Revista Estética

Magazine ESTÉTICA

S TA ICA VIS ÉR RE OAM AS TIN E L LA 0 D S EN P 1 DA TO S LEÍ MÁ

EDICIÓN ESPECIAL

Arte+cultura Hacemos un recorrido a algunos de los hitos del arte y la cultura mundial

Le Corbusier una mirada a sus diseños emblemáticos

Universidad del Zulia · Maestría en Comunicación Visual · Socio Estética del Consumo Visual

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• EDICIÓNESPECIAL2016

Magazine

P8 / La creación de Adán: esta grandiosa representación, ubicada en la bóveda de la Capilla Sixtina, nos muestra la escena bíblica de la creación, donde se fusionan cuerpo y alma.

EDICIÓN ESPECIAL

P37 / La interpretación del Guernica es objeto de controversia, ya que varias figuras son simbólicas y suscitan opiniones dispares; pero su valor artístico está fuera de discusión.

ESTÉTICA

Comité Editorial Patricia González Aida Prieto Rafaela Acosta Cinthya Peña Juan Merino Editores Patricia González Juan Merino Coordinación Editorial Rafaela Acosta

Nuestraportada

P42 / Con esta obra, Duchamp inició una revolución en el mundo del arte al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte.

Asesor Editorial Richard Morales Cardona diseño gráfico Patricia González Villasmil Asesor de diseño gráfico Gisela Viloria

P22/

Redactores Edwin Prieto Carolina Almarza Mayerling Sánchez Aida Prieto Rafaela Acosta Cinthya Peña Juan Merino Fotografía Juan Hurtado César Palacios Alejandro Cremades Impresión Grabados Nacionales 5.000 ejemplares

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Las sillas de Le Corbusier: desde P50 / En las tribus Mursi la estética corporal es de suma importancia, ya que con ella se comunica la pertenencia a un pueblo, tribu o etnia, o la proclama del estado civil del individuo.

el punto de vista visual y geométrico, se trata de verdaderas obras de arte, fruto de un largo proceso de abstracción.

EDICIÓN #

P30/

La Puerta de las Nubes supuso un autentico reto de ingeniería. Kapoor se inspiró en el mercurio para su creación.

P38/

Victor Vasarely: desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento y perspectivas.

Estética Magazine es una publicación mensual dedicada a investigar sobre temas relacionados al arte, la cultura, arquitectura, pintura y diseño.

Estética Magazine

@esteticaMagazine Estética Magazine

* Dános tu opinión opina@emagazine.com.ve Depósito Legal pp 90-0448 Año 2 • Nº 20 • Edición Especial 2014 • J-15286140-7 © 2016

esteticamagazine.com.ve

En cada edición P5/ Religión P13/ Arquitectura P21/ Diseño de Interiores P25/ Escultura P33/ Pintura P41/ Arte y cultura

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ESTÉTICAMAGAZINE •

Editorial

Magazine ESTÉTICA

“

El término de estética involucra todas las sensaciones y percepciones con que analizamos un objeto, buscando la belleza en sus formas, su armonía, equilibrio, o por el contrario lo feo o la distorsión de las realidades expresadas en una obra o en algún elemento de la naturaleza, basada en nuestras opiniones y experiencias.

En Estética Magazine buscamos investigar e informar sobre temas relacionados al arte, la cultura, arquitectura, pintura y diseño en general, ofreciendo un análisis detallado de cada obra mostrada, desde una perspectiva estética”.

Licenciada en Diseño Gráfico egresada de la Universidad Rafael Belloso Chacín, con experiencia profesional por más de diez años en el área de comunicaciones corportivas, diseño editorial y liderazgo gerencial.

La Enseñanza

del Iluminado

Patricia González

::::: Revista realizada para la materia Socio Estética del Consumo Visual, de la Maestría en Comunicación Visual, cursada en la Universidad del Zulia. · Mayo 2016 ·

· Religión · Religión · Religión · Religión · Religión · Religión · Religión · Religión · Religión ·

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Religión

El camino hacia el

nirvana

El budismo enseña que cualquiera tiene el potencial innato para llegar a experimentar el despertar y el nirvana. Realizar el nirvana implica realizar la misma naturaleza de un Buda, pero no así convertirse en un Buda histórico como lo fue Siddharta Gautama.

Buda es un nombre honorífico con contenido religioso que se aplica a quien ha logrado un completo despertar o iluminación espiritual. En el marco religioso indio en donde se desarrolla el budismo, este despertar implica un estado de tranquilidad mental. La palabra Buda es un título o un epíteto y no un nombre. Significa “alguien que está despierto” en el sentido de haberse “despertado a la realidad”. El título describe el logro de un hombre llamado Siddharta Gautama, quien vivió hace 2.500 años en el norte de la India. Cuando tenía 35 años, después de largos años de esfuerzo, logró la iluminación estando en una profunda meditación. Durante los restantes 45 años de su vida viajó por gran parte del norte de la India diseminando su enseñanza del sendero hacia la iluminación.

La mayoría de las estatuas de Buda tienen los ojos cerrados o semicerrados; Buda no mira al exterior, sino hacia su interior, ya que cerrando los ojos, es capaz de ver lo que realmente busca, algo que se encuentra dentro de sí mismo. Con su rictus tranquilo y sonriente vemos que no está dormido, sino perfectamente consciente de la evolución espiritual que está teniendo lugar durante su meditación.

El rostro lleno de paz de Buda suele además representarse de forma un tanto andrógina, bien podría ser un hombre o una mujer. Simboliza que lo importante es la humanidad, el equilibrio, el yin y el yang. Representarlo con los lóbulos de las orejas muy grandes significa la capacidad de escuchar lo que el mundo necesita.

La postura de la meditación en donde se muestra la mano derecha sobre la izquierda, emula la forma de un cuenco vacío, que significa limpieza y sencillez del alma.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: religión / paz / concentración / incienso / posición / tranquilidad.

Palabras claves luego de la investigación: Inteligente / enseñanza / trascendente / determinación / constancia.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

El estado de Iluminación que alcanzó tiene tres facetas: 1. Es un estado de “Sabiduría”, de ver las cosas como realmente son.

2. Es una fuente de “Compasión” o Amor que se manifiesta en una actividad constante para el beneficio de todos los seres.

3. es la liberación total de las energías de la mente y cuerpo para que estén al servicio de la mente plenamente consciente.

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la Creación de adán

Esta obra ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días, siendo determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano.

La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511.

Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica).

Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada

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como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios.

Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia.

La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.

Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en una estable triángulo de tierra.

info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: tradición / conexión / pintura / techos.

Palabras claves luego de la investigación: traspaso / electricidad / creación / relevo.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

Religión

Virgen de los

Dolores

Bajo el título de la Virgen de la Soledad o de los Dolores se venera a María en muchos lugares. La fiesta de nuestra Señora de los Dolores se celebra el 15 de septiembre y recordamos en ella los sufrimientos por los que pasó María a lo largo de su vida, por haber aceptado ser la Madre del Salvador.

Este día se acompaña a María en su experiencia de un muy profundo dolor, el dolor de una madre que ve a su amado Hijo incomprendido, acusado, abandonado por los temerosos apóstoles, flagelado por los soldados romanos, coronado con espinas, escupido, abofeteado, caminando descalzo debajo de un madero astilloso y muy pesado hacia el monte Calvario, donde finalmente presenció la agonía de su muerte en una cruz, clavado de pies y manos.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Virgen / Celestial / Belleza.

Palabras claves luego de la investigación: tristeza / resignación / celestial / virginal.

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Religión

• EDICIÓNESPECIAL2016

la otra mirada de la

crucifixión Cristo de San Juan de la Cruz Este famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1951, está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Es de estilo surrealista y se conserva en el Museo Kelvingrove, en Glasgow, Reino Unido.

L

a originalidad de la perspectiva y la habilidad técnica a la hora de pintar el cuadro han hecho al Cristo de San Juan de la Cruz muy popular, hasta el punto de que en los años cincuenta, un fanático realizó un acto vandálico contra él de poca gravedad.

Durante los años cincuenta, el artista volvió a recurrir varias veces al tema de la crucifixión. Un ejemplo es el Corpus hypercubus, pintado en 1954. Para pintar este cuadro se basó en las teorías contenidas en el Discurso sobre la forma cúbica del arquitecto del siglo XVI, Juan de Herrera, responsable del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Dalí tomó al famoso doble de Hollywood, Russ Saunders, como modelo para pintar a Cristo, aunque hay quien afirma que el artista tomó como modelo en realidad al trapecista Diego Schmiedl.

La pintura muestra a Jesús crucificado, tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra. La parte inferior

del cuadro es un paisaje apacible, formado por la bahía de Port Lligat. Abajo a la derecha, dos pescadores se afanan en el pequeño puerto. Ambos son en realidad pintores famosos retratados por Dalí. Entre Cristo y la bahía se interponen unas nubes de tonos místicos y misteriosos, iluminadas por el resplandor que emana de la cruz y de Cristo. El fuerte claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús y provocar un efecto dramático.

Cristo es representado de forma humana y sencilla. Tiene el pelo corto, muy distinto a las representaciones clásicas de Jesús con el pelo largo, y tiene una posición relajada. El letrero en la parte superior de la cruz donde se dice que se colocaron las iniciales INRI, está representado con una hoja de papel pequeña y doblada.

Cabe señalar que Cristo no está herido ni está clavado a la cruz; no hay llagas ni heridas ni mucho menos sangre.

Parece que flota junto a la cruz.

Esta es posiblemente, la obra más humana y humilde que se ha pintado sobre la Crucifixión de Cristo.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: - Perspectiva - Dios.

Palabras claves luego de la investigación: - Fuerza superior - Tranquilidad - Protección - Oscuridad.

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La

Madonnina Roberto Ferruzzi, pintor italiano nacido en Dalmacia en el año 1853, de padres italianos, es conocido por su pintura La Madonnina (La Virgenita), con el cual ganó la segunda Bienal de Venecia en 1897, Había participado con la intención de representar a la maternidad en su obra. Gracias a la extraordinaria dulzura de expresión, la pintura de Maternità fue renombrada Madonnina.

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También es conocida como Madonna, Madonna con el Niño, Nuestra Señora del Reposo, Nuestra Señora de las Vías, Nuestra Señora de la ternura, Madonnella y Zingarella.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: madre / ternura / comodidad.

Palabras claves luego de la investigación: dulzura / ternura / niñez / inocencia / reposo.

Villa saboya

Una Vivienda que revolucionó la Arquitectura

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Arquitectura

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• EDICIÓNESPECIAL2016

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CCasa a sFarnsworth a Fa r n s wo r t h L

a Casa Farnsworth, construida entre 1945 y 1951, fue diseñada, por el arquitecto de renombre Mies van der Rohe, como la segunda vivienda para la doctora Edith Farnsworth. La casa situada en medio de prados y árboles de gran tamaño, bordeando el río Fox, en Plano, Illinois, es uno de los íconos de la arquitectura del movimiento moderno.

Se caracteriza por ser una simple estructura metálica que sólo se cierra con vidrio. El pabellón vidriado que parece flotar, tiene una fuerte relación con su entorno, donde, en todos los aspectos, se mantiene la voluntad de preservar el orden natural del lugar, siendo la esencia de la simplicidad en su volumen de forma pura.

La concepción de la casa brinda un homenaje a la belleza de la Naturaleza que envuelve a la vivienda. La transparencia de su cerramiento permite que desde el interior se tenga plena conciencia del paisaje. La omisión de un camino de acceso y de otros elementos urbanísticos desligan a la vivienda de cualquier intervención humana y la conciben como un objeto artificial que se implanta en el mismo como si se hubiese depositado desde el aire.

En este sentido se adivina la voluntad de Mies van der Rohe de preservar el orden natural del Paisaje y experimentar en el conjunto la belleza de la Naturaleza inalterada. La casa Farnsworth se integra entre los árboles casi “de puntillas”. Si se hubiera situado en cualquier otro lugar de la parcela hubiese sido completamente diferente y es por ello que la Casa Farnsworth se ha convertido en uno de los grandes iconos de la Arquitectura en Viviendas Unifamiliares.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: casa / otoño / tranquilidad / naturaleza / frío.

“

Mi convicción se estimulaba con las innovaciones de la ciencia y de la técnica donde encontraba sugerencias para mis investigaciones arquitectónicas. Jamás he cedido, pues siempre he creído que la arquitectura no debe guiarse por la invención de formas inéditas ni por gustos individuales. La arquitectura, para mí, es un arte objetivo y debe regirse por el espíritu de la época en que se desarrolla”.

Mies van der Rohe

Palabras claves luego de la investigación: minimalismo / mimetismo / naturaleza / modernismo / relajación / soledad.

La casa se integra perfectamente con la naturaleza que le rodea en todas las estaciones, preservando la idea principal de su creador.

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Arquitectura

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• EDICIÓNESPECIAL2016

Edificio

Seagram

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Simetría / imponente / imperio.

Menos es

más

Palabras claves luego de la investigación: Moderno / simple / descanso visual / aislamiento / estructura / simetría / cuadrícula.

La plaza Seagram se extiende sin límites entre el interior y el exterior del edificio.

Símbolo del mundo industrial contemporáneo, el edificio cuenta con 39 pisos en 157 metros de altura y fue construido entre los años 1954 y 1958.

El Seagram Building, ubicado en Nueva York, es una moderna torre de oficinas proyectada por el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con Philip Johnson. Es la sede central de la corporación Seagram, fundada por un contrabandista enriquecido por la venta de alcohol durante la Ley Seca.

Símbolo del mundo industrial contemporáneo, ilustra el lema del arquitecto “Menos es más” demostrando que un edificio sencillo puede ser igual de sorprendente que una edificación con diseños mas compuestos.

El Edificio Seagram es una depurada síntesis de la arquitectura racionalista en la que Mies se había formado, del estilo internacional que comenzaba a abrirse paso en la arquitectura a partir de 1950 y de las aportaciones de la escuela de Chicago.

Este proyecto debía realizarse en uno de los lugares más exclusivos del centro de Nueva York, reto al cual respondió Mies con un gesto urbanístico a tener en cuenta sobre todo en el contexto de desenfrenado crecimiento económico de los años 50: dejando a un lado los criterios económicos, decidió liberar un espacio próximo al edificio, obsequiando a los habitantes de la ciudad con una plaza pública con bancos para sentarse y dos grandes estanques con fuentes. Con ello no sólo creó una distancia necesaria con respecto a la calle para poner de relieve el edificio, sino que se distanció de su tendencia a llevar al límite la construcción de rascacielos, en favor del crecimiento urbano.

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Los 5 puntos de la Arquitectura

1 El techo

las ventanas

Villa saboya La Villa Savoye es una de las obras arquitectónicas que transformó la concepción de la Arquitectura y del pensamiento arquitectónico en el siglo XX. En esta vivienda, el maestro Charles Édouard Jeanneret, conocido mundialmente por su legendario apodo Le Corbusier plasma lo que sería la definición material de “Los 5 puntos de la Arquitectura”.

La Villa Savoye fue proyectada por Le Corbusier como paradigma de la vivienda como machine à habiter (máquina de habitar), de forma que las funciones de la vida diaria en ella se vuelven fundamentales para su diseño. El movimiento de los coches para entrar al interior de la vivienda (un motivo que apasionaba a Le Corbusier desde hacía años) es el detonante para la concepción del edificio.

También en este término se engloba el hecho de que la vivienda se conciba pretendidamente como objeto que se posa sobre el paisaje, siendo totalmente autónomo del mismo y pudiendo ser colocado en cualquier lugar del globo.

La arquitectura sigue de este modo a aeroplanos, automóviles y paquebotes, y con el objetivo final declarado de lograr producir las viviendas en serie. La planta baja sobre pilotis también avanza en este sentido, ya que independiza la Villa de su jardín, y fue recogido como uno de los puntos fundamentales de la primera generación de la Arquitectura Internacional.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

3 las columnas

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Todos estos puntos que ahora nos resultan tan comunes, fueron una auténtica revolución a finales de la década de los 20 en el pasado siglo.

La Villa Savoye se ubica en una de estas parcelas situada más próxima a la Naturaleza que a la Urbanización con vistas al valle del Sena.

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El plano de la PB

5 la fachada

Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Vanguardista / moderno / primavera.

Palabras claves luego de la investigación: Vanguardista / moderno / pionero / adaptabilidad / funcionalidad /tranquilidad / movimientos fluidos en el espacio.

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Arquitectura

Oficina del Director del Barrio Oud-Mathenesse

Cuando Johanes Jacobus Pieter Oud es nombrado arquitecto de la ciudad de Rotterdam en 1918, uno de sus primeros objetivos fue planificar una importante cantidad de intervenciones urbanas.

En 1920 Oud comienza el desarrollo de un proyecto de intervención urbana para el barrio Oud-Mathenesse, que incluía un barrio de viviendas provisionales de sólo 25 años de duración.

El Conjunto formaba parte del plan de crecimiento previsto para Rotterdam y para tal fin se concedió una parcela triangular en una zona poco atractiva al oeste de la ciudad. La materialización del conjunto concedió a Oud un mayor reconocimiento público.

Como parte del programa de obras, Oud diseña la oficina para el director del emprendimiento, una pequeña construcción temporal, que exhibe plenamente el espíritu impulsor del grupo De Stijl. Oud puso especial énfasis en el diseño de la oficina sabiendo que era la oportunidad propicia para experimentar los principios neoplásticos.

La Construcción de la oficina se realizó íntegramente en madera y está compuesta por tres volúmenes: uno en forma de cubo de color rojo y otro similar de color azul, interceptados por un volumen más estilizado de color amarillo. Inauguradas las obras en 1923, la oficina del Director quedó desocupada. Tiempo después fué intrusada y finalmente abandonada al iniciarse la segunda guerra mundial, para terminar incendiada por una acción vandálica en 1944.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Innovación / maqueta / proyecto.

Palabras claves luego de la investigación: Proyección / formas básicas / adaptación / usabilidad.

El barrio fue inaugurado en 1923 y demolido en 1989, superando la previsión de vida útil por 41 años.

Muebles

clásicos

· Diseño de Interiores · Diseño de Interiores · Diseño de Interiores · Diseño de Interiores · Diseño de Interiores ·

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Diseño

le corbusier muebles clásicos

La silla LC4 de Le Corbusier se trata de un diseño purista, radical, que en su tiempo se ganó el reconocimiento que hoy la han convertido en un clásico del diseño.

Por lo general, los grandes arquitectos del último siglo no se dedicaron solamente a cambiar la concepción de la arquitectura, sino que tuvieron tiempo también para revolucionar el diseño industrial.

Entre los más activos cabe destacar a Charles Édouard JeanneretGris, más conocido como Le Corbusier. A lo largo de su carrera ideó diferentes piezas de mobiliario; sillas, butacas, sofás, mesas, cuyos diseños han trascendido hasta nuestros días.

En 1918, Le Corbusier colaboró con el artista Amédée Ozenfant desarrollando una nueva teoría del diseño y la arquitectura, concretándola como la definición del hogar como una “máquina para vivir”, en donde el diseño y la arquitectura se simplificaban y se desterraba todo aquello que era innecesario y superfluo.

Aunque nunca se definió como un arquitecto cubista, sus edificios y sus diseños se alían con esta tendencia artística. La racionalidad que demostraba al realizar sus edificios, la demostró igualmente al diseñar sus muebles, simplicidad de líneas con una base funcional fue el secreto de sus exitosos diseños.

La Exposición de artes decorativas celebrada en París en 1925, fue el impulso definitivo para que este magnífico arquitecto, se lanzara al diseño de muebles. Los primeros fueron realizados en colaboración con Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand. Las sillas y sillones eran realizados en términos de confort, tras realizar estudios antropométricos, por ello a pesar de que los diseños nos puedan parecer muy rectos, son sumamente cómodos.

Si hay un diseño conocido de Le Corbusier y sus colaboradores, es el LC4, más conocida como Chaise Lounge. Fue presentada en el Salón de Otoño del Diseño de 1929 y se trata de un diseño purista, radical, que en su tiempo se ganó el reconocimiento que hoy la han convertido en un clásico del diseño.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920, como Le Corbusier, fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, ingeniero, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna, junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto, Richard Neutra y Ludwig Mies van der Rohe, y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Sus sillas poseen una estructura basada en tubos de acero, el tapizado de piel bovina y en todas se vislumbra un gusto por la línea y el plano, constantes en su forma de concebir la arquitectura.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Comodidad / ergonomía.

Palabras claves luego de la investigación: Simplicidad / funcionalidad / comodidad.

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Diseño

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Cubo / metal / abrazo / confort.

• EDICIÓNESPECIAL2016

Magazine

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ESTÉTICA

Palabras claves luego de la investigación: Comodidad/ sencillez / líneas rectas.

Una butaca hecha para las formas femeninas Le Corbusier proyectó esta serie de sofas y butacas, llamada Grand Comfort, gracias a la ayuda de sus colaboradores Charlotte Perriand y Pierre Jeanneret en 1929.

Un conjunto de barras de acero envuelven y dan apoyo a un sistema de cojines de forma prismática. El resultado; líneas puras y sencillas, la idea básica de un sofá llevada al extremo.

La serie Grand Comfort comprendió dos modelos: Le Petit Modele estudiada para acoger las formas masculinas mientras le Grand Modele, con formas más anchas, apta para recibir formas femeninas.

Los dos distintos modelos son el resultado de estudios exhaustivos sobre el cuerpo humano y en particular sobre las distintas formas del cuerpo masculino y femenino, para garantizar máxima comodidad del asiento.

Al principio los cojines de la butaca tenían un mullido de plumas de ganso para que el asiento sea más confortable, pero luego se usó la espuma de poliuretano con la finalidad de tener un diseño más compacto.

Desde el punto de vista visual y geométrico, se trata de verdaderas obras de arte, fruto de un largo proceso de abstracción.

Una mirada al

David de Miguel Ángel

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Escultura

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El David de Miguel Ángel No solo es una de las esculturas más famosas del mundo. Incluso podríamos decir que es una de las obras de arte más míticas y conocidas universalmente.

Su mirada siempre seria, ligeramente fruncida. Una mirada fuerte y penetrante, equilibrada que era capaz de derretir el hielo. Podría mostrar fiereza en la mirada, pero también toques de cansancio y tristeza. No hablamos de la mirada del David de Miguel Ángel, sino de lo que refleja de su autor. Algo tan volátil como una mirada, puede haber sido plasmada por los ojos del David, sin que el creador se diese cuenta, robando parte de su esencia e inmortalizando la mirada de un autor que fue líder, artista y seguido por millones, antes y ahora.

Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida.

El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat. Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal.

Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza física del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra.

Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

“

Escoged a un hombre y que venga contra mí. Si pudiere pelear conmingo y vencerme, nosotros seremos vuestros siervos; mas si yo prevaleciere sobre él y lo matare, vosotros seréis nuestros esclavos”.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Escultura / serenidad / equilibrio / proporción.

Palabras claves luego de la investigación: Fortaleza / imponente / fuerza / equilibrio.

La estatua que representa al Rey David en su enfrentamiento al gigante Goliat, mide nada menos que 4,10 metros de altura con un peso de 5,5 toneladas. Fue tallado sobre un bloque de mármol de Carrara, que para los romanos de entonces se denominaba “mármol lunense”.

Hoy en día el viejo David de Miguel Ángel posee más de 510 años.

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Escultura

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• EDICIÓNESPECIAL2016

La Victoria alada de Samotracia, también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia, es una escultura perteneciente a la escuela rodia del período helenístico, que representa a Niké, la diosa de la victoria. Se encuentra en el Museo del Louvre en París.

L

a Victoria de Samotracia ha fascinado a artistas y literatos como una de las más espectaculares y acabadas muestras del arte helenístico. Representa a Niké, la diosa de la victoria, posándose sobre la proa de una nave con tan meditado equilibrio que el mármol parece elevarse a los cielos. El poeta Rainer Maria Rilke vio en esta composición «una imperecedera recreación del viento griego en lo que tiene de vasto y de grandioso». Es admirable la maestría con la que se sugiere el movimiento en el sinuoso equilibrio de la figura. Pero no menos fascinante resulta el modo en que, a partir de los fragmentos descubiertos en 1863 en una isla del Egeo, los expertos lograron recomponer la majestuosa estatua para exponerla en el Museo del Louvre.

La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión.

Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento este que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época.

Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.

Hay que precisar que una de sus alas, al menos en parte, no es original, sino producto de una restauración.

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Victoria de

Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Dueña y señora / imponente / escultura / movimiento.

Palabras claves luego de la investigación: Diosa / victoria / mar / coraje.

Su elaborada talla y su posición en una de las más amplias escaleras del Museo del Louvre, que la hacen ser objeto de las miradas de miles de personas cada día, han hecho de ella una de las más conocidas esculturas del mundo griego.

S a m o t r a c i a

La escultura tiene una altura de 2,45 m y se elaboró en mármol hacia el año 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia.

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Escultura

Cloud Gate

La Puerta de la nube es una escultura del artista Anish Kapoor, ubicada como pieza central de la Plaza AT&T en el Millennium Park en Chicago.

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• EDICIÓNESPECIAL2016

El Millenium Park, donde se encuentra la estructura conocida como Cloud Gate o La Puerta de las Nubes, comprende una extensión urbana de diez hectáreas concebida con fines artísticos y recreativos ubicada en la ciudad de Chicago, en Estados Unidos, englobando varias obras de arte y arquitectura que han alcanzado gran notoriedad. Fue diseñada por Anish Kapoor, uno de los escultores indios más influyentes de su generación, quien se inspiró en el mercurio para su creación, con una superficie que refleja y distorsiona el “skyline” de la ciudad.

La Puerta de las Nubes supuso un autentico reto de ingeniería.

Los componentes estructurales de apoyo fueron diseñados y construidos para garantizar que ningún punto específico fuese sobrecargado, diseñando su armazón para expandirse y contraerse conjuntamente con el revestimiento de la estructura cuando las temperaturas fluctuasen. Inicialmente, se estimó su peso en unas 54 toneladas, aunque finalmente la obra de Kapoor alcanzó las 98 toneladas de acero, por lo que hubo que reforzar el muro de contención que separa las vías del tren para que pudiese soportar parte del peso de la estructura.

El nombre que Kapoor eligió finalmente para su obra fue “Cloud Gate”, pues tres cuartas partes de la superficie de la escultura reflejan la bóveda celeste, actuando como una puerta que ayuda a reducir el espacio entre el cielo y el espectador.

Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí, en su exterior está pulido por lo que no tiene aparentemente costuras visibles. Se trata de una escultura de 10×20×13 m, y pesa 98 toneladas.

Coloquialmente se le apoda The Bean (La Alubia), pues su forma recuerda a la de esta legumbre.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Dueña y señora / imponente / escultura / movimiento.

Palabras claves luego de la investigación: Diosa / victoria / mar / coraje.

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Escultura

ESTÉTICA

Piedad del Vaticano ¿Puede una madre tener la misma edad que un hijo o incluso ser más joven que él?

Evidentemente, no... a no ser que estemos refiriéndonos a esta maravilla de la escultura de todos los tiempos, concluida por Miguel Ángel a sus veinticuatro años de edad.

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escribir esta maravilla resulta, en un principio, bastante sencillo: nos encontramos ante una representación de la Piedad, el momento en que María sostiene sobre sí misma el cadáver de su hijo Jesús, recién bajado de la cruz. Sin embargo, a partir de aquí todo se complica por la alta calidad de la talla escultórica, prácticamente a tamaño natural y concebida para ser contemplada desde una perspectiva frontal, lo que explica el menor detalle de la parte posterior.

Podríamos decir que la obra presenta una clara composición piramidal; que muestra una extrema perfección en el modelado; que el escultor ha pulimentado el conjunto hasta dejar las superficies completamente lisas. Un acabado perfecto que contrasta con el non finito que Miguel Ángel adoptará en otras obras posteriores. Tal vez pudiésemos añadir el contraste que observamos en este grupo entre los pliegues de la vestimenta de María y los del santo sudario con la desnudez casi absoluta del cuerpo de Jesús. A partir de ello podríamos indicar como el trabajo de esos pliegues y el interés por la anatomía humana nos remiten al más puro clasicismo.

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Las personas enamoradas de Dios no envejecen nunca. La Madre tenía que más joven que el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales”.

Miguel Ángel Buonarroti

Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: religión / triángulo / dolor.

CON

UN PEQUEÑO CUADRO

MUCHOS ENIGMAS

Palabras claves luego de la investigación: dolor / sufrimiento / muerte / resignación.

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Pintura

ESTÉTICAMAGAZINE •

35 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

Mona Lisa Tratando de averiguar el estado de ánimo de la modelo durante el posado, se utilizó un software especializado en la “medición de emociones”, el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de su expresión. La conclusión alcanzada por el programa, es que Mona Lisa está un 83 % feliz, un 9 % disgustada, un 6% temerosa y un 2 % enfadada.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: serenidad / autorretrato / sonrisa.

Palabras claves luego de la investigación: enigma / castidad / misterio.

La Gioconda, también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo. ¿De qué se ríe esta mujer, si es que se ríe? ¿Quién era la representada? ¿Estaba o no embarazada? ¿Puede sostenerse, como algunos afirman, que en realidad se trata de un autorretrato del propio Leonardo? ¿Tenía razón Freud cuando afirmaba ver en el personaje rasgos masculinos? ¿A qué se debe la ausencia de cejas? ¿Por qué el paisaje a ambos lados de la figura no tiene continuidad posible? ¿Y en qué lugar concreto se inspiró el autor para reflejar ese paisaje?¿Qué llevó a Leonardo da Vinci a conservar en su poder esta obra hasta su muerte?

Estos interrogantes y muchos otros acompañan a uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos, Parece casi irreal que esta pequeña obra de medio metro de ancho y tres cuartos de alto haya congregado en torno a sí tantas pasiones. Y, al mismo tiempo, se da la paradoja de que una mujer solitaria y enigmática está siempre rodeada de masas de turistas ansiosos por ver la obra en el museo del Louvre. pero claro, la pintó Leonardo, del cual se conservan muy pocos cuadros y encima la captó con esa sonrisa que supone el enigma de los enigmas.

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ESTÉTICAMAGAZINE •

Pintura

Maja desnuda de Goya

37 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

Guernica

Un grito contra la barbarie

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: arte / cubismo / abstracto.

Palabras claves luego de la investigación: cubismo / surrealismo / expresionismo / monocromático.

Es la primera vez en toda la pintura española en que se pinta un desnudo porque sí, sin excusas, y además sensual y provocativo. Antes se pintaba algún desnudo que otro pero se disimulaba con ocurrencias como que la modelo era sorprendida vistiéndose o saliendo del baño, o bien una diosa clásica a la que se le caía la túnica y dejaba ver su anatomía.

L

a maja desnuda es una de las más célebres obras de Francisco de Goya y Lucientes. En este caso el desnudo es claro, sin disimulos y Goya lo lleva más allá al mostrarnos un gesto malicioso y resabiado en el rostro de la maja, ella se exhibe y disfruta provocando al espectador. Por si fuera poco, el centro del cuadro coincide con su pubis, que aparece, por primera vez en la pintura universal, con vello. La chica se contonea, marca sus separados senos al retraer los brazos y coloca las piernas elegantemente. Presenta un cierto sonrojamiento en sus mejillas, muy atrayente al combinarse con su descaro y desparpajo posando. Contrasta su rostro poco agraciado con la belleza de su cuerpo.

El pintor define con precisión los contornos de la dama y la baña en luz, destacando su palidez y piel nacarada. Todo es refinamiento y sensualidad, ella luce destacada sobre un canapé de terciopelo verde, con una sábana y almohada con encajes. La pincelada es detallista y precisa y los colores suaves y nada exagerados. El contraste se logra por la piel blanca y el terciopelo verde oscuro. Aparte del diván y la maja, no existe nada más, el fondo es neutro, en tonos pardos, y no nos permite ni distraernos ni identificar ninguna otra cosa.

Sea como fuere, la maja desnuda provocó muchos quebraderos de cabeza a Goya ya que la Inquisición lo llamó para interrogarle y pedirle explicaciones por ese cuadro “obsceno y pecaminoso”. Naturalmente fue prohibida su exposición pública.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Pose / Titanic .

Palabras claves luego de la investigación: desinhibida / sin complejos / atrevida / audaz .

Si intentáramos explicar a un niño qué es el ‘Guernica’, cada uno daría mil matices, pero todos coincidiríamos en una idea común: que el cuadro más famoso de Pablo Ruiz Picasso es un grito contra el horror y la barbarie de la guerra. De cualquier guerra. De todas las guerras.

Son muchas las teorías que desgranan cada centímetro del lienzo, la simbología y el significado de lo que el artista quiso expresar con cada una de las figuras que pintó, sus antecedentes e influencias.

La Historia del ‘Guernica’ comienza en enero de 1937, cuando el Gobierno de la República de España encarga a Picasso un gran cuadro para el pabellón español de la Exposición Universal que se celebraría ese año en París. Desde el 1 de mayo, el malagueño invierte varios días en numerosos esbozos preparatorios, un total de 62, antes de abordar el lienzo en blanco. El 10 de mayo empezó a pintar su gran obra de 3,51x7,82.

Pocos días antes, el 26 de abril, la localidad vasca de Gernika había sido bombardeada y devastada por la Legión Cóndor alemana. El tema corre de boca en boca entre los españoles en París y la prensa francesa también se hace eco de ello. Todos los expertos coinciden en que los comentarios populares y las imágenes en blanco y negro que publican los periódicos del ataque indiscriminado sobre la población civil y la devastación de la ciudad dan definitivamente al malagueño el tema para la obra que en esas fechas tiene entre manos. ’Guernica’ es una de las ocasiones en que Picasso se implica en el tema social y deja por unos momentos

Dora Maar - PABLO PICASSO Obra representativa del cubismo, realizada por Pablo Picasso y donde se muestra un rostro con las características básicas de este movimiento artístico.

su vida personal, que es lo que le suele inspirar más frecuentemente. La obra, alegato universal contra la violencia y la barbarie, viajó por Europa y EEUU en busca de simpatías y fondos para la causa republicana, silenciada tras el triunfo franquista, en 1939. Picasso expresó su deseo de que el cuadro no viniera bajo ningún concepto a España mientras no se restableciera la democracia. Y tuvieron que pasar más de cuatro décadas para que el ‘Guernica’ pisara suelo español. Un recibo de 150.000 francos sirvió al Gobierno para demostrar la propiedad de su encargo.

El 10 de septiembre de 1981, el ‘Guernica’ aterrizaba en el aeropuerto de Madrid-Barajas.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Cubismo / rostro.

Palabras claves luego de la investigación: expresión / descomposición / representación.

· 38

ESTÉTICAMAGAZINE •

Pintura

39 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

No, no hemos escrito mal el título de este artículo. No es que estemos refiriéndonos al arte pop y nos hayamos olvidado de la primera letra. OP es la abreviatura de óptico y con esa denominación hacemos alusión a un tipo de manifestación artística que se conceptúa a sí misma como “óptica”. Pero, en el fondo, ¿qué arte plástica no es, al menos en algún sentido, óptica? En este caso, el op art es una corriente pictórica que surgió a finales de 1950 y que hace hincapié en la idea de poner la vista del espectador a trabajar, creando para ello unas determinadas ilusiones ópticas.

Los orígenes del op art se asocian a la obra de Víctor Vasarely (19061997), un artista húngaro que desarrolló casi toda su trayectoria en Francia y acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidentes.

Con todo ello Vasarely defendía una determinada función social del arte, de forma que éste fuese accesible a todo tipo de públicos.

Op Art La vista es la que trabaja Arte óptico o arte para la vista, por lo tanto, que pretende jugar con el ojo de espectador mediante una serie de artificios visuales que consigan crear volúmenes y sensación de profundidad donde sólo hay bidimensionalidad.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: psicodelia /colores.

Palabras claves luego de la investigación: perspectiva / ilusión / movimiento / color / resalte.

· 40

ESTÉTICAMAGAZINE •

Pintura

El grito

UN CARGAMENTO DE RECUERDOS “No pinto lo que veo sino lo que vi”.

Con estas desgarradoras palabras describía el pintor noruego la carácterística básica de sus obras.

“

Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza”.

Edvard Munch

El grito (en noruego Skrik), es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). Todas las versiones muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

Magazine ESTÉTICA

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: angustia / desespero.

Palabras claves luego de la investigación: angustia / desespero / momia / ícono.

retícula cósmica al alcance de todos

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Arte

ESTÉTICAMAGAZINE •

La Fuente La Fuente (1917) es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. En ese año expuso un mingitorio o urinario en el museo de Nueva York, lo tituló “La Fuente” (Fountain) y lo firmó como “R. Mutt”.

43 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

E

sta pieza, denominada readymade, (también objeto encontrado, del francés objet trouvé) es el arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un museo- y la declarara como tal.

Además, la obra ha sido interpretada de infinidad de maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.

Las bases de la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza establecía que todas las obras serían aceptadas, pero la Fuente fue retirada rápidamente. El urinario original se ha perdido. La obra es considerada como un hito importante en el arte del siglo XX. Si bien es cierto que esta obra es la responsable del reconocimiento eterno de Duchamp, y de la idea del cambio de paradigma en el arte, dos estudiosos británicos, Julian Spalding y Glyn Thompson, aseguran que la idea fue en realidad ocurrencia de la poeta y artista Elsa von FreytagLoringhoven y que Marcel Duchamp, lejos de ser la mente creadora y controversial, podría en realidad haber copiado esta idea de la alemana. Muchas de las obras de Elsa las realizaba con desechos que encontraba en las calles. Es considerada la primera dadá americana.

Las recientes investigaciones han demostrado que en año 1927 Duchamp envió una carta a su hermana en la que explicaba: ”Una de mis amigas, bajo un seudónimo masculino, Richard Mutt (R. Mutt), me ha enviado un urinrio de porcelana como si fuese una escultura”.

baño

obra de arte

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Asombro / innovación.

Palabras claves luego de la investigación: Atrevido / Novedoso / romper las reglas / curioso.

· 44

ESTÉTICAMAGAZINE •

Arte

Rueda de Bicicleta

45 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

L.H.O.O.Q. (Mona Lisa) En 1919, el dadaísta Marcel Duchamp pintó una parodia de Mona Lisa luciendo bigote y perilla y con la inscripción L.H.O.O.Q. (que significa ella tiene el culo caliente, traducido del francés).

Esta obra pertenece al movimiento conocido como dadaísta, fue elaborada por Marcel Duchamp, el autor más relevante de este movimiento, en 1913 y podemos encontrarla en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1913 creó su primer ready-made que consistía en una rueda delantera de bicicleta dispuesta bocabajo sobre un taburete de cuatro patas. Marcel declaró haberlo hecho como una mera diversión, pues le resultaba agradable observar como desaparecían los radios al girar la rueda.

Posteriormente, negó que su invención tenga un propósito, aunque es conocida como la primera de sus obras de arte encontradas. “Disfruto mirándolas”, afirmó. “Tanto como disfruto ver las llamas danzando”. Esta obra nos invita a la reflexión, a no tener por qué buscarle un sentido a una obra, ni un valor moral o estético; como hemos visto los dadaístas no pretendían crear obras de arte que estuvieran en los museos, pero el resultado de su obra fue justamente el contrario de lo esperado. Con sus ready-made consigue hacernos pensar en lo “bonita” que es o no una obra, consigue el efecto en el espectador buscado, pero además lo convierte en una manera de causar impacto en la sociedad. Una obra de arte puede gustar más o menos, por sus cualidades, pero debe invitar al pensamiento y sobretodo expresar los sentimientos del autor, que Duchamp muestra de una manera muy explícita, pues no quiere crear obras de arte sino sacarle lo “antiartístico” a un objeto cualquiera de la vida cotidiana.

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info Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: movimiento / equilibrio.

Palabras claves luego de la investigación: intervención / inútil / creación.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: juego/ intervención / diversión.

Palabras claves luego de la investigación: atrevido / representación / adaptación / burla.

L.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp.

Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras de arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.

El nombre de la obra, L.H.O.O.Q. es homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente», que podría traducirse como «Ella está excitada sexualmente».

Duchamp realizó varias de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.

Existen muchas interpretaciones de la obra, pero la de Duchamp sigue siendo la parodia mas famosa de La Gioconda, haciéndolo mundialmente reconocido.

· 46

ESTÉTICAMAGAZINE •

Arte

Amarillo, azul y rojo, los colores elementales del universo

Piet Mondrian fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante.

Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal, expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Busca, en suma, un “arte puro”, despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.

Magazine ESTÉTICA

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Cuadriculado / retícula / arte / concepto / usabilidad / adaptación.

Palabras claves luego de la investigación: esquema / básico / simple / color pureza.

Los bloques de colores brillantes y las líneas rectas, sellos representativos de Mondrian, son utilizados en infinidades de formatos, logrando perpetuar la obra de este gran artista.

la niña

afgana Universidad del Zulia · Maestría en Comunicación Visual · Socio Estética del Consumo Visual

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Cultura

ESTÉTICAMAGAZINE •

49 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

Sin duda es una historia conmovedora captada en dos fotografías que nos hace a todos reflexionar sobre la crudeza y la brutalidad de las guerras y la mella que dejan en la vida de las personas.

Una portada mítica

que estuvo a punto

de no suceder

Sharbat Gula es una mujer afgana de la etnia pashtún quien, debido a la Guerra de Afganistán se vio obligada a huir de Afganistán rumbo a Pakistán hacia un campo de refugiados donde fue fotografiada por Steve McCurry, de National Geographic. La imagen se hizo famosa cuando fue publicada en la portada de la revista en junio de 1985.

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Es una de las fotos más populares de la historia, y estuvo a punto de no ser. Como casi todas las grandes historias, la casualidad, el cambio de opinión a última hora, el azar o una combinación de todos ellos provocó que la edición de junio de 1985 de National Geographic abriese con una imagen tan impactante entonces como icónica ahora: la foto de la niña afgana.

Su autor, Steve McCurry, cuenta en su libro “Untold: The Stories Behind The Photographs” que la publicación de la foto en portada fue una decisión de última hora del director de la revista, en contra del consejo de su editor gráfico, que había elegido un retrato de la misma niña en el que se tapaba la cara (portada de esta sección). Otra imagen merecedora de ser portada, ciertamente. McCurry recuerda la mirada cargada de misterio y el recelo de la joven: aquel hombre era un desconocido, y nunca la habían fotografiado. El campo de refugiados en Pakistán era un laberinto caótico de tiendas de campaña. En el interior de una de ellas, la de la escuela, aquella niña fue lo primero que llamó su atención. Al percibir su timidez, la abordó en último lugar. Ella accedió a posar.

Hoy sabemos el nombre de la protagonista: Sharbat Gula. Y algunas curiosidades más de aquella imagen que ha dado la vuelta al mundo.

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Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: pobreza / sorpresa / expresión / intensidad.

Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: angustia / vejez / madurez.

Palabras claves luego de la investigación: juventud / miedo / intensidad / misterio / recelo.

Palabras claves luego de la investigación: sabiduría / resignación.

El reencuentro Ocho años después McCurry decide intentar encontrar a la niña y tras una búsqueda de 18 años llena de rumores que la convierten en un símbolo (se dice que es modelo, profesora de inglés de la familia de Ben Laden y buscada por la CIA), la encuentra en enero de 2002. La imagen lograda es sorprendente: los mismos ojos verdes, claro, puro, hipnótico, la misma ruta de los labios, un rostro que ha cambiado ahora envejecido y rodeado de un velo dejando escapar un mechón de pelo.

Se llama Sharbat Gula, regresó a Afganistán en 1992, tiene treinta años, es una mujer tradicional pashtún, casada y madre de tres hijas más una cuarta que murió cuando era pequeña. Su marido, con quien se casó a los trece años (poco después de su famosa fotografía) se llama Rahmat Gul y sus tres hijas Robina, Zahida y Alia. Steve ha tenido que contar con la ayuda del FBI, sistemas de reconocimiento facial e incluso un análisis científico del iris para asegurarse, pero ahí está, la ha encontrado.

Le pide que le deje hacerle un segundo retrato y ella accede a una sesión completa en la que posa junto a la revista con la portada de la famosa fotografía suya. Al final McCurry consigue un retrato de Sharbat que cuenta esta vez con una vida de 30 años en sus ojos, la tristeza se ha transformado en odio, ya no siente tristeza, solo dolor.

Ella le dice que no sabía que su fotografía se había hecho famosa y que la vida ha sido larga desde entonces, le cuenta que el burka está presente en su vida desde que lo trajeron los talibanes a su país sin ley y que los bombardeos americanos no han cesado desde entonces.

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Cultura

ESTÉTICAMAGAZINE •

51 ·

• EDICIÓNESPECIAL2016

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Mursi

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tribu africana

Palabras con conocimientos básicos del tema a tratar: Modificación corporal / tradiciones / etnia.

Palabras claves luego de la investigación: belleza / sabiduría / mujer / cortejo / riqueza.

lo más llamativo de su decoración son las escarificaciones, cicatrices en la piel producidas por cortes e incisiones de mayor o menor profundidad, que al cerrarse forman una costra.

En la mujer se considera un adorno que realza su belleza; en el hombre un símbolo de valentía que indica que ha cazado algún animal feroz o ha ganado a algún enemigo.

En estas tribus la estética corporal es de máxima importancia.

No les gusta el pelo, de ahí que se rasuren de la cabeza a los pies. Los hombres se pintan el cuerpo con cal o cenizas para realzar su agresividad y en la cabeza lucen cuernos y plumas que les dan un aspecto más aguerrido.

La imagen más conocida de los Mursi es la de sus mujeres luciendo un disco de arcilla colgando del labio inferior. A menudo pensamos que pintarse el rostro y el cuerpo, practicarse tatuajes en la piel o lucir perforaciones es una pura cuestión de estética, de coquetería, sin embargo estos símbolos trascienden de lo decorativo.

Más allá de cuestiones estéticas la ornamentación corporal transmite la información que en ese mundo es importante: se comunica la pertenencia a un pueblo, tribu o etnia, se proclama el estado civil del individuo, se muestra el paso de la infancia a la fase adulta, el rango social dentro del grupo, etc.

Además de esta información, es innegable que para la mujer Mursi el plato de arcilla constituye un símbolo de belleza y elegancia y se dice que cuanto mayor sea el tamaño del plato mayor será la dote que reciba el padre de la muchacha de la familia de su futuro esposo.

Cuando una niña Mursi alcanza la pubertad se le practica un corte bajo el labio inferior y se le coloca un pequeño corcho o tapón de madera para que la incisión no se cierre. Durante los años siguientes ese pequeño orificio se va estirando progresivamente para ir insertando un disco labial mayor.

Este proceso se repite hasta que el agujero sea lo bastante grande como para sostener un disco de barro de unos 15 cm de diámetro. La joven debe tensar el labio con mucho cuidado ya que si se le rompe perderá la belleza para los hombres y nunca podrá casarse.

También se practican orificios en los lóbulos de las orejas, donde lucirán pequeños platos mientras permanezcan solteras. Este acto tiene gran importancia en la cultura Mursi ya que significa el paso de niña a mujer y la posibilidad de empezar a buscar marido.

Lo ideal es que la mujer, estirando el labio, pueda pasar el orificio alrededor de su cabeza. Cuanto mayor sea el disco labial mayor será el valor de la mujer cuando se case. Una dote normal está alrededor de las 30 vacas. Si la casadera luce un plato labial muy grande puede llegar a obtener hasta cincuenta cabezas de ganado.

Las mujeres mursi no llevan el disco puesto todo el día ya que es demasiado pesado o incómodo para realizar las tareas domésticas. Se lo colocan para las celebraciones tribales, para atender a sus invitados o cualquier otra situación relevante, como la visita de algún grupo de turistas.