HECATOMBE
DE
ESPERANZA Gottfried Helnwein
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Nombre: Cristofher Villagra Taller Editorial Profesor: Javier Cancino Díaz Tipografía: Univers Light y Oblique, Rockwell Bold Programas: Photoshop CS3, Indesig CS2 formato 20 x 20 cm. Cerrado Edición 2008, Santiago de Chile.
HECATOMBE
DE
ESPERANZA Gottfried Helnwein
“Mi arte no es una respuesta, es una pregunta”. GOTTFRIED HELNWEIN
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" El arte es para mĂ un arma con la cual puedo devolver el golpe."
GOTTFRIED HELNWEIN 7
Prólogo A lo largo del siglo XX y lo que llevamos de este, el arte se ha visto envuelto en una serie de transiciones cambiando ideales y revolucionando su propia definición, creo que su función se ha modificado después del siglo XX, Al vivir atrocidades históricas él hombre terminó siendo un ser miserable pero con posibles que permiten traerle un poco de felicidad, que convierten lagrimas en risas pues al final, el llorar como el reír vienen de lo mismo. Utilizando el dolor como una posible forma de manifestar algo, Helnwein a logrado transformar ese sentimiento en grandes obra de arte. El consenso de un mundo obsesionado con no remover las entrañas de la tranquilidad, ha generado que “lo políticamente correcto” se haya convertido en un síntoma de excelente buena salud. La salud social que se predica con el objetivo de creérsela como un dogma de fe y, de esta manera, no tener que pasar el trance de cuestiones que exigirían las respuestas traumáticas, desconcertantes y poco adecuadas que un mundo de talante y vocación hipócrita, no está dispuesto a digerir. Quizá por cuestión de estética las macroestructuras sociales, culturales y políticas estarían posiblemente dispuestas a aceptarlas pero dudan incluso de sí mismas y de su capacidad de reacción. Este alien creado entre todos y con el consentimiento de todos, está dispuesto a saciarse de sus propias falacias pero lo que indudablemente no puede es aceptar que se las recuerden o si quiera que se las insinúen. En esta coyuntura la filosofía juega un papel de chico bueno: reflexiona sobre los acontecimientos y busca respuestas plausibles que tranquilicen todas las sensibilidades incluso las más inconformistas porque al final todos acabamos sucumbiendo ante lo incontestable. Pero especialmente la filosofía busca con argumentos enamoradizos tranquilizar todas y cada una de las conciencias humanas con la disculpa de enseñar a vivir.
Helnwein working Hamburger Schauspielhaus 9
Sin embargo el arte, por lo menos una parte del arte, ha sabido siempre mantener su libertad de actuación e insinuación. Su capacidad de protesta y de emitir alegatos inconformitas han resultado ser ilimitadas y bastante incómodos. El arte no siempre tiene la posibilidad de romper estructuras pero al menos puede removerlas, inquietar a sus guardianes y evitar un sueño placentero y sordo ante las flaquezas y enfermedades del mundo actual. El arte del compromiso es un hijo pródigo que reniega de la protección convencional e institucionalizada del hogar. Un hijo capaz de contravenir las reglas del protocolo y el orden. El arte, en este sentido, se convierte en una enorme bolsa de oxígeno que alimenta la dignidad. No todo el arte está dotado de esos aspectos curativos y catárticos. Cuando por casualidad tropezamos la mirada con ese tipo de arte, la mente se conmueve y se agita. Salen al exterior toda clase de estímulos ocultos y muchas veces inconfesables que provocan una especial comunicación basada en la complicidad. En ocasiones no es pretendida y surge como un encuen-
tro casual; otras veces la actitud del artista estimula la reacción provocando reacciones en cadena no siempre controladas. Muchas de las respuestas pueden, ni siquiera, ser atendidas, pueden no importar o interesar al artista, pueden incluso ser buscadas para ser desechadas o analizadas como una cobaya desconocedora. Las más de las veces, las voces cualificadas de la sociedad se alzan contra toda manifestación artística que les remueve la conciencia. No siempre las entienden siquiera pero el mero hecho de no entender cuáles son las pretensiones del artista las hacen ya peligrosas. Por ello la propia sociedad se defiende lanzando hordas de críticos de arte y de teóricos, de periodistas y sociólogos, de filósofos y hasta de políticos contra lo que no se puede entender desde la tranquilidad de una butaca. Gottfried Helnwein conoce bien el malestar que siente el público cuando se le confronta con imágenes de niños representados no de forma inocente sino con una poderosa identidad sexual. En su trabajo, y especialmente en sus dibujos en papel, él ha creado algunas de las mas poderosas e inquietantes representaciones de infancia abusada en la historia del arte.
Helnwein en el estudio 2008 Foto de Irlanda: hamish brown 10
Sin SĂtulo 1989 Acuarela y lĂĄpicez en Cartulina
No estamos hablando sobre la forma eliminando la pulsión innata que nos estimula a rechazar o negar obstinadamente aquello que no reconocemos, las manipulaciones e interferencias (La Intrusión) que los adultos llevan a cabo en el cuerpo social de la infancia son denunciadas. Helnwein no solo se limita a señalar el problema sino que lo aborda inmediatamente sin apartar la mirada ni rendirse. Él trata de capturar la esencia, la fuerza derivada de ello y se lo ofrece al espectador, cuyas certezas comienzan a vacilar. Además, se trata tanto el reconocimiento de la “fluidez” de la elusividad de la infancia como el deseo de comprimirla en un entorno fijo y asegurado. En muchas de sus pinturas y fotografías chicas jóvenes son retratadas con sus cabezas o sus manos (el sentido del tacto) casi completamente cubiertas por vendajes, una manera de evitar, a través de la supresión sensorial, todo contacto con el mundo o la posiblidad de estar en contacto con él. En otras palabras, el artista intenta ahuyentar una vez más la contagiosa e incontrolable carnalidad que los sentidos infantiles son capaces de proyectar en su ser. Sin embargo, las ideas de Helnwein sobre el tema de la infancia son más complejas que esto. Las muchas imágenes de niños sufriendo, una inquietante forma de sufrimiento fijada en el temor como la consecuencia de algo de lo que ignoramos la causa (¿que si no la sombría irracionalidad?), también tiene la función de despertar nuestros ya anestesiados sentidos ante los sufrimientos del mundo. 13
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“He aprendido más del Pato Donald que de todas las escuelas a las que he asistido.”
GOTTFRIED HELNWEIN 15
Biografía Gottfried Helnwein nació en Viena en el año de 1948, su infancia fue afectada en cuanto a las transformaciones sociales que le tocó vivir a Europa debido a la segunda guerra mundial, incluyendo los cambios de pensamiento y de ideales que se comenzaban a transformar con el cambio de la generación de los padres de Helnwein y de él mismo. Estudio artes plásticas en la universidad de Viena. En sus épocas de estudiante fue un alumno rebelde, que practicaba rituales al estilo performance o body art con la intención de utilizar la sangre y la violencia no sólo como protesta sino con el intento de crear arte de vanguardia muy de moda en esos tiempos. Siempre ha mantenido un profundo interés por el cine la literatura, la música y el teatro, encontrando en todas estas ramas de la estética herramientas de sustento para su proceso creativo, siendo para él los más importantes, la pintura y la fotografía. Dentro de su currículo vitae es un artista con una extensa cantidad de obra que se ha exhibido en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Ha tenido la oportunidad de trabajar con importantes directores, cineastas, músicos actores; gente de peso importante a nivel político, intelectual y artístico. En su vida privada es una persona casada y con dos hijos; su familia es una parte elemental en su vida y esto se ve reflejado en su obra, ya que en algunas de sus obras, ya sea fotografía o pintura, aparecen como modelos. Actualmente reside en un castillo en las afueras de Irlanda con su familia, en donde tiene su taller.
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Roter Mund (Monta単a Roja) 1978 Acuarela en Cartulina
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“Aveces me digo resiste.”
GOTTFRIED HELNWEIN 19
Roter Mund (Monta単a Roja) 1978 Acuarela en Cartulina
Cronología 1982
La Universidad de Ciencias Aplicadas le ofrece a Helnwein una docencia, la cual rechaza.
1985
Rudolf Hausner recomienda a Helnwein como su sucesor para el puesto de profesor de master class de pintura en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, sin embargo Helnwein se muda de Viena a Alemania. La película “Helnwein”, producida por la televisión Nacional de Alemania y Austria, recibe el premio de AdolfGrimme como mejor Documental para televisión. También recibe los premios Eduard-Rhein y Goldenen Kader. Además de su obra realista realizada durante éste periodo, Helnwein empieza a desarrollar estilos abstractos y expresivos de pintar.
1988
En recuerdo de La Noche de los Cristales Rotos (Kristallnacht), el principio del Holocausto, hace cincuenta años, Helnwein instala una exposición de cien metros en el centro de la ciudad de Colonia, entre el Museo de Ludwig y la Catedral de Colonia. Después de esto ha hecho exposiciones de gran envergadura en lugares públicos como una parte importante de su trabajo.
1990
Empieza a centrarse en fotografías de cámara digital e imágenes generadas por computadora, las cuales combina con técnicas clásicas de pintura al óleo.
1994
Diseña el escenario del teatro, el vestuario y el maquillaje para Macbeth. Una producción del Teatro de Coreografía de Johann Kresnik en Volksbuhne Berlin.
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1997
Se muda a Irlanda. Trabaja con el grupo alemán Rammstein en la sesión de fotos para el álbum Sehnsucht. En este mismo año el Museo del Estado de Rusia en San Petersburgo organiza una exposición retrospectiva y publica una monografía del artista.
2000
El Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Arte del condado de Los Angeles y otros museos americanos exponen las obras de Helnwein.
2001
Diseña la escenografía y el vestuario para Hamburgische Staatsoper, la ópera de Igor Stravinski (The Rake’s Progress).
2002
Establece su taller en Los Ángeles. Estrena el Documental de Helnwein Novena Noche de Noviembre (Nenuter November Nacht) en el Museo de Tolerancia, Centro de Simon Wiesenthal en Los Angeles. Colabora con Marilyn Manson en el proyecto multimedia La Era Dorada del Grotesco. También hace vídeos y proyectos de cine con el actor Sean Penn.
2004
Hace la exposición El Niño en el Museo de Bellas Artes en San Francisco. Colabora con Maximilian Schell para la ópera de Richard Strauss Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) en Los Angeles. Helnwein recibe su ciudadanía Irlandesa.
Roter Mund (Monta単a Roja) 1978 Acuarela en Cartulina
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“Cicatrices de guerra, expresiones de dolor, desesperanza, ¿quienes sufren en las guerras?, cuerpos docentes, niños inocentes.” CRISTOFHER VILLAGRA 25
OBRAS
EN
ACUARELA
Sin SĂtulo 1970 Acuarela y lapiz en Cartulina
Antonin Artaud 1989 Acuarela y lapices pastel en cartulina.
Mutter - Du hier? (Madre, eres tĂş?) 1971 Acuarela en papel.
Sonntagskind (Ni単o en Domingo) 1972 Acuarela en Cartulina.
Peinlich (Embarazoso) 1971 Acuarela y lapices de color en papel.
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“La función del artista es evocar la experiencia del reconocimiento sorpresivo: mostrarle al espectador lo que él sabe pero no sabe que sabe.Y Helnwein es un maestro del reconocimiento sorpresivo.”
WILLIAM BURROUGHS 33
Análisis Obras
En las obras de acuarela que se escogieron no son en su totalidad, sino que a mi parecer son un resumen de su trabajo, por su representación y fuerte impacto social en su mayoría la representación de una niña no mayor de nueve años con el rostro, las manos vendadas, sus orejas vendadas y/o algún otro sentido; la representación de esto quiere representar la multiplicidad de sentimientos que cruzan por el espectador, ya que al contemplarla por primera vez uno siente tranquilidad al ver a una niña con su vestidito; segundos después uno comienza a experimentar ternura porque solo es una niña, y al observarla y comenzar a ver que es una niña sin rostro, el espectador siente lástima y tristeza porque tan solo es una niña. Es obvio que el haber elegido a niños para crear discursos sociales y políticos no es gratuito en Helnwein, porque crea en la conciencia del espectador mucho mayor impacto el ser inocentes y no adultos, el hecho de pensar tan solo en que es un niño indefenso, genera que nuestras sensaciones se dupliquen. Por ejemplo es lo que sucede con Beautiful Victim I, Beautiful Victim II y Lichtkind (Child of Light), donde la soledad, el aislamiento y el quite de los sentidos son fuertemente marcados. A pesar de los tonos tan suaves y tranquilos con los que está pintada esta obra, el silencio y la fragilidad que reflejan crean contradicción y fuerza. Siempre las entienden siquiera pero el mero hecho de no entender cuáles son las pretensiones del artista las hacen ya peligrosas. Por ello la propia sociedad se defiende lanzando hordas de críticos de arte y de teóricos, de periodistas y sociólogos, de filósofos y hasta de políticos contra lo que no se puede entender desde la tranquilidad de una butaca. En el fondo molesta toda indisciplina que se apellide libertad.
The Intrusion 1971(Detalle) Acuarela, lapices de color en cartulina. 34
Beautiful Victim II 1974 Acuarela en cartulina
Beautiful Victim II, lo que lo hace interesante de esta niña que se encuentra vendada, que es como si estuviera realmente muerta; ya que uno conoce y percibe el mundo por medio de los sentidos y el hecho de que esta niña tenga todo el rostro tapado menos la nariz representa a un ser vivo pero sin vida, como en estado vegetativo. El saber que no puedo ver ni escuchar ni sentir no me hace saberme como humano; el tener que contemplar una imagen que nos dice esto nos hace sentir culpables como individuos y como sociedad, primero, porque sabemos que esto es una verdad que ocurre todos los días y lo permitimos, segundo, porque traemos seres inocentes al mundo y los terminamos infectando y contaminando con la maldad y el sufrimiento. Por eso, después de sentir un fuerte impacto ante esta imagen tierna pero desgarradora comenzamos a tener mucha culpa y curiosidad de saber por qué esta niña se encuentra en ese estado. ¿Será por qué un adulto le hizo daño?, ¿Así nació? Es decir, comienzan
una serie de preguntas con diversos planteamientos que dependen de cada espectador, ya que éste se preguntará en base a su propia manera de ver el mundo y la percepción de cómo lo habite. Podemos decir que esta pieza está hecha con una excelente calidad. Su precisión técnica, es decir, el acercamiento que tiene la figura con la realidad le otorga credibilidad a la obra. En cuanto a la figura, esa niña despedazada tiene alma, lo que le da la vida a la obra y al mismo tiempo se la quita por el hecho de estar sin rostro, sin mirada. La composición de la obra está muy equilibrada, la iluminación es muy interesante, pues dentro de todo nuestro espacio en blancos, representado a modo de luz, se logran ver los matices grises; nos encontramos con un espacio frío. La niña, que también viste en colores blancos y rosas muy pálidos, que hacen que la composición resalte su cuerpo, el tono carne de su piel y lo poco que se logra ver de su rostro, pues la mitad de su cara y su cabeza, al igual que sus manos se encuentran vendadas. El carácter simbólico que refleja está obra es que muestra la fragilidad y la pureza que de la inocencia de un niño mostrando el dolor provocado por la injusticia especialmente cuando se ve representado como muerto aún cuando todavía vive; esta muerte es metafórica en el sentido de que todas sus sensaciones están obstruidas, con vendajes.
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Beutiful Victim I aparte de algunas características ya mensionadas como la calidad del pintor es que no se sabe si esta niña, la cual se encuentra con un vestido que denota toda la inocencia y belleza de una pequeña niña, el usuario o espectador no sabe si la niña se encuentra con o sin vida, tirada en el piso con los ojos y los oídos vendados en una habitación sola, con colores tranquilos que en ningún momento incitan a algo horrible, es decir, en primera instancia se ve inocente el cuadro, pero al momento de fijar la mirada y darnos cuenta de lo horrible que puede llegar a ser el significado de este cuadro rompe con el esquema inicial y deja pensando si ¿Se encontrará con vida?¿Será solo la desaparición de sus no sentidos?¿Siempre a tenido la falta de esos sentidos? Estas son algunas de las preguntas comunes que uno tiende a pensar o dudar al ver esta hermosa y poderosa obra, por el año de esta pintura en acuarela (1974) tampoco podía agregar demasiada brutalidad en la obra, a diferencia de sus obras más actuales las cuales contienen imágenes con un significado parecido, pero con imágenes más directas que denotan la brutalidad que puede alcanzar la humanidad por ambición, o poca tolerancia a gente diferente, como lo que le sucedió para la segunda guerra mundial. Elaborar como materia propia la irremediable miseria de la materia humana, evitando la ofuscación producida por un sistema de prejuicios y reconduciendo al hombre a la expresión de lo vital y lo verdadero. Convirtiendo en ilusoria cualquier otra posibilidad. 38
Beautiful Victim I 1974 Acuarela en Cartulina
Self-portrait 1977 Acuarela en cartulina
Self-portrait la composición de esta obra está dividida en dos planos, el primer plano principal o frontal donde aparece la imagen y el segundo plano donde se encuentra el fondo, se integran logrando una lógica entre cuerpo fondo. Ese fondo frío se puede entender como el abismo.Técnicamente esto se logra con la técnica del sfumatto, (color que se esfuma no dejando ver la marca de la pincelada). Hay un sinfín de matices sin forma en los tonos azulados. Al aparecer un hombre en el primer plano de la cintura para arriba en la postura clásica a manera de hacer un retrato, sólo que, su cara no está dirigida hacia nosotros, sino que ve hacia el horizonte, como una falta hacia las reglas, sus ojos oprimidos con tenedores que le impiden ver nos están indicando un mensaje: todo lo exterior ya está dado; en donde hay que buscar es adentro, porque ahí está la verdad, ahí está la esencia. Otro factor importante es que este hombre es Helnwein, pero aquí no se ve a él mismo sino que se muestra como representación. Este personaje viste una playera y un saco lo que nos indica que es un hombre sencillo de nuestros tiempos que viste común y corriente. La expresión de su rostro es fría, estática, no hay movimiento; revela un misterio porque al ser tan estático nos comienza a sugerir qué pasa por su mente. Este hombre, que aparece con la cabeza vendada, nos permite suponer que está enfermo o que en algún momento fue golpeado: ¿Tendrá una enfermedad relacionada con su mente, es decir, suponemos que es un enfermo mental, o que es un esquizofrénico nostálgico?.
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Lichtkind (Child of Light), es una combinación de sentimientos de sus dos obras anteriores, es decir, en su cuerpo tiene todos sus sentidos tapados, y al dejar su nariz destapada representa a un ser vivo pero sin vida, como en estado vegetativo. El saber que no puedo ver ni escuchar ni sentir no me hace saberme como humano; el tener que contemplar una imagen que nos dice esto nos hace sentir culpables como individuos y como sociedad, el hecho que se encuentre sola postrada en una especie de cama, la cual es inmensa y representa aun más la soledad y oscuridad que ha de tener esa pequeña o pequeño, ya que ahí solo se representa un niño inocente en ningún momento se especifica su sexualidad, el tener una luz fuerte de frente y tener sus ojos vendados y no poder verla también es una representación fuerte, ya que no puede ver una salida, no puede ver que hay a su alrededor, en otras palabras muerto en vida, solo respira, sólo, es decir, el manejo de la luz es indirecta y natural (es decir, que imita a la luz solar) y llega
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al rostro del hombre, en contradicción con el colorido del fondo, que al ser representado con la gama de azules nos remonta a un espacio frío, triste y sobrio. Siempre las entienden siquiera pero el mero hecho de no entender cuáles son las pretensiones del artista las hacen ya peligrosas. Por ello la propia sociedad se defiende lanzando hordas de críticos de arte y de teóricos, de periodistas y sociólogos, de filósofos y hasta de políticos contra lo que no se puede entender desde la tranquilidad de una butaca. En el fondo molesta toda indisciplina que se apellide libertad.
Lichtkind (Child of Light) 1976 Acuarela en cartulina
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“ Un mundo de depresión profunda y aburrimiento ilimitado.”
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Leid macht stark 1974 Acuarela en Cartulina
Análisis Final
Estas obras, que realmente se acerca a una fotografía, refleja la belleza de la niñez y denuncia el abuso y el maltrato que hay hacia la inocencia de los niños. Lo que hace especial no solo estas obras, sino en general las obras de Helnwein es la posibilidad de combinar por medio de un dominio de la técnica, obras con calidad y contenido estético, obras de carácter político y social con iconografías contemporáneas que permiten al espectador identificarse pues en ellas está contenida la problemática actual del mundo, y es extraordinario que, por medio de la experiencia estética, se pueda generar una conciencia histórica. Helnwein nos enseña de una manera tan seductora que hace que eso que no puede soportarse no nada más se lo tolere sino que sea contemplado, de una forma dionisiaca, en donde el aprecio por estos sucesos de gran dolor los tomemos, algunos los disfruten otros lo odien, algunos recuerden otros aprendan, pero siempre mostrándole la verdad de la sociedad independiente de su época, ya que en todos los momentos de la historia los niños son los que más sufren por guerras, por malas administraciones de gobiernos, por abusos de la sociedad en general. En esa dicotomía se encuentra el encanto y la magia de su creación; en esa seducción, en esa dualidad que se revela en cada una de sus creaciones en el ámbito de lo sublime; en esa categoría de lo siniestro se nos presenta un velo o una máscara que, al mismo tiempo, nos afirma y nos está negando algo; Nos conduce a un espacio silencioso donde solo se oye la voz de nuestro interior o donde solamente eso nos queda, donde no tenemos nada más que nuestro yo interior, nuestra dignidad, nuestra humanidad. Cuando una obra comunica, se logra una función entre artista- espectador; pero cuando una obra muestra algo familiar a modo de revelación, y al mismo tiempo logra ocultar algo introduciendo el juego del misterio, se complementa.
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Contenido PRÓLOGO
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BIOGRAFÍA
16
CRONOLOGÍA
21
OBRAS EN ACUARELA
26
ANÁLISIS OBRAS
34
ANÁLISIS FINAL
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