CRIdA Programa de artistas en residencia by Pau Waelder

Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes 2011-2012 Aleksandra Rasulic Ruta Butkute Varvara Guljajeva + Mar Canet Marcos Vidal

Josep Domínguez Xavier de Kepper Miguel Ángel Moreno Carretero Ale Zea

Amaya Bombín Nerea de Diego Ronda Bautista Bartomeu Sastre

Adriana Cerecero Juan Carlos Martínez Roma Pas Juan Miguel Pozo Cruz

Robert Gutiérrez + Albert Pinya Mauro Ceolin Martin John Callanan Neus Marroig

Fundació Palma Espai d’Art

Marcos Cuesta Théotime Gerber Iván Izquierdo Santiago Morilla

CRIdA | Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes | 2011-2012

CRIdA

CRIdA Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes 2011-2012

Ajuntament de Palma Batle M. Hble. Sr. Mateo Isern Estela Tinent de batlia i regidor de l’Àrea de Cultura i Esports Il·lm. Sr. Fernando Gilet Sancenón Directora gerent de la Fundació Palma Espai d’Art Pilar Ribal i Simó PATRONAT FUNDACIÓ CASALS D’ART I ESPAIS EXPOSITIUS DE PALMA President M. Hble. Sr. Mateo Isern Estela Vicepresident Il·lm. Sr. Fernando Gilet Sancenón Patrons Il·lma. Sra. Esperanza Crespí Pibernat Sra. Maria José Massot Ramis de Aireflor Sra. Aina Maria Ferriol Font Sr. Federico Climent Guimerà Sra. Maria Isabel González Carrasco Sra. Neus García Iñesta Sr. Paco Espinosa Trujillo Sr. Gaspar Sabater Vives Secretari Sr. Antoni Pol Coll Sotssecretari Sr. Damià Sans Tous Patronat de Fundación Banco Santander President Sr. Antonio Escámez Torres Patrons S.A.R. Princesa Irene de Grècia Sr. Fernando de Asúa Álvarez Sr. Antonio Basagoiti García-Tuñón Sr. Ignacio Benjumea Cabeza de Vaca Sr. Juan Manuel Cendoya y Méndez de Vigo Sr. Rodrigo Echenique Gordillo Sr. Víctor García de la Concha Sr. Ramón González de Amezúa Sr. Rafael Puyol Antolín Sr. José María Segovia de Arana Sr. Juan Velarde Fuertes Secretari Sr. Antonio de Hoyos González Director Sr. Borja Baselga Canthal

CRIdA Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes Espai Sant Jeroni 2011 - 2012 Comissariat Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder Coordinació Fundació Palma Espai d’Art Catàleg Concepte Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder Coordinació Fundació Palma Espai d’Art Textos Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder Fotos Lluís Fuster, Cyro García, Fernando Gómez de la Cuesta Ian Waelder, Pau Waelder i els artistes residents Disseny editorial i maquetació hastalastantas Assessoria lingüística Servei d’Assessorament Lingüístic de l’Ajuntament de Palma Traducció dels textos a l’anglès Lynne Dorrien Suport informàtic Institut Municipal d’Informàtica de l’Ajuntament de Palma Impressió amadip.esment Dipòsit Legal: PM 1029-2013 ISBN: 978-84-95267-64-1 © D’aquesta edició: Ajuntament de Palma Fundación Banco Santander © Dels textos: els autors © De les traduccions: els autors © Del disseny: els autors © De les fotos: els autors

Gràcies! La Fundació Palma Espai d’Art i els comissaris Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder volen agrair a les següents institucions i persones la seva ajuda desinteressada, que va fer possible el desenvolupament del programa d’artistes en residència CRIdA: Consell de Mallorca, Ajuntament de Palma, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, Centre de Recursos de Creació Contemporània (CRCC), CCA Andratx, Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB), Associació de Crítics i Comissaris d’Art de les Illes Balears (ACCAIB), Teatre Xesc Forteza, Casal Son Tugores, Projecte Alart, Addaya Centre d’Art Contemporani, ABA Art Contemporani, Louis 21, SKyistheLimit, Amadip. esment, Art Bendix, Convent de la Missió, Es Jaç, Restaurante Olivia, Joan Carles Gomis, Nanda Ramon, Yadira Fernández, Aina Juan, Mar Massutí, Mar Sánchez, Tina Torrens, Ian Waelder, Cyro García, Lluís Fuster, Ángel Pascual Rodrigo, Paco Espinosa, Caterina Barceló, Tomás Vallés, Joan Rafel Bonet i a totes les persones que varen assistir a les presentacions, xerrades, performances i exposicions organitzades en el marc del programa de residències. L’impacte de CRIdA en l’escena artística de Palma ha estat un reflex de la qualitat del treball dels artistes residents, als que també agraïm la seva dedicació i professionalitat: Marcos Cuesta, Théotime Gerber, Iván Izquierdo, Santiago Morilla, Josep Domínguez, Xavier de Kepper, Miguel Ángel Moreno Carretero, Ale Zea, Adriana Cerecero, Juan Carlos Martínez, Roma Pas, Juan Miguel Pozo Cruz, Ruta Butkute, Varvara Guljajeva, Mar Canet, Aleksandra Rasulic, Marcos Vidal, Amaya Bombín, Ronda Bautista, Nerea de Diego, Bartomeu Sastre, Mauro Ceolin, Neus Marroig, Robert Gutiérrez, Albert Pinya i Martin John Callanan.

CRIdA (Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes) és un programa de residència i intercanvi comissariat per Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder, que va tenir lloc entre 2011 i 2012 sota els auspicis de la Fundació Palma Espai d’Art, a les dependències del convent de Sant Jeroni habilitades com a estudis de creació. En un període de dotze mesos, el programa va acollir un total de 24 projectes desenvolupats per 26 artistes locals, nacionals i internacionals, dividits en sis grups, que s’allotjaren a Palma durant dos mesos, reberen una dotació econòmica per a la producció de les seves obres i desenvoluparen en els estudis un projecte artístic específic per a aquest programa. Partint de la convicció del potencial de Palma com a centre de creació artística, i de la necessitat d’establir connexions entre l’escena artística local i el panorama internacional, el programa CRIdA va obrir la seva convocatòria a artistes d’arreu del món, dedicant especial atenció als projectes que proposaven una intervenció a l’espai urbà de Palma o una reflexió sobre la realitat actual de la ciutat. Els artistes residents centraven així el seu treball a la ciutat que els acollia, alhora que es facilitava la presentació de la seva obra als professionals de l’escena artística mallorquina (crítics, comissaris, galeristes, directors d’institucions) i, sens dubte, al públic en general, mitjançant visites concertades i esdeveniments oberts a la ciutadania. Els estudis es varen convertir, d’aquesta manera, en un espai d’encontre i diàleg entre els artistes convidats, la ciutat i els seus habitants. Als artistes residents, es varen afegir, a partir del tercer grup, creadors locals que varen participar en el programa amb les mateixes condicions de visibilitat i recursos, sumant al seu treball un contacte més directe entre els residents i els cercles artístics de l’illa, mentre s’anaven generant unes sinergies interessants entre tots. Aquesta integració dels artistes locals en el programa va ser possible gràcies a una col· laboració amb l’Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB), primer dels diversos acords assolits amb institucions i associacions del sector cultural a Palma. Es pot destacar, en aquest aspecte, la fructífera aliança amb el CRCC (Centre de Recursos de Creació Contemporània), que va permetre als artistes emprar recursos tècnics i espais en la creació de les seves obres; la generosa assistència dels tallers de creació gràfica de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, que va facilitar als artistes la realització de peces de ceràmica i obra gràfica i, finalment, el suport d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani i el Casal Solleric, que varen obrir els seus espais expositius a les propostes de diversos artistes residents. Al suport institucional es va afegir el de nombroses galeries d’art, empreses i particulars, que es varen interessar pel treball dels artistes del programa CRIdA, col·laborant-hi i completant així la integració de les seves propostes en l’escena artística local. Proposta pionera a nivell institucional, CRIdA va ser el primer programa públic de residència d’artistes a Mallorca. En la seva breu trajectòria va establir un model de referència i va donar a conèixer la riquesa de l’escena cultural local a artistes d’Alemanya, França, Itàlia, el Regne Unit, Holanda, Lituània, Sèrbia, Estònia, els Estats Units i Espanya, els quals convertí en ambaixadors de les nostres illes, i generà interessants trobades i col·laboracions que perduren avui en dia.

FERNANDO GILET SANCENÓN Tinent de batle de Cultura i Esports de l’Ajuntament de Palma

En el seu compromís amb la producció i la difusió de l’art contemporani, Fundación Banco Santander es complau a presentar el catàleg que recull les activitats que ha duit a terme a CRIdA (Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes), un projecte que es desenrotllà de maig de 2011 a maig de 2012 a l’Espai Sant Jeroni de la Fundació Palma Espai d’Art. La societat actual es caracteritza per la seva mobilitat i el seu esperit global. Els artistes, com a observadors crítics de la realitat que ens envolta, participen d’una visió del nostre entorn com una gran xarxa en què tots estam connectats. En aquest sentit, els programes d’artistes en residència són una peça clau del desenrotllament de les pràctiques artístiques contemporànies, atès que permeten l’intercanvi necessari entre creadors de diferents punts geogràfics. Aquesta interessant iniciativa comptà amb una intensa programació, la qual cosa facilità la producció i la presentació de l’obra de 26 artistes de diversos països (Alemanya, França, Itàlia, Regne Unit, Holanda, Lituània, Sèrbia, Estònia, Estats Units i, és clar, Espanya), entre els quals cal destacar la presència de rellevants artistes locals. En el marc del projecte CRIdA, la col·laboració entre Fundación Banco Santander i el Casal Solleric féu possible les exposicions “Global” de Martin John Callanan i “Roleplay Colonial” de Robert Gutiérrez i Albert Pinya. Aquestes dues mostres, de gran qualitat i projecció internacional, marcaren la culminació del programa d’artistes de residència per completar el seu cicle d’un any de durada. Fundación Banco Santander vol donar les gràcies al batle de Palma, Mateo Isern Estela; a la directora de la Fundació Palma Espai d’Art, Pilar Ribal i Simó; als comissaris, Fernando Gómez de la Cuesta i Pau Waelder, i a tots els que han fet possible aquest programa d’artistes en residència, pel seu esforç i la seva dedicació.

ANTONIO ESCÁMEZ President de Fundación Banco Santander

Quadern de Bitàcola

GÓMEZDELACUESTA

18 Manifest pEr A la moBiliTaT dels artistEs

PAU WAELDER

120 ARTICLES DE PREMSA 124 WORK IN PROGRESS Ian Waelder 128 TEXTS DE LES CRÍTIQUES COL·LABORADORES Yadira Fernandez, Aina Juan, Mar Massutí, Mar Sánchez, Tina Torrens

144 TEXTOS EN CASTELLANO 160 ENGLISH TEXTS

24 CRIDA #01 Maig – Juny, 2011 Marcos Cuesta Théotime Gerber Iván Izquierdo Santiago Morilla 40 CRIDA #02 Juliol - Agost, 2011 Josep Domínguez Xavier de Kepper Miguel Ángel Moreno Carretero Ale Zea 56 CRIDA #03 Setembre - Octubre, 2011 Adriana Cerecero Juan Carlos Martínez Roma Pas Juan Miguel Pozo Cruz 72 CRIDA #04 Novembre - Desembre, 2011 Ruta Butkute Varvara Guljajeva + Mar Canet Aleksandra Rasulic Marcos Vidal 88 CRIDA #05 Gener - Febrer, 2012 Amaya Bombín Ronda Bautista Nerea de Diego Bartomeu Sastre 104 CRIDA #06 Març - Abril, 2012 Martin John Callanan Mauro Ceolin Neus Marroig Robert Gutiérrez + Albert Pinya

GÓMEZDELACUESTA Versión en castellano en pág. 146 English version on page 162

CRIDA#01 La senda dels pioners Obrir camí mai va ser tasca senzilla; resulta més fàcil transitar pels itineraris que d’altres han recorregut que crear-ne un de propi; malgrat tot, el premi que reben aquests pioners, sempre és molt més estimulant. És per això que CRIdA va decidir inaugurar el seu programa amb una selecció potent d’artistes valents, un grup aparentment heterogeni que va acabar consolidant unes afinitats que ompliren d’enriquiments mutus les seves respectives produccions. Un caràcter col·laboratiu, contagiós i desinhibit, que va tenir la seva expressió inicial en les primeres propostes grupals: una videoprojecció conjunta en l’espai palmesà d’Es Jaç1 coincidint amb la inauguració de PalmaPhoto, la presentació de la seva obra al CRCC2 i una jornada de portes obertes als estudis de Sant Jeroni.3 Marcos Cuesta i Théotime Gerber varen decidir enfocar la seva residència com un work in progress constant, detenint la seva atenció en els processos més que en els mateixos resultats, mostrant-los de forma permanent al públic i fixant-los com el vertader objectiu de la seva obra. Cuesta va emprendre la seva investigació a través de tres projectes connexos: Procesos i Trampas, són depurats treballs d’estudi que es desordenen ordenadament gràcies a la incorporació de l’objecte trobat, la sorpresa, l’atzar i el joc, tot això amb l’objectiu de construir estructures impossibles, algunes de caràcter performàtic, que requeriran la intervenció de l’espectador per a ser completades. Un qüestionament continu del paper de l’artista, de l’espectador i de la seva relació, que culmina amb l’acció Inaugurar público, on el creador incorpora els seus habituals elements distorsionants i el seu agut sentit d’allò no convencional, per a deixar en evidència determinades actituds que afecten les estructures humanes de relació. Gerber parteix de certes geometries recurrents i deliberadament ambigües, per a anar construint una amalgama icònica que ens remet als logos de les grans marques, però també a certes simbologies de resistència, a determinats significants científics, a futuristes naus espacials o, fins i tot, a asteroi[1] Videoproyecciones, Es Jaç, Palma, 2011 [invitació]. [2] Programació CRCC. Octubre, novembre, desembre 2011, CRCC, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2011 [desplegable]. [3] Portes obertes en els estudis de creació de CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2011 [invitació].

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QUADERN DE BITÀCOLA

L’àmplia base de participació del projecte CRIdA va ser el que el va fer fort, el que va provocar que, en el seu any de durada, es mantingués una programació tan intensa i el que va contribuir a aconseguir que el programa de residències superàs amb èxit un dels entrebancs més complexos per a l’art contemporani: el suport del públic. Efectivament, CRIdA va ser un projecte integrador que va partir del suport, iniciativa i col·laboració de moltes i diferents institucions, estenent-se, també, a altres capes del teixit professional, cultural i ciutadà. Vint-i-sis creadors residents que, juntament amb el públic i els col·laboradors, varen ser els vertaders artífexs d’aquest projecte col·lectiu. Uns artistes que demostraren posseir una enorme professionalitat, implicació i talent, de les propostes dels quals volem donar compte en aquest diari de viatge, en aquest peculiar quadern de bitàcola que recorre tot un any de vida i, sens dubte, d’art.

Un extraordinari gust pel dibuix i per la intervenció de caràcter mural és l’evident nexe d’unió entre Santiago Morilla i Iván Izquierdo. A més, aquest afecte comú per la línia, es materialitza en conceptes que també són compartits: allò comestible, tou, etnogràfic, urbà, irònic, irreal i, sempre, amb una marcada perspectiva crítica. Els traços de l’obra d’Izquierdo són fils per a estirar, uns cucs lúgubres, un dibuix expressiu, tan visceral com immeditat, que surt de la boca de l’estómac. Antropofàgia, canibalisme, jivarisme, dissecció, amputació, cabelleres tallades, caps tallats i decapitacions, l’home que es menja l’home, etern retorn, vida, mort i immortalitat. Caníbals bons i caníbals dolents que prenen forma en els seus dibuixos, en les seves animacions; Bacon, Lynch, Sadam Husein o Berlusconi, bestioles i homes, genis i bàrbars, són els protagonistes del seu Proyecto caníbal. Morilla va aprofitar els dos murs enfrontats d’un solar del casc antic per a materialitzar una potent intervenció urbana de més de 10 metres d’altura. La peça, Sobrasada extrema,4 crea un efecte envoltant, colpidor, que apel·la a molts dels tòpics de la mallorquinitat des d’una perspectiva lúdica i irònica, mentre el procés de formalització queda registrat en una singular stop-motion. Una producció que es va completar amb el taller Heridas urbanas. Post-graffiti hoy y la creació de les peces per la seva exposició Ornamento i detonación al Museu ABC de Madrid 5. CRIDA#02 Un estiu a Mallorca En un programa de residència on els artistes havien de presentar una proposta que interactuàs amb la ciutat i, per extensió, amb l’illa que els dóna empara, era previsible que la combinació de Mallorca i el seu estiu acabàs influint en una producció que venia predeterminada a dialogar i reflexionar sobre l’entorn geogràfic on es formalitzava. Aquesta segona convocatòria va ser la que va manifestar de manera més evident aquestes influències territorials, ambientals i socials, apel·lant a certs paràmetres de les noves formes de la cultura urbana. Una interacció que va modificar la intenció dels creadors, tant en els seus projectes individuals, com en els col· lectius: la exposició conjunta al Casal Son Tugores d’Alaró amb motiu d’Alart 20116 i Buena isla el projecte concebut per Domínguez, de Kepper i Zea. Xavier de Kepper va reformular part de la seva proposta per a seguir un procés inspirat en alguns dels estímuls que va experimentar des de la seva arribada a l’illa, [4] La intervenció esmentada apareix recollida en una publicació que acompanya un altre projecte independent desenvolupat a Palma i que, de manera tangencial, també toca el tema de l’art urbà a la ciutat: Iñaki Larrimbe, Unofficial tourisme: Palma, Acción Cultural Española, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma, 2012 [guia]. [5] Santiago Morilla, Ornamento i detonación, Museo ABC, Madrid, 2011 [catàleg]. [6] Alart 2011 art de nit a Alaró, Addaya Centre d’Art Contemporani - Casal Son Tugores, Alaró, 2011 [tríptic].

en aquest cas la invasió de vistosos cartells d’“Es ven” referits a propietats immobiliàries i penjats en llocs molt visibles de la nostra geografia. La formalització es va concretar en una producció i instal·lació dels esmentats cartells, els continguts dels quals deixaven en evidència aquesta desmesura que tendeix a allò grotesc: tot es ven i res es compra, en un moment on la crisi econòmica ja havia començat el seu implacable camí. El resultat va poder veure’s en una encertada instal·lació realitzada en ple centre històric de Palma –als balcons de l’estudi cedit per l’artista Lluís Fuster– o als carrers del poble d’Alaró, dins del programa d’Alart 2011. També els tres projectes desenvolupats per Josep Domínguez orbiten al voltant d’una experiència tan concreta i poderosa com és l’estiu de Mallorca. A Ángeles l’artista estableix una singular metàfora que uneix l’estrany fenomen del balcóning amb el mite de l’àngel caigut, un descens als inferns que connecta allò deliberat amb allò atzarós, l’ascens i la caiguda. En el seu projecte Isla recull també aquesta visió romàntica i dramàtica, i li afegeix una estètica d’allò sublim molt contemporània: la bellesa colpidora del paisatge passada pel sedàs dels colors àcids i dels píxels. Un estremiment davant de l’immens poder de la natura que assoleix la seva manifestació més completa a Sommersturm, una videoapropiació de tempestes que han pujat a la xarxa usuaris de Youtube, que va acabar formant part d’una atmosfèrica instal·lació que va tenir lloc al CRCC. L’aguda sensibilitat de Moreno Carretero li permet detectar l’humor, la ironia i la contradicció, no sempre voluntaris, subjacents en molts dels recurrents dispositius publicitaris que esquitxen les nostres vides i condicionen el nostre paisatge. Amb l’habilitat d’un miniaturista i la percepció de l’artista, recull tota aquesta imatgeria que tendeix a allò kitsch, descontextualitzant-les i deixant en evidència les impostures que adopten. Una mena de maquetes dels artefactes de seducció publicitària que tenen cosa de còmic i de trist alhora. Partint d’aquestes premisses, Mecanismos inconscientes del horizonte, apel·la al surrealisme, a allò oníric i a certa reivindicació social, com a elements d’un interessant discurs creatiu que, a més, va venir acompanyat de la instal·lació La fuente de los deseos, realitzada per a Alart 2011, on l’artista jugava amb els anhels satisfets i les expectatives frustrades. Ale Zea qüestiona la submissió contemporània als mitjans de masses, l’embrutiment provocat per uns telefems emesos i consumits compulsivament per la nostra societat. L’artista parteix de fotomuntatges que apel·len a composicions que connecten amb allò publicitari, però inserint-hi eslògans d’elevada càrrega crítica. Unes imatges preparades per a imprimir-se a mida natural i aferrar-se als murs de la ciutat, mentre generen un efecte de trompe-l’oeil que crida l’atenció sobre les pròpies frases que contenen. CRIDA#03 La societat com a motiu de reflexió L’estiu de l’illa de Mallorca també va ser una important influència per a la investigació fotogràfica i conceptual empresa per Juan Carlos Martínez. Una peculiar anàlisi del turisme de masses, a zones com Magaluf o l’Arenal, que tracta de captar, no solament l’evidència d’un lleure que es basa en l’excés, sinó també les frustracions i les mancances que determinades actituds demostren. Un terreny fronterer que palesa com maneja de bé Martínez el recurs de l’ambigüitat, mentre estableix una

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des viatgers desconeguts. En el seu projecte 372 Palma occulting Eros realitza, precisament, una maqueta d’un asteroide on recull aquesta iconografia recurrent amb la voluntat de transcendir el format i instal·lar-se al carrer, com si es tractàs d’una escultura pública. La proposta es completa amb un vídeo que recrea el moment en què l’asteroide “Palma” n’eclipsa un altre, de nom “Eros”, mentre sona una cançó de Lou Reed que narra una desgraciada història d’amor. Una metàfora, somniadora i visionària, de les aventures d’aquest cos celeste que, després d’un fantàstic viatge, arriba a la ciutat que li dóna nom.

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incisiva metàfora sobre la nostra societat contemporània. Un projecte que va tenir visibilitat gràcies a una intervenció en la galeria Louis 21 de Palma. La implicació del projecte de Roma Pas amb la ciutat a penes apareix al punt de partida: l’obtenció d’olis de diferents formats a les botigues de segona mà. A partir d’aquests, l’artista, oculta totalment els motius pintats a les seves superfícies, estenent capes d’aquell color gris que compareix en les recerques de Google quan les imatges no es carreguen, a més, instal·la aquestes teles intervingudes sobre la paret a la manera del mosaic que es genera després de realitzar una d’aquestes recerques, una col·locació que té a veure amb les disposicions de pintures als grans salons del segle XIX. Una proposta que reflexiona sobre conceptes tan essencials en l’expressió plàstica actual com les possibilitats i les ingerències dels nous mitjans, la reproductibilitat o la unicitat de l’aura. Pas també va participar amb una videoprojecció en l’esdeveniment La Nit del Glam, organitzat per Es Jaç coincidint amb la palmesana Nit de l’Art7 i la seva producció en CRIdA va quedar recollida en una publicació amb els seus treballs recents.8 Juan Miguel Pozo va produir una sèrie de peces que aprofundeixen en la iconografia de propaganda dels règims totalitaris i els ressorts psicològics a què apel·len; una recerca que s’orienta, no tant des de la perspectiva de la funció social de l’art, sinó més aviat des de l’utilitarisme i l’esteticisme d’aquestes imatges i de les seves composicions. Unes pintures construïdes a base de potents icones preexistents, intervingudes, copiades o inventades, que varen poder veure’s en una exposició individual a la galeria palmesana SKyistheLimit i en la intervenció mural realitzada al veí restaurant Olivia. Adriana Cerecero també posa el seu punt de mira sobre qüestions de contingut social: un art posicionat que aconsegueix treure a debat molts dels problemes que afecten el nostre món. Igual com va fer en el seu projecte anterior desenvolupat a Mèxic, on l’artista incidia en el problema del narcotràfic, aquí també es va valer de retalls de premsa per a construir-hi una enorme pinyata que, en aquest cas, es referia a la crisi econòmica. Un curiós artefacte que va complir amb el seu destí en una acció a la pròxima plaça de Sant Jeroni, on va ser colpejada fins a trencar-se mentre deixava caure les monedes de xocolata anhelades, una catarsi redemptora dels mals moments que aquesta crisi provoca. Cerecero va ser la primera artista seleccionada gràcies a l’acord de col·laboració entre CRIdA i l’AAVIB, pel qual un dels membres de l’esmentada associació era elegit per a compartir els tallers de Sant Jeroni. CRIDA#04 De l’objecte i del concepte La quarta convocatòria va ser una de les que va tenir una presència internacional més marcada, artistes vingudes de Lituània, Sèrbia o Estònia, com Ruta Butkute, Aleksandra Rasulic i Varvara Guljajeva, varen estar acompanyades de Marcos Vidal, un mallorquí nascut a Vitòria, i pel català de Barcelona Mar Canet. Una procedència heterogènia que va provocar interessants sinergies en els estudis i que va convertir tots aquests creadors, després del seu pas per la residència, en una mena de singulars ambaixadors de l’illa de Mallorca.

[7] La Nit del Glam, Es Jaç, Palma, 2011 [invitació]. [8] Jelle Bouwhuis, Roma Pas, Ámsterdam, Potato Publishers, 2013. [catálogo].

1. Xavier de Kepper. Projecte Se vende, 2011. 2. Miguel Ángel Moreno Carretero. Estudis d’illes, 2011.

El flujo del mar fou el títol del projecte que Varvara Guljajeva i Mar Canet desenrotllaren durant la seva estada. Guljajeva i Canet exploren les possibilitats expressives dels fluxos de dades que circulen entre els milers de dispositius digitals que empram a diari, posant la seva atenció, en aquesta ocasió, en el trànsit marítim del port de Palma. Un projecte que converteix els moviments dels vaixells, la posició dels quals és captada per mitjà d’un radar AIS, en composicions sonores que es desenvolupen en temps real i que van canviant en funció de la variació de la posició de les diferents embarcacions. Els artistes varen presentar la seva obra en un concert de música generativa a les terrasses d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani, davant el port, i varen realitzar una sèrie de serigrafies als tallers de l’FPiJM. A més, per a celebrar el «Buy Nothing Day», varen organitzar un torneig internacional del seu joc Shopping in 1 Minute, que consisteix a escanejar, durant aquell temps i a canvi d’un punt per escanejada, els codis de barres dels diferents productes que es tinguin a l’abast. La limitació de temps dóna emoció alhora que inicia una reflexió sobre l’ansietat amb què ens entregam al consumisme, una proposta que permet convertir els espais de consum en terrenys de joc, mentre manipulam els productes sense comprar res.

CRIDA#05 Aportant, contextualitzant i creixent La cinquena generació de residents va optar per una evident interacció entre la seva obra i l’entorn físic, conceptual i emocional on aquesta es produïa. Unes propostes que, a més d’imbricar la seva reflexió en aquests paràmetres, també integraven la formalització de les seves peces en el mateix teixit urbà o, si s’esqueia, al si de l’ecosistema natural que l’illa els oferia. Una curiosa adaptació al medi que va complir amb alguns dels objectius del programa: els creixements mutus, les influències recíproques, la integració en l’entorn i la investigació d’allò propi des de les diferents òptiques dels creadors seleccionats. El projecte d’Amaya Bombín titulat Roters parteix d’unes peculiars construccions populars anomenades cases de roter i dels seus usuaris. Antigament, una rota era aquell terreny erm que els senyors cedien als agricultors més pobres, on els deixaven construir unes barraques de pedra en sec que els servirien de refugi mentre conreaven la terra. Unes cases que, en moltes ocasions, es feien amb les mateixes pedres que els pagesos anaven traient per a acomodar el terreny a la llaurada. L’artista va visitar diferents construccions a l’illa amb l’objectiu de realitzar una intervenció efímera, tenyint les pedres de vermell, un color de forta càrrega simbòlica que domina el present projecte i que emfatitza la reivindicació de l’ancestral de la nostra cultura davant la voràgine contemporània. La proposta es completa amb diverses peces realitzades amb les pedres com a elements aïllats, recalcant la importància de l’individu en la construcció col·lectiva, amb dibuixos i obra gràfica produïda als tallers de l’FPiJM. El paisatge urbà ja era una referència a l’obra de Ronda Bautista, per la qual cosa no resulta estranya la influència que Palma va produir a la seva obra. Bautista fixa la seva atenció en el que ella denomina “espais mutants”, llocs sotmesos a canvis pel seu progressiu deteriorament o transformació, ja siguin edificis en construcció, en ruïnes o altres restes del progrés. Una recerca arqueològica que deixa una ajustada expressió del ritme frenètic al qual la contemporaneïtat ens ve sotmetent. Bombín i Bautista varen presentar el seu treball en Enlloc, una exposició conjunta per a la galeria ABA Art - Convent de la Missió de Palma.9 Les (Des)apariciones marianas de Nerea de Diego continuen amb la seva constant exploració sobre mites i realitats, centrant-se, en aquesta ocasió, en el punt de trobada entre la imatgeria catòlica i la cultura popular. Interessada pels altars espontanis com a formes de creativitat anònima, l’artista va recórrer el centre històric de Palma a la recerca d’aquestes manifestacions populars. El veïnatge amb el convent de Sant Jeroni li va facilitar entrar en contacte amb les religioses, conèixer els seus espais de culte i documentar-los en una sèrie de fotografies. També va emprendre aquesta tasca de documentació en les diverses intervencions efímeres, a la manera de petites capelles, que l’artista va realitzar als voltants. El seu projecte a Palma culmina amb la instal·lació d’una figura de la Mare de Déu realitzada en argila seca però sense coure i col·locada en un lloc no excessivament protegit del pati del Casal Solleric, cercant aconseguir una aparició i la posterior desaparició de l’esmentada representació mariana. El projecte de Bartomeu Sastre, tercer artista de CRIdA provinent del conveni de col·laboració amb l’AAVIB, també té una clara imbricació [9] Enlloc, ABA Art Contemporani - Convent de la Missió, Palma, 2011 [invitació].

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Malgrat ser projectes diametralment oposats, els treballs de Butkute, Rasulic i Vidal tenen en comú la seva voluntat d’emprar objectes absolutament quotidians per desenvolupar conceptes molt més complexos. Butkute selecciona aquests elements físics, en una tasca gairebé arqueològica que manifesta el seu interès pel patrimoni arquitectònic, traient-los de context i jugant amb l’ambigüitat de convertir allò familiar en estrany. L’artista disposa els objectes escollits en instal·lacions esteses, en peculiars escenografies, que solen incorporar el cos humà, en aquest cas en col·laboració amb la ballarina Caterina Barceló, mentre registra en vídeo les interaccions que es produeixen. Butkute investiga el sentit i el valor del monument, mentre planteja processos de recuperació mútua entre la cultura i la natura a través d’objectes trobats, ceràmiques realitzades als tallers de l’FPiJM i materials industrials. Els dibuixos i les aquarel·les de Rasulic representen elements vinculats a la canalització o la contenció de l’aigua. Aixetes, dutxes o canonades que serveixen per a incidir, des d’un altre punt de vista, en la metàfora del líquid element com a font de vida, apel·lant, també, a altres conceptes com el de regeneració, el de subtilesa i el de bellesa d’allò quotidià. Reality Show de Marcos Vidal també pren com a punt de partida aquells objectes aparentment ordinaris per continuar la seva investigació sobre la cultura popular des d’una perspectiva marcadament crítica. Començant per l’apropiació d’aquests elements quotidians, aplicant processos de caràcter artesanal i incorporant un punxant sentit de l’humor, Vidal estableix una tragicòmica reflexió de caràcter social on apareix l’indolent voyeurisme televisiu, els nous conceptes d’intimitat i, fins i tot, el qüestionament de la(les) idea(idees) d’Espanya. Ceràmiques i serigrafies produïdes als tallers de l’FPiJM pel segon artista provinent de la col·laboració entre l’AAVIB i CRIdA es donen la mà amb les formes i les maneres de l’objet trouvé i de l’assemblage.

En el seu projecte We are the new slaves10, realitzat en col·laboració amb el resident a CRIdA#1 Marcos Cuesta, estableix una aguda reflexió sobre les estructures de poder dominants y una crítica a la crisi econòmica en la qual s’accentuen les desigualtats socials, emprant, per a això, elements de la publicitat i del marxandatge, com xapes i pòsters, amb els quals aconsegueix inserir el seu missatge en diferents estrats vitals. CRIDA#06 La maduresa d’un projecte Fou a la sisena i darrera convocatòria del programa on el projecte va aconseguir desenvolupar un complet engranatge que no solament va permetre el desenvolupament conceptual i formal de les propostes dels artistes, sinó que també va habilitar una possibilitat expositiva als espais insulars de major renom, unes propostes que varen ratificar el pes específic del projecte CRIdA al si dels desenvolupaments de l’art contemporani a les Balears. A més es va realitzar una festa de comiat que va reunir gran part dels agents implicats en la construcció del programa de residències.11 De nou l’illa, però de forma més concreta la mar que l’envolta i la defineix, apareix com a punt de partida d’algunes de les reflexions dels artistes residents. A Lost at Sea, Martin John Callanan, creador dedicat a explorar la posició de l’individu en els sistemes que dominen la nostra existència, que excedeixen del nostre control, proposa deixar a la deriva un dispositiu que emeti regularment imatges del cel i del fons del mar, unes imatges que, per l’escassa resolució de la càmera, quedarien reduïdes a mers blocs de color on, el blau clar i el blau fosc, es contraposarien; una recerca de coordenades recognoscibles davant de la incommensurabilitat del que ens envolta que va tenir la seva materialització en una sèrie de gravats realitzats a l’FPiJM. En el seu segon projecte per a la residència, Callanan també acudeix al que és inquantificable i incontrolable per a deixar expressió de la nostra ubicació real: Guerres durant la meva vida és l’actualització, en català, d’un projecte que consisteix a publicar mil diaris que contenen una llista de les guerres que s’han succeït al món durant la vida d’aquest jove artista. Aquesta obra, juntament amb altres, va ser presentada a l’exposició individual titulada «Global» dins del cicle (HIPER)vincles del Casal Solleric. El projecte comú desenvolupat per Robert Gutiérrez i Albert Pinya també va culminar en una mostra integrada en aquest mateix cicle expositiu. RolePlay Colonial agafa com a objecte de reflexió la dominació espanyola de les Filipines des de la doble perspectiva d’un artista filipí, Gutiérrez, i un altre espanyol, Pinya. Un acostament multidisciplinari que posa el seu èmfasi en la desaparició i en l’ocultació, en com la història s’escriu a base d’esborraments i de convencions, mentre els artistes van encavalcant les seves idees, establint una analogia amb

aquella informació que va ser sepultada per interès, que va ser obviada per manipulació i que va ser oblidada pel pas del temps. Mauro Ceolin du temps investigant, en el seu projecte ContemporaryNaturalism (naturalisme contemporani), sobre les formes en les quals es representa la natura dins l’imaginari col·lectiu, particularment al si de la cultura popular sorgida després de la creixent influència de les noves tecnologies. El seu període de residència el va dedicar a investigar les representacions del cosmos a través de les idees i de l’imaginari dels films i de les sèries de ciència-ficció enteses en un sentit ampli. Un intens treball de documentació que apel·la als frames d’aquestes pel·lícules, com també a les seves bandes sonores, i que culmina amb la seva proposta CRIdA Studies, una peça audiovisual on l’artista projecta una sèrie d’imatges sincronitzades amb un àudio, que el públic, prèviament, s’ha d’haver descarregat per a escoltar de manera individual al seu reproductor de mp3. Un concert acusmàtic que va tenir lloc a l’Aljub d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma.12 L’obra de Neus Marroig també es caracteritza per una investigació documental en la qual allò visual i el registre sonor compareixen indissolublement units. Marroig, quarta participant fruit del conveni de col·laboració amb l’AAVIB, parteix d’allò pròxim, d’històries i persones que li són properes, per a elaborar els seus projectes. A Quan els calcetins es cusen, l’artista entrevista una sèrie de persones que relaten anècdotes i records relatius a l’acte de cosir, vinculant-los a l’esfera del que és domèstic, al paper de la dona a la societat i a les dinàmiques familiars passades i futures. Fotografies, dibuixos i objectes acompanyen en els enregistraments de les veus d’aquestes, un projecte que recull memòries i experiències per a reconstruir la història a partir de la suma de fragments.

[10] Aquesta proposta s’esmenta, juntament amb el projecte Sobrasada extrema de Santiago Morilla, a la publicació: Jordi Pallarés, “Graffitis i altres intervencions urbanes a Mallorca”, Entorn de Calvià. Art, Ajuntament de Calvià, Calvià, 2012, pàg. 38-58 [revista]. [11] Festa de acomiadament CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2012 [invitació].

[12] Mauro Ceolin, CRIdA Studies. Paisatge sonor acusmàtic, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma, 2012 [díptic].

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conceptual i física en l’entorn de la ciutat i de la nostra societat. Sastre està especialment interessat en el llenguatge com a modificador de la percepció de la realitat, treballant, sovint, amb l’ambigüitat del missatge escrit i la influència del context.

Pau Waelder Versión en castellano en pág. 154 English version on page 170

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Manifest pEr A la moBiliTaT dels artistEs

1. Cada artista ha de desenvolupar el seu treball amb la consciència de pertànyer a un context local i global, en contacte amb el seu propi entorn i amb el circuit internacional de l’art actual. 2. Un/a artista ha de canviar de residència o viatjar regularment per a sotmetre’s de forma voluntària a la influència d’altres contexts, altres perspectives i altres escenes culturals. 3. Les institucions han de facilitar als artistes programes de residència que els permetin desenvolupar el seu treball en altres localitats. 4. La circulació dels artistes i altres professionals del món de l’art evita l’estancament de les escenes artístiques locals i facilita els intercanvis i diàlegs a nivell internacional. Aquest flux de persones i idees és saludable per al món de l’art. 5. Els programes de residència d’artistes han de facilitar les condicions adequades per a acollir els artistes com un bon hoste acull els seus convidats. 6. Els artistes han de poder disposar d’un allotjament gratuït o a baix cost, un taller, una assignació econòmica per a la producció de les seves obres i assessorament tècnic. 7. Els artistes han de poder treballar en condicions propícies per a la seva labor manual i intel·lectual: amb espais amplis i ben equipats, il·luminació regulable, privadesa, i recursos tècnics per a desenvolupar el seu treball. 8. No tots els artistes són pintors: un programa de residència ha d’estar equipat per a facilitar el treball en fotografia, vídeo, performance, escultura, intervencions urbanes, projeccions, obra seriada, noves tecnologies i un llarg etcètera. 9. Tot/a artista que participa en un programa de residència ha de ser integrat/ada en l’escena artística local: aquesta és una de les tasques dels organitzadors del programa de residències. 10. El treball d’un/a resident és digne de ser estudiat i presentat públicament: per això cal que s’organitzin xerrades i presentacions, així com estudis crítics sobre la seva obra. 11. Un programa de residència per a artistes ha de ser un eix de connexió entre les institucions, els col·lectius i els professionals autònoms de l’escena artística local. 12. El nombre de residents convidats i la durada de la seva estada ha d’adequar-se als objectius del programa de residència i als projectes dels artistes: els residents no han de ser massa nombrosos, ni la durada de l’estada ser massa breu. 13. Cada artista resident és un ambaixador de l’escena local que l’ha acollit, una vegada torna al seu lloc d’origen. Per això, el programa de residència ha d’esforçarse a mostrar-li la riquesa de l’escena local i procurar establir vincles amb altres regions. 14. L’obra d’un/a artista pertany al seu creador: l’obra d’un/a artista no ha de ser moneda de pagament pels serveis facilitats al programa de residència. 15. Els programes d’artistes en residència, així com tota iniciativa que propiciï la mobilitat i el desenvolupament del treball dels professionals del món de l’art i la cultura, han de ser una prioritat de les institucions públiques.

“No hi ha una recepta única i infal·lible per a establir un programa de residència, perquè una residència respon a la necessitat de connectar amb l’art que és diferent de la que es dóna en una exposició, biennal o festival. És el resultat de la combinació de temps, lloc i persones i ofereix una oportunitat per a establir relacions duradores.” [1] Aquesta afirmació conté un factor essencial en la concepció d’un programa de residència: no es regeix segons els mateixos paràmetres dels esdeveniments habituals del món de l’art, marcats per la presentació pública i una temporalitat molt definida. El programa d’artistes en residència es desenvolupa, en primer lloc, de portes endins: facilita als artistes allotjament i un espai de treball, els permet allunyar-se de la seva rutina habitual i trobar inspiració en un lloc (relativament) remot. Això determina un procés que s’estén en el temps, en el qual l’artista necessita privadesa i la llibertat per a establir els seus propis ritmes de treball. Molt diferent de la breu trobada “d’alt voltatge” [2] entre comissaris i artistes (i, afegiria, públic) que es produeix amb motiu d’una exposició, la residència estableix altres formes de col·laboració i interacció amb l’escena de l’art local. Es produeixen així, en molts de casos, relacions duradores entre els artistes residents, els professionals del món de l’art i la mateixa localitat que els acull. Entendre aquesta particular dimensió temporal i l’orientació cap al procés i l’experimentació, més que al resultat, és essencial per a comprendre la naturalesa d’un programa d’artistes en residència. Espai de diferència, temps incondicional Un temps i un espai diferents dels que defineixen l’exposició o la biennal són aspectes característics d’una residència d’artistes. Johan Poussette, director del Baltic Art Center, parla de “temps incondicional” [3] en un context en el qual les institucions del món de l’art s’integren en la indústria de l’entreteniment, i queda cada vegada menys espai per a l’experimentació i la investigació. L’artista resident disposa d’un període de temps assignat per a treballar en la seva obra, sigui un projecte específic o una part d’una exploració més àmplia que ha anat desenvolupant. La gestió d’aquest temps pertany al creador, que no necessàriament ha de produir una peça com a resultat de la seva estada, per bé que pot presentar el procés de treball

que ha duit a terme. En aquest sentit, cal recordar que les residències d’artistes han tingut des dels seus inicis l’objectiu de formar els artistes o permetre’ls escapar de la rutina: l’Acadèmia Francesa de Roma, fundada el 1666, allotjava els artistes premiats durant cinc anys a la ciutat eterna per a permetre’ls estudiar les obres clàssiques, mentre que la majoria de les residències creades fins a finals del segle XX seguien el model d’una colònia d’artistes. Des de la dècada de 1990, els programes d’artistes en residència han anat dirigint-se progressivament cap al concepte de laboratori o espai de reflexió i experimentació. El temps dedicat a una investigació és necessàriament més dilatat que el que permet la presentació de l’obra al públic en un espai expositiu, però també l’espai determina una dinàmica particular. Odile Chénal, responsable del sector d’Investigació i Desenvolupament de la Fundació Cultural Europea a Amsterdam, proposa definir la residència com l’acte d’habitar i treballar en un “espai de diferència” [4]. En aquest espai, l’artista participa en un sistema de relacions diferent, que li permet establir un diàleg amb els responsables del programa, altres artistes i professionals del món de l’art, així com involucrar-se en processos d’“assaig i error” que no estan permesos en el context de l’espai expositiu. Chénal incideix en el fet que aquesta particular condició de l’espai allibera el programa de residència de la vinculació amb la mobilitat geogràfica, i és així també beneficiosa per als artistes locals. Coneixedors de l’escena artística i els recursos de què disposa, els artistes locals troben en una residència a la seva pròpia localitat una oportunitat per a involucrarse en els processos d’aquest “espai de diferència” i establir contactes amb artistes d’altres localitats. Malgrat les particularitats de l’espai i la dimensió temporal d’un programa de residència, no tot té lloc de portes endins, sinó que s’estableixen activitats (en sintonia amb el ritme de treball dels artistes) que permetin crear connexions amb els professionals de l’escena artística local i presentar al públic el treball realitzat. En la relació entre els artistes residents i el context local és on el programa de residència troba el retorn de la inversió realitzada. Nous agents en el teixit cultural aporten una major diversitat d’oferta [5], oferint tant al públic com a altres professionals (comissaris, crítics, artistes, galeristes) la possibilitat de conèixer els residents i la seva obra. Aquests darrers, al seu torn, comunicaran la seva experiència als professionals del seu lloc d’origen, facilitant així les connexions translocals. El “benefici” d’un programa de residència es mesura, per tant, no en obres d’art col·leccionades o en xifres sinó en la integració de l’escena local en una xarxa a nivell nacional o internacional, de la qual poden beneficiar-se tot tipus de professionals. L’artista Hagen Betzwieser resumeix aquesta qüestió de la següent manera: “... no es tracta de deixar una obra d’art com a forma de pagament. El que és molt més valuós és una relació a llarg termini entre artistes, una institució i les persones que hi treballen. D’aquesta manera, es construeix una xarxa de treball per mitjà de les residències i les amistats que en sorgeixen. A mesura que els artistes participants obtenen reconeixement, això es reflecteix en la institució, que obté crèdit en forma de reputació per a alimentar els seus futurs esforços.” [6]

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És cert que redactar un manifest avui dia pot semblar passat de moda o bé reivindicatiu. No és aquesta la meva intenció. Els quinze punts precedents resumeixen les reflexions i decisions preses durant aquest experiment d’un any de durada que va ser CRIdA (Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes), fruit del projecte que presentàrem Fernando Gómez de la Cuesta i jo a la convocatòria de la Fundació Palma Espai d’Art. No pretenen ser una guia ni uns manaments del programa d’artistes en residència ideal, perquè no existeix un únic model d’aquest tipus d’iniciativa. Algunes residències ofereixen només allotjament i espai de treball, d’altres paguen a l’artista un sou mensual mentre que n’hi ha que cobren per una formació específica o demanen al resident una obra com a pagament pels recursos facilitats. Per tant, no es tracta exclusivament d’una llista de requisits i serveis, sinó d’una dinàmica i uns objectius que estableixen les línies directrius del projecte. Com indiquen les comissàries Ika Sienkiewicz-Nowacka i Agnieszka Sosnowska:

Tot això es va desenvolupar sobre la base d’una dinàmica d’experimentació i diàleg obert, que va permetre als artistes lliurar-se a processos d’assaig i error alhora que exposaven (per mitjà del blog del programa) els seus avanços, temptatives, esborranys i resultats. Permetre l’“error feliç”, com ho defineix Johan Pousette [8] ha estat una de les directrius del programa. Tanmateix, són escasses les ocasions en les quals els artistes residents han abandonat una línia de treball i molt nombroses les vegades en què les influències rebudes d’altres residents o l’entorn local han obert noves vies d’exploració en la seva obra. No tots els intercanvis varen ser fructífers en la mateixa mesura, ni tampoc es varen generar relacions d’idèntica intensitat, com és lògic en tota interacció entre persones, però sens dubte dels assajos i errors en què ens vàrem veure embolicats artistes i comissaris durant els dotze mesos d’aquest experiment s’han obtingut excel·lents resultats.

Miró a Mallorca, proposada per l’artista Marcos Vidal) i també ha portat a plantejar la mateixa definició del que es considera un art o un artista local. Kaja Pawełek, comissària i historiadora, assenyala la pèrdua de la demarcació geogràfica en l’art actual: “... l’art avui dia rares vegades tracta amb models que siguin purament locals i globals, quotidians i organitzats; tendeix, més aviat, a moure’s en una realitat híbrida i fluïda, que no som capaços de demarcar amb mapes o fronteres.” [9] Parant esment als artistes locals i residents per igual, CRIdA es va enriquir amb una relació més fluïda entre els visitants i l’escena artística de la ciutat, fins al punt que alguns s’han convertit en poc menys que artistes locals, amb obres emplaçades de forma permanent a l’illa, exposicions a les galeries palmesanes i projectes amb institucions mallorquines. D’altra banda, diversos artistes de l’illa varen potenciar les seves relacions amb l’exterior, si bé la plena “exportació” del talent local va ser un aspecte que el programa no va poder arribar a desenvolupar en la seva breu existència. En qualsevol cas, la diferenciació entre els contexts local i global de les pràctiques artístiques actuals es va difuminar en la mesura que es va fer palesa la qualitat de les aportacions dels artistes mallorquins i el valor que ha suposat per a artistes de recorregut internacional participar en exposicions i projectes del circuit cultural de Palma. L’experiència de CRIdA ens indica que parlar d’un art local resulta cada vegada menys pertinent: tots els espais en els quals es desenvolupa una escena artística participen d’una xarxa que s’estén a nivell internacional. Com més es reforcen els vincles d’aquesta xarxa, major rellevància adquireix una determinada localització, que veu augmentar així la qualitat i diversitat de les seves manifestacions culturals. Això només s’aconsegueix potenciant la mobilitat dels artistes i altres professionals del món de l’art. Una condició essencial de l’art actual, que bé mereix un manifest passat de moda i reivindicatiu.

[1] Ika Sienkiewicz-Nowacka i Agnieszka Sosnowska, “Introduction to Retooling”, a: Anna Ptak (ed.) RE-tooling RESIDENCIES: A Closer Look at the Mobility of Art Professionals. Varsòvia: Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, 2011, 16. [2] Ika Sienkiewicz-Nowacka i Agnieszka Sosnowska, op. cit., 20. [3] Johan Pousette, “Artists in Flux”, a: Anna Ptak (ed.), op. cit., 44. [4] Odile Chénal, “Why Invest in Residencies?”, a: Anna Ptak (ed.), op. cit., 213. [5] Johan Pousette, op. cit., 47.

Art local? Un aspecte fonamental del programa CRIdA ha estat la participació dels artistes locals, integrats en cada grup de residents amb els mateixos recursos (exceptuant l’allotjament) i visibilitat. En un projecte destinat a establir relacions amb altres zones geogràfiques, l’aportació d’aquests artistes ha facilitat el desenvolupament de noves col·laboracions (com l’establida amb els tallers de la Fundació Pilar i Joan

[6] Hagen Betzwieser, “Globalised Artist”, a: Anna Ptak (ed.), op. cit., 86. [7] Marta Gracia, “Programas de residencias para artistas en España: una breve introducción”. Art Motile. Article en línia, consultat el 29/7/2013. www.artmotile.org/index.php/es/investigacion.html [8] Johan Pousette, op. cit., 47. [9] Kaja Pawełek, “Gone To Patagonia For Six Months”, a: Anna Ptak (ed.), op. cit., 69.

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Assaig i error En la seva investigació sobre programes d’artistes en residència a Espanya, Marta Gracia, responsable de la plataforma Art Motile, distingeix dos tipus principals de programes: un de situat en un entorn rural, segons el model d’una colònia d’artistes, recolzat per un creador o mecenes del nord d’Europa, i un altre en un entorn urbà, dirigit a artistes locals i emmarcat en un programa més ampli d’un centre d’art [7]. CRIdA es va plantejar com un model híbrid entre aquestes dues opcions, sent el primer programa públic d’artistes en residència a Mallorca. L’illa ha acollit des de fa més d’un segle nombrosos artistes que han trobat inspiració en els seus paisatges i assossec en el seu estil de vida. El seu atractiu turístic, unit al desenvolupament del mercat de l’art i una escena cultural progressivament més rica, ha facilitat la creació de nombroses residències d’artistes de caràcter privat, entre les quals destaca el reconegut programa del CCA d’Andratx, dirigit per la galerista Patricia Asbaek, que acull artistes als seus estudis des de 2001. A diferència d’aquestes iniciatives, el programa CRIdA va cercar una implicació directa amb la ciutat que l’acollia i la integració activa en l’escena artística local, cercant incorporar l’obra dels artistes residents als programes expositius i d’activitats de les galeries i centres d’art palmesans. Els artistes havien de presentar un projecte pensat per a la seva residència i idealment en relació amb la ciutat o el context de l’illa, però la seva execució i evolució es deixava oberta als processos que es varen dur a terme durant l’estada. L’objectiu era oferir als artistes un “temps incondicional”, sense que per això la residència es convertís en unes vacances. L’espai dels estudis es va mantenir a porta tancada, amb horari lliure per als artistes, però es va obrir al públic al final de cada període de residència amb l’objectiu de facilitar aquest retorn a la comunitat local en forma de contactes, coneixement i en certes ocasions obres d’art que es varen integrar en el teixit urbà o es varen presentar en exposicions i esdeveniments a galeries i centres d’art.

Artistes participants Santiago Morilla (Madrid, 1973) Iván Izquierdo (La Zubia, Granada, 1983) Théotime Gerber (Narbona, França, 1978) Marcos Cuesta (Barcelona, 1979)

Activitats realitzades Taller «Post-graffiti» a càrrec de Santiago Morilla, amb la col·laboració del CRCC. “Sobrasada extrema”, intervenció urbana de Santiago Morilla. ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni i presentació al CRCC. ≥ Performance “Inaugurar público” de Marcos Cuesta a la plaça de Sant Jeroni. ≥ Projecció de vídeos dels artistes en un esdeveniment a Es Jaç, Palma. ≥ Participació de Santiago Morilla en la col·lectiva “Wet Paint” a la galeria Louis 21 de Palma. ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada i varen conèixer a diversos artistes, comissaris i galeristes. ≥ ≥

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CRIDA #01

Santiago Morilla. Sobrasada Extrema, 2011. Pintura mural al Carrer de la Posada de Montserrat, Palma, realitzada en col·laboració amb els participants del taller Post-graffiti al CRCC.

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Théotime Gerber. 372 Palma occulting Eros, 2011. Composició fotogràfica. Previsualització del projecte com a intervenció urbana.

Iván Izquierdo. Projecte Caníbal, 2011. Obra sobre paper exposada al CRCC.

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1, 2 i 3. Marcos Cuesta. Inaugurar pĂşblico, 2011. Performance a la plaĂ§a de Sant Jeroni.

5. 4 i 5. Taller Heridas Urbanas. Post-graffiti hoy impartit per Santiago Morilla al CRCC.

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Presentació al públic de l’obra realitzada pels artistes de CRIDA#01 als estudis de l’Espai Sant Jeroni 1. Theotime Gerber al seu estudi amb la galerista Mercedes Estarellas 2. Théotime Gerber explica el seu projecte a la crítica col·laboradora Aina Juan. 3. Estudi de Marcos Cuesta amb algunes obres de la sèrie Procesos. 4. Ian Waelder i Albert Pinya a l’estudi d’Iván Izquierdo.

1. 2.

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Marcos Cuesta

Barcelona, 1979 - marcoscuesta.freeiz.com

Procesos / Trampas / Inaugurar público Des d’un qüestionament continu del paper de l’artista, de l’espectador i de la relació entre ambdós, Marcos Cuesta emprèn una particular investigació a través de tres projectes independents però connexos: Procesos és un treball d’estudi, depurat i acurat que es desordena ordenadament gràcies a la incorporació de l’objecte trobat, de l’atzar i del joc, tot amb l’objectiu de construir estructures impossibles que requeriran la intervenció de l’espectador per a ser completades. A Trampas inclou, a més d’aquests elements sorprenents i lúdics, un cert caràcter performàtic que ja s’intuïa a la seva sèrie anterior i que té com a culminació Inaugurar público, una encertada acció que va tenir lloc a la veïna plaça de Sant Jeroni, on l’artista va incorporar els seus habituals elements distorsionadors i el seu aguditzat sentit del no convencional per a deixar en evidència determinades actituds que afecten les estructures humanes de relació. Desde un cuestionamiento continuo del papel del artista, del espectador y de la relación entre ambos, Marcos Cuesta emprende una particular investigación a través de tres proyectos independientes pero conexos: Procesos es un trabajo de estudio, depurado y concienzudo, que se desordena ordenadamente gracias a la incorporación del objeto encontrado, del azar y del juego, todo con el objetivo de construir estructuras imposibles que requerirán la intervención del espectador para ser completadas. En Trampas incluye, además de estos elementos sorprendentes y lúdicos, cierto carácter performático que ya se intuía en su serie anterior y que tiene como culminación Inaugurar público, una acertada acción que tuvo lugar en la vecina Plaza Sant Jeroni, donde el artista incorporó sus habituales elementos distorsionantes y su agudizado sentido de lo no convencional, para dejar en evidencia determinadas actitudes que afectan a las estructuras humanas de relación. From a never ending questioning about the role of the artist, the spectator and the relationship between them, Marcos Cuesta embarks on a personal search through three independent, yet related projects. Procesos is a studied piece, refined and painstaking, which gets jumbled up in an orderly way thanks to the incorporation of the found object, a game of chance, all with the aim of building impossible structures which will require the intervention of the spectator for them to be completed. Trampas, along with surprising playful elements, included a style of performance art reminiscent of his previous series. Inaugurar público was the final act which took place in the nearby Plaza Sant Jeroni, where the artist incorporated his customary deceptions and his sharpened sense for the unconventional, to highlight certain attitudes which affect the framework of human relationships.

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Théotime Gerber

Narbona, 1978 - www.th2otime.net

372 Palma occulting Eros El curiós títol del projecte de Gerber ens posa en antecedents sobre la singular forma de projectar d’aquest artista, unes maneres que parteixen de certes geometries, recurrents i deliberadament ambigües, per a anar construint una amalgama icònica que ens remet als logos d’algunes grans marques comercials, a certes simbologies de resistència, a determinats significants científics, a futuristes naus espacials i, fins i tot, a asteroides viatgers amb el nom de la nostra ciutat. Gerber inicia la seva proposta reproduint tridimensionalment la seva particular abstracció d’aquest cos celeste, una maqueta que va néixer amb la voluntat de transcendir el seu format per a instal·lar-se pels carrers del nucli antic. El projecte es completa amb un suggeridor vídeo que recrea el moment en què l’asteroide “Palma” oculta un altre asteroide anomenat “Eros” mentre sona una cançó de Lou Reed on es narra una desgraciada història d’amor. Una metàfora, somiadora i visionària, de les aventures d’aquest cos celeste que, després d’un fantàstic viatge, arriba a la ciutat que li dóna nom. El curioso título del proyecto de Gerber nos pone en antecedentes sobre la singular forma de proyectar de este artista, unas maneras que parten de ciertas geometrías, recurrentes y deliberadamente ambiguas, para ir construyendo una amalgama icónica que nos remite a los logos de algunas grandes marcas comerciales, a ciertas simbologías de resistencia, a determinados significantes científicos, a futuristas naves espaciales e, incluso, a asteroides viajeros con el nombre de nuestra ciudad. Gerber inicia su propuesta reproduciendo tridimensionalmente su particular abstracción de este cuerpo celeste, una maqueta que nació con la voluntad de trascender su formato para instalarse por las calles del casco antiguo. El proyecto se completa con un sugerente video que recrea el momento en el que el asteroide “Palma” oculta a otro asteroide llamado “Eros” mientras suena una canción de Lou Reed donde se narra una desgraciada historia de amor. Una metáfora, ensoñadora y visionaria, de las aventuras de este cuerpo celeste que, después de un fantástico viaje, llega a la ciudad que le da nombre. Gerber’s curious title for his project gives us some idea about this artist’s individual style of projection, forms which stem from certain geometries, repetitive and deliberately ambiguous, in order to construct an iconic amalgam which brings to mind logos of some large commercial names, certain symbols of resistance, important scientists, futuristic spaceships and even travelling asteroids bearing the name of our city. Gerber starts his proposal by tri-dimensionally reproducing his personal abstraction of this celestial body, a model which was born with the will to transcend its form to become part of the streets in Casco Antiguo (Palma’s old town). The project is complete with a thought-provoking video which recreates the moment when the asteroid “Palma” conceals another asteroid named “Eros” whilst a song by Lou Reed is played in which he narrates an unfortunate love-story. A dreamy, visionary metaphor for this celestial body which, after a fantastic voyage arrives at the city which takes its name.

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Iván Izquierdo

La Zubia, Granada, 1983 - www.ivanizquierdo.es

Projecte caníbal Antropofàgia, canibalisme, jivarisme, dissecció, amputació, cabelleres tallades, caps tallats, decapitacions, l’home que es menja l’home, cap que menja mà que menja cap, etern retorn, vida, mort i immortalitat. La línia que es dibuixa sobre si mateixa, el burot que tapa el cervell per a formar un cap que llavors es desfà, un fil d’Ariadna a estirar, un cuc lúgubre, un dibuix expressiu tan visceral com immeditat, una forma de crear que surt de la boca de l’estómac. Caníbals, bons i dolents, que prenen vida als seus dibuixos, a les seves animacions, Francis Bacon, David Lynch, Sadam Husein o Silvio Berlusconi, bèsties i homes, genis i bàrbars. Un projecte que fou documentat en una instal·lació mural que va tenir lloc en el marc de la col·laboració de CRIdA amb el CRCC i que fou presentat el primer dia de portes obertes dels estudis de Sant Jeroni. Antropofagia, canibalismo, jibarismo, disección, amputación, cabelleras cortadas, cabezas cortadas, decapitaciones, el hombre que se come al hombre, cabeza que come mano que come cabeza, eterno retorno, vida, muerte e inmortalidad. La linea que se dibuja sobre si misma, el garabato que tapa el cerebro para formar una cabeza que luego se deshace, un hilo de Ariadna del que tirar, un gusano lúgubre, un dibujo expresivo tan visceral como inmeditato, una forma de crear que sale de la boca del estómago. Caníbales, buenos y malos, que toman vida en sus dibujos, en sus animaciones, Francis Bacon, David Lynch, Sadam Husein o Silvio Berlusconi, bichos y hombres, genios y bárbaros. Un proyecto que fue documentado en una instalación mural que tuvo lugar en el marco de la colaboración de CRIdA con el CRCC y que fue presentado en el primer día de puertas abiertas de los estudios de Sant Jeroni. Anthropophagy, cannibalism, head shrinking, dissection, amputation, severed scalps, severed heads, decapitations, men who eat men, head which eats the hand which eats the head, never-ending circle of life, death and immortality. The line which is drawn on itself, the scribble which covers the brain to form a head which then unravels, one of Ariadne’s threads with which to pull a lugubrious worm, a drawing which is as visceral as it is unexpected, illustrating something drawn out of the pit of the stomach. Cannibals, good and bad, who come to life in his drawings, in his animations, Francis Bacon, David Lynch, Sadam Husein or Silvio Berlusconi, bugs and men, geniuses and barbarians. A project which was presented as a wall installation, which came to fruition thanks to the collaboration of CRIdA and the CRCC and was presented on the first open day in the studios of Sant Jeroni.

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Santiago Morilla

Madrid, 1973 - www.santiagomorilla.com

Ornamento y detonación / Sobrasada extrema Un dels projectes que més ha calat en l’imaginari de la ciutat és el desenvolupat per Santiago Moreilla per a CRIdA; aprofitant un solar entre mitgeres ubicat al nucli antic de Palma, al barri de la Calatrava, l’artista va concebre una potent intervenció urbana de més de 10 metres d’alçària en unes parets enfrontades i separades per una escassa distància. La peça, titulada Sobrasada extrema, crea un efecte envoltant i colpidor, el procés creatiu del qual va quedar registrat en una singular stop-motion. Una intervenció que s’emmarca en el complet programa que va proposar Morilla i que també incloïa el taller “Heridas urbanas. Post-graffiti hoy”, la part teòrica del qual va tenir lloc al CRCC i, la pràctica, col·laborant en la realització mateixa del mural esmentat. Es pot destacar també la realització de part de la producció del seu projecte Ornamento y detonación, que va ser presentat, durant aquell mateix mes de maig, en una exposició individual al Museu ABC de Madrid. Uno de los proyectos que más ha calado en el imaginario de la ciudad es el desarrollado por Santiago Morilla para CRIdA; aprovechando un solar entre medianeras radicado en el casco antiguo de Palma, en el barrio de La Calatrava, el artista concibió una potente intervención urbana de más de 10 metros de altura en unas paredes enfrentadas y separadas por escasa distancia. La pieza, titulada Sobrasada extrema, crea un efecto envolvente y sobrecogedor, cuyo proceso creativo quedó registrado en una singular stop-motion. Una intervención que se enmarca dentro del completo programa que propuso Morilla y que también incluía el taller “Heridas urbanas. Post-graffiti hoy”, cuya parte teórica tuvo lugar en el CRCC y, la práctica, colaborando en la propia realización del citado mural. Cabe destacar también la realización de parte de la producción de su proyecto Ornamento y detonación que fue presentado, durante ese mismo mes de mayo, en una exposición individual en el Museo ABC de Madrid. One of the projects which really captured the imagination of the city was the one executed by Santiago Morilla. Taking advantage of an open plot of land between two walls situated in the Casco Antiguo (Palma’s old town), in the neighbourhood known as Sa Calatrava, the artist created a powerful urban intervention more than 10 metres high, on the walls facing each other, but a short distance apart. The piece, titled Sobrasada* extrema, creates an effect which is impressive and encompassing, where the creative process remains fixed in a singular stop-motion. The intervention designed by Morilla formed a complete creative programme and included the workshop “Heridas urbanas. Post-graffiti hoy”, (Urban wounds. Postgraffiti today). The theory took place in the CRCC and the practical was hands-on participation on the mural itself. It should also be mentioned that part of the work done in his project Ornamento y detonación was presented in a solo exhibition in the ABC Museum in Madrid during the same month of May. * Sausage – a Mallorcan speciality

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CRIDA #02

Miguel Ángel Moreno Carretero. Peça de la sèrie Mecanismos inconscientes del horizonte, 2011. Tela amb bastidor, argila i objecte trobat.

Artistes participants Josep Domínguez (Barcelona, 1978) Xavier de Kepper (Baiona, França 1976) Miguel A. Moreno Carretero (El Carpio, Còrdova, 1980) Ale Zea (Sevilla, 1977)

Activitats realitzades Participació dels artistes en l’esdeveniment ALART 2011, Alaró Conferència a càrrec dels artistes al CRCC ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni ≥ Intervencions urbanes de Xavier de Keeper i Miguel Angel Moreno Carretero ≥ Visita de la junta directiva de l’AAVIB als estudis de Sant Jeroni ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada i van conèixer a diversos artistes, comissaris i galeristes ≥ Visita al CCA Andratx ≥ ≥

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Josep Domínguez. Sèrie Islas, 2011. Acrílic sobre tela i tècnica mixta. Dimensions variables.

Xavier de Kepper. Se Vende, 2011. Intervenció a la façana de l’estudi de Lluis Fuster al Carrer dels Set Cantons, Palma. Fuster i de Kepper durant la instal·lació de la peça.

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1. Ale Zea, Telebasura, 2011. Composició fotogràfica. Previsualització del projecte com a intervenció urbana. 2. Reunió dels comissaris de CRIdA amb la junta directiva de l’AAVIB. 3. Josep Domínguez Xavier de Kepper i Ale Zea. Projecte Buena Isla, 2011. Vídeo, fotos i bloc.

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Exposició d’obres dels artistes de CRIDA#02 al Casal Son Tugores d’Alaró, amb motiu d’Alart 2011. 1. Xavier de Kepper, Se Vende, 2011. Vinil adhesiu sobre paper.

2. Miguel Ángel Moreno Carretero, La fuente de los deseos, 2011. Instal·lació. 3. Josep Domínguez, Isla, 2011. Vídeo. 4. Vista de l’exposició de les obres dels artistes de CRIDA#02.

Ángeles / Isla / Sommersturm Encara que al principi es poguessin veure els tres projectes desenvolupats per Josep Domínguez com a tres vies d’investigació independents, la realitat és que tots orbiten al voltant de la seva pròpia experiència en una època de l’any i en una localització tan concreta com és l’estiu de l’illa de Mallorca. A Ángeles Domínguez estableix una singular metàfora que uneix l’estrany fenomen del balconing amb el mite de l’àngel caigut, un descens als inferns que estableix un curiós símil que connecta el deliberat amb l’atzarós, l’ascens i la caiguda. Isla recull també aquesta visió romàntica i dramàtica, afegint-hi una estètica del sublim molt contemporània, la bellesa colpidora del paisatge passada pel sedàs dels colors àcids i dels píxels. Un estremiment davant l’immens poder de la natura que assoleix la seva manifestació més completa a Sommersturm, una videoapropiació de tempestes pujades a la xarxa per usuaris de Youtube, que varen acabar formant part d’una interessant instal·lació. Aunque en un principio pudieran verse los tres proyectos desarrollados por Josep Domínguez como tres vías de investigación independientes, la realidad es que todos ellos orbitan alrededor de su propia experiencia en una época del año y en una localización tan concreta como es el verano de la isla de Mallorca. En “Ángeles”, Domínguez, establece una singular metáfora que une el extraño fenómeno del balconing con el mito del ángel caído, un descenso a los infiernos que establece un curioso símil que conecta lo deliberado con lo azaroso, el ascenso y la caída. “Isla” recoge también esa visión romántica y dramática, añadiéndole una estética de lo sublime muy contemporánea, la belleza sobrecogedora del paisaje pasada por el tamiz de los colores ácidos y de los píxeles. Un sobrecogimiento ante el inmenso poderío de la naturaleza que alcanza su manifestación más completa en “Sommersturm”, una video-apropiación de tormentas subidas a la red por usuarios de Youtube, que acabaron formando parte de una interesante instalación. At first sight the three projects Josep Domínguez worked on could be viewed as three independent lines of investigation, but the reality is that all of them revolve around his own experience during a particular time of year and place: summer on the island of Mallorca. In “Ángeles”, Domínguez establishes a singular metaphor which links the strange phenomenon of “balconing” with the myth of the fallen angel, a descent into hell which establishes an interesting simile connecting the deliberate with the random, the rise and fall. “Isla” also encompasses this romantic, dramatic vision adding a very contemporary aesthetic of the sublime, the startling beauty of the scenery sprinkled with acidic colours and pixels. The awe before the immense force of nature when it demonstrates its complete power in “Sommersturm”, a video-appropriation of thunderstorms uploaded onto YouTube, which ended up forming part of an interesting installation.

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Josep Domínguez

Barcelona, 1978 - www.josepdominguez.com

Se vende De Kepper va reformular part del seu projecte inicial per a iniciar un work in progress inspirat en alguns dels estímuls que va experimentar des de la seva arribada a l’illa, en aquest cas la invasió de cartells de “Se vende” amb vistosos colors, referits a propietats immobiliàries i penjats a llocs molt visibles de la nostra comunitat. La materialització formal es va concretar en una producció i instal·lació de cartells amb continguts que deixaven en evidència aquesta desmesura que tendeix al grotesc, tot es ven i res es compra, en un moment en què la crisi econòmica ja havia començat el seu implacable camí. El resultat es va poder veure no només a la jornada de portes obertes de la residència, sinó també en una instal·lació realitzada en ple nucli antic de Palma –als balcons de l’estudi cedit per l’artista Lluis Fuster– o als carrers del poble d’Alaró, juntament amb una exposició col·lectiva de tots els participants a CRIDA#2, al Casal Son Tugores i dins el programa oficial d’Alart. De Kepper reformuló parte de su proyecto inicial para iniciar un work in progress inspirado en algunos de los estímulos que experimentó desde su llegada a la isla, en este caso, la invasión de carteles de “se vende” con llamativos colores, referidos a propiedades inmobiliarias y colgados en lugares muy visibles de nuestra comunidad. La materialización formal se concretó en una producción e instalación de carteles cuyos contenidos dejaban en evidencia esta desmesura que tiende a lo grotesco, todo se vende y nada se compra, en un momento donde la crisis económica ya había comenzado su implacable camino. El resultado pudo verse, no sólo en la jornada de puertas abiertas de la residencia, sino también en una instalación realizada en pleno casco antiguo de Palma -en los balcones del estudio cedido por el artista Lluis Fuster- o en las calles del pueblo de Alaró, junto con una exposición colectiva de todos los participantes en CRIDA#2, en el Casal Son Tugores y dentro del programa oficial de “Alart”. De Kepper re-formulated part of his initial project to initiate a “work-in-progress” inspired by some of the things he experienced during his time on the island, in particular, the overwhelming number of “for sale” signs in their striking colours, referring to real estate properties and hanging in plain view around the city. The actual project developed into a production and installation of posters which demonstrated this excess verging on the grotesque, everything is for sale and nothing is sold, at a time where the economic crisis had already begun its inexorable path. The result could be seen, not only on the open days in the studio, but also in an installation created in the centre of Casco Antiguo (Palma’s old town), – where permission was given to use the balconies outside the studio of the artist Lluis Fuster – or on the streets in the town of Alaró, in a group exhibition which included all the participants of CRIDA#2, at the Casal Son Tugores and part of the official programme of “Alart”.

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Xavier de Kepper

Baiona, 1976 - www.de-kepper.com

Mecanismos inconscientes del horizonte L’aguda sensibilitat de Moreno Carretero li permet detectar l’humor, la ironia i la contradicció, no sempre voluntaris, subjacents a molts dels recurrents dispositius publicitaris que esquiten les nostres vides i, vulguem o no, condicionen el nostre paisatge. Amb l’habilitat d’un miniaturista i l’agudesa de l’artista, recull tota aquesta imatgeria que tendeix al kitsch, a composicions i recursos de gust dubtós, els descontextualitza i deixa en evidència les impostures que adopten. Una espècie de maquetes d’artefactes de seducció publicitària, que tenen quelcom de còmic alhora que de trist. Partint d’aquestes premisses, el projecte que va desenvolupar als estudis de CRIdA, Mecanismos inconscientes del horizonte, apel·la al surrealisme, a l’oníric i a una certa reivindicació social com a elements d’un interessant discurs creatiu que, a més, va venir acompanyat de la instal·lació La fuente de los deseos, que va realitzar a Alaró dins el programa oficial de l’esdeveniment «Alart», i on jugava amb els anhels i les expectatives no sempre satisfetes. La aguda sensibilidad de Moreno Carretero le permite detectar el humor, la ironía y la contradicción, no siempre voluntarios, que subyacen bajo muchos de los recurrentes dispositivos publicitarios que salpican nuestras vidas y, queramos o no, condicionan nuestro paisaje. Con la habilidad de un miniaturista y la agudeza del artista, recoge toda esa imaginería que tiende a lo kitsch, a composiciones y recursos de dudoso gusto, descontextualizándolos y dejando en evidencia las imposturas que adoptan. Una suerte de maquetas de artefactos de seducción publicitaria, que tienen algo de cómico a la vez que triste. Partiendo de estas premisas, el proyecto que desarrolló en los estudios de CRIdA, Mecanismos inconscientes del horizonte, apela al surrealismo, a lo onírico y a cierta reivindicación social como elementos de un interesante discurso creativo que, además, vino acompañado de la instalación La fuente de los deseos, que realizó en Alaró dentro del programa oficial del evento “Alart”, y donde jugaba con los anhelos y las expectativas no siempre satisfechas. The sharp sensibility of Moreno Carretero enables him to detect the humour, the irony and the contradiction, not always intentional, which lie under many of the current advertising techniques which pepper our lives, whether we want them to or not, and condition our landscape. With the skill of a miniaturist and the acuity of the artist he gathers together all this kitsch-like imagery, compositions and items of questionable taste, to decontextualize them and reveal the deception they adopt. Like a collection of artefacts taken from seductive publicity which are funny and yet sad at the same time. Taking these as his premise, the project he developed in the CRIdA studios, Mecanismos inconscientes del horizonte leans towards surrealism, to the oneiric and a certain social vindication as elements of an interesting creative debate which was also accompanied by the installation La fuente de los deseos, created in Alaró under the official programme of events “Alart”, which played around with desires and expectations which are often not fulfilled.

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Miguel A. Moreno Carretero

El Carpio, Còrdova, 1980 - miguelangelmorenocarretero.blogspot.com.es

Medios de comunicación y mediocridad: la telebasura Amb un projecte molt concret de clar contingut crític, Ale Zea va establir, durant la seva residència, una reflexió que qüestionava la submissió contemporània als mitjans de masses, l’enviliment i l’embrutiment a què està sotmès l’ésser humà, a mercè d’uns telefems emesos i consumits compulsivament que ens infecten tant com ens alienen. Partint de construccions que recorren al fotomuntatge, l’artista apel·la a composicions que connecten amb el publicitari, però inserint-hi frases, eslògans, d’elevada càrrega crítica. Unes imatges preparades per a imprimir-se a la mida natural dels objectes representats i aferrar-se als murs i les parets de la ciutat, creant un efecte de trompe-l’oeil que crida l’atenció sobre el contingut mateix de les frases. A més, l’obra de Zea també es va poder veure a l’exposició col·lectiva que, amb motiu de l’esdeveniment «Alart» que va tenir lloc al poble d’Alaró, va reunir les produccions dels quatre integrants de CRIDA#2. Con un proyecto muy concreto de claro contenido crítico, Ale Zea estableció, durante su residencia, una reflexión que cuestionaba el sometimiento contemporáneo a los medios de masas, el envilecimiento y embrutecimiento al que está sometido el ser humano, merced a una telebasura emitida y consumida compulsivamente que nos infecta tanto como nos aliena. Partiendo de construcciones que recurren al fotomontaje, el artista apela a composiciones que conectan con lo publicitario, pero insertando en ellas frases, eslóganes, de elevada carga crítica. Unas imágenes preparadas para imprimirse al tamaño natural de los objetos representados y pegarse sobre los muros y las paredes de la ciudad, creando un efecto de trampantojo que llama la atención sobre el propio contenido de las frases. Además, la obra de Zea, también pudo verse en la exposición colectiva que, con motivo del evento “Alart” celebrado en el pueblo de Alaró, reunió las producciones de los cuatro integrantes de CRIDA#2. Ale Zea’s very specific project sets out to question the modern day subjection to the mass media, and takes a clearly critical line towards the degradation and stultification to which human beings are submitted to, thanks to the emission and compulsive consumption of trash TV that corrupts as much as it alienates us. Starting with constructions suitable for photomontage the artist assembles compositions which relate to advertising then inserts highly critically phrases and slogans into them. A few of the represented objects are prepared for printing fullscale and are pasted onto the houses and the city walls, creating an effect of trompe l’oeil which draws attention to the true meaning of the phrases. In addition, Zea’s work also formed part of a group show, organised by “Alart” an event in the town of Alaró, where the work of all four residents taking part in CRIDA#2 were exhibited together.

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Ale Zea

Sevilla, 1977 - www.alezea.com

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CRIDA #03

Artistes participants Adriana Cerecero (Mèxic DF, Mèxic, 1957) Juan Miguel Pozo Cruz (L’Havana, Cuba, 1967) Juan Carlos Martínez (Campanario, Badajoz, 1978) Roma Pas (Amsterdam, Països Baixos 1973)

Activitats realitzades Participació de Roma Pas en l’esdeveniment “La Nit del Glam”, Nit de l’Art, Es Jaç, Palma ≥ Projecció del treball de Juan Carlos Martínez a la galeria Louis 21, Palma ≥ Exposició individual de Juan Miguel Pozo a la galeria SKL, Palma ≥ Intervenció mural de Juan Miguel Pozo al restaurant Olivia, Palma ≥ Performance “El Golpe” d’Adriana Cerecero a la plaça de Sant Jeroni ≥ Conferència a càrrec dels artistes al CRCC ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada i van conèixer a diversos artistes, comissaris i galeristes. ≥

Adriana Cerecero. El golpe a la crisis, 2011. Instal·lació efímera i performance a la Plaça de Sant Jeroni, Palma.

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Juan Miguel Pozo. Boy, 2011. Acrílic sobre llenç, 300x297 cm.

Estudi de Juan Carlos Martínez a l’Espai Sant Jeroni.

Roma Pas. Google Image Search Constellation, 2011. Instal·lació. Pintura acrílica sobre quadres reutilitzats.

3. 4.

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1 i 2. Presentació al públic del treball dels artistes residents a CRIDA#03 en una xerrada organitzada al CRCC. 3. Estudi de Juan Carlos Martínez a l’Espai Sant Jeroni. 4. Un visitant observa l’obra de Roma Pas.

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1. 2.

Presentació al públic de les obres dels artistes residents als estudis de l’Espai Sant Jeroni. 1. Juan Carlos Martínez explica la seva obra al públic assistent. 2. Producció de Juan Carlos Martínez al CRCC.

3. 4.

3 i 4. Adriana Cerecero. El golpe a la crisis, 2011. Instal·lació efímera i performance a la Plaça de Sant Jeroni, Palma. Amb la participació de Teresa Matas, Angel Pascual Rodrigo, Marcos Vidal, Varvara Guljajeva, Mar Canet, Ruta Butkute y Aleksandra Rasulic

El golpe a la crisis Adriana Cerecero sempre manifesta una voluntat més que evident de posar el punt de mira sobre qüestions de clar contingut social. Un art posicionat que aconsegueix treure a debat, convertir en objecte de reflexió, molts dels problemes que neguitegen la nostra societat. En el cas del projecte que va desenvolupar als estudis de CRIdA, Cerecero situa la seva peculiar òptica sobre el tema recurrent de la crisi. Així com va fer en el seu projecte anterior, desenvolupat a Mèxic, en què l’artista incidia en el problema del narcotràfic, aquí també es va valer de retalls de premsa als quals es parlava del tema objecte de la seva reflexió per a, amb aquests, acabar construint una enorme pinyata contra la crisi mateixa. Un voluminós objecte que, en una posterior acció al carrer, va ser apallissat per diversos voluntaris del públic, i va deixar caure, en trencar-se, les monedes de xocolata anhelades. Una autèntica catarsi redemptora de les frustracions i dels mals moments que aquesta crisi està provocant. Adriana Cerecero siempre manifiesta una voluntad más que evidente por poner el punto de mira sobre cuestiones de claro contenido social. Un arte posicionado que consigue sacar a debate, convertir en objeto de reflexión, muchos de los problemas que acucian a nuestra sociedad. En el caso del proyecto que desarrolló en los estudios de CRIdA, Cerecero, sitúa su peculiar óptica sobre el tema recurrente de la crisis. Al igual que hizo en su proyecto anterior desarrollado en México, donde la artista incidía en el problema del narcotráfico, aquí también se valió de recortes de prensa en los que se hablaba del tema objeto de su reflexión para, con ellos, terminar construyendo una enorme piñata contra la propia crisis. Un voluminoso objeto que, en una posterior acción en la calle, fue apaleado por diversos voluntarios del público, dejando caer, al romperse, las ansiadas monedas de chocolate. Una auténtica catarsis redentora de las frustraciones y de los malos momentos que esta crisis está provocando. Adriana Cerecero always demonstrates an openness to declare her position / take a stance over questions of obvious social content. Turning art into an object of reflection she always manages to bring about a discussion on many of the problems affecting our society. Regarding the project she developed in the CRIdA studios, Cerecero directed her individual way of seeing things towards the recurrent theme of the crisis. Just as she had done in a previous project carried out in Mexico, where the artist impinged on the drug problem, she used press cuttings relative to her topic of discussion with which she ended up constructing an enormous piñata* to commemorate the crisis itself. This enormous object was later struck down by various members of the public in the street, allowing the long-awaited chocolate coins to fall. An authentic cathartic release from the frustrations and bad times brought about by this crisis. * A traditional Mexican vessel used in celebrations and made of papier-mâché, decorated and often filled with sweets

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Adriana Cerecero

Mèxic DF, 1957

La conquista del cielo Continuant amb el seu depurat procés pictòric, Juan Miguel Pozo va produir una sèrie de peces que continuaven aprofundint en els paràmetres que han caracteritzat gran part de la seva obra. Una indagació que agafa com a punt de partida fonamental tota la imatgeria de propaganda dels règims totalitaris, per a establir les bases dels ressorts psicològics als quals apel·laven. Una recerca que s’orienta, no tant des de la perspectiva de la funció social de l’art, sinó, més aviat, des de l’utilitarisme i l’esteticisme d’aquestes imatges i les seves composicions, unes pintures construïdes a base de potents icones, preexistents, intervinguts, copiats o inventats, que, junts, es converteixen en la precisa forma d’expressió d’aquest artista. Les peces de Pozo Cruz es varen poder veure en una exposició individual a la galeria palmesana SKyistheLimit, acompanyada amb una intervenció mural al restaurant veí Olivia. Siguiendo con su depurado proceso pictórico, Juan Miguel Pozo produjo una serie de piezas que continuaban profundizando sobre los parámetros que han caracterizado gran parte de su obra. Una indagación que coge como punto de partida fundamental toda la imaginería de propaganda de los regímenes totalitarios, para establecer las bases de los resortes psicológicos a los que apelaban. Una búsqueda que se orienta, no tanto desde la perspectiva de la función social del arte, sino, más bien, desde el utilitarismo y el esteticismo de estas imágenes y sus composiciones, unas pinturas construidas a base de potentes iconos, preexistentes, intervenidos, copiados o inventados, que, juntos, se convierten en la certera forma de expresión de este artista. Las piezas de Pozo Cruz, pudieron verse en una exposición individual en la galería palmesana SKyistheLimit, acompañada de una intervención mural en el vecino restaurante Olivia. In keeping with his elaborate painting process, Juan Miguel Pozo produced a series of works which continued to delve into the parameters which have characterised a large part of his work. An investigation which takes as its main starting point all the images of propaganda used by the totalitarian systems to establish bases for the psychological means they resort to. A search which stands, not so much from the perspective of the social function of art, but rather from the utilitarianism and aestheticism of these images and their compositions, certain paintings built on potent icons, pre-existing, intervened, copied or invented which together convert into the perfect form of expression for this artist. The works of Pozo Cruz, could be seen in a solo exhibition at the art gallery SKyistheLimit in Palma, along with street art on the wall of the nearby Olivia restaurant.

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Juan Miguel Pozo Cruz

L’Havana, 1967

Subfilum Spermopsida L’estiu de l’illa de Mallorca va ser un extraordinari camp de proves per a la investigació fotogràfica i conceptual de Juan Carlos Martínez. Un estudi que va tenir com a objecte d’anàlisi el turisme de masses i, de forma més concreta, les maneres del seu oci, amb un èmfasi especial en tot el que fa referència al sexe. Acudint a zones massificades i, de vegades, un tant degradades de Magaluf o l’Arenal, Martínez aplica tota la seva sensibilitat i tot el seu criteri a cercar les frustracions i els desigs que neixen des de la inhibició de l’alcohol i de la festa. L’artista, que es mou a la perfecció dins el terreny de l’ambigüitat, deixa en evidència determinades situacions i conductes amb la voluntat d’incitar a una reflexió sobre l’evolució de la societat contemporània. Juan Carlos Martínez va donar visibilitat a aquest projecte en una intervenció site-specific amb retroprojeccions sobre les vidrieres de la galeria d’art palmesana Louis 21. El verano de la isla de Mallorca fue un extraordinario campo de pruebas para la investigación fotográfica y conceptual de Juan Carlos Martínez. Un estudio que tuvo como objeto de análisis el turismo de masas y, de forma más concreta, las maneras de su ocio, con un énfasis especial en todo lo referente al sexo. Acudiendo a zonas masificadas y, en ocasiones, algo degradadas de Magaluf o El Arenal, Martínez aplica toda su sensibilidad y todo su criterio para buscar las frustraciones y deseos que brotan desde la inhibición del alcohol y de la fiesta. El artista, que se maneja a la perfección dentro del terreno de la ambigüedad, deja en evidencia determinadas situaciones y conductas con la voluntad de incitar a una reflexión sobre la evolución de la sociedad contemporánea. Juan Carlos Martínez dio visibilidad a este proyecto en una intervención site-specific con retroproyecciones sobre las cristaleras de la galería de arte palmesana Louis 21. For Juan Carlos Martínez, summer on the island of Mallorca was an extraordinary testing ground for photographic and conceptual research. A study which focused on an analysis of mass tourism and, more specifically, the way people spend their free-time, with a special emphasis on everything related to sex. Moving in highly populated zones, and on occasion, slightly degraded ones in Magaluf or El Arenal, Martínez, uses all his sensitivity and judgement, in search of the frustrations and desires which surface when people are uninhibited by alcohol and partying. The artist, who handles such ambiguity to perfection, exposes certain situations and conducts with the aim of provoking a reflection on the evolution of contemporary society. Juan Carlos Martínez exhibited his work on a site-specific intervention with images projected onto the windows of the Louis 21 art gallery in Palma.

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Juan Carlos Martínez

Campanario, Badajoz, 1978 - www.juancarlosmartinez.eu

Google image search constellation resembling 19th century way of presenting paintings Des d’una concreta reflexió sobre les maneres i els continguts de les noves tecnologies, Roma Pas va desenvolupar per a CRIdA un projecte amb una curiosa gènesi: la recerca d’olis damunt tela de caràcter decoratiu i diferents formats per les botigues de segona mà de la ciutat. A partir d’aquests quadres amagava totalment el motiu que compareixia pintat damunt les seves superfícies estenenthi capes de color gris a damunt, aquell gris que apareix a les recerques de Google quan les imatges no es carreguen correctament. Per a aprofundir encara més en la metàfora que tractava d’establir, relacionant la contemporaneïtat amb altres èpoques, va disposar aquests olis intervinguts com el mosaic que es genera a Google després de realitzar les recerques esmentades, una col·locació damunt el pla que té molt a veure amb les disposicions de pintura dels grans salons del segle XIX. Una proposta singular que ens fa reflexionar sobre conceptes tan essencials en l’expressió plàstica actual com la reproductibilitat o l’aura. Desde una concreta reflexión sobre los modos y los contenidos de las nuevas tecnologías, Roma Pas desarrolló para CRIdA un proyecto con una curiosa génesis: la búsqueda de óleos sobre lienzo de carácter decorativo y diferentes formatos por las tiendas de segunda mano de la ciudad. A partir de ellos ocultaba totalmente el motivo que comparecía pintado sobre sus superficies extendiendo capas de color gris sobre los mismos, aquel gris que aparece en las búsquedas de Google cuando las imágenes no cargan correctamente. Para ahondar aún más en la metáfora que trataba de establecer, relacionando la contemporaneidad con otras épocas, dispuso estos óleos intervenidos como el mosaico que se genera en Google tras realizar las citadas búsquedas, una colocación sobre el plano que tiene mucho que ver con las disposiciones de pintura de los grandes salones del siglo XIX. Una propuesta singular que nos hace reflexionar sobre conceptos tan esenciales en la expresión plástica actual como la reproductibilidad o el aura. The focus of her residence with CRIdA was a reflection on the ways and contents of new technologies, a project which had an interesting genesis: searching through the second-hand shops in the city for various forms of decorative oil painting. Then she completely concealed the surface image by painting layers of grey over them, the same grey which appears in Google searches when the images fail to load correctly. To delve even further into the metaphor she was trying to establish, relating modernity to other epochs, she arranged the oils she had worked over as a mosaic, like the one Google generates after carrying out searches, positioning them on a flat surface which resembled the arrangement of paintings in the large salons on the XIX century. A unique proposal, which makes us think about such essential concepts of present day artistic expression as reproducibility or aura.

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Roma Pas

Amsterdam, 1973

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CRIDA #04

Artistes participants Ruta Butkute (Kaunas, Lituània, 1984) Aleksandra Rasulic (Belgrad, Sèrbia, 1986) Mar Canet Solà (Mollet del Vallès, Barcelona 1981) i Varvara Guljajeva (Tartu, Estònia, 1984) Marcos Vidal (Vitoria-Gasteiz, 1967)

Activitats realitzades Col·laboració amb els talleres gràfics de la Fundació Pilar i Joan Miró per a la realització d’obra gràfica i ceràmica. ≥ Visita al CCA d’Andratx i altres centres expositius. ≥ Presentació del projecte “Shopping in 1 Minute” de Mar Canet i Varvara Guljajeva amb motiu del “Buy Nothing Day”, el 26 de Novembre. ≥ Instal·lació sonora “El flujo del mar” de Mar Canet i Varvara Guljajeva a la terrassa d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, el 9 de Desembre. ≥ Visita de la directora d’Es Baluard, Cristina Ros, als estudis de Sant Jeroni ≥ Conferència a càrrec dels artistes en el CRCC ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni i presentació al CRCC. ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada. ≥

Ruta Butkute. Monu/ment/al?, 2011. Instal·lació escultòrica, performance i vídeo.

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Varvara Guljajeva i Mar Canet. El fluxe del mar, 2011. Litografia a partir de visualització de dades obtingudes del trànsit marítim de la badia de Palma.

Aleksandra Rasulic. Discussing Water, 2011. Aquarel·la sobre paper.

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Marcos Vidal. Reality Show, 2011. Serigrafia sobre rajoles de fang.

1. Marcos Vidal treballa amb Julio León als Tallers d’Obra Gràfica de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. 2. Litografia de Varvara Guljajeva i Mar Canet durant la seva execució als Tallers de l’FPJM.

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1. 2. 5.

1. Peces escultòriques de Ruta Butkute i Marcos Vidal realitzades als tallers de la FPJM. 2. Estudi de Marcos Vidal a l’Espai Sant Jeroni. 3. Presentació al públic del treball dels artistes residents en una xerrada al CRCC. 4. Varvara Guljajeva i Mar Canet, Shopping in 1 Minute, 2010-2011. Aplicació per a smartphone. Joc consistent en escanejar el major nombre de codis de barres en un minut, presentat amb ocasió del “Buy Nothing Day” (26 de novembre). 5. Els artistes residents visiten Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma.

Monu/ment/al? El treball de Ruta Butkute es caracteritza pel seu tractament de l’objecte quotidià com a cosa estranya, alhora que familiar, disposat en instal·lacions en les quals sovint incorpora el cos humà i registra la seva interacció amb les peces en vídeo. Interessada en el patrimoni cultural i arquitectònic de Palma, l’artista investiga en aquest projecte el sentit i el valor del monument a través de diversos elements, entre objectes trobats, peces escultòriques realitzades als tallers de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca i materials industrials. A través d’aquests objectes dispars, l’artista cerca generar nous processos que plantegin la recuperació de la cultura per la natura, i la modificació de la natura per la cultura. El trabajo de Ruta Butkute se caracteriza por su tratamiento del objeto cotidiano como algo extraño a la vez que familiar, dispuesto en instalaciones en las que frecuentemente incorpora el cuerpo humano y registra su interacción con las piezas en vídeo. Interesada en el patrimonio cultural y arquitectónico de Palma, la artista investiga en este proyecto el sentido y valor del monumento a través de diversos elementos, entre objetos encontrados, piezas escultóricas realizadas en los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca y materiales industriales. Por medio de estos objetos dispares, la artista busca generar nuevos procesos que planteen la recuperación de la cultura por la naturaleza y la modificación de la naturaleza por la cultura. Characterised by her use of everyday objects Ruta Butkute’s work appears unfamiliar yet familiar at the same time, assembled in installations where she frequently incorporates the human body and makes a video recording their interaction with the subject matter. Interested in the cultural and architectural heritage in Palma, the artist investigated the sense and value of the monument through the use of different elements, which included found objects, industrial items and sculptural pieces which she created in the workshops at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca. In using these disparate objects, the artist looks for new processes to regain culture through nature and the modification of nature through culture.

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Ruta Butkute

Kaunas, 1984 - www.rutabutkute.com

El flujo del mar Varvara Guljajeva i Mar Canet exploren a la seva obra les possibilitats expressives dels fluxos de dades que circulen entre els dispositius digitals que empram a diari. El trànsit marítim del port de Palma els va inspirar la creació d’un projecte que converteix els moviments dels vaixells, la posició dels quals és captada mitjançant un radar AIS, en composicions sonores que es desenvolupen en temps real, modificant-se en funció de la posició de les embarcacions. Els artistes varen presentar la seva obra en un concert de música generativa a les terrasses d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani, davant el port, i també varen crear una sèrie de serigrafies als tallers de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, donant així una dimensió visual al projecte. Varvara Guljajeva y Mar Canet exploran en su obra las posibilidades expresivas de los flujos de datos que circulan entre los dispositivos digitales que empleamos a diario. El tráfico marítimo del puerto de Palma les inspiró la creación de un proyecto que convierte los movimientos de los barcos, cuya posición es captada por medio de un radar AIS, en composiciones sonoras que se desarrollan en tiempo real, modificándose en función de la posición de las embarcaciones. Los artistas presentaron su obra en un concierto de música generativa en las terrazas de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani, frente al puerto, y también crearon una serie de serigrafías en los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, dando así una dimensión visual al proyecto. Varvara Guljajeva and Mar Canet’s work explores the expressive possibilities of the stream of information that circulates amongst the digital devices we use every day. The movement of marine traffic in the Port of Palma provided the inspiration for a project which developed in real-time. The movements of the boats, located by means of an A.I.S. radar, are converted into sonorous compositions which are modified as the boats change position. The artists presented their work in a concert of generative music on the terraces of the Es Baluard Museu d’Art Modern I Contemporani (Es Baluard Musuem of Modern and Contemporary Art), facing the port, along with a series of screen-prints they produced in the workshops at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca, which presented a visual dimension to the project.

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Varvara Guljajeva + Mar Canet

Tartu, 1984 - www.varvarag.info + Mollet del Vallès, Barcelona 1981 - www.mcanet.info

Discussing Water Als seus dibuixos i aquarel·les, Aleksandra Rasulic explora l’aigua com a mitjà i com a tema, representant objectes vinculats a la canalització o la contenció de l’aigua, com aixetes, dutxes o canonades. Aquests elements són tractats de manera que es revela la seva connexió amb el que és viu, amb l’aigua com a font de vida, com també amb els conceptes d’higiene i regeneració. Al projecte que desenvolupa durant la seva residència, l’artista s’interessa pels sistemes de canalització de la zona històrica per les canonades del seu propi apartament, i elabora el concepte d’allò humit i els efectes de la humitat en processos físics damunt el paper, i simulats en composicions delicades i íntimes. En sus dibujos y acuarelas, Aleksandra Rasulic explora el agua como medio y como tema, representando objetos vinculados a la canalización o contención del agua, tales como grifos, duchas o cañerías. Estos elementos son tratados de tal manera que se revela su conexión con lo vivo, con el agua como fuente de vida, así como con los conceptos de higiene y regeneración. En el proyecto que desarrolla durante su residencia, la artista se interesa por los sistemas de canalización de la zona histórica, así como por las cañerías de su propio apartamento, y elabora el concepto de lo húmedo y los efectos de la humedad en procesos físicos sobre el papel y simulados en composiciones delicadas e íntimas. In her drawings and watercolours Aleksandra Rasulic explores water as a medium and as subject matter and includes objects linked to the channelling or containment of water, such as taps, showers or pipes. These elements are treated in such a way that their connection to life is portrayed, presenting water as the source of life, along with ideas concerning hygiene and regeneration. This project, which was developed during the artist’s residence at the Pilar and Joan Miró Foundation, displays her interest in historical channelling system, as well as the piping in her own apartment, and elaborates on the subject of humidity and its physical effects on paper, simulated in delicate, intimate compositions.

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Aleksandra Rasulic

Belgrad, 1986 - sananah.carbonmade.com

Reality Show L’obra de Marcos Vidal explora la cultura popular des d’una perspectiva crítica, que aplica amb tocs d’humor a través de processos artesanals i l’apropiació d’objectes quotidians. A Reality Show, el voyeurisme convertit en entreteniment televisiu és un dels temes que inspira una sèrie de peces sobre la intimitat i la passivitat del televident, com les Rajoles espectador, realitzades mitjançant estampació manual damunt rajoles ceràmiques. Altres peces, com el Cendrer Espanya, plantegen una lúdica reflexió sobre les divisions polítiques del país en un objecte humil, però alhora únic. L’artista va realitzar aquestes peces i diverses serigrafies als tallers de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. La obra de Marcos Vidal explora la cultura popular desde una perspectiva crítica, que aplica con toques de humor a través de procesos artesanales y la apropiación de objetos cotidianos. En Reality Show, el voyeurismo convertido en entretenimiento televisivo es uno de los temas que inspira una serie de piezas acerca de la intimidad y la pasividad del televidente, tales como las Baldosas espectador, realizadas mediante estampación manual sobre baldosas cerámicas. Otras piezas, como el Cenicero España, plantean una lúdica reflexión acerca de las divisiones políticas del país en un objeto humilde pero a la vez único. El artista realizó estas piezas y diversas serigrafías en los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Marcos Vidal’s work explores popular culture from a critical perspective, applied with a touch of humour, through traditional processes and the appropriation of daily objects. In Reality Show, voyeurism converted into television entertainment is one of the themes which inspire a series of works about the privacy and passivity of the television viewer, such as the hand-printing of the ceramic tiles in Baldosas espectador. Other works, such as the Cenicero España, present a playful reflection on the political divisions in the country in a piece which is humble and yet forthright at the same time. Along with this work the artist produced several screen-prints in the workshops at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca.

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Marcos Vidal

Vitoria-Gasteiz, 1967 - marcosvidal.tumblr.com

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CRIDA #05

Artistes participants Ronda Bautista (Toledo, 1984) Amaya Bombín (Valladolid, 1977) Nerea de Diego (Pamplona, 1974) Bartomeu Sastre (Palma, 1986)

Activitats realitzades “Enlloc”, exposició conjunta de Ronda Bautista i Amaya Bombín en el Convent de la Missió, gestionat per la galeria ABA Art Contemporani ≥ Col·laboració amb els tallers gràfics de la Fundació Pilar i Joan Miró per a la realització d’obra gràfica. ≥ Visita al CCA d’Andratx i altres centres expositius. ≥ Intervenció efímera de Nerea de Diego al pati central del Casal Solleric. ≥ Intervenció efímera d’Amaya Bombín a terrenys del CCA d’Andratx. ≥ Intervencions efímeres d’Amaya Bombín a diverses construccions de pedra seca de Mallorca, amb l’assessorament d’especialistes del Consell de Mallorca. ≥ Intervencions efímeres realitzadas per Nerea de Diego als carrers de Palma durant la seva estada. ≥ Intervenció efímera “We Are The New Slaves”, de Bartomeu Sastre, en diversos locals de Palma. ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni i presentació al CRCC. ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada. ≥

Ronda Bautista. Tryp Bellver, 2012. Acrílic sobre llenç, 24x30 cm.

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Amaya Bomb铆n. Pedra de roter, 2012. Serigrafia sobre paper, 70 x 100 cm.

Nerea de Diego. (Des)apariciones Marianas, 2012. Intervenci贸 urbana al carrer de la Puresa, Palma.

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Bartomeu Sastre i Marcos Cuesta, WE ARE THE NEW SLAVES, 2012. Impressió digital sobre paper, 70 x 100 cm.

1. Amaya Bombín i Ronda Bautista al Convent de la Missió, Palma. 2. Vista de l’exposició de les artistes al Convent de la Missió, Palma. 3. Amaya Bombín i la galerista Alejandra Bordoy a la inauguració de la mostra.

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3. 1. 1. Amaya Bombín. Intervenció efímera en una bassa a Llucmajor, Mallorca. Març de 2012 2. Encontre dels artistes residents amb representants de l’AAVIB. 3. Estudi de Nerea de Diego a l’Espai Sant Jeroni

Presentació al públic dels projectes dels artistes residents a l’Espai Sant Jeroni 4. Bartomeu Sastre mostra al públic les peces del seu projecte WE ARE THE NEW SLAVES.

Roters Els conceptes de pertinença, identitat i herència (cultural i familiar) formen els eixos del projecte d’Amaya Bombín, inspirat en la tradició de les barraques de pedra seca dels roters mallorquins. Amb l’ajuda d’experts del Consell de Mallorca, l’artista va visitar diferents construccions a l’illa amb l’objectiu de realitzar una intervenció efímera, tenyint les pedres de vermell. Aquest color, de forta evocació simbòlica, domina a l’obra realitzada durant la residència, que inclou diverses peces realitzades amb pedres, dibuixos i obra gràfica produïda als tallers de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Amb Ronda Bautista (artista resident a CRIDA#05), va presentar el seu treball a l’exposició «Enlloc» al convent de la Missió de Palma, fruit d’una col·laboració amb la Galeria ABA Art Contemporani. Los conceptos de pertenencia, identidad y herencia (cultural y familiar) forman los ejes del proyecto de Amaya Bombín, inspirado en la tradición de las barracas de piedra seca de los roters mallorquines. Con la ayuda de expertos del Consell de Mallorca, la artista visitó diferentes construcciones en la isla con el objetivo de realizar una intervención efímera, tiñendo las piedras de rojo. Este color, de fuerte evocación simbólica, domina en la obra realizada durante la residencia, que incluye diversas piezas realizadas con piedras, dibujos y obra gráfica producida en los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Junto con Ronda Bautista (artista residente en CRIDA#05), presentó su trabajo en la exposición “Enlloc” en el Convent de la Missió de Palma, fruto de una colaboración con la galería ABA Art Contemporani. The concepts of belonging, identity and inheritance (cultural and familial) became the focal point of the artist’s project, inspired by the tradition of dry-stone walls by the Mallorcan roters (lowest class of farmers). Along with the assistance of experts from the Consell de Mallorca, Amaya Bombín visited different constructions / buildings on the island with the aim of creating an ephemeral intervention, by staining the stones in red. The strong symbolic evocation of this colour dominated the work that she produced as an artist in residence at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca. Her work was presented together with Ronda Bautista (artist in residence CRIDA#05) in the exhibition Enlloc at the Convent de la Missió in Palma, as a result of a collaboration with the ABA Contemporary Art Gallery.

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Amaya Bombín

Valladolid, 1977 - www.Bombín.es

Palma. Un paseo El paisatge urbà és una referència constant a l’obra de Ronda Bautista, en particular el que denomina “espais mutants”: llocs sotmesos a canvis pel seu progressiu deteriorament o transformació, siguin edificis en construcció o en ruïnes, racons en els quals es diposita la història en estrats visibles. L’artista no es limita a reproduir aquests espais en una tela, sinó que hi aplica una selectiva mirada que revela, en la gamma cromàtica i l’elecció dels detalls, un estil pictòric propi. A partir del que va atreure la seva mirada en diverses passejades sense rumb, derives per la ciutat de Palma, Ronda Bautista elabora una sèrie de composicions en els quals la ciutat adquireix un nova presència i deixa de ser simple teló de fons de la quotidianitat. L’artista va presentar la seva obra amb Amaya Bombín (artista resident a CRIDA#05) en l’exposició “Enlloc” al convent de la Missió de Palma, fruit d’una col·laboració amb la Galeria ABA Art Contemporani. El paisaje urbano es una referencia constante en la obra de Ronda Bautista, en particular lo que denomina “espacios mutantes”: lugares sometidos a cambios por su progresivo deterioro o transformación, ya sean edificios en construcción o en ruinas, rincones en los que se deposita la historia en estratos visibles. La artista no se limita a reproducir estos espacios en un lienzo, sino que aplica una selectiva mirada que revela, en la gama cromática y la elección de los detalles, un estilo pictórico propio. A partir de lo que atrajo su mirada en varios paseos sin rumbo, derivas por la ciudad de Palma, Ronda Bautista elaboró una serie de composiciones en los que la ciudad adquiere un nueva presencia y deja de ser mero telón de fondo de la cotidianidad. La artista presentó su obra junto a Amaya Bombín (artista residente en CRIDA#05) en la exposición “Enlloc” en el Convent de la Missió de Palma, fruto de una colaboración con la galería ABA Art Contemporani. There is a constant reference to urban landscape in the work of Ronda Bautista, in particular the work termed “mutant spaces”: traces of history deposited in visible strata, in places subject to change due to their progressive deterioration or transformation, be they buildings under construction or in ruins. The artist does not limit herself to reproducing these spaces on canvas but takes a selective view, revealing her own pictorial style through the chromatic scale and choice of detail. Stemming from the things which caught her attention whilst wandering around the streets in the city of Palma, Ronda Bautista produced a series of compositions where the city took on a new presence and stopped being a mere backdrop of daily life. The artist presented her work together with Amaya Bombín (artist in residence in CRIdA#05) in the exhibition Enlloc in the Convent de la Missió in Palma, as a result of a collaboration with the ABA Contemporary Art Gallery.

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Ronda Bautista

Toledo, 1984 - www.rondabautista.es

(Des)apariciones marianas El projecte de Nerea de Diego, l’obra de la qual es mou en l’exploració de mites i realitats, se centra en la iconografia religiosa com a punt de trobada entre la imatgeria catòlica i la cultura popular. Interessada en els altars populars com a formes de creativitat espontània i anònima, com també en el culte a la Mare de Déu, l’artista recorre el centre històric de Palma a la recerca d’aquestes manifestacions. El veïnatge amb el convent de Sant Jeroni li va facilitar entrar en contacte amb les religioses i conèixer-ne els espais de culte, que va documentar en una sèrie de fotografies. Aquestes imatges, juntament amb diverses intervencions efímeres realitzades entre la plaça de Sant Jeroni i el carrer de Sant Pere Nolasc, componen el seu treball a Palma, que culmina en la “(des)aparició” d’una figura de la Mare de Déu realitzada en argila i col·locada al pati del Casal Solleric. El proyecto de Nerea de Diego, cuya obra se mueve en la exploración de mitos y realidades, se centra en la iconografía religiosa como punto de encuentro entre la imaginería católica y la cultura popular. Interesada en los altares populares como formas de creatividad espontánea y anónima, así como en el culto a la Virgen María, la artista recorre el centro histórico de Palma en busca de estas manifestaciones. La vecindad del convento de Sant Jeroni le facilitó entrar en contacto con las religiosas y conocer sus espacios de culto, que documentó en una serie de fotografías. Estas imágenes, junto a diversas intervenciones efímeras realizadas entre la plaza de Sant Jeroni y la calle Sant Pere Nolasc, componen su trabajo en Palma, que culmina en la “(des)aparición” de una figura de la Virgen realizada en arcilla y colocada en el patio del Casal Solleric. Nerea de Diego’s project, whose work explores myths and realities, centres on religious iconography as a meeting point between catholic imagery and popular culture. Interested in personal shrines, as forms of spontaneous, anonymous creativity, as well as the cult of the Virgin Mary, the artist strolled around Palma’s historical centre in search of references. Thanks to the community of Saint Jeroni’s Convent it was possible for her to have contact with the nuns and gain access to their places of worship, which she documented in a series of photos. These images, together with different ephemeral interventions, created in the area of Plaza de Sant Jeroni and calle Sant Pere Nolasc, formed her project in Palma, which culminated with the “(dis)appearance” of a clay figure of the Virgin Mary from the patio of the Casal Solleric.

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Nerea de Diego

Pamplona, 1974 - www.nereadediego.com

WE ARE THE NEW SLAVES Particularment interessat en la manera en la qual el llenguatge crea el sentit i la percepció de la realitat que ens envolta, Bartomeu Sastre treballa sovint amb l’ambigüitat del missatge escrit i la influència del context en el qual és presentat. A WE ARE THE NEW SLAVES, Sastre desenvolupa, en col·laboració amb Marcos Cuesta (artista resident a CRIDA#01), una reflexió sobre les estructures de poder dominants i una crítica a la crisi econòmica, en la qual s’accentuen les desigualtats socials, per a la qual cosa empra elements de publicitat i marxandatge com són xapes i pòsters; a través d’aquests el seu missatge s’insereix en contextos aliens al món de l’art i intervé directament als espais de la vida quotidiana. Particularmente interesado en la manera en que el lenguaje crea el sentido y la percepción de la realidad que nos rodea, Bartomeu Sastre trabaja a menudo con la ambigüedad del mensaje escrito y la influencia del contexto en que es presentado. En WE ARE THE NEW SLAVES, Sastre desarrolla, en colaboración con Marcos Cuesta (artista residente en CRIDA#01), una reflexión acerca de las estructuras de poder dominantes y una crítica a la crisis económica, en la que se acentúan las desigualdades sociales. Para ello emplea elementos de publicidad y merchandising, como son chapas y pósters, por medio de los cuales su mensaje se inserta en contextos ajenos al mundo del arte e interviene directamente en los espacios de la vida cotidiana. Particularly interested in the way in which language creates the sense and perception of reality around us, Bartomeu Sastre often works with the ambiguity of the written message and the influence of the context in which it is presented. In WE ARE THE NEW SLAVES, Sastre develops, in collaboration with Marcos Cuesta (artist in residence in CRIdA#01), a reflection on the dominant structures of power and a criticism of the economic crisis, in which he accentuates the social inequalities. He inserts his message into contexts which are far from the general world of art, by using elements from publicity and merchandising, such as badges and posters, and in doing so he intervenes directly into the spaces of everyday life.

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Bartomeu Sastre

Palma, 1986 - www.bartomeusastre.com

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CRIDA #06

Artistes participants Martin John Callanan (Birmingham, Regne Unit, 1984) Mauro Ceolin (Milà, Itàlia, 1963) Robert Gutiérrez (Manila, Filipines, 1972) i Albert Pinya (Palma, 1985) Neus Marroig (Sóller, 1982)

Activitats realitzades “Global”, exposició de Martin John Callanan a la Zona Base del Casal Solleric, cicle (HIPER)vincles. ≥ “Roleplay Colonial”, exposició de Robert Gutiérrez i Albert Pinya a la Zona Base del Casal Solleric, cicle (HIPER)vincles. ≥ “CRIDAstudies”, concert acusmàtic de Mauro Ceolin a l’Aljub d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. ≥ “Rapporti di rapidità”, exposició individual de Mauro Ceolin a SKL Gallery, Palma (2013). ≥ Col·laboració amb els tallers gràfics de la Fundació Pilar i Joan Miró per a la realització d’obra gràfica. ≥ Visita al CCA d’Andratx i altres centres expositius. ≥ Visita del grup AIM (Artists’ Initiatives Meetings) als estudis de Sant Jeroni. ≥ Visita dels alumnes de l’Escola de Disseny de les Illes Balears acompanyats per la seva professora Antonia Gómez als estudis de Sant Jeroni. ≥ Dia de portes obertes en els tallers de Sant Jeroni i presentació al CRCC. ≥ Els artistes van visitar les exposicions que van tenir lloc a Palma durant la seva estada. ≥

Martin John Callanan. Fotografia de la sèrie Grounds (2002-en curs)

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Mauro Ceolin. CRIdA Studies, 2012. Concert acusmàtic a Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. Fragment de vídeo.

Neus Marroig. Quan els calcetins es cusen, 2012. Presentació del projecte a l’estudi de l’artista. Espai Sant Jeroni.

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Robert Gutiérrez i Albert Pinya. Role Play Colonial (fragment). Acrílic sobre llenç, 500x200 cm.

1. Albert Pinya treballant a l’estudi compartit amb Robert Gutiérrez a l’Espai Sant Jeroni 2. Dibuixos preliminars del projecte Roleplay Colonial de Robert Gutiérrez i Albert Pinya.

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1. Festa de cloenda del projecte CRIdA a l’Espai Sant Jeroni. 2. Martin John Callanan presenta la seva obra a als membres del grup AIM.

1. 3.

2. 4.

3 i 4. Mauro Ceolin. CRIdA Studies, 2012. Concert acusmàtic a l’Aljub d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. Projecció de vídeo i composició musical en reproductors d’mp3.

Lost at Sea / Guerres durant la meva vida Com a artista dedicat a explorar la posició de l’individu en els sistemes (socials, econòmics, mediambientals, etc.) que dominen la nostra existència, Martin John Callanan elabora dos projectes en els quals enfronta la perspectiva d’una persona a un context que supera el seu control. A Lost at Sea, la mar que envolta l’illa és el medi en el qual proposa deixar a la deriva un dispositiu que emet regularment imatges del cel i el fons del mar, reduïdes per la resolució de la càmera a simples blocs de color blau clar i fosc. Guerres durant la meva vida, d’altra banda, és l’actualització en català d’un projecte que consisteix a publicar mil diaris que contenen una llista de les guerres que s’han succeït al món en els 30 anys de vida del jove artista. Aquesta obra va ser presentada a l’exposició individual «Global» a la Zona Base del Casal Solleric, dins el cicle (HIPER)vincles. Como artista dedicado a explorar la posición del individuo en los sistemas (sociales, económicos, medioambientales, etc.) que dominan nuestra existencia, Martin John Callanan elabora dos proyectos en los que enfrenta la perspectiva de una persona a un contexto que excede a su control. En Lost at Sea, el mar que rodea la isla es el medio en el que propone dejar a la deriva un dispositivo que emite regularmente imágenes del cielo y el fondo del mar, reducidas por la resolución de la cámara a meros bloques de color azul claro y oscuro. Guerres durant la meva vida, por otra parte, es la actualización en catalán de un proyecto que consiste en publicar mil periódicos que contienen una lista de las guerras que se han sucedido en el mundo en los 30 años de vida del joven artista. Esta obra fue presentada en la exposición individual “Global” en la Zona Base del Casal Solleric, dentro del ciclo (HIPER)vincles. As an artist dedicated to exploring the individual’s place within systems (social, economic, environmental, etc.) which dominate our existence, Martin John Callanan devised two projects where he deals with the perspective of a person in a context beyond their control. In Lost at Sea, he sets a device adrift in the sea surrounding the island, one which regularly emits images of the sky and the bottom of the sea, but reduced to mere blocks of light and dark blue due to the resolution of the camera. Guerres Durant la meva vida, on the other hand, is a project presented in Catalan, which consists in publishing a thousand newspapers which contain a list of wars which have occurred around the world during the 30 years of the young artist’s life. This work was presented in a solo exhibition Global in the Zona Base (the Basement) of the Casal Solleric, as part of the exhibition cycle (HIPER)vincles.

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Martin John Callanan

Birmingham, 1982 - www.greyisgood.eu

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Mauro Ceolin

Milà, 1963 - www.rgbproject.com

CRIDAstudies Al llarg de la seva trajectòria artística, Mauro Ceolin ha examinat les formes en les quals es representa la natura a l’imaginari col·lectiu, particularment a la cultura popular sorgida de la creixent influència de les noves tecnologies a la societat. Després d’explorar la fauna i la flora del planeta en diversos projectes que s’agrupen sota el concepte naturalisme contemporani, Ceolin dedica el seu període de residència a investigar les representacions del cosmos a través de i en un intens treball films de ciència-ficció i altres referents de la cultura popular de documentació que culmina en CRIDAstudies, un concert acusmàtic que va tenir lloc a l’Aljub d’Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani. En aquesta peça audiovisual, l’artista projectavaArtista una sèrie d’imatges sincronitzades ambdelun àudio multimèdia italià amb seu a Milà, el treball qual se centra en la que el públic havia de descarregar prèviament i escoltar de manera representació de la realitat contemporània. Des deindividual 1996 la sevaalinvestigació consisteix a estudiar les formes estètiques i les experiències provinents de la seu reproductor de mp3.

MAURO CEOLIN (MILÀ, ITÀLIA 1963)

“cultura de la convergència”. En els últims anys el seu treball s’ha mostrat en moltes exposicions internacionals i locals: “Play Station” en la galeria d’art A lo largo de su trayectoria artística,Nova Mauro ha examinado las formas Postmasters, York,Ceolin Estats Units, “Vivendi, contemporaryNaturalism – en que se representa la naturaleza enamb el imaginario de Lassie Pokémon” en colectivo, la Triennaleparticularmente di Milano, Triennaleen Bovisa, Milà, (exposicióinfluencia individual), de “Italians Do It Better!” Neoludica. la cultura popular surgida de Itàlia la creciente las nuevas tecnologías en L’art és un joc de 2011 -1 966, 54 ª Bienal d’Art de Venècia – esdeveniments col·laterals, la sociedad. Tras explorar la fauna y flora del planeta en diversos proyectos que se Sala dei Lanieri, Venècia, Itàlia; “WRO 09P 1 3 Bienal d’Art de Mitjans de agrupan bajo el concepto “Naturalismo Ceolin dedica su período comunicació,Contemporáneo”, Galeria BWA Awangarda, Wroclaw, Polònia; “Metalandscapes”, de residencia a investigar las4representaciones del cosmos a través Hamburg, de films De: de “Flow”, la Triennale der Photographie – DeichtorCenter, Kunsthalle delcultura CCA Andratx, Mallorca, Espanya; “Metalandscapes”, ciencia ficción y otros referentes de la popular en un intenso trabajo de Fundació Pilar i Joan Miró de Mallorca, Espanya.

documentación que culmina en CRIDAstudies, un concierto acusmático que tuvo lugar en el Aljub de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani. En esta pieza audiovisual, el artista proyectaba una serie de imágenes sincronizadas con un audio i que el público debía descargar previamente y escuchar de manera individual en su Mauro Ceolin participa en el programa d’artistes en residència CRIdA, reproductor de mp3. amb el suport de la Fundació Palma Espai d’Art i la Regidoria de Cultura i Esports de l’Ajuntament de Palma.

Throughout his artistic career, Mauro Ceolin has examined the ways in which nature is represented in the collective imagination, particularly in the popular culture evolving from the growing influence of the new technologies in society. After exploring the flora and fauna of the planet in diverse projects which are grouped www.esbaluard.org under the concept Contemporary Naturalism, Ceolin dedicated his period of residence to investigating representations of the cosmos, through science-fiction films and other references in popular culture, in an intense work of documentation which has culminated in CRIDAstudies, an acousmatic concert which took place in the Aljub in the Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani (Es Baluard Musuem of Modern and Contemporary Art). In this audio-visual piece, thewww.cridapalma.org artist projected a series of images synchronised to sound which the public could download beforehand and listen to in private on their mp3.

ES BALUARD MUSEU D’ART MODERN I CONTEMPORANI DE PALMA i DIJOUS 12 D’ABRIL DE 2012 A LES 20 HORES

CRIDA STUDIES PA I S A T G E S O N O R A C U S M À T I C i Concert per a MP3 en dos moviments amb un acompanyament visual

Quan els calcetins es cusen L’obra de Neus Marroig es caracteritza per un marcat interès pel document, visual i sonor, dels testimonis de persones que reflexionen sobre el seu entorn i la seva història personal. En aquest projecte, l’artista mallorquina entrevista una sèrie de persones que relaten anècdotes i records relatius a l’acte de cosir i reparar la roba, vinculat a l’esfera d’allò domèstic, el paper de la dona i les dinàmiques de consum en el passat i en el present. Aquestes entrevistes són el nucli d’una sèrie de peces que Neus Marroig elabora com a mirades a l’entorn de la persona entrevistada i lectures dels fets que narra. Fotografies, dibuixos i objectes acompanyen així els enregistraments de les veus d’aquestes persones en una instal·lació que mostra la mesura en la qual memòries i experiències es reconstrueixen a partir de fragments. La obra de Neus Marroig se caracteriza por un marcado interés por el documento, visual y sonoro, de los testimonios de personas que reflexionan sobre su entorno y su historia personal. En este proyecto, la artista mallorquina entrevista a una serie de personas que relatan anécdotas y recuerdos relativos al acto de coser y reparar la ropa, vinculado a la esfera de lo doméstico, el papel de la mujer y las dinámicas de consumo en el pasado y el presente. Estas entrevistas son el núcleo de una serie de piezas que Neus Marroig elabora como miradas al entorno de la persona entrevistada y lecturas de los hechos que narra. Fotografías, dibujos y objetos acompañan así a las grabaciones de las voces de estas personas en una instalación que muestra la medida en que memorias y experiencias se reconstruyen a partir de fragmentos. The work of Neus Marroig is characterised by a marked interest in documented testimonies, images and sound, of people who reflect on their surroundings and their personal history. In this project, the Mallorcan artist interviews a number of people who relate anecdotes and memories related to acts of sewing, repairing clothes, doing housework, the role of women and the dynamics of consumerism in the past and the present. These interviews form the nucleus of a series of works in which Neus Marroig produces glimpses of the environment of the interviewee and interpretations of the stories they tell. Photographs, drawings and objects form part of the work along with the recordings of the voices in an installation which shows the extent to which memories and experiences are reconstructed from fragments.

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Neus Marroig

Sóller, 1982

RolePlay Colonial L’estada de Robert Gutiérrez als estudis de CRIdA va propiciar el desenvolupament d’un projecte compartit amb l’artista mallorquí Albert Pinya. Plegats, varen treballar a RolePlay Colonial, una exposició pensada específicament per a la Zona Base del Casal Solleric, dins el cicle (HIPER)vincles, que tracta la dominació espanyola de les Filipines des de la doble perspectiva de Gutiérrez (d’origen filipí) i Pinya (d’origen espanyol). Els artistes varen realitzar una sèrie de pintures, dibuixos, objectes i instal·lacions de forma conjunta, intervenint en les mateixes peces, de manera que els seus particulars estils es complementen i fonen en una única obra executada a quatre mans. La realització de diverses peces va comptar amb el suport dels tallers de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, i amb la col·laboració d’Es Jaç. La estancia de Robert Gutiérrez en los estudios de CRIdA propició el desarrollo de un proyecto compartido con el artista mallorquín Albert Pinya. Juntos trabajaron en RolePlay Colonial, una exposición pensada específicamente para la Zona Base del Casal Solleric, dentro del ciclo (HIPER)vincles, que trata la dominación española de las Filipinas desde la doble perspectiva de Gutiérrez (de origen filipino) y Pinya (de origen español). Los artistas realizaron una serie de pinturas, dibujos, objetos e instalaciones de forma conjunta, interviniendo en las mismas piezas de manera que sus particulares estilos se complementan y funden en una única obra ejecutada a cuatro manos. La realización de diversas piezas contó con el apoyo de los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, así como con la colaboración de Es Jaç. During his stay in the CRIdA studios Robert Gutiérrez devised a joint project along with the Mallorcan artist Albert Pinya. They worked together on RolePlay Colonial, an exhibition planned specifically for the Zona Base (the Basement) of the Casal Solleric, as part of the cycle (HIPER)vincles, which dealt with the Spanish domination of the Philippines from the joint perspective of Gutiérrez (Philippino) and Pinya (Spanish). The artists produced a series of paintings, drawings, objects and installations, with both of them working on the same pieces in a way that their personal styles complimented and blended into one another, in effect using four hands to create a unique piece. The project came to fruition thanks to the support of the Pilar and Joan Miró Foundation, along with the collaboration of Es Jaç.

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Robert Gutiérrez + Albert Pinya

Manila, 1972 + Palma, 1985

Diari de Balears. 12/06/2011

Última Hora. 10/06/2011

Clar, A. “Reprogramaciones de lo social”, El Mundo, Palma, 21 de maig de 2012 Díaz, M. “El proyecto CRIdA pasa de la investigación a la sala de arte”, Última Hora, Palma, 23 de febrer de 2012 —“Pinya y Gutiérrez analizan el proceso colonial desde la globalización”, Última Hora, Palma, 24 de maig de 2012, p.56 Durán, L. “Letreros a mano alzada”, Diario de Mallorca, Palma, 24 d’agost de 2011, p.12 Jiménez, N. “El proyecto CRIdA incorpora la obra de cuatro creadores a las calles de Palma”, Última Hora, Palma, 10 de juny de 2011, p.60 —“«Se vende», una intervención de Xavier de Kepper se instala en Cort”, Última Hora, Palma, 24 d’agost de 2011 —“El Projecte CRIdA suma a los Artistes Visuals para su cuarta generación”, Última Hora, Palma, 9 de novembre de 2011 —“Apuesta por un Projecte CRIdA «redefinido»”, Última Hora, Palma, 11 de novembre de 2012, p.65

Diario de Mallorca. 24/08/2011

Jover, C. “La mirada que desvela”, El Mundo, Palma, 27 de febrer de 2012, p.49 Jurado, L. “Tres artistas de CRIdA ocuparán el ex Espai Quatre”, El Mundo, Palma, 10 de febrer de 2012, p.59 —“Ñaco Fabré y Martin Callanan visten el Solleric”, El Mundo, Palma, 27 de març de 2012, p.62 —“Reclaman un centro de recursos para la creación”, El Mundo, Palma, 15 de novembre de 2012, p.73 Künze, G. “Mit bitterbösem Blick”, Mallorca Magazin, Palma, 24 de maig de 2011, p. 39 Largo, A. “Espero que la pausa no acabe con el CRIdA”, Última Hora, Palma, 27 de març de 2012, p.51 —“Ñaco Fabré profundiza en su discurso artístico con una retrospectiva en el Solleric. En la Zona Base

Última Hora. 09/11/2011

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ARTICLES DE PREMSA

Cañellas, M. A. “Intercambio de experiencias artísticas en el taller de Sant Jeroni”, Diario de Mallorca, Palma, 10 de juny de 2011, p.63

Diari de Balears. 14/12/2011

del centro se inaugura el ciclo expositivo«(HIPER) vincles» con Martin John Callanan”, Última Hora, Palma, 27 de març de 2012, p.53 Llull, M. “Una CRIdA a la creació i l»intercanvi”, Diari de Balears, Palma, 10 de juny de 2011, p.45 —“Palma, ciutat d’artistes”, Diari de Balears, Palma, 12 de juny de 2011, p.50 —“Les dues Mallorques de Sant Jeroni”, Diari de Balears, Palma, 29 de juliol de 2011, p.38 —“CRIdA arriba a bon port”, Diari de Balears, Palma, 10 d’abril de 2012, p.14 —“Se vende: Xavier de Kepper juga amb l’absurd”, Diari de Balears, Palma, 24 d’agost de 2011, p.38 —“Un projecte 3.0”, Diari de Balears, Palma, 6 d’octubre de 2011, p.39 —“L’art no dóna treva als estudis de Sant Jeroni”, Diari de Balears, Palma, 14 de desembre de 2011, p.24 —“Quatre nous artistes per encetar el 2012”, Diari de Balears, Palma, 27 de gener de 2012 —“La història, camp de batalla per a l’art”, Diari de Balears, Palma, 24 de maig de 2012 Marí, F. “Quarta fornada artística”, Diari de Balears, Palma, 9 de novembre de 2011, p.29 —“Repàs plàstic de Ñaco Fabré. El Casal Solleric rememora 12 anys de l’artista. A la Zona Base, Martín John Callanan estudia la societat «Global»”, Diari de Balears, Palma, 27 de març de 2012, p.16 Möller, A. “Intimität und Exhibitionismus”, Mallorca Zeitung, Palma, 20 d’octubre de 2011, p.30 Mujik, “Bartomeu Sastre”, L’Hiperbòlic, Palma, setembre de 2012, p.12-3

El Mundo. 23/02/2012

Sas, G. “Claridad objetiva”, Diario de Mallorca, Palma, 9 d’abril de 2012, p.33 Simonet, T. “Se venden deseos”, Enki Mallorca, Palma, decembre de 2011, p.4-7 Torío, M. “La primera promoción de artistas de CRIdA”, El Mundo, Palma, 10 de juny de 2011, p.71 —“La piñata anticrisis de Cerecero anuncia el relevo de artistas en CRIdA”, El Mundo, Palma, 9 de novembre de 2011, p.51

—“ArtPalma Brunch, de metro a tranvía”, El Mundo, Palma, 25 de març de 2012, p.82-3 —“Gutiérrez y Pinya, restos de un naufragio colonial”, El Mundo, Palma, 24 de maig de 2012

Diario de Mallorca. 22/04/2012

Vallés, E. “De brunch con Congost y Callanan”, Diario de Mallorca, Palma, 22 de març de 2012, p.56 —“Los niños se rinden al arte”, Diario de Mallorca, Palma, 25 de març de 2012, p.66-7 —“Passion for CRIdA”, Diario de Mallorca, Palma, 22 d’abril de 2012, p.70-1 Villar, L. “Llegan nuevas intervenciones e instalaciones de la mano de los jóvenes artistas de CRIdA”, Diario de Mallorca, Palma, 27 de gener de 2012 —“El arte emergente de CRIdA y el consolidado de Ñaco Fabré se unen en el Solleric”, Diario de Mallorca, Palma, 27 de març de 2012, p.47 —“Piña colada y filipinos para presentar en el Solleric «Roleplay Colonial»”, Diario de Mallorca, Palma, 24 de maig de 2012, p.60

El Mundo. 21/05/2012

[s.n.] “Waelder i Gómez de la Cuesta guanyen la beca Sant Jeroni”, Diari de Balears, Palma, 28 d’abril de 2011, p.36 [s.n.] “La obra de De Kepper no está en venta”, Diario de Mallorca, Palma, 24 d’agost de 2011 [s.n.] “Juan Miguel Pozo”, Infomag, Palma, novembre de 2011, p.18 [s.n.] “Palma vista por Bautista y Bombín”, Diario de Mallorca, Palma, 23 de febrer de 2012 [s.n.] “CRIdA da el salto al Convent de la Missió”, El Mundo, Palma, 23 de febrer de 2012, p.61

Mallorca Magazin. 24/05/2012

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Mallorca Zeitung. 20/10/2011

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WORK IN PROGRESS El jove artista Ian Waelder va col·laborar amb CRIdA realitzant una documentació fotogràfica de diversos projectes dels artistes residents.

Xavier de Kepper (2011)

Marcos Vidal (2011)

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Xavier de Kepper i Josep DomĂnguez (2011)

CRIdA va comptar al seu equip amb les joves historiadores de l’art Yadira Fernández, Aina Juan, Mar Massutí, Mar Sánchez i Tina Torrens.

En su genuina producción, conformada en gran parte por fotografías y acrílicos, se vislumbra, ciertamente, un claro interés por rescatar el encanto velado de lugares singulares y pintorescos, pero también, y muy especialmente, de espacios degradados, en ruinas o prácticamente al borde del abismo. Sus obras muestran sin reservas las secuelas del tiempo (cuyo efecto concede a ciertos emplazamientos un aura única, un halo mágico), convirtiéndose así en pequeñas y fragmentadas instantáneas de aspecto inmutable y atemporal que, sin embargo y al mismo tiempo, son muestra de la fragilidad y de lo efímero, pues parecen querer anunciar un inminente y trágico desenlace. El peligro de extinción y, precisamente, esta tensión constante entre el existir y el desaparecer quedan perfectamente reflejadas en la propuesta de esta artista, recordando aquella antigua concepción y gusto romántico del siglo XIX por las ruinas y por los espacios degradados, de belleza decadente, de los que se desprendían ciertos sentimientos de nostalgia, de melancolía y de soledad.

Com a crítiques col·laboradores, varen elaborar texts sobre el treball dels artistes residents, que es varen publicar al lloc web del programa de residències. A continuació es reprodueixen aquests texts, ordenats pel nom de l’artista al que fan referència.

Sendas paralelas

Aina Juan y Yadira Fernández Calles misteriosas, edificios curiosos, paredes intervenidas, rotulaciones y motivos visuales sugerentes... Éstos son algunos de los rincones olvidados de la ciudad de Palma en los que Ronda Bautista (Talavera de la Reina, 1984) se ha detenido a lo largo de sus paseos urbanos. Se trata, en general, de recónditos lugares, emplazamientos de un entorno habitualmente desa percibido, de los que esta artista, cosmopolita y urbana, ha sabido captar su esencia más oculta.

No obstante, Ronda Bautista ofrece una particular relectura del paisaje urbano en clave contemporánea a través de fotografías y lienzos de sugestivos colores, fugaces diapositivas de sus paseos por la ciudad. Así, con su creatividad e ingenio, consigue también elaborar un nuevo recorrido, una senda paralela, un original trayecto

de carácter plástico repleto de sitios extraordinarios; misteriosos lugares de una ciudad, en la que, sin duda, ha dejado huella.

Amaya Bombín “No me interesa la permanencia, me interesa la acción” Mar Massutí

[Entrevista a Amaya Bombín realizada por Mar Massutí: Palma, 27 de febrero de 2012] Desde su llegada a principios de enero, Amaya Bombín (Valladolid, 1977) ha desarrollado “Roters”, un proyecto donde el arte contempo ráneo se fusiona con el patrimonio etnográfico mallorquín, reflexionando en torno a una profesión perdida aunque no por ello menos latente en el paisaje insular. M.M.: – Te incorporaste a CRIdA con un proyecto bien definido ¿Cómo surge la idea? A.B.: – Surgió de esos viajes anteriores a la isla. Después, en Madrid, me documenté sobre lo que más me interesaba, que era la “pedra en sec”, y eso me llevó al origen, a los “roters”. Antes de venir a Palma leí libros, artículos, etc. La verdad es que en la Biblioteca Nacional encontré mucha documentación. M.M.: – Curiosamente, muchos mallorquines desconocen la importancia del “roter” en la humanización del paisaje de la isla. A.B.: – Sí, es cierto. Eso me ha sorprendido. En estos meses he tenido que explicar muchas veces lo que era un “roter”. Para los que no lo sepan, brevemente diré que fueron los obreros que artesanalmente modelaron el paisaje de Mallorca. Lo hacían para hacer fértil y cultivable el terreno pedregoso. M.M.: – ¿Has conseguido contactar con descendientes de “roters”? A.B.: – Sí, con alguno. Hay sitios en la isla, como Llucmajor, donde están muy bien documentados. La verdad es que gracias a este proyecto he conocido gente muy interesante como por ejemplo Celso Calviño, que ha escrito libros sobre el tema, o el historiador Jesús Gª Marín.

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Texts de les crítiques col·labora dores

Ronda Bautista

y Fernando) y las galeristas (ABA Art). Es una pieza que está gustando mucho y eso nos alegra porque no ha sido nada fácil su realización. M.M.: – Es inevitable preguntarse si has encontrado las raíces que buscabas. A.B.: – Creo que es imposible no encontrar raíces en cada sitio donde vives o por el que pasas, ¡aunque no quieras! Y creo que profundizas más cuando creas obras en esos sitios. Hoy por ejemplo, literalmente, he intervenido, con papel de seda y agua, las raíces del ficus de la Misericordia. Por un corto período de tiempo han sido rojas. Ya veréis las fotos. M.M.: – ¿Roters es un punto y seguido o un punto y aparte? A.B.: – Es un punto y seguido. Concretamente, es una continuación de mi trabajo anterior también relacionado con la “pedra en sec”. Te sorprendería saber la cantidad de países que tienen construcciones de este tipo, sobre todo en el Mediterráneo. Lo que ocurre es que son variaciones. Los “roters” pertenecen únicamente a Mallorca y el paisaje de esta isla es inigualable. Me resisto a comprar el billete de vuelta a Madrid.

Ruta Butkute Redescubrimiento Mar Sánchez

El trabajo desarrollado por la artista Ruta Butkute durante su estancia en CRIDA sigue en la línea de sus anteriores propuestas, mezclando en su obra la escultura, la escenografía, el vídeo y el lenguaje corporal. Para ello propone un vídeo/ performance, de carácter libre e improvisado, en el que se registra la interacción de sus esculturas con un cuerpo humano. Para la realización de las esculturas que forman parte de la obra, Ruta trabaja a partir de objetos encontrados que se pueden hallar en las orillas de las playas de Mallorca. Así pues, Ruta lleva a cabo uno de los cometidos esenciales de la residencia, puesto que Mallorca está presente no

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M.M.: – Muchas construcciones de “pedra en sec” se encuentran en propiedades privadas. ¿Ha sido un problema para el desarrollo del proyecto? A.B.: – De hecho, este ha sido y está siendo el mayor problema. Casi todas las construcciones están dentro de propiedades privadas y los dueños suelen ser bastante reticentes a la hora de dejar entrar en sus “possessions”. Pero los técnicos especializados en “pedra en sec” del Consell de Mallorca me han ayudado mucho para que pueda entrar y hacer localizaciones. M.M.: – Asimismo, has podido realizar dos intervenciones en el CCA de Andratx. A.B.: – Hice un par de intervenciones allí durante el mes de febrero. La primera en la montaña que hay detrás y otra cubriendo un margen. Realmente es un sitio espectacular. M.M.: – ¿Por qué el rojo adquiere tanto protagonismo en tus obras? A.B.: – Principalmente porque el rojo es el color de la tierra y el fuego. Utilizo un pigmento rojo muy concreto y generalmente sólo lo mezclo con agua. Así resulta inocuo y, si la obra es en exteriores, con el tiempo se va. No me interesa la permanencia, me interesa la acción. M.M.: – ¿Roters culmina en la exposición “Enlloc”, en el Convent de la Missió de Palma? A.B.: – En parte sí, en parte no. La exposición “Enlloc” muestra, sobre todo, las obras creadas en el estudio, aunque haya también una intervención en piedra realizada específicamente para la sala. Después están todas las obras creadas fuera del estudio que aún estoy desarrollando, como stop-motions, vídeos, etc., en distintas localizaciones de la isla. Y, finalmente, estoy diseñando una escultura para el Parc de la Mar, reproduciendo una cabaña de “roter” que sería realmente la culminación del proyecto. M.M.: – En la exposición, llama especialmente la atención el protagonismo de las piedras descontextualizadas de su entorno. A.B.: – Sí, es una intervención con piedras rojas, hilo rojo y baldosas que he realizado, junto a Ronda Bautista, en el Convent de la Missió. La sala del convento es maravillosa y pedía algo así de potente. Estamos muy orgullosas del resultado, tanto nosotras, como los comisarios (Pau

sólo en la inspiración de la obra, sino también en sus manifestaciones materiales. Tanto es así, que la artista establece una conexión directa entre la ciudad de Palma y sus piezas. La intención de la artista consiste en reubicar todos estos objetos, alejándolos de su contexto original y de su función primera. De esta manera, los objetos adquieren nuevos significados que el espectador tiene que interpretar. El objeto, con una apariencia física concreta, tiene una identidad propia basada en la función que le dan las personas al usarlo. En esta obra, sin embargo, los objetos se alejan de su ambiente y de su uso normal para adquirir nuevas concepciones. Además, mediante la performance, se pretende crear un juego visual a partir de las formas, las texturas y la interacción entre el hombre y los objetos. Así, la artista jugará con la perspectiva y las diferentes capas de profundidad para impulsar nuevas percepciones. En este sentido, el espectador juega un papel importante en la recepción de la obra de arte. El espectador deja de observar la obra de una manera pasiva para reinterpretar de forma activa las nuevas funcionalidades que se asocian a los objetos. Por lo tanto, podríamos afirmar que el espectador también forma parte del proceso creativo, pues la obra no está acabada hasta que es interpretada por el público. Esto me recuerda a la mítica frase de Marcel Duchamp: “El espectador hace el cuadro.” Consecuentemente, podríamos afirmar que la obra de Ruta Butkute es una obra de arte abierta, tal y como la entiende Umberto Eco. Es decir, la interpretación del destinatario es imprescindible para la elaboración del significado de la pieza. En el redescubrimiento radica la esencia de la obra.

Martin John Callanan, Grounds (2002)

Martin John Callanan Cuando fotografiar el suelo se convierte en reivindicación Mar Massutí A primera vista, pueden parecer imágenes nimias, sin ninguna trascendencia. Sin embargo, a través de cada fotografía que conforma la serie Grounds (suelos), Martin John Callanan (Birmingham, 1982) transmite una discreta aunque contundente demanda. Sedes de bancos internacionales o instituciones gubernamentales repartidas por todo el planeta son cada día testigos de decisiones determinantes en la vida de miles de personas. Si bien se trata de espacios en los que se trabaja por y para la sociedad, casi siempre se encuentran cerrados al público. Según el artista, es fundamental que los ciudadanos conozcan y puedan participar de aquello que ocurre entre las paredes de estos edificios dónde, en definitiva, se gesta su futuro. ¿Qué pasaría si el ciudadano de a pie quisiera tomar imágenes de esos lugares? La respuesta es escueta: suelos, suelos y más suelos. Martin John Callanan nos muestra, a partir de su propia experiencia, como obtener una autorización que permita inmortalizar, por poner un ejemplo, el Parlamento Europeo en Bruselas desde su interior, puede convertirse en una tarea realmente compleja que requiera eternos procesos admi-

La idea inicial ha derivado en un proyecto de largo recorrido, en el que lleva trabajando desde 2002, habiendo recopilado hasta el momento más de un millar de imágenes de láminas de parqué, adoquines o baldosas que cubren localizaciones relevantes para la sociedad. Entre ellas encontramos pavimentos de Berlín, Londres, Nueva York o Hong Kong. Precisamente, éste ha sido uno de los proyectos en que ha trabajado durante su residencia en CRIdA#6, incorporando a su numerosa lista los suelos de diversos lugares de Palma entre los que encontramos el Passeig de Dalt Murada, la Plaça Drassanes, la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca o la Autovía de Ponent. El reto que se nos plantea ahora es ser capaces de reconocerlos.

Mar Canet y Varvara Guljajeva Electronic songs of sirens Aina Juan y Yadira Fernández

Son numerosas las leyendas y mitos que, desde antiguo, narran fabulosas historias sobre los misterios ocultos en las profundidades marinas y sus fantásticos seres; criaturas como las sirenas que, con su abrumador canto, embrujaban y embelesaban a los marineros que navegaban por el inmenso mar hasta llevarlos a su más absoluta perdición. Con una apuesta arriesga-

da e innovadora, el tándem formado por Varvara Guljajeva (Tartu, Estonia, 1984) y Mar Canet (Mollet del Vallès, Barcelona, 1981) nos ofrece una original instalación en la que mediante un radar AIS se recogen las señales procedentes del continuo tránsito marítimo cercano a la isla, datos que después son reformulados y traducidos a través de la aplicación Processing y del programa Pure Data. De este modo, las señales emitidas por los barcos se transforman en notas musicales que navegan y discurren por una partitura en constante cambio y movimiento, dando lugar a una sucesión de sonidos electrónicos que se entremezclan, se expanden y se encogen, creando una especie de melodía o composición sonora contemporánea. Con estas electrónicas resonancias se produce, ciertamente, una curiosa relación con aquellas fábulas de antaño y los artistas, como hicieron en su día las sirenas, tratan de atraer a todo aquel que se arriesga a escuchar su obra. No obstante, esta nueva melodía no desemboca en un trágico final para el oyente, sino más bien le lleva a un comienzo, a un inicio, a una nueva manera de escuchar, sentir y asimilar su entorno más cercano, desapercibido e inadvertido en gran parte. Pero no sólo eso... Además, la ingeniosa propuesta de estos artistas, enraizada en el arte sonoro, lleva consigo una nueva manera de entender el arte, percibiéndolo como algo que va más allá de los lenguajes tradicionales con los que ha venido expresándose. Y es que el arte existe, está presente y no debe desligarse de todo aquello que nos rodea. Dejémonos seducir, pues, por los sonidos que se esconden tras el mar que nos envuelve, ya que en ellos se acopia, se recoge y se atesora la esencia de Mallorca.

Mauro Ceolin Paisaje sonoro acusmático CNsa 0102 Mar Massutí

El cine de ciencia ficción se considera mucho más que un género cinematográfico. Cada secuencia,

ajena e inespecífica. Un paisaje desprovisto de referentes claros donde es difícil identificar la procedencia de la música o de los fragmentos de series o películas, conseguidos a través de diferentes sitios Web, que se proyectan en pantalla. Se sumerge así a los espectadores en un entorno extraño que reclama un acto de máxima concentración. La muestra, sin duda, rompió con los esquemas de lo que comúnmente entendemos por concierto porque allí no sonaba ni una nota, no había un solo instrumento ni tampoco un mísero altavoz: los protagonistas eran decenas de auriculares conectados a reproductores MP3. En definitiva, se trató de una experiencia ambigua donde el asistente desarrolló dos roles distintos: fue público de una sala de proyección y, al mismo tiempo, usuario de una pieza musical descargada desde Internet.

Mauro Ceolin, Crida Studies (2012)

escena o fotograma contiene elementos especulativos que, en un futuro no muy lejano, pueden pasar a formar parte de nuestras vidas. A Mauro Ceolin (Milán, 1963) le interesa, especialmente, la fusión que se produce entre astronomía e imaginación científica en largometrajes como “Le Voya ge à travers l’impossible” (George Méliès, 1904), “Frau im Mond” (Fritz Lang, 1929) o “E.T. the Extra-Terrestrial” (Steven Spielberg, 1982). Y sobre ello ha trabajado durante su residencia en Palma. Como fruto de este trabajo, ha presentado en el Aljub d’Es Baluard CRIdA Studies: Paisaje sonoro acusmático CNsa 0102. Se trata de un proyecto de arte multimedia en el que, a partir de la interacción entre sonidos e imágenes, se difuminan las fronteras entre cine, música e Internet. El artista, sirviéndose de las posibilidades que ofrece la tecnología, crea una atmósfera inestable,

En líneas generales, la obra se enmarca en un proyecto más amplio, en el que Mauro Ceolin lleva trabajando desde 2006 bajo el título de Contemporary Naturalism. En él adopta el rol de un científico naturalista para investigar las representaciones de la naturaleza que se producen en la sociedad contemporánea. Una sociedad en la que cada vez es más complicado distinguir con claridad la procedencia, real o virtual, de los estímulos que nos provocan las ideas, las sensaciones, las emociones o los sentimientos que definen nuestro día a día.

Adriana Cerecero Golpe a la crisis

Aina Juan y Yadira Fernández Comprometidas y reflexivas, conscientes y enérgicas, incisivas e intrépidas, son sólo algunos de los muchos adjetivos que pueden utilizarse para hablar de las obras de Adriana Cerecero (México, D.F., 1957). Unas creaciones que se empapan de las problemáticas presentes, de las vigentes ca-

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nistrativos. Aún obteniéndola, en estos espacios imperan unos estrictos protocolos que prohíben tomar imágenes de ordenadores, personal, cámaras de vigilancia o ventanas, entre un largo etcétera. El suelo, al ser prácticamente lo único fotografiable, pasa de ser un elemento anodino a acaparar todo el protagonismo. Y, llevándolas sutilmente al terreno de lo absurdo, se hacen evidentes las tensiones que se generan entre la demanda de información por parte de del ciudadano y la opacidad que mantienen y retroalimentan las instituciones de poder.

Hoy en día la crisis, la tristemente popular crisis, se ha convertido en eje y núcleo de nuestras vivencias, pensamientos y preocupaciones presentes y futuras. Esta cuestión, por supuesto, no ha podido pasar desapercibida para la artista; una creadora que vive la realidad y que materializa sus inquietudes más personales a través de sus producciones. Así se puede percibir en su aportación para CRIdA Palma, donde la mejicana nos plantea una curiosa y original relectura del momento presente con su piñata de los siete pecados capitales (capitalistas). Se trata de una piñata hecha de historias que hablan de la crisis, de sus causas y consecuencias; una piñata que alberga esperanzas de romper con todo, de empezar de cero. Una destrucción creativa que purgue nuestros pecados, que nos devuelva al inicio y que nos permita emprender un nuevo camino más cierto y más seguro.

Marcos Cuesta El juego del arte

Aina Juan y Yadira Fernández La intervención del catalán Marcos Cuesta (Barcelona, 1979) para el proyecto CRIdA Palma sorprende y desconcierta por la relación que establece con el público. El artista busca, o más bien sugiere, la posible participación del espectador en sus obras, presentando delante de él un espacio estimulante donde recrearse mediante juegos, trampas, o cualquier otra forma de provocación que despierte una reacción, ya sea de acción o de reflexión. Así, en su interés por alterar el tradicional rol del espectador, encontramos la original y llamativa acción Inaugurar público, una propuesta en la que se implica de manera activa y directa

al asistente. En esta misma línea se encuentran sus personales “objet trouvé”, objetos y elementos descontextualizados y yuxtapuestos que presentan un espacio abierto, libre y al margen de convencionalismos. Sin dejar de lado el mero acto creativo, la producción de Marcos Cuesta centra su atención en la cuestión perceptiva, un sello distintivo que le diferencia e identifica. Es ésta una particular concepción del arte en la que se busca desplazar el centro de interés del objeto al sujeto, y en la que artista y espectador se convierten en elementos fundamentales que configuran y conforman la propia obra.

Marcos Cuesta, Inaugurar público (2011)

Nerea de Diego Retales de realidad

Aina Juan y Yadira Fernández La interesante propuesta de Nerea de Diego (Pamplona, 1974) para CRIdA supone la continuación de un proyecto en el que la artista lleva trabajando varios años. En esta ocasión, Mallorca se convierte en el escenario privilegiado que acoge su obra, una producción centrada en las manifestaciones materiales que suscita el culto y la veneración popular a la Virgen: los altares populares marianos. Lejos de estudios iconográficos y de connotaciones o lecturas religiosas, su labor adquiere un carácter multidisciplinar y abarca varios aspectos, pues va desde la inves-

tigación y la documentación de estos lugares de culto en diferentes contextos, hasta su recreación y reinterpretación a través de la producción de nuevas realidades: manifestaciones artísticas para las que utiliza principalmente el dibujo, la fotografía, el vídeo o la instalación. Uno de los aspectos que más interesa a la artista de este tipo de lugares y espacios de culto es la acumulación y combinación de objetos de diversa procedencia (realizados con materiales múltiples y heterogéneos) y la gran profusión ornamental que deriva de ello, provocando una estética ciertamente recargada y llamativa de herencia barroca. También importante es la apreciación de la participación anónima que generan estos altares populares, un aspecto esencial que la artista traslada a su obra, poniendo de relieve la intervención voluntaria o el acto desinteresado por parte de un “público” que, a pesar de su implicación como agente activo, no pretende ser reconocido socialmente. No obstante, la propuesta de Nerea de Diego permite una lectura más profunda y una interpretación más compleja, hallando en su planteamiento ciertas referencias al pensamiento de Roland Barthes. De este modo, en sus obras, el acto creativo, entendido tradicionalmente como algo único, original e irrepetible se convierte en un acto productivo, basado en la selección y la combinación de elementos preexistentes. Además, sus piezas, no ofrecen la representación de un determinado aspecto de la realidad, se fundamentan más bien en la simulación y la recreación, potenciando un proceso tanto de relectura como de reinterpretación y convirtiéndose así en una metáfora del entorno y de la realidad en que vivimos; una realidad llena de ambigüedades, contaminaciones, préstamos, mezclas, combinaciones; una realidad que también ha sido creada o, mejor dicho, producida.

Xavier de Kepper Se vende todo y nada Mar Sánchez

“Se vende”. Una obra llena de mensajes publicitarios, que resultan delirantes y absurdos. Una superposición de ideas, que aparentemente no tienen ninguna relación lógica, se entremezclan en la obra de Xavier de Kepper para mostrarnos una faceta de la isla de Mallorca, aquella Mallorca de postal, la superficial y turística. Así pues, valiéndose de la ironía y el sarcasmo, el artista nos muestra los contrastes que presenta nuestra isla. Su cometido no es tanto el de ofrecer una crítica social sino más bien el de proponer una observación de la realidad desde el escondite de su taller. Un taller situado en uno de los laberínticos callejones que configuran el casco histórico de Palma y que permite al artista observar sin ser visto. Podríamos relacionar el proyecto de de Kepper con el pensamiento del sociólogo francés Jean Baudrillard, que concebía la sociedad postindustrial, la del capitalismo de consumo masivo, como un “espectáculo fantasmagórico” en el que el valor de los objetos ya no obedece a cuestiones económicas sino a criterios de moda impulsados por la fuerza de la publicidad. De esta manera, el objeto ya no es valorado por su significado sino por su apariencia. Es lo que Baudrillard llama: “el simulacro: forma desencantada de la seducción que ha suplantado la realidad”. Consecuentemente, dado el consumo agresivo, el objeto ha perdido su función y sólo interesa una imagen artificial que se publicita mediante la erótica del deseo. En este sentido, recordemos algunos de los textos que configuran la obra de de Kepper que aluden a la erótica, como “Se venden sueños y tanga de hilo” o ” Se vende envidia y rasurado de ingles”. Lo que se vende no es la realidad sino un simulacro de ésta, una imagen de la isla de Mallorca. Se vende todo y nada.

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rencias sociales, de la actualidad más sórdida y amarga; obras que, sin embargo, se construyen a través de frágiles y nobles materiales, dando lugar a sutiles e inteligentes resultados.

tante basada en el cambio de situación, disposición, orientación, ubicación, dimensión... El caso de Théotime Gerber es el de un artista poco cómún, insólito y original; un artista que despliega su poderosa imaginación en base a un elemento geométrico en el que vuelca todo su esfuerzo inventivo. Partiendo de éste, establece infinitas conexiones con otros elementos aparentemente distantes, a veces reales a veces ficticios. Esta combinación, que podría parecer disparatada, toma sentido mediante la creación de fabulosas historias que tienden a divagar entre lo curioso y lo asombroso, dejando al espectador aturdido y fascinado ante tales capacidades discursivas.

Josep Domínguez Rayos y truenos en el CRCC Mar Massutí

Sin duda, se trata de romanticismo alemán de última generación. Nuevas tecnologías y reminiscencias a la categoría estética de lo sublime se unen en Sommersturm, tormenta de verano. Éste es el título que Josep Domínguez (Barcelona, 1978) ha dado a la videoinstalación que decidió montar el pasado 12 de agosto en el CRCC Quarter d’Intendència de Palma. Las extensas representaciones de la tormenta no han pasado inadvertidas en nuestro imaginario común: desde los personajes solitarios mirando al infinito de Caspar David Friedrich (1774-1840), pasando por The Lighting Field (1977) de Walter de María o Streetlight Storm (2009-2010) de Katie Paterson. Si bien cada uno de nosotros la vive de forma distinta, ya sea con miedo o emoción, todos conocemos los ingredientes de una buena tormenta: rayos, truenos, viento y, para acabar de rizar el rizo, un gran oleaje. La búsqueda de ese imaginario compartido ha sido el punto de partida de la obra de Josep Domínguez. Para ello se ha servido de la videoapropiación, utilizando grabaciones de tormentas de verano colgadas por diferentes usuarios de YouTube. Tormentas que probablemente truncaron un día de sol y playa pero que al mismo tiempo alguien consideró dignas de inmortalizar y que ahora el artista recoge para crear su propio espectáculo atmosférico.

Josep Domínguez

El desenlace de este efímero montaje fue muy acertado. El lugar elegido inmejorable: los oscuros y húmedos pasadizos que configuran el subsuelo del CRCC Quarter d’Intendència. Y el resultado impresionante: una cascada de vídeos, organizados en cuadrícula, que se fueron proyectando en la oscuridad hasta que, como si se tratara de una gran orquesta, acompasaron sus tempos en el momento culminante: el relámpago.

Así ocurre en la propuesta desarrollada por el parisino para el proyecto CRIdA Palma. En esta ocasión, el artista concibe y elabora un sorprendente relato a partir de la vinculación y la conexión establecida entre su recurrente forma (ahora llevada a la tridimensionalidad) y otras cuestiones relacionadas con su estancia en la isla, tales como la nomenclatura de la ciudad, un suceso astronómico y el aura del propio lugar como enclave turístico.

Théotime Gerber

Iván Izquierdo

Historias de ficción y realidad

Universos inexplorados

Toda obra tiene su origen en un motivo, objeto, situación o experiencia que despierta el interés del artista y que provoca el despliegue de su potencial. Para Théotime Gerber (Narbona, 1978) existe un punto de partida clave, un elemento que supone, sin duda, el germen y la raíz de gran parte de sus producciones: una concreta y determinada forma geométrica. El artista representa esta figura desde hace tiempo y, convirtiéndola en su elemento creativo fetiche, juega con ella a contextualizarla y descontextualizarla continuamente, haciéndola formar parte de cualquier ambiente. Se produce así una recreación cons-

Formas entrelazadas, figuras inusuales, espacios irreales... Así se configuran las evocadoras ilustraciones y animaciones del granadino Iván Izquierdo (La Zubia, 1983); motivos que aluden directamente a la condición del hombre y a la relación de éste con el entorno, mostrando una manifiesta confrontación entre lo natural y lo tecnológico. Se trata de un bagaje artístico, ahora enriquecido con la apertura de nuevos caminos creativos: la búsqueda de la tridimensionalidad con el dibujo expandido, la cabeza como motivo iconográfico recurrente, el desarrollo de la temática del canibalismo o la incipiente inclu-

Aina Juan y Yadira Fernández

sión de motivos abstractos. Éstas son algunas de las recientes vías formales y conceptuales desarrolladas por el artista durante su estancia en CRIdA Palma. De la obra de Iván Izquierdo se desprende ese afán de superación, de evolución y de búsqueda constante del creador inconformista que intenta, día a día, enriquecer su trabajo con la incorporación de todo aquello que le estimula. Una propuesta que refleja la progresión y la expansión de los universos del artista, donde las lecturas y las sensaciones pueden ser múltiples y heterogéneas.

Neus Marroig Crónicas del pasado

Aina Juan y Yadira Fernández Gente en general, personas en particular, pequeñas historias repletas de idas y venidas, de sudores y lágrimas, de alegrías y satisfacciones; relatos de aquellos que vivieron tiempos de antaño, tiempos duros y crueles, auténticos y genuinos. Narraciones de profesiones y labores ya perdidas, conocimientos y sabidurías ya olvidados, tradiciones y costumbres hoy desconocidas. Una cultura sólo traspasada entre familiares y allegados, recordada con nostalgia; una cultura que ahora dispone de unos ojos a los que mirar y unos oídos a los que hablar, gracias a la consciente labor de Neus Marroig (Sóller, 1982). Sus obras francas, sencillas y naturales nos permiten recordar y rememorar aquello que creíamos haber dejado en el exilio: los recuerdos. Una artista que apuesta por la importancia de la cultura popular y de la historia como tal, que entiende que las raíces no sólo hay que conservarlas, sino también acercarlas para poder sentirlas como propias, para poder conocer de dónde venimos y hacia dónde vamos, porque es importante volver al pasado para avanzar en el futuro.

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Siguiendo con esta idea de simulacro, resulta muy interesante la instalación que realizó el artista para las calles Alexandre Rosselló y Petit de Alaró en el contexto de Alart, donde los carteles de “Se vende” inundaban las calles y publicitaban que todo estaba en venta. Se simula así una realidad inventada en la cual los viandantes se preguntan a si mismos si es real eso que ven. ¿Realmente se vende flan de huevo?

Lo que callan las plantas Mar Massutí

“Subfilum Spermopsida” es un término procedente de la ciencia botánica que agrupa a las plantas que se reproducen a través de semillas. Así decidió titular Juan Carlos Martínez (Badajoz, 1978) el proyecto fotográfico que, después de desarrollarse en lugares como Andalucía, México DF, La Habana, Berlín, París, Sidney, Pekín o Bogotá, continuará en Palma durante su residencia en CRIdA, entre los meses de setiembre y octubre. Tras una primera mirada, podemos llegar a la conclusión de que se trata de un proyecto ambiguo que, aunque se presenta como una catalogación de plantas y espacios naturales o urbanos, se abre a las proyecciones y a las fantasías del observador. Inicialmente, el autor se presenta como un botánico, ligando el conocimiento de las plantas autóctonas al conocimiento del entorno. Y, de hecho, le gustaría complementar el proyecto con un herbario. Pero además observamos una intención antropológica de documentar la interacción entre el ser humano y el espacio público, de cómo se generan significados y vínculos más o menos compartidos, poniendo énfasis en la controvertida concepción de intimidad al aire libre. Y de una forma sutil, en cierto modo eufemística, las imágenes insinúan historias. Ardua tarea la de intentar ubicar lugares que no quieren ser encontrados. Preguntar entre los oriundos del lugar, horas delante del ordenador o realizar mapas que no son más que meras aproximaciones. Así, “Subfilum Spermopsida” se presenta como un proyecto artístico que, a partir de la relación entre el espacio y su apropiación social, profundiza en las nociones de “lugar” e indaga en las acciones que en ellos se desarrollan, así como en los significados, pautas o emociones que de ellos se derivan. Juan Carlos Martínez nos propone un nuevo código visual con el que observar el paisaje y con sus imágenes al-

Miguel Ángel Moreno, Mecanismos inconscientes del horizonte (2011)

tera y amplia nuestras nociones de lo que vale la pena mirar y de lo que no tenemos derecho a observar, sólo las plantas.

Miguel Ángel Moreno Carretero Patos y tinglados Tina Torrens

El proyecto que está realizando Miguel Angel Moreno Carretero se puede vincular con el texto Aprendiendo de las Vegas de Robert Venturi: la mirada y el estudio crítico que realiza Venturi sobre la arquitectura de Las Vegas se podría trasladar a la rotulación comercial que presenta la tienda de muebles DINO, reproducida en una escultura a escala por Moreno Carretero. En su texto, Venturi habla sobre la evolución de la arquitectura moderna y la divide en dos tipos: el “tinglado decorado” (Decorated shed) y el “pato” (Duck). Explicándolo brevemente, el “tinglado decorado” es el edificio que aplica símbolos a su forma exterior, por medio de la cual comunica su naturaleza y función (como ocurre en las tiendas del Oeste americano y los comercios que incorporan al edificio un símbolo propio). Por otro lado, el “pato” sería un edificio que ha adquirido una forma que no es propia del lenguaje arquitectónico y por tanto se ha convertido en un símbolo (como es el caso del famoso edificio en forma de pato de Long Island).

La presencia del dinosaurio en la azotea de la tienda de muebles llama la atención y conduce a preguntarse qué función cumple un dinosaurio gigante encima de una nave industrial y qué relación tiene con una tienda de muebles. Este mismo caso lo podemos encontrar en Manacor, donde en el aparcamiento de una tienda de muebles de madera de olivo podemos encontrar un grupo de dinosaurios. En este caso, se trata de unas figuras a escala real que se habían creado para un fallido parque temático. Tras cerrar el parque, el propietario de la tienda de muebles compró varios de estos dinosaurios como reclamo turístico. Aquí encontramos la respuesta a todos estos “tinglados decorados” y “patos”: se trata de captar la atención del consumidor, claro que en el caso de la tienda DINO, también hace referencia al nombre, por lo tanto nos encontramos con un ejemplo en el que los criterios de connotación y denotación no son necesariamente antitéticos.

Santiago Morilla Huellas urbanas

Aina Juan y Yadira Fernández Caminando por las calles del barrio de sa Calatrava podemos descubrir, repentinamente, algo que acapara nuestra atención. Se trata de la espectacular intervención urbana que el artista Santiago Morilla (Madrid, 1973) ha realizado para el proyecto CRIdA: un gran mural que, escondido entre los callejones de la Palma antigua, sorprende a todo aquel que lo descubre. Dos inmensas figuras enfrentadas ataviadas con maleables yelmos de carácter cárnico, se lanzan entre sí proyectiles igualmente orgánicos, haciendo referencia directa a un elemento típico tradicional: la sobrasada. El espectador queda sumergido así en una especie de campo de batalla, una zona de tensión y conflicto. Con este conjunto, el artista ofrece una particular y personal lectura de lo autóctono y lo local, recreando en clave ciertamente irónica la propia idiosincrasia de la sociedad insular.

Esta aportación muestra, además, una evidente voluntad por aproximar el arte contemporáneo a la sociedad actual, incidiendo directamente en la vida cotidiana de los ciudadanos. No cabe duda del acierto que supone plantear este tipo de acciones; manifestaciones que vienen produciéndose desde hace tiempo en otras capitales de referencia artística y con las que se ha conseguido reivindicar y transformar espacios aparentemente cotidianos o incluso degradados, en lugares de apreciación, de admiración y de culto. Ojalá este sólo sea el punto de partida para estimular el potencial artístico de nuestra ciudad; una llamada de atención que permita despertar la creatividad en el contexto urbano y que sirva para actualizar, dinamizar y reavivar el ánimo colectivo, algo necesario, sin duda, en los tiempos en los que vivimos.

Roma Pas La recuperación del aura Mar Sánchez

Roma Pas es una artista que experimenta con los lenguajes artísticos. En su obra reflexiona sobre los medios tradicionales, tales como la escultura o la fotografía y, también, con las nuevas tecnologías. Trata, por ejemplo, de revisar los medios digitales desde una perspectiva pictórica. En este caso concreto, nos presenta el resultado de una búsqueda de imágenes en Google y establece un símil con la forma expositiva de las obras pictóricas del siglo XIX. Así pues, mediante esta propuesta mezcla y fusiona el sentido de la pintura y de la obra digital. Con esta comparación, Pas nos hace reflexionar acerca de la plataforma Google, que no es más que una galería de imágenes que se presenta ante el usuario en forma de exposición pictórica. Como consecuencia, nos propone una nueva forma de pensamiento, acercando dos realidades que aparentemente están tan alejadas.

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Juan Carlos Martínez

Este concepto de aura sería aplicable a la pintura del siglo XIX pero no al arte digital, donde la reproductibilidad y lo efímero de la obra hacen que el aura desaparezca. No existe aura porque la obra ya no es única e irrepetible sino que el receptor la puede reproducir tantas veces como desee. Por lo tanto, la obra de arte se convierte en un objeto manipulable con el cual el espectador puede tener una relación cotidiana y más activa, lejos de la pura contemplación. No obstante, parece que la obra de Roma pretende precisamente recuperar el aura. Si entendemos Google como un ir y venir de imágenes en movimiento y efímeras, infinitamente repetibles, paradójicamente, la artista recupera el sentido del aura al realizar una obra única y, por lo tanto, irrepetible. Mediante este hecho se concede autenticidad y originalidad a la obra. Así pues, la propuesta de Roma supone un acercamiento a los distintos lenguajes artísticos y a como estos pueden modificar el sentido mismo del arte.

Robert Gutiérrez y Albert Pinya “RolePlay Colonial”: paraísos, crucifijos y platillos volantes Mar Massutí

A muchos nos gustaría poder mirar por un agujerito y observar como ocurrieron determinados acontecimientos históricos. Mientras los viajes a través del tiempo no sean posibles sólo podemos aspirar a reconstruir o interpretar el pasado. Esto es lo que han hecho Albert Pinya (Palma, 1985) y Robert Gutiérrez (Manila, 1972) en RolePlay Colonial, iniciativa común desarrollada durante su residencia en CRIDA#06, donde plasman una reflexión personal sobre el impacto que significó la colonización española de Filipinas a través de las infinitas posibilidades que ofrece la creación artística. Desde el primer instante el proyecto llama la atención del espectador, no sólo por su originalidad sino, sobre todo, por la extraña sensación de tensión que transmiten las obras que lo conforman. Y es que la colisión se encuentra latente en cada pintura, instalación u obra gráfica intervenida. En ellas se dan cita dos artistas, dos estilos completamente distintos, dos universos creativos bien definidos y, al mismo tiempo, dos culturas que hace cinco siglos entraron en conflicto. A través de esta combinación, se crean imágenes que parecen extraídas de un sueño delirante, donde cadáveres desmembrados salpican paisajes paradisíacos; tótems ancestrales son sustituidos por altares, crucifijos y seres diabólicos vestidos con sotana; cocoteros y pajarillos cohabitan con meteoritos, platillos volantes o alienígenas. Lejos de ser un diálogo pacífico, se trata de una superposición repleta de contrastes, incluso violenta, que transmite a la perfección el impacto que debió significar para los nativos filipinos la llegada de los colonos españoles. Como si, literalmente, se tratara de habitantes provenientes de otro planeta.

Al mismo tiempo, RolePlay Colonial nos recuerda que la historia puede ser un espejo en el que mirarnos. A partir de los diversos anacronismos que invaden las obras, los artistas tienden lazos entre la actualidad y el siglo XVI de forma que antiguos navíos, armaduras o cuellos de lechuguilla comparten escenario con bombillas, aviones o tacones de aguja. Unas referencias a la actualidad que nos permiten conectar con aquel momento histórico sin que nos resulte del todo ajeno y que además nos invitan a reflexionar sobre cómo nuestro propio bagaje cultural influye en la percepción que tenemos del pasado.

Juan Miguel Pozo Cruz Estética y propaganda Tina Torrens

Desde el nacimiento de la estética contemporánea, uno de los puntos capitales de reflexión ha sido la función social del arte y asociada a ella, la figura del artista. A lo largo de la historia del arte contemporáneo ésta ha ido fluctuando en muchos diversos ámbitos pudiendo así acercar un significado y una razón de ser de la creación artística. La obra de Juan Miguel Pozo sigue este propósito especulativo, a través de su pintura realiza una búsqueda e investigación sobre la estética de la imaginería de la propaganda política totalitaria. Tal actividad cabe destacar que se encuentra totalmente relacionada con su experiencia vital, ya que Juan Miguel Pozo nació y se formó en Cuba, país donde rige un régimen dictatorial. Sin embargo, Juan Miguel Pozo apunta como punto de partida su concepción de la actividad artística como una actividad individual, alejándose de una sociabilidad asociada a la obra de arte. Sitúa así esta especulación, más que en buscar una función social del arte, en una reflexión sobre la subjetividad, la estética y el utilitarismo; ya que se centra en el efecto de atracción y moralidad que crea en los individuos.

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Contrariamente, también se ponen de manifiesto las diferencias entre ambos lenguajes. En primer lugar, quedan patentes distinciones que hacen alusión al soporte físico (bits o pintura). Por otra parte, una de las divergencias que también resulta evidente es el sentido mismo de la obra. En este punto, podemos hablar del concepto de aura de Walter Benjamin entendido como experiencia estética que se da en el contacto o en la visión de la obra original. A dicha experiencia estética la califica como la aparición irrepetible de una lejanía, que le confiere a la obra un carácter inaccesible.

Juan Miguel Pozo Cruz, Kopf (2011)

Siguiendo este presupuesto el artista indaga en la poética de la imaginería propagandística construyendo lienzos y murales que recuerdan a carteles publicitarios, collages pop e incluso a los foto montajes dadás de Heartfield y Hausmann, o bien al foto montaje soviético. Así, su obra se caracteriza por un uso de una iconografía de índole comunista llena de referencias a la clase obrera. A esto añade una presencia constante de niños o bien vinculaciones a la infancia, como por ejemplo en la representación de juguetes.

Aleksandra Rasulic Metamorfosis y transmutaciones Aina Juan y Yadira Fernández

El agua es fuente esencial de vida y, en el caso de Aleksandra Rasulic (Belgrado, 1986), se convierte en origen y principal motivo de creación e inspiración. No es de extrañar, por tanto, que la importancia de este elemento se manifieste tempranamente, en la propia elección de la acuarela como principal medio de expresión por parte de la artista; una técnica con la que da lugar a formas sutiles, ligeras, translúcidas y etéreas, que combina y modela a través del grafito. Pero la relación existente entre la obra de Aleksandra y el agua va mucho más allá, pues ésta se convierte también en eje temático de su producción. Con ella desarrolla todo un universo estético protagonizado por grifos, tapones, tuberías..., todos ellos objetos, sistemas, mecanismos e infraestructuras que

Mediante ingeniosas metáforas visuales, la artista consigue transformar todos estos elementos cotidianos y banales, en seres animales y formas vegetales. Así se produce, nuevamente, una clara alusión y referencia al agua, pues al igual que ésta, la artista adquiere, ahora, el poder de conferir vida a lo que parece inerte e inanimado. Esta metamorfosis de lo artificial en orgánico se produce a través de toda una serie de juegos visuales, asociaciones de formas, dobles significados y simbologías cromáticas, demostrando las infinitas posibilidades de creación que ofrece este elemento natural. De hecho, y a raíz de su estancia en la isla, Aleksandra ha desarrollado una nueva faceta plenamente relacionada con el agua: la humedad, cuyas secuelas y efectos quedan recogidos en sus dibujos y acuarelas. Así, sus obras, entre realidad y fantasía, cautivan al espectador con su refinada elegancia y delicadeza, y le transportan a nuevos universos de vida, haciendo que su imaginación vuele entre figuras imposibles y ocurrencias ilusorias. Todo ello, naturalmente, gracias a una simbología eterna y a una fluidez de formas inmutables e imperecederas.

Bartomeu Sastre Palabras

Mar Sánchez Bartomeu Sastre ha desarrollado uno de sus proyectos conjuntamente con Marcos Cuesta, artista que formó parte de la primera generación de la residencia. Este proyecto toma forma a partir de la creación de chapas ilustradas con una frase de contenido social. No es coincidencia el hecho de que Sastre escoja la chapa para mostrar sus oraciones, ya que el soporte mismo adquiere un significado concreto asociado a la cultura de la calle. De esta manera, la obra se inserta en un objeto corriente y usual como forma de manifiesto.

No obstante, tal vez la ejecución misma de la obra no sea lo más importante sino el análisis y la idea que pretenden transmitir. El sentido del arte reside entonces en la idea, el proyecto y no tanto en el resultado final. Como afirmaba Sol LeWitt “la idea es una máquina que genera arte”. La obra que nos propone Sastre se dirige más a la mente del espectador que no a su mirada. Es un arte que nos aleja de la contemplación y nos convida a reflexionar. Por lo tanto, las palabras, con sus múltiples significados e interpretaciones, son las protagonistas de la obra de Sastre. “We are the new slaves” es una de las oraciones que forma parte de este proyecto. Esta frase invita al espectador a pensar… ¿A quién se refiere la frase? ¿A los artistas? ¿A la sociedad en general? ¿Esclavos de qué? ¿De la sociedad actual? ¿De la superficialidad, del consumismo, de las nuevas tecnologías, del sistema…?

de lo cotidiano, conjugando imágenes y objetos para dar lugar a piezas de fuerte crítica social. Con la sátira y el sarcasmo como principales señas de identidad, el artista señala, apunta y subraya los vicios y perversiones de nuestra época contemporánea. Un artista sin reservas y sin tapujos que, con obras rebeldes y provocadoras, afronta cuestiones tabú, a priori vedadas. Un complicado reto que logra solventar de forma ingeniosa, aplicando en nosotros la dosis perfecta de ironía. Su propuesta: impensables combinaciones e incesantes reproducciones y repeticiones con las que logra alterar la lógica percepción del objeto. Es ésta una atractiva forma de invitar a la reflexión y al pensamiento crítico, en definitiva, un excelente revulsivo para nuestras consciencias.

En definitiva, las interpretaciones de las palabras son múltiples y diversas y poseen en si mismas distintos significados. Recordando a Roland Barthes, podemos hablar de la denotación como significación objetiva de las palabras y de connotación como significado secundario, asociado. Así, la palabra esclavo lleva asociadas una serie de connotaciones negativas de tipo ideológico, social e incluso sexual. Conceptos como sumisión, opresión, humillación o sometimiento nos vienen a la mente. Distintos niveles de interpretación nos ofrece la obra del artista, dependiendo de la predisposición del espectador a reflexionar sobre sus palabras.

Ale Zea

Marcos Vidal

El artista recupera, indirectamente, el concepto de simulacro acuñado por Jean Baudrillard y nos recuerda que la televisión, lejos ya de simplemente manipular o extender un velo sobre la realidad, crea un complejo universo de hiperrealidad. Una realidad virtual a la que Ale Zea ha llamado “medio ambiente simbólico”. Con este concepto alude a la primacía de los símbolos sobre las cosas en sí mismas que, según el artista, caracteriza a la sociedad de masas. Una

El don de la provocación

Aina Juan y Yadira Fernández Heredero del pop más mordaz e irónico, Marcos Vidal (Vitoria – Gasteiz, 1967) desarrolla una obra plagada de referentes. Haciendo alusión directa a la cultura de masas, se nutre de la iconografía

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han sido creados por el hombre con el fin de aprisionar, encauzar y, en definitiva, dominar el agua.

El hombre con cabeza de televisor Mar Massutí

Un hombre con cabeza de televisor, a modo de monstruo o pesadilla postmoderna. Así es como Ale Zea (Sevilla, 1977) nos presenta su obra Medios de comunicación y mediocridad: la telebasura, donde, mediante el fotomontaje y el post-graffiti, revisita las teorías críticas de los medios de comunicación de una forma caricaturesca, invitándonos a tomar consciencia de la impronta que la televisión ejerce sobre el individuo.

Ale Zea, Telebasura (2011)

primacía que no ha hecho más que crecer y retroalimentarse hasta que la representación de la realidad se sobrepone a la propia realidad. De este modo, la televisión ha creado una red densa y extensa que puede llegar a envolver por completo al individuo, saturando y monopolizando su sistema perceptivo. Pero más allá del medio televisivo, la crítica del artista se centra en el mensaje. Concretamente, mediante los formatos de “reality-shows”, “telling-stories”, magazines o debates, los canales televisivos han recibido con los brazos demasiado abiertos lo que se conoce comúnmente como telebasura. Una parrilla televisiva que con mucha frecuencia apela a la emoción fidelizando así a una numerosa audiencia. Este es el bajo continuo que caracteriza la serie y que se concreta en una serie de eslóganes antitelevisivos ideados para repartirse entre las calles de Palma: “La Tele te deja tonto”, “Telebasura = aculturización”, “Telebasura = alienación”, “¿Porqué dejas que otros piensen por ti?”, “Telebasura = incultura” y “Televisión = manipulación”. Su objetivo son los viandantes y su finalidad es la reflexión. Esperamos verlos pronto mientras paseamos por la ciudad.

En su compromiso con la producción y la difusión del arte contemporáneo, Fundación Banco Santander se complace en presentar el catálogo que recoge las actividades llevadas a cabo en CRIdA (Centro de Residencia e Intercambio de Artistas), un proyecto que se desarrolló de mayo de 2011 a mayo de 2012 en el Espacio Sant Jeroni de la Fundación Palma Espai d’Art. La sociedad actual se caracteriza por su movilidad y su espíritu global. Los artistas, como observadores críticos de la realidad que nos rodea, participan de una visión de nuestro mundo como una gran red en la que todos estamos conectados. En este sentido, los programas de artistas en residencia son una pieza clave del desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas, dado que permiten el necesario intercambio entre creadores de diferentes puntos geográficos. Esta interesante iniciativa contó con una intensa programación, lo que facilitó la producción y presentación de la obra de 26 artistas de diferentes países (Alemania, Francia, Italia, Reino Unido, Holanda, Lituania, Serbia, Estonia, Estados Unidos y, por supuesto España, entre los cuales hay que destacar la presencia de destacados artistas locales). En el marco del proyecto CRIdA, la colaboración entre Fundación Banco Santander y el Casal Solleric hizo posible las exposiciones Global de Martin John Callanan y Roleplay Colonial de Robert Gutiérrez y Albert Pinya. Estas dos muestras, de gran calidad y proyección internacional, marcaron la culminación del programa de artistas de residencia al completar su ciclo de un año de duración.

Partiendo de la convicción en el potencial de Palma como centro de creación artística y la necesidad de establecer conexiones entre la escena artística local y el panorama internacional, el programa CRIdA abrió su convocatoria a artistas de todo el mundo, dedicando especial atención a los proyectos que proponían una intervención en el espacio urbano de Palma o una reflexión sobre la realidad actual de la ciudad. Los artistas residentes centraban así su trabajo en la ciudad que los acogía, a la vez que se les facilitó la presentación de su obra a los profesionales de la escena artística mallorquina (críticos, comisarios, galeristas, directores de instituciones) y, por supuesto, al público en general, mediante visitas concertadas y eventos abiertos a la ciudadanía. Los estudios se convirtieron, de esta manera, en un espacio de encuentro y diálogo entre los artistas invitados, la ciudad y sus habitantes. A los artistas residentes se sumaron, a partir del tercer grupo, creadores locales que participaron en el programa con las mismas condiciones de visibilidad y recursos, sumando a su trabajo un contacto más directo entre los residentes y los círculos artísticos de la isla, mientras se iban generando unas sinergias interesantes entre todos ellos. Esta integración de los artistas locales en el programa fue posible gracias a una colaboración con la Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB), primero de los diversos acuerdos alcanzados con instituciones y asociaciones del sector cultural en Palma. Cabe destacar, en este aspecto, la fructífera alianza con el CRCC (Centre de Recursos de Creació Contemporània), que permitió a los artistas emplear recursos técnicos y espacios en la creación de sus obras, la generosa asistencia de los talleres de creación gráfica de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, que facilitó a los artistas la realización de piezas de cerámica y obra gráfica, y finalmente el apoyo de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani i el Casal Solleric, que abrieron sus espacios expositivos a las propuestas de diversos artistas residentes. Al apoyo institucional se sumó el de numerosas galerías de arte, empresas y particulares, que se interesaron por el trabajo de los artistas del programa CRIdA, colaborando con ellos y completando así la integración de sus propuestas en la escena artística local.

Fundación Banco Santander quiere dar las gracias al alcalde de Palma, Mateo Isern Estela; a la directora de la Fundación Palma Espai d’Art, Pilar Ribal i Simó, a los comisarios Fernando Gómez de la Cuesta y Pau Waelder y a todos los que han hecho posible este programa de artistas en residencia, por su esfuerzo y dedicación.

Propuesta pionera a nivel institucional, CRIdA fue el primer programa público de residencia de artistas en Mallorca. En su breve trayectoria estableció un modelo de referencia y dio a conocer la riqueza de la escena cultural local a artistas de Alemania, Francia, Italia, Reino Unido, Holanda, Lituania, Serbia, Estonia, Estados Unidos y España, convirtiéndolos en embajadores de nuestras islas, y generando interesantes encuentros y colaboraciones que perduran hoy en día.

ANTONIO ESCÁMEZ Presidente de Fundación Banco Santander

FERNANDO GILET SANCENÓN Teniente de alcalde de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Palma

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Textos en castellano

CRIdA (Centro de Residencia e Intercambio de Artistas) es un programa de residencia e intercambio comisariado por Fernando Gómez de la Cuesta y Pau Waelder, que tuvo lugar entre 2011 y 2012 bajo los auspicios de la Fundació Palma Espai d’Art en las dependencias del convento de Sant Jeroni habilitadas como estudios de creación. En un período de doce meses el programa acogió un total de 24 proyectos desarrollados por 26 artistas locales, nacionales e internacionales, divididos en seis grupos que se alojaban en Palma durante dos meses, recibían una dotación económica para la producción de sus obras y desarrollaban en los estudios un proyecto artístico específico para este programa.

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La amplia base de participación del proyecto CRIdA fue lo que lo hizo fuerte, lo que provocó que, en su año de duración, se mantuviera una programación tan intensa y lo que contribuyó a conseguir que el programa de residencias superara con éxito una de las trabas más complejas para el arte contemporáneo: el respaldo del público. Efectivamente, CRIdA fue un proyecto integrador que partió del apoyo, iniciativa y colaboración de muchas y diferentes instituciones, extendiéndose, también, a otras capas del tejido profesional, cultural y ciudadano. Veintiséis creadores residentes que, junto con el público y los colaboradores, fueron los verdaderos artífices de este proyecto colectivo. Unos artistas que demostraron poseer una enorme profesionalidad, implicación y talento, y de cuyas propuestas queremos dar buena cuenta en este diario de viaje, en este peculiar cuaderno de bitácora que recorre todo un año de vida y, por supuesto, de arte.

Marcos Cuesta y Théotime Gerber decidieron enfocar su residencia como un work in progress constante, deteniendo su atención en los procesos más que en los propios resultados, mostrándolos de forma permanente al público y fijándolos como el verdadero objetivo de su obra. Cuesta emprendió su investigación a través de tres proyectos conexos: Procesos y Trampas son depurados trabajos de estudio que se desordenan ordenadamente gracias a la incorporación del objeto encontrado, la sorpresa, el azar y el juego, todo ello con el objetivo de construir estructuras imposibles, algunas de carácter performático, que requerirán la intervención del espectador para ser completadas. Un cuestionamiento continuo del papel del artista, del espectador y de su relación, que culmina con la acción Inaugurar público, donde el creador incorpora sus habituales elementos distorsionantes y su agudo sentido de lo no convencional, para dejar en evidencia determinadas actitudes que afectan a las estructuras humanas de relación. Gerber parte de ciertas geometrías recurrentes y deliberadamente ambiguas, para ir construyendo una amalgama icónica que nos remite a los logos de las grandes marcas, pero también a ciertas simbologías de resistencia, a determinados significantes científicos, a futuristas naves espaciales o, incluso, a desconocidos asteroides viajeros. En su proyecto 372 Palma occulting Eros realiza, precisamente, una maqueta de un asteroide donde recoge esa iconografía recurrente con la voluntad de trascender el formato e instalarse en la calle, como si de una escultura pública se tratara. La propuesta se completa con un video que recrea el momento en que el asteroide “Palma” eclipsa a otro, llamado “Eros”, mientras suena una canción de Lou Reed que narra una desgraciada historia de amor. Una metáfora, ensoñadora y visionaria, de las aventuras de este cuerpo celeste que, después de un fantástico viaje, llega a la ciudad que le da nombre. Un extraordinario gusto por el dibujo y por la intervención de carácter mural es el evidente nexo de unión entre Santiago Morilla e Iván Izquierdo. Además, este afecto común por la línea, se materializa en conceptos que también son compartidos: lo comestible, lo blando, lo etnográfico, lo urbano, lo irónico, lo irreal y, siempre, con una marcada perspectiva crítica. Los trazos de la obra de Izquierdo son hilos de los que tirar, unos [1] Videoproyecciones, Es Jaç, Palma, 2011. [invitación]. [2] Programació CRCC. Octubre, novembre, desembre 2011, CRCC, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2011. [desplegable ]. [3] Puertas abiertas en los estudios de creación de CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2011. [invitación].

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CUADERNO DE BITÁCORA

CRIDA#01 La senda de los pioneros Abrir camino nunca fue tarea sencilla, resulta más fácil transitar por los itinerarios que otros recorrieron que crear uno propio, sin embargo, el premio para estos pioneros, siempre es mucho más estimulante. Es por ello que CRIdA decidió inaugurar su programa con una selección potente de artistas osados, un grupo aparentemente heterogéneo que terminó consolidando unas afinidades que colmaron de enriquecimientos mutuos sus respectivas producciones. Un carácter colaborativo, contagioso y desinhibido, que tuvo su expresión inicial en las primeras propuestas grupales: una videoproyección conjunta en el espacio palmesano de Es Jaç1 coincidiendo con la inauguración de PalmaPhoto, La presentación de su obra en el CRCC2 y una jornada de puertas abiertas en los estudios de Sant Jeroni.3

CRIDA#02 Un verano en Mallorca En un programa de residencia donde los artistas debían presentar una propuesta que interactuara con la ciudad y, por extensión, con la isla que les da cobijo, era previsible que la combinación de Mallorca y su verano terminara influyendo en una producción que venía predeterminada a dialogar y reflexionar sobre el entorno geográfico donde se formalizaba. Esta segunda convocatoria fue la que manifestó de manera más clara estas influencias territoriales, ambientales y sociales, apelando a ciertos parámetros de las nuevas formas de la cultura urbana. Una interacción que modificó la intención de los creadores, tanto en sus proyectos individuales, como en los colectivos: la exposición conjunta en el Casal son Tugores de Alaró con motivo de Alart 20116 y Buena isla el proyecto concebido por Domínguez, de Kepper y Zea.

En su proyecto Isla recoge también esa visión romántica y dramática, añadiéndole una estética de lo sublime muy contemporánea: la belleza sobrecogedora del paisaje pasada por el tamiz de los colores ácidos y de los píxeles. Un sobrecogimiento ante el inmenso poderío de la naturaleza que alcanza su manifestación más completa en Sommersturm, una video-apropiación de tormentas subidas a la red por usuarios de Youtube, que acabaron formando parte de una atmosférica instalación que tuvo lugar en el CRCC. La aguda sensibilidad de Moreno Carretero le permite detectar el humor, la ironía y la contradicción, no siempre voluntarios, que subyacen bajo muchos de los recurrentes dispositivos publicitarios que salpican nuestras vidas y condicionan nuestro paisaje. Con la habilidad de un miniaturista y la percepción del artista, recoge toda esa imaginería que tiende a lo kitsch, descontextualizándolas y dejando en evidencia las imposturas que adoptan. Una suerte de maquetas de los artefactos de seducción publicitaria que tienen algo de cómico a la vez que triste. Partiendo de estas premisas, Mecanismos inconscientes del horizonte, apela al surrealismo, a lo onírico y a cierta reivindicación social, como elementos de un discurso creativo que, además, vino acompañado de la instalación La fuente de los deseos, realizada para Alart 2011, donde el artista jugaba con los anhelos satisfechos y las expectativas frustradas. Ale Zea cuestiona el sometimiento contemporáneo a los medios de masas, el embrutecimiento provocado por una telebasura emitida y consumida compulsivamente por nuestra sociedad. El artista parte de fotomontajes que apelan a composiciones que conectan con lo publicitario, pero insertando en ellas eslóganes de elevada carga crítica. Unas imágenes preparadas para imprimirse a tamaño natural y pegarse sobre los muros de la ciudad, mientras generan un efecto de trampantojo que llama la atención sobre las propias frases que contienen.

[5] Santiago Morilla, Ornamento y detonación, Museo ABC, Madrid, 2011. [catálogo].

CRIDA#03 La sociedad como motivo de reflexión El verano de la isla de Mallorca también fue una importante influencia para la investigación fotográfica y conceptual emprendida por Juan Carlos Martínez. Un peculiar análisis del turismo de masas, en zonas como Magaluf o El Arenal, que trata de captar, no sólo la evidencia de un ocio que se basa en el exceso, sino también las frustraciones y las carencias que determinadas actitudes demuestran. Un terreno fronterizo que pone de manifiesto lo bien que maneja Martínez el recurso de la ambigüedad, mientras establece una incisiva metáfora sobre nuestra sociedad contemporánea. Una propuesta que tuvo visibilidad gracias a una intervención en la galería Louis 21 de Palma. La implicación del proyecto de Roma Pas con la ciudad apenas aparece en el punto de partida: la obtención de óleos de diferentes formatos en las tiendas de segunda mano. A partir de ellos, la artista, oculta totalmente los motivos pintados en sus superficies, extendiendo capas de aquel color gris que comparece en las búsquedas de Google cuando las imágenes no se cargan, además, instala estos lienzos intervenidos sobre la pared, a la manera del mosaico que se genera tras realizar una de esas búsquedas, una colocación que tiene mucho que ver con las disposiciones de pinturas en los grandes salones del siglo XIX. Una propuesta que reflexiona sobre conceptos tan esenciales en la expresión plástica actual como las posibilidades y las injerencias de los nuevos medios, la reproductibilidad o la unicidad del aura. Pas también participó con una videoproyección en el evento La nit del Glam, organizado por Es Jaç coincidiendo con la palmesana Nit de l’Art7 y su producción

[6] Alart 2011 art de nit a Alaró, Addaya Centre d’Art Contemporani - Casal Son Tugores, Alaró, 2011. [tríptico].

[7] La nit del Glam, Es Jaç, Palma, 2011. [invitación].

Xavier de Kepper reformuló parte de su propuesta para seguir un proceso inspirado en algunos de los estímulos que experimentó desde su llegada a la isla, en este caso la invasión de llamativos carteles de “Se vende” referidos a propiedades inmobiliarias y colgados en lugares muy visibles de nuestra geografía. La formalización se concretó en una producción e instalación de los mencionados carteles, cuyos contenidos dejaban en evidencia esta desmesura que tiende a lo grotesco: todo se vende y nada se compra, en un momento donde la crisis económica ya había comenzado su implacable camino. El resultado pudo verse en una acertada instalación realizada en pleno casco antiguo de Palma -en los balcones del estudio cedido por el artista Lluis Fuster- o en las calles del pueblo de Alaró, dentro del programa de Alart 2011. También los tres proyectos desarrollados por Josep Domínguez orbitan alrededor de una experiencia tan concreta y poderosa como es el verano mallorquín. En Ángeles el artista establece una singular metáfora que une el extraño fenómeno del balconing con el mito del ángel caído, un descenso a los infiernos que conecta lo deliberado con lo azaroso, el ascenso y la caída. [4] La mencionada intervención aparece recogida en una publicación que acompaña a otro proyecto independiente desarrollado en Palma y que, de manera tangencial, también toca el tema del arte urbano en la ciudad: Iñaki Larrimbe, Unofficial tourisme: Palma, Acción Cultural Española, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma, 2012. [guía].

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gusanos lúgubres, un dibujo expresivo, tan visceral como inmediato, que sale de la boca del estómago. Antropofagia, canibalismo, jibarismo, disección, amputación, cabelleras cortadas, cabezas cortadas y decapitaciones, el hombre que se come al hombre, eterno retorno, vida, muerte e inmortalidad. Caníbales buenos y caníbales malos que toman forma en sus dibujos, en sus animaciones; Bacon, Lynch, Sadam Husein o Berlusconi, bichos y hombres, genios y bárbaros, son los protagonistas de su Proyecto canibal. Morilla aprovechó los dos muros enfrentados de un solar del casco antiguo para materializar una potente intervención urbana de más de 10 metros de altura. La pieza, Sobrasada extrema,4 crea un efecto envolvente, sobrecogedor, que apela a muchos de los tópicos de la mallorquinidad desde una perspectiva lúdica e irónica, mientras el proceso de formalización queda registrado en una singular stop-motion. Una producción que se completó con el taller Heridas urbanas. Post-graffiti hoy y la creación de las piezas para su exposición Ornamento y detonación en el Museo ABC de Madrid.5

Juan Miguel Pozo produjo una serie de piezas que profundizan sobre la iconografía de propaganda de los regímenes totalitarios y los resortes psicológicos a los que apelan. Una búsqueda que se orienta, no tanto desde la perspectiva de la función social del arte, sino más bien desde el utilitarismo y el esteticismo de estas imágenes y de sus composiciones. Unas pinturas construidas a base de potentes iconos preexistentes, intervenidos, copiados o inventados, que pudieron verse en una exposición individual en la galería SKyistheLimit y en la intervención mural realizada en el vecino restaurante Olivia, ambos en la ciudad de Palma. Adriana Cerecero también pone su punto de mira sobre cuestiones de contenido social: un arte posicionado que consigue sacar a debate muchos de los problemas que acucian a nuestro mundo. Al igual que hizo en su proyecto anterior desarrollado en México, donde la artista incidía en el problema del narcotráfico, aquí también se valió de recortes de prensa para construir una enorme piñata que, en este caso, se refería a la crisis económica. Un curioso artefacto que cumplió con su destino en una acción en la cercana plaza de Sant Jeroni, donde fue golpeada hasta romperse mientras dejaba caer las ansiadas monedas de chocolate, una catarsis redentora de los malos momentos que esta crisis está provocando. Cerecero fue la primera artista seleccionada gracias al acuerdo de colaboración entre CRIdA y la AAVIB, por el que uno de los miembros de la citada asociación era elegido para compartir los talleres de Sant Jeroni. CRIDA#04 Del objeto y del concepto La cuarta convocatoria fue una de las que tuvo una presencia internacional más marcada, artistas venidas de Lituania, Serbia o Estonia, como Ruta Butkute, Aleksandra Rasulic y Varvara Guljajeva, estuvieron acompañadas por Marcos Vidal, un mallorquín nacido en Vitoria, y por el catalán de Barcelona Mar Canet. Una procedencia heterogénea que provocó interesantes sinergias en los estudios y que convirtió a todos estos creadores, tras su paso por la residencia, en una suerte de singulares embajadores de la isla de Mallorca. A pesar de ser proyectos diametralmente opuestos, los trabajos de Butkute, Rasulic y Vidal, tienen en común su voluntad de emplear objetos absolutamente cotidianos para desarrollar conceptos mucho más complejos. Butkute selecciona esos elementos físicos, en una labor casi arqueológica que manifiesta su interés por el patrimonio arquitectónico, sacándolos de contexto y jugando con la ambigüedad de convertir lo familiar en extraño. La artista dispone los objetos escogidos en instalaciones extendidas, en peculiares escenografías, a las que suele incorporar el cuerpo humano, en este caso en colaboración con la bailarina Caterina Barceló, mientras registra en video las interacciones que se producen. Butkute investiga el sentido y el valor del monumento, mientras plantea procesos de recuperación mutua entre la cultura y la naturaleza a través de objetos encontrados, cerámicas realizadas en los talleres de la FPiJM y materiales industriales. Los dibujos y acuarelas de Rasulic representan elementos vinculados a la canalización o contención del agua. Grifos, duchas o tuberías que sirven para incidir, desde otro punto de vista, en la metáfora del líquido elemento como fuente de vida, apelando, también, a otros conceptos como el de regeneración, el de sutileza y el de belleza de lo cotidiano. Reality Show de Marcos Vidal también toma como punto de partida aquellos objetos aparentemente ordinarios para [8] Jelle Bouwhuis, Roma Pas, Ámsterdam, Potato Publishers, 2013. [catálogo].

continuar su investigación sobre la cultura popular desde una perspectiva marcadamente crítica. Comenzando por la apropiación de estos elementos cotidianos, aplicando procesos de carácter artesanal e incorporando un punzante sentido del humor, Vidal, establece una tragicómica reflexión de carácter social donde aparece el indolente voyeurismo televisivo, los nuevos conceptos de intimidad e, incluso, el cuestionamiento de la(s) idea(s) de España. Cerámicas y serigrafías producidas en los talleres de la FPiJM por el segundo artista proviniente de la colaboración entre la AAVIB y CRIdA, se dan la mano con las formas y las maneras del objet trouvé y del assemblage. El flujo del mar fue el título del proyecto que Varvara Guljajeva y Mar Canet desarrollaron durante su estancia. Guljajeva y Canet exploran las posibilidades expresivas de los flujos de datos que circulan entre los miles de dispositivos digitales que empleamos a diario, poniendo su atención, en esta ocasión, en el tráfico marítimo del puerto de Palma. Un proyecto que convierte los movimientos de los barcos, cuya posición es captada por medio de un radar AIS, en composiciones sonoras que se desarrollan en tiempo real y que van cambiando en función de la variación de la posición de las diferentes embarcaciones. Los artistas presentaron su obra en un concierto de música generativa en las terrazas de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, frente al puerto, y realizaron una serie de serigrafías en los talleres de la FPiJM. Además, para celebrar el “Buy Nothing Day”, organizaron un torneo internacional de su juego Shopping in 1 Minute, que consiste en escanear, durante ese tiempo y a cambio de un punto por escaneado, los códigos de barras de los diferentes productos que se tengan al alcance. La limitación de tiempo da emoción a la vez que inicia una reflexión sobre la ansiedad con la que nos entregamos al consumismo, una propuesta que permite convertir los espacios de consumo en terrenos de juego, mientras manipulamos los productos sin comprar nada. CRIDA#05 Aportando, contextualizando y creciendo La quinta generación de residentes optó por una evidente interacción entre su obra y el entorno físico, conceptual y emocional donde ésta se producía. Unas propuestas que, además de imbricar su reflexión en estos parámetros, también integraban la formalización de sus piezas en el propio tejido urbano o, en su caso, en el seno del ecosistema natural que la isla les ofrecía. Una curiosa adaptación al medio que cumplió con varios de los objetivos del programa: los crecimientos mutuos, las influencias recíprocas, la integración en el entorno y la investigación de lo propio desde las diferentes ópticas de los creadores seleccionados. El proyecto de Amaya Bombín titulado Roters parte de unas peculiares construcciones populares llamadas “cases de roter” y de los usuarios de las mismas. Antiguamente una “rota” era aquel terreno baldío que los señores cedían a los agricultores más pobres, allí les dejaban construir unas barracas de piedra en seco que les servirían de refugio mientras cultivaban la tierra. Unas casas que, en muchas ocasiones, se hacían con las propias piedras que los payeses iban sacando para acomodar el terreno a su labrado. La artista visitó diferentes construcciones en la isla con el objetivo de realizar una intervención efímera, tiñendo las piedras de rojo, un color de fuerte carga simbólica que domina el presente proyecto y que enfatiza la reivindicación de lo ancestral de nuestra cultura frente a la vorágine contemporánea. La propuesta se completa con diversas piezas realizadas

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en CRIdA quedó recogida en una publicación junto a sus trabajos recientes8.

Las (Des)apariciones marianas de Nerea de Diego continúan con su constante exploración sobre mitos y realidades, centrándose, en esta ocasión, en el punto de encuentro entre la imaginería católica y la cultura popular. Interesada por los altares espontáneos como formas de creatividad anónima, la artista recorrió el centro histórico de Palma en busca de estas manifestaciones populares. La vecindad con el Convent de Sant Jeroni le facilitó entrar en contacto con las religiosas, conocer sus espacios de culto y documentarlos en una serie de fotografías. También emprendió esa labor de documentación en las diversas intervenciones efímeras, a la manera de pequeñas capillas, que la artista realizó en los alrededores. Su proyecto en Palma culmina con la instalación de una figura de la Virgen María realizada en arcilla seca pero sin cocer y colocada en un lugar no excesivamente resguardado del patio del Casal Solleric, buscando conseguir una aparición y la posterior desaparición de la citada representación mariana. El proyecto de Bartomeu Sastre, tercer artista de CRIdA proveniente del convenio de colaboración con la AAVIB, también tiene una clara imbricación conceptual y física en el entorno de la ciudad y de nuestra sociedad. Sastre está especialmente interesado en el lenguaje como modificador de la percepción de la realidad, trabajando, a menudo, con la ambigüedad del mensaje escrito y la influencia del contexto. En su proyecto We are the new slaves10, realizado en colaboración con el residente en CRIDA#1 Marcos Cuesta, establece una aguda reflexión acerca de las estructuras de poder dominantes y una crítica a la crisis económica en la que se acentúan las desigualdades sociales, empleando, para ello, elementos de la publicidad y del merchandising, como chapas y pósters, con los que consigue insertar su mensaje en diferentes estratos vitales. CRIDA#06 La madurez de un proyecto Fue en la sexta y última convocatoria del programa donde el proyecto consiguió desarrollar un completo engranaje que, no sólo permitió el desarrollo conceptual y formal de las propuestas de los artistas, sino que también habilitó una posibilidad expositiva en los espacios insulares de mayor renombre, unas propuestas que vinieron a refrendar el peso específico del proyecto CRIdA en el seno de los desarrollos del arte contemporáneo en Baleares. Además se realizó una fiesta de despedida que reunió a gran parte de los agentes implicados en la construcción del programa de residencias.11 [9] Enlloc, ABA Art Contemporani - Convent de la Missió, Palma, 2011. [invitación]. [10] Esta propuesta se menciona, juntamente con el proyecto Sobrasada extrema de Santiago Morilla, en la publicación: Jordi Pallarés, “Graffitis i altres intervencions urbanes a Mallorca”, Entorn de Calvià. Art, Ajuntament de Calvià, Calvià, 2012, p. 38-58 [revista]. [11] Fiesta de despedida CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Ajuntament de Palma, Palma, 2012. [invitación].

De nuevo la isla, pero de forma más concreta el mar que la rodea y la define, aparece como punto de partida de algunas de las reflexiones de los artistas residentes. En Lost at Sea, Martin John Callanan, creador dedicado a explorar la posición del individuo en los sistemas que dominan nuestra existencia, que exceden de nuestro control, propone dejar a la deriva un dispositivo que emita regularmente imágenes del cielo y del fondo del mar, unas imágenes que, por la escasa resolución de la cámara, quedarían reducidas a meros bloques de color donde, el azul claro y el azul oscuro, se contrapondrían; una búsqueda de coordenadas reconocibles ante la inconmensurabilidad de lo que nos rodea que tuvo su materialización en una serie de grabados realizados en la FPiJM. En su segundo proyecto para la residencia, Callanan, también acude a lo incuantificable e incontrolable para dejar expresión de nuestra ubicación real: Guerres durant la meva vida es la actualización, en catalán, de un proyecto que consiste en publicar mil periódicos que contienen una lista de las guerras que se han sucedido en el mundo durante la vida de este joven artista. Esta obra, junto con otras, fue presentada en la exposición individual titulada Global dentro del ciclo (HIPER)vincles del Casal Solleric. El proyecto común desarrollado por Robert Gutiérrez y Albert Pinya también culminó con una muestra integrada en ese mismo ciclo expositivo. RolePlay Colonial coge como objeto de reflexión la dominación española de las Filipinas desde la doble perspectiva de un artista filipino, Gutiérrez, y otro español, Pinya. Un acercamiento multidisciplinar que pone su énfasis en la desaparición y en el ocultamiento, en cómo la historia se escribe a base de borraduras y de convenciones, mientras los artistas van solapando sus ideas, estableciendo una analogía con aquella información que fue sepultada por interés, que fue obviada por manipulación y que fue olvidada por el paso del tiempo. Mauro Ceolin lleva tiempo investigando, en su proyecto Naturalismo Contemporáneo, las formas en que se representa la naturaleza dentro del imaginario colectivo, particularmente en el seno de la cultura popular surgida tras la creciente influencia de las nuevas tecnologías. Su período de residencia lo dedicó a investigar las representaciones del cosmos a través de las ideas y del imaginario de los films y de las series de ciencia ficción entendidas en un sentido amplio. Un intenso trabajo de documentación que apela a los frames de estas películas así como a sus bandas sonoras y que culmina con su propuesta CRIdA Studies, una pieza audiovisual donde el artista proyecta una serie de imágenes sincronizadas con un audio, que el público, previamente, debe de haberse descargardo para escuchar de manera individual en su reproductor de mp3. Un concierto acusmático que tuvo lugar en el Aljub de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma12. La obra de Neus Marroig también se caracteriza por una investigación documental en la que lo visual y el registro sonoro comparecen indisolublemente unidos. Marroig, cuarta participante fruto del convenio de colaboración con la AAVIB, parte de lo próximo, de historias y personas que le son cercanas, para elaborar sus proyectos. En Quan els calcetins es cusen, la artista, entrevista a una serie de personas que relatan anécdotas y recuerdos relativos al acto de coser, vinculándolos a la esfera de lo doméstico, al papel de la mujer en la sociedad y a las dinámicas familiares pasadas y futuras. Fotografías, dibujos y objetos acompañan a las grabaciones de las voces de estas personas, un proyecto que recoge memorias y experiencias para reconstruir la historia a partir de la suma de fragmentos.

[12] Mauro Ceolin, CRIdA Studies. Paisatge sonor acusmàtic, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma, 2012. [díptico].

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con las piedras como elementos aislados, recalcando la importancia del individuo en la construcción colectiva, con dibujos y obra gráfica producida en los talleres de la FPiJM. El paisaje urbano ya era una referencia en la obra de Ronda Bautista, por lo que no resulta extraña la influencia que Palma produjo en su obra. Bautista fija su atención en lo que ella denomina “espacios mutantes”, lugares sometidos a cambios por su progresivo deterioro o transformación, ya sean edificios en construcción, en ruinas u otros restos del progreso. Una búsqueda arqueológica que deja una ajustada expresión del ritmo frenético al que la contemporaneidad nos viene sometiendo. Bombín y Bautista presentaron su trabajo en Enlloc, una exposición conjunta para la galería ABA Art - Convent de la Missió de Palma9.

Pau Waelder Versió en català a pàg. 18 English version on page 170

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Manifiesto por la movilidad de los artistas

1. Cada artista debe desarrollar su trabajo con la conciencia de pertenecer a un contexto local y global, en contacto con su propio entorno y con el circuito internacional del arte actual. 2. Un/a artista debe cambiar de residencia o viajar regularmente para someterse de forma voluntaria a la influencia de otros contextos, otras perspectivas y otras escenas culturales. 3. Las instituciones deben facilitar a los artistas programas de residencia que les permitan desarrollar su trabajo en otras localidades. 4. La circulación de los artistas y otros profesionales del mundo del arte evita el estancamiento de las escenas artísticas locales y facilita los intercambios y diálogos a nivel internacional. Este flujo de personas e ideas es saludable para el mundo del arte. 5. Los programas de residencia de artistas deben facilitar las condiciones adecuadas para acoger a los artistas como un buen huésped acoge a sus invitados. 6. Los artistas deben poder disponer de un alojamiento gratuito o a bajo coste, un taller, una asignación económica para la producción de sus obras y asesoramiento técnico. 7. Los artistas deben poder trabajar en condiciones propicias para su labor manual e intelectual: con espacios amplios y bien equipados, iluminación regulable, privacidad, y recursos técnicos para desarrollar su trabajo. 8. No todos los artistas son pintores: un programa de residencia debe estar equipado para facilitar el trabajo con fotografía, vídeo, performance, escultura, intervenciones urbanas, proyecciones, obra seriada, nuevas tecnologías y un largo etcétera. 9. Todo/a artista que participa en un programa de residencia debe ser integrado/a en la escena artística local: esta es una de las tareas de los organizadores del programa de residencias. 10. El trabajo de un/a residente es digno de ser estudiado y presentado públicamente: se deben organizar charlas y presentaciones, así como estudios críticos acerca de su obra. 11. Un programa de residencia para artistas debe ser un eje de conexión entre las instituciones, colectivos y profesionales autónomos de la escena artística local. 12. El número de residentes invitados y la duración de su estancia debe adecuarse a los objetivos del programa de residencia y los proyectos de los artistas: los residentes no deben ser demasiado numerosos, ni la duración de la estancia ser demasiado breve. 13. Cada artista residente es un embajador de la escena local que lo/la ha acogido, una vez regresa a su lugar de origen. Por ello, el programa de residencia debe esforzarse en mostrarle la riqueza de la escena local y procurar establecer vínculos con otras regiones. 14. La obra de un/a artista pertenece a su creador/a: la obra de un/a artista no debe ser moneda de pago por los servicios facilitados en el programa de residencia. 15. Los programas de artistas en residencia, así como toda iniciativa que propicie la movilidad y el desarrollo del trabajo de los profesionales del mundo del arte y la cultura, deben ser una prioridad de las instituciones públicas.

“No existe una receta única e infalible para establecer un programa de residencia, porque una residencia responde a la necesidad de conectar con el arte que es diferente a la que se produce en una exposición, bienal o festival. Es el resultado de la combinación de tiempo, lugar y personas y ofrece una oportunidad para establecer relaciones duraderas” [1] Esta afirmación contiene un factor esencial en la concepción de un programa de residencia: no se rige según los mismos parámetros de los eventos habituales del mundo del arte, marcados por la presentación pública y una temporalidad muy definida. El programa de artistas en residencia se desarrolla, en primer lugar, de puertas adentro: facilita a los artistas alojamiento y un espacio de trabajo, les permite alejarse de su rutina habitual y encontrar inspiración en un lugar (relativamente) remoto. Esto determina un proceso que se extiende en el tiempo, en el que el artista necesita privacidad y la libertad para establecer sus propios ritmos de trabajo. Muy diferente del breve encuentro “de alto voltaje” [2] entre comisarios y artistas (y, añadiría, público) que se produce con motivo de una exposición, la residencia establece otras formas de colaboración e interacción con la escena del arte local. Se producen así, en muchos casos, relaciones duraderas entre los artistas residentes, los profesionales del mundo del arte y la propia localidad que los acoge. Entender esta particular dimensión temporal y la orientación hacia el proceso y la experimentación, más que al resultado, es esencial para comprender la naturaleza de un programa de artistas en residencia. Espacio de diferencia, tiempo incondicional Un tiempo y un espacio diferentes de los que definen la exposición o la bienal son aspectos característicos de una residencia de artistas. Johan Poussette, director del Baltic Art Center, habla de “tiempo incondicional” [3] en un contexto en el que las instituciones del mundo del arte se integran en la industria del entretenimiento, y queda cada vez menos espacio para la experimentación y la investigación. El artista residente dispone de un período de tiempo asignado para trabajar en su obra, sea un proyecto específico o una parte de una exploración más amplia que ha ido desarrollando. La gestión de este tiempo pertenece al creador, quien no debe necesariamente producir una pieza como resultado de su estancia, si bien puede presentar el proceso de trabajo que ha llevado a cabo. En este sentido, cabe recordar que las residencias de artistas han tenido desde sus inicios el objetivo de formar

a los artistas o permitirles escapar de la rutina: la Academia Francesa de Roma, fundada en 1666, alojaba a los artistas premiados durante cinco años en la ciudad eterna para permitirles estudiar las obras clásicas, mientras que la mayoría de las residencias creadas hasta finales del siglo XX seguían el modelo de una colonia de artistas. Desde la década de 1990, los programas de artistas en residencia han ido dirigiéndose progresivamente hacia el concepto de laboratorio o espacio de reflexión y experimentación. El tiempo dedicado a una investigación es necesariamente más dilatado que el que permite la presentación de la obra al público en un espacio expositivo, pero también el espacio determina una dinámica particular. Odile Chenal, responsable del sector de Investigación y Desarrollo de la Fundación Cultural Europea en Amsterdam, propone definir la residencia como el acto de habitar y trabajar en un “espacio de diferencia” [4]. En este espacio, el artista participa en un sistema de relaciones diferente, que le permite establecer un diálogo con los responsables del programa, otros artistas y profesionales del mundo del arte, así como involucrarse en procesos de “ensayo y error” que no están permitidos en el contexto del espacio expositivo. Chenal incide en el hecho de que esta particular condición del espacio libera al programa de residencia de la vinculación con la movilidad geográfica, siendo así también beneficiosa para los artistas locales. Conocedores de la escena artística y los recursos de que dispone, los artistas locales encuentran en una residencia en su propia localidad una oportunidad para involucrarse en los procesos de ese “espacio de diferencia” y establecer contactos con artistas de otras localidades. Pese a las particularidades del espacio y la dimensión temporal de un programa de residencia, no todo tiene lugar puertas adentro, sino que se establecen actividades (en sintonía con el ritmo de trabajo de los artistas) que permitan crear conexiones con los profesionales de la escena artística local y presentar al público el trabajo realizado. En la relación entre los artistas residentes y el contexto local es donde el programa de residencia encuentra el retorno a la inversión realizada. Nuevos agentes en el tejido cultural aportan una mayor diversidad de oferta [5], ofreciendo tanto al público como a otros profesionales (comisarios, críticos, artistas, galeristas) la posibilidad de conocer a los residentes y su obra. Estos últimos, a su vez, comunicarán su experiencia a los profesionales de su lugar de origen, facilitando así las conexiones translocales. El “beneficio” de un programa de residencia se mide, por tanto, no en obras de arte coleccionadas o en cifras sino en la integración de la escena local en una red a nivel nacional o internacional, de la que pueden beneficiarse todo tipo de profesionales. El artista Hagen Betzwieser resume esta cuestión de la siguiente manera: “... no se trata de dejar una obra de arte como forma de pago. Lo que es mucho más valioso es una relación a largo plazo entre artistas, una institución y las personas que trabajan en ella. De esta manera, se construye una red de trabajo por medio de las residencias y las amistades que nacen de ellas. A medida que los artistas participantes obtienen reconocimiento, esto se refleja en la institución, que obtiene crédito en forma de reputación para alimentar sus futuros esfuerzos.” [6] Ensayo y error En su investigación sobre programas de artistas en residencia en España, Marta Gracia, responsable de la plataforma Art Motile, distingue dos tipos principales de programas:

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Es cierto que redactar un manifiesto hoy en día puede parecer trasnochado o bien reivindicativo. No es esta mi intención. Los quince puntos precedentes resumen las reflexiones y decisiones tomadas durante ese experimento de un año de duración que fue CRIdA (Centro de Residencia e Intercambio de Artistas), fruto del proyecto que presentamos Fernando Gómez de la Cuesta y yo a la convocatoria de la Fundació Palma Espai d’Art. No pretenden ser una guía ni unos mandamientos del programa de artistas en residencia ideal, porque no existe un único modelo de este tipo de iniciativa. Algunas residencias ofrecen sólo alojamiento y espacio de trabajo, otras pagan al artista un sueldo mensual mientras que las hay que cobran por una formación específica o piden al residente una obra como pago por los recursos facilitados. Por tanto, no se trata exclusivamente de una lista de requisitos y servicios, sino de una dinámica y unos objetivos que establecen las líneas directrices del proyecto. Como indican las comisarias Ika Sienkiewicz-Nowacka y Agnieszka Sosnowska:

Todo ello se desarrolló en base a una dinámica de experimentación y diálogo abierto, que permitió a los artistas librarse a procesos de ensayo y error a la vez que exponían (por medio del blog del programa) sus avances, tentativas, borradores y resultados. Permitir el “error feliz”, como lo define Johan Pousette [8] ha sido una de las directrices del programa, siendo no obstante escasas las ocasiones en las que los artistas residentes han abandonado una línea de trabajo y muy numerosas las veces en que las influencias recibidas de otros residentes o el entorno local han abierto nuevas vías de exploración en su obra. No todos los intercambios fueron fructíferos en la misma medida, ni tampoco se generaron relaciones de idéntica intensidad, como es lógico en toda interacción entre personas, pero sin duda de los ensayos y errores en que nos vimos envueltos artistas y comisarios durante los doce meses de este experimento se han obtenido excelentes resultados.

“... el arte hoy en día rara vez trata con modelos que sean puramente locales y globales, cotidianos y organizados; tiende, más bien, a moverse en una realidad fluida e híbrida, que no somos capaces de demarcar con mapas o fronteras.” [9] Prestando atención a los artistas locales y residentes por igual, CRIdA se enriqueció con una relación más fluida entre los visitantes y la escena artística de la ciudad, hasta el punto en que algunos se han convertido en poco menos que artistas locales, con obras emplazadas de forma permanente en la isla, exposiciones en las galerías palmesanas y proyectos con instituciones mallorquinas. Por otra parte, diversos artistas de la isla potenciaron sus relaciones con el exterior, si bien la plena “exportación” del talento local fue un aspecto que el programa no pudo llegar a desarrollar en su breve existencia. En cualquier caso, la diferenciación entre el contexto local y global de las prácticas artísticas actuales se difuminó en la medida en que se hizo patente la calidad de las aportaciones de los artistas mallorquines y el valor que ha supuesto para artistas de recorrido internacional participar en exposiciones y proyectos del circuito cultural de Palma. La experiencia de CRIdA nos indica que hablar de un arte local resulta cada vez menos pertinente: todos los espacios en los que se desarrolla una escena artística participan de una red que se extiende a nivel internacional. Cuanto más se refuerzan los vínculos de esa red, mayor relevancia adquiere una determinada localización, que ve aumentar así la calidad y diversidad de sus manifestaciones culturales. Eso sólo se logra potenciando la movilidad de los artistas y otros profesionales del mundo del arte. Una condición esencial del arte actual, que bien merece un trasnochado y reivindicativo manifiesto.

[1] Ika Sienkiewicz-Nowacka y Agnieszka Sosnowska, “Introduction to Re-tooling”, en: Anna Ptak (ed.) RE-tooling RESIDENCIES: A Closer Look at the Mobility of Art Professionals. Varsovia: Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, 2011, 16.

¿Arte local? Un aspecto fundamental del programa CRIdA ha sido la participación de los artistas locales, integrados en cada grupo de residentes con los mismos recursos (exceptuando el alojamiento) y visibilidad. En un proyecto destinado a establecer relaciones con otras zonas geográficas, la aportación de estos artistas ha facilitado el desarrollo de nuevas colaboraciones (como la establecida con los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, propuesta por el artista Marcos Vidal) y también ha llevado a plantear la propia definición de lo que se considera un arte o un artista local. Kaja Pawełek, comisaria e historiadora, señala la pérdida de la demarcación geográfica en el arte actual:

[2] Ika Sienkiewicz-Nowacka y Agnieszka Sosnowska, op. cit., 20. [3] Johan Pousette, “Artists in Flux”, en: Anna Ptak (ed.), op. cit., 44. [4] Odile Chénal, “Why Invest in Residencies?”, en: Anna Ptak (ed.), op. cit., 213. [5] Johan Pousette, op. cit., 47. [6] Hagen Betzwieser, “Globalised Artist”, en: Anna Ptak (ed.), op. cit., 86. [7] Marta Gracia, “Programas de residencias para artistas en España: una breve introducción”. Art Motile. Artículo en línea, consultado el 29/7/2013. ‹www.artmotile.org/index.php/es/investigacion.html› [8] Johan Pousette, op. cit., 47. [9] Kaja Pawełek, “Gone To Patagonia For Six Months”, en: Anna Ptak (ed.), op. cit., 69.

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uno situado en un entorno rural, según el modelo de una colonia de artistas, apoyado por un creador o mecenas del norte de Europa, y otro en un entorno urbano, dirigido a artistas locales y enmarcado en un programa más amplio de un centro de arte [7]. CRIdA se planteó como un modelo híbrido entre estas dos opciones, siendo el primer programa público de artistas en residencia en Mallorca. La isla ha acogido desde hace más de un siglo a numerosos artistas que han encontrado inspiración en sus paisajes y sosiego en su estilo de vida. Su atractivo turístico, unido al desarrollo del mercado del arte y una escena cultural progresivamente más rica, ha facilitado la creación de numerosas residencias de artistas de carácter privado, entre las que destaca el reconocido programa del CCA de Andratx, dirigido por la galerista Patricia Asbaek, que acoge a artistas en sus estudios desde 2001. A diferencia de estas iniciativas, el programa CRIdA buscó una implicación directa con la ciudad que lo acogía y la integración activa en la escena artística local, buscando incorporar la obra de los artistas residentes en los programas expositivos y de actividades de las galerías y centros de arte palmesanos. Los artistas debían presentar un proyecto pensado para su residencia e idealmente en relación con la ciudad o el contexto de la isla, pero su ejecución y evolución se dejaba abierta a los procesos que se llevaron a cabo durante la estancia. El objetivo era ofrecer a los artistas un “tiempo incondicional”, sin que por ello la residencia se convirtiese en unas vacaciones. El espacio de los estudios se mantuvo a puerta cerrada, con horario libre para los artistas, pero se abrió al público al final de cada período de residencia con el objetivo de facilitar ese retorno a la comunidad local en forma de contactos, conocimiento y en ciertas ocasiones obras de arte que se integraron en el tejido urbano o se presentaron en exposiciones y eventos en galerías y centros de arte.

In their commitment to the production and the diffusion of contemporary art, the Fundación Banco Santander is pleased to present the catalogue documenting the activities carried out during the course of the CDIdA project (Residential Artist’s Exchange Programme), which ran from May 2011 to May 2012, in the Espacio Sant Jeroni of the Fundació Palma Espai d’Art. Today’s society is characterised by its mobility and global spirit. The artists, as critical observers of the reality which surrounds us, share a vision of our world as a large network where we are all connected. In this respect, the artists in residence programmes play a key part in the development of contemporary artistic practices, given that they facilitate the essential exchange between creative people from different geographical points. The intense programming for this interesting initiative facilitated the production and presentation of the work of 26 artists from diverse countries (Germany, France, Italy, United Kingdom, Holland, Lithuania, Serbia, Estonia, United States and of course Spain, where the presence of out-standing local artists should also be added to the list). The collaboration between the Fundación Banco Santander and the Casal Solleric, within the framework of the CRIdA project, led to the exhibitions Global by Martin John Callanan and Colonial Roleplay by Robert Gutiérrez and Albert Pinya. These two exhibitions with prestigious international acclaim marked the culmination of the one year cycle of residential programmes.

CRIdA (Centro de Residencia e Intercambio de Artistas) is a residential and exchange programme coordinated by Fernando Gómez de la Cuesta and Pau Waelder, which took place between 2011 and 2012 under the auspices of the Fundació Palma Espai d’Art and in rooms fitted out as studio spaces at the convent of Sant Jeroni. Over a period of twelve months the programme accepted a total of 24 projects created by 26 local, national and international artists, who were divided into six groups and were given two months accommodation in Palma, along with a financial stipend which enabled them to work and produce artistic projects specifically for this programme. Stemming from the conviction of Palma’s potential as a centre of artistic creativity and the necessity to establish connections between the local and the wider international artistic scene, the programme CRIdA invited artists from all over the world, paying special attention to those projects which proposed an intervention with the urban space in Palma or presented a reflection of life in the city today. Thus, the residential artists focused their eyes on the city, which opened its doors to them, whilst at the same time they were opening the doors of their studios to notable members of the artistic scene here on the island (critics, commissioners, gallery owners and directors of institutions) and of course to the public in general, through programmed visits and events. In this way the studios became places where the citizens of Palma could get together and have a dialogue with the invited artists. Starting from the third group, the local artists who participated in the programme operated under the same conditions and offered easy access and resources, adding a more direct line between the residents and the artistic circles on the island, triggering interesting synergies amongst themselves. This integration of local artists into the programme was possible thanks to a collaboration with the Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB) the first of several agreements to be reached between institutions and associations in the cultural sector of Palma. A special mention should be given to; the fruitful alliance with the CRCC (Centre de Recursos de Creació Contemporània) which granted the artists access to technical resources and spaces during the creation of their work; the generous assistance of the graphic workshops at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca who made it possible for the artists to produce ceramic pieces and printed works, and finally the support of Es Baluard Museum of Modern and Contemporary Art and the Casal Solleric, who placed their exhibition spaces at the disposal of several resident artists. Numerous art galleries, companies and individuals who were interested in the work of the artists in the CRIda programme also provided institutional support and collaborated with them and in this way they succeeded in integrating the projects into the local art scene.

The Fundación Banco Santander would like to express its thanks to the Mayor of Palma, Mateo Isern Estela; to the director of the Fundació Palma Espai d’Art, Pilar Ribal i Simó, to the curators Fernando Gómez de la Cuesta and Pau Waelder and to all those who made the programme possible, through their effort and dedication.

As a pioneering proposal at an institutional level CRIdA was the first public programme for residential artists in Mallorca. During that short period it established a reference model and affirmed the wealth of the local cultural scene to artists from Germany, France, Italy, United Kingdom, Holland, Lithuania, Serbia, Estonia, the United States and Spain, turning them into ambassadors for our islands and giving rise to stimulating gatherings and collaborations which continue to this day.

ANTONIO ESCÁMEZ Chairman Fundación Banco Santander

FERNANDO GILET SANCENÓN Deputy Mayor for Culture and Sports of the Palma City Council

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ENGLISH TEXTS

CRIDA #01 The way of the pioneers The first steps are never simple, it is always much easier to follow in the tracks of others than to pave your own way. It is because of this that CRIdA opened with a dynamic selection of enterprising artists, a seemingly heterogeneous group, which provided a mutually enriching environment for their respective projects by consolidating certain affinities. A collaborative, contagious, uninhibited atmosphere, which was clearly visible in the proposals from the first groups: a video-screening in Es Jaç1 bar-cum-exhibition space in Palma coinciding with the inauguration of PalmaPhoto, the presentation of their work in the CRCC2 and an open day in the Sant Jeroni3 studios.

GÓMEZDELACUESTA Versió en català en pág. 8 Versión en castellano en pág. 146

Marcos Cuesta and Théotime Gerber decided to focus their residence as an on-going work-in-progress, concentrating on the processes more than in the actual results, leaving their doors open to the public and making them the real focus of their project. Cuesta took his investigation through 3 related projects: Procesos and Trampas are refined case studies which are jumbled up in an orderly way thanks to the incorporation of found objects, surprise and chance, all with the aim of building impossible structures, some performative in character, which would require the intervention of the spectator to be completed. Continuous questioning of the role of the artist, the public and their relationship, culminates with the action “public inauguration”, where the creator incorporated his usual distorted elements and his acute awareness for the unconventional, on order to highlight certain attitudes affecting human relationships. Gerber starts from certain, deliberately ambiguous, recurring geometries to construct an iconic amalgam which brings to mind logos from popular brand names, certain symbols of resistance, certain significant scientists, futurist spaceships or even unidentified travelling asteroids. In his project 372 Palma_occulting Eros he in fact constructed a model of an asteroid where he brings together all this recurring iconography aiming to transcend the format and place it on the street as if it were a public sculpture. The project is completed by a video, which recreates the moment when the asteroid “Palma” eclipses the other one, named “Eros”, whilst playing a Lou Reed song which narrates an unfortunate love-story. A dream-like, [1] Videoproyecciones, Es Jaç, Palma, 2011. [invitation]. [2] Programació CRCC. October, November, December 2011, CRCC (Resource Centre for Contemporary Creation), Fundació Palma Espai d’Art, Palma City Council, Palma, 2011. [leaflet]. [3] Puertas abiertas en los estudios de creación de CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Palma City Council, Palma, 2011. [invitation].

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Logbook

The strength of the CRIdA project (Centre for Artists in Residence and Artistic Exchange) stemmed from the wide base of participants who by contributing to such an intense programme throughout the course of the year, made it possible for the residential project to successfully overcome one of the most difficult tasks for contemporary art: public support. In fact CRIdA was a project of integration which came about thanks to the support, initiative and collaboration of many different institutions, which also extended to other layers of the professional, cultural and civil framework. Twenty-six resident artists, along with the public and the collaborators, were the real architects of this collective project. By way of this travel journal, this peculiar logbook, we want to acknowledge the enormous professionalism, commitment and talent displayed by these artists throughout the year and, of course, their art.

Xavier de Kepper re-formulated part of his proposal to pursue a process inspired by some of the stimuli he had come into contact with since his arrival on the island, in particular, the invasion of striking “Se vende” (“For Sale”) signs which were highly visible across the island. The project came together as a production and installation of the aforementioned signs, which highlighted the excess: everything for sale and nothing sold, at a time when the economic crisis had already begun its inexorable path. The result could be seen in an [4]The intervention referred to is grouped together in the publication which accompanied another independent project in Palma and which, tangentially, also touched on the theme of urban art in the city: Iñaki Larrimbe, Unofficial tourisme: Palma, Acción Cultural Española, Es Baluard Museum of Modern and Contemporary Art, Palma, 2012. [guide]. [5] Santiago Morilla, Ornamento y detonación, ABC Museum, Madrid, 2011. [catalogue]. [6] Alart 2011, Art Night in Alaró, Addaya Centre of Contemporary Art - Casal Son Tugores, Alaró, 2011. [triptich].

installation created in the Casco Antiguo (the Old Town) in Palma and on the streets of Alaró, under the banner of Alart. The three projects developed by Josep Domínguez also bore reference to summertime in Mallorca. In Ángeles the artist established a singular metaphor which linked a strange phenomenon known as “balconing” to the myth of the fallen angel, a descent into hell which connected the deliberate and the unintentional. In his project Isla he also encompasses this romantic, dramatic vision adding a very contemporary aesthetic of the sublime to it: the imposing beauty of the landscape through the mesh of acidic colours and pixels. Sommersturm (Summerstorm) presents the sheer power and awe of nature as a video-appropriation of storms uploaded onto the internet and available on YouTube, which ended up becoming part of an atmospheric installation which took place in the CRCC. The razor-sharp perception of Moreno Carretero enables him to detect the humour, the irony and the contradiction, not always intentional, which lie under many of the current publicity devices which pepper our lives, whether we want them to or not, and condition our environment. With the skill of a miniaturist and his perception as an artist he brings together all this kitsch-like imagery, de-contextualising it and revealing the deception they adopt. Like a collection of artefacts taken from seductive publicity which are funny and yet sad at the same time. Taking these as his premise, the project Mecanismos inconscientes del horizonte leans towards surrealism and certain social sublimation as elements for creative debate, also accompanied by the installation La fuente de los deseos created for Alart, where the artist played with satisfied longings and frustrated expectations. Ale Zea questions the contemporary submission to mass media, the stultification provoked by the emission of trash TV. The artist starts with photomontages which employ elements related to advertising, but then inserts highly critical slogans into them. Some images prepared for printing full-scale were pasted onto the walls of the city, creating an effect of trompe l’oeil which drew attention to the true meaning of the phrases they contained. CRIDA #03 Society as motive of reflection Summer on the island of Mallorca was also an important influence on the work of Juan Carlos Martínez. A peculiar analysis of mass tourism in areas such as Magaluf and El Arenal, which not only tried to capture evidence of pleasure which is based on excess, but also the frustrations and deprivation which certain attitudes demonstrate. Frontier territory, which demonstrates how well Martínez handles the arena of ambiguity, establishing at the same time an incisive metaphor about our contemporary society. This project could be seen in the art gallery, Louis 21 in Palma. From the outset Roma Pas’s project clearly establishes links to the city: procuring various oil-paintings from the second-hand shops. The artist then goes on to completely conceal their surfaces, laying down layers of the grey which appears on Google searches when the images don’t upload, then goes on to hang these reworked canvases on the wall, in a way which resembles the mosaic which occurs after attempting these searches, a grouping which brings to mind the arrangement of paintings in the great salons of the XIX century. A proposal which reflects upon such essential concepts as the expression of the plastic art of today as much as the possibilities and the interferences of the new mediums, the reproducibility or the uniqueness of the aura. Pas also participated with the video-screening at the event

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visionary metaphor for the adventures of this celestial body which, after a fantastic journey, arrives at the city which bears its name. Santiago Morilla and Iván Izquierdo are drawn together by their shared affinity for drawing and for the mural style intervention. Mutual affection for the line materialises in concepts which they also have in common: the edible, the soft, the ethnographic, the urban, the ironic, and the unreal and always with a marked critical perspective. The pencil lines in Izquierdo’s expressive drawing, become threads with which to pull some lugubrious worms, as visceral as they are unexpected, from out of the pit of the stomach. Anthropophagy, cannibalism, head-shrinking, dissection, amputation, scalping and decapitations, man eats man, a never-ending circle of life, death and immortality. Good cannibals and bad cannibals appear in his work, in his animations; Bacon, Lynch, Sadam Husein or Berlusconi, bugs and men, geniuses and barbarians, are the protagonists of his Proyecto canibal. Morilla made use of two opposing walls on a vacant lot in the Casco Antiguo (Palma’s Old Town) to create a powerful urban intervention of more than 10 metres in height. The piece, Sobrasada extrema,4 creates an impressive and encompassing effect, where a playful, ironic perspective brings to mind many Mallorcan characteristics, whilst the process of formalization remains fixed in a singular stopmotion. A production completed with the workshop Heridas urbanas, Post-graffiti hoy and the creation of the pieces for his exhibition Ornamento y detonación in the ABC Museum in Madrid.5 CRIDA #02 A summer in Mallorca In a residential programme where the artists had to present a proposal which would interact with the city and, by extension, the island which would host them, it was foreseeable that the combination of Mallorca and the summertime would end up influencing a production which evolved from talking and reflecting on the actual geographic surroundings. This second group clearly displayed these territorial, environmental and social influences, using certain parameters from the new forms of urban culture. An interaction which modified the artist’s intentions in their individual projects as much as it did in the collective ones, which were: the group exhibition in the Casal Tugores in Alaró participating in Alart 20116 and in Buena Isla a parallel project conceived by Domínguez, de Kepper and Zea.

Juan Miguel Pozo delves into the propaganda iconography of the totalitarian regimes and the psychological resorts to which they resort to. A search which stands, not so much from the perspective of the social function of art, but more from the utilitarianism and aestheticism of their compositions. A few paintings built from pre-existing powerful icons, intervened, copied or invented, which could be seen in Palma in a solo exhibition at the SKy is the Limit gallery and in a mural intervention created in the Olivia restaurant. Adriana Cerecero‘s project also stemmed from views on social content: art formed to provoke discussion on many of the problems which are occurring in our world. Just as she had done in her previous project carried out in Mexico, when the artist touched on the problem of drug-trafficking, here she also employed clippings from the press to create an enormous piñata, which in this case, referred to the economic crisis. An interesting object which found its destiny in the Plaza Sant Jeroni, where it was struck repeatedly until it was broken, allowing eagerly awaited chocolate coins to fall from inside. A redeeming catharsis to the bad times caused by this crisis. Cerero was the first artist to be selected thanks to the collaboration agreement between CRIdA and the Association of Visual Artists in the Balearics, and thus one of the members of the aforementioned associations was elected to work in the workshops of Sant Jeroni. CRIDA#04 The object and the concept A marked international presence of artists coming from Lithuania, Serbia and Estonia, like Ruta Butkute, Aleksandra Rasulic and Varvara Guljajeva, were accompanied by Marcos Vidal, a Mallorcan born in Vitoria along with Mar Canet from Barcelona. Wide-ranging backgrounds which provoked interesting synergies in the studios and which converted these artists into great ambassadors for the island of Mallorca after they had completed their residency. In spite of their projects being diametrically opposed, the works of Butkute, Rasulic and Vidal had a common desire to employ truly everyday objects in their creation of much more complex concepts. Demonstrating her interest in architectural patrimony Butkute selected physical elements, bringing to mind an archaeological find, taking them out of context and playing with the ambiguity of converting the familiar into the unfamiliar. The artist arranged the selected objects in extended scenographic installations which usua lly incorporate the human body, in this case in collaboration with the ballerina Caterina Barceló, whilst making a video recording of the interactions that took place. Butkute investigates the sense and the value of the monument, while she considers processes of mutual recuperation between culture and nature by means of found objects, ceramics created at the FPiJM (Pilar and Joan Miró Foundation) and industrial materials. The drawings and watercolours by Rasulic represent elements linked to the channelling or containment of water. Taps, showers or tubes which serve to affect, from another point of view, in the metaphor of the liquid element as the source of life, also resorting to other concepts such as regeneration, subtlety and the beauty of the everyday object. The [7] La nit del Glam, Es Jaç, Palma, 2011. [invitation]. [8] Jelle Bouwhuis, Roma Pas, Amsterdam, Potato Publishers, 2013. [catalogue].

Reality Show by Vidal also took seemingly ordinary objects as a starting point in order to continue his investigation about popular culture from a distinctly critical perspective. Beginning with the appropriation of these elements, applying hand-made processes and incorporating a caustic sense of humour, Vidal establishes a tragicomic social reflection where indolent TV voyeurism, the new concepts of intimacy and even questioning the idea (ideas) of Spain. Ceramics and screen-prints produced at the Pilar and Joan Miró Foundation for the second artist thanks to the collaboration between the Association of Visual Artists of the Balearics, and CRIdA, in accordance with the forms and style of the “objet trouvé” and assemblage. El flujo del Mar was the title of the project where Varvara Guljajeva and Mar Canet continued exploring the expressive possibilities of the flow of data which circulates between the thousands of digital devices we use every day, on this occasion they focused their attention on the maritime traffic in the Port of Palma. A proposal which converted the movement of the boats, whose positions are detected by radar, into sonorous compositions in real time which change according to the position of the various vessels. The artists presented their work as a concert of generative music on the terraces of the Es Baluard Museum of Modern Contemporary Art in Palma, in front of the port, along with several screen-prints produced at the Pilar and Joan Miró Foundation. Also to celebrate the “Buy Nothing Day”, they organised an international tournament of its game Shopping in 1 minute, which consisted in scanning the bar-codes of different products which they had within reach, all within the time limit in exchange for 1 point. Whilst the time limit adds excitement it also reflects on the anxiety with which we surrender ourselves to consumerism, a ploy which converts shopping centres into playing fields, whilst we handle the products without buying anything. CRIDA #05 Contributing, contextualising and growing The interaction and integration between the work and the physical, conceptual and emotional environment where it was produced brought the projects of this fifth generation of residents together. An interesting adaption which aided them in fulfilling several of the objectives of the programme: the mutual growth, the reciprocal influences, the integration into the environment and the personal investigation from the different viewpoints of the selected artists. Amaya Bombín’s project entitled Roters stemmed from some strange popular constructions called “cases de roter”. In the past a “rota” was the barren land which the Lords granted the poorest farmers, where they were allowed to construct a few dry-stone walls which would provide them with shelter whilst they were working in the fields, a few houses which were constructed with the very same stones the workers had removed from the land in order to make it suitable for cultivation. The artist aimed to create an ephemeral intervention by staining the stones red, a strong symbolic colour which dominated the project and which emphasised the vindication of our ancestral culture in the face of the contemporary maelstrom. The proposal was completed by creating several pieces with the stones, positioned as isolated elements which stressed the importance of the individual in the collective construction and with graphic work produced at the Pilar and Joan Miró Foundation. The urban landscape was already a

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of La Nit del Glam, organised by Es Jaç, coinciding with the Palma Nit de l’Art7 and her production in CRIdA is recorded in a publication along with her recent work.8

(Des)apariciones marianas by Nerea de Diego continued with her on-going exploration into myths and realities, centring, on this occasion, on the meeting point between catholic images and popular culture. Interested in the impromptu altars as forms of anonymous creativity, the artist traversed the historical centre of Palma in search of these popular signs. The close ties with the Covent de Sant Jeroni brought her into contact with the nuns, to know their places of worship and document them through a series of photos. She also embarked on this labour of documentation in several ephemeral interventions, in the style of small chapels, which the artist produced in the vicinity. Her project in Palma terminated with the installation of a figure of the Virgin Mary produced in dry, unfired clay and positioned in plain view in the courtyard of the Casal Solleric, in the hope of engendering an appearance and a subsequent disappearance of the aforementioned representation of the Mariana. The project by Bartomeu Sastre, third artist in CRIdA thanks to the collaboration agreement with the Association of Visual Artists of the Balearics, also had a clear conceptual and physical interdependence with the city and our society. Sastre is especially interested in how language can convert the perception of reality, often working with the ambiguity of the written message and the influence of the context. In his project We are the new slaves10, produced in collaboration with Marcos Cuesta (resident in CRIDA#01) he produced a penetrating reflection on the dominant structures of power and a critique of the economic crisis where he accentuated the social inequalities, incorporating elements from publicity and merchandising to do this, such as badges and posters where he managed to insert his message in different vital strata. CRIDA#06 The maturity of a project It was in its final stage when the programme acquired a complete mechanism which permitted the conceptual and formal development of the proposals and offered the artists a possibility to exhibit in well-known art spaces on the island, sharing the weight of the CRIdA project in the development of contemporary art in the Balearics. A programme which culminated with a farewell party bringing together a large part of the agents involved in the creation of the residential project.11

of the sea, images which are reduced to mere blocks of light and dark blue due to the limited resolution of the camera and the darkness would fail to differentiate; a search for recognised coordinates before the incommensurability of that which surrounds us which evolved into a series of engravings produced at the Pilar and Joan Miró Foundation. In his other project, Callanan also turns to the unquantifiable and uncontrollable to express our true place: Guerres durant la meva vida, (Wars during my life-time) on the other hand, it is a project presented in Catalan, which consisted in publishing a thousand newspapers which contained a list of wars which occurred around the world during the 30 years of the young artist’s life. This work, along with others, was presented in a solo show named Global, within the cycle (HIPER)vincles at the Casal Solleric. In the same group of residents Robert Gutiérrez and Albert Pinya devised a joint project Role Play Colonial. The central point of this work was a reflection on the Spanish domination of the Philippines from the perspective of the Philippine artist, Gutiérez and the Spanish artist Pinya. A multidisciplinary approach which placed emphasis on disappearance and concealment, on how history is written as a system of expunging and conventions, whilst the artists carry on stifling (van soplando) their ideas, establishing an analogy with the actual information which was buried on account of interest, which was obviated by manipulation and was forgotten by the passage of time. Mauro Ceolin spent time investigating the ways in which nature is represented in the collective imagination, particularly in the bosom of popular culture evolving from the growing influence of the new technologies. He dedicated his residency to exploring the representations of the cosmos through the ideas and the iconography of films and science fiction series understood in the wider sense. Working intensely on documenting the frames of these films as well as their sound-tracks for his proposal CRIdA Studies, the project culminated in an audio-visual piece where the artist projected a series of images synchronised to sound which the public could download, in advance, and listen to in private on their mp3. This acousmatic concert took place in the Aljub of the Es Baluard Museum of Modern and Contemporary Art in Palma12. The work of Neus Marroig was also characterised by a documentary investigation in which the visual and the recorded sound appeared inexorably united. Marroig, the fourth participant thanks to the collaboration with the Association of Visual Artists in the Balearics, emanated from stories and people who were close to her, fashioning her projects from her surroundings. In Quan els calcetins es cusen she interviewed a number of people who related anecdotes and memories associated to the act of sewing, linked to the sphere of housework, to the role of women in society and to the dynamics of the family in the past and the future. Photographs, drawings and objects accompanied the recordings of the voices, in a project which gathered together memories and experiences to reconstruct history from the sum of the fragments.

In Lost at Sea, Martin John Callanan, an artist dedicated to exploring the individual’s position in the systems which dominate our existence, which are beyond our control, sets a device adrift in the sea which regularly emits images of the sky and the bottom [9] Enlloc, ABA Art Contemporani – Convent de la Missió, Palma, 2011. [invitation]. [10] The proposal is mentioned, along with the project Sobrasada extrema by Santiago Morilla, at the publication: Jordi Pallarés, “Graffitis i altres intervencions urbanes a Mallorca”, Entorn de Calvià. Art, Calvià City Council, Calvià, 2012, p. 38-58 [magazine]. [11] Fiesta de despedida CRIdA, CRIdA, Fundació Palma Espai d’Art, Palma City Council, Palma, 2012. [invitation].

[12] Mauro Ceolin, CRIdA Studies. Paisatge sonor acusmàtic, Es Baluard Museum d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma, 2012. [diptich].

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reference in Ronda Bautista’s work, therefore the effect which Palma had on her work came as no surprise. Bautista focused her attention on what she calls “mutant spaces”, places subjected to changes because of their progressive deterioration or transformation, be they buildings under construction, ruins or other signs of progress. An archaeological investigation which left an accurate expression of the frenetic rhythm we subjected to nowadays. Bombín and Bautista presented their work in Enlloc, an exhibition for the ABA Contemporary Art gallery – Convent de la Missió de Palma.9

Pau Waelder Versió en català a pàg. 18 Versión en castellano en pág. 154

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Manifesto For artist’s moBiliTY

1. Every artist should develop his/her work within the consciousness of a local and global context, maintaining contact with his/her own surroundings and current artistic movements on an international level. 2. An artist should change his/her place of residence, or travel on a regular basis to willingly submit themselves to outside influences, perspectives and other cultural scenes. 3. Institutions should create residential programmes for artists, which allow them to develop their work in other locations. 4. The circulation of artists and other professionals in the art world prevents stagnation in local artistic circles, facilitates exchanges and discussions on an international level. This flow of people and ideas nourishes the art world. 5. Artist-in-residence programmes should provide adequate conditions for the artists in the same way as a good host/hostess provides for his/her guests. 6. Artists should be offered accommodation free of charge or at a low price, a studio, financial support for the production of their work and technical assistance. 7. The artists should be provided with suitable conditions for their manual and intellectual labour: ample, well-equipped spaces, adjustable lighting, privacy and technical resources to develop their work. 8. Not all artists are painters: a residential programme should be equipped to handle photography, video, performance, sculpture, urban interventions, projections, serialised work, new technologies and more besides. 9. Every artist who participates in a residential programme should be integrated into the local art scene where they are residing: this is one of the main tasks of the organisers of the residency programmes. 10. The artist’s work is worthy of being presented in public and studied; get-togethers and presentations, as well as critical studies of the artist’s work, should be organised. 11. An artist-in-residence programme should be a keystone between institutions, groups and autonomous professionals in the local art scene. 12. The number of artists invited and their length of stay should be related to the objectives of the residential programme and the projects of the artists: the number of artists should be limited to the available studio space and human resources available and the duration of the stay should provide sufficient time for them to complete their projects. 13. On their return home each artist-in-residence becomes an ambassador for their host community. With this in mind, the residential programme should draw the artist’s attention to the richness of the local area and create links with other regions. 14. The artists-in-residence programmes, as any initiative which promotes the mobility and creative development for professionals in the world of art and culture, should be a priority for the public institutions.

“There is no single, unfailing recipe for establishing a residency, because a residency responds to a need to connect with art that is different from those met by an exhibition, biennial or festival. It is an outcome of time, place and people and it offers an opportunity for enduring relationships”. [1] This statement contains an essential factor regarding a residential programme: it should not be governed by the same parameters regulating other events in the art world, marked by public presentation and a defined time scale. In the first place, the artistsin-residence programme works on a live-in basis: it provides lodging and studio space for the artists allowing them to distance themselves from their daily routine and to find inspiration in a (relatively) unfamiliar place. This brings about a process which evolves over time, where the artist requires privacy and the freedom to establish their own work patterns. Very different to the brief “high voltage” meeting [2] between organisers and artists (not forgetting the public) that occurs when planning an exhibition, the residency establishes other forms of collaboration and interaction with the local art scene. In this way, they produce, in many cases, lasting relationships between the artists-in-residence, the professionals from the world of art and the actual community where they are staying. Understanding this particular temporary dimension and the focus on the process and the experimentation, more than the result, is essential to understanding the nature of the programme for the artist-in-residence. Different space, unconditional time A space and time different from that which defines an exhibition or a biennale are characteristic aspects of an artist’s residence. Johan Poussette, curator of The Baltic Art Centre, spoke of “unconditional time” [3] in the context where the art institutions of the world form part of the entertainment industry which leaves ever decreasing space available for experimentation and research. The artist-in-residence is given a specific period of time to work, be it for a specific project or part of a wider plan in progress. As the sole governor of the way their time is spent the creator is under no obligation to produce an end product as a result of their residence, should he/she be able to demonstrate the process of the work they have been engaged in. It’s worth mentioning that since the very beginning, the programmes for artists-in-residence have had the aim of educating artists or allowing them to escape from their daily routine: the French Academy in Rome, founded in 1666, provided lodging in the eternal city so that awarded

artists could reside there for five years and study classical art, whilst the majority of residences offered up to the end of the 20th century followed the model of an artist’s colony. Since the 1990s the artist-in-residence programmes have been progressively moving towards something approaching the concept of a laboratory or a space for reflection and experimentation. Time dedicated to investigation is not only lengthier than the time it takes to show work in a public exhibition space, but the space itself also determines a certain dynamic. Odile Chenal, in charge of the Research and Development Programme for the European Cultural Foundation in Amsterdam, suggests defining a residency as an act of living and of being employed in “a space of difference”. [4] In this space the artist participates in a system of different relations, which allow for a dialogue between the host organisers, other artists and professionals from art world, as well as their becoming involved in processes of “trial and error“ which are not permitted in the context of an exhibition space. Chenal stresses the fact that this particular situation frees the artist-in-residence programmes from ties to geographical mobility, which in turn benefits the local artists. Cognisant of the artistic scene and the resources which are available, local artists find a residency in their own neighbourhood presents an opportunity to be involved in the process of “a space of difference” and establish contact with artists from other areas. Despite the conditions of the space and the temporal dimension of a residency programme, not everything takes place behind closed doors. Activities are set up (in keeping with the rhythm of the artists’ work) which build connections with professionals in the local art scene and exhibit the work to the public. This is where the return for the investment can be found – in the relationship between the artists-in-residence and the local community. New players in the cultural fabric contribute a wide range of possibilities [5] offering not only to the public but other professionals (curators, critics, artists, gallery owners) the opportunity to get to know the residents themselves and their work. The artists also have the opportunity to talk about their experiences with the host organisers and establish trans-local connections. Therefore, the “benefit” of an artist-in-residence programme is measured, not in the collected works of art or in figures, but by integrating the local art scene into national or international networks which benefits all those concerned. The artist Hagen Betzwieser sums this up in the following way: “...it is not about leaving an artistic work as a kind of payment. What is much more valuable is a long-term relationship between artists and an institution and the people operating it. In this way, a network is built up via residencies and the friendships that grow out of them. As participating artists go on to achieve success, this reflects back onto the institution, providing reputational currency to fuel its future efforts.” [6] Trial and error In her analysis of programmes for artists-in-residence in Spain, Marta Gracia, in charge of the Art Motile platform, distinguishes between two principle kinds of programmes: the first, which is placed in a rural environment, follows the model of an artist’s colony, aided by an organisation or art patrons from Northern Europe: the other is located in an urban setting and is aimed at local artists and framed in a wider programme in an art centre [7]. CRIdA was created as a hybrid model between the two options, being the first artist-

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Nowadays, writing a manifesto might appear outmoded or maybe hard line. This is not my intention. The fifteen points, as outlined above, are a summary of reflections and decisions taken over one year while the experimental CRIdA project (Artist-in-Residence and Exchange Programme) took place. This project came about thanks to Fernando Gómez de la Cuesta, myself and the Fundació Palma Espai d’Art. It is not intended to be a guide, neither is it a model book of rules for the artists-in-residence, because a sole model for this type of initiative does not exist. Some residencies offer only lodging and studio space, others pay the artists a monthly stipend, whilst there are those who charge for a specific workshop or ask the resident for their work as payment for the resources provided. Therefore, it is not exclusively concerned with a list of requisites or services, but rather the dynamics and certain objectives which establish guidelines for the project. As outlined by the curators Ika Sienkiewicz-Nowacka and Agnieszka Sosnowska:

where some have virtually become local artists, with their work on permanent display on the island, exhibitions in Palma city galleries and projects with Mallorcan institutions. In fact, several local artists have fostered relationships beyond the geographical boundaries of the island, although the full “exportation” of local talent was an aspect that the programme was unable to develop during its brief existence. All in all, the demarcation between the local and the global context in today’s artistic practices faded away in light of the evident quality of the local artists’ contributions and the importance that participating in exhibitions and projects in the cultural scene in Palma offered the artists on the international circuit. The CRIdA experience indicates that it is less and less pertinent to talk about local art: an artistic scene, no matter where, is linked to one network which operates on a global scale. Thus, the more the links in this network are strengthened, the greater the relevance of a particular location, which visibly increases the quality and diversity of its cultural events. This is only achieved by promoting the mobility of artists and other professionals in the world of art. An essential condition of today’s art deserves an outmoded or hard line manifesto.

All this took place in a dynamic of experimentation and open dialogue, allowing the artists to simultaneously experience the freedom of trial and error whilst revealing (by means of a blog which was set up for the programme) their progress, doubts, ideas and solutions. Allowing for the “happy mishap”, as defined by Johan Pousette [8] was one of the guidelines for the programme, however the artists rarely abandoned their line of work, although on several occasions new avenues of investigation arose from ideas proffered by other residents or from the environment around them. As any interaction between people, it goes without saying that not all of the exchanges were equally productive, neither did they generate relationships of equal intensity, but there is no doubt that the trials and errors which surrounded the artists and curators alike during the twelve months of this experiment generated excellent results. Local Art? A fundamental aspect of the CRIdA programme was the participation of local artists, integrated with each group of residents and provided with the same resources (except accommodation) and status. In a project devoted to establishing relations with other geographical zones, the contribution of these artists led to the development new collaborations (such as Marcos Vidal’s proposal to set up workshops at the Pilar and Joan Miró Foundation in Mallorca) and also gave rise to the actual definition of what is considered local art or a local artist. Kaja Pawelek, curator and historian, points out the loss of geographical demarcation in the art of today:

[1] Ika Sienkiewicz-Nowacka and Agnieszka Sosnowska, “Introduction to Retooling”: Anna Ptak (ed.) RE-tooling RESIDENCIES: A Closer Look at the Mobility of Art Professionals. Varsovia: Centre for Contemporary Art, Ujazdowski Castle, 2011, 16. [2] Ika Sienkiewicz-Nowacka and Agnieszka Sosnowska, op. cit.,20. [4] Odile Chenal, “Why Invest in Residencies?”: Anna Ptak (ed.), op. cit., 213. [5] Johan Pousette, op. cit., 47. [6] Hagen Betzwieser, “Globalised Artist”: Anna Ptak (ed.), op. cit., 86.

[7] Marta Gracia, “Programas de residencias para artistas en España: una breve introducción”, Art Motile. Artículo en línea; consulted 29/7/2013. www.artmotile.org/index.php/es/investigacion.html [8] Johan Pousette, op. cit., 47.

Paying equal attention to both artists-in-residence and local artists, CRIdA prospered from a more fluid relation amongst visitors and the city’s artistic scene, up to the point

[9] Kaja Pawełek, “Gone to Patagonia for Six Months”: Anna Ptak (ed.), op. cit., 69.

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in-residence programme in Mallorca. For more than a century the island has welcomed artists who have found inspiration in its landscapes and serenity in the way of life here. Its appeal to tourists, together with its growth in the art market and a progressively richer cultural scene, has paved the way for numerous private artist-in-residence programmes, one of which is the recognised programme in Andratx, under the direction of the gallery owner Patricia Asbaek, who has been offering studio spaces to artists since 2001. In contrast to these initiatives, CRIdA sought a direct involvement with the city and an active integration into the local art scene, by seeking to incorporate the work of the artists-inresidence into the exhibition programmes, gallery activities as well as the city based art centres. The artists were asked to submit a plan and ideally it had to bear relation to the city or the context of the island. However, the implementation was unspecified and in this light it was left open to experimentation which could develop during the residency. The aim was to offer the artists an “unconditional time”, while not turning their residency into a holiday. The studio space was behind closed doors, where the artists had an open timetable, but at the end of each residency the studios were opened to the public with the idea of reintroducing the artists into the local community through social contact, discussion and on occasions via works of art which were integrated into the urban fabric or displayed in exhibitions, gallery events or in art centres.