La radice del domani. Real Academia de España en Roma 2017-2018. Processi 145_M

Real Academia de EspaĂąa en Roma

PROCESSI 145 La radice del domani

Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España/ Ministry of Foreign Affairs, European Union and Cooperation of Spain

Ministro de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación/ Minister of Foreign Affairs, European Union and Cooperation Josep Borrell Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica y El Caribe/ Secretary of State for International Cooperation and for Ibero-America and the Caribbean Juan Pablo de Laiglesia Directora de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)/ Director of Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID) Aina Calvo Director de Relaciones Culturales y Científicas/ Director of Cultural and Scientific Relations Miguel Albero Jefe de Departamento de Cooperación y Promoción Cultural/ Head of Department for Cooperation and Cultural Promotion Pablo Platas Jefa de Actividades Culturales/ Head of Cultural Activities Elvira Cámara Real Academia de España en Roma/ Spanish Royal Academy in Rome Embajador de España en Roma/ Ambassador of Spain in Rome Alfonso Dastis Consejero Cultural/ Cultural Counselor Ion de la Riva Directora/ Director Mª. Ángeles Albert Secretaria/ Secretary Ana María Marín Coordinadora Residentes/ Gestión Cultural Residents Coordinator/ Cultural Managment Cristina Redondo Coordinadora de Patrimonio Cultural / Biblioteca Cultural Heritage Coordination / Library Margarita Alonso Campoy Gestión Cultural/ Colecciones Cultural Management/ Museographic Funds Miguel Cabezas Javier Andrés Federica Andreoni Colaboradores/ Becas Gestión Cultural Collaborators/ Cultural Managment fellowship Carmen Rodríguez Ana Alarcón

Becas de la Real Academia de España en Roma 2017-2018 / 2017-2018 Spanish Royal Academy in Rome’s Grants

Artistas e Investigadores/ Artists and researchers Javier Arbizu Juan Baraja Ángela Bonadies Julia de Castro María Teresa Chicote Roberto Coromina Miren Doiz María Esteban Casañas Inma Herrera Javier Hontoria Miguel Leiro Miguel Marina Leire Mayendía Cecilia Molano Álvaro Negro Nuria Núñez Hierro Santiago Pastor Abel Paúl Milena Rossignoli María Gisèle Royo Javier Sáez Castán Elena Trapanese Ana Zamora Real Academia de España en Roma, La radice del domani Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid 6 de junio – 14 de julio 2019

Comisario y Diseño Expositivo/ Curator and Exhibition Design Jesús Donaire

Diseño Gráfico Catálogo/ Catalogue Graphic Designer Mercedes Jaén

Prensa y Comunicación/ Press and Communication Studio Mónica Iglesias

Coordinación Exposición AECID/ Exhibition Coordination AECID Álvaro Callejo

Traductores/ Translators Jo-Anne Cardinal Adán M. Rodríguez

Montaje Expositivo/ Exhibition Design Artec Exposiciones

Colaboradores/ Curator Assistants María Martínez Miguel Belló Autores Textos del Catálogo/ Catalogue’s Texts Authors Maria Ángeles Albert Estrella de Diego Jesús Donaire Ángel M. Roger Anatxu Zabalbeascoa

Impresión/ Printing Artes Gráficas Palermo Distribución/ Distribution La Fábrica Identidad Gráfica expositiva/ Exhibition’s graphic identity Inés Atienza

Equipos Audiovisuales/ Audiovisual Equipment Creamos Technology

UN AÑO MÁS Un año más, presentamos en Madrid una exposición muy especial, una exposición con una particularidad que la hace única y apasionante y que no es otra que su esencia romana.

Desde hace ya 145 años, la Real Academia de España en Roma ha visto pasar por sus muros en lo alto del Gianícolo un sinfín de artistas de perfiles y caracteres muy diferentes. Noveles y más consagrados, bohemios y solitarios, reflexivos y expansivos…Todos ellos han tenido un antes y un después en sus trayectorias tras pasar por la Academia, tras sumergirse en su atmósfera, tras impregnarse de la luz de Roma.

En esta ciudad un gran número de países instauraron sus academias a finales del siglo XIX en la que se consideraba la eterna metrópoli del arte. Y aún hoy, todas ellas siguen. Quizás Roma no sea uno de los centros referentes del arte contemporáneo mundial en este primer cuarto del siglo XXI, pero lo que es innegable es que el arte contemporáneo ha encontrado y encuentra en Roma una fuente inagotable de inspiración, de esencia creadora y transformadora que llega a los más profundo de la conciencia del artista y se ve reflejado en su obra. Camino ya de su 150 aniversario, la Academia de España en Roma es hoy un espacio de creación, de investigación y de residencia artística referente en nuestro país. Un espacio que ha sabido ir evolucionando y adaptándose a las necesidades de una sociedad cambiante y más abierta que tiene su reflejo en el mundo del arte. La Academia es hoy un espacio que conjuga esa tradición, de la que no reniega, con la modernidad y trata de mantener, reforzar y mejorar, año tras año, ese espíritu primigenio impulsor de la creación de nuestros artistas para la que fue creada.

Cada año Madrid recibe y expone esa esencia inspiradora romana que cobra vida en el trabajo de los artistas becados por la Academia. “Real Academia de España en Roma, La radice del domani” es el resultado, la herencia, del proceso creativo de 23 artistas e investigadores que, durante el periodo 2017-2018, dieron rienda suelta a sus capacidades en disciplinas tan diferentes como la pintura, la fotografía, la arquitectura, el dibujo, la instalación, el video-arte, la escultura, la música y el teatro, entre otros. El fruto es una exposición diferente, heterogénea por la diversidad de las disciplinas artísticas representadas, pero sugerente, estimulante y de calidad en su resultado que, gracias al toque curatorial de Jesús Donaire, arquitecto y ex becario romano, encuentra un hilo conductor y de interrelación común.

Nos llena de orgullo este proyecto, del que el Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación es garante, como también nos satisface, que, como viene siendo habitual en otras muchas ediciones, la Academia de Bellas Artes de San Fernando sea el marco incomparable para acoger y presentar en España este proyecto romano, reforzando, de esta manera, la estrecha vinculación histórica existente entre ambas academias. Por primera vez, la obra contemporánea de nuestros artistas e investigadores puede verse en los dos espacios expositivos temporales de la Academia madrileña, aspecto este que dará al conjunto de la muestra una resonancia y visibilidad mejor y más especial y redundará en la calidad de la percepción del conjunto de la obra por parte del visitante.

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El que Roma desembarque un año más en Madrid, el que este vínculo cultural se consolide con fuerza edición tras edición, es fruto y resultado del trabajo y colaboración de muchas personas e instituciones. Quiero agradecer, en primer lugar, a la propia Academia, a su directora Ángeles Albert y todas las personas que desarrollan su actividad en ella, por su dedicación para con los artistas e investigadores. A la Academia de Bellas Artes de San Fernando, a su director, Fernando Terán y a su equipo, por su ayuda y por abrir sus espacios al proyecto. Al comisario de la exposición, Jesús Donaire, y, por supuesto, y especialmente, a todos los artistas e investigadores de esta promoción 2017-2018, por su obra, porque sin ellos ni la Academia ni este proyecto serían hoy posibles.

Juan Pablo de Laiglesia y González de Peredo Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica y el Caribe Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación

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PROCESSI 145 Fernando de Terán

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Y NEVÓ EN ROMA Ma. Ángeles Albert

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LA RADICE DEL DOMANI Jesús Donaire

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DESDE LA TERRAZA DE LA ACADEMIA: ESTRATOS Estrella de Diego

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RETORNO A ROMA Ángel M. Roger

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ROMA Anatxu Zabalbeascoa

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Residentes 2017-2018

Javier Arbizu Juan Baraja Ángela Bonadies Julia de Castro María Teresa Chicote Roberto Coromina Miren Doiz María Esteban Casañas Inma Herrera Javier Hontoria Miguel Leiro Miguel Marina Leire Mayendía Cecilia Molano Álvaro Negro Nuria Núñez Hierro Santiago Pastor Abel Paúl Milena Rossignoli María Gisèle Royo Javier Sáez Castán Elena Trapanese Ana Zamora

Traducción

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Alzada en la colina del Gianicolo, con una de las mejores vistas de Roma, la Academia de España fue, desde su fundación en 1873, el centro de recepción de los artistas españoles pensionados en la Ciudad Eterna. Hacía más de un siglo que la Academia de Bellas Artes de San Fernando, como otros centros de enseñanza artísticos europeos, había establecido un sistema de pensiones para completar la formación en Roma de sus discípulos más destacados. Permeables a la asimilación de un lenguaje estético cargado de referencias clásicas, a partir del contacto directo con los vestigios del mundo antiguo, los afortunados pensionados de Roma impulsaron la circulación de ideas y formas, la absorción de modelos y su libre interpretación, mediante fenómenos de apropiación legitimados por la práctica. Al asimilar y adoptar modelos nuevos, vigentes en un ámbito artístico superior, los pensionados de Roma contribuyeron a la renovación formal y a la modernidad conceptual del arte español.

Las obras enviadas a Madrid por los pensionados se exponían en los salones de la Academia para servir como referentes visuales de un arte renovado. Además, la presencia en Roma abría para el artista un mercado más amplio y le ofrecía la posibilidad de exponer en otros países europeos. Esa larga experiencia acumulada en la Academia de San Fernando, y su estrecha relación con la Academia de España en Roma, tiene una continuidad lógica en la recepción y presentación de las obras de los becarios actuales.

Poder materializar sus proyectos durante una larga estancia en Roma es una oportunidad que los creadores no desaprovechan. Sus resultados constituyen un testimonio elocuente de las nuevas tendencias estéticas y del excelente nivel creativo alcanzado por las sucesivas promociones de becarios.

Para la Academia de San Fernando es un motivo de satisfacción presentar sus obras y exponerlas al juicio crítico del público. Muchas son las razones de la idoneidad de la Academia como sede de la muestra en Madrid, pero quizás una de las más significativas sea el que varios académicos de número actuales fueron becarios de Roma. De modo que, como en un perfecto bucle de continuidad histórica, retornan un año más las propuestas de los becarios a la Academia de Madrid, su espacio natural de acogida… y un año más somos testigos afortunados del excelente estado de salud de las nuevas generaciones de creadores y dinamizadores culturales.

La exposición de los becarios de Roma es resultado de un trabajo coral. Nos sentimos profundamente concernidos por el desarrollo de la Academia de España en Roma, admiramos su acertada gestión actual y cuidamos los vínculos de hermandad que nos unen. También somos muy conscientes de que la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, con sus treinta años recién cumplidos, es la promotora y artífice de los favorables cambios que se vienen produciendo en las becas de Roma. En nuestra condición de privilegiados compañeros de iniciativas compartidas, los responsables y el equipo de la AECID saben que tienen nuestro aprecio, apoyo y admiración.

Fernando de Terán Director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando 13

Y NEVÓ EN ROMA Amaneció nevada. Gris, fría y en calma. Parecía que el tiempo se había detenido.

Hasta las gaviotas dejaron de planear en las orillas del Tíber. Pero un poco después del alba, cuando las campanas de San Pietro in Montorio despertaron a los residentes de la Academia, una incesante retahíla de exclamaciones apenas sofocadas por la emoción, empezó a llenar las habitaciones, los pasillos, la cocina. Cámara al hombro, más o menos pertrechados, comenzaron a descender poco a poco para perderse en una ciudad blanca. De algodón. Silenciosa. En la que el respirar casi dolía por tanta belleza. Era otra Roma. Reservada solo a unos cuantos, aunque millones de personas la contemplaron en sus casas.

De alguna forma ese invierno vino a ratificar lo que había anticipado el otoño y veíamos desde la colina del Gianicolo. Que no iba a ser un año como todos. ¡Si hasta los estorninos decidieron quedarse estáticos!, suspendidos sobre el cementerio de verano, danzando con compases casi olvidados unos ritmos que les eran propios. Que no tenían otras claves más que las suyas. No seguían corrientes de aire cálido, ni se dejaban zarandear a merced de nada ni nadie. Eran ellos. Había llegado la calma, La serenidad envolvió desde el primer momento también la Academia. Quién sabe si los artistas, investigadores, gestores, cargaban en sus maletas “zips” de equilibrio y contención, o si sabiamente sucumbieron a esa Roma mágica, misteriosa, compleja, y que “sin embargo” tantas veces ha sido descrita por osados viajeros sin tiempo para la reflexión. Sea como fuere, la generación que habitó entre los muros de San Pietro in Montorio entre octubre de 2017 y junio de 2018 fue contundente en su apropiación del espacio y el tiempo. Lo aprovecharon segundo a segundo. Viajaron a descubrir el final de las líneas de metro y del autobús, caminaron por callejas y campos de la mano de arquitectos, poetas o curiosos, fotografiaron barrios cuajados de utopías desencantadas, durmieron hasta el amanecer con las estrellas del Forte Prenestino. Se perdieron entre libros de viejo, marcos que reclamaban con paciencia a su pintor o cañas de bambú que esperaban en las veredas. Persiguieron el pasado siendo augures del mañana. Parecía casi como un decorado perfecto si no fuese porque aunque todo estaba delante de nuestros ojos, al alcance de nuestra mano, solo ellos, nuestros residentes, fueron capaces de convertir el paso del tiempo romano en poesía y atraparlo con sutileza. Y siempre con calma. Con sosiego.

Con serenidad. Aunque, según pasaban los meses, fuese con frecuencia aparente, y los tumultos y el hervidero de imaginación pasara de lo individual a lo colectivo, y la a veces difícilmente reprimida emoción, rabia, ira o tensión, pareciera querer colarse entre las agujas del reloj que marca el final del día. Por eso, algunas de las más bellas obras llegaron casi de puntillas. Cuando los atardeceres se alargaron y se empezaba a digerir esa otra Roma “sconosciuta”.

Esta generación nos recordó que la dictadura de quienes quieren controlar el tiempo del siglo a veces va en contra de lo que debería ser esencial o es realmente importante. Que para crear no hay tiempo, sino tiempos. Que no todo vale. Que no todo, ni todos son, ni somos, lo mismo. Que no hay reglas, ni recetas. Que a veces lo aparente, próximo y obvio enmascara lo que realmente son, querrán ser o simplemente quienes serán. Que a veces es más importante pararse y ver, mirar y sentir, escuchar y pensar y sobre todo escucharnos, vernos y sentirnos. Y la Academia obliga a la convivencia. Invita a la reflexión y el respeto a la diferencia. Por eso, sin duda, el futuro apenas imaginado por las 23 mujeres y hombres que convivieron en Roma empieza a vislumbrarse ahora. Solo podemos ver el incipiente brillo de lo que vendrá.

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Líneas en un pentagrama que solo servirá para los primeros acordes de una historia que comenzó en Roma pero que se saldrá de los márgenes de la partitura, que se llenará de silencios como las pausas deliciosas y melodiosas de una generación que aún no ha destilado lo mejor de sí misma.

Ellos, pensionados, becarios o creadores e investigadores en residencia forman parte de la Historia. Son ya 943 mujeres y hombres que han ayudado a construir la Academia de España en Roma, una institución que abre sus puertas cada día ofreciendo un espacio para la creación e innovación en cultura. Avanzando hacia nuestro 150 aniversario con la firmeza y convencimiento de que cada obra de arte que contemplamos, cada fragmento de investigación que les ofrecemos, son ventanas por las que les sugerimos que se asomen, y puertas por las que les invitamos a entrar para disfrutar, para sentirse de algún modo un poco cómplices. En definitiva, orgullosos del resultado del esfuerzo colectivo de una sociedad que apoya a creadores e investigadores, una de las mejores y más rentables de las inversiones para apostar por el futuro.

Todos los trabajadores de esta Academia lo sabemos. Por eso, aprovecho la ocasión para agradecer su esfuerzo y dedicación durante todos los días del año y especialmente a aquellos que colaboran en los procesos de renovación de una institución, que a caballo de tres siglos, debe estar siempre liderando procesos de cambio e innovación en el sector cultural. Saben que sin ellos la Academia no sería lo que es. Mi gratitud como Directora y como compañera. Un agradecimiento extensivo a quienes están al otro lado del Mediterráneo, en España, ayudándonos día a día desde nuestra Secretaría de Estado de Cooperación Internacional y para el desarrollo.

Por último, quisiera realizar un reconocimiento muy especial lleno de gratitud a Jesús Donaire, no solo por el comisariado y diseño de la muestra, sino por aportar su experiencia años después de haber sido becario residente en la Academia. Un retorno, una suerte de retroalimentación que es vital para nuestra institución. Generaciones cruzadas de becarios que van y vuelven. Suma de experiencias. Hilos, mimbres con los que seguimos construyendo sueños desde la cultura para vivir mejor.

Ma. Ángeles Albert Directora de la Academia de España

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LA RADICE DEL DOMANI “Uno no puede olvidar que Europa arranca de la Roma clásica. La cultura occidental a la que pertenecemos debe tanto a Roma que la experiencia romana es inevitable para todo aquel que quiera saber de dónde procedemos. Es cierto que hoy, en un mundo virtual, uno da por sentado que se conocen las cosas y, sin embargo, ver Roma como el origen de tantas cosas de nuestra cultura aún me resulta algo definitivo. Quien dice Roma dice Italia, aunque Roma condensa lo que la cultura romana le ha dado a la cultura occidental.”

Rafael Moneo En la pasada edición de la Feria ARCO Madrid, celebrada del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, AECID, estuvo presente con un stand que daba a conocer la convocatoria de becas de la Real Academia de España en Roma 2019-2020. Durante esos días, enmarcado dentro de las diversas acciones que está llevando a cabo su directora Ángeles Albert de León, miembros del personal de la RAER continuaron desarrollando un ímprobo trabajo de documentación que consistía en entrevistar a ex-becarios de la Academia en relación a su paso por la institución. Entre ellos fue entrevistado José Rafael Moneo Vallés, arquitecto galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura en 1996 y pensionado de la Real Academia de España en Roma de 1963 a 1965. En la entrevista que le fue realizada en el stand de ARCO, Moneo remarcó la importancia de su paso por la Academia a nivel personal por las amistades que allí labró con otros creadores como el escultor Francisco López Hernández, la artista visual Isabel Quintanilla, el músico Amando Blanquer Ponsada, el pintor Manuel Alcorlo Barrero o el escultor Francisco Toledo Sánchez. Pero, y sobre todo, la importancia que tuvo el paso por Roma del arquitecto en su posterior desarrollo profesional, en su pensamiento, en su profundo conocimiento de la cultura italiana, y en obras tan significativas como el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1980-1985); un proyecto donde podemos ver tantas de las lecciones aprendidas en Roma. La cultura occidental a la que pertenecemos, sin duda, debe mucho a la cultura de Italia.

Italia ha sido siempre un lugar de creación, de reinterpretación, de re-nacimiento, de experimentación (barroca) y de reflexión histórica. Ha estado presente en la mente de creadores decisivos de todas las disciplinas artísticas, en épocas pasadas y en otras más recientes. Y, en este esplendor continuado en el tiempo, Roma ha sido el centro de gravedad permanente. En 2012, el MAXXI, Museo Nacional de Arte del Siglo XXI, abrió sus puertas a una exposición llamada “La Italia de Le Corbusier”, mostrando documentos del Grand Tour en su paso por Italia, en 1907 por primera vez y en 1911 por segunda. Años más tarde, el arquitecto se convertiría en el padre del Movimiento Moderno. Alguien que, estudiando la Roma clásica, supo reinventar el futuro y revolucionar la arquitectura de su tiempo presente. La exposición en el MAXXI dejaba fe de esta relación entre Italia y el maestro. Es inevitable analizar obras de Le Corbusier, como la capilla de Ronchamp, por ejemplo, sin hablar de las termas de Caracalla o el Panteón de Roma, de la luz y la sombra, y de la materialidad, tan presente y tan pesante, estereotómica. Para Le Corbusier Italia, Roma, era la radice del domani.

Para muchos becarios de la Academia esta idea de la materialidad se antoja imprescindible en su trabajo. Fruto de ello es la producción del becario de diseño industrial Miguel Leiro, inmerso en lugares y talleres especializados por todo el territorio ita19

liano como la localidad de Carrara, en la región toscana, o la isla de Murano, aprovechando así la exquisita tradición del país. En estos lugares, Leiro ha podido generar unos objetos que hablan de lo cotidiano, pero que son reinterpretados con una mirada que los observa desde una perspectiva diferente y cuya materialidad les hace reinventar su propio uso. Objetos de materiales nobles como la madera, el mármol, el vidrio, el acero, la cerámica, y otros más actuales como el plástico. Todos ellos redibujados y vibrando simultáneamente entre el mundo artesanal y el industrial. De la misma manera, Inma Herrera nos muestra, entre otros acercamientos a su trabajo, el proceso del grabado, precisamente desde la visión matérica, haciendo dialogar sus pieles mórbidas del propio proceso del grabado con la reflectante y geométrica plancha de cobre. Javier Arbizu, por su parte, hace del material parte esencial de su desarrollo experimental, convirtiendo incluso partes de la anatomía humana en objetos de bismuto que tienden, por las características intrínsecas del propio elemento, a su desmaterialización. Incluso en las dos dimensiones, los sutiles trazos que se extienden sobre los lienzos de Álvaro Negro adquieren una especial presencia material, la cual toma una mayor relevancia en su diálogo con la histórica presencia matérica de unos marcos fechados entre los siglos XV y XVIII. Marcos que han sido elementos fundamentales en el desarrollo del trabajo del artista en su paso por Roma.

La materia también ha sido fotografiada, desde el frío y abstracto hormigón estructural del edificio Corviale diseñado por Mario Fiorentino, eje central del becario Juan Baraja, a la taxonomía que establece, en dos mundos separados por una grieta, Ángela Bonadies en múltiples lugares, texturas, sombras, ruinas, fragmentos, puertas, ventanas, ausencias….Roma.

La Academia cumplirá, en 2024, el 150 aniversario de la primera promoción de becarios. De ahí que el título de este texto quiera hacer mención al mañana. Al mañana aún por descubrir. A la institución como un ente resiliente con capacidad de adaptación positiva al cambio, reconociendo, eso sí, el origen romano como una de las raíces básicas de nuestra cultura occidental y como fuente inagotable de inspiración para tantos y tantos creadores, ya cercanos al millar.

De esos casi ciento cincuenta años, aproximadamente los cien primeros dedicaron las ayudas a pensionados de pintura, escultura, arquitectura, música y grabado.

Estas disciplinas han sido representadas este año por Miguel Marina, Roberto Coromina, Javier Arbizu, Miren Doiz, Álvaro Negro, Milena Rossignoli, María Esteban, Santiago Pastor, Abel Paúl, Núria Núñez e Inma Herrera. Los siguientes veinticinco años las puertas de la institución se abrieron a otras disciplinas como historia del arte, restauración, arqueología, museología y literatura, representadas este año por María Teresa Chicote y Elena Trapanese. Y, hacia el final de ese periodo, a cinematografía, fotografía y a artes plásticas y escénicas, representadas por María Gisèle Royo, Ángela Bonadies, Juan Baraja, Javier Sáez, Julia de Castro, Ana Zamora y Cecilia Molano. Más recientemente, en aproximadamente los últimos veinticinco años, con el mismo espíritu de apertura hacia otras disciplinas que hiciesen de la institución un modelo de pluralidad cultural y creativa, la Academia comenzaba a ver entre sus viejos muros los trabajos de becarios de cómic, diseño gráfico, videocreación, comisariado y mediación artística, artes visuales, gastronomía, moda, diseño industrial y nuevas tecnologías. Este año desarrollados por Leire Mayendía, Javier Hontoria y Miguel Leiro. Todo ello manteniendo vivamente las disciplinas clásicas. Un verdadero centro del conocimiento.

La Academia concebida como un condensador de creación, investigación y experimentación en constante desarrollo. Todo orquestado por la directora de la institución, Ángeles Albert, que ha acompañado muy de cerca, con respeto, con apoyo y con un exquisito trabajo curatorial, los procesos creativos de los becarios, ayudada en estas y otras gestiones por el personal de la Academia, siempre vigilante a las necesidades de los becarios. El año que nos ocupa hemos podido presenciar el valioso trabajo de becarios que forman parte de estas nuevas disciplinas, las cuales se empiezan a consolidar entre aquellas más clásicas. Éste es el caso del trabajo del diseñador industrial Miguel Leiro, ya enunciado con anterioridad en este texto, el de la diseñadora gráfica, escultora y bailarina Leire Mayendía, quien ha desdibujado los límites espaciales de la Sala de Retratos de la Academia en unas imágenes fondo-figura donde sus protagonistas dejan notar la importancia que la inmigración italiana tuvo en la cultura del tango en Argentina. El proyecto escénico “Luciérnagas” de Cecilia Molano, que, con gran carga poética, convierte en protagonista el cuerpo de Stella. Un cuerpo entre la ruina y los pinos romanos y donde el espectador observa impasible el cuerpo, en resistencia, de una mujer sin rostro. Un trabajo a caballo entre la imagen, la escritura, el cuerpo y la pincelada.

Javier Hontoria se suma también al grupo de becarios de estas nuevas disciplinas como comisario artístico, que, con su investigación y propuesta expositiva, ha puesto nuevamente en primera línea de interés la obra del artista italiano Gianfranco Baruchello. María Gisèle Royo cerraría esta lista con un trabajo audiovisual, documental y cinematográfico complejo, por lo personal, y por las preguntas que plantea de fondo, extrapolando la figura de los Augures al contexto contemporáneo.

No es casual que, en este panorama enriquecedor y precisamente en la exposición Processi 145, inaugurada en Roma en junio de 2018, se recibiese al público con una gran mesa, que se denominó mesa del conocimiento. Esta mesa fue diseñada, como guiño de bienvenida, para representar extractos del trabajo de los 23 becarios, mostrando la pluralidad de las disciplinas y, más importante aún, la trabazón entre ellas.

De fondo de esa mesa, se encontraba la primera de una larga secuencia de imágenes recortadas en los muros profundos de la Academia, con Roma a nuestros pies.

La Academia no puede entenderse sin esa posición de privilegio desde la que ob-

Roma vista desde la Real Academia de España en Roma, Jesús Donaire 21

servar todas esas cúpulas que pinchan el rojizo cielo romano. Unas cúpulas que hicieron resplandecer nuevamente a Roma en las épocas del Renacimiento y del Barroco y que ahora conviven con los vestigios y estructuras aún muy presentes de la Roma clásica. Unas cúpulas ejemplo del más inteligente uso de la geometría, de la matemática y de la lógica constructiva. Ejemplo de esta genialidad encontramos, entre otras, la pequeña cúpula de la iglesia trinitaria de San Carlo alle Quattro Fontane, proyectada por Francesco Borromini, en el siglo XVII. La becaria María Esteban ha trabajado con ese gran modelo de espacio arquitectónico del barroco; lo ha hecho como una provocación a la historia a través de su proceso de trabajo: María reinterpreta el ornamento barroco a través de la computación mediante sistemas paramétricos. El preciso uso geométrico del gran maestro del barroco interpretado como origen para una transformación aleatoria, de un caos controlado, de un ornamento mutante que se adapta a las condiciones de su entorno. Un reconocimiento del rigor y la precisión del pasado como punto de inflexión hacia un futuro en el que la proyección del espacio arquitectónico debe atender a tantos agentes diversos.

El trabajo de María es un ejemplo más de cómo las nuevas tecnologías toman cada vez más protagonismo en las investigaciones y en los procesos creativos de los becarios.

Un mañana, domani, que no cesa de observar la herencia cultural, la radice, para seguir descubriendo nuevos procesos de creación, nuevas formas de expresión, nuevas huellas de la historia. Todo en una intensa ciudad, Roma, que solo calla de noche, donde ocurre el silencio, donde se asienta el conocimiento, donde el sueño es vigilante. Un silencio que marca el tiempo de hoy, el de ayer y el de mañana.

Un tiempo que en el Gianicolo parece estar marcado por la solemne presencia del Tempietto de Bramante, testigo de las miradas de casi un millar de pensionados, de becarios, que forman la gran familia de la Real Academia de España en Roma.

Jesús Donaire Comisario

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DESDE LA TERRAZA DE LA ACADEMIA: ESTRATOS La terraza de la Academia En el primer fotograma el título de la película se recorta sobre una visión panorámica de Roma y el perfil imponente de la ciudad, en travelling, recuerda a los propios ojos desde la terraza de la Academia. Mirar y emborracharse de cada incidente en la visión –cúpulas e historias-, incidentes que definen la ciudad misma, lo fundamental de su esencia y lo añadido en cada trazo. Ojos que respiran frente a la magnitud romana; ojos que al mirar hacia lo lejos -donde la visión se cuartea apenas como en un fondo de Rafael- llenan los pulmones de pretérito y de presente, porque los llenan de una luz descarada y solemne que después, a pie de calle, al perder de vista la vista general, gana en descaro y abdica un poco de la solemnidad.

Rosellini ha dibujado, taxativo, la Roma de mediados de la década de 1940 en su película Roma cittá aperta y, en medio de la tragedia política y humana en su trama, decide regresar, a ratos, a otras terrazas que sirven como telón de fondo para la persecución y las represiones de los nazis y sirven, sobre todo, como contraste romano entre lo de fuera y lo de dentro; lo que se pierde sobre los párpados entrecerrados por la luz y lo que desvelan las calles escuálidas, escombros de la guerra, que son la excusa perfecta para hablar de lo lúgubre pero, más aún, de los estratos romanos presentes en cada paso por sus calles.

Y vuelve el gesto del travelling frente a la terraza de la Academia: se abarca todo desde el Gianicolo insolente. Vuelve al salir ahí fuera y mirar el fotograma de Rosellini en vivo, fotograma en blanco y negro que, de pronto, se ha teñido con la luz de un atardecer que recuerda a la retina cómo cada descripción de Roma se queda corta, al menos en su necesidad de desplegarse deslumbrante, impertinente, sumergido el ojo en un juego infinito de inmensidades, el que encandila desde la terraza y que, luego e igual que sucediera en la película de Rosellini, al bajar transforma el viaje por el espacio en un viaje por el tiempo. Son los mencionados estratos los que dibujan el carácter huidizo de una ciudad que es esquiva en cada calleja. Esquiva incluso en la producción de deseo de habitar, cuando oculta, tacaña, los mayores tesoros que emergen en medio del paseo –el Panteón de noche, por ejemplo, fantasma de otra vida vivida, la nuestra incluso, sin que nadie lo espere; San Carlino: cómo ha acabado ahí?.

Quizás por ese juego de ocultaciones y tramoya, por esa falsa prodigalidad que proyecta el perfil de ciudad antigua -acumulaciones de cúpulas y techos, paisaje a capas, planos cinematográficos frente al telón de Manhattan desde Jersey, antes de entrar en la isla, la ciudad moderna por excelencia-, Roma convierte en los trayectos visuales y los paseos su espacialidad en temporalidades. Tiene algo del maravilloso concepto de viaje del cual habla el poeta Auden, asociado a la existencia como una “continua sucesión de elecciones entre alternativas”. Él mismo se describe como un viajero y extrapola la idea del viaje a la vida misma: “El viaje de la vida –escribe en 1944- es infinitamente largo y sus posibles destinos infinitamente distantes unos de otros, pero el tiempo que se emplea en el viaje en sí mismo es infinitésimamente pequeño.”

Al principio de la década de 1953, Auden trata de pedir una beca Fulbright para pasar el curso 1954-55 en la Universidad de Roma, pero sus planes acaban por verse frustrados debido a la campaña represiva desde la oficialidad –no les gustan las personas con la opción sexual de Auden. Pese a todo, sueña con Roma –ha soñado 25

con Roma cuando en 1952 compara el Imperio romano con la imagen tecnológica de su tiempo “vulgar, poderosa y sin embargo desesperada”; o cuando en 1947 escribe uno de los poemas que mejor describen Roma como el lugar donde tiempo y espacio se cruzan, el que recuerda y prefigura a los que fuimos y seremos: The Fall of Rome.

Las estrofas entrecruzan el entonces con el ahora –igual que ocurre entre las calles de la ciudad-, enfatizando ese juego y esa tensión, tan típicos romanos, que se generan en torno a un presente sin remedio asediado por el pasado. “La cama doble de César está caliente/mientras un empleado irrelevante/ escribe NO ME GUSTA MI TRABAJO/ en un formulario oficial de papel rosado.”

También en este bello poema de Auden conviven los estratos y se agolpan –un modo de describir el vagabundeo romano, la vida a capas que se cuela entre las caminatas y los fotogramas de la ciudad dibujada por Rosellini-. Y un salvoconducto imprescindible - que guarda las espaldas- para el viajero por el tiempo y el espacio: “Todos los literatos conservan al amigo imaginario”, sigue escribiendo Auden en el mismo poema. “La antigüedad es un país inmenso separado del nuestro por un largo intervalo de tiempo”, había escrito D’Hancarville en los volúmenes que recogían la colección de Hamilton, las preciosas vasijas atesoradas por el viajero ilustrado frente al Vesubio, no lejos de Ischia, la isla donde Auden pasó temporadas felices. Tal vez esa ambigüedad contundente que habla de un viaje inesperado desde la terraza de la Academia - tratar de abarcar con la retina el espacio que es tiempo también- define la esencia última de la ciudad, sus cruces y sus estratos, los elegantes portones que se confrontan en Rosellini con el agujero negro en el cual la guerra ha sumergido a la ciudad, pozo de oscuridad del cual no se ha recuperado aún el año del rodaje -1945-. Por algo lo llaman cine neorrealista: no era preciso construir la escenografía de desolación.

Años más tarde, en 1985, María Zambrano recordaba Roma también –una de sus ciudades del exilo, la que acogió a la escritora y su hermana entre enero y abril de 1950 y de nuevo en 1953, esta vez durante once años- en un artículo aparecido en Diario 16 en el mes de junio: “Roma, ciudad abierta y secreta”. Se trata de un texto mágico y hondo en el cual la filósofa habla de la vida y la muerte en Roma, igual que Rosellini; una ciudad donde se escenifica lo encerrado –las catacumbas- y lo abierto –las terrazas que despliegan la Roma entera-; muerte y vida compartiendo espacio y estratos; trattorie e iglesias jesuíticas; el Circo y los lugares de martirio y los del amor al estar vivos, de los cuales habla Zambrano. En suma, de nuevo descaro y solemnidad. “Hablan allí los muertos al lado de las grandes vías consulares.”, escribe.

Tal vez por eso la Roma de su recuerdo, la del año del estreno de Rosellini, la de ahora mismo, la de siempre, la ciudad eterna, es, a un tiempo, abierta y secreta; lo que se muestra y se oculta –lo que muestra u oculta- tras las mil capas de historia “Sucede con Roma que parece estar enteramente abierta, enteramente visible y presente, que, nada más llegar a ella, Roma está ahí ya, preparada para ser recorrida, para ser vista, para ser abrazada. Mas, cuando el viajero o el pasajero –o el peregrino más bien- se detiene, comienza a darse cuenta de que Roma es Roma, es hermética y secreta, de que verla como se la suele ver, así, presente toda ella, es verla en realidad como una fotografía de sí misma que a veces se abre. Y para este turista distraído o romano inclusive confiado, que cree conocer y vivir su ciudad, se puede abrir una grieta, un intersticio, un vacío.”, reflexiona Zambrano.

Los estratos Han ido llegando a la Academia, cada uno con su relato de Roma, seguramente; con los brazos abiertos, listos para abrazarla y ser abrazados por esta ciudad abierta y secreta. Cada uno de ellos ha llegado con una pasión y una idea y unas expectativas, pero Roma no solo es ocultamientos, sino que, igual que las ciudades antiguas –sigue diciendo Zambrano-, tiene tres nombres al menos: el secreto, el oficial y el que después la dan los enamorados y los hermeneutas. Roma, dice Zambrano, era Silvia también y pensamos cómo se convierte un poco en una de las ciudades invisibles de Italo Calvino, reliquia de hermeneuta: memoria e interpretación.

Han ido llegando y la ciudad se ha sumergido insidiosa entre sus pestañas y sus pensamientos, sobre todo porque la han visto desde ese lugar alto y misterioso en el plano urbanístico –la Academia-, que recuerda a la Sofronia de Calvino: la estructura fija, la que permanece, es la que debería ser móvil.

Así que se han asomado a la terraza desde la cual se divisan los estratos romanos y han visto, con los ojos de la imaginación, el título de Rosellini recortado sobre el paisaje urbano. Después, en su estudio, se han puesto a pensar en lo que creyeron era Roma, en lo que creyeron era su proyecto, y en cómo, cada cosa, parece haberse transformado sin remedio, pues cuando uno llega a Roma acaba por tener algo de viajero circunstancial de un Grand Tour de los sentidos. Al llegar, al verla desde la terraza, en el fondo desde fuera, al compartir horas de sueño con el sueño más inesperado de Bramante; al bajar después por las escalinatas, ya fuera del recinto de la Academia, y empaparse de lo popular del barrio, los ojos se llenan de hambre y saciedad, y ambas se complementan y se cancelan.

Cómo seguir siendo los mismos en esa Roma que desborda los ojos y la urgencia de hambre y saciedad. Las ideas se cancelan y se desbordan y, entre la panorámica privilegiada, el templete de Bramante, la belleza en un soplo, el espacio que es tiempo- y el contraste bullicio del Trastevere a tiro de bajada de escaleras, parece forzoso que los planes y las imágenes con las cuales se llegaba se transformen el cabo de los meses, de los días.

Así, como ocurrió con Mondrian a su llegada a Nueva York –cuando sus superficies precisas se hicieron coloristas en el cuadro Broadway Boogie-Woogie- la propuesta de cierto minimalismo resquebrajado de Roberto Coromina ha bebido directamente de la aporía romana e, igual que Mondrian, ha cambiado las superficies discretas por los colores brillantes, si bien, al tiempo, ha ordenado sus anteriores rupturas minimalistas –en tanto juegos de repeticiones- y las ha sometido a los designios del cruce entre tiempo y espacio que impregna la habitabilidad en la Academia. Todas las piezas son parte de una narración que toma las baldosas del estudio en la Academia como punto de partida: lo preciso, la historia, el transcurso, los relatos a capas. Y, cada día, volver a empezar. Y, cada éxito, un nuevo fracaso para poder seguir intentándolo.

Javier Arbizu ha llegado, en cambio, en busca de los valores del primer cristianismo, de un mundo quebrado, a fragmentos, semejante al nuestro, pero en Roma ha intuido otras formas de contradicción que solo en Roma se dan, en sus cruces de camino y estratos. La ciudad le ha ofrecido esas ruinas de un mundo siempre en tránsito que ha resquebrajado sus trabajos de una manera poética e irreverente, mezclando la contradicción de las formas figurativas y las geometrizantes. Es el premio por haber buscado Roma en los rincones de Roma.

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Son las presencias las que se escabullen entre los trabajos de Alvaro Negro quien, corriendo tras las huellas de Giotto y las transformaciones filosóficas de su momento, se ha tropezado con los vestigios de sus propias paradojas, hambre y saciedad de lo antiguo, intervenir lo antiguo como quien interviene los viejos marcos. Es en el proyecto donde los cambios que Roma ha impuesto al acercamiento de Negro se hacen patentes: ahí se contiene, con las invisibilidades romanas, cierta “memoria de una imagen” que andaba buscando a su llegada. Y es que una cosa es soñar con la historia y otra transitarla cada mañana al despertarse. Son intervenciones sobre la historia que obligan al paseante a detenerse y volver a narrar el relato que, como la propia ciudad, se constituye a partir de capas.

Porque las huellas forman parte de la esencia de Roma, porque los estratos la constituyen, Milena Rossignoli materializa lo inestable, la mutación, las traducciones que Roma y sus zonas de nadie, fronterizas y numerosas, ofrecen a los que sepan vislumbrarlas. Se diría que encuentra el espacio de las superposiciones y la distancia que desde siempre habitaba su obra en la potente línea del cielo romano, en especial desde la Academia. “Gracias al intercambio, el espacio y el tiempo que me ha sido regalado, me será posible, finalmente, construir la distancia.”, escribe en sus impresiones sobre lo que la estancia en Roma ha supuesto para su obra.

Y es que hablar de espacio y tiempo es hablar de las historias acumuladas -historias que no terminan-. Y hablar de historias es hablar de Roma. La mosca de Javier Sáez se convierte es una suerte de especie vigía de los acontecimientos en la ciudad y la imaginación del autor. Pasa de ser una mosca sin más a ser una mosca romana que atraviesa las épocas y que, en sus infinitas metamorfosis, descubre la idea misma de una Roma transversal y estratificada, juego de ausencias y excesos –la Academia y la calle-, que contribuyen a construir una maravillosa narración de la mosca insolente.

También la propuesta de Miguel Marina, La X no marca el lugar , se ha revisado durante la estancia: lo que iba a ser una serie de pinturas sobre la ciudad, una especie de arquitectura para viajeros, se ha expandido y se ha apoderado del espacio tridimensional, transformando la idea primera, expandiendo la propuesta hacia el paseo, la exploración y el descubrimiento. Una extraordinaria huella invisible se ha apoderado del proyecto completo –huella cotidiana de los vasos sobre el mantel o un círculo de aceite en las comidas de la Academia-. “Así aparecen en el estudio pinturas apiladas en el suelo, unas encima de otras, formando falsos estratos.”, comenta Marina. El tiempo, incluso tratándose de nueve meses en su caso, se ha hecho corto.

Por su lado, Miren Doiz centra su narrativa en el reciclaje y parte de lo familiar como propuesta subversiva. Con anterioridad ha trabajado sobre sus propios catálogos -en la citada operación de reciclaje- planteando la interesante duda sobre la conveniencia –o hasta imposibilidad- de usar el catálogo como un modo de preservar la historia, incluso la historia personal. Al llegar quería intervenir los catálogos de los artistas que han pasado por la Academia y su propuesta ha evolucionado hacia un juego de collage que remeda el perfil de la historia misma de Roma. Se llevará Roma con ella –igual que una urgencia-, porque tras su estancia ha entendido que debería haber llegado antes.

La Academia añade, así, a cada proyecto, esa mirada inédita que resume la visión desde la terraza, intensidad en los ojos. Para Imma Herrera, Ribera y Tiepolo establecen una línea entre Madrid y Roma en cuanto a grabado se refiere, si bien más

que eso, que trata de revisitar la técnica misma, desvelando sus estadios y sus secretos, explorando sus soportes tradicionales –“la piel-imagen ha sido desgarrada”, escribe. Su universo, incluso de pericias técnicas, parece haberse metamorfoseado: ha habido muchas pruebas e investigación de materiales y, sobre todo, escuchar a los grandes maestros, por fin, hablando al oído. Como ella misma confiesa, “en junio no se acaba nada”. Por el contrario: es el comienzo de todo.

Y se piensa, de pronto, cómo junio será para los moradores de la Academia –incluso año tras año- el comienzo de un camino fantástico que tendrá, para siempre ya, a Roma como el poderoso telón de fondo sobre el cual se recorta el título de la película de Rosellini: Roma cittá aperta. Y secreta, añade Zambrano. En primer lugar, secreta.

Estrella de Diego Escritora y profesora universitaria de arte

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RETORNO A ROMA En junio de 2018 tuve la oportunidad de visitar la Academia de España en Roma. Era el momento del montaje e inauguración de la exposición de los trabajos de ese año.

Se daba la circunstancia de que tres de las artistas becadas en esta edición son antiguas alumnas de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, institución que tuve el honor de dirigir entre los años 2008 y 2013. Tres poderosas mujeres: Ana Zamora, cursó Dirección de escena, Cecilia Molano, Escenografía y Julia de Castro, Interpretación. Además, el arquitecto y comisario Jesús Donaire y el también becado fotógrafo, Juan Baraja, pertenecían casualmente a mi círculo de amistades desde hacía mucho tiempo. La ocasión era, pues, más estimulante si cabe para recalar en la Academia y apoyar el trabajo de los becados, exalumnas y amigos. Me sorprendió gratamente la entrega y el buen hacer de todos ellos, su respetuosa y excelente relación, y el cobijo y atención de su directora María Ángeles Albert de León. Ángel M. Roger Ex Director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático Juan Baraja El fotógrafo Juan Baraja (Toledo, 1984) trabaja sobre lo que fue un gran proyecto arquitectónico a las afueras de Roma, Il Corviale. Un proyecto del arquitecto Mario Florentino que nació como un gran centro de absorción de vivienda social en los años setenta. Un edificio de hormigón de un kilómetro de longitud, con mil doscientos apartamentos y una capacidad para unas seis mil personas. El conjunto arquitectónico, como tantos otros, resultó fallido en su uso, en el planteamiento urbanístico y en la integración social. En la actualidad hay zonas comunes reocupadas y construcciones añadidas ilegalmente y sin criterio…

El toledano Baraja pone, en un principio, su objetivo sobre su esencia estructural, su diseño primigenio y los materiales constructivos. Registra igualmente las zonas colindantes, los cultivos, el cuidado de animales, en suma, la vida cotidiana. “Un análisis al que habría que añadir el sentimiento que surge de la propia experiencia y una metodología de trabajo que impone siempre un ritmo lento necesario para dedicarle a cada toma el tiempo suficiente”. El edificio y su proyecto urbanístico inicial nunca funcionó, convirtiéndose, con el tiempo, en un núcleo aislado a las afueras no exento de peligros. “El resultado de mi trabajo sobre Il Corviale no se parece en nada a lo que yo pensaba iba a ser el proyecto original, y sigue cambiando hoy día. Lo que quiero presentar en San Fernando es más avanzado, el trabajo adquiere hoy otro sentido”. El resultado, unas fotografías que te llevan a la reflexión en su placentera quietud, en su casi ausencia de atmósfera, en favor de una meditación al hallar las claves de una estructura arquitectónica tan contundente. Baraja nos ayuda a ver. Sabiendo dónde pararse, nos sintetiza y estiliza lo esencial. Severa representación poética de un mundo que él transforma en onírico.

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Artista de largo recorrido con numerosas exposiciones individuales, Photogallery20 (Bilbao), Utopía Parkway (Madrid) o Espacio Líquido (Gijón). Más de una docena de premios, becas y estancias para la creación. Su obra forma ya parte de la Fundación Mª Cristina Masaveu, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, la Colección de la UNED o la colección de fotolibros españoles del MNCARS entre muchas otras.

Valora su estancia en la Academia como muy fructífera: “Me gustó conocer la ciudad de manera sorpresiva, dejándome impresionar”. “Siempre trabajo sobre edificios concretos y en este caso, desde el momento inicial, me interesó el urbanismo, una mirada más amplia”. “También fotografié los propios estudios de la Academia, los jardines y a mis compañeros”. De sus meses allí destaca el provecho que le ha sacado a la ciudad: “A partir de esta experiencia romana voy a trabajar sobre este tipo de edificios, de hecho viajo mañana a Italia para fotografiar otro caso parecido …”. En palabras de Susan Sontag, “hoy todo existe para culminar en una fotografía”.

Julia de Castro González En la mayoría de los becados el contacto con la ciudad modifica su proyecto, así le ocurrió a Julia de Castro (Ávila, 1984). Tras leer la traducción de La Retorica delle puttane de Ferrante Pallavicino [1] (1642) se despertó en ella una reacción que le obligaba a contestar: “El original es muy misógino con un tratamiento denigrante y alarmante al observar y valorar la personalidad de la prostituta. Según él siempre engañan, todo lo que hacen es mentira, todo es una falsa seducción…” De modo que lo que iba ser un proyecto escénico se convirtió en un ensayo crítico, “retórico y dialéctico” sobre el asunto. “Pallavicino escribió en su día respondiendo a Cipriano Suárez [2] en su De arte rhetorica y yo le respondo a él hoy y ojalá me responda a mí alguien antes de morir”. Para ello organizó un arriesgado y provocador método de trabajo. Se lanzó a las calles de Roma e investigó sobre el terreno la realidad de las prostitutas hoy. ¿Cómo las miramos hoy?, ¿hasta que punto repetimos los esquemas culturales precedentes? Ahí comienza el análisis de una educación y comportamiento social hijos del pensamiento imperante y sistematizado en tratados como el mencionado. “Tenía un concepto idealizado del asunto. Mis argumentos en principio eran ingenuos. Creía en la legalización. Yo no había estado nunca con una mujer que ejerciera voluntaria y libremente la prostitución. Entré en contacto con la romana, Susana, de 51 años y con la catalana, Valeria, de 31. Pagué sus honorarios para que me hablaran, me contaran, estudié sus movimientos, costumbres…”.

Tras las largas conversaciones, encuestas y reflexiones entendió que el resultado sería un libro y no una puesta en escena. Un libro en contestación a los que le preceden. Un ensayo crítico fruto del material recopilado y con el ojo de una joven mujer que desde su generación observa de nuevo el mismo fenómeno. No es un trasunto, su posición se distancia enormemente de Pallavicino. Un ensayo que escribió en París en dos meses y que se edita casi al tiempo que la presente muestra. Tan[1] Ferrante Pallavicino (1615–1644), hijo de una familia aristocrática de Parma, secretario favorito del senador y patrón veneciano, Gian Francesco Loredan, fundador de la sociedad erudita y libre pensadora Accademia degli Incogniti (1630–1660). Acusado por blasfemo fue asesinado por orden de Maffeo Barberini, Papa Urbano VIII. [2] Cipriano Suárez. (1524 – 1593). Teólogo, gramático, profesor de retórica. Profesor en Braga y Évora, de donde llegó a ser rector. Posteriormente pasó a Alcalá. Destacó siempre como hombre de vasta erudición.

Publica su De arte rhetorica libri tres, ex Aristotele, Cicerone et Quintiliano praecipue deprompti.

to Susana como Valeria permitieron ser retratadas con unas fotografías de Juan Baraja. El libro está estructurado en 15 lecciones que transitan sobre aspectos de su personalidad y su oficio. Ambas contaron su visión del mundo y de su mundo de manera simultánea en sus idiomas maternos. Con sus declaraciones, Julia de Castro construye su libro a modo de trenzado caleidoscopio que apunta a la esencia sintética de sus declaraciones. “He memorizado sus risas, su mirada, el mundo, su fisicidad, su aceptación del contexto histórico”. Al final es mi pensamiento a través de sus declaraciones. Un tratado en contestación, tras la edición también del texto en español del original de Cipriano Suárez. Un trabajo valiente, con arrojo y estimulante polémica de la vocalista y fundadora del grupo De La Puríssima.

Leire Mayendia Partiendo de una formación poliédrica donde se trenzan las bellas artes, la escultura y la formación como bailarina, nuestra artista, Leire Mayendia, (Bilbao,1973) desarrolla su quehacer. En los últimos años ha centrado su interés en el tango como elemento de comunicación, trasladándolo a lugares destinados a la pintura “como procuré hacer en Madrid a través de eventos en la Galería Taller del Prado y con ello la dignificación el tango abierto. Proponer cruzar las fronteras de lo plástico a los unos y de lo corporal a los otros”.

Su proyecto para Roma consistió en analizar y profundizar en las relaciones existentes entre la tradición cultural italiana y la evolución del propio tango. Viendo a su vez ese viaje de ida y vuelta entre los bailes, las nuevas maneras y su evolución, desde un punto de vista amplio, antropológico, “el paso por la Academia con un proyecto de esta índole me ha permitido dar una dimensión mayor a este itinerario, así como conectar con una comunidad de tango en Roma con la que emprender nuevas colaboraciones”. Se adentró con decisión y respeto en los “espacios de tango, fundamentalmente milongas, donde se reúnen tanto bailarines, como músicos y maestros organizadores. Lugares que se encuentran casi siempre en zonas alejadas del centro de Roma, seguramente por la dificultad de alquilar espacios a buen precio en el centro. Este detalle no deja de tener cierta similitud con la situación originaria del tango en los arrabales de Buenos Aires. En mi estancia en Roma requería hacer largo espaciamiento semanalmente para estar en contacto con la comunidad en la cual me sentí muy bien acogida”.

Fruto del trabajo de sus investigaciones con la comunidad del tango en la ciudad de Roma nace Fuimos. “La narrativa de Fuimos está contada a través de cinco escenas elaboradas fotográfica digitalmente en formato de puertas de entrada hacia otro espacio, un espacio habitado por el tango que contiene el propio reflejo y sus misterios, soluciona el pasado, sus historias humanas, sus códigos, el peso de la tradición. Cada escena va asociada al título de una canción y sus protagonistas son miembros de la comunidad de tangos en Italia, presentados por arquetipos posibles.

Finalmente, una de las escenas está representada por mí desde la relación humana creada con ellos a partir de este proyecto. Esta última escena es la que va unida al vídeo, interpretando el tango a través del baile en el salón de los retratos de la academia, una sala de baile que, en el pasado, ha sido el contexto que acoge las escenas creadas. Dicha sala es recorrida desde sus diferentes ángulos mientras la fuerte presencia del suelo en perspectiva evidencia, en todo momento, ese espacio común.

Igualmente, el peso representativo del pavimento de hexágonos apunta la relación de gravedad necesaria entre la cocina y el baile”. La muestra presenta fotografías del proceso y sus resultados.

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A la bailarina su experiencia le sigue pareciendo “un ensayo fascinante, que supone solo un pequeño paso, una entonación de todo lo que se puede decir a través del tango como universo que contiene formas de dispersión cultural y personal, rituales de interacción, rituales estéticos y confrontación de emociones... “ Cecilia Molano ¿Cuál es el papel del artista en una época de oscuridad?,¿qué significa resistir? y ¿qué es una resistencia en femenino?,¿existe una posibilidad en el trabajo creativo de cambiar modos de producción y relación?, ¿qué tipo de creación trabaja en esa resistencia y cómo son sus movimientos, sus palabras, su pulso? …

Con estas preguntas la video artista Cecilia Molano (Madrid, 1976) se adentró en el proyecto Luciérnagas. “Lo que me planteo es una investigación artística que aúne vídeo, presencia escénica y escritura, en el marco de un trabajo escénico”. Contó para la dramaturgia con Kristien Van den Brande, con Cristina Moreno para el vídeo y mapping y con las bailarinas Tania Arias y Katrin Memmer para trabajar en torno al cuerpo. La creadora lo define como un trabajo comunitario, “una pieza escénica que trabaja entre el vídeo y la creación en directo, un proyecto de investigación escénica que parte de la visión de la transformación del público en luciérnagas y el libro de Didi-Huberman: Supervivencia de las luciérnagas [3] (…) una investigación artística donde trabajo sobre la relación entre escritura, cuerpo e imagen en la escena. El punto de partida es el artículo de Las luciérnagas [4], de Pier Paolo Pasolini, “que funciona como una metáfora de las pequeñas luces de resistencia frente a la luz cegadora de la cultura uniformadora de masas”. Sus herramientas son el texto, el dibujo, la proyección-vídeo, el cuerpo y su presencia. Sus motores son la insistencia, la resistencia (física), evocar-reconocer y la idea. “Ninguno de ellos se subordina al otro. La palabra, la imagen, el cuerpo … Construyó un poema escénico que incorpora como ingredientes la animalidad, la vibración, la repetición y la caída...” Búsqueda, pues, de “la definición de un lugar donde todos estos elementos se encuentren y encajen”.

Cuadro uno: La idea de resistencia. Cuadro dos: El vuelo como estrategia. Cuadro tres: La película que queremos vivir. “El proyecto se articula en torno a las nociones de trabajo-creación y resistencia, busca la elaboración de la poética que se define en la presencia del cuerpo en escena y la instalación performativa”.

Estructuró su trabajo en tres grandes bloques: “1. Una instalación videográfica y performativa que se construye en directo a partir de la palabra, escrita y hablada, el dibujo y la imagen en vídeo. 2. La proyección de la película “Stella” que se relaciona

[3] DIDI-Huberman, Georges. La supervivencia de las luciérnagas. Madrid: Abada, 2012.

[4] PASOLINI, Pier Paolo. Escritos Corsarios. Madrid: Ediciones Oriente y Mediterráneo, 2009.

directamente con el trabajo escénico y dialoga con él. Ambas piezas son inseparables. 3. Un libro que contiene las conversaciones y procesos de trabajo con las colaboradoras y con diversos interlocutores en torno a temas que la pieza recorre”.

Rescato de su estancia en Roma: “filmo y escribo bosques de estos pinos romanos que me impresionan aún más vivamente que la ruinas” …

Nuria Núñez La renovación educativa del pedagogo especializado en talleres sobre la comedia infantil y juvenil, Giovanni “Gianni” Rodari (1920-1980), es el punto de partida de El sueño del señor Rodari. La compositora Nuria Núñez (Jerez de la Frontera, 1980) concibió esta obra como una ópera de cámara para un público a partir de los seis años. Su pretensión es que el desarrollo de la misma provoque la interacción entre público y ejecutantes. Se trata, en suma, de una nueva mirada sobre Roma a través de sus cuentos más emblemáticos, “aquellos que conforman el imaginario colectivo de la ciudad y sus habitantes y que, a lo largo de los años, han contribuido a forjar,de alguna manera, su entidad sociocultural”.

Nuria lo hacía todo durante su estancia en Roma: componer, hablar y convencer a las personas necesarias y pensar en todos y cada uno de los elementos de una producción operística. Nuria comenzó su formación en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba y amplió sus estudios en la Universidad de las Artes de Berlín (Universität der Künste) donde concluye sus estudios de Máster en Composición.

Núñez Hierro sostiene que su obra “se sustenta en la exploración de la dualidad intérprete/instrumento y en la profundización de las múltiples relaciones que ambos establecen entre ellos, con el espacio escénico y con el público. En sus piezas no trata sólo de explorar las posibilidades instrumentales mediante preparaciones o técnicas extendidas, sino que también tiene en cuenta la presencia falible y física de una persona detrás del sonido: La tensión de un clarinetista a la hora de producir un sobreagudo pianissimo, el peso del arco sobre un Tam Tam, la respiración contenida que precede a la primera entrada…” Todo ello forma parte de su quehacer e influye en su modo de componer.

Reconoce como universo de influencias ejercidas sobre la génesis de su obra los particulares mundos sonoros que envuelve la literatura de los escritores latinoamericanos, especialmente Jorge Luis Borges, Xavier Villaurrutia, César Vallejo o Antonio Ramos Rosa…

Compositora de trayectoria brillante, sus obras se han emitido por radios como Radio Nacional de España, la SWR2 o Deutschlandradio Kultur. Como pedagoga universitaria compagina las clases con conferencias y masteclasses en el Instituto de Arte de California (CalArts en Los Ángeles), Musikhochschule Franz Liszt de Weimar, Universidad de las Artes de Berlín (UdK Berlin), Universidad Complutense de Madrid o el Conservatorio Superior de Granada.

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Abel Paúl El compositor Abel Paúl (Valladolid, 1984) creó cuatro obras musicales destinadas a un lugar concreto y específico del histórico recinto de la Academia. “Mi proyecto consistió en la escritura de varias obras que exploraban la acústica de diferentes espacios de la Academia. Realmente, la naturaleza del proyecto se mantuvo intacta hasta el final de la residencia, pero las decisiones técnicas, a la hora de escribir las obras, variaron mucho en base a las características de cada espacio. Resultó especialmente interesante experimentar con la acústica del Templete de Bramante y con la de la cisterna romana situada bajo el claustro inferior. Estos dos espacios fueron utilizados como enormes cajas de resonancia que proyectaban el sonido hacia el exterior de forma particularmente efectiva. El trabajo con la cisterna romana fue probablemente el más fascinante de todos”. Quiso el artista vincular su trabajo a algunas de las explicaciones y descripciones que el romano Vitruvio desarrolla en sus diez libros de arquitectura. Su propuesta exige un espectador itinerante que conjugue la percepción sonora con el envoltorio arquitectónico y, con ellos, su diversidad y sus estados cambiantes. El sonido en el espacio también genera arquitectura, crea, modifica o reconstruye espacios, al igual que las campanadas de una iglesia expanden de manera centrífuga una presencia sonora de la que no puedes escapar, que termina generando parte del urbanismo. Un sonido se puede convertir en la cuarta dimensión de un recinto. Los buenos escenógrafos de teatro hace tiempo que tienen en cuenta que hay otros elementos y dimensiones que definen el espacio. El sonido y la luz cubren esas nuevas dimensiones espaciales en una pensada puesta en escena. La arquitectura no es solo el arte de cubicar la luz a través de volúmenes, macizos y vacíos, es también la generación de recintos de comunicación. ¿Cuántos “alfabetos, solfeos o cinematografías” podemos poner a conversar al mismo tiempo? Abel nos propone un itinerario, un tránsito que nos invita a captar atmósferas espaciales distintas trenzadas sutilmente sobre masas sonoras diferenciadas. Nos dice el compositor que incluso “el sonido se entrelaza físicamente con la materialidad del edificio, apropiándose momentáneamente de varios espacios que lo conforman”. En el pasado los compositores ajustaban dúos, cuarteros o sextetos, cuerda y/o viento dependiendo del espacio palaciego destinado a su estreno, teniendo en cuenta las dimensiones volumétricas de las salas en relación a la masa sonora de la instrumentación propuesta.

Abel, estudió composición en el Conservatorium van Amsterdam con Fabio Nieder y Richard Ayres como profesores principales, y en la Universität der Künste de Berlín con Walter Zimmermann. Se doctoró en la Universidad de Huddersfield del Reino Unido. A pesar de su juventud, la música de Paúl ha sido galardonada con numerosos premios: 2008 Salvatore Premio Martirano de Composición en EE.UU., el Premio Nacional del CDMC en 2010, el Premio SUAL, Viena, 2014, el “Premio BBVA Ayudas a Creadores Culturales”, España 2014, el Internationaler Musiktheaterwettbewerb Darmstadt, Alemania 2015, como compositor seleccionado y el Primer Premio SGAE-CNDM para Jóvenes Compositores 2016.

Dice el prometedor compositor: “De Roma rescato la pausa, el tiempo para componer, así como una serie de imágenes muy vívidas que han quedado en mi memoria: el color del travertino, las raíces de un pino entre las ruinas del Palatino, la luz de la tarde en el parque de Villa Pamphili, las fuentes inesperadas, el brillo de los mosaicos del mausoleo de Constanza, el brillo irisado de un trozo de bismuto, un cielo de plomo en las termas de Caracalla…”

María Gisèle Royo Cuántas veces vemos en la historia a personas principales hacer descansar sus decisiones vitales sobre los muy diversos poderes adivinatorios... La directora de documentales Royo Barrera (Caracas, 1983) explica que “el punto de partida de este largometraje es la investigación sobre el ritual que celebraban los augures para otorgar el Imperium, el poder”. A partir de ahí, se adentra en su investigación romana. “Los augures leían patrones, definiendo el lugar desde donde encuadrar su perspectiva para así descifrarlos”. Su investigación va avanzando lentamente y se transforma, “la mirada subjetiva se vuelve reflexiva y mira al pasado propio, donde también se pueden leer patrones comunes. Los pasos del ritual: silentio, invocatio, stipulatio, templum, spectio y nuntiatio; se dibujan como una estructura que ayuda a tomar decisiones importantes. La naturaleza se lee”. ¿Quiénes juegan hoy este papel?, ¿en quiénes se deja descansar las proyecciones del futuro de nuestro destino?, ¿cuáles son las formas contemporáneas de adivinación?. Su trabajo forjado en la Academia culmina en “una performance basada en la auspicia pública que llevó a Rómulo a fundar Roma, este documental contará con la magia visual del vuelo de los pájaros, el poder simbólico de un ritual clásico, el desarrollo de personajes reales con un enfoque intimista”. Su trabajo se encamina hacia la búsqueda de un genérico válido para hoy, “conceptualmente este trabajo es una búsqueda de patrones a diferentes niveles. El método que he seguido juega con los de los modos de representación del documental, intentando caminar sobre los límites de las clasificaciones”. “Quería aprender a distinguir mis propios patrones, y descubrir cómo descifrarlos”. Utilizó a sus compañeros y sus procesos creativos para investigar sobre el suyo: “La experiencia en la Academia ha sido clave para ampliar mi mirada. He podido colaborar en muchos de los proyectos de mis compañeros, esa es la suerte de ser la que hace vídeos. Aprender y comprender sus procesos creativos me ha ayudado a revisar mi propia manera de hacer y a explorar nuevas formas de expresión con las que he podido desarrollar mi lenguaje. En la Academia he sentido una libertad que solo es comparable a la infancia. Durante unos meses he vuelto a ser una niña que no para de mirar a todas partes y hace preguntas sin parar, intentando capturarlo todo, que no se me escapase nada...”

Como creadora siente admiración y respeto por “el trabajo de Agnès Varda, tanto en lo documental, como en la ficción, y en sus instalaciones. Para mi es un referente, es un sueño poder llegar a su edad con ese espíritu por seguir creando e innovando su lenguaje. Siento mucha sintonía con el trabajo de Ross McElwee, su forma de exponer su intimidad para encontrar el lugar desde donde relacionarse con el espectador”.

“Gracias al trabajo en la Academia he conseguido cerrar una herida muy difícil, y en el proceso, estoy creando una herramienta que quizás pueda ayudar a otras personas a cerrar heridas similares...”

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Ana Zamora A la directora teatral, fundadora en 2001 de la compañía Nao d´amores, le interesaba mucho el contexto italiano donde germinó la Propalladia de Torres Naharro, (“gran compendio de sus obras cuyo Prohemio constituye la primera preceptiva teatral en lengua romance”). Una estancia romana fundamental para resucitarla quinientos años después de su primera edición. El autor extremeño trabajaba en Roma para autoridades y mecenas del momento como el embajador de los Reyes Católicos, Bernardino López de Carvajal, responsable de las gestiones para la construcción del Templete de Bramante, y con Giuliano de Medici, futuro Clemente VII. “Escribió un total de nueve obras dramáticas, varias de ellas políglotas, que divide en comedias a noticia y a fantasía. A esta última definición, que integra las piezas de costumbres urbanas donde el principal motor es el amor, pertenece nuestra Comedia Aquilana, una obra de madurez que debió ser escrita hacia 1520, para ser representada en el contexto de la celebración de una boda.”

Ana Zamora (Madrid, 1975) acomete una fuerte dramaturgia sobre el original, “estudios filológicos demuestran la influencia italiana en la configuración de la comedia española”. En su estancia en la Academia trabaja, tras una previa recopilación, sobre los materiales y su documentación. Resucitarlos para la escena exigía su estilización y limpieza pensando en el público de hoy. El tránsito por el mundo cortesano que dará paso a la comedia nueva y las reminiscencias del mundo campestre y de la huerta están en su pensamiento, “el acercamiento a las pervivencias de carácter antropológico para rastrear el concepto de fiesta popular y cortesana”. Buscó imágenes desencadenantes para el mundo de Felicina en Nápoles, en el palacio Ducal de Urbino, en villas y palacios renacentistas donde está presente la idea del trampantojo con personajes teatrales pintados en múltiples visiones arcádicas. Finalmente, junto con su equipo, se centraron en el universo del pintor Arcimboldo a pesar de encaminar la puesta en escena hacía el ámbito manierista, de lo que resultaron telas impresas con iconografías sublimadas a través del diseño. Esta concreción se conecta con la tercera escena, idónea para la farsa y la sátira, dibujada por Sebastian Serlio (1545) quién resumió en imágenes las tipologías escenográficas de la tratadística clásica. La propuesta es una expresión que sintetiza el flujo del “intercambio e influencia que tuvo lugar en Italia a comienzos de siglo XVI”. Todo ello unido a la búsqueda de las técnicas interpretativas en el Renacimiento y los referentes historiográficos vinculantes a la puesta en escena.

“El 16 de febrero de 2018 culminaba la materialización escénica del proyecto con el estreno en el Teatro Juan Bravo de Segovia (gracias a la colaboración de la Diputación Provincial de Segovia) de Comedia Aquilana en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico (INAEM. Ministerio de Educación Cultura y Deportes).

Posteriormente el espectáculo haría temporada en el Teatro de la Comedia de la CNTC con sede en Madrid”. Bello espectáculo hoy aún en gira.

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ROMA El historiador Johann Joachim Winckelmann llegó a Roma en 1755. Pensaba quedarse dos años, bastante más que los meses que solían permanecer allí los extranjeros que recalaban en la ciudad cuando se embarcaban en el Grand Tour. Terminó quedándose toda la vida, alterando la manera de estudiar la Antigüedad y, por supuesto, transformándose a sí mismo.

“Es imposible escribir sobre la Antigüedad sin haber estado en Roma”, anotó en una de las numerosas cartas que permiten recrear la progresión de su encuentro con la ciudad es decir: la emoción, el fastidio, el deseo de aprender, el descubrimiento constante, la ambición profesional, la estrategia y las muchas dudas del filólogo prusiano que revolucionó la historiografía haciendo que el arte se explicara por etapas y dejara de narrarse a partir de un mero orden cronológico.

Tal vez porque Roma es fruto de la digestión de Grecia y de su unión con la vida práctica, uno no suele llegar allí tanto para aprender como para corregir. Como muchos de los becarios que conviven en las privilegiadas academias Johann Joachim Winckelmann de la ciudad, Winckelmann se instaló en Roma para, cons- (Angelika Kaufman) ciente o inconscientemente, cuestionar mucho de lo que creía saber. “Cuanto más sabes de Roma, más agradable resulta. Querría quedarme para siempre”, le confesó a su amigo Johann Michael Francke el 5 de mayo de 1756.

Un año después escribiría a otro íntimo, H.D. Berendis, su famosa máxima: “Comparado con Roma, el resto es nada”. No se trataba sólo de sus impresiones. Se trataba, cada vez más, de un conocimiento que lo estaba transformando hasta el punto de tener que revisar las teorías sobre la Antigüedad que había desarrollado como bibliotecario del Conde Heinrich von Bünau en Nöthnitz, cerca de Dresde. Hasta el punto de tener que revisarse a sí mismo en una reconstrucción vital Como tantos de los “aturdidos jóvenes” -como llamaba el que fuera director de la Academia de España en Roma, Ramón María del Valle Inclán, a los becarios- y cada vez más desde la democratización de la enseñanza, Winckelmann también llegó a Roma haciendo un paréntesis en la precariedad que caracterizó la existencia de este despierto hijo de zapatero remendón. La precariedad de los artistas y los creadores apasionados no suele ser laboral, ni siquiera profesional, es el irresoluto mantenimiento económico el que amenaza con desviar su atención de su trabajo. Así, como los becarios que abandonan trabajos, también Winckelmann dejó de dar clases y renunció a su puesto de bibliotecario para detenerse, cuestionarse y volver a aprender sin prisas. De modo que llegó dejándolo todo y suspendiendo, durante la supuesta estancia en Roma –consiguió dinero para vivir dos años- sus preocupaciones mundanas. Ese desapego es el primer paso. Y forma parte de un rescate personal. Un momento de duda que vivir en Roma transforma en revisión. Los becarios no llegan a la ciudad sin formación. Llegan formados para cuestionarse, en parte, su propia formación. Por eso mudarse a esta ciudad, tener un año por delante y conocer las cúpulas desde la altura del Gianicolo, las calles desde la cota del suelo y los interiores desde la fuerza de la curiosidad resulta, inequívoca e invariablemente, en un cuestionamiento profesional y vital del que dan fe notables becarios como Louis Kahn o Giulio Carlo Argan, que llegó a dirigir Villa Medicis y, en nuestra Academia: Rafael Moneo, Julio López o Justo Navarro: el antes y el después de vivir en Roma.

Llegar a Roma para vivir en la Academia exige así sacrificio y preparación. La pre41

selección entre los candidatos –cada vez más cosmopolitas y cada vez con mejores historiales académicos, dato que da un poco de miedo- exige que quienes llegan a la ciudad lo hagan ya formados, o deformados, y porque han querido detenerse antes de continuar lo que estaban haciendo. Por eso, aunque hemos sabido que siempre hay becarios inmaduros que pueden saber más de arquitectura que de convivencia –al fin y al cabo allí convive gente joven- se llega a Roma con un pasado profesional y con un coste personal. Más allá de las trayectorias laborales, la sentimental informa de becarios casados que han dejado temporalmente a su familia. Las Academias han sido testigo de separaciones y nuevas uniones. Ha habido becarias y becarios que han abandonado trabajos estables para suspender su trayectoria profesional.

De mano de su protector, el cardenal Alberico Archinto, Winckelmann se convirtió “en privado” al catolicismo para poder ganar un puesto en Roma. De modo que el coste de esa parada queda claro desde el inicio.

Por eso, sucede con frecuencia que lo primero no es Roma sino el propio viaje. Le pasó al exquisito Winckelmann: tras despotricar del polvo, el calor, la precariedad y la manera de ser de los romanos, un día algo le cambió en la cabeza. Y entonces la vio. Ya no quiso moverse. Llegó a ser bibliotecario de la Sagrada Iglesia romana en 1761 con 43 años. Y de la mano del Papa Clemente XIII se convirtió además en comisario del Museo Profano, una rareza entre los Museos Vaticanos. La muerte de Winckelmann siete años después es, probablemente, su acto de amor más desesperado hacia lo que Roma representa. Por eso la guardo para el final.

Los jóvenes suelen empezar por el futuro. Tratan de averiguarlo, los más curiosos, o de construirlo, los que menos dudan. Es con la llegada de la madurez cuando uno se da cuenta de que el pasado aclara, fortalece y asienta ese futuro. Más allá de lo inesperado, eso es lo que ofrece Roma: la convivencia con la historia, la certeza de que el tiempo es un constructor imbatible, la evidencia de que las ciudades, como las personas, somos palimpsestos hechos a capas, trozos, sumas y golpes. Somos ruina y futuro a la vez.

Angelika Kauffmann retrató a Winckelmann en 1764. Y otra mujer, la primera directora de la historia de los Museos Vaticanos, le dedicó al prusiano una exposición el año pasado, en 2018, cuando se cumplían 250 años de su muerte prematura y 300 de su nacimiento.

Kauffmann -que fue una pintora precoz, trabó una profunda amistad con Sir Joshua Reynolds y figuró entre las fundadoras de la Royal Academy de Londres- llegó a Italia con su padre y, como su amigo Winckelmann, también se quedó. Este año, ha habido 10 mujeres entre los 23 becarios que han trabajado, dormido, vivido, aprendido y detenido sus vidas en la Academia de España en Roma. La proporción dobla la de 1995-6, cuando yo tuve el privilegio de vivir en la habitación número 15 durante un curso. Además, como han hecho otras academias, -como la francesa hospedando a Argan- algunos de los residentes de este año no nacieron en España. El tribunal que concede las becas ha considerado oportuno ampliar no sólo la naturaleza de las obras y las profesiones invitadas a repensarse -cine, escenografía, fotografía o, por segunda vez, diseño industrial- sino también el ángulo de la mirada desde el que se redefine la creación. Así, la caraqueña Ángela Bonadies parece haber utilizado su estudio en la Academia como refugio para indagar en su interior y retratar la vida que se cuela por la grieta que mira al mundo. Bonadies retrató un símbolo de la ambición, la decrepitud y el ingenio de su ciudad, la Torre de David, antes de que nadie la llevara a una Bienal. Otra “no española”, la italiana María Teresa Chicote, también trabaja sobre la memoria, y arriesga reivindicando, en la Academia, la manipulación que puede suponer el patronazgo cultural. Ese posicionamiento político evidencia la

evolución de los intereses de los becarios y la amplitud de informaciones que pueden investigarse en Roma y que, como le sucediera a Winckelmann, pueden ayudar a rescribir otra historia del arte.

Entre los becarios siempre hay rescatadores, actualizadores de la tradición, como el arquitecto Santiago Pastor, que se dedica a la restauración y ha vivido en Roma para estudiar la reparación de los puentes romanos del siglo XIX y el XX. También María Esteban Casañas ha puesto las impresoras de tres dimensiones y su barroco computacional al servicio de una obra maestra, la cúpula de un templo español, San Carlino, que desveló a Borromini reinterpretando el ornamento arquitectónico.

Este curso, un periodista en ejercicio, Javier Hontoria, ha estudiado la obra de un pintor contemporáneo poco conocido; Gianfranco Baruchello, y lo ha relacionado con el trabajo de los otros becarios. El diseñador industrial Miguel Leiro profundiza en una disciplina muy nueva en la academia como es el diseño industrial haciendo algo tan necesario como rebuscar en la memoria de los objetos para reivindicar los oficios artísticos con que producir su serie Civitá en la que los objetos quieren ser un retrato social.

Con todo, ha sido una romana, Elena Trapanese, la que, tras afincarse en España, ha regresado a su ciudad para reconocer, como le contó María Zambrano a Ramón Gaya, que Roma “se parece a la vida”. Es ella la que cierra con esta cita su entrada en el catálogo anual Processi 145. Pero lo hace sin olvidar la dureza de la llegada.

Para resumir el sacrificio que exige la ciudad le sirven versos de Rafael Alberti: “Dejé por ti todo lo que era mío.

Dame tú, Roma, a cambio de mis penas Tanto como dejé para tenerte”.

Vaya exigencias tenía ese amor de Alberti. Puede que Roma le enseñase a no esperar, o a esperar sin desesperarse. No es difícil aprender eso allí por lo mucho inesperado con lo que uno se topa si la camina y la observa. Con todo, a pesar de esos descubrimientos personales, uno no deja de ser consciente de que lo que se descubre obedece a una simple cuestión numérica: hay tanto, tantísimo, en esta ciudad que cuando has agotado lo que otros becarios descubrieron, cuando te han agotado a ti las guías, entonces, todavía la ciudad guarda la última palabra. Y hace que te fijes en algo que no habías visto. Algo que has necesitado hacerte al tempo de la ciudad para poder llegar a ver.

La Academia de España en Roma, en la falda del Gianicolo, es uno de los mejores lugares donde pararse a observar la ciudad. Desde lo alto de sus colinas, Roma se reconoce como una suma de partes. Cada cúpula, cada campanario, cada acierto y error urbanístico: de los ejes a las reconversiones, marca una ciudad secreta, detenida en el tiempo. Por eso la ciudad -que vibra en torno a Termini y en los barrios que se alejan de las Academias- es, para los becarios, la pausa. Una segunda oportunidad. ¿Quiénes llegan allí son los creadores del futuro? Hay algo paradójico en indagar sobre el futuro en un lugar que apenas cambia. Que tiene un mañana casi predecible.

Por eso la primera pista de una posible reinvención la proporciona el largo plazo.

Debe ser imposible convivir sin un tiempo largo y algo de calma con el impacto anímico y estético que causa Roma a cualquier nivel, sea la grandeza del diseño urbanístico y la monumentalidad de algunos legendarios edificios, sea el ritmo de su vida congelada, expuesta, misteriosa y oculta.

Lo hemos dicho y lo reitero: el precio es alto. Requiere concentración, no ceder a las 43

prisas, detenerse en cada lugar y además encuentro con uno mismo. Exige detener el mundo propio y no sufrir adelantando problemas futuros. Como tantos becarios, Winckelmann sintió esa concesión: tenía dos años para no preocuparse. También Goethe le contó a J.P. Eckermann que nunca había sido tan feliz como cuando vivió en Roma: “en armonía conmigo mismo, feliz, razonable”. Razonable. Recientemente entrevisté a un romano de nacimiento que hoy es jefe del departamento de ciudades de la London School of Economics: Ricky Burdett, que se crió junto al Tíber porque su padre era periodista. Y su madre romana. No encontré a un nostálgico. Dijo que no podría vivir en Roma. Aseguró que es una ciudad inmóvil, que sus amigos permanecen inalterables año tras año. Inalterables y desesperados. ¿Qué futuro les espera? Su pregunta me llevó a pensar: ¿Qué ciudad conocemos los becarios? ¿Buscamos en Roma algo que ya no está? Y sin embargo está. Nos marea, asistimos a la convivencia entre las capas de pasado. Contemplamos la permanencia de los palacios y los templos. La firmeza de la herencia. La redefinición de la decadencia.

Si Roma se detuvo, ¿cuándo lo hizo?

Fui a Roma a estudiar la arquitectura fascista y encontré la mano de Bernini convirtiendo el mármol en carne. Quise aprender de urbanismo de extrarradio y me topé con Pasolini y con un EUR más torpe que inhumano. En algunos templos menores descubrí la biografía de los grandes: la tumba con lápida blanca del pobre Borromini. Y por las calles, en medio del calor, las sotanas, los gatos al sol y los colmados que resisten como negocio familiar. También las persianas verdes, subrayando las fachadas, convertidas en voladizo para frenar el calor.

En Roma están algunos de los parques más grandes del mundo. Y la tumba más bonita del universo, el óculo bajo el que está enterrado Rafael. Tras un año, los culos de Caravaggio tienen la misma importancia que el chi vo fa del dueño de la trattoria que has decidido que es la tuya. Roma deshace la idea de lo que es eficaz, por eso sigue siendo hoy más necesaria que nunca.

En 1768 Winckelman abandonó la ciudad dispuesto a regresar a Alemania. El rey de Prusia le había ofrecido un puesto en la biblioteca de antigüedades de Berlín.

Sin embargo, no pudo llegar. El escultor Bartolomeo Cavaceppi, que lo acompañó durante varios meses de trayecto –casi cuatro había tardado en llegar a Roma- lo notó “agitado y con aversión a los edificios con cubiertas triangulares” en cuanto cruzaron la frontera. Y Winckelmann le pidió que detuviera el carro, quería regresar a Roma. Lo hizo solo. Puso rumbo a Trieste. Allí Francesco Arcangeli, que ocupaba la habitación contigua en la Ostería Grande, le robó y lo apuñaló. Tuvo tiempo de legar sus pertenencias al Cardenal Albani, que lo había protegido. Dejó también una de sus esculturas al conserje de la ostería que lo atendió. A la humanidad, legó para siempre la revisión de la historia en el contexto de todas las artes y la enumeración por etapas y no solo cronológica. Y representó lo que nos iba a pasar a tantos becarios de las academias de Roma. Una vez replanteados, re-cuestionados, reaprendidos y transformados, ¿qué hacemos? ¿Dónde en el mundo podremos volver a encontrar un lugar que nos ponga en nuestro sitio, nos haga aprender del pasado, de las más altas culturas y a la vez de nosotros mismos?

Anatxu Zabalbeascoa Periodista e historiadora del arte

De arriba a abajo, de izquierda a derecha proyectos de: Ă ngela Bonadies, MarĂ­a Teresa Chicote, Santiago Pastor, Miguel Leiro, Elena Trapanese, MarĂ­a Esteban y Javier Hontoria.

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RESIDENTES 2017-2018

JAVIER ARBIZU Estella, 1984. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Máster en Bellas Artes (MFA) por el San Francisco Art Institute de San Francisco, California. Ha recibido las becas Fulbright, Vicente y García Corselas de la Universidad de Salamanca, Mario Antolín de los Premios de Pintura BMW y Erasmus para la realización de un curso de intercambio en la Kunsthochschule Kassel de Alemania.

Ha realizado las residencias Blue Project Foundation en Barcelona, Kulturabteilung Vorarlberg - Kunsthaus en Bregenz Austria, Bilbao Arte en Bilbao y Open Space en Kassel, Alemania.

Ha sido galardonado con el primer premio Guasch Coranty, Inéditos de la Casa Encendida, Anne Bremer Memorial Price del San Francisco Art Institute y Murphy and Cadogan Award de la San Francisco Art Foundation, entre otros. Ha mostrado su trabajo en Volta Basel, Scope Miami Beach, Arte Santander, el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte en Pamplona, Da2 en Salamanca, las galerías Lisi Hämmerle en Bregenz Austria, Ángeles Baños en Badajoz, Michel Mejuto en Bilbao y la Galería Diego Rivera y SOMArts en San Francisco.

Neomedievo Es un proyecto pictórico cuyo objetivo es la puesta en relación de las estéticas y filosofías medievales con las contemporáneas. Desde lo poético se analizarán estas dos culturas, con el objetivo de volver a conectar con el lado mágico de nuestras existencias desde lo vivencial y lo pasional, para así generar un campo de posibilidades, un lugar para el asombro y el misterio en oposición a la mera realidad.

El punto de partida del proyecto será el estudio y la actualización de las manifestaciones estéticas del primer cristianismo. Un arte generado en un contexto parecido al nuestro, de caos político y crisis de valores. Una época de miedos, guerras y enfermedades, que favoreció la proliferación de las supersticiones y el misticismo.

Experiencia y proceso Habibi me dijo: -pero ¿dónde está Dios? Nunca le vi tan triste como en Roma.

Esa noche me contó que la palabra “insân” del árabe, ser humano, tiene dos raíces.

Una de ellas “nisyân”, que significa olvidar, y la otra “unsiyah”, que significa identificarse, relacionarse, amar, ser amado, acercarse a alguien, recibir o generar una reacción.

En Roma he intentado recordar. He visto la tumba del campesino que se encontró el Laocoonte y la del hombre que, infelizmente, resolvió la cuadratura del círculo el día en que murió su hijo. Su epitafio decía «Esta piedra es el centro, de cuya periferia fue una vida, la de Samuel Raphael, que una vez orbitó en este turbulento círculo de la vida.” He visto al niño de la espina en el Aula gótica del monasterio de los Santi Quattro Coronati, he visto escorpiones, luciérnagas, he labrado un mortero en un escalón de travertino. Me he entregado al culto de Jano, el dios de las puertas, los comienzos y los finales, padre de Fontus, dios de las fuentes, las cascadas y los pozos.

He querido entender Roma como un lugar donde poder parar el tiempo y pensar en Gregorio y sus marineros, en Pasolini y en los muertos del Tíber. Sin embargo, he tenido constantemente un sentimiento de urgencia, como si Roma se fuera a acabar ya mismo, como si se me escurriera de entre las manos, como si el agua aquí no quitara la sed. Roma puttana y esquiva. He buscado, sin encontrarlo, a un bizco que me tranquilizara diciendo que Roma incurablemente está dentro de mí.

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Estudio 23. Academia de EspaĂąa en Roma

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JUAN BARAJA Toledo, 1984. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha participado en numerosas muestras colectivas y también ha expuesto su trabajo de manera individual en distintas galerías, Photogallery20 (Bilbao) Utopía Parkway (Madrid) y Espacio Líquido (Gijón), siendo representado por esta última en ferias de arte internacionales como Arco y Volta Basel. Su obra ha sido premiada en varias ocasiones y se encuentra además representada en algunas colecciones privadas y públicas como la Fundación M.ª Cristina Masaveu, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, la Colección de la UNED o la Colección de fotolibros españoles del MNCARS.

Corviale Il Corviale es el nombre de un edificio de viviendas sociales diseñado por Mario Fiorentino en los años setenta. A pesar de ser uno de los proyectos urbanísticos más ambiciosos de la época, Il Corviale, un edificio de hormigón de un kilómetro de longitud, con mil doscientos apartamentos y capacidad para unas seis mil personas, no funcionó como el proyecto habitacional esperado y durante años fue un lugar peligroso y aislado en la periferia romana.

Mi primer acercamiento tiene que ver con su parte más formal y con su arquitectura; los materiales constructivos, los elementos estructurales y su diseño. Un análisis al que habría que añadir el sentimiento que surge de la propia experiencia y una metodología de trabajo que impone siempre un ritmo lento necesario para dedicarle a cada toma el tiempo suficiente.

Este viaje al Corviale nos adentra en un paisaje minuciosamente estudiado que transciende el lugar específico y permite fijar la atención en los detalles.

www.juanbaraja.com

ST_CORVIALE. Fotografía Impresión de pigmentos minerales sobre papel fotográfico 100% algodón. 110 x 90 cm

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Proceso Llegué a Roma con una idea muy clara y rápidamente me puse a trabajar en ella. Me interesaba, sobre todo, la periferia y los nuevos barrios de Roma. Estaba centrado en Tiburtino, una zona construida en los años cincuenta y que formaba parte de un programa estatal de urbanismo y viviendas sociales. Después de dos meses, en uno de mis recorridos por el extrarradio, el Corviale se cruzó en mi camino y dio un giro inesperado a la idea inicial. Sentí, nada más entrar en el primer módulo de esta gran construcción, una emoción que se ha mantenido durante todo este tiempo.

He abordado el proyecto desde diferentes perspectivas; comencé a trabajar sobre la arquitectura del edificio y sobre los detalles. Poco después comencé a incorporar en mis fotografías elementos que forman parte de la vida cotidiana de las personas que viven allí y que nos ayudan a comprender mejor el espacio. Finalmente, mientras tomaba distancia para fotografiar el edificio desde el exterior y en toda su longitud, descubrí una zona de huertos a la que se accede por varias escalinatas desde Corviale. Mientras un kilómetro de hormigón armado se pierde, perfectamente ordenado y recto, en la lejanía, en un plano más cercano, las cabañas de los huertos, de materiales diversos y colores llamativos, se desordenan sobre la hierba. A la serie voy sumando algunos retratos, fotografías de objetos encontrados y de una arquitectura muy precaria, hecha a base de materiales de derribo.

Experiencia Me siento muy afortunado por haber podido pasar estos meses en la Academia de España en Roma. Esta beca me ha permitido trabajar en las mejores condiciones posibles, en un entorno inigualable y con una gran libertad que ha hecho que mi proyecto crezca en otras direcciones. He contado en todo momento con el respaldo de esta institución y de un equipo excepcional que hace que todo funcione. Gracias a esto creo que se han generado nuevos vínculos con la ciudad que darán continuidad a mi experiencia romana.

Ha sido muy importante la convivencia con el resto de personas que viven y trabajan en la Academia, de aquí han surgido nuevos proyectos y colaboraciones para el futuro y, sobre todo, buenos amigos y amigas.

ST_CORVIALE. Fotografía Impresión de pigmentos minerales sobre papel fotográfico 100% algodón. 110 x 142 cm

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ÁNGELA BONADIES Caracas, 1970 . Artista cuyo trabajo se centra en la memoria, el archivo, la visibilidad e invisibilidad históricas, el espacio urbano y en explorar conceptos a través de la imagen fotográfica. Ha participado en Site Santa Fe International Biennial 2018, Nuevo Mexico; The Matter of Photography in the Americas, Cantor Arts Center, Stanford University; Universal History of Infamy, LACMA (Los Ángeles) y 18th Street Arts Center (Santa Mónica); La bestia y el soberano, WKV (Stuttgart) y MACBA (Barcelona). Ha expuesto en Abra Caracas, Centro de Historias de Zaragoza, Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona), After-the-butcher (Berlín), Es Baluard Museu d’art modern i contemporani de Palma, Momenta Art (Brooklyn), ZKM (Karlsruhe), Periférico Caracas Arte Contemporáneo, MARCO (Monterrey), entre otros.

Ha recibido los siguientes reconocimientos y becas: Artist Residency Program, Goethe-Institut Salvador-Bahia/Vila Sul y Beca Latinoamericana Experimenta-Sur, Bogotá, Colombia en el 2017; Residency Award en 18th Street Arts Center otorgada por el LACMA en el 2016; DomusWeb Best of Architecture y Best Architecture and Landscape Projects de la revista Polis en el 2011 por el proyecto La Torre de David, realizado con el artista Juan José Olavarría.

Colabora periodicamente con las revista digital Campo de relámpagos.

Una opera al giorno/ La grieta Una opera al giorno/ La grieta es un proyecto que busca vincular varios aspectos de mi trabajo: la práctica fotográfica, la escritura, el trazado de relaciones, el diálogo con otros artistas, el desplazamiento y el cambio, el estudio como archivo y refugio, la construcción de una tradición/ruptura que se apoya entre Latinoamérica y Europa del sur. La propuesta parte de principios esbozados por el artista italiano Alighiero e Boetti y deviene escinsión que “necesita aprender a no insistir en ser identidad, un lo mismo, a introducir el estar permanentemente dejando de ser algo, para estar, al mismo tiempo, a cada momento, empezando a ser otra cosa” –como apuntaba José Luis Brea en su texto Seppuku.

Obra en marcha que propone crecer como imagen-tiempo y construir un espacio de relaciones y quiebres, de pertenencias difusas, de secuencias en constante cambio y formación, en proceso y mudanza.

www.angelabonadies.com http://latorrededavid.blogspot.com/ http://campoderelampagos.org/

Proceso El núcleo de trabajo de Una obra al día se mantuvo, convirtiendo el espacio del estudio en imagen cambiante que crece y se superpone a diario, atravesada por una grieta: lecturas, apariciones, palabras, paredes, puertas, personas, ventanas, ausencias, sombras, derivas, ruinas, fragmentos, viajes. La grieta es como un río que trae movilidad.

El núcleo se mantuvo, pero el proceso de trabajo tomó otro camino al preconcebido, por razones externas e internas. Lo externo aportó la dificultad de revisar y trabajar los archivos y abrió la posibilidad de trazar otros caminos, levantados sobre el impedimento. Trabajar con la incertidumbre de mi lugar de pertenencia también aportó algo: la precariedad del presente invita a pensar una obra que se arma constantemente, como un diario, con el tiempo configurando una unidad quebrada, agrietada: «se deja un tiempo el país, pero no se abandona el territorio», apunté en mi pequeño film The Kitchen, eco del «non parto non resto» al que nos invitaba Boetti, que evocaba a su vez el verso «ni huir ni quedarme puedo» de la potente Antología palatina.

Lo interno aportó el movimiento invisible que se refleja fuera, en las paredes. El estudio se vuelve un tercero, se convierte en receptor y testigo. El proceso de pensamiento y acción se pone al descubierto y se revela como parte del trabajo.

Experiencia La experiencia: gozar del espacio que nos da «una habitación propia» en el momento en que buena parte de lo que se considera estable pierde equilibrio y los nuevos escenarios políticos y económicos, locales y mundiales, nos disparan y dispersan.

Tener un espacio para hacer y pensar, donde establecer un mapa afectivo, subjetivo y referencial, con vistas sobre otros procesos y otros lenguajes es «un placer que no necesita llegar tan lejos: correr poseído pero sin haber llegado es ya delicioso en sí mismo, un momento suspendido de esperanza viviente» - en palabras de Anne Carson.

En este carrera/proceso y para la futura presentación de una publicación y un audiovisual, cuento con el texto y los apuntes curatoriales de Marina Fokidis, curadora, escritora y editora de la revista South as a State of Mind, con la edición y animación audiovisual de Jesús Rijos y con la banda sonora y edición de audio del compositor y chelista Paul Desenne.

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La grieta, instalaciรณn en el estudio

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JULIA DE CASTRO Ávila, 1984. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, graduada en Interpretación Textual por la Real Escuela Superior de Arte Dramático, y titulada profesional en la especialidad de violín en el Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid.

Artista multidisciplinar de proyección internacional con su proyecto DE LA PURISSIMA presentado en cuatro continentes.

La retorica delle puttane Vengo de una tradición cultural occidental, el racionalismo a ultranza que tantos y tan buenos frutos ha dado desde el punto de vista tecnológico, se ha quedado muy atrás en su evolución espiritual; y esto por su enfermiza y diabólica necesidad de analizar, de cortar, de disecar, de separar, de conquistar, de dominar, de purificar.

Quiero decir con esto que el principio lógico y antropológico que gobierna nuestras estructuras mentales es el de la exclusión: lo puro (el hombre) contra lo impuro (la mujer: menstruación, sangre, luna, 28 días, tiempo, muerte). La retorica delle puttane se publicó el 25 de agosto del año 1642; Su autor, Ferrante Pallavicino fue decapitado por ello en 1644. Su obra estaba inspirada irónicamente en un libro clave del catolicismo: De arte rethorica, del jesuita español Cipriano Suárez publicado en 1562.

Después de presentar sus votos y entrar en el monasterio de Santa Maria della Passione en su Parma natal, Pallavicino perdió su fe drásticamente. Primero se trasladó al monasterio de San Giovanni da Verdara en Padua donde entró en contacto con L’Accademia degli Incogniti, representantes de la libertad literaria frente a la censura católica. El talento como escritor de este marqués le valió el favor de la República Veneciana, allí vivió su periodo más prolífico comenzando por la obra La Susanna. Si inicialmente sus escritos no tenían problemas con la autoridad civil y religiosa, en 1639 llega la primera condena. La Retorica delle Puttane se gestó en prisión.

Cipriano Suárez había muerto cuando la obra del parmesano se publicó, éste había sido educado con su doctrina. Su escrito era una respuesta contundente a sus años de ingenuidad, al engaño en el que había vivido. Este proyecto se alimenta de venganza, la misma que le impulsó a Ferrante a escribir su decálogo. Fue decepcionante leer en la retórica de Pallavicino su odio a las putas. Él está muerto, trescientos setenta y seis años después yo he sido educada por su rencorosa mirada. El 25 de agosto de 2018 exorcizaremos su aversión a la prostitución en las calles romanas.

No escribo desde la cárcel, quizá yo también sea juzgada una vez vea la luz esta nueva retórica. Que alguien me responda antes de morir.

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He pagado los honorarios de dos prostitutas, una romana y una española, con parte del dinero de mi beca. Susanna y Lola ejercen libremente y sin protector su oficio.

He pagado los honorarios de dos traductores, del italiano y del latín, con parte del dinero de mi beca. Teresa y Francisco también ejercen voluntariamente su oficio.

En todos los casos los trabajadores han sido remunerados por su tiempo y su conocimiento, fundamentales para desarrollar mi proyecto.

Durante el proceso he comprendido que la palabra de una puta, más que su trabajo y que su cuerpo, genera un gran rechazo. Por eso escuchar su experiencia en voz alta, amplificarla, es importante. La satisfacción que les produce la jornada laboral va a dejar de ser una confidencia sottovoce.

Roma contiene parte de la historia de mi ciudad, Ávila. Si quiero ver la Santa Teresa de Bernini, debo introducir una moneda en la gettoniere, pagar es importante. En esta retórica se paga también por escuchar y por ver.

Las prostitutas llevan sensores en el cuerpo, éstos activan sus micrófonos cuando introduces una moneda. Su verdad desmonta teorías consolidadas sobre la sexualidad femenina, sobre lo que es digno para una mujer, sobre su relación con el dinero y con el placer.

Susanna, Lola y yo condenamos la trata de blancas, la violencia y la esclavitud a la que muchas prostitutas están sometidas. Las tres defendemos esa misma libertad para ejercer el oficio, para vivir sin que sus familiares se avergüencen siendo amparadas por la sociedad en un marco legal.

Como condición para su contratación, Susanna, exigió que no hubiera registro visual, no por ella, sino por el daño que esto hace a sus hijos. Me molestó, ellos reniegan del trabajo de su madre pero viven de ese dinero. Lola oculta su verdadero nombre también por una razón familiar. Decido comprender, ahora es mi madre la que ocupa el espacio de Susanna.

He memorizado sus risas, su mirada al mundo, su fisicidad, su aceptación del contexto histórico en el que a sus 51 y 41 años se encuentran. No estaba en mis planes un contacto tan directo con el oficio, en realidad era imprescindible. Las quince lecciones de Pallavicino han sido reelaboradas por la experiencia de dos prostitutas. El germen de este proyecto está en latín y volverá a él. Cipriano escribió su retórica en latín, Ferrante la reinterpretó en italiano y las dos han sido traducidas al español de forma inédita por este proyecto.

Ahora mi interpretación de Pallavicino en español se desarrolla por boca de Susanna en italiano para publicarse finalmente en latín.

Lengua de la élite, de sabiduría ancestral, la misma que transmiten las mujeres con las que he trabajado. El latín también puede ser un refugio para la mujer, para asegurarnos su trascendencia.

Es el idioma que los romanos impusieron en todo su territorio, el que consideramos culto, que alberga gran parte del conocimiento sobre el que hemos sustentado nuestra civilización, en la que se ha enterrado nuestra sexualidad.

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Imรกgenes de la performance durante el Open Studios, marzo de 2018

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MARÍA TERESA CHICOTE POMPANIN Pieve di Cadore (Italia), 1991. Historiadora del arte, su investigación se centra en el análisis de la manipulación de la memoria histórica a través del patronazgo cultural y artístico en la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna. Se interesa particularmente por los reinos hispanos y sus prácticas culturales. Ha publicado varios artículos sobre estos temas en revistas y en obras colectivas. Desde 2013 reside en Londres, donde realiza su investigación doctoral en el Warburg Institute e imparte docencia en el University College of London. En 2014 completa un máster en el Warburg Institute y la National Gallery. En 2013 termina el Grado en Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Entre otras becas ha recibido el Premio Nacional de Fin de Carrera, la Beca de Excelencia, la Beca de Colaboración, la beca de postrgado de la Fundación la Caixa y la beca de doctorado de la London Arts and Humanities Partnership. Es co-fundadora del seminario londinense “The Maius Workshop.” financiado por ARTES. Ha sido colaboradora del proyecto “A vision for Europe. British Art and the Mediterranean” promovido por el Warburg Institute, la Central St Martin’s y el Bilderfahrzeuge Project. Ha comisionado, en colaboración con H. Gentili, la exposición documental y fotográfica titulada “Crisis, Rescue and Renewal. The Warburg Institute during WWII” (2016).

Los Marqueses de Villena y el Papado (1445-1529).

Manipular la memoria histórica a través del arte En 1480 terminaba la Guerra de Sucesión Castellana y el segundo Marqués de Villena era duramente derrotado por los Reyes Católicos. Esta guerra marcó un antes y un después en la vida de los marqueses, pues la Corona empezó a promover una imagen extremadamente negativa de sus actos y de su familia. Para contrarrestar esta imagen oficial, los marqueses iniciaron una potente campaña de promoción cultural y pronto establecieron fuertes nexos con el papado, pues la mayoría de sus promociones necesitaba la aprobación pontificia. El análisis de la documentación que conecta a los Marqueses de Villena con el Vaticano permitirá conocer el patronazgo de una importante familia castellana, pero, además, llegará a demostrar que los marqueses intentaron proyectar una imagen internacional de grandes promotores de la religión. Este estudio no tiene un valor meramente histórico-artístico, sino que quiere investigar las promociones de los Villena como el reflejo de una intensa campaña de manipulación de la memoria histórica a través del arte y la cultura.

https://sas.academia.edu/MariaTeresaChicote

Capilla mayor de la Colegiata de San BartolomĂŠ de Belmonte (Cuenca)

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Proceso Mi investigación se basa en la convicción de que la combinación de imagen y documento es una de las máximas fundamentales a la hora de obtener resultados de interés. Por ello, mi proceso de investigación se inició con una recopilación de imágenes relacionadas con los monumentos arquitectónicos impulsados por los Marqueses de Villena en los siglos XV y XVI. Tras la recopilación de imágenes, pasé a la lectura de la bibliografía existente sobre ellos, concentrada principalmente en bibliotecas como la Biblioteca Hertziana, la Biblioteca de la American Academy in Rome, los fondos de la Real Academia de España en Roma, de la Biblioteca Nazionale, etc. El tercer paso de la investigación fue el más importante y el que concentró la mayoría de mis energías: las visitas diarias al Archivo Secreto del Vaticano. Allí, mi atención se centró en la localización de los documentos relacionados con las fundaciones religiosas de los Marqueses de Villena y de los vestigios que pudieran aportar datos sobre las relaciones diplomáticas que éstos tuvieron con la Santa Sede. La última parte de mi investigación consistió en el estudio conjunto de los monumentos y de los documentos, para así lograr entender los motivos que se escondieron detrás de su creación y poder realizar una reconstrucción de su aspecto primigenio.

Experiencia Compartir. Este verbo es el verbo que resume de forma más concreta mi experiencia durante los seis meses que pasé en la Real Academia de España en Roma. Desde el primer día, mi proyecto de investigación se transformó en ese pequeño y extraño elemento del que todos querían saber algún dato y al que todos aportaron algún detalle. Mis días, en el Archivo Secreto del Vaticano, no habrían sido tan productivos si no hubieran recibido ayuda constante de su personal. La investigación en las bibliotecas de Roma no habría dado los mismos frutos de no haber podido contar con la experiencia de compañeros y profesores de universidades romanas y de otros centros de investigación internacionales. La elaboración de nuevas hipótesis habría sido seguramente menos fructífera de no haber existido los foros de debate que fueron las conferencias internacionales a las que participé durante mi estancia.

Finalmente, no habría cumplido con mis objetivos de no haber contado con la constante ayuda, sostén y ánimo de mis compañeros de la RAER, todos ellos siempre dispuestos a compartir sus conocimientos y experiencias para lograr cruzar esa meta común que es la creación de una generación de la Academia.

Capilla mayor de la Colegiata de San BartolomĂŠ de Belmonte (Cuenca)

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ROBERTO COROMINA Remolinos, Zaragoza, 1965. Licenciado en Bellas Artes por la Facultad Sant Jordi de Barcelona. Amplía su formación con diferentes becas como la beca Erasmus en la Winchester School of Art en Gran Bretaña o la beca de la Generalitat de Cataluña con la que se traslada a Nueva York. Allí vive desde 1994 hasta 1998, año en el que vuelve a Madrid para disfrutar de la Beca de la Casa de Velázquez de la Diputación Provincial de Zaragoza. Regresa a Nueva York en 2003 con una beca de la Fundación Marcelino Botín, donde realiza el programa del ISCP (International Studio Curatorial Program) y en 2006 participa en un Workshop en el Triangle Artist Association.

Ha expuesto individualmente en Magnam Projects de Nueva York, Guido Carbone de Turín, Fernando Serrano de Huelva, A del Arte de Zaragoza o La New Gallery de Madrid, entre otras galerías. Participa en numerosas exposiciones colectivas en Estados Unidos, Japón, Inglaterra, Italia, Francia y España. Asiste a ferias como ARCO, Artissima, Pinta London o Scope Miami.

En 2018 sus últimos proyectos han sido Pictura Reditus en la Galería Theresoom en Madrid e Hilos de Memoria, en la Sala en Blanco de la Universidad San Jorge de Zaragoza.

«Iam tandem Italiae fugientes prendimus oras» “Y ya finalmente alcanzamos las costas huidizas de Italia”, tomado de un verso del libro VI de la Eneida de Virgilio. Este lema fue utilizado por Goya cuando presentó desde Roma la obra Anibal vencedor, que por primera vez miró Italia desde los Alpes al concurso de la Academia de Parma en 1771. Plantea realizar un viaje en el tiempo para desarrollar un viaje interior. Pintar una obra cada día como resultado de su paso por la Academia, vivir en Roma y estudiar su patrimonio.

Este proyecto se materializa en un “políptico romano” de 273 obras, teniendo como referencia los “cuadernos de viaje” elaborados por los artistas que le han precedido en esta experiencia. Pinta sobre un soporte cuadrado, un círculo como generador de múltiples posibilidades, referencias arquitectónicas como el Panteón o la Astronomía, siempre con la Historia del Arte y la Pintura como inspiradoras.

Su interés es cuestionar la Pintura, sus imágenes, percepción, presencias y ausencias; en suma, su razón de ser.

www.robertocoromina.com

Sin tĂ­tulo, Ăłleo sobre lienzo, 45 x 45 cm cada una

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Proceso y experiencia Mi proyecto en la Academia es pintar un cuadro al día, el resultado final es un diario visual en el que van unidos mi proceso de trabajo y mi experiencia en Roma. Durante estos meses los días que no he podido pintar he decidido dejar el cuadro en blanco.

Este silencio es parte de la vida y del no hacer.

Decido qué pintar en el momento preciso antes de empezar a trabajar. Unas veces, pinto las imágenes mentales que recuerdo de la noche anterior, en el momento justo antes de dormir. Otras veces, las imágenes pueden venir de paseos por Roma y, en otras ocasiones, uso las que me llegan en el instante antes de ponerme a pintar.

Pinto al óleo, todas las piezas son cuadradas y tienen un círculo en el centro, es lo que tienen en común. Manteniendo estas premisas lo demás está en cambio constante. El esquema del círculo enmarcado en un cuadrado lo he encontrado en mi estancia en Roma: en columnas, suelos, paredes, techos y fuentes de la ciudad.

Mi proceso de trabajo lleva implícito el cambio. El primer cambio que realicé fue el tamaño de las obras, al principio iban a ser más pequeñas. Pero en octubre, y con el estudio todavía vacío, el sol al atardecer dibujaba una retícula en una de las paredes y pensé seguir esta pauta para colgar las obras. Medí el tamaño de los cristales de la ventana y decidí que el formato sería 45 x 45 cm. Días después averigüé que el diámetro del Templete de Bramante mide 4,5 m.

En tres momentos diferentes del día a las 6.58 h, las 11.58 h y las 19.58 h escucho en mi estudio las trece campanadas de la iglesia de San Pietro in Montorio en una secuencia de 3-4-5-1. Decidí utilizar esta secuencia para ampliar mi proyecto con un vídeo que mostré en el Open Studios, y que realicé gracias a la colaboración de María Gisèle Royo.

Durante este tiempo viviendo en Roma he visto restos arqueológicos donde sobrevive el hormigón romano, esto ha influido directamente en las piezas tridimensionales que he realizado con cemento y con las que he completado mi proyecto. Estas piezas de hormigón tienen el mismo formato de los cuadros, 45 x 45 cm, siendo una traducción monocroma y tridimensional de la pintura.

En el suelo de mi taller hay baldosas hexagonales, que representan para mí lo laborioso y lo preciso. Tenía previsto realizar una serie de gran formato y de ahí surgen las obras de 175 x 175 cm en las que utilizo un hexágono dentro de un círculo.

Parte del proceso de trabajo es el fracaso, el no alcanzar el resultado de la obra como la había imaginado. Afortunadamente, esta sensación desaparece al día siguiente, porque vuelvo a tener la posibilidad de acercarme al cuadro anhelado. Siempre tengo presente el “Aún aprendo” de Goya.

Sin tĂ­tulo, hormigĂłn y piedra encontrada, 40 x 40 x 18 cm

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MIREN DOIZ Pamplona, 1980. Tras su paso por la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona, se licencia en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en el año 2003. Amplía sus estudios en la Escola Massana d´Art i Disseny de Barcelona. Entre los premios que ha recibido destacan: Jóvenes Artistas de Pamplona 2003, Encuentros de Jóvenes Artistas de Navarra 2005, Premio Estampa DKV 2015 o la ayuda de la Fundación Pollock- Krasner en 2014-2015. Desde hace varios años vive y trabaja en Madrid.

Entre sus numerosas exposiciones colectivas destacan “Art Situacions”, comisariada por Vicente Todolí, María de Corral, Lorena Martítez de Corral e Ilaria Gianni; “8 cuestiones espacialmente extraordinarias”, comisariada por Virginia Torrente ,“2014. Antes de irse. Ideas sobre la pintura” comisariada por David Barro, “A vueltas con la maldita pintura!!. Una propuesta de Juan Ugalde” en 2011 o “Un disparo de advertencia” comisariada por Ángel Calvo Ulloa en 2011 . Ha realizado dos exposiciones individuales en la galería Moisés Pérez de Albéniz.

Su obra ha podido verse en lugares como Berlín, México D.F , Sao Paulo, Bogotá o Roma y se encuentra presente en la Colección de Fundación Coca-Cola, la Colección de la Comunidad de Madrid, la Colección del Ayuntamiento de Pamplona, la Colección Museo Colecciones ICO o la Colección DKV.

Reediciones Es un proyecto que surge tras haber trabajado anteriormente con mis propios catálogos, en una idea que planteaba la idoneidad o no de la descontextualización de la obra a través de su reproducción gráfica, y que, además, me permitía revisitar mi propia obra a través de un objeto como el catálogo. Reproductibilidad, alteración y ausencia de contexto daban lugar a una obra nueva.

En este caso los catálogos publicados por la Academia de España en Roma van a servirme como material para mi propia obra, van a permitir que, de una manera descontextualizada, me acerque al contenido generado por becarios anteriores pero siempre a través del propio continente u objeto residual de estas experiencias, la publicación, el catálogo, el objeto.

www.mirendoiz.net

Proceso No era mi proyecto más que un punto de partida, un acotamiento del material de trabajo, todo lo demás estaba por decidir. El tiempo, suficiente pero no generoso.

Lo primero fue seleccionar el material, visitar la biblioteca, leer y mirar los catálogos, decidir el criterio de selección, finalmente por orden cronológico empezando por los más recientes, y enterarme de los disponibles. Entretanto, realicé una obra con un cartel electoral de las últimas elecciones celebradas al día siguiente de mi llegada. Una vez dispuse de los ejemplares comencé con el calentamiento, con las primeras tentativas, las primeras piezas realizadas con los catálogos, al principio con una técnica collage, ya empleada, en la que se van abriendo agujeros a través de las páginas, y después tratándolos de otras maneras, cómo los realizados con las publicaciones azules de nuestro Open Studio o el catálogo despegable. Tras el Open Studio decidí pintar una gran tela que reflejó mi propio espacio, una representación del propio estudio, que acabó siendo recortado cómo los collages que lo rodeaban y desprendido de la pared. Las telas dobladas me gustaron y fueron así usadas en unas nuevas piezas. Además, he realizado una pieza de varios elementos con los catálogos de 2002, y, ahora, me encuentro trabajando en las piezas finales, que se mostrarán en la exposición. Podría haber seguido trabajando varios meses más en este proyecto, quizá lo haga.

Experiencia Ha sido la mía una experiencia más corta que la de algunos de mis compañeros, y, ahora, pienso que tal vez debía haber venido antes.

Placentera, estimulante y muy productiva, sospecho que la climatología ha ayudado a esto último.

Llegué a Roma un 3 de marzo, semana que había nevado, y durante todo el mes no dejó de llover, el color cobrizo de Roma, oscurecido dos o tres tonos y el deseo de pasear aplacado por la lluvia.

A cambio, muchas ganas de trabajar y un espacio nuevo para mí, un estudio grande y con vistas al jardín, un proyecto y un entorno nuevo, con nuevas compañías. Rápidamente el Open Studio, mostrar lo recién hecho, recibir visitas, y Nápoles, Milán, Pompeya, y pensar lo bueno y lo malo de llegar casi al final. Y la primavera que sigue lluviosa, y Roma, que te llama, y pensar que sí, que tenía que haber venido antes.

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Vistas del estudio

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MARÍA ESTEBAN CASAÑAS Madrid, 1991. Obtiene el Máster en Arquitectura por la Bartlett School of Architecture, University College London (UCL) con la máxima calificación de sobresaliente con Matrícula de Honor (2015), y el Grado en Arquitectura con Máster en Arte por la Universidad de Edimburgo con Matrícula de Honor (2013). A lo largo de su carrera profesional y educativa participa en exposiciones internacionales como la XIII Bienal de Arquitectura de Venecia, I Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Seúl, Bartlett Degree Shows, Southern California Institute of Architecture, Edinburgh College of Art, Kauffman Center for the Performing Arts, Escuela Juilliard y Museo Smithsonian en Nueva York. Desarrolla su trayectoria en diversas ciudades e instituciones internacionales en Madrid, París, Edimburgo (University of Edinburgh), Londres (UCL Bartlett), Los Ángeles (Sci-Arc), Hangzhou (Zhejiang University), Roma (Real Academia de España en Roma) y actualmente Boston (MIT y Harvard). Su proyectos y obras son publicadas en revistas especializadas y libros. Le han concedido diversos reconocimientos y becas, entre otras, Beca la Caixa, Beca Santander, Beca de Excelencia de la Comunidad de Madrid, Historic Scotland Environment Prize, y Beca Study China Programme UK. Ha trabajado en los estudios de arquitectura de Dominique Perrault (París, 2012) y Grimshaw Architects (Londres, 2015-2016). A partir de 2016 imparte diversas conferencias en Korea University, University of Plymouth y Architectural Association Visiting School (AAVS Madrid). Asimismo, ha sido invitada como miembro del jurado en las sesiones críticas de Arquitectura de Cornell University en Roma.

Su trabajo se encuentra en la intersección entre la arquitectura, la fabricación digital, el arte, el diseño y la ciencia computacional. Actualmente realiza un máster de investigación en el MIT (Massachusetts Institute of Technology), que compagina con estancias de investigación en laboratorios como en el Instituto Wyss de Ingeniería de Inspiración Biológica, en el Laboratorio para la Ingeniería Celular y Tisular (Harvard). Desarrolla simultáneamente su trayectoria artística y docente en el MIT School of Architecture and Planning y en el International Design Center del MIT.

Barroco computacional: una reinterpretación contemporánea del ornamento arquitectónico en Roma El proyecto se basa en la línea de apertura más célebre, quizás, de la Arquitectura Moderna, siendo una de las frases más comúnmente malinterpretadas: “El ornamento es un delito”, palabras de Adolf Loos en su texto Ornamento y delito. Por eso conmociona entender que su intención nunca fue la de erradicar el ornamento. Aún así, el ornamento quedó relegado a una condición menor como arte aplicado, y no íntegro a la arquitectura, y que desde aquí se reclama de nuevo.

El proyecto que se presenta consiste en realizar in situ en Roma un análisis del ornamento del Barroco, considerado como el máximo exponente. En paralelo se realizará una producción final que desarrollará una serie de ornamentos computacionales, reinterpretados mediante sistemas paramétricos. El proyecto, por lo tanto, consiste en una extrapolación del ornamento barroco a la contemporaneidad, centrándose en las geometrías de la cúpula ovalada de San Carlino, de Borromini. Las piezas finales serán impresas en 3D.

www.mariaestebancasanas.com

Barroco Computacional 01 Impresiรณn 3D (polvo de nylon), acabado natural, 175 x 205 x 110 mm.

Barroco Computacional 02 Impresiรณn 3D (polvo de nylon), pieza pulida, 235 x 220 x 120 mm.

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Proceso El proceso genera una serie de exploraciones computacionales que ofrecen una reinterpretación e interrogación del papel actual del ornamento. En lugar de emerger de la técnica, el proceso surge del contenido. Expresa computacionalmente el proceso de abstracción de las geometrías utilizadas en San Carlino, generando cualidades atmosféricas por la convergencia de lo configurado y lo desfigurativo, lo orgánico y lo tectónico.

Al iniciar el proceso desde un contexto histórico en Roma, se genera una relación entre la arquitectura, el digitalismo, el lenguaje y la cultura que inculca los límites de este estudio. A través de un argumento especulativo, el proceso de creación de las piezas interpreta las tendencias subyacentes en la era actual computacional, conduciendo a una comprensión teórica e histórica de las exploraciones digitales realizadas en la Academia.

A través de técnicas de producción paramétricas, la lógica computacional puede crear geometrías complejas sin precedentes. El trabajo realizado explora cómo estas herramientas pueden utilizarse para la creación de un significado, contra una tendencia actual de complejidad geométrica pura. Al eliminar los grados de precisión de representación, y aumentar los grados de distorsión, la realidad, lo que se representa, se abstrae.

El ornamento es inherente a la percepción experiencial del espacio, no sólo al detalle tangencial, que Focillon explica: "La técnica no es solo materia, herramienta y mano... es la mente especulando en el espacio" (Kleinbauer, p. 41). El ornamento requiere la imaginación del espectador. No debemos olvidar que el principal objetivo del ornamento es "posicionar al espectador dentro del ámbito de su propia imaginación" (Bloomer, p. 9). Permitiendo que nuestra visión y nuestros pensamientos se extiendan más allá de las realidades literales y materiales, logramos significados a través de una nueva parametrización computacional de las geometrías barrocas.

Obras citadas: Bloomer, K., The Nature of Ornament: Rhythm and Metamorphosis in Architecture (Nueva York, 2000). Kleinbauer, W. E., Modern Perspectives in Western Art History (Toronto, 1989).

Experiencia Habitando la Academia. La vivencia experiencial de habitar la Academia, sus espacios, sus rincones, sus contrastes de luces (verde de sus jardines, sus ocres de las paredes, los reflejos de las piedras de San Pietro), sus sonidos, sus silencios, sus habitantes – artistas, sus vistas de Roma, sus obras expuestas, las cenas creativas, los desayunos culturales … configuraron mis primeras y continuadas sensaciones en el habitando de la Academia…. Surgiendo reflexiones, emociones, sentimientos, que impulsan la creatividad hacia un futuro.

Habitar los espacios de la Academia es habitar los espacios de Roma, los espacios de San Carlino de Borromini, los espacios de Sant’Andrea al Quirinale de Bernini, los espacios del Foro Romano y los Foros Imperiales, los espacios de las Termas de Caracalla, los espacios del Panteón de Adriano… Habitar los espacios del pasado y del futuro. Habitar los diálogos, las conversaciones. Habitar la pintura, la escultura, la fotografía, la arquitectura, la música, la literatura, el cine, el grabado, el teatro…

Habitar las artes y también las ciencias. Habitar sus experiencias, experiencias que poco a poco han ido habitando en mi. Experiencias que configurarán mis memorias, mis recuerdos… experiencias del habitar y del pensar…. Habitar la Academia, habitar en la Academia, habitar desde la Academia.

Barroco Computacional 03 Impresión 3D (polvo de nylon), acabado natural, teñido en negro carbón, 270 x 205 x 120 mm Barroco Computacional 04 Impresión 3D (polvo de nylon), pieza pulida, teñido en negro carbón. 250 x 170 x 90 mm

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INMA HERRERA Madrid, 1986. Vive y trabaja en Helsinki, Finlandia. Licenciada en Bellas Artes y Máster en Arte Creación e Investigación por la Universidad Complutense de Madrid. Su formación ha continuado en diversos centros de arte, tales como Kungliga Konsthögskolan (Estocolmo), FNMT-RCM (Madrid), dónde se formó como Especialista en Medios de Impresión Gráfica, Diseño y Acuñación Artística, o Kuvataideakatemia (Helsinki), donde se graduó como MFA Printmaking gracias a una de las Becas de Posgrado en Europa 2014 de la Obra Social la Caixa.

Recientemente ha sido galardonada con una de las Becas para Artistas Jóvenes de la Sociedad Finlandesa de las Artes e invitada para participar en congreso Print Think 2018 - The Eternal Return, organizado por la Temple University de Roma. Ha obtenido, entre otros, una de la Becas de Producción artística Helsingin Kaupungin Taideapurahan 2015, ha sido Accésit en el Premio Joven UCM 2011 y recibido una de las Becas Pilar Juncosa y Sotheby’s 2013. En 2017 fue finalista en The Queen Sonja Print Award, Kjell Nupen Memorial Grant, Oslo.

Magnetismo en transición. Ribera – Tiepolo. Sublimiore loco sacrificium El proyecto se centra en el desmembramiento de algunos de los diferentes estadios que forman parte de la producción de una imagen, mediante el uso de procesos de grabado en hueco, en concreto del aguafuerte. Usando de trasfondo el legado gráfico-artístico de los artistas José Ribera y Giambatista Tiepolo, e inspirándose en la imaginería del barroco, Sublimiore Loco Sacrificium propone una visión del grabado más multidisciplinar, tanto desde un punto de vista plástico como conceptual. Por un lado, revisa el modo en que comúnmente se conoce este medio, combinándolo con la escultura, el video y la instalación. Por otro, partiendo de la imaginería de los autores citados, ambos grandes maestros del aguafuerte, se plantea una reflexión sobre diferentes aspectos de lo táctil en relación con la imagen y su génesis, considerando a esta primera como una piel, el envoltorio de un cuerpo que, en este caso, no existe, que ha desaparecido. La imagen, desgarrada, despellejada del soporte que le da forma, se presenta en un Aras, un altar dónde se entrega en sacrificio. Esta imagen-piel y el display en el que se muestra, activa la lectura de la misma proponiendo un entramado de relaciones entre lo que vemos y lo que no, entre lo que que ha sido arrancado y queremos tocar, pero no sabemos cómo, puesto que ha perdido el cuerpo que la soporta.

Sublimiore loco sacrificium, 2018. InstalaciĂłn. TĂŠcnica mixta, medidas variables.

(Detalle de obra en proceso). Aguafuerte y entintado sobre planchas y tubo de cobre.

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Experiencia La materialización del proyecto ha implicado el desarrollo, en paralelo, de dos actividades. Por un lado, la fase de conceptualización, tiempo necesario para documentarme, leer y visitar archivos para dejar que el trabajo de Ribera y Tiepolo realmente comenzara a hablarme. Tiempo necesario para que su trabajo se colara por los poros que cimientan el proyecto.

Por otro, la experimentación plástica. No se ha tratado del empleo clásico, y ya conocido, de los modos en que se reproduce una imagen con la técnica del aguafuerte.

Este periodo ha supuesto una larga fase de pruebas y de retos en cuanto a investigación de materiales. Proceso basado en posibilidades reales, pero también en intuiciones que han terminado dando sus frutos. En este caso, también, la técnica quería encontrar su voz propia. Ahora ya se puede palpar.

La piel-imagen ha sido desgarrada.

Sin embargo, además de estos dos aspectos, que a simple vista pueden recordar a la labor llevada a cabo en un laboratorio científico, la búsqueda de una poética que hermanara estos dos procesos ha sido lo más complejo, también lo más bello. Combinar el trabajo de ambos no ha sido fácil. No se trataba de dar más protagonismo a uno que a otro, pero sí de ser fiel a una idea y también de revisitar su obra y ver qué tiene que decir aún a día de hoy.

Proceso Es difícil describir con brevedad, incluso con claridad, todas las cosas que han pasado en la Academia durante estos meses. Mi llegada, desde una latitud norte, algo fría, me hizo aterrizar en un lugar rodeado de jardines, dónde aún podía caminar en sandalias, donde la historia late en cada adoquín; un hogar lleno de personas que han contribuído a mi desarrollo artístico y personal durante mi estancia en la Academia. En Roma.

Ha sido un año de descubrimientos, de encuentros, de experimentación, de trabajo, de vuelta al sur. Ha sido un tiempo en el que no sólo he aprendido del legado dejado por otros y que se ha ido acumulando durante siglos, sino de los que me han acompañado cada mañana mientras despegaba los párpados con café en mano.

Ellos se han convertido en familia. La cercanía, la ayuda y las colaboraciones que se han establecido han sido de todo tipo, aunque no sería justo nombrar sólo algunas, porque todas las demás parecerían no haber existido o ser menos importantes. El aprendizaje ha sido constante, no sólo por la variedad de las disciplinas sobre las que trabajamos, sino por el modo de ver las cosas y sentir el mundo. Es diferente, y de lo distinto siempre se aprende.

Siento que los posos de todo lo que ha sucedido empiezan a impregnar mi piel, ha estado siempre latente, sin embargo, ahora se puede tocar . Para mí es ahí donde todo continua, o más bien empieza. Junio no es el final, sino todo lo contrario, el comienzo.

Sublimiore loco sacrificium, 2018 (Detalles del proceso). InstalaciĂłn. TĂŠcnica mixta, medidas variables Arriba. Dibujo con punta seca sobre plancha de cobre. Aguafuerte Abajo. Arranque de imagen piel (tinta) de molde de silicona

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JAVIER HONTORIA Madrid, 1975. Máster en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Javier Hontoria es crítico de arte y organizador de exposiciones. Escribe en las páginas de El Cultural.

Gianfranco Baruchello Proyecto dirigido a una investigación en torno a la figura de Gianfranco Baruchello, uno de los artistas más destacados del siglo XX en Italia. Nacido en Livorno en 1924 y activo desde mediados de los años cincuenta, Baruchello ha visto pasar frente a sí todos los grandes movimientos del arte del siglo pasado sin implicarse en ninguno de ellos. Antes al contrario, ha construido un cuerpo de obra de enorme singularidad, al margen de las tendencias normativas. Mi investigación culminará en una exposición en las salas de la Academia en la que artistas españoles entrarán en diálogo con el inmenso legado que ha construido Baruchello en sus seis décadas de trayectoria. No se tratará de una mera ilustración de los asuntos que con tanta profundidad ha tratado el artista, sino que tratará, en su conjunto, de respirar un mismo aire. Así, temas como el uso y los mitos de la tierra, la memoria, la historia con y sin mayúsculas, el cine, el vacío, los sueños o la ficción como instrumento desde el que analizar lo real, formarán una constelación desjerarquizada que se nos revela a partir de una estética ajena a la sofisticación y de narrativas fragmentarias, a menudo crípticas −la obra de Baruchello está fundada en complejas disertaciones conceptuales−, pero siempre magnéticas y sugerentes.

Imรกgenes del proceso de investigaciรณn sobre la obra de Gianfranco Baruchello

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Proceso En el deslumbrante comienzo de La hora de la estrella, la célebre novela de Clarice Lispector, leemos: “Una molécula dijo sí a otra molécula y empezó la vida”. Es una frase que ha resonado siempre en torno a mi percepción de la práctica curatorial.

Las moléculas, como las obras de arte, siempre están ahí. A veces, es su naturaleza misma la que las predispone a un encuentro inevitable, pero otras nacen de golpes de azar, pese a haber estado ya cerca en determinados momentos, y el sí germinador irrumpe por sorpresa, estableciendo conexiones imprevisibles.

El proceso de trabajo en la Academia ha ido variando notablemente en sus diferentes fases. Siempre desde la voluntad de poner en relación la obra de Gianfranco Baruchello con la de ciertas posiciones del arte español, comencé a valorar las diferentes tipologías bajo las que este proyecto habría de tomar forma. El abanico de posibilidades era amplio, desde la opción del proyecto específico en relación a la ingente obra del artista romano, la posibilidad de la exposición colectiva, el análisis del archivo... Las dos moléculas que se dieron el sí aparecieron en el entorno de las ideas que Baruchello ha forjado sobre lo femenino desde los años de Agricola Cornelia. El hallazgo de un recorte de periódico en su archivo encontró de inmediato su eco en los movimientos que con tanta fuerza exigen hoy la equiparación de los roles masculinos y femeninos en las sociedades contemporáneas.

Experiencia Poco de lo que el proyecto ha devenido durante mi estancia en Roma estaba en mis planes antes de llegar a la Academia, algo que, intuyo, estarán leyendo también en muchos textos que relatan las experiencias de mis compañeros. Baruchello es poco conocido fuera de Italia, y quien no está familiarizado con los archivos o no haya tenido la oportunidad de ver sus exposiciones sólo conocerá la breve punta de un inmenso iceberg. A mí me había llamado la atención hace ya años su forma de cuestionar el “branding”, que para mí es hoy la mayor amenaza para la singularidad, aunque, visto lo visto, parece que ahora conviene más ser como el resto que ser diferente. Resulta de verdad fascinadora la forma tan honesta de querer vivir siempre tan ajeno a las modas y a las tendencias que tanto unifican todo, y esto es algo que sólo podía constatar en Roma y ahora, pues la Fundación Baruchello, que dirige Carla Subrizi, situada en el barrio de Monteverde Vecchio, a apenas diez minutos a pie de la Academia, viene realizando un fabuloso trabajo de presentación del ingente archivo que el artista ha ido amasando con los años. Sólo desde aquí, por tanto, pude desbrozar la opacidad que rodea muchos de sus trabajos, que permanecen arraigados en su contexto romano, milagrosamente a salvo de la homogeneización global.

Imรกgenes del proceso de investigaciรณn sobre la obra de Gianfranco Baruchello

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MIGUEL LEIRO Santiago de Compostela, 1994. Licenciado de Diseño Industrial, en Pratt Institute, Brooklyn, NY. Su formación profesional incluye el desarrollo de proyectos en los campos de diseño de producto, diseño expositivo y dirección de arte con Moneo Brock, MUT Design, Juan Uslé/Victoria Civera y Hayon Studio. En su obra personal, investiga los límites del proceso del diseño y el efecto que ejerce sobre los objetos que nos rodean. Los problemas parten siempre de un contexto específico, con la flexibilidad como protagonista en su solución. Esto permite a cada usuario desarrollar una interpretación singular sobre su experiencia.

Como diseñador, destaca su participación en Hue of Forms (Fuorisalone, Milano), Pratt Show, NYC x Design (Nueva York), DIXXI Diseño Iberoamericano (Panama City) y Bienal Iberoamericana de Diseño (Madrid y Budapest).

Civitá El proyecto “Civitá” se define por sus tres vertientes: investigación, diseño y ejecución. Parte de un estudio exhaustivo sobre el patrimonio antropológico/cultural creado durante el periodo de la Dinastía Julio-Claudia del Imperio Romano. A través de los objetos, se busca entender los valores sociales, económicos y artísticos durante un periodo de expansión continental. De esta forma, se asocia el periodo imperial con nuestro mundo moderno, el cual también vivió una época de gran desarrollo en un corto plazo de tiempo.

El elemento de diseño del proyecto toma como punto de partida la investigación.

Esto permite crear piezas para una utilización en el presente, sirviendo como homenajes al pasado, tanto en sus funciones estéticas como en sus procesos. El resultado de todo el proceso se plasma en la realización de un triclinio romano, pero con un enfoque contemporáneo. Cada diseño se producirá en un taller especializado, aprovechando al máximo la calidad de la fabricación italiana.

www.migueleiro.com

Prototipos variados. Vidrio soplado, maderas torneadas, cartรณn, cobre

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Proceso La fase de investigación se presenta como un estudio de los objetos y cultura material de la época imperial romana. Esto significó la inmersión en varios textos, archivos, museos y patrimonio para entender primero la cultura romana y a partir de allí los objetos cotidianos. Estudié ambos temas independientemente, para llegar a entender sus puntos de enlace. En este sentido, el proceso lo orienté desde la información más general para llegar a lo específico.

La intención original del proyecto era la de crear una familia de objetos. Seleccioné el comedor romano (triclinio) como lugar sobre el cual derivar las tipologías de objetos a diseñar. La importancia del espacio como nexo entre la estructura social/ cultural romana y la práctica performativa del ritual y el objeto, fueron los motivos de elección. A partir de aquí, percibo los objetos a diseñar como herramientas, tanto de uso personal como a la hora de establecer un contexto espacial. El proceso de dibujo y maquetación cogen protagonismo en los próximos pasos. Estos me sirven como recursos de interacción y experimentación en el que las formas se convierten en posibles funciones. A partir de este proceso, se derivan serie de tipologías de objetos del triclinio. La fabricación de las piezas involucra a una serie de artesanos y sus talleres, desde el País Vasco hasta la Isla de Murano.

Experiencia Al afrontar un nuevo proyecto uno genera una serie de expectativas. Estas sirven para guiar los primeros impulsos y brazadas del proyecto, dando seguridad de algún modo. Al encontrarse uno con Roma y la Academia todo esto se ve puesto a prueba.

En varias de las etapas me encontré incómodo. Tras cada nueva experiencia y aprendizaje, el proyecto mutaba. Llegar a asumir algo así nunca es fácil, pero ha supuesto una nueva forma de entenderme tanto a mí mismo, como a mi forma de trabajar. La estancia en la Academia, rodeado de profesionales y creativos de alto nivel, genera estas tensiones. Entendiendo esta palabra desde su sentido más positivo, la Academia se convierte en un lugar de diálogo constante.

Triclinio Pompeyano

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MIGUEL MARINA Madrid, 1989. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Pintura. Amplía su formación en Italia en La Accademia di Belle Arti di Bologna en las cátedras de pintura de Luca Caccioni y Massimo Pulini.

Ha realizado residencias en La Casa de Velázquez (Academie de France a Madrid, 2013), La Floresta (Lleida, 2015) y Piramidón Centre d’Art Contemporani (Barcelona, 2016-17).

Su trabajo ha sido expuesto de manera individual y colectiva en galerías como Galería Nordés (Santiago de Compostela, 2018), Fundación DIDAC (Santiago de Compostela, 2018), Sala de Arte Joven (Madrid, 2018), etHALL (Barcelona, 2018), Palau de Casavells (Girona, 2017), Galería Combustión Espontánea (Madrid, 2017), Galería Silvestre (Madrid, 2015), Galería Luis Adelantado (Valencia, 2014), Galería Slowtrack (Madrid, 2014), García Galería (Madrid, 2013) y en diversos certámenes como PhotoEspaña, OpenstudioMadrid, Intransit o ferias como Estampa, Swab y JustMad.

La X no marca el lugar La X no marca el lugar surgió como un proyecto pictórico centrado en el paisaje de Roma. En una primera fase estaba formado por una serie de pinturas sobre papel de distintos formatos inspiradas en la arquitectura, la naturaleza y la historia de la ciudad, trasladando sus colores, formas y estratos, recogiendo lo observado durante el viaje y confeccionando una suerte de cartografía intuitiva del lugar.

Con el paso de los meses, la propia ciudad y su naturaleza ha ido modificando y transformando los objetivos más o menos flexibles que me había fijado, algunos reaparecieron más tarde y otros terminaron completamente diluidos en nuevos intereses y nuevas direcciones en mi producción artística.

El proyecto toma ahora como punto de partida la idea de pasar de un estado fijo a suelto y las múltiples variaciones de movimientos que pueden surgir desde el caos y lo incontrolado, usando como referente el cauce del río. Fijándome en las crecidas del caudal, los objetos que se mantienen inmóviles y los arrastrados.

A su vez, este proceso resumido en tres acciones ·_caminar · explorar · descubrir · fue ocupando mi día a día de tal manera que las charlas después de las comidas en la Academia se convirtieron en momentos de digestión de lo experimentado. De pronto el mantel se estiraba y se convertía en testigo y testimonio de un proceso y una acción. Las marcas de vasos y las manchas de aceite. Los restos de comida y las migas de pan.

Así, aparecen ahora en el estudio pinturas sobre papel apiladas en el suelo unas encima de otras formando falsos estratos. También esculturas a modo de figuras-testigo del propio paisaje realizadas con caña e intervenidas con barro y cemento tallado. Por último y dispuestos entre ellas, un grupo de elementos sueltos formado por palos, cuerdas, barro, anillas de hierro, un ancla oxidada... que tratan de activar un lugar imaginario a través de los propios materiales. Dando al proceso un papel protagonista y subrayando desde tres puntos de vista (pintura, escultura, instalación) una misma idea. La idea de recorrido y cambio.

Al contrario que en los mapas, la X nunca marcó el lugar en mi proyecto y gracias a ello he podido explorar y recoger todo lo que Roma me ha ofrecido. www.miguelmarina.com

Vista del estudio de Miguel Marina en Roma

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Proceso “Como quiera que sea, la sobremesa no hace distingos entre aquello que se acomoda a su paso y aquello que en seguida lo pierde. El tiempo pasa, y las cáscaras de sandía languidecen junto a los posos de café... Y en efecto, lo único que pasa sobre la mesa es el tiempo. En ningún otro lugar es su paso tan visible”. Estas palabras de Ángel González aparecían una y otra vez en mi cabeza. Y es que la sobremesa después de las comidas se convirtió en el punto de encuentro con los demás residentes.

Ahí nos fuimos conociendo. En esas charlas siempre surgían infinidad de planes, rutas y lugares que visitar. El tiempo se convirtió en algo preciado que se escapaba a un ritmo vertiginoso. Nunca llegué a saber que era mejor o más provechoso para mi, salir a dar un paseo o quedarme en mi estudio trabajando, pero lo cierto es que ambas acciones permitieron que mi obra sufriera un cambio no radical pero sí significativo al ampliar el sujeto de mi pintura y salirme de su plasticidad para abordar las mismas preocupaciones desde pequeñas instalaciones, mosaicos y esculturas, utilizando los materiales que la ciudad me iba ofreciendo. Ahora entiendo que el resultado principal de mi proyecto en Roma no ha sido solamente el estudio del paisaje y la pintura, sino el tiempo necesario para salir de unas técnicas y modos de trabajar ya conocidos y llegar a algo más.

Experiencia “Nueve meses en la Academia dan para mucho. También pasan muy rápido”. Recuerdo estas palabras de A.C. como una losa. Cada día desaprovechado volvían a mí y me las repetía para no caer en lo mismo. Pero un día te das cuenta de que te has habituado y has hecho hogar y rutinas, que ya no te pierdes por las calles, trazas tus paseos de memoria y el trabajo en el estudio empieza a funcionar. De repente has encontrado el lugar perfecto para esa mesa que estorbaba en el taller o con sólo desplazar el sofá facilitas tu movilidad por el estudio. Ese día llega y te das cuenta de que estás a mediados de mayo y que la beca se está acabando y aún tienes muchos lugares que visitar y mucho por hacer.

Como decía, durante estos meses he intentado trabajar en base a tres acciones ·_caminar · explorar · descubrir ·, un método que dio lugar a mis primeros trabajos inspirados en la arquitectura y los colores de Testaccio y Garbatella. Más tarde aparecieron los paseos por el Tevere y la pintura dio lugar a pequeñas instalaciones de bambú, madera, cuerda, hierro y cemento. Y llegaron los viajes a Pompeya y Nápoles o Calcata y Viterbo. Lugares que fueron incorporando algo a priori no identificable en mis obras pero que poco a poco han dado un nuevo giro a mi trabajo retomando de nuevo una vía pictórica dando a toda mi producción reciente de una cierta unidad.

Thoreau explica en Las manzanas silvestres cómo el erizo recoge y transporta manzanas a su madriguera: “Se revuelca encima de ellas hasta que se clavan todas en sus espinas y luego las transporta sin llevar más de una en su boca. Y si resulta que durante el camino alguna se cae, se sacude para hacer caer al resto y de nuevo se revuelca sobre ellas hasta volver a ponerlas todas en su espalda. Luego sigue adelante haciendo un ruido semejante al de una rueda de carro”.

Como el erizo de Thoreau, he intentado llevar a mi taller todo aquello que he podido recoger en mis paseos por la ciudad, pero estando alerta, por si el peso o la mala distribución de influencias y estímulos pudiera condicionar mi subida al estudio. Por el momento seguiré recogiendo. En verano veré en qué ha quedado todo esto, si es que ha quedado en algo.

Vistas del estudio de Miguel Marina en Roma

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LEIRE MAYENDÍA Bilbao, 1973. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de escultura. Diseñadora gráfica, escultora, bailarina y DJ de tango. Becada en The School of the Art Institute of Chicago y en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Beca Leonardo da Vinci en Witte de With, Center for Contemporary Art. Ha sido artista residente en La Friche Belle de May de Marsella y en Duende Gueststudio’s Program del CBK Rotterdam. Ha participado en el proyecto expositivo ‘Generaciones’ en sus ediciones de 2002 y 2006, respectivamente.

Se establece en Madrid en 1999, donde su trabajo se extiende hacia el diseño y la ilustración y, más adelante, hacia el baile y la música de tango. En toda esta confluencia de áreas y formaciones artísticas, concibe su trabajo de una forma necesariamente poliédrica, apoyándose en unos u otros recursos según las características de cada proyecto. En los últimos años ha diseñado, actuado o musicalizado para eventos y se sitúa en un complejo equilibrio entre las distintas formas de expresión por las que ha transitado.

Proyecto Fuimos es un proyecto inspirado en lo que podríamos llamar ‘un romance de ida y vuelta’ entre la influencia de la inmigración italiana en la construcción del tango y la posterior fascinación por éste en la Italia actual. La propuesta plantea la construcción de siete escenas que interpretan algunos ejes temáticos del tango unidas a otros elementos plásticos, dando lugar a una instalación.

El tango se edifica desde la eclosión de sinergias entre las culturas que atraviesan su historia. La intensa migración de italianos a Argentina entre finales del siglo XIX y principios del XX fue una circunstancia clave en el proceso de consolidación del tango. Buena prueba de ello es la dilatada lista de directores de orquesta y músicos con nombres de origen italiano en este género. Cabría preguntarse ¿qué futuro habría tenido el tango sin la contribución del inmigrante italiano y su forma de sentir la lejanía de su país, su familia, sus raíces? Años después, cuando el tango celebra ya su éxito en toda Europa, mi reflexión se plantea también a un nivel más amplio: ¿por qué sentimos el tango como nuestro? ¿cuál es ese lugar al que nos devuelve, que provoca un sentimiento de pertenencia tan intenso? ¿en qué parte de la geografía mental se aloja? ¿se puede expresar plásticamente?.

Fuimos investiga algunas de las historias recurrentes en el tango en contraste con la actualidad. Con frecuencia, reaparece esa ida y vuelta, ese ciclo en el que aquello que estuvo lejos vuelve a nosotros, reforzado, consolidando el trayecto entre lo que somos y lo que fuimos.

www.leiremayendia.com www.delirika.com

Proceso El camino que recorre una idea desde su dimensión mental hasta que cobra una dimensión material o expresiva es un territorio de bruma. Contiene hallazgos y confusiones, cambios y renuncias. Con frecuencia trazamos unas líneas principales de actuación que aspiran a ser una guía, si bien el proceso siempre contiene todas esas sorpresas que lo hacen interesante.

Para abordar el proyecto Fuimos contaba con tantas direcciones sobre las que trabajar que, en una fase inicial, me sentía bastante abrumada en cuanto a cómo organizar todo mi material de referencias. Quería hablar de origen, de arquetipos, de espacio, de música, de historia, de relaciones, de movimiento, de tradición, de tiempo… El absoluto océano.

Una de las cosas que aparecían con mayor claridad era hablar de tango desde un lugar narrativo y casi de ensoñación. En el día a día de mis encuentros con la comunidad tanguera de Roma fui consiguiendo articular los elementos que me parecieron más importantes y reduciendo el ruido de lo secundario. No fue algo rápido. La participación de personas reales y con una experiencia en tango similar a la mía –que pudieran comprender y también protagonizar las escenas– se convirtió en uno de los puntos expresivos fundamentales y en una búsqueda activa para mi, además de en una hermosa experiencia de conexión entre personas.

Experiencia En mi trayectoria artística he ido desarrollando un empeño durante los últimos años por llevar el tango a espacios de arte, como procuré hacer en Madrid a través de eventos en la galería Taller del Prado y de mi implicación en Tango Abierto.

Proponer cruzar las fronteras de lo plástico a unos y de lo corporal a otros me sigue pareciendo un ensayo fascinante, que supone solo un pequeño paso en relación a todo lo que se puede decir a través del tango, como universo que contiene formas de expresión cultural y personal, rituales de interacción, rituales estéticos, confrontación de emociones… etc. El paso por la Academia con un proyecto de esta índole me ha permitido dar una dimensión mucho mayor a este itinerario, así como conectar con una comunidad de tango en Roma con la que emprender nuevas colaboraciones.

Destaco algunas personas dentro de dicha comunidad, a las que estoy especialmente agradecida por su participación directa o indirecta en el desarrollo del proyecto: Andrea Artigiani, Pablo Abad, Damiano Calì, Chiara Malena, Andrea Cesarini, Alma, Daniela Zaccagnini, Gioia Abballe, Simone Facchini, Armando Tatafiore, Giuseppe Clemente, Damián D’Alessandro, Fernando Herrera, José María Otero, Charo Aparicio, Prem Adoshi, Luis Javier Gayá, Francisco Molina. Y en mi entorno cercano, María Gisèle Royo y Antonio Aguilar.

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Fuimos. Fotograma de vĂ­deo Gracias Fuimos. Foto de preparativos de escena Equipaje

Fuimos. Escena Alma

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CECILIA MOLANO Madrid, 1976. Doctora cum laude por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, con una tesis sobre la relación entre performance, público y escritura. Beca de residencia de investigación doctoral en a.pass (Advanced Performance and Scenography Studies) en Bruselas. Beca Ayuda a los Profesionales de la Cultura del Ministerio de Educación para cursar el Máster de Escenografía en Saint Martins School of Arts en Londres. Licenciada en Escenografía por la RESAD, Madrid. Beca Erasmus en la Hoogeschool voor Kunsten de Utrech. Beca UNESCO-Aschberg en el Institut International de la Marionnette en Charleville-Mèzieres. Premio Jóvenes Creadores del Teatro Real de Madrid y finalista del Linbury Prize for Stage Design del National Theatre de Londres.

Trabaja entre la palabra y la imagen, sus manifestaciones y cruces en los ámbitos de las artes escénicas, el vídeo y el dibujo. Otras de sus actividades son la docencia, la investigación y la edición de libros.

Luciérnagas Luciérnagas es un proyecto escénico en el marco de una investigación artística donde trabajo sobre la relación entre escritura, cuerpo e imagen en la escena. El punto de partida es El artículo de las luciérnagas, de Pasolini, que funciona como la metáfora de las pequeñas luces de resistencia “frente a la luz cegadora de la cultura uniformadora de masas”. El proyecto se articula en torno a la nociones de trabajo, creación y resistencia y busca la elaboración de una poética que se define en la presencia del cuerpo en escena y la instalación performativa.

www.ceciliamolano.com

Fotografías de ensayos. Vídeo

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Proceso El proceso ha estado orientado a la concepción de una pieza escénica, no desde la idea de “producto”, sino desde una investigación artística que aúna diferentes aspectos de la creación escénica: la escritura, lo esceno-videográfico, el cuerpo y el ejercicio de una dramaturgia que interrogue y construya una narración abierta.

He colaborado con cuatro artistas: Cristina Moreno que ha trabajado conmigo en la creación del espacio videógrafico; las performers Katrin Memmer y Tania Arias con las que hemos construido las partituras coreográficas y Kristien Van den Brande que me ayuda en la construcción de la dramaturgia de la pieza. También he contado con la ayuda de María Royo, en la parte videográfica.

Un proceso deliberadamente abierto, “suspendido” y que acepta la deriva como parte de su constitución. Lecturas, imágenes, escritura y gesto se entrelazan en la creación de una instalación performativa. La pieza se articula desde la idea de una investigación que genera materiales diversos que se integran en la escena, pero manteniendo un necesario “silencio” para favorecer la creación de relaciones entre esos materiales.

El trabajo se ha organizado en cuatro fases: una primera fase de conceptualización, documentación y escritura que ha durado de noviembre a enero que he llevado a cabo en solitario; la segunda fase de creación del espacio escenográfico-dramatúrgico del bosque en febrero-marzo; una tercera fase de encuentro con los cuerpos en el espacio en abril y la última de búsqueda de la dramaturgia de la pieza: un proceso que aún continúa.

Experiencia Estos meses filmo y escribo bosques de estos pinos romanos que me impresionan aún más vivamente que las ruinas. Los artistas −se dice− vienen a aprender de Roma una maestría que les llega como un eco, a veces ensordecedor, de los maestros antiguos.

Aprendo de los pinos romanos una lección que está fuera de los museos de la ciudad: la de aspirar a una maestría diferente, aún viva, que está contenida en todo este tiempo antiguo que me rodea y que me susurra al oído como el auriga: “Recuerda que eres solamente [una mujer]”, que es lo mismo que decir: recuerda que todo muere, que cada muerte es un cambio y cada cambio una resistencia.

Más que del tiempo de las ruinas, detenido, testimonial y vacío, en Roma aprendo del tiempo de los pinos, que me enseña: el saber cambiante de las sombras y las estaciones, una palabra-árbol que no deja de hacerse entre el viento y la rama, y el movimiento habitado, vivo e imperceptible que se hace danzando.

Los pinos no están vacíos como las ruinas, están llenos de una resistencia y de un saber que son los de la pobreza. Reapre(he)nder esa pobreza es rendirse y entender lo que somos. Colocarse en el lugar del “no saber” y descubrir “la potencia de no hacer” como el espacio de la resistencia.

Stella corriendo en Ostia Antica. VĂ­deo

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ÁLVARO NEGRO Lalín, Pontevedra, 1973. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (19911996), posteriormente obtiene el título de Master of Arts en Central Saint Martins College of Art and Design de Londres (2003). Actualmente está representado por F2 Galería de Madrid. De entre sus exposiciones cabe destacar la reciente retrospectiva, de título «Y», que le ha dedicado el CGAC de Santiago de Compostela. Su campo de acción también se extiende a la escritura, con ensayos y textos sobre otros artistas, y al comisariado, con la exposición Narrativas monumentales. Figuras, paisajes y rituales, en el MAC Gas Natural Fenosa de A Coruña.

La presencia pictórica como motivo Una de las acepciones de “presencia” alude a la “representación”, literalmente a la «memoria de una imagen o idea, o representación de ella». La presencia me interesa como esencia pictórica a estudiar en clásicos como Giotto, de los primeros que hicieron tangible la correspondencia entre lo corpóreo, emocional, humanístico, y lo espiritual.

La estancia en Roma me ha facilitado un exhaustivo trabajo de campo en paralelo a la producción pictórica, tanto en los museos romanos como en viajes muy específicos. Como ejemplos, tenía especial interés por visitar la Cappella degli Scrovegni de Giotto en Padua; también sus frescos y los de Cimabue en la Basilica di San Francesco en Asís; la Consacrazione di san Lorenzo come diacono de Fra’ Angelico (Cappella Niccolina, Vaticano) y la Cappella Brancacci de Masaccio y Masolino (Chiesa di Santa Maria del Carmine, Florencia). Esta selección tiene su fundamento en que intuyo en estas obras la genealogía de un espíritu pictórico común respecto a las esencias e intensidades de la obra que vengo trabajando en los últimos años.

www.alvaronegro.com

Proceso y experiencia Magnificencia es la palabra que me viene a la mente respecto a mis primeras sensaciones en Roma, tanto por la cantidad de capas históricas como por la calidad de las manifestaciones artísticas que jalonan los muros de sus palazzi, iglesias y museos.

Por ello no exagero si afirmo que en Roma el pincel «pesa», al menos si uno intenta conformar una obra con la conciencia y el rigor que requiere la práctica del arte en diálogo con su historia. Tal es así, que al principio sufrí cierta parálisis melancólica cuyo origen radicaba en la inevitable sensación de que todo lo pintado ya es suficiente y fue mejor. Finalmente, se fue imponiendo la pasión por el oficio a través de una investigación obstinada donde, día a día, cuadro a cuadro, se fue descirniendo el encaje de los influjos sin traicionar las esencias de mi obra. En ello tuvo mucho que ver el imponerme casi a modo de manifiesto un recordatorio, el que toda obra es contemporánea desde el momento que los ojos que la miran son los de nuestro tiempo.

También debo destacar que ha sido fundamental el propio espacio de trabajo, sito en lo más alto de una de las torres y con dos imponentes ventanales que regalan panorámicas únicas de la ciudad, el muro entre los mismos fue el elegido para situar los cuadros y establecer una relación visual y axial con la línea de horizonte que se dibujaba de norte a sureste en su parte inferior: desde el Jardín Botánico con la cúpula de San Pedro emergiendo por detrás del Gianicolo hasta las Termas de Caracalla y el perfil de los Montes Apeninos visibles en los días más claros. Tal es así, que la disposición del espacio y la obra fueron evolucionando al unísono en un ejercicio que incluía diversos objetos que funcionaban como estatuas conmemorativas de un modo particular de integrarse en la ciudad; también como reflejo de un ojo que ha ido filtrando lo observado tal y como hace el tiempo respecto a lo que merece ser recordado, de hecho, ¿no han de ser los cuadros los testimonios más verídicos de esta memoria?

Por último, debo remarcar la atracción visceral que sentí desde un primer momento hacia el marco histórico. Todo ocurrió a partir de mi encuentro con La Cornice Antica, tienda especializada que casi es más un museo donde se encuentran verdaderas joyas de entre los siglos XV y XVIII seleccionadas bajo el criterio de su propietario Fabrizio Canto, cuyo asesoramiento fue fundamental para aprender las peculiaridades estilísticas de las piezas según la época y el lugar de procedencia. Investigaciones más pausadas me permitieron ir perfilando la posibilidad de integrarlos en mi obra hasta que finalmente adquirí varios ejemplos, los cuales fueron seleccionados como elemento desde el que pensar las piezas según criterios que tienen mucho que ver con la idea de los límites de la pintura. Este punto de vista me permitió evitar la descontextualización histórica banal o el tratamiento del marco como mero complemento del cuadro a modo de ornato, lo cual terminó por ser el signo evidente del tipo de diálogo establecido con el contexto de Roma y, simultáneamente, del cuestionamiento de los criterios con los que discernimos lo que es histórico o es contemporáneo.

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Sin título, 2018, técnica mixta, políptico, medidas variables

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NURIA NÚÑEZ Jerez de la Frontera, 1980. Formada en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba y en la Universidad de las Artes de Berlín (UdK Berlin), donde concluye con mención de honor estudios de máster en Composición. Ha recibido premios y distinciones como el Primer Premio y Premio del Público (Bärenreiter Preis) del concurso de composición para orquesta del 15.º Festival de Primavera de música contemporánea de Weimar, residencias de trabajo en Olevano Romano (Academia de las Artes alemana Villa Massimo-Casa Baldi), Los Angeles (Villa Aurora-Thomas Mann House), Turingia (Academia de Música de Sondershausen) y la beca de posgrado en la Graduiertenschule de la Universidad de las Artes de Berlín (2014-2016).

En los últimos años, el compromiso no sólo con la creación de nuevos públicos sino también con la creación de nuevo repertorio para el público actual la ha llevado a trabajar en propuestas que construyan puentes entre la música contemporánea y el público joven como Kleines Stück Himmel, ópera para niños desde 2 años por encargo de la Deutsche Oper Berlin, y Bestiarium, teatro musical interactivo para público a partir de 6 años (coproducción de la Graduiertenschule de la UdK Berlin con fondos de la Fundación Einstein, la Haus der Kulturen der Welt y el Volksbühne Berlin).

El sueño del señor Rodari El sueño del señor Rodari nace como una ópera de cámara para público a partir de 6 años de edad inspirada en el trabajo del escritor, poeta, periodista y pedagogo Gianni Rodari. A lo largo de una serie de escenas desarrolladas en un contexto escénico híbrido entre la ópera y el concierto interactivo, el proyecto propone un retrato de Roma a través de sus cuentos, aquellos que conforman el imaginario colectivo de la ciudad y sus habitantes y que, a lo largo de los años, han contribuido a forjar de alguna manera su identidad sociocultural.

www.nurianunezhierro.com

Imágenes de la ópera El sueño del señor Rodari, celebrada en la Academia, junio 2018

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Proceso Desde el primer momento, este proyecto nace con la voluntad de que los elementos que lo conforman, música, texto, escena y espacio crezcan en paralelo forjando una experiencia puramente interdisciplinar. Partimos del texto y tomamos la decisión de crear un libreto nuevo inspirado en apuntes, cuentos e ideas de Gianni Rodari.

Nos interesaba, sobre todo, profundizar en los mecanismos con los que Rodari experimentaba con el lenguaje y las estructuras formales, para posteriormente, trasladarlos a niveles musicales y dramatúrgicos. De esta forma, tomamos las funciones de Propp descritas en su tratado Grammatica della fantasia. Introduzione all’arte di inventare storie (1973) como principios constructivos no solo del libreto, sino también de la música. Musicalmente se crearon distintos Leitmotiven para los diferentes personajes y acciones que, una vez dispuestos sobre la línea temporal del discurso sonoro, se relacionaban entre ellos estableciendo paralelismos también con lo dramático.

La plantilla de El sueño del señor Rodari, título final de la ópera, la componen un total de cuatro intérpretes; un contratenor y tres músicos, cuyas labores trascienden la categoría en la que se encuentran inmersos. El hecho de contar sólo con un cantante nos empujó a la exploración de las posibilidades de un cuentacuentos que es, al mismo tiempo, narrador y protagonista de la acción dramática. Además, con el fin de amplificar sus funciones narrativas, todos los intérpretes en escena son músicos y actores al mismo tiempo. Ellos desempeñan un rol u otro en función del desarrollo de la historia permitiendo un ir y venir constante entre acciones escénicas que surgen de la música y acciones musicales que surgen de la escena.

Tras tener muy claro el uso que íbamos a dar al texto, poco a poco concebimos el concepto global de la obra, música y escena de forma paralela.

Experiencia Para que este proyecto tenga todo el peso y el sentido planteados, debe ser construido desde la interdisciplinariedad. Por esto, desde el comienzo del proceso de trabajo, se ha implicado a la compañía especialista en teatro de sombras Controluce Teatro d’Ombre, al dramaturgo Jacopo Masini y a los intérpretes Jordi Domènech (contratenor), Esteban Algora (acordeón), Pedro Rojas (guitarra eléctrica) y Gustavo Domínguez (clarinete bajo). La posibilidad de representar nuestra ópera en el patio del Tempietto ha abierto nuevas posibilidades escénicas con la incorporación del inevitable diálogo con el espacio. Las experiencias acumuladas a lo largo de mi estancia en la Academia de España se traducen también en ciertos guiños escenográficos (como la aparición de una máscara, del mismo tipo que la que utilizamos en la fiesta de Halloween de la Academia americana, o de materiales del proyecto colectivo en el jardín iniciado por María como recursos sonoros).

Imรกgenes del taller infantil y de la รณpera celebrada en la Academia, junio 2018

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SANTIAGO PASTOR Alcoy, 1979. Arquitecto e Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos. Dirige su propia oficina desde el año 2003, desarrollando tanto proyectos de edificación e infraestructuras como planes urbanísticos, fundamentalmente para el sector público. Una parte de su dedicación profesional se ha centrado en la restauración monumental.

Es además profesor asociado de la Universitat Politècnica de València.

Restauro de puentes romanos (siglos XIX y XX) Conceptualmente, un puente une dos partes alejadas coexistiendo con el elemento que las separa. Constituye una nueva inserción en el medio, natural o urbano, que se superpone al obstáculo que salva, pero siempre sin anularlo. De algún modo, este proyecto comparte esa doble condición de poner en contacto ámbitos distintos sin llegar a fundirlos, manteniendo su factor de diferenciación.

Matizamos al inicio que, a los efectos de este trabajo, lo romano no equivale solo a lo de Roma, ni mucho menos a lo que se corresponde con la Antigüedad clásica. Y ello a pesar de que determinados aspectos relacionados con nuestro alcance sí que son propios de este periodo, como la potencia y audacia que caracterizan el puente de Alcántara o la pureza tipológica que se puede apreciar en el de Rímini, y no se soslayan en esta investigación.

Así, nuestras reflexiones giran en torno a determinadas intervenciones sobre un patrimonio histórico concreto, el paisaje cultural del Tíber, que apelan, simultáneamente y de la mano de la historia, a las disciplinas arquitectónica e ingenieril. A través de ellas se indaga en el conflicto entre lo antiguo y lo moderno; y también en la disquisición referente a si ha de prevalecer el carácter funcional de la pieza, reconfigurándose al servicio del desarrollo social y económico, o si, por el contrario, lo que procede es la estricta conservación de la fábrica como monumento, dirigiéndose, en su caso, a la deseable reversión a su estado original o más valiosamente significativo.

En relación a esta última cuestión, parece a priori natural que un puente, en tanto que es un artefacto esencialmente útil y construido con robustez, esté condenado a la continua transformación a lo largo de su duradera pervivencia. Aquello que no destruyan la naturaleza o las guerras, tan centradas siempre en apagar las llamas de los logros de las sociedades, tendrá que ser adaptado inexorablemente con el paso del tiempo, que formaliza constantemente nuevos requerimientos. Sin embargo, tampoco es inadecuado considerar, en línea con las teorías de Brandi, que la indudable relevancia de algunas de estas construcciones en relación con las instancias artística e histórica hace necesario que las obras públicas de épocas pasadas, de un modo específico, se valoren, protejan, conserven y liberen de aditamentos impropios, regresando, cuanto antes, a la imagen que ofrecían en su momento culmen.

www.spastorvarquitecto.com

Proceso El acercamiento al problema exigió, inicialmente, labores de campo y trabajo en archivos. Comprender el tramo urbano de este sistema fluvial fue el primer objetivo.

Los puentes, y sus ruinas, son elementos clave del mismo, pero no son los únicos componentes. Los puertos, los molinos, las barchette tiradas que también unían ambas orillas… son igualmente muy importantes para entender la singularidad del conjunto. De toda esta diversidad funcional, quedan hoy en día solo en servicio los puentes, ajustados al nuevo encauzamiento que representan los muraglioni de Vescovali que redefinieron la relación de la ciudad con el río.

La naturaleza del tema escogido implicaba realizar, a continuación, una selección de las operaciones más significativas. Así, para ilustrar las ideas expuestas en referencia al proyecto, se ha recurrido a enarbolar un discurso en relación a las siguientes actuaciones: la restauración protocientífica de Valadier sobre el ponte Milvio; la introducción de los ponti Suspesi, en un tejido con tanta carga histórica; la creación de un tipo nuevo, il risorgimentale; la aparición decidida de la modernidad con el ponte Duca d’Aosta; y, finalmente, la intervención de recuperación desde una óptica crítica del ponte Sisto.

El ensayo resultante se ve complementado, por un lado, con la producción de una obra que sintetiza visualmente el análisis realizado sobre la influencia recíproca que la construcción de los diversos puentes de la ciudad de Roma tiene en la conformación de su trazado urbanístico, empleando la pianta di Nolli como base. Además, por otra parte, se ha desarrollado una propuesta concreta de intervención sobre este tejido patrimonial. Esta consiste en un proyecto de nueva pasarela metálica apoyada sobre el Ponte Rotto y que restituye básicamente su traza al tiempo que incorpora una conexión con la Isola Tiberina.”

Experiencia La ciudad de Roma me ha vuelto a impresionar enormemente. Su acertada implantación en el territorio, con su núcleo histórico entre siete colinas y atravesado por el Tíber; la extraordinaria belleza y la tremenda escala de muchos de sus edificios; la convivencia de tramas urbanas muy distintas entre sí, entrelazando un complejo sistema de callejuelas y plazas con distintos ejes de importancia y considerable longitud que estructuran la ciudad con mucha decisión…; he podido reconocer muchos de estos aspectos con intensidad.

Pero, sobre todo, me han cautivado dos aspectos que exigen una mirada más pausada: la legibilidad simultánea de las distintas capas históricas que yacen superpuestas, y la inmensa excepcionalidad de las obras de arte que se custodian en sus museos y palacios. La casi sesquicentenaria Real Academia de España no escapa a esta última condición. A la fuerza que irradia el Tempietto, se unen las de las bellas obras que guardan la memoria de los grandes artistas que allí han vivido.

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Anรกlisis grรกficos sobre la Pianta di Roma de Giovanni Battista Nolli (1748) Secuencia de algunos puentes restaurados o construidos en Roma durante los siglos XIX y XX

Composiciรณn Echi di Rimini

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ABEL PAÚL Valladolid, 1984. Formado en el Conservatorio de Ámsterdam, la Universität der Künste de Berlin y la Universidad de Huddersfield (PhD). Sus obras han sido galardonadas con varios premios entre los que cabe destacar el 1er Premio “Xavier Montsalvatge” de la Fundación SGAE-CDMC (2016), Musiktheaterwettebewerb Darmstadt (compositor seleccionado), Ayudas a Investigadores y Creadores Culturales del BBVA (2014), SUYAL Award (2014), Premio del CDMC (2010), Salvatore Martirano Award (2008) y menciones de honor en la Gaudeamus Muziekweek (2013) y el Mauricio Kagel Wettbewerb (2010). Ha recibido encargos de festivales como el Holland Festival, Darmstadt Ferienkurse, Münchener Biennale, ISCM, etc. Su música ha sido interpretada por numerosas agrupaciones como el Nieuw Ensemble, Asko Ensemble, Nikel, Klangforum Wien, Distractfold, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Insomnio Ensemble, Staatsorchester Darmstadt, ETET, etc. Su música ha estado presente en numerosos festivales internacionales de Europa, EE.UU., Israel y Latinoamérica.

La escucha itinerante Mi proyecto consiste en la composición de un ciclo de cuatro obras musicales, cada una de ellas escrita exclusivamente para un lugar concreto de la RAER. Estas obras exploran la naturaleza acústica de diferentes espacios y estancias dentro del recinto de esta institución. A su vez, las obras están relacionadas con algunas de las descripciones contenidas en De Architectura, el tratado arquitectónico de Marco Vitruvio. El conjunto de las composiciones supone un itinerario, un recorrido por los diferentes espacios de la Academia. Para ello, el oyente habrá de desplazarse por la geografía del edificio para llegar a los diferentes puntos donde se ejecutan las obras. Para lograr una experiencia unitaria, una serie de instalaciones sonoras serán estratégicamente ubicadas en puntos intermedios del recorrido, generando nexos y sinergias sonoras entre las localizaciones donde se encuentre cada agrupación musical. El sonido se entrelaza físicamente con la materialidad del edificio, apropiándose momentáneamente de varios de los espacios que lo conforman.

www.abelpaul.net info@abelpaul.net

Tierra y Centro de la Tierra. Partitura (2018)

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Proceso Mi proceso compositivo ha estado definido por cuatro fases diferentes. La primera se centró en la exploración de la naturaleza acústica de diferentes espacios de la Academia. Estos lugares fueron sondeados con varios tipos de materiales sonoros para investigar su comportamiento acústico. De este modo, se analizó el nivel de reverberación, la difusión y la transformación del sonido generados por las estructuras y materiales arquitectónicos de los espacios en cuestión.

En esta primera fase escogí los lugares específicos sobre los que iba a trabajar: el Tempietto, el claustro y su cisterna romana, el Salón de Retratos y la galería acristalada del primer piso.

La segunda etapa de actividad se caracterizó por la colaboración y experimentación con músicos individuales. Esta parte del proyecto se enfocó mayormente hacia el diseño de materiales y técnicas instrumentales que interaccionaran con la propia naturaleza acústica de los espacios. En este sentido, estos emplazamientos podrían entenderse como grandes cajas de resonancia que amplifican y modulan la identidad sónica de los instrumentos.

La tercera fase de trabajo consistió fundamentalmente en el proceso de escritura.

Esta etapa (sin duda la más compleja) abarcó todo el proceso de invención sónico-estructural así como el diseño de estrategias notacionales para plasmar en la partitura la relación entre instrumento, universo sonoro y espacio.

La última parte del proceso fue definida por el trabajo directo con los intérpretes in situ: ensayos en los lugares específicos y la materialización de las obras en el concierto final.

Experiencia En líneas generales, interpreto mi estancia en Roma como una oportunidad para realizar un proceso de introspección creativa, un paréntesis para poder explorar y examinar a fondo cuestiones inherentes a mi actividad como compositor. Esta experiencia es permeable y fluida y permite incorporar al lenguaje propio, de forma evidente o subterránea, influencias de la propia ciudad (elementos relacionados con su geografía urbana, su arquitectura, el sonido de sus calles, su gente, su historia, etc.) y factores vinculados al trabajo de otros becarios. El fruto de estas influencias no es necesariamente visible a simple vista y puede que sea el inicio de otras ramificaciones y derivaciones que acaben por manifestarse posteriormente en el lenguaje y en el proceso creativo propio. La estancia en la Academia me parece una discontinuidad necesaria en mi trayectoria profesional ya que me ha permitido asomarme continuamente a otros ámbitos artísticos, al trabajo ajeno. En este sentido, también me ha posibilitado observar la propia obra desde un lugar alternativo y, en ocasiones, desde los ojos (y los oídos) del otro.

Quimera y Fantasma. Partitura (2017)

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MILENA ROSSIGNOLI Quito, 1990. Titulada en investigación y diseño de Artes Visuales por la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2016. Durante el año académico 2014-2015, recibe la beca para estudios en el extranjero para la Escola Massana de Arte y Diseño en Barcelona junto a la residencia de Arte en Piramidón Centre d’Art Contemporani.

Cierra el dicho año académico obteniendo una beca traineeship para la Weißensee Kunsthochschule en Berlín.

Ha recibido los premios MOVIN’UP I, 2016, Turín; Fondazione Zucchelli, 2015, Bolonia; Call 2014 y Galería Luis Adelantado, Valencia. Sus últimas exposiciones individuales son Expansión vertical, comisariada por David Armengol en Espai M, Barcelona, 2017 y Unire le distanza, comisariada por Olga Gambari en la galería Autofocus 8, Turín, 2016.

Excurtiare* “El trabajo de Milena Rossignoli trata del espacio como un lugar de superposición, un cambio constante entre la bidimensionalidad y la tridimensionalidad. De espíritu nómada por naturaleza, las dimensiones del mundo aparecen en su investigación, sujetas a la mutación perpetua. Para Milena, el espacio sufre una percepción compleja e individual: la mirada, la masa corporal, la vista, el oído, el olfato y el estado de ánimo. Milena crea un sistema complejo y oscilante de reconocimiento y definición, que cada vez requiere un análisis y un nuevo enfoque. El centro de su obra es el vacío como sinónimo de ausencia y una zona libre, encerrada por una estructura que podría ser el embalaje del objeto, así como la arquitectura. La geometría de la construcción es un valor estructural que subraya los puntos cardinales de su trabajo, la palabra clave para comprender, traducir y reorganizar la realidad.” [Texto de Olga Gambari].

Para este proyecto quiero partir de la visión humana del paisaje, que se basa en construir un espacio limitado desde un punto de vista concreto (excurtiare), donde esta delimitación crea geometría. Direccionando la intuición a la visión arquitectónica de Roma, el proyecto Excurtiare consiste en la producción de instalaciones site y time-specific que dialogan con la Academia y las medidas estructurales de la ciudad. *En latín, excurtiare, que para su traducción al español ‘escorzar’ pasa por la palabra en italiano ‘scrociare’ (cortar, abreviar, simplificar), es una operación de la pintura por la cual, mediante la perspectiva, se revela una superficie capas de la tercera dimensión.

Experiencia y proceso sobre la percepción vertical Roma, su estructura imponente genera la acción constante de llevar la mirada hacia arriba. Esta acción crea una conexión con la atmósfera. Percibir la altura es como medirse con la distancia. sobre la percepción horizontal RAER, su posición en el espacio permite contener bajo la línea del cielo la ciudad.

La humedad es el enfoque que revela la distancia. Percibir la distancia es como medirse con la atmósfera.

Aquí la acción de bajar y subir es amplificada, la gravedad determina los planos.

Gravedad + tiempo generan superficie, como un proceso pictórico.

Elementos geométricos sin ninguna pretensión estética sostienen restos de arquitecturas colmas de decoración. Los andamios de alguna manera sintetizan la monumentalidad simplificando la visión hacia una pura experiencia geométrica, como gráficos.

El vacío está contenido en profundidad. Sepultado bajo tierra y escombros actúa de matriz para el tercer paisaje. la ciudad está seccionada, los planos los ha definido el tiempo. Infinitos renders virtuales de como hubiera sido entran en el inconsciente creando otra imagen en la realidad.

La imaginación llena el vacío en dirección vertical hasta cubrir el cielo en los estratos más superficiales, y a descubrir el cielo en los estratos más profundos. pintura gravitacional El suelo demuestra que el fin es el mismo proceso. La gravedad y la materia son el medio.

La arquitectura es el límite que funciona de marco, pero como la atmósfera.

La doble visión de las cosas se traduce en la materia como una búsqueda de contradicción. Lo rígido se convierte en maleable; el plano en estructura. proceso de indeterminación El orden, entendido en su etimología, es la única aparencia estática. Aquí la intención es romper el limite, porque siempre apariencia es. La representación sirve para medirse con algo indefinido o, mejor, de no acabado, eterno, pero sin intención de serlo.

Gracias al intercambio, al espacio y al tiempo que me ha sido regalado, me será posible, finalmente, construir la distancia.

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Suelo (detalle). Instalaciรณn. Cemento, gravedad y tiempo sobre tela

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MARÍA GISÈLE ROYO Caracas, 1983. Directora, productora y editora de documentales. Directora de Arte de películas de Ficción. MFA “Media Arts Production” en el City College of New York con una beca Fulbright. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Sevilla y un año de Film Studies en el London College of Music & Media. Como cofundadora de Jur Jur Productions ha producido y dirigido varios documentales, programas y series documentales para TV, cortos de ficción, así como campañas y vídeos online. Ha trabajado para Bloomberg News, Atresmedia y Doblediez TV, y documentales independientes, seleccionados en festivales como Berlinale, Locarno, Visions du Reel o Karlovy Vary.

Su documental “Rediscovering Pape”, ganó un Student Academy Award y un College Student Award (Emmy), entre otros premios internacionales, y premios nacionales como el de la Fundación Fernando Buesa. Fue Directora de Arte del largometraje “H.”, estrenado en la Biennale de Venezia en 2015, seleccionado en Sundance, Berlinale y galardonado con un Independent Spirit Award. Ha colaborado en “The Silence of Others” documental ganador del Panorama Audience Award y Peace Film Price en Berlinale 2018, y Goya 2019.

Auspicia El punto de partida de este largometraje es la investigación sobre el ritual que celebraban los augures para otorgar el Imperium, el poder. El contexto de esta búsqueda se va colando, hasta formar parte de ella.

Los augures leían patrones, definiendo el lugar desde donde encuadrar su perspectiva para así descifrarlos. Conforme la investigación avanza, la mirada subjetiva se vuelve reflexiva y mira al pasado propio, donde también se pueden leer patrones comunes.

Los pasos del ritual: silentio, invocatio, stipulatio, templum, spectio y nuntiatio; se dibujan como una estructura que ayuda a tomar decisiones importantes. La naturaleza se lee.

www.mariaroyo.com

Uno de los cielos de Roma, siete pรกjaros y una Augur

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Proceso Conceptualmente este trabajo es una búsqueda de patrones a diferentes niveles.

El método que he seguido busca jugar con los de los modos de representación del documental, intentando caminar sobre los límites de las clasificaciones.

Desde el Gianicolo, como Jano, miré al pasado, investigando sobre la figura histórica del augur a través de libros, monumentos, tablas milenarias y entrevistas con expertos. Intentaba comprender quiénes eran, cómo funcionaba su poder, qué podía aprender de ellos.

E intenté mirar al futuro. Grabé en estilo direct cinema la vida dentro de la academia, con la hipótesis de que la mejor forma de afrontar el devenir, no es a través de personas o estructuras de poder que toman decisiones por ti, sino a través de la colaboración elegida por uno mismo. La premisa era que en un espacio de creación y convivencia como la academia, surgen colaboraciones y alianzas de apoyo mutuo.

Para capturar desde mi punto de vista, como una más, esos momentos, el método que elijo es grabar buscando lo que hace que esos momentos de colaboración ocurran, para capturar así su desarrollo.

Esta doble mirada subjetiva se volvió reflexiva. Descubrí en mi propio pasado la raíz de la motivación a hacer esta película. Quería aprender a distinguir mis propios patrones, y descubrir cómo descifrarlos.

Experiencia La experiencia en la academia ha sido clave para ampliar mi mirada. He podido colaborar en muchos de los proyectos de mis compañeros, esa es la suerte de ser la que hace vídeos.

Aprender y comprender sus procesos creativos me ha ayudado a revistar mi propia manera de hacer, y a explorar nuevas formas de expresión con las que he podido desarrollar mi lenguaje. En la academia he sentido una libertad que solo es comparable a la infancia. Durante unos meses he vuelto a ser una niña que no para de mirar a todas partes y hace preguntas sin parar, intentando capturarlo todo, que no se me escapase nada.

Yo venía de haber pasado varios años trabajando para clientes, y me había alejado de la creación propia. Esta experiencia me ha dado la oportunidad de volver a creer en mi propia mirada, una mirada que a lo largo de estos meses se ha contagiado de los matices y las perspectivas de mis compañeros. Siento que me he desnudado de una costra que quizás me hacía más resistente al caminar diario, pero me estaba impidiendo disfrutar de mi propia sensibilidad. Asomando los ojos, muy despiertos, empiezo a gatear y balbucear de nuevo. Con la voluntad de proteger la vulnerabilidad que me hace sensible, rascando las postillas de las heridas, y enseñando las cicatrices. Ahora entiendo la importancia de las lombrices para la tierra.

La fosa de las raĂ­ces, con todos sus avĂ­os

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JAVIER SÁEZ CASTÁN Huesca, 1964. Autor e ilustrador de álbumes, cómics, novelas y otros artefactos ilustrados. Su Animalario Universal del Profesor Revillod ha sido traducido a numerosos idiomas y ha recibido el reconocimiento al mejor libro ilustrado por la FILIJ de México en 2004 y la Golden Book Key al mejor libro publicado en 2011 en lengua holandesa. Otros de sus libros han merecido premios como el Nostra, otorgado en la Feria Internacional del Libro en Guadalajara (México), el de Álbum Ilustrado otorgado por el Cabildo de Gran Canaria, el del Banco del Libro de Venezuela, en dos ocasiones, o el White Ravens otorgado por la Internationale Jugendbibliotehek de Munich, en cuatro ocasiones.

Por el conjunto de su obra ha recibido la Mención de Honor del Premio Iberoamericano de Literatura Infantil de la Fundación SM en 2008, la nominación para el Astrid Lindgren en 2011 y 2012 y el Premio Nacional de Ilustración que concede el Ministerio de Cultura de España en 2016.

Ha compartido su experiencia como autor en cursos, talleres y conferencias en España, México, Francia, Portugal, Colombia y Venezuela. Actualmente imparte la asignatura Libro Ilustrado en el Máster de Diseño e Ilustración de la Universidad Politécnica de Valencia.

Una vida de mosca Nos encontramos con un libro de imágenes al que podríamos llamar “cómic”, aunque trastorna, sin mucho ruido, algunas de las convenciones que sustentan al género. El cómic, habitualmente, ha puesto las ilustraciones al servicio de la narración mientras que aquí, las junturas entre las imágenes pretenden ante todo que se haga patente la sustancia del tiempo.

Al principio, la mosca vivía en una habitación. Sus amigas eran las cosas. Se posaba sobre ellas, las tocaba con la trompa: las nombraba. El lenguaje y las cosas, gracias a ese acto, volvían a ser intercambiables. Y también las imágenes: para la mosca, el cuadro del ciervo, era el ciervo; el pájaro pintado, era el pájaro. Tan sólo evitaba el reloj, pues no sabía qué era el tiempo. Pero el tiempo tampoco le hacía caso, de forma que imaginamos que palabras como “día”, “momento” o “eternidad” no tenían lugar en su vocabulario.

También había un hombre encerrado en esa misma habitación, aunque lo encontró mucho más tarde, perdido entre volutas de humo. La mosca era feliz en medio de las cosas, tal vez porque no pensaba mucho en ellas o porque las pensaba en su justa medida, pero el hombre parecía perderse en evocaciones lejanas que tenían por protagonista al mar.

El encuentro entre estos dos seres confinados en la misma casa y volcados hacia la misma ventana tendrá un giro inesperado cuando aparezca un tercer personaje que tome conciencia de que, después de todo, una mosca también es un espectador, alguien que hace patente la apariencia de las cosas, las ayuda a “ser”.

Proceso ¿Cuántas veces cambia de forma un insecto? En las metamorfosis holometabólicas o complejas, al menos dos. La mosca, los dípteros, pertenecen a este género de insectos. La sacudida que sigue a una transformación puede ser provisional: al insecto tal vez le esperen nuevos cambios y no sabemos si lo sabe.

Los tres meses pasados en Roma, coincidentes con el final del invierno y el principio de la primavera, han significado un proceso de trabajo tan intenso que resumirlos resulta difícil. Después de una etapa de reconocimiento, documentación y ambientación, siguió otra de desarrollo argumental de corte folletinesco, hasta que la historia colapsó en una versión final más misteriosa y, tal vez, filosófica.

El primero de estos cortes o rupturas vino de la mano del descubrimiento de Roma (de las sucesivas Romas encerradas unas en otras como muñecas rusas) como “urbi et orbe”, como ciudad y como mundo. Al proyecto inicial le salieron alas y quiso convertirse en aleph o maquinaria para recorrer la ciudad y poner a trabajar un mundo.

Sin embargo, el propio proceso de trabajo, redujo este mundo a los límites de una habitación, escenario más adecuado a las dimensiones de una mosca y que permitió una exploración más detenida y silenciosa del tiempo.

Lo que surgió entonces fue una poética más atenta al modo callado en que la realidad surge en medio de nosotros, aun cuando sólo la esté mirando una mosca. En este sentido, y como medio de fracturar la narración (al fin y al cabo el protagonista es un insecto, una conciencia sin memoria), se ha renunciado al storyboard en beneficio del sentido de presencia de cada imagen. El cómic ha ido avanzando como una yuxtaposición de momentos que habrán de resolverse bruscamente cuando se desate el acontecimiento final.

Experiencia Nada de esto hubiera ocurrido fuera de la hospitalidad de la Academia. El tránsito desde el movimiento de las calles romanas hasta el recogimiento claustral que a veces se respira en la Academia, acompañó el proceso de trabajo y lo condujo hasta un lugar donde no hubiera podido llegar de otro modo.

Por el camino, me encontré con distintos compañeros de viaje a los que la mosca debe buena parte de su existencia, en forma de informaciones sobre técnicas, agudas observaciones o apoyo en cuestiones como fotografía y grabación de vídeo.

A eso debemos sumar las muchas posibilidades de los paseos romanos y la intensa programación cultural de la propia Academia, un estímulo constante para quien trabaja en un proyecto artístico.

Pero por encima de todo eso, me quedo con la sensación de acompañamiento, con el hecho de que, más allá de los proyectos que nos han reunido a los becarios en este edificio singular, hemos compartido un ambiente único que nos ha permitido desarrollar nuestro trabajo como en ningún sitio.

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Mosca 1, 2 y 3, tĂŠcnica mixta sobre tovaglia maltagliata

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ELENA TRAPANESE Roma, 1985. Máster en Pensamiento Español e Iberoamericano y Doctora Internacional por la Universidad Autónoma de Madrid, por cuya tesis le ha sido otorgado el Premio Extraordinario de Doctorado (2015-2016). Ha sido “Cultrice della materia” en la Universidad Federico II de Nápoles y en la actualidad trabaja como Profesora Ayudante Doctora en el Departamento de Antropología Social y Pensamiento Filosófico Español de la Universidad Autónoma de Madrid.

Sus investigaciones versan sobre las relaciones entre filosofía, literatura y ciencias sociales, con especial atención al mundo iberoamericano y al exilio español de 1939.

Entre sus últimas publicaciones cabe mencionar Sueños, tiempos y destiempos. El exilio romano de María Zambrano (UAM Ediciones, 2018), “Lecturas de Antígona o de la ciudad inclinada” (Las Torres de Lucca, 2018), “José Bergamín: cuerpo y voz” (Iberic@l, 12, 2017), “Narrare, narrarsi l’esilio”. (Funes. Journal of narratives and social science, n. 1, 2017), “La España cóncava de Ramón Gaya” (Theoría. Revista del Colegio de Filosofía, UNAM, 30-31, 2016), y el monográfico “Cuerpo e identidad en la sociedad del leisure” de la revista Bajo Palabra. Revista de Filosofía (2016).

Españoles nuestros en Roma. Una retrospectiva “La llegada a Roma a partir de los años cincuenta, de aquellos que llegarían a ser nuestro amigos españoles, ha sido para algunos de nosotros una de las más grandes y positivas adquisiciones de aquel periodo”, comentaba la intelectual Elena Croce en un artículo titulado “Spagnoli nostri a Roma” (1977).

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial y la derrota de los totalitarismos italiano y alemán, la península italiana se convirtió en una meta privilegiada de llegada de los exiliados españoles, quienes se insertaron en un clima de ferviente interés por España y su cultura y solían reunirse en tertulias, acudir a cafés y colaborar en empresas editoriales de la época.

Españoles nuestros en Roma. Una retrospectiva tiene como objetivo principal recuperar y visibilizar el material periodístico, fotográfico, radiofónico y visual conservado en los archivos de la ciudad de Roma y vinculado a la presencia de los exiliados republicanos españoles, desde los años cincuenta hasta mediados de los setenta del siglo pasado.

El proyecto propone un recorrido a través de algunos de los momentos más significativos del encuentro cultural entre el exilio y el ambiente intelectual italiano de la época: la exposición de Pablo Picasso en Valle Giulia de 1953 y las colaboraciones de los exiliados en revistas y editoriales de la época. Así mismo, el proyecto recupera aquellos testimonios personales –entrevistas, diarios y epistolarios– que, no suelen formar parte de la memoria oficial del exilio.

Proceso El poeta y escritor Antonio Machado escribía que “no hay camino, se hace camino al andar”. El camino de mi investigación se ha hecho, en efecto, al andar: ha sido, ante todo, un camino real por las calles y los archivos de la capital italiana, en busca de material de no siempre fácil alcance: artículos, ediciones originales de libros y catálogos, cartas, diarios, programas radiofónicos, fotografías. La Biblioteca Nacional de Roma, La Fondazione Camillo Caetani, la Biblioteca Angelo Monteverdi, la Biblioteca de la RAI y la propia biblioteca de la Real Academia han sido mi segunda casa a lo largo de mi estancia en Roma.

El trabajo en archivos, es sabido, esconde siempre un gran peligro: no encontrar lo que estábamos buscando o encontrar documentos que de repente nos obligan a reformular nuestra investigación, a cambiar la trayectoria de nuestra andadura, que nos obligan a un enriquecedor ejercicio de flexibilidad.

Mi camino ha sido también un camino simbólico, a través de los textos y de los testimonios de los exiliados españoles, siguiendo huellas a veces muy débiles pero reveladoras para entender cómo veían y vivían Roma, Italia y su propia vivencia del destierro. Un camino que me ha llevado a un resultado inesperado: la creación de una serie de rutas literario-poéticas por la Roma acuática, gattara y heterodoxa de los exiliados españoles.

Experiencia Las vueltas, es sabido, no son siempre fáciles. Pero pueden esconder tesoros inesperados. Así contestaría a las personas que me han estado preguntando durante meses sobre qué sentía, como romana residente en España, al volver a mi ciudad y hacerlo con una beca de la Real Academia de España en Roma.

La cultura, escribía la exiliada María Zambrano, no es un lujo, sino tiene que ver con algo fundamental para nuestras sociedades: la convivencia humana. Ante todo, convivencia con la ciudad de Roma, con sus calles, travesías, plazas, fuentes y autobuses, con la belleza casi devoradora de su vista desde el Gianicolo. Mas también convivencia en la Academia, entre edades, disciplinas, países diferentes y trayectorias personales de las más variadas. A raíz de esta convivencia han nacido grandes y pequeñas colaboraciones, de muy diferente forma y no siempre visibles en los resultados finales del proyecto, pero imprescindibles para su ideación y desarrollo.

Me he llevado una maleta llena de pájaros, luciérnagas, piel de tinte y cobre, moscas, cañas, círculos y cuadrados, cajas y telas, partituras y músicas lejanas, retóricas, alquimias y vidrio de Murano, ornamentos barrocos, palabras renacentistas y puros cubanos. Todo un equipaje que más que como signo del pasado, veo y siento como una semilla para el futuro.

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“La memoria suele ser la fortaleza de los desterrados” María Teresa León “La prenda que el exiliado conserva entre sus manos, mientras mira el cielo sin interrogación y sin llanto, debe ser esa. Désele voz y palabra. No pide otra cosa sino que le dejen dar, dar lo que nunca perdió y lo que iba ganando: la libertad que se llevó consigo y la verdad que ha ido ganando en esta especie de vida póstuma que se le ha dejado. “ “Y yo pienso, ahora, si el infinito no es el nombre que damos siempre al destierro, al exilio.”

María Zambrano “Dejé por ti todo lo que era mío.

Dame tú, Roma, a cambio de mis penas, tanto como dejé para tenerte.”

Rafael Alberti “en el tejido de las horas compactas la araña de la memoria fija estira se cuelga recoge hilachas” Enrique de Rivas Cuando María [Zambrano] me escribió, hace algún tiempo, desde su Roma: “Esto, Ramón, se parece a la vida”, no entendí muy bien lo que había querido decirme, o peor, pensé muy a la ligera que había entendido, y lo dejé entre las cosas que más o menos sabía o creía saber. Ahora, en cambio, me doy cuenta exacta, aunque me resulta imposible precisarlo más, formularlo mejor. Sí, esto se parece a la vida [...], esto recuerda la vida.

Ramón Gaya

1. Archivio Museo della Galleria Nazionale d’Arte Moderna. Roma / 2. Foto de Juan Ballester. 1991 /3. Collage de Elena Trapanese /4. Incom: settimana illustrata.

17.07.1954 / 5. - 8. Fotos de Vincenzo Giura. 2018

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ANA ZAMORA Madrid, 1975. Titulada Superior en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En el año 2001, funda Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua que desarrolla una labor de investigación y formación para la puesta en escena del teatro medieval y renacentista. Con esta compañía ha estrenado doce espectáculos que han supuesto todo un hito en la recuperación del teatro prebarroco, desde una perspectiva absolutamente contemporánea.

Al margen de su labor en Nao d´amores, ha realizado puestas en escena de textos muy diversos y destacan sus trabajos para teatros nacionales como el Teatro de la Zarzuela y el Centro Dramático Nacional (2009).

Ha participado como ponente en múltiples seminarios y congresos, y ha impartido talleres formativos en diferentes países (España, Italia, Portugal, EE.UU, México, Colombia, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, Uruguay, Brasil). Es académica correspondiente por la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce y, a lo largo de su trayectoria profesional, ha recibido distintos premios.

Influencias italianas en el teatro renacentista español: resucitando a Torres Naharro Estudios de carácter filológico han demostrado la influencia italiana en el nacimiento de la comedia española. Sin embargo, queda pendiente una importante tarea: la de indagar desde una perspectiva multidisciplinar, práctica, en otras influencias escénicas que sentaron las bases para el nacimiento de una identidad teatral propia, nacional, aunque con profundas raíces en la cultura teatral europea.

Aprovechando la celebración en esta temporada 2017/2018 del 500 aniversario de la edición italiana de la Propalladia, gran compendio de obras de de Bartolomé de Torres Naharro, he optado por canalizar la búsqueda a partir de este dramaturgo extremeño, que escribió casi todo su teatro en Roma, que ha sido considerado el primer preceptista teatral español, y que es hoy un gran desconocido sobre las tablas.

La finalidad de mi investigación no será el realizar un trabajo de carácter academicista, sino establecer, desde una base rigurosa, los referentes sobre los que fundamentar una puesta que, realizada en coproducción de Nao d´amores y la Compañía Nacional de Teatro Clásico, pueda ser expresión viva de aquel ámbito de intercambio e influencias que tuvo lugar en Italia a comienzos del siglo XVI. Nos hallamos, por tanto, ante un proyecto que supone un privilegiado nexo entre lo académico y la práctica escénica que, lejos de pretender quedarse en el ámbito de lo historicista, reclama un espacio para nuestro teatro prebarroco como lugar de reflexión imprescindible para nuestra realidad presente.

www.naodamores.com

Comedia Aquilana de Torres Naharro. Cartel

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Proceso y experiencia Esta beca concedida para la residencia en la RAER, se enmarca en un ambicioso proyecto global que, contando con la colaboración de diversas instituciones españolas, me ha permitido realizar una original aportación a la recuperación de nuestro patrimonio teatral.

El arranque de la fase documental se desarrolló entre junio y septiembre de 2017 en Segovia, en la Casa del Arco del Socorro, cedida por el Excmo. Ayto de Segovia.

En esta etapa, me adentré en el estudio sincrónico del texto y sus implicaciones originarias (características estéticas, estructurales y de significado, proyección de la obra de Torres Naharro en su teatro contemporáneo y en el público de su tiempo, etc.) para lo que conté con la asesoría académica del ITEM de la Universidad Complutense, a través de su plataforma PTCE, proyecto de investigación al amparo del Ministerio de Economía y Competitividad.

En agosto de 2017, gracias a la colaboración con Fuentes de la Voz, Centro para la Investigación de la Voz, Palabra y Verso, en Sorihuela (Salamanca), en colaboración con Fabio Mangolini (pedagogo de amplia trayectoria en el teatro popular italiano), abordaba una nueva fase en forma de taller actoral: posibles aplicaciones de principios de la comedia dell´arte a los textos renacentistas españoles.

Mi período de estancia en Italia, residiendo y trabajando en la RAER abarcó los meses de octubre y noviembre de 2017. En esta fase se establecieron y acometieron las líneas de elaboración dramatúrgica, a partir de la recopilación de todo un colchón de materiales documentados durante mi estancia en Roma: referentes literarios e historiográficos, histórico-artísticos, vinculadas a la historia de la puesta en escena, a las técnicas interpretativas en el Renacimiento italiano y el acercamiento a las pervivencias de carácter antropológico para rastrear el concepto de fiesta popular y cortesana.

En diciembre de 2017 aterrizaba de nuevo en Segovia (Iglesia de S. Nicolás cesión del Ayto de Segovia, y Nao d´amores en el pueblo de Revenga) con todo el material recopilado durante mi estancia en Roma para materializar la propuesta estética y estilística, establecer las bases de la puesta en escena, e iniciar talleres formativos y ensayos con el elenco de actores y músicos.

El 16 de febrero de 2018 culminaba la materialización escénica del proyecto con el estreno en el Teatro Juan Bravo (gracias a la colaboración de la Diputación Provincial de Segovia) de Comedia Aquilana, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico (INAEM. Ministerio de Educación Cultura y Deporte).

Posteriormente el espectáculo haría temporada en el Teatro de La Comedia, sede en Madrid de la CNTC, para comenzar después una importante gira, que nos permitirá compartir el trabajo con diferentes tipos de público.

Fotografías del espectáculo y del equipo artístico durante las representaciones en el Teatro de La Comedia, Madrid, 2018

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RESIDENTES 2017-2018

Javier Arbizu

Juan Baraja

Ángela Bonadies

Miren Doiz

María Esteban Casañas

Inma Herrera

Leire Mayendía

Cecilia Molano

Álvaro Negro

Milena Rossignoli

María Gisèle Royo

Javier Sáez Castán

Julia de Castro

María Teresa Chicote

Roberto Coromina

Javier Hontoria

Miguel Leiro

Miguel Marina

Nuria Nuñez

Santiago Pastor

Abel Paúl

Elena Trapanese

Ana Zamora

TRADUCCIÓN

ONE MORE YEAR One year more, we present you with a very special exhibition made unique and exciting, through a very special feature that is none other than its Roman essence.

For 145 years now, the Spanish Royal Academy in Rome has seen, passing by its walls at the top of the Gianicolo, a never-ending flow of artists of many different profiles and facets. Novice and renowned, bohemian and solitary, introspective and expansive…

All of them have experienced a before and after in their trajectories after having passed through the Academy, having been submerged in its atmosphere, being impregnated with the light of Rome. In this city, in the late 19th Century, a great number of countries established their academies, as Rome was considered the eternal metropolis of art. And today, they all remain. Perhaps Rome is not considered a reference for contemporary art in this first quarter of the 21st Century, but it is certainly undeniable that contemporary art has found, and finds, in Rome an endless source of inspiration of creative and transformative essence that reaches the most inaccessible places in the mind of an artist, and is reflected in his or her artwork. Nearing its 150th anniversary, The Spanish Royal Academy in Rome is today a space for creation, investigation and artistic residence of reference in our country. A space which has learnt to evolve and to adapt to the necessities of an ever-changing and more open-minded society, very much reflected in the world of art. The Academy is today a space which combines this tradition which it does not deny with modern tendencies and tries to maintain, reinforce and improve, year after year, this primal spirit driving the creation of our artists, for whom it was created.

Each year, Madrid receives and shows this essence inspired by Rome brought to life in the work of the artists, the scholars of the Academy. “Real Academia de España en Roma, La radice del domani”, is the result, the heritage and the creative process of 23 artists and researchers who, during the period of 2017-2018, gave free rein to their own capacities in such different disciplines as paint, photography, architecture, drawing, installation, video-art, sculpture, music and theatre, among others. The result is a different exhibition, heterogenous owing to its diversity of represented artistic disciplines, but suggestive, stimulating and resulting in great quality which, thanks to the curating touch of Jesús Donaire, architect and former Roman intern, finds the guiding thread and common interrelation.

We are filled with pride of this project, of which the Ministry of Foreign Affairs, European Union and Cooperation are guarantors, also feeling satisfaction in that, as has been customary in many other editions, The Academy of Fine Arts of San Fernando is to provide an incomparable setting to receive and present this Roman project in Spain, thus reinforcing the existing historic close relationship between both acad-

emies. For the first time, the contemporary artwork of our artists and researchers may be seen in both temporary exhibition spaces of the Academy of Madrid, a condition which offers a higher and more visible repercussion, resulting in the quality of the perception of the collection on the visitor’s behalf.

The fact that one more year, Rome disembarks in Madrid, the fact that this cultural bond strongly consolidates itself edition after edition, is the fruit and a direct result of the work and collaboration among many people and institutions. I would like to thank, first of all, the Academy itself, the Head of the Academy Ángeles Albert as well as all of the people who work in the Academy, for their dedication towards the artists and researchers. Thanks to the Academy of Fine Arts of San Fernando, to the Head of the Academy, Fernando Terán and his team, for their help and for opening their space to the project. To the art curator Jesús Donaire and, of course and especially, to all the artists and researchers of this year 2017-2018, for their artwork, because without them or the Academy, this project would not be possible today.

Juan Pablo de Laiglesia y González de Peredo Secretary of State for International Cooperation and for Latin America and the Caribbean Ministry of Foreign Affairs, European Union and Cooperation. ________ Elevated on the Gianicolo, with some of the best views in Rome, the Spanish Academy has been the reception centre of Spanish resident artists of the Eternal City since its foundation in 1873. It has been over a century since the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando, as other European art schools, established a scholarship program in order to complete the education of its more accomplished disciples in Rome. Permeable to the assimilation of an aesthetic language loaded with classical references from direct contact with the vestiges of the ancient world, those fortunate interns in Rome promoted the flow of ideas and forms, the absorption of models and their free interpretation via phenomenon of appropriation legitimized through practice over time. By assimilating and adopting new models, prevailing in a superior artistic field, the interns of Rome contributed to the formal renewal and conceptual modernity of Spanish art.

The artworks sent to Madrid by the interns were exhibited in the halls of the Academy to serve as a visual reference of a renovated art. Moreover, the stay in Rome opened up a wider market for the artist and offered the possibility of exhibiting in other European countries. That long, accumulated experience in the Academy of San Fernando and its close relationship to the Spanish Academy in Rome, has a logical continuity in the reception and presentation of the artwork of the current interns.

Being able to materialize their projects over a long stay in Rome is an opportunity which the creators do

not forego. Their results constitute an eloquent testimony of the new aesthetic tendencies and of the excellent creative standard achieved by the succesive student promotions.

The Academy of San Fernando is pleased to present and exhibit their artwork for the public’s critical judgment. Many are the reasons for the suitability of the city of Madrid as the headquarters for the exhibition of the Academy, but perhaps one of the most significant ones is that many of current academic members had themselves been interns in Rome. Therefore, as in a perfect cycle of historical continuity, one more year the interns’ proposals return to the Academy of Madrid, its natural welcoming space… And one more year we are fortunate witnesses of the excellent state of health of the new generations of creators and cultural invigorators.

The exhibition of the interns in Rome is the result of a well orchestrated team work. We feel profoundly connected with the development of the Spanish Academy in Rome, we admire its succesful current management and we take care of the bond that unites us in our brotherhood. We are also very aware that the Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID) , which has just celebrated its 30th aniversary, is the promoter and architect of the ongoing favorable changes in the Rome scholarships.

From our privileged condition of coleagues with shared initiatives, we would like the people responsible and the team from AECID to know that they have our full support, appreciation and admiration.

Fernando de Terán Director of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando ________ AND IT SNOWED IN ROME The dawn was snow-covered. Grey, cold and calm. It was if as time had stopped. Even the seagulls ceased hovering over the shores of the Tiber. But just after daybreak, upon the chimes of San Pietro in Montorio waking the residents of the Academy, a relentless string of exclamations barely suffocated by emotion, began to fill the rooms, the halls, the kitchen. With camera on shoulder, more or less equipped, their descent began, little by little to lose themselves in a white city. Made of cotton. Noiseless. In which to breathe was almost painful owing to such beauty. It was another Rome. Set aside only for a few, though millions of people contemplated it in their homes.

In some way that winter confirmed what the autumn had anticipated and what we had seen from the hill of the Gianicolo. That it wasn’t going to be just another year. Even the starlings decided to remain static!, suspended over the cemetery of summer, dancing to the rhythm almost forgotten as their own. That they had no other than their own clefs. They weren’t following warm air currents, nor did they allow themselves to

be shaken at the mercy of anyone or anything. They were themselves. The calm had arrived. From the beginning, serenity enveloped the Academy as well.

Who knows if the artists, researchers or managers carried in their suitcases neat packages of equilibrium and containment, or if they had wisely succumbed to the magical Rome, mysterious, complex, and nonetheless so often described by audacious travelers without any time for reflection. However it may have been, the generation that lived within the walls of San Pietro in Montorio between October 2017 and June of 2018 overwhelmingly appropriated the space and time. They made the most of every second. They travelled to discover the ends of the underground and bus routes, they walked through alleys and fields led by architects, poets or the curious of mind, they photographed neighborhoods soured with disenchanted utopias, they slept until the break of dawn with the stars of Forte Prenestino. They got lost among books of old, frames patiently claiming their painters or bamboo canes awaiting on the paths. They pursued the past being the augury of tomorrow. It seemed as the perfect decoration set, touchable and before our very eyes, but for our residents, only them, capable of transforming the course of Roman time into poetry and trapping it with finesse. And always with serenity. In peace. Calmly. Although, as the months went by, it became frequently apparent, and the turmoil of ideas and imagination passed from the individual to the collective, and the sometimes difficult to contain emotion, anger, rage or tension, seemed to want to seep through the hands of the clock that announced the end of the day. This is why, some of the most beautiful works arrived almost by tiptoe. When the evenings were getting longer and you could start to assimilate that other “sconosciuta” Rome.

This generation reminded us that the dictatorship of who wants to control the time of the century, sometimes goes against what should be essential or what really is important. That in order to create, there is no time, but times. That not everything is valid. That not everything, nor everyone is the same. That there are no rules nor recipes. That sometimes what seems apparent, close to us and obvious, is only masking what one really is, would want to be or simply will be. That sometimes it is more important to stop and see, look and feel, to listen and to think and, above all, to listen to one another, to see ourselves and to feel for each other. And the Academy obliges co-habitation. It invites reflection and the respect of differences. This is why, without a doubt, the future barely imagined by the 23 men and women who lived in Rome is now starting to appear. We are only able to see the incipient sparkle of what is to come. Lines on a stave that are only good for the first chords of a story which began in Rome but will leave the margins of the sheet music, that will fill with silences just like the delicious and melodic pauses of a generation that has not yet revealed the best of itself.

They, grant-holders, scholars or creators and researchers in residence form part of History. With

them, there have already been 943 men and women who have helped build the Spanish Academy in Rome into what it is today, an institution that opens its doors every day, offering a space for cultural creation and innovation. Approaching our 150th anniversary with the resolve and certainty that, each piece of art we contemplate, each fragment of research that we offer, are windows through which we suggest looking through and doors through which we extend an invitation to come in and enjoy, to feel in some way accomplice. In essence, proud of the result of the collective effort of a society that supports creators and researchers, one of the finest investments and worthwhile wagers of the future.

All those who work in the Academy know. That is why I’m taking this opportunity to express my gratitude for their effort and dedication throughout every day of the year and especially to those who collaborate in the processes of renovation of an institution, which, full force, over three centuries, has always led processes of change and innovation in the cultural sector. They know that without them the Academy would not be what it is today. My gratitude as the Director and as a colleague. An extensive thanks to those who are on the other side of the Mediterranean, in Spain, helping us day by day from our Secretary of State of International Cooperation and for development.

Lastly, I would like to especially express my appreciation full of gratitude to Jesús Donaire, not only for curating and designing the exhibition, but for contributing with his experience, years after having been a fellow grant-holder resident of the Academy.

A return, a sort of feedback, vital for our institution.

Crossed generations of grant-holders who come and go. Sums of experiences. Threads, wickers with which we continue to construct dreams from the perspective of culture in order to live better.

2019, the Spanish Agency of International Cooperation for the Development, AECID, was present with a stand that made the grants known for the Royal Spanish Academy in Rome 2019-2020. Over those days, outlined within the different actions carried out by its director Ángeles Albert de León, staff members of the RAER continued developing strenuous documentation work which consisted of interviewing previous grant holders from the Academy regarding their stay in this institution. Among them, José Rafael Moneo Vallés was interviewed, celebrated architect winner of the Pritzker Award of Architecture in 1996 and annuitant of the Royal Spanish Academy in Rome during the period between 1963 to 1965. In the interview at the stand in ARCO, Moneo stressed the importance of his experience at the Academy on a personal level owing to the friendships he nurtured there with other creators, such as the sculptor Francisco López Hernández, the visual artist Isabel Quintanilla, the musician Amando Blanquer Ponsada, the painter Manuel Alcorlo Barrero or the sculptor Francisco Toledo Sánchez. But, and above all, the importance that his experience in Rome had for the architect in his subsequent professional development, in his way of thinking, in his profound knowledge of Italian culture, and important works such as the National Roman Art Museum of Merida (1980-1985); a project in which we can see so many of the lessons learnt in Rome. The Western culture to which we belong, without a doubt, owes a lot to Italian culture.

Italy has always been a space for creation, of re-interpretation, of being born again, of (baroque) experimentation and of historical reflection. It has been present in the mind of pivotal creators from every artistic discipline, in past ages as well as in more recent ones. And, in this splendor which has endured time, Rome has been the permanent gravitational center.

In 2012, the MAXXI, National Museum of Art of the 21st Century, opened its doors to an exhibition called “The Italy of Le Corbussier”, showing documents of Mª. Ángeles Albert the Grand Tour on its way through Italy, in 1907 for Director Spanish Academy in Rome the first time and in 1911 for the second. Years later, ________ the architect would become the father of the Modern Movement. Somebody who, studying the Classic LA RADICE DEL DOMANI Rome, knew to re-invent the future and revolutionize the architecture of his present times. The exhibition MAXXI left testimony of the relationship between It“One cannot forget that Europe starts from the clas- aly and the master. It is inevitable to analyze works of sic Rome. The Western culture, which we are part of, Le Corbusier, such as the Chapel of Ronchamp, withowes so much to Rome that the Roman experience out mentioning the baths of Caracalla of the Roman is inevitable for those who wish to know where they Pantheon, the light and shadows and the materiality, come from. It is true that today, in a virtual world, so present and influencing, sterotomic. For Le Corone takes knowledge for granted and, nevertheless, busier Italy, Rome, was the radice del domani. to see Rome as the origin of so many things in our culture is still somewhat final. To say Rome is to say Italy, though Rome encapsulates what the Roman For many grant-holders of the Academy, this idea of culture has given to Western culture.” materiality is necessarily sought after for their work.

Fruit of this is the production of the scholar of IndusRafael Moneo trial design Miguel Leiro, immersed in places and specialized workshops all throughout Italian territory, In the past edition of the ARCO Madrid Fair, which such as the village of Carrara, in the Tuscany region, took place between February 27th and March 3rd of or the island of Murano, thus making the most out of

the exquisite tradition of the country. In these places, Leiro was able to generate objects that talk about the quotidian but are reinterpreted with a glance that observes them from a different perspective and which materiality makes the objects re-invent their own use.

Objects made out of noble materials such as wood, marble, glass, steel, ceramic, and other more modern materials such as plastic. All of them re-drawn and simultaneously vibrating between the artisan and industrial worlds. In this same way, Inma Herrera shows us, among other approaches to her work, the process of etching, precisely from a material point of view, making her morbid skins talk about the process of etching with the mirroring and geometric copper board. Javier Arbizu, on his part, makes the material an essential part of his experimental development, even transforming parts of the human anatomy in objects of bismuth which tend towards dematerialization due to the intrinsic characteristics of this element. Even in the two dimensions, the subtle strokes which extend over Álvaro Negro’s canvases attain a special material presence, which acquire a greater relevance in his dialogue with the historical material presence of some frames dated between the 15th and 18th centuries. Frames which have been paramount elements in the development of the artist’s work in his time in Rome.

Matter has also been photographed from the cold and abstract structural concrete of the Corviale building designed by Mario Fiorentino, central axis of the scholar Juan Baraja, to the taxonomy he establishes, between two worlds separated by a crevice, Ángeles Bonadies in many places, textures, shadows, ruins, fragments, doors, windows, absences… Rome.

In the year 2024 the Academy shall celebrate its 150th anniversary of the first class of grant-holders.

Hence the title of this text wishing to mention the future. The future yet to be discovered. The institution as a resilient entity with capacity for positive adaptation to change, recognizing, truly, the Roman origins as basic roots of our Western culture and as an inexhaustible source of inspiration for so many creators, already close to the thousand.

Out of these close to a hundred and fifty years, the first hundred, approximately, were aimed towards grants for paint, sculpture, architecture, music and print. These disciplines were represented this year

by Miguel Marina, Roberto Coromina, Javier Arbizu, Miren Doiz, Álvaro Negro, Milena Rossignoli, María Esteban, Santiago Pastor, Abel Paúl, Núria Núñez and Inma Herrera. The next twenty-five years the doors of the institution were opened to other disciplines, such as History of Art, restoration, archeology, museology, literature, represented this year by María Teresa Chicote and Elena Trapanese. And, towards the end of this period, to cinematography, photography and to plastic and scenic arts, represented by María Gisèle Royo, Ángela Bonadies, Juan Baraja, Javier Sáez, Julia de Castro, Ana Zamora and Cecilia Molano. More recently, over approximately the last

twenty-five years, with the same spirit of openness towards other disciplines that made the institution into a model of plurality of culture and creativity, the Academy started to see within its ancient walls the works of scholarships in comic, graphic design, video-creation, curating and artistic mediation, visual arts, gastronomy, fashion, industrial design and new technologies. This year developed by Leire Mayendía, Javier Hontoria and Miguel Leiro. All this while maintaining the classic techniques vivid. A true center of the knowledge.

The Academy conceived as a condenser of creation, research and experimentation in constant development. All orchestrated by the director of the institution. Ángeles Albert, who has very closely accompanied, with respect, support and with an exquisite curatorial work, the creative processes of the grant-holders, aided in these and other matters by the staff of the Academy, always vigilant of the necessities of the scholars. In the year that concerns us we were able to witness the valuable work of the scholars who form part of these new disciplines, which are becoming more established among those more classic disciplines. This is the case of the work of the industrial designer Miguel Leiro, already mentioned before in this text, the graphic designer, sculptor and dancer Leire Mayendía, who has blurred the spatial limits in the Hall of Portraits of the Academy into images of background-figures where the main characters show the importance of the Italian immigration in the culture of tango in Argentina. The scenic project “Luciérnagas” by Cecilia Molano, who, with great poetry, transforms the body of Stella into the main character. A body between the ruins and the Roman pines and where the viewer observes an impassive body, in resistance, of a faceless woman. A work including the image, writing, the body and the brushstroke.

Javier Hontoria also becomes part of the group of grant-holders of these new disciplines as an artistic curator who, through his research and exhibition proposal, has put once again in first line of interest the work of the Italian artist Gianfranco Baruchello. María Gisèle Royo would close this list with an audiovisual, documentary and cinematographic work, complex in so far as the personal considerations and the entailed background questions, extrapolating the figure of the Augures into the contemporary context.

Not by coincidence, in this enriching panorama and precisely in the exhibition Processi 145, showcased in Rome in June of 2018, the public was welcomed at a giant table named the table of knowledge. This table was designed, as a welcome gesture, to present extracts from the work of the 23 grant-holders, showing the plurality of the disciplines and, even more important, the bond shared by them. Undercurrent to that table, the first of a long sequence of cut images was located on the deep walls of the Academy with Rome at our feet.

The Academy cannot be understood without that privileged position from which to observe all those domes that pierce the reddish Roman sky. Domes that made Rome shine once more in the ages of the Renaissance and Baroque and which now live with the vestiges and structures still very present of the Classic Rome. Exemplary domes of the most intelligent use of geometry, mathematics and constructive logic. One may find an example of this genius, among others, in the small dome of the triune church of San Carlo alle Quattro Fontane, projected by Francisco Borromini in the 17th century. The grant-holder María Esteban worked with this great model of architectural space of the Baroque; doing so as a provocation to history through her work process: María reinterprets the baroque ornament through computation using parametric systems. The precise geometric use of the great master of the Baroque interpreted as an origin for random transformation, of a controlled chaos, of a mutating ornament which adapts to the conditions of its surroundings. A recognition of the rigor and precision of the past as a point of inflection towards a future in which the projection of the architectural space must attend to so many diverse agents.

María’s work is one more example of how the new technologies take, each time, more of a leading role in the new investigations and in the creative processes of the grant-holders.

A tomorrow, domani, which does not cease to observe the cultural heritage, the radice, to continue on discovering new processes of creation, new forms of expression, new footprints in history. All in an intense city, Rome, that is only quiet at night, when silence takes place, when knowledge settles, where the dreams are vigilant. A silence which marks the time of today, of yesterday, and of tomorrow. A time which in the Gianicolo seems to be marked by the solemn presence of Bramante’s Tempietto, witness of the views of close to a thousand grant-holders, scholars, who are part of the great family of the Royal Spanish Academy in Rome.

Jesús Donaire Curator ________ FROM THE TERRACE OF THE ACADEMY: STRATA In the first frame the title of the movie is trimmed over a panoramic vision of Rome and the imposing profile of the city, in travelling, it reminds us of our own eyes from the terrace of the Academy. To look and get drunk from each incident in the vision -domes and stories-, incidents which define the city itself, the fundamental of its essence and what is added in each stroke. Eyes that breathe before the Roman magnitude; eyes that when they look beyond -where vision is quartered barely as in a background of Raphael - fill one’s lungs with preterit and present, because they fill them with a blatant and solemn light

which afterwards, on foot, having lost sight of the general view, obtains audacity and abdicates a bit of solemnity.

Rosellini has drawn, stark, the Rome of the mid 1940’s in his movie Roma cittá aperta and amidst the political and human tragedy in his plot, he decides to go back, sometimes, to other terraces that serve as a backdrop for the persecution and nazi repression, mainly, as a Roman contrast between what is inside and what is outside; what is lost with eyelids that are squinted due to the light and what the emaciated streets revealed, debris from war, a perfect excuse to talk about the grim but, moreover, about the Roman strata present on each step along its streets.

And he returns to the gesture of travelling before the terrace of the Academy: it encompasses everything from the insolent Gianicolo. One is taken back outside and sees the still of Rosellini live, a black and white frame which, suddenly, has been tinged by the light of a sunset that reminds the retina of how each description of Rome falls short, at least in its necessity to display itself as dazzling, impertinent, with the glance submerged in an infinite game of vastness, a game that bewitches from the terrace and that, afterwards and the same as in Rosellini’s movie, upon coming down he transforms the trip in one that goes through space into one going through time. It is the mentioned strata that draw the elusive character of a city that is aloof in each alley. Aloof even in the production of the desire to inhabit, when it hides, stingy, the greatest treasures that emerge amidst a walk -the Pantheon at night, for example, ghost from another life lived, ours even, without anyone expecting anything; San Carlino: how it ended up there-.

Perhaps owing to that game of concealment and scheme, to that false extravagance that projects the profile of an ancient city- accumulations of domes and ceilings, a landscape of layers, cinema shots before the curtain of Manhattan from Jersey, before entering the island, the quintessential of modern cities-, Rome transforms the visual trajectory and the strolls into its season special. It has something of the wonderful concept of travel of which the poet Auden discusses, associated to existence as a “continuous succession of choices between alternatives”. Auden describes himself as a traveler and extrapolates the concept of a journey, to life itself : “The journey of life -he writes in 1944- is infinitely long and its possible destinations are infinitely distant from one another, but the time you spend on the journey itself is infinitesimally small”.

At the beginning of the decade of 1953, Auden tries to ask for a Fullbright scholarship for the course of 1954-55 at the University of Rome, but his plans end in frustration due to the repressive campaign from the official bodies- they do not like the people with the same sexual orientation as Auden. In spite of it all, he dreams of Rome -he had dreamt of Rome when in 1952 he compares the Roman Empire with the tech-

nological image of his time “vulgar, powerful and nevertheless desperate”; or when in 1947 he writes one of the poems which best describes Rome as the place where time and space cross paths, which reminds of and prefigures one as to who we were and who we shall become: The Fall of Rome. The verses intertwine the then with the now -as is the case with the streets of the city-, emphasizing that game and that tension, so typically Roman, generated around a present without remedy, sieged by the past. “The double bed of Caesar is warm/while an irrelevant employee/ writes I DON’T LIKE MY WORK/ on an official form of pinkish paper.”

Also, in Auden’s beautiful poem the stratum coexist and are crowded together -a way of describing Roman vagrancy, the life of layers which is hinted at through the walks and the frames of the city drawn

by Rosellini-. And an essential safeguard -to protect - the traveler through time and space: “Every literary keeps an imaginary friend”, Auden continues writing in the same poem. “The ancient times should be referred to as an immense country separated from ours by a long interval of time”, D’Hancarville had written in the volumes that Hamilton’s collection included, the beautiful vessels treasured by the enlightened traveler opposite the Vesuvius, not far from Ischia, the island in which Auden had spent some happy periods of time. Perhaps that overwhelming ambiguity that speaks of an unexpected journey from the terrace of the Academy -to try and encompass with the retina the space which is also time- defines the ultimate essence of the city, its crossings and stratum, the elegant gates find confrontation in Rosellini with the black hole in which the war had submerged the city into, a well of darkness from which that year of filming - hadn’t yet been recovered -1945-. They call it neo-realist cinema for a reason: it wasn’t necessary to build the scenography of desolation.

Years later, in 1985, María Zambrano also remembered Rome -one of her cities of exile, the one that took the writer and her sister in between January and April of 1950 and once again in 1953, that time for eleven years-in an article in Diario 16 in the month of June: “Rome, open and secret city”. This is a magical and deep text in which the philosopher talks about life and death in Rome, just as Rosellini; a city that dramatizes the buried -the catacombs- and the open -the terraces which display the entire Rome-; death and life sharing space and strata; trattoria and Jesuit churches; the Circus and the places of martyrdom and the ones of love to be alive, who Zambrano speaks of. In sum, once again, nerve and solemnity.

“There, the dead talk beside the consular channels.”, she writes.

Maybe this is why the Rome of her memory, of Rosellini’s debut, of right now, the one that has always been, the eternal city, is, at the same time, open and secret; what is shown and hidden -what it shows or hides- behind the thousand layers of history “It so

happens that Rome may seem entirely open, entirely visible and present, that, upon arrival, Rome is already there, prepared to be explored, to be seen, to be embraced. Moreover, when the traveler or the passenger -or rather the pilgrim- stops, he begins to realize that Rome is Rome, it is hermetic and secret, that seeing it as one normally does, like this, all of her present, is to see her in reality as a photograph of herself that sometimes opens. And for this distracted tourist or for a confident Roman even, who thinks he knows and lives the city, a crevice could open, an interstice, a void.”, Zambrano reflects.

The strata They have been arriving to Rome, each one of them, most likely, with their own tale of Rome; with their arms wide open, ready to embrace it and be embraced by this open and secret city. Each one of them has arrived with a passion and an idea and expectations, but Rome isn’t only concealment, but as the ancient cities -Zambrano keeps saying-, has at least three names: the secret, the official and the one that the people in love and the hermeneuts give it. Rome, says Zambrano, was Silvia as well and we thought about how it somewhat became one of the invisible cities of Italo Calvino, relic of hermeneutics: memory and interpretation.

They have been arriving and the city has insidiously submerged within their eyelashes and their thoughts, particularly because they have seen it from that high and mysterious place in the city map -the Academy-, which reminds one of the Sofronia of Calvino: the fixed structure, the one that remains, is the one that should be mobile.

So they have looked out from the terrace from which the Roman strata may be seen, and they have seen, with imaginative eyes, the title of Rosellini cut over the city landscape. Afterwards, in their study, they started to think about what they thought Rome was; in what they thought their project was; and in how much each thing seemed to have transformed without remedy, as when one arrives to Rome, one ends up being a circumstantial traveler of a Grand Tour of the senses. Upon arrival, having looked from the terrace, in depth from outside; when you share sleep with the most unexpected dream from Bramante; going down the stairs afterwards, now outside the enclosure of the Academy, soaking up the people of the neighborhood, the eyes are filled with hunger and satiation, and both complement and cancel each other out.

How to remain the same in this Rome that brims the eyes and the urgency of hunger and satiety? There is an overflow of ideas and they get canceled, between the privileged landscape, The Temple of Bramante -a breath of beauty, the space that is time- and the constant bustle of the Trastevere within a few steps, it seems forced that the plans and the images with which one arrives, become transformed within months, days.

Like this, just as what happened when Mondrian arrived to New York -when his precise surfaces became coloristic in the paint Broadway Boogie-Woogie- the proposal of a certain fractured minimalism from Roberto Coromina comes directly from the Roman Aporia and, like Mondrian, he changed the discrete surfaces to vibrant colors, although, as well, he organized his previous minimalistic ruptures -into many sets of repetition- and subdued them to a crossroads of time and space which impregnates the habitability in the Academy. All the pieces of a narration that take the tiles of the study in the Academy as a starting point: the precise, history, the process, the layered tales.

And starting over each day. And each success, a new failure in order to be able to continue trying.

Javier Arbizu, has arrived, in contrast, searching for the values of early Christianism, of a broken world, in fragments, similar to ours, but in Rome he has sensed other forms of contradiction that are only so in Rome, in its crossings between journey and strata. The city has offered him those ruins of a world in constant change that has fractured his works in a poetic and irreverent manner, mixing the contradiction of the figurative forms and the geometrical. It is the prize for having looked for Rome in the nooks of Rome.

It is the presences that slip away among the works of Alvaro Negro who, running after the traces of Giotto and the philosophical transformations of his period, has stumbled upon the vestiges of his own paradoxes, hunger and satiety of the ancient, to intervene in the ancient as one intervenes antique frames. It is in the project where the changes that Rome has imposed on Negro’s approach are apparent: there he contains himself, with the Roman invisibilities, certain “memory of an image” that he had been looking for upon arrival to Rome. And, it is one thing to dream about history and another thing to experience it every morning upon awakening. They are interventions about history that oblige the wanderer to stop and narrate once again the tale that, as the city itself, has a constitution based on layers.

As traces are part of the Roman essence, as the city is constituted by stratum, Milena Rossignoli materializes the unstable, the mutation, the translations which Rome and its many frontier “no man’s lands”, offer to those who are able to discern them. One may say that she finds the space of superimpositions and distance that have always been in her work in the powerful Roman skyline, especially from the Academy. “Thanks to the exchange, the space and the time that has been given to me, it will be possible, finally, to build distance.”, she writes in her perceptions about what her stay in Rome has meant for her art.

And to speak of space and time is to speak of accumulated stories – never-ending stories-. And to speak of stories is to speak of Rome. The fly of Javier Sáez becomes a sort of look out post for the events of the city and the imagination of the author. The fly changes from being that – just a fly – into being a Roman fly

that goes through eras and that his infinite metamorphoses discovers the idea in itself of a transversal and stratified Rome, a game of absences and excesses -the Academy inside and out-, that contribute to the creation of a marvelous narration of an insolent fly.

Also, Miguel Marina’s proposal, La X no marca el lugar (The X doesn’t mark the spot), was revised during his stay: what was going to be a series of paintings about the city, a sort of architecture for travelers, expanded and took hold of the three-dimensional space, transforming the first idea, expanding the proposal towards wandering, exploration and discovery. An extraordinary invisible trace took over the whole project -quotidian footprint of the glasses on the table cloth, or a ring of an oil stain left-over from the meals of the Academy-. “This is how the paintings appear in the studio, piled up on the floor, one on top of the other, forming false layers”, Marina comments. Time, be it nine months in his case, has passed very quickly.

For her part, Miren Doiz centers her narrative on recycling and takes the familiar as a starting point as a subversive proposal. She has previously worked with her own catalogues -in the mentioned recycling operation- raising an interesting question about cohabitation -or even as an impossibility- of using the catalogue as a way of preserving history, even one’s personal history. When she arrived, she wanted to use the catalogues of the artists who had previously been in the Academy in her intervention and her proposal developed towards a set of collage which imitates the profile of the history itself of Rome. She will take Rome back with her -just as she will the sensation of urgency- as after her stay she understood that she should have arrived earlier.

The academy adds, like this, to each project, that unprecedented look that summarizes the vision from the terrace, intensity in the eyes of the beholders.

For Inma Herrera, Ribera and Tiepolo a line between Madrid and Rome is established regarding print, but more than that, an attempt to revisit the technique in itself, revealing its stages and its secrets, exploring its traditional background -“the skin-image has been torn”, she writes. Her universe, even being of technical expertise, seems to have been metamorphosed: there have been many trials and much research on materials and, above all, much listening to the great masters, who finally, whispered to me. As she confesses, “Nothing ends in June”. On the contrary: it is the beginning of everything.

And it suddenly comes to mind, how June will be for the wanderers of the Academy -even year after yearthe beginning of an incredible journey that will have, forever now, Rome as a powerful backdrop over which the title of Rosellini’s film Roma cittá aperta is cut.

And secret, Zambrano adds. First of all, secret.

Estrella de Diego Writer and Art University Professor

RETURN TO ROME In June 2018 I had the opportunity to visit the Spanish Academy in Rome. It was the moment of the setting and opening the exhibition of the works of that year.

It turns out that three of this year’s edition’s grant holding artists are graduates from the Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, institution I was honored to direct from the year of 2008 to 2013.

Three powerful women: Ana Zamora, who studied Stage Management, Cecilia Molano, Stage Design and Julia de Castro, Interpretation. Moreover, the architect and curator Jesús Donaire and the also grant holder photographer Juan Baraja have coincidentally been part of my circle of friends for a long time. The occasion was even more stimulating, to gather in the Academy and support the work of the grant holders, former alumni and friends. I was pleasantly surprised by the dedication and well-doing of all of them, their respectful and excellent relationship and the shelter and attention provided by their director María Ángeles Albert, from Leon. Ángel M. Roge Former Director of the Royal School of Dramatic Art of Spain

sential. Severe poetic representation of a world that he transforms into dreamlike.

Artist of great experience with numerous individual expositions, Photogallery20 (Bilbao), Utopía Parkway (Madrid) or Espacio Líquido (Gijón). More than a dozen awards, grants and residencies for creation. His work is part of the Fundación Mª Cristina Masaveu, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, the collection of the UNED or the collection of the Spanish photobooks of the MNCARS among many others.

He values his stay at the Academy as very successful: “I liked getting to know the city in an unexpected manner, allowing myself to be impressed”. “I always work with specific buildings and in this case, from the start, I was interested in urbanism, a broader view”. “I also photographed the studios of the Academy, the gardens and my colleagues”. From his months there he highlights taking advantage of the city: “From this Roman experience on I’m going to work on this type of buildings, in fact I’m travelling tomorrow to Italy to photograph another similar case…”. In words of Susan Sontag “Today everything exists to culminate in a photograph”.

Julia de Castro

Juan Baraja The photographer Juan Baraja (Toledo, 1984) works on what was a great architectural project on the outskirts of Rome, the building Il Corviale. A project of the architect Mario Florentino which was born as a great center of absorption of social housing in the 70’s. A kilometer wide concrete building, with one thousand two hundred apartments and a capacity for six thousand people. The architectural complex, as many others, resulted in failure in its use, in the urbanistic planning and in the social integration. Nowadays there are communal areas reoccupied and constructions added illegally and without criteria…

Baraja firstly sets his objective on its structural essence, its primeval design and the construction material. He registers the adjacent structures as well, the crops, the animal care, in sum, the quotidian life.

“An analysis to which we would have to add the emotion that arises from the experience and a work method that always imposes a slow rhythm, necessary to dedicate enough time to each take”. The building and its first urbanistic project never worked becoming, in time, an isolated nucleus on the outskirts, not devoid of danger. “The result of my work on Il Corviale has nothing to do to with what I thought would be my initial project and is still changing today. What I want to show in San Fernando is more advanced, the work acquires today another meaning”. The result, some photographs that make you think, in its pleasant stillness, in its near absence of atmosphere, in favor of a meditation upon discovering the key to such a massive architectural structure. Baraja helps us see. Knowing where to stop, he synthesizes and contours the es-

In the majority of the grant holders the contact with the city modifies their project, and so it happened to Julia de Castro (Ávila, 1984). After reading the translation of the La Retorica delle puttane of Ferrante Pallavicino1 (1642), a reaction awoke in her which obliged her to reply: “The original is so misogynistic with a degrading and alarming manner upon observing and assessing the personality of the prostitute.

In his words, they always cheat, everything they do is a lie, everything is a false seduction…” So, what was originally set out to be a stage project became a critical essay, “rhetorical and dialectic” on the matter. “Pallavicino wrote, in his days, in answer to Cipriano Suárez in his De arte rhetorica2 and I answer him today and I hope someone will answer me before dying”. To that effect, she organized a risky and provoking work method. She went out onto the streets of Rome and did field investigation on the situation of modern day prostitutes. How do we look at them? To what extent are we repeating preceding cultural framework? That is where the analysis of an education and social behavior begins, children of the prevailing and systematized thought in the aforementioned discourse: “I had an idealized concept on the matter. My first arguments were naïve. I believed in legalization. I had never been with a woman who freely and willingly worked as a prostitute. I started to talk with a Roman prostitute, Susana. She was 51 years old and with the Catalonian prostitute Valeria, 31 years old. I paid their rates for them to talk to me. I studied their movements, customs…”

After the long conversations, surveys and reflections she understood that the result would be a book and

not a stage act. A book in response to those who pro- go community in the city of Rome, Fuimos was born. ceeded her. A critical essay as a result of the com- “The narrative in Fuimos is told through five scenes piled material and through the eyes of a young woman digitally photographed in a format of entry doors towho observes from the perspective of her gener- wards another space, a space occupied by tango that ation the same phenomenon once again. It is not a contains reflection and mysteries, solving the past, transcript, her position distances itself drastically human stories, codes, the weight of tradition. Each from that of Pallavicino. An essay wrote in Paris in scene is associated to the title of a song and its protwo months which is edited nearly at the same time tagonists are members of the community of tango of as the present sample. Susana, as Valeria allowed Italy, presented by possible archetypes. Lastly, one of themselves to be portrayed in photographs taken by the scenes is represented by me from the perspective Juan Baraja. The book is structured in 15 lectures of the human relationship created with them through that range from aspects of their personality and their this project. This last scene is the one linked to the trade. They both talked about their vision of the world video, interpreting tango through dance in the hall of and about their world simultaneously in their native portraits of the academy, a dance hall which, in the languages. With their statements, Julia de Castro past, was the context that accommodates the created builds a book as a twisted kaleidoscope that steers scenes. This hall is crossed from its different angles towards the synthetic essence of their statements. “I while the strong presence of the floor in perspective have memorized their laughs, their glances, the world, is evidence, in all moments, of that common space. their physicality, their acceptance of the historic con- Equally, the representative weight of the hexagon text”. In the end it is my thoughts though their state- flooring targets the acute relationship necessary ments. A discourse in response, after the edition as between the kitchen and dance”. The sample shows well of the text in Spanish of the original of Cipriano photographs of the process and its results.

Suárez. A brave work, with courage and stimulating controversy of the vocalist and founder of the group For the dancer, her experience still seems “a fasciDe La Puríssima. nating rehearsal that is only one small step, an intonation of everything that can be said through tango as a universe that contains means of cultural and Leire Mayendia self-dispersion, rituals of interaction, aesthetic rituals and emotional confrontation…”.

Our artist, Leire Meyendia (Bilbao, 1973) develops her endeavor on the foundation of a multifaceted education in which fine arts, sculpture and training as Cecilia Molano a dancer intertwine. In these last years she has centered her interest in tango as an element of commu- What is the roll of the artist in an age of darkness? nication, taking it to places destined for painting “as what does “to resist” mean? and, what is a feminine I tried to do in Madrid through events in the Galería resistance? is there a possibility in the creative work Taller del Prado and with it the strengthening of open of changing the means of production and relations? tango. To propose to some, the crossing of the board- what type of creation works in that resistance and ers of the plastic and to others, of the corporal”. how can its movements, its words, its pulse be described?...

Her project for Rome consisted in analyzing and digging deep into the existing relationships between With these questions, the video artist Cecilia Mothe cultural tradition and the development of tango. lano (Madrid, 1976) dove into the project LuciérnaSeeing at the same time that round trip between the gas. “What I am posing is an artistic investigation dance styles, the new ways and its evolution, from a that joins video, scenic and writing presence, within broad point of view, anthropological, “my time at the the framework of a stage production”. She counted Academy with a project such as this has allowed me on the dramaturgy of Kristien Van den Brande, with to give another dimension to this itinerary, as it has Cristina Moreno for the video and mapping and with allowed me to connect with a tango community in the dancers Tania Arias and Katrin Memmer for the Rome with which to embark on new collaborations”. work regarding the body. The creator defines it as a She dove in with determination and respect into the community work, “a scene fragment that works be“tango spaces, mainly milongas, where dancers, mu- tween video and live creation, a project of stage resicians and master organizers gather. Places located search that draws from the vision of the transformaalmost always in locations far away from the center tion of the audience into fireflies and the book from of Rome, almost certainly owing to the difficulty of Didi-Humerman: Supervivencia de las luciérnagas4 renting spaces at a reasonable price in the city center. (…) an artistic investigation in which I work on the This detail has a certain similarity with the original relationship between writing, body and image in the situation of tango in the suburbs of Buenos Aires. scene. The starting point is the article of Las luciérThroughout my stay in Rome I had long weekly com- nagas , de Pier Paolo Pasolini, “which is used as a mutes in order to be in contact with the community, in metaphor of the small lights of resistance in opposiwhich I felt very welcomed”. tion to the blinding light of the mass unifying culture”.

Her tools are text, drawing, the video-projection, the As a result of the work on her research with the tan- body and its presence. Her driving forces are insist-

ence, resistance (physical), to evoke-recognize and the idea. “None of them are subordinate to the others.

The word, the image, the body… She constructed a stage poem that incorporates, like ingredients, the animality, the vibration, the repetition and the fall…”.

A quest, thus, for the “definition of a place where all these elements find each other and fit”. Picture one: the idea of resistance. Picture two: Flight as a strategy. Picture three: the movie we want to live. “The project is joined by the notion of work-creation and resistance, it searches for the elaboration of the poetic that defines itself in the presence of the body on stage and the performative installation”.

She structured her work in three large blocks: “1. A video and performative installation that is a live product, from the word, written and spoken, the drawing and the image on video. 2. The projection of the movie “Stella” that links directly with the stage work and maintains a dialogue with it. Both pieces are inseparable. 3. A book that contains the conversations and work processes with the collaborators and with several speakers discussing the subjects the work covers”.

I rescue from her stay in Rome: “I film and write forests of these Roman pines which impress me even more vividly than the ruins”…

Nuria Núñez The educational renewal of the pedagogue specialized in workshops on children and youth comedy, Giovanni “Gianni” Rodari (1920-1980), is the starting point of El sueño del señor Rodari. The composer Nuria Núñez (Jerez de la Forntera, 1980) devised this composition as a chamber opera for a public from 6 years and on. Her assertion is that the development of this work provokes the interaction between audience and executioners. Overall it’s about a new viewpoint of Rome through its more popular tales, “those which conform the collective imaginary of the city and its inhabitants and that, over the years, have contributed in forging, one way or another, its socio-cultural identity”.

During her stay in Rome, Nuria did everything: composition, speaking to and convincing the necessary people and thinking in every element of an opera production. Nuria began her training at the Advanced Conservatory of Music of Cordoba and she broadened her studies at the University of the Arts of Berlin (Universität der Künste) where she concluded her studies with a master’s degree in composition.

Núñez Hierro asserts that her work “is sustained in the exploration of the duality of the interpreter/instrument and in the deepening of the multiple relationships which each establish with each other, with the stage space and the audience. In her work, she not only tries to explore the instrumental possibilities through preparations or extended techniques, but she

also holds into account the fallible and physical presence of the person behind the sound: the tension of a clarinetist on producing an altissimo note pianissimo, the weight of the arch over a Tam Tam, the contained breathing that proceeds the first entrance…” All this is part of her endeavor and influences in her way of composing.

As the universe of influences exercised over the genesis of her work she recognizes the particular sound worlds that surround the literature of the Latin-American writers, specially Jorge Luis Borges, Xavier Villaurrutia, César Vallejo or Antonio Ramos Rosa…

Composer of brilliant trajectory, her works have been broadcasted on radios such as Radio Nacional de España, the SWR2 or Deutschlandradio Kultur. As a university professor she balances classes with conferences and masterclasses at the CalArts in Los Angeles, Musikhochschule Franz Liszt of Weimar, University of Arts of Berlin (UdK Berlin), Universidad Complutense of Madrid or the Advanced Conservatory of Granada.

Abel Paúl The composer Abel Paúl (Valladolid, 1984) created four musical works destined for a specific location of the historical enclosure of the Academy. “My project consisted of the composition of various works that explored the acoustics of different spaces in the Academy. In reality, the nature of the project remained intact until the end of the residency, but the technical decisions, writing the compositions, varied greatly on the basis of the characteristics of each space.

It was especially interesting to experiment with the acoustics of Bramante’s Temple and the acoustics of the Roman cisterns situated under the inferior cloister. Both of these spaces were used as enormous sounding boards which projected the sound to the exterior in a particularly effective way. The work with the Roman cistern was probably the most fascinating of all”. The artist wanted to associate his work to some of the explanations and descriptions that the Roman Vitruvius developed in his ten books of architecture. His proposal calls for an itinerant audience that conjugates the sonorous perception with the architectural envelope and, along with them, its diversity and changing states. The sound in the space also generates architecture, it creates, modifies and reconstructs spaces, just as the bells do of a church which expand a sonic presence in a centrifugal manner from which there is no escape, which ends up generating part of the urbanism. A sound may become the fourth dimension of an enclosure. The best theatre set designers have for a long time beard in mind that there are other elements and dimensions which define space. Sound and light cover those new spatial dimensions in a well thought out production.

Architecture isn’t just the art of cubing light through different volumes, solids and voids, it is as well the

generation of enclosures of communication. How many “alphabets, solfeggios or cinematography” can we set to converse at the same time? Abel proposes an itinerary, a passage that invites us to capture different spatial atmospheres delicately intertwined over differentiated sonic masses. The composer tells us that even “the sound physically entwines with the materiality of the building, appropriating for a moment the different spaces which conform the work”.

In the past, the composers adjusted duets, quartets or sextets, string and/or wind depending of the palatial space destined for the opening, taking into account the volumetric dimensions of the halls in relationship to the sonic mass of the suggested instrumentation.

Abel studied composition in the Conservatorium van Amsterdam with Fabio Nieder and Richard Ayres as his main music maestros, and in the Universität der Künste of Berlin with Walter Zimmermann. He did his PhD at the Huddersfield University of the United Kingdom. In spite of his youth, Paúl’s music has been awarded with numerous awards: 2008 Salvatore Martirano Composition Awards (USA), the National Award of the CDMC in 2010, SUAL Award, Vienna, 2014, “BBVA Ayudas a Creadores Culturales Award” (Spain, 2014), the Internationaler Musiktheaterwettbewerb Darmstadt (Germany, 2015) as selected composer and the 2016 SGAE-CNDM Young Composers Prize.

in the Academy ends in “a performance based on the public endorsement that took Romulus to found Rome, this documentary will rely on the visual magic of the flight of birds, the symbolic power of a classic ritual, the development of real characters in an intimate setting”. Her work makes for the quest of a current valid generic, “conceptually, this work is the search for patterns on different levels. The method that I have followed plays with the different ways of presentation of the documentary, trying to walk on the limits of classifications”. “I wanted to learn to distinguish my own patterns and discover how to decipher them”. She used her colleagues and their creative processes to research her own: “The experience at the Academy has been key to broaden my perspective. I have been able to collaborate in many of the projects of my colleagues, that is the lucky part of being the one with the camera. To learn and comprehend their creative processes has helped me to review my own way of doing things and to explore new forms of expression with which I have been able to develop my language. In the Academy, I have felt a freedom only comparable to childhood. For a few months I have become a child again that doesn’t stop looking everywhere and making questions non-stop, trying to capture everything, not letting anything escape my grasp…”

As a creator, she feels respect and admiration for “the work of Agnès Varda, her documentaries as much The promising composers states: “From Rome I res- as her fiction and installations. She is a reference for cue the pause, the time for composing, as well as a me, it is a dream to reach her age with that spirit of series of very vivid images that have remained in my creation and innovation in her language. I feel very memory: the colour of the Travertino, the roots of a much in tune with the work of Ross McElwee, his way pine among the ruins of the Palatino, the evening of exposing his intimacy in order to find the place light at the Villa Pamphili Park, the unexpected foun- from which to connect with the audience”. tains, the glow of the mosaics of the Constanza Mausoleum, the iridescent glow of a block of bismuth, a “Thanks to the work in the Academy I have been able lead-like sky in the Baths of Caracalla…” to close a very difficult wound and in the process, I’m creating a tool that may be able to help other people close similar wounds…”

María Gisèle Royo How many times have we seen throughout history Ana Zamora main stakeholders leaving their vital decisions to very diverse prescience powers… The documentary The theatre director, founder in 2001 of the company director Royo Barrera (Caracas, 1983) explains that Nao d’amores, was very interested in the Italian con“the starting point of this film is the research on the text in which the Propalladia of Torres Naharro was ritual that the augurs celebrated in order to give pow- germinated, (“a great compendium of his work which er to the Imperium”. From there on, she dives into her Prohemio constitutes the first theatre prescriptive in Roman research. “The augurs read patterns, defining romance language”). A fundamental Roman stay in the location from which to pinpoint their perspective order to resuscitate it five hundred years after its first in order to decipher it”. Her research develops slowly edition. The author from Extremadura, Spain, worked and transforms, “the subjective glance becomes re- in Rome for authorities and patrons of the times, flexive and looks into one’s own-past, where you can such as the ambassador of the Catholic Monarchs, also read common patterns. The steps of the ritual: Bernardino López de Carvajal, responsible of the arsilentio, invocatio, stipulatio, templum, spectio y rangements for the construction of Bramante’s Temnuntiatio; are drawn like a structure that helps take ple and with Giuliano of Medici, future Clemente VII. important decisions. Nature can be read.”

“He wrote a total of nine dramatic works, various of them multilingual, which he divides into story or Who plays this role today? In who do we entrust the fantasy comedies. To this last definition, which inteprojections of the future of our destiny? What are the grates the pieces of urban customs in which the main contemporary ways of prediction? Her work forged driving force is love, our Comedia Aquilana is part of,

a mature work that must have been written towards the 1520’s, to be represented in the context of the celebration of a wedding.”

Ana Zamora (Madrid, 1975) undertakes a bold dramaturgy regarding the original, “philological studies demonstrate the Italian influence in the configuration of the Spanish comedy”. During her stay at the Academy she works, after having compiled the material and documentation. In order to resuscitate the material for stage it was necessary to style and clean it up for the audience of today. The transit through the courtier world that gives place to the new comedy and the reminiscence of the world of the country-side and orchards are in her thoughts, “the reconciliation of the continued existence of an anthropological character to trace the concept of the popular and courtesan festivities”. I search for trigger images for the world of Felicina in Naples, at the Ducal Palace of Urbino, in Renaissance villas and palaces where the idea of illusion is present with theatrical characters painted in multiple Arcadian visions. Lastly, along with her team, she centered on the universe of the painter Arcimboldo in spite of directing the staging towards the mannerist area, which resulted in printed fabric with sublimated iconographies through the design. This realization is connected to the third scene, ideal for farce and satire, drawn by Sebastian Serlio (1545) who summarized the stage typologies of classic writing through images. The proposal is an expression that synthesizes the flow of the “exchange and influence that took place in Italy at the beginnings of the 16th Century”. All of this, together with the search of interpreting techniques of the Renaissance and the historiographic benchmarks linking the mise en scène.

“On February 16th, 2018, the stage materialization of the project came to an end with the opening of Comedia Aquilana at the Teatro Juan Bravo in Segovia, Spain (thanks to the collaboration of the Diputación Provincial de Segovia) in co-production with the Compañía Nacional de Teatro Clásico (INAEM. Ministerio de Educación Cultura y Deportes). Afterwards, the show will season at the Teatro de la Comedia of the CNTC, with its venue in Madrid, Spain”. Beautiful show, still touring today. ________ ROME The historian Johann Joachim Winckelmann arrived to Rome in the year 1755. His intention was to stay for two years, a longer stay than what was usual for foreigners who came to the city when they embarked on the Grand Tour. He ended up staying his entire life, altering the way in which the Ancient Times were studied and, of course, transforming himself.

“It is impossible to write about the Ancient Times without having been in Rome”, he wrote in one of the numerous letters that allow for the recreation of the

progression of his encounter with the city, meaning: the emotion, the nuisance, the desire of learning, the constant discovery, the professional ambition, the strategy and the many doubts of the Prussian philologist, who revolutionized historiography by showing that the explanations of art should be seen in stages and not merely narrated in chronological order.

Perhaps as Rome is fruit of the digestion of Greece and its union to the practical life, one doesn’t customarily arrive there to learn, as much as to correct.

As many of the grant holders who live in the privileged academies of the city, Winckelmann came to Rome, knowingly or unknowingly, to question much of what he thought he already knew. “The more you know about Rome, the more pleasant it is. I would like to stay forever”, he confessed to his friend Johann Michael Francke on May 5th, 1756. A year later he would write to another one of his intimate friends, H.D Berendis, his famous maxim: “Compared to Rome, the rest is nothing”. It wasn’t only to do with his impressions. It was increasingly more about a knowledge that was transforming him to the point of having to review the theories about the Ancient Times that he had developed as the librarian of Count Heinrich von Bünau in Nöthnitz, near Dresde. To the point of having to double check himself through a vital reconstruction.

Just as much of the “dumfounded youth” did, -as referred to by a previous director of the Spanish Academy in Rome, Ramón María del Valle Inclán when talking of the grant holders- and increasingly more so after the democratization of education, Winckelmann also arrived to Rome making a parenthesis in the precariousness which characterized the existence of this bright son of a cobbler. The precariousness of the artists and the passionate creators normally isn’t owing to work or even to the professional, but to the wavering economic maintenance, and that is what threatens with deviating their attention from their work. So, like the grant holders who give up their jobs, also Winckelmann stopped giving classes and he quit his job as a librarian in order to stop, to question himself and to relearn unhurriedly. He thus arrived leaving everything behind and having deleted the mundane worries of life -he gathered enough money to live for two years-. That detachment is the first step. And it forms part of a self-redemption. A moment of doubt to live in Rome transforms into revision. The grant holders do not arrive to the city without previous training. They arrive, trained, to question themselves and in part, their own training.

This is why moving to this city, having an entire year ahead of themselves, and getting to know the domes from the altitude of the Gianicolo, the streets from the ground and the interiors from the strength of curiosity flows, unequivocally and invariably, into a professional and vital questioning of which the noteworthy grant holders Louis Kahn and Giulio Carlo Argan attest to. Giulio Carlo Argan directed Villa Medicis and, in our Academy: Rafael Moneo, Julio López or Justo Navarro: the before and after of living in Rome.

Arriving to Rome to live in the Academy thereby demands sacrifice and preparation. The preselection of the candidates -increasingly more diverse and with better academic backgrounds, which is a little scary in itself- requires that whoever comes to the city, does so already trained, or de-trained, and because they have wanted to stop before continuing on with what they were previously doing. And so, although we have known there are always immature scholars who may know more about architecture than what cohabitation is -after all, young people are living together there- one arrives to Rome with a professional past and at a personal cost. Beyond the professional trajectory, the emotional trajectory informs of married grant holders who have left their families for a period of time. The academies have been witnesses of separations and new connections. There have been grant holders that have left stable jobs in order to suspend their professional trajectories. By the hand of his protector, the cardinal Alberico Archinto, Winckelmann became a catholic “in private” in order to gain position in Rome. So the cost of that stop is quite clear from the very beginning.

And so, what frequently happens is that the first thing isn’t Rome, but the journey itself. Exactly as what Winckelmann experienced: after ranting on about the dust, the heat, the precariousness and the way of the Romans, something changed one day. And then he saw it. He no longer wanted to move. He became a librarian at the Sacred Roman Church in 1761 at the age of 43. And with the help of the Pope Clemente XIII he became the curator of the Profane Museum, a rarity among the Vatican Museums. The death of Winckelmann seven years later is, probably, his most desperate act of love towards what Rome represents.

This is why I’m leaving it for the end.

Young people usually start with the future. The most curious ones try and figure it out and the ones lacking doubt try to build it. With the arrival of maturity, one acknowledges that the past clarifies, strengthens and establishes the future. Beyond the unexpected, that is what Rome offers: living with history, the certainty that time is an unstoppable constructor, proof that cities, as people, are palimpsests made of layers, pieces, sums and blows. We are ruins and future at the same time.

Angelika Kauffmann portrayed Winckelmann in 1764.

And another woman, the first female director in history of the Vatican Museums, dedicated an exhibition last year to the Prussian, in 2018, on the 250th anniversary of his premature death and the 300th of his birth.

have worked, slept, lived, learned and detained their lives at the Spanish Academy in Rome. The ratio doubles the one of 1995-96, when I had the privilege to live in the room 15 for a course. Moreover, as other academies have done, -like the French Academy accommodating Argan- some of the residents of this year were not born in Spain. The board that bestows the grants has considered opportune to extend not only the nature of the artworks and the professions invited to be “re-thought” -cinema, stage design, photography or, for the first time, industrial designbut also the angle of the perspective from which creation is re-defined. So, Caracas born Ángela Bonadies seems to have used her study at the Academy as a refuge to explore her inner self and portray the life that slips through the cracks and looks out at the world. Bonadies portrayed a symbol of ambition, the decay and wit of her city, the Tower of David, before anyone took it to a Biennial. Another “non-Spanish”, the Italian María Teresa Chicote, also works on memory, and she risks, asserting in the Academy, the manipulation that cultural patronage may suppose. This political positioning highlights the evolution of the interests of the grant holders and the breadth of the information that may be investigated in Rome and that, as what happened with Winckelmann, it may help rewrite another History of Art. Among the grant holders there are always “rescuers”, “upgraders” of tradition, like the architect Santiago Pastor, whose work is restoration and has lived in Rome to study the reparation of the Roman bridges of the 19th and 20th Centuries. Also, María Esteban Casañas has set her 3D printers and her computational Baroque to the service of a master artwork, the dome of a Spanish Temple, San Carlino, which unveiled Borromini reinterpreting the architectural ornament. This course, a practicing journalist, Javier Hontoria, has studied the work of a little-known contemporary painter; Gianfranco Baruchello, and he has connected it with the work of the other grant holders. The industrial designer Miguel Leiro does something as necessary as rummaging through the memory of objects in order to claim the artistic office with which to produce his series Civitá in which the objects want to be a social portrait.

Yet, it is a Roman, Elena Trapanese, the one who, after having settled in Spain, has returned to her city to recognize, as María Zambrano told Ramón Gaya, that Rome “seems like life”. It is she who closes her entry in the annual catalogue Processi 145, with this quote. But she does so without having forgotten the harshness of the arrival. In order to summarize the sacrifice demanded by the city, she uses verses belonging to Rafael Alberti:

Kauffmann -a precocious painter, developed a pro- “I left for you all that was mine. found friendship with Sir Joshua Reynolds and fig- Give me, Rome, in exchange of my sorrows, ured among the founders of the Royal Academy of As much as I left to have you.”

London- arrived to Italy with her father and, as her friend Winckelmann, also stayed. This year, there Those were quite the demands that the love of Alehave been 10 women among the 23 grant holders who brti had. Rome may have shown him to not wait, or to

wait without falling into despair. It is not difficult to learn precisely that, in Rome, even with the most unexpected that one may come across, if one just walks around and observes. With all this, in spite of those personal discoveries, one doesn’t stop being aware that what is discovered obeys a simple numerical principle: there is so much in this city that when you have exhausted what other grant holders had already discovered, when you are exhausted by the guides, then, still the city holds the last word. And it makes you realize something you had not yet seen. Something to be seen once you have become used to the rhythm of the city.

The Spanish Academy in Rome, at the skirt of the Giannicolo, is one of the best locations in which to stop and observe the city. From the top of its hills, Rome is recognized as a sum of different parts. Each dome, each bell tower, each urbanistic success or mistake: from the axes to the conversions, indicate a secret city, detained in time. This is why the city -which vibrates around Termini and the neighborhoods further away from the Academies- it is, for the grant holders, the pause. A second chance.

The people who arrive there, are they the creators of the future? There is something paradoxical in investigating into the future in a place that almost never changes. Where tomorrow is almost predictable.

This is why the first clue of a possible re-invention is granted by the long run. It must be impossible to live without a long period of time and some calm with the mood and aesthetic impact that Rome causes at every level, be it the greatness of the urban design and the monumentality of some legendary buildings, or be it the rhythm of its frozen life, exposed, mysterious and hidden.

We have already said it and I reiterate: the cost is high. It requires concentration, not giving in to rushing, to stop at every place and also the encounter with oneself. It demands stopping your inner-world and not suffering by pre-empting future problems. As many grant holders, Winckelmann felt that license: he had two years to not worry about anything. Also Goethe told J.P Eckermann that he had never been as happy as when he had lived in Rome: “in harmony with myself, happy, reasonable”. Reasonable. I have recently interviewed a person born in Roman who is now the director of the city department of the London School of Economics: Ricky Burdett, who was raised next to the Tiber as his father was a journalist. And his mother was Roman. I didn’t see a nostalgic person in him. He said that he couldn’t live in Rome. He assured that it’s a static city, that his friends remain the same year after year. The same and desperate.

What kind of future awaits them? His question lead me to think: What city are we grant holders getting to know? Are we searching in Rome for something that is no longer? And, nonetheless, there it is. It spins us around, we are attending a coexistence between the layers of the past. We contemplate the permanence of the palaces and the temples. The firmness of the

heritage. The redemption of decadence. If Rome has detained itself, when did it happen?

I went to Rome to study the fascist architecture and I found the hand of Bernini transforming marble into flesh. I wanted to learn about suburban urbanism and I stumbled upon Pasolin and with a EUR, more than inhuman - clumsy. In some minor temples, I discovered the biography of the greats: the tomb with the white tombstone from poor Borromini. And on the streets, in the heat, the cassocks, the sun-bathing cats and the grocers that still stand as a family business. Also the green shutters, underlining the façades, turned into cantilevers in order to stop the heat.

In Rome there are some of the biggest parks in the world. And the most beautiful tomb in the world, the oculus under which Rafael is buried. After a year, the rears of Caravaggio have the same importance as the chi vo fa of the owner of the trattoria you have chosen as yours to go to. Rome undoes the idea of what if effective, this is why, today, it is more necessary than ever.

In 1768 Winckelmann abandoned the city set on going back to Germany. The king of Prussia had offered him a job at the library of antiquities of Berlin. Nevertheless, he was unable to arrive. The sculptor Bartolomeo Cavaceppi, who accompanied him for several months of the journey -it took him nearly four to arrive to Rome- noticed him “agitated and reluctant of buildings with triangular roofing” as soon as they crossed over the frontier. And Winckelmann asked him to stop the cart, he wanted to go back to Rome.

He did so on his own. He set course towards Trieste.

There, Francesco Arcangeli, who was in the room next to him at the Osteria Grande, robbed him and stabbed him. He had time to bequeath his belongings to the Cardinal Albani, who had protected him.

He also left one of his sculptures to the concierge of the osteria who had attended him. To humanity, he forever bequeathed the analysis of history in the context of all arts and the enumeration by periods and not only chronologically. And represented what was going to happen to so many of us grant holders of the academies of Rome. Once overhauled, re-questioned, re-learnt and transformed, what shall we do? Where in the world may we once again find the place that can put us in our place, that makes us learn from the past, from the highest cultures and of ourselves at the same time?

Anatxu Zabalbeascoa Journalist and Art Historian

JAVIER ARBIZU

Process and experience

Estella, 1984. Graduate in Fine Arts from the Uni- Habibi told me: but, where is God? I have never seen him as sad as in Rome. versity of Salamanca, with a Master’s degree in Fine That night he told me that the Arab word “insân”, Arts (MFA) from the San Francisco Art Institute of San Francisco, California. He has received the schol- human being, has two different roots. One of them arships Fullbright, Vicente y García Corselas from “nisyân”, which means to forget, and the other “unsiyah”, which means to identify, to interact, to love, to the University of Salamanca, Mario Antolín from the be loved, to get close to someone, to receive or genPintura BMW Awards and has been on Erasmus for a course on an exchange in the Kunsthochschule Kas- erate a reaction. sel in Germany. He has been an arts resident in Blue In Rome, I have tried to remember. I have seen the Project Foundation in Barcelona, Kulturabteilung grave of the peasant who found the Laoconte and the Vorarlberg – Kunsthaus in Bregenz, Austria, Bilbao Arte in Bilbao, Spain and Open Space in Kassel, Ger- grave of the man who unhappily resolved the quadrature of the circle the day in which his son died. On many. his epitaph was written: “This stone is the center, its periphery was a life, that of Samuel Raphael, who He has been awarded with the first prize by the Guasch Coranty, Inéditos de la Casa Encendida, once orbited in this turbulent circle of life”. I have seen the sculpture Boy with Thorn in the Gothic Hall Anne Bremer Memorial Price of the San Francisco in the Monastery Santi Quattro Coronati, I have seen Art Institute and Murphy and Cadogan Award of the scorpions, fireflies, I have carved a mortar on a step San Francisco Art Foundation, among others. He has of travertino. I have surrendered to the worship of showcased his work in Volta Basel, Scope Miami Beach, Arte Santander, the Centro de Arte Contem- Janus, god of doors, beginnings and endings, father poráneo de Huarte in Pamplona, Da2 in Salamanca, of Fontus, god of fountains, waterfalls and wells. in the galleries Lisi Hämmerle in Bregenz Austria, I have wanted to understand Rome as a place in Ángeles Baños in Badajoz, Michel Mejuto in Bilbao which I was able to stop time and think about Greand at the Galería Diego Rivera and SOMArts in San gorio and his sailors, in Passolini and the dead from Francisco.

Tiber. Nevertheless, I’ve had a constant feeling of urgency, as if Rome were to end right now, as if Rome would slip through my fingers, as if the water here Neomedievo couldn’t quench thirst. Rome, puttana and elusive. I Is a pictorial project in which the objective is to set have searched, to no end, for a cross-eyed person out the relation of the aesthetics and philosophies who would calm me down telling me that Rome is inbetween medieval and contemporary times. Both of curably inside of me. these cultures shall be analyzed from a poetic perspective, with the objective of reconnecting with the magical side of our existence, from the experiential and passionate, thus generating a field of possibilities, a space for wonder and mystery in opposition to mere reality.

The starting point of this project will be to study and update the aesthetic manifestations of early Christianity. An art generated in a context similar to ours, a context of political chaos and crisis of values. An age of fear, wars and sickness, which favored the proliferation of superstition and mysticism.

JUAN BARAJA

Process

Toledo, 1984. Licensed in Fine Arts at the University of Barcelona. He has participated in numerous collective shows and has also showcased his work individually in different galleries, Photogallery20 (Bilbao) Utopía Parkway (Madrid) and Espacio Líquido (Gijón), being represented by this last one in international art fairs such as Arco and Volta Basel. His artwork has been awarded in several occasions and in addition, is represented in private and public collections, such as the Fundación M.ª Cristina Masaveu, the Fundación Cerezales Antonino y Cinia, the Collection at the UNED or the Collection of Spanish Photobooks of the MNCARS.

I arrived to Rome with a very clear idea and I quickly got to work on it. I was mostly interested in the outskirts and the new neighborhoods of Rome, I was focused on Tiburtino, an area constructed in the 50s which was part of a State program of urbanism and public housing. After two months, on one of my routes around the suburbs, the Corviale crossed my path, which triggered an unexpected turn on my initial idea. I felt, immediately upon entry into the first module of this great construction site, an emotion which has remained with me throughout all this time.

Corviale Il Corviale is the name of a public housing building designed by Mario Fiorentino in the 70s. In spite of being one of the most ambitious urban projects of its time, Il Corviale, a one kilometer wide, concrete building, with one thousand two hundred apartments and a capacity for six thousand people, didn’t end up being the residential project originally intended, and for years it was a dangerous and isolated area of the Roman suburbs.

My first approach has to do with its most formal part, and with its architecture; the construction materials, the structural elements and its design. An analysis to which it is necessary to add the feeling that arises from the experience in itself and a work method that always imposes a slow rhythm, necessary for the dedication of time alotted for each shot.

This trip into Corviale brings us into a meticulously studied landscape that transcends the specific space and allows to set the attention on the details.

I have addressed the project from different angles; I started working on the architecture of the building and its details. Soon afterwards I started incorporating elements that form part of the daily life of the people who live there and help us to better understand the space in my photographs. Finally, as I was taking distance in order to photograph the exterior of building in its entire length, I discovered a garden area accessible through various stairwells from Corviale.

While a kilometer of perfectly arranged and straight reinforced concrete is lost in the distance, closer up, the cabins of the gardens, made of different materials and lively colors, are cluttered over the grass. I’m adding to the series some portraits, photographs of found objects and photos of a very precarious architecture, made up of demolition material.

Experience I feel very fortunate for being able to spend these months in the Spanish Academy in Rome. This grant has allowed me to work in the best possible conditions, in an incomparable environment and with great freedom, which has allowed my project to grow in other directions. At all times I counted on the back up of this institution and support of an exceptional team that makes everything work. Thanks to this I believe new bonds have been generated with the city that will give continuity to my Roman experience.

The cohabitation with the rest of the people who live and work in the Academy has been very important.

From here future projects and collaborations have emerged, and, above all, good friends.

www.juanbaraja.com

ÁNGELA BONADIES

Process

Caracas, 1970. Artist whose work is centered in the memory, archive, historical visibility and invisibility, urban space and in exploring concepts through the photographic image. She has participated in Site Santa Fe International Biennial 2018, New Mexico; The Matter of Photography in the Americas, Cantor Arts Center, Stanford University; Universal History of Infamy, LACMA (Los Ángeles) and 18th Street Arts Center (Santa Mónica); La bestia y el soberano, WKV (Stuttgart) and MACBA (Barcelona). She has showcased in Abra Caracas, Centro de Historias de Zaragoza, Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona), After-the-butcher (Berlín), Es Baluard Museu d’art modern i contemporani de Palma, Momenta Art (Brooklyn), ZKM (Karlsruhe), Periférico Caracas Arte Contemporáneo, MARCO (Monterrey), among others.

The focus of una obra al día (a piece a day) was kept up, turning the study space into a changing image that grows and overlaps on a daily basis, pierced by a crevice: readings, appearances, words, walls, doors, people, windows, absences, shadows, drifts, ruins, fragments, trips. The crevice is like a river which brings mobility.

She has received the following awards and grants: Artist Residency Program, Goethe-Institut Salvador-Bahia/Vila Sul and Beca Latinoamericana Experimenta-Sur, Bogotá, Colombia in 2017; Residency Award in 18th Street Arts Center granted by LACMA in 2016; DomusWeb Best of Architecture and Best Architecture and Landscape Projects by the Polis magazine in 2011 for the project La Torre de David, made with artist Juan José Olavarría.

She periodically collaborates with the digital magazine Campo de relámpagos.

The focus was kept up, but the work process took a turn away from the preconceived, for external and internal reasons. The external added the difficulty of working and looking through the files and opened the possibility of drawing another path, built upon obstacle. Working with the uncertainty of my place of belonging also added something: the precariousness of the present invites the thought of an artwork which assembles itself constantly, like a diary, which in time configures a gorged unity, cracked: «you leave a country for a period of time, but you never abandon the territory» I recorded in my little film The Kitchen, echo of «non parto non resto» to which Boetti invited us, as the verse «ni huir ni quedarme puedo» (“I can neither escape nor stay”) of the powerful Antología palatina was evoked.

The internal reason contributed the invisible movement reflected outside, on the walls. The study becomes a third person, it becomes a receptor and witness. The process of thought and action is discovered and revealed as part of the job.

Experience

Un’opera al giorno/La grieta Un’opera al giorno/La grieta is a project that searches to link different aspects of my work: photographic practice, writing, the layout of relations, the dialog with other artists, movement and change, the study as means of archive and refuge, the construction of a tradition/rupture supported between Latin America and Southern Europe. The proposal draws from beginnings outlined by the Italian artist Alighiero e Boetti and befalls excision, which “needs to learn to not insist on being identity, introducing permanently giving up being something in order to, at the same time, in each moment, starting to be another thing”, as José Luis Brea pointed out in his essay “Seppuku”.

Artwork underway which suggests growing as image-time and to construct a space of relationships and breakage, of diffuse belongings, of sequences of constant change and training in moving and in process.

The experience: to revel in the space which «una habitación propia» (one’s own room) gives us in a moment in which a good part of what is considered stable loses balance and the new political and economic arenas, local and global, propel and scatter us. To have a space to create and to think, a place to establish an affective, subjective and referential map, looking towards other types of processes and other languages is “a pleasure that does not need to reach too far: to run possessed, but without having arrived, is in itself delightful, a suspended moment of living hope.”- in the words of Anne Carson.

In this race/process and for the future presentation of a publication and an audiovisual recording, I rely on the text and on Marina Fokidis’ curatorial notes, curator, writer and editor of the magazine South as a State of Mind, with editing and audiovisual animation

by Jesús Rijos and with the soundtrack and audio edition by composer and cellist Paul Desenne.

www.angelabonadies.com http://latorrededavid.blogspot.com/ http://campoderelampagos.org/

JULIA DE CASTRO Avila, 1984. Licensed in the History of Art by the Universidad Complutense of Madrid, graduate in Textual Interpretation by the Real Escuela Superior of Dramatic Art, and professional graduate in the specialty of violin in the Conservatorio Profesional Arturo Soria of Madrid.

Multidisciplinary artist of international exposure with her project DE LA PURISSIMA presented in four different continents.

La retorica delle puttane I come from a western cultural tradition, rationalism at any cost, which has yielded many good results from a technological standpoint, but has stayed far behind in its spiritual evolution; this because of its sickly and diabolical necessity to analyze, to cut, to dissect, to separate, to conquer, to dominate, to purify… What I want to say with this is that the logical and anthropological principle which rules our mental structures is one of exclusion: the pure (the man) against the impure (the woman: menstruation, blood, moon, 28 days, time, death). The retorica delle puttane was published on August 25th, 1642; its author, Ferrante Palavicino was decapitated for it in the year 1644. His work was ironically inspired by a book, key to Catholicism: De arte rethorica from the Spanish Jesuit Cipriano Suárez published in 1562.

After pronouncing his vows and entering the Monastery of Santa Maria della Passione in his native Parma, Pallavicina drastically lost his faith. First, he moved to the Monastery of San Giovanni da Verdara in Padua, where he came into contact with L’Academia degli Inconginti, delegates of literary freedom in contrast with the catholic censorship. The talent as a writer of this marquis granted him the favour of the Venetian Republic, where he lived his more prolific period beginning with his literary work La Susanna.

Initially his works didn’t have any problems with civil or religious authority, but his first sentence arrived in 1639. The Retorica delle puttane was bred in prison.

Cipriano Suárez had already died when the work of the villager was published, who had been educated in his doctrine. His paper was a blunt answer to his years of naivety, to the false illusion under which he had lived. This project lived on vengeance, the same vengeance that had encouraged Ferrante to write his decalogue. It was disappointing to read his hatred towards prostitutes in the rhetoric. He is dead, three hundred and seventy six years later I have been educated by his spiteful insight. On August 25th 2018, we will exorcise his aversion to prostitutes on the Roman streets. I am not writing from jail, maybe I will also be sentenced once this new rhetoric comes to light. May someone answer me before I die.

I have paid the fees of two prostitutes, one Roman and one Spanish, with part of the money from my grant. Susanna y Lola exercise their trade without a protector, freely. I have paid the fees of two transla-

tors, of Italian and Latin, with part of the money from my grant. Teresa and Francisco also freely exercise their trade.

In every case the workers have been paid for their time and knowledge, essential for the development of my project.

During the process I have come to understand that the word of a prostitute, more than her work and her body, generates great rejection. This is why listening to their experience aloud and amplified is important.

The satisfaction produced by a working day is not going to be sotto voce any longer.

Rome contains a part of the story of my city, Avila. If I want to see Bernini’s Saint Teresa, I must produce a coin for the gettionere, paying is important. In this rhetoric, one must also pay to listen and to watch.

The prostitutes wear sensors that activate their microphones upon inserting a coin. Their truth dismantles consolidated theories about feminine sexuality, about what is decent for a woman, about their relationship with money and pleasure.

Susanna, Lola and I condemn trafficking in women, violence and the slavery to which many prostitutes are submitted. The three of us defend that same freedom to exercise the trade, to live without their family feeling shame sheltered by the society in a legal framework.

As a condition for her procurement, Susanna demanded there not be any visual footage, not for her, but because of the damage this could do to her children. This bothered me, they deny their mother’s job, as they live off of that money. Lola hides her true name as well for family reasons. I decide to be understanding, now it is my mother who is in Susanna’s spot.

I have memorized their laugh, their gaze, their physicality, their acceptance of the historic context in which they find themselves at their 51 and 41 years of age. I hadn’t planned on such direct contact with the trade, that was in fact essential. The fifteen lectures of Pallavicino have been redone through the experience of two prostitutes. The seed of this project is in Latin and shall return to Latin. Cipriano wrote his rhetoric in Latin, Ferrante reinterpreted it in Italian and both have been unprecedently translated into Spanish by this project.

Now my interpretation of Pallavicino in Spanish uncoils through Susanna’s mouth in Italian to be published eventually in Latin.

Language of the elite, of ancestral wisdom, the same transmitted by the women I’ve worked with. Latin can also be refuge for women, to ensure its transcendence.

It is the language that the Romans imposed throughout their territory, considered as cultured, which accommodates a great deal of the knowledge upon which we have sustained our civilization, in which we have buried our sexuality. www.juliadecastro.es www.delapurissima.com @delapurissima

MARÍA TERESA CHICOTE POMPANIN

Process

Pieve di Cadore (Italy), 1991. She is an Art Historian and her investigation is centered around the analysis of the manipulation of the historic memory through cultural and artistic patronage during the transition between the Middle Age and the Modern Age. She is particularly interested in the Hispanic kingdoms and their cultural practices. She has published various articles on these subjects in magazines and collective works. She has been living in London since 2013, where she develops her doctoral research at the Warburg Institute and teaches at the University College of London. In 2014 she completed her Master’s degree at the Walburg Institute and the National Gallery. In 2013 she completed her Art History degree at the Universidad Complutense de Madrid. Among other grants, she has received the Premio Nacional de Fin de Carrera, the Excellency Grant, the Collaboration Grant, the Postgraduate Scholarship of the Fundación La Caixa and the doctorate scholarship of the London Arts and Humanities Partnership. She is co-founder of the London seminary “The Maius Workshop” financed by ARTES. She has collaborated with the project “A vision for Europe. British Art and the Mediterranean” promoted by the Walburg Institute, the Central St Martin’s and the Bilderfahrzeuge Project. She has commissioned, in collaboration with H. Gentili, the documentary and photographic exhibition titled “Crisis, Rescue and Renewal. The Warburg Institute during WWII” (2016).

My investigation is based upon the conviction that the combination of image and document is one of the fundamental maxims in order to achieve results of interest. My process of investigation was therefore initiated by the gathering of images connected with architectural monuments launched by the Marquises of Villena in the 15th and 16th centuries. After this image gathering, I started reading the existing biography on them, mainly located in libraries such as the Hertziana Library, the Library of the American Academy in Rome, the collections of the Spanish Royal Academy in Rome, the Biblioteca Nazionale, etc…

Step three of the investigation was the most important one and where most of my efforts were concentrated: the daily visits to the Vatican Secret Archives.

There, my intention was centered around the localization of the documents linked to the Marquises of Villena’s religious foundations and the vestiges which could provide data about the diplomatic relationships they had with the Holy See. The last part of my investigation consisted in the joint study of the monuments and documents, in order to better understand the reasons hidden behind their creation and being able to reconstruct its primeval aspect.

Marquises of Villena and the papacy (1445-1529).

Manipulation of historic memory through art In 1480, the Castilian War of Succession was over and the second Marquis of Villena was brutally defeated by the Catholic Monarchs. This war marked a before and after in the lives of the Marquises, as the Crown started to spread an extremely negative image of their acts and their family. In order to counteract this official image, the marquises started a powerful campaign for cultural promotion and they soon established close links with the papacy, as most of their ideas needed the pontifical approval. The analysis of the documentation that connects the Marquises of Villena with the Vatican will show the patronage of an important Castilian family, furthermore it will demonstrate that the Marquises tried to promote an international image as great religious drivers. This study does not have a mere historic-artistic value, but aims to investigate the promotions of the Villena as a reflection of an intense campaign of manipulation of the historic memory through art and culture.

Experience Sharing. This is the verb that summarizes my experience over these six months I spent in the Spanish Royal Academy in Rome in a more concrete way. From day one, my research project was transformed into that strange and small element about which everyone wanted to know something about and to which everyone contributed some detail. My days at the Vatican Secret Archives wouldn’t have been as productive were it not for the constant help of its personnel. The research in the Roman libraries wouldn’t have been as fruitful had I not been able to count on the experience of colleagues and Roman University professors and other international research centers.

The elaboration of new hypothesis would have certainly been less fruitful if not for the debate forums of the international conferences in which I participated during my stay. Finally, I wouldn’t have accomplished my goals if not for the constant help, support and encouragement of my colleagues at the RAER, each one of them always willing to share their knowledge and experience in order to surpass that common goal of the creation of a new generation at the Academy.

https://sas.academia.edu/MariaTeresaChicote

ROBERTO COROMINA

Process and experience

Remolinos, Zaragoza, 1965. Licensed in Fine Arts by the Facultad Sant Jordi of Barcelona. He expands his training with different scholarships such as the Erasmus scholarship at the Winchester School of Art in Great Britain or the grant of the Generalitat de Cataluña, thanks to which he moves to New York.

He lives there from 1994 to 1998, year when he moves back to Madrid to enjoy the (grant) Beca de la Casa de Velázquez of the Diputación Provincial de Zaragoza. He returns to New York in 2003 with a grant from the Fundación Marcelino Botín, where he develops the program ISCP (International Studio Curatorial Program) and in 2006 he participates in a Workshop at the Triangle Artist Association.

My project in the Academy is to paint a picture a day, the final result is a visual diary in which my process and my experience in Rome are connected. During these months, the days which I wasn’t able to paint I decided to leave a blank canvas. This silence is part of life and of not-doing.

I decide what to paint in the precise moment before getting to work. Sometimes I paint the mental images I remember from the night before, in the moment just before falling asleep. Other times, the images may come from my walks around Rome and other times I use the ones that come to me in the instant just before painting.

I use oil paint, each piece is square and has a circle in the middle, that is what they all have in common.

Maintaining this premise, everything else is in constant change. I found the scheme of the circle framed in a square during my stay in Rome: in columns, floors, walls, ceilings and fountains of the city.

Change is implicit in my work process. The first change I made was the size of the pieces. They were going to be smaller at the beginning. In October and with my studio still empty, the sun at dusk drew a grid on one of the walls and I thought of following this pattern to hang my pieces. I measured the size of the glass of the windows and I decided that the format I’d follow was to be 45 x 45 cm. Days afterwards I found out that the diameter Bramante’s Tempietto is 4,5 m.

In three different moments of the day at 6.58, 11.58 and at 19.58 I hear the thirteen chimes of the church of San Pietro in Montorio in a sequence of 3-4-5-3 in my studio. I decided to use this sequence in order to amplify my project with a video which I showed at the Open Studios, which I was able to make thanks to the collaboration of María Gisèle Royo.

During this time living in Rome I have seen archeological remains where the Roman concrete still survives, which has directly influenced my three-dimensional pieces which I have made with cement and with which I have completed my project. These concrete artworks are in the same format as the paintings, 45 x 45, being a monochrome and three-dimensional translation of the paintings.

On the floor of my workshop there are hexagonal tiles which represent, to me, the laborious and precise. I had planned on making a big format series and this is where the 175 x 175 cm artworks come up, in which I use an hexagon inside a circle.

Part of the work process is failure, not achieving the result I had imagined for the piece. Fortunately this feeling disappears the next day, as I have once again the opportunity of getting close to that sought after painting. I always have Goya’s motto “I’m still learning” in my head.

He has showcased individually in Magnam Projects in New York, Guido Carbone in Turín, Fernando Serrano in Huelva, A del Arte in Zaragoza or La New Gallery in Madrid among other galleries. He participates in numerous collective exhibitions in the United States, Japan, England, Italy, France and Spain. He attends art fairs such as ARCO, Artissima, Pinta London or Scope Miami.

In 2018 his last projects are Pictura Reditus at the Galería Theresoom in Madrid and Hilos de Memoria, at the Sala en Blanco of the Universidad San Jorge de Zaragoza.

«Iam tandem Italiae fugientes prendimus oras» “And now finally we reach the elusive shores of Italy”, taken from a verse of the book VI of Virgil’s Aeneid.

This motto had been used by Goya when he presented in Rome the artwork Anibal vencedor, when, for the first time he looked at Italy from the Alps for the contest of the Academia de Parma in 1771. He proposes a journey though time in order to develop a journey within. To paint an artwork a day as a result of having been in the Academy, lived in Rome and studied its patrimony.

This project materializes in a “roman polyptich” of 273 works, taking the “travelogues” of the artists that preceded him in this experience as a reference.

He paints on a square stand, a circle as a generator of multiple possibilities, architectural references such as Pantheon or Astronomy, always inspired by the History of Art and Paint.

His interest is to question Paint, its images, perception, presence and absence; in sum, his reason for being.

www.robertocoromina.com

MIREN DOIZ

Process

Pamplona, 1980. After studying in the Escuela de Artes y Oficios of Pamplona, she took a degree in Fine Arts at the University of País Vasco in the year 2003. She broadens her studies in the Escola Massana d´Art i Disseny of Barcelona. Among the notable awards she has received are the Jóvenes Artistas of Pamplona 2003, Encuentros de Jóvenes Artistas of Navarra 2005, Premio Estampa DKV 2015 or the help from the Fundación Pollock- Krasner in 2014-2015.

She has been living and working in Madrid for several years.

My project was no more than a starting point, limited to the working material, everything else was still up for decision. Time, enough but not very generous.

The first thing to do was to select the material, to visit the library, read and look through the catalogues, to decide upon the criteria of selection, in the end by chronological order starting from the most recent and discovering what I had at my disposal. In the meantime, I did a piece with an electoral poster from the elections, celebrated the day after my arrival. Once I had my copies I started warming up with my first attempts, my first pieces made with the catalogues.

First, I used the collage technique, already used, in which holes are made through the pages to be treated in different ways afterwards, as in the ones already done in our Open Studio or the foldout catalogues.

After the Open Studio I decided to paint a big piece of fabric that reflected my own space, a representation of my own studio that ended up being cut up, just like the collages that were around it and coming off the wall. I liked the folded fabric and it was used in new works. In addition I made a piece made up of various elements from the 2002 catalogue, and I now find myself working on my final pieces, which will be shown at the exhibition. I could have continued on working for several more months in this project, I may do so.

Among her most important collective shows are; Art Situacions curated by Vicente Todolí, María de Corral, Lorena Martínez de Corral and Ilaria Gianni, “8 cuestiones espacialmente extraordinarias” curated

by Virginia Torrente, “2014. Antes de irse. Ideas sobre la pintura” curated by David Barro, “A vueltas con la maldita pintura!! Una propuesta de Juan Ugalde” in 2011 or “Un disparo de advertencia” curated by Ángel Calvo Ulloa in 2011. She has had two individual exhibitions in the Moisés Pérez de Albéniz gallery.

Her artwork could be seen in places such as Berlin, Mexico D.F, Sao Paulo, Bogotá or Rome and is present in the Colección de Fundación Coca-Cola, the Colección de la Comunidad de Madrid, the Colección del Ayuntamiento de Pamplona, the Colección Museo Colecciones ICO or the Colección DKV. Riedizioni Is a project that emerges after having previously worked with my own catalogues, on an idea centered around the suitability or non-suitability of the decontextualization of artwork through its graphic reproduction, which in addition allowed me to revisit my own work through an object such as the catalogue.

Repeatability, alteration and absence of context gave birth to new work.

In this case I will be able to use the published catalogues by the Spanish Academy in Rome as material for my own work, they are going to allow me, from a decontextualized point of view, to get close to the material generated by previous grant holders but always through the residual object or container of these experiences, through what is published, the catalogue, the object.

Experience My experience has been shorter than that of some of my colleagues, and I now think that perhaps I should have come earlier.

Pleasurable, stimulating and very productive, I suspect that the climatology had something to do with that last point.

I arrived to Rome on a 3rd of March, week in which it had snowed and it didn’t cease to rain throughout the entire month. The copper color of Rome, darkened down two or three tones and the desire to walk around abated by the rain.

In exchange, I was filled with desire to work and a new space for me, a large studio with views of the garden, a project and a new environment, with new colleagues. Quickly the Open Studio, showing the recently finished work, receiving visits and Naples, Milan, Pompeii and thinking about the good things and the bad things of arriving nearly at the end. And the still rainy Spring and Rome, calling you, and thinking that I should have come earlier. .

www.mirendoiz.net

MARÍA ESTEBAN CASAÑAS

Process

Madrid, 1991. She obtained her Masters’ Degree in Architecture at the Barlett School of Architecture, University College London (UCL) with Distinction (2015), and with a Master of Arts in Architecture at the University of Edinburgh with First-Class Honours (2013). Throughout her professional and educational career, she has participated in international exhibitions such as the XIII Architectural Biennale of Venice, I Architectural and Urbanism Biennial of Seúl, Bartlett Degree Shows, Southern California Institute of Architecture, Edinburgh College of Art, Kauffman Center for the Performing Arts, Julliard School and the Smithsonian Museum of New York. She has developed her trajectory in multiple cities and international institutions in Madrid, Paris, Edinburgh (University of Edinburgh), London (UCL Bartlett), Los Angeles (Sci-Arc), Hangzhou (Zhejiang University), Rome (Royal Spanish Academy in Rome) and now in Boston (MIT and Harvard). Her projects and works are published in specialized magazines and books. She has been granted with several awards and scholarships, among which are, La Caixa Scholarship, Santander Scholarship, Award of Excellence from the Region of Madrid, Historic Scotland Environment Prize, and the Study China Programme Scholarship UK. She has worked in the architectural firms of Dominique Perrault (Paris, 2012) and Grimshaw Architects (London, 2015-2016). From 2016 on she has given different conferences at Korea University, University of Plymouth and the Architectural Association Visiting School (AAVS Madrid). Additionally, she has been a guest critique at Cornell University in Rome.

Her work is in a junction between architecture, digital production, art, design and computational science.

Nowadays she is coursing a masters of investigation at the MIT (Massachusetts Institute of Technology), which she balances with research stays in laboratories such as the Wyss Institute for Biologically Inspired Engineering, in the Laboratory for cellular and tissue engineering (Harvard). She is simultaneously developing her artistic and teaching path at the MIT School of Architecture and Planning, and in the International Design Center of MIT.

The process generates a series of computational explorations that offer a reinterpretation and questioning of the current roll of the ornament. Instead of rising from the technique, the process arises from the content. It expresses computationally the process of abstraction of the geometrics used in San Carlino, generating atmospheric qualities due to the convergence of what is configurated and what is defaced, the organic and the tectonic. By initiating the process from a historic context in Rome, a relationship is generated between architecture, digitalism, language and culture which instills the limits of this study. Through a speculative argument, the process of creation of the components interprets the underlying tendencies in the current computational era, conducting us towards a theoretical and historic comprehension of the digital explorations performed at the Academy. Through parametric production techniques, the computational logic can create unprecedented complex geometries. The work carried out explores how these tools may be used for the creation of a meaning, against a current tendency of pure geometric complexity. By eliminating the precision degrees of representation and enhancing the degrees of distortion, the reality, that which is represented, is abstracted. The ornament is inherent to the experiential perception of space, not only to the tangible detail, which Focillon explains: “technique is not only matter, tool and hand… It is also mind speculating in space” (Kleinbauer, p. 41). The ornament requires the imagination of the viewer. We mustn’t forget that the main objective of the ornament is “to position the spectator within the scope of their own imagination” (Bloomer, p. 9). Allowing our vision and our thoughts to stretch over literal and material realities, we achieve meanings through new computational default values of the baroque geometries.

Computational Baroque: a contemporary reinterpretation of the architectonic ornament in Rome The project is based upon the most famous opening line, maybe, in Modern Architecture, being one of the most commonly misinterpreted sentences: “the ornament is a crime”, words from Adolf Loos’ in his text Ornament and crime. This is why it is shocking to understand that his intention was never to eradicate the ornament. Even so, the ornament was relegated to a minor condition, as an applied art, and not integrated into architecture, and from here it is claimed once again.

The project presented entails an analysis of the Baroque ornament in situ, in Rome, considered as its greatest exponent. Parallel to this, a final production will be made which will develop a series of computational ornaments, reinterpreted through parametric systems. The project, thus, consists of an extrapolation of the baroque ornament to contemporaneity, focused on the geometries of the oval dome of Borromini’s San Carlino. The final pieces will be printed in 3D.

Works quoted: Bloomer, K., The Nature of Ornament: Rhythm and Metamorphosis in Architecture (New York, 2000). Kleinbauer, W. E., Modern Perspectives in Western Art History (Toronto, 1989).

Experience Living in the Academy. The experience of living in the Academy, its spaces, its corners, its contrasts of light (green light in the gardens, ocre light on its walls, the reflections of the stones in San Pietro), its sounds, its silence, its inhabitants – artists, its views of Rome, its displayed artwork, the creative dinners, the cultural breakfasts… They all configurated my first and continued my sensorial experience while living in the Academy… Emerging thoughts, emotions, feelings, which prompt creativity towards a future. Living in the space of the Academy is to inhabit the different spaces of Rome, the space of San Carlino de Borromini, of Bernini’s Sant’Andrea al Quirinale, of the Roman Forum and the Imperial Forums, the Baths of Caracalla, the spaces of Adrian’s Pantheon… To live in the space of the past and the future. To inhabit the dialogues, the conversations. To inhabit the paint, the sculpture, the photography, the architecture, the music, the literature, the cinema, the print, the theatre… To inhabit the arts and also Science. To inhabit its experiences, experiences which have, little by little, lived in me. Experiences that will shape my thoughts, my memories… Experiences of inhabiting and thinking… To inhabit the Academy, to inhabit in the Academy, to inhabit from the Academy. www.mariaestebancasanas.com

INMA HERRERA

Process

Madrid, 1986. She works and lives in Helsinki, Finland. Graduated in Fine Arts and Master’s degree in Art Creation and Research by the Complutense University of Madrid. Her training has continued in several art centers such as Kungliga Konsthögskolan (Stockholm), FNMT-RCM (Madrid), where she trained as a Media Specialist in Graphic Printing, Illustration and Artistic Mintage (EMIGIA), or the Kuvataideakatemia (Helsinki), where she graduated as MFA Printmaking thanks to one of the Postgraduate Scholarships in Europe 2014 given by the Obra Social La Caixa.

The materialization of the project has required the development, in parallel, of two activities. On one hand, the conceptualization phase, time necessary in order to document myself, read and visit the archives to let the work of Ribera and Tiepolo really talk to me. It was a necessary time investment for their work to impregnate the pores of the underlying foundation of the project. On the other hand, the plastic experimentation. It wasn’t the already known classic procedure of the ways in which an image is reproduced using the etching technique. This period has supposed a long phase of trials and challenges in terms of researching the materials.

Process based on real possibilities, but also on intuition which in the end paid off. In this case, as well, the technique wanted to find its own voice. Now it is tangible.

The skin-image has been torn apart.

Nevertheless, in addition to these two aspects, that to the naked eye may seem like something carried out in a science lab, the search of the poetics that would twin these two processes together was the most complicated task, but also the most beautiful part. To combine the work of both hasn’t been easy. It wasn’t about giving more relevance to one or the other, but being true to an idea and also about revisiting their artwork and finding out what they still have to say.

She has recently been awarded with one of the Young Artist Grants of the Finnish Art Society and has been invited to participate in the Print Think 2018 congress - The Eternal Return, organized

by Temple University of Rome. She has obtained, among others, the Art Grant Helsingin Kaupungin Taideapurahan 2015, she has been Accésit at the Premio Joven UCM 2011, and has received the Grant Pilar Juncosa y Sotheby’s 2013. In 2017 she was finalist at the The Queen Sonja Print Award, Kjell Nupen Memorial Grant, Oslo.

Magnetismo en transición. Ribera-Tiepolo Sublimiore loco sacrificium The project centers around the dismemberment of some of the different states that take part in the production of an image, through the use of gravure procedures, specifically the etching process. Using as a background the graphic-artistic legacy of artists José Ribera and Giambatista Tiepolo, and drawing inspiration from the baroque imagery, Sublimiore Loco Sacrificium suggests a more multidisciplinary conception of the art of etching, from plastic and conceptual points of view. On one hand, it revises the common way in which this art is known, combined with sculpture, video and installation. On the other hand, starting from the imagery of the previously mentioned artists, both great masters of the etching process, a consideration is raised to do with the different aspects of what is tactile in relation to the image and its genesis, considering this first one as the skin, the packaging of a body which, in this case, does not exist, it has disappeared. The image, torn, skinned from the support that gave it shape, is presented in an Aras, an altar where it is offered in sacrifice. This image-skin and the display in which it is shown, activates the reading of the work of art suggesting a framework of relationship between what we see and what we don’t see, between what has been ripped and what we want to touch, but we don’t know how due to it losing the body which held it in place.

Esperienza It is difficult to be brief, even to describe with clarity everything that has happened in the Academy during these months. My arrival, from a northern latitude, somewhat cold, made me land in a place filled with gardens, where I could still walk in sandals, where one may perceive the vibes of history on every cobblestone: a place full of people who have contributed to my artistic and personal development throughout my stay at the Academy. In Rome.

It has been a year of discovery, of encounters, experimentation, work, back to the south. It has been a time during which I have not only learned from the legacy left behind by others that has been accumulating over centuries, but from those who accompanied me every morning whilst I unglued my eyelids with coffee in hand.

They have become family. The closeness, the help and collaborations that were established have been of all kinds, though it wouldn’t be fair to only name a few, because the rest of them would seem not to exist or to be less important. The learning has been continuous, not only due to the variety of disciplines with which we work, but because of the way we have of seeing things and feeling the world. It is different, and from different you can always learn. I feel like the effects of everything we’ve been through are starting to impregnate my skin.

It has always been there, but now we are able to touch it.

For me, that is there where everything continues. June is not the end, quite the contrary, it is the beginning. www.inma-herrera.com inma.herrera.es@gmail.com

JAVIER HONTORIA

Process

Madrid, 1975. Master’s in Art History by the Complutense University of Madrid, Javier Hontoria is an art critic and curator. He writes in the pages of El cultural.

It’s the dazzling beginning of The Hour of the star, the famous novel by Clarice Lispector, we read: “One molecule said yes to another molecule and life began”. It’s a sentence that has always resonated with my perception of the curating practice. The molecules, as art work, are always there. It sometimes forms part of their own nature to have a predisposition towards an inevitable encounter, others though, are born out of chance, despite having been close in other specific moments, and the seedling “yes” irrupts by surprise establishing unforeseen connections.

Gianfranco Baruchello Project oriented towards the study of the figure of Gianfranco Baruchello, one of the most important artists of the 20th Century in Italy. Born in Livorno in 1924 and active since de mid 50’s, Baruchello has seen every great artistic movement of the past century pass before his eyes without having become involved in any of them. On the contrary, he has built a body of work of great singularity, on the margin of the normative tendencies. My research will culminate with an exhibition in the halls of the Academy in which Spanish artists will strike conversation with the immense legacy that Baruchello has built over his six decades of trajectory. It will not simply be a mere illustration of the subjects that the artist has worked with in great depth, but will be about breathing his same air. Subjects such as the uses and myths of the earth, memory, history with and without capital letters, cinema, the void, dreams or fiction as instruments to analyze what is real, will shape a de-hierarchized constellation which will reveal from an aesthetic unknown to sophistication and fragmentary narratives, often cryptic- that the artwork of Baruchello is founded upon complex conceptual dissertations-, but always suggestive and magnetic.

The work process at the Academy has changed notably throughout its different phases. Always out of the will to relate the work of Gianfranco Baruchello with certain positions of Spanish art, I started to value the different typology under which this project should take shape. There was an ample range of possibilities, from the option of the specific project relating the vast work of the Roman artist, the possibility of a collective exhibition, the analysis of the archive… The two molecules which said yes to each other appeared in the environment of ideas that Baruchello had been forging around the concept of the feminine since the years of Agricola Cornelia. The discovery of a newspaper cutting in his archive immediately found its echo in the movements which vehemently demand the equalization of the masculine and feminine rolls in contemporary societies.

Experience Little from what the project became over my stay in Rome had originally been in my plans before arriving to the Academy, something that, I sense, I have in common with my colleagues and they’ll be saying something similar when relating their experiences. Baruchello is not so well known outside Italy, and whomever is not familiar with the archives or hasn’t had the opportunity of seeing his expositions will only know of the small tip of an immense iceberg. His way of questioning “branding” had caught my attention years ago, which for me is today the greatest threat to singularity, although, for what it is worth, it seems that nowadays it is more appropriate to be like the rest than to be different. It seems very fascinating the truly honest way of always wanting to live so oblivious to trends and tendencies that so unify everything, and this is something that could only be verified in Rome and now, the Baruchello Foundation, directed by Carla Subrizi, located in the Monteverde Vecchio neighborhood, is merely ten minutes walking distance from the Academy, is developing a fabulous work of presenting the enormous archive that the artist has been amassing over time. Only from here, therefore, could I unwind the opacity surrounded by many of his works, which remain rooted in its Roman context, miraculously safe from global homogenization.

MIGUEL LEIRO

Processo

Santiago de Compostela, 1994. Graduate in Industrial Design from the Pratt Institute, Brooklyn, NY. His professional training includes the development of projects in the fields of product design, exposition design and art direction with Moneo Brock, MUT Design, Juan Uslé/Victoria Civera and Hayon Studio. In his personal work, he investigates the limits of the design process and its effect on the objects that surround us. The problems always emanate from a specific context, with flexibility as the protagonist in the solution. This allows for each user to develop a singular interpretation on their experience.

As a designer, the participations that stand out are in Hue of Forms (Fuorisalone, Milano), Pratt Show, NYC x Design (New York), DIXXI Diseño Iberoamericano (Panama City) and Bienal Iberoamericana de Diseño (Madrid and Budapest).

The investigation phase is presented as a study of the objects and material culture in the Imperial Roman age. This meant immersion in various texts, archives, museums and patrimony in order to first understand Roman culture, and from there, everyday objects. I studied both subjects independently in order to reach an understanding to be able to link points. In this sense, I oriented the process from the most generic information, arriving to the specific.

Civitá The project “Civitá” is defined by its three strands: research, design and execution. The project draws from an exhaustive study about the anthropological/ cultural patrimony created throughout the period of the dynasty of Julio-Claudia of the Roman Empire.

Through the objects, I look to understand the social, economic and artistic values in a period of continental expansion. This way, the imperial period may be associated with our modern world, which has also lived a period of great development in a short period of time.

The element of design of the project uses research as a starting point. This allows for the creation of pieces to use in the present, serving as a tribute to the past, in its aesthetical functions as in its process. The result of the project is embodied in the completion of a Roman triclinium, yet with a contemporary approach.

Each design shall be produced in a specialized workshop, making the most of Italian quality.

The original intention of the project was to create a family of objects. I selected the Roman dining room (triclinium) as a place from which to derive the typologies of objects to design. The importance of the space as a nexus between Roman social/cultural structure and the performative practice of the ritual and the object, were my reasons of selection. From this point on, I perceive the objects to design as tools of personal use as well as for establishing a spatial context. The drawing and layout process take prominence in the next steps. These give me a means of interaction and experimentation in which the shapes become possible functions. From this process, a series of typologies of triclinium objects is derived.

The manufacturing of the parts involves a series of craftsmen and their workshops, from the Basque Country to the Island of Murano.

Experience Upon facing a new project, one generates a series of expectations. These are useful to guide the first impulses as the project takes shape, giving a sense of security in some way. Upon finding oneself with Rome and the Academy, all of this is put to the test.

In several of the stages I was uncomfortable. After each new experience and lesson, the project mutated.

Being able to accept something like this is never easy, but it gave me a new way of understanding myself as well as my way of working. My stay at the Academy, surrounded by such high level professionals and creative people, generates these tensions. I understand this word in its most positive meaning, the Academy becomes a place for constant dialogue.

www.migueleiro.com

MIGUEL MARINA Madrid, 1989. Graduate in Fine Arts from the Complutense University of Madrid in the specialty of Paint. He broadens his training in Italy at La Accademia di Belle Arti di Bologna in the academic modalities of the paint of Luca Caccioni and Massimo Pulini. He has been resident in La Casa de Velázquez (Academie de France a Madrid, 2013), La Floresta (Lleida, 2015) and Piramidón Centre d’Art Contemporani (Barcelona, 2016-17).

His work has been showcased individually and collectively in galleries such as Galería Nordés (Santiago de Compostela, 2018), Fundación DIDAC (Santiago de Compostela, 2018), Sala de Arte Joven (Madrid, 2018), etHALL (Barcelona, 2018), Palau de Casavells (Girona, 2017), Galería Combustión Espontánea (Madrid, 2017), Galería Silvestre (Madrid, 2015), Galería Luis Adelantado (Valencia, 2014), Galería Slowtrack (Madrid, 2014), García Galería (Madrid, 2013) and in several competitions such as PhotoEspaña, OpenstudioMadrid, Intransit or fairs such as Estampa, Swab and JustMad.

Processo

“However it may be, the after meal conversations do not distinguish between what adapts to their rhythm and what quickly loses it. Time passes by, and the watermelon rinds languish next to coffee grounds… And indeed, the only thing that happens over the table is time. In no other place is it so visible”. These words by Ángel González appeared over and over in my head. And the after meal conversation became the meeting point with the rest of the residents of the Academy. There we got to know each other. An infinity of plans, routes and places to visit always came up during those talks. Time became precious as it was running out at a dizzying rhythm. I never figured out what was better or more beneficial for me, going out for walks or staying in my studio working, but the truth is that both actions allowed my artwork to suffer a change, not radically but indeed significant upon amplifying the subject of my paint and getting out of its plasticity in order to approach the same concerns in small installations, mosaics and sculptures, using the materials which the city offered me. Now I understand that the main result of my project in Rome hasn’t only been the study of the landscape and paint, but the time necessary to get out of certain techniques and known ways of working and reaching something else.

The X doesn’t mark the spot The X does not mark the spot emerged as a pictorial project centered on the landscape of Rome. In a first phase it was composed of a series of paintings on paper of different formats inspired by architecture, nature and the history of the city, transferring its colors, shapes and layers, collecting what I had observed during my trip and tailoring a sort of intuitive cartography of the spot.

As the months went by, the nature of and the city itself modified and transformed the level of flexibility of the objectives which I had originally set, some of to reappear later and others to become completely diluted in new interests and new directions of my artistic production. The project now emanates from the idea of going from a fixed state to a loose state and the multiple variations of movements that may arise from chaos and the uncontrolled, using the course of the river as a reference.

Paying attention to the river growth, the objects that remain still and the objects which are carried away. In turn, this process can be summarized in three actions • walking • exploring • discovering • that started occupying my day to day in such a way that the talks after every meal in the Academy became the moments for the digestion – assimilation- of what I had experimented.

All of a sudden the tablecloth stretched out and transformed itself into a witness and testimony of a process and action. The marks left from the glasses or olive oil.

The food scraps and breadcrumbs. So, now in the studio there are paintings on paper piled up on the floor one on top of the other forming false stratums. Also sculptures as witness-figures of the landscape made with cane and intervened with clay and sculptured cement. Lastly and arranged amongst them, a group of separate elements made up of sticks, ropes, clay, iron rings, a rusty anchor… which try to activate an imaginary place through the materials themselves. Granting a main role to the process and highlighting one same idea from three different points of view (paint, sculpture, installation). The idea of journey and change. Contrary to maps, the X never marked the spot in my project and thanks to this I have been able to explore and collect everything that Rome has offered me. www.miguelmarina.com

Experience “Nine months at the Academy are plenty. They also go by very fast”. I recall these words from A.C. with a weight on my shoulders. Each wasted day came back to me and I repeated them to myself in order not to fall in the same thing the next day. But one day you realize that you have gotten used to it and that you have made yourself a home and a routine, that you don’t get lost on the streets anymore, you design your walks by memory and the work in the studio starts to take shape. Suddenly, you have found the perfect place for that table that had always been in the way in the workshop or by just moving the couch you facilitate your own movability around the studio. That day comes and you realize that it’s mid May and the scholarship is coming to an end and there are still many places to visit and still a lot to do. As I was saying, during these months I have tried to work based on three actions • walking • exploring • discovering •, a method which gave birth to my first works inspired in architecture and in the colors of Testaccio and Garbatella. Later came the walks around the Tevere and the paint gave way to small installations of bamboo, wood, rope, iron and cement.

And then came the trips to Pompeii and Naples or to Calcata or Viterbo. Places which incorporated something a priori non identifiable in my works but little by little have given a new turn to my work resuming once again a pictorial approach giving my whole recent production a certain unity. Thoreau explains in Wild apples how the hedgehog collects and transports apples to its burrow. “when he findeth apples or grapes on the earth, he rolleth himself upon them, until he have filled all his prickles, and then carrieth them home to his den, never bearing above one in his mouth; and if it fortune that one of them fall off by the way, he likewise shaketh off all the residue, and walloweth upon them afresh, until they be all settled upon his back again.

So, forth he goeth, making a noise like a cart-wheel” Just like Thoreau’s hedgehog, I have tried to carry to my workshop that which I have been able to pick up on my walks around the city, but being alert, in case the weight or the poor distribution of influences and stimuli were to condition my way up to the studio. For the moment I will keep on collecting. Over the summer I will see in what all of this has developed, if indeed, something is to be.

LEIRE MAYENDÍA

Process

Bilbao, 1973. Graduated in Fine Arts in the specialty of sculpture. Graphic designer, sculptress, dancer and DJ of tango. Scholarship holder in The School of the Art Institute of Chicago and at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts of Paris. Leonardo da Vinci Grant in Witte de With, Center for Contemporary Art. She has been a resident artist in La Friche Belle de May of Marseilles and in Duende Gueststudio’s Program of the CBK Rotterdam. She participated in the expositive project “Generaciones” in its 2002 and 2006 editions, respectively.

The path which an idea follows from its mental state until becoming material or expressive is a misty territory. It contains discoveries and confusion, changes and resignations. Frequently we draw our plan of action which aspires to guide, even though the process always contains all those surprises that make it interesting.

In order to address the project Fuimos there were so many angles from which to work from that, in an initial phase, I felt quite overwhelmed in terms of organizing all of my reference material. I wanted to talk about origin, archetypes, space, music, history, relationships, movement, translation, time… The absolute ocean.

One of the things that appeared with most clarity was to talk about tango from a narrative angle and a near dream state. Through the day to day of my encounters with the tango community of Rome, I began to distinguish what, in my understanding, were the most important elements, and was able to calm the noise of what was secondary. It wasn’t something quick. The participation of real people and with a similar experience as mine in tango –for them to be able to understand and also be protagonist of the scenes- turned out to be one of the most important expressive points and an active search for me, in addition to being a wonderful experience of connection with people.

She settled in Madrid in 1999, where her work extends towards design and illustration and, onwards, towards dance and tango music. In all this convergence of areas and artistic training, she conceives her work in a necessary multifaceted way, leaning on one resource or the other depending on the characteristics of each project. In the last few years she has designed, acted or set music for events and she places herself in a complex equilibrium between the different ways of expression through which she has circulated.

Fuimos Fuimos is a project inspired in what we could call “a round trip romance” between the influence of Italian immigration in the construction of tango and the subsequent fascination with it in current Italy. The proposal lays out the construction of seven scenes that interpret some core themes of tango linked to other plastic elements, giving place to an installation.

Tango is built from the emergence of synergies of the cultures that cross its history. The intense migration of Italians to Argentina between the late 19th Century and early 20th Century was a key circumstance in the process of the consolidation of tango. Solid proof of that is the long list of orchestra conductors and musicians in this gender with names of Italian origin.

You could ask yourself, what future could tango have had, had not been for the contribution of the Italian immigrant and their perception of the distance from their homeland, their families, their roots? Years later, once tango may already celebrate its success throughout Europe, my reflection is on a broader level: how is it that we feel tango as if it were our own? to what place does it take us back to, that provokes such an intense sentiment of belonging? in which part of our mental geography is it hosted? can it be expressed plasticly?

Fuimos investigates some of the recurrent stories in tango in contrast to the present. Frequently, that back and forth – roundtrip - appears, that cycle in which what was far away, comes back to us, reinforced, consolidating the path between what we are and what we were.

Experience In my artistic career I have striven over the past years to bring tango to art spaces, as I did in Madrid through events at the Taller del Prado gallery and through my implication in Tango Abierto.

To propose to some, the crossing of the boarders of the plastic and to others, of the corporal, is still, for me, a fascinating test, which is only a small step in relation to everything that is possible to say through tango, as a universe that contains cultural and personal forms of expression, rituals of interaction, aesthetic rituals, confrontation of emotions, etc… My experience at the Academy with a project such as this has allowed me to give a much larger dimension to this itinerary, as to connect with a tango community in Rome with which I may undertake new collaborations. I would like to highlight some people inside this community, to which I am especially grateful for their direct or indirect participation in the development of this project: : Andrea Artigiani, Pablo Abad, Damiano Calì, Chiara Malena, Andrea Cesarini, Alma, Daniela Zaccagnini, Gioia Abballe, Simone Facchini, Armando Tatafiore, Giuseppe Clemente, Damián D’Alessandro, Fernando Herrera, José María Otero, Charo Aparicio, Prem Adoshi, Luis Javier Gayá, Francisco Molina. And in my close environment, María Giselle Royo y Antonio Aguilar.

www.leiremayendia.com www.delirika.com

CECILIA MOLANO

Process

Madrid, 1976. Doctor cum laude by the Faculty of Fine Arts of the Complutense University of Madrid, with a thesis on the relationship between performance, public and writing. Grant of doctoral research residency in a.pass (Advanced Performance and Scenography Studies) in Brussels. Grant Beca Ayuda a los Profesionales de la Cultura del Ministerio de Educación to course the Master’s in Scenography in Saint Martins School of Arts in London. Licensed in Scenography by the RESAD, Madrid. Erasmus Grant of the Hoogeschool voor Kunsten of Utrech. UNESCO-Aschberg Grant at the Institut International of the Marionnette in Charleville-Mèzieres. Youth Creators Award of the Royal Theatre of Madrid and finalist of the Linbury Prize for Stage Design of London.

The process has been oriented towards the conception of a stage piece, not from the idea of “product”, but from an artistic investigation that unifies different aspects of stage creation: writing, the stage-videography, the body and the exercise of a dramaturgy which questions and constructs an open narrative.

She works between the word and the image, their manifestations and crossing fields of performing arts, video and drawing. She also works as a teacher, researcher and in the edition of books.

Fireflies Luciérnagas (Fireflies) is a theatre project within the framework of an artistic investigation in which I work on the relationship with writing, body and image in the scene. The starting point is Pasolini’s El artículo de las luciérnagas, (The article of fireflies) which works as the metaphor of the small resistance lights “opposite to the blinding light of the mass unifying culture”.

The project is articulated around the notions of work, creation and resistance and explores the elaboration of a poetic defined in the presence of the body on the scene and the performative installation.

I have collaborated with four different artists: Cristina Moreno, who has worked with me on the creation of the video graphic space; the performers Katrin Memmer and Tania Arias, with whom we have built the choreographic scores and Kristen Van den Brande, who helps me on the construction of the dramaturgy of the piece. I have also been assisted by María Royo, in videography.

A deliberately open process, “suspended” accepting drifting as part of its constitution. Readings, images, writings and gestures are intertwined in the creation of a performative installation. The piece is articulated from the idea of an investigation that generates diverse material which integrates itself in the scene, but maintaining a necessary “silence” in order to favor the creation of relationships between those materials.

The work has been organized in four stages: a first stage of conceptualization, documentation and writing which lasted from November to January which I did on my own; the second stage was of creation of the scenic-dramaturgic space of the forest between February-March; a third stage of encounter with the bodies in the space in April and the last stage of the pursuit of the dramaturgy of the piece: a process which is still undergoing.

Experience In these months I film and write forests of these Roman pines which impress me even more than the ruins. The artists -it is said- come to learn from Rome a mastery that reaches them as an echo, sometimes deafening, of the old masters. I learn from the Roman pines a lesson that finds itself outside the museums of the city: the one of aspiring to a different mastery, still alive, contained in all this ancient time that surrounds me and whispers to my ear as the charioteer: “Remember you are just [a woman]”, which is exactly like saying : remember that everything dies, that each death is change and each change is a form of resistance.

More than the time of the ruins, detained, testimonial and empty; in Rome I learn from the time of the pines, which teaches me: the changing knowledge of the shadows and the seasons; a word-tree that is continually being created between the wind and the branch; and the inhabited movement, alive and imperceptible, made dancing.

The pines aren’t empty like the ruins, they are full of a resistance and a knowledge achieved by poverty.

To relearn this poverty is to surrender and to understand what we are. To be able to be in the place of the “not-knowing” and discover “the potential of not-doing” as the space of the resistance. www.ceciliamolano.com

ÁLVARO NEGRO

Process and experience

Lalín, Pontevedra, 1973. Licensed in Fine Arts by the University of Vigo (1991-1996), subsequently he obtains the title of Master of Arts in Central Saint Martins College of Arts and Design in London (2003).

Nowadays he is represented by F2 Gallery in Madrid.

Among his exhibitions are noteworthy the recent retrospective, titled «Y», which has been dedicated to the CGAC of Santiago de Compostela. His field of action is also extended to writing, with texts and essays on other artists, and he has also worked as a curator, in exhibitions such as Narrativas monumentales.

Figuras, paisajes y rituals, at the MAC Gas Natural Fenosa from A Coruña.

Magnificence is the word that comes to mind regarding the first sensations in Rome, as much for the quantity of historic layers as for the quality of the artistic manifestations that mark the walls of the palazzi, churches and museums. I am therefore not exaggerating when I say that in Rome the paintbrush “is heavy”, at least if one tries to conform a painting with the consciousness and rigor required by the practice of art in dialogue with its history. So it is that at the beginning I suffered a certain melancholic paralysis originally consisting in the inevitable feeling that all which is already painted is already enough and is better. Finally passion imposed itself through obstinate research in which, day by day, painting by painting, the lace of the influxes was starting to discern without betraying the essence of my work. A lot of that had to do the action of imposing upon myself a reminder, almost as a manifest; that all artwork is contemporary from the moment the eyes that look upon it are the ones of our time.

I must also point out that my own work space was fundamental, space on the top of one of the towers and with two imposing windows that give away unique panoramic views of the city. The wall between these two windows was my choice to place the paintings and to establish a visual and axial relationship with the skyline drawn from North to Southwest on its lower part: from the botanical gardens with the dome of Saint Peter emerging behind the Gianicolo to the Baths of Caracalla and the profile of the Apennine Mountains, visible on the clearest days. So it is, that the disposition of the space and the artwork evolved in unison in an exercise that included multiple objects that worked as commemorative statues in a particular way of integrating with the city; also as a reflection of an eye that has been filtering the observed exactly as is done by time in regards to what deserves to be remembered, in fact, shouldn’t the paintings be the most truthful witnesses to this memory?

Lastly, I must point out the visceral attraction I felt from the first moment to the historic framework. It all began at my first encounter with La Cornice Antic, a specialized store that is almost more of a museum, where you can find true gems from between the 15th and 18th centuries, selected under the criteria of the owner Fabrizio Canto, whose advice was crucial in order to learn the stylistic peculiarities of the pieces in regards to their period and their place of provenance.

More deliberate research allowed me to profile the possibility of integrating them in my work until I finally acquired various examples, which were selected as an element from which to think the pieces according to the criteria to do with the idea of the limits of painting. This point of view allowed me to avoid the banal historic decontextualization or the treatment of the historic frame as a mere complement to the painting as adornment, which ended up being the obvious sign of the type of dialogue established with the context of Rome and, simultaneously, the questioning of the criteria with which we discern what is historic or is contemporary.

The pictorial presence as a motive One of the meanings of “presence” alludes to the “representation”, literally to the “memory of an image or an idea, or the representation of it”. I’m interested in presence as a pictorial essence to study in classics such as Giotto, one of the first artists who made tangible the correspondence between the corporeal, the emotional, the humanistic and the spiritual.

The stay in Rome has facilitated rigorous field work, parallel to the pictorial production, in museums, as much as on very specific trips. As examples, I was especially interested in visiting the Cappella degli Scrovegni de Giotto in Padua; also his frescos and the ones in Cimabue in the Basilica di San Franceso in Asis; the Consacrazione di san Lorenzo come diacono de Fra’ Angelico (Cappella Niccolina, Vaticano) and the Cappella Brancacci de Masaccio y Masolino (Chiesa di Santa Maria del Carmine, Florencia).

This selection is based on the sense I have of genealogy in these pieces of a common pictorial spirit in regards to the essence and intensity of the artwork on which I have been working over these last years.

www.alvaronegro.com

NURIA NÚÑEZ HIERRO

Process

Jerez de la Frontera, 1980. Trained at the Advanced Conservatory of Music of Cordoba and at the University of Arts of Berlin (UdK Berlin), where she finishes with distinction her studies of Master’s in Composition. She has received awards and distinctions such as the First Prize and the Audience Prize (Bärenreiter Preis) at the composition competition for orchestra of the 15th Spring Festival of Weimar, work residencies at the Olevano Romano (German Academy of the Arts Villa Massimo-Casa Baldi), Los Angeles (Villa Aurora-Thomas Mann House), Turingia (Music Academy of Sondershausen) and the postgraduate grant at the Graduiertenschule at the University of Arts of Berlin (2014 - 2016).

From the first moment, this project was born with the will and intent that the elements that constitute it, the music, the text, the scenic and the space grow in parallel forging a purely interdisciplinary experience. We started form the text and took the decision of creating a new script inspired by notes, tales and ideas from Gianni Rodari.

We were interested above all in digging deep into the mechanisms with which Rodari experimented with the language and formal structures in order to later translate them onto musical and dramaturgic levels. Thus, we took up the task that Propp described in his treaty Grammatica della fantasia. Introduzione all’arte di inventare storie (1973) as constructive principles not only from the script, but also for the music.

Musically, different Leitmotiven were created for the different characters and actions that, once displayed on the timeline of the sound speech, they associated with each other establishing parallelisms also with the dramatic side of the composition.

The template of El sueño del señor Rodari, final title of the opera, is formed by a total of four interpreters; a countertenor and three musicians, whose work transcends the category in which they are immersed. The fact of having only one singer pushed us towards the exploration of possibilities of a storyteller who is at the same time a narrator and the main character of the action. Moreover, in order to broaden each narrative function, each interpreter is a musician as well as an actor. They play one role or another depending on the development of the story allowing a constant back and forth between scenic actions that emerge from the music and musical actions that emerge from the scene.

After clearly knowing the use we were going to give the texts, little by little, in parallel, we conceived the global concept of the work, music and scene.

In these last years, the commitment not only with the creation of new audiences but also the creation of new repertoire for the present day audience has taken her to work in proposals that build bridges between contemporary music and the young audience, such as Kleines Stück Himmel, opera for children from ages 2 and over per request of the Deutsche Oper Berlin, and Bestiarium, interactive musical theatre for audiences from ages 6 and over (co-production of the Graduiertenschule of the UdK Berlin with fundings of the Einstein Foundation, the Haus der Kulturen der Welt and the Volksbühne Berlin).

The dream of Mr. Rodari El sueño del señor Rodari is born as chamber opera for children ages 6 and over inspired by the work of the writer, poet, journalist and pedagogue Gianni Rodari. Throughout a series of scenes developed in a hybrid scenic context between opera and the interactive concert, the project suggests a portrait of Rome through its stories, those which conform the collective imaginary of the city and its inhabitants and that, over the years, have contributed to forge in some way its socio-cultural identity.

Experience In order for this project to have all the weight and originally intended meaning, it must be built from the idea of interdisciplinarity. That is why, from the beginning of the work process the shadow theatre specialist company Controluce Teatro d’Ombre, Jacopo Masini and the interpreters Jordi Domènech (coutertenor), Esteban Algora (achordeon), Pedro Rojas (electric guitar) and Gustavo Domínguez (bass clarinet) have been involved. The possibility of representing our opera at the patio of the Tempietto has opened new scenic possibilities with the incorporation of the unavoidable dialogue with the space.

There are also certain scenographic nods towards the accumulated experiences throughout my stay in the Spanish Academy (such as the appearance of a mask, the same type of mask as we used in the Halloween party of the American Academy, or the use of materials from the collective project in the garden initiated

by María as sound resources). www.nurianunezhierro.com

SANTIAGO PASTOR

Process

Alcoy, 1979. Architect and Road, Canal and Port (civil) Engineer. He has directed his own office since 2003, developing edification and infrastructure projects as well as urbanism plans, mainly for the public sector. A part of his professional dedication has been centered around the conservation of monuments. He is also an associate professor at the Universitat Politècnica de València.

The approach to the problem required, initially, work in the field and archives. To understand the section of this fluvial system was the first objective. The bridges and their ruins are key elements, but are not the only components. The ports, mills, the stranded barchettes, also unify both shores… and are as equally important in the understanding of the singularity of the ensemble. Out of all of this functional diversity, the only operational bridges left in the present day, are the ones that have adjusted to the new channeling that represent the muraglioni de Vescovali which redefined the relationship of the city with the river.

The nature of the chosen subject implied making a selection of the most significant operations. In order to illustrate the ideas mentioned regarding the project, I have resorted to hoisting a speech regarding the following actions: the proto-scientific restauration of Valadier on the Ponte Milvio; the introduction of the ponti Suspesi, on a fabric with so much historical weight; the creation of a new type, il risorgimentale; the decisive appearance of modernity with the Ponte Duca d’Aosta; and finally, the recovery operation from a critic perspective of the Ponte Sisto.

The resulting essay is complemented, on the one hand, by the production of a work which visually synthesizes the analysis done on the reciprocal influence that the construction of various bridges of the city of Rome has with the make-up of its urban layout, using the pianta di Nolli as a base. What more, on the other hand, a specific proposal of intervention over the patrimonial fabric has been a developed. It consists of a project of new metallic bridge that rests on the ponte Rotto and basically restores its outlines as it incorporates a connection with the isola tiberina.

Restauration of Roman bridges (19th and 20th Centuries) Conceptually, a bridge unites two parts that are away from each other coexisting with the element that separates them. It constitutes a new insertion in the environment, natural or urban, which overlaps the obstacle it saves, without ever annulling it. In some way, this project shares that double condition of contacting different areas without fusing them together, maintaining its factor of differentiation.

We qualified at the beginning that, regarding this job, the Roman is not equivalent only to what is in Rome, much less only to do with what corresponds with Classical Antiquity. And this, in spite of certain aspects related with our own reach is indeed of this period, like the power and audacity that characterize the bridge of Alcantara, or the typological purity appreciated at the Rimini, and are not circumvented in this investigation.

And so, our reflections revolve around certain procedures of a specific historic patrimony, the cultural landscape of the Tíber, that simultaneously and hand in hand with history, appeal to the disciplines of architecture and engineering. Through them the conflict between the ancient and the modern is questioned; as well as is the disquisition regarding what should prevail in a piece, the functionality, reconfiguring itself for social and economic service and development, or if, on the contrary, what is most appropriate is the strict conservation of the fabrication as a monument, addressing, in that case, a desired reversion to the original state or more valuable significance.

Regarding this previous matter, a priori it looks natural that a bridge, whilst being an artefact essentially useful and robustly constructed, is doomed to continuous transformation throughout its durable continued survival. That which nature nor war destroys, always centered on extinguishing the flame of the achievements of society, will have to be inexorably adapted though the passing of time, which continuously formalizes new requirements. However, it isn’t an inadequate consideration, aligned with Brandi’s theories, that the undoubtable relevance of some of these constructions in relation with the artistic and historic instances make it necessary that the public works of previous times, in a specific way, should be be valued, protected, conserved and freed from improper accessories, returning, as soon as possible, to the image that they offered at the pinnacle of their times.

Experience The city of Rome has once again greatly amazed me. Its correct implementation in the territory, with its historic center among seven hills and crossed by the Tiber; the extraordinary beauty and the enormous scale of many of its buildings; the coexistence of urban sections that vary greatly from the other, intertwining a complex system of alleyways and squares with different axis of importance and of considerable length, which structure the city in a very decisive manner… I have been able to recognize many of these features with intensity.

But, above all, there are two aspects that have captivated me, making me take a longer look; the simultaneous legibility of the different historic layers that are overlapping, and the immense exceptionality of the works of art that are guarded in its museums and palaces. The almost 150 year old Royal Spanish Academy isn’t an exception to this last condition. In addition to the power that the Tempietto irradiates, are the beautiful artworks that maintain the memory of the great artists that have lived there. www.spastorvarquitecto.com

ABEL PAÚL

Process

Valladolid, 1984. Trained at the Conservatory of Amsterdam, at the Universität der Künste in Berlin and at the University of Huddersfield (PhD). His music has been awarded with several awards, among the most important are the 1st Place “Xavier Montsalvatge” of the SGAE-CDM Foundation (2016), Musiktheaterwettebewerb Darmstadt (selected composer), Ayudas a Investigadores y Creadores Culturales del BBVA (2014), SUYAL Award (2014), National Prize of the CDMC (2010), Salvatore Martirano Award (2008) and honorable mentions at the Gaudeamus Muziekweek (2013) and at the Mauricio Kagel Wettbewerb (2010). He has been commissioned by festivals such as the Holland Festival, Darmstadt Ferienkurse, Münchener Biennale, ISCM, etc. His music has been interpreted by numerous groups, such as the Nieuw Ensemble, Asko Ensemble, Nikel, Klangforum Wien, Distractfold, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Insomnio Ensemble, Staatsorchester Darmstadt, ETET, etc.

His music has been present in numerous international festivals from Europe, the U.S.A., Israel and Latin-America.

My composition process has been defined by four different stages. The first one was centered around the exploration of the acoustic nature of different spaces in the Academy. These spaces had been probed with various types of sonic materials in order to investigate its acoustic behavior. This way, the level of reverberation and the diffusion were analyzed as well as the transformation of the sound generated by the structures and architectural materials of these spaces.

In this first phase I chose the specific spaces in which I was going to work on: the Tempietto, the cloister and its Roman cistern, the Portrait Hall and the glassedin gallery on the first floor.

The second stage of activity was characterized by the collaboration and experimentation with individual musicians. This part of the project was mainly focused on the design of materials and instrumental techniques that interact with the particular acoustic nature of the spaces. In this sense, these locations could be understood as big resonance boxes that amplify and modulate the sonic identity of the instruments.

The third phase consisted of the writing process.

This stage (the most complex without a doubt) covered the entire process of sonic-structural invention as well as the design of notational strategies in order to depict the relationship between musician, sonic universe and space, in the score.

The last part of the process was defined by the direct work with the interpreters in situ: rehearsals in the specific spaces and the materialization of the works in the final concert.

Itinerant listening My project consists of the composition of a cycle of four musical works, each of them written exclusively for a certain space at the RAER. These compositions explore the acoustic nature of different spaces and residences inside the enclosure of this institution. In turn, the works are related with some of the descriptions contained in De Architectura, the architectural treaty of Marco Vitruvio. The set of compositions assumes an itinerary, a tour around the different spaces of the Academy. For this, the listener must move around the geography of the building in order to get to the different areas where the work is executed.

In order to achieve a unitary experience, a series of sonic installations shall be strategically located in intermediate areas of the tour, generating links and sonic synergies between the locations in which each musical group is situated. The sound entwines physically with the materiality of the building, momentarily appropriating the areas where the music is.

Experience Overall, I interpret my stay in Rome as an opportunity to be introspective with my creativity, a parenthesis to be able to explore and examine in detail inherent issues to my activity as a composer. This experience is permeable and smooth flowing and allows for the incorporation of new elements into my own language, in a clear or subterranean way, influences of the city itself (related elements to its urban geography, its architecture, the sound of its streets, its people, its history, etc… ) and factors related to the works of other grant holders. The fruit of these influences isn’t necessarily visible and it may be the start of other ramifications and derivations that end up manifesting later on in the language and my own creative process. The stay at the Academy seems to me like a necessary discontinuity in my professional trajectory, as it has allowed me to constantly peep into other artistic ambits, into the work of others. In this sense, it has also enabled me to observe my own work from an alternative space and, sometimes, from the eyes (and ears) of the other.

www.abelpaul.net info@abelpaul.net

MILENA ROSSIGNOLI

Process and experience

Quito, 1990. Licensed in Research and Design of Visual Arts by the Academy of Fine Arts of Bologna in 2016. During the academic year 2014-2015, she receives the grant to study abroad for the Escola Massana de Arte y Diseño in Barcelona together with the art residence at the Piramidón Centre d’Art Contemporani. She closes this year obtaining a traineeship grant for the Weißensee Kunsthochschule in Berlín.

About vertical perception Rome, its impressive structure generates the constant action of looking in an upward motion. This action creates a connection with the atmosphere. To perceive the height is like measuring yourself with the distance.

She has received the awards MOVIN’UP I, 2016, Turin; Fondazione Zucchelli, 2015, Bologna; Call 2014 and Galería Luis Adelantado, Valencia. Her last individual shows were Expansión vertical, curated by David Armengol in Espai M, Barcelona, 2017 and Unire le distanza, curated by Olga Gambari at the gallery Autofocus 8, Turin, 2016.

Excurtiare* “Milena Rossignoli’s work is about the space as a space of overlapping, a constant change between the two-dimensional and the three-dimensional. Of nomadic spirit by nature, the dimensions of the world appear in her research, subject to perpetual mutation.

For Milena, the space suffers a complex and individual perception: the glance, the corporal mass, sight, hearing, the sense of smell and the state of mind.

Milena creates a complex and oscillating system of recognition and definition, and each time it requires an analysis and a new approach. The focus of her work is the void as a synonym of absence and a clear zone, enclosed by a structure that could be the package of the object, as is architecture. The geometry of the construction is a structural value that underlines the cardinal points of her work, the key word in order to understand, translate and reorganize reality.” [Text from Olga Gambari].

For this project I want to start from the human perspective of the landscape, that is based in building a limited space from a particular point of view (excurtiare), where this delimitation creates geometry.

Directing the intuition to the architectural vision of Rome, the project Excurtiare consists in the production of the site y time-specific installations that dialogue with the Academy and the structural measures of the city. *In latin, excurtiare, that for its translation to Spanish ‘escorzar’ (foreshortening) makes its way through the Italian word ‘scrociare’ (to cut, to abbreviate, to simplify), is a painting operation whereby, through perspective, it reveals a surface of layers of the third dimension.

About horizontal perception RAER, its position in the space allows to contain the city under the city’s skyline.

The humidity is the focus which reveals distance. To perceive the distance is like measuring yourself with the atmosphere.

Here the action of going downwards or upwards is amplified, gravity determines the perspectives.

Gravity + time generate surface, just like a pictorial process.

Geometric elements with no aesthetic pretensions sustain the architectural remains complete with decoration. The scaffolds in some way synthesize the monumentality simplifying the vision towards a pure geometrical experience, just like graphics.

The void is contained in depth. Buried under the earth and debris, it acts as a matrix for the third landscape.

The city is dissected, the maps have been defined by time. Infinite virtual renders about how it would’ve been to enter the subconscious creating another image in reality.

The image fills the void in a vertical direction until covering the sky in the most superficial stratums, and to discover the sky in the deepest stratums.

Gravitational painting The floor demonstrates that the end is the same process. Gravity and matter are the means.

The architecture is the limit that works as a frame, but like the atmosphere.

The double vision of things is translated into matter as a search for contradiction. The rigid is transformed in pliable; the map into structure.

Process of indetermination Tidiness, understood in its etymology, is the only static appearance. Here the intention is to break the limit, because appearance it is always. The representation serves to measure ourselves with something indefinite or, better, with something non-complete, eternal, but with no intention of being that.

Thanks to the exchange, to the space and to the time that has been given to me, I will be able, finally, to build distance.

www.milenarossignoli.com

MARÍA GISÈLE ROYO

Process

Caracas, 1983. Director, producer and editor of documentaries. Art director of fiction movies. MFA “Media Arts Production” at the City College of New York with a Fulbright scholarship. Licensed in Media Arts at the University of Seville and one year of Film Studies at the London College of Music and Media. As a co-founder of Jur Jur Productions, she has produced and directed several documentaries, programs and documentary series for TV, fiction short films, as she has directed campaigns and online videos. She has worked for Blommberg News, Atresmedia and Doblediez TV, and independent documentaries, selected in festivals such as Berlinale, Locarno, Visions du Reel or Karlovy Vary.

Conceptually this work is a search of patterns on different levels. The method I have followed looks to play with the ways of representing the documentary, trying to walk over the limits of the classifications.

From the Gianicolo, just like Jano, I looked into the past, researching on the historic figure of the augur through books, monuments, millenary tables and interviews with experts. I tried to understand who they were, how their power worked and what could I learn from them.

And I tried to look into the future. I filmed in direct cinema style the life inside the Academy, with the hypothesis that the best way of confronting what is to come, is not through people or power structures that take decisions for you, but through the collaboration chosen by oneself. The premise was that in a space of creation and coexistence such as the Academy, collaborations and mutual help alliances emerge. To capture from my viewpoint, as one more, those moments, the method I chose was to record, searching for what made those moments of collaboration happen, and so, capture that development.

This double subjective perspective became reflective.

I discovered in my own past the root of the motivation of doing this movie. I wanted to learn to distinguish my own patterns and discover how to decipher them.

Her documentary “Rediscovering Pape”, won a Student Academy Award and a College Student Award (Emmy), among other international awards, and national awards such as one from the Fundación Fernando Buesa. She was the Art Director of the movie “H.”, released at the Biennale of Venezia in 2015, selected in Sundance, Berlinale and awarded with an Independent Spirit Award. She has collaborated in “The Silence of Others”, winning documentary of the Panorama Audience Award and the Peace Film Price at the Berlinale 2018 and Goya 2019.

Auspicia

Experience

The starting point of this film is the investigation about the ritual celebrated by the augurs in order to give the Imperium the power. The context of this quest is strained until becoming part of the film.

The experience in the Academy has been key to widen my view. I was able to collaborate in many of the projects of my colleagues, that is the luck of being the one with the camera.

The augurs read patterns, defining the search from which to frame their perspective in order to decipher them. As the investigation moves on, the subjective glance becomes thoughtful and looks into their own past, where you can also read the common patterns.

Learning and understanding their creative processes has helped me to reflect upon my own way of working and to explore new forms of expression with which I have been able to develop my own language. In the Academy I have felt a freedom only comparable to childhood. For a few months I became a child once again who didn’t stop looking everywhere and asking non-stop, trying to capture everything, not letting anything escape my grasp.

The steps of the ritual: silentio, invocatio, stipulatio, templum, spectio y nuntiatio; they are drawn like a structure that helps one make important decisions.

You can read the nature.

I came from spending several years working for clients, and I had become distant from personal creation. This experience has given me the opportunity of believing once again in my own perspective, a perspective which through these months has been touched by the nuances and points of view of my colleagues. I feel like I have undressed myself from a scab that perhaps made me more resilient in the day to day, but was blocking me from enjoying my own sensitivity. Looking through my eyes, wide awake, I start to crawl and babble once again. With the will of protecting the vulnerability that makes me sensitive, scratching the scabs of my wounds, and showing the scars. Now I understand the importance of worms for the earth. www.mariaroyo.com

JAVIER SÁEZ CASTÁN

Process

Huesca, 1964. Author and illustrator of albums, comics, novels and other illustrated artifacts. His Animalario Universal del Profesor Revillod has been translated into several languages and has received the recognition of best illustrated book by the FILIJ of Mexico in 2004 and the Golden Book Key to best published book in 2011 in Dutch. Other of his books have deserved awards such as the Nostra, granted at the International Book Fair in Guadalajara, Mexico, the Álbum Ilustrado granted by the Cabildo de Gran Canaria, the Banco del Libro de Venezuela Award in two occasions, or the White Ravens granted by the Internationale Jugendbibliotehek of Munich, in four occasions. For the compilation of his work he has received the Mención de Honor del Premio Iberoamericano de Literatura Infantil of the Fundación SM in 2008, the nomination of the Astrid Lindgren in 2011 and 2012 and the National Illustration Award granted by the Ministry of Culture of Spain in 2016.

He has shared his experience as an author in courses, workshops and conferences in Spain, Mexico, France, Portugal, Colombia and Venezuela. Nowadays he imparts the subject Illustrated Book the Masters of Design and Illustration of the Polytechnical University of Valencia.

How many times does an insect change its form? In the holometabolic or complex metamorphosis, at least twice.

The fly, the diptera, belong to this gender of insects. The shaking following a transformation can be provisional: the insect may be awaiting new changes and we don’t know if it knows.

The three months spent in Rome, coinciding with the end of Winter and the beginning of Spring, meant a process of work so intense that summarizing them seems difficult. After a phase of appreciation, documentation and adapting to the setting, came another of argumentative development, followed by sensationalist style, until the story collapsed into a more mysterious final version, and perhaps, more philosophical.

The first of these cuts or ruptures stemmed from the discovery of Rome (of the successive Romes locked inside one another like Russian dolls) like “urbi et orbe”, as a city and as a world. The initial project grew wings and wanted to become aleph or machinery in order to travel the city and put the world to work.

Nonetheless, the work process in itself, reduced this world to the limits of the confines of a room, the most adequate scenery for the dimensions of a fly and it allowed for a more detained and silent exploration of time.

What then emerged was a more detailed poetic, focused on the quiet mode in which reality comes up among us, even when it’s only a fly who is looking. Accordingly, and as means to fracture the narration (as the main character is an insect, a being without memory), I renounced the storyboard in benefit of the sense of presence of each image. The comic has moved forward like a juxtaposition of moments that should be resolved abruptly in the final event.

A fly life We find ourselves with a book of images which we may call “comic”, though it disrupts, without much fuzz, some of the conventions that this genre holds.

The comic, usually, has set the illustration to the service of the narration, while in this case the points of connection between the images intend above all to be express the essence of time.

In the beginning, the fly lived in a room. Its friends were the things. It sat on them, it touched them with its tube: it named them. The language and the things, thanks to that act, were interchangeable once again. And also, the images: for the fly, the painting of the deer, was the deer: the painted bird, was the bird. It only avoided the clock, as it didn’t know what time was. But the time didn’t pay attention to it either, in such a way that we may imagine that words such as “day”, “moment” or “eternity” weren’t within its vocabulary.

There was also a man closed up in that same room, though it found him much later, lost in swirls of smoke.

The fly was happy in the middle of everything, maybe because it didn’t think much about it or perhaps it thought about it just enough, but the man seemed to lose himself in faraway remembrances with the sea as the main subject.

The encounter between these two confined beings in the same house and fixated on the same window takes an unexpected turn when a third character appears and becomes aware that, after all, a fly is also a spectator, someone who demonstrates the appearance of things, that helps them “to be”.

Experience None of this would have happened outside the hospitality of the Academy. The transit from the movement of the Roman streets to the cloistered sense of retreat that is sometimes lived in the Academy, accompanied the work process and drove it to a place in which I would’ve never been able to reach any other way.

On this path, I found myself with different travel colleagues to which the fly owes a big part of its existence, in the shape of technical information, acute observations or support in subjects such as photography and video recording.

To this we must add the many possibilities of the Roman walks and the intense cultural programming of the Academy, a constant stimulus for whomever is working on an artistic project.

But most of all, the feeling that remains is that of accompaniment, the fact that, beyond the projects which have united the scholarship holders in this singular building, we have shared a unique atmosphere that has allowed us to develop our work as in no other place.

ELENA TRAPANESE

Process

Rome, 1985. Masters in Spanish and Ibero-American Thought and International PhD by the Universidad Autónoma Madrid, for which thesis she was awarded with the Premio Extraordinario de Doctorado (20152016). She has been “Cultrice della materia” in the University Federico II of Naples and she currently works as Assistant PhD Professor at the Department of Social Anthropology and Spanish Philosophical Thought of the Universidad Autónoma Madrid.

Her research revolves around the relationship of philosophy, literature and social sciences, with special attention to the Ibero-American world and to the Spanish Exile of 1939.

Among her last publications, the following are worth giving special mention: Sueños, tiempos y destiempos.

El exilio romano de María Zambrano (UAM Ediciones, 2018), “Lecturas de Antígona o de la ciudad inclinada” (Las Torres de Lucca, 2018), “José Bergamín: cuerpo y voz” (Iberic@l, 12, 2017), “Narrare, narrarsi l’esilio”.

(Funes. Journal of narratives and social science, n. 1, 2017), “La España cóncava de Ramón Gaya” (Theoría.

Revista del Colegio de Filosofía, UNAM, 30-31, 2016), and the monographic “Cuerpo e identidad en la sociedad del leisure” of the magazine Bajo Palabra. Revista de Filosofía (2016).

The poet and writer Antonio Machado wrote that “no hay camino, se hace camino al andar” (there is no path to follow, it is made upon walking). The path of my investigation has come to be, in effect, by walking: it has been, above all, a real path through the streets and the archives of the Italian capital, in search of material that wasn’t always easy to attain: articles, original books and catalogue editions, letters, diaries, radio programs, photographs. The National Library of Rome, the Fondazione Camillo Caetani, the Angelo Monteverdi Library, the RAI Library and the library of the Royal Academy have been my second home during my stay in Rome.

Our Spanish in Rome. In hindsight.

“The arrival to Rome from the 50’s on, of those who would become our Spanish friends, has been for some of us one of the biggest and most positive acquisitions of that period”, the intellectual Elena Croce commented in an article titled “Spagnoli nostri a Roma” (1977).

After the end of World War II and the defeat of the Italian and German totalitarianisms, the Italian peninsula became a privileged milestone for the arrival of the Spanish exiled, who inserted themselves in a climate of fervent interest for Spain and its culture, and they used to have social gatherings, to go to coffee shops and collaborate in editorials of the time.

Españoles nuestros en Roma. Una retrospective has as a main objective the recuperation and to raise awareness through journalistic, photographic, radiophonic and visual material preserved in the archives of the city of Rome and linked to the presence of the Spanish exiled republicans, from the 50’s to the mid 70’s of the past century.

The project suggests a tour around some of the most significant moments of the cultural encounter between the exile and the Italian intellectual atmosphere of the time: Pablo Picasso’s exhibition at the Valle Giulia in 1953 and the collaborations of the exiled in magazines and editorials of the time. Thus, the project recovers those personal testimonies -interviews, diaries and letters- which are not usually a part of the official memory of the exile.

Ultimately, it’s about getting to know the history that interweaves Spain and Italy, not as mere antiquarian eagerness, but to question ourselves on the exile as a phenomenon that endures in our modern day societies.

It is known that the work with archives always hides a great danger: not finding what we were looking for, or finding documents that suddenly oblige us to reformulate our research, to change the trajectory of our endeavor, that oblige us in an enrichening exercise of flexibility.

My path has also been a symbolic path, through the texts and the testimonies of the exiled Spanish, following footprints sometimes faint, but revealing, in order to understand how they perceived and lived Rome, Italy and their own experiences of exile. A path that has taken me to an unexpected result: the creation of a series of literary-poetic routes of the exiled Spanish across the aquatic, gattara and heterodox Rome.

Experience Wandering, it is known, is not always easy. But it can hide unexpected treasures. That’s how I would answer the people who have been asking for months about what I felt, as a Roman living in Spain, about coming back to my city and doing so with a scholarship from the Royal Spanish Academy in Rome.

Culture, wrote the exiled María Zambrano, is not a luxury, but it has to do with something fundamental for our societies: human coexistence. Above all, coexistence with the city of Rome, with its streets, crossings, squares, fountains and buses, with the almost devoured beauty of its view from the Gianicolo. Moreover, the coexistence in the Academy, considering ages, disciplines, different countries and most varied personal trajectories. From this experience, large and small collaborations were born, of many shapes and forms, not always visible in the final results of the project, but essential in the devising and development stages. I have taken back a suitcase full of birds, fireflies, skin to dye and copper, flies, canes, circles and squares, boxes and fabric, scores and remote music, rhetoric, alchemies and blown Murano glass, baroque ornaments, renaissance words and Cuban cigars. Baggage, that more than representing a sign of the past, I see and feel as a seed for the future.

ANA ZAMORA

Process and experience

Madrid, 1975. Superior Studies in Scenic Direction and Dramaturgy by the Royal Superior School of Drama Arts. In the year 2001, she founds Nao d’amores, a collective of professionals who come from classical theatre, the puppets and early music that develop a work of investigation and training for the staging of medieval and renaissance theatre. With this company she has released twelve shows that have supposed a real milestone in the recovery of the pre-baroque theatre, from an absolute contemporary perspective.

Aside from her work in Nao d’amores, she has staged very diverse texts and it is worth mentioning her works for national theatres, such as Teatro de la Zarzuela y el Centro Dramático Nacional (2009).

She has participated as a speaker in multiple seminaries and congresses, and she has imparted formative workshops in several countries (Spain, Italy, Portugal, EE.UU, Mexico, Colombia, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, Uruguay, Brasil). She is an academic at the Royal Academy of History and Arts of San Quirce and, over her professional trajectory, she has received different awards.

This grant conferred for the residence at the RAER, is framed in an ambitious global project which, relying on the collaboration of different Spanish institutions, has allowed me make an original contribution to the recovery of our theatre patrimony.

The starting of the documentation phase was developed between July and September of the year 2017 in Segovia, at the Casa del Arco del Socorro, yielded by the City Council of Segovia. In this period, I dove deeply into the synchronous study of the text and its original implications (aesthetical characteristics, structure and meaning, the projection of the work of Torres Naharro in his contemporary theatre and in the public of his time, etc.) for which I relied on the academic assessment of the ITEM of the Complutense Univerity, through its platform PTCE, research project sheltered by the Ministerio de Economía y Competitividad (Ministry of Economy and Competitiveness).

In August 2017, thanks to the collaboration with Fuentes de la Voz, Center for the Research of the Voice, the Word and Verse, in Sorihuela, Salamanca, in collaboration with Fabio Mangolini (pedagogue with an ample career in popular Italian theatre), I addressed a new phase in the shape of an acting workshop: posibles aplicaciones de principios de la comedia dell´arte a los textos renacentistas españoles (possible applications of the principles of the comedy dell’arte of the Spanish Renaissance texts).

My stay in Italy, living and working at the RAER encompassed the months of October and November of 2017. In this phase I established and undertook the lines of the dramaturgical elaboration, drawn from the recompilation of much material documented during my stay in Rome: literary and historiographic references, artistic-historic, linked to the history of the staging, to the interpretative techniques in the Italian Renaissance and the approach to the anthropological continuity in order to track the concept of popular and courtesan celebrations.

In December of 2017 I landed once again in Segovia (S. Nicolás Church transfer of the City Council and Nao d’amores in the village of Revenga) with all the material collected during my stay in Rome in order to materialize the aesthetic and stylistic proposal, to establish the basis of the staging and initiation of the educational workshops and rehearsals with the cast of actors and musicians.

On February 16th, 2018 the stage materialization of the project concluded with the premier in the Juan Bravo Theatre (thanks to the collaboration of the Provincial Council of Segovia), from Comedia Aquilana, in co-production with the Compañía Nacional de Teatro Clásico (INAEM. Ministerio de Educación Cultura y Deporte). To be shown afterwards at the Teatro de La Comedia, with headquarters in Madrid of the CNTC, to later commence an important tour, which allows us to share the work with different types of public.

Italian influences in the Spanish renaissance theatre: resurrecting Torres Naharro Studies of a philological nature have demonstrated the Italian influence in the birth of Spanish comedy. Nevertheless, an important assignment remains pending: the investigation from a multidisciplinary, practical perspective, in other scenic influences that created the basis upon which the theatrical identity itself was born, national, though with strong roots in the culture of the European theatre.

Making the most out of the celebration of this season 2017/2018 of the 500th anniversary of the Italian edition of the Propalladia, great compendium of works of Bartolomé Torres Naharro, I have opted on channeling the search on this playwright from Extremadura, Spain, who wrote nearly all of his theatre in Rome, which is considered as the first prescriptive of the Spanish theatre, and is today a great stranger on the stages.

The purpose of my research will not be to conduct a work of academic nature, but establishing, from a rigorous baseline, the models on which to substantiate a staging which, in collaboration with Nao d’amores and the Compañía Nacional de Teatro Clásico, may be a live expression of that ambit of exchange and influences which took place in Italy in the beginnings of the 16th Century. We are facing a project which entails a privileged nexus between the academic and the stage practice, which, far from trying to remain in the historical ambit, claims a space for our pre-baroque theatre as a space of indispensable reflection for our present reality.

www.naodamores.com

Real Academia de España en Roma Piazza San Pietro in Montorio 3 00153 Roma (Gianicolo) +39 06 581 28 06 info@accademiaspagna.org www.accademiaspagna.org

Las imágenes que ilustran la presente publicación son parte del proceso creativo de los artistas en residencia o bien elementos que han servido de inspiración para la realización de sus proyectos, asimismo se incluyen, como separatas de la publicación fotografías de Juan Baraja tomadas durante su estancia en la Academia (pp. 6, 8, 10, 12, 18, 24, 30, 40, 46).

Créditos fotográficos Las fotografías de los artistas e investigadores han sido realizadas por Giorgio Benni (imagen del trabajo de Miguel Leiro, p. 45), Vincenzo Giura (imagen del trabajo de Elena Trapanese, p. 45), María Gisèle Royo (pp. 14, 81, 83, 108 [fotograma video]), Ángela Bonadies (pp. 103, 143), Alberto Barrientos (pp. 109 y 111), Javier Herrero (pp. 137 y 139), Andrea Artigiani (colaborador técnico de fotografía, p. 109), Eduardo Terrón (p.142) y Mercedes Jaén Ruiz (pp. 16, 142 y 143).

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