Tonhalle Orchester-Zürich en janvier 2024.
Daria Korotkova a commencé à jouer du piano à l’âge de trois ans. Elle a reçu sa première éducation musicale à Rostov-sur-le-Don, puis a étudié à l’École spéciale de musique du Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Elle obtient son Master de soliste sous la direction de Christian Favre et son Master d’accompagnement avec Marc Pantillon et Todd Camburn à l’HEMU de Lausanne. Elle travaille actuellement à la Lucerne School of Music. Daria est lauréate de concours internationaux tels que celui de la Fondation CLAVARTE, du Tel-Hai International Piano Masterclasses in memory of Yasha Bistrizky, du VALIANTforum, du 13e Concours d’Interprétation musicale, du Fond Gartow, du Festival de musique de chambre In Corpore et du Music Performance and Pedagogics Forum. Elle a enregistré de nombreux albums, s’est produite à la radio et à la télévision et a effectué des tournées en Russie, en Italie, en Allemagne, aux ÉtatsUnis, en Estonie, en Finlande, à Hong Kong, en Israël, en Pologne, en Espagne, en Suisse et en Grèce.
