Hecho en Roma. Becas de la Real Academia de España en Roma 2015-2016 by AECID PUBLICACIONES

Manuel Blanco, Comisario

2015-2016

Susana Arenillas Fátima Bethencourt Gabriela Bettini Antonio Blanco Tejero Andrés Catalán Jorge Conde

María Elena Cuenca Alberto Díaz López Benjamín Domínguez Gómez Jaime J. Ferrer Forés Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau Iñaki Gracenea José Guerrero Ulises Juárez Polanco Martín López Lam Jesús Madriñán Inés M. Fuentes Clara Montoya David Muñoz Julia Ramírez Blanco Josep Tornero Rafael R. Villalobos Juan Zamora

Becas de la Real Academia de EspaĂąa en Roma 2015-2016

Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España / Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain Ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación / Minister of Foreign Affairs and Cooperation Alfonso Dastis Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica / Secretary of State for International Cooperation and for Latin America Fernando García-Casas Director de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo / Director of Spanish Agency for International Development Cooperation Luis Tejada Jefe de Departamento de Cooperación y Promoción Cultural / Head of Department for Cooperation and Cultural Promotion Jorge Peralta

Real Academia de España en Roma/ Spanish Royal Academy in Rome Embajador de España en Roma / Ambassador of Spain in Rome Jesús Gracia Aldaz Consejero Cultural / Cultural Counselor Ion de la Riva Directora / Director María Ángeles Albert Secretario / Secretary Francisco J. Prados Coordinadora Becarios - Gestión Cultural / Residents Coordinator - Cultural Manager Cristina Redondo Biblioteca - Patrimonio Cultural / Library - Cultural Heritage Margarita Alonso Campoy Gestor Cultural / Cultural Management Miguel Cabezas Carmen Rodríguez-Salguero (becaria AECID)

Becas de la Real Academia de España en Roma 2015-2016 / 2015-2016 Spanish Royal Academy in Rome’s Grants

Autores textos del catálogo / Catalogue’s Texts Authors María Ángeles Albert Manuel Blanco

Artistas e Investigadores / Artists and Grant Holders Susana Arenillas Fatima Bethencourt Gabriela Bettini Antonio Blanco Tejero Andrés Catalán Jorge Conde María Elena Cuenca Alberto Díaz López Benjamín Domínguez Gómez Jaime J. Ferrer Forés Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau Iñaki Gracenea José Guerrero Ulises Juárez Polanco Martín López Lam Jesús Madriñán Inés M. Fuentes Clara Montoya David Muñoz Julia Ramírez Blanco Josep Tornero Rafael R. Villalobos Juan Zamora

Diseño gráfico / Graphic Designer Diseño y Teatro S.L. Traductores / Translators Penelope Eades Revisión de textos / Proofreading Carmen Itamad Cristian Crusat Impresión / Printing Advantia Comunicación Gráfica Distribuido por / Distribution La Fábrica Prensa y Comunicación / Press and Communication Renzo Montaje expositivo / Exhibition Design Dime: Equipos audiovisuales / Audiovisual Equipment Telesonic S.A.U Edición vídeos de la exposición / Exhibiton’s Video Editing Ángela Valverde ISBN: 978-84-16248-92-6 NIPO en papel: 502-17-009-7 NIPO en línea: 502-17-008-1

Hecho en Roma / Made in Rome

Depósito legal: M-4954-2017

Comisario y Diseño / Curator and Design Manuel Blanco

Coordinación / Exhibition Coordination Álvaro Callejo Pedro Vasconi

Ayudante de Diseño / Design Assistant Mirko Sisto Ayudante de Comisariado / Curatorial Assistant David Fontcuberta

Todos los derechos reservados. No está permitida la reproducción total o parcial de la obra ni su tratamiento o trasmisión por cualquier medio o método, electrónico o mecánico, sin la autorización previa y escrita del editor.

6 Fernando García Casas

Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación

9 Fernando de Terán

Director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

11 Ángeles Albert. Estorninos al atardecer

Directora de la Academia de España en Roma

19 Manuel Blanco. Hecho en Roma Catedrático de Composición Arquitectónica E.T.S. de Arquitectura Universidad Politécnica de Madrid ETSAM UPM Comisario de Hecho en Roma Susana Arenillas, 66 Fatima Bethencourt, 103 Gabriela Bettini, 110 Antonio Blanco Tejero, 86 Andrés Catalán, 94 Jorge Conde, 36 María Elena Cuenca, 106 Alberto Díaz López, 78 Benjamín Domínguez Gómez, 62 Jaime J. Ferrer Forés, 50 Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau, 113 Iñaki Gracenea, 31 José Guerrero, 20 Ulises Juárez Polanco, 90 Martín López Lam, 26 Jesús Madriñán, 99 Inés M. Fuentes, 123 Clara Montoya, 72 David Muñoz, 83 Julia Ramírez Blanco, 57 Josep Tornero, 40 Rafael R. Villalobos, 118 Juan Zamora, 44

128 Notas 131 Biografías 145 Textos en inglés

Desde su fundación en 1873, la Academia de España en Roma ha perseguido fomentar el genio nacional, ofreciendo a nuestros artistas algún campo de estudio, algún lugar de recogimiento y de ensayo, en la ciudad que será eternamente la metrópoli del arte, en Roma, según rezaban sus primeros estatutos. Con el mismo espíritu que hace casi 150 años, el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, de quien depende hoy la Academia, selecciona y beca cada año a artistas de varias disciplinas e investigadores del arte para llevar a cabo una residencia en esa institución. La historia de la Academia, su pasado, es el mejor incentivo para mirar al presente y al futuro. Hoy, la Academia de España en Roma se ha convertido en un espacio de creación e investigación marcadamente contemporáneas, en un mundo de flujos constantes de personas y de información; un espacio vivo y abierto, donde se encuentran tradición y modernidad. Entre octubre de 2015 y junio de 2016, 24 artistas e investigadores de España e Iberoamérica residieron en la Academia, trabajando en disciplinas tan diversas como pintura, escultura, fotografía, videoarte, música y musicología, restauración, cine, historia del arte, literatura y poesía, artes dramáticas y sus expresiones híbridas. Una diversidad de intereses y procedencias que enriquece la obra de los residentes, y que responde al objetivo principal de la Academia: favorecer el desarrollo creativo de sus residentes, poniéndolos en relación con otros artistas y fomentando su inserción en el circuito internacional.

Hecho en Roma se presenta, como las exposiciones que recogían el trabajo de anteriores promociones, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y esa circunstancia no es casual: se consolida así una vinculación histórica, y todavía hoy muy estrecha, entre ambas Academias. En San Fernando, las obras de los residentes en Roma adquieren una resonancia especial, y se abren a nuevas lecturas. Quiero por todo ello agradecer la dedicación y el trabajo de las personas implicadas en este proyecto: los equipos de la Academia de España en Roma y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el comisario Manuel Blanco y quienes, de una u otra forma, colaboran con la preservación del legado de la Academia de España en Roma y de su proyección hacia el futuro; con una mención especial para los artistas e investigadores que pasan por la Academia y que hacen de ella una plataforma única para la promoción de la cultura española.

Fernando García Casas Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación

La exposición Hecho en Roma, que presenta una selección de los trabajos de los 24 becarios de la promoción 2015-2016, constituye un fiel reflejo de ese diálogo a varias bandas: entre tradición y modernidad, entre disciplinas artísticas, entre generaciones. Creo que el resultado es altamente estimulante: por la calidad de esas obras hechas en Roma (gracias a unas becas orientadas a la producción) y muchas veces inspiradas por Roma, pero también por el trabajo de comisariado de Manuel Blanco. 

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Son muchos los años que la sala de exposiciones temporales de la Calcografía Nacional viene acogiendo la muestra de los trabajos realizados por los becarios en la Academia de España en Roma, bajo el patrocinio y la organización de la AECID. La magnífica respuesta del público nos anima a seguir con este proyecto, recuperando así una tradición que puede remontarse al siglo XVIII. Las becas, creadas para recompensar el trabajo de los alumnos más destacados, suponían no solo un reconocimiento para aquellos artistas seleccionados, sino que, además, servían de estímulo y modelo para el resto de los alumnos que cursaban sus estudios artísticos en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Por otro lado, la exposición en las aulas de la Academia de los trabajos realizados por estos alumnos era una ventana que se abría al exterior y que traía a España las últimas tendencias artísticas que en ese momento se estaban dando en la capital romana. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando agradece a la AECID el esfuerzo realizado para poder mostrar el resultado del trabajo de los becarios durante el curso 2015-2016. Con esta exposición, el público podrá juzgar los proyectos y el rendimiento de estos artistas, y la Academia habrá vuelto a recuperar, un año más, una tradición que se remonta al inicio histórico de los pensionados enviados a la Ciudad Eterna, y a la vez, habrá recobrado el espíritu docente que tuvieron aquellas exposiciones. Nuevamente quiero agradecer a la AECID su implicación en este proyecto y felicitar a estos jóvenes artistas por los trabajos realizados durante su estancia en Roma.

Fernando de Terán Director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando 

Estorninos al atardecer La vida no es lo mismo después de vivir en Roma, después de incorporarse a la Academia... Una constante que repiten la práctica totalidad de los 876 pensionados, becarios o residentes que han tenido la oportunidad de ser seleccionados para disfrutar de una de las históricas estancias1. Pero también probablemente los 27 Directores y las 3 Directoras de la institución pensemos lo mismo2. Sin duda, es un honor y una inmensa responsabilidad el dirigir una institución cultural con tan larga y compleja trayectoria, pero sobre todo con tantos retos por delante. Retos que se fincan en la necesidad de renovar un modelo de institución (propuesta cultural), en el deber de aportar excelencia a la gestión cultural del sector público, en el derecho de los ciudadanos a contar con infraestructuras adecuadas con oferta de calidad y lógicamente en la obligación de promover alianzas público-privadas que contribuyan a la financiación de un modelo en el que la rentabilidad social no sea incompatible con el apoyo firme a nuestros creadores e investigadores, a la innovación, experimentación... Retos todos que, de un modo u otro, han jalonado los 143 años de vida de la institución y a los que hemos intentado responder desde el equipo de la Academia con la ayuda de todos y cada uno de los residentes con los que vivimos entre el 2015 y el 2016 y cuya selección de trabajos se presentan en Hecho en Roma. Única en el ecosistema del sector público de España, la Real Academia de España en Roma (RAER) es, sin embargo, similar a las academias que el resto de países europeos y Estados Unidos fueron creando entre el siglo XIX y el XX en Roma, que nacieron siguiendo la estela de la Academia francesa, de la famosísima Villa Medicis en la que estuvo, entre otros, el mismo Velázquez. En las Academias viven y trabajan artistas y/o investigadores. Desarrollan proyectos, se nutren del inmenso patrimonio 

cultural de la ciudad o participan en actividades que promueven su conocimiento mutuo y la generación de redes profesionales. Pero no todas las Academias cuentan con el privilegio de ubicarse en un conjunto monumental excepcional y en un emplazamiento único en la ciudad: el templete de Bramante y la vista de Roma con el Trastévere a los pies deja sin aliento a quienes nos visitan. Nosotros, los que vivimos cada día en ese entorno, no dejamos de alimentarnos de ese estímulo constante. Y eso hace que el frío que se filtra por las ventanas, la humedad que penetra en muros, la ausencia de ascensores o de espacios tecnológicamente equipados para la producción colectiva, por ejemplo, sean más llevaderos mientras se solucionan. La generación que llegó a Roma a partir de octubre de 2015 arrancó realmente muchos meses antes, en febrero, cuando presentaron su solicitud y compitieron junto a otros 500 con un proyecto, una propuesta de presupuesto y muchísima ilusión3. Y en junio, mientras ellos eran seleccionados, comenzaba también mi aventura romana. Un verano en el que compartimos la emoción y el vértigo de presentarnos en octubre en Roma. Llegamos a la vez. Nos perdimos durante semanas en los pasillos, claustros y torres. Comprobamos cómo había muchas más puertas cerradas que abiertas. Descubrimos restos arqueológicos y almacenes que atesoraban obras de arte debidamente inventariadas, muebles de factura anónima o modelos que sirvieron a generaciones de artistas. Todos y cada uno de los residentes fueron, son y estoy segura de que serán, cómplices en la tarea incesante de mejorar la Academia. Generosos en sus sugerencias, positivos al encarar deficiencias y compañeros al compartir ideas. A ellos, dos años después de que decidieran solicitar la beca, les corresponde el reconocimiento de una parte muy importante de lo que la Academia ha avanzado en este tiempo. A ellos, coincidiendo con la exposición de algunos de sus trabajos, quiero agradecer públicamente lo que tantas veces he hecho individualmente. Sin ellos no hubieran sido posibles tantas y tantas cosas... porque en ese octubre, desde el primer día, pasamos de las propuestas a las acciones. Los estorninos también marcaron nuestra llegada en el otoño de 2016. Y no fue un tema menor. Nos asomábamos perplejos a ventanales y terrazas ante los cientos de miles que cada tarde volaban a la altura de nuestros ojos sobre una Roma majestuosa. Sus movimientos acompasados, inesperados y siempre estéticos me siguen recordando al grupo de becarios. Sin liderazgos definidos, cada ocasión, cada circunstancia podía encontrar una voz distinta que propusiera una visita a otra Academia, a un museo, un concierto, una excavación arqueológica o una comida colectiva en el jardín. Muchos de ellos traían en su mochila las experiencias o sugeren

cias de becarios de otras generaciones, algunos habían leído relatos de escritores que les habían precedido o incluso investigaciones históricas sobre la propia Academia. Poco tardaron en desprenderse de ciertos mitos o realidades de otras épocas, y en ponerse en marcha para sugerir mejoras e innovar y, por qué no, para recuperar aquellas prácticas que la tradición demostraba podían ser útiles hoy en día. Algunas actuaciones, casi simbólicas, afectaron la vida cotidiana y profesional de los residentes, como el mantener las puertas abiertas de la biblioteca o el salón de retratos para tener acceso permanente fuera del horario público sin interrumpir su trabajo. O impulsar un nuevo espacio colectivo, “el coworking”, que se benefició a través de un taller de mobiliario urgente del proyecto de una pareja de becarios y de la participación entusiasta de otros compañeros en la fabricación de mesas o estanterías de uso común. Decisiones enormemente importantes también contaron con el apoyo de los becarios, contribuyendo, por ejemplo, a mejorar las condiciones de seguridad y accesibilidad al conjunto patrimonial. Sin embargo, y a pesar de ser una prioridad y una necesidad básica, no se llegó a tiempo de mejorar las condiciones de acceso a internet y wifi y los becarios de esta promoción sufrieron el tránsito de modernizar una institución que estaba tecnológicamente obsoleta. Finalmente, en octubre de 2016 pudimos garantizar la conexión adecuada para quienes internet es un instrumento cotidiano para trabajar con archivos digitales, imágenes o redes. Una vez más, a los becarios –a todos sin excepción– quiero dar las gracias por su paciencia y pedir disculpas por la incidencia que tuvo en nuestra vida diaria. Pero la Academia es mucho más que un espacio de encuentro, que un magnífico contenedor; es también un centro de producción e innovación en cultura. Y esa es una de las señas de identidad de la institución. Se concibió como instrumento de política de estado que entendía la necesidad de invertir en cultura como una apuesta de futuro, sin olvidar su valor en el fortalecimiento del imaginario europeo, en la consolidación de una Europa que identificaba en su pluralidad cultural su riqueza y que promovía la generación de redes y circulación de su materia prima más preciada: creadores, investigadores, expertos en patrimonio, etc. Por eso estamos todos en Roma. Por eso siguen todas las Academias en Roma. Por eso, repensamos hoy el papel de nuestras instituciones culturales en un mundo en cambio y en el que las nuevas ideas se nutren de las fuentes, circulan y hasta chocan con distintos lenguajes pero, sin duda, avanzan. Así pues, la Academia también ha intensificado su actividad durante este periodo, facilitando procesos de generación de conocimiento y de 

reconocimiento del otro. Se fue configurando entre todos el “Programa de visitantes de profesionales del sector cultural”, que aglutina propuestas realizadas directamente por los becarios así como por la Dirección de la Academia y en el que se incorporan algunos expertos que visitan Roma y a quienes se les invita a compartir espacio y mesa con todos los residentes. Las claves de este Programa han sido la generosidad de invitados y becarios, así como la pluralidad de agentes de distintas áreas de la cultura, del sector público y privado, sin olvidar garantizar, por ejemplo, un cierto equilibrio geográfico o de género . El programa es heredero de una larga tradición de la Academia que, desde sus orígenes, acogió visitas puntuales e incluso estancias de pensionados eméritos que convivían temporalmente con los seleccionados por convocatoria. Ahora no solo se sistematiza el procedimiento, sino que se incorpora como programa estratégico y una prioridad de la agenda institucional. Charlas y presentaciones de invitados se complementan con visitas a estudios. Los frutos no han tardado en llegar: exposiciones, conciertos, artículos en medios especializados, presencia en redes sociales, entre otros, y sobre todo, generación de nuevos contactos, nuevos proyectos. Una mención especial tendría la presencia iberoamericana o de profesionales italianos en el Programa, que refuerza así la misma convocatoria de becas, que permite desde hace años que se cuente con residentes de otros países de Iberoamérica así como de Italia. En el mismo sentido, habría que destacar la realización de una “Jornada de puertas abiertas” en marzo, en el ecuador de la beca, diseñada especialmente para promover el intercambio con el sector italiano y permitir tiempo suficiente hasta la finalización de la residencia para cristalizar las relaciones generadas. Se organizó un cronograma con citas concertadas de profesionales durante todo el día que finalizó en una sesión de dos horas abiertas al público general. Todos los residentes participaron en la presentación de sus proyectos, incluyendo los teóricos del arte, de la música o los escritores y comisarios de exposiciones. El objetivo de evidenciar ante expertos italianos y comunidad local la pluralidad y riqueza de la institución coincidía con el esfuerzo institucional de proponer una actividad más para mostrar la evolución de cada proyecto y provocar la reflexión entre los mismos becarios. Los resultados tampoco se hicieron esperar y aquellos que apostaron por cultivar y proponer posteriormente iniciativas a las contrapartes que identificaron como idóneas han ido viendo paulatinamente sus frutos. Los residentes sumaron sus agendas de contactos personales a las institucionales, en una suerte de simbiosis de gestión cultural que negociamos colectivamente. Contábamos con experiencias de otras ediciones, con iniciativas de otras Academias, y se planteó un modelo ad hoc, ajustado a las necesidades y objetivos de ese mismo año, de los 

becarios y de la institución. También se contó con el apoyo del equipo de comunicación de nuestros servicios centrales en AECID, de becarios especializados en diseño, de visitantes expertos en gestión de grandes eventos para disponer de materiales de difusión adecuados y para señalizar de forma amigable los estudios y espacios de presentación de proyectos o documentar el proceso. La documentación de los procesos como elemento sustantivo de la gestión del conocimiento de una institución no siempre es fácil. Al menos, no lo ha sido para la Academia. Por eso, se recalcó la necesidad de documentar en distintos soportes y meses el paso de los residentes por la Academia y de poner poco a poco los medios necesarios para ello. Se grabaron a lo largo del año, en tres momentos distintos, testimonios audiovisuales sobre su experiencia y proyectos. Se fotografiaron. Se solicitó a cada uno al final de su estancia en Roma un texto específico que resumiera el proyecto final, que explicara su proceso creativo en su ejecución, y en tercer lugar, las alianzas o colaboraciones generadas. Y se publicaron como catálogo de la exposición, que presentó una selección de los proyectos finales en el mes de junio en Roma5. Se denominó Processi 143, porque todos coincidían en que el paso por la Academia formaba parte de un “proceso” que realmente se concretaría mucho tiempo después. 143 años de historia de la Academia avalan que “el proceso” no solo es una constante que reiteran todos los residentes mientras viven en Roma, sino que la experiencia profesional y vital es de tal envergadura que se requiere tiempo para madurar y cristalizar lo vivido, sentido, a veces sufrido y siempre disfrutado en Roma. De ahí que la nostalgia que embarga a todos al partir de San Pietro in Montorio se convierte, en la práctica totalidad de los casos, en una gratitud a la institución, a los compañeros, en una satisfacción profesional y personal por haber decido optar y apostar para participar en esta Residencia de creadores e investigadores. Probablemente, la decana de las españolas y, sin duda, la de más abolengo de las del sector público de la cultura. También, la mejor dotada desde hace tres años, gracias al presupuesto de producción que complementa la aportación mensual y la contribución frecuentemente no cuantificada de la infraestructura y servicios de la institución (desde alojamiento con limpieza y lencería hasta estudios e instalaciones comunes). Residir en la Academia, ser becario de la Academia, trabajar en la Academia es un privilegio y una enorme responsabilidad cuyos resultados requieren visibilizarse y retornar a la sociedad. De ahí que la exposición Hecho en Roma y esta publicación sean una fase más de este “proceso” que no concluirá ahora. Les propongo que nos acompañen en el seguimiento que realizaremos de nuestros creadores e investigadores. El tiempo seguro que nos recompensará con grandes películas, ensayos, 

poemas y novelas, edificios, retablos restaurados, conciertos, fotografías, vídeos, instalaciones, pinturas, esculturas, ilustraciones o viñetas y sin duda con teatro, ópera y mucha magia. Nosotros revisaremos la colección permanente de la institución que año a año se enriquece con una parte de la obra producida en Roma. Ofreceremos visitas virtuales, documentación y publicaciones, referencias del paso de todos los residentes por la Academia. Enriqueceremos el archivo de lo que hoy son, con la documentación de lo que mañana serán. Pero, realmente, si bucean ahora mismo podrán seguir sus huellas en las agendas culturales, en los programas de investigación académica, de restauración o de gestión cultural de España, Italia o el resto de Europa e Iberoamérica, de momento... Pero hay otras muchas iniciativas que surgieron de la convivencia diaria en Roma que siguen en ebullición. Algunas están a punto de cristalizar, de consolidarse como proyecto o de encontrar esa institución, coleccionista o agente que las ayude a materializarse. Se trata de una suerte de magma que cuando se desborda, brilla y arrasa dejándonos perplejos. Cuando los artistas viven juntos se producen reacciones imprevisibles, se generan alianzas insospechadas y otras evidentes, pero siempre pasa algo que va más allá de la suma de proyectos individuales y ahí sin duda radica otra de las claves de la Academia6. Por eso, cuando desayunan, cocinan, comparten estudio, charlan o discuten no solo se retroalimentan personalmente sino que, además, nacen nuevos proyectos en los que cada uno aporta lo mejor de sí mismo. A veces de la idea de uno surge un vídeo en el que todos “echan una mano”, “moldean” un cineasta y un compositor y se convierte en un proyecto colectivo7. Con frecuencia las colaboraciones se convierten en duetos y siempre con generosidad aportan su conocimiento, creatividad y habilidad. De ahí la importancia de poder experimentar día a día, de compartir sensaciones y descubrimientos, de aprovechar al máximo cada oportunidad que ofrece la Academia como auténtico centro de producción, innovación, creación.

han residido en ella un punto de encuentro, un centro con muchos centros y desvíos, caminos y propuestas, en el que cada año otros nuevos residentes experimentan con múltiples lenguajes y proponen cruces de expresiones aún no imaginadas. Se sumarán otras bandadas de estorninos que regresarán al atardecer para planear y quién sabe si, como en este año, sus movimientos sean tan armónicos, elegantes e imprevisibles. La Academia, su equipo, seguirá volando cerca y aprendiendo cada día a emocionarse con la belleza de quienes tienen el don de la creatividad, el empeño de la investigación y el coraje, en definitiva, de dedicarse con pasión a la cultura, ayudando cada día a que la vida sea un poco mejor.

Ángeles Albert Directora de la Academia de España en Roma

Al final del otoño los estorninos siguen su paso hacia el sur, quizá como una metáfora de algo que nos recuerda Roma cada día, a pesar de su apariencia pétrea y estática. Nada más lejos de la realidad. A veces sutilmente y en ocasiones como una vibrante Babel, Roma te pone en la encrucijada de repensarnos, te enfrenta a la necesidad de revisar lo que creemos haber aprendido pero realmente no conocemos, de vernos no solo enfrente del otro sino junto al otro, de no permanecer aislados en el norte e incorporar nuevos compañeros de viajes. Roma disfruta tanto de los estorninos como los sufre. No es impasible a su paso. Sabe que cuando regresen habrán descubierto que hay calor en otra parte del mundo, otra forma de vivir y pensar. Serán más sabios. La Academia seguirá siendo para todos los que 

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Hecho en Roma Manuel Blanco

Hecho en Roma nos muestra, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el trabajo que realizaron este pasado año las becarias y los becarios de la Real Academia de España en Roma. No es una exposición colectiva de un grupo, de una escuela o tendencia, sino el fruto de un encuentro casi fortuito de artistas e investigadores que han tenido la buena fortuna de convivir en residencia en uno de los espacios de creación y desarrollo más excelentes que se puedan encontrar. Que han tenido la oportunidad de desarrollar su trabajo y sus proyectos en un ambiente fértil, doblemente generador, Roma, la ciudad clásica e inspiradora por excelencia, la meta del grand tour que llevaba a ella a amantes de las artes, a artistas y literatos que buscaban inspirarse en las ruinas clásicas para producir sus obras. La Academia ha sido ininterrumpidamente el gran catalizador histórico de tantas producciones que ha sabido hacer fructificar, coadyuvando a la maduración de talentos distintos en convivencia. Es ese carácter de convivencia de distintos lo que hace que la experiencia sea aún más enriquecedora: la posibilidad de estar trabajando y viviendo en presencia de un microcosmos de creación, las sinergias que se crean en este mundo, entre obras de distinto género y formato, entre trayectorias vitales que no tienen raíces comunes, el intercambio de comentarios triviales y de inputs que se producen en los momentos más insospechados del día y que pueden alimentar una nueva forma de mirar la obra o incluso de mirar la vida. La Academia actúa como recinto donde este intercambio se desarrolla y Roma, como background vital en el que sumergirse profundamente (en su vida cultural pero también en toda su trama vital, que es el gran nutriente de esta experiencia). Roma significa más que un proyecto en la vida del artista; supone proyectos desarrollados y propuestos para la residencia en la propia Academia. 

Los amplios espacios de la Academia les permitieron realizar una gran muestra de casi todo lo realizado, o más bien de lo que los artistas querían mostrar de lo realizado, y me permitieron entrar por primera vez, en mitad del ferragosto romano, en el universo reducido e intenso de esta promoción. Madrid nos permite ahora una puesta en común ya en otro contexto, con otra distancia geográfica pero también intelectual –al no haber estado inmerso en el proceso de creación y en el compartir las ansias, afanes y deseos de que las obras, de que los trabajos lleguen a buen puerto–. La mirada se posa sobre lo ya creado y su proceso para poder hacer una selección que nos permita mostrar al público especialista y al gran público de lo que en Roma se ha hecho: Hecho en Roma. Becas de la Real Academia de España. Este texto acompaña la exposición y sirve de testimonio del trabajo del comisario y de sus impresiones. Cuando se trata de los trabajos de los investigadores, de los historiadores y literatos, de los dramaturgos y músicos, de los magos y de los comisarios, permite que los proyectos se cuenten en sus propias palabras: en algunos casos fueron escritas durante su estancia romana y recogidas en el catálogo Processi 143. Real Academia de España_2015/2016; en otros casos, reelaboradas parcial o totalmente. Esa decisión es fruto del respeto: mientras que las lecturas paralelas se pueden realizar más fácilmente a partir de las artes visuales, completando la visión de la obra con comentarios al hilo o lecturas propias, la complejidad y profundidad investigadora de los trabajos hechos por especialistas parecen demandar que sus propias palabras se encarguen de este proceso. José Guerrero El mundo originario de Guerrero es la arquitectura. Egresado de los estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad de Granada, sus primeros trabajos en el mundo de la construcción dieron rápidamente paso a su desarrollo profesional en el campo de la fotografía. Pero este trabajo, este origen sigue estando presente en su mirada. Su trabajo casi arqueológico –un estratigrafiado de la ciudad– invadía el espacio de su estudio y se mostraba como un ensayo de la exposición realizada este verano en la Academia. Una sucesión de fotomontajes y de collages; las estratigrafías arquitectónica e imaginaria de Roma que 

Colonna, impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

excavaban la ciudad a través de toda suerte de materiales: «Tampoco me he limitado a trabajar en el entorno directo de las llamadas siete colinas de Roma, como estaba planteado. En otoño decidí organizar el trabajo de campo en torno a 9 temas: el agua, el cielo, la estatuaria greco-romana, la pintura clásica, el grabado, la Roma subterránea, las ruinas en la superficie, la arquitectura del siglo xx, y la noche. Para ello he recorrido –cámara en mano– toda la ciudad, tanto zonas del centro como del extrarradio. He 

COLLE I, Políptico 5 fotografías. Impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

Septimius, impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

recorrido también antiguas cavas romanas de extracción de áridos para morteros, catacumbas accesibles y el interior de varios acueductos subterráneos. Los distintos museos, palacios y centros de arte de la ciudad han sido igualmente puntos clave para la obtención de imágenes, así como las páginas de distintas publicaciones sobre arte». 1 Su estancia se prolongó a lo largo de este caluroso verano romano en la Academia y el resultado fue un portafolio destilado en el que vuelve a aflorar el componente fotográfico de su trabajo. Un viaje iniciático a través de fragmentos de la realidad: superponiéndolos y mezclándolos, recortándolos y pegándolos, confrontándolos en sus trabajos preparatorios, alcanzan la pureza de una serie de la que extraemos la obra seleccionada. No una fotografía de arquitectura, sino la arquitectura hecha fotografía, objeto –que no sujeto– de una obra, objeto ensimismado, casi soñado. Una obra en la que los estratos del proceso se superponen en la limpia mirada del artista como un filtro que la ilumina y recorta. La visión de la ciudad y su mapa; visiones oscuras de la realidad de mármol blanco de las canteras, de donde sale el material de construcción de 

la ciudad. Carrara y sus canteras han sido un vínculo cruzado en este año entre los distintos artistas que han convivido en la Academia. Dípticos, trípticos, polípticos en la obra de un artista intenso que se funden en una obra final: «Colle I», la masa y el vacío, la roca y el hueco que la extracción de esta dejan, la oscuridad de la cantera y la luz del techo roto, abierto al cielo de la bóveda en ruinas. «Colonna», que hemos elegido, pura, rota y precisa, es una imagen texturada, en particular por sus estrías de mármol veteado contra la textura cerámica del muro de ladrillo aplantillado, del arco de descarga embebido. La presencia del muro y de la columna, de los dos modos constructivos contrapuestos, de la ruptura del mármol a través de los años marcando el tiempo condensado de la ciudad. La oscuridad profunda, vibrante de las canteras en la que el espacio solo se vislumbra, en la que el mundo se ve inmerso y la vista debe detenerse largo rato para que aparezcan, como en un Rothko, los trazos de la obra y nuestra mirada que se sumerge en ella. El díptico de Pompeya: color, textura y pátina en la arquitectura. La pátina que solo da la antigüedad verdadera, que pintores como Manzóni han intentado trabajar y cultivar contemporáneamente, pero lograda aquí por siglos de erupciones, hundimientos, excavaciones y consolidaciones que han dejado su rastro en ella; con esa leve presencia del 

COLLE II, Díptico. Impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

POMPEI #01, Díptico. Impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

Impresión de pigmentos sobre papel de algodón.

espacio distanciando un punto el muro del plano del cuadro fotográfico para que la obra no sea solo paramento, sino arquitectura. Corredores antiguos, trípodes e instrumentos de medida en la penumbra iluminada de «Pitagora», marcas y trazos esgrafiados en los muros y bóvedas contraponiéndose con el alto relieve de los espacios de su arquitectura. «Colle II» es un díptico de la ciudad y la montaña excavada, de las colinas de Roma reproducidas en el yeso de su maqueta con su orografía tortuosa contrastando contra el blanco natural y real de la piedra cortada esculpida para extraerla metódicamente como material de construcción y que da origen, sin pretenderlo, a una nueva arquitectura. Y la vista de la última estratigrafía, aquí también escogida: «Septimius». De la arquitectura corroída por el tiempo, del mármol desgastado y lavado por los siglos, de las proporciones intuidas, de las marcas, de los órdenes que han ido desapareciendo y de las grapas metálicas, de esos elementos modernos de restauración y consolidación que los marcan e inciden y apuntalan el tiempo y la vida, cápsulas que nos retrotraen a otro mundo, pero que la mirada sin piedad pero fascinada del artista filtra a la realidad de este. 

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EL TÍTULO NO CORRESPONDE CON EL CONTENIDO, tinta y acrílico sobre papel.

Martín López Lam «En un limitado italiano intenté explicarle mi labor, que dibujo a partir de cosas que encuentro de forma azarosa por la calle para luego reordenarlas en un sentido narrativo»2, escribe Martín López Lam en su bello cómic recién publicado por su propia editorial, Ediciones Valientes, y construido durante su periplo romano, inspirado en la Poesía escrita de Jorge Eduardo Eielson, publicada el año de 1976 en Lima, citando textos incluidos en el cómic ya publicado: «O también pueden nacer de una imagen: una vieja diapositiva del Coliseo de Roma3. Ambos objetos fueron heredados: la diapositiva por una tía materna y el libro por mi padre –ambos difuntos ahora–… El libro y la diapositiva se encuentran conectados en el espacio y el tiempo. Fueron leídos y visionados en la misma sala entre 1989 y 1993»4. Así inicia su historia con una última advertencia en tres idiomas: «No podemos ser exactos. Casi ningún hecho que pueda ser narrado en las próximas páginas deberá ser tomado como real»5. Y, sin embargo, la narración es maravillosamente real y contemporánea, una superposición de estratos y de imágenes que revela lo interno de la ciudad, «recorrida en cualquier momento a cualquier hora por cualquier medio»6. Narrado en primera persona con un protagonismo ligeramente descuidado, ligeramente velado, un retrato de su realidad, ¿la suya o de la Eielson?, «otras veces cuando me toca volver andando a mi habitación en Trastévere y tengo que pasar el Esquilino, Lodi, Celio o Testaccio, a pie de noche, solitario, las cosas suceden delante de mí sin que yo me haya propuesto 

buscarlas…»7. ¿Una vuelta en su habitación en el Gianicolo, Janículo? Sobre el Trastévere en la Academia, en su recorrido por la ciudad deteniéndose en las ruinas clásicas, en las esculturas que proyectan sombras en el Campidoglio, entre los fantasmas y los turistas, entre las sectas de japoneses que controlan el paisaje con la mirada, mientras él 

sino el reflejo vivo de una realidad cotidiana directa durante el periodo de su residencia, en que se suman su español natal hablado y vivido en ese mundo burbuja de la Academia, que sobrevuela la realidad romana a sus pies bajo el horizonte en el que el italiano lleva la voz cantante de la ciudad. Es una inmersión lingüística inevitable para todos los que hemos vivido en Italia, un país en el que el idioma te permea según vas descubriendo capas más profundas de la realidad que te rodea, con palabras que atraviesan la barrera lingüística.Así la anciana que habla en su historia en la Piazza Bocca della Veritá es llamada en los tres idiomas una befana, la bruja buena que trae los regalos a los niños, por la Epifanía, por nuestros Reyes, y cuyo nombre –befana– se origina en una corrupción lingüística de esta palabra, epifanía. La tercera realidad es el inglés, que le permitirá vender su libro en otros mercados internacionales, sí, pero, ante todo, la lingua franca de este siglo, el idioma intermedio en el que todos nos entendemos y todos hablamos y el más oído probablemente en la ciudad después del vernáculo italiano, la lengua foránea de hablar, moverse y preguntar. La composición dinámica de los textos a lo largo de las páginas, solo reconocible por un ligero cambio de color, nos hace bucear y buscar entre las imágenes y leer muchas veces, confundidos, la narrativa en otra lengua distinta de la que hemos elegido como hilo conductor de nuestra lectura, asemejándose vivamente a la realidad romana en que saltamos de un idioma a otro según seamos interpelados por distintos segmentos de sus habitantes.

debe fotografiar la realidad para dibujarla y distorsionarla y construir su particular mosaico de impresiones, para desdibujarla y describirla y terminar componiendo esta particular publicación suya, en un cómic de su propia editorial, en un papel de buena calidad que se adecua al producto. Que se adecua a la narrativa especial y espacial, en el que el dibujo se suma expresivamente al texto y al orden de lectura y en el que la decisión de escribir en tres idiomas simultáneamente no es solo un mecanismo de marketing, de venta de producto en distintos mercados, 

Personajes aparentemente perdidos por la ciudad, como él mismo dice ser acusado por uno de sus amigos, recorridos por la calle guiados por Google Maps de avatares suyos con las siluetas alteradas como sombras chinescas de la pandilla de Mickey. Sombras de Disney que se alternan con las sombras fantasmales de las siluetas romanas o con la loba, quizás capitolina, y el gato cósmico japonés Doraemon. Imágenes icónicas del mundo internacional del cómic invadiendo como avatares de otras culturas las calles imaginarias de su Roma gráfica, igual que sus visitantes lo hacen en la Roma real.Un paisaje real que se superpone con otro bellamente metafórico, un paisaje en que las cosas perdidas –huérfanas del mundo, objetos, historias y pensamientos– habitan. En que el eterno deambulante, el autor, se pasea entre «rostros, palabras, imágenes»8. Una estratigrafía de la realidad hecha para ser contada, para ser vista, para ser leída, que da un nuevo viso, una nueva dirección a este hecho en Roma, dibujado en tintas planas, multicolores, con una composición mezclada y compleja en que los blancos del papel señalan, marcan y 

«Formalmente, el proyecto pretende ser una obra multiuso. Quiero decir que con los mismos elementos puedan plantearse diferentes narraciones. Esta “modulabilidad” del proyecto me permite explorar cómo convertir un cómic, cuya naturaleza propiamente es el papel y la publicación, a un arte expositivo, cuyo recorrido en una sala traduzca el recorrido a través de páginas, y donde la narración funciona a base de la relación libre de las imágenes. Así, el cómic que será EL TÍTULO NO CORRESPONDE es diferente a PARCO FALAFEL, a pesar de estar compuestos por los mismo elementos; y, a su vez, cómo EL TÍTULO NO CORRESPONDE utiliza imágenes que ya aparecieron en GIALLA para ampliar / cambiar el discurso».10 Iñaki Gracenea

distinguen y los colores funden y mezclan, en que la vida se recompone en el amanecer de cada día, aunque –como el autor asegura– «yo no apostaría a que igual»9. Si bien este cómic ha sido el trabajo principal de Martín López Lam, artista gráfico peruano, en la Real Academia ha tenido su labor otras vertientes, como él mismo nos cuenta. 

De los espacios de control y represión vistos a través de la arquitectura y Del panóptico como forma de controlar visualmente un espacio complejo con el menor número de personal utilizado posible podrían ser varios de los subtítulos para la obra de Gracenea, un estudio diagramático de la arquitectura carcelaria hecho por un artista a través de la documentación encontrada en un gran archivo especializado sobre las principales cárceles del siglo xix y principios del xx. Una época en que los sistemas de control visuales eran directos al no existir la tecnología, desarrollada posteriormente, de un control remoto realizado a través de pantallas de observación a distancia, con cámaras direccionales que aún no se habían implementado, así que la arquitectura carcelaria estaba reducida al diseño del mejor esquema 

Rooftop, óleo y serigrafía sobre papel.

topológico que se adaptara a este tipo. Se reducía a estudiar con múltiples variaciones cuál era el mejor sistema de conexiones para, con un mínimo personal de guardia, poder controlar a su población. El esquema topológico al que respondía su galería de penados implicaba un punto de vista central desde el que el guardián, allí situado, podía controlar cualquier incidencia que afectara a los múltiples pabellones en los que había que albergar a la población penitenciaria. Gracenea desarrolla una simplificación gráfica reduciendo la representación de cada proyecto a un esquema de su planta en el que una tinta negra ocupa la totalidad de los límites del perímetro construido. De la complejidad espacial que cualquiera de estos proyectos tiene se eliminan casi todos los componentes y lo único que respira en ella es la estructura de celdas en las que habitan directamente los reclusos. Una simplificación deliberada de la estructura espacial compleja de la que desaparecen todos los espacios servidores y se conciben como espacios servidos solamente los espacios de las celdas; y, por lo tanto, son los únicos representados, si para analizar su trabajo utilizamos la terminología kahniana. Ninguna otra actividad carcelaria aparece en su lectura que no sea el espacio de confinamiento controlado, ni las zonas comunes de comedor o recreo, ni los baños y recorridos, ni las dependencias de los guardianes. Solamente inferimos de él la presencia del guardián en el centro de la trama, en el centro de ese panóptico que se infiere tan so lo por la confluencia de las líneas de los corredores de los ejes y pabellones en él, como un vanishing point. Las líneas de la traza ordenada de los 

Prisons, gouache/papel.

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Las fotografías, impresiones, las pinturas realizadas en un segundo momento de este proyecto, de su escapada a los tejados, a las alturas, desde las que se oyen sus gritos, son el contrapunto de su trabajo.

Izda. Habitat, técnica mixta /papel. Dcha. Habitat-1, técnica mixta /papel.

pabellones, el engranaje de ese abanico que se despliega a su mirada, el punto central de la sucesión de controles. Y en algunas de las obras representa también el gran muro perimetral que encierra el conjunto, la valla, muralla que lo separa del resto del mundo. El valor del diagrama de la representación clara y simplificada como símbolo del control del espacio y de la población. La representación conceptual de un sistema, de un artefacto arquitectónico concebido con una entropía intensa que no deja salir ni escapar nada de los que está en ella. Pero cuando el sistema colapsa y se rompe, cuando el control se corta, solo queda una escapatoria para visibilizar en el exterior lo que dentro acontece, escalar hacia afuera, hacia arriba, hacia las cúpulas y tejados para ser vistos por la ciudad y el orbe, para no ser callados, para que los que quieren silenciarlos y olvidarlos en las prisiones no encierren por lo menos su voz.

Sus palabras estampadas en sello seco sobre el papel: «We Want To Talk», «Queremos hablar», «Venti Anni di Bugie», «Veinte años de mentiras», presionando con fuerza el papel, marcándolo para la sociedad que no quiere oírlas. Estas son las dos poderosas obras seleccionadas de Iñaki Gracenea, dos caras de un mismo proyecto.Durante su residencia, Gracenea ha abordado dos procesos de control de población, ya que trabajó también sobre el control de animales en los grandes parques. Un trabajo fuerte e intenso, realizado en los inicios de su residencia, detenido y guardado, encarpetado para dejarlo madurar en un momento más oportuno. Dos procesos de control de población: una salvaje animal y otra humana, una arquitectónica y otra territorial. Dos escalas distintas que la fuerza de la mirada del artista vierte plásticamente de una manera muy diferente. Su estancia ha estado, como vemos en las fotos, rodeada por estas poderosas imágenes y por sus trabajos preparatorios, inmerso en un mundo de patterns que representan al hombre controlando, a través de la arquitectura y de los mecanismos delimitadores territoriales del paisaje, la naturaleza que lo rodea y a sus habitantes para poder manipularlos; una transcripción entera de los mecanismos de control social llevados al límite y convertidos en una obra dura que puede perturbar nuestra conciencia.

Es un doble trabajo: abstraer las plantas –la representación arquitectónica más precisa pero menos inteligible por el neófito– reducirlas a esquemas gráficos que revelen la potencia de la idea que las ha generado y recolectar esas siluetas de los que gritan «Libertad» sobre las cúpulas en que confluyen las galerías, pidiendo libertad y, cómo ésta es imposible, reformas de las condiciones penitenciarias, arriesgando la vida en las alturas para ser oídos, recortándose sus siluetas sobre el cielo para ser vistas desde el suelo. Encierro, libertad, control, rebelión, motín, territorios, palabras que se escapan de sus dibujos, de sus serigrafías, palabras que traspasan la composición de una instalación múltiple en que cada cárcel es un cuadro y el mosaico de todos, su obra. La reconstrucción comparada de sus trazas nos revela la fuerza de la idea construida para controlar a los hombres. 

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Jorge Conde Entre 2009 y 2016 ha estado trabajando en un proyecto llamado Cualquier lugar es otro lugar. En Roma, para su residencia, desarrolla este proyecto bajo el nombre A World-Size House, empleando una metodología evolucionada y adaptada al contexto de la ciudad. De la larga producción de obra de este proyecto he seleccionado dos piezas, dos polípticos, dos mosaicos que se complementan. Por un lado, seis fotografías que muestran la degradación de los espacios bajo las arcadas del acueducto Acqua Felice en una zona en la que coexisten el complejo industrial recuperado para actividades culturales con las chabolas de los sin techo, con las arquitecturas hechas de restos encontrados y aprovechados, donde el acueducto se convierte en cobijo y los materiales en barrera contra las inclemencias del tiempo, materiales encontrados en las calles, como los palés de madera que soportan la mercancía, las chapas metálicas y los restos de muebles recogidos que deja la marea de la ciudad. Superpone a esta fotografía de la realidad sus otras fotografías con imágenes de los monumentos contemporáneos, de las salas del MAXXI y de los edificios del EUR, creando una verosímil decoración para esta casa grande habitada por los que nada tienen.

AWSH_ Acqua Felice I-VI (serie “Una casa grande”), fotografía en color impresa en papel Hahnemühle.

La reutilización espontánea de la arquitectura suma sus imágenes sobre la reutilización cultural e icónica, sobre la reutilización de los espacios industriales y militares para la vida cultural de la ciudad. En la pared de enfrente, otro conjunto que no se mostró en la exposición de Roma, el políptico de las once entrevistas y un vídeo con los principales agentes de la cultura italiana en los museos, fundaciones y centros culturales de la ciudad, desde Hou Hanru y Constantino D’Orazio, directores artísticos del MAXXI y del MACRO, hasta Anna D’Amelio, directora de la Fundación Memmo y antigua directora de la Asociación de Amigos del MAXXI, todos desfilan en esta vídeo instalación reflejando lo que pasa en la ciudad. Roma non si vende (Mandrione), fotografía impresa en papel de algodón Hahnemühle y adhesivada sobre aluminio Dibond.

Diventare un altro, fotografía en color impresa sobre metacrilato y presentada en caja de luz LED.

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Es un coro de voces de la cultura en el que uno a uno desarrollan su canto sobre este mundo y la crisis en este primer cuarto del siglo xxi. Deliberadamente no hemos traducido ni subtitulado sus voces para que la información que vierten no subvierta ni disturbe el conjunto de la instalación en este ejercicio en el que su presencia es la que cuenta en esta coral cultural. 

AWSH_ the interviews, vídeo instalación compuesta por 12 vídeos Full HD en formato 16/9 con audio.

Otros múltiples dípticos, trípticos y polípticos han salido del conjunto de diagramas que poblaba su habitación, lo que da cuenta del carácter perfectamente planeado de su obra. «Divenire Altro» son tres cajas de luz que reflejan en los charcos de la ciudad las imágenes de los detalles arquitectónicos de varias instituciones superpuestos, un espejo negro del mundo cultural romano. «Roma non se vende», «La morte di Roma» son espectaculares fotografías del paisaje industrial romano. «Una seconda vita», políptico con el MAXXI y el MAAM como tema. Casa grande a la romana: 70 fotografías arquitectónicas y 16 fotografías en color de menús gastronómicos típicos de la cocina romana. Estos y otros trabajos extensos e intensos, en el que hasta la fase de investigación y documentación terminan siendo un libro de artista, cierran una completa producción de esta residencia. 

Conde hace una documentada investigación sobre la recuperación de una arquitectura y una transformación de los barrios gracias a la nueva inserción de centros de actividad cultural en el tejido urbano. Coexiste en su obra el mundo deteriorado de los sin techo que se apropian de la ruina para convertirla en casa y el mundo reelaborado de los museos, de las fundaciones que le dan un nuevo uso a esa arquitectura industrial abandonada. Su obra está entre documentar, en un mapeo fotográfico, la utilización directa de los espacios o reconstruir con imágenes icónicas o con testimonios grabados en vídeo esas nuevas incorporaciones al tejido existente. De la transformación de la Roma visualizada en el grand tour y en nuestras memorias recientes, de esa Roma clásica o barroca, en una Roma contemporánea gracias a la recuperación de la ruina moderna, a la arqueología de lo industrial, a la rehabilitación de los espacios industriales, que siempre pensamos que distorsionaban la ciudad, para convertirlos en los protagonistas de una nueva estructura 

ganglionar de fundaciones y centros que se han expandido por toda la ciudad con un crecimiento rápido insospechado, como una metástasis de cultura contemporánea. Josep Tornero

Ripensare, óleo, lino y tabla.

Una obra plasmada en muchos fragmentos, en un gran mosaico de formatos en la exposición romana que aquí se presenta rematando el eje longitudinal de la sala. El eje transversal y conceptual en que arte, investigación y arquitectura se concretan en la investigación y la obra fotográfica de Jorge Conde se contrapesa con este eje de Tornero en el que la pintura pura reina en la Academia. Tres formatos, cuerpos desnudos que se construyen en el espacio, hundiéndose y escondiendo su cara en la penumbra, en la niebla de ese fondo que crea y los contrapone a la creación de personajes de su mundo personal. Figuras inquietantes enmascaradas con sacos, fundas agujereadas que se rompen para mostrar, arrugadas como una mueca, su boca y sus ojos. Fragmentos de cuerpos desnudos que descansan en el negro profundo del vacío o se recuestan en lo alto del cuadro. Cuerpos objetificados, fragmentados, 

Ogni pensiero vola, óleo, lino y tabla.

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en el que se está preparando el fondo; en primer plano, un caballete. Y sobre las paredes, lienzos de obras de pequeño formato. Tornero construye su exposición romana en la Academia como si se tratara de una instalación, de un gran políptico aparentemente desordenado, un archipiélago en que cada isla es un fragmento desnudo, humano o animal, en que la belleza de lo dionisiaco radica en esa suma de carne, de carnes hechas objeto en el que el fragmento de ese cuerpo casi desmembrado se convierte, cuadro a cuadro, en una totalidad. Las metamorfosis, los retornos, la experiencia fantasmal de la mirada, de personajes que asaltan nuestra sensibilidad, macabras pin-ups inquietantes, enmascaradas figuras brotadas de ese otro mundo del imaginario romano pictórico y papal. Una obra definida por el propio artista como barroco, como neobarroco, como dionisiaco en el arte. Una obra en que la pintura clásica reinterpretada, el Inocencio X de la Galería Doria Pamphili de Velázquez, se convierte en un personaje, manes de Bacon, de su universo, en el que los desnudos femeninos descontextualizados, macabras pin-ups, son objetificados al cubrir sus cabezas con una burda máscara. Y la vieja que recoge la cabeza del Holofernes de Caravaggio acecha expectante a una de sus figuras enmascaradas.

Sogno, óleo, lino y tabla.

sin rostro, fragmentos corporales, miembros que dejan ver tan solo una parte de su totalidad, inquietando nuestro pensamiento, invitándonos a volcar nuestros propios fantasmas para reconstruir el resto. Hombres, mujeres, dioses construidos solo por la imaginación del artista. En un mundo deforme en que la realidad es un referente de obras clásicas y lo contemporáneo, la mirada o esa máscara deforme inquietante que oculta bajo la tela su persona. Animales muertos, sacrificados en la matanza de un rito de invierno. Vida y muerte en que los personajes más carnales se convierten en fantasmas ocultos por el velo. El estudio de Tornero en la Academia es un estudio de pintor con la mesa llena de pinceles, pigmentos y disolventes. En el suelo, un lienzo 

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de nuestra ciudad. Realmente esta pieza me ha impresionado, realizada en una mesa de la propia Academia y completada con un dios tutelar de su propiedad. Sobre la mesa y bajo ella, San Pietrini, adoquines de San Pedro recogidos en las calles de la ciudad y restos de maderas patinadas, altares votivos que recogen las vegetales ofrendas, haciendo de temenos, terrenos sagrados del templo, de los templos, de esta extraña acrópolis. Un rito incruento en que el artista incluye imágenes especulares de montañas, cavidades bucales diseccionadas, simetrías forzadas y geometrías tensionadas en este intentar comunicarse con el cielo a través de los frutos de la tierra.

Cuerpos que se construyen contra el gris del fondo. Grisalla engamada que da una realidad distante y a la vez intensa, tejidos arrugados semejantes a los bodegones textiles de su serie Fantasmagorías. La creación de un mundo dionisiaco difícil y distorsionado, de fragmentados personajes enmascarados, que revela las angustias de un mundo en crisis.

Doble divinidad que controla las puertas, superpuesta una sobre otra en este imaginario. Divinidad doble y doble divinidad, confundidas en el mismo territorio, en San Pietro in Montorio, en el templo que marca el lugar, según la tradición, donde el primer Papa sufrió martirio. San Pedro, el señor de las llaves de las puertas del cielo, el controlador de la sublime puerta por excelencia, el guardián de la Academia construida en torno a su templo, marcando el Tempietto de Bramante, glorioso, su lugar de sufrimiento. El templo central más pequeño del mundo renacentista, espejo en la distancia del otro Bramante, de San Pedro del Vaticano, concebido por él como el mayor templo de la ristiandad. Imagen especular de dos arquitecturas que se reflejarán también en una de sus vídeo instalaciones.

Juan Zamora La obra de Juan Zamora es un puro rito, una celebración de su estancia italiana, de este Hecho en Roma. De estar en Montorio, en la montaña de oro, que le debe el nombre a la tierra dorada de la colina del Gianicolo, Janículo. Zamora realiza una pieza principal como un gran rito de ofrendas a la divinidad tutelar, a Jano bifronte, en su avatar de yeso de la propia Academia, del vaciado de la deidad que mira desde el presente al pasado y al futuro, al que viene y al que se va, en ese umbral de nuestro mundo artístico que es la Academia, por la que todos pasan y cuyo tránsito transforma profundamente la obra y su persona. Zamora recoge las ofrendas del lugar, sacrificios incruentos al dios en forma de plantas, flores y cardos, cactus y todo tipo de vegetales desecados, y quizá ya rotos cuando lleguen a Madrid y aparezcan de nuevo en el aire 

Montorio, mesa de 2 x 1 m con vídeo, dibujo y material biodegradable. Montorio. Vídeo en loop.

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Desembocadura_Nacimiento. Vídeo en loop.

La intensidad de San Pedro en el claustro de la Academia, marcándolo como símbolo y logo de la misma, contrapuesto en esta instalación a Jano –señor de la colina, la colina lejana, el Gianicolo o Janículo de la tradición clásica elegida por Zamora para este rito de propiciación y apoyándose en Roma–, en la paredes de la sala, suspendido aquí en Madrid sobre los muros de San Fernando: dos ceremonias propiciatorias más. Una, la caída del agua del río vertical, de la gran cascada de los cielos a través de un mundo especular en que dos visiones se tocan. El paisaje, la vista desde su habitación, desde el magnífico estudio de la torre con las mejores perspectivas quizá de la ciudad, se dobla hasta que se tocan la cúpula de San Pedro del Vaticano y la de San Giovanni dei Fiorentini. Doble punto de tensión de ese acariciarse de las cúpulas con una fisura que es esa cascada, en que la lluvia del vídeo se convierte en río, casi como si fuera Mama Ganga, el río celestial, el Ganges cayendo en Varanasi desde el cielo sobre la tierra o, mejor dicho, sobre los cabellos de Krishna, que amortiguan, interceptándola, su caída. Y finalmente otro sacrificio, otra ceremonia, una libación de su propia agua en honor del dios local, del padre Tíber, del dios-río que marca y divide la ciudad. Un vídeo performance del artista en un díptico en que simultáneamente se contemplan sus dos acciones: recogida y vertido de 

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Eternotevere. Dibujo sobre papel 50 x 22 cm.

las aguas. Una obra en que el tiempo se invierte y el ciclo se completa remontándose a los orígenes, tomando el agua cargada de sedimentos y memoria de las bocas del río, en su desembocadura al mar, en Ostia y vertiéndola, como una libación, en las fuentes del Tíber, yendo en peregrinación hasta su origen, en mitad de las nieves en el manantial de donde surge, en el monte Fumaiolo. El artista completa el ciclo vital del río y lo remonta y retrotrae y retrata, y las aguas que han logrado llegar a su desembocadura ven vuelto a iniciar su largo camino al mar cargadas de una memoria de su paso anterior, que contamina con su presencia la virgen agua del manantial. «Montorio significa “monte de oro”, y es el nombre bajo el que se conoce la colina de Janículo (donde está situada la Real Academia de España en Roma) debido al color áureo de su tierra; Janículo proviene a su vez del dios Jano, deidad primordial de las entradas y salidas, de los comienzos y los finales, que se atribuye el conocimiento solsticial, la invención del dinero, la navegación o la agricultura (Jano es a su vez padre de Fontus, dios de las fuentes, cascadas y pozos, al que se rendía culto enun altar ubicado en la cima del propio Janículo). Partiendo de estas diversas relaciones conceptuales, geopolíticas y mitológicas asociadas a Jano y al monte que lleva su nombre, la idea principal del proyecto es la de sacralizar (a partir del concepto de orar) los materiales más humildes de su territorio mediante la recolección de aquellos elementos naturales autóctonos (tales como plantas, 

piedras, agua, etc.) que remitan a la condición bicéfala de su deidad, para llevar a cabo una serie de trabajos (en diálogo con lo pictórico) que funcionen como breves apuntes sobre lo eterno». «La metodología de trabajo parte de un intenso y laborioso trabajo de campo sobre el propio Janículo, en el que se han buscado y recolectado –mediante largas y aleatorias caminatas por los enrevesados caminos que lo conforman– las diferentes naturalezas que hacen referencia a Jano».11

En la Biblioteca de Lafuente Ferrari En la distribución de espacios de esta exposición he elegido disponer el trabajo de tres de los proyectos de la Academia en un recinto muy significativo de San Fernando: en la biblioteca del gran historiador, catedrático y académico Enrique Lafuente Ferrari. Espero que los manes de la historia, aquí presentes, les sirvan de custodios tutelares en su trabajo. Son evidentemente los trabajos de historia del arte de Julia Ramírez Blanco, que estudia a los Nazarenos; la investigación en arquitectura de Jaime J. Ferrer, que redibuja la obra de Luigi Moretti para compararla; y el estudio de la restauración de los retablos de madera policromada, y de la Carta de Rischio, de Benjamín Domínguez. 

Jaime J. Ferrer Forés

Luigi Moretti. Modanatura. Alzados.

Siempre he tenido un alto nivel de coincidencias en mi vida. Carl Jung las llama sincronicidades, hechos que sin justificación posible se superponen y están vinculados, directa o simbólicamente, uno con el otro. Cuando AECID me pide que haga la selección y montaje de esta exposición, que comisaríe este trabajo, la Real Academia de España en Roma en sus propios espacios ha hecho ya su exposición anual de los becarios y becarias, y ya está abierta para que sean mostrados a la ciudad. Por eso he comenzado este discurso refiriéndome a ella, y aunque mi exploración de los proyectos ha ido mucho más allá del visionado de esa exposición, puesto que he hablado con ellos y examinado y seleccionado en varios casos obras que no se encontraban en ella, ir a verla, contemplarlas obras colgadas que yo iba luego a seleccionar, a comisariar, era de obligado cumplimiento.

interrumpe sus vacaciones estivales para poder recibirme– se termina concretando el día de Ferragosto, la Virgen de Agosto para nosotros, que es el día en que todos los romanos desertan de la ciudad. Es tan sagrada festividad como el Labor Day para los estadounidenses, fecha en que nada se puede hacer, en que todo está cerrado y en que todo el mundo huye despavorido de las calles, y fecha que, por un cúmulo extraño de circunstancias, he pasado varias veces en Roma. El viaje fue concretado en el último minuto, así que ya casi con el pie en el avión que me lleva de Rotterdam a Roma llamo a una de mis más queridas amigas en la ciudad: «Anna, llego a Roma para ver la exposición de la Academia el 15 y me quedo unos días. Supongo que no estáis». «Estamos en Santa Marinella, estás más cerca de casa desde el aeropuerto que de la propia ciudad, ven a pasar la noche de Ferragosto con nosotros y te llevamos a mediodía a la Academia cuando llegan tus compañeros». Noche de fuegos artificiales en familia en la villa a orilla del mar y un regalo inesperado que me hacen

Mi llegada, por necesidades del guión y de la agenda de todos los intervinientes en este viaje –incluida la de la directora, que generosamente 

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Luigi Moretti. Modanatura. Plantas.

de mañana: «Siempre has querido ver las villas de Moretti, que tenemos al lado, te llevaremos en el barco a verlas con las niñas desde el mar», y el regalo de mis anfitriones se materializaba en un paseo en familia recorriendo la costa de Santa Marinella mientras Antonio narraba la historia de cada una de sus construcciones y de las familias que las habitaban hasta llegar a tres ejemplos magníficos de la arquitectura italiana. Luigi Moretti (1907-1973) es una de las grandes figuras italianas del xx. Entre las obras internacionales más conocidas de este arquitecto están la magnífica Torre de la Bolsa en Montreal y el edificio Watergate de Washington, cuyo nombre quedó ligado infamemente al fin de la presidencia de Nixon. Un indicio claro de la importancia de Luigi Moretti en la arquitectura italiana del siglo xx es el hecho de que el nuevo Museo de Arquitectura Italiano, el MAXXI Arquitectura, se abría en 2010 con una magnífica exposición monográfica dedicada a él, comisariada por Bruno Reichlin 

y mi querida y culta amiga Maristella Casciato. En el vídeo de promoción de la exposición, solamente se enseñaba una obra: la Villa La Saracena, y yo la tenía aquí, desde el barco, antes mis ojos. La Saracena, encargada por el periodista Malgieri para su hija, la princesa Pignatelli d’Aragona Cortez. Era un proyecto de 1954-55 de Moretti que formaba parte de ese llamado tríptico “incompleto” que hace en la costa de Santa Marinella. Asomaban las tres villas al mar: La Saracena, junto a su vecina Villa La Moresca, también del 54, y la posterior Villa La Califfa, construida diez años más tarde. Con los ojos aún llenos de las espléndidas villas de Moretti sobre el Mediterráneo, en mi llegada a la Academia para encontrarme con las obras de los becarios y con los que aún permanecían en ella, mi gran sorpresa fue encontrarme, según entraba, con el claustro a Moretti, de nuevo. Jaime J. Ferrer, el becario de arquitectura de este año, había realizado un proyecto –que yo desconocía– concentrando sus esfuerzos en el estudio de la modanatura de Moretti. Había pasado su estancia estudiándolo, visitando 

Cooperativa Astrea Roma, Luigi Moretti, 1950.

Casa Balilla Trastevere Roma, Luigi Moretti, 1933.

su trabajo y redibujándolo, haciendo todos los dibujos a la misma escala para colocarlos en estos dos planos que aquí vemos y poder compararlos. Dejo que él cuente su proyecto con sus propias palabras: «Esta investigación en la Real Academia de España en Roma estudia la noción de la modanatura en arquitectura, analizando y constatando la vigencia, tanto de la obra como del pensamiento, del arquitecto romano Luigi Moretti (1907-1973). En el artículo titulado «Valori della modanatura», publicado en la Revista Spazio en 1952, Luigi Moretti trata de entender la construcción como una serie de topografías horizontales. Para Moretti la modanatura es la identificación de los distintos órdenes horizontales de la construcción y su obra enfatiza en clave moderna el valor del peso y la acción gravitatoria en la construcción. Mientras la arquitectura moderna aspira a la transparencia y a la ingravidez, Moretti reivindica en el artículo y en su obra los valores de la modanatura de la arquitectura clásica, en la utilización de los materiales y su disposición en la composición y reflexiona en torno a la supresión de las molduras clásicas en la arquitectura racionalista. Esta investigación pretende reivindicar el pensamiento y la obra de Luigi Moretti y, al mismo tiempo, el entendimiento de la lógica constructiva de la forma tectónica en arquitectura, reivindicando la fidelidad a los valores constructivos de la disciplina arquitectónica, de la modanatura en términos de Moretti». «Para los arquitectos, una de las constantes del viaje a Roma es el dibujo de las obras para su comprensión y análisis. El arquitecto Paul-Marie Letarouilly publica entre 1825 y 1857 el conocido libro titulado Édifices de Rome Moderne: ou recueil des palais, maisons, églises, couvents, et autres monuments publics et particuliers les plus remarquables de la ville de Rome, que recoge los levantamientos de los edificios que dibujó en sus tres estancias en Roma entre 1820 y 1845 y actúa como 

Palazzina San Maurizio Roma, Luigi Moretti, 1962.

La Saracena Santa Marinella, Luigi Moretti, 1954.

referencia para la investigación sobre la noción de la modanatura en la obra de Luigi Moretti. Además, se toma como referencia metodológica la imagen del arquitecto sueco Sigurd Lewerentz retratando su metro en el viaje a Italia, para capturar un fragmento de la realidad y fijar su dimensión. Se pretende, para poder aprehender la verdadera dimensión de un edificio y apreciar 

Julia Ramírez Blanco Inmersa en la convivencia de la Academia de España, Julia Ramírez Blanco investiga el trabajo de otra convivencia romana artística de marcada importancia cultural: los Nazarenos, que se instalaron a principios del siglo xix en el Monasterio romano de San Isidoro. Dejemos que sea la propia Julia la que nos hable de este trabajo, que la ha llevado en Roma de biblioteca en biblioteca, siendo la más importante para su trabajo los fondos de la Hertziana, reformada por un antiguo becario de esta Academia de España, Juan Navarro Baldeweg, arquitecto, artista y académico de Bellas Artes de San Fernando. Dejemos hablar a Julia:

«Los nazarenos: el sueño de fundir arte y vida» Julia Ramírez Blanco «En 1809, un grupo de jóvenes estudiantes de la Academia de Bellas Artes de Viena formalizaba su amistad constituyéndose como la Hermandad de San Lucas. Ese mismo año, creaban un sello y una carta estatutaria, y cada uno adoptaba una nueva identidad simbólica y un alias: los amigos habían jurado no traicionar sus principios durante el tiempo que durase su vida. En 1810, Franz Pforr, Ludwig Vogel y Franz Hottinger llevaron más lejos esta asociación, dejando Viena para trasladarse a Roma. Allí, durante dos años, se dispusieron a vivir y a crear juntos en el Monasterio franciscano de San Isidoro, junto con unos pocos monjes y un prior franciscano que se habían quedado tras la secularización napoleónica. Indagando en el sueño colectivista de estos artistas, el proyecto Los nazarenos: el sueño de fundir arte y vida rastrea los elementos utópicos implícitos en su convivencia.

la proporción de las obras, componer un atlas de las obras de Luigi Moretti dibujadas a la misma escala, evocando el libro del profesor Eduardo Sacriste titulado Huellas de edificios. ... Con el objetivo de apreciar las dimensiones relativas de las obras de Luigi Moretti y de aprehender las relaciones espaciales, las proporciones y la modanatura, se establece una escala común que propicie este método comparativo y facilite la comprensión de estas obras mediante el redibujo analítico a escala del legado documental del arquitecto, depositado en el Archivio Centrale dello Stato». 

Convento de San Isidoro.

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Convento de San Isidoro.

Convento de San Isidoro. Joseph Sutter, Estatutos de la Lukasbund, 1809

El entorno monástico había resultado ideal para un grupo que pretendía retornar a formas artísticas y vitales propias de una Edad Media idealizada. En San Isidoro los artistas llevaban una vida austera y ordenada: se levantaban al alba, dormían en una pequeña celda y tenían otra celda algo más grande para trabajar. Por la tarde, se reunían para dibujar en grupo, discutir sus obras y presentar pequeñas charlas sobre estética. Unos a otros hacían de modelos, y tenían estrictamente prohibido dibujar mujeres desnudas. Los amigos comían juntos, lo cual para Friedrich Overbeck daba a la comida mejor sabor «que ninguna especia». Mientras tanto, Roma recibía jocosamente a estos jóvenes que trasladaban sus ideales religiosos y artísticos no solo a su vida, sino también a su aspecto. En la calle, la Hermandad de San Lucas obtuvo el mote de «los nazarenos» en burlesca alusión a sus largas túnicas y los cabellos peinados con la raya en medio, que los asemejaban al autorretrato a dos de sus referentes artísticos (Rafael y Durero), así como a toda una tradición de representaciones de Jesucristo el Nazareno. Pronto el grupo se hace famoso por su vida en el monasterio y su aspecto extravagante. Y pronto también fueron llegando nuevos pintores que querían sumarse a ellos, creando toda una escuela artística europea de «nazarenismo». Y sin embargo la vida monástica había durado poco. Podría decirse que en San Isidoro el grupo había partido de una exaltación de la amistad, organi

zando la convivencia a través de los modelos del monasterio y el gremio. Más tarde, la llegada de nuevos miembros al grupo, las divisiones internas y la relajación de ciertos principios iniciales, hizo que los creadores se insertasen más bien en el modelo de la bohemia, tomando como punto focal el Café Greco como lugar de reunión informal. Finalmente, a pesar de haber surgido como un movimiento antiacademicista, cuando la mayoría dejó Roma, los nazarenos pasaron a consolidarse profesionalmente y a formar parte del entramado académico de sus países. Pero a pesar de estos desarrollos, su legado 

Franz Pforr, Autorretrato, 1810

Detalle de la Entrada de Cristo en Jerusalén de Johann Friedrich Overbeck, 1808

Friedrich Overbeck.

mítico permaneció ligado a la comunidad monástica inicial, que servirá de inspiración a las siguientes generaciones de artistas preocupados por lograr la unión entre arte y vida. Su historia es un punto temprano, casi un momento inicial, dentro de una tradición poco estudiada: la de las comunidades de artistas».

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Benjamín Domínguez Benjamín Domínguez nos narra su estancia en Roma: «Desde que comencé mis estudios en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, hace ahora veinte años, no había dejado de oír hablar del Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro, de Cesare Brandi, de la Carta del Restauro… de Roma. «Origen y epicentro de mi profesión», les decía de forma sintética a quienes me preguntaban por qué había solicitado la beca y cuáles eran mis objetivos allí.El objetivo principal de mi residencia en la R.A.E.R. es el de dar apoyo científico internacional y de excelencia a la tesis doctoral que desarrollo en el ámbito de la conservación de los bienes culturales. La investigación aborda el estudio de la evaluación del riesgo y la implementación de planes de conservación preventiva en retablos en madera policromada, en relación con el inmueble y su ubicación en el territorio. A nivel internacional, el más representativo e importante proyecto implantado en relación con dicha política patrimonial es la Carta del Rischio italiana, que se emplea para conocer, prevenir y programar intervenciones sobre los bienes culturales bajo esta premisa. Por lo tanto, conocer directamente la estructura organizativa, funcionamiento y metodología de la Carta del Rischio italiana resultaba imprescindible para el buen desarrollo de la investigación. Por tal motivo, durante mi estancia en la R.A.E.R., he asistido como investigador al Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro de Roma (I.S.C.R.), institución responsable de su gestión, así como a otros

centros de referencia para completar el conocimiento de la problemática planteada, tanto en su vertiente técnica como en el plano conceptual. La investigación, que toma como objeto de estudio los retablos en madera policromada, significativas piezas del patrimonio cultural español, pretende sentar las bases de un método de evaluación que permita diseñar un modelo de conocimiento aplicado que, de forma sistemática, facilite el análisis comparado y la toma de decisiones de manera actualizada y actualizable, extrapolable incluso a piezas de similares características y cuya aplicación se propone como alternativa y solución sostenible a la realidad actual. El conocimiento en profundidad al proyecto Carta del Rischio, objetivo principal de mi estancia en la Academia de España, se llevó a cabo a través del disfrute de una estancia de investigación en el Istituto superiore per la conservazione ed il restauro (I.S.C.R). En dicha institución, tuve la oportunidad de ser tutorizado por el responsable del proyecto,. Carlo Cacace, el cual fue orientando mi trabajo y resolviendo las cuestiones que la investigación planteaba. Fundamentalmente, el conocimiento en profundidad de dicha herramienta se materializó por medio de la consulta bibliográfica, la documentación específica generada, los recursos electrónicos y las entrevistas efectuadas

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

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Su trabajo adopta el formato de un doble elemento, dos cajas de luz. Luces y sombras de la arquitectura fascista, la pieza clave del EUR, el Pallazo della Civilità Italiana, el Collosseo Quadrato, reproducidas sus arcadas en estas dos cajas de luces, especularmente encendidas y apagadas, en un ejercicio sutil que llama la atención sobre las luces y las sombras de este periodo. Enfrentado a las tres piezas de la serie L’Uomo Nuovo. Para Susana Arenillas, la represión sobre el colectivo homosexual durante el periodo fascista se convierte en uno de los ejes principales de su trabajo. La silueta ominosa de la isla de San Domino en el Adriático, lugar elegido por el régimen de Mussolini para el destierro de los homosexuales, se ve sembrada en el mar por una serie de restos del naufragio de pétreas estatuas de ambos géneros hundiéndose en las aguas, avatares de las vidas de aquellos que vieron truncada sus trayectorias vitales por el régimen.

a los profesionales de dicho centro. Fruto de todo este proceso, y dado que el proyecto italiano no contempla aún la inclusión de los bienes muebles, mi aportación ha sido establecer una teoría acerca de cómo pueden integrarse éstos en el proyecto italiano, así como la incidencia que tienen sobre ellos los agentes de deterioro previamente determinados, sobre los cuales dicho proyecto viene trabajando en su identificación, concreción e incidencia desde hace más de cuarenta años. También, avanzar notablemente en el desarrollo de la metodología específica para la evaluación del estado de conservación de los retablos en madera, dentro del marco de la tesis doctoral que desarrollo.

Manipula digitalmente, en otra de las imágenes, los cuerpos viriles, símbolos del fascismo, feminizando en una composición especular sus rasgos, o contrapone sobre un fondo de nubes oscuras y amenazantes en una tercera composición una triada de diosas con el gran obelisco fálico en el que está inscrito el nombre de Mussolini Dux. Su tesis doctoral en curso, Arte y memoria histórica en la España reciente, tiene una gran influencia evidentemente en su trabajo artístico. Este se

En paralelo a este trabajo, he tenido la oportunidad de profundizar en la disciplina de la conservación preventiva a través del I.C.C.R.O.M.Todo ello ha supuesto una ingente aportación de información a la investigación, que ha obtenido, como nos propusimos, una sólida base documental y de experiencias internacionales». Susana Arenillas Hemos escogido dos series para representar en esta exposición el trabajo de Susana Arenillas sobre la recuperación de la memoria histórica del periodo de la Italia fascista: la primera, Desmemoria, trata de lo que ella llama «arquitectura desmedida» de la utilización de los grandes elementos de la arquitectura racionalista italiana para construir el imaginario del régimen de Mussolini. 

Serie L’Uomo nuovo, fotomontaje. Impresión digital sobre papel montado sobre dibond con bastidor de aluminio de refuerzo.

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Serie L’Uomo nuovo, fotomontaje. Impresión digital sobre papel montado sobre dibond con bastidor de aluminio de refuerzo.

constituye en una gran medida como una reivindicación de la memoria histórica y durante el tiempo de su residencia se centra en la recuperación de esta durante el periodo fascista, ya que considera que se ha recuperado mucho más el periodo de la ocupación alemana que el periodo anterior del régimen de Mussolini, y acentúa su actuación sobre la represión del colectivo homosexual por el régimen.

por perpetuar su imperio. Una gran escenografía que convive con los restos de la Roma antigua reordenada, con la multitud de turistas que transitan entre las ruinas y con las escasas señales del conflicto bélico que marcó el transcurso del siglo xx. En torno a esas pervivencias –las “Presencias desmedidas”–, los vestigios de la guerra y sus víctimas directas –las “Presencias comedidas” y con un apartado especialmente dedicado a las exclusiones del proceso memorialista, se ha articulado la estructura de esta compilación. Es en el último capítulo, –“Ausencias sin cuantificar”–, donde cobra sentido la mirada actual sobre otra época, aquella que pone en duda la objetividad del discurso y la inocencia de sus olvidos.

Son varias obras, distintas series de pequeño formato, las que realiza, resumiendo su trabajo en un libro-memoria Roma 1922-1945 en el que afirma: «La comprensión del pasado requiere el análisis de los métodos de construcción de la Historia y recuperación de la memoria. El proyecto Roma 19221945 es una reflexión en torno a la forma de entender la época que nos precede y de relacionarla con el presente. A partir de un periodo determinado, el ventenio fascista, y a través de la exploración de las huellas que quedan en una ciudad concreta, Roma, se propone un estudio de caso, donde Historia y memoria compiten para configurar nuestra manera actual de ver el mundo. El proyecto que llevé a cabo durante mi estancia en la Real Academia de España en Roma, parte de cuyas conclusiones recoge este fotolibro, es un acercamiento a la ciudad que imaginó y construyó Mussolini en un intento 

Si algo caracterizó el período fascista italiano fue el interés de Mussolini por legitimar su mandato. Para ello siguió una estrategia clara: reordenar la ciudad con el objetivo de emparentar sus monumentos con los de la Roma imperial, construyendo grandes vías de unión entre ambos y rodeándose de una arquitectura capaz de transmitir la grandeza del régimen. En este proceso, que comenzó en los años veinte y concluyó con la caída de su máximo dirigente, se modificó sustancialmente la percepción de las ruinas clásicas –atravesándolas literalmente por amplias avenidas destinadas a albergar desfiles militares–, se derribaron barrios enteros y se crearon núcleos urbanos donde el arte y la política quedaban indisolublemente unidos». 

Desmemoria, dos cajas de luz. Fotomontaje, impresión digital sobre duratrans retroiluminado.

Y también en la misma obra: «Resumir las consecuencias del ventenio fascista en un periodo de colaboración y posterior ocupación alemana de Italia supone una revisión parcial 

de una etapa marcada por la privación de libertades, el uso de la violencia como método de coacción y el afán expansionista. “Ausencias sin cuantificar” trabaja sobre algunos de los puntos excluidos del discurso memorialista de la ciudad de Roma: la invasión de Etiopía y el secuestro de sus símbolos, la eliminación de las representaciones femeninas en el espacio público y la represión ejercida sobre el colectivo homosexual. En su propósito por construir un hombre nuevo, el fascismo impuso la imagen del soldado viril y la mujer madre-cuidadora. La isla de San Domino, en el archipiélago de Tremiti (a más de 300 kilómetros de Roma y a unos 50 kilómetros de la costa de Termoli). La Via della Conciliazione es la principal forma de acceso desde Roma a la Basílica de San Pedro del Vaticano, fruto del interés de Mussolini por unir la ciudad con la Iglesia. En ella se ha situado un memorial virtual, crítica a la ausencia de reconocimiento de la violencia ejercida sobre las personas homosexuales durante su mandato y reflexión en torno a las pervivencias fascistas dentro de la legislación italiana actual:he ahí la serie L’Uomo nuovo: Hay totalitarismos que perpetúan sus principios a través del miedo, otros que los conservan tallados en piedra. El Foro Mussolini, gran complejo dedicado al deporte y a su enseñanza, es una de las grandes representaciones del concepto de hombre nuevo fascista, que define taxativamente el papel de la mujer en la esfera pública en forma de omisión absoluta. La serie juega con la imagen de las diosas clásicas y de los jóvenes atletas del Stadio dei Marmi, desplazándolos a la isla de la reclusión y recuperando la presencia femenina en el complejo deportivo, en uso hoy en día». 

El trabajo artístico de Susana Arenillas, con su acento en la recuperación de la memoria histórica, incide en un debate contemporáneo sobre cómo actuar con los restos, muy importantes y que marcan en muchos casos fuertemente nuestro paisaje urbano, de los regímenes autoritarios. Recientemente fui invitado en la propia Roma a un congreso de especialistas sobre arquitectura en regímenes autoritarios, organizado por la Academia Sueca, en que los que habíamos trabajado sobre este campo en distintos países compartíamos nuestros conocimientos y experiencias. En el caso de Arenillas hay dos vertientes en su aproximación: por un lado, el trabajo teórico y de investigación que debe estar realizando en su tesis doctoral y, por el otro, su trabajo artístico, este proyecto que ha desarrollado en su residencia.Creo que es buena la sinergia que debe existir entre ambos y cómo uno y otro se realimentan. Clara Montoya Clara Montoya logra captar en su obra el tiempo, el tiempo de transformación de la materia, el tiempo de las constelaciones y del movimiento de las estrellas, el tiempo que ha transformado el paisaje de Carrara construyéndola como una gran escultura abstracta a través de generaciones. Un mundo excavado por nosotros que ella plasma y examina con toda serenidad. Un paisaje luminoso y sereno, claro, un paisaje sereno y preciso ante una mirada que lo determina, que lo explora, que produce mecanismos para que lo reconozcamos. Una instalación de artista en que el mundo gira en torno a su eje, acompañando el movimiento de su mirada que retrata el paisaje en un continuo giro, llevándonos con ella en su eterno viaje. La mirada del artista bañando el paisaje y creando al documentarlo, al mapearlo, un nuevo universo, un nuevo paisaje virtual en el que nos sumerge. El saber analizar la naturaleza, modificada por generaciones, y recrear su imagen en una nueva serie. Los restos de Carrara que devienen reutilizados, una escultura de sí misma, una réplica conceptual de la cantera, de la montaña. La instalación Revolución y la serie Carrara convierten en obra artística a una de las actuaciones más espectaculares de la humanidad: las canteras de las que han salido innumerables monumentos, los terrenos en que se han labrado las esculturas de Miguel Ángel y que son ellos mismos, sin que se haya pretendido, una de las grandes piezas de Land Art de la humanidad. 

Metamorfosis, técnica mixta.

La mirada del artista las modifica e interviene. Sus fotografías y sus vídeos las captan con todas las luces, en todas las condiciones atmosféricas, las mapean por completo a lo largo del día. Un paisaje congelado en el eterno giro de su instalación Revolución, que mapea el paisaje acelerando el tiempo y el espacio: «Una vídeo escultura de Carrara, pensando la cantera icónica como un lugar donde estar dentro de la escultura, la cantera de mármol blanco como una instalación de piedra en proceso que tiene en cuenta el giro de la Tierra en el espacio. La pieza habla de la cantera de Carrara como si fuera una instalación, una inmensa escultura de mármol en la que poder entrar. La piedra que se queda en la montaña, y no la que se quita, es una escultura en la tierra. La cantera de Carrara es una escultura hecha en el planeta Tierra. La pieza muestra el ciclo de veinticuatro horas e incide en la relación de la cantera con el planeta Tierra y su giro alrededor del Sol». En un proceso que ella misma nos explica como «filmación con doble cámara giratoria desde la cooperativa de Canalgrande, Carrara. Cada 

Paisaje, técnica mixta.

Revolución-Carrara, técnica mixta.

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Tanto Roma, I, II, III y IV, técnica mixta.

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giro de pantalla de 2min40s representa una hora en tiempo real, rastreando los 360 grados de paisaje durante día y noche».Constelación se inspira en la visión estelar del cielo desde el óculo del Panteón de Roma, en la aparición y movimiento de las estrellas una a una en el cielo romano y para nosotros en la pantalla del iPad de Montoya. Los augures romanos marcaban con su bastón un fragmento de cielo, delimitándolo, y lo que en él acontecía durante su periodo de observación era leído o interpretado por ellos. Adriano marca permanentemente un territorio en el cielo de Roma, un espacio mágico, el óculo abierto en el centro de su cúpula que permite el paso de la luz que lo baña y lo recorre deslizándose por las superficies de sus paredes, pero que también delimita y fija un trozo del cosmos por la noche, cuando la oscuridad de Roma permitía aún ver las estrellas. Montoya define su pantalla, su campo de observación del mundo en Constelación, una instalación en la que una pantalla de iPad nos señala cuándo cada uno de los campos celestes aparecen en su campo de observación asignando un sonido a cada estrella que entra dentro del marco de esa pantalla, en palabras de la artista: «Aplicación para Ipad Mapeado de la bóveda celeste en tiempo y orientación real, que asigna un sonido a cada estrella nueva que entra dentro del marco de la pantalla. Permite escuchar el giro de la Tierra en el espacio al usar las estrellas como notas en una caja de música. Inspirado en las estrellas que pasan por el óculo del Panteón, Constelación habla también de la relación de las personas presentes en la Academia de España en Roma, más o menos 30 que se

encuentran juntas por un tiempo, creando una geometría de grupo que poco a poco va cambiando su composición, con estrellas nuevas que entran y buenos amigos que se van». Hemos instalado el trabajo de Clara Montoya en una de las salas más significativas de la Calcografía, la instalación que alberga en exposición permanente las planchas de Goya, las planchas marcadas raya a raya por su propia mano. Constelación se presenta aquí en una instalación diseñada por la propia artista, concebida por la propia artista, siguiendo la misma pauta. Si la mirada y la mano de Goya nos adentran en universos distintos, la de Montoya nos sumerge en ese cosmos que nos rodea, nos hace ver y oír a ese coro de estrellas como metáfora de la Academia y de su convivencia. Presentamos su obra como si fuera un bucle al principio y al final de nuestro recorrido de la sala de la Calcografía. Metamorfosis nos recoge o nos despide, inicia o termina esta parte de la muestra.

Constelación, app.

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Metamorfosis es un dúo de creación y destrucción simultáneamente. Presentamos aquí una de las tres parejas de este trío primigenio por ella creado, en que la materia se transforma, la piedra se disuelve, acelerada, en un proceso molecular provocado, mientras se crea simultáneamente una escultura de cobre. Clara actúa como la propia vida, como una diosa de la creación y de la destrucción, de la transformación de la materia. Un magnífico trabajo, altamente conceptual, que es a la vez la metáfora de 

la propia artista, siempre en cambio, como Roma, siempre en mutación, en un trabajo de desbrozo de la realidad, de eliminación de materia para crear otra a partir de ella, aquí hecho conceptualmente explícito mediante una instalación altamente tecnológica. Entre sus otras series de trabajos realizados durante su residencia está Sorgente: «Es una escultura de sonido, con agua en movimiento real manando en un lugar oculto fuera de nuestro control. Inspirada en la iglesia de San Clemente, donde debajo de las diferentes iglesias existe un manantial recóndito que atruena el espacio, con la fuerza de una pasión/creencia sin palabras». La instalación recibía durante la exposición a los visitantes y residentes en su entrada a la Academia y en su paso al jardín. Alberto Díaz lópez Las vivencias de un artista se convierten en su trabajo en un producto destilado en el que lo real, filtrado por sus experiencias y por todo aquello que compone su genio, aflora en una nueva obra. Alberto Díaz compone una película entrañable, donde estudia a su propia familia, a mitad de camino entre el documental y la remembranza. Un archivo de documentales familiares, de películas domésticas y familiares que le sirve para narrar en primera persona esta delicada Lembranza. Oigamos con sus palabras cómo se ha desarrollado el proyecto: «Recuerdos encontrados, Lembranza, recuerdo, memento… es el concepto central sobre el que se estructura esta pieza de ensayo-documental (film essay) en forma de cortometraje de 21 minutos de duración. Un trabajo en el que a partir de ciertos fragmentos familiares encontrados, recuperados y rescatados de viejos rollos de Super 8, se ha sometido a prueba principios de la imagen introspectiva, aquella almacenada en nuestra conciencia. La relación del “yo” establecida con la imagen cinematográfica y como aquella “verdad” del cine nos acerca a la realidad de un mundo ligado entre pasado, presente y futuro. Lembranza se adueña de los recuerdos de una historia familiar de artistas y desde la intimidad, proponer un ensayo sobre el tiempo, la memoria y la imagen. Sus relaciones, gestos y condiciones en un discurso esencial sobre el arte cinematográfico. Mi padre y mi tía trabajaron en el circo con un número de icarios entre 1964 y 1972, allí compraron una cámara que los acompañaría en los años venideros. Un día, hace ya nueve 

años, encontré en casa unos viejos Super 8, los rescaté, les quité el polvo, y los introduje en un viejo proyector. Ya sentado, con el haz de luz a oscuras palpitando, aparecieron las primeras imágenes. Eran ellos dos muy jóvenes, irreconocibles y todo ocurría en Roma. De pronto aquel cuento familiar se hizo verdad. Inmediatamente, el visionado continuó abriéndose paso a cada uno de los miembros de mi vida, mi familia. Recuerdos que ahora 

experimentaba pero que nunca había vivido. Esa visión cinematográfica, tan personal y evocadora, me trasladó como máquina del tiempo a aquellos recuerdos que mediante una imagen-tiempo se han establecido como verdad en mi conciencia. Y desde ese lugar, desde la oscura naturaleza tan tangible e intangible a la vez, se constituye Lembranza. Un motor sobre el que edificar una reflexión científica, un discurso poético y una apuesta filosófica: “recordando un pasado en el que no existimos construimos la imagen de un futuro que está por venir”». Proceso creativo / investigación: tres patas para un ensayo Llevaba tiempo en mi mente creciendo una pequeña idea, hacer un ensayo audiovisual. Y la beca de RAER me ha concedido el deseo. La base, una primera imagen de mi familia en Italia, un puñado de recuerdos borrosos y degradados. Roma ha sido el catalizador de una búsqueda esencial. Después de muchas vueltas, miradas, escuchas y diálogos interiores, todo se ha asentado en tres pilares: imagen, sonido y palabra. Tres vértices para un triángulo de recuerdos. He tenido la oportunidad aquí de confrontar mi identidad con las eternas preguntas de lo que somos. Todo bajo un enfoque triple: La imagen, los recuerdos familiares en forma de Super 8 como mis propios recuerdos, análisis y materia para construir, macro-pinturas. Rompecabezas en una forma final de 21 minutos de duración. Fotogramas robados. El sonido, el espacio de la emoción, la modulación y la conceptualización encadenando la banda sonora de la pieza con la imagen y desencadenándola también. El sonido 

Lembranza Decoupage, fotogramas en acetato.

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del recuerdo, lo que llamamos música neuronal. La voz, el pensamiento y reflexión en una investigación de seis meses en pequeños trazos, un total 35 piezas textuales en un proceso de sintetizar ideas: relación cine y memoria, recuerdos como materialidad, cine/tiempo, memoria externa, inmanencia y devenir, tiempo/movimiento, variabilidad de la percepción, parsimonia, efecto phi, discontinuidades de la imaginación, falsos recuerdos, relatividad orgánica, potencial de preparación, poder de veto y emociones pegamento. Y muchos más, en la constitución final de un ensayo que tiene mucho de audiovisual. Por eso el mejor resumen de este proyecto es escucharlo y verlo. El cine es un arte de síntesis y es ahí donde cobra sentido, por eso pasen y vean la pieza final: Lembranza. Espero que no la olviden». David Muñoz David Muñoz filma confesiones motorizadas en el Año del Jubileo, a motoristas que recorren la ciudad mientras hablan de sus dolorosas experiencias, una imagen distinta de Roma. Una Roma en moto muy diferente de la de Roman Holiday de William Wyler; aquí la culpa es lo que se vierte mientras la ciudad discurre en este largo recorrido, en esta road movie, a sus espaldas. Una película filmada sin escritura previa, real y verdadera. Son los propios protagonistas los que la narran, la película sale de los canales de producción para realizar un cine de la realidad que emociona. Véanla. En palabras del autor: «Una película de motoristas culpables, de romanos, de europeos. En la Ciudad Eterna de la armonía arquitectónica, la aparente vida cotidiana se desenvuelve en silencio porque los europeos no contamos lo que nos importa. En la Ciudad del Vaticano, Roma, se celebra el Jubileo, es el Año de la Misericordia, de la compasión, del perdón de nuestros pecados, porque somos culpables, culpables de nacimiento. Y aquí en el Vaticano se tratan las tragedias, los traumas, se gestionan las culpas, se perdona con condiciones. Y todo en un gran espectáculo, en la perfecta escenografía del Poder, donde el turista, el consumidor de experiencias sumadas, registra sus propias imágenes que serán descargadas súbitamente en las redes sociales entre amigos. La industria del perdón se convierte en imposible de controlar, su infinito alcance es el último milagro. Y la permanente insatisfacción del turista queda efímeramente erosionada por la grabación del momento, la prueba de vida. Donde la tecnología aparece de forma masiva y multitudinaria, el corazón de las personas se abre al análisis, a la escucha, a la posible redención. Y esto ocurre sobre las motocicletas, muchas de ellas vespas, el vehículo de la alegría acrítica: primaveral forma de transportarse originaria de una Europa que necesitó 

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Fotogramas de la Veloce Vita.

renacer. Ahora, confesionario, poltrona de tristezas de los ciudadanos romanos, culpables o no, traumatizados en silencio, ignorados como el resto de nosotros en nuestros errores, que nos hacen ver que Europa camina callada, sintiendo algo distinto a lo que quiere reflejar, a lo que efectivamente hace. Y esa distancia queda anexionada, encontrada sobre la motocicleta, en otra escena del espectáculo del perdón, del único Dios o no, de los hombres buenos o no, del gurú vestido de blanco. Y es una fiesta –¿por qué no?–, la fiesta de la humanidad breve, mortal, insignificante. Aparece la música, el ritual, el share, la sonrisa engañosa que nos deja atónitos. Veloce vita, como el resto de mis proyectos, surge sin escritura. Parto de la convicción de que no quiero mejorar lo real. Desconfío de entrada en la hoja de papel como lugar donde ocurrirá algo interesante. Intuyo que la película ya está hecha antes de hacerla. Por tanto, deseo estar abierto para descubrir mi experiencia con el proyecto cinematográfico. Sin duda, los protagonistas me están esperando y se me presentarán pronto. Con pocas decisiones, ocurre todo, mis amigos formarán parte de la película. Ellos, que llevan dentro la película, también necesitan mostrarla. La coincidencia define nuestro proyecto. La Iglesia celebra el Año Jubileo, la Misericordia, algo de lo que todos vamos justos quiere entrar en juego. Los refugiados son expulsados o retenidos algo más al sur, en Italia, como en el resto de Europa. Sin compasión, el europeo dictamina leyes, mira a otro lado, las culpas se multiplican. Sigamos caminando. La forma narrativa, el vehículo, la cámara en movimiento, queremos ver Roma, claro. En este reflejo de grandeza, de cuna e historia, 

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los ciudadanos vuelven a revivir. Solo queríamos decir algo nuestro montados sobre las vespas, no sentimos esa vergüenza tan lógica de mostrar que somos débiles, vulnerables, sobre todo susceptibles de ser juzgados. Bien, que emitan juicios, dejemos claro que nos sentimos mal. Si alguien quiere decir lo contrario, sentirse sano, tendrá que hacerlo en condiciones adversas esta vez. La alegría, si existe, que se filtre como pueda, igual que la tristeza se deja ver aunque pretendamos blindarnos cada mañana. Así, transcurre el tiempo, se va haciendo la película, pero podría ser distinta, otra. Por ello, reconociendo mi propia ignorancia, nos equivocamos. Y quizás no haya tiempo, ni dinero, para arreglarlo. Las amistades se tensan, todo el mundo debe volver al trabajo, porque esto no lo era. El último favor, la última posibilidad de hacerlo un poco mejor, sabiendo que ya. Se verá en el proceso de montaje lo que debe ser, lo que puede ser. Siempre creyendo que la película caerá por su propio peso porque lo ha de tener. Y asumiendo que hacer esta película fue solamente otra de mis culpas, de las nuestras seguramente. Mi último agradecimiento irá, finalmente, hacia lo real, que nos devuelve cualquier intención de ficción con un regalo». Antonio Blanco Tejero En esta sala de la Calcografía aparecen cuatro obras de nuestro compositor Antonio Blanco. 

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«Epitaffio per Roma», una obra para grand ensemble y mezzo soprano, compuesta por él durante su residencia romana y estrenada en la Academia. «Rebuscándonos» para dos guitarras y cuarteto de cuerdas compuesta, también en esta estancia romana y estrenada en la Accademia Filarmonica Romana. «Por tus caprichos para violín, violonchelo y piano» es una obra anterior pero que ha sido estrenada durante el periodo de este proyecto en la Academia de España en una colaboración con la Accademia Santa Cecilia di Roma. Y «Versus» obra anterior también suya que ha sido interpretada durante el periodo de su beca en numerosas ocasiones en Roma con la colaboración del Conservatorio de Música de Roma. De la sinergia con otros becarios da cuenta «Roma: 3 variazioni» con el fotógrafo José Guerrero y «Gesten» con el director Alberto Díaz. Dejemos que Antonio Blanco nos narre con sus propias palabras su residencia y su proyecto: «El proyecto que presenté para ser residente en la Real Academia de Roma en 2015/2016 era una composición para gran ensemble donde quería narrar con sonidos el palimpsesto arquitectónico y topográfico que es, en mi visión, la ciudad de Roma. Con el transcurso de los meses la obra cogió forma y título: Epitaffio per Roma. 

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Las circunstancia de ser un compositor con ganas de comerme la ciudad y la de brindar con la ayuda y gran interés y eficiencia de la Academia, hicieron que mi proyecto no solo fuera el de la escritura de la pieza de mi proyecto sino, además, la de otras tantas, todas estrenadas en Roma. Escribí el año pasado obras destinadas a conciertos y grabaciones, también incluí piezas mías recientes en varios programas, empecé la grabación de un CD monográfico con mis nuevas composiciones y me embarqué en proyectos donde me asocié a la imagen, componiendo obras para vídeo, todas ellas de carácter artístico con excelentes directores y fotógrafos como Alberto Díaz y José Guerrero, ambos compañeros de residencia en esa isla de fantasía situada en el Janículo romano llamada Real Academia de España. Los proyectos traspasaron los muros de la eterna ciudad y, como de una cosa nace otra, tuve la oportunidad de irme a finales de año para dar unas conferencia y talleres por Colombia, pudiendo mostrar mi música y mis formas, además de generar nuevos e importantes encargos». Ulises Juárez Polanco

Ilustraciones realizadas en la Real Academia de España en Roma para la exposición de su novela Sirenas.

A las historias de la Academia de Roma se les suma este año una historia novelada en clave realizada por uno de sus becarios, el nicaragüense Ulises Juárez Polanco, que liga los viajes de su homónimo Ulises, Odiseo, 

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con un thriller contemporáneo de terroristas a la búsqueda de la clave de un antiguo mito. Él protagoniza con sus compañeros, desde la cima del Janículo, una obra que introduce nuevamente a la Academia en la narrativa actual con esa mezcla de serie negra con mitos clásicos y conocimientos herméticos resucitados que tanto éxito ha tenido en la narrativa contemporánea, en la novela de la última década.

un reino propio que poco le brinda. Odiseo no viaja para regresar, lo hace para nunca retornar, persiguiendo las aventuras de los Argonautas que en su juventud hizo su padre, el retirado y triste Laertes, y decidido a encontrarse con las sirenas, las mujeres-aves que hechizan y matan a todos los que se acercan y les llevan a la muerte para proteger un viejo secreto que los dioses primigenios les han confiado.

Le deseo una feliz singladura a este nuevo Ulises hasta que llegue, culminando su novela, a su Ítaca particular. Estamos seguros, parafraseando a Cavafis, de que su camino en Roma ha estado lleno de aventuras y conocimientos.

Año 2017, un grupo terrorista movido por el viejo mito de las Santas Palabras clama la autoría de atentados en varias ciudades del mundo. Hospedado en una particular academia en la cima del monte Janículo, en la Ciudad Eterna, desde donde se observan las colinas romanas, un investigador latinoamericano se convierte en la pieza clave para revelar el sorprendente vínculo de las Santas Palabras con el supuesto guerrero griego que hace muchos siglos vivió grandes aventuras en donde hoy es territorio italiano.

Dejemos que nos narre él mismo el argumento de su novela, titulada provisionalmente Sirenas: ¿Qué somos todos nosotros sino palabras hilvanadas que todo lo definen? En el principio fue el verbo y la palabra, y también la destrucción. Después de todo, si nombramos las cosas para crearlas, también las nombramos para demolerlas. Siglo XII a. C., después de la destrucción de Troya, el multiforme Odiseo parte con sus tropas hacia nuevas aventuras sin pensar en el regreso a Ítaca. Lejos está el puerto donde espera Penélope, distante la ilusoria felicidad de 

¿Quién fue en realidad el errante nacido en Ítaca que después de la terrible guerra de Troya recorrió múltiples senderos, bajó al averno a conocer a su verdadero padre y regresó a la vida? ¿Fue en realidad un héroe y un curioso empedernido o acaso el más humano e imperfecto de todos los hombres de su época? ¿Pudo con la lógica más elemental su pasión desmedida de hacerse a la mar y lograr nuevos conocimientos, y por ello destinado por Dante al octavo círculo del Infierno? Partiendo de lo que escuchó Odiseo al cruzar el 

estrecho de las sirenas, esta novela gravita alrededor del mito que el viajero de la mente de los mil colores anheló conocer aun a costa de la vida de los héroes anónimos que le acompañaron, y que a treinta siglos de distancia otros reclaman. Dos viajeros particulares y dos historias trepidantes unidas por un secreto luminoso que recorre escenarios del Mediterráneo, en boca de personajes secundarios que, a la sombra de los protagonistas usuales, mueven los verdaderos hilos de estas historias». Andrés Catalán En poesía Andrés Catalán recorre los barrios de Roma como fuente de documentación e inspiración: un trabajo de creación poética, Andante (Sinfonía), que respira verso a verso, línea a línea, el aire de la ciudad. Sinfonía está escrita en verso y prosa alternados, con un ritmo que refleja la cadencia del vagabundear estructurado de Andrés Catalán, de su inmersión profunda de la mano de propios y extraños en los distintos terrenos urbanos, de los que transcribe impresiones, situaciones cotidianas hechas verso, y estrato a estrato va construyendo el texto. En palabras del propio autor: «Roma es una ciudad eterna, pero sobre todo es una ciudad infinita que pone a prueba la curiosidad más inagotable. La densidad y los contrastes históricos, vitales y sociales que se acumulan en cada detalle urbano provocan en el sujeto moderno, en el sujeto Wikipedia, un enfrentamiento al ruido y al caos. Encontrar un sentido a lo mirado y construir la identidad del que mira suponen así operaciones cargadas de ansiedad y complejidad. De la misma manera, la recuperación de una memoria (sepultada, como tantas ruinas antiguas y recientes), la construcción de una historia personal y la reflexión sobre un presente fugaz (el paso por la Academia, pero también cualquier experiencia personal, amorosa o no) se convierten en actividades nada inocentes en una ciudad donde la Historia resuena de forma insistente, pero ensordecida por la (auto)ficción que opaca dicha Historia o, si se quiere, distorsionada por el espejo deformado y no siempre consciente en el que Roma se mira constantemente. El propósito del libro, un único poema extenso de varios cientos de versos bajo el título de Andante, es levantar la totalidad –exagerada, moviente, multiforme y simultánea– de la ciudad sobre un doble andamio. Por un 

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sobrevuelan cada otoño las orillas del Tíber, se desenvuelve en un baile (de máscaras) entre el cielo más sublime y la tierra más abyecta, desde la belleza de los frescos renacentistas hasta el hierro fracasado de los arrabales, desde las vistas del Gianicolo a los cangrejos que habitan los subterráneos bajo el Foro». Jesús Madriñán Dopo Roma es la serie que presentamos de Jesús Madriñán: retratos de un segmento de la juventud romana, sacada del estudio, sorprendida en su propio medio, en su hábitat natural, utilizando técnicas de estudio

lado, una estructura musical, la de la sinfonía, con dos temas: la tierra y el cielo. Por otro, el del paseo y la deriva, a la manera de otros poemas extensos construidos sobre el acto del andar como la Divina Comedia de Dante o las Soledades de Góngora. El carácter reiterativo de las experiencias es una constante en el libro y responde al hecho de caminar por la ciudad real pero también por los mapas históricos (Nolli, Tempesta, Forma Urbis, etc), puesto que un ejercicio clave es la identificación de espacios transformados a lo largo de la historia, que han desaparecido o cambiado de sitio, conjugando así la idea de movimiento del caminante con la idea de movimiento de la propia ciudad (mobilis in mobili, como el Nautilus de Nemo). De esta forma el sujeto lírico se arroja sobre sí el territorio total (pasado, presente y futuro) de la ciudad con la esperanza de que la forma (azarosa y excéntrica en el caso del proceder deambulatorio, muy bien pautada y centrípeta en el caso musical, repetitivo en ambos) permita contar el carácter fragmentario y múltiple del inquieto conjunto que, como los estorninos que 

Sin título (La pareja del año), de la serie Dopo Roma (Después deRoma), tintas pigmentadas.

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Sin título (Sara), de la serie Dopo Roma (Después de Roma), tintas pigmentadas.

Sin título (Venus), de la serie Dopo Roma (Después de Roma), tintas pigmentadas.

trasplantadas al mundo de la realidad nocturna. Retrata a la tribu, su propia tribu quizás, a la salida de los afters, en ese momento del alba en que el cierre de los locales hace que la noche expulse a su población a la calle, a una realidad distinta de la construida a lo largo de la noche, música a música, con música, copas y quizás también otras sustancias. En el estado de percepción alterada de la realidad retratado por el fotógrafo, los sujetos descansan su mirada con la intensidad de la noche en el artista, en la cámara, en el espectador que contempla ahora la pieza. Un estrato superpuesto, un retrato antropológico de una tribu urbana, hecho en su propio hábitat, sorprendida en un momento inesperado pero avisada de la intervención, y esa quizás es la diferencia. El traslado del retrato del estudio a una realidad inesperada no es el trabajo del paparazzi o del artista que sorprende a su sujeto para arrancarle una reacción espontánea o que fotografía escondido, haciendo de Peeping Tom su universo. En el trabajo de Madriñán está la negociación, el juego de la seducción y quizás de «colegueo», de convencer a la presa de que se abra al objetivo que la captura. No son posados preparados, no son tableaux vivants fotografiados; la naturaleza es respetada y la cámara recoge lo que el sujeto espontáneamente presenta, pero hay una complejidad de las figuras, una intensidad del trabajo y de los personajes que encontramos en muy pocos artistas, como Gonnord. Ese primer plano que maneja, primero primerísimo o primero un poco más distante, creo que contribuye en gran medida a captar, a capturar la atención de la presa. Es la imagen inmediata del fotógrafo como predador que se

Serie Dopo Roma (Después de Roma), tintas pigmentadas.

duce artísticamente a sus espontáneos modelos para que entreguen su alma en cada pieza. En palabras del fotógrafo: «Dopo Roma posee el magnetismo de la discordancia, derivada de la contradicción entre tema y acabado. Como si de un acto de redención se tratase, los personajes y su entorno quedan suspendidos en un espacio donde el ruido y el bullicio se hielan en una atmósfera de calma y serenidad. Desde mi llegada a la Academia tuve claro que quería trabajar en torno al retrato para conformar una colección de fotografías: un gran retrato generacional que captase la naturaleza de la juventud italiana del siglo XXI. Siguiendo esta premisa, comencé a trabajar en mi estudio con la intención de poder llegar a controlar la técnica de gran formato analógico (20 x 25 cm) con tal dominio que me permitiese trabajar en situaciones complejas desde un punto de vista técnico y espacial. Así, recorrí un camino de experimentación en el que probar diferentes formatos, iluminaciones, ópticas y composiciones, pues

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Fatima Bethencourt La musicóloga e historiadora del arte Fatima Bethencourt trabaja sobre la cooperación musical surgida entre varias academias en Roma para celebrar el llamado «Concierto de las Academias Extranjeras», que tuvo lugar

la fotografía de gran formato, dada su complejidad, exige un dominio técnico particular en el que entran en juego numerosos factores de los que depende el éxito de una toma. Más aún si se trabaja fuera del estudio, en situaciones en las que nada está bajo el control del fotógrafo. Una vez superada esta primera etapa, trasladé todo lo aprendido a los ambientes en los que me interesaba trabajar, partiendo de la tradición clásica del retrato de estudio pero sacándola de contexto al instalarme, justo al alba, en diferentes afters de la ciudad de Roma. En este punto del proyecto todo el peso recae en las “salidas de campo” donde retrato a jóvenes desconocidos en un ambiente distendido, social y nocturno, reinventando la retratística clásica al oponer su mesura y solemnidad con el torrente de vida que me rodea». Torrente de vida en esa doble mirada viva y penetrante: la de él, pupilas contraídas e intensas, y, casi dormida sobre su hombro, con los ojos velados, su pareja, en la fotografía central que mostramos. Los ojos de Madriñán, en ese primer plano súper definido, intenso y preciso con el fondo de la ciudad, de paisajes desdibujados, fuera de foco, mapea el territorio urbano, cuerpo a cuerpo, y podría dar un estupendo retrato psicológico, sociológico, solo analizando el cuidado con que retrata indumentarias, vestimentas. Tres fotos hemos traído a esta exposición, tres obras individuales de su mundo retratado. Aunque se compongan como fragmentos de ese todo nocturno de Madriñán son tres, no son un tríptico. 

Programa del «Concierto de las Academias Extranjeras». Roma, 30-4-1929. Reproducción facsímil del original, conservado en el Archivo de la Real Academia de España en Roma.

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el 31 de mayo de 1929 en el desaparecido Teatro Augusteo, sede de la orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, la cual interpretó obras de los pensionados músicos de la Academia Española, Americana y Francesa. El análisis de Bethencourt sobre la dimensión político-institucional de este concierto nos invita a retomar ese espíritu de colaboración entre las distintas academias extranjeras y los habitantes de Roma, para que sirva de puente con el presente y con la música como protagonista. Dejemos también en este caso que ella nos lo cuente con sus propias palabras: «El Concierto de las Academias Extranjeras en Roma (1929) como ejemplo de colaboración musical durante el Período de Entreguerras

Al fondo, el Teatro Augusteo de Roma (desaparecido). Encima, F. Remacha y Mª de Pablos (Academia de España). A la izquierda, R. Guillou y E. Gaujac (Academia de Francia). Debajo, R. Sanders y A. Steinert (Academia Americana). A la derecha, el conde E. di San Martino e Valperga.

El 31 de mayo de 1929 tuvo lugar el Concierto de las Academias Extranjeras en el desaparecido Teatro Augusteo de Roma, sede de los conciertos de la orquesta de la Academia de Santa Cecilia, cuyo Presidente, el Conde Enrico di San Martino e Valperga, había sido el promotor de la idea. De acuerdo con su amplia visión cultural de carácter internacional, y como se desprende de sus escritos, la finalidad era fomentar el intercambio recíproco de conocimiento y la fraternidad, no solo entre las academias extranjeras establecidas en Roma, sino entre estas y la juventud italiana. Por ello, el concierto estuvo dedicado al estreno de obras de los jóvenes compositores pensionados de las Academias: Americana (Robert L. Sanders y Alexander L. Steinert), Francesa (René Guillou y Edmond Gaujac) y Española (Fernando Remacha y

Carta del Presidente de la Real Academia de Santa Cecilia al Director de la Academia de España para invitar a sus pensionados músicos a participar en una iniciativa musical cuyo resultado será el «Concierto de las Academias Extranjeras». Roma, 30-4-1928. Reproducción facsímil del original, conservado en el Archivo de la Real Academia de España en Roma.

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María de Pablos, primera mujer pensionada por oposición en la historia de la Academia de España). La utilidad de la fraternización intelectual que subyace en el Concierto de las Academias Extranjeras, y que para San Martino encerraba un valor político más allá de su importancia artística, alcanzaba una dimensión mayor en la Federación Internacional de Conciertos, fundada también por él ese mismo año de 1929, y para la que pidió el apoyo de músicos españoles de prestigio a través de la Academia de España. Me gustaría que el presente estudio sirviera de puente con el presente, invitándonos a reflexionar sobre la necesidad de retomar y mantener ese espíritu de colaboración artístico-musical entre las distintas academias extranjeras en Roma y sus habitantes. Uno de ellos, hace casi un siglo, y en un momento histórico que favorecía la concienciación de la necesidad de la cooperación humanístico-intelectual, soñó un día que un concierto podía ser un punto de partida, y la música –en definitiva– el vehículo para lograrlo». Folio 1. Missa L’homme armé de Peñalosa del manuscrito 2-3 de la catedral de Tarazona

Folio 2. Missa L’homme armé de Peñalosa del manuscrito 2-3 de la catedral de Tarazona

María Elena Cuenca María Elena Cuenca estudia la figura de Francisco de Peñalosa (ca. 14701528), un gran compositor de la época de Fernando el Católico. Rastrea en los Archivos Vaticanos y romanos su estancia en Roma como cantor de la Capilla Sixtina durante el papado de León X. Este trabajo, objeto de su tesis, la lleva también a la realización de un concierto –recuperación

de dos de sus misas sin reestrenar– interpretado y grabado en la Iglesia de San Pietro in Montorio, así como de otro concierto-conferencia de música profana en los propios espacios del interior de la Academia. La investigación sobre la historia de la música, la recuperación y la difusión de la misma como actividades de la Academia se dan aquí la mano en el proyecto de María Elena Cuenca. Oigamos en sus propias palabras cómo lo ha desarrollado: «Mi proyecto para la Academia de España está relacionado con la recuperación de la figura de Francisco de Peñalosa (c. 1470-1528), uno de los más insignes compositores de la corte de Fernando el Católico que vivió en Roma durante cinco años, sirviendo como cantor al papa León X en la Capilla Sixtina. Al ser el objeto de mi tesis, ya realicé anteriores investigaciones en los archivos españoles (el Archivo de la Corona de Aragón, el Archivo de la Catedral de Sevilla, el Archivo Histórico Nacional, el Archivo General de Simancas, entre otros) de los que pude obtener nuevos datos sobre la vida del compositor en sus cargos de cantor y capellán de la capilla del rey Católico, maestro de música del infante Fernando, canónigo de la catedral hispalense y arcediano de Carmona. Uno de mis objetivos marcados en el proyecto para la RAER era el fondeo en algunas series de documentos de los archivos vaticanos (el Archivo Secreto Vaticano y la Biblioteca Apostólica Vaticana),

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así como romanos (el Archivio di Stato di Roma, el archivo de la iglesia de San Giacomo degli Spagnoli y el Archivio Storico Capitolino) con el fin de conocer nuevos datos sobre la actividad de Peñalosa en Roma. Por otro lado, también propuse identificar rasgos estilísticos de las obras del compositor en las misas anónimas que se conservan en los manuscritos musicales de la Biblioteca Apostólica Vaticana. Como tercer objetivo, planteé conocer más información acerca del contexto litúrgico que se desarrollaba en las ceremonias de la capilla de León X y pontificados posteriores. Por último, la realización de un concierto sobre las misas Adieu mes amours y L’homme armé, de Francisco de Peñalosa en la Iglesia de San Pietro in Montorio con un quinteto vocal italiano dirigido por Walter Testolin. Tras las numerosas búsquedas en los archivos vaticanos y romanos, he podido averiguar información necesaria sobre la actividad de Francisco de Peñalosa en la Capilla de León X entre 1517 y 1521. Para empezar, los pagos por residencias dentro del Archivio Secreto Vaticano han desvelado los años en los que permaneció activo en la capilla pontificia. Sin embargo, no se han podido averiguar nuevos datos sobre su función en la Curia, debido al amplísimo volumen de manuscritos a estudiar (equivalente a dos años de investigación, como mínimo). Sí se han encontrado nuevos documentos que hacen referencia a él como cantor, pero también como cubiculario y músico secreto, cargos que solo los sirvientes de mayor confianza con el pontífice podían llegar a conseguir. También sabemos que León X tenía un gran aprecio por Peñalosa y

Concierto en el Salón de Retratos. Xavier Alern (vihuela) y Andrea Trueba (soprano)

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sus dotes como cantante, de quien señalaba que era un «músico excelentísimo […], por cuyas condiciones es en el presente aceptable para nosotros y gratísimo por otras virtudes suyas de que le creamos digno de entrar a nuestro servicio y al de la Sede Apostólica». El actual cierre del archivo de San Giacomo degli Spagnoli (sección documental), por un reciente proceso de catalogación, no ha permitido conocer nueva información sobre Peñalosa en la Iglesia de los Españoles, quedando esta puerta aún abierta a la investigación. Aun así, la amplia correspondencia entre Pietro Bembo (secretario del pontífice) y el cabildo hispalense para conseguir que el músico permaneciese en la Curia, disfrutando de beneficios y residencias en la Península, muestra la necesidad del músico en el coro papal. Las Jornadas de música sacra y profana del Renacimiento se desarrollaron los días 7 y 8 de abril de 2016. La primera consistió en la producción de un concierto sobre las misas de Peñalosa con cantores profesionales italianos. Se interpretó en la Iglesia de San Pietro in Montorio, añadiendo una conferencia introductoria con el fin de contextualizar la música del Renacimiento español y la función de Peñalosa como músico de Fernando el Católico y de León X. Todo ello ha quedado registrado en un CD sobre la recuperación de las misas L’homme armé y Adieu mes amours de Francisco de Peñalosa, para su divulgación y estudio. La segunda jornada consistió en una charla-concierto del profesor invitado y doctor Xavier Alern (Universidad Autónoma de Barcelona). La temática era la música 

Una primera línea de trabajo juega con la idea del pentimento (arrepentimiento) en la pintura. La superposición de imágenes en el mismo lienzo de un sitio en sus versiones anterior y actual lleva a un entrelazado de dimensiones espacio-temporales. En los cuadros, lo que es manifiesto convive con aquello que se ha querido ocultar. Esa latencia genera una fantasmagoría, un umbral donde confluyen presencias y ausencias, personas y cosas escondidas que aún se transparentan lo invisible dentro de lo visible». El trabajo pictórico de Gabriela Bettini suma estratos de tiempo y de espacio, los superpone pegándolos unos sobre otros, imágenes parciales de tiempos pretéritos que se adhesivan sobre la imagen principal y que nos retratan otras vivencias del espacio representado. La ocupación anterior a su restauro del Teatro Marcello por una población heterogénea se ve representada por la imagen de sus habitantes en el propio recinto que Bettini superpone a la visión actual. Esta superposición pictórica de dos momentos, del pasado y del actual, está codificada distinguiendo esta acumulación de estratos mediante el recurso pictórico de dibujar los trozos de cinta adhesiva que se pondrían en las esquinas de la imagen añadida si esta fuera impresa o pintada en una lámina de papel. Viaggio, óleo sobre lienzo.

profana de compositores españoles residentes en la Italia de finales de siglo XV y principios del XVI. La soprano Andrea Trueba y Xavier Alern con la vihuela cantaron una serie de piezas mencionadas y contextualizadas previamente por el investigador». Gabriela Bettini «El proyecto desarrollado en la Real Academia de España en Roma se ha centrado en representar, a través de la pintura (óleo sobre lienzo), la tensión que existe entre memoria y olvido como consecuencia de la destrucción de ciertos enclaves de la ciudad y de los recuerdos ligados a ellos. […] En tiempos de Mussolini, aún se acometieron nuevos cambios que supusieron la conservación y recreación idealizada de determinados monumentos de la antigua Roma y el simultaneo derribo de construcciones de épocas consideradas de decadencia. Esta metodología fue aplicada al Teatro de Marcelo, al Mausoleo de Augusto y a toda la zona arqueológica de Roma, por lo que también desapareció gran parte de la trama urbana que los rodeaba hasta entonces.12 

Teatro Marcello, óleo sobre lienzo.

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su viaje a Génova con su residencia romana a través de la suma de dos perfiles: el perfil de las colinas que rodean el puerto haciéndole de fondo y sobre ellas pegada, adhesivada de nuevo, esa otra realidad del perfil de las colinas del campo cercano a Roma, cercano a la ciudad. Esa doble silueta se funde en una única línea de montaña en la que el siempre presente elemento de las cintas adhesivas nos hace notar que pertenecen a otra realidad.

Roma, óleo sobre lienzo.

La técnica de óleo que utiliza, como ella misma nos cuenta, evoca el pentimento, el arrepentimiento del pintor que pinta encima de un cuadro cuya imagen anterior termina transparentándose, apareciendo con el tiempo. Bettini superpone sus imágenes pintando una sobre otra, pero controlando lo que quiere que se transparente entre una y otra. Es una pintura de la realidad en la que el concepto prima y en la que tiempo y espacio se funden sobre el mismo escenario para documentar la obra añadiendo otros significados y referencias. Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau En esta promoción de la Academia uno de los agentes que ha dinamizado más la convivencia ha sido el grupo de comisarios integrado por Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau, «los currators», como a sí mismos se llaman. Dos comisarios que practicaron su labor con el trabajo de sus compañeros becarios y becarias y organizando actividades en

Su visión de la arquitectura se difumina en un dibujo de línea clara u oscura sobre el fondo que lleva a todo el conjunto a un mundo intermedio entre una perspectiva o una visión real y un apunte esbozado de la obra. Su trabajo partía en origen del análisis de los espacios del mundo de la emigración: Roma como destino y el puerto de Génova como camino de salida confluyen en esta muestra. En Viaggio, el puerto de Génova, donde Gabriela Bettini investiga la ruta de los emigrantes que partirán a la Argentina, acumula visiones de espacios distintos. Bettini vincula 

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Espacio coworking de la Real Academia de España en Roma.

torno y dentro de la Academia. Desde la coordinación de un espacio de coworking y la creación de su mobiliario, autoconstruido por los residentes bajo la dirección de Carlos Granados, hasta las sesiones del programa Estudio 7, que ha traído a comisarios y artistas italianos elegidos por ellos a la institución. En coworking realizan también un panel de instituciones culturales, un mapa de Roma con fichas manuscritas en un tablero con la información precisa de los principales espacios culturales de la ciudad, una guía de recursos impagable para los residentes. Sus actividades se expandieron fuera del recinto: realizaron la exposición de Martín López Lam en el Festival de Cómics de Bolonia o la presentación del preestreno del film de Alberto Díaz en el seno de otra actividad organizada por ellos. Su presentación de esta exposición estará 

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acompañada por el libro, producido por ellos mismos, sobre su actividad. La publicación está financiada por su proyecto y esun catálogo de su trabajo comisariado por ellos mismos, a quienes les dejamos a continuación la palabra en este texto: «Nuestro proyecto de residencia investiga y desarrolla las relaciones entre un centro dirigido a la creación artística y el tejido cultural y urbano de su contexto, tomando como caso de estudio la Real Academia de España en Roma. El motor de este proyecto es una investigación curatorial centrada en el análisis de los espacios dedicados a la cultura y el desarrollo de estrategias y formas de hacer particulares que nos permitan experimentar con el papel y posibilidades de las prácticas artísticas y la colaboración. Para ello, durante nuestra estancia llevamos a cabo una investigación teórica desde planteamientos cercanos a los de la crítica institucional y las nuevas institucionalidades, que aplicamos a la realidad y contexto de la Academia como centro de producción cultural. Por otro lado, desarrollamos un rastreo de espacios, agentes e iniciativas culturales y sociales que configuran el contexto cultural contemporáneo italiano. El objetivo final de estos dos procesos de análisis es generar un programa curatorial que conecte y difunda el trabajo de los becarios y becarias con el panorama artístico italiano. Hemos diseñado y desarrollado las distintas actividades con la intención de que en el futuro generen nuevas sinergias y proyectos. Concebimos este programa desde los planteamientos del código abierto, en el sentido de que pueda ser utilizado y ampliado en el futuro por los próximos becarios y directores de la institución. Esta programación arrancó en el mes de diciembre de 2015 con el Taller de Mobiliario Urgente, del artista y educador Carlos Granados, para diseñar y construir de forma colectiva entre los residentes el mobiliario para el nuevo espacio de coworking en la Academia. Durante los meses de febrero y marzo de 2016, en este nuevo espacio tuvieron lugar las cuatro sesiones del programa Estudio 7: encuentros de ida y vuelta sobre el panorama artístico italiano, para el que invitamos a cuatro comisarios, quienes a su vez invitaron a artistas afincados en Roma con quienes presentar aspectos concretos de la realidad del arte contemporáneo en la ciudad. Los invitados fueron Michela Tornielli de Crestvolant con Thomas Hutton, Cecilia Canziani con Alessandro Piangiamore, Francesco Buonerba con Leonardo Petrucci y Stefano Collicelli Cagol con Nasrin Mohiti y Giusseppe Grant del colectivo Orizzontale. En colaboración con el equipo de BilBOlbul: Festival Internazionale di fumetto di Bologna, el 26 de mayo inauguramos, dentro de su programación Primavera/Estate, Parco Falafel, la exposición individual de Martín López Lam. Con motivo de esta exposición organizamos un encuentro en la 

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Accademia di Belle Arti di Bologna entorno al cómic y la autoedición en el contexto español. Para este encuentro invitamos a Roberto Massó y Klari Moreno, que fueron entrevistados por la dibujante italiana Cristina Portolano, y a Olaf Ladousse que, junto a Martín López Lam, conversó con el dibujante italiano Andrea Bruno. El 9 de junio tuvo lugar en el Cinema Trevi el ciclo Memorie esterne: found footage nella videoarte en el cinema sperimentale spagnolo, un proyecto desarrollado en colaboración con el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma. Esta sesión, planteada como una exposición en formato cine, supuso el preestreno de Lembranza, vídeo ensayo realizado por nuestro compañero Al Díaz en la Academia, acompañado por piezas realizadas igualmente a partir de metraje encontrado por Pilar Álvarez, Jordi Colomer, Los Ganglios, María Cañas, Eli Cortiñas e Isaki Lacuesta. Con el objetivo de profundizar en el análisis sobre el trabajo con metraje encontrado, el 10 de junio organizamos en la Academia un encuentro entre Al Díaz y Jordi Colomer, moderado por Alessandra Mammì, crítica e historiadora del arte responsable de la programación Art Trevi. Todo el material generado durante nuestra experiencia en la Academia ha sido recogido en una pequeña publicación titulada Cuaderno de Roma IV: experiencias curatoriales en la Academia». Esta presencia ha sido fundamental no solamente como dinamizador, sino también para que se entiendan los mecanismos, la convivencia de artistas y comisarios, explícita generadora de conocimientos tanto para unos –sobre cómo son los mecanismos de la creación– como también para los otros –que pudieron entender cuáles son los procesos de selección y actuación con los que van a trabajar los comisarios a lo largo de toda su obra–. Rafael R. Villalobos En el escenario renacentista más intenso, en el Tempietto que Bramante construye para España sobre el lugar del martirio de san Pedro, Rafael R. Villalobos crea un auto sacramental o, mejor dicho, un auto desacralizado, según su propia terminología, partiendo de un texto de Calderón. Lo reordena insertando en él una visión contemporánea del conflicto que provoca el reconocimiento de la unión civil en el marco de la Roma que celebra el Año del Jubileo. Pero dejémoslo a él narrarlo con sus propias palabras: 

«El proyecto ROMAESAMORALREVES comenzó con la idea de recuperar el Auto Sacramental de Calderón de la Barca El Año Santo de Roma –escrito ex profeso para la festividad del Corpus Christi del Año Santo de 1650–, transformándose más tarde en lo que he llamado un Auto Desacralizado: un experimento escénico que da la vuelta al texto y donde se mezclan verso, prosa, música barroca, jazz, pop, español, italiano, arquitectura renacentista, neones, conceptos platónicos y realidades tangibles. Analizar un texto tan hermoso como El Año Santo de Roma me resultó un poco violento al principio, ya que la belleza y armonía de los versos contrastaba con el caos y la doble moral que percibí al instalarme en la ciudad. Roma es una ciudad de contradicciones, cualidad que queda patente desde el 

Representación de ROMAESAMORALREVES en el Tempietto de San Pietro in Montorio.

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propone Calderón. Un retablo imposible puesto en escena en el Tempietto di Bramante, donde los personajes de la obra original se mezclan con personalidades de la sociedad romana para reflexionar acerca de temas como la Gracia Divina –o la ausencia de esta–, la Eucaristía o las múltiples dimensiones de Amor en el mundo contemporáneo». Inés M. Fuentes Inés M. Fuentes nos narra en el texto que reproducimos a continuación su proyecto de investigación en la Real Academia de España en Roma:

primer momento en que pones un pie con ella. También es una ciudad difícil. Cuando llegué, por ejemplo, me impactó ver cómo la ciudad estaba llena de carteles católicos que proclamaban la misericordia como el mantra del Jubileo, a la vez que aleccionaban de manera violenta en contra de la unión civil y la step-child adoption, cuya regulación se ha debatido de manera paralela este año en el Congreso. Una contradicción de entre otras muchas. Así, de la experiencia de vivir el Jubileo Extraordinario de la Misericordia de manera cercana surgió la necesidad de enfrentar las ideas teológicas que propone el texto calderoniano con la realidad de un año político y social muy convulso. Tomando partes del original de Calderón, cuyos protagonistas son alegorías, decidí enfrentar sus dimensiones platónicas a personajes reales. En concreto, me interesaron mucho dos hombres que han tenido un gran impacto: el teólogo polaco perteneciente a la Congregación para la Doctrina de la Fe Krzysztof Charamsa, que escandalizó al Vaticano con la declaración de su homosexualidad y cuya tesis doctoral sobre la inmutabilidad de Dios según Santo Tomás estudié en profundidad, así como el it boy de la escena gay Marco Prato, asesino confeso de un joven durante un trío sexual. Ambos hechos tuvieron lugar durante el desarrollo de mi proyecto y conmocionaron a la ciudad, inspirando estos dos cohabitantes de mi experiencia romana los personajes de Prete/Prato, en prosa y en italiano. En un tercer y último nivel de lectura se encuentra presente mi propia relación emocional, teológica y sexual con la ciudad. El resultado es un texto mixto –universal, clásico y a la vez de rabiosa actualidad– donde el Hombre debe iniciar su peregrinaje a la Ciudad de Dios, pero la Roma que encuentra es muy diferente a la utopía agustiniana que 

Partida de defunción - Bartolomeo Merci (padre de G. Pinetti) Orbetello 1770.

Partida de defunción - Elisabetta Parenti (madre de G. Pinetti) Orbetello 1794.

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escénica, pues fue pionero en sacar el ilusionismo de la calle y llevarlo a los teatros. Se pretende restaurar el legado y la figura de Pinetti –el mago más notable previo a Houdini, prácticamente desconocido hoy día–. También he realizado una sesión de magia con motivo del “Open Studio” (Real Academia de España en Roma, 17 de marzo) y, asumiendo la vocación de la RAER por tender puentes con otras instituciones culturales de España en Roma, realicé dos pases de mi espectáculo MagicROOM en el Instituto Cervantes de Piazza Navona (Roma, 20 de mayo). Durante estos nueve meses he asistido a conferencias y festivales de ilusionismo; he realizado una serie de investigaciones, contactos y visitas a historiadores, y he consultado numerosa bibliografía, con el fin de documentar históricamente a los distintos magos italianos. En este proceso descubrí la gran relevancia del ilusionista Giuseppe Pinetti, y decidí focalizar toda mi investigación y atención en su apasionante vida, así como en su estupendo y bien catalogado repertorio de juegos. Todo este trabajo culminó en un espectáculo unipersonal de magia de escena que lleva por título Pinetti Smascherato (Pinetti desenmascarado), estrenado en el Teatro de Villa Torlonia de Roma el 21 de junio de 2016, protagonizado por mí y representado completamente en italiano.

Partida de matrimonio - Maria Cintia (hermana de G. Pinetti) Orbetello 1775.

Historia del ilusionismo en Roma «Durante nueve meses investigué la Historia del Ilusionismo en Roma, desde la Antigüedad hasta el siglo XX con especial atención a Giuseppe Pinetti, el mago más importante del siglo XVIII, quien dotó a la magia de categoría 

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Giuseppe Pinetti revolucionó el ilusionismo en el siglo XVIII. Su vida estuvo llena de ingenio, enemigos, aventuras... y misterios. ¿Quién destrozaba sus actuaciones publicando sus trucos? ¿Por qué murió arruinado? ¿Cómo es posible que el mago más importante anterior a Houdini... sea hoy un completo desconocido? En Pinetti Smascherato (Pinetti desenmascarado) ofrezco un mágico recorrido a través del repertorio y la vida del célebre ilusionista italiano. Pinetti Smascherato es un viaje a través del tiempo, conciliando la mágia clásica con la más innovadora en un espectáculo insólito y sorprendente». Hecho en Roma en Bellas Artes de San Fernando La exposición ocupa en el espacio de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando el recinto de la Calcografía, que correspondía en el plano del Quarto Bajo de Diego de Villanueva –que reforma el edificio del Palacio de Goyeneche de Churriguera– a la llamada Sala de Principios, si bien el espacio que ocupa en esta exposición el trabajo de los cinematógrafos, cedido generosamente su despacho a la exposición por el académico Juan Bordes, responsable de la Calcografía, se corresponde con una de las llamadas Salas de Distinguidos en ese plano. Hemos volcado en la Calcografía la exposición de los artistas visuales, dejando solo un par de ellos como ese pequeño yang que hay en todo yin en la gran escalera monumental, actualmente en su versión restaurada y desornamentada con respecto a cómo debió de ser la original, la primitiva. En los espacios de la escalera hemos situado, en sus nichos, en sus bancos de piedra y sofás, el trabajo de los investigadores, de los literatos, del dramaturgo, de la maga, de las musicólogas y los comisarios para tener un pequeño momento de reposo sentados y poder oír de su propia boca su relato.

De aquí saldrán exposiciones individuales y colectivas, tesis, conciertos, direcciones de obras teatrales y pura magia. Es todo una ilusión pero no un espejismo porque es obra seria y muy trabajada: proyectos, financiados por el Estado, de profesionales, artistas e investigadores que han cumplido, como esta exposición muestra muy bien, con su parte del pacto. Vaya mi agradecimiento en estas páginas al personal de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; a su director, Fernando Terán, al director de la Calcografía Juan Bordes; a Almudena, la conservadora del edificio, y al personal que los acompaña y ha hecho posible este trabajo. Vayan con estas palabras mi enhorabuena y agradecimiento a la directora y a la Real Academia de España en Roma, a su equipo y al equipo que lo promueve y gestiona en Madrid desde la AECID. Vaya sobre todo mi enhorabuena por el trabajo realizado y por el futuro, que espero sea igual de fructífero, a todos los becarios y las becarias. Manuel Blanco Catedrático de Composición Arquitectónica E.T.S. de Arquitectura. Universidad Politécnica de Madrid ETSAM UPM Comisario de Hecho en Roma

El punto de yin dentro de nuestro yang lo da la incrustación en la alcografía, en la Sala de la Biblioteca de Lafuente Ferrari, de la historiadora, del restaurador y del arquitecto, que por su contenido o formato hallan cómodo acomodo en ella. Hecho en Roma nos habla del trabajo de los becarios y becarias de este último año, de su diversidad, de su genio y de su perseverancia a través de una selección de lo proyectado, que da cuenta de su trabajo sin colmatar demasiado nuestros sentidos, ni saciar las ganas de adentrarnos por nuestra cuenta en la obra individual de cada uno de ellos. 

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Citas Estorninos al atardecer 1 Palabras de Juan Bonilla Gago –becario de literatura 2000-01– y autor del prólogo del libro Ciudadano romano, de Antonio Portela, en el que continúa: «La vida debería ser siempre así, piensa uno mientras baja las escaleras que lo alejarán de la Academia donde obtuvo su regalo y mira por última vez la mole elegante del Templete de Bramante». Pero son muchos más los que hacen referencia a su paso por la Academia. Sin pretender ser exhaustiva, cabe destacar a Juan Mª Montijano –becario de documentación e investigación del patrimonio histórico 1992-93–, quien, en su magnífica monografía La Academia de España en Roma, realiza múltiples referencias. El músico José Muñoz Molleda –pensionado de música 1934-39–, tiempo después de salir de Roma, en su discurso de ingreso a su regreso a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1962, recordaría la etapa romana, a la que decía deber «además de tantas enseñanzas, la felicidad de mi vida». Cabría mencionar también a Rosa Chacel, que vivió en la Academia con su marido Timoteo Pérez Rubio –pensionado de pintura 1922-28–, que escribe en su obra Timoteo Pérez Rubio y sus retratos del jardín lo siguiente: «Roma se nos puso delante y eclipsó todo o casi todo». El arquitecto Fernando García Mercadal también dejó escritos sus recuerdos en el catálogo de la Exposición Antológica de la Academia celebrada en Madrid en 1979 y, aunque su relato es mucho más breve que el de Rosa Chacel y más idealizado, coincide con ella en la descripción de varias situaciones y, sobre todo, en la certeza de haber disfrutado de una oportunidad sin par. O por ejemplo, Antonio Portela Lopa –becario poesía 2004-05– escribe que el 29 de septiembre de 2004 «pisa por primera vez la ciudad que le ha de cambiar para siempre». Todas las referencias han sido facilitadas por Margarita Alonso, bibliotecaria de la RAER; algunas proceden de investigaciones aún no publicadas, por lo que quiero hacer expreso mi agradecimiento. 

2 Directores desde la fundación de La Academia José Casado del Alisal (1874-1881) Francisco Pradilla Ortiz (1881-1882) Vicente Palmaroli González (1882-1892) Alejo Vera Estaca (1892-1898) José Villegas Cordero (1898-1901) Mariano Benlliure Gil (1902-1903) José Benlliure Gil (1904-1912) Eduardo Chicharro Agüera (1913-1926) Miguel Blay Fàbregas (1926-1933) Ramón María del Valle-Inclán (19331936) Emilio Moya Lledós (1936-1939) Manuel Halcón Villalón-Daoíz (19401942) Fernando Labrada Martín (1948-1952) Juan de Contreras López de Ayala, Marchese Di Lozoya (1953-1957) Joaquín Vaquero Palacios (1957-1960, Vicedirettore) Joaquín Valverde Lasarte (1960-1967) Antonio Blanco Freijeiro (1967-1969) Enrique Pérez Comendador (1969-1974) Juan Antonio Morales Ruiz (1974-1977) Federico Sopeña Ibáñez (1977-1981) Venancio Blanco Martín (1981-1985) Trinidad Sánchez Pacheco (1986-1990) Jorge Lozano Hernández (1991-1996) Felipe Vicente Garín Llombart (19962002) Juan Carlos Elorza Guinea (2002-2005) Rosario Otegui Pascual (2005-2008) Enric Panés Calpe (2009-2012) José Antonio Bordallo Huidobro (20122014) Fernando Villalonga Campos (2014-2015) María Ángeles Albert de León (2015- A La Fecha) 3 Convocatoria 2015 (promoción 2015/2016) https://www.boe.es/boe/ dias/2015/02/04/pdfs/BOE-A-2015-1038. pdf 4 Listado participantes en el Programa de visitantes profesionales del sector cultural Oscar Alonso Xavier Alern Ferran Barenblit Miriam Basilio

Selina Blasco Manuel Borrás Francesco Buonerba Manuel Calvo Serraller Iván Cantos Cecilia Canziani Jesús Carrillo Nilo Casares Francesco Cascino Cristina Cobianchi Stefano Collicelli Cagol Jordi Colomer Lorena Corral Sema D’Acosta Susana De Blas Giorgio De Finis Virginia De la Cruz Lichet Blanca De la Torre María Del Valle Carlos Garaicoa Ilaria Gianni Javier Guardiola Thomas Hutton Lila Insúa Mayka Jiménez

Bruno Leitão Leitão Noemi Méndez Juan Luis Mira Paloma Navares Trinidad Nogales Augusto Paramio Alfredo Peñuelas Rivas Giordana Piccini Gracia Quejereta Maurizio Rigillo Marta Rincón Santiago Roncagliolo Juan Francisco Rueda Michella Tornelli Begoña Torres Emilio Varrá Miguel Zugaza 5 Catálogo de la muestra Processi 143 (2016) http://www.accademiaspagna.org/ portfolio/processi-143/ 6 Julia Ramírez Blanco, http://www.accademiaspagna.org/portfolio/processi-143/ 7 https://youtu.be/5Q7_pav4vIg

Hecho en Roma 1 Processi 143, Roma, Academia de España en Roma (catálogo de la exposición celebrada en Roma del 23 de junio al 30 de septiembre de 2016), 2016, p. 70. 2 Martín López Lam, El título no corresponde, Valencia, Ediciones Valientes, 2016. 3, 4, 5, 6, 7, 8 y 9 Ibid. 10 Processi 143, Op. cit., p. 78. 11 Processi 143, Op. cit., p. 109. 12 Agustín Cócola Gant y Federico Bellentani. “Mussolini y la política del pasado en la Roma fascista”. Revista Diagonal, nº 39 (artículo publicado el 3 de noviembre de 2015)” 

José Guerrero

Martín López Lam

Artes Visuales

Cómic

Titulado en Arquitectura Técnica por la Universidad de Granada. En 2002, tras dejar su trabajo como Jefe de Producción en la constructora Ferrovial-Agromán, decide dedicarse profesionalmente a la fotografía. En 2005 recibe la beca Joven Autor Andaluz de Caja San Fernando para el desarrollo del proyecto Efímeros. Desde entonces, y hasta hoy, su trabajo ha sido becado y premiado en varios certámenes: Purificación García (2008), Generaciones (2008), Iniciarte (2007 y 2010) y María José Jove e Imagenera (ambos en 2010).

Artista gráfico peruano, vive en Valencia desde el 2003 y trabaja en diferentes proyectos en torno a la publicación independiente, el cómic, la serigrafía, el dibujo y la ilustración. Ha colaborado con publicaciones como ARGH (España), Carboncito (Perú), El Buen Salvaje (Perú), Kuti (Finlandia), Puck (Italia), Franky et Nicole (Francia), Kus (Letonia) o Cocktail (Italia) y, además, ha trabajado con editoriales como Media Vaca, Ultrarradio, Aristas Martínez, Edicions De Ponent o Fulgencio Pimentel. Ha dictado talleres de edición y narrativa gráfica (Feria del Libro de Badajoz, Festival Entreviñetas de Colombia, etcétera) y ha realizado residencias artísticas en Manizales (Colombia), Zemun (Serbia), Roma (Italia) y Angoulême (Francia).

En 2008 fue artista residente en el Colegio de España en París y, en 2011, recibió la XIV Beca Manuel Rivera, con la que trabajó junto a Mark Klett en la Universidad Estatal de Arizona (EE.UU.). Ha recibido encargos del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y de la Fundación Banco Santander. Gran parte de su trabajo ha sido desarrollado en España y Estados Unidos y, en ambos países, su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas, entre las que destacan el Amon Carter Museum (Texas) y el Center for Creative Photography (Arizona).

Desde el año 2010 trabaja en su propio proyecto editorial: Ediciones Valientes, desde donde publica a autores de diversas partes del globo en antologías o pequeños zines, con los que ha participado en festivales gráficos de Portugal, España, Francia, Italia, Bélgica y Alemania.

En 2015-2016 ha sido artista residente en la Academia de España en Roma, donde desarrolla una nueva serie fotográfica, además de su primer trabajo cinematográfico en colaboración con Antonio Blanco. También en 2015 formó parte de la exposición ArtSituacions, que se expuso en Villa Croce (Génova), en el MACRO (Museo de Arte Contemporáneo de Roma) y, en 2016, en Matadero (Madrid); igualmente pudieron visitarse en Madrid dos exposiciones individuales: “After the Rainbow”, en el Centro de Arte Alcobendas, y “Sierra Nevada”, en la Galería F2. En 2017 se presentará su último trabajo, titulado “ROMA”, en la galería Alarcón Criado de Sevilla. 

Iñaki Gracenea

Jorge Conde

Josep Tornero

Artes Visuales

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Pintura, su formación ha continuado en diversos centros de arte como Arteleku (San Sebastián), Kunsthauss Essen, ISCP (Nueva York), CCA (Andratx) y John Jay College (New York).

Licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (UB), se formó en Artes Visuales en la University of California, San Diego (EEUU) y el Chelsea College of Arts and Design de Londres (UK), donde realizó una residencia artística becado por la UB. Posteriormente fue artista residente en el Museo Siqueiros de Cuernavaca en México y, más recientemente, en la Real Academia de España en Roma con la beca MAECAECID para el período 2015-16.

Ha expuesto en diversas salas institucionales como Rekalde (Bilbao), CGAC (A Coruña), Koldo Mitxelena (San Sebastián), Bienal Martínez Guerricabeitia (Valencia), Domus Artium (Salamanca), Museum voor Moderne Kunst (Arnhem, Holanda), La Casa Encendida (Madrid), Artist Space (Nueva York), Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León) o Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach). También ha participado en importantes ferias internacionales como ARCO (Madrid), ARTbogota (Bogotá), ARTISSIMA (Zona Maco, México D. F.), Art Brussels (Bruselas), Vienna Fair (Viena), Art Dubai (Dubai) o FIAC (París). Tiene obra en el Museo ARTIUM de Vitoria y en las colecciones de Unión Fenosa de La Coruña, de la Fundación Botín, de la Fundación CAM, de Caja Madrid, del MUSAC, AENA, del Banco de España y del Ayuntamiento de Pamplona. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premio Generación de Caja Madrid (2006), la Beca Botín (2002), la Beca CAM de Arte Plásticas (2009) y la Ayuda Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales (2016).

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Su trabajo aborda los excesos de la sociedad de hiperconsumo contemporánea y las relaciones de poder que la sustentan, su voracidad intrínseca y su capacidad para generar narrativas falsas (ficciones), utopías, políticas de ética dudosa, espacios geopolíticos excluyentes, identidades segmentadas y roles sociales complejos. Con el paso de los años ha evolucionado hacia lo conceptual, situándose en posiciones de mayor compromiso ético, social y ecológico, evidenciando una honda preocupación por las crisis humanitarias, el impacto social y medioambiental de ciertas políticas y actitudes comunes al capitalismo tardío y los relatos que sirven para justificarlas. Con técnicas y lenguajes diversos, sus proyectos funcionan como universos ordenados y comunicantes, siempre animados por la reflexión ético-estética y un afán ensayístico crítico-constructivo. Su práctica artística ha obtenido el reconocimiento y el apoyo de instituciones como el Ministerio de Cultura de España, la Generalitat de Catalunya, el CoNCA, la Fundación Bertelsmann-Planeta, la Fundación Bancaja, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en México y el Museo d’Arte Contemporanea di Roma (MACRO), entre otras.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en distintos países de Europa y América, en instituciones públicas y privadas como el Museo Siqueiros en Cuernavaca (México), el Instituto Cervantes de Berlín (Alemania), el IVAM-Centre Julio González de Valencia, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Espacio Bertelsmann y el Centro de Arte Tomás y Valiente en Madrid, Arts Santa Mònica y el Centro Cultural Círculo de Lectores en Barcelona, la Real Academia de España en Roma, el Tinglado 2, la Universitat Rovira i Virgili (URV) y el Museu d’Art Modern (MAMT) en Tarragona, el Casal Solleric de Palma, el Centro de Arte Quinta das Cruzadas en Sintra (Portugal), el Mandeville Center for the Arts en San Diego (EEUU), etc. También ha participado en eventos relevantes del panorama internacional del arte contemporáneo como PHotoEspaña, ARCO Madrid, Art Miami, Art Philadelphia, AAF London, los festivales Remo Brindisi en Ferrara (Italia), SCAN en Tarragona, Intl. ArtExpo California en San Francisco (EEUU), etc.). Forma parte de los archivos de creadores A*DESK del Institut Ramon Llull de Barcelona, l’IRRADIADOR de los Centros de Arte CA Tarragona y Lo Pati, el CENDEAC de Murcia y la Real Academia de España en Roma.

Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Murcia (2016), llevó a cabo su formación artística en la Facultad de Sant Carles de Valencia (2004). En 2008 fijó su residencia en Murcia, donde cursó el máster de Producción y Gestión Artística. Algunos de sus proyectos individuales son: “Fantasmagorías: objeto y síntoma”, en el Centro Párraga de Murcia (2015); “Dans l’interstice du silence”, en L’Escalier Espace d’Art de Montreuil (2014), “38 Steps”, en Cátedra Arte y Enfermedades + Perspectives Art, Liver Diseases and Me (2014); “Vicissitūdo”, en la sala Pablo Lau, en Sant Joan (2013); “Noli me tangere”, en la galería Alejandro Bataller de Valencia (2012); o “Stanza vuota: sobre cuerpo y memoria”, en el paraninfo de la Universidad de Murcia (2010). Entre las exposiciones colectivas donde ha participado en los últimos dos años se encuentran: “Procesi 143”, en la Real Academia de España en Roma (2016); “Any Given Book”, en la White Noise Gallery de Roma (2016); “Ausencias”, en la Kir Royal Gallery de Valencia (2015); “Perspectives – Art, Liver Diseases and Me”, en Reed Messe Congress Centre de Viena (2015); “Teatro Anatómico”, en el Palacete Dr. Ângelo da Fonseca de Coimbra (2015); o “Aus Gutem Hause”, en la Widmertheodoridis gallery de Eschlikon (2014).

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Juan Zamora

Jaime J. Ferrer

Julia Ramírez

Benjamín Domínguez

Artes Visuales

Arquitectura

Historia del Arte

Restauración

Su trabajo es un estudio sobre la vida y sus procesos desde una perspectiva poética y multidisciplinar. Como profesor, ha trabajado en la Universidad Europea de Madrid (2007-2011), Irvine University de California (2007-2008), Long Island University de Nueva York (2011-2012) o en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali (2015). Ha obtenido becas de residencia artística en el ISCP de Nueva York (2011-2012), The Nirox Foundation of Johannesburg (2014) o Lugar a Dudas de Cali (2015), y ganado premios como el INUVE (2006), ABC (2009) o Generaciones 2016. Ha expuesto en espacios como la Fundación ICO (2007), la galería Moriarty de Madrid (2009 y 2011), DA2 de Salamanca (2010), Matadero de Madrid (2011), Museo de Arte Moderno de Medellín (2012), Centro ARTIUM de Vitoria (2013), The Museum of Contemporary Art de Sydney (2014) o el Museo La Tertulia de Cali (2015).

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona ETSAB UPC (2000), fue becario del Ministerio de Educación para la Formación de Profesorado Universitario (2001-2005). Se doctoró en Arquitectura con mención europea (2006) y obtuvo el Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Politécnica de Catalunya (2008). Se ha desempeñado como investigador postdoctoral José Castillejo del Ministerio de Educación (2011), profesor visitante en CAUP Tongji University (China, 2013) e investigador PROMETEO-SENESCYT en la UNACH (Ecuador, 2013-2014).

Julia Ramírez Blanco es doctora en Historia del Arte con la tesis “Utopías artísticas del mundo contemporáneo. Arte, utopía y movimientos sociales 19892011”, dirigida por Delfín Rodríguez (UCM). Su investigación ha sido apoyada por una beca FPU (Ministerio de Educación y Ciencia, 2011-2015) y una beca en la Residencia de Estudiantes (Ayuntamiento de Madrid, 2010-2013). Ha realizado estancias en la New York University con el catedrático en Sociología Stephen Duncombe (2013) y en el Laboratoire langages actions urbaines alterités, con la investigadora Emmanuelle Chérel (2014).

Benjamín Domínguez Gómez (Sevilla, 1978) es licenciado en Bellas Artes (Universidad de Sevilla, especialidad de Conservación y Restauración de Obras de Arte) y máster en Arquitectura y Patrimonio Histórico (Escuela Superior de Arquitectura de Sevilla). Fue galardonado con el Premio Extraordinario Fin de Estudios por su expediente. Directorgerente de la empresa GESTIONARTE S.L.U., simultanea su labor profesional con la investigación científica dentro del grupo Conservación y Patrimonio: Métodos y Técnicas (HUM-956), adscrito a la Universidad de Sevilla.

Su trabajo reciente se ocupa de los cruces entre el arte, la imaginación social y el activismo, que ha fructificado en el libro Utopías Artísticas de revuelta (Cátedra, 2014). También se ha interesado por las cuestiones ligadas al arte no-profesional en su prólogo al libro de Hans Prinzhorn Expresiones de la locura (Cátedra, 2012).

Colaborador honorario del Departamento de Pintura de dicha universidad, actualmente desarrolla su tesis doctoral en el marco del programa Arte y Patrimonio. Por tal motivo ha disfrutado de una estancia de investigación en el Área de Conservación Preventiva del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (I.A.P.H.) y en el Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro de Roma (I.S.C.R.), durante cuyo desarrollo residió en la Academia de España.

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Es profesor agregado del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAB, coordinador del curso Maestros Nórdicos y autor de la monografía Jørn Utzon: obras y proyectos, publicada por Gustavo Gili (2006). Su obra ha formado parte de la Bienal de Arquitectura de Venecia (2012 y 2014) y ha sido seleccionado como uno de los Europe 40 under 40 xCentre for Architecture (2014).

Ha traducido a Erwin Panofsky –La arquitectura gótica y escolástica (Siruela, 2007)– y sus textos han sido publicados en diversos libros colectivos, así como en diversas revistas y journals.

Su trayectoria profesional le ha llevado a especializarse en el tratamiento de obras en madera policromada, destacando los trabajos llevados a cabo sobre retablos –objeto de estudio de su tesis doctoral– y otros elementos análogos, como los soportes de las pinturas de la Sala de los Reyes en la Alhambra de Granada. Asiduo participante en congresos, ponencias y seminarios tanto nacionales como internacionales, es autor de algunas publicaciones relativas a su área de conocimiento y asesor técnico en varias instituciones pertenecientes a la Archidiócesis de Sevilla.

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Susana Arenillas

Clara Montoya

Alberto Díaz

David Muñoz

Artes Visuales

Cine

Actualmente termina la tesis doctoral Arte y memoria histórica en la España reciente. En 2009 obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados con el trabajo Arte y memoria: visiones contemporáneas de la dictadura franquista. Además, se halla en posesión de los siguientes títulos: máster en Museología: Estudio de Técnicas Documentales (enero de 2016); Certificado de Aptitud Pedagógica (Instituto de Ciencias de la Educación, UCM, marzo de 2008); licenciatura en Bellas Artes, especialidad de Artes de la Imagen (fotografía y vídeo) (Junio de 2006).

Realizó estudios de BA, becada, en el Chelsea College Art y de MA en el Royal College of Art de Londres, donde recibió el galardón Thames and Hudson / RCA a la excelencia en escultura. Ha sido becada en residencias de la Cité Internationale des Arts (París) y The Cooper Union (Nueva York).

Licenciado en Comunicación Audiovisual (Universidad Rey Juan Carlos, 2002-2007) y máster europeo en Estudios sobre Cine (2010), prevé proseguir sus investigaciones sobre cine, artesanía audiovisual y praxis fílmica.

Fundador de Hibrida Films (www.hibridafilms.es), productora audiovisual y cinematográfica, David Muñoz es guionista, director y productor de películas documentales y de ficción ganadoras de más de 100 premios y seleccionadas en más de 500 festivales de cine internacionales. En 2010 fue galardonado con el Premio Goya al mejor cortometraje documental español por Flores de Ruanda, con la que también obtuvo el Premio Helénico del Público en el Thessaloniki International Film Festival. La broma infinita le valió el premio del jurado al mejor cortometraje documental en el Al-Jazeera International Documentary Film Festival de 2011. Su documental Otra noche en la tierra atesora, entre otros reconocimientos, la Biznaga de Plata, el segundo premio al mejor documental del XV Festival de Cine de Málaga, el premio de la crítica FIPRESCI en el DOK Leipzig, el President’s Award de la Fundación Japón de la NHK TV y el premio al mejor largometraje documental en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (México). Su cortometraje de ficción A propósito de Ndugu se estrenó en competición oficial en la LXIII Berlinale International Filmfestspiele Berlin y fue ganador del premio al mejor cortometraje andaluz en el XII Festival Internacional de Cortometrajes Almería en Corto. Su cortometraje documental El juego del escondite se estrenó en la LXV Berlinale Internationale Filmfestspiele Berlin y ha ganado la Biznaga de Plata, el premio especial del jurado del Festival de Cine de Málaga, la Caracola Alcances, el premio al mejor cortometraje en Alcances Cádiz Festival de Cine Documental y el Premio Especial SGAE a la mejor dirección en el (SEFF Sevilla Festival de Cine Europeo).

Desde 2007 compatibiliza la labor artística con la actividad docente y la mediación cultural. Ha expuesto de forma individual en la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid (2009) y ha participado en múltiples muestras colectivas, entre las que destacan: “One proyect” (Galería Estampa, Art Madrid 2012); “Proyecto banderas” (Feria Internacional del Grabado Estampa, Madrid, 2011); “C. Viennale” (Sécolectivoforzoso, Madrid, 2009); “LadyArte” (LadyFest Spain, Patio Maravillas, Madrid, 2007); “Anverso/ reverso” (Facultad de Bellas Artes, UCM, Madrid, 2007); “Laberinto de espejos: biografía-auto-biografía” (Facultad de Bellas Artes, UCM, Madrid, 2007); “Canal Abierto 2007” (Torre de Aguas del Canal de Isabel II, Madrid, 2007).

Sus obras se encuentran en destacados museos y colecciones: Colección Huarte, (Mallorca), Museum of Contemporary Art, The gfzk (Leipzig, Alemania), Seomi & Tuus Collection (Corea de Sur), Centro de Arte Contemporáneo CAC (Málaga), Proje4L / Elgiz Museum of Contemporary Art (Estambul, Turquía); Coleção Madeira de Dibujo (Portugal), etcétera. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre las que se puede citar “Winter Show, Nirox / Yorkshire Sculpture Park”, comisariada por Helen Pheby (Museo de Arte textil TAMAT Tournai, Bélgica). También ha tomado parte en exposiciones colectivas celebradas en el Museo de Arte Contemporáneo ADK Puerta de Brandeburgo y el Kunstlerhaus Bethanien, ambos en Berlín, y en el The gfzk (Museum of Contemporary Art), en Leipzig. Ha expuesto individualmente en galerías como Slowtrack y Marta Cervera (Madrid), ALAC (Los Ángeles), Het Raam (Venlo, Holanda) y 1 sur 1 (Bruselas). Entre las becas y premios que ha recibido cabe destacar los que le ha otorgado la Fundación Botín y la Junge Akademie der Künste, a la que fue propuesta por Mona Hatoum y donde fue aceptada por Tony Cragg, Karin Sanders y Valie Export. Trabaja en Europa y Estados Unidos. Tiene su estudio en Bruselas, donde además gestiona, dentro del colectivo LaSenne, un gran espacio cultural multidisciplinar.

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Apasionado de la teoría cinematográfica y del discurso poético en general, ha compaginado su trabajo académico con el mundo profesional de la imagen y el sonido. Propietario de la productora lucense Mordisco Films, ha llevado a cabo simultáneamente labores de guión, realización y postproducción. Es cofundador de la distribuidora de cortometrajes Boutique Yaq y director técnico-artístico de los festivales Yaq y Cortopatía. Además fue promotor del festival Cortópolis. En total ha organizado más de 40 ediciones de festivales de cine en los últimos años. Actualmente realiza la postproducción del cortometraje Exhalación, con Ángela Molina como protagonista, y ha comenzado a escribir su primer largometraje en el Reino Unido. Entre sus trabajos como director y productor suma 165 premios internacionales y más de 750 selecciones.

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Antonio Blanco

Ulises Juárez

Andrés Catalán

Jesús Madriñán

Música

Novela

Poesía

Artes Visuales

Compositor, realiza sus estudios de licenciatura y posgrado en los conservatorios de Sevilla y Milán y se especializa en música clásica contemporánea.

Ulises Juárez Polanco (Managua, Nicaragua, 1984) es autor de cinco libros de cuentos, incluyendo La felicidad nos dejó cicatrices (2014). La Feria Internacional del Libro de Guadalajara lo nombró uno de Los 25 secretos mejor guardados de América Latina, «25 voces y lenguajes para descifrar, hoy, América Latina». Entre otras recopilaciones, es uno de los dos únicos autores incluidos en ambos volúmenes de la Antología de la novísima narrativa breve hispanoamericana, que reúne «a los escritores de ficción más prometedores menores de 27 años», publicadas en 2006 y 2008. Cuentos suyos han sido traducidos al inglés, francés, alemán y portugués, y aparecen en antologías y revistas de los continentes americano y europeo.

Poeta y traductor, es autor de los libros Composiciones de lugar (UP José Hierro, Premio Félix Grande, 2010); Mantener la cadena de frío (Pre-textos, Premio RNE, 2012), en coautoría con Ben Clark, y Ahora solo bebo té (Pre-textos, Premio Emilio Prados, 2014). Colabora en revistas como Litoral, Cuadernos Hispanoamericanos, Clarín o El Cuaderno. Ha traducido libros de Robert Hass, Philip Levine, James Merrill, Stephen Dunn, Robert Frost, Anne Sexton, Robert Pinsky, Louise Glück y Edna St. Vincent Millay.

Licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona y máster en Fotografía por la londinense Central Saint Martins, cuenta con numerosas exposiciones individuales, entre las que destacan: “La finca”, en el Festival Menotrentuno (Italia); “Slow Motion”, en el Centro Torrente Ballester; o las dedicadas a su serie “Good Night London” en el Centro Cultural Kavlin de Punta del Este (Uruguay) y en los Centros Culturales de España en México D.F. y Montevideo.

Ha sido artista residente y ha impartido seminarios sobre su música en México, Colombia, Estados Unidos, Italia y España. Principalmente en estos países se relaciona con los mejores grupos especialistas en música contemporánea. Es profesor de Piano, Teoría de la Música, Armonía y Composición en diferentes escuelas privadas de España y públicas y privadas de Italia, además de pianista acompañante, director de teatro, de orquesta y de coro. Compone obras sinfónicas, repertorio de música de cámara y obras para instrumentos solos. La mayor parte de su producción musical se está destinada a conciertos. No obstante, también compone música para trabajos artísticos audiovisuales y teatro, donde escribe música, texto y dirige.

Escritor, editor, periodista y gestor cultural, es licenciado Magna Cum Laude en Derecho y Magna Cum Laude en Diplomacia y Relaciones Internacionales, cuenta además con especializaciones en Gestión Cultural, Cooperación Internacional e Historia de Nicaragua, y es becario del Global Competitiveness Leadership Program de Georgetown University, Washington, EE.UU.

Ha participado en prestigiosos festivales y ferias de arte como Photoespaña, Paris Photo, ARCO, Unseen Amsterdam, Pulse Miami o International Photography Awards (Nueva York). Entre sus exposiciones colectivas destacan: “Contexto crítico. Fotografía española del siglo xxi”, comisariada por Rosa Olivares y organizada por el Ministerio de Cultura en el espacio Promoción del Arte de Tabacalera (Madrid), “P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española”, comisariada por Charlotte Cotton para Photoespaña, y “Edita: Secuencia/ Sentido”, comisariada por Miguel von Hafe para el Centro Galego de Arte Contemporánea.

Durante su estadía en la Real Academia de España en Roma, además del proyecto de investigación y escritura de la novela Sirenas, participó y/o acompañó charlas sobre literatura en el Instituto Cervantes de Roma y su Biblioteca María Zambrano, en el Liceo Español Cervantes y en la sede de la RAER.

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Fatima Bethencourt

María Elena Cuenca

Gabriela Bettini

Musicología

Artes Visuales

Nacida en Santa Cruz de La Palma (Canarias, 1978), es doctora en Musicología por la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en Historia y Ciencias de la Música (mención especial en los Premios Nacionales Fin de Carrera de Educación Universitaria) y en Historia del Arte (Premio Extraordinario de Licenciatura).

María Elena Cuenca está finalizando un doctorado en Musicología. Escribe su tesis, dedicada a la vida y las misas de Francisco de Peñalosa (ca. 1470-1528), en la Universidad Complutense de Madrid bajo la dirección de Javier Suárez-Pajares y Tess W. Knighton (CSIC). Además de obtener el grado profesional en el Conservatorio de Música de Alicante (especialidad clarinete), se diplomó en Magisterio Musical (Universidad de Alicante, 2010), se licenció en Historia y Ciencias de la Música (2012) y realizó un máster de Música Española e Hispanoamericana (Universidad Complutense de Madrid, 2012), por el que obtuvo el premio extraordinario. También ha realizado el máster de Formación del Profesorado de Secundaria (Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2013).

Artista visual, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Fine Arts por la University of East London (Beca de la Fundación La Caixa y British Council para estudios de posgrado en el Reino Unido).

Ha realizado estancias de investigación en The City University of New York, University of California, Berkeley y la Universidad de Varsovia gracias a una beca de posgrado para la Formación de Personal Universitario y a una subvención para la obtención de la mención europea en el título de doctor, ambas concedidas por el Ministerio de Educación. Ha sido además becaria FormARTE de gestión cultural en el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) y de la Real Academia de España en Roma (RAER). Es autora de una monografía, de artículos para revistas especializadas y de varios capítulos de libros sobre las relaciones entre literatura, música y artes plásticas, aparecidos en publicaciones nacionales y extranjeras. Recientemente ha recibido el Premio Bienal CEHA 2016 a la mejor comunicación postdoctoral en el marco del XXI Congreso Nacional de Historia del Arte por su trabajo “La armonía de los objetos imposibles: descubriendo la música bajo la mirada fotográfica de Chema Madoz”.

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Ha participado en diversos congresos nacionales e internacionales con estudios sobre la música del Renacimiento español y de la Segunda República. Durante el periodo 2015-2017 ha realizado varias estancias en el extranjero gracias a la beca Erasmus +, con la que trabajó junto a la doctora Laurie Stras en la Universidad de Southampton, y a la beca MAECAECID en la Real Academia de España en Roma, donde investigó los archivos romanos y vaticanos y recuperó la música de Peñalosa a través de la producción de un concierto de sus misas. Desde abril de 2016 disfruta de la beca de estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid, otorgada por el Ministerio de Economía y Competitividad, y organiza nuevos conciertos para la difusión de la música antigua española y publica artículos sobre la música en los tiempos de los Reyes Católicos.

Entre sus últimas exposiciones individuales se incluyen “Paisajes de excepción” (Galería Silvestre, Madrid, 2016), “Larga distancia” (Galería Silvestre, Tarragona, 2015) y “La casa roja” (Galería Mundo Nuevo, Buenos Aires, 2013; La Fresh Gallery, Madrid, 2013). Ha participado en exposiciones colectivas en Europa y Sudamérica y en la Muestra de Arte INJUVE (2005). Obtuvo una beca del Centro Cultural de España en Buenos Aires (Residencia URRA, 2010) y el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007). Desarrolla su trabajo mediante el dibujo, la pintura y el vídeo. En sus últimos proyectos se ha centrado en las dimensiones sociales, históricas y culturales del paisaje y en revisar la relación que entablan determinados lugares con la memoria que albergan.

Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau Comisariado y Mediación

Jaime González Cela (Madrid, 1984), adjudicatario de la beca, es licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense y máster en Arte Contemporáneo y Cultura Visual por el Museo Reina Sofía. En 2008 trabajó en el Festival de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña y posteriormente en el Bilbolbul (Festival Internacional de Cómics de Bolonia, Italia), donde comisarió la exposición de David B. “Journal d’Italie”. Es miembro del colectivo de gestión cultural Calipsofacto, dedicado a la experimentación con formatos expositivos. Ha trabajado en el Museo de la Biblioteca Nacional de España, institución en la que también ha participado, como asistente de comisario, en la exposición “La Transición en tinta china”. Es comisario independiente y educador en el CA2M. Manuela Pedrón Nicolau (Granada, 1988), coautora del proyecto, es licenciada en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid y máster en Arte Contemporáneo y Cultura Visual por el Museo Reina Sofía. Ha trabajado en el Museo Peggy Guggenheim de Venecia y en los departamentos de Educación y de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía. Forma parte del colectivo Catenaria, con quien ha comisariado, entre otros proyectos, “Be virus, my friend” (La Casa Encendida, Inéditos 2014), y de la Asociación Areko, dedicada a la creación de proyectos artísticos en el espacio rural, con quienes organiza el Festival 14º Norte en Labastida (Álava). Escribe para las publicaciones A-desk y La Raya Verde. Como equipo, Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau han sido curadores de “Arte Ficción” para CaixaForum Barcelona (proyecto ganador de la primera edición de Comisart, 2013) y de 

“C.I.T.I.: Centro de Investigación Técnicamente Imprevisible” (Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, 2015). Han colaborado con Matadero Madrid en la nueva selección de artistas del Archivo de Creadores de Madrid (2015). En Hangar Barcelona han desarrollado el proyecto Chemtrails gracias a una beca de residencia del centro en colaboración con Hablarenarte y Curators’ Network. Actualmente gestionan el espacio independiente FRÁGIL.

Rafael Villalobos

INÉS M. FUENTES

Artes Escénicas

Artes escénicas (magia)

Ganador del Europäische OpernregiePreiss de Opera Europa en Viena y finalista del Independent Opera at Sadler’s Wells en Londres, Rafael R. Villalobos se ha posicionado como uno de los directores de escena operísticos emergentes más interesantes del panorama a nivel europeo. Fue nominado en 2016 a los International Opera Awards en la categoría de Best Young Director.

Inés la Maga es una de las ilusionistas más relevantes del mundo. Ha realizado magia en numerosos programas de televisión internacionales de EE.UU., Corea del Sur, Rumanía, Suecia, Colombia, incluso en el prestigioso espacio británico The Next Great Magician (ITV), que reúne a los mejores magos del planeta. En España ha mostrado su magia colaborando habitualmente en los programas Jugando con las estrellas (La1 de TVE), ¡Qué tiempo tan feliz!(Telecinco), Menuda Noche (Canal Sur), NADA X AQUÍ (Cuatro) y muchos otros. Ha colaborado en el programa Ya veremos de M80 Radio con su propia sección de magia a través de las ondas.

Licenciado por la Real Escuela Superior de Arte Dramático en Madrid, amplía su formación con un máster en Estudios Musicales en la Universitat de Barcelona y ESMUC con las más altas calificaciones, así como en la Central School of Speech and Drama de Londres. Durante este tiempo colabora con algunas de las principales compañías de teatro de autor –Abiosis Teatro, Ana Pasadena– y presenta en Barcelona A Welcome Guest: microópera para un solo performer que tuvo una gran acogida. Director, dramaturgo y diseñador, últimamente ha estrenado con éxito óperas como Elektra de R. Strauss en Auditorio Nacional de Música, Dido & Eneas de H. Purcell en el Teatro Real, Rigoletto de G. Verdi en Como o Noyes Fludde de B. Britten en Wiesbaden, junto a directores musicales como David Afkham, Aaron Zapico o Jörg Endebrock al frente de ensambles como Orquesta y Coro Nacional de España, Forma Antiqva o el Bach Choir.

Tiene varios espectáculos de creación propia, tanto de magia de escena como de magia de cerca. Su espectáculoMagicROOM se representa de forma asidua en Madrid desde 2015 con gran éxito de crítica y público. En verano de 2016 estrenó en el Teatro de Villa Torlonia (Roma) su espectáculo Pinetti desenmascarado. Inés la Maga publicó en 2009 su libro Magia Inés… plicable (Ed. Aguilar), un manual para iniciarse en la magia. En 2010 recibió el Premio Granada Joven de Arte y Creación, otorgado por la Junta de Andalucía. Además, Inés es Licenciada en Psicología, y gemóloga y tasadora por el IGE.

Entre sus próximos compromisos figura Superflumina de S. Sciarrino para el Teatro Massimo di Palermo.

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English Texts

Ever since its founding in 1873, the Academy of Spain in Rome has sought to foster national genius and, according to its first statutes, to offer our artists a field of study, a retreat in which they can further their talent, in the city that shall be eternally the metropolis of art: Rome. In the same spirit with which, almost 150 years ago, the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation, on which the Academy depends today, selects and provides grants every year for artistic residencies at the institution to artists from various disciplines and researchers in the field of art. Looking ahead, it is the history of the Academy, its past, that provides us with the greatest encouragement and motivation for the present and the future. Today, the Academy of Spain in Rome has become a space of markedly contemporary creation and research within a world of constant movement of people and information; a living, open space, where tradition and modernity come together. Between October 2015 and June 2016, 24 artists and researchers from Spain and Latin America lived in the Academy, working in disciplines as diverse as painting, sculpture, photography, video art, music and musicology, restoration, cinema, art history, literature and poetry, the dramatic arts and their hybrid expressions. A diversity of interests and backgrounds that enriches the work of the residents, and responds to the Academy’s main objective: promoting the creative development of its residents, offering them the opportunity to connect with other artists and encouraging their integration on the international stage. The exhibition Made in Rome, which presents a selection of the works of the 24 grant holders from the 2015-2016 academic year, is a true reflection of this multi-faceted dialogue: between 

tradition and modernity, between artistic disciplines, between generations. I think the result is highly stimulating –due to the quality of the works made in Rome (thanks to production-oriented grants) and in many cases, inspired by Rome, but also due to the work of its curator Manuel Blanco. The exhibition, Made in Rome, like its forerunners showcasing the work of past academic years, is held in the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid, a circumstance that is by no means accidental: it consolidates a historical link, a bond that remains strong to this day, between both Academies. In San Fernando, the works of the residents in Rome take on a special resonance, and are open to new readings. I would like therefore to thank all those involved in this project for their dedication and hard work: the teams from the Spanish Academy in Rome and the Royal Academy of Fine Arts in San Fernando, the curator Manuel Blanco, and those who in one way or another have taken part in preserving the legacy of the Spanish Academy in Rome and its projection towards the future; without forgetting all the artists and researchers who attend the Academy making it a unique platform for the promotion of Spanish culture.

Fernando García Casas Secretary of State for International Cooperation and for Latin America Ministry of Foreign Affairs and Cooperation

The National Chalcography temporary exhibition hall has for many years hosted the works of grant holders at the Spanish Academy in Rome, under the patronage and organization of the AECID. The magnificent response from the public encourages us to continue with this project, recovering a tradition that goes back to the 18th century. The grants, created to reward the work of the most outstanding students, not only signified the recognition of the selected artists, but also served as a stimulus and model for those who were pursuing their artistic studies at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando. On the other hand, the exhibition in the classrooms of the Academy of some of the work done by these students was a window opening outwards, bringing to Spain the latest artistic tendencies that find favour in the Italian capital. The Royal Academy of Fine Arts of San Fernando expresses its gratitude to the AECID for the effort it has made to show the fruits of the work of the residents of the 2015-2016 academic year. The exhibition provides the general public with an opportunity to judge the projects and the performance of these artists. Meanwhile the Academy for its part has once again restored a tradition that dates back in history to the first grant holders sent to the Eternal City, while at the same time regaining the didactical spirit of those early exhibitions. Once again I would like to thank AECID most sincerely for its involvement in this project and to congratulate these young artists for the work they have done during their residency in Rome.

Fernando de Terán Director of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando

STARLINGS AT DUSK Life is not the same after living in Rome, after staying at the Academy: a pronouncement consistently repeated by virtually all 876 grant holders or residents who have ever had the opportunity to be selected to enjoy one of the Academy’s historic residencies (1). And it is extremely likely that all of its 27 male directors and 3 female directors have shared that feeling (2). Without a doubt, it is an honour and an immense responsibility to run a cultural institution with such a long and complex background and history, and above all one with so many challenges ahead. These challenges relate to the need for renewal of the institutional model (from a cultural perspective), the duty to provide excellence in public-sector cultural management, the right of citizens to avail of adequate infrastructures with high quality services and, understandably, the obligation to promote public-private partnerships that contribute to the financing of a model where social gains are not incompatible with our ongoing committed support to creators and researchers, to innovation and experimentation... challenges which, one way or another, have marked the 143 years of the institution’s existence and to which we as a team at the Academy have attempted to respond with the help of each and every one of the residents who lived with us between 2015 and 2016, and whose selection of works is presented in Made in Rome. Unique in the ecosystem of the Spanish public sector, the Royal Academy of Spain in Rome (RAER) is, however, similar to the academies set up by other European countries and the United States in the late 19th and early 20th centuries in Rome, following in the footsteps of the French Academy, the universally known Villa Medici, where, among others, Velázquez himself stayed. Artists and/or researchers live and work 

in academies. They develop projects and draw on the immense cultural heritage of the city or participate in activities that promote their mutual knowledge and generate professional networks. But not all academies have the privilege of being located in an exceptional monumental environment and in a unique location in the city: the temple of Bramante and the view of Rome with Trastevere at its feet is a sight that leaves our visitors breathless. We, who go about our daily lives in this environment, never stop feeding off that constant stimulus. And that makes the cold that filters through the windows, for example, the moisture that penetrates the walls, the lack of elevators and spaces with inadequate technological facilities for collective production more bearable until they are resolved. The generation that arrived in Rome in October 2015 actually came into being many months before, in February, when they presented their applications, competing, along with 500 others, with a project, a budget proposal and bundles of enthusiasm (3). And in June, when they were being selected, my Roman adventure began, a summer in which we shared the excitement and the vertigo of looking forward to finding ourselves in October in Rome. We all arrived at the same time. We kept getting lost for weeks in the corridors, cloisters and towers. We found that there were many more closed doors than open. We discovered archaeological remains and storehouses housing treasured works of art that had been duly inventoried, furniture from goodness knows where and models that served generations of artists. Each and every one of the residents were, are, and, I am sure, will be accomplices in the ongoing task of improving the Academy. Generous in their suggestions, positive in dealing with its deficiencies and shortcomings, and colleagues in sharing ideas. Two years down the road from the time they decided to apply for the grant, they are the ones who deserve recognition for a 

very important part of how the academy has advanced in this time. Coinciding with the exhibition of some of their works, I wish to take the opportunity to publicly express my thanks to them, something which I have done many times individually. Without them, so many, so very many things would not have been possible ... because back then in October, from the very first day, we moved on from proposals to actions. The starlings also marked our arrival in the autumn of 2016. And it was no small matter. We gazed out, perplexed, from windows and terraces at the hundreds of thousands of birds that every evening hovered at eye-level over a majestic Rome. Their measured, rhythmic, unexpected and always aesthetic movements still remind me of our group of grant holders. Without any particular defined leadership, every occasion, every circumstance prompted a different voice proposing a visit to another academy, a museum, a concert, an archaeological dig or a collective meal in the garden. Many of them brought in their backpacks experiences or suggestions from residents of previous editions; some had read stories by writers who had preceded them or even historical research on the Academy itself. It didn’t take long for them to peel back and shed certain myths or realities from other eras, and to get on with their own suggestions for improvements and innovations, and –why not?– to also retrieve traditional practices that had died out, but which could still be put to good use today. Some activities, almost symbolic, affected the everyday and professional life of the residents, such as keeping the doors of the library or the portrait room open, affording permanent access outside public hours without interrupting their work. Or promoting a new collective space, “coworking”, which benefited from an urgent furniture workshop, a project that

a couple from our group of scholars took on with the enthusiastic participation of other colleagues who helped to build tables and shelves for common use. Extremely important decisions also received the support of the scholars, for example, and contributed towards improved security conditions and access to the heritage collection. However, despite being a priority and a basic need, the badly needed improvement of Internet and Wi-Fi access did not happen on time and our scholars had to suffer the inconvenience of the transit to modernising an institution that was technologically obsolete. Finally, in October 2016 we were able to guarantee that connections were in working order and suitable for those for whom the Internet is an everyday tool for working with digital files, images and networks. Once again, to the scholars, to all of them without exception, I want to express my grateful thanks for their forbearance and my apologies for the impact it had on our daily lives. But the Academy is much more than a meeting space, a magnificent container; it is also a centre of production and innovation in culture. And that is one of the hallmarks of the institution. It was conceived as an instrument of state policy that understood the need to invest in culture as an asset for the future, not forgetting its value in strengthening the European imaginary, in the consolidation of a Europe that identified its wealth in its cultural plurality and promoted the building of networks and the circulation of its most prized raw material: its creators, researchers, heritage experts, etc. That is why we are all in Rome. That is why all the academies are still in Rome today. That is why we are rethinking the role of our cultural institutions in our changing world in which new ideas, nourished by sources, circulate and even collide with different languages, but nevertheless move forward.

So, the Academy has also intensified its activity during this period, facilitating processes of knowledge building and the recognition of others. The “Visitor program for professionals from the cultural sector” was created, which brings together proposals made directly by grant holders and Academy directors and also includes the opinions of experts who visit Rome and are invited to share bed and board with the residents. Key to this programme has been the generosity of guests and scholars, as well as the diversity of representatives from different areas of culture, from the public and private sectors, while maintaining a certain geographic or gender balance (4). The programme is heir to a long tradition of the Academy, which from the outset welcomed occasional visits and even longer stays from emeritus fellows, who lived temporarily with the current grant holders. Now the process is not only systematic, it is considered a strategic programme and a priority on the institution’s agenda. Talks and guest presentations are complemented by visits to studios. The fruits of such an undertaking were soon apparent: exhibitions, concerts, articles in specialised media, a presence in social networks, and above all, the generation of new contacts, new projects. And here I’d like to pay special tribute to the presence of Latin American and Italian professionals reinforcing the programme, which for some years now has been accepting applications for grants from residents of Latin American countries as well as Italy. A significant event was our “Open Day” held in March, right in the middle of the residency, designed to promote exchanges with the Italian sector while at the same time allowing sufficient time before the completion of the programme for relationships to materialise and bear fruit. A schedule of appointments with professionals was drawn up for the entire day culminating in a two

hour session open to the general public. All our residents participated with the presentation of their projects, including art and music theorists, writers and curators of exhibitions. The objective of the exercise was twofold: to demonstrate the plurality and wealth of the institution to Italian experts and the local community, and to further the Academy’s effort to initiate another activity that would demonstrate the evolution of each project and provoke reflection among the scholars themselves. The results were plain to see and those who opted to nurture ideas in order to later propose initiatives to their counterparts have gradually seen these bear fruit. The residents added their lists of personal contacts to the institutional list, in a kind of symbiosis of cultural management that we organised collectively. We had experiences from other editions, initiatives from other Academies and so an ad hoc model was proposed and adjusted to the needs and objectives of the year, the scholars and the institution. We also had the support of AECID’s central services communication team, from grant holders specialised in design and from experts in the management of large events ensuring that we had adequate information material, that studios and project presentation areas were signposted in a visitor-friendly manner and that the whole process was fully documented. The documentation of processes as an essential element of an institution›s knowledge management game plan is not always easy. At least, it has not been for the Academy. Emphasis was placed therefore on the need to record the time spent by the residents by medium and month and to gradually devise the necessary means to do this. And so, over the course of the year, on three different occasions, audio-visual testimonies about their experience and projects were recorded. They were photographed. At the end of their residency in Rome each of them was asked for a specific text 

summarising his or her final project, explaining the creative process involved in its execution and finally the alliances or connections that had been generated. And they were published as a catalogue of the exhibition that presented a selection of the final projects in June in Rome (5). It was called Processi 143, because all agreed that their stay at the Academy was part of a “process” that would really materialise much later. 143 years of history of the Academy guarantee that “the process” is not only a constant that all residents reiterate regularly while living in Rome, but that the professional and life experience is on such a scale that it takes time to mature and crystallise what one has lived, felt, sometimes suffered and always enjoyed in Rome. Thus, the wave of nostalgia that momentarily overwhelms everyone on leaving San Pietro in Montorio, in almost all cases transforms into gratitude to the institution, to colleagues, into professional and personal satisfaction for having opted for, taken on the challenge and participated in this Residency of creators and researchers, probably the most senior of Spanish cultural institutions, and undoubtedly the one with the most-deep-rooted traditions within the public sector. It has also become the best equipped over the past three years, thanks to the production budget that complements the monthly contribution and the frequently unquantified contribution of the laundry services to studies and common facilities. To become a resident at the Academy, to be a grant holder of the Academy, to work in the Academy is a privilege and a huge responsibility whose results must become visible and be returned to society. In this context the exhibition Made in Rome and this publication are yet another phase of this ongoing “process” that does not conclude here. I propose that you join us in following our creators and researchers. Time will surely reward us with great films, essays,

poems and novels, buildings, restored altarpieces, concerts, photographs, videos, installations, paintings, sculptures, illustrations and vignettes and certainly with theatre, opera and lots of magic. We will review the institution’s permanent collection that year by year is enriched with part of the work produced in Rome. We will offer virtual visits, documentation and publications, tangible records of the attendance of all the Academy’s residents. We will enrich the archives with what they are today, with the documentation of what they will be tomorrow. But, in fact, if you start to delve, you can already follow their footsteps in the agenda of cultural activities, in academic research, restoration or cultural management programmes in Spain, Italy or the rest of Europe and Latin America... There are many other initiatives that emerged out of our daily coexistence in Rome that are still on the boil. Some are about to yield results or consolidate as a project or find that institution, collector or agent to help make them happen. It is a kind of magma that when it overflows, it dazzles and razes all in its path, leaving us perplexed. When artists live together, it brings about unpredictable reactions: alliances are generated, some unsuspected and others more obvious, but something always happens that goes beyond the sum of the individual projects and clearly this is another key facet of the Academy. That is why, when they meet over breakfast, cook, share a studio, chat or argue with one another, they are not only feeding off one another on a personal level, they are contributing to the birth of new projects in which each brings the best of himself. Sometimes one person’s idea gives rise to a video in which everyone “lends a hand”; they come up with a filmmaker and a composer and it becomes a collective project. (7). Often partnerships become duets to which each generously contributes his or her knowledge, creativity and skill. Hence the

importance of being able to experiment every day, to share sensations and discoveries, to make the most of every opportunity afforded by the Academy as a true centre of production, innovation and creation. At the end of the autumn the starlings continue on their way southwards, perhaps a metaphor for something that Rome reminds us of every day, in spite of its stony and static appearance. Nothing is further from reality. Sometimes subtly and occasionally like a vibrant Babel, Rome places us at the crossroads of considering ourselves anew, facing the need to review what we believe we have learned but do not really know, seeing ourselves not only facing others but alongside others, of not remaining isolated but joining new travel companions. Rome enjoys the starlings just as much as it has to put up with them. It is not impassive to their stay there. It knows that when they return they will have discovered that there is heat in another part of the world, another way of living and thinking. They will be wiser. For all those who have been residents, the Academy will remain a meeting point, a centre with many centres and detours, new paths and proposals, where every year new residents experiment with multiple languages and propose interchanges of expression as yet unimagined. Other flocks of starlings will come returning at dusk to hover and glide and who knows whether, like this year, their movements will be as harmonious, elegant and unforeseeable. The Academy and its team will continue to fly close by and be moved by the beauty of those who have the gift of creativity, the determination of research and, in short, the courage, to devote themselves with passion to culture, helping to make life a little better every day.

Ángeles Albert Director of the Academy of Spain in Rome 

made in rome Manuel Blanco Made in Rome, at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando, displays the work done over the past year by the grant holders of the Royal Academy of Spain in Rome. This is not the collective exhibition of a group, a school or trend, but the result of an almost fortuitous encounter of artists and researchers who have had the good fortune to coexist in one of the most delightful venues for creation and development that one could find. There they have enjoyed the opportunity to develop their work and their projects in a fertile, stimulating and invigorating environment: Rome, the classic and inspiring city par excellence, the ultimate destination of the grand tour that brought to her lovers of the arts, artists and literary figures seeking inspiration from the classical ruins to produce their works. The Academy has been the uninterrupted great historical catalyst in bringing countless productions to fruition, contributing to the ripening of diverse talents in their shared existence. It is this characteristic of the coexistence of very disparate talents that makes the experience even more enriching: the possibility of working and living in the presence of a microcosm of creation; the synergies that are created in this special environment between works of different genre and format, between life paths with no common roots, the exchange of trivial comments and inputs at the most unexpected times of the day that can feed a new way of looking at one’s work or even looking at life. The Academy acts as a precinct where such exchanges take place, with Rome as a life-giving background in which to immerse oneself (in its cultural life but also in all its living fabric, which is the great nutrient of this experience). 

Rome means more than a project in the life of the artist; it means projects developed and proposed for the residency at the Academy itself.

in the works of these specialists seem to demand that their own words take care of this process.

The wide open spaces of the Academy in Rome allowed the residents to present a broad selection of almost everything that was done, or rather of what the artists wanted to present of what had been done, and in the middle of Rome’s Ferragosto, they also welcomed me for the first time into the limited and intense universe of this year’s residents.

José Guerrero

Madrid allows us to meet up again in a different context, but at a distance in geographic and intellectual terms without having been immersed in the creation process and the shared anxieties, hopes and desires that their works, their projects, reach a safe harbour. We now turn our attention to what has been created and the process involved in its creation and select what to show to specialists and the general public of what was made in Rome: Made in Rome. Grants from the Royal Academy of Spain. This text guides us through the exhibition reflecting the work of the curator and his impressions. His attitude towards the work of this group of researchers, historians and writers, playwrights and musicians, magicians and curators has been one of compliance, allowing the projects to tell their story in their own words; in some cases these were written during their stay in Rome and included in the catalogue Processi 143. Royal Academy of Spain_2015 / 2016; in other cases, they were partially or totally reworked. This decision is the fruit of respect: while comparative studies are more easily achieved in the visual arts where the vision of the work can be completed with appropriate comments or one’s own interpretation, the complexity and depth of research

Guerrero started out his professional career in architecture. After graduating in Technical Architecture studies at the University of Granada, his initial works in the world of construction soon gave way to his professional work in the field of photography. But these first works, these origins, are still present in his gaze. His almost archaeological work –a stratigraphic view of the city– invaded the space of his study like a rehearsal for the exhibition held this summer at the Academy. A succession of photomontages and collages; the architectural and imaginary stratigraphies of Rome that excavated the city with all sorts of materials: “I didn’t confine myself to working in the immediate surroundings of the seven hills of Rome, as originally proposed. In the autumn I decided to organise my field work around 9 themes: water, sky, Greco-Roman statuary, classical painting, engravings, underground Rome, ruins above ground, 20th century architecture and the night. And so my work has taken me across the entire city –camera in hand– to the inner city and the outskirts. I have also toured ancient Roman excavation sites for the extraction of aggregates for mortar, accessible catacombs and the inside of several underground aqueducts. The city’s museums, palaces and art centres have also been key areas for obtaining imagery, as well as the pages of different publications on art. I have also taken photographs in Ostia Antica and on the coast.” His residency at the Academy lasted throughout this hot Roman summer and the result was a distilled portfolio in which the photographic component of his work again surfaces. 

A journey of initiation through fragments of reality: overlapping and mixing them, cutting and sticking them, confronting them in his preparatory works, so as to reach the purity of the final portfolio from which we have extracted the selected work. Not a photograph of architecture, but architecture-made-photograph, object –not subject– of a work, imagined, conjured up almost. A work in which the various layers of the process are superimposed onto the clean gaze of the artist that, like a filter, illuminates and scales it back. The view of the city and its map; dark views of the white marble reality of the quarries from which the building material of the city is extracted. Carrara and its quarries have represented a point of intersection this year between the different artists residing in the Academy. Diptychs, triptychs, polyptychs in the work of this fervent artist that merge into a final work: Colle 1: mass and emptiness, the rock and the hollow that extraction leaves behind, the darkness of the quarry and the light of the broken roof, open to the sky of the ruined vault. Colonna, a piece we selected: pure, broken and precise, is an image that derives its texture in particular from its marble veins striated against the ceramic texture of the moulded brick face of the embedded relieving arch. The presence of the wall and the column, two contrasting building types, and the crumbling of the marble over the years marking the condensed time of the city. The deep, vibrant darkness of the quarries provide the barest glimpse of the space in which the world is immersed and one needs to stare long and hard before, as in a Rothko, the strokes of the work appear and our gaze becomes immersed in it. 

The diptych of Pompeii: colour, texture and patina in the architecture, the patina that only true antiquity produces, that painters like Manzoni have tried to work and cultivate at the one time, but achieved here by centuries of eruptions, subsidence, excavations and consolidation that have left their mark; with that slight presence of space distancing a point in the wall from the photographic picture plane so that the work is not merely a facing, but architecture. Old corridors, tripods and measuring instruments in the illuminated gloom of Pytagora, marks and strokes sgraffitoed on walls and vaults in contrast with the high relief of the architecture. Colle 2 is a diptych of the city and the excavated mountain, of the hills of Rome reproduced in the plaster of its model, its tortuous orography in stark contrast with the natural, real white of the cut stone sculpted to extract it methodically like a building material and unintentionally giving rise to a new architecture. And the view of the last stratigraphy selected: Septimius. Corroded by time, the architecture of marble worn away and washed over centuries, of intuitively sensed proportions, of marks, of disappearing orders and of metal staples, of those items of modern restoration and consolidation that impact on them and leave their mark, bracing time and life, capsules that take us back to another world, but which the artist’s merciless but fascinated glance filters back to the reality of today. Martín López Lam “In my limited Italian, I tried to explain my work to him, drawing things I encounter randomly in the street and

then rearranging them in a narrative sense,” writes Martín López Lam in his beautiful comic book recently published by his own publishing house, Ediciones Valientes , and developed during his Roman journey; inspired too by the poetry of Jorge Eduardo Eielson, published in Lima in 1976, citing texts included in his book: “Or they are born out of an image: an old slide of the Colosseum in Rome. Both objects were inherited: the slide from a maternal aunt and the book from my father –both now deceased ...The book and the slide are connected in space and time. They were read and viewed in the same room between 1989 and 1993.” Thus begins his story with a final warning in three languages: “We cannot be exact. Practically none of the facts narrated in the following pages should be considered as real,” And yet the narrative is marvellously real and contemporary, overlapping strata and images that reveals the inner city, “toured at any moment, at any hour, by any means.” Narrated in the first person with a slightly nonchalant profile, slightly disguised, a portrait of his reality, his or Eielson’s? “At other times when I’m walking home to my room in Trastevere at night and I have to walk past the Esquilino, Lodi, Celio or Testaccio alone, things happen before my eyes without my looking for them ...“ A tour of his room in the Gianicolo, Janiculum? Overlooking the Trastevere from his perch in the Academy, his travels take him across the city stopping off at the classical ruins, at the sculptures casting their shadows on the Campidoglio, between the ghosts and the tourists, among the groups of Japanese that take in the entire landscape with a glance, while he must photograph reality to draw and distort it as he builds his own particular mosaic of impressions that contort and describe it, culminating in a comic book produced by his own publishing house. The end product is appropriately printed on high quality paper. It also suits the

special and spatial narrative, in which the drawing is demonstratively added to the text and the reading order, and the decision to write in three languages simultaneously is not merely a marketing ploy to sell a product in different markets but the living reflection of his daily reality during the period of his residence, combining his native Spanish –the spoken and living word of that floating, bubble world of the Academy – and the reality below, under the city skyline where Italian is the leading voice.. It is an unavoidable linguistic immersion for all those who have lived in Italy, a country in which language takes hold of your being as you discover deeper layers of your surrounding reality, with words that cross linguistic barriers. So the old woman who speaks in his story in the Piazza Bocca della Veritá is called a befana in the three languages, the good witch who brings gifts to the children for Epiphany, the feast of the Wise Kings, and whose name –befana– originates in a linguistic corruption of the word epiphany. The third reality is English, which will, of course, allow him to sell his book in other international markets, but, above all, the lingua franca of this century, the intermediary language in which we all speak and understand one another and probably the language most heard in the city after the Italian vernacular, the foreign language of talking, moving and asking. The dynamic composition of the texts across the pages, only recognisable from its slight change of colour, makes us delve and search among the images and in our confusion read the narrative many times in another language other than the one we have chosen to read in, a device vividly echoing the reality of Rome where we jump from one language to another as we converse with different groups of its inhabitants. Characters seemingly lost in the city, as he himself says one of his friends accuses him 

of being, wandering around the streets guided by avatars of Google Maps, their silhouettes mutated into shadow puppets of Mickey Mouse’s gang. Disney shadows alternating with the ghostly shadows of Roman silhouettes or the wolf –maybe the Capitoline wolf– and the Japanese cosmic cat, Doraemon. Iconic images of the international world of comics, like avatars of other cultures invading the imaginary streets of his graphic Rome, just as visitors do in the real Rome. A real landscape that overlaps with a beautifully metaphorical one, a landscape inhabited by lost things – worldly orphans, objects, stories and thoughts; a world in which the eternal wanderer –the author– strolls between “ faces, words, images”. A stratigraphy of a reality made to be told, to be seen, to be read, giving a new vision, a new direction to this made in Rome, drawn in flat, multi-coloured inks, with a mixed and complex composition in which the white of the paper indicates, highlights and distinguishes and the colours merge and mix, in which life is recomposed with the dawn of every day, although –as the author states– “I would not bet on that!”. Although this comic has been the main work of the Peruvian graphic artist Martín López Lam while in Rome, his work at the Real Academy has explored other areas, as he himself explains: “Formally, the project aims to be a multipurpose work. What I mean is that with the same elements different narratives can be put forward. This “modulability” of the project allows me to explore how to convert a comic, whose specific nature involves paper and publication, into an exhibition art, whose journey in a room reflects a route across pages, and where the narration functions on the basis of the free relationship of the images. Thus, the comic that will 

be EL TITULO NO CORRESPONDE is different from PARCO FALAFEL, despite being composed by the same elements; and, in turn, EL TITULO NO CORRESPONDE uses images that already appeared in GIALLA extending / changing the discourse.” Iñaki Gracenea On the spaces of control and repression seen through architecture and on the panopticon as a way of visually controlling a complex space with the smallest number of personnel could be one of the various subtitles for Gracenea’s work, the diagrammatic study by an artist of prison architecture with documentation found in a large specialised archive relating to the main prisons of the 19th and early 20th centuries. This was a time when systems of visual control were direct because remote control technology, using observation screens at a distance with surveillance cameras had not yet been introduced, so prison architecture was reduced to the design of the best topological layout adapted to the circumstances. It confined itself to exploring, with multiple variations, the best system of connections and a minimum number of security personnel, in order to control its population of inmates. The topological layout with its gallery of prisoners involved a central focal point from which the prison officer seated there could control any incident affecting the multiple pavilions in which prisoners were housed. Gracenea develops a graphic simplification reducing the representation of each project to a draft design of the layout in which black ink marks all the limits of the constructed perimeter. Almost all the components are removed from the spatial complexity of any of these projects, and its only feature is the structure of the cells in which the inmates live.

A deliberate simplification of the complex spatial structure from which all the serving spaces have disappeared and the only served spaces are the cells; in other words, in the terminology of Kahn, they are the only ones represented. In his interpretation no prison activity appears other than the space of controlled confinement, neither the common dining or recreation areas, baths or corridors, nor the prison guards’ quarters. We only infer from him the presence of the guard in the centre of the compound, in the centre of that panopticon which is inferred only by the confluence of the passageways of its axes and pavilions, as a vanishing point. The orderly outline of the pavilions, the gearbox of that fan-like layout that unfolds before his gaze, the central point of the array of controls. And in some of the works it also represents the great surrounding wall that encloses the entire compound, the fence, the wall separating it from the rest of the world. The value of the diagram as a clear and simplified representation, symbol of the control of space and population. The conceptual representation of a system, an architectural artefact conceived with intense entropy that neither lets out or permits the escape of those inside. But when the system collapses and breaks, when that element of control is cut off, there is only one escape route to view from the outside what is going on inside, and that is by climbing outwards and upwards, towards the domes and rooftops to be seen by the city and the world and not be silent, so that those who want to silence them and forget them in prisons at least cannot silence their voices. His work is twofold here: abstracting the floor plans –the most accurate but least intelligible architectural representation for novices– and reducing them to graphic schemes that reveal the power of

the idea that has generated them as well as presenting the silhouettes of those who shout “Freedom” from the domes under which the galleries converge, crying out for freedom and, as that is an impossible demand, clamouring for the reform of prison conditions, risking life on high in order to be heard, outlining their silhouettes against the sky to be seen from the ground. Confinement, freedom, control, rebellion, mutiny, territories, words that escape from his drawings, from his serigraphs, words that go beyond the composition of a multiple installation in which each prison is a painting and his work a mosaic of them all. A comparative reconstruction of his outlines reveals the strength of the built idea to control men. The photographs, prints and paintings, done during a second phase of this project, depicting the escape of the inmates to the rooftops, to the heights from which their cries are heard, are the counterpoint of his work. Their words stamped out on the paper: “We Want To Talk”, “Venti Anni di Bugie”, “Twenty Years of Lies”, firmly stamped out on the paper, leaving its mark for the society that does not want to hear them. These are the two powerful works selected by Iñaki Gracenea, two faces of the same project. During his residency, Gracenea approached two processes of population control, since he also worked on the control of animals in big parks. A strong work of great intensity, done at the beginning of his artistic residence, halted and put by to allow it to mature until a more opportune moment. Two processes of population control: wild animals and humans, one architectural and the other territorial; two different scales that the force of the artist’s gaze releases 

artistically in a very different way. As we see from the photos, during his residency he has been surrounded by these powerful images and his preparatory works, immersed in a world of patterns that represent man controlling the surrounding nature and its inhabitants in order to manipulate them through the architecture and the territorial boundaries of the landscape; an entire transcription of the mechanisms of social control pushed to the limit and turned into an abrasive work that can disturb our consciences. Jorge Conde Between the years 2009 and 2016 he was working on a project called Cualquier lugar es otro lugar (Any place is another place). During his residency in Rome, he developed this project under the name A World-Size House, using evolved methodology and adapted to the context of the city. From its large volume of work, I have selected two pieces, two polyptychs, two mosaics that mutually complement one another. On the one hand, six photographs show the degradation of the spaces under the arcades of the Acqua Felice aqueduct in an area where the refurbished industrial complex now used for cultural activities coexists with the rundown shacks of the homeless with their architectures cobbled together from random scrap materials, where the aqueduct becomes a shelter and the materials a barrier against the inclemency of the weather; materials found in the streets, such as the wooden pallets for loading merchandise, sheet metal and the remains of furniture left by the wake of the city. He superimposes on this photograph of reality his other images of contemporary monuments, the halls of the MAXXI and the buildings of the EUR, thus creating a 

plausible decoration for this great house inhabited by those who have nothing. The spontaneous recycling of the architecture adds its images to the issue of cultural and iconic recycling, of the recycling of industrial and military spaces for the cultural life of the city. On the opposite wall, another collection not shown at the exhibition in Rome, a polyptych of the eleven interviews and a video with the main players from the world of Italian culture –museums, foundations and cultural centres of the city, from Hou Hanru and Constantino D’Orazio, the artistic directors of MAXXI and MACRO, to Anna D’Amelio, director of the Memmo Foundation and former director of the Association of Friends of MAXXI– who all feature in this video-installation reflecting what’s going on in the city. This is a choir of voices from the cultural arena, who one by one develop their song about the world and the crisis of this first quarter of the 21st century. We have deliberately not translated or subtitled their voices so that the information they give out does not subvert or disturb the installation as a whole, in which their presence is what counts in this cultural choir. Other multiple diptychs, triptychs and polyptychs have emerged out of the diagrams that populated his room, revealing the perfectly planned nature of his work. Divenire Altro are three boxes of light that reflect in the puddles of the city images of the architectural details of several superimposed institutions, a black mirror of the Roman cultural world. ‘Roma non se vende’ and ‘La morte di Roma’ are spectacular photographs of the Roman industrial landscape. Una seconda vita, is a polyptych with the MAXXI and the

MAAM as its theme. “Roman-style large house”: 70 architectural photographs and 16 colour photographs of gastronomic menus typical of Roman cuisine. These and other extensive and potent works, in which even the research and documentation phases end up as an artist’s book, round off the very complete production of his residency in Rome. Conde carries out documented research on the recovery of an architecture and the transformation of the slum districts of the city thanks to the insertion of new centres of cultural activity in the urban fabric. Coexisting in his work is the crumbling, rundown world of the homeless, which appropriates ruins to make them into homes alongside the refashioned world of museums and foundations that provide new uses for this abandoned industrial architecture. His work consists in documenting with photographic mapping the direct use of the spaces or reconstructing with iconic images and video-recordings these new additions incorporated into the existing fabric. He leads us through a transformation of that Rome encountered on the grand tour and in our recent memories, of that classic or baroque Rome, into a contemporary Rome, thanks to the recovery of modern ruins, the archaeology of the industrial, the rehabilitation of industrial spaces, which we always thought distorted the city, turning them into the protagonists of a new ganglion structure of foundations and centres that have expanded throughout the city with an unimagined rapid growth, like a metastasis of contemporary art. Josep Tornero A work embodied in many fragments, a large mosaic of formats previously presented in Rome and seen here at the far end of the hall’s longitudinal axis.

The transverse and conceptual axis in which art, research and architecture are materialised in the research and photographic work of Jorge Conde is counterbalanced with that of Tornero in which pure painting reigns in the Academy. Three formats, naked bodies built in space, sinking and hiding their faces in the gloom, in the fog of that background he creates, contrasting them with the creation of characters from his personal world. Disquieting figures masked with sacks, punctuated with holes revealing their mouths and eyes wrinkled into grimaces. Fragments of naked bodies resting in the deep black of emptiness or tilted at the top of the picture. Objectified, fragmented, faceless bodies, body fragments, partially visible limbs, disturbing our thoughts, inviting us to dump our own phantasms in order to reconstruct the rest. Men, women and gods built entirely by the artist’s imagination, in a deformed world in which reality is a point of reference for the classical and the contemporary, the gaze or that disturbing, deformed mask concealing the person beneath its cloth. Dead animals, sacrificed in the slaughter of a winter rite. Life and death in which the most carnal characters become phantoms hidden behind a veil. Tornero’s study at the Academy is the studio of a painter with its table full of brushes, pigments and solvents. On the floor, a canvas on which the background is being prepared; in the foreground, an easel; and on the walls, a number of smaller canvases. Tornero builds his Roman exhibition at the Academy as if it were an installation, a large, seemingly disorganised 

polyptych, an archipelago in which each island is a naked human or animal fragment, where Dionysian beauty lies in that pile of meat, of meat-made-object in which the fragment of that almost dismembered body, picture by picture, becomes whole. The metamorphosis and our response, the ghostly experience of gazing upon characters that assault our sensibility, dismal macabre pin-ups, masked figures that have sprouted from that other world of Roman pictorial and papal imagery. A work defined by the artist himself as baroque, as neo-baroque, as Dionysian in art. A work in which the reinterpreted classical painting, Velazquez’s portrait of Pope Innocent X at the Doria Pamphili Gallery, becomes a character, with echoes of Bacon, of his universe, in which decontextualized female nudes, macabre pin-ups, are objectified by having their heads covered with a crude mask. And the old woman who picks up the head of Caravaggio’s Holofernes stares expectantly at one of her masked figures. Bodies that are built against the grey of the background –a shining grisaille– gives an air of distant but intense reality, wrinkled fabrics similar to the still life textiles of his Fantasmagorías series. The creation of a difficult and distorted Dionysian world, of fragmented masked characters, revealing the anguish of a world in crisis. Juan Zamora The work of Juan Zamora is pure ritual, a celebration of his Italian stay, of this Made in Rome, a celebration of being in Montorio, the mountain of gold that owes the name to the golden earth of Gianicolo Hill, Janiculum. 

Zamora performs a main piece as a great offering rite to the tutelary divinity, Janus Bifrons, the two-faced god, in his plaster avatar of the Academy itself, the cast of the deity that looks from present to past and future, to the one coming and to the one going, at the threshold of our artistic world that is the Academy, by which all pass and whose transit deeply transforms both the work and its person. Zamora collects the offerings of the place, bloodless sacrifices to the god in the form of plants, flowers and thistles, cactus and all kinds of dried vegetables, perhaps already broken by the time they reach Madrid and reappear in the city air. This piece really impressed me, made on one of the Academy’s own tables and completed with a tutelary god of its own. On the table and under it, San Pietrini, cobblestones of St. Peter gathered from the city streets and remnants of glossed wood, votive altars collecting the vegetable offerings, acting as temenos, sacred precincts of the temple, of temples, of this strange acropolis. A bloodless rite in which the artist includes mirror images of mountains, dissected buccal cavities, forced symmetries and tensed geometries in this attempt to communicate with the sky through the fruits of the earth. Double divinity and controller of doorways, mutually overlapping in this imagery. Divinity doubled and double divinity, mixed up in the same territory, in San Pietro in Montorio, in the temple that marks the place where, according to tradition, the first Pope suffered martyrdom. St. Peter, lord of the keys to the gates of heaven, controller of the greatest of sublime doors, guardian of the Academy built around his temple, marking the glorious Tempietto of Bramante, his place of suffering. The smallest central temple of the Renaissance world, mirroring in the distance the other Bramante,

Saint Peter’s Basilica, the Vatican, conceived by him as the greatest temple of Christianity. Specular image of two architectures that will also be reflected in one of his video installations. The intensity of Saint Peter’s in the cloister of the Academy, marking it as its symbol and logo, in contrast with this installation to Janus –lord of the hill, the Gianicolo or Janiculum of the classic tradition chosen by Zamora for this propitiation rite and based on Rome– hanging here in Madrid on the walls of San Fernando: two more propitiatory ceremonies. One, the falling water of the vertical river, from the great waterfall of the heavens through a specular world in which two visions touch. The landscape, the view from his room, from the magnificent studio in the tower with perhaps the best views out over the city, bends until the domes of St. Peter’s and San Giovanni dei Fiorentini touch. Double tension point of that touching of the domes with a fissure which is that waterfall in which the video rain becomes river, almost as if it were the Ganga Mata the celestial river, the Ganges falling from sky to earth in Varanasi, or rather, onto Krishna’s hair which buffers and intercepts its fall. And finally another sacrifice, another ceremony, a libation of his own water in honour of the local god, Father Tiber, the river-god who marks and divides the city. A video performance of the artist in a diptych in which his two actions simultaneously contemplate one another: the collection and pouring of waters. A work in which time is reversed and the cycle is completed by a return to its origins, taking the water laden with sediment and the memory of the river mouth where it opens to the sea in Ostia and pouring it back, like a libation, at the source of the Tiber, a pilgrimage to its origin in the snows to the spring out of which it rises, in Mount Fumaiolo.

The artist completes the life cycle of the river, tracing it back and forth and portraying it, and so the waters that have managed to reach its mouth once again embark on their long journey to the sea, filled with the memory of what went before marking with their presence the virgin water of its source. “’Montorio’ means ‘mountain of gold’, and the name under which the hill of Janiculum is known (where the Real Academy of Spain is located in Rome) due to the golden colour of its earth; Janiculum comes from the god Janus, the god of entrances and exits, of beginnings and endings, as well as knowledge of the solstices, the invention of money, navigation and agriculture; Janus is in turn the father of Fontus, God of fountains, waterfalls and wells, worshipped at an altar located at the top of the Janiculum. Based on these diverse conceptual, geopolitical and mythological relationships associated with Janus and the mountain that bears his name, the main idea of the project is to hold sacred (from the concept of worship) the most humble materials of its territory by collecting those natural elements (such as plants, stones, water, etc.) that refer to the twoheaded condition of their deity, to carry out a series of works (in dialogue with the pictorial) that function as brief notes on the eternal. The work methodology is based on intense and laborious fieldwork on the Janiculum itself, gathering and collecting –on long, random walks through the convoluted roads that criss-cross it– the different natural elements that refer to Janus”. Jaime Ferrer Forés I have experienced a considerable number of coincidences throughout my life. Carl Jung calls them synchronicities, facts that without possible justification overlap and link, 

directly or symbolically, one to another. When AECID asked me to look after the selection and assembly of this exhibition and curate this work, the Royal Academy of Spain in Rome had already organised its own annual exhibition of the grant holders’ work. It is for that reason that I began by referring to it, and although my exploration of the projects has gone far beyond the scope of that exhibition, since I have talked to the artists and examined and selected in several cases works that were not featured in it, I felt that personally going to view and contemplate en situ the works that I was to later select, and curate, was a mandatory obligation. My arrival, due to organisational constraints and the agenda of all those involved in this trip –including the director, who generously interrupted her summer vacation in order to receive me– ended up falling on Ferragosto, (the feast-day of the Virgin of August in Spain), which is the day when Romans desert the city. It’s as sacred a holiday as Labour Day for Americans, when nothing can be done, everything is closed, and everyone flees the streets, a date which, for a strange set of circumstances, I have spent several times in Rome. The trip was finalised at the last minute, so almost with my foot on the plane from Rotterdam to Rome I called one of my dearest friends in the city: “Anna, I’m arriving in Rome to see the exhibition at the Academy on the 15th and I’ll be staying for a few days. I suppose you’re not around?” “We are in Santa Marinella; from the airport you are closer to us here than to the city, so come and spend the Ferragosto night with us and we’ll take you to the Academy at noon when your colleagues arrive.” A night of fireworks en famille at the villa by the sea and an unexpected gift the next morning: “You always wanted to see the Moretti villas, which are right next to us; we will take you with the girls by boat to see them from the sea”, and so, that gift 

from my hosts turned out to be a family walk along the coast of Santa Marinella while Antonio narrated the history of each of the buildings and the families that inhabited them, three magnificent examples of Italian architecture. Luigi Moretti (1907-1973) is one of the great Italian architects of the 20th century. Among his best-known international works are the magnificent Stock Exchange Tower in Montreal and the Watergate building in Washington, whose name became infamously linked to the demise of Nixon’s presidency. A clear indication of the importance of Luigi Moretti in Italian 20th century architecture is the fact that the new Museum of Italian Architecture, MAXXI Architecture, opened in 2010 with a magnificent monographic exhibition dedicated to him, curated by Bruno Reichlin and my dear and learned friend Maristella Casciato. In the exhibition’s promotional video only one work was shown: Villa La Saracena, and here I was, looking at it with my own eyes, from the boat. La Saracena was commissioned by the journalist Malgieri for his daughter, Princess Pignatelli d’Aragona Cortez. It was a project of Moretti in 1954-55 that was part of the so-called “incomplete” triptych on the Santa Marinella coast. The three villas looked out to sea: La Saracena, with its neighbour Villa La Moresca, also dating from ‘54, and the Villa La Califfa, built ten years later. With my eyes still full of the splendid Moretti villas on the Mediterranean, my great surprise on my arrival at the Academy to view the works of the grantholders and those who still remained there, was, as I made my way inside, to once again meet up with the cloister of none other than Moretti. Jaime Ferrer, the architect in this year’s group, had done a project –which I did not know about– focusing on the study of Moretti’s modanatura. He had spent his time in

Rome studying it, visiting the architect’s work and redrawing it, making all the drawings to the same scale and placing them on the two planes that we see here so as to be able to compare them. I’ll let him tell the tale of his project in his own words: “This research in the Royal Academy of Spain in Rome studies the notion of modanatura in architecture, analysing and verifying the relevance of both the work and the thinking of the Roman architect Luigi Moretti (1907-1973). In an article entitled ‘Valori della Modanatura’ published in the Spazio Magazine in 1952, Luigi Moretti tries to understand construction as a series of horizontal topographies. For Moretti modanatura is the identification of the different horizontal orders of the construction and, adopting a modern approach, his work emphasises the value of weight and gravitational action in construction. While modern architecture aspires to transparency and weightlessness, Moretti claims in the article and in his work the values of the modanatura of classical architecture in its use of materials and their arrangement in the composition and he reflects on the suppression of classical mouldings in rationalist architecture. This research project seeks to vindicate the ideas and work of Luigi Moretti along with an understanding of the constructive logic of the tectonic form in architecture, advocating fidelity to the constructive values of architectural discipline, what Moretti termed modanatura. For architects, one of the constants of a trip to Rome is sketching the works there for their comprehension and analysis. Between 1825 and 1857 the architect Paul-Marie Letarouilly published the well-known book entitled ‘Édifices de Rome Moderne: ou recueil des palais, maisons, églises, couvents, et autres monuments publics et particuliers les plus remarquables de la ville de Rome,’ which records the erection of the

buildings he sketched during three stays in Rome between 1820 and 1845 and is a benchmark for research into the notion of modanatura in the work of Luigi Moretti. Another methodological point of reference is the image of the Swedish architect Sigurd Lewerentz portraying his tape measure on his trip to Italy to capture a fragment of reality and fix its dimension. In order to grasp the true dimension of a building and to appreciate the proportion of his works, it is my intention to compose an atlas of Luigi Moretti’s works drawn to the same scale, echoing Professor Eduardo Sacriste’s book entitled ‘Huellas de edificios ‘(Building Footprints). … With a view to appreciating the relative dimensions of Luigi Moretti’s works and better understanding spatial relationships, proportions and modanatura, I have established a common scale that favours this comparative method and facilitates the understanding of these works by means of the analytical re-drawing of the architect’s documentary legacy housed in the Archivio Centrale dello Stato”. Julia Ramírez Blanco Immersed in the experience of coexistence with the other artists at the Academy of Spain, Julia Ramirez Blanco investigates the work of another Roman artistic coexistence of considerable cultural importance: the Nazarenes, who settled in the early 19th century in the Roman Monastery of San Isidoro. We shall let Julia herself tell us about this work, which has led her from library to library in Rome, the most significant of these, in terms of her work, being the holdings of the Hertziana, renovated by a former grant holder at the Academy of Spain, Juan Navarro Baldeweg, architect, artist and of academician of the San Fernando Royal Academy of Fine Arts. This is what Julia has to say: 

‘Los nazarenos: el sueño de fundir arte y vida’ (The Nazarenes: the dream of blending art with life). “In 1809, a group of young students from the Academy of Fine Arts of Vienna formally consolidated their friendship by setting up the Brotherhood of San Lucas. That same year, they created a seal and a statutory charter, each of them adopting a new symbolic identity and an alias: the friends vowed not to betray their principles for as long as they lived. In 1810 Franz Pforr, Ludwig Vogel and Franz Hottinger took the association further afield, leaving Vienna for Rome. There, for two years, they embarked on a life of artistic creation at the Franciscan Monastery of San Isidoro, along with a few monks and a Franciscan prior who had stayed behind following Napoleonic secularisation. Exploring the collectivist dream of these artists, the project Los nazarenos: el sueño de fundir arte y vida (The Nazarenes: the dream of blending art with life) explores the utopian elements implicit in their coexistence. The monastic environment was ideal for a group that sought to return to artistic forms and the lifestyle of an idealised Middle Ages. In San Isidoro the artists lived an austere and orderly life: they rose at dawn, slept in a small cell, and had a somewhat larger cell to work in. In the afternoon, they met to draw and sketch in groups, discuss their work and present small talks on aesthetics. They acted as models for one another, and were strictly forbidden to draw naked women. The friends ate together, which for Friedrich Overbeck made the food taste better “than any spice”. Meanwhile, Rome jokingly accepted these young people who transferred their religious and artistic ideals not only to their life, but also to their appearance. In the street, the Brotherhood of San Lucas became dubbed “the Nazarenes” in burlesque allusion to their long robes 

and their long hair parted in the middle, resembling the self-portraits of two of their artistic references (Rafael and Durer) as well as a long tradition of portrayals of Jesus Christ, the Nazarene. Soon the group becomes famous for their life in the monastery and somewhat flamboyant appearance. And soon new painters also arrived who wanted to join them, thus creating an entire European art school, ‘the Nazarenes.’ And yet monastic life was short-lived. It could be said that in San Isidoro the group’s starting point had been an exaltation of friendship, their coexistence designed on the models of monastery life and guilds. Later, the arrival of new members to the group, internal divisions and the relaxation of certain initial principles, led the creators to favour the bohemian model, focussing on Café Greco as their informal meeting place. Finally, in spite of having emerged as an anti-academic movement, once the majority had left Rome, the Nazarenes began to consolidate themselves professionally and to slot into the academic framework of their respective countries. But despite these developments, their mythical legacy remained linked to the initial monastic community, which was to serve as inspiration for the next generations of artists concerned with achieving a balance between art and life. Their history is an early point, almost an initial moment, within the tradition of communities of artists.” Benjamín Dominguez Benjamín Dominguez tells us of his stay in Rome: “Ever since I began my studies at the Faculty of Fine Arts in Seville twenty years ago, I kept on hearing about the Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro, by Cesare Brandi, the Charter of the Restoration ... of Rome. ‘The origin and epicentre of my profession’: this in

essence is what I told those who asked me why I applied for the grant and what my objectives there were. The main objective of my residency at the R.A.E.R. was to lend international scientific support and excellence to the doctoral thesis I am working on in the field of cultural property conservation. The research deals with the study of risk assessment and the implementation of preventive conservation plans in altarpieces in polychrome wood, in relation to the property and its location in the territory. At an international level, the most representative and important project in existence in relation to this heritage policy is the Italian Carta del Rischio, a project involving the prediction, prevention and programming of measures relating to cultural property, where required. Therefore, fully familiarising myself with the organisational structure, operation and methodology of the Italian Risk Map of Cultural Heritage was essential for the development of my research. For this reason, during my stay in the RAER, I worked as a researcher at the Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restaura di Roma (ISCR), the institution responsible for its management, as well as at other reference centres to complete the knowledge of the issues involved in both their technical and conceptual aspects. The research, which focuses on the study of polychrome wood altarpieces, items of considerable significance within Spain’s cultural heritage, aims to lay the foundations for an evaluation method that allows the design of an applied knowledge model that, in a systematic way, would facilitate comparative analysis and decision-making in an updated and updatable way, that could even be transposed to pieces of similar characteristics and whose application is proposed as an alternative and sustainable solution to the current reality.

In-depth knowledge of the Carta del Rischio project, the main objective of my residency at the Spanish Academy, arose out of a research programme at the Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro (I.S.C.R.). At the institution, I had the good fortune to be tutored by the project manager, Carlo Cacace, who guided my work and solved the questions posed by my research. Fundamentally, I gained in-depth knowledge of this tool through bibliographic consultation, the specific documentation generated, the electronic resources available and interviewing the professionals working at the centre. As a result of this process, and since the Italian project does not yet include the inclusion of movable property, my contribution has been to establish a theory about how these can be integrated into the Italian project, as well as the effect on them of the previously determined deteriorating agents, the identification, establishment and incidence of which this project has been working on for over forty years. Moreover, to make significant progress in the development of a specific methodology for the evaluation of the state of conservation of wooden altarpieces, within the framework of the doctoral thesis I am currently working on. Alongside this work, I have had the opportunity to further investigate the discipline of preventive conservation through I.C.C.R.O.M. This has provided a major contribution of additional information for my research which has therefore obtained, as intended, a solid documentary base and international experience.” Susana Arenillas We have chosen two series for this exhibition to represent the work of Susana Arenillas on recovering the historical memory of the period of fascist Italy: the first of these, Desmemoria, deals with what she calls 

“disproportionate architecture” or the use of the great elements of Italian rationalist architecture to construct the imaginary world of the Mussolini regime. Her work takes on the format of a double element, two boxes of light. The light and shade of fascist architecture, centrepiece of the EUR, the Pallazo della Civilità Italiana, the Collosseo Quadrato, their arcades reproduced in these two boxes of light, specularly turned on and off, in a subtle exercise that draws attention to the light and shade of this period. For Susana Arenillas, the repression of homosexuals during the fascist period becomes one of the main themes of her work, a question confronted in the three pieces of the series L’Uomo Nuovo. The ominous silhouette of the island of San Domino in the Adriatic, chosen by the Mussolini regime for the exile of homosexuals, seems sown on the sea by a series of stone statues –both male and female– sinking in the waters, the remains of a shipwreck, avatars of the lives of those who saw their life course truncated by the regime. In another of the images, she has digitally manipulated virile bodies, symbols of fascism, feminising their features in a specular composition and standing them out against a background of dark and threatening clouds; in a third composition is a triad of goddesses with the great phallic obelisk inscribed with the name of Mussolini Dux. Her doctoral thesis currently in progress, Arte y memoria historica en la España reciente, (Art and historic memory in Spain in recent times) evidently has a considerable influence on her artistic work and to a large extent consists in a vindication of historical memory. During her artistic residency she focused on its recovery during the fascist period, as she considers that much more has 

been recovered of the period of German occupation than the previous period of the Mussolini regime, and centres her focus on the repression of homosexuals by the regime. There are several works, various smallformat series that she has produced, which summarise her work in a kind of book-report Rome 1922-1945 in which she states: “Understanding the past requires an analysis of the methods of building history and recalling memory. The project Rome 1922-1945 is a reflection on how to understand the era that preceded us and relate it to the present. From the fascist ventenio period, through the exploration of traces that remain in the city of Rome, a case study is proposed in which history and memory compete in shaping the way we currently way see the world. The project that I carried out during my residency at the Royal Academy of Spain in Rome, part of whose conclusions are summarised in this booklet, is an approach to the city imagined and built by Mussolini in an attempt to perpetuate his empire. A great urban design that coexists with the rearranged remains of ancient Rome, with the multitude of tourists making their through the ruins and with the very few remaining signs of the conflicts that marked the course of the 20th century. The structure of the collection has been based around the continued presence of these “peremptory presences”, the remnants of war and its direct victims, the “measured presences” and a section dedicated especially to the exclusion of the memorial process. It is in the last chapter, “Unquantified absences”, where this look back to another era makes sense, with its questions on the objectivity of the discourse and the innocence of its omissions. If one thing characterised the Italian fascist period it was Mussolini’s interest in legitimising his mandate. In implementing

it he followed a clear strategy of reorganising the city to link its monuments with those of imperial Rome, building great avenues of union between them and surrounding himself with architecture capable of transmitting the greatness of the regime. In this process, which began in the 1920s and ended with the fall of its leader, the perception of classical ruins –literally crossing through them with wide avenues to host military parades– was substantially modified; whole neighbourhoods were demolished and urban centres were created where art and politics became inextricably linked.” And also in the same work: “Summarising the consequences of the fascist ventenio in a period of collaboration and the subsequent German occupation involves a partial revision of a time marked by the deprivation of freedoms, the use of violence as a method of coercion and expansionist ambitions. “Unquantified absences” concentrates on some of the points excluded from the memorialist discourse of the city of Rome: the invasion of Ethiopia and the abduction of its symbols, the elimination of representations of women in the public arena and repression with regard to homosexuals. In its ideological proposal of building a new man, fascism imposed the image of the virile soldier and the woman as mother-carer. The island of San Domino, in the archipelago of Tremiti (more than 300 kilometres from Rome and roughly 50 kilometres from the coast of Termoli). Via della Conciliazione is the main form of access from Rome to St Peter’s Basilica in the Vatican, reflecting Mussolini’s interest in uniting the city with the Church. In it a virtual memorial has been placed criticising the lack of recognition of the violence towards homosexuals during his mandate and reflecting on the continued existence of fascist elements within present-day Italian legislation: herein lies the essence of the series L’uomo nuovo. There are

totalitarianisms that perpetuate their principles through fear, others that keep them carved in stone. The Mussolini Forum, a great complex dedicated to sport and its teaching, is one of the great representations of the fascist new man concept, whose definition of the role of women in the public sphere is one of absolute omission. The series plays with the image of the classical goddesses and the young athletes of the Stadio dei Marmi, removing them to the prison island and restoring a feminine presence in the sports complex currently in use.” Susana Arenillas’s artistic work, with its emphasis on the recovery of historical memory, impacts on the contemporary debate on how to deal with the quite significant remains of authoritarian regimes that so strongly punctuate our urban landscape. I was recently invited to Rome for a conference of specialists on architecture in authoritarian regimes, organised by the Swedish Academy, at which those of us who had worked on this field in different countries shared our knowledge and experiences. In the case of Arenillas, there are two aspects to her approach: on the one hand, the theoretical and research work that must be done for her dissertation and, on the other, her artistic work, the project that she developed at the residence. I believe that the synergy that must exist between both is positive and so too is the feedback process between them. Clara Montoya The work of Clara Montoya manages to effectively take hold of and capture time, the time of transformation of matter, the time of constellations and the movement of stars, time that has transformed the landscape of Carrara, building it over generations into a great abstract sculpture, a world excavated by us that she portrays and examines with complete serenity. A bright, serene, clear 

landscape, serene and precise in the face of a gaze that determines and explores it, producing mechanisms for us to recognise it. An art installation in which the world revolves on its axis, accompanying the movement of the artist’s gaze that portrays the landscape in continuous rotation, taking us with it on its eternal journey. The artist’s gaze bathing the landscape and, by documenting and mapping it, creating a new universe, a new virtual landscape in which we become submerged. Knowing how to analyse nature, modified by generations, and recreate its image in a new series. The remains of Carrara become reused, a sculpture of itself, a conceptual replica of the quarry, of the mountain. The Revolution installation and the Carrara series succeed in turning into an artistic work one of the most spectacular undertakings of mankind: the quarries from which countless monuments have come into being, the terrains on which Michelangelo’s sculptures have been carved and which are themselves, unintentionally, one of humanity’s great pieces of Land Art. The artist eye modifies them and intervenes. Her photographs and videos capture them in all lights, in all atmospheric conditions, mapping them completely throughout the day. A frozen landscape in the eternal rotation of her Revolution installation, which maps the landscape accelerating time and space: “A video sculpture of Carrara that contemplates the iconic quarry as a place to be inside the sculpture, the quarry of white marble like a stone installation in process that takes into account the rotation of the Earth in space. The piece speaks of the Carrara quarry as if it were an installation, 

an immense marble sculpture in which to enter. The stone that remains in the mountain, and not the one that is removed, is a sculpture on earth. The Carrara quarry is a sculpture made on planet Earth. The piece shows the cycle of twenty-four hours and impacts on the relationship of the quarry with planet Earth and its rotation around the Sun.” This is a process that she explains to us as: “filming with a double rotating camera from the Canalgrande cooperative, Carrara: each 2min40s turn of the screen representing one hour in real time, tracking 360 degrees of landscape day and night..” Constelación is inspired by the stellar vision of the sky from the oculus of the Pantheon in Rome, by the appearance and movement of the stars one by one in the Roman sky and for us on Montoya’s iPad screen. The augurs of ancient Rome used to pinpoint a fragment of sky with their canes and what happened within its sphere during their period of observation was read or interpreted by them. Hadrian permanently marks a territory in the Roman sky, a magical space, the open oculus in the centre of its dome that allows the passage of the light that bathes its interior and travels around it sliding off the surfaces of its walls, but it also defines and fixes a piece of the cosmos at night, when one could still see the stars in the darkness of the Roman night. Montoya defines her screen, her global observation field, in Constelación, an installation in which an iPad screen indicates to us when each one of the celestial fields appears in her observation field by assigning a sound to each star that enters within the frame of that screen. In the words of the artist: “ Ipad Application: Mapping the celestial vault in real time and orientation –this assigns a sound

to each new star that enters the frame of the screen. It allows you to hear the Earth spinning in space by using stars as notes in a music box. Inspired by the stars that pass through the Pantheon’s oculus, Constelación also speaks of the relationship between the people at the Spanish Academy in Rome, those thirty of so residents who find themselves together for a time, creating a group geometry that little by little changes its composition, with new stars arriving and old friends leaving.” We have installed the work of Clara Montoya in one of the most substantial rooms in the Chalcography, the installation that houses the permanent exhibition of Goya plates, the plates marked line by line by his own hand. Here Constelación is presented in an installation designed by the artist herself, conceived by the artist herself, following the same pattern. If Goya’s gaze and hand lead us into different universes, Montoya immerses us in the cosmos that surrounds us and makes us see and hear that choir of stars as a metaphor for the Academy and residential coexistence there. Her work is presented like a loop at the beginning and the end of our tour of the Chalcography. Metamorfosis picks us up or bids us farewell, starts or ends this part of the show. Metamorfosis is a duo of simultaneous creation and destruction. Here we have chosen to present one of the three pairs of the original trio she created, in which matter is transformed, stone dissolves, accelerated, in a provoked molecular process, while simultaneously creating a copper sculpture. Clara acts like life itself, a goddess of creation and destruction, of the transformation of matter. A magnificent, highly conceptual work, which is at the same time a metaphor of the artist herself, always changing, like Rome, always in mutation,

weeding out reality, eliminating matter to create another from it, made conceptually explicit here through a high-tech installation. Among her other series of works accomplished during her residency is Sorgente: “This is a sculpture of sound, with real moving water flowing in a hidden place outside our control, inspired by the church of San Clemente, where underneath the different churches there is a hidden source that thunders through the space, with the force of a passion/belief without words.” During the exhibition in Rome visitors and residents were greeted by this device at their entrance to the Academy and on their way to the garden. Alberto Díaz The life experiences of an artist are distilled into his work in which real life, filtered by his experiences and everything that makes up his genius emerges in a new work. Alberto Díaz composes an endearing film, midway between documentary and memoir, in which by studying the images of his own family he constructs a conceptual self-portrait on the relationship between time, cinema and memory. A family archive of home movies, audiovisual fragments that he uses to narrate this delicate Lembranza in the first person. Let us hear in his own words how the project developed: “Memories found, Lembranza souvenir, memento ... this is the key concept on which this film essay is structured in the form of a 21-minute short film. A work in which the principles of the introspective image, the one stored in our consciousness, have been tested with familiar fragments found, recovered and rescued from old Super 8 rolls. The “I” relationship 

established with the projected image and how that “truth” of cinema brings us closer to the reality of a world linked between past, present and future. Lembranza takes over the memories of a family history of artists and out of the intimacy of that private world proposes an essay on time, memory and image. Their relationships, gestures and circumstances in an essential discourse on cinematographic art. My father and my aunt worked in the circus with a number of flyers between 1964 and 1972; there they bought a camera that would accompany them in the years to come. One day, about nine years ago, I found some old Super 8s at home. I rescued them, dusted them off and put them in an old projector. I was sitting, with the beam of light pulsing in the dark when the first images appeared. They were both very young, unrecognisable and everything was happening in Rome. Suddenly that familiar tale became true. The story continued to unfold making way for each member of my life, my family. Memories I was now experiencing but had never lived. This cinematic vision, so personal and evocative, moved me back like a time machine to those memories that through time-imagery have been recorded as truth on my conscience. And from that place, from that dark nature so simultaneously tangible and intangible, Lembranza came about. A motor on which to build a scientific reflection, a poetic discourse and a philosophical wager “remembering a past in which we do not exist, we build the image of a future that is to come.” Creative process / research: three legs for an essay “A little idea had been germinating and growing in my mind and that was to make an audiovisual essay. And the RAER grant answered that wish. The basis was an initial image of my family in Italy, a handful of faded and degraded memories. Rome has been the catalyst for an essential search. After much soul-searching, looking, listening and talking to myself, 

it all rested on three pillars: image, sound and word. Three vertexes for a triangle of memories. Here I’ve had the opportunity to confront my identity with the eternal questions of who we are. Everything under a threefold approach: image, Super 8 family memories like my own memoirs, analysis and building matter, macropaintings. A jigsaw puzzle in its final 21 minute format. Stolen frames. The sound, the space of emotion, modulation and conceptualisation chaining the soundtrack of the piece to the imagery and unchaining it too. The sound of memory, what we call neuronal music. The voice, thought and reflection in a six-month research project in small strokes, a total of 35 textual pieces in a process of synthesising ideas between cinema and memory, memories as materiality, cinema/time, external memory, immanence and becoming, time/ movement, the variability of perception, penny-pinching, the phi phenomenon, discontinuities of imagination, false memories, organic relativity, preparation potential, veto power and emotions as glue. And many more in the final make-up of an essay that is strongly audiovisual. And that is why the best summary of this project is listening to it and watching it. Cinema is an art of synthesis and that’s where it makes sense. So, go and see the final piece: Lembranza. I hope you don’t forget it.” David Muñoz David Muñoz filmed Motorised Confessions in the Jubilee Year, recording motorcyclists riding around the city as they spoke about their painful experiences –a very different image of the city. Rome on a motorbike is quite unlike the city of William Wyler’s Roman Holiday; here it’s guilt that comes pouring out while the city drifts past as a backdrop to this long journey, this road movie. A film that is filmed without a script, real and true. It is the characters themselves who narrate it; the film

abandons production channels in favour of reality cinema that thrills. Watch it. In the author’s words: “A movie of guilty motorists, Romans, Europeans. In the Eternal City of architectural harmony, daily life unfolds in silence because we Europeans do not talk about what matters to us. In the Vatican City, in Rome, the Jubilee is being celebrated; it is the Year of Mercy, of compassion, of the remission of sins, because we are guilty, guilty since birth. And here in the Vatican they deal with the tragedies and the traumas and manage the faults: forgiveness comes with conditions. And all in one great show, the perfect scenery of Power, where the tourist, the consumer of multiple experiences, registers his or her own images that will be swiftly downloaded and shared with friends on social networks. The industry of forgiveness becomes something impossible to control; its infinite reach is the final miracle. And the ongoing dissatisfaction of the tourist is temporarily eroded by the recording of the moment, the test of life. Where technology appears in a massive and multitudinous way, people’s hearts open to analysis, to listening, to possible redemption. And this happens on motorbikes, many of them scooters, the vehicle of uncritical joy: a youthful form of transport originating from a Europe in need of rebirth. Now, a confessional, seat of the sorrows of the people of Rome, guilty or not, traumatized into silence, ignored like the rest of us in our mistakes, that make us see that Europe walks along in silence, feeling something quite different to what it wants to convey, to what it actually does. And that distance is annexed, found on the motorcycle, in another scene of the spectacle of forgiveness, of the one God or not, of good men or not, of the guru dressed in white. And it is a celebration –why not?– the celebration of brief, mortal, insignificant humanity. Music appears, the ritual, the sharing and the false smile that leaves us astonished.

Veloce vita, like the rest of my projects, is scriptless. I start from the conviction that I do not want to improve real life. From the outset I have a distrust of sheets of paper as a place where something interesting will happen. I suspect the film is already made before it is made. Therefore, I want to be open to discovering my experience in the film project. Undoubtedly, the main actors are waiting for me and they will introduce themselves to me soon. With only a few decisions, everything happens; my friends will be part of the film. They, who have the film inside them, also need to show it. Coincidence defines our project. The Church is celebrating the Jubilee Year, Mercy, something that we are all a bit short of, wants to come into play. Refugees are expelled or detained a little further south, in Italy, like in the rest of Europe. Without compassion, Europeans dictate laws; they look the other way; guilt multiplies. Let’s keep on walking. The narrative form, the vehicle, the moving camera, we want to see Rome, of course. In this reflection of grandeur, of cradle and history, people start to live again. We just wanted to say something of our own while riding our scooters; we don’t feel that quite logical shame showing that we are weak, vulnerable, and above all likely to be judged. Well, let them make judgments, let’s make it clear that we feel bad. If someone wants to say the opposite, to feel good, they’ll have to do it in adverse conditions this time. Happiness, if it exists, let it seep through however it can, just like sadness can be seen even if we try to shield ourselves from it every morning. So, time passes, the movie is being made, but it could be different, something else. And so, I recognise my own ignorance; we made a mistake. And maybe there’s no time, no money, to fix it. Friendships get a bit tense; everyone has to go back to work, because that wasn’t it. The last favour, the last chance to do it a little better, knowing that this is it. We’ll see when it comes to the editing process what it should be, what it can be. Always on the basis that you reap what you sow, because that’s the way it 

is… and assuming that making this film was just another of my faults, of our faults, probably. My last thanks finally go to what is real, the real deal which, with any attempt at fiction, hands us back a gift.” Antonio Blanco Tejero In the Chalcography there are four works by our composer Antonio Blanco: Epitaffio per Roma, a work for grand ensemble and mezzo soprano, composed during his Roman residency and premiered at the Academy; Rebuscándonos for two guitars and string quartet, also composed during his stay in Rome and premiered at the Accademia Filarmonica Romana; Por tus caprichos para violin, violonchelo y piano, is an earlier work, but was also premiered while at the Academy of Spain, in collaboration with the Accademia Santa Cecilia di Roma, and “Versus”, an earlier work performed on several occasions during his artistic residency in Rome with the collaboration of the Music Conservatory of Rome. Testimony to his synergy with other grant holders is Rome: 3 variazioni in collaboration with the photographer José Guerrero, and Gesten with the director Alberto Díaz. This is how Antonio Blanco describes his residency and his project: “The project I presented to obtain a residency at the Royal Academy of Rome in 2015/2016 was a composition for grand ensemble in which I wanted to narrate with sounds the architectural and topographical palimpsest that is, in my view, the city of Rome. Over the months the work took on form and title: Epitaffio per Roma. The circumstance of being a composer who wanted to take on the city and embrace the 

help and great interest and efficiency of the Academy, meant that my project turned out to be not only the writing of my project piece but of many others too, all premiered in Rome. Last year I wrote works for concerts and recordings; I also included recent pieces of mine in several programmes. I began recording a monographic CD with my new compositions and embarked on projects where I also used visuals, composing works for video, all of them artistic, with excellent directors and photographers, like Alberto Díaz and Jose Guerrero, both residential colleagues in that fantasy island located in the Roman Janiculum called the Royal Academy of Spain. The projects pierced the walls of the eternal city, and, as one thing is born out of another, I had the opportunity at the end of the year to give a conference and workshops in Colombia, where I could demonstrate my music and my forms, as well as generating new and important commissions.” Ulises Juárez Polanco To the many stories of the Academy of Rome this year yet another was added by one of its grant-holders, Nicaraguan Ulises Juárez Polanco: an encoded historical narrative, which links the travels of his namesake Ulysses, or Odysseus, with a contemporary thriller about terrorists in search of the key to an ancient myth. The author himself is one of the main characters along with his fellow residents from the top of Janiculum hill, in a work that reintroduces the Academy to contemporary narrative with this mixture of crime thriller laced with classic myth and resurrected hermetic knowledge that has been so successful in contemporary narrative, in the novel of the last decade. I wish this new Ulysses a happy voyage until he finally reaches, at the end of his novel, his very own Ithaca. We are sure,

paraphrasing Cavafis, that his journey in Rome has been full of adventures and happenings. Let us him now tell us the story of his novel, provisionally titled Sirenas: “What are we all but words woven together that define everything? In the beginning was the verb and the word, and also destruction. After all, if we name things to create them, we also name them to demolish them. 12th century B.C. after the destruction of Troy, the multifaceted Odysseus departs with his troops towards new adventures without thinking about his return to Ithaca. Far away is the port where Penelope waits, distant the illusory happiness of a kingdom of his own, which promises little. Odysseus does not travel to return, he does so to never return, pursuing the adventures of the Argonauts which his father, the retired and sad Laertes, did in his youth and determined to meet the sirens, part women and part birds, who cast a spell over and kill all those who approach luring them to their death to protect an old secret that the ancient gods have entrusted to them. 2017: a terrorist group driven by an ancient myth of the Holy Words claims responsibility for attacks in several cities around the world. Living in a particular academy at the top of Mount Janiculum, in the Eternal City, from where the hills of Rome can be observed, a Latin American researcher becomes a key player in revealing the surprising link of the Holy Words with the reputed Greek warrior who many centuries ago had great adventures in what today is Italian territory. Who was the wanderer born in Ithaca that after the terrible war of Troy, crossed many paths and entered the underworld to meet his true father and returned to life ? Was he really a hero and a curious

inveterate or perhaps the most human and imperfect of all the men of his day? Could his excessive passion to go to sea and gain new knowledge conquer the most elementary logic, and therefore be destined by Dante to the eighth circle of Hell ? Beginning with what Odysseus heard when he crossed the strait of the sirens, this novel gravitates around the myth that the traveller of the mind of a thousand colours desired so much to know even at the cost of the life of the anonymous heroes who accompanied him, and recalled by others thirty centuries later. Two individual travellers and two fastpaced stories united by a shining secret that tours Mediterranean settings told from behind the shadow of the usual main players by secondary characters, who are the ones controlling the real threads of these stories.” Andrés Catalán In poetry Andrés Catalán makes his way through the neighbourhoods of Rome as a source of documentation and inspiration: a work of poetic creation, Andante (Sinfonía), which, verse by verse, line by line, breathes the city air. Sinfonía is written in alternating verse and prose, with a rhythm that reflects the cadence of the structured wanderings of Andres Catalan, of his deep immersion guided by locals and foreigners into the different urban terrains and his transcribed impressions, everyday situations made into verse, layer by layer constructing the text. In the author’s own words: “Rome is an eternal city, but above all it is an infinite city that tests the most inexhaustible curiosity. The density and the historical, vital and social contrasts 

that accumulate in every urban detail provoke in the modern subject, in the Wikipedia subject, a confrontation with noise and chaos. Finding a sense to what one sees and building the identity of the onlooker translates into operations charged with anxiety and complexity. In the same way, the recovery of a memory (buried, like so many ancient and recent ruins), the construction of a personal history and reflections on a fleeting present (one’s stay at the Academy, but also any personal experience, whether amorous or not ) become not at all innocent activities in a city where History resonates insistently but deafened by the (auto)fiction that obscures that same History or, if you will, distorted by the deformed and not always conscious mirror in which Rome gazes at herself constantly. The purpose of the book, a single extended poem of several hundred verses under the title of Andante, is to lift the totality –exaggerated, moving, multiform and simultaneous– of the city onto a double scaffold. On the one hand, a musical structure, that of the symphony, with two themes: the earth and the sky. On the other, that of walking and drifting, in the manner of other lengthy poems built on the act of walking like Dante’s Divine Comedy or the Solitudes of Gongora. The reiterative nature of the experiences is a constant in the book and corresponds to the fact of making one’s way through the real city but also through the historical maps (Nolli, Tempesta, Forma Urbis, etc.), since a key exercise is the identification of transformed spaces throughout history that have disappeared or changed place, thus combining the idea of the walker’s movement with the idea of t he movement of the city itself (mobilis in mobili, like the Nemo’s Nautilus). In this way, the lyrical subject turns the whole territory of the city upside down (past, present and future) in the hope that the form (haphazard and eccentric in the case of its ambulatory arrangement, very 

well defined and centripetal in the case of the music, repetitive in both) allows one to relate the fragmentary and multiple nature of the restless group that, like the starlings that every autumn fly over the banks of the Tiber, develops into a dance (of masks) between the most sublime sky and most abject earth, from the beauty of the Renaissance frescoes to the failed ironwork of the outskirts, from the views of the Gianicolo to the crabs that inhabit the subways under the Forum.” Jesús Madriñán Dopo Roma is the series that we have chosen by Jesus Madriñán: portraits of a segment of Roman youth, taken offsite, away from the studio, surprised in their own environment, in their natural habitat, using studio techniques transferred to the reality of the world of the night. He portrays the tribe, his own tribe perhaps, leaving the afters, at that moment around dawn when premises close and the night ejects late-night revellers onto the street, to a reality different from the one built through the night. In their altered state of perception of reality, in the intensity of the night, the subjects portrayed by the photographer rest their gaze on the artist, on the camera, on the spectator now contemplating the piece. A superposed layer, an anthropological portrait of an urban tribe, in its own habitat, surprised at an unexpected moment, but at the same time informed of the process, and that perhaps is the difference. Transferring the studio portrait to an unexpected reality is unlike the work of the paparazzi or the artist who surprise their subjects in order to elicit a spontaneous reaction or a hidden photograph, making Peeping Tom their universe. Madriñán’s work is the negotiation, the game of seduction

and perhaps camaraderie, of being “mates”, of convincing one’s prey to open up to the target (the lens) that captures it. These are not prepared poses, they are not photographed tableaux vivants; nature is respected and the camera records what the subject spontaneously presents, but there is a complexity in the figures, an intensity in the work and the characters that we find in very few artists, such as Gonnord. Managing that close-up, so close at first, or a little more distant at first, I think that is precisely what contributes to a large extent to capturing, catching the attention of his prey. It is the immediate image obtained by the photographer as predator, who artistically seduces his spontaneous models so that they surrender their soul in each piece. In the words of the photographer: “Dopo Roma possesses the magnetism of discordance, derived from the contradiction between theme and finish. As if it were an act of redemption, the characters and their surroundings are suspended in a space where noise and bustle freeze in an atmosphere of calm and serenity. Since my arrival at the Academy I had clearly wanted to work on the portrait and create a collection of photographs: a large portrait of a generation that would capture the spirit of Italian youth in the 21st century. With this in mind, I set to work in my studio intent on learning how to control large analogue format techniques (20 x 25 cm) with sufficient mastery that would allow me to work in complex situations from a technical and spatial point of view. So, I started to experiment and try out different formats, lighting effects, optics and compositions, since large-format photography, given its complexity, requires a particular technical mastery where many factors come into play on which the successful outcome of a shot can depend. Even more

so if you work away from the studio, in situations where nothing is under the photographer’s control. Once I had overcome this first stage, I transferred everything I had learned to the environments in which I was interested in working, starting from the classical tradition of studio portraits but taking this out of context when I set myself up, at dawn, at various “afters” scenarios of the city of Rome. At this point in the project, the whole emphasis is focused on these “field trips” where I portray young strangers in a relaxed, social, nocturnal atmosphere, reinventing classical portrait painting by contrasting their composure and solemnity with the torrent of life all around me.” A torrent of life in that double, penetrating gaze: his –pupils contracted and intense– and, almost asleep on his shoulder, his bleary-eyed partner, in the central photograph shown here. Madriñán’s eyes, in that ever so well-defined foreground, intense and precise against the backdrop of the city, of blurred, out of focus landscapes, map the urban territory, body to body –a marvellous psychological and sociological portrait, in terms of the care he takes in portraying garments and clothing. Fatima Bethencourt The musicologist and art historian Fatima Bethencourt has been working on the musical cooperation that arose between all the foreign academies that took place on May 31st, 1929 in the former Teatro Augusteo, home to the orchestra of the National Academy of Saint Cecilia, which performed music by grant-holders from the Spanish, American and French Academies. Bethencourt’s analysis of the political and institutional role of this concert invites us to renew that spirit of 

collaboration between the various foreign academies and the people of Rome, as a bridge with the present with the music taking centre stage. And this is how she describes it in her own words: “The Concert of Foreign Academies in Rome (1929) as an example of musical collaboration during the Interwar Period. On May 31, 1929, the Concert of Foreign Academies took place at the late Teatro Augusteo in Rome, home to the concerts of the Santa Cecilia Academy Orchestra, whose President, Count Enrico di San Martino e Valperga, had developed the idea. In line with his wide-reaching and international cultural vision and as is apparent from his writings, the aim was to foster a reciprocal exchange of knowledge and fraternity, not only between the foreign academies established in Rome, but between these and young Italians. For this reason, the concert premiered the works of young grant-holders and artists in residence at the Academies: the American (Robert L. Sanders and Alexander L. Steinert), French (René Guillou and Edmond Gaujac) and Spanish (Fernando Remacha and María de Pablos, the first woman to obtain a grant on the basis of merit in the history of the Academy of Spain). The usefulness of the intellectual collaboration that underlies the Concert of the Foreign Academies, which in San Martino’s view contained a political value above and beyond its artistic importance, was to increase in importance with the International Federation of Concerts, also initiated by him that same year, 1929, for which he requested the support of prestigious Spanish musicians, through the Spanish Academy. I would like this study to serve as a bridge with the present, inviting us to reflect on the need to recapture and maintain that 

spirit of artistic-musical collaboration between the different foreign academies in Rome and its inhabitants. One of them, almost a century ago, and at a historical moment that favoured the awareness of the need for humanistic-intellectual cooperation, dreamed one day that a concert could be a starting point, and music –in short– the vehicle that would achieve it.” María Elena Cuenca María Elena Cuenca is studying the figure of Francisco de Peñalosa, a great composer of the court of Ferdinand the Catholic. She has been scouring the Vatican and Roman Archives for information of the time he spent in Rome as a singer in the choir of the Sistine Chapel during the papacy of Leo X. This work, the object of her thesis, also led to a concert and the recovery of his most important masses, performed and recorded in the Church of San Pietro in Montorio, as well as another concertconference in the Academy itself. Research on the history of music and the recovery and dissemination of it as activities of the Academy join hands here in this project by Maria Elena Cuenca. Let us hear in her own words how she developed it: “My project for the Spanish Academy relates to the recovery of the figure of Francisco de Peñalosa (c.1470-1528), one of the most distinguished composers of the court of Ferdinand the Catholic, who lived in Rome for five years, and became a singer for Pope Leo X in the Sistine Chapel. As this is the subject of my thesis, I had already done previous research in the Spanish archives (the Archive of the Corona de Aragón, the Archive of the Cathedral of Seville, the National Historical Archive and the General Archive of Simancas, among others) from which

I manged to obtain new information about the life of the composer. One of my objectives with the RAER project was to comb through documents in the Vatican archives (the Vatican Secret Archives and the Vatican Apostolic Library), and in the Roman Archives (the Archivio di Stato di Roma, the archives of the Church of San Giacomo degli Spagnoli and the Archivio Storico Capitolino) and unearth new data on Peñalosa’s activities in Rome. On the other hand, I also proposed to identify stylistic features of the composer’s works in the anonymous masses preserved in the musical manuscripts of the Vatican Apostolic Library. As a third objective, I proposed to find out more about the liturgical context developed in the ceremonies of the chapel of Leon X and later pontificates. Finally, the staging of a concert with music from the masses Adieu mes amours and L’homme armé, by Francisco de Peñalosa in the Church of San Pietro in Montorio performed by an Italian vocal quintet and conducted by Walter Testolin. After numerous searches in the Vatican and Roman archives, I managed to locate the necessary information on the activities of Francisco de Peñalosa in the Chapel of Leon X between 1517 and 1521. To begin with, the residence payments recorded in the Vatican Secret Archives revealed the years in which he was active in the pontifical chapel. However, I was unable to unearth new data on his function in the Curia, due to the large volume of manuscripts to be studied (equivalent to at least two years of research). Yes, new documents have been found that refer to him as a singer, but also as a cubiculario (a role similar to that of chamberlain) and secret musician, assignments that only the pontiff ’s most trusted servants could achieve. We also know that Leon X had a great appreciation for Peñalosa and his gifts as a singer, of whom he said that he was a “very excellent musician [...], for which conditions he is presently acceptable to us and we are very grateful

for other virtues of his that deem him worthy of entering into our service and that of the Apostolic See”. The closure of the archive of San Giacomo degli Spagnoli (documentary section), for an ongoing cataloguing process, has prevented us from obtaining new information about Peñalosa in the Church, leaving this door still open for investigation at a later date. Even so, the large correspondence between Pietro Bembo (secretary to the pontiff) and the Seville Town Council to persuade the musician to remain in the Curia, enjoying benefits and residencies in the Peninsula, shows the demand for the musician in the papal choir. The Sacred and Profane Renaissance Music Open Days were held on 7th and 8th April 2016. The first consisted in the performance of a concert of the masses of Peñalosa with professional Italian singers. This took place in the Church of San Pietro in Montorio, following an introductory lecture to contextualize Spanish Renaissance music and the role of Peñalosa as a musician under Ferdinand the Catholic and Leon X. All this has been recorded on a CD on the recovery of the masses L’homme armé and Adieu mes amours by Francisco de Peñalosa for their dissemination and study. The second day consisted of a lecture-concert with the guest professor Dr. Xavier Alern (Autonomous University of Barcelona). The theme was the profane music of Spanish composers residing in Italy in the late fifteenth and early sixteenth centuries. The soprano Andrea Trueba, accompanied by Xavier Alern on the vihuela (a guitarshaped string instrument), sang a series of pieces that were introduced and put into context by the researcher.” Gabriela Bettini “The project developed at the Royal Academy of Spain in Rome has focused on depicting, through painting (oil on canvas), the tension between memory 

and oblivion as a consequence of the destruction of certain enclaves of the city and of the memories linked to them. [...] In Mussolini’s time, new changes were still under way, which led to the preservation and idealised recreation of certain ancient Roman monuments and the simultaneous demolition of buildings from past times considered as decadent. This methodology was applied to the Theatre of Marcellus, to the Mausoleum of Augustus and to the whole archaeological area of Rome, which led to the disappearance of much of the surrounding urban fabric that existed until that then. My first line of work plays with the idea of pentimento (repentance) in painting. The overlay of images on the same canvas of a site in its previous and current versions leads to an interweaving of spatialtemporal dimensions. In the pictures what is manifest coexists with what has been hidden. That latency generates a phantasmagoria, a threshold where the present and the absent coalesce, people and hidden things, where the invisible shines through the visible.” Gabriela Bettini’s pictorial work adds layers of time and space, partial images of past times that are stuck onto the main image, overlapping one over another and portraying other experiences of the space represented. Activity at the Theatre of Marcellus with its heterogeneous population prior to its restoration is represented by an image of its inhabitants in the same precinct that Bettini superimposes on the present view. This pictorial overlap of two moments, past and present, is codified by distinguishing this accumulation of strata through the pictorial device of drawing the strips of adhesive tape that would be placed at the corners of the added image had it been printed or painted on a sheet of paper. 

Her vision of architecture fades into a clean line or dark drawing in the background that brings the whole grouping to an intermediate world between perspective, real vision or sketched annotation of the work. Her work originated from the analysis of places in the world of emigration: Rome as a destination and the port of Genoa as a departure route converge in this exhibition. In Viaggio, the port of Genoa, where Gabriela Bettini investigates the route of emigrants heading for Argentina, she accumulates views of quite different places. Bettini links her trip to Genoa with her Roman residency through two profiles: the outline of the hills surrounding the port as the background and on top of them, stuck onto them, the other reality of the outline of the hilly landscape close to Rome, close to the city. That double silhouette merges into a single mountain line in which the ever-present element of the strips of adhesive tape makes us aware that they belong to another reality. The oil technique she uses, so she tells us, evokes the pentimento, the repentance of the artist painting over a previous painting whose image ends up becoming visible, gradually appearing through over time. Bettini superimposes her images, painting one on top of the other, but also controlling what she wants to be seen of one and the other. This is a painting of reality in which the concept takes precedence and time and space merge on the same stage documenting the work with the addition of another layer of meanings and references. Jaime González Cela y Manuela Pedrón Nicolau One of the most dynamic forces within the group of residents during this last year Academy were the curators Jaime González Cela and Manuela Pedrón

Nicolau, who throw body and soul into their work as cultural curators. Two curators who practiced their work on their fellow grant-holders, organising related activities outside and within the Academy: from the coordination of a purpose-built ‘coworking’ area with its bespoke furniture built by the residents under the experienced eye of Carlos Granados, to the sessions for the programme Estudio 7, which brought selected Italian curators and artists to the institution. Coworking also involved setting up a panel indicating all the relevant cultural institutions, a map of Rome with handwritten notes on a board with pertinent information on the main cultural centres of the city, a priceless resource-guide for the residents. Their activities extended beyond the premises too: they took charge of Martin López Lam’s exhibition of at the Bologna Comics Festival and the presentation of the preview of Alberto Díaz’s film at another activity they organised. Their presentation at this exhibition will be accompanied by the book they have produced on their activity. The publication is funded by their project and is a catalogue of the work they have curated, which they describe for us in their own words: “Our residency project investigates and develops the relationships between a centre for artistic creation and the cultural and urban fabric of its context, taking as a case study the Royal Academy of Spain in Rome. The driving force of this project is a curatorial research project centred on the analysis of spaces with a cultural identity and the development of strategies and particular forms of approach that allow us to experiment with the role and the possibilities of artistic practices and collaboration. For this purpose, during our residency we carried out a theoretical research plan from approaches close to those of institutional criticism and new institutions, which we applied to the

reality and context of the Academy as a centre of cultural production. On the other hand, we set about tracking and tracing the locations, agents, cultural and social initiatives that shape the contemporary Italian cultural context. The ultimate goal of these two processes of analysis was to generate a curatorial program that connects and disseminates the work of grant holders with the Italian artistic panorama. We have designed and developed the different activities with the intention of generating new synergies and projects in the future. We devised this programme with an open code approach, in the sense that it can be used and expanded in the future by the next batch of residents and directors of the institution. This programme started out in December 2015 with the Urgent Furniture Workshop involving the residents under the guidance of artist and educator Carlos Granados, who collectively designed and built the furniture for the new coworking area at the Academy. During the months of February and March 2016, four sessions of the Study 7 programme took place in this new space: ‘round-trip’ meetings on the Italian artistic scene, to which we invited four curators, who in turn invited artists based in Rome to discuss concrete aspects of the reality of contemporary art in the city. The guests were Michela Tornielli of Crestvolant with Thomas Hutton, Cecilia Canziani with Alessandro Piangiamore, Francesco Buonerba with Leonardo Petrucci and Stefano Collicelli Cagol with Nasrin Mohiti and Giusseppe Grant from the Orizzontale project. In collaboration with the BilboLbul team –Festival Internazionale di Fumetto, Bologna– on 26 May we inaugurated, as part of its Primavera/Estate programme, Parco Falafel, Martin López Lam’s solo exhibition. To coincide with this exhibition we organised a meeting at the Accademia di Belle Arti di Bologna on comics and 

desktop publishing in a Spanish context. We invited Roberto Massó and Klari Moreno, who were interviewed by the Italian illustrator and cartoonist Cristina Portolano and Olaf Ladousse who, together with Martin López Lam, spoke with the Italian comic book artist Andrea Bruno. On 9th June at the Trevi Cinema, the Memorie esterne cycle: found footage nella videoarte at the cinema sperimentale spagnolo took place, a project developed in partnership with the Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome. The project, presented as an exhibition in cinema format, was a preview of the film-essay Lembranza, the work of our colleague at the Academy, Al Diaz, accompanied by pieces also made from footage found by Pilar Álvarez, Jordi Colomer, Los Ganglios, María Cañas, Eli Cortiñas and Isaki Lacuesta. To further our analysis on working with ‘ found’ footage, on 10th June we organised a meeting in the Academy between Al Díaz and Jordi Colomer, moderated by Alessandra Mammì, the critic and art historian who heads up the Art Trevi program. All the material generated during our experience at the Academy has been collected in a small publication titled Cuaderno de Roma IV: experiencias curatoriales en la Academia (Roman Notebook IV: curatorial experiences in the Academy.” The presence of these two curators has been fundamental not only as a dynamic driving force, but in furthering an understanding of the mechanisms, the coexistence of artists and curators, an explicit generator of knowledge for some, on the creative mechanisms involved; and also for others, in comprehending the processes with regard to selection and performance which curators deal with throughout their work. 

Rafael R. Villalobos In an intensely Renaissance scenario, in the Tempietto that Bramante built for Spain (commissioned by Ferdinand and Isabella) on the site of St. Peter’s martyrdom, Rafael R. Villalobos creates a sacramental rite or rather, a desacralised rite, according to his own terminology, based on a text by Calderón. He introduces a new order by inserting a contemporary vision of the conflict provoked by the recognition of same-sex civil union in the context of Rome celebrating the Jubilee Year. The author tells us in his own words: “The ROMAESAMORALREVES project began with the idea of retrieving the Auto Sacramental (Sacramental play) El Año Santo de Roma by Calderón de la Barca, written ex professo for the feast of Corpus Christi in the Holy Year of 1650, later transformed into what I have called a Desacralised Play: a stage experiment that turns the text around and mixes up verse, prose, baroque music, jazz, pop, Spanish, Italian, Renaissance architecture, neon lights, platonic concepts and tangible realities.. Analysing a text as beautiful as El Año Santo de Roma was rather shocking at first, since the beauty and harmony of the verses contrasted with the chaos and double standards I perceived on my arrival in the city. Rome is a city of contradictions, a quality that is evident from the first moment you set foot in it. It is also a difficult city. When I arrived, for example, I was struck by the fact that the city was littered with Catholic posters proclaiming mercy as the mantra of the Jubilee, while strongly attacking same-sex civil union and step-child adoption, with the legalisation of both issues under debate this year in Congress. One of so many contradictions. So, prompted by my first-hand experience

of the Extraordinary Jubilee of Mercy, arose the need to confront the theological ideas proposed by the Calderon’s text with the reality of a very turbulent year both politically and socially. Taking parts of Calderón’s original text, whose protagonists are allegories, I decided to confront his Platonic dimensions with real characters. In particular, I was very interested in two decidedly influential figures: firstly, the Polish theologian of the Congregation for the Doctrine of the Faith, Krzysztof Charamsa, who scandalised the Vatican with his declaration of homosexuality and whose doctoral thesis on the immutability of God according to St. Thomas I studied in depth, and secondly, Marco Prato, selfstyled gayboy and confessed murderer of a young man during a sexual trio. Both events took place during the development of my project and shocked the city, and became the inspiration for these two cohabitants of my Roman experience, the characters of Prete/Prato, in prose and in Italian. On a third and final level is the presence of my own emotional, theological and sexual relationship with the city. The result is a mixed text –universal, classic and at the same time highly topical– in which Man must begin his pilgrimage to the City of God, but the Rome he finds is very different from the Augustinian Utopia proposed by Calderón. The setting of an impossible altarpiece in the Tempietto di Bramante, where the characters of the original work mix with personalities of Roman society to reflect on themes such as Divine Grace –or the absence of it– the Eucharist and the multiple dimensions of Love in the contemporary world.” Inés M. Fuentes In the following text Inés M. Fuentes tells us about her research project in the Royal Academy of Spain in Rome:

“HISTORY OF MAGIC AND ILLUSION IN ROME For nine months I investigated the history of Magic in Rome, from antiquity to the 20th century and in particular the figure of Giuseppe Pinetti, the most important magician of the 18th Century, pioneer in taking an art previously performed on the street onto the stage and into theatres. My aim is to restore the legacy and figure of Pinetti –the most remarkable magician before Houdini– who is virtually unknown today. I also performed a session of magic at the Open Studio (Royal Academy of Spain in Rome, March 17) and, in keeping with the RAER’s vocation of building bridges with other Spanish cultural institutions in Rome, I held two performances of my show MagicROOM at the Cervantes Institute in Piazza Navona (Rome, 20 May). Over these nine months I have attended lectures on magic and festivals of magic; I have done all kinds of research, made contacts, visited historians and consulted numerous bibliographies in order to historically document the various Italian magicians. Within this whole process, I became increasingly aware of the great relevance of the magician Giuseppe Pinetti and decided to focus all my research and attention on his exciting life, and on his great and wellcatalogued repertoire of tricks. All this work culminated in the premiere of my one-woman magic show called Pinetti Smascherato (Pinetti Unmasked), at the Villa Torlonia Theater in Rome on June 21, 2016, a show entirely in Italian in which I was the star. Giuseppe Pinetti revolutionised magic in the 18th century. His life was full of wit, enemies, adventures ... and mysteries. Who destroyed his performances by publishing his tricks? Why did he die a 

ruined man? How is it possible that the most important magician before Houdini is today a complete stranger?

restorer and the architect who, thanks to content or format, find comfortable accommodation in it.

In Pinetti Smascherato (Pinetti unmasked) I present a magical journey through the repertoire and the life of the famous Italian magician. Pinetti Smascherato is a journey through time, combining classical and the most innovative magic in an unusual and surprising spectacle. “

Made in Rome tells us about the work of last year’s grant holders, their diversity, their genius and their perseverance, through a selection of their projects which provides an account of their work, but without overwhelming our senses, or quenching our desire to further explore their individual work on our own.

Made in Rome at the San Fernando Academy of Fine Arts

Solo and collective exhibitions will follow from here, in addition to theses, concerts, theatrical works and pure magic.

The exhibition at the San Fernando Royal Academy of Fine Arts occupies the Chalcography, the lower quarters of the floor plan by Diego de Villanueva –who carried out extensive reform work on the building of the Palace of Goyeneche de Churriguera. This was formerly known as the Sala de Principios, while the space allocated here to the work of the cinematographers was one of the so-called Salas de Distinguidos on the same floor, currently used occupied by Juan Bordes, academician in charge of chalcography, who so generously ceded his office to the exhibition. We placed the exhibition of the visual artists in the Chalcography, leaving just a few of them –rather like the little yang within all yin– in the great monumental staircase, a space actually restored and unadorned with respect to what should have been its original state. In the spaces afforded by the staircase, in its niches, on its stone benches and seats, we have placed the work of researchers, writers, playwrights, the magician, musicologists and curators, allowing visitors to sit down for a moment and hear their stories told in their own words. The yin within our yang is the Library Room of Lafuente Ferrari, the space we have allocated to the historian, the 

It is all illusion but not a mirage, for this is serious well-rounded work: statefunded projects from professionals, artists and researchers, who have, as this exhibition clearly demonstrates, fulfilled their side of the bargain. My grateful thanks from these pages to the staff of the San Fernando Royal Academy of Fine Arts and to its director, Fernando Terán; to the director of Chalcography Juan Bordes; to Almudena, curator of the building, and to the people who work with them and have made this work possible. With these words, I should like to congratulate and thank the director and the Royal Academy of Spain in Rome, her team and the team from AECID that promotes and manages it in Madrid. Above all, my congratulations on the work done and for the future, which I hope will be equally fruitful, for all grant holders.

Manuel Blanco Professor of Architectural Composition E.T.S. of Architecture. Polytechnic University of Madrid ETSAM UPM Curator of Made in Rome

José Guerrero José Guerrero is a graduate in Technical Architecture from the University of Granada. In 2002, having left his position as Production Manager with the construction company FerrovialAgromán, he decided to take up photography professionally. In 2005 he received the Young Andalusian Author scholarship from Caja San Fernando for the development of the Efímeros project. Since then his work has been awarded grants and prizes at various events: Purificación García (2008), Generaciones (2008), Iniciarte (2007 and 2010), María José Jove and Imagenera (both in 2010). In 2008 he was artist-in-residence at the Spanish School in Paris and in 2011 he received the XIV Manuel Rivera Scholarship, with which he worked alongside Mark Klett at Arizona State University (USA). He has received commissions from the Museum of Contemporary Art of Castile and León and the Banco Santander Foundation. Much of his work has been done in Spain and the United States, and in both countries his work forms part of several public and private collections, including the Amon Carter Museum (Texas) and the Center for Creative Photography (Arizona). In 2015-2016 he was an artist-inresidence at the Spanish Academy in Rome, where he developed a new photographic series, apart from his first cinematographic work with Antonio Blanco. Also in 2015 he took part in the exhibition ArtSituacions in Villa Croce (Genoa), MACRO (Museum of Contemporary Art in Rome) and, in 2016, in Matadero (Madrid); He also had two solo exhibitions in Madrid: “After the Rainbow”, at the Alcobendas Art Centre, and “Sierra Nevada”, in the F2 Gallery. In 2017 he will present his latest work, entitled “ROMA”, in the Alarcón Criado Gallery in Seville. 

Martín López Lam

Iñaki Gracenea

Jorge Conde

A graphic artist from Peru, he has been living in Valencia since 2003 and is working on several projects relating to independent publications, comics, screen printing, drawing and illustration. He has collaborated with publications such as ARGH (Spain), Carboncito (Peru), El Buen Salvaje (Peru), Kuti (Finland), Puck (Italy), Franky et Nicole (France), Kus (Latvia) and Cocktail (Italy) in addition to working with publishers such as Media Vaca, Ultrarradio, Aristas Martínez, Edicions De Ponent and Fulgencio Pimentel. He has given workshops on editing and graphic narrative (Badajoz Book Fair, Entreviñetas Festival, Colombia, etc.) and has done artistic residence programmes in Manizales (Colombia), Zemun (Serbia), Rome (Italy) and Angoulême (France).

A graduate in Fine Arts from the University of the Basque Country specialising in painting, he has further developed his education in various centres of art such as Arteleku (San Sebastian), Kunsthaus Essen, ISCP (New York), CCA (Andratx) and John Jay College (New York).

A graduate in Fine Arts from Barcelona University (UB), he studied Visual Arts at the University of California (San Diego, USA) and at the Chelsea College of Arts and Design (London, United Kingdom) where he was on an internship funded by UB. Later, he was artist-inresidence at the Siqueiros Museum in Cuernavaca (Mexico) and, more recently, at the Royal Academy of Spain in Rome (Fellowship MAEC-AECID, 2015-2016).

Since 2010 he has been working on his own editorial project: Ediciones Valientes, publishing authors from across the globe in anthologies or small zines, with whom he has taken part in graphic festivals in Portugal, Spain, France, Italy, Belgium and Germany.

He has exhibited his work in a wide variety of venues such as Rekalde (Bilbao), CGAC (A Coruña), Koldo Mitxelena (San Sebastian), Bienal Martínez Guerricabeitia (Valencia), Domus Artium (Salamanca), Museum voor Moderne Kunst (Arnhem, Holland),La Casa Encendida (Madrid), Artist Space (New York), the Museum of Contemporary Art of Castile and Leon (Leon) and the Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach). He has also taken part in important international fairs such as ARCO (Madrid), ARTbogota (Bogotá), ARTISSIMA (Zona Maco, Mexico City), Art Brussels (Brussels), Vienna Fair (Vienna), Art Dubai (Dubai) and FIAC (Paris). His work is displayed in the ARTIUM Museum in Vitoria and in the collections of Unión Fenosa in A Coruña, Botín Fundation, CAM Fundation, Caja Madrid, MUSAC, AENA, Banco de Spain and Pamplona City Council. Among other awards, he has received the Generation Award from Caja Madrid (2006), the Botín Scholarship (2002), the CAM Scholarship for Visual Arts (2009) and the BBVA Foundation Grant for Researchers and Cultural Artists (2016).

His work addresses the excesses of present-day hyper-consumption and the power relationships giving rise to it, its intrinsic voracity and its capacity to generate false (fictitious) narratives, utopias, ethically doubtful policies, exclusionary geopolitical spaces, segmented identities and complex social roles. Over the years he has evolved towards the conceptual, placing himself in positions of greater ethical, social and ecological commitment that show a deep concern for humanitarian crises, for the social and environmental impact of certain policies and for the attitudes common to late capitalism and the stories told to justify them. With diverse techniques and languages, his projects function as orderly and communicating universes, always animated by ethicalaesthetic reflection and the criticalconstructive zeal of the essayist.

(Mexico); the Cervantes Institute in Berlin; IVAM - Julio González Centre, Valencia; the San Fernando Royal Academy of Fine Arts, the Bertelsmann Space and the Tomás and Valiente Arts Centre in Madrid; Arts Santa Mònica and the Círculo de Lectores Cultural Centre in Barcelona; the Royal Academy of Spain in Rome; the Tinglado 2, the Universitat Rovira i Virgili (URV) and the Modern Art Museum (MAMT) in Tarragona; the Casal Solleric in Palma; the Quinta das Cruzadas Art Centre in Sintra (Portugal) and the Mandeville Center for the Arts in San Diego (USA). He has also taken part in several important events within the international panorama of contemporary art such as PHotoSpain, ARCO Madrid, Art Miami, Art Philadelphia and AAF London, and has been at the Remo Brindisi festivals in Ferrara, (Italy); SCAN in Tarragona and International ArtExpo California in San Francisco, among others. His dossier features in several curated archives: the A*DESK of creators, of the Institut Ramon Llull, Barcelona, the IRRADIADOR project of CA Tarragona and Lo Pati art centres; the CENDEAC in Murcia and the Royal Academy of Spain in Rome.

As an artist, he has obtained the recognition and support of numerous institutions including the Spanish Ministry of Culture, the Generalitat of Catalunya, the CoNCA, the Bertelsmann-Planeta Foundation, the Bancaja Foundation, the INBA in Mexico and the Museum of Contemporary Art in Rome (MACRO). He has had numerous solo and collective exhibitions across Europe and America, in public and private institutions, such as the Siqueiros Museum in Cuernavaca

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Josep Tornero

Juan Zamora

Jaime J. Ferrer Forés

Julia Ramírez Blanco

With a PhD in Fine Arts from the University of Murcia (2016), his artistic training started out at the Faculty of Sant Carles, Valencia (2004). In 2008 he moved to Murcia, where he studied for his Master’s degree in Production and Artistic Management.

His work is a study of life and its processes from a poetic and multidisciplinary perspective. As a professor, he has worked at the European University of Madrid (2007-2011), the Irvine University of California (2007-2008), Long Island University of New York (2011-2012) and at the Departmental Institute of Fine Arts of Cali, Colombia (2015). He obtained artist’s residency fellowships at ISCP in New York (2011-2012), the Nirox Foundation of Johannesburg (2014) and Place in Doubts in Cali (2015), and won prizes such as INUVE (2006), ABC (2009) and Generations 2016. He has exhibited in venues including the ICO Foundation (2007), the Moriarty Gallery in Madrid (2009 and 2011), DA2 in Salamanca (2010), Matadero de Madrid, (2011), the Medellín Museum of Modern Art and the ARTIUM Centre in Vitoria (2013), the Museum of Contemporary Art in Sydney (2014) and La Tertulia Museum in Cali, Colombia (2015).

Having graduated as an architect at the Technical School of Architecture of Barcelona ETSAB UPC (2000), he received a scholarship from the Ministry of Education for University Teacher Training (2001-2005). He obtained a Doctorate in Architecture with European mention (2006) and was awarded the Extraordinary Doctoral Award by the Polytechnic University of Catalonia (2008). He received a postdoctoral “José Castillejo” research fellowship from the Ministry of Education (2011). He was visiting professor at CAUP Tongji University (China, 2013) and researcher on the PROMETEO-SENESCYT programme at UNACH (Ecuador, 2013-2014).

Julia Ramírez Blanco is a researcher working on the Juan de la Cierva at the University of Barcelona. In 2015 she presented her European doctoral thesis Utopías artísticas del mundo contemporáneo, 1989-2012: arte, movimientos sociales y utopía en Europa Occidental (UCM). Her recent work, with a strong international profile, deals with interaction between art, utopia and social change. She is the author of the book Utopías Artísticas de revuelta. Claremont Road, Reclaim the Streets, la Ciudad de Sol (Cátedra, 2014), which explores the aesthetic and utopian dimensions of certain social movements.

Among his individual projects are: “Fantasmagorías: objeto y síntoma”, at the Párraga Centre in Murcia (2015); “Dans l’interstice du silence”, at L’Escalier Espace d’Art in Montreuil (2014), “38 Steps”, in Cátedra Arte y Enfermedades + Perspectives Art, Liver Diseases and Me (2014); “Vicissitūdo”, at the Pablo Lau Exhibition Centre, en Sant Joan (2013); “Noli me tangere”, at the Alejandro Bataller Gallery in Valencia (2012); and “Stanza vuota: sobre cuerpo y memoria”, in the Assembly Hall, University of Murcia (2010). He has taken part in numerous collective exhibitions over the last two years, including: “Procesi 143”, in the Royal Academy of Spain, Rome (2016); “Any Given Book”, in the White Noise Gallery in Rome (2016); “Ausencias”, at the Kir Royal Gallery, Valencia (2015); “Perspectives – Art, Liver Diseases and Me”, in Reed Messe Congress Centre, Vienna (2015); “Teatro Anatómico”, in the Dr. Ângelo da Fonseca de Coimbra Palace (2015); and “Aus Gutem Hause”, at the Widmertheodoridis Gallery in Eschlikon (2014).

He is associate professor at the ETSAB Department of Architectural Projects, coordinator of the Nordic Masters course and author of the monograph Jørn Utzon: works and projects, published by Gustavo Gili (2006). His work has featured at the Venice Architecture Biennale (2012 and 2014) and he was selected as one of the “Europe 40 under 40” important and emerging architects and designers by the Chicago Athenaeum and the European Centre for Architecture (2014).

She has also taken an interest in issues relating to non-professional art: in her prologue to the Spanish edition of Hans Prinzhorn’s Artistry of the Mentally Ill (Expresiones de la locura, Cátedra, 2012), she discusses the connections between the creations of the mentally ill and the art of the historic vanguards. She translated Erwin Panofsky’s Gothic Architecture and Scholasticism (La arquitectura gótica y escolástica, Madrid, Siruela, 2007), and her texts have been published in several co-authored books, magazines and journals such as Third Text, Arquitectura Viva, Quintana, Lars and Boletín de Art, in the Spanish newspaper El Mundo and in The Nation journal. She has given lectures and workshops at various locations in Spain, Europe and the United States, including New York University, the Senate House Library, Newcastle University and the Württembergische Kusntverein in Stuttgart. Her research has been supported by various scholarships (FPU, Spanish Ministry of Education and Science, 2011-2015; Students’ Residence, Madrid Town Council, 2010-2013; the Spanish Academy in Rome, 2015-2016). She has

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spent time on research projects at New York University with Professor of Sociology, Stephen Duncombe (2013), and at the Laboratoire langages, actions urbaines, alterités (Nantes), with the researcher Emmanuelle Chérel (2014). She is involved in two RDI programmes: History of the Future: Utopia and its Alternatives in the Horizons of Expectation in the Contemporary World, 20th-21st Centuries (HISTOPIA) and Art Globalization Interculturality. Critical Cartography of Art and Visuality in the Global Age: New Methodologies, Concepts and Analytical Approaches (Research Group at the Department of History of Art, Barcelona University R+D PROJECT MICINN: HAR2010-1740).

Benjamín Domínguez Gómez

Susana Arenillas

Clara Montoya

Benjamín Domínguez Gómez (Seville, 1978) is a Fine Art graduate (University of Seville, specialising in the Conservation and Restoration of Art Works) and holds a Master in Architecture and Historical Heritage (Seville›s Higher School of Architecture) for which he received an Extraordinary Graduation Award. He combines his role as Managing Director of GESTIONARTE S.L.U. with his scientific research within the group Conservation and Patrimony: Methods and Techniques (HUM-956), attached to the University of Seville.

Currently in the final stages of her doctoral thesis Arte y memoria histórica en la España reciente, in 2009 she obtained a Diploma for Advanced Studies for her work Arte y memoria: visiones contemporáneas de la dictadura franquista. Her academic qualifications include: Master in Museology: Study of Documentation Techniques (January, 2016); Certificate of Pedagogical Aptitude (Institute of Educational Sciences, UCM, March 2008); Degree in Fine Arts, specialising in Image Arts (photography and video) (June 2006).

She studied for a BA as a scholarship student at the Chelsea College of Arts and went on to do her MA at the Royal College of Art in London, where she received the Thames and Hudson/RCA award for excellence in sculpture. She has had fellowships at Cité Internationale des Arts (Paris) and the Cooper Union (New York).

He is also involved in an honorary capacity in the university’s Department of Painting, and is currently preparing his doctoral thesis within the framework of the programme Art and Heritage. It is in this context that he has enjoyed a research internship in the Preventive Conservation Area of the Andalusian Institute of Historical Heritage (IAPH) and at the Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restaura di Roma (ISCR), during which he resided at the Academy of Spain.

Since 2007, she has balanced her time between artistic work, teaching activities and cultural mediation.

In a professional capacity he specialises in the treatment of works in polychrome wood, and in particular altarpieces –the subject of his doctoral thesis– and similar elements, such as the supports for the paintings in the Hall of the Kings in the Alhambra, Granada. A regular participant in national and international congresses, lectures and seminars, he is the author of a number of publications related to his area of expertise and technical adviser to several institutions relating to the Archdiocese of Seville.

She has had solo exhibitions in the Community of Madrid’s Young Art Network (2009) and participated in numerous collective exhibitions, including: “One project” (Estampa Gallery, Art Madrid 2012); “Proyecto banderas” (International Estampa Print Fair, Madrid, 2011); “C. Viennale “(Sécolectivoforzoso, Madrid, 2009); “LadyArte” (LadyFest Spain, Patio Maravillas, Madrid, 2007); “Anverso/ reverso” (Faculty of Fine Arts, UCM, Madrid, 2007); “Laberinto de espejos: biografía-auto-biografía” (Faculty of Fine Arts, UCM, Madrid, 2007); “Canal Abierto 2007” (Water Tower exhibition centre, Canal Isabel de II, Madrid, 2007).

Her works can be found in prominent museums and collections: Colection Huarte (Mallorca), Museum of Contemporary Art, GfZK (Leipzig, Germany), Seomi & Tuus Collection (South Korea), Contemporary Art Centre CAC (Malaga), Proje4L / Elgiz Museum of Contemporary Art (Istanbul, Turkey); Madeira Collection of Drawing (Portugal), etc. She has participated in various collective exhibitions, including “Winter Show, Nirox / Yorkshire Sculpture Park”, curated by Helen Pheby (TAMAT Contemporary Centre for Textile Arts, Tournai, Belgium). She has also taken part in collective exhibitions held at the Akademie der Künste, and the Künstlerhaus Bethanien, both in Berlin, and at GZK (Museum of Contemporary Art) in Leipzig. She has held solo exhibitions in galleries, such as Slowtrack and Marta Cervera (Madrid), ALAC (Los Angeles), Het Raam (Venlo, Holland) and 1 sur 1 (Brussels). She has been awarded many scholarships and prizes including the Botín Foundation scholarship and a grant from the Junge Akademie der Künste, which was proposed by Mona Hatoum and where she was accepted by Tony Cragg, Karin Sanders and Valie Export. She works in Europe and the United States. Her studio is in Brussels, where she also manages a large multidisciplinary cultural space within the LaSenne group.

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Alberto Díaz

David Muñoz

A graduate in Audiovisual Communication (Rey Juan Carlos University, 2002-2007) and a European Master’s Degree in Film Studies (2010), he plans to continue his research on cinema, audiovisual crafts and film praxis.

Founder of Hibrida Films (www. hibridafilms.es), producer of audiovisuals and films, David Muñoz is a screenwriter, director and producer of documentary and fiction films for which he has won more than 100 awards and has been selected at more than 500 international film festivals. In 2010 he was awarded the Goya Prize for the best Spanish short documentary for Flores de Rwanda, which also won the Hellenic Red Cross Audience Award at the Thessaloniki International Film Festival. The endless joke earned him the Jury Award for best short documentary at the 2011 Al-Jazeera International Documentary Film Festival. His documentary “Another Night on Earth” won numerous awards, including the Silver Biznaga, the second prize for best documentary at the 15th Malaga Film Festival, the FIPRESCI Critics Award at DOK Leipzig, the President’s Award from the NHK TV Foundation in Japan and the Best Documentary Feature at the International Film Festival of Guanajuato, Mexico. His short fiction film A propósito de Ndugu was premiered in the official competition at the 63rd Berlinale International Filmfestspiele Berlin and was the winner of the award for the best Andalusian short film at the 12th International Short Film Festival of Almeria. His short documentary El Juego del Escondite was premiered at the 55th Berlin International Film Festival and has won the Silver Biznaga prize, the special jury prize of the Malaga Film Festival, the Caracola Alcances, the award for best short film in Alcances, Cádiz Documentary Film Festival and the Special SGAE Award for the best direction at SEFF, Seville Festival of European Cinema).

Passionate about film theory and poetic discourse in general, he has managed to combine his academic work with the professional world of image and sound. With his own production company, Mordisco Films, he has been involved simultaneously in script, production and postproduction. He is a co-founder of the short films distributor Boutique Yaq and technical-artistic director of the Yaq and Cortopatía festivals. He was also promoter of the Cortópolis festival. In all, he has organized more than 40 editions of film festivals in recent years. He is currently working on the postproduction of the short film Exhalación, with Ángela Molina in the lead role, and has begun to write his first feature film in the United Kingdom. He has garnered 165 international prizes and more than 750 selections for his work as director and producer.

Antonio Blanco Tejero EL JUEGO DEL ESCONDITE (2015 / Lebanon / short documentary) A PROPÓSITO DE NDUGU (2013 / Kenya / short fiction) OTRA NOCHE EN LA TIERRA (2012 / Egypt / medium–length documentary) LA BROMA INFINITA (2011 / USA, Spain, Niger, Turkey, Japan, Bangladesh / short documentary) TRES TRISTES TIGRES (2010 / Dubai, Bangladesh / short documentary) FLORES DE RUANDA (2009 / Rwanda / short documentary) DESARROLLO HUMANO (2007 / Niger, Norway / short documentary)

A composer, Antonio Blanco Tejero pursued his undergraduate and postgraduate studies in the conservatories of Seville and Milan and specialised in contemporary classical music. He has been an artist-in-residence and has given seminars on his music in Mexico, Colombia, the United States, Italy and Spain. During his time spent abroad as well as in Spain he has always been in contact with leaders in the field of contemporary music. He teaches Piano, Theory of Music, Harmony and Composition in different private schools in Spain and public and private schools in Italy, apart from performing as accompanying pianist, theatre director and conductor of orchestras and choirs. He composes symphonic works, a repertoire of chamber music and works for solo instruments. Most of his musical production is intended for concerts. However, he also composes music for audiovisual endeavours and for the theatre, where his involvement also includes the writing of texts and directing.

Filmography (selection) EL MUNDANAL RUIDO (2017 / Spain, Italiy / short documentary) 

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Ulises Juárez Polanco

Andrés Catalán

Jesús Madriñán

Fatima Bethencourt

Nicaraguan writer, editor, journalist and cultural manager, he is the author of five books of short stories, including La felicidad nos dejó cicatrices (2014). The Guadalajara International Book Fair named it one of the 25 best-kept secrets in Latin America by including it in the cycle “25 voices and languages to decipher, today, Latin America”. It is part of the two volumes of the Anthology of the newest HispanoAmerican short stories, which brings together “the most promising under 27 year-old writers of fiction” to have published in 2006 and 2008. His stories have been translated into English, French, German and Portuguese and appear in anthologies and magazines in America and Europe.

Poet and translator, he is the author of the books Composiciones de lugar (UP José Hierro, Félix Grande Prize, 2010); Mantener la cadena de frío (Pre-textos, RNE Award, 2012), co-authored with Ben Clark, and Ahora solo bebo té (Pretextos, Emilio Prados Prize, 2014). He is a regular contributor to magazines like Litoral, Cuadernos Hispanoamericanos, Clarín and El Cuaderno. He has translated books by Robert Hass, Philip Levine, James Merrill, Stephen Dunn, Robert Frost, Anne Sexton, Robert Pinsky, Louise Glück and Edna St. Vincent Millay.

He has a degree in Fine Arts from the Universitat de Barcelona and a Master’s degree in Photography from London’s Central Saint Martins. He has held numerous solo exhibitions, including: “La finca”, at the Menotrentuno Festival in Italy, “Slow Motion”, in the Torrente Ballester Centre, in addition to those dedicated to his series “Good Night London” at the Kavlin Cultural Centre in Punta del Este (Uruguay) and in the Cultural Centres of Spain in Mexico D.F. and in Montevideo.

Born in Santa Cruz de la Palma (Canary Islands, 1978), she holds a doctorate in musicology from the Complutense University of Madrid, where she graduated in History and Music Sciences (special mention at the national endof-course awards) and History of Art (Extraordinary Degree Award).

With Magna Cum Laude degrees in Law and Political Science, his special fields are Cultural Management, International Cooperation and the History of Nicaragua. He is also a Fellow of the Global Competitiveness Leadership Program at Georgetown University in Washington, USA. During his stay at the Royal Academy of Spain in Rome (RAER), in addition to research and writing for the novel Sirenas, he took part in seminars and discussions on literature at the Cervantes Institute in Rome and the María Zambrano library, at the Liceo Español Cervantes and at the RAER headquarters.

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He has participated in prestigious festivals and art fairs such as Photoespaña, Paris Photo, ARCO, Unseen Amsterdam, Pulse Miami and the International Photography Awards (New York). Among others, his collective exhibitions include: “Critical context. Spanish Photography of the 21st Century”, curated by Rosa Olivares and organised by the Ministry of Culture at the Promotion of the Art of Tabacalera (Madrid),” P2P. Contemporary Practices in Spanish Photography”, curated by Charlotte Cotton for Photoespaña, and” Edita: Sequence/Sense”, curated by Miguel von Hafe for the Galician Centre of Contemporary Art.

She has been a visiting researcher at the City University of New York, the University of California, Berkeley and the University of Warsaw, thanks to a postgraduate scholarship for University Staff Training and a grant towards the European Doctorate Mention, both awarded by the Ministry of Education. She has also been a FormARTE scholarship award-winner in cultural management at the National Institute of Performing Arts and Music (INAEM) and the Royal Academy of Spain in Rome (RAER). She is the author of a monograph, articles for specialised magazines and several chapters for books dealing with the relations between literature, music and the visual arts both in domestic and foreign publications. She recently received the CEHA 2016 Biennial Award for the best postdoctoral communication within the framework of the 21st National Congress of Art History for her work “La armonía de los objetos imposibles: descubriendo la música bajo la mirada fotográfica de Chema Madoz”.

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María Elena Cuenca

Gabriela Bettini

Rafael R. Villalobos

Inés M. Fuentes

María Elena Cuenca is currently finishing her PhD in Musicology. She wrote her thesis on the life and the Masses of Francisco de Peñalosa (ca. 1470-1528) at the Complutense University of Madrid under Javier Suárez-Pajares and Tess W. Knighton (CSIC). In addition to reaching professional grade at the Music Conservatory of Alicante (her speciality was the clarinet), she graduated in Music Teaching (University of Alicante, 2010), in History and Music Sciences (2012) and completed a Master’s degree in Spanish and Latin American Music (Complutense University of Madrid, 2012), for which she won the extraordinary prize. She has also completed a Master’s Degree in Secondary Teacher Training (National University of Distance Education, 2013).

A visual artist, Gabriela Bettini is a graduate In Fine Arts from the Complutense University in Madrid. She has a Master in Fine Arts from the University of East London (Scholarship from La Caixa Foundation and the British Council for postgraduate studies in the United Kingdom).

Winner of the European Operadirecting Prize Europäische OpernregiePreis in Vienna and finalist of the Independent Opera at Sadler’s Wells in London, Rafael R. Villalobos is considered one of the most interesting emerging directors of opera on the European scene. In 2016 he was nominated for the International Opera Awards in the category of Best Young Director.

Inés la Maga is one of the top illusionists in the world. She has taken part in numerous international television programmes in the USA, South Korea, Romania, Sweden and Colombia and has even participated in the prestigious British TV show The Next Great Magician (ITV), which showcases the best magicians on the planet. In Spain she has regularly featured in the programmes Jugando con las Estrellas (La1 of TVE), Que tiempo tan feliz! (Telecinco), Menuda noche (Canal Sur) and Nada x aquí (Cuatro), among others. She has also taken part in the programme Ya veremos on M80 Radio with her own section on magic across the airwaves.

She has taken part in several national and international congresses with studies on the music of the Spanish Renaissance and the Second Republic. During the period 2015-2017 she has had enjoyed internships abroad thanks to the Erasmus + scholarship programme, namely at the University of Southampton where she worked with Dr. Laurie Stras and under the MAEC-AECID residency programme at the Royal Academy of Spain in Rome, where she carried out research on the archives of Rome and the Vatican and retrieved the music of Peñalosa with the staging of a concert of his Mass music. Since April 2016, she has availed of a scholarship to stay at the Student Residence in Madrid, awarded by the Ministry of Economy and Competitiveness. She also organises concerts for the dissemination of ancient Spanish music and publishes articles on music in the times of the Catholic Kings. 

Her recent solo exhibitions include “Paisajes de excepción” (Silvestre Gallery, Madrid, 2016), “Larga distancia” (Silvestre Gallery, Tarragona, 2015) and “La casa roja” (Mundo Nuevo Gallery, Buenos Aires, 2013; La Fresh Gallery, Madrid, 2013). She has taken part in collective exhibitions in Europe and South America and in the INJUVE Art Show (2005). She received a scholarship from the Spanish Cultural Centre in Buenos Aires (Residencia URRA, 2010) and the Prize for Artistic Creation from the Community of Madrid (2007). Her work concentrates on drawing, painting and video. In her latest projects she has focused on the social, historical and cultural dimensions of landscape and reviewing the relationship between certain places and the memory they harbour.

A graduate from the Royal School of Dramatic Arts in Madrid, he went on to take a Master’s degree in Music Studies at the University of Barcelona and ESMUC where he achieved the highest grades attainable, and an MA at the Central School of Speech and Drama in London. During this time he worked with leading writers’ theatre companies –Abiosis Theater, Ana Pasadena– and in Barcelona he presented A Welcome Guest: a micro-opera for a single performer which was very well received. Director, playwright and designer, he has recently presented a number of operas, which have met with considerable acclaim: Elektra by Richard Strauss in the National Auditorium of Music, Dido & Aeneas by Henry Purcell at the Teatro Real in Madrid, Verdi’s Rigoletto in Como and Noye’s Fludde by Benjamin Britten in Wiesbaden, along with musical directors such as David Afkham, Aaron Zapico or Jörg Endebrock leading ensembles such as the Orchestra and National Choir of Spain, Forma Antiqva or the Bach Choir.

She has several shows of her own including stage magic and close-up magic. Her show MagicROOM has been regularly performed in Madrid since 2015 to great acclaim from critics and public alike. In the summer of 2016 she premiered Pinetti desenmascarado at the Teatro de Villa Torlonia in Rome. In 2009 Inés la Maga published her book Magic Ines ... plicable (Aguilar), a guide to starting out in magic. In 2010 she received the Granada Young Award for Art and Creation from the Junta de Andalucía. Inés also holds a degree in Psychology, apart from being a gemologist and jewellery appraiser for the Spanish Institute of Gemologists.

Next on his agenda is Superflumina by Salvatore Sciarrino for the Teatro Massimo di Palermo.

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Quotations

Jaime González Cela + Manuela Pedrón Nicolau

STARLINGS AT DUSK Jaime González Cela (Madrid, 1984), grant holder, is a graduate in Art History from the Complutense University of Madrid and has a Master’s degree in Contemporary Art and Visual Culture from the Reina Sofía Museum. In 2008 he worked at the Photography and Visual Arts Festival PHotoEspaña and later at Bilbolbul (International Comics Festival in Bologna, Italy), where he curated the exhibition by David B. “Journal d’Italie”. He is member of the Calipsofacto curatorial collective, a project that focuses on experimenting with exhibition formats. He has worked in the Museum of the National Library of Spain, where he also participated as assistant curator in the exhibition “The Transition in Chinese Ink”. He is an independent curator and educator at CA2M. Manuela Pedrón Nicolau (Granada, 1988), co-author of the project, has a degree in History and Theory of Art from the Autonomous University of Madrid and a Master’s degree in Contemporary Art and Visual Culture from the Reina Sofía Museum. She has worked at the Peggy Guggenheim Museum in Venice and in the departments of Education and Public Activities of the Reina Sofía Museum. She is part of the Catenary collective, with whom she has curated, among other projects, “Be virus, my friend” (La Casa Encendida, Inéditos 2014), and the Areko Association, promoting the creation of artistic projects in rural space with whom she organises the Festival 14º North in Labastida (Álava). She writes for A-desk and La Raya Verde publications. Their collective work focuses on mediation processes that characterise curatorial practice and the ability of contemporary art to generate different 

forms of narration and speculative fiction that explore the social and political arenas. As a team, Jaime González Cela and Manuela Pedrón Nicolau have been curators of “Arte Ficción” for CaixaForum Barcelona (the winning project at the first edition of Comisart, 2013) and “CITI: Technically Unpredictable Research Centre” (Sala de Arte Joven, Community of Madrid, 2015). They have worked with Matadero Madrid in the new selection of artists from the Madrid Archive of Creators (2015). In 2016 they obtained a research scholarship in curatorship and mediation at the Real Academy of Spain in Rome. In Hangar Barcelona they developed the Chemtrails project thanks to a residential scholarship at the centre in partnership with Hablarenarte and Curators’ Network. They are currently managing the independent space FRÁGIL.

1 The words of Juan Bonilla Gago, –literature scholar 2000-01– and author of the preface to the book Ciudadano Romano, by Antonio Portela, in which he continues: “You think that life should always be like this, as you climb down the stairs leading from the Academy where you enjoyed your prize and you look across one last time at the elegant structure of Bramante’s Temple.” There are, however, many others who have made specific references to their stay at the Academy. Without in any way claiming to provide an exhaustive list, I would mention the writings of Juan Mª Montijano –documentalist and researcher of our historical heritage, an intern in 1992-93– who, in his magnificent monograph La Academia de España en Roma, makes multiple references to his stay. The musician, José Muñoz Molleda, music scholar 193439, long after he had left Rome, in his admission speech on his return to the San Fernando Royal Academy of Fine Arts in 1962, recalled his stay in Rome, to which he said he owed “apart from so much learning, the happiest time of my life.” One might also include Rosa Chacel, who lived at the Academy with her husband Timoteo Pérez Rubio –painting scholar 1922-28– who writes the following in his work Timoteo Pérez Rubio and his portraits of the garden: “Rome was put before us and eclipsed everything or almost everything”. The architect Fernando García Mercadal left his memoirs in the catalogue of the Academy’s Anthology Exhibition held in Madrid in 1979 and, although his story is much shorter than that of Rosa Chacel and more idealised, he echoes her descriptions of several situations and, above all, the certainty of having enjoyed an unrivalled opportunity. Similarly, Antonio Portela Lopa, a poetry scholar from 2004-05, writes that on September 

29, 2004, he “set foot for the first time in the city that was to change him forever”. All references have been provided by Margarita Alonso, RAER librarian; some come from research not yet published, for which I wish to express my sincere gratitude. 2 Directors since the founding of the Academy José Casado del Alisal (1874-1881) Francisco Pradilla Ortiz (1881-1882) Vicente Palmaroli González (1882-1892) Alejo Vera Estaca (1892-1898) José Villegas Cordero (1898-1901) Mariano Benlliure Gil (1902-1903) José Benlliure Gil (1904-1912) Eduardo Chicharro Agüera (1913-1926) Miguel Blay Fàbregas (1926-1933) Ramón María del Valle-Inclán (1933-1936) Emilio Moya Lledós (1936-1939) Manuel Halcón Villalón-Daoíz (1940-1942) Fernando Labrada Martín (1948-1952) Juan de Contreras López de Ayala, Marchese Di Lozoya (1953-1957) Joaquín Vaquero Palacios (1957-1960, Vicedirettore) Joaquín Valverde Lasarte (1960-1967) Antonio Blanco Freijeiro (1967-1969) Enrique Pérez Comendador (1969-1974) Juan Antonio Morales Ruiz (1974-1977) Federico Sopeña Ibáñez (1977-1981) Venancio Blanco Martín (1981-1985) Trinidad Sánchez Pacheco (1986-1990) Jorge Lozano Hernández (1991-1996) Felipe Vicente Garín Llombart (1996-2002) Juan Carlos Elorza Guinea (2002-2005) Rosario Otegui Pascual (2005-2008) Enric Panés Calpe (2009-2012) José Antonio Bordallo Huidobro (2012-2014) Fernando Villalonga Campos (2014-2015) María Ángeles Albert de León (2015- a la fecha) 3 2015 edition (2015/2016 academic year) https://www.boe.es/boe/dias/2015/02/04/ pdfs/BOE-A-2015-1038.pdf 

4 List of participants in the Programme of professional visitors from the cultural sector Oscar Alonso Xavier Alern Ferran Barenblit Miriam Basilio Selina Blasco Manuel Borrás Francesco Buonerba Manuel Calvo Serraller Iván Cantos Cecilia Canziani Jesús Carrillo Nilo Casares Francesco Cascino Cristina Cobianchi Stefano Collicelli Cagol Jordi Colomer Lorena Corral Sema D’Acosta Susana De Blas Giorgio De Finis Virginia De la Cruz Lichet Blanca De la Torre María Del Valle Carlos Garaicoa Ilaria Gianni Javier Guardiola Thomas Hutton Lila Insúa Mayka Jiménez Bruno Leitão Leitão Noemi Méndez Juan Luis Mira Paloma Navares Trinidad Nogales Augusto Paramio Alfredo Peñuelas Rivas Giordana Piccini Gracia Quejereta Maurizio Rigillo Marta Rincón Santiago Roncagliolo Juan Francisco Rueda Michella Tornelli Begoña Torres Emilio Varrá Miguel Zugaza

5 Processi 143 catalague (2016) http:// www.accademiaspagna.org/portfolio/ processi-143/ 6 Julia Ramírez Blanco, http://www. accademiaspagna.org/portfolio/ processi-143/ 7 (https://youtu.be/5Q7_pav4vIg)

MADE IN ROME 1 Processi 143, Rome, Academy of Spain in Rome (catalogue of exhibition held in Rome 23 June to 30 September, 2016), 2016, p. 70. 2 Martín López Lam, El título no corresponde, Valencia, Ediciones Valientes, 2016. 3, 4, 5, 6, 7, 8 & 9 Ibid. 10 Processi 143, Op. cit., p. 78. 11 Processi 143, Op. cit., p. 109. 12 Agustín Cócola Gant and Federico Bellentani. “Mussolini y la política del pasado en la Roma fascista”(Mussolini and the policy of the past in fascist Rome). Revista Diagonal, nº 39 (article published 3 November, 2015)”

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