Roma Akademia. Processi 146/147. Real Academia de España en Roma by AECID PUBLICACIONES

Real Academia de España en Roma

PROCESSI 146 PROCESSI 147

Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España/ Kanpo Arazoetako, Europar Batasuneko eta Lankidetzako Ministerioa/ Ministry of Foreign Affairs, European Union and Cooperation of Spain Ministro de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación/ Kanpo Arazoetako, Europar Batasuneko eta Lankidetzako ministroa/ Minister of Foreign Affairs, European Union and Cooperation José Manuel Albares Bueno Secretaria de Estado de Cooperación Internacional/ Nazioarteko Lankidetzarako estatu-idazkaria/ Secretary of State for International Cooperation Pilar Cancela Rodríguez Director de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)/ Garapenerako Nazioarteko Lankidetzarako Espainiako Agentziako zuzendaria (AECID)/ Director of Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID) Antón Leis García Director de Relaciones Culturales y Científicas/ Kultura eta Zientzia Harremanetarako zuzendaria/ Director of Cultural and Scientific Relations Guzmán Palacios Fernández Jefa de Departamento de Cooperación y Promoción Cultural/ Lankidetza eta Kultura Sustapeneko Departamentuko burua/ Head of Department for Cooperation and Cultural Promotion Elena González González Jefa de Actividades Culturales/ Kultura Jardueretako burua/ Head of Cultural Activities Elvira Cámara López Coordinación Artes Visuales AECID/ Arte Bisualen Koordinazioa AECID/ Visual Arts Coordination AECID Álvaro Callejo Roales Alejandro Romero Sánchez de la Plata Real Academia de España en Roma/ Espainiako Errege Akademia Erroman/ Spanish Royal Academy in Rome Embajador de España en Roma/Espainiaren enbaxadorea Erroman/Ambassador of Spain in Rome Alfonso Dastis Quecedo Consejero Cultural/Kultura kontseilaria/Cultural Counselor Carlos Tercero Castro Directora/Zuzendaria/Director M.ª Ángeles Albert de León Secretaria/Idazkaria/Secretary María Luisa Sánchez Llorente Coordinadora Residentes/Egoiliarren koordinatzailea/Residents Coordinator Cristina Redondo Sangil

Coordinadora de Patrimonio Cultural/Biblioteca/ Kultura Ondarearen/Liburutegiaren koordinatzailea/ Cultural Heritage Coordination/Library/ Margarita Alonso Campoy Gestión Cultural/Colecciones/ Kultura-kudeaketa/Bildumak/ Cultural Management/Museographic Funds Margarita Alonso Campoy Miguel Cabezas Ruiz María Nadal de Valenzuela Cristina Redondo Sangil Arturo Ruiz Parra Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao Ayuntamiento de Bilbao/Bilboko Udala/Bilbao Council Presidente de Honor/Ohorezko presidentea/Honorary Chairman Juan María Aburto Rique (Alcalde de Bilbao/Bilboko Alkatea/ Mayor of Bilbao) Presidente/Presidentea/President Gonzalo Olabarria Villota Director/Zuzendaria/Director Fernando Pérez Asistente de Dirección/Zuzendariaren laguntzailea/Management Assistant Estibalitz Aldana Responsable de Servicios Generales/ Zerbitzu Orokorren Arduraduna/ General Service Manager Jorge Landa Responsable de Programación Cultural/ Kultur Programazioko arduraduna/ Cultural Programming Manager Rakel Esparza Responsable de Marketing/Marketing Arduraduna/Marking Manager Bárbara Epalza Responsable de Comunicación/ Komunikazio Arduraduna/ Communication Manager Itziar Ijalba Responsable de Mediateca/Mediatekaren Arduraduna/Mediateka Manager Alasne Martín Responsable de Atención a Personas Usuarias/ Erabiltzaileen Arretarako arduraduna/ Customer Service Manager Marina Aparicio Responsable de Mantenimiento y Logística/ Mantenimendu eta Logistikako arduraduna/ Logistics and Maintenance Manager Iñaki Ayala

Técnicas de Programación Cultural/ Kultura Programazio teknikariak/ Cultural Programme Technicians Ainara Bilbao Marina Urrutikoetxea Administración y Producción/ Administrazioa eta Ekoizpena/ Administration and Production Iraia Olea Olaia Ibarzabal (Lanalden) Iván Alonso (Portal 71) Comunicación/Komunikazioa/Communication Maite Arberas Sonia Gorostizaga (George & Mildred) Tania Oliveros (George & Mildred) Irune lazkano (George & Mildred) Jon Egia (Lin3s) Ines Jauregi (VK Comunicación) Documentación/Dokumentazioa/Documentation Sonia Marcos Telecomunicaciones y Sistemas/ Telekomunikazioak eta Sistemak/ Systems and Telecommunications Technician Unai Ugarriza Técnica de Mantenimiento y Logística/ Mantenimendu eta Logistikako teknikaria/ Logistics and Maintenance Technician Sandra García Técnica Superior de Finanzas/ Finantzako goi-mailako teknikaria/ Financial Senior Technician Sonia del Val

Residentes de la Real Academia de España en Roma 2018-2019/ Erromako Espainiako Errege Akademiako egoiliarrak 2018-2019/ 2018-2019 Spanish Royal Academy in Rome’s Grants Processi 146 José Ramón Amondarain Taxio Ardanaz Itziar Barrio Igor Bragado Andrea Canepa Nicolás Combarro Isolina Díaz-Ramos Lara Dopazo Silvia Fernández María Ángeles Ferrer Pablo Fidalgo Pedro G. Romero Jorge Galán Begoña Huertas Julia Huete María Moraleda Marta Ramos-Yzquierdo Estibaliz Sádaba Fernando Sánchez-Cabezudo Borja Santomé Anna Talens María del Mar Villafranca Tono Vizcaíno

Residentes de la Real Academia de España en Roma 2019-2020/ Erromako Espainiako Errege Akademiako egoiliarrak 2019-2020/ 2019-2020 Spanish Royal Academy in Rome’s Grants Processi 147 José Ramón Ais Carla Berrocal Antonio Buchannan Ana Bustelo Joana Cera Jorge Cubero Federico Guzmán Susanna Inglada Montse Lasunción Jana Leo Jorge Luis Marzo Irene-Clémentine Ortega Javier Pividal Enrique Radigales Pantxo Ramas Adolfo Serra Begoña Soto Claudio Sotolongo Eduardo Soutullo Javier Verdugo Manuel Vilas Ana Zamora

Roma Akademia Processi 146 Processi 147 Azkuna Zentroa-Alhóndiga, Bilbao 29 de octubre 2021-6 de febrero 2022/ 2021eko urriaren 29a-2022ko otsailaren 6a

Comisario y Diseño Expositivo/ Komisarioa eta erakusketaren diseinua/ Curator and Exhibition Design Jesús Donaire Comisaria Adjunta y Diseño Expositivo/ Komisario ondokoa eta erakusketaren diseinua/ Co-Curator and Exhibition Design María Milans del Bosch Coordinación Exposición AECID/ AECID erakusketaren koordinazioa/ Exhibition Coordination AECID Álvaro Callejo Colaboradores del Comisariado y Diseño/ Komisariotza eta diseinuko kolaboratzaileak/ Design and Curatorial Assistants Carlos Covisa María Elizalde Carlos Pérez Riccardo Scisciola Identidad Gráfica Expositiva/Erakusketaren identitate grafikoa/Project Design Inés Atienza Textos del catálogo/Katalogoko testuak/Catalogue’s Texts Authors Jesús Donaire Diseño Gráfico del catálogo/Katalogoaren diseinu grafikoa/Catalogue Graphic Designer Mercedes Jaén Ruiz

Traductores Inglés/Ingelesezko itzultzaileak/English Translators I See Culture, Jo-Anne Cardinal Traductores Euskera/Euskarazko itzultzaileak/Basque Translators Hitzek Itzulpen Zerbitzua Fotografías/Argazkiak/Photographs Ixone Sádaba Impresión/Inprimatzea/Printing Composiciones Rali SA Distribuido por/Banatzailea/Distribution La Fábrica Prensa y Comunicación/Prentsa eta komunikazioa/Press and Communication Laboratorio Creativo Sin Título SL (Madrid) Producción y Montaje Expositivo/ Ekoizpena eta erakusketa muntatzea/ Production and Exhibition Design Giroa Veolia Equipos Audiovisuales/Ikus-entzunezkoen ekipoak/Audiovisual Equipment Creamos Technology Transporte/Garraioa/Transport CLM Logistics

Enclavada en lo alto de la colina del Gianicolo, con las mejores vistas de Roma, la Academia de España se encamina con paso firme a sus 150 años de historia, que cumplirá en 2023. A pesar de las dificultades por las que ha pasado la Academia en estos dos últimos años, debido a la pandemia, la actividad creativa de dos nuevas promociones de becarias y becarios ha seguido su curso, y el programa de becas de la Real Academia de España en Roma-AECID ha podido seguir desarrollándose de manera satisfactoria, gracias a la implicación y al trabajo de todo el personal de la Academia, de su directora y, por supuesto, de los artistas, cuya ilusión, voluntad, esfuerzo y capacidad de adaptación han quedado bien patentes. La Academia de España en Roma se ha consolidado en los últimos años como uno de los centros de creación españoles más importantes fuera de nuestras fronteras. Desde hace ya varias ediciones, las residencias artísticas y de investigación han ido creciendo en cantidad y en calidad, dando lugar a un espacio creativo que ha permitido la interacción de artistas provenientes de disciplinas muy diferentes y que encuentran en ella un espacio común en el que comunicarse y enriquecerse mutuamente. Hoy la Academia es un espacio cultural que ha sabido integrar la historia y la esencia de la influencia romana en el arte, con los aires de renovación que aportan las nuevas disciplinas artísticas, representadas por artistas del siglo XXI, quienes tienen mucho que decir en el panorama artístico de nuestro país. Habitualmente, los proyectos y obras de cada una de las promociones que pasan por los muros de la Academia son presentados en dos magníficas exposiciones que permiten dar a conocer al gran público el resultado de meses de producción y trabajo creativo. Estas dos muestras se organizan, en primer término, en las salas de la propia Academia de España en Roma y, al año siguiente, en Madrid, donde el público de nuestro país puede disfrutar del trabajo que se viene realizando en nuestra institución romana. En este año 2021 han confluido dos factores novedosos: en primer lugar, las circunstancias derivadas de la pandemia, que tanto afectaron a la programación de las instituciones culturales de nuestro país, obstaculizaron el iter previsto para la presentación de los trabajos de las becarias y los becarios del curso académico 20182019 en el momento que les correspondía. Consecuentemente, y con el fin de cumplir con nuestro compromiso, decidimos fusionar los trabajos de los cursos 2018-2019 y 2019-2020 en una única y gran exposición, en la que no se vieran mermadas ni la calidad expositiva ni la experiencia sensorial del espectador. El segundo elemento novedoso es la ubicación de la sede expositiva fuera de Madrid. Desde hacía ya tiempo, este era un objetivo que nos habíamos propuesto tanto desde la Secretaría de Estado de Cooperación Internacional y la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas, como desde la propia Academia. Creemos firmemente en la necesidad de difundir y promocionar la labor de nuestros artistas y creadores en diferentes ámbitos culturales de nuestra geografía. Es importante para nosotros, pero, sobre todo, para ellos. En ese sentido, supone un verdadero privilegio y una satisfacción el haber contado con la colaboración del Azkuna Zentroa-Alhóndiga de Bilbao en la organización y presentación de la muestra en los extraordinarios espacios en los que Roma y nuestra Academia desembarcan con toda su fuerza creativa. 11

Roma Akademia. Processi 146 y Processi 147 recoge el trabajo de 45 artistas e investigadores que, durante los periodos 2018-2019 y 2019-2020, reflexionaron, maduraron y plasmaron sus propuestas artísticas y de investigación en la colección que hoy mostramos al público. Su puesta en escena, con representantes de las más variadas disciplinas, ha contado con la extraordinaria labor curatorial de Jesús Donaire, arquitecto, comisario y exbecario de la Academia que ha sabido, a través de un discurso expositivo dinámico, encontrar un hilo conductor y de interrelación entre los artistas y sus obras que nos permite gozar de una experiencia expositiva extraordinaria. Roma y Bilbao están hoy más cerca que nunca y esto es resultado del trabajo y la colaboración de muchas personas e instituciones. Quiero dar las gracias, en primer lugar, a la propia Academia, a todos su trabajadores y a su directora, M.ª Ángeles Albert de León, por su labor diaria y su incansable dedicación para promover y facilitar el trabajo de las becarias y los becarios. Agradezco muy especialmente al Azkuna Zentroa-Alhóndiga de Bilbao, a su director, Fernando Pérez, y a todo su equipo, como perfectos anfitriones del proyecto, por su entusiasmo y voluntad de colaboración. Gracias al comisario de la exposición, Jesús Donaire, por su excelente trabajo en la conceptualización y definición del proyecto y, finalmente, y muy especialmente, a todos los artistas e investigadores de las promociones 2018-2019 y 2019-2020, por su resiliencia en estos dos años tan complejos y difíciles, por no haber perdido nunca la ilusión y las ganas de formar parte de la historia de la Academia. Pilar Cancela Rodríguez Secretaria de Estado de Cooperación Internacional Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación

Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao es el Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao, un espacio polivalente y actual, en el que se interrelacionan disciplinas, contenidos y públicos. Se trata de un lugar abierto, inclusivo, diverso y plural que responde a las necesidades de una sociedad en continua transformación. La cultura contemporánea, a través del arte y la creación, genera experiencias personales y colectivas, y el conocimiento necesario que ayuda al crecimiento de las personas y que dota a la sociedad de una conciencia más crítica y diversa. Este centro fue el almacén de vinos de la ciudad, y es una muestra perfecta de la transformación de Bilbao de una realidad industrial a una ciudad donde la innovación, el conocimiento y la cultura son los grandes protagonistas. Desde que abrió sus puertas en 2010, Azkuna Zentroa se ha ido sumando a la consolidación de nuestra Villa, en su posicionamiento internacional, con la cultura como paradigma de una ciudad de calidad. Lo hemos conseguido trabajando todos los días, desde diferentes ámbitos, en colaboración con múltiples agentes y pensando en todos los destinatarios posibles. Cultura 365 días al año y para todos los públicos. En muchos sentidos, nuestros objetivos conectan con los de la Academia de España en Roma porque la multidisciplinaridad artística y el apoyo a la creación son también ejes prioritarios de nuestra estrategia cultural. Azkuna Zentroa es el espacio de referencia para la cultura contemporánea: un lugar dinámico, con las condiciones necesarias para favorecer la creación y la investigación con otros tiempos, donde pueden presentar y difundir su trabajo. En la Alhóndiga promovemos la convivencia de artistas, investigadoras e investigadores de diferentes disciplinas, y recorridos profesionales y vitales distintos, que comparten su práctica, sus procesos y sus resultados con nuestras comunidades de públicos. Desde Azkuna Zentroa propiciamos la conexión del tejido creativo de proximidad con entornos culturales internacionales, buscando intercambios, relaciones y colaboraciones duraderas y recíprocas, como la que abrimos este año con la Academia de España en Roma con este proyecto expositivo. Roma Akademia supone una oportunidad de conocer el trabajo de la convivencia de todas y todos estos artistas e investigadores de distintas disciplinas en uno de los centros de creación de mayor excelencia que existen. Creo que en un momento como el actual es más necesario que nunca apoyar la creación artística. Lo que hemos vivido nos ha demostrado que la cultura es imprescindible, que el arte es esencial para abordar los retos que tenemos como sociedad y que el impulso de estos procesos es indispensable si queremos seguir disfrutando y creciendo a través de la cultura. Juan Mari Aburto Alcalde de Bilbao

Desde su fundación, en 1873, la Real Academia de España en Roma representa uno de los grandes referentes entre los centros de producción y de investigación artística, tanto por la calidad y el prestigio de sus protagonistas, como por su significativo papel en las relaciones e intercambios culturales entre Italia, España y Latinoamérica. Cada año, la Academia abre sus puertas con el objetivo principal de ofrecer una estancia creativa a artistas plásticos, creadores, restauradores e investigadores seleccionados a través de una convocatoria abierta a ciudadanos españoles, latinoamericanos y, en los últimos años, incluso italianos. La institución, que con paso firme camina hacia el 150.o aniversario desde su fundación y creación, constituye una de las cunas más vivas y actuales del arte contemporáneo de nuestro país en el exterior, una fuente de inspiración para los numerosos creadores allí becados y un punto de encuentro de culturas y de épocas en el que se conjugan tradición y modernidad. Su espíritu de apertura y de renovación hacia las nuevas tendencias ha permitido reflejar la diversidad y riqueza de la cultura española, subrayando su excelencia y transformando el dinamismo de los múltiples lenguajes artísticos en uno de sus caracteres más distintivos. La pandemia de COVID-19 ha supuesto un importante y desgarrador trauma para la sociedad que se ha puesto de manifiesto en el cambio en muchos de los modos de vida, de producción y de consumo. Por suerte, la resiliencia demostrada por el sector cultural ha sido más fuerte que cualquiera de estas nuevas problemáticas realidades. En ese sentido, y como fiel reflejo de ello, es un gran motivo de satisfacción volver a presentar los trabajos no de una, sino de dos generaciones de artistas e investigadores de la Academia tras más de un año desde el inicio de la pandemia. La variedad de artistas que ha sido protagonistas de la institución durante 2018-2019 y 2019-2020, ha dado vida a Roma Akademia, una única exposición rica y dinámica, que presenta los proyectos y las creaciones de los cuarenta y cinco protagonistas de los dos últimos años de actividad cultural de la Academia. Las diferentes edades, procedencias e inquietudes de cada uno de los artistas han permitido la creación de diálogos que ilustran y elevan la multidisciplinariedad y la riqueza de nuestra cultura y que este año, por primera vez, tendrá su presentación en el poliédrico centro cultural Azkuna Zentroa-Alhóndiga de Bilbao. El Centro Azkuna con su encanto industrial, representa un espacio multifuncional que promueve iniciativas culturales, tanto locales como internacionales y desde su inauguración en 2010 se ha convertido en un punto de encuentro capital de la cultura, tanto para Bilbao, como para el norte de España. Su matriz poliédrica y contemporánea hacen de este espacio un referente de enorme importancia y un catalizador de la convivencia en la ciudad. La celebración de Roma Akademia en este marco representa un reto emocionante para la historia y el recorrido de la Real Academia de España en Roma y es que el objetivo principal de la institución, a punto ya de cumplir 150 años de historia, es seguir actualizándose, renovándose y enriqueciéndose de historia cultural hacia el presente y el futuro, siendo testimonio significativo de los nuevos lenguajes artísticos y del excelente nivel creativo de los artistas que la habitan. Guzmán Palacios Fernández Director de Relaciones Culturales y Científicas

ROMA-BILBAO-ROMA Coincidiendo con el actual proceso de cambio y transformación de la Real Academia de España en Roma, durante el otoño de 2021, los proyectos artísticos correspondientes a las estancias de las ediciones 2018-2019 y 2019-2020 se reunirán en Roma Akademia en Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao. Los 45 trabajos resultantes se expondrán de una manera unitaria ocupando los diferentes espacios del centro: sala de exposiciones principal, Espacio BAT, Lantegia y Galería Mediateka. Será la primera vez que todos los espacios expositivos de Azkuna Zentroa muestren piezas procedentes de una única exposición. Esta presencia en Bilbao supondrá la primera muestra pública de estos proyectos fuera de Roma o Madrid. Aunque han sido muchas las estancias disfrutadas por la comunidad artística vasca en la Academia, precisamente estas dos últimas ediciones, de las 148 celebradas hasta el momento, son las que han reunido un mayor número de representantes del ámbito artístico vasco. Artistas que también han formado parte de la programación de Azkuna Zentroa, a lo largo de sus once años de existencia, y cuyos trabajos actuales, en algunas ocasiones, tuvieron su arranque en Roma o continúan desarrollando proyectos que iniciaron aquí. Tanto la Academia como Azkuna Zentroa tienen entre sus objetivos principales generar conocimiento e impulsar la creación. La Academia a través de su programa de becas, y la Alhóndiga con su Proyecto-Programa que se plantea desde un ámbito expandido de las artes y en el que se incluye Akademia, espacio de intercambio de saberes, de aprendizaje, de pensamiento crítico y de análisis de la producción plástica contemporánea. Roma Akademia, en su variedad de disciplinas (pintura, escultura, arquitectura, grabado, música, literatura, teoría e historia de las artes, estética, arqueología, museología, restauración, moda, artes escénicas, cinematografía, fotografía…), asume la condición híbrida de nuestro centro en su voluntad de traspasar las fronteras convencionales del arte en cuanto a diversidad y pluralidad. Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao afronta la diferencia como algo inherente a su programación, buscando la transversalidad de las manifestaciones artísticas, su conexión entre las diferentes áreas de conocimiento y su relación con los distintos públicos. Por su parte, uno de los objetivos fundamentales de las becas de la Academia es potenciar el proceso creativo de sus residentes, poniéndoles en relación con otros y otras diferentes y fomentando su inserción en el ámbito internacional. En los 45 proyectos que conforman la exposición esta condición se hace palpable. En un mismo lugar confluyen formatos, acciones, disciplinas, personalidades de múltiples lugares y presencias que, a lo largo de la estancia en la Academia, se van permeando y contaminando. Son proyectos que nos ofrecen una panorámica sobre las prácticas artísticas e investigaciones teóricas contemporáneas y en los que, de manera singular, la idea de proceso (processi) está siempre presente como referente de lo inconcluso, de la no totalidad y de la experimentación. La estancia en Roma, y en nuestro caso la presentación en Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao, se convierte así no solo en el espacio de acogida e inspiración, sino también en una suerte de transformación y, en algunas ocasiones, en el punto de partida de nuevos programas y obras. Todo ello ha ocurrido en un momento tan especial como ha sido el de la pandemia y la postpandemia, que nos ha ofrecido una magnífica oportunidad para trabajar desde la práctica, el proce-

so y la experiencia como apertura hacia otros relatos. Para Azkuna Zentroa trabajar desde el ensayo-error es parte de su planteamiento; somos un centro de cultura contemporánea y, como tal, buscamos propiciar espacios en los que se viva la cultura como práctica, como proceso, como experiencia. De esta manera quisimos que Roma Akademia formara parte de nuestra programación expositiva para este año 2021 y creímos, igualmente, que Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao sería el mejor lugar para acogerla. Confiamos en nuestra capacidad de conectar con los diferentes públicos y en que la muestra se convierta en referente de las nuevas creatividades y la multiplicidad de disciplinas y sensibilidades. Nos gustaría inmensamente que esta relación, que ahora iniciamos, continúe en años venideros. Fernando Pérez Director de Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao

DE GALLINAS Y CABALLOS A GAVIOTAS Y COTORRAS M.ª Ángeles Albert de León 23 ROMA AKADEMIA Jesús Donaire 27 RESIDENTES 2018-2019: Processi 146 José Ramón Amondarain 40 Taxio Ardanaz 44 Itziar Barrio 48 Igor Bragado 52 Andrea Canepa 56 Nicolás Combarro 60 Isolina Díaz-Ramos 64 Lara Dopazo 68 Silvia Fernández 72 María Ángeles Ferrer 76 Pablo Fidalgo 80 Pedro G. Romero 84 Jorge Galán 88 Begoña Huertas 92 Julia Huete 96 María Moraleda 100 Marta Ramos-Yzquierdo 104 Estibaliz Sádaba 108 Fernando Sánchez-Cabezudo 112 Borja Santomé 116 Anna Talens 120 María del Mar Villafranca 124 Tono Vizcaíno 128

ÍNDICE

RESIDENTES 2019-2020: Processi 147 José Ramón Ais 136 Carla Berrocal 140 Antonio Buchannan 144 Ana Bustelo 148 Joana Cera 152 Jorge Cubero 156 Federico Guzmán 160 Susanna Inglada 164 Montse Lasunción 168 Jana Leo 172 Jorge Luis Marzo 176 Irene-Clémentine Ortega 180 Javier Pividal 184 Enrique Radigales 188 Pantxo Ramas 192 Adolfo Serra 194 Begoña Soto 200 Claudio Sotolongo 204 Eduardo Soutullo 208 Javier Verdugo 212 Manuel Vilas 216 Ana Zamora 220 EXPOSICIÓN 225 EUSKERA 245 ENGLISH 299

DE GALLINAS Y CABALLOS A GAVIOTAS Y COTORRAS Posiblemente sea la primera vez que dos generaciones consecutivas de creadores e investigadores de la Academia comparten espacio para mostrar sus proyectos y en las que las condiciones de vida de los mismos en Roma hayan sido tan diferentes. Es una oportunidad, por lo tanto, para escudriñar qué rastros hay del tiempo que les tocó vivir y en qué medida la convivencia entre los muros del magnífico convento franciscano se metió en sus poros, se filtró como las innumerables hierbas que aprovechan las rendijas de sus desconchados paramentos, o crecen imparables entre los sampietrinos del Trastévere. Bucear en las páginas de esta publicación, recorrer las salas de Azkuna Zentroa o acudir a los registros documentales de las actividades que acompañan este desembarco de Roma en Bilbao serán claves para comprender qué pasa en la Academia y por qué ha cambiado la vida de tantos hombres y mujeres a lo largo de sus casi 150 años de vida. Pero solo serán pinceladas de historias que están por llegar. Por eso, reivindicamos/recordamos que en Roma asistimos a un momento puntual de un proceso. Que quienes llegan hasta la Academia cargan en sus mochilas miles de horas de trabajo silencioso, de formación constante, de zozobras y certezas, de apostar contra viento y marea por lo que creen y quieren hacer. Y en la mayoría de los casos, no son palabras quienes hablan por ellos. Son lienzos, vídeos, instalaciones o pedazos de telas, papeles o barro los que, como en un gran escenario presidido por el Templete de Bramante, representan fragmentos de historias. Tantas y tan diversas como las texturas de las columnas romanas de sus claustros o los colores de las baldosas de sus estudios. Por eso, en Roma definimos nuestras exposiciones con el número del año de la Academia. Recordándonos con humildad los ecos de las voces de quienes aquí estuvieron. Conservando la pátina quizá no tan conocida de su historia. Son procesos de creación continuos y difícilmente calificables, siempre únicos y siempre unidos por un sutil y permanente cordón umbilical: la Academia. Y en esta ocasión excepcional, Processi 146 y Processi 147 se dan la mano. En el año 146 de la Academia las mujeres y hombres que la habitaban nos regalaron fotografías de subterráneos no accesibles, radiografías pictóricas de arrepentimientos ni tan siquiera intuidos, colores vaporizados que cobraban forma y tapizaban impertérritos las paredes. Arañaron archivos y paramentos para descubrir capas del pasado, persiguieron rastros de viajeros que hicieron historia o retazos de esa Roma antica que se nos cuela en casa y nos la comemos sin pestañear. Sutiles, algunas, juegan con lápices, gomas y cuadernos que otras, otros, llenan de palabras con muchos acentos. Plumas, terciopelos, bordados, reflejos de luces milenarias y tiempos tejidos por muchas mujeres que se hicieron visibles por otras, por artistas potentes y generosas. Y muchas voces. Las de vecinos de barrios que no habían llegado aún a la Academia, la de personajes que reconocemos e irradian esa magia que las directoras de historias aún no contadas ponen en sus labios. Como los laberintos perfectamente ensamblados que incitan a atravesarlos para redescubrir arquitecturas de ayer y quizá de mañana. Y recuperamos pasajes de nuestra propia historia que regresaron una vez más a nuestro claustro, como los caballos para los que tocaron las guitarras de grandes maestros y después saltaron a pantallas de museos o festivales de cine de medio mundo. Como las gallinas que alguna vez alimentaron a nuestros pensionados y ahora parecen querer alimentarse de arte. Pero ellas tampoco lo tienen fácil. Después de Roma, ninguno lo tiene fácil. Porque “la generación de otras formas de pensamiento es un trabajo continuo”, como comprobarán una vez más en las páginas siguientes de esta publicación, no es un hecho aislado y casi nunca fortuito. Es tiempo de investigación, de espera, de producción, en el que no suele haber horarios, ni tiempos muertos. Es un modo de vida. 23

Después, las gaviotas quisieron apoderarse de las terrazas y azoteas de Roma. Osadas, como las cotorras, se metieron en las obras de nuestros artistas. En sus estudios. Planean aún en sus vidas. Cuando el tiempo se detuvo y comenzaron a pasar lentos los minutos y hacerse interminables los días, tuvimos que acelerar la máquina del tiempo de la Academia para avanzar. Era el año 147 de su historia. Y para ello fue clave que quienes habitaban en San Pietro in Montorio no dejaran escapar la oportunidad que les ofrecía su beca. Continuar trabajando era, y es, una responsabilidad de quienes han sido seleccionados entre tantos y tantos solicitantes. Por eso es especialmente satisfactorio que el resultado de su esfuerzo se presente este año, sin demorar más. Antes de que podamos caer en el olvido de lo que pasó. Vislumbrar cómo las limitaciones del momento transformaron y llenaron sin excepción todos y cada uno de los proyectos de quienes vivían la Academia. Y surgieron otros. Lecturas compartidas en algunos casos. Reflexiones intimistas que aún no han cristalizado, en otros. O ambiciosos programas que brotaron imparables y que con rapidez se han convertido en investigaciones de largo recorrido y participación internacional. Porque en un lugar de encuentro de artistas, escritores, cineastas, diseñadores, restauradores, historiadores, filósofos, gestores culturales… siempre nace algo nuevo, diferente, y en nuestra Academia, con mucha frecuencia, brillante. Y, sin duda, en ese tiempo especial en el que nos tocó vivir hay momentos que ninguno olvidaremos y que los residentes de la Academia en alguna ocasión no quisieron documentar. Como esa tarde de Viernes Santo en la que lo efímero de cada una de las estaciones de ese vía crucis pagano cuajado de emociones, sensibilidades y destellos se mezclaron con las sutiles verónicas, la sabia de sus pinos y las palabras de nuestro divino Valle Inclán. Todos lo sentimos, vimos, escuchamos y comimos. Todos los que habitaban entre las paredes de San Pietro in Montorio entendimos, mejor que nunca, que el perímetro máximo que parecía limitar nuestros muros no podía contener la imaginación, el tesón y la capacidad de sobreponerse a cualquier adversidad de esas mujeres y hombres. Quizá porque la vida de meses anteriores, años pasados y quizá siglos es tan difícil para los que se proponen dedicarse en cuerpo y alma a la cultura, que solo la decisión y el coraje diario hace que sigan adelante. De algún modo son héroes, heroínas, casi nunca suficientemente reconocidos, que nos regalan lo mejor de sí mismos. Ser consciente de que uno ha pasado a formar parte de la historia y que su nombre quedará siempre asociado a una institución cultural única y de algún modo dentro de los muros de un conjunto monumental excepcional de más de 520 años, les impone. Es una gran responsabilidad para las 22 mujeres y 23 hombres que generosamente nos han presentado una parte de su saber primero en Roma, luego en Bilbao, después quién sabe dónde. Y sabiendo que es solo una pequeña parte de lo que está por llegar no queda más que esperar y seguirles. Observarles y disfrutar con satisfacción del resultado es la mejor de las inversiones que podemos realizar desde el sector público. Ellas y ellos son historia y futuro. Apoyar y apostar por los profesionales de la cultura es darnos una oportunidad para mejorar nuestra vida diaria. Por eso, desde la Real Academia de España en Roma no podemos más que estar enormemente agradecidos a quienes lo hacen posible. M.ª Ángeles Albert de León Directora de la Real Academia de España en Roma 25

ROMA AKADEMIA […] Roma, mi Roma. Pienso en tus ángeles y en tus dioses. Pienso en que tu soledad y la mía cayeron profundamente enamoradas a los pies de las estrellas. Como un enamorado más en ti busco auxilio y esperanza, en el camino de todos los enamorados hacia la muerte y el olvido. Te esperaré y tú me esperarás. Y si yo no volviera, otro español lo hará, y te amará como siempre te hemos amado los poetas. Manuel Vilas, Roma ROMA. De entre los bellos poemas escritos por Manuel Vilas durante su estancia en la Real Academia de España en Roma (Processi 147), he querido rescatar unos versos con los que el autor cierra su libro Desde Madrid te sigo queriendo, donde reconoce su amor por la ciudad eterna: Roma. Creo que es un sentimiento común a todos los que hemos sido becarios de la Academia, todos hemos amado de una u otra manera esta ciudad que ha sido la capital del mundo occidental durante tantos siglos. Y ese poso se palpa en sus calles de pavimentos milenarios, en sus gentes tan acostumbradas a convivir con el turismo de masas, en las diversas estratificaciones del cauce del río Tíber que hablan de las muchas capas que tiene esta ciudad, en sus edificios que tantas épocas arquitectónicas han definido, en sus árboles Pinus pinea que a tantos becarios han inspirado, en su cielo enigmático siempre lleno de estorninos negros sorteando el skyline que definen las cúpulas de sus incontables iglesias, en su luz cálida y en tantas otras cosas de su cotidianeidad. La Roma que tantos cineastas han hecho protagonista, tanto por la idiosincrasia de sus gentes como por la innegable belleza de su decadencia. Roma città aperta de Rossellini, La Dolce Vita de Fellini, Roman Holiday de Wyler, Aprile de Moretti, o La Grande Bellezza de Sorrentino, entre otras. Son tiempos complicados los que están definiendo el siglo XXI en todo el mundo, hemos visto los monumentos romanos vacíos y despojados de sus tan comunes hordas de turistas y parece que vivimos en una crisis continua. Pero Roma lo resiste todo, por ella el tiempo pasa como si no lo hiciera porque, en realidad, por Roma ya han pasado muchas cosas. Y es quizá por eso que nos enamora, porque en esta época nuestra con un mundo en constante transformación y sometido a los frenéticos cambios tecnológicos parece que estos se hayan olvidado de Roma, cuya esencia permanece impasible. Roma, ciudad eterna. AKADEMIA. Parte de esta esencia de Roma son sus academias (también llamadas en algunas ocasiones institutos), algunas de inspiración humanista, otras de corte 27

Panteón de Agripa (Roma). Fotografía de Jesús Donaire, 2020

artístico e investigador y otras, como la Real Academia de España, que aglutina entre sus vetustas paredes ambos perfiles de cultura y conocimiento. Podemos sentirnos privilegiados por contar con una Academia en Roma que, después de la francesa, es la segunda más longeva de la Ciudad Eterna. Francia creó la suya en 1766, pero no fue hasta 1803 cuando cambió su sede a la actual ubicación en la prestigiosa Villa Medici. Luego llegó la española, cuyo primer intento frustrado data de la época de Carlos III, en 1680, buscando seguir el ejemplo de la Academia de Francia. Sin embargo, la primera promoción de pensionados españoles no llegó a Roma hasta 1758, aunque hasta 1873 no se pudo consolidar la institución, con el primer reglamento efectivo de la Academia de Bellas Artes en Roma. En 1876, la Academia pasó a tener una sede permanente en el convento de San Pietro in Montorio. Este convento abraza, junto a la iglesia de San Pietro in Montorio, la joya del Renacimiento italiano: el Templete de Bramante (1502), cuya construcción corrió a cargo de los Reyes Católicos.

Más tarde llegaron otras: el Instituto Histórico Austriaco, creado en 1881, la Academia Americana en Roma, fundada en 1894; en 1896 la Fundación Carlsberg envió al primer historiador al Instituto Danés en Roma; la Escuela Británica de Roma, fundada en 1901; la Academia Histórica de Bélgica, creada en 1902; la Villa Massimo (Academia Alemana), fundada en 1910; el Instituto Sueco (1925); la Academia de Egipto, que desde 1929 promueve las culturas egipcias, árabes y africanas en Roma; el Instituto Romano Finlandés (1938); el Instituto Suizo (1947) y, finalmente, el Instituto Noruego, que abrió sus puertas en 1959. Un total de trece academias internacionales que acogen a historiadores, humanistas, artistas e investigadores. Posiblemente no exista otra ciudad en el mundo en la que, partiendo de estas instituciones, se haya llevado a cabo tan intensa labor creativa. La conexión entre academias e institutos es crucial para el continuo crecimiento de la red de relaciones culturales que no ha dejado de expandirse a través de sus becarios o pensionados a lo largo de los años. Es sin duda una situación privilegiada, un referente cultural en constante crecimiento y desarrollo. Parte de esta evolución se plasma cada vez más a través de las nuevas incorporaciones de disciplinas creativas que hasta la fecha no formaban parte del esqueleto estructural de estos centros de producción en Roma. De entre todos estos lugares podríamos asegurar que la Academia de España en Roma es la que acoge un abanico más amplio de disciplinas, desde las más clásicas como la pintura, escultura, literatura, música y arquitectura hasta aquellas de reciente creación como fotografía, videocreación, gastronomía, arte y nuevas tecnologías, diseño de moda, diseño gráfico, cómic o mediación artística. Pasando por historiadores del arte, museólogos, restauradores, dirección y técnica teatral o cinematográfica. Y en esto consiste Roma Akademia, en una muestra única donde descubrir el trabajo de 45 mujeres y hombres que durante los años 2018-2019 (Processi 146) y 2019-2020 (Processi 147) han desarrollado diversos proyectos de investigación y artísticos en sus respectivas disciplinas. La transversalidad que sucede en la Academia de España en Roma es palpable en el resultado de la muestra Roma Akademia y su catálogo homónimo. Esta exposición, que por motivos extraordinarios reúne dos años consecutivos, dos Processi, abre sus puertas por primera vez fuera de su habitual sede: la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. La muestra se convierte, por doble motivo, en una ocasión muy especial para visibilizar no solo la producción de las becarias y becarios, sino también la importante tarea que el personal de la Academia realiza, bajo la ímproba dirección de M.ª Ángeles Albert de León, para mantener en primera línea a este buque insignia de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, y, por ende, de la cultura española en el extranjero. Parece así que todo se torna especial con relación al cercano 150.° aniversario de la institución. AZKUNA ZENTROA. O lo que en el gremio arquitectónico llamamos edificio híbrido o multifuncional, un condensador social ubicado en la antigua Alhóndiga de Bilbao, cuya transformación acometió el diseñador francés Philippe Starck, abriendo sus puertas en 2010. La diversidad de sus espacios y salas, de variadas escalas y relaciones con los espacios comunes, reúne las características necesarias para poder albergar una exposición tan extensa y multidisciplinar. La posibilidad de usar 29

Estudio 27 (la torre; al fondo Villa Medici-Academia Francesa), Academia de España en Roma. Fotografía de Jesús Donaire, 2019

no solo sus espacios expositivos, sino también sus ámbitos más públicos, como la gran plaza cubierta de acceso, ha dado pie a un recorrido fluido y dinámico que pretende, a través de reclamos museográficos que enmarcan las piezas de los artistas e investigadores, embaucar a todos los usuarios de este centro de referencia que es Azkuna Zentroa; un lugar tan polimorfo como sus propias columnas diseñadas por Philippe Starck.

Nunca antes una exposición de la Academia de España en Roma había ocupado tantos metros cúbicos de espacio expositivo ni desplegado un discurso tan poliédrico. Una oportunidad única que servirá de precedente para inauguraciones venideras. Azkuna Zentroa abre así sus puertas al gran público, acogiendo además a un numeroso grupo de artistas vascos, los cuales han estado siempre muy presentes en la historia de la Academia. Será, sin duda, un reconocimiento a todo lo que el arte contemporáneo vasco lleva aportando a nuestra cultura durante tantas décadas. Déjenme como ejemplo afirmar en este punto que la arquitectura actual española no tendría la misma fuerza y reconocimiento internacional si no fuese por el legado material e intelectual que nos dejaron entre otros los egregios artistas vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza, que tanto han influido en nuestra manera de proyectar el vacío y de entender la dicotomía constructiva entre lo estereotómico y lo tectónico. ROMA AKADEMIA. Con estas dos palabras se ha pretendido lanzar un señuelo, dar visibilidad a lo que en estos centros de investigación y producción artística sucede y, más en concreto, en la Academia de España en Roma, que es la que nos atañe. Sería prácticamente imposible hacer una taxonomía de todo lo que ha acontecido en este centro durante Processi 146 y Processi 147. Pero es interesante identificar qué nexos de unión, qué intereses comunes y qué técnicas o procesos creativos existen entre las becarias y becarios y las diferentes disciplinas que han ocupado los distintos estudios del histórico convento. Las manifestaciones artísticas son cada vez más una herramienta de análisis de las estructuras de poder y una plataforma de visualización de problemas sociales que se han ido desarrollando históricamente, y otros que surgen en la contemporaneidad, de tal manera que ya no es solo lo visual o poético lo que nos acerca a la obra, sino toda la crítica que se descifra implícita. Toda manifestación artística implica investigación y toda investigación es arte del conocimiento. En este contexto general podemos disfrutar del productivo trabajo desarrollado por estas 45 becarias y becarios mediante sus diferentes formas de manifestación. Tomando la pintura como medio de expresión artística, José Ramón Amondarain ha revisitado los clásicos a través de la interpretación de técnicas de inspección visual como las imágenes de los rayos X con piezas de gran formato que absorben al espectador no solo por su escala, sino también, precisamente, por esa técnica que nos deja ver lo que hay en las capas más ocultas. Otros como Taxio Ardanaz han estudiado y documentado la abstracción multiforme de Roma provocada por los conflictos de su pasado, utilizando para ello lienzos trabajados con técnica mixta que hablan de las diversas capas que se han ido superponiendo en la historia reciente de la ciudad italiana. Julia Huete, sin embargo, desarrolla un trabajo de abstracción fondo/figura a través del material y del propio lenguaje narrativo. Federico Guzmán, a través de su trabajo sobre las musas salvajes, explora su relación con los misterios de la inspiración, a modo de diálogo entre mito e imaginación. Susanna Inglada, mediante la superposición de unidades dispuestas a modo de collage trabaja intensamente las estructuras de poder, y los temas de género, violencia y condición humana. Inglada nos envuelve tridimensionalmente, como demandando del espectador un posicionamiento crítico ante las situaciones que su obra plantea. De la misma manera, artistas visuales como Estibaliz Sádaba, Itziar Barrio o Jana Leo, mediante la fotografía, la escultura y sobre todo el soporte audiovisual evidencian respectivamente la desigualdad de género a través de las subversiones domésticas, las estructuras y los mecanismos de poder, y la relación de confianza entre el individuo y (la corrupción de) el Estado. De forma aún más particularizada, la comisaria independiente Marta Ramos-Yzquierdo también estudia las estructuras 31

del poder en el mundo del arte y genera debate a través de talleres de trabajo, celebrados en la Academia, centrados en la práctica artística y su rol social. En una profesión precarizada es fundamental repensar las problemáticas que rodean al quehacer artístico para poder hipotetizar sobre su futuro. Pedro G. Romero, artista multidisciplinar y pensador, revisita el peso histórico del saqueo de Roma de 1527 y manifiesta sus preocupaciones artísticas sobre la representación, la imagen y la iconoclastia. Introduce en su propuesta el flamenco como elemento disruptivo y se presenta como un director de orquesta en una sucesión de piezas colaborativas donde la palabra, la imagen y la acción nos desvelan los sucesivos anacronismos artísticos sucedidos en Roma a lo largo de los últimos siglos y hasta el momento presente. Otros trabajos usan la historia de Roma como centro de sus investigaciones antropológicas, como es el caso del historiador y arqueólogo Tono Vizcaíno cuando realiza una clasificación del imaginario contemporáneo que sobre la historia de la Roma antigua se proyecta en la cultura actual. El arqueólogo Javier Verdugo estudia la protección del patrimonio de Roma desde 1162 hasta 1870, desarrollando el papel que la capitalidad de Roma produce en su urbanismo y su transformación simbólica por medio de la arquitectura y la política. Y sobre las bellas capas de estucos de los edificios romanos, la arquitecta y especialista en conservación y restauración del patrimonio, Isolina Díaz-Ramos, nos muestra una catalogación de los pigmentos de este paisaje urbano tan singular, descifrando las claves del color y la importancia que su estudio tiene a la hora de plantear futuros planes de conservación. El estudio de los pigmentos, en este caso pictóricos, también está presente en la investigación que desarrolla la historiadora y restauradora María Moraleda analizando las conexiones entre Italia y España y la importancia del nacimiento de esta disciplina a mediados del siglo XIX. Otras técnicas de conservación y de vaciado sobre grandes formatos escultóricos, también del siglo XIX, han sido el motivo de análisis de la historiadora y diplomada en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Montse Lasunción. Su trabajo nos descubre la importancia que tuvieron las copias en yeso y en él se estudian las técnicas precisas, materiales y procedimientos utilizados in situ en la época en estas operaciones de copiado. Los fotógrafos que han formado parte de Processi 146 y 147 se han centrado en realidades antagónicas. Mientras Nicolás Combarro nos muestra, con imágenes que bien podrían parecer dibujos al carboncillo, los diversos niveles arquitectónicos subterráneos (la estereotomía) de Roma y Nápoles, el fotógrafo vasco José Ramón Ais nos reinterpreta la diversidad arbórea de Roma, con piezas originales de gran formato y otras que nos recuerdan a los juegos perspectivos de Borromini en la Galería Spada. De nuevo, el estudio de la formalización y estructuración urbana de Roma como ciudad imperial, en este caso particularizado mediante su vegetación. Roma y sus peculiaridades urbanas, como la conformación de la colina artificial del Testaccio, han sido inspiración para otros becarios que han trabajado estos dos años en la Academia, sin ir más lejos las capas que fueron formando la colina con los restos de las vasijas de aceite allí desechadas entre los siglos I y III de la Roma clásica son el punto de partida del trabajo del diseñador de moda Antonio Buchannan. La superposición y agregación de capas como modelo de trabajo. También es la materia la base con la que el artista Enrique Radigales ha formalizado sus “nidos”, a medio camino entre la plasticidad orgánica y la imagen digital, poniendo el foco sobre la falta de ecoplanificación del actual modelo de expansión y crecimiento urbano.

La diseñadora de moda Irene-Clémentine Ortega plantea una serie textil y escenográfica de piezas que se inspiran en el barroco romano y más teatral: un desfile festivo a modo de bacanal barroca. Sobre esta Roma barroca escribe el poema “Bernini y Borromini” el escritor Manuel Vilas que, como si de un antropólogo se tratase, nos descubre en su poemario titulado Roma su relación más personal con la ciudad y sus gentes, y nos deja incluso un testimonio escrito de una época de pandemia vivida en primera persona en una ciudad ajena.

La iglesia de Bernini es luz y desesperación. La de Borromini es serenidad y elegía. Y las dos son hermosas y las dos son hijas bien fundadas de la belleza que arde para todos.

De la misma manera, sobre las calles y las imágenes de la ciudad de Roma el diseñador gráfico Claudio Sotolongo ha dejado una colección de piezas y un libro de autor, donde se plasman las expresiones visuales de la inconformidad social y la desobediencia ciudadana. Su trabajo es un registro audiovisual de estas expresiones en el contexto sociopolítico actual de esta ciudad. De forma más específica, sobre la escultura parlante del pasquino de Roma, la escultora Joana Cera nos sumerge en la dialéctica de la palabra (a través de la tabula cerata) y el número (romano y árabe), con una serie de ejercicios conceptuales que se traducen a través de la voz y del holograma. Su obra es como un palimpsesto que pone de manifiesto la necesidad de hacer tabula rasa. También hace tabula rasa en su trabajo la diseñadora gráfica Silvia Fernández, cuyo trabajo en la Academia deconstruye los moldes de lo conocido para experimentar con los límites y la forma de una serie de objetos cotidianos de papelería donde el usuario pone las reglas. Igualmente, en estos dos años se han sucedido procesos creativos relacionados con la tipografía como el desarrollado por Jorge Cubero, cuyo trabajo adquiere verdadero sentido cuando es mostrado en movimiento. Los nuevos medios digitales requieren cada vez más de una relectura de los soportes clásicos y de su adaptabilidad, y esto es parte de la estructura del trabajo de Cubero. La revisión de la técnica y la incorporación del movimiento a través de múltiples fotogramas han sido también la clave del trabajo de producción animada en stop-motion del artista Borja Santomé. Un trabajo autobiográfico en el que a través del dibujo, los sonidos y la técnica de producción se descubren diversas atmósferas de la ciudad de Roma convertidas en una historia de ficción cuyo protagonista es el propio autor. La propuesta animada de Santomé nos retrotrae a los orígenes del cine mudo, cuyo estudio y relaciones con este arte entre España e Italia han sido además motivo de investigación para la experta en cine español Begoña Soto. Sobre la figura del escritor y cineasta Pier Paolo Pasolini gira el trabajo desarrollado por Javier Pividal, a camino entre la acción, los sentidos y la narrativa. Sus piezas componen en el espacio una superposición de escenas que teatralmente describen acciones de la figura y la muerte del artista italiano. Geometría, materia y cenizas conviven con aromas y con la luz intensa de un proyector. También con el diálogo entre los objetos trabaja la artista Anna Talens, cuyo trabajo deja patente una especial sensibilidad artística hacia la transformación que ejerce la luz natural sobre los objetos y su materia. Su obra es un entendimiento poético de aquello que se crea entre la ausencia y la presencia del hecho cotidiano. Su obra captura momentos precisos 33

que hacen vibrar el espacio que ocupamos; sus piezas no adquieren forma absoluta hasta que no son dispuestas minuciosamente, en equilibrio armónico, entre ellas mismas y en relación con las condiciones de su contexto particular de luz, color y proporciones espaciales. En ambos trabajos, Pividal y Talens, la obra se completa cuando las cualidades ópticas y las hápticas se equilibran armónicamente. El mundo del cómic y la ilustración ha estado muy presente en estas generaciones con artistas como Ana Bustelo, Adolfo Serra o Carla Berrocal, cuyos trabajos realizados con técnicas bien diferenciadas entre sí nos han llevado respectivamente a un mundo de análisis de la composición basado en los retablos italianos, a un mundo de disyuntiva entre la imagen y la palabra que toma como inspiración el Sacro Bosque de Bomarzo o, como en el caso de Berrocal, a indagar en la cultura folclórica de la copla española a través de la figura de Concha Piquer. Sus trabajos aportaron precisión geométrica, naturaleza y juegos, color y cultura popular a los muros de la Academia. Alrededor de estos muros sonaron las notas del compositor de música de cámara Eduardo Soutullo, que no pudo tener mejor espacio de creación para su trabajo sobre recintos sacros y espacialización sonora. Su investigación toma como punto de partida la obra de compositores de música policoral de los siglos XVI y XVII vinculados a Roma. En artes escénicas, son varios los acercamientos a la disciplina. La investigación sobre la tradición popular y puesta en escena del teatro de títeres napolitano realizada por Ana Zamora, en cuyo desarrollo se cruzó además una visita a los carnavales de Cerdeña, ejemplo de los ritos paganos y cristianos convertidos en una gran fiesta. Su trabajo se remite al sentido ancestral del arte escénico que confronta con la escena contemporánea. El trabajo de Fernando Sánchez-Cabezudo tomó, por el contrario, las calles de la ciudad de Roma y más en concreto el barrio de Garbatella a través de su proyecto Storywalker. Este proyecto se desarrolla en una plataforma digital cuyo contenido son ficciones sonoras geolocalizadas, mediante las cuales podemos inmiscuirnos en acciones cotidianas, que son la representación activa de una historia creada por los propios vecinos. Finalmente, el creador escénico y escritor Pablo Fidalgo presenta Qualcosa nascerà da noi. Según su autor, una pieza en la oscuridad donde un hombre repasa la vida y agota las posibilidades de ser otra cosa, de vivir otro amor, de presentarse ante el mundo de otra manera. Con la fuerza de la palabra, desde el ámbito literario, han trabajado además de Manuel Vilas, ya citado anteriormente, las autoras Lara Dopazo, con un retrato fotografiado de la ciudad de Roma, y Begoña Huertas, que a través de la manipulación plástica del borrador de su trabajo consiguió redefinir los estrictos límites previos de su creación literaria. El autor salvadoreño Jorge Galán confronta en la redacción de una novela el importante tema de la migración: sus causas y sus consecuencias. Un drama desgarrador que se centra en la migración forzada para escapar de la violencia que acucia al país mesoamericano. También en el ámbito editorial, el autor Jorge Luis Marzo nos describe en el libro Las Videntes, englobado en la estela de trabajos previos dedicados a la inteligencia artificial, el curso que ha llevado a las máquinas, según su autor, a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La musicóloga María Ángeles Ferrer y la historiadora María del Mar Villafranca enfocan su trabajo de investigación entre España e Italia centrándose en la experiencia

italiana de personajes de la cultura española. Ferrer se pregunta si existe la ópera española gracias al estudio del trabajo creativo realizado por cinco compositores españoles que fueron antiguos pensionados de música en la Academia de España en Roma entre los años 1873 y 1888. El trabajo de Villafranca repasa las claves del cuaderno de viaje por Italia de Leopoldo Torres Balbás de 1926. Torres Balbás fue el arquitecto-conservador de la Alhambra de Granada y solicitó una beca de estudios para analizar los métodos de conservación de los monumentos en Italia. El trabajo repasa los documentos que acreditan los encuentros y visitas que llevó a cabo el arquitecto. También existen trabajos, como el desarrollado por la artista peruana Andrea Canepa a través de la escultura y del vídeo documental, que dejan constancia de la época colonial italiana en África, analizando los elementos formales de la arquitectura racionalista. Este trabajo analiza de qué forma la arquitectura puede contribuir a la construcción de un discurso nacionalista. La escultura se concreta en una suerte de abstracción de los volúmenes superpuestos de estas arquitecturas y de las aristas y geometrías varias que las conforman. Asimismo, mediante el diseño y construcción de una instalación, en este caso planteada en la plaza de San Pietro in Montorio por el arquitecto Igor Bragado, se nos plantea hábilmente una realidad nueva: la de nuestro propio archivo digital que generamos en redes sociales a diario y el consecuente luto digital que genera este archivo para la eternidad. La instalación es un espacio habitable donde dialogan el culto al cuerpo y los ritos funerarios emergentes (con relación a la iconografía y a la condición efímera de aquellos del pasado), y la dialéctica que se da en estas acciones. Su posición en la plaza, más allá de ser un elemento disruptivo, tensa el espacio público del mirador del Gianicolo contenido entre el alzado de la iglesia de San Pietro in Montorio y la imponente vista aérea de la ciudad. He querido, deliberadamente, dejar para el final de esta relación de artistas e investigadores el trabajo del activista de los movimientos sociales europeos Pantxo Ramas, cuya investigación historiográfica Palimpsesto Basagliano se centra en la libertad como una de las bellas artes. El trabajo reabre el debate público creado en 1969 sobre la situación de las instituciones psiquiátricas en Italia, y de cómo los lenguajes artísticos han cambiado las prácticas de atención a la salud mental. Un trabajo conmovedor que pone de manifiesto la importancia de las manifestaciones artísticas en una sociedad politizada. ROMA AKADEMIA es solo una pincelada de lo que esta institución, la Real Academia de España en Roma, ha generado y creado a lo largo de sus casi 150 años de existencia en la Ciudad Eterna, convirtiéndose en un centro de producción de primer orden a nivel internacional, en el que becarias y becarios han desplegado sus capacidades de manera individual y colectiva para generar el inmenso cuerpo de conocimiento que inunda ya las gruesas paredes del complejo conventual de San Pietro en Montorio. Les invito a disfrutar de un pedazo de esta historia del conocimiento, y a revisitar la ciudad de Roma, a través de las miradas cruzadas de estos 45 artistas, investigadoras e investigadores que han formado parte de la AKADEMIA. Jesús Donaire Comisario 35

RESIDENTES 2018-2019 PROCESSI 146

José Ramón Amondarain

Taxio Ardanaz

Itziar Barrio

Isolina Díaz-Ramos

Lara Dopazo

Silvia Fernández

Jorge Galán

Begoña Huertas

Julia Huete

Fernando Sánchez-Cabezudo

Borja Santomé

Anna Talens

Igor Bragado

Andrea Canepa

Nicolás Combarro

María Ángeles Ferrer

Pablo Fidalgo

Pedro G. Romero

María Moraleda

Marta Ramos-Yzquierdo

Estibaliz Sádaba

María del Mar Villafranca

Tono Vizcaíno

JOSÉ RAMÓN AMONDARAIN San Sebastián, 1964. Se licencia en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Trabaja en Arteleku, San Sebastián. Disfruta de una residencia en Künstlerhaus Bethanien, en Berlín. Viene realizando exposiciones individuales y colectivas desde 1988. Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar: Espazioaren Irribarrea (Galería Gabriel Rolt, Ámsterdam); Amar gana (Museo Patio Herreriano, Valladolid); Tiempo y Urgencia (Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz). Y entre las colectivas: On painting (CAAM, Las Palmas de Gran Canaria); El Ángel exterminador. A Room for a Spanish Contemporary Art (Palais de Beaux-Arts, Bruselas); Camuflajes (La Casa Encendida, Madrid); Incógnitas. Cartografías del arte contemporáneo en Euskadi (Museo Guggenheim Bilbao).

Pentimenti (lo posible) Paul Virilio comienza —la máquina de la visión— recordándonos lo que Marmontel decía: “Las artes requieren testigos”. Desde el empecinamiento por razonarlo todo, la moderna investigación pictórica a través de los rayos X y la reflectografía introducen métodos modernos de inspección visual. Los pentimenti o arrepentimientos nos revelan las alteraciones que el autor pudo hacer en las distintas capas que la obra oculta bajo su superficie. Las radiografías atravesando el cuerpo, nos muestran sus secretos, ese estar fuera del entendimiento, ofreciéndonos paradójicamente como pruebas unas imágenes quemadas de escasa precisión, cercanas a una mala fotocopia. Como si la obra se resistiera e insistiera en que no existe nada visible que no oculte lo invisible. Las operaciones anagramáticas también percuten en estos procesos y, por insospechado que sea, sus resultados son algo propio, una especie de montaña rusa entre la superficie y lo más profundo. Mi trabajo en Roma se ocupa de revelar murmullos temporales interiores que simulan descubrir lo que oculta la superficie, utilizando la pintura como material tanto para representar como para presentarse sin ningún tipo de soporte.

jramondarain@yahoo.es

JUDITH Y HOLOFERNES / HOY TE HUNDES FRIJOL . Óleo sobre tela, 230 x 300 cm. Fascinum (detalle). Óleo y materiales varios, dimensiones variables.

Proceso y experiencia La experiencia del arte se recoge como un complejo sistema de procesos que se aparta de la noción de proyecto, alejándose también de ese tiempo estratégico que se requiere para alcanzar un objetivo determinado. En este sentido, mi trabajo surge de una necesidad de proceso y de un deseo en el proceso. Curiosamente, en mi estancia en Roma han ido apareciendo cosas, de las cuales la obra no da apenas testimonio y que poco tienen que ver con el proyecto de partida, pero configuran ese magma de momentos arcaicos que el deseo de elaboración desvelará en algún momento como forma. Sin una función determinada, he ido fotografiando cuadros, esculturas, objetos, rincones o pequeños detalles, como invitación a que aflore lo que no sé que sé, provocando que la imagen haga de radar. Las imágenes se combinan, se agitan, se reproducen, se copian o intrigan. Trabajando desde una cita mostramos con quién nos medimos, con quién contamos y cómo pensamos. Cada referencia transparenta una responsabilidad y un compromiso con esa matriz que la resitúa en un lugar entre el pasado, el futuro y el presente.

MICHELANGELO MERISI / EH NI MIRES MI COLLAGE. Óleo sobre tela, 200 x 150 cm.

TAXIO ARDANAZ Pamplona, 1978. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha ampliado su formación en seminarios y talleres impartidos por artistas y comisarios como Itziar Okariz, Esther Ferrer, Julie Mehretu, Miroslaw Balka o Peio Aguirre. En los últimos años ha realizado residencias en Italia, el Kurdistán iraquí, Cuba, Austria, México y China. Ha expuesto individualmente en Madrid: Tabacalera Promoción del Arte (2017), Galería Raquel Ponce (2013), RMS El espacio (2011); Bilbao: Galería Carreras Múgica (2017), Gio Bat (2015), Sala Rekalde (2014); La Habana: Artista x Artista (2016); Ciudad de México: Ateneo Español de México (2012), AN Studio (2011), y Pamplona: Polvorín de la Ciudadela (2008). Entre sus últimas exposiciones colectivas destaca su participación en Complexo Colosso, en el CIAJG de Guimarães, Portugal. Ha recibido diversas becas de creación artística y reconocimientos, como el Primer Premio en el XV Concurso Pamplona Jóvenes Artistas (1999) y el Segundo Premio en el XXIV Certamen Encuentros de Navarra (2007); ha sido seleccionado en la Biennal d’Art Ciudat d’Amposta (2020) y el Premio Itzal Aktiboa (2018), entre otros.

Roma interrotta En el año 1978, doce de los arquitectos internacionales más relevantes fueron invitados a repensar Roma tomando como punto de partida el plano dibujado por Giambattista Nolli en 1748. Se hacía urgente volver a imaginar una ciudad paralizada dos siglos atrás, víctima de su pasado eterno. Aldo Rossi respondió a este llamamiento con un proyecto que desarrollaba su particular concepto de la “ciudad análoga”, una metodología procesual caracterizada por pensar la arquitectura y la ciudad desde la historia. Mi propuesta plantea un acercamiento experiencial a la Italia actual utilizando las estrategias del pensamiento análogo de Rossi, para desarrollar un trabajo pictórico basado en la imagen multiforme de un país construido por la adición de fragmentos disonantes y conflictivos de su pasado. A través de este pensamiento, que según Jung “no es discurso, sino una meditación sobre materiales del pasado, un acto volcado hacia dentro”, abordaré un caso concreto de estratificación urbana de naturaleza política e histórica: los restos gráficos y monumentales del ventenio fascista que conviven con otros restos materiales de posguerra, memoriales de la resistencia y lugares de recuerdo.

www.taxioardanaz.com

E.F. Carne en marcha. El futuro ya esta aquí —decían—, y en él seguimos. Poder tras poder, potencia tras potencia. Porque ES IMPORTANTE VENCER, PERO MÁS IMPORTANTE ES COMBATIR. (Ojalá todos vivieran allí, a las afueras de Forli, en la “Villa dei Ricordi”). En un pequeña aldea del norte de Burgos aún se lee sobre la roca: Europa será fascista o fascistizada. SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ Poesía indestructible. Cuerpos masivos sedientos de gloria. Pero hay otras formas de vivir la vida: con memoria, con horizonte, con altura. Combate plano, y una máquina para ver las flechas en el camino. Nos haremos viejos, moriremos, y algunos tendrán que recordarnos como nosotros recordamos a los que antes fueron. No a la pintura, no a lo reconocible. ME NE FREGO La espesura no depende de la cantidad de materia, sino de sentido. Sobre el papel se acumulan verdades enfrentadas, algo parecido a la euforia. Así empieza todo, PER NON DIMENTICARE, para formar parte de una inmensa elegía. “Un popolo di poeti di artisti di eroi di santi di pensatori di scienziati di navigatori di trasmigratori”. Eso también está escrito en piedra. CHI SI FERMA É PERDUTO No a la épica del cuerpo, no a la técnica. No era cierto, la pintura no había muerto y las ideologías tampoco, ninguna. Menos mal que en el arte caben todos los vivos, porque el peso de la historia siempre se mide en muertos. De tanto estar, aparecieron en el paisaje, en las pinturas. Flores frescas, y una corona de fuego en el Monte Sole. LOTTA DIFFUSA

ITZIAR BARRIO Bilbao, 1976. Vive y trabaja en Nueva York. Su obra se ha presentado en espacios internacionales como MACRO (Roma), PARTICIPANT INC (Nueva York), MACBA (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado, Museo del Banco de la República (Bogotá), Abrons Arts Center (Nueva York), Anthology Films Archives (Nueva York), Salzburger Kunstverein (Austria), tranzit (Rumanía), Matadero Madrid, Artium (Vitoria-Gasteiz), y en la Bienal de la Habana, entre otros. En la actualidad es miembro de NEW INC (2020-2021), el incubator del New Museum en Nueva York. Ha recibido premios y becas del New York City Department of Cultural Affairs, Foundation for Contemporary Arts, New York Foundation for the Arts, Brooklyn Art Council, Ministerio de Cultura de España, Primer Premio Ertibil y la Fundación BBVA. Es profesora adjunta en School of Visual Arts en Nueva York y ha dado conferencias en NYU, Hunter College, MICA, Montclair University y The New School. Su reciente exposición monográfica By All Means ha sido comisariada por Johanna Burton (directora del Werner Center for the Arts y excomisaria del New Museum) en Azkuna Zentroa. The Perils of Obedience en Roma La obra es una aproximación transdisciplinar a la seducción del poder y al hacer de una película a tiempo real. Mientras son filmados, cuatro performers están siendo dirigidos hacia la creación de una escena. Situándoles en personajes, cuidadosamente seleccionadas e icónicas escenas, eventos históricos del pasado, fragmentos de manifestos y la interpretación de narrativas de sus propias vidas, el proyecto ha diluido la fina línea entre ficción y no ficción. En cada una de sus etapas he utilizado referentes locales y relacionados con la cultura del contexto. En Nueva York (20132016) reactivamos textos relacionados con las revueltas sucedidas en la ciudad en 1863 conocidas como Draft Riots, A Cyborg Manifesto (1983) de Donna Haraway, y escenas de las películas A Streetcar Named Desire (1951) y Basic Instinct (1992). En Bogotá (2015-2017) reescribimos escenas de La estrategia del caracol (1993). The Perils of Obedience es un proyecto multimedia de larga duración que desafía nociones establecidas de las reglas sociales, para participar en un debate más amplio acerca de las condiciones laborales y la subjetividad. Mi interés en los mecanismos de poder y cinematográficos colisionan perfectamente en los orígenes y objetivos de los estudios Cinecittà (1931), lugar que visité con cierta urgencia en mis primeros días en Roma. Estos fueron creados por un Mussolini muy consciente de la capacidad propagandística del cine y de sus cualidades como estructura de poder y generadora de pensamiento. Poco después y cercana espacialmente se creó la escuela de cine más antigua de Europa occidental el Centro Sperimentale di Cinematografia (1935), con el objetivo de promover el arte cinematográfico en el país. De la mano de Juan del Val y Alessandro Andreini tuve acceso allí a los archivos del productor Alfredo Bini y al libro de foto fija del largometraje Accattone (1961) de Pier Paolo Pasolini. Accattone genera un interesante debate acerca de lo laboral: el personaje principal es un disidente, alguien incapaz de asumir un puesto de trabajo regulado por el sistema, por lo que lleva a cabo actividades ilegales para poder subsistir. Además, Pier Paolo Pasolini no deja de ser un mito en sí mismo, y su sensibilidad e implicación política —más en concreto marxista— y su identidad homosexual fueron también claves para enfocarme en su persona y obra después de una extenso estudio de la cinematografía italiana.

www.itziarbarrio.com itziarbarrio@gmail.com

Stella a Roma (fotogramas). Itziar Barrio, 2019. 4K

En varios viajes a Bolonia, donde Pasolini nació y estudió, entrevisté a Roberto Chiese (director de los archivos de Pier Paolo Pasolini en la Cineteca) y grabé diversos espacios claves de la vida de Pier Paolo en la ciudad. Entre estos y gracias a Federica Falancia pude grabar en el Liceo Galvani. Accattone se rodó en Roma, con localizaciones en Trastevere, Testaccio y Pigneto. Las transité para luego registrarlas con el mismo valor de plano que en el largometraje original, pero esta vez vacías, al igual que los espacios de Bolonia. Letizia Cortini, Claudio Olivieri y Alessandro Stoppoloni me guiaron por el Archivio Audiovisivo del Movimento Operaio e Democratico para buscar revueltas obreras italianas llevadas a cabo mayoritariamente por mujeres en el siglo pasado. Y las conversaciones con diversos expertos como Sophy Downes, doctora en Arqueología Clásica y profesora en la Universidad John Cabot en Roma, y José Ángel Zamora, científico titular de la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (CSIC), fueron de gran relevancia para un entendimiento profundo de la mitología romana como ficción, historia y estructura de poder. La nueva escena de The Perils of Obedience ha sido escrita por Federica Tuzi y Cristina Vuolo, con cinematografía y edición de Pietro Daviddi. Sus intérpretes son Ondina Quadri (Arianna, 2014), Lola Kola (Amori e Metamorfosi, 2014) y Lilith Primavera (Linfa, 2018), y sus cuatro personajes: Stella, Minerva, Venus y una directora actoral. Este equipo de profesionales pertenece a su vez a la cultura alternativa, activista, feminista y queer de Roma. A la par de mi estancia en Roma, una ciudad atada al pasado, me encontraba leyendo textos acerca del nuevo materialismo y el poshumanismo, mientras pensaba en robótica y en el control de los cuerpos de una manera ampliada, futura y contemporánea. Esta disparidad temporal me hizo comprender muchas cosas. Tendemos a impregnar la vida con la historia y el progreso temporal, pero en gran medida hemos dejado de pensar en su contexto geológico. ¡Lo “geo” es una inversión del “ego”! (...) Ver la vida como proveniente de la tierra y sus fuerzas —gravitacional, magnética, eléctrica, etc.— es quizá la más poderosa y directa manera de desestabilizar nuestros conceptos de identidad y agencia.1 La historia siempre actúa en el presente y es funcional al presente. En los inicios del Imperio, en la época Augustea (27 a. C.-14 d. C.), el príncipe desarrolla todo un programa ideológico (que va a apoyarse de forma esencial en la iconografía, en lo que va a ser representado y en cómo va a ser representado: era el mejor lenguaje para la propaganda de la época) incluyendo especialmente la “invención” de toda una mitología familiar que le hacía entroncarse con las raíces de la romanidad a través de toda su historia. Las culturas antiguas se dotaban de este tipo de identidad colectiva a través de la historia (historia que podía, por tanto, como creación cultural, ser también reelaborada de forma interesada); pero lo mismo es válido para las sociedades modernas: el fuerte valor identitario de la historia, su condición de creación moldeable.2

Entrevista a Elizabeth Grosz en SAGE Journals: Theory, Culture & Society (2017) Special Issue “Geosocial Formations and the Anthropocene” 34 (2-3): pp. 129-146. 2

Extracto de una conversación que tuve el 6 de febrero del 2019 con el doctor José Ángel Zamora, científico titular de la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (CSIC).

Stella a Roma (fotograma y vídeo 3 canales). Itziar Barrio, 2019. 4K

IGOR BRAGADO Guernica (Vizcaya), 1985. Igor Bragado es arquitecto, profesor de arquitectura, escritor y codirector de la oficina de diseño Common Accounts. Su obra se enfoca en el impacto urbano de industria de la belleza, el culto al cuerpo, la muerte y el vlogging. Common Accounts ha sido finalista para dirigir el pabellón de Canadá en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2020 y tiene obras en construcción en Shanghái, Seúl y Toronto. Bragado ha sido profesor de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Cornell y la Cooper Union en Nueva York, y ha impartido conferencias en universidades como Columbia, Harvard y Princeton. Su obra se ha expuesto en las Bienales de Arquitectura de Estambul, Seúl y España, y en museos y galerías de arte en Los Ángeles y Toronto. Más recientemente, el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Seúl ha adquirido su obra para la colección permanente. Bragado ha contribuido periódicamente para la sección Babelia de El País y le fue otorgado el Premio de Escritura 2017 del Design History Society en Londres, así como el Suzanne Kolarik Underwood Prize de la Universidad de Princeton.

El luto de tu archivo. Músculo y eternidad El cementerio y el mausoleo ya no son los espacios exclusivos para el luto. La llegada de las redes sociales hace poco más de una década ha alterado la esfera social del rito funerario, multiplicando los espacios a través de los cuales la muerte navega. Por otro lado, a la problemática de propiedad de la información personal en los medios digitales y el volumen con el que construimos diariamente un archivo virtual personal, se ha superpuesto una inédita responsabilidad ceremonial de la imagen del cuerpo. Recientes casos de memorialización funeraria online a través de la práctica del fitness, han sacado a la superficie una relación (aquella entre el culto al cuerpo y los proyectos de eternalización) ya extensa históricamente, como da fe una larga casuística que va desde la práctica del atletismo en los funerales etruscos hasta el desarrollo de la cultura del fitness moderno como respuesta directa a la crisis existencial de la amenaza nuclear en los Estados Unidos. En este contexto, el primer encuentro significativo de Facebook con la muerte (propiciado por un culturista reclamando acceso al archivo digital de su hijo muerto) muestra el desplazamiento del espacio de luto a áreas como la sección de comentarios de las redes sociales, el gimnasio y el músculo. El proyecto para la Real Academia de España en Roma propone una rearticulación de las construcciones conmemorativas actuales para que operen simultáneamente en la esfera urbana y de las redes sociales. El pabellón pone en primer plano la capacidad ritual de las imágenes de cuerpos y su construcción como parte de un proyecto de eternalización y explora la forma en la que prácticas funerarias emergentes entienden el músculo como archivo. De forma más importante, se quiere retomar la noción de una muerte que, por su fragmentación y navegación en múltiples escalas y canales mediáticos, construye ciudad.

IG @igorbragado www.commonaccounts.online

Proceso y experiencia 190512_Maqueta1:100_Laser.3dm 190510_Stencil Columnas.3dm Moretti _Casa_GIL_IMG_0210.cr2 Moretti _Casa_GIL_IMG_0205.cr2 Moretti _Casa_GIL_IMG_0174.cr2 3lapices_Ferpal.3dm GuionPerformerRennie-6.pdf 190506_Fonderia Nolana.3dm 01 ID.RenderID copy 20.psd 01 ID.RenderID copy 19.psd Alzado Academia.pdf Presupuesto 22042019.pdf Presupuesto metallo.pdf 2018_TaxReturn.pdf Tropical Minihomepy.gif Dreamstime_muscle_strong_arm.jpg Open_Studio_IMG_8651.mov Open_Studio_40DC-8443-09D.jpg 190327_Plataforma Ritual.3dm Your Saturday trip with Uber.pdf Vasija_Funeraria_IMG_8640.jpg Screenshot 2019-03-20 16.45.09.jpg Matriz Diagrama Projecto.psd Slaughter_Machines_Lectura.doc 190217_Corte Laser_Presupuesto.pdf Viveros de Castro_World to Come.pdf Tristes Tropiques_LeviStrauss.pdf 20190226_Detailed Plans.pdf Bragado & Gertler_T4.pdf 190217_Ceremonias musculares.doc 180818_Felipe IV bis.3dm 20190213_Bote Proteina04.jpg Catafalco de Felipe IV-1.jpg Istituto Nazionale di Statistica 3.pdf Tendenza athleisure_ Repubblica.pdf George Nelson_A Problem of Design.pdf IstitutoNazionaleGrafica_Piranesi08.jpg PompaFunebreIsabellaBraganza_033.jpg PompaFunebreIsabellaBraganza_021.jpg PompaFunebreIsabellaBraganza_011.jpg ManTransFORMSBodybuildingCLOUD.jpg BorrominiCarlino4Fontane_IMG_0341.jpg FestiveFunerals_Schraven.pdf SMSopraMinervaBernini_IMG_0250.jpg

12 Mayo 2019, 9:34 10 Mayo 2019, 1:02 9 Mayo 2019, 18:07 9 Mayo 2019, 18:06 9 Mayo 2019, 17:59 9 Mayo 2019, 9:47 8 Mayo 2019, 19:27 6 Mayo 2019, 11:04 4 Mayo 2019, 22:47 30 Abril 2019, 16:31 23 Abril 2019, 14:38 22 Abril 2019, 23:42 17 Abril 2019, 14:01 14 Abril 2019, 12:39 11 Abril 2019, 15:51 4 Abril 2019, 21:47 2 Abril 2019, 15:37 2 Abril 2019, 6:43 27 Marzo 2019, 9:48 25 Marzo 2019, 21:00 23 Marzo 2019, 12:52 20 Marzo 2019, 21:45 20 Marzo 2019, 19:52 12 Marzo 2019, 11:12 6 Marzo 2019, 14:38 23 Febrero 2019, 16:24 21 Febrero 2019, 16:30 20 Febrero 2019, 3:43 18 Febrero 2019, 9:56 17 Febrero 2019, 15:14 15 Febrero 2019, 23:22 5 Febrero 2019, 11:44 21 Enero 2019, 21:34 20 Enero 2019, 19:53 20 Enero 2019, 16:38 19 Enero 2019, 12:34 17 Enero 2019, 11:14 17 Enero 2019, 9:12 17 Enero 2019, 9:12 17 Enero 2019, 9:12 14 Enero 2019, 01:48 13 Enero 2019, 18:32 8 Enero 2019, 9:31 6 Enero 2019, 10:54

11,2 MB 3,2 MB 25,9 MB 23,4 MB 29,1 MB 770 KB 4,6 MB 18,1 MB 29,1 MB 28 MB 4,4 MB 5,5 MB 1,3 MB 361 KB 283 KB 118 KB 9,7 MB 1,5 MB 146,4 MB 238 KB 1,2 MB 6,3 MB 5,8 MB 29 KB 119 KB 10,2 MB 11,3 MB 5,7 MB 3,5 MB 86 KB 893,5 MB 4,6 MB 59,3 MB 590 KB 1,1 MB 2,4 MB 3,1MB 4,1 MB 3,9 MB 4,0 MB 425 KB 2,6 MB 20,4 MB 4,3 MB

ANDREA CANEPA Lima, 1980. Empezó la carrera de Bellas Artes en la Pontificia Universidad Católica del Perú y la terminó en la Universidad Politécnica de Valencia, donde también se graduó con una maestría en Artes Visuales y Multimedia. En 2014 fue galardonada con el Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas y en 2013 con el Premio Generaciones y la beca Endesa para Artes Plásticas. Ha sido artista en residencia en Gasworks (Londres), Matadero (Madrid), Cité des Arts (París), Tokyo Wonder Site (Tokio), Beta Local (Puerto Rico), Bauhaus (Alemania) y Jan Van Eyck Academie (Holanda). Sus obras forman parte de colecciones como CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, IVAM, Fundación Montemadrid, Museo Provincial de Teruel, Fundación Endesa, DKV Arte y Salud e Inelcom en España; Bauhaus Dessau Foundation en Alemania y MASM, Museo de Arte de la Universidad Mayor de San Marcos en Perú.

Oro alla Patria El proyecto que presento explora la utilización de la arquitectura racionalista por parte del gobierno fascista italiano en la construcción de un imaginario favorable a sus planes colonialistas en África. Analiza las discusiones que definieron el estilo arquitectónico aplicado en las colonias y cómo este da forma a una narrativa que repercute sobre la población civil y su actitud hacia la expansión colonial. El proyecto conecta la campaña de recolección de metal organizada por el gobierno fascista en el año 35 con sus planes para convertir el desierto de Libia en una zona agrícola. Busca entender, a través del caso italiano, el rol que puede llegar a alcanzar la arquitectura en la construcción de discursos nacionalistas. Esta exploración se formaliza a través de una instalación y un vídeo.

www.andreacanepa.com

Proceso El inicio del proyecto se da al encontrar publicada en una revista la imagen de una casa de arquitectura racionalista en medio del desierto. La imagen me intrigó y, al buscar su origen, fui desvelando capas de una historia compleja. En ella se mezclan elementos tan disímiles como la arquitectura vernácula del norte de África, la cultura bereber, el legado del Imperio romano, la maquinaria cinematográfica fascista, La Mostra Triennale delle Terre Italiane d’Oltremare de 1940, la participación de la Fiat en la expansión colonial, o la promoción de una industria turística en las colonias. En las piezas que forman parte del proyecto intento hilar algunos de estos elementos: los formales en el caso de las esculturas, los narrativos en el caso del vídeo.

Experiencia Roma me recibió un 30 de marzo con una tarde de sol. Después de pasar un año entero en el frío holandés, volver a mi lengua materna y a la calidez mediterránea hicieron muy fácil mi adaptación, a pesar de ser la última en incorporarme. Llegaba tarde y era consciente de que tres meses de beca no iban a dar para mucho. Entré en la Academia con la firme determinación de trabajar con un objetivo claro, a partir de las referencias que traje conmigo, y de evitar desvíos y distracciones. Pero si eres una persona curiosa, Roma te muerde y no te deja ir. ¿Cómo trazar la línea entre la anécdota y lo importante, si todo se antoja importante? ¿Cómo discernir entre ruido y señal, si vives rodeada por las señales dejadas a lo largo de treinta siglos? Enterramientos etruscos me desvían el pensamiento hacia lugares imprevistos, mientras que el opus reticulatum me devuelve al camino original. Los frescos grotescos de la Domus Aurea disparan mi imaginación; la arquitectura racionalista de del EUR me hace aterrizar. Hace más de dos mil años que Tibulo bautizó Roma como Urbs Aeterna. Cerca de una eternidad necesitaría para descubrir y asimilar todo lo que Roma promete.

NICOLÁS COMBARRO La Coruña, 1979. Es docente y comisario independiente de exposiciones. Emplea diferentes formas artísticas como la fotografía, la instalación o el cine. Como artista ha realizado exposiciones individuales en museos como la Maison Européenne de la Photographie (París), el CGAC (Santiago de Compostela), MARCO (Vigo), Palexco (La Coruña), Institut Français (Madrid), OCEMX (México DF), y en galerías como la Solo Galerie (París), Galería Moriarty (Madrid), Kwanhoon Gallery (Seúl), Galería Taché (Barcelona) o la PABLO Gallery (Manila). Ha realizado piezas site specific en la I Bienal de Manila (Filipinas), Tabacalera (Madrid), Kreativquartier (Múnich), el 42 Salón Nacional de Artistas (Cartagena de Indias) y ha participado en el Pabellón de España de la XV Bienal de Venecia de Arquitectura, entre otros. Ha obtenido becas y premios como la beca de la Real Academia de España en Roma, la 20.ª beca Fotopress “La Caixa”, Laureat de la Cité Internationale des Arts de París, el Premio Saab a la mejor exposición del Festival Off de PHotoESPAÑA, o el Premio de Fotografía INJUVE. Entre otros, ha publicado los libros Interventions (RM), Arquitectura y resistencia (Editorial Cabeza de Chorlito) y Arquitectura Espontánea (Fundación “La Caixa”).

Sotterranei. Intervenciones lumínicas Roma y Nápoles poseen diversos niveles arquitectónicos subterráneos de una gran riqueza. Aquello que no vemos, que permanece oculto, despierta siempre mucha fascinación y la potencialidad de ser desvelado, de “salir a la luz”. El proyecto busca desvelar estos espacios a través de intervenciones lumínicas partiendo de abstracciones arquitectónicas. Se trata de composiciones de luz que, proyectadas directamente en estas formas subterráneas, nos permiten generar un diálogo entre la acción artística y la carga arquitectónica e histórica. Construcciones de diferentes épocas que mediante la intervención son activadas, permitiéndonos construir un puente temporal entre el presente y el pasado. Generalmente, se trata de arquitecturas funcionales no monumentales, como cisternas, acueductos o canteras, ocultas al visitante habitual. Una parte importante del trabajo consiste en la localización e investigación sobre la arquitectura de estas dos ciudades, buscando comprender la relación entre la superficie y el subsuelo y los diferentes estratos que se presentan entre ambos. La documentación fotográfica de estos lugares, en gran medida desconocidos por el visitante habitual de la ciudad (e incluso para los habitantes de la misma), se recopila en un archivo que sirve como base para generar diferentes líneas de trabajo a través del collage o el dibujo.

www.nicolascombarro.com IG @nicolascombarro FB Nicolas Combarro

Proceso El proyecto parte de una investigación previa sobre espacios subterráneos de las ciudades de Roma y Nápoles, la cual me sirvió para descubrir la enorme cantidad y diversidad de estructuras que permanecen ocultas bajo la superficie de estas dos ciudades. En el caso de Roma, existe una gran estratificación histórica que subyace a la ciudad contemporánea, como una ciudad invertida donde los tiempos se acoplan. Impresionantes arquitecturas que ya tenían gran cantidad de espacios subterráneos en su origen, pero la subida del nivel de la ciudad la ocultó durante siglos hasta que en el Renacimiento se redescubrió, sirviendo de fuente de inspiración para numerosos artistas como Rafael o Miguel Ángel. En el caso de Nápoles, construida sobre una imponente montaña a la sombra del Vesubio, la ciudad está llena de túneles que sirvieron, por un lado, como cantera para la construcción de la ciudad, a lo que se suma una gran cantidad de estructuras funcionales: acueductos y cisternas de la época romana o pasajes subterráneos, como la Galería Borbónica (siglo XIX). Algunos de estos impresionantes espacios fueron empleados durante la Segunda Guerra Mundial como refugios antiaéreos, lo cual ha añadido un componente emocional a su memoria. El trabajo de intervención consistió en la localización, documentación y comprensión de estos espacios sobre los que se proyectó luz con formas geométricas que, al golpear los muros excavados en la roca, originan formas orgánicas y desvelan partes de la arquitectura, generando un nuevo presente, una nueva mirada. Estas intervenciones han sido capturadas a través de fotografías que luego se presentan en el espacio expositivo en grandes formatos, permitiéndonos una experiencia virtual de la intervención. En paralelo, el trabajo de deriva y redescubrimiento de las arquitecturas de Roma y Nápoles en superficie ha desvelado un solapamiento arquitectónico muy particular que se ha trabajado a través de un archivo fotográfico, sobre el que luego se ha intervenido con técnicas de recorte y collage, generando una ficción documental a partir de una realidad reinterpretada.

Experiencia La estancia en la Real Academia de España en Roma es una experiencia privilegiada por muchas razones. La posibilidad de trabajar a un ritmo adecuado para el desarrollo de un proyecto en profundidad es casi una necesidad en el contexto del arte contemporáneo. Por otro lado, la propia dinámica de la Academia, el intercambio con los profesionales que son invitados, el excelente e implicado trabajo del equipo de la institución y de la dirección y, por supuesto, la convivencia con diferentes becarios de diversas disciplinas, hacen de esta residencia una experiencia única. La oportunidad de vivir en la ciudad de Roma, con la carga de historia, de arquitectura y de arte que alberga, es casi una obligación para cualquier artista, una especie de grand tour contemporáneo en el que encontrarse y convivir intensamente con nuestros referentes históricos y culturales.

ST (Sotterranei I) 2019. Fotografía color 120 x 175 cm

ST (Sotterranei II) 2019. Fotografía color 120 x 175 cm

ISOLINA DÍAZ-RAMOS Las Palmas de Gran Canaria, 1973. Doctora en Arquitectura por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (2016) y licenciada en Bellas Artes, especialista en Conservación y Restauración de Patrimonio por la Universidad Politécnica de Valencia (1998). Actualmente centra su investigación en la documentación y conservación del color en el patrimonio vernáculo construido. Ha sido beneficiaria de diversos premios, como la reciente estancia en la Fundación Bogliasco, Génova, y la beca Leonardo da Vinci en el Instituto Arqueológico de Creta (Grecia) (UPV). Ha recibido además becas de investigación en la Universidad Nacional del Nordeste (Argentina) (AECID), en las universidades Moulay Ismaïl de Mequinez (Marruecos) y en la Facultad de Bellas Artes de Alejandría (Egipto) (ULPGC), así como la reciente Marie Curie IF en la Universidad de Padua, Italia. Ha participado en trabajos de restauración de bienes muebles —pintura mural— en la basílica de Nuestra Señora de la Merced en Buenos Aires y en la Fundación El Fogón de los Arrieros, Chaco argentino, así como en la conservación del patrimonio vernáculo edificado, como la ruina jesuítico guaraní de San Ignacio Miní, en Misiones (Argentina, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO), el yacimiento arqueológico El Roque en Gran Canaria, la Fortaleza de Kufstein en Austria, y el Castillo de Ora, en Italia, entre otros.

La ciudad invisible. Los pigmentos del paisaje urbano y su conservación El estudio nos traslada a la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria a finales del siglo XIX y principios del XX, momento en el que se derriba la muralla que encerraba el barrio de Triana y se produce la ampliación de la ciudad hacia el actual puerto con la reciente construcción del Muelle de la Luz y de Las Palmas. ¿Cómo sería pasear por esos barrios en construcción? ¿Cuáles eran los colores de las nuevas arquitecturas? La ciudad invisible trae a la luz los pigmentos originales con los que fueron coloreadas las fachadas situadas en el entorno de la calle Perojo. Para ello, la documentación acerca de los estudios de color en centros históricos se ha realizado en el Centro Internacional para la Conservación y Restauración de Bienes Culturales (ICCROM). Los análisis de laboratorio han sido realizados por científicos de Italia y España. Como resultado, una carta de pigmentos y materiales originales será expuesta, lo que hará visible la ciudad oculta bajo capas de color. Se contribuirá, además, a la puesta en valor de la pigmentación original de edificios como un elemento histórico a tener en cuenta en futuros planes de conservación.

isodiram@gmail.com https://giaqua.academia.edu/IsolinaDíazRamos https://orcid.org/0000-0002-7071-344X

Vista general de una de las viviendas de estudio. Detalle de capas de color sobre muro

Proceso Una primera aproximación a la extensa experiencia italiana en estudios del color de edificios históricos ha sido realizada en la biblioteca del ICCROM. A su vez, se analizan en la Academia las nueve viviendas que hacen parte de esta investigación, efectuando tres modelos de fichas diferentes en las que se ofrece información general acerca de cada edificio, localización de las muestras extraídas y descripción de cada una de ellas. De las 93 muestras de mortero tomadas, han sido seleccionadas, analizadas y estudiadas un 32 por ciento, utilizando para ello una amplia variedad de instrumentos: escáner 2D, tabla Munsell de colores, microscopía estereoscópica, microscopía óptica, microscopía electrónica de barrido y microanálisis por dispersión de energías de rayos X (SEM-EDX). La obtención de un banco de colores tradicionales supone una herramienta significativa a la hora de mostrar, por un lado, los pigmentos originarios de una ciudad y por lo tanto su identidad primaria, y, por otro, una aproximación hacia los materiales y pigmentos constitutivos del edificio, a tener en cuenta en futuras intervenciones de restauración y recuperación del paisaje urbano.

Experiencia El paso por la Academia me ha permitido continuar mi línea de investigación desarrollada en los últimos años relacionada con la conservación y valoración del patrimonio vernáculo edificado, dirigiendo su enfoque hacia el estudio del color original de los edificios históricos. En este sentido, Roma es el marco ideal, dado que la propia ciudad y sus instituciones recogen todo un saber asociado a las prácticas de coloración tradicional y su conservación. Paralelamente, disponer de un entorno acogedor, creativo, multidisciplinar y colaborativo ha sido sumamente inspirador a la hora de desarrollar el proyecto, generando sinergias y relaciones auténticas con los compañeros tanto de la Academia española como de otras academias. Me gustaría destacar el apoyo e implicación recibido directa o indirectamente por científicos, restauradores y personal de instituciones romanas y españolas, como Maura Borelli, Sara Ronca, María Mata Caravaca, Daniela Sauer, Davide Melica, Livio Ferrazza, Gianfranco Priori y, muy especialmente, Ernesto Borrelli por su seguimiento durante todo el proyecto.

Sección estratigráfica de la muestra M33-M4. Microscopía óptica con fuente de luz refleja Sección estratigráfica de la muestra SCO42-M1. Microscopía óptica con fuente de luz visible, 5X

LARA DOPAZO Marín (Pontevedra), 1985. Escritora, licenciada en Periodismo, con un máster en Cooperación Internacional y un máster en Filosofía Práctica, y participante en el experimental Programa de Estudos en Mancomún, del que derivó la obra A través das marxes. Entrelazando feminismos, ruralidades e comúns, de la que es coeditora y coautora. Ha publicado, entre otras, las obras poéticas Os lobos na casa de Esaú (Chan da pólvora, 2017) y Claus e o alacrán (Espiral Maior, 2018), y la obra narrativa O axolote (Galaxia, 2020).

La ciudad y el sueño Lo sublime y lo monstruoso, lo monumental y lo menor, lo épico y lo subalterno, el amor y el poder, la vida y la muerte en una ciudad eterna. Estos son algunos de los dualismos, inseparables y con unos límites en ocasiones difusos, que se utilizan como punto de partida para ir configurando un retrato de Roma desde el aquí y el ahora. Un paseo por la ciudad construido desde una cierta consciencia de la propia fragilidad del relato y del peso de la(s) historia(s) que la componen y que atraviesan a las personas que la habitan o que la transitan. Estos son los pilares del proyecto literario La ciudad y el sueño, un ensayo poético en el que se cruzan historia, mitología, arte, arquitectura y literatura, hiladas en la mirada de una observadora de paso.

ldopazoruibal@gmail.com FB @laradopazoruibal IG @laradopazoruibal

Proceso y experiencia Tengo sobre mi mesa y en las paredes docenas de fotos, de postales, notas con lugares que visitar y fotografiar, apuntes que me lanzan de un lugar a otro de la ciudad, que me recuerdan imágenes y símbolos que no debo perder de vista: el dorado, las esculturas heroicas, las estaciones de tren en los barrios de la periferia. En mi estudio hago recuento de mapas, bocetos, líneas dinásticas, esquemas de conceptos. Me es imposible entender la ciudad, por eso indago en su pasado antiguo. Busco en la luz, en los trazos invisibles dibujados por los acueductos, en los graznidos de los cuervos. En estos meses he intentado buscarme a mí en la ciudad y todo esto es lo que he encontrado: luz, líneas al pasado, graznidos, vida y muerte paseándose de la mano en cada esquina, en cada calle, en cada parque. He querido llevarles flores a algunos muertos que ya considero míos, pero ni siquiera los he encontrado a todos. Entonces me he perdido en frescos, en alabastros, en exedras, intentando adivinar todas las manos que los han tocado durante siglos, antes de mí. De mi paso por este lugar mágico del Gianicolo he aprendido esto: a percibir la ciudad con otros ojos, otras manos, otros oídos, a detenerme en lugares y realidades que antes no existían para mí. Me he dejado contagiar por las personas que me rodeaban, tan distintas todas ellas en procedencia, en disciplina, en edad y en forma de habitar el mundo. He aprendido más de lo que podría imaginar; he tratado de cartografiarlo todo, como si todo fuese susceptible de ser escrito y descrito. Llegué a Roma para hablar de la vida y de pronto me vi hablando de la muerte y de lo que la muerte deja a su paso, de la luz. He tenido que romper en mil pedazos el proyecto con el que llegué a la Academia, porque ya no me valía. Con los pedazos he escrito uno nuevo, quizás no tan distinto, pero más coherente con mi aquí y mi ahora, más real; un libro que habla de las presencias y las ausencias, del amor y del terror, del poder y de la identidad, del tránsito en esta ciudad anclada a un río, con sus siete colinas de puertas abiertas, por donde nunca deja de azotar el viento. Me he dejado atravesar por la ciudad y su luz. Lo que quede de mí después de ella es todavía imprevisible.

SILVIA FERNÁNDEZ Madrid, 1990. Premio Nacional de Diseño 2019 en la modalidad “jóvenes diseñadores”. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su labor profesional se ha desarrollado en agencias y consultoras de diseño estratégico como Ogilvy&Mather o Designit, empresa en la que pasa más de seis años de su carrera profesional. Pasa dos años en Nueva York, lo que le permite comprender el diseño desde una perspectiva más estratégica. Estando fuera mantiene contacto con Madrid y colabora con el ayuntamiento en la famosa campaña de San Isidro 2018, con la tipografía que diseñó inspirada en Madrid: la Ferpal Sans. Más tarde es becada por la Real Academia de España en la categoría de diseño para el desarrollo del proyecto “Libros Ilegibles” de Bruno Munari. En la actualidad Silvia es diseñadora freelance y combina su labor como diseñadora para marcas como Harvard o Unu Motors con la de artista, con exposiciones como en el Museo de las Artes Decorativas o en la Galería Araña. También compagina su labor con la docencia en el Instituto Europeo de Diseño de Madrid y con un curso de creatividad en Domestika. MN6 El proyecto se apoya en los “Libros Ilegibles” (1949) de Bruno Munari. Ilegibles porque no hay texto, nada para leer. Estos artefactos que no tienen un manual de uso ni una manera explícita de cómo ser usados son aparentemente inútiles. Sin embargo, tienen un objetivo claro: la propia interacción, exploración y descubrimiento manual. El objetivo del proyecto es recuperar la exploración física con el objeto, romper con los manuales de uso y la obviedad en la manera de usar y entender las cosas, involucrando activamente al usuario en la relación con estas. El resultado es una colección de objetos de papelería desactivados, donde el usuario es quien pone las reglas. Desactivados porque en vez de estar limitados por el propio diseño, tienen un uso abierto. La colección incluye reglas con medidas alteradas, escuadras de 89 grados, cuadernos para torcerse, etc.

www.silviaferpal.com hola@silviaferpal.com IG @silviaferpal

Proceso El procedimiento llevado a cabo durante el desarrollo del proyecto se ha basado en una técnica de diseño, también usado por Munari en sus creaciones. Este está dividido en tres grandes bloques, aunque eso no ha impedido alternar teoría y práctica continuamente. 1. Investigación: fase teórica en la que se investiga el diseño de principios de siglo italiano y sus didácticas alternativas. También incluye un viaje a Milán para conocer de primera mano las editoriales que trabajaron con él. Durante el desarrollo de esta fase también se hacen los primeros prototipos. 2. Concepto: momento de divergir y crear prototipos probando diferentes aproximaciones para el proyecto. Se crean unos principios de diseño que hacen de guía en las decisiones posteriores del proyecto. 3. Diseño: una vez elegido un camino a desarrollar se empieza a producir los artefactos finales, diseñando individualmente cada pieza y el sentido de colección.

Experiencia La parte más difícil del proceso he sido yo. He sido mi mejor cliente y mi peor enemiga. Sigo sin acostumbrarme a trabajar sin un equipo, sin un cliente, sin unos plazos fijos. Todo eso he sido yo, conociéndome a medida que avanzaba el proyecto. Unos días orgullosa de lo que había conseguido y otros frustrada por mi exigencia, pero siempre aprendiendo. He aprendido a borrar las etiquetas de lo que hago. Que si es diseño que si es arte. Lo importante es qué y cómo. También he aprendido la importancia de los comercios tradicionales que apenas quedan en otras capitales occidentales. En especial, el negocio de Roberto: un puesto de papelería antigua en el mercado de Porta Portese. No sé si gracias a estos aprendizajes me han salido varias oportunidades durante estos meses: una exposición individual en la Galería Stefania Miscetti del Trastevere y otra en Milán en la editorial Corraini, quienes también me van a publicar un pequeño libro en los próximos meses. De todas maneras, me cuesta resumir nueve meses en unos párrafos, por eso he ido escribiendo un diario a medida que avanzaban las semanas. Está abierto para todo aquel que quiera leerlo en mi web: www.silviaferpal.com

MARÍA ÁNGELES FERRER Palma de Mallorca, 1973. Doctora en Musicología (2005) y Premio “Acción Magistral” de la FAD-UNESCO-BBVA (2010). Es licenciada en Musicología (1996) y licenciada en Historia del Arte (1996) por la Universidad de Salamanca. Realizó los cursos de doctorado en la University of London (1996-1998). Es profesora de piano, canto, superior de composición y de solfeo y teoría de la música, por los conservatorios de Baleares, Salamanca y Sevilla, respectivamente. Es funcionaria de carrera del Cuerpo de Profesores de Música en Educación Secundaria (desde 1998), catedrática de Música en Educación Secundaria (2021) y ha sido profesora de Didáctica de la Música en diferentes universidades. Es autora de Educar para ser felices (Amazon, 2021), Música y Educación Plástica-Comunicación Audiovisual (12 libros, Aeon Editorial, 2020), Guías de Plástica para Educación Secundaria (4 libros, Aralia XXI, 2018), Guía de Historia del Arte para Bachillerato (Aralia XXI, 2016), Dando la nota (35 libros, 18 CD, best-seller educativo en España, Pearson, 2010), Tosca de Giacomo Puccini (Ediciones Universidad de Salamanca, 2007), Música Proyecto Exedra (9 libros, Oxford University Press, 2004) y más de un centenar de artículos en revistas especializadas, actas de congresos nacionales e internacionales y notas al programa de conciertos. Es especialista mundial en interpretar la obra medieval El Canto de la Sibila (Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO).

¿Existe la ópera española? El Premio Roma y las bases de la identidad musical española La creación de la Sección de Música en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en 1873, perfiló y diseñó el regeneracionismo musical español. Así, se creó el Premio Roma, galardón que permitía a compositores españoles residir un trienio en la Real Academia de España en Roma. La Academia se comprometía a estrenar una ópera con libreto en castellano en el Teatro Real de Madrid y pagar la creación de una obra sinfónica, así como la transcripción en edición crítica de alguna obra religiosa de los grandes polifonistas españoles del Renacimiento y el Barroco. Este compromiso de la Academia con el apoyo del Estado, con un claro afán regeneracionista que buscaba superar los límites del género chico y la zarzuela, procuraba iniciar un repertorio operístico y sinfónico propio, acorde con la atmósfera nacionalista europea del momento. El objetivo del proyecto es la publicación de un libro-ensayo inédito sobre estos compositores españoles residentes en la Real Academia de España en Roma (18731888: Valentín Zubiaurre, Ruperto Chapí, Tomás Bretón, Felipe Espino y Emilio Serrano), el catálogo analizado de su producción durante el pensionado y su aportación a la fundación de la ópera española. Además, se publicará un libro-antología con arias de sus óperas.

www.maferrerfores.com

Retrato de Valentín Zubiaurre (c. 1891), de Santiago Regidor y Gómez. Retrato de Ruperto Chapí (1909), de Ramón Casas. Retrato de Tomás Bretón Hernández (c.1884), de Manuel Ramírez Ibáñez. Retrato de Emilio Serrano Ruiz (1886), de Ulpiano Fernández-Checa Sainz

Proceso “Profe, ¿existe la ópera española? ¿Por qué solo cantan en italiano?”. Esta es una de las preguntas habituales de mis alumnos de Secundaria y Bachillerato. Y sí, a excepción de unos escasos y contados ejemplos del Barroco y el Clasicismo, el empuje decisivo que vivió la ópera a finales del siglo XIX, por parte del Estado, es un fenómeno artístico desconocido. Estas ansias adolescentes y un vacío evidente en el estado de la cuestión me empujaron a investigar, sumando musicología, didáctica y divulgación. Dos años atrás, con el vaciado previo bibliográfico, el análisis de los fondos de la Biblioteca Nacional, la Fundación Juan March y las hemerotecas digitales de la prensa de la época, encontré una serie de obras y el éxito unánime de público y crítica. La investigación era necesaria. Todos los caminos conducían a Roma, a la estancia de los compositores en la Academia y la génesis de sus óperas. La beca abrió las bibliotecas de la Real Academia de España en Roma y la de la iglesia de Santiago y Santa María de Montserrat de los Españoles que, después, llevarían al archivo del Museo Nacional del Teatro en Almagro. Con el patrimonio acotado, el trabajo toma forma. Mi banda sonora vital romana quedará siempre vinculada a los sonidos posrománticos y nacionalistas de unas obras que merecen ser redescubiertas por el gran público y amadas y tarareadas por los melómanos.

Experiencia La Real Academia de España en Roma es un motor de progreso artístico donde se atrapa lo esencial de la vida universal, los valores atemporales de belleza, libertad, justicia, solidaridad, democracia y bondad. Por ello solo podemos dar las gracias, por la oportunidad conseguida, por el logro soñado que supone esta beca. Este viaje del artista, del investigador, constituye un elemento didáctico imprescindible para alcanzar la maestría personal y la madurez intelectual. Es mi cuarta estancia en Roma. Estuve de turista adolescente en 1994 (beca en la Università per Stranieri di Siena). Regresé en 2001 para analizar los lugares romanos de la ópera Tosca de Giacomo Puccini (tesis doctoral). En 2016 volví para visitar a mi hermano, becario de la Real Academia de España en Roma. Y ahora estoy aquí de nuevo, como algo cíclico, buscado y amado. En la Real Academia de España en Roma dimos la bienvenida al año 2019, en una Nochevieja inolvidable con mis padres, marido e hijos. El tiempo aquí se vuelve líquido y fugaz, aunque El Canto de la Sibila tomó forma junto al maestro Antonio Baciero en el Salón de Retratos y con Daniel Oyarzábal en la iglesia de San Pietro in Montorio, al tiempo que los jóvenes del Liceo Español Cervantes se sorprendieron con el impacto de “Don Quijote en la música”. Gracias a todos y cada uno de mis compañeros por sus miradas cómplices, por sus tertulias analógicas y por las bromas y sugerencias digitales a través de Whatsapp. La Real Academia de España en Roma, el equipo humano que la dirige y los que la habitamos temporalmente pasamos a formar una nueva familia, senza fine.

Ledia. Ópera seria en tres actos (1877), Valentín Zubiaurre. Dramas líricos (1875), Antonio Arnao. Gli Amanti di Teruel. Parole e musica di Tomás Bretón (1888), Tomás Bretón. Giovanna la Pazza 79 (Doña Juana la Loca). Opera in 4 atti di Emilio Serrano (1899), Emilio Serrano.

PABLO FIDALGO Vigo, 1984.Creador escénico, escritor y comisario de artes en vivo. Ha estrenado las piezas escénicas O estado salvaxe. Espanha 1939 (2013), Habrás de ir a la guerra que empieza hoy (2015), elegida por el periódico Público (Portugal) como mejor espectáculo de teatro del año. Estas piezas forman parte, junto con el libro Mis padres: Romeo y Julieta (Pre-textos, 2013), de un proyecto de investigación sobre la memoria de la historia a través de la biografía personal y familiar. En 2017 estrena Daniel Faria (Teatro Nacional Dona María II, Lisboa) y en 2018 su última producción, Anarquismos. Por el centro de la habitación corre un río más claro. Ha publicado los libros de poemas La educación física (Pre-Textos, 2010), elegido por El Cultural como uno de los cinco mejores libros de poesía publicados en España en 2010, La retirada (Premio Injuve, 2012, Artesequienpueda ediciones, 2014), Tres poemas dramáticos (Ediciones Liliputienses, 2015), Esto temía, esto deseaba (Pre-textos, 2017) y Crónica de las aves de paso (Rialp Ediciones, 2018, Accésit del Premio Adonais). Sus poemas se han recogido en diferentes antologías y algunos de sus libros se han publicado en Argentina, Chile, Portugal y Francia. Ha escrito los textos para la escena Só há uma vida e nela quero ter tempo para construir-me e destruir-me (Ciclo Panos, Culturgest, Lisboa, 2015) y Allez mourir plus loin (HTH, Montpellier, 2016). Sus textos para la escena están recogidos en los volúmenes Autobiografía de mi generación (MARCO, Vigo, 2014) y Tres poemas dramáticos (Ediciones Liliputienses, 2015). En 2019 publica Parangolé (Chan da Pólvora), su primer libro en gallego y Anarquismos/Daniel Faria (Papeles Mínimos). Ha comisariado ciclos de artes escénicas para MARCO (Vigo) y Alhóndiga Bilbao. Desde 2015 es director artístico del Festival Escenas do Cambio, en Cidade da Cultura (Santiago de Compostela).

Qualcosa nascerà da noi Ante nosotros un hombre, una presencia fuera del tiempo, que empieza a hablarnos desde un lugar que no acertamos a concretar. Habla de escribir un manifiesto con sesenta años, porque “a esta edad uno sí puede escribir un manifiesto, /ahora sí y no en plena juventud, /y puede tratar de detectar en qué momento exacto sucedió su verdadera vida”. Un cuerpo, con la cabeza vendada, con una bolsa de plástico en la cabeza, que habla de un amor que dura ya treinta años, que habla de una intimidad nunca concretada, nunca desvelada. Un hombre que nos cuenta que ella se quedó al otro lado del mundo, y que desde hace treinta años solo se hablan, se escriben, crean en la ausencia un cuerpo a cuerpo más real que el que sucede en la piel. Nos preguntamos, ¿qué hay de político en un amor imposible, qué hay de resistencia? ¿Qué hay de resistencia en la escritura, a lo largo de tantos años? Quizá como decía Lévi-Strauss, somos esclavos del texto, pero esa esclavitud es lo único que tenemos…

www.pablofidalgolareo.com pablofidalgolareo@hotmail.com

Cieno, Luis Nocete

Proceso Llegué a Roma para trabajar sobre Sandro Penna y Amelia Rosselli. Investigué sobre su vida, fui entendiendo la ciudad a través de las lecturas, de los paseos por el centro y por la periferia. Poco a poco me fui alejando de estos dos poetas tan grandes, acaso demasiado grandes o demasiado lejos de mis intereses actuales. Me fui interesando más en la Roma de los cincuenta y los sesenta, la Roma de la resistencia política, la Roma de Pasolini y de Nico D’Alessandria. Durante mis primeras semanas acostumbraba a pasear y trabajar en el paseo de la Ripa Grande. Otros poetas a los que había leído mucho eran Mario Luzi y Cristina Campo. Leyendo la correspondencia de Cristina Campo entendí que había vivido un gran amor imposible con Mario Luzi. Y leí que el lugar preferido de Cristina en Roma era la abadía de Sant’Anselmo. Justo detrás de los parques y las iglesias del Aventino, que yo miraba desde la Ripa grande, hace cincuenta años ella asistía a las misas de las seis de la mañana, y allí en aquella misma plaza, se encontraba con algunos de sus amigos como Alessandro Spina. En ese paisaje romano desconocido y misterioso, y continuando mi modo de trabajar habitual, a partir de conversaciones con Juan Loriente, Qualcosa nascerà da noi se presenta como una pieza en la oscuridad donde un hombre repasa su vida y agota las posibilidades de ser otra cosa, de vivir otro amor, de presentarse ante el mundo de otra manera.

Experiencia Estás sentado en la Ripa Grande y ves los horarios de los barcos a Marconi que ya no existen. Estás sentado en la estación de Centocelle ante el hostal Mirti. Estás sentado en el cementerio acatólico delante de la tumba de Gregory Corso. Estás tumbado en la hierba del parque Doria Pamphili. Estás sentado en el Teatro del Quarticciolo o en la Via Appia. Estás sentado como un gesto de resistencia. Estás en Sgombro en Cinema Palazzo. Estás en casa de Jose y Lucía pontificando sobre la literatura universal. Estás sentado escuchando a Bifo y la gente va pasando a su lado para responderle y hacerle preguntas. Estás en las Termas de Caracalla escuchando a De Gregori. Estás sentado en el Olímpico viendo un gol de Totti. Estás durmiendo en el piso que alguien te ha prestado en San Lorenzo. Estás en Porta Portese comprando por 5 euros un libro con una firma original de Quasimodo. Estás sentado en el café de la Feltrinelli de Largo Argentina viendo cómo los adolescentes se van pasando la llave del baño para hacer el amor. Estás en una librería de segunda mano fascista discutiendo sobre la historia, pero llevándote sus mejores libros. Estás en el medio de una gran passegiata y estás en la basílica de San Alessio, en el Aventino. Estás viendo a Carmelo Bene en la Rai de los noventa, te estás bañando en el Fontanone, y no se sabe si estás llegando o si te estás yendo de la ciudad. Es demasiado temprano para saberlo. Ya había una historia con Roma, despistas a la ciudad y la ciudad te despista. La ciudad no soporta tus contradicciones y tú no soportas las suyas. Tratáis de encontrar un término medio. Lo encontráis. Anna Talens fue parte de todo el proceso de ensayos de Qualcosa nascerà da noi. A partir de su presencia y de su visión de muchas cosas hemos podido construir la pieza. Para Fernando Sánchez-Cabezudo he escrito una pieza del proyecto Storywalking Garbatella. Silvia Fernández diseñará y editará una publicación, que estará lista en septiembre, con el texto de la pieza Qualcosa nascera da noi, y una memoria de este año. A Lara Dopazo le agradezco la corrección de dos libros míos en lengua gallega. Pedro G. Romero, amigo y alguien infinitamente inspirador, ha seguido de cerca la creación.

Danza primera. Mario y Cristina Mario escribe para la luz, para lo no nombrado Mario es nueve años mayor que Cristina Mario vive en Florencia, Cristina en Roma Cristina lee los poemas de Mario y lo busca Cristina no es su nombre real Cristina ha pasado su infancia enferma y nunca ha ido al colegio La correspondencia de Cristina habla mucho de Mario Es el amor imposible y el amor en la fe Cristina dice: la fe es siempre un amor no correspondido Mario dice es la palabra dada Es el encuentro que llega tarde Es que no puedo volver atrás Es que no te puedo amar Pasando por encima de la palabra dada Traicionando Es que soy el final de una estirpe Cristina dice Mario Mario dice Cristina ¿Qué ha ocurrido con nuestras vidas? ¿Cómo nos han reunido tan tarde? La palabra dada no se recupera Es como una súplica, como una sed Es una actitud Es una forma de pobreza que dice La palabra que di es lo único que tengo Lo único que me diferencia Llevamos la vida y el canto en secreto Son una especie de pena, una especie de vergüenza Que sacamos afuera cuando no podemos más ¿Es esa nuestra historia? ¿Es eso lo que queremos hacer con la palabra dada? ¿Cómo has podido tardar tanto en revelarte? Es la danza de dos que escriben Que se sientan en la oscuridad de una iglesia Y se abren en canal Es la danza de quien no da ni un paso atrás (…) 83

PEDRO G. ROMERO Aracena (Huelva), 1964. Opera como artista desde 1985. Participa en unia arteypensamiento y en la Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales en Sevilla. Fue artista participante en Documenta14 Atenas/Kassel. Entre 1999 y 2019 trabajó en dos grandes aparatos, el Archivo F.X. y la Máquina P.H.

Sacco. El Saco de Roma, la crisis de representación y los flamencos Creo que es importante entender este proyecto desde una de las frases que abren su memoria de trabajo, es del nacido romano Rafael Sánchez Ferlosio y la publicó en 1994: “Rodrigo, la hermosura de las ruinas que me cantas no está en el siempre odioso recuerdo de un imperio, sino en el gozo de ver reflorecido, sobre el cadáver de la bestia misma, el amarillo jaramago”. Entendamos eso, sí, se trata de comprender cómo crece, cómo se orienta, aprender el amarillo del “amarillo y humilde jaramago”. Si el proyecto empezó con el peso histórico del Saco de Roma de 1527, cuando las tropas de Carlos V saquearon la ciudad por nueve meses, pronto ese gesto histórico se extendió a la forma mítica del sacco, es decir, a lo que, en retrospectiva se aplica a los asaltos de galos, godos, normandos y sarracenos sobre la ciudad de Roma; y, en prospectiva, es leído como trama para entender los distintos saqueos de los franceses (especialmente aquella incautación destinada al fundante Louvre a principios del siglo XIX), también bajo la ocupación nazi y, por qué no, del capital internacional o de la Mafia Capitale al filo de este mismo 2019. El amarillo jaramago se explora, además, desde un particular punto de vista. Gramsci abrió, precisamente, esa mirada, ese punto de vista que llamamos subalterno. En 1527 lo encontramos en La Lozana andaluza de Francisco Delicado, en las concomitancias entre el anónimo Lazarillo de Tormes y el Diálogo de las cosas ocurridas en Roma de Alfonso de Valdés, también en los Hecatommithi de Giraldi Cinzio, en La zingana de Artemio o en los estudios legales de Benedetto Fassanelli en Vite al bando o de Claudio Ferri en L’archivio dei notari di Lucca, y es que, a veces, los archivos policiales son una fuente para saber como habla el pueblo, lo que va por debajo. Entendamos que desde ahí, desde esa perspectiva podemos observar el funcionamiento que tiene aquí el flamenco (subalterno, lumpen, itinerantes, gitanos, romá) que es una media —me gusta la polisemia en español de la palabra, entre “media” para la pierna y “media” como vehículo de comunicación—; un medio-sin-fin, vaya, si queremos citar a Giorgio Agamben; un modo de hacer, digámoslo así; un campo de producción.

Proceso Pensemos en lo que este proyecto tiene de estructural en mis preocupaciones sobre la representación, la imagen, la iconoclastia. Roma tiene muchos significados para esto. Ya en 2009 el segundo boletín del Archivo F.X. se ocupó de esa vía romana del trabajo. Como me dicen los flamencos, más que estar en Roma, se trata de estar en romano. O romanó, el juego de palabras me viene dado. Las diferencias de significación entre el arte occidental y el arte de otras partes del mundo tiene que ver sin duda con la importancia de la encarnación, no solo los dioses se hacen hombres, mujeres, animales y plantas, como en la tradición greco-romana, la importancia teowww.fxysudoble.org

lógica y litúrgica del cristianismo sobre cómo operan las imágenes es todo un fundamento. Por eso, esas quiebras de la representación tienen en Roma una importancia que va más allá de la anécdota histórica. Las categorías falaces de la academia1, de la historia del arte —“barroco” o “manierismo” son invenciones modernas, del tiempo de las vanguardias y no casualmente— nos permiten entender la potencia anacronista de todo hacer artístico que, al menos, opera en dos tiempos a la vez. Esa es una de las cualidades de nuestro lenguaje, un motor fundamental a la hora de hacer esa historia a contrapelo tan querida, por ejemplo, en Walter Benjamin2.

Experiencia Me preguntaba Matteo Binci3 sobre estos días en Roma, sobre si hay corte epistemológico o continuidad en mi trabajo. Exactamente decía: ”I tuoi lavori, sull’iconoclastia nell’Archivio F.X. e con il flamenco nella Macchina P.H., sembrano unire gli interessi nelle pratiche che svolgi in queste tue opere romane. Pensi che ci sia un ‘evento’ in queste pratiche, nel senso che Alan Badiou conferisce alla parola? Sembra anche che non ci sia più quella tua ossessione di distinguere tra i diversi modi di fare. Dopotutto, il Sacco di Roma, come qualsiasi altro saccheggio, non cessa di essere ‘evento’. Pensi che sia lì, in questa presentazione della rappresentazione tra l’apparizione e la scomparsa dell’immagine, in questa intersezione che stabilisci tra una lettura dall’alto - la conoscenza accademica4 - e dal basso - la conoscenza subalterna5 -, proprio lì, in questo gesto, che risiede il massimo potere di una rappresentazione, di un’immagine?” 1 Sin duda, los textos de Aby Warburg sobre bestialismo y adivinación, su análisis de los pasquines protestantes (Durero) en los que el papa se representaba como bestia monstruosa y que anunciaban el famoso sacco de 1527, dieron entrada definitiva a algunos animales en mi larga investigación sobre qué significa una representación. Ya venía trabajando desde hace algunos años con animales, con animotes como dice Derrida, intentando sumar a la vez el significado cultural y emblemático que los animales representan con su punto de vista óptico, su manera de estar en el mundo, su etología y su ecología. Intentando darles un punto de vista, ahí es nada. Es impresionante el número de preguntas y cuestiones novedosas que esta operación nos trae. Efectivamente, todo son exclamaciones, interrogaciones… 2 José Bergamín ya valoró en el cante flamenco un algo que tenía que ver con lo animal, nuestro estar en el mundo más zoológico. Juan el Camas, irónico, nos hablaba un día de las gallinas, los burros y los perros como la meta final de nuestro desclasamiento, ¡qué inteligencia natural la del Camas! Ahí estamos, celebrando con una pajata romana lo que somos, la cultura y la barbarie que nos constituye. 3 En la pregunta de Matteo ya hay implícita una respuesta, una crucifixión. Isidoro Valcárcel Medina lo dice así, casi con la forma de una greguería, “en cada cruce hay una posibilidad de crucifixión”. Pero sí, la potencia de las cruces es esa. “La vida en el camino está llena de cruces”, dice el adagio popular y, en efecto, mi vida, como la de cualquiera, está llena de cruces, con toda su polisemia. Hay pocas ocasiones de mostrarlo, pero estos nueve meses en Roma quizás son una oportunidad para esto, para enseñar esto, en el doble sentido de la palabra enseñar. 4 En ese sentido, es verdad que ciertas prácticas artísticas, de complejas que son, tienen el problema de coincidir en escala 1:1 con el mundo y que apenas sean reconocibles, como en el relato fantástico del cartógrafo de Borges. En tiempos en los que el arte político es una suerte de costumbrismo, cosas de la buena conciencia y de la buena educación, apenas sería significativo señalar que la poiesis, la esthesis, como queramos llamar a nuestra forma de hacer, tiene un lugar en las afueras de la polis, literalmente, en las afueras de la política. Eso tiene una importancia relativa cuando sabemos que, de todas formas, el circular de esas formas y modos de hacer siempre es político, en el seno de la ciudad, y ahí todos son condicionantes materiales, sociales, económicos, políticos finalmente. De todas formas, saber de esa doble condición es importante, saberlo y poder llevarlo de alguna manera a la práctica. Siempre he admirado esa doble condición en el flamenco, por un lado un arte marginal, excéntrico y, por el otro, central, hegemónico en el entendimiento de la identidad, incluso un tópico en la comunidad en la que vivo en España, Andalucía. Ser capaz de ese despliegue, seguramente, dice algo sobre mi interés por esas flamencas y flamencos. 5 Por eso en Roma, el trabajo con Ludovica Manzetti, con Matteo Binci o con Massimo Marzone ha sido importante. También las invitaciones a Helsinki que me hizo Erik Beltrán con Gerald Rauning, a Oporto por parte de André Sousa y Ana Laranja o a Bergen, en Noruega, por parte de Iris Dressler y Hans Christ me ayudaron a pensar Roma de otro modo. O con José Jiménez Bobote, con Stephan Volksinger, con Raúl Rodríguez Refree, con Teresa Lanceta, con Isaki Lacuesta, con Filiep Tack, todos ya un poco romanos.

De cómo fue un pato y no un lobo, Némesis y no Luperca, las ocas capitolinas y no los feroces canes, la astucia y no la fuerza, las mujeres y no los guerreros, la retórica y no el terror, en fin, quienes salvaron la representación romana -¿qué significa, exactamente, un pollo?- ante el asalto de los bárbaros galos del caudillo Breno –falsario de pesas y medidas- y, después, siendo crucificados ostentosamente los perros y paseadas en procesión las celebradas ánades –engalanadas aves del paraíso: ¿porqué a los dictadores le gustan tanto los paisajes bucólicos, a los capo mafiosos las canciones de amor, a los macarras de las bandas las baladas más cursis?- se señaló el acontecimiento y de cómo las monedas conmemorativas y premios resultantes, desde la ceca de Juno Moneta – Juno Avisadora, por eso todavía llamamos al euro una moneda, un aviso-, pasaron de mano en mano hasta que, finalmente, fueron hurtadas por Buenaventura y Bari, amigos de Michelangelo Merisi Caravaggio, el pintor gitano, estampa que acabarían falsificando, es decir, haciendo falsete, Luigi Di Maio, Silvio Berlusconi y Matteo Salvini, tres tenores en su pose estelar para Sirante. De lo que aconteció con la caída de Roma, la gallina favorita del emperador Honorio, hijo de Teodosio, nacido en Itálica, y de cómo Alarico, en esa misma caída, dispuesto al saqueo de los tesoros romanos acabó tributando la deuda al Imperio –desde la plata colada en la Basílica Emilia hasta las cecas de Clemente VII y Benvenuto Cellini- y de cómo aquel oro y aquella plata fundidas en bloque fueron discernidas por unos caldereros robagallinas, retratados por Achille Pinelli en la fragua vecina de San Adrián del Foro, antigua Curia Julia, sede última del senado romano y sus gallinas augures –en realidad, las burlas a la gallinas adivinas son un desprecio al pueblo y al senado romanos, primero, por parte de la casta imperial y después por sus rivales mágicos, los cristianos; por eso San Agustín agiganta el saqueo godo como arrojada primera piedra de su Ciudad de Dios-, escena populista ésta de la herrería romana en la que se adivina el cante por martinetes que, exactamente, cien años después hiciera, melancólico, Rafael El Gallina: yo ya no soy quién era, ni quién debía de ser, soy un cuadro de tristeza, pegaito contra la pared. De la sombra enorme proyectada entre dos leones sobre el camino de Ausonia a Roma por el gigante Fierabrás, el fanfarrón o el del “brazo fiero”, guerrero sarraceno que desde Al-Andalus llegó a las playas de Ostia con piratas berberiscos y participó en el saqueo de las Basílicas Extramuros de San Pedro y San Pablo –en la misma ciudad de Roma no entraron por miedo a perderse en su laberinto-, saqueando tesoros fabulosos, monedas también y las famosas hostias de oro y plata que nunca más pudieron verse, la corona de espinas y los clavos del Cristo, la túnica que llevaba Jesús, el INRI del Rey de los Judíos y el aceite con que se embalsamó el cuerpo muerto del hijo de Dios y que servía para curar todas las heridas –aceite, vino, sal y romero (hierba rosmarina del que va a Roma) con no sé cuantos salves y credos, padrenuestros y avemarías dice Don Quijote de esta receta-, sombra tan alargada que pudo verse en el incendio de 1823 –dicen que era un “itinerante” el soldador que en el tejado no apagó su pitillo-, el mismo cigarrillo que quemó la Savorengo Ker de Francesco Careri y los Stalker, del mechero de Dios, Mafía Capitale y Casamonica. De cómo las representaciones monstruosas del tetramorfos (ángel, toro, león, águila) y no el Evangelio fueron causa para que los mercenarios del normando Roberto Guiscardo, acudieron a Roma a defender al Papa Gregorio VII, escondido en el Castello de Sant Angelo –como se escondería de los lansquenetes, después, en sus suntuosas letrinas, el Papa Clemente VII- y de cómo estos, musulmanes, bizantinos y egipcianos –no se alcanza a saber su condición pues “egipcianos” eran también los gitanos que llegarían tiempo después no del Egipto africano sino del asiático Egipto Menor-, decepcionados ante el propio monstruo del Papa, saquearon e incendiaron Roma –tal y como los vikingos de Björn Ragnarsson, “El Resucitado”, arrasaron la ciudad de Luna pensando que era la verdadera Roma- y de cómo las monedas allí robadas –tesoro preparado para comprar voluntades en la Querella de las Investiduras: a Dios lo que es de Dios y al César lo que es del César- fueron el primer botín con que los meridionales saciaban los créditos del rico Norte de Europa, también hoy, en la economía de la Comunidad Económica Europea, valga la redundancia.

De cómo las bestias subían y bajaban las escaleras de Villa Farnesina, distribuyéndose, los burros en la Sala de Psique pintada por Rafael, las yeguas y caballos agolpados en la Sala de Alejandro Magno y los mulos en la Sala de las Perspectivas, aupando cual andamios a los Schertlin y Glirns que esgrafiaban los frescos de Peruzzi con vivas, “yo, que hice correr al Papa” o “Nos, que fundimos el dinero católico”, y en los baños egipcios, suponiendo que allí yacieran César y Cleopatra, el caballo quieto de Carlos III, Duque de Borbón, jefe de la tropa en el asalto a Roma, asesinado el 6 de mayo de 1527 por Benvenuto Cellini o por Cecchino della Casa o por Giovanni da Udine, tutti quanti, más el Papa premió a Cellini encargándole la producción de moneda nueva, unos baños, además, reconstruidos por el Marqués Salvador Bermúdez de Castro, amante de Ludovica de Baviera, que gastó su fortuna mexicana –en 1847 aspiró al trono de México rocambolescamente- en flamencos, El Planeta y su hermano Luis Alonso vinieron y cantaron y bailaron la cabal, “moritos a caballo, cristianos a pie”, después de Silverio Franconetti, que ni juntos ¡Al Qaeda y el ISIS! De cómo una pareja de camellos seguía al Laocoonte requisado en los Palacios Vaticanos y un oso en su jaula se situaba tras la Transfiguración de Rafael, descolgada de la Iglesia de San Pietro in Montorio y una desconocida especie, medio hombre, medio mono, orangután seguramente, también enjaulado, a la cola del Santo Entierro con plañideras pintado por Caravaggio -así se hizo el Louvre, museo modelo para todos los museos del mundo-, y de cómo los gitanos que conducían esos carros, reclutados en un teatro-circo de Venecia, en extremo morenos, fueron retratados como haitianos que se jugaban la capa del rey –como túnica de Cristo- a los dados, alegoría de la misma revolución haitiana, la primera revolución Ilustrada, en la que un simio ocupa la cara de las monedas y una fruta del cacao la cruz, caricatura infame más que emblema, pues no solo se trata de la emancipación de los esclavos, no solo de la paridad de género, no solo la declaración universal de derechos de los animales, se trata de nuestro jardín -el cambio climático, la clonación humana, el ébola, son sólo metáforas apocalípticas-, de hacer de la selva –animotes, vegetales y cosas- nuestro reino. Del asombro del papagayo de la Casa de Oggiono al oír exclamar a Ernesto Giménez Caballero, escapado miserablemente de la guerra civil española para recoger su premio de San Remo, el ditirambo “¡este Mussolini, más Mussolini que Cagancho, ha conseguido hacer trabajar hasta a los gitanos!”, pues, en una visita a las obras de construcción del EUR, Palacio de la Civilización Italiana, los anfitriones le habían señalado una cuadrilla de albañiles zíngaros ya que suponían que, como español, el escritor fascista tendría interés por aquellos gitanos –todos los españoles son algo gitanos-, más el castizo y futurista Caballero, ¡Los Toros, Las Castañuelas y la Virgen!, apenas sospechaba en su chistecito que esos mismos trabajadores -¡Palazzo della Civilità del Lavoro!- serían entregados a las autoridades nazis para su exterminio, los mismos nazis que, con sus ridículos uniformes -¡parecían diseñados por Fendi!estaban acampados en este EUR sin acabar –faltaba el cemento embargado por las sanciones a la guerra colonial en Etiopía-, se dedicarían al saqueo monetario de Roma, pensando, como en la Liga Norte, que razzia y raza significaban lo mismo.

Romá Roma, un proyecto de Pedro G. Romero con José Jiménez Bobote y Stefan Voglsinger. Acciones, grabaciones, textos en y para la Curia Julia, Museos Capitolinos, Villa Farnesina, basílica de San Pablo Extramuros, castillo de Sant Angelo, Palacio de la Civilización Italiana o EUR o Fendi y Piazza di Spagna en Roma. Realizados entre mayo y junio de 2019. “Césura”, segundo capítulo de Sacco. El saco de Roma, la crisis de la representación y los flamencos, un proyecto de Pedro G. Romero.

JORGE GALÁN El Salvador, 1973. Novelista y poeta. Premio de la Real Academia Española en 2016, por la novela Noviembre. Premio Casa de América de Poesía Americana, por Medianoche del mundo. Premio Iberoamericano para obra publicada Jaime Sabines en México, en 2012, por El estanque colmado. Premio Adonais en 2006, Madrid, por Breve historia del Alba. Sus libros han sido publicados por prestigiosas editoriales como Tusquets, Visor, Pre-textos, Penguin Randon House, Mondadori o Alfaguara Infantil. Ha sido traducido a idiomas como el alemán, el italiano, el holandés o el griego. El olvido y la sangre. Migración mesoamericana en Italia: un intento desesperado por escapar de la violencia Este proyecto consiste en la redacción de una novela cuyo tema central es la migración: sus causas y consecuencias. El libro, que se basa en hechos reales, pretende mostrar tanto la cotidianidad terrible de El Salvador, uno de los países más violentos del mundo, como la desoladora experiencia de los migrantes que viven alejados de sus familias, sobrellevando, como mejor pueden, un proceso de integración en una cultura por completo distinta a la suya. Quien migra desde Mesoamérica lo hace, en principio, para escapar de la violencia, siempre con la ilusión de elaborar un puente que puedan cruzar más tarde sus familiares, lo cual no siempre sucede. La novela pretende contar este doble drama, el de quien llega y el de quien se queda, en una especie de carrera contra la muerte. Por otra parte, también dará cuenta de un problema cada vez mayor: la actividad delincuencial de las pandillas centroamericanas en países como España e Italia, la violencia como producto de exportación.

jorgegalan.g@gmail.com

Caravana Migrante. El Faro (El Salvador) Personas migrantes. New York Times. 89

Proceso Mi proceso de investigación empezó dos años antes de mi estancia en la Academia, casi por casualidad, durante una visita a Milán. En esta ciudad del norte me encontré algo por completo inesperado para mí: una comunidad salvadoreña que había crecido mucho en los últimos años. Como mi visita obedecía a la presentación de una novela que desarrollaba su trama en mi país, tuve oportunidad de conversar con la comunidad salvadoreña. Ellos me dieron un dato revelador: la violencia de las pandillas, de la cual huyeron, las había seguido hasta allí. Aquello me pareció desolador. Empecé entonces a indagar sobre lo que ocurría, ya no solo en Milán, también en otras ciudades europeas como Madrid, Barcelona o la misma Roma. Había un drama implícito en todo aquello. Los periódicos daban cuenta de múltiples asesinatos llevados a cabo por las pandillas, algunos de ellos con un horror semejante a lo que sucede diariamente en San Salvador. Pronto, me di cuenta de que quería escribir sobre lo que sucedía, sobre estas personas que padecían esta extraña clase de persecución. Por tanto, me interesé, ya no solo por la historia general, también por la personal de muchos de estos migrantes. Era importante para mí contar por qué se habían marchado de su país, dejando todo atrás; mostrar qué significaba esa clase de sacrificio. Y dar cuenta de que, a pesar de ello, su vida no había mejorado lo que esperaban. Cuando llegué a Roma, decidí empezar de inmediato con el trabajo de redacción. Cada mañana, escribía un poco de la historia que quería contar, que trataba sobre unos chicos inmersos en la violencia de San Salvador, en un afán por querer explicar las oscuras razones que los obligaban a abandonarlo todo y salir del país. Pronto, el trabajo se volvió una obsesión. Era una especie de trance que no acababa nunca. El tema del libro me hacía estar permanentemente buscando información: cada noticia, cada entrevista de algún protagonista local, cada historia aparecida en un periódico o red social o a través de personas que iba conociendo. Y así pasaron los días, las semanas, los meses, y la redacción avanzó de buena manera hasta que estuvo completa según el plan inicial: seis partes de veinte pequeños capítulos cada una, además de un final.

Experiencia Para mí, la experiencia de Roma tuvo una riqueza que no me esperaba. Y esto se debió, sobre todo, a la comunidad de artistas que habitaban en la Academia. Regularmente, el mío es un trabajo que se realiza en solitario. Y si me nutro de otras artes, lo hago a través de libros o documentales, como suele ser habitual. Por tanto, encontrarme con todos estos artistas de la plástica, del diseño, del canto, de la dramaturgia, fue nutrirme de muchas maneras. Solo eso ya hizo esta experiencia algo por completo distinto a todo lo que conocía antes. Luego de todo lo vivido, Roma existe para mí, lo que quiero decir es que significa algo, no es un mero nombre, no es algo lejano, es un lugar plagado de recuerdos que también son los míos. Esta ciudad y esta Academia ya forman parte de aquello imperecedero, y estos meses, que siempre parecerán demasiado breves, tienen un brillo propio.

Manifestación mujeres en San Salvador. Feminicidio. Asesinato y niñas (El Salvador). Fotografía de Jaime Anaya, El Diario de Hoy 91

BEGOÑA HUERTAS Gijón, 1965. Doctorada en Filología Hispánica por la Universidad Autónoma de Madrid, fue Visiting Lecturer en la Universidad de Michigan y trabajó como investigadora en la Unidad de Estudios Biográficos de la Universidad de Barcelona. Obtuvo el Premio de Ensayo Casa de las Américas 1994. Ha trabajado en el sector de la edición y colaborado en diversos medios. Imparte el taller de Escritura Creativa en el Máster de Humanidades de la Universidad Autónoma de Madrid. Es autora del libro de relatos A tragos y de las novelas Déjenme dormir en paz (beca de Ayuda a la Creación del Ministerio de Cultura), Por eso envejecemos tan deprisa, En el fondo y Una noche en Amalfi. Esta última traducida al italiano por Edizioni E/O. Su último libro es El desconcierto.

La manía de entender La obra es un guiño al poema filosófico De rerum natura (siglo I a. C.) que el poeta romano Lucrecio escribe para abordar desde una perspectiva científica el ciclo de la vida y de la muerte, animado por la idea de que el conocimiento es el mejor antídoto contra el miedo. Ambientada en un único lugar y con un grupo reducido de personajes, mi novela funciona como metáfora de un estado vital desde el que explorar el tema de la identidad, la dualidad cuerpo/mente, la inseguridad y el autoengaño. Escribir es siempre tachar, corregir. Muchas veces, como quien esculpe un bloque de piedra, se trata de quitar. En este caso, el propio proceso de escritura se ha convertido en una obra independiente. Dentro y fuera del texto me interesa explorar la mezcla de géneros y de disciplinas, en este sentido, las páginas intervenidas de un primer borrador reflejan ese empeño por analizar, ese intento —tan a menudo frustrado— de ver. La intuición tacha lo que la razón ha ordenado, y es en esa grieta donde acaso pueda atisbarse la verdad. También las anotaciones en los papeles son un juego de claroscuros donde la zona en sombra se intuye, y la obviedad molesta. En definitiva, se trata de encarar esa “manía de entender” sumando al pensamiento analítico una perspectiva más intuitiva y sensorial.

www.begonahuertas.com begonahuertas@hotmail.com IG @begonahuertas

La manía de entender (apuntes y notas)

Proceso y experiencia Llegué a Roma con un primer borrador de la novela que no me servía, pero del que no quería desprenderme sin más. Sentía que me había encorsetado en un molde demasiado rígido, en una narración estereotipada que se quedaba en la superficie de los temas. Como ejercicio literario podía valer, pero mi empeño era ir más allá y comprender realmente por qué había enfocado así el asunto y lo que eso suponía. Nada más llegar, comencé a escribir un segundo borrador, alternando la escritura con hacer mío el espacio de mi habitación, el espacio de la Academia, conocer a los compañeros, recorrer el barrio y la ciudad. Fui a museos, asistí a conciertos, hablé con gente de diferentes disciplinas, paseé mucho. Al cabo de un mes saqué ese primer borrador de la carpeta y me lo quedé mirando. Seleccioné algunas de las páginas que al corregir me habían dado más rabia (tenían frases tachadas con bolígrafo rojo, exclamaciones que se reían de párrafos enteros) y, sobre las escaleras del jardín, las cubrí a brochazos con esmalte sintético negro. De pronto se trastocaba el concepto de lo útil. Páginas que no servían, ahora servían doblemente: por un lado, para saber lo que no quería hacer, por otro, se habían convertido en obra visual, una metáfora de mi empeño —frustrado— por entender. Esto era justo lo que yo venía buscando para mi novela: probar a alejarme del pensamiento analítico, no intelectualizarlo todo y dar más margen a lo sensorial y a la intuición, porque el corsé rígido de “lo que debía ser” no me había funcionado. Este proceso no se habría desarrollado de esta forma si no hubiera estado aquí: en primer lugar, por la avalancha de estímulos, tanto los de monumentos, museos, calles, como los que recibía al abrir mi propio balcón cada mañana, la luz y el color de las paredes de la Academia, el cielo sobre el jardín o las sombras que hacía el sol sobre los papeles de mi mesa de trabajo. En segundo lugar, por la convivencia con artistas de otras disciplinas que me han estimulado con aportaciones utilísimas, desde la sugerencia de probar la parafina con las hojas al préstamo de diferentes tipos de pintura o las referencias de lectura. También la estancia en la Academia me ha permitido conocer obras y autores más allá del campo de la literatura que me sirven como punto de referencia y de estímulo para esta deriva de mi obra: le cancellature de Emilio Isgro o los escritos autocensurados de Concha Jerez. De forma paralela a esta exploración plástica, la escritura de la novela siguió su curso. Pero ya cuando me sentaba frente al ordenador mi disposición era otra. Me resultaba más fácil dejarme llevar, romper el molde rígido de una narración clásica y explorar con líneas más cercanas a la poesía. La novela creo que ha cobrado más peso e interés, porque además se ha establecido dentro de ella un diálogo con ese primer borrador, en un giro que remite al título: esa manía de entender y todo lo que conlleva. Mi escritura ha derivado en lo que podría llamarse una novela expandida y a partir de aquí siento que se abren muchas posibilidades expresivas que me apetece explorar.

La manía de entender (páginas intervenidas del borrador de la novela). Papel Din A4 impreso, bolígrafo, pintura y parafina

JULIA HUETE Orense, 1990. Estudió Bellas Artes en la Facultad de Pontevedra con intercambios en la Universidad de Porto (Portugal) y Guadalajara, Jalisco (México), y máster en Dirección de Arte. Su trabajo ha sido seleccionado en certámenes de arte como Premio Auditorio de Galicia en Santiago o Mostra Gas Natural Fenosa, Novos Valores y ha sido premiada en el Certamen de Artes Plásticas Isaac Díaz Pardo, el de la Diputación de Orense o el Concurso de pintura de la Universidad de Vigo. Ha expuesto de forma colectiva desde el año 2013 en diversas exposiciones en Galicia, en la Kvit Gallery de Copenhagen y en Centro Centro en Madrid.

Nescis, ploras, agis, cav(e)bis (No sabes, lloras, mueves, serás cuidadoso) Trabajo la abstracción en el campo de la pintura y el dibujo utilizando diversas técnicas y medios tratando siempre de comprenderla como lenguaje. Mis piezas se definen por desarrollarse entre procesos y con unos materiales determinados que acaban influyendo en la identidad de la pieza. Me interesa ahondar en cuáles son las características más elementales de cada disciplina para reflexionar con ellas en un sentido estético y cognitivo sobre su propia esencia y sus posibilidades. Así, mis núcleos de preocupación son la capacidad enunciativa de la forma abstracta y las unidades mínimas narrativas y materiales para cuestionar los procedimientos y las posibilidades de la pintura en un contexto contemporáneo. En definitiva, pintura y lenguaje. Desde esta perspectiva de trabajo vengo a Roma con la idea de hacer un ensayo plástico orientado a una relación entre pintura y poesía. Acaba derivando en un cuerpo de trabajo que surge de la observación y análisis de la pintura clásica tratando de detectar elementos esenciales desde una lógica contemporánea (objetualidad, representación…). El título, extraído de la Tábula Lusoria, un juego situado en las termas de Caracalla, es un guiño a diferentes aspectos del proceso creativo presentes especialmente en mi evolución aquí, tales como intuición, deriva o decisión.

IG @julia_huete

Proceso El desarrollo de un proyecto artístico siempre es algo complejo, entre los objetivos previos y las necesidades puntuales se cierne una tensión que apela a la responsabilidad. En el caso de estar en la Academia y más en Roma, esta sensación de responsabilidad aumenta. Por una parte está la confianza que tan consagrada institución ha depositado en uno y, por otro, el incontestable flujo de información que Roma aporta con toda su carga histórica y su identidad de exceso y eternidad ¿qué puede hacer uno en su estudio después de visitar los Caravaggios de San Luigi? Diría que, al menos en mi caso, la respuesta más adecuada ha sido comenzar por un silencio permeable. Entre toda esta vorágine de belleza y recontextualización decidí que lo más adecuado era comenzar por visitas a museos y trabajo de campo en el taller con pruebas y lecturas. Y así fueron los primeros meses. Poco a poco conseguí ir estableciendo un cerco en torno al foco de interés conceptual y a mi propia práctica artística. Después de un periodo guiado por la intuición, lenguaje y pintura están más presentes que nunca en las hipótesis que me planteaba el trabajo realizado. Color, representación, composición, objetualidad, alegoría o materialidad son algunos de los elementos con los que empecé a estrechar el sentido de unas piezas que surgen de una intención sensible. Son decisiones formales que, pese a su autonomía respecto al lenguaje verbal, tienen consecuencias. A fin de cuentas el carácter estético de una obra es (al menos) parte del reto cognitivo que esta plantea. El proceso de deriva y reflexión que me ha proporcionado la estancia en la Academia ha sido tan importante que he decidido orientar el título a ello.

MARÍA MORALEDA Toledo, 1988. Titulada en Restauración de Pintura por la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Madrid y graduada en Historia del Arte por la Universidad Complutense. Entre 2011 y 2013 obtiene la beca de Restauración de Pintura del Museo del Prado y, en 2014, la FormArte del Ministerio de Cultura. También ha trabajado para otras instituciones prestigiosas como Patrimonio Nacional, la Fundación Casa de Alba o Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid. Desde noviembre del 2020 forma parte del taller de restauración del Museo Nacional del Prado. Ha intervenido en importantes restauraciones, entre las que cabe destacar la del Calvario de Van der Weyden de Patrimonio Nacional. Ha colaborado en exposiciones como El griego de Toledo (Museo de Santa Cruz, Toledo), El Hermitage en el Prado (Museo del Prado), De Caravaggio a Bernini (Patrimonio Nacional) y Treasures from the House of Alba (Meadows Museum).

El arte de la restauración en el siglo XIX. Las relaciones entre Italia y España Hacia mediados del siglo XIX y de forma casi simultánea se publican los primeros tratados de restauración pictórica en Italia y en España. El nacimiento de la restauración como disciplina autónoma, separada de la práctica pictórica con fines artísticos, tiene lugar como consecuencia de una gradual especialización, sistematización del trabajo y aplicación de criterios modernos a lo largo de toda la centuria. El proyecto desarrollado consiste en una investigación sobre las relaciones entre España e Italia en el ámbito de la restauración pictórica. El intercambio de ideas y prácticas entre artistas decimonónicos fue constante y directo, lo que sin duda tuvo consecuencias en el ámbito de la restauración. Estos intercambios se produjeron tanto con españoles pensionados en Roma, entre los que destacamos a José de Madrazo y Juan Antonio Ribera, como con italianos que se establecieron en Madrid, como Manuel Napoli y Pedro Kuntz. Los últimos años del siglo XVIII y los primeros del XIX en Europa fueron convulsos debido a las campañas napoleónicas que arrasaron con gran cantidad de patrimonio artístico a modo de trofeos de guerra. Las intervenciones de los franceses, espectaculares e invasivas, en obras emblemáticas del patrimonio italiano y español, levantaron recelos y críticas en ambos países, lo que nos invita a pensar en sensibilidades afines y mucho más respetuosas con la obra original. La implantación de criterios y métodos de trabajo en España parece tener una vinculación directa con procedimientos italianos anteriores, como el uso de barniz de almáciga en el retoque pictórico o el empleo de yeso y cola como estuco para las lagunas, de los que habla Poleró en su tratado de 1853. Con la publicación de los resultados se conseguirá una mayor difusión entre los profesionales de la restauración, así como una contribución a la historia del arte en un campo poco explorado.

mmoraledagamero@gmail.com

Partenza da Roma del terzo convoglio (1797), Marin Baujean Autorretrato (c. 1840), José de Madrazo Arte de la Restauración (1853), Vicente Poleró. Madrid, Imprenta M. A. Gil

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Proceso La investigación desarrollada en la residencia en la Academia de España ha ido perfilándose durante los meses de estancia. La profundización en el tema y el acceso a los archivos de Roma han abierto diferentes vías de investigación, con las que se pretende publicar varios artículos que terminarán por concretarse en España, alguno con un enfoque más específico centrado en uno de los personajes estudiados. La gran cantidad de información manejada y el hecho de que sea un campo no estudiado con anterioridad, confirman que se trata de un tema lo suficientemente amplio y complejo para plantear un estudio de mayor envergadura como tesis doctoral. La documentación e indagaciones obtenidas en estos meses configuran la base de esta investigación y son parte imprescindible del proceso. Por un lado, se ha realizado una revisión historiográfica detallada de la bibliografía italiana dedicada a la restauración pictórica en el siglo XIX, que revela un mayor estudio de la propia historia de la restauración si lo comparamos con el caso español, tanto en cantidad como en especificidad. El objetivo era conocer el contexto italiano en el ámbito de la restauración pictórica, aunque se trata de un panorama muy heterogéneo y de una gran complejidad, sobre todo si ampliamos el estudio a las distintas regiones italianas. También se han revisado las publicaciones españolas que, como ya se ha indicado, están menos estudiadas y pendientes todavía de futuras publicaciones. Por otro lado, se han revisado los estudios sobre los artistas españoles pensionados en Roma en el siglo XIX, principalmente en las primeras décadas, y su incursión en el campo de la restauración pictórica. Hemos tratado de seguir su pista en archivos y demás fuentes primarias como prensa escrita. De igual forma, se ha procedido a estudiar a algunos personajes italianos especialmente interesantes para nuestra investigación, como el restaurador Pietro Palmaroli y su relación con el entorno español en Roma.

Experiencia El paso por la Academia de España en Roma es sin duda una experiencia irrepetible donde confluyen una serie de circunstancias extraordinarias. Al mismo tiempo que tienes la oportunidad de trabajar en un proyecto propio, la convivencia con los otros residentes, más allá de los lazos de amistad creados, supone un aprendizaje constante. Se generan interesantes debates interdisciplinares que abren la mente a otras percepciones y sensibilidades, especialmente enriquecedores al tratarse de un grupo tan heterogéneo, de disciplinas diversas, en distintas etapas vitales y que hemos seguido caminos diferentes. La Academia, como lugar de referencia para la cultura española y europea, acoge a multitud de profesionales que no dudan en compartir su propia experiencia, siempre desde la generosidad y la complicidad. Y todo esto ocurre en Roma, una ciudad que no se puede describir.

Materiales y útiles empleados en la restauración de pintura en el siglo XIX

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MARTA RAMOS-YZQUIERDO Saint-Mandé (Francia), 1975. Curadora independiente, desde 2013 investiga sobre el concepto de trabajo artístico, sus condiciones laborales y percepción social. Ha sido parte del grupo Historias em display (WT) en Brasil, proyecto colaborativo sobre inserciones críticas en las narrativas históricas. Entre sus programas destacan Partir do erro, TRABALHE – FAÇA +, Ícaro Lira: Campo Geral, en São Paulo; La Historia la escriben los vencedores, Felipe Ehrenberg 67//15, After, Depois, Según, en Madrid; Munárriz: Sulla curva chiusa, en Cagliari; The way you read a book…, en Múnich; y Aplicación de las teorías de flujos, con Carlos Amorales y Los Torreznos en Buenos Aires. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Gestión Cultural, Instituto Ortega y Gasset, y curadora del ICI New York (Bogotá, 2013). Después de vivir en Chile, en 2009 se mudó a Brasil, donde dirigió la Baró Galeria. En 2012 y 2013 fue directora de Pivô Arte e Pesquisa, São Paulo. Ha sido responsable de LOOP Barcelona 2017. Es profesora de Prácticas Curatoriales del Máster de Escuela SUR (Universidad Carlos III, Círculo de Bellas Artes). Ha escrito textos para artistas como Marlon de Azambuja, Analivia Cordeiro, Julius Heinemann, Almudena Lobera, Bruno Moreschi, Sara Ramo o Tercerunquinto, y colabora con El Cultural y a-desk.

Trabajar menos/Hacer más La autonomía operaísta italiana formuló una relectura del marxismo abogando, entre otros puntos, por la abolición del trabajo. En 1977 la tensión laboral no solo afectaba a trabajadores, sino también a jóvenes y estudiantes. Este año podría leerse como un final para las utopías del 68, pero, sobre todo, como el inicio de la escalada de incertidumbre y precariedad que caracteriza al capitalismo cognitivo de nuestro tiempo. En este marco, grupos como Indiani Metropolitani, la actividad generada por Radio Alice o las propuestas de los movimientos feministas, buscaron soluciones en el rechazo al trabajo y la apuesta por la diversidad como germen creativo, a través de la ironía y del cuerpo libre y en movimiento. El proyecto curatorial, partiendo del estudio de archivos de este periodo y entrevistas a protagonistas como Pablo Echaurren o Franco “Bifo” Berardi, y un análisis teórico del paradigma del artista como trabajador, propone un debate sobre la práctica artística y su rol social, desde la intersección de teorías filosóficas, poscoloniales y de postrabajo. Para ello, a la investigación se suman varios talleres de trabajo, un seminario y la edición de un ensayo. La agenda de encuentros profesionales con artistas y agentes locales, internacionales y de la propia Academia, propone espacios en los que debatir sobre problemáticas prácticas y conceptuales que atañen al hacer artístico. Cada uno de los tres talleres se desarrolla con un tema sobre el que compartir experiencias en un contexto y con una acción deslocalizadas. Paisajes del trabajo debatió sobre la profesionalización en nuestra cocina industrial, contando con la pieza Garbage Girl (Manteniendo el mundo del arte) 2007, de la residente Estíbaliz Sádaba. El segundo taller tuvo lugar en el espacio independiente No Working, con la colaboración de la curadora Sara Alberani y la diseñadora residente Silvia Fernández. El placer de perderse fue un

www.martaramosyzquierdo.com

Propuesta gráfica del proyecto Trabajar menos. Hacer más, diseñada por Alex Gifreu

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laboratorio que seguía las estrategias empresariales para la mejora de la productividad en el uso del tiempo. El reto fue ceñirse a una planilla temporal, marcada por la pieza sonora El reloj de Los Torreznos, y, sobre todo, finalizar con propuestas para comunicar y explicar mejor el valor de nuestros modos de hacer. El tercer encuentro tiene como escenario la Centrale Montemartini, primera central eléctrica de la ciudad. Actualmente, las esculturas de la racional Atenea y el exaltado Dionisio se recortan sobre las máquinas, sirviendo de punto de arranque para una visita performance a través de la historia y la energía que la mueve, mitológica, eléctrica o digital. El proyecto finaliza su etapa romana con una jornada pública: No estoy trabajando. Estamos haciendo. Sobrepasando las ocho horas laborales, hablamos de cómo acción y deseo, mano y cabeza van a relacionarse e imaginar qué tipo de sociedad queremos. Con este fin, se analizó cómo el concepto de lo laboral y lo económico infiltran prácticas y vidas. Todas las personas participantes son fundamentales para este proyecto, por sus pensamientos y por su generosidad a la hora de compartir conocimiento y experiencia: Josè Angelino & Simone Pappalardo, Alessandro Balteo-Yazbeck, Itziar Barrio, Andrea Canepa, Cabello/Carceller, Pablo Echaurren, Antje Ehmann, Ana Esteve Reig, Esther Ferrer, Jacopo Galimberti, Cristina Garrido, Elisa Giardina Papa, Cesare Pietroiusti y Remedios Zafra. Especular desde el ámbito de lo curatorial supone ceñirse a una rigurosidad histórica, y a la vez abrirse a otras zonas de contacto y del compartir. El apoyo de esta beca ha sido imprescindible para su ejecución, pero además ha proporcionado el contexto propicio para unir referentes e ideas con cuerpos y afectos. Producción, obra y trabajo son palabras que se suceden diariamente en nuestras conversaciones. Nos atraviesan a todos, como confirma la convivencia en Roma. Gracias especialmente a aquellos compañeros que sumaron documentación de sus trabajos en el Open Studios: Taxio Ardanaz, Itziar Barrio, Nicolás Combarro, Lara Dopazo, Silvia Fernández, Pablo Fidalgo, Pedro G. Romero, Begoña Huertas, Julia Huete, Estíbaliz Sádaba, Fernando Sánchez-Cabezudo, Anna Talens y Tono Vizcaíno. Pararnos a reflexionar desde dónde las pensamos nos da la oportunidad de imaginar desde dónde las podemos repensar. El reto será reflejarlo en un ensayo.

Volantino (1977), Carlo Infante. Collage con dibujos de Pablo Echaurren y Andrea Pazienza

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ESTIBALIZ SÁDABA Bilbao, 1963. Artista y doctora en Arte e Investigación (EHU/UPV). Ha recibido numerosas becas, entre las más recientes las de la Academia de España en Roma 2018 y 2016, Fundación BBVA, beca Art i Natura en Farrera (La Panera, Lérida), La Cité International des Arts de París, Fundación Arte y Derecho, Museo Artium y Fundación Bilbaoarte. Recientemente, ha realizado exposiciones en la Fundación BBVA (Madrid), MUSAC (León), Matadero (Madrid), La Panera (Lérida), Tabacalera (Madrid), y también ha presentado sus trabajos en el Museo Nacional Reina Sofía, el MACBA, la Fundació Tàpies, el CDAN (Huesca), entre otros. También ha dirigido diferentes seminarios-talleres sobre prácticas artísticas, activismos, feminismos y teoría queer en Arteleku (San Sebastián), años 1995-1997-2003-2006; Sala Rekalde (Bilbao) 2008; Bizkaia Aretoa-EHU/UPV (Bilbao) 2011; Tabakalera (San Sebastián) 2014. Ha sido editora de diferentes publicaciones tales como Erreakzioa, Joyas y Caprichos, y Series Múltiples. También ha impartido conferencias en diferentes museos, centros de arte y universidades de todo el Estado español.

Subversiones domésticas Este proyecto surge de una reflexión acerca del encierro de la mujer en el espacio doméstico: refugio familiar donde los hombres descansaban tras su “exposición” al espacio público, y donde las mujeres mantenían el cuidado de los niños y el “calor” del hogar. Parto para ello de textos de dos pensadoras feministas italianas de los años setenta, Silvia Federici y Mariarosa Dalla Costa, que me ayudan a mostrar, desde mi práctica basada en el vídeo y la performance, cómo el trabajo de cuidados y mantenimiento realizado en el espacio doméstico es considerado en nuestra sociedad algo marginal, a diferencia de otros que se consideran centrales en la “lucha social” o “política”. Reinterpretar el espacio doméstico, buscando un espacio igualitario que nos permita generar un nuevo modo de sociabilidad. Visibilizar un trabajo invisible: y visibilizar en términos sociales es sacarlo a la luz pública, al “ágora”. Un trabajo que es mucho más que limpiar, cocinar, o tener la casa dispuesta: es también hacer una tarea de mantenimiento psicológico, emocional y sexual para los que sí ganan un salario con su trabajo diario. Buscar cómo subvertir esa reclusión, llevando la lucha fuera de la cocina y del dormitorio, hasta las calles.

estibaliz.sadaba@gmail.com https://vimeo.com/estibalizsadabamurguia

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Proceso Desde un primer momento me propuse en todos mis trabajos el abordaje de lo político a partir de una perspectiva creativa, que no resultara dogmática: es por ello que con las acciones siempre busco proponer preguntas más que respuestas; crear extrañamiento más que certezas; en definitiva, facilitar el diálogo de la espectadora y el espectador con la obra-objeto-acción. Mi práctica artística siempre ha tratado de integrar la teoría y el activismo feminista con la voluntad de crear redes y establecer genealogías, de modo que se generen conexiones y así la obra no quede aislada individualmente. En este proceso desarrollado en Roma mediante imágenes, sonidos, acciones, entrevistas e imágenes de archivo, he tratado de plantear una serie de cuestiones alrededor de un tema que muchas veces resulta invisible, y que socialmente pasa desapercibido: el trabajo doméstico. Los textos y las palabras de Mariarosa Dalla Costa y Silvia Federici, a quienes he tenido la enorme fortuna de entrevistar, acompañan a las performances que desarrollo con algunas de mis colaboradoras habituales: mediante sus cuerpos de mujeres yacentes en el espacio doméstico, y a través de sus acciones, ellas visibilizan un trabajo que normalmente está oculto. Y visibilizar en términos sociales es sacarlo a la luz pública, darle presencia en el ágora. Este contacto con ambas profesoras y activistas, junto con aportaciones como la del archivo de cine familiar de Bolonia (que ha resultado ser una experiencia gratificante y muy provechosa para mi proyecto), son parte de las relaciones que he tenido con el contexto específico romano e italiano; lo cual, dándome un contexto más específico, me ha permitido enmarcar mi proyecto audiovisual en la vida y en la historia de la ciudad.

Experiencia Volver a la Academia, encontrar los mismos espacios con otras y otros residentes inquieta, pero reconozco que ha sido muy fácil residir y trabajar de nuevo aquí. Me gustaría destacar la colaboración de varias compañeras en el desarrollo de mi proyecto personal, así como mi propia implicación a la hora de colaborar y ayudar en los proyectos de otras y otros residentes: esto ha creado un nexo muy importante entre todas nosotras y nosotros. Uno de los acontecimientos que más me gustaría destacar es el Open Studios; fue un momento en el que agentes culturales de museos, centros de arte, comisarios independientes romanos y artistas de otras academias visitaron nuestros estudios y pudimos hablar largo y tendido sobre nuestros proyectos. Fueron días de mucha interacción, intercambio de ideas y de posibles colaboraciones. También otro aspecto bastante importante es la posibilidad de asistir a diferentes acontecimientos culturales que se producen en las otras Academias, y conocer a residentes y artistas de ellas; creo que todo esto dinamizó y enriqueció nuestra estancia en Roma.

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FERNANDO SÁNCHEZ-CABEZUDO Madrid, 1979. Gestor cultural, director, actor y escenógrafo. Vincula su carrera profesional en las artes escénicas con un discurso sociocultural que busca la participación del público en los procesos creativos. Su labor frente a la Sala Kubik en Usera y sus proyectos de creación son un referente en la gestión de espacios de inclusión con el entorno local y la ciudadanía. En 2017 recibe el premio Max a mejor producción privada por Historias de Usera. De 2016 a 2018 es director artístico del año nuevo chino en Madrid y en 2017 director adjunto del Corral de Comedias de Alcalá de Henares. A partir de enero de 2020 entrará como nuevo asesor artístico adjunto a la dirección del Centro Dramático Nacional.

Storywalker Garbatella Storywalker es una experiencia cultural basada en una plataforma web cuyos contenidos son ficciones sonoras geolocalizadas. Las historias contadas por los vecinos del popular barrio romano de Garbatella son el punto de partida de un proceso creativo en la línea de lo que se denomina storytelling. Un paseo en el que escucharemos a través de ficciones sonoras, realizadas por dramaturgos españoles e italianos y con actores locales, las historias del barrio en los lugares donde realmente ocurrieron. Más allá de la historia oficial del barrio, Storywalker pretende construir una intrahistoria creada por los propios vecinos, potenciando su vínculo emotivo e identitario y acercando al resto de la ciudadanía a un nuevo mapa de vivencias y sonidos por descubrir. Las grandes historias viven en lo cotidiano, lo cercano, en las plazas, en los bares, en la gente que nos encontramos por la calle. Una experiencia que toma como punto de origen las artes escénicas y en concreto la herencia del radioteatro y el teatro comunitario y participativo. Además, Storywalker será un espacio virtual de la memoria del barrio en continua actualización, donde los vecinos podrán subir a la plataforma sus propias historias mediante testimonios en audio. También se han realizado junto a Storywalker Garbatella dos proyectos en paralelo: uno en el barrio de Llaranes con el Ayuntamiento de Avilés (Asturias) y otro con el Ayuntamiento de Madrid entre el barrio de Usera y la región china de Qingtian, de donde procede la mayoría de los vecinos de este barrio.

www.storywalker.es IG @story_walker FB Storywalker

Vecinos del barrio de Garbatella

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Experiencia y proceso Este proyecto en Roma ha sido la libertad de explorar, de conocer la ciudad más allá de los límites de los mapas, de la cartografía incompleta que no deja ver las caras ocultas de sus periferias. Entender que caminar es explorar, y explorar es escucha continua. Potenciar el sentido de la escucha, para llegar al corazón del barrio de Garbatella y encontrar, en su esencia, la vida emocional de sus habitantes. En una primera etapa fue fundamental perderse, como forastero recién llegado a una ciudad, y entender el barrio desde lo desconocido, dejándose sorprender y descubriendo los sonidos de su día a día por primera vez. Esos sonidos que por ser parte de una cotidianeidad ya están interiorizados, asumidos y no se les da más importancia. La posibilidad de poder descubrirlos, como si fuera un cazador furtivo de sonidos, y separarlos de su entorno para ubicarlos en el mapa virtual del barrio en el proyecto storywalker.es permitía volver a darles un nuevo valor, un nuevo sentido emotivo íntimamente ligado a la identidad del barrio. En una segunda etapa, entré en el estudio histórico del propio entorno. Un proceso documental vinculado igualmente a la escucha, por un lado de la historia oficial del barrio y por otro de la intrahistoria creada por los propios vecinos con los relatos de sus historias personales. Para llegar a profundizar realmente en esas historias era necesario ser parte de la comunidad, es decir, participar de ella para poder entender y compartir su identidad más allá de su historia oficial y generar una nueva realidad construida conjuntamente. Uno sabe que hace parte de una comunidad cuando al pasear por la calle te paran para saludarte y charlar. En estos meses es raro no pararme cada cuatro pasos para saludar a un vecino de Garbatella y seguir escuchando sus historias de vida. Eso es vivir un barrio, poder escuchar y contar sus historias. Y eso es Storywalker más allá de una plataforma web que geolocaliza audios, es un intento de llevar la esencia más íntima de un barrio mediante relatos, ficciones sonoras y sonidos. Por otro lado, los compañeros becarios han sido cómplices constantes de mi camino hacia las historias del barrio, compartiendo constantes caminatas por los patios interiores de las casas, acercándonos a los sitios más auténticos para charlar con sus vecinos. Dramaturgos como Denise Despeyroux, Alberto Conejero, Pablo Remón, Pablo Fidalgo y los dramaturgos italianos Luca Oldoni y Elena Olivieri, compañera de profesión que me descubrió este barrio, hacen posible este Storywalker. Pero, sin duda, los colaboradores más importantes y sin los que este proyecto no tiene ningún sentido son los hombres y mujeres de Garbatella demostrando una vez más que sus historias, las que viven a diario, son las que importan y definen mejor su barrio.

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BORJA SANTOMÉ Vigo, 1992. Comienza su formación en la Universidad de Bellas Artes de Pontevedra (Galicia), para luego realizar su proyecto final en la Universidad de Kingston, en Londres (Reino Unido). Sus trabajos de animación han estado presentes en exposiciones y festivales de cine en España, Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. En 2015 su primer cortometraje, Historia Cerebro, gana el segundo premio Novos Valores de Artes Plásticas, y es seleccionado en eventos como el S8 Festival Internacional de Cine de La Coruña. En 2016 su segundo cortometraje, Rueda Cabeza, gana el premio Planeta GZ en el Curtocircuito Festival Internacional de Cine y consigue estar presente en el Buenos Aires Festival de Cine Independiente. En 2018 su último cortometraje, El Reloj, gana el premio al mejor cortometraje de animación en el Festival de Cans (Galicia) y es invitado a participar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla entre otros. En 2019 termina su cuarto cortometraje, Joven y Carmen, gracias a una beca de residencia artística en la Real Academia de España en Roma, y es galardonado con la beca FormARTE de Artes Plásticas y Fotografía para realizar su quinta pieza de animación en el Colegio de España en París, a comienzos del año 2020. Actualmente trabaja en su nuevo proyecto de animación gracias a su participación en el Proyecto Ventana, como parte de un programa cultural organizado por la AECID para promocionar a un artista que viva en París (donde reside actualmente).

Joven y Carmen Desde el año 2015 he dedicado mi carrera artística a la pintura y al cine, centrando mi trabajo en proyectos de animación experimental. Me interesa trabajar con la representación de la atmósfera y la narración, tratando cuestiones autobiográficas desde un punto de vista onírico y dislocado. Joven y Carmen habla de un personaje recién llegado a Roma que vive una peripecia trascendental extraña e inconclusa. Este sujeto me servirá como vehículo para captar el espíritu de la ciudad en un relato que habla de lo cotidiano, usando un lenguaje basado en sonidos y experimentación visual. Es una historia de especial relación con la pintura y el paisaje urbano en la que pretendo realizar un estudio sobre la atmósfera de la Roma contemporánea.

www.borjasantome.com

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Proceso Trabajando con el pincel y la cámara, realizo proyectos de animación intentando situarme entre la pintura espontánea y el cine de vanguardia. Me interesa crear tensión entre el relato y los aspectos puramente pictóricos de forma simultánea a la construcción de las escenas, buscando un sentido poético en la estructura narrativa y poniendo especial atención en hablar de los contrastes de la vida urbana. El proceso de animación que utilizo consiste en pintar las imágenes sobre acetato o cristal, utilizando las propiedades de estas superficies para poder borrar y modificar un mismo dibujo y así registrar con la cámara todos los cambios. Desde un principio mi intención fue mezclar el trabajo del pintor con el del cineasta, aplicando conceptos como lo artesanal y la espontaneidad al cine de animación, dejando que los elementos se dibujen unos encima de otros y utilizando el rastro del trabajo manual como un elemento expresivo.

Experiencia Vivir en Roma es algo único. Roma es un lugar sin duda extraño, confuso y lleno de cambios. No conozco otro sitio con unos contrastes tan fabulosos, donde el lunes el sol puede abrasar los templos y el martes ves cómo litros de agua arrasan la ciudad, elevando diez metros el nivel del Tíber. Tan caótico el tráfico como el supermercado, si te pierdes entre sus calles es mejor tomártelo con calma, mejor disfruta del paseo que te ofrece esta ciudad antigua y vieja, con sus edificios indestructibles vestidos con andamios, esculturas pintadas de grafitis, miles de fuentes que recaudan con obediencia, los londinenses sueñan con sus tomates y helados. En definitiva, y aunque el turismo se empeñe, a Italia no es posible quitarle su lado más auténtico, y ese sentimiento se transfiere a todo lo que habita Roma, desde San Pedro a los callejones.

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ANNA TALENS Carcaixent (Valencia), 1978. Vive y trabaja en Berlín. Artista visual y doctora europea summa cum laude en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Cuenta con una formación académica internacional. Ha trabajado como personal investigador en Bauhaus Universität (Weimar), Universität der Künste (Berlín), Australian National University (Canberra) y Central Saint Martin School of Art (Londres). Su obra ha formado parte de diversas exposiciones colectivas e individuales, destacan los proyectos para Gemäldegalerie (Berlín), Sundowner-Neue Nationalgalerie (Berlín), Matadero (Madrid), Macro (Roma), Villa Croce (Génova), Fundación Vila Casas (Barcelona), CCCC (Valencia) y Patio Herreriano (Valladolid). Forma parte además de las colecciones de Bauhaus Universität-Weimar, DKV, IVAM, Olor Visual, Art Situacions, Generalitat Valenciana y Banco Sabadell.

Numen El nombre de este proyecto desinga no solo a la divinidad de la mitología clásica, sino además la idea del poder mágico que hay en el objeto, así como el poder inspirador que mueve al poeta. El artista percibe, encuentra y genera acciones que parecen dialogar con el otro mundo. Visualiza los hechos efímeros, transformando espacios y objetos que hablan de las presencias y de las ausencias junto a las que convivimos en el mundo. Reproduce acontecimientos y genera objetos sagrados, que funcionan a modo de lararium, esa práctica ritual de la antigua vivienda romana que consistía en la construcción de pequeños altares sagrados y cuyo fin era rendir culto a los antepasados realizando ofrendas a los dioses domésticos. Se trata de crear objetos e instalaciones site specific que se basen en la magia del hecho cotidiano y que pongan en práctica los fundamentos del estado presimbólico.

www.annatalens,com talensanna@hotmail.com IG @anna_talens

Sacraria (Vista general de la instalación), Junio de 2019

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Proceso y experiencia He vivido como un eremita acompañado, que baja a la tierra a recolectar y sube al cielo a pensar. Me he dejado llevar por la deriva de la observación, de la intuición y de la imaginación. Y tras la lectura de cada libro, tras cada conversación, he ido asentando conceptualmente mi trabajo. Recolectando objetos en la calle, en el rastro, en las tiendas, visitando museos, ruinas, ciudades, fotografiando acontecimientos efímeros he llenado el estudio 27. La torre con las ventanas de cielo fragmentado. Desde lo alto he vivido en un tiempo sin tiempo, sintiendo que Roma fue Roma antes de ser Roma. Y ella allá abajo, tranquila en la distancia, me ha acompañado en una contemplación casi mística. Aquí he entendido mejor lo que hago. He pensado sobre la construcción del espacio sagrado, he sido consciente de mi forma de tocar las cosas, del ansia que tengo por compartir la belleza del mundo. A veces he sentido que no podía hacer nada que estuviese al nivel de lo que estaba viviendo, incluso he dejado de confiar en los objetos, y me decía: “No sé lo que voy a hacer en este lugar, pero sí sé lo que este lugar está haciendo conmigo”. Y es que aquí he vivido tormentas torrenciales, arcoíris completos, nubes perfectas y cielos de color cobre. He visto entrar la luz de la luna en el equinoccio de primavera, la nieve sobre los Apeninos, la pirámide de Cayo Cestio a contraluz al amanecer, las espaldas de Santa María en Trastevere y el Palatino como una montaña de tierra. He podido respirar en los jardines de Doria Pamphilj. En este lugar la intuición se ha ordenado con una lógica inesperada. He encontrado mi centro, mi punto de fuga, mi razón. He hablado de la ausencia de Dios en público y he propuesto recuperar el culto al sol. Ahora más que nunca siento el arte como un instrumento capaz de convertir lo cotidiano en sagrado, de ofrecer un espacio sacro para el cuerpo y la mente, un momento de consciencia existencial. La experiencia vivida en la Academia ha significado reconocimiento y posibilidad. Ha sido una forma de volver a casa, al Mediterráneo. Aquí he reconocido y admirado la valentía y la búsqueda perseguida por cada uno de mis compañeros, con los que he tenido la suerte de aprender, de pensar y de compartir conocimiento y energía. Ellos han hecho que situaciones cotidianas acabasen siendo momentos de pensamiento común, siendo generosos en el intercambio de ideas. Me llevo lecturas recomendadas y nuevas personas que enriquecen mi vida. Es increíble cómo un cambio de contexto puede ampliar nuestro horizonte y cómo la conciencia de lo pasajero nos incita a una urgencia de vida. Ahora necesito un lugar vacío en el que proyectar todo lo que me llevo. Mis ojos se han acostumbrado tanto a la ruina, que cuando no la siento cerca, la echo de menos. Roma se queda en mí.

Alba mobile. Anna Talens

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MARÍA DEL MAR VILLAFRANCA Granada, 1961. Licenciada y doctora en Historia del Arte (Universidad de Granada). Premio Extraordinario de Doctorado. Profesora de Artes Plásticas y Diseño desde 1986. Directora General del Patronato de la Alhambra y Generalife (2004-2015) y coautora de su Plan Director (2007-2020), que obtuvo el Premio Europa Nostra de la Unión Europea 2010. Comisaria de la Exposición dedicada a Torres Balbás y la Restauración Científica (2013) y coeditora del libro Ensayos. Leopoldo Torres Balbás. Autora de más de un centenar de publicaciones científicas entre libros, artículos y comunicaciones. Pertenece al Grupo de Investigación HUM-1054 PROYECTA. Experiencias en Arquitectura y Paisaje de la Universidad de Granada. Ha participado en diferentes proyectos de investigación nacionales e internacionales. Residente en la Real Academia Española en Roma en 2018-2019. Actualmente forma parte del equipo de Revisión del Plan General de Ordenación Urbana de Granada y es patrona de la Fundación Arquitectura Contemporánea.

Cuaderno de viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 Leopoldo Torres Balbás (1888-1960), arquitecto-conservador de la Alhambra, solicitó y obtuvo una beca de la Junta de Ampliación de Estudios (actualmente CSIC) en 1926 para analizar los métodos y procedimientos empleados en ese momento en la conservación de monumentos en Italia. El proyecto de investigación que he desarrollado tenía como objetivo principal reconstruir ese viaje, el contexto histórico y cultural en el que se produce y elaborar una cartografía, lo más completa posible, de esa experiencia fecunda y fundamental en su trayectoria profesional, hasta ahora poco conocida y valorada. El punto de partida fue la localización de las notas manuscritas que le sirvieron para redactar el informe que justificó la pensión concedida, conservadas en su archivo personal (actualmente en el Archivo de la Alhambra) y el expediente de petición a la Junta de Ampliación de Estudios de la beca para realizar este viaje de estudio, actualmente en los fondos del Archivo de la Residencia de Estudiantes de Madrid. Cuaderno de Viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 quiere ser el relato, en forma de publicación, de ese proceso que representó para el arquitecto madrileño no solo tomar contacto directo con los trabajos de restauración desarrollados en importantes monumentos italianos por personalidades del prestigio de Gustavo Giovannoni, Antonio Muñoz, Alberto Terenzio, Orlando Grosso y Vittorio Spinazzola o tener la posibilidad de conocer al influyente historiador del arte Adolfo Venturi, sino llevar a la práctica, en sus intervenciones en el Conjunto Monumental de la Alhambra y el Generalife, algunas de las ideas y soluciones de mayor audacia de la historia de la restauración del patrimonio en Europa, tal y como defendería algo más tarde el propio arquitecto en el Congreso de Atenas de 1931. El proyecto ha necesitado de la investigación imprescindible en archivos y bibliotecas especializados ubicados en Roma y la realización de varias entrevistas a expertos, tanto en España como en Italia. Asimismo se ha llevado a cabo un trabajo de campo que incluye la realización de una ficha-inventario con los monumentos restaurados en la década de los años veinte del siglo pasado, objeto del interés del viaje del arquitecto madrileño. En este proyecto se plantea profundizar en la naturaleza europea de la cultura del restauro revisando y reinterpretando las aportaciones de Leopoldo Torres Balbás y sus colegas contemporáneos italianos como un patrimonio compartido por ambos países, cuyos paralelismos se han analizado en el contexto de una nueva narrativa de percepción del patrimonio cultural con el objetivo de favorecer la comprensión y el reconocimiento de un legado cultural europeo común cimentado en el proceso de transferencia de ideas estéticas y valores.

Leopoldo Torres Balbás en la Casa del Arquitecto. Alhambra, 1926 (Archivo de la Alhambra)

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Proceso y experiencia El proceso de investigación desarrollado durante los tres meses de estancia en la Real Academia de España en Roma ha tenido dos orientaciones complementarias, de una parte, la localización de documentación en archivos especializados (Archivio dell’Associazione Artistica fra i Cultori di Architettura. Fondo Gustavo Giovannoni) que demuestran los vínculos y relaciones que Leopoldo Torres Balbás mantuvo con sus colegas italianos a través de cartas y publicaciones con dedicatorias de autor, completada en el Archivio Centrale dello Stato para los perfiles de Antonio Muñoz, Alberto Terenzio y Vittorio Spinazzola. Para profundizar en el contexto urbano y territorial de la ciudad de Roma en la segunda década del siglo XX ha resultado imprescindible la consulta de los fondos gráficos del Archivio del Museo di Roma. En él se conserva una completísima colección de imágenes que ponen de manifiesto operaciones de gran impacto para el patrimonio romano como las llevadas a cabo en el Foro de Augusto y el Mercado de Trajano, cuyas excavaciones y demoliciones Torres Balbás visitó y analizó en su viaje en 1926. De otra parte se ha procedido a la consulta, revisión y actualización bibliográfica de las publicaciones de los autores con los que Torres Balbás contactó y se ha sistematizado la bibliografía especializada incorporando un amplio registro de contribuciones que van desde los textos de referencia de la historia de la restauración europea, como las Actas de la Conferencia de Atenas de 1931, a las de los principales especialistas en la vida y obra de las personalidades analizadas. En este sentido, las bibliotecas del ICCROM, de la Facultad de Arquitectura de la Sapienza, y de la Biblioteca di Archeologia e Storia dell’Arte a Roma han resultado ser las más completas en fondos, a las que se han sumado la Biblioteca y el Archivio de la Scuola Normale de la Universidad de Pisa, para el fondo de Adolfo Venturi, la Biblioteca y Archivo de la Real Academia de España y la Fundación Federico Zeri de Bolonia y la Fundación Giorgio Cini de Venecia. El trabajo incorpora documentación fotográfica actual de los monumentos que Torres Balbás visitó y la realización de un audiovisual, grabado entre Granada y Roma, que reúne las entrevistas realizadas a algunos de los principales especialistas en historia de la restauración monumental, tanto españoles como italianos. Compartir, descubrir, aprender, conversar, participar, colaborar, escuchar o debatir son parte de la experiencia vivida como investigadora-residente en la Academia, además de disfrutar de una interesante programación cultural. Se trata de una ocasión única para desarrollar capacidades y enfrentar nuevos retos profesionales en el futuro. Pero todo ello resultaría insuficiente sin el apoyo y respaldo del equipo humano que mantiene el día a día y la actividad cultural de esta institución que trabaja para que todos los residentes la consideremos nuestra casa para siempre. Gracias por hacerlo posible.

mvillafrancaj@gmail.com

Mercado de Trajano antes de su restauración, 1927 (Archivio Museo di Roma) Postales adquiridas por Leopoldo Torres Balbás en Italia en 1926 (Archivo de la Alhambra)

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TONO VIZCAÍNO Valencia, 1985. Licenciado en Historia y doctor en Arqueología por la Universitat de València. Su interés por las culturas del Mediterráneo antiguo le ha llevado a participar en proyectos arqueológicos en Grecia, Italia, Marruecos y España. Ha trabajado en instituciones como el European Research Council, la British School at Athens o el Museu de Prehistòria de València. Desarrolla su actividad profesional en el ámbito de la gestión del patrimonio y en el estudio de los usos del pasado en el presente. Es responsable del proyecto Piedra. Arqueología y cultura de masas y ha publicado distintos libros relacionados con la construcción de la memoria colectiva, como Receptari Extraviat (2016), El barri que vam imaginar (2017) y A la recerca dels orígens (2018).

SPQR now! ¿Qué pintan las iniciales SPQR en las alcantarillas de la ciudad? ¿Y la Loba Capitolina en el escudo de un equipo de fútbol? ¿Qué mueve a la gente a seguir ofrendando flores a Julio César? ¿Acaso un vino con nombre de dios antiguo sabe mejor? ¿Por qué hay legionarios romanos haciéndose selfies con turistas delante del Coliseo? La presencia de la Antigüedad en la Roma del siglo XXI es incontestable. Sus calles y plazas están jalonadas de restos arqueológicos antiguos, reutilizados en épocas posteriores o recuperados en el último siglo para el consumo cultural. En torno a esa herencia material, la sociedad romana ha construido y construye sus propios imaginarios sobre el pasado, alimentados por referentes como el cine, la literatura o el propio turismo. Se modelan, así, unos lenguajes híbridos donde confluyen arqueología y cultura de masas. Lenguajes que acaban expresándose en el escenario urbano. A través del estudio del callejero, la publicidad, el arte urbano, los nombres de los establecimientos, los souvenirs, la arquitectura e incluso los productos de supermercado, el proyecto SPQR now! propone explorar los imaginarios contemporáneos que sobre el mundo romano antiguo se proyectan en la ciudad de Roma.

http://tonovizcaino.com/ http://lawebdepiedra.com/

Soporte para carteles con las iniciales SPQR. Mosaico de la tienda Dolce&Gabbana de Piazza Spagna. Centuriones junto al Coliseo

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Proceso Habitar una ciudad en la que el pasado no solo está, sino que forma parte integrante de la vida de sus habitantes, condicionándola, ha acabado por desbordar los límites iniciales de este proyecto. De un primer planteamiento centrado en la vertiente más estática y tangible de la ciudad, es decir, del attrezzo que compone el escenario urbano, el proyecto ha derivado por inercia en un estudio transversal de los vínculos que construyen los romanos con su pasado antiguo. Esta perspectiva más rica y compleja implica hablar de tangibles e intangibles, de la maquinaria identitaria y sus distintas esferas, pero también de política, de moda, de lengua, de cine, de inmigración, de arte contemporáneo, de gastronomía. En definitiva, de situar y contextualizar el lugar del pasado en el presente. Para abordar esa realidad ha sido necesario manejar distintos tipos de fuentes documentales, desde las de carácter bibliográfico y archivístico hasta el propio espacio urbano y la cultura material del siglo XXI, y recurrir a las técnicas y herramientas de la etnografía, la historia y la arqueología. Lo cierto es que la activación de esa mirada etnográfica, convertida en una suerte de radar de los usos del pasado, ha determinado mi manera de ver, entender y vivir la ciudad.

Experiencia Un proyecto como SPQR now!, que habla de sociedad y memoria colectiva, vive necesariamente de la interacción. Interacción en múltiples direcciones. Con la ciudad, que es el escenario performativo. Con sus habitantes, que son protagonistas de los relatos. Y por descontado con el contexto inmediato en el que sucede la investigación. Así, aunque venía premeditado, SPQR now! tiene el sello de Roma y de la Academia de España. Porque si la ciudad constituye en sí misma un foco de estimulación permanente, acercarse a ella desde la especificidad de la Academia cala profundo a nivel profesional y personal. El lugar, el contraste entre el recogimiento y el encuentro, la extraña sensación de estabilidad y, a la vez, las contradicciones y la desestructuración del proceso investigador y creativo, la cocina como motor, las vistas, las visitas y las excursiones, y sobre todo la convivencia con la gente que habita y trabaja en ella, hacen del paso por la Academia una vivencia única.

Mural en el Mattatoio. Envases de leche con el Coliseo. Escaparate de Max Mara en Via dei Condotti

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RESIDENTES 2019-2020 PROCESSI 147

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José Ramón Ais

Carla Berrocal

Antonio Buchannan

Federico Guzmán

Susanna Inglada

Montse Lasunción

Javier Pividal

Enrique Radigales

Pantxo Ramas

Eduardo Soutullo

Javier Verdugo

Manuel Vilas

Ana Bustelo

Joana Cera

Jorge Cubero

Jana Leo

Jorge Luis Marzo

Irene-Clémentine Ortega

Adolfo Serra

Begoña Soto

Claudio Sotolongo

Ana Zamora

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JOSÉ RAMÓN AIS Bilbao, 1971. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, formación que ha ido complementando con estudios de diseño de jardinería. Su obra puede considerarse como una reflexión y análisis sobre conceptos relacionados con la construcción y representación del paisaje. Está interesado en explorar los vínculos emocionales y los modos en los que se proyectan relatos, ideologías, deseos y utopías sobre la naturaleza. En sus procesos de trabajo se fusionan la fotografía y las técnicas de postproducción de la imagen, el trabajo de campo, la investigación histórica, así como el cultivo y observación de las especies con las cuales trabaja. Ha participado en exposiciones como Tratado de Paz en el Didam de Bayona, comisariada por Pedro G. Romero; Nada temas dice ella en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, comisariada por Rosa Martínez; Natural pas natural en el Frac Corse, PHotoESPAÑA, Azkuna Zentroa en Bilbao o en la exposición individual Parque natural en el Jardín Botánico de Madrid. Ha realizado varias residencias artísticas como Artista por Artista en La Habana o ART OMI en Nueva York.

Arbolado para calles, imperios y paraísos El proyecto consiste en un ensayo fotográfico sobre una posible historia de Roma escrita a partir de su arbolado público. El proyecto analiza las especies arbóreas utilizadas en la ciudad en los diferentes periodos sociopolíticos y culturales por los que ha pasado a lo largo de su historia, estudiando la implicación del paisaje urbano en ámbitos como la representación del poder, la funcionalidad o los recursos ecológicos. En un inicio, el proyecto toma como referencia el censo arbóreo creado por F. Attorre y el Departamento de Biología de la Universidad La Sapienza, y propone un diálogo entre el actual paisaje y su evolución en diferentes momentos históricos. El proyecto se centra en árboles como el Pinus pinea, que debe su masiva presencia al programa planteado por Mussolini para vincular la imagen del régimen con el antiguo Imperio romano y el olmo, Ulmus minor, que nos remite a la práctica agrícola extendida durante el Imperio romano de utilizar el olmo como tutor de la vid y que en la actualidad está en peligro de extinción debido a la grafiosis. Otras especies arbóreas son analizadas, así como la trascendencia del imaginario de la ciudad en la representación del Paisaje ideal difundido gracias a la obra de Claudio de Lorena e inspirado por Roma. El estudio se centra en la utilización de las alineaciones de árboles en la construcción de la imagen y representación de la ciudad, así como sus vínculos con el concepto de monumento.

www.joseramonais.com IG @joseramonais FB @joseramonais

Arbolado para calles, imperios y paraísos (Vera Cruz, 2020). Impresión de pigmentos minerales sobre papel de algodón, 180 x 150 cm

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Proceso y experiencia Arbolado para calles, imperios y paraísos propone una serie de patrones y modelos de alineaciones de árboles que podrían ser trasladados al espacio urbano. Cada alineación es una sucesión de diferentes especies arbóreas significativas en determinados momentos o contextos históricos del devenir de Roma. Estos trazados de árboles forman secuencias, relatos que se narran a medida que se recorre la vía pública. El uso del árbol como eje estructural y narrativo en los relieves de la Columna de Trajano ha sido una de las fuentes de inspiración para esta estrategia de lectura del arbolado en el contexto urbano. El Pinus pinea, que aparece en las calles romanas con el fascismo de Mussolini, es un recurso fundamental para vincular la imagen del régimen con el esplendor de la antigua Roma clásica. La alineación de pinos en Via dei Fori Imperiali y el Coliseo como punto de fuga de la misma, es un ejemplo: una imagen construida con la referencia del Imperio romano. Utilizando el patrón de la prospettiva borrominiana del Palazzo Spada propongo una alineación de pinos con la lógica de esa perspectiva forzada. Los árboles se alinearán según edad y altura, creando la imagen de una avenida desde la alteración de los parámetros espacio-temporales. La visita a museos, iglesias, ruinas, jardines ha sido esencial en la investigación de las diferentes representaciones y usos del árbol a lo largo de la historia romana. Ejemplo de ello es la composición que he creado con los árboles, a partir de las distintas maderas con las que, según el relato de Santa Elena y la Vera Cruz, estuvo construida la cruz de Cristo. La COVID-19 me impidió documentar el brote de la primavera romana, pero también me obligó a redirigir con calma la mirada hacia lo más cercano e inmediato. Reinterpretando el antiguo uso romano del olmo como tutor para la vid, me propuse enlazar una de las vides que crecen en el jardín de la Academia, nuestro maravilloso refugio durante el confinamiento, con uno de los olmos alineados en la Via Garibaldi que la circunda, uno de esos olmos diezmados por la grafiosis. Un gesto que conecta el espacio exterior con el interior poniendo en evidencia su mutua vulnerabilidad. La experiencia en la Real Academia de España en Roma es una gran oportunidad para tener un contacto diario con una ciudad fundamental en la formación y desarrollo de nuestra cultura. Continuaré en el futuro desarrollando muchas de las ideas que han surgido durante este periodo. Ideas que surgen gracias a la avalancha de experiencias, a la historia y al arte que Roma ofrece. La convivencia en la Academia es un fértil intercambio de ideas y puntos de vista.

Arbolado para calles, imperios y paraísos (Vera Cruz, 2020). Impresión de pigmentos minerales sobre papel de algodón, 180 x 150 cm

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CARLA BERROCAL Madrid, 1983. Estudia ilustración y diseño gráfico en la Escuela Arte 10 de Madrid. En 2004, publica su primer cómic y arranca su carrera profesional como ilustradora trabajando para clientes como el New Yorker, Vanity Fair, eldiario.es o El Salto. Desde el año 2016 colabora en el periódico del Ayuntamiento de Madrid M21 Magazine. Como activista, preside la Asociación de Ilustradores de Madrid y fue promotora del colectivo de Autoras de Cómic.

Doña Concha: la rosa y la espina Se trata de un cómic biográfico sobre Concha Piquer que a través de distintas fuentes narrativas busca comprender las circunstancias vitales, históricas y culturales de la artista. Por un lado, Doña Concha es una historieta que recorre la vida de la valenciana desde sus inicios hasta su éxito y, por otro, es una obra documental que entrevista a diversos expertos sobre la copla y su relación con el fascismo, el empoderamiento femenina y lo LGBT. “No hay género chico si la artista es grande”, le decían a Sara Montiel en El último cuplé. La copla siempre ha sido considerada un género menor, mera canción popular, algo mediocre. Y después del franquismo, la cosa no cambió mucho, más bien al revés. La copla simbolizaba la dictadura, lo caduco, la represión y el dolor de una época. Con el tiempo algunos intelectuales se han acercado a ella y han descubierto lo que realmente fue: la música de un pueblo doliente, pero sobre todo la música de las mujeres. Como dice Basilio Martín Patino en Canciones para después de una guerra (1971): “Eran canciones para sobrevivir. Canciones con calor, con ilusiones, con historia, canciones para sobreponerse a la oscuridad, al vacío, al miedo. Eran canciones para (...) ayudarnos en la necesidad de soñar, en el esfuerzo de vivir”. Quizás cabría preguntarse por la elección concreta de la Piquer, explicar por qué ella y no otra. Sin lugar a dudas, del Olimpo de las folclóricas españolas, Concha Piquer sería la reina. Parte de su talento es que no solo cantaba la copla, también la vivía. Pero su aportación va más allá. Le debemos también el haber contemporizado el espectáculo teatral y contribuido a la configuración de la copla, un género que estaba por definirse y que alcanzó su forma final en la posguerra gracias a ella. Arte popular es, también, el cómic. A través de distintas narraciones intercaladas se entremezclan la vida de Concha y las entrevistas a los académicos en viñetas, pretendiendo componer un testimonio de un personaje importantísimo de la cultura popular española en cómic, un medio que, a mi juicio, además de componer grandes historias, puede ser una herramienta de análisis periodístico muy interesante.

www.carlaberrocal.com TW @pintamonas IG @pintamonas

Doña Concha (detalle página 44). Tincha china y rotuladores sobre papel, 42 x 29,7 cm

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Proceso y experiencia El proceso de una novela gráfica es largo y desgastante. La constancia es fundamental. Para acabar un proyecto tan extenso, de más de 140 páginas, hay que encerrarse y trabajar a destajo. Por mi parte no hubo problema, vine a Roma sabiendo que me iba a encerrar desde el primer día. Mi objetivo era intentar acabar en primavera y disfrutar de la ciudad con la llegada del calor, pero la COVID-19 cambió todo. Vivir esta experiencia en la Academia no ha sido la mejor manera de disfrutar de la beca, pero sí de vivir circunstancias históricas en un sitio privilegiado que no solo ha transformado nuestros proyectos, también nos ha transformado como personas. Y es que el confinamiento nos ha enseñado muchas cosas, pero sobre todo nos ha servido para cuidarnos. Creo que en circunstancias tan complejas, que catorce personas (sin contar las sentidas ausencias) compartiendo un mismo espacio hayan generado lazos de hermandad tan profundos demuestra no solo nuestra gran calidad humana, sino también que, efectivamente, el patronato no se equivoca. Desde que acabó el confinamiento intento seguir mirando a Roma como si fuera octubre. Intento fijarme en algún detalle, alguna luz, algo que me relaje. Procuro experimentar la misma sensación que cuando observo el mar, pero en lugar de devolverme los vaivenes de las olas, Roma me regala las campanadas de las iglesias y los graznidos de las gaviotas. Poder mirar desde el Gianicolo este océano de cúpulas me ayuda a recuperar la sensación de estar en un sitio más allá de las paredes de mi estudio. Lo cierto es que ya no es octubre y la COVID-19 ha cambiado también la mirada, mi mirada. Miro Roma de forma distinta. Y con esa mirada, que también construye mi mundo, han cambiado muchas cosas de trabajo. Doña Concha pegó un acelerón los meses de confinamiento y he aprovechado las circunstancias intentando explorar nuevas formas en donde plasmar mi trabajo, como la pintura o el grabado. El encierro me sirvió para trabajar hasta el agotamiento, aprendiendo muchísimo de los compañeros. La verdad es que no sé hacia dónde se dirigirá esto, no sé si acabaré haciendo más pintura o grabado, pero creo que es interesante tener esa curiosidad infantil otra vez, esa ansia creativa que muchas veces nos salva a los artistas, nos saca de nuestra oscuridad y también nos protege. Personalmente, agradezco el haber podido tener energía para exorcizar lo negativo que hemos vivido estos meses y, aunque puede que muchos objetivos no se hayan cumplido, he sacado en claro el papel tan fundamental que tiene la cultura en la salvación del alma.

La espera torera. Ilustración digital, 42 x 29,7 cm

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ANTONIO BUCHANNAN Madrid, 1984. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, realiza el máster en Arte Contemporáneo en la Universidad Europea de Madrid. En el año 2009 comienza su carrera en el diseño de moda dentro de la marca JARABO, con la que desarrolla distintas colecciones con presencia en la MFBW de Madrid, MOVE de Sevilla y Valencia Fashion Week. En el año 2019 funda en Roma su propia marca de moda: Antonio Buchannan. En paralelo desarrolla su obra artística de manera individual y dentro del colectivo Elgatoconmoscas, así como proyectos de educación y mediación en La Casa Encendida o CA2M.

Colina n.º 8 Se trata de una colección de moda que pone un pie en el yacimiento de Testaccio para extender una mirada más amplia a un barrio y a una ciudad contemporáneas en un año convulso. Para ello, las prendas tratan de transmitir, a través del textil, una serie de conceptos como la acumulación, lo oculto, lo que sobra y la información. De igual manera que los restos de ánforas se depositan agolpados, algunas de las piezas de la colección funcionan superponiendo capas de tejido y patrones creando volúmenes. Esta acumulación está presente también en la gráfica de los estampados y en la disposición de diferentes elementos decorativos en las prendas. El propio lenguaje de la indumentaria propone una orografía que establece qué prendas son interiores o exteriores, así como la diversidad de alturas y largos. Cada temporada en moda es un estrato más de prendas en los armarios. Roma es una acumulación de historia, de turistas, de exvotos en las iglesias, de souvenirs en cestas, de estorninos volando en grupo… Pero este año también de vivencias, de mensajes en las aplicaciones, de relaciones y, como novedad, ahora también de contagiados. El monte es una gran funda viva que esconde cosas, las oculta, las camufla. En su interior, encorsetándolo, hay excavados numerosos restaurantes, bares y los primeros clubes clandestinos de la ciudad. Algunas de las piezas del proyecto permanecen latentes y se muestran si se abren o desabrochan, y varios de los estampados se revelan solo en condiciones concretas de luz y calor. Los desperdicios de las ánforas de aceite romano eran depositados en el Monte dei Cocci, que acabó por convertirse en un vertedero. Este carácter de sobra ha acompañado al lugar durante siglos, albergando lejos del centro de la ciudad durante algunos periodos los carnavales o las ottombrate, hasta llegar a los primeros locales gais en el siglo XX. Testaccio ha sido objetivo de pruebas de tiro de cañones y soporte de baterías antiaéreas. Alberga el matadero de la ciudad y será la casquería, la trippa lo que dé fama a la gastronomía del barrio. Varias de las piezas de la colección basan su importancia en el valor de las partes marginales de las prendas: los reversos, los forros, las trabillas, lo que se desecha. Por último, el monte es una acumulación de datos. Los fragmentos de las ánforas y sus tituli picti nos dan información del comercio romano. Las piezas de Colina n.º 8 replican su patronaje más allá de su función en la confección, informan de sí mismas y de sus diferentes partes y usos. Las etiquetas textiles de cuidado y composición se multiplican masivamente y se convierten en elementos principales.

www.antoniobuchannan.com info@antoniobuchannan.com

Testaccio/Sopra Minerva (camisa) (2020), Antonio Buchannan. Fotografía de Adasat Barroso

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Proceso El desarrollo de Colina n.º 8 se ha dividido en varios niveles: en primer lugar, se ha realizado una investigación del propio yacimiento del Testaccio de manera presencial en el lugar, así como en los fondos de las bibliotecas y museos de la ciudad. Por extensión esta investigación se ha realizado también a la historia del barrio y sus vecinos. En este sentido, los meses de trabajo en el proyecto han sido meses de vinculación y de participación en la vida del Rione XX de una manera natural y lejos de cualquier visión antropológica. Testaccio, por lo tanto, ha funcionado como el taller de trabajo y de búsqueda de ideas a casi dos kilómetros de distancia de la Academia. A su vez, el propio contexto geográfico ha permitido ampliar el conocimiento de la realidad de la industria de la moda italiana. Por un lado sus fabricantes y talleres a nivel nacional a través de las ferias de tejidos y búsqueda de proveedores, pero también de los creadores y diseñadores que trabajan en la actualidad. La presente colección y en buena medida las futuras incorporan a su genética algunas miradas, procedimientos e intereses aprendidos en el país. En paralelo, el proceso de diseño de la colección ha aprovechado las experiencias personales y las referencias culturales y sociales de este periodo para traducirlas de manera plástica y material en las piezas. Tanto en la concepción formal de las piezas como en el desarrollo de estampados, investigación y aplicación de materiales y ornamentos. La confección final de las prendas ha estado condicionada, como no podía ser de otra manera, por la alerta sanitaria y sus consecuencias. Tratar de integrar lo absolutamente inesperado al trabajo, depender de restricciones para producir, replantear lo que era seguro y fracasar muchas veces. A principios de marzo, mientras me encontraba puntualmente en Madrid en pleno proceso del proyecto, cerraron las fronteras entre los dos países. La actividad se traslada a 1 400 kilómetros de la Academia. Fabricar en la península ibérica y enviarlo a Italia, como en el siglo primero. Vuelta al punto de partida: el monte Testaccio.

Experiencia Estos meses han sido una excelente oportunidad para replantear el trabajo de diseño desde una perspectiva más serena y no sujeta al ritmo de las temporadas de la industria de la moda. En ese sentido, la residencia ha permitido dedicar tiempo a la investigación de conceptos y a la experimentación con nuevos materiales y procesos. Por otro lado, ha sido enriquecedor a nivel creativo poder intercambiar experiencias con los profesionales que han compartido tiempo con nosotros y especialmente con los propios compañeros de residencia.

Accumulo/Exvotos (vestido) (2020), Antonio Buchannan. Fotografía de Adasat Barroso

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ANA BUSTELO Palencia, 1982. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Vive y trabaja desde Madrid, compaginando la ilustración con la docencia. Su trabajo como ilustradora es versátil: colabora con revistas y editoriales nacionales e internacionales, agencias de comunicación y proyectos de diseño. En este tiempo su trabajo se ha visto reconocido en varios certámenes, entre los que destacan la Feria Infantil del Libro de Bolonia, la bienal portuguesa Ilustrarte, el Festival Iberoamericano de Ilustración, el Golden Pinwheel de Shanghái, Nami Island de Corea del Sur o el anuario de Communication Arts. De manera paralela, desarrolla proyectos personales en los que aborda la ilustración desde una perspectiva más experimental, colaborando con galerías como Casa Kanú en Bogotá, Ó! Galeria en Portugal y La Fábrica en España.

Retablo, altar y amuleto La investigación formal sobre la composición se ha impuesto como uno de los intereses principales de mi trabajo. Mi objetivo es desarrollar composiciones poco convencionales que, por una parte, colaboren de manera activa en la narración y que, por otra, acerquen la ilustración a otras disciplinas visuales. Con el proyecto que estoy realizando en Roma, me cuestiono hasta qué punto la estructura compositiva incide en la narración, tomando como objeto de análisis los retablos italianos. La estructura de los retablos se asemeja a cualquier composición editorial, en la que a partir de una disposición geométrica se construye una retícula que organiza la información. La estructura clásica dividida en calles y encasamentos, posibilita la convivencia de varias capas argumentales y líneas de tiempo en una misma pieza y facilita un relato múltiple, poliédrico y coral. Tanto el cómic como el retablo tienen la capacidad de representar el tiempo del relato en el espacio del soporte. Trabajar partiendo de la estructura me permite utilizar de manera recurrente las mismas imágenes, reubicándolas y resignificándolas a partir de su disposición en el espacio y de unas respecto a otras. Al final, se genera una narración susceptible de recomponerse a partir del juego de asociaciones. El proyecto se materializa en una muestra en la que la relación entre los dibujos y el espacio expositivo adquiere un papel protagonista, y una publicación, en la que pretendo trasladar la fisicidad y tridimensionalidad del retablo al papel, jugando con pliegues y métodos de encuadernación poco convencionales, utilizando los propios recursos del papel (tamaño, formato y corporeidad) como recurso gráfico que colabora en la experiencia de lectura.

hola@anabustelo.es www.anabustelo.es IG @ana_bustelo

Sísifo. Ilustración digital, dimensiones variables 149

Proceso y experiencia A veces las cosas no son como una espera. Obtuve la beca con un proyecto que estaba solo hilvanado, un punto de partida. Me gusta trabajar así las pocas veces que los compromisos profesionales me lo permiten porque me obliga a estar atenta a lo que sucede y a desapegarme de los resultados. Me resulta incómodo y complicado, pero es cuando más aprendo. En este año, considerar el proceso como deriva ha sido alentado incluso desde la propia institución, que nos ha animado a perdernos y nos ha facilitado un espacio de libertad y confianza. Afronto los proyectos personales de una manera muy anárquica, no tengo una metodología, por lo que el proceso ha sido muy atropellado. El calendario que había previsto se descompuso casi al llegar. El proceso creativo es también, o sobre todo, un ejercicio de descarte. Elegir implica necesariamente renunciar a todo lo que no vas a hacer. En Roma he sentido como nunca la imposibilidad de concretar y he dilatado hasta el final la toma de decisiones: los estímulos de la ciudad son arrolladores, estoy acostumbrada a trabajar con tiempos más cortos y necesidades más acotadas. Tanto tiempo buscando libertad para acabar echando de menos el grillete. Estirando hasta el límite el concepto de retícula, la narrativa del proyecto se construye también en torno al módulo de repetición de la experiencia en la Academia: el intento y el fracaso. Con esta premisa encuentro personajes paradigmáticos que funcionan como protagonistas en este relato de autoficción especular: Sísifo, que empuja cada día montaña arriba una piedra que vuelve a caer irremediablemente una vez está en la cima; Penélope, que hace y deshace su labor de manera cíclica; y también el Coyote, el eterno fracasado condenado a perseguir sin éxito al correcaminos. Estos personajes también me sirven para reflexionar sobre la propia concepción del trabajo, el uso productivo del tiempo o el no hacer como posicionamiento político consciente. Y luego, la COVID-19. No quiero obviarlo, porque ha sido importante y lo ha impregnado todo: el proceso, el proyecto, mi relación con la ciudad (con la que vivo y con la que dejé) y con el resto de residentes. Desde lo que afecta de una manera más directa al proyecto (cancelar los viajes previstos para la investigación, la suspensión del Open Studios y las dificultades de producción) hasta aspectos más personales: problemas para concentrarme, reordenar prioridades y responsabilidades, trabajar la empatía y gestionar la pérdida. Para resumir estos nueve meses necesito tiempo y distancia, es pronto para sacar conclusiones. Ha sido una experiencia enorme.

Altar. Técnica mixta, 100 x 70 cm

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JOANA CERA Barcelona, 1965. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, especialidad Escultura, continúa su formación participando en diversos talleres de la QUAM y Arteleku. Residió en ISCP y cursó un intensivo en la New York Film Academy, estuvo en EKWC (Den Bosch) y participó en Estancias Creativas (Albarracín). Ha realizado individuales en la Fundación ”la Caixa”, Fundación Santa María de Albarracín, Museu de l’Empordà, Fundación Suñol, masART Galería, Antonia Puyó, La Caja Blanca o Galería Alegría, entre otras. Ha participado en colectivas en el Centre Arts Santa Mònica, Fundació Joan Miró (Barcelona), CGAC, Metrònom, La Casa Amarilla y Exhibit A gallery de Nueva York, entre los destacados, exponiendo también en Portugal, Italia, Holanda, Francia y Bulgaria. Obtuvo una Ayuda a la Creación de Guipúzcoa 1992, el primer premio en la I Bienal del Casino de Vic 1998, la beca Botín 1999 y una Ajuda de la Generalitat 2000. Ha recibido una mención especial a los premios Ciutat de Barcelona 2012, una mención de honor en el Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals 2017 y uno de los reconocimientos de los Premis ArtsFAD 2019.

Escultura-escritura: conversaciones con Pasquino Mi proyecto de escultura tenía dos vertientes, ambas relacionadas con la escritura. Las esculturas parlantes de Roma y la tabula cerata: tablilla de cera romana para escribir. Las esculturas parlantes tienen su origen en una escultura muy deteriorada del siglo III a. C. encontrada en Roma, apodada Pasquino. Los ciudadanos del 1501 empezaron a utilizarla para colgar en ella escritos contra el poder, en los que se decía lo que se callaban por peligroso; de ella proviene la palabra “pasquín”. La cera de abeja había sido la materia escogida para una instalación previa que realicé en una colectiva organizada por la Fundación Joan Miró de Barcelona sobre las abejas y su problemática situación, titulada Beehave. En la investigación sobre sus usos me topé con la tabula cerata, una motivación perfecta para querer venir a Roma. Pasquino es un tema apasionante, podía dar pie a todo tipo de desarrollos, desde el más político: Conversaciones con Pasquino, al más formal: piedra empapelada de poemas y epigramas, piedra poeta, escultura y voz. El Pasquino de mi proyecto se convirtió en un ser profético que recupera su propia voz para contarle a la artista lo que todavía está oculto o por llegar. Acabé encarnando mi propio tema. Perdí la materia que me habló. Este ha sido un proyecto de escultura que se quedó sin cuerpo y se preguntó si un cuento podía ser entendido como una escultura de voz. En Roma pude reconocer que Pasquino y la tabula cerata hablaban de lo mismo: la necesidad de hacer tabula rasa.

joanacerabernad@gmail.com

Proceso y experiencia En Fin de Año sugerí tocar 13 campanadas. El 13 no es mala suerte, sino la espera de un mundo que tenga la regla. Un día conté el particular toque de campanas que se escucha en la Academia de Roma. Suena así: 3 toques, pausa, 4 toques, pausa, 5 toques, pausa y uno más. Uauuu. 13 campanadas tal como pedí. Puedo intelectualizarlo pero prefiero contarlo de otra manera. A las 12 suena el cañón del Gianicolo. Privilegiados por estar aquí, estuvimos en un convento en un momento de clausura. Quizás nosotros no estábamos preparados para esto, pero la que entonces era nuestra casa estaba diseñada para ello. No sé qué hice para merecer el Estudio 27. ¡Qué habrá que hacer para devolver esta gracia! A mis colaboradores la circunstancia les pidió más esfuerzo o les robó su lugar. Lo siento por Adolf Alcañiz, Silvia Oliveras y Sandra Moneny. No pudo ser. Riccardo Massari sí se acercó a Roma antes y fue maravilloso pensar con él las instalaciones sonoras del site-specific que íbamos a mostrar en el Open Studios que nunca se dio. Especialmente, quiero dar las gracias a Paolo Frunzio, a quien no conocía antes de llegar a Italia, y que fue el único con el que pude seguir trabajando; incondicional, hizo mucho más de lo que yo esperaba. Grazie mille y a Simone Imperatrice también. Muchas cosas quedaron en suspenso, otras no pudieron ser pero están plantadas. Nunca sabremos que habría sido ROMA con Roma, pero en la cocina de esta Academia se recogen perlas. Amor a mis Insieme. Vine por escultura pero aquí mi realidad se hizo virtual, venía a trabajar con piedra, cera y escritos pero acabé haciendo hologramas, proyectando instalaciones sonoras y vídeos. Ahora también soy un personaje de una acción virtual del Teatro holograma. Agradezco a Armando Holzer que se suma a esta aventura con su visión de dramaturgo. La primera escultura que materialicé fue el instrumento de viento que tocó Pasquino: caracola-cuerno. Tronaron juntos para derribar todo tipo de murallas, así anunció Pasquino “el fin de la Historia”. Todo esto antes del coronavirus. Cuando llegó la pandemia parecía que se había cumplido su profecía: “Joana, como se acabe el mundo, no te hablo más”, JR dixit. Pasquino decía haréis tabula rasa pero también que, por fin, empezamos a construir la Tierra Sagrada. Mundos nuevos no nacen en estructuras fosilizadas, siempre surgieron del caos. Pasquino se pulverizó, a partir de ahora restauraremos voz, ventrílocuos NO, percibiremos lo dicho. Escucharemos: ¡Tierra! Agotados ya de navegar a la deriva. Me pidió otra cosa rara y, aquí, acabé cantando la extraña nana del despertar. Mi virtual vino a Roma a resucitar a Pasquino, a rogar para que en esta tierra no se cumplan las profecías del malestar, a plasmar la nueva ley en su cuadernillo de cera. Ojalá Pasquino tenga razón y todo esto solo sea la pesadilla que nos fuerza a despertar.

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El instrumento de Pasquino (2020). Caracola y cuerno, 25 x 42 x 14 cm Instrumento sonoro que tocó Pasquino el 10 de marzo de 2020 para anunciar el fin de ese tiempo. Ese día se inició la “cuenta atrás” del inicio de nuestro nuevo tiempo

a la izquierda arriba: Roma, RAER, estudio 27, 2020 (2020). Mosaico de piedritas sin fijar que se depositan en el suelo realizado con piezas de 1cm cúbico de mármol nero cina y acquabianca. 30 x 30 x 1 cm QR que nos traslada a un VR (realidad virtual de 360 grados). Pieza adaptada para ser vista en el móvil del espectador para que éste pueda ver de manera virtual los 360 grados del estudio 27 que se halla situado en lo alto de una de las torres de la Real Academia de España en Roma, donde acontece una animación virtual: Pasquino recordó quien era en realidad. Archivo digital, duración: 1´18”. Se presenta así, en formato QR, el proyecto que paralizó el COVID: el Teatro Holograma. Su argumento tiene como origen la historia de las esculturas parlantes de Roma. Es una acción escénica interpretada por hologramas: Conversaciones con Pasquino, donde el personaje de Pasquino recupera su propia voz para contarle a la artista que él está a punto de anunciar “el fin de la Historia” y que ella debe ayudarlo ordenando su propio mundo y cantando la nana del despertar.

a la izquierda abajo: Mosaico de teselas no fijadas de piedra negro Bélgica y mármol de Carrara sobre peana de mármol rosa Portugal. 32 x 32 x 7’5 cm QR que nos traslada a un archivo digital sonoro, de la serie el Orden de los Números. Duración 1 minuto

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JORGE CUBERO Madrid, 1996. Graduado en Diseño en la Universidad Complutense de Madrid y Hamburg University of Applied Sciences. Ha desarrollado su carrera profesional como diseñador gráfico en Madrid y Copenhague. Su trabajo se caracteriza por poner en crisis el papel de la tecnología en el proceso del diseño y las relaciones personales, con el fin de establecer una conexión honesta con el usuario. También es fundador de la plataforma de creativos /KLVB/CLUB.

Tipografía/espacio/identidad T/E/I analiza la capacidad de la tipografía de condensar rasgos característicos de la cultura visual de un espacio determinado con el fin de articular una identidad. Este proyecto, desarrollado en torno al confinamiento de la primavera de 2020, crea un diálogo entre dos espacios: la Academia, donde pasamos la etapa de aislamiento, y el espacio digital, al que todos nos vimos obligados a recurrir para sustituir los lugares físicos en los que anteriormente convivíamos. Este diálogo está mediado por una tipografía inspirada en la escritura de la lápida del Templete de Bramante. A partir de la máxima según la cual el ojo lee mejor aquello que está acostumbrado a leer, pondré en crisis esta tipografía romana antigua al adaptarla a la resolución de las primeras pantallas de ordenador de baja resolución para comprender la evolución de la legibilidad en entornos digitales durante las últimas tres décadas. Esta investigación gráfica se materializa en una serie de objetos expositivos que abordan la problemática de la representación física de piezas digitales. En estas obras se presenta cómo la tipografía puede jugar un papel principal en la creación de identidad de espacios digitales con fines espirituales.

jorgecuberob@gmail.com jorgecubero.xyz IG @j.fjk

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Proceso Tras participar en un proyecto en Bari, decidí presentar un proyecto a la Academia relacionado con el sur de Italia, con el fin de poder brindar a esta región una señal del afecto que le profeso. Inicialmente realicé una serie de viajes de investigación con el propósito de desarrollar una tipografía capaz de evocar a la cultura y a la tradición gráfica de Italia meridional. Sin embargo, este proceso guiado por la intuición y lo sensorial se vio truncado cuando se declaró el periodo de cuarentena. Me sentí obligado a aparcarlo temporalmente y centrarme en otros lugares, específicamente el espacio de la Academia. Esto me llevó a realizar una serie de colaboraciones con compañeros que enriquecieron mi visión sobre este espacio e hicieron replantearme mi relación con él. Al mismo tiempo, fue fácil darse cuenta de cómo habíamos cambiado todos los espacios en los que nos desarrollábamos por entornos digitales: en vez de ir a un bar, realizábamos videollamadas; en vez de ir al cine, nos dábamos de alta en plataformas de streaming; en vez de ir de tiendas, comprábamos online, etc. Comencé a realizar bocetos aproximándome al diseño de manera generativa a través de herramientas digitales creadas por mí mismo. La combinación del lugar en el que estábamos confinados y la importancia que tomó el espacio digital cambiaron rotundamente mi proyecto. De todas maneras, siempre se han manteniendo los tres mismos pilares: tipografía, espacio e identidad.

Experiencia He descubierto una serie de cosas que me han marcado especialmente durante estos meses, como el step de BellaGamba, los broccoletti, los prodotti per capelli Noah, las posibilidades de Massimo Perimetro, la parada número 3 del Via Crucis, la crianza de las gaviotas, la Via dei Fori Imperiali desierta, un atardecer en Tropea, el helado de zabaione, las señales luminosas de los autobuses de Catania, Marcellino del Calisto, lo realmente increíbles que son los colores de Raffaello, el Hugo, la piedra de Matera o comerme una pizza después de ir a Bricoman.

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FEDERICO GUZMÁN Sevilla, 1964. Artista. Entiende el arte como una práctica libre que abraza la sensibilidad y la acción consciente de la naturaleza. Aborda la pintura desde una perspectiva holística del proceso estético, practicando el arte como juego, como activismo y como forma de autodescubrimiento. Algunos proyectos recientes han sido Perséfone sin velo (Galería Juana de Aizpuru, Madrid); Al borde del mundo (IVAM, Valencia); Tuiza: las culturas de la jaima (Palacio de Cristal del Parque del Retiro, MNCARS, Madrid) y La canción del tomaco (MEIAC, Badajoz).

Las musas salvajes La propuesta consiste en una serie pictórica que explora mi relación con los misterios de la inspiración de la mano del mito y la imaginación. La indagación se sumerge en los orígenes indígenas de nuestra cultura en busca de sabiduría y contempla tres capítulos. El primero trata sobre la iniciación y el segundo sobre la transformación. La tercera parte aborda la conciencia energética que anima toda forma de vida y que podemos denominar una “espiritualidad de la tierra”. Me propongo seguir los rastros de un ideal estético anterior a nuestros postulados clásicos del arte. Como explican algunos historiadores, el arte se originó en una experiencia mágica que se vivía en ceremonias religiosas populares en honor a la diosa Luna, Madre Tierra o la Musa. Se trataba de un arte cotidiano, ritual, extático, comunal y procesual. El mito de las Musas y Apolo se refiere a la revolución prehistórica que rompió el equilibrio entre los principios femenino y masculino, específicamente la supresión del matriarcado por el patriarcado. La historia explica cómo el mito originario de la diosa Madre que abarcaba el Mediterráneo se perdió con las invasiones arias. Las divinidades masculinas fueron desplazando el papel de la diosa por la necesidad de situarlo en el nuevo contexto de la evolución de la conciencia humana. Ahora, cuando hemos desacralizado la naturaleza y somos incapaces de contemplar la vida como una unidad viviente, quizá se haga necesario conocer a fondo cuál es la naturaleza de la antigua diosa Madre, para comprender mejor las implicaciones que ha supuesto su pérdida para el ser humano. Veo el conocimiento de la tradición matriarcal como una conexión con la emergencia de movimientos contemporáneos que ponen la vida en el centro de la transformación ecológica y social, y que pueden apoyarse en cosmovisiones alternativas, liberando un potencial de significados transformadores para el arte y la sociedad.

IG @ficoman

Proceso Llegar a Roma ha sido una bofetada de humildad. Verme inmerso en la riqueza histórica de este lugar me ha impresionado, me ha conmovido y ha puesto patas arriba mis previsiones. Además, venir a Roma a explorar el arte antiguo puede resultar apabullante si no se toma la experiencia como un juego de acercamiento y distanciamiento. Mi proyecto invoca a las musas en busca de inspiración pictórica. Y, concretamente, parte de la afirmación de Homero en La Ilíada de que, en un momento de nuestro pasado remoto, el dios Apolo domesticó a las musas. Si el arte es una manifestación de la estructura social en la que emerge, mi arte no puede ser otro que el síntoma de una sociedad desconectada de sí misma, que ha perdido la inspiración divina y el contexto de lo sagrado. Por tanto, mi trabajo aquí no ha consistido solo en conocer el arte y los mitos arcaicos. Ha sido sobre todo una indagación interior y un intento de entenderme en el contexto de un universo mayor. He intentado rendirme a la experiencia del proceso, dejar que ocurra, e intentar no controlarlo mentalmente. El secreto que he aprendido es que el proceso de realizar nuestra obra no es algo que tengamos que sobrellevar, sino aquello donde el verdadero sentido está esperando a que lo descubramos. Cualquier búsqueda artística es infinita por su propia naturaleza. La forma artística es siempre más grande que nuestra habilidad o nivel técnico. El reconocimiento de esta certeza puede servir como un despertar, la comprensión liberadora de que nunca alcanzaremos el final de nuestro devenir artístico. Recorriendo el camino construimos una relación con el espíritu del arte que continuamente revela nuevos secretos, a medida que se expande nuestra capacidad para entenderlo.

Experiencia Trabajar en el estudio de la Academia ha sido maravilloso. El enorme ventanal que da al jardín inunda de luz el espacio que se dispersa en el canto de gaviotas y papagallos. Con la imprevisible llegada de la siniestra pandemia nos hemos visto paradójicamente confinados en un espacio de libertad. Hemos apreciado cuán preciosa y frágil es la vida. Hemos experimentado momentos de gratitud hacia las cosas más cotidianas: la ciudad, las flores de la primavera, la comida buena o la voz de un ser querido por teléfono. Tenernos los unos a los otros ha sido fundamental, no solo en la vida diaria en la Academia, sino en la elaboración de proyectos colaborativos. Como el animado taller de pancartas organizado por Susanna, el viacrucis iniciático con José Ramón y Ana, la mágica colaboración con Joana y el diálogo creativo con todas. Gracias por vuestro cariño y complicidad.

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De izquierda a derecha: 1. Baubo (detalle). Acrílico sobre lienzo, 210 x 210 cm; 2. Persefoneia. Óleo sobre lienzo, 195 x 315 cm; 3. Granada de paz. Óleo sobre lienzo, 195 x 315 cm; 4. Museion. Collage digital; 5. #todoirábien. Acrílico sobre lienzo, 195 x 315 cm; 6. Cuánto mide la costa de Sicilia? Dibujo digital; 7. La iniciación. Óleo sobre lienzo, 195 x 315 cm

8. Luna subterránea. Óleo sobre cartón, 70 x 100 cm; 9. Musas salvajes. Rotulador sobre papel, 22 x 30 cm; 10. El universo. Acrílico sobre lienzo, 195 x 315 cm; 11. La danza de la vida. Óleo sobre lienzo, 195 x 315 cm; 12. Eros y Psyché. Óleo sobre lienzo, 180 x 150 cm

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SUSANNA INGLADA Banyeres del Penedès (Tarragona), 1983. Vive en Países Bajos. Se forma en la Universidad de Barcelona (Erasmus Willem Kooning, Países Bajos), maestría Frank Mohr Institute (Países Bajos), residente HISK 2017-18 (Bélgica), Halle 14 Spinnerei (Alemania), Kunst and Complex (Países Bajos), La Embajada Ciudad de México (Mexico DF), Frans Masarell (Bélgica), 18th Street L.A. (EE UU) y DordtYart (Países Bajos). 2.º premio Guasch Couranty, Premio Generación 2019, nominada al George Verberg Grant 2013 y Premio Scheffer (Países Bajos). Actualmente está entre los tres finalistas para el premio YGA III Groningen Museum (Países Bajos). Entre las residencias y premios recibidos, destacan: Solo Museo Dordrecht (Países Bajos), Generaciones’19 La Casa Encendida (España), Ojos de Oro Museo Folkwang (Alemania), Vreemde Gewontes Kunsthal Rotterdam (Países Bajos), Drawing Now (Francia), Soft Elements of Some Violent Tendencies ExtraCity (Bélgica), The Power of Drawing, Centraal Musem (Países Bajos), Maelström Arti et Amicitiae (Países Bajos), Drawing Front Drawing Centre (Países Bajos), Museo TenBogaerde (Bélgica).

Dibujo expandido Temas centrales en mi trabajo son: estructuras de poder, género, violencia, injusticia social y condición humana. Me interesa comprender a partir del dibujo, la historia más reciente y la actualidad en España y en las sociedades occidentales. Roma dos capítulos, mi experiencia en la Academia: 1. Orígenes del patriarcado. Me sorprendieron tantas violaciones de mujeres representadas en las artes (por ejemplo violación de Proserpina, Apolo y Dafne de Bernini o la pintura bíblica de Susana y los viejos…). ___________________________ Me centré en revisar las representaciones de la historia bíblica de Susana y los viejos. Encontré que el cuerpo femenino ha sido representado por la mayoría de artistas masculinos de dos maneras diferentes: como virgen o como víctima. En la representación de Judith y Holofernes el juego de poderes se gira y la mujer gana, como venganza. En la historia ha habido diferentes formas de representar el poder, la violación y la mujer. Mujeres artistas han tomado posición con respecto a la contrarrepresentación de la mujer (Kiki Smith, Kara Walker...). ¿Cómo se ha representado la figura femenina a lo largo de la historia? ¿Cómo he representado la figura femenina en mi trabajo? ¿Cuál es mi posición al respecto? ¿Cómo cuestionar el poder con el arte? Este proyecto se inicia en Roma y sigue en un proyecto para un museo holandés. 2. Llegó la COVID-19 y no pude hacer esta parte de la investigación. Recién llegada a la ciudad me tuve que encerrar en mi estudio. Decidí hacer una investigación a nivel formal en diferentes técnicas, como son la animación y la impresión gráfica. Trabajé en torno a lo que estaba pasando. Un dibujo al día. Trabajar con animación el fin de semana, alternando con el linóleo. Me pasé casi tres meses sin poder salir. Trabajando en mi estudio. El último mes lo pasé visitando y terminando de la manera que quería empezar.

www.susannainglada.com

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MONTSE LASUNCIÓN Canet de Mar (Barcelona) 1977. Licenciada en Historia del Arte y diplomada en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, profesión que viene realizando desde hace algunos años. Actualmente está cursando un máster en Diagnóstico sobre el Estado de Conservación del Patrimonio Histórico. En Cataluña ha trabajado en proyectos de restauración adquiriendo experiencia en diferentes especialidades: escultura policromada, pintura mural y revestimientos arquitectónicos, entre otros. En Italia ha vivido y trabajado durante algunos años, con sede en Roma y pasando periodos en otras ciudades como Milán y Pompeya. Desde Roma también ha realizado incursiones a Lyon, desarrollando trabajos de conservación y restauración en la catedral y otros monumentos de la ciudad. En 2016 vuelve a España, esta vez a Santiago de Compostela, para unirse al equipo de restauración del Pórtico de la Gloria. En 2018 se mueve a Portugal y participa en proyectos de restauración en algunas ciudades como Braga y Lisboa, ciudad donde reside hasta que otro proyecto la lleve a otro lugar.

Técnicas de vaciado sobre grandes formatos en el siglo XIX Durante el siglo XIX se reprodujeron monumentos por todo el mundo cuyas copias se exhibían en exposiciones universales y en museos públicos, que se gestan en ese momento, junto a los llamados museos de reproducciones. En una sola sala, escala 1:1, se podían admirar magníficos ejemplares de arquitectura gótica francesa; mezquitas y stupas de la India; fragmentos de los templos camboyanos de Angkor Wat o emblemáticos monumentos de la Roma clásica, como la Columna Trajana o el Arco de Tito. Antes que con fotografías, el patrimonio mundial se difundió en 3D a partir de copias en yeso. La realización de moldes, de los que se obtiene una copia, requiere mucha pericia y un profundo conocimiento de las técnicas y materiales utilizados. Si el modelo es un monumento o escultura, es preciso extrema cautela para no dañar al modelo con manchas, incisiones o roturas. Antes de la aparición de los elastómeros sintéticos se utilizaron un sinfín de materiales para recoger la impronta: yeso, arcilla, cera, pan, papel, colas, etc. Me centro en el estudio de materiales y procedimientos que se utilizaron en esas operaciones, realizadas in situ, con presteza y en circunstancias precarias. Pretendo catalogar algunas de estas prácticas, casi totalmente olvidadas, así como abrir nuevas líneas de investigación científica para su identificación y caracterización, con el desarrollo de un protocolo de evaluación de las consecuencias que estos procesos han podido causar sobre el patrimonio.

Copias en yeso del Pórtico de la Gloria y de la Columna Trajana, producto de operaciones de vaciado realizadas en el siglo XIX. © Victoria and Albert Museum, Londres, 2018; Realización de moldes sobre el tímpano de la iglesia de la abadía de Saint-Pierre, en Bauilieu-sur –Dordogne. © Cité de l’architecture et du patrimoine/Musée des Monuments français; Fotografía del libro Modeling and Sculpture, de Albert Toft (Londres, Seeley and Co. Limited, 1911) 169

Proceso Puesto que de Italia provenían muchos de los artesanos que realizaban estos trabajos, y que acabaron estableciéndose por toda Europa, los procedimientos italianos llegaron a otros países. En Roma, ya desde el siglo XVIII se venían realizando moldes sobre monumentos y esculturas de manera intensa. Por todo ello, me he centrado en fuentes primarias de carácter oficial encontradas en archivos: instancias, permisos y normativas, de los que he obtenido información muy valiosa sobre los materiales utilizados, restricciones y prohibiciones que establecieron las autoridades para la salvaguarda de los monumentos. Asimismo, he podido conocer los nombres de algunos de los protagonistas e instituciones que solicitaban realizar procesos de moldeo sobre algunas obras de la ciudad. He contrastado estos datos con la información recabada en manuales de la época, en los que se recogen recetas y procedimientos, descubriendo y analizando ediciones y comparando las formas de proceder francesas, inglesas e italianas. Era usual que los mismos artesanos realizaran reproducciones de anatomías y naturalezas muertas, ambas prácticas muy usuales en el siglo XIX, con conexiones interesantes con las técnicas usadas sobre monumentos, así que también me interesan ese tipo de copias. Estoy testando algunos materiales, siguiendo las recetas de dichos manuales, realizando moldes con diferentes materias y reproducciones en yeso que me sirven para el diseño de una propuesta de ensayo de laboratorio, con probetas que serán analizadas bajo microscopía electrónica, otras técnicas analíticas y test de envejecimiento acelerado.

Experiencia Para mi trabajo supone otra etapa de un proceso que ya había comenzado. Este periodo romano me abre nuevas vías de investigación sugerentes. Es una invitación a seguir con ello. Al escuchar, compartir y curiosear a los demás me han llegado interferencias altamente estimulantes, brindándome ideas para materializar y visualizar mi trabajo. Es una invitación a reinventarse. Además, he tenido tiempo de revivir Roma de la mano de otras miradas, siempre muy reconfortantes.

Taller de Hiram Powers, Mold of a Child’s Hand, 1840-1850, yeso. Colección del Smithsonian American Art Museum, Washington, DC (1968.155.173A-F). Del artículo de Katherine Fein, “The sense of Nearness”: Harriet Hosmer’s Clasped Hands and the Materials and Bodies of Nineteenth-Century Live Casting. Práctica experimental: realización de moldes de gelatina según los tratados del siglo XIX (cola de conejo con glicerina). Reproducciones en yeso con técnicas y materiales usados en el siglo XIX

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JANA LEO Madrid, 1965. Doctora en Filosofía y Letras, máster en Teoría del Arte y Estética por la Universidad Autónoma de Madrid y máster en Arquitectura por SOA, Princeton. Es autora de El viaje sin distancia (Cendeac, 2004) y de Violación Nueva York (Lince, 2011). Fue profesora de Proyectos y de Conceptos Avanzados en Arte y Arquitectura en la Universidad Cooper Union en Nueva York durante siete años. Ha expuesto, entre otros, en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en ARCO y MNCARS en Madrid. Leo hace análisis de sistemas. Su obra enseña el funcionamiento del patrón y su impacto en los individuos. Documenta, con imágenes y textos, el estado emocional que corre paralelo a los hechos. En 2008, creó la Fundación MoSis, Modelos y Sistemas; Arte y Ciudad.

Retratos de la postideología, la relación de confianza entre el individuo y el Estado Un mundo en el que la utopía se ha hecho realidad: la corrupción no es un elemento del poder. El sexismo no es parte de la cultura. El activismo no es una estrategia de marketing. Los políticos pasan desapercibidos en vez de ser noticia. Los trámites burocráticos son cortos y simples. La vida es real, no un simple tecnicismo. Un paseo por la distopía efectiva: en la vida diaria los trámites interminables rayan el absurdo, es la violencia del procedimiento. Cuanto más pobre uno es, la presencia y efecto de la burocracia es mayor. En la película Oficina una funcionaria habla (https://vimeo.com/394046812). El Burócrata es un robot que manipula documentos (https://vimeo.com/470594184). El exceso de burocracia es un síntoma de la falta de confianza entre el individuo y el Estado. Pero hay otra forma más letal en la que se distorsiona la relación ciudadano/ gobierno: la negligencia. El vídeo 154 Bofetadas (https://vimeo.com/394046978) puede ser una ilustración de lo que cada uno de los políticos que no tomaron medidas para prevenir la expansión del coronavirus debería hacerse a sí mismo después de su dimisión. Frente a la oficina de inmigración, como fantasmas en la noche, los inmigrantes hacen cola para el pasaporte o el visado: La cola de inmigración (https://vimeo.com/402682957). Se asume como natural una forma de vida que por su grado de alienación es intolerable. El Estado, que es paternalista en el asistir, incapacita y resta más que da. En Corviale la arquitectura es magnífica y las vistas son espectaculares; pero la gestión y los servicios son inexistentes para los miles de personas del edificio de un kilómetro que quiere demostrar que la vivienda social es un fracaso. En el “Villaggio della Solidarietà”, en Via di Salone, no hay arquitectura ni paisaje. El Estado destruyó las casas singulares que los gitanos se habían hecho y los trasladó a contenedores en medio de la nada. Iban a ser seis meses pero llevan once años en cajas de lata. La vida no es un mero trámite (https://vimeo.com/413992438). Extracto de las películas en inglés: (https://vimeo.com/496285854) janaleo.com independent.academia.edu/JanaLeo fundacionmosis.com

Proceso Inspirada por Maquiavelo (si el gobierno es demasiado duro los gobernados se rebelan, si estos son demasiado sumisos la corrupción del gobierno es rampante...), mi intención es rastrear, a través de una herramienta del Estado (la burocracia) su paternalismo y populismo. Visito oficinas públicas, como el registro civil y empiezo a fotografiar de incógnito sus espacios y a leer las reseñas de los usuarios en la web. Intento hacer entrevistas, pero nadie quiere hablar sobre la burocracia en Italia. Peter Eisenman decía que la gente se convence de que todo va bien. Saben que no es así, pero reconocer que algo está podrido no es un paso adelante sino un golpe en su autoestima. Mi estancia en Roma tiene un antes y un después: el grupo Stalker. El hecho de que para los residentes “normales” de Roma, la burocracia no parezca ser un problema me lleva a indagar si lo es para los “excepcionales”. Llego así a la funcionaria que quiere trabajar más, a la cola de inmigración en la madrugada para renovar el pasaporte y a los campos de gitanos que, por una cuestión burocrática, un programa municipal, lo son de contención: contenedores y verjas. En marzo estalla la crisis del coronavirus. Vivo el confinamiento por la pandemia en Roma a través de Sabrina Sejdovic, quien desde el campo nomadi Via di Salone me cuenta por WhatsApp su día a día (cierran Cáritas / dos días sin comer / el abogado amigo de Pantxo le intenta ayudar / los días con fiebre / reabren Cáritas). Dibuja con sus hijos que no van al colegio. Recorro los armarios de su cocina, que ya conocía por la película que hice con ella (Salone, una vida de contenedor)... un paquete de espaguetis, una bolsa de lentejas y otra de arroz. Nada más, no hay naranjas, tomates, queso, etc. “Se va pa’lante, Jana, se va pa’lante”, me dice los días buenos. “Estoy embarazada, no hay trabajo, no hay comida, todos en el campo estamos igual”, me dice los malos. Dejamos de hablar a diario cuando el confinamiento se relaja y ella sale a buscarse la vida

Experiencia En noviembre llego a Roma, una ciudad fácil para el visitante, pero difícil para el artista/activista. Aun así tengo estudio, equipo y compañeros. Tras dos meses de estancia en un entorno estable, ocupándome solo de mis ideas y de ser, llego a un estado visionario. Empiezo a crear. Así nace 154 Bofetadas. No es un momento feliz pero sí intenso. Por circunstancias aleatorias, me llega, como una bofetada, un recordatorio de uno de los límites: la vejez. Formar parte de la Academia con un proyecto sobre la relación entre el individuo y el Estado es ya una posición crítica, y mi vida cotidiana es un ejercicio de modificar la definición de una residencia de artista. Mi actitud ante la estancia no es la de aprovechar para divertirme, relajarme y hacer contactos. Con mi vivir allí moldeo la institución. Ser es la mayor fuerza de transformación. El tema, relación entre el individuo y el Estado, era importante en su momento, pero resultó crucial en el año 2020 y 2021 con la COVID-19. El entendimiento del control de la pandemia como una forma de cortar la libertad por Trump en Estados Unidos o por Ayuso, en la Comunidad de Madrid, es un ejemplo de ello. Muchos han muerto, yo registraré los fallos de los políticos y la falta de confianza entre el individuo y el Estado. 173

Oficina pública (Roma, enero de 2020). Fotografía, 80 x 100 cm Sabrina y Valeria con las fotos de sus casas que el ayuntamiento destruyó (Roma, febrero de 2020). Fotografía, 80 x 100 cm

“Villaggio della Solidarietà”, campo nómada Via di Salone (Roma, enero de 2020). Fotografía, 80 x 100 cm El peligro de la inocencia (Roma, diciembre 2019). Tela bordada, 100 x 120 cm 175

JORGE LUIS MARZO Barcelona, 1964. Es historiador del arte, doctor en Estudios Culturales, comisario de exposiciones, realizador audiovisual, profesor titular de BAU Centro Universitario de Diseño de Barcelona y miembro del Grupo de Investigación GREDITS. Desde finales de los años ochenta ha desarrollado numerosos proyectos nacionales e internacionales de investigación, en formato expositivo, audiovisual o editorial, a menudo en relación con las políticas de la imagen. Los más recientes son: Actuar en la emergencia. Repensar la agencia del diseño durante (y después) de la COVID-19 (RAER, GREDITS, BAU, UNIKORE, AASD, Università Federico II, Hangar, ISIA, 2021-2023); Las videntes. Imágenes en la era de la predicción (Arcadia, 2021); Fantasma’77. Iconoclastia española (Tecla Sala, Roca Umbert, Centre del Carme, Casal Solleric, 2020; con Matteo Guidi y Rebecca Mutell); Iconografía post-millenial (Morsa, 2019); La competencia de lo falso. Una historia del fake (Cátedra, 2018); Espectros (Virreina, 2017); Fake. No es verdad, no es mentira (IVAM, 2016); Interface Politics (BAU, 2016, 2018); Arte en España (1939-2015). Ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015; con Patricia Mayayo).

Oficina de adivinos. La cultura de la predicción En la estela de una serie de trabajos previos dedicados a la inteligencia artificial y a su impacto en determinados imaginarios y órdenes lingüísticos sociales, el motivo de la residencia fue elaborar un libro que trazara una genealogía del actual régimen matemático de predicciones. El objetivo consistió en exponer tanto el motor que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de los oráculos a la hora de juzgar todo lo existente, en especial el comportamiento humano, como el hecho de que los sistemas de algoritmos están aprendiendo muy rápido a ver imágenes, a escribirlas y con ello a pronosticar el mundo casi exclusivamente a través de ellas. Mi perspectiva es la de un historiador del arte, lo que conlleva una mirada algo singular, dado que ya no nos dedicamos solamente a tratar con las imágenes artísticas, sino que ahora nos ocupamos de todas las imágenes. El proyecto pretendía, pues, ver el papel de estas, tanto las artísticas como las científicas, en el transcurso de este proceso, cuyo análisis se propone a partir de ciertos vericuetos que iluminen los nudos históricos con los que, poco a poco, fue atándose la verdad predictiva, una única forma de describir el mundo obsesionada por saberlo todo y por cancelar toda forma de incertidumbre y serendipia. El resultado de la beca es el libro Las videntes. Imágenes en la era de la predicción, publicado por la editorial Arcadia, en Barcelona, en marzo de 2021.

www.soymenos.net orcid.org Jorge Luis Marzo

El autor junto a Wilson (Roma, abril de 2020)

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Proceso La idea era redactar un libro —en parte, animado por la oferta de una editorial— en el que trazar una genealogía de la función de las imágenes en las ciencias dedicadas al pronóstico y la predicción. La razón de acudir a Roma fue explorar documentalmente algunas partes de ese proceso. Desde el Renacimiento hasta los inicios del siglo XX, una gran parte de la intelligentsia italiana fue influenciada por las teorías fisionómicas clásicas, que juzgaban la personalidad a través de los rasgos anatómicos, adoptando un tipo de representación de las emociones y los gestos que acabó siendo adoptado por la naciente “física social” del siglo XIX. La antropometría y la antropología criminal y psiquiátrica pusieron las bases para augurar el comportamiento humano, a partir del estudio y comparación morfológica, y del uso intensivo del nuevo medio fotográfico. Hoy denominamos a esas técnicas como biométricas, y constituyen el eje del actual régimen predictivo. El confinamiento a causa de la pandemia truncó todas las consultas, y hubo que echar mano de archivos online. Las consultas de carácter técnico con ingenieros y artistas de software se desarrollaron sin mayores problemas de modo telemático. Todo el plan restante se fue al garete. Solo quedó sentarse y escribir junto a un jardín lleno de pajaritos, amenizado con sesiones de aeróbic (que llamamos Bella Gamba, magníficamente coreografiadas por Ana Bustelo y Joserra Ais), salidas al supermercado y caballitos de tequila. El día 16 de abril escribí la última línea de 176 páginas. El 15 de mayo logré encontrar un vuelo triangulado que me devolvió a Barcelona. El 1 de septiembre entregué el manuscrito definitivo a la editorial.

Experiencia Llegué a la Academia para trabajar tres meses, entre el primero de febrero y el último día de abril. El 4 de marzo se cerró todo y nos quedamos confinados en el recinto, una suerte de jaula de oro. Un día apareció un Kinder sorpresa en la taquilla de cada uno. Alguien los había dejado ahí para infundir ánimos. Nunca supe quién. Tampoco pregunté mucho. Dentro del mío había una figurita infantil de plástico verde con un casco alado rojo de quita y pon que le hacía de pasamontañas. Era una niña con los ojos enormes, sonriente, con los brazos levantados. La llamé Wilson, en recuerdo a la pelota que acompañaba a un náufrago en una película, y la puse sobre la mesilla de cama. Las imágenes y las noticias terribles se sucedían cada día. Una noche, Wilson me habló en un sueño como una Sibila: “Ten cuidado con las categorías clásicas de esta maldita ciudad”.

Captura del registro del reconocimiento óptico de objetos realizado mediante sistemas de inteligencia artificial en un vehículo Tesla. Tesla Cars, 2019

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IRENE-CLÉMENTINE ORTEGA Bilbao, 1986. Desde el año 2008 está involucrada activamente en la creación artística, diseño de moda e investigación histórica sobre textiles. En 2011 se traslada a Berlín donde se especializa en datación de tejido antiguo e identificación y clasificación de prendas preindustriales y ropa civil de principios del siglo XX. Durante ese periodo continúa su labor de aprendizaje en Italia, país que le proporciona contacto directo con la alta moda y archivos de vestuario privados. En 2015 inaugura su propio archivo textil con un número considerable de piezas. Entre sus clientes más destacados: Vogue, Esquire, Vice, Preassure Paris, Glossa Music o Universal Music. También realiza tareas de dirección de arte para Palazzetto Bru Zane, organización dependiente de la Fundación Bru con sede en Ginebra, París y Venecia. Durante 2018 se instala en Nueva York. Allí ha participado en grandes campañas de moda en colaboración con importantes profesionales del sector: Galore Magazine, campaña internacional de GAP con la estilista Beth Fulton o DAZED Magazine con la estilista Emma Wyman.

Tarde de fiesta en un sueño barroco Desarrollo la exposición de mi proyecto textil y escenográfico en un espacio enigmático de la ciudad de Roma; como si se tratara de un tableau vivant, de una imaginaria fiesta cortesana, de un ilusorio banquete que transcurre distante ante los ojos del espectador. Un desfile festivo, una bacanal barroca, pastiche de alguno de los tipos teatrales que encuentran más sentido dentro del discurso narrativo de este proyecto. El estatismo de la escena, más propio de lo pictórico, representa lo permanente, lo inamovible. Un espectáculo de personajes fuera del tiempo, eternos y a la vez efímeros, que nos comunican su mensaje por medio del vestido, de lo visual básico: colores, texturas, formas. Propongo una vuelta al artificio del gesto como información, sugerencia, desafío, a lo emotivo de la revelación divina que se aleja de la naturaleza, a la invención y a la convención. Propongo crear un objeto-indumentaria, una serie de piezas únicas, exuberantes y atemporales que doten de un poder transformador a quien las lleve puestas y les permita jugar con los roles establecidos y salir de la banalidad cotidiana rompiendo la rigidez marcada por lo social instaurado. Ha sido fundamental el poder experimentar libremente con los materiales. He usado pigmentos puros para teñidos, he vuelto a la costura a mano, a la confección de tocados fantásticos, a la recuperación de tejidos y a la modificación y reutilización de prendas antiguas.

IG @lavillaclementine

La Villa Clémentine. Colección Duchessa

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Proceso La evolución de mi proceso de creación y producción ha estado profundamente ligada a una serie de acontecimientos ocurridos a lo largo de este año. Después de un periodo de adaptación y de concreción de mis ideas a través de estudios de memorias de vestuario, visitas a museos, exposiciones y teatros, he pasado a colaborar activamente con personas que podían aportar orden y estructura a mi archivo de imágenes. Giulia Venerandi, en fashion consultancy, o Maria Elena Masetti Zannini en dirección escénica teatral, así como otros profesionales de la moda y el artesanado textil en la ciudad que me han ayudado a dar entidad y cuerpo a la idea inicial de mi proyecto. En materia de confección y elaboración de piezas y prototipos he elegido trabajar con proveedores italianos en su gran mayoría, que me han ofrecido a su vez un conocimiento y una experiencia en sastrería clásica difícil de encontrar en otras ciudades. Como consecuencia de la extraordinaria circunstancia de emergencia sanitaria que hemos vivido a partir del mes de marzo, mi proceso de producción se ha visto parcialmente interrumpido. Pese a todo, he continuado produciendo de forma más íntima y reflexiva, asumiendo los tiempos de forma diversa. Roma no es un capítulo cerrado para mí, y después de este extraño verano de limbo volveré a sumergirme en su eterno romanticismo para completar este y muchos otros proyectos futuros.

Experiencia Mi estancia en la Academia me ha proporcionado las herramientas necesarias para desarrollar, a tiempo completo, un proyecto de diseño y confección de vestuario con total libertad creativa y horaria. Italia ha sido siempre un país con el que he mantenido y mantengo una estrecha relación, tanto emocional como profesional. Mis primeros contactos con el mundo del textil, el anticuariado, la historia del arte y el amor los he tenido en este país, que me ha nutrido de estímulos y de conocimiento. La ciudad de Roma, durante mi estancia en la Academia, me ha ofrecido el escenario perfecto para sumergirme de lleno en la historia de los siglos XVII y XVIII, en sus innumerables colecciones pictóricas, sus arquitecturas circulares, sus pasajes secretos; en definitiva, el mundo del Barroco que inspira e ilumina mis fantasías.

La Villa Clémentine. Baroque Garments. Concepto. Irene-Clémentine Ortega y Giulia Venerandi. Fotografía de Adriana Rosling

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JAVIER PIVIDAL Cartagena (Murcia) 1971. Compagina su actividad artística con la gestión y edición de proyectos editoriales y de creación gráfica. Ha mostrado su obra en espacios como el SCAN Project Room de Londres, la Whitebox Gallery de Nueva York, el Magazin 4 de Bregenz, Austria, o el Instituto Cervantes de Nápoles, entre otros. Sus últimas muestras han sido la exposición individual ¿Por qué durar es mejor que arder?, en la Sala Verónicas de Murcia, la exposición colectiva No se escribe, luminosamente, sobre un campo oscuro en el Centro José Guerrero de Granada o el proyecto Mia anima nera para la Blueproject Foundation de Barcelona, como parte del colectivo The Perfect Lover. En 2018 realiza la performance El intruso, junto a Manuel Rodríguez, con quien vuelve a colaborar en 2020 en Cenere, como parte del proyecto que realiza en la Academia de España en Roma. Su obra forma parte de distintas colecciones privadas y públicas como: CA2M, MUSAC, Caja Rural de Jaén, Fundación Ankaria, Fundación Museo del Grabado Español, Fundación CAM o Colección ICARM.

El alma oscura En 1975 Fabio Mauri realiza la performance Intellettuale, para la que proyecta sobre el pecho de Pier Paolo Pasolini su propia película Il vangelo secondo Matteo. El alto volumen del sonido con relación al pequeño tamaño de la proyección produce una experiencia novedosa del acto cinematográfico. En un momento de la acción y preocupado por la inmovilidad de su amigo, Mauri se acerca para preguntarle si se encuentra bien. Pasolini está extasiado. De vez en cuando baja la cabeza para observar el potente rayo de luz sobre su pecho. En octubre de ese mismo año y pocos días antes de su muerte, Pasolini participa de una experiencia similar. El fotógrafo Dino Pedriali le realiza una sesión de fotos en su casa de campo en Chia. La vivienda se abre a la naturaleza a través de enormes ventanales. Cuando anochece, el fotógrafo le pide que se desnude en su dormitorio mientras él sale al exterior. La humedad de la noche intensifica el aroma de los laureles cercanos. Hay también una enorme mimosa. Pasolini coge un libro y se sienta a leer, mostrando sin tapujos su sexo. El fotógrafo, protegido por la oscuridad, dispara su cámara sobre el cuerpo sobreexpuesto del escritor. La luz recorta su figura desnuda en medio de la noche. Parece una luciérnaga. El 3 de noviembre de 1975, en un descampado cercano a Ostia, aparece la camisa manchada de sangre de Pasolini. El policía comprueba que la prenda huele a sal y a tabaco, a patchouli y a rosa oxidada.

Proceso y experiencia Van a olvidar nuestros nombres con el tiempo nadie sabrá lo que hicimos nuestra vida pasará como el rastro de una nube y quedará desperdigada como el rocío al que siguen los rayos del sol nuestro tiempo es una sombra que pasa y nuestras vidas se propagarán como chispas en el rastrojo Derek Jarman, Croma, 1994 Aprieta fuerte los párpados. Cierra primero los ojos y aprieta. Después de un segundo, ábrelos y parpadea. Los puntos brillantes y el centelleo duran menos que el dolor. Hace ya mucho tiempo que no oigo tu respiración pero la recuerdo perfectamente. Tu cuerpo ejecuta ahora movimientos de una coreografía que nadie entiende. ¿Qué quieres decirme? A veces, tu rostro sale de la oscuridad y me mira profundamente. Ahora sí entiendo lo que es la soledad: la soledad es la distancia que hay entre tú y yo. La soledad son 1971 km. 9 paradas de metro. 40 días. Durante años soñé contigo. Te veía saliendo del mar y regresando a casa. La imagen de tu cuerpo desnudo se me ha quedado grabada. Todo lo miro a través de ese cuerpo. Todo es cuerpo. La memoria se construye de imágenes que se adhieren a la piel. Los recuerdos duran para siempre, al contrario que las flores.

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Intellettuale (2020). Fotografía a partir de vídeo

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ENRIQUE RADIGALES Zaragoza, 1970. Es uno de los artistas e investigadores españoles pioneros en el Net. art y en los lenguajes digitales. Su trabajo ha podido verse en bienales como la Bienal d’Art Leandre Cristòfol, Lérida; Biennal IEEB4, Sibiu; Media Art Biennal WRO, Wroclaw y Biennal Electrohype, Ystad. Ha expuesto en salas institucionales como Matadero y la Casa Encendida, Madrid; MACBA, La Virreina, La Capella, FAD y Can Felipa, Barcelona; CDAN, Huesca; LABoral, Gijón; el Centro Cultural de España en Guatemala; Instituto Cervantes de Burdeos, Chicago, Viena y São Paulo; Freies Museum, Berlín; OMA, Seúl y Center of Contemporary Arts, Glasgow. Ha participado en importantes ferias internacionales como ARCO, Madrid; Zona Maco, México DF; Miart, Milán; SP Arte, São Paulo y Armory, Nueva York. Ha sido artista residente en Casa Velázquez, Madrid; Quincena de Arte de Montesquieu, Girona; Arteleku, San Sebastián; Eyebeam, Nueva York; URRA, Buenos Aires y el Museu da Imagem e do Som, São Paulo.

Del Testaccio al pappagallo Inicialmente este proyecto pretendía examinar y clasificar la biología que habita en la construcción artificial del monte Testaccio a través de un método taxonómico propio. Graficar y pensar la postbiología sésil de esta montaña artificial y sus interacciones biogeofísicas: hongos, raíces, garrapatas, aves, semillas, restaurantes, hojarasca, suelo, la dinámica del bosque, la humedad, el sustrato cerámico, las discotecas, la evaporación del agua… Desde entonces y a lo largo de mi estancia en Roma he frecuentado repetidamente este promontorio cerámico, recogiendo muestras de su perímetro, fotografiando sus sedimentos o grabando el sonido metálico de su superficie. Esta colina artificial se convirtió para mi investigación en un icono antrópico que nos mostraba cómo la técnica y la ingeniería de su época podían liderar con eficacia la gestión de los desechos romanos. Un legado de compromiso que choca frontalmente con las actuales crisis medioambientales, y que evidencia la falta de una ecoplanificación a largo plazo de nuestro actual modelo de expansión y crecimiento. Parte de esa investigación que me ocupó el primer mes de octubre tenía que ver con la actual crisis de gestión de la basura y la aparición de vertederos ilegales en la ciudad de Roma. Sin duda alguna, uno de los ejemplos de esta crisis que sufre la ciudad es el vertedero de la Malagrotta. Este vertedero situado a las afueras de Roma tiene una extensión de 230 hectáreas, el más grande de Europa, y permanece cerrado desde 2013 por motivos medioambientales.

en.radigales@gmail.com www.enriqueradigales.com

Composición fotográfica con estructura y psiconido. Perfiles de aluminio, pintura hecha con alpiste, madera, hojas de acanto y rúcula, y metacrilato perforado con láser

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Proceso De forma simultánea a esta investigación sobre el Testaccio estaba sucediendo algo que podía observar desde la ventana de mi estudio en la Academia: 4/10/2019 Esta mañana he pasado un rato mirando las cotorras desde la ventana del estudio. Vuelan desde el magnolio al aligustre dejando una estela verde chillón que contrasta con la pátina ocre de la casa del embajador. Aquí los llaman pappagalli y parecen tener claro su recorrido, en línea recta de un árbol a otro, en contraste con otras aves acunadas por la brisa. Todo se mueve con un compás invisible, la copa del ciprés, la enredadera del muro, hasta la ropa tendida parece no resistirse. Solo los tonos exóticos del pappagallo rompen la cadencia del entorno. Fuera de toda expectativa, un nuevo icono antrópico acababa de entrar por la ventana. El pappagallo, como el Testaccio, pueden considerarse iconos antrópicos invasores; las ánforas del Testaccio fueron cocidas con tierra bética y transportadas desde el Mediterráneo configurando la única montaña española en Italia. El pappagallo llegó a Italia desde Latinoamérica a través de las exportaciones de aves exóticas en los años setenta y se estableció en la ciudad debido a su capacidad de adaptación. Construyen nidos desplazando a otras especies locales, alterando el ecosistema de la ciudad. Como el promontorio del Testaccio, que altera el horizonte de un barrio con una topografía geológicamente plana. Si bien el término Antropoceno define una era geológica que afecta y significa a nuestra contemporaneidad, encontramos en el título de este proyecto, Del Testaccio al pappagallo, un localismo que define en términos del Antropoceno una situación de crisis local.

Experiencia Supongo que será un lugar común hablar de la necesidad de errar con libertad en cualquier proceso de creación, pero creo que no hay que olvidar que entrar en el ecosistema de la Academia implica tropezar consigo mismo una y otra vez. El tiempo y los recursos que nos ofrece esta comunidad de seres y disciplinas me han permitido romper con la inercia de algunos de mis procesos de trabajo y, cómo no, entrar en crisis varias veces. Pero fuera de cualquier estrés, este tiempo y estos recursos me han permitido entrar en zonas de experimentación, jugar con magnéticos procesos de trabajo y relacionarme con nuevos materiales y técnicas. Creo que es necesario comentar que el hábitat de la Academia quedó atravesado por la pandemia de la COVID-19. Un organismo minúsculo que de alguna manera trascendió a mi proceso de trabajo. Si bien el proyecto arrancó en octubre con una serie de formalizaciones de gran escala, los procesos y las formas fueron menguando progresivamente, hasta llegar a tener el tamaño de un garbanzo.

Composición fotográfica con infranido, partículas biodigitales y psiconido. Macrofotografía de partículas de plástico y polvo de ánforas romanas del siglo III; perfiles de aluminio, pintura y aluminio perforado con láser; perfiles de aluminio, pintura hecha con alpiste, madera, hojas de acanto y rúcula, y metacrilato perforado con láser.

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PANTXO RAMAS Milán, 1979. Doctor en Filosofía y activista de los movimientos sociales europeos, su trabajo investiga las prácticas expresivas y críticas capaces de transformar el presente, a través de una lectura etnográfica, pedagógica y estética de las prácticas institucionales de la salud y el arte. Trieste ha estado en el foco de su investigación desde 2015. Colabora con la cooperativa La Collina de Trieste y forma parte del colectivo de investigación Entrare Fuori y de la Conferencia Permanente para la Salud Mental en el Mundo.

Palimpsesto Basagliano, la libertad como una de las bellas artes Este proyecto es el resultado de un proceso de investigación historiográfica, de discusión colectiva, así como de elaboración crítica y de catalogación de materiales multimediales, en el que participaron varios actores tanto en Trieste como en Roma, a través de seminarios, conversaciones y entrevistas que permitieron establecer un diálogo entre quienes han vivido esta historia como protagonistas y aquellos que hoy se sienten parte de ella. En el primero de los seis seminarios, Palimpsesto Basagliano ha arrancado desde el análisis del reportaje fotográfico de Carla Cerati y Gianni Berengo Gardin, Morire di classe (1969), que en su momento abrió el debate público sobre la situación de las instituciones psiquiátricas en Italia. En segundo lugar, la narración mágica y concreta de Marco Cavallo, la máquina teatral de Giuliano Scabia y Vittorio Basaglia que derrumbó la valla del manicomio en 1973, nos permitió cuestionar cómo los lenguajes artísticos han cambiado las prácticas de atención a la salud mental. La Accademia della Follia (1983), fundada por Claudio Misculin y Angela Pianca, y el Laboratorio P (1983), fundado por Carla Prosdocimo y Pino Rosati, fueron el centro de otros dos seminarios, uno destinado a descubrir las experiencias teatrales y el otro a trazar los signos pictóricos y visuales que afirmaban a los laboratorios politécnicos como instrumento colectivo de emancipación. Espacios de libertad y lugar de múltiples posibilidades de hacer. Los dos últimos seminarios han abordado la realidad contemporánea del derecho a la belleza como práctica concreta de otras formas de cuidado y expresión artística. El diseño de los espacios de cuidados, comisariado por Antonio Villas, y las gráficas de comunicación del grupo ZIP, han permitido abrir espacios comunes y posibilidades institucionales sin precedentes en el ámbito de la salud mental. Por último, el parque de San Giovanni, donde estuvo el manicomio y donde hoy hay un jardín con cinco mil rosas, diseñado y mantenido por la Cooperativa Agrícola Monte San Pantaleone, ha sido interpretado como una fábrica de deseo en la que cada día los signos concretos de la maravilla mantienen vivo el terrible recuerdo de la violencia institucional.

www.palinsestobasagliano.info IG @pantxoramas

Spettinata, Ugo Guarino, Collettivo D’Arte Arcobaleno. Serigrafía

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Proceso Las primeras semanas de mi residencia no hice otra cosa que discutir y hablar con muchas de las personas protagonistas de la revolución basagliana en Trieste. Fueron semanas cruciales en las que cajones cerrados, carpetas abandonadas dieron lugar a voces e imágenes, para que esta investigación se convirtiera en protagonista del presente. Habiendo elegido seis historias, el intento fue transformar los objetos y las voces recogidas en espacios comunes para la discusión en Trieste. El resultado fueron entrevistas, seminarios y conversaciones llevadas a cabo en colaboración con un grupo de trabajo multidisciplinario compuesto por Lara Baracetti, Arturo Cannarozzo, Guillermo Giampietro, Francesca Giglione, Naomi Piani, Adam Zuliani de la cooperativa La Collina de Trieste. Estos materiales ocultos, descubiertos y superpuestos, estos lenguajes mezclados, recordados y despertados, estas discusiones preparadas, moderadas y grabadas, son ahora un catálogo de voces e imágenes, discusiones y análisis críticos, reunidos a través de un sitio web, en el que se pueden seguir algunos caminos guiados, o componer una interpretación propia y situada de estas historias. Durante el proyecto surgió la necesidad de crear un dispositivo de exposición que contrastara la lectura histórica con las voces y las imágenes concretas que han atravesado estas historias.

Experiencia Palimpsesto Basagliano se propone como un proyecto de mediación crítica que cuestiona la relación entre sociedad e instituciones. Trieste representa un punto de referencia para las diferentes generaciones de la crítica institucional, ya que define la institución como una trama social, histórica y material, cuya incidencia no es solo disciplinaria, sino estrictamente política y sobre todo subjetiva. Vivir esta experiencia en la Real Academia de España en Roma significa asumir estas cuestiones en la vida cotidiana de una institución viva y compleja y descubrir las dificultades cotidianas de una práctica institucional crítica: dos momentos fueron significativos para mí. Por un lado, asumir el reto de mantener este proyecto en constante tensión con una historia colectiva y social, resaltando el protagonismo ético y político de quienes ponen en práctica esta historia cada día. Un desafío que se desarrolló en estrecha colaboración con la cooperativa La Collina de Trieste. Por otro lado, significó repensar estas herramientas estéticas y analíticas en medio del presente repentino de la pandemia, un trabajo realizado junto al colectivo Chopin, con Carlo Caprioglio y Silvia Ribeca, y a Radio Fragola Gorizia. El resultado de este desafío es otro palimpsesto de voces, recogidas en la publicación Pandemie Locali.

Massimo Gardone. Roses, Massimo Gardone. Fotografia publicada en La rosa che c’è, EUT edizioni, 2013.

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ADOLFO SERRA Teruel, 1980. Ilustrador, creador de libros y profesor. Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración, por la Escuela de Artes y Oficios Artediez (Madrid). Licenciatura en Publicidad y Relaciones Públicas, en la Universidad Complutense de Madrid. Explorador de hojas en blanco. Para él ilustrar es decidir, ilustrar es contar, ilustrar es observar, ilustrar es… sentir. Parte de su actividad profesional se dedica al desarrollo de talleres y laboratorios de creatividad vinculados con la ilustración y el dibujo. Sus ilustraciones han sido seleccionadas en Bologna Children’s Book Fair (Italia), Bienal de Ilustración de Bratislava (Eslovaquia), Sharjah Children’s Book Fair (Emiratos Árabes), Catálogo Iberoamericano de Ilustración (México), CJ Picture Book Awards (Corea), Mostra Internazionale d’Illustrazione per l’Infanzia Sàrmede (Italia) o China Shanghai International Children’s Book Fair (China).

Bomarzo “La fantasia è un posto dove ci piove dentro”. Este es el título de una de las más bellas Lecciones americanas de Italo Calvino, que comienza con un verso de Dante Alighieri en el Purgatorio “Poi piovve dentro a l’alta fantasia”. Si bien Dante afirmaba que su imaginación llovió del cielo o de Dios y traslada esa parte visual de su fantasía a un escrito, Calvino defendía que podemos expresar con nuestras palabras lo que imaginamos y esa imaginación nos lleva a ver, pero también a crear imágenes que surgen a partir de palabras. La experiencia de leer imágenes implica desarrollar en la mente lugares, construir historias, generar una narración, dotar de movimiento a unos personajes. Pero también supone verbalizar esa imaginación, darle forma, poner palabras, es un acto de contar y compartir. Ya sea un lector adulto o un niño. ¿Qué viene antes? ¿La imagen o la palabra? ¿Somos capaces de superponer nuestras emociones, experiencias, ideas utilizando la ilustración como guía? Este proyecto busca respuestas a estas cuestiones, a partir de la creación de imágenes abiertas, junto con laboratorios de creación y con el Sacro Bosque de Bomarzo como punto de partida para investigar.

adolfoserra.cargo.site serra.adolfo@gmail.com IG @adolfoserra

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Proceso Roma es bella y caótica, tiene un poco de animal sagrado, de ruina presente y de museo abierto al aire libre. Hay algo muy instintivo y primario aquí... los sabores, la luz, el color, el goce de la vida. Tienes que estar alerta para que la ciudad no te devore pero también ser consciente de todo lo que esconde. La Academia es un espejo de esta ciudad, un lugar con una historia y energía que se remontan a 1873 pero abierta a las nuevas disciplinas, a la creación contemporánea, al diálogo entre artistas y la ciudadanía. Como espejo te reflejas y proyectas en las conversaciones con otros residentes, en los procesos, en la búsqueda, en el aislamiento. Tu imagen se diluye y distorsiona, incluso tu idea sobre ti mismo, sobre tu proyecto, sobre el arte o la creación. Hay una especie de trampa o espejismo en la Academia, ¿cómo crear cuando Roma no ha entrado en ti? ¿Cómo seguir unos pasos teóricos cuando la ciudad se abre paso? Creo que esa es la magia. La huella de Roma y la Academia forman ya parte de ti, estos nueve meses son solo el comienzo.

Experiencia Estoy en Roma. Llegué a un palacio y todas las esculturas estaban decapitadas. Eran solo cuerpos. Carne de piedra. Impulso. No había razón. Estoy en Roma. Me perdí en un bosque de pinturas. Una eterna primavera de temple y pigmentos. Había pájaros. Cantos de cal y estuco. No había sonido. Estoy en Roma. Me soñé como un santo olvidado. Sentí las heridas, las diagonales y las líneas de corte de mi martirio. Poco después me enfrenté a esa imagen en una iglesia. Delirio de mártir. Sueño despertares. Estoy en Roma. Se rompen los huesos de mi mano. Perdí dos milímetros de un dedo. Pienso en los números, en los 21 gramos que pesa el alma y en los 2 mm que me faltan, en la gravedad de las palabras y lo ligero de los abrazos. Tributo de hueso. Liturgia de la piel. Estoy en Roma. Bella y caótica, me desoriento en las calles y en mí mismo. Bebo en fuentes de lobo, sigo a los estorninos y camino entre ruinas. Misteriosamente, en Roma, siempre llegas a algún lugar, aunque no fuera el que esperabas. Los pasos perdidos. Las ruinas vivas.

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BEGOÑA SOTO Sevilla, 1964. Profesora en la Universidad Rey Juan Carlos, donde fue directora del máster y doctorado en Estudios sobre Cine Español. Puso en marcha la Filmoteca de Andalucía, dirigiéndola durante seis años. Se dedica a la restauración e investigación de materiales fílmicos del periodo mudo, colaborando en proyectos con la Filmoteca Española, la Filmoteca de Catalunya y la Cinemateca Portuguesa. Coordina para España el Womens’s Film History Project. Entre sus últimas publicaciones: “El poder de lo desconocido. O cómo enfrentarse a la contribución de las mujeres en los primeros años del cine español”, en Presencies i representacions de la dona en els primers anys del cinema 1895-1920 (2019); “Field Trip to Insanity: Bodies and Minds in the Doctor Maestre Film Collection (Spain, 1915)” con L. Alonso y D. Sánchez, en Corporeality in Early Cinema Viscera, Skin, and Physical Form (2018); “Women and the shift from Theatre to Cinema in Spain: The Case of Helena Cortesina (1903-1984)” con E. Cordero, en Nineteenth Century Theatre and Film (2018). Es editora junto a E. Cordero del volumen Women in Iberian Cinema: A Feminist Approach to Portuguese and Spanish Filmic Culture (Intellect books, junio 2020).

La Cines, las relaciones cinematográficas entre España e Italia 1906/1918 La Società Italiana Cines se crea en 1906 en Roma, desde ese año tiene oficina en Barcelona. Este sistema de una oficina propia con encargado traído desde Italia no lo tendrá ninguna otra marca italiana en España. Cines distribuyó más de mil títulos desde Barcelona entre 1910 y 1917. A mediados de 1913 creará la marca Film de Arte Español para producir películas en España. En este proyecto trato las biografías de los técnicos que Cines traslada a España: Mateldi, Turchi, Doria, Munzi, Miraglia o Genina. Algunos de ellos acabaron por desarrollar sus carreras en el cine español. Poniendo en contacto las experiencias de profesionales cinematográficos entre España e Italia. Los dos casos más característicos: el de Raimundo Minguella, catalán que trabajará entre Barcelona y Turín representando a casas italianas en España y a casas españolas en Italia para luego crear su propia empresa italo-española de producción Excelsa Films. En el sentido inverso, el caso de Augusto Turqui, secretario del consejo de administración de la Cines en Roma y responsable más tarde de la oficina de esta en Barcelona hasta 1917.

begona.soto@urjc.es orcid.org Begoña Soto Vázquez

Publicidad insertada en La Vita Cinematográfica. Turín, 30 de septiembre de 1913, Año 10, núm. 18, p. 23

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Proceso y experiencia Bajo este epígrafe quedaría ridículo escribir cualquier cosa que no fuera: pandemia. De hecho, creo que todo lo escrito sobre el proyecto o la biografía misma resultan ridículos. Toman un aire poco convincente de algo así como “aquí no ha pasado nada”. Y eso no solo es falso, sino que sería injusto e irresponsable. Ha pasado de todo. El proyecto, la biografía, el proceso o la experiencia no debían ser los mismos, no deberían contarse de otra manera que no fuera esa que se reduce a una palabra, pandemia, y a las cifras que la acompañan. No existe el antes, y el después debería ser otro. No hay proceso o experiencia que pueda contar sin tener muy presente que ese proceso y esa experiencia conllevan la disciplina de quedarse en Italia dos meses que ya debería estar en España. No hay proceso o experiencia que aguante un relato ante el hecho de que la gran parte de esos días y noches de esos dos meses fueron viendo, sin poder hacer otra cosa, Roma desde las ventanas. Escribir sobre el proceso y la experiencia de la pandemia no sé hacerlo y sé que no quiero hacerlo. Aun sabiendo que escribir de otra cosa es ridículo, podría contar cosas. Investigué en la Cineteca Nazionale de Roma. Toqué los materiales originales nitrato de celulosa del título Carmen (Doria, Turqui, 1913). Probablemente y muy lentamente —como siempre son estas cosas— restauraremos o, al menos, digitalizaremos ese título incompleto. Creo que aprendí que el trabajo la mayoría de las veces no significa casi nada. Además, y ante todo, con-viví con un grupo que se construyó desde el azar y desde el azar se disolvió; el azar no tanto de las decisiones tomadas, sino de las que se tomaron por otros a golpe de normas, decretos y cifras. Tratar las biografías de gente que se quedó varada en Barcelona sin poder o querer volver a Italia en 1914 por no encontrarse con la guerra ayuda a entender, aunque no a explicar, lo frágil, a veces hasta lo ridículo, que es todo.

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CLAUDIO SOTOLONGO La Habana (Cuba), 1982. Máster en Gestión e Innovación de Diseño por el Instituto Superior de Diseño (La Habana, 2006). Desde 2004 diseña carteles para el Instituto de Cine (ICAIC). En 2011 fue coautor en los libros Soy Cuba: Cuban Film Poster from after the Revolution (Trilce Ediciones) y Ciudadano Cartel (Ediciones ICAIC). Desde 2010 es profesor en la Universidad de La Habana y diseñador de la Editorial UH. En 2010 obtuvo la beca de creación artística Estudio 21 del Centro de Desarrollo de las Artes Visuales en La Habana y en los periodos 2016-2017 y 2019-2020 participó del programa de residencias artísticas de la Real Academia de España en Roma. Entre 2018 y 2020 ha exhibido en el Kennedy Center, Washington DC; el Centro Cultural Matadero, Madrid; California Art Museum, Pasadena; Fowler Museum, UCLA; Musée des Arts Décoratifs, París y en La Habana en el Museo Nacional de Bellas Artes, Factoría Habana, Fábrica de Arte Cubano, Fundación Ludwig, Estudio 50 y Galería 23 y 12. Su obra ha sido expuesta por las bienales de diseño de Madrid y La Habana y por las de cartel de Lublin, Trnava, Ecuador y Bolivia, y forma parte de las colecciones de las bibliotecas Margaret Herrick y UCLA; Biblioteca Nacional de Cuba; el CSPG, la Cinemateca de Cuba y el Museum für Gestaltung, Zúrich, Suiza.

Vándalos o poetas visuales Roma hoy es visualmente esclarecedora a nivel urbano y público de la desobediencia ciudadana. En esta ciudad coexisten múltiples expresiones visuales de la inconformidad social: desde grafitis, pegatinas y stencil art hasta la acción vandálica sobre la comunicación visual. Mediante la aplicación de herramientas de la antropología visual y la investigación social se realiza un registro visual, audiovisual y sonoro de estas expresiones y su contexto. El análisis diacrónico de este archivo permite un acercamiento al tejido sociocultural de la ciudad y deriva en la elaboración de una obra, formalizada en un rango de soportes: desde el diseño editorial y de pegatinas hasta motion graphics, impresión 3D, stencil art y vídeo; cada formalización es un punto de vista en la construcción de un diálogo sobre la institución arte en la #NuevaNormalidad. El carácter innovador y pionero de este proyecto radica en ofrecer una visión “otra” de una realidad social y pública en un contexto patrimonial con un peso histórico artístico sin igual como es Roma, y que establece así un acercamiento a nuevos públicos, especialmente a las nuevas generaciones y a su concepción de arte ciudadano. Así, este proyecto pone en evidencia la existencia de una ciudad entendida como cuerpo vivo.

claudio.sotolongo@gmail.com claudiosotolongo.wordpress.com IG @claudio.sotolongo

TenTempietto (2020). Impresión 3D. 17,5 x 10 x 10 cm, edicion limitada

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Proceso La circularidad del Templete de Bramante y su emplazamiento en una colina lo convierten en un centro geográfico ideal para la construcción de periferias. A partir del Templete los recorridos atraviesan, primero el Trastevere, después Regola, Parione, Ponte, Pigna, Saint’Eustachio, Campitelli y Saint’Angelo, más lejos Trevi, Portuense y Testaccio. En el transcurso cientos de fotografías conforman un archivo de las manifestaciones visuales de la desobediencia ciudadana (visible en Instagram bajo el #roma_inconforme). En el proceso, la investigación artística se bifurca: un camino se desarrolla a partir de lo documental, del procesamiento creativo del material recopilado y de la producción de obra a través de la fotografía, la serigrafía y el diseño editorial. Otro camino es la recolocación del Templete como objeto, a partir de su formalización con los códigos estéticos al uso de las prácticas del arte urbano: stencils, stickers, impresión 3D y vídeos. Todo difundido a través de las redes sociales, entendidas como las nuevas plataformas de circulación visual. Las medidas por la emergencia sanitaria post COVID-19 en Italia tuvieron una respuesta rápida en la trama visual urbana. La obra producida al término de la residencia incorpora esta realidad a la par que se inserta en los diálogos sobre la nueva normalidad.

Experiencia Volver a Roma es retomar una vida puesta en pausa. Volver a la Academia es regresar a casa, solo que esta casa es también lugar de trabajo, museo, sala de conciertos, y conlleva su propia cotidianidad construida en el delicado equilibrio de los hábitos y costumbres de sus moradores, un proceso que, sin dejar de ser accidentado, permite cada año la construcción de nuevas tradiciones. Con mis compañeros becarios aprendí, conversé, discutí, me divertí. Con algunos colaboré y entre todos construimos nuevas experiencias. Mi proyecto y mi práctica artística se enriquecieron con cada intercambio. Fue una grata sorpresa encontrarlos en la presentación de mi portafolio y de los proyectos que he desarrollado en Roma en un evento coordinado por la profesora Francesca Gallo para el MLAC (Museo Laboratorio de Arte Contemporáneo) en diciembre de 2019. En marzo de 2020 la emergencia sanitaria me obligó a adelantar el regreso a La Habana. El apoyo y solidaridad del equipo de la Academia y de mis compañeros becarios me ayudó en mi regreso a La Habana y en la continuidad del proyecto de Roma.

Buscando a Sarah Lindford (2020). Serigrafía, 250 x 210 cm, edición de 10

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EDUARDO SOUTULLO Bilbao, 1968. Ha recibido galardones como el Primer Premio Concurso Internacional New-Note (Orquesta Sinfónica Radio-TV Croacia, 2018), Segundo Premio RED-NOTE Composition Competition-Illinois State University Sympnony Orchestra, Mención de Honor Lutoslawski Award (Varsovia, 2017), ganador de la X Edición del Premio de Composición A.E.O.S.-Fundación BBVA (Asociación Española de Orquestas Sinfónicas), finalista en el International Prokofiev Composition Competition (San Petersburgo, 2008) y en el Premio Reina Sofía de Composición Musical 2008, etc. Representó a España en los World Music Days I.S.C.M. 2009 (Suecia). Ha compuesto la banda sonora para un cortometraje del proyecto Gesamt 2012 del director danés Lars Von Trier. Sus obras han sido interpretadas por la Swedish Radio Symphony Orchestra (Suecia), Orchestre National de Lorraine (Francia), St. Petersburg Symphony Orchestra (Rusia), Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS), Orquesta Sinfónica de Barcelona OBC, entre otras.

Roma: recintos sacros y espacialización sonora El proyecto ha consistido en la composición de obra de música de cámara cuyo objetivo es explorar la espacialización sonora utilizando un lenguaje contemporáneo, pero tomando como punto de partida la obra de compositores de música policoral de los siglos XVI y XVII vinculados a Roma, como fueron Orazio Benevoli (16051672) y Giuseppe Ottavio Pitoni (1657-1743). Ambos desarrollaron la técnica de la música policoral deslocalizando fuentes (coros e instrumentos) para crear nuevos efectos sonoros, aprovechando las características arquitectónicas de las iglesias de Roma en las que trabajaron como maestros de capilla. Así lo hizo Benevoli en las iglesias romanas de San Luigi dei Francesi y Santa Maria Maggiore. Pitoni hizo lo mismo en la basílica de San Marco Evangelista al Campidoglio (Roma).

eduardosoutullo@gmail.com eduardosoutullo.com LI eduardo soutullo FB eduardo soutullo

Partitura: Ejemplo de pasaje antifonal/espacialización sonora: cuatro instrumentos a la manera del coro dividido en cuatro (como en el Barroco) y situados en la sala en cuatro emplazamientos alejados entre sí para crear efecto de sonido envolvente

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Proceso 1. Se realizó la labor de investigación en las iglesias romanas de San Luigi dei Francesi, Santa Maria Maggiore, basílica de San Marco Evangelista al Campidoglio e iglesia de San Pietro in Montorio para conocer sus características acústicas. 2. Para el estudio de las obras policorales compuestas por G. O. Pitoni y O. Benevoli se hizo necesario consultar algunas de sus partituras en la biblioteca de la Academia de Santa Cecilia en Roma. 3. A partir de los resultados de la labor de investigación, se realizó la composición de una obra de música de cámara empleando la técnica de la música policoral deslocalizando fuentes (instrumentos) para crear efectos sonoros de sonido envolvente siguiendo el ejemplo de las mencionadas obras policorales del Barroco que empleaban técnicas de coro spezzato. Características de la obra compuesta: Plantilla: flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano. Duración: 15 min. Recreación de efectos sonoros (eco, reverberación) sin electrónica. Disposición espacial: los cinco instrumentos se sitúan alejados entre sí dentro del recinto, colocándose el piano en el centro y los otros cuatro instrumentos en las cuatro esquinas del recinto, desarrollando pasajes antifonales y de espacialización sonora. 4. Además de la partitura de estreno que he compuesto, durante mi estancia en la Academia y con el fin de que fuesen interpretadas en el concierto, también he realizado una versión arreglada para grupo de cámara de las siguientes obras de los mencionados compositores del barroco italiano que practicaron estas mismas técnicas de espacialización sonora, concretamente Cantate Domino y Vias tuas, Domine de Giuseppe Pitoni y Hodie completi sunt de Andrea Gabrieli.

Experiencia La estancia como becario de la Real Academia de España me ha dado la oportunidad de conocer a otros compositores residentes en otras academias como Villa Massimo, Villa Medici, etc., en cuyas exposiciones de sus trabajos (Open Sudios) pudimos conocer el desarrollo de sus composiciones. Asimismo, disfruté de los conciertos programados en las diferentes academias y que abarcaban desde música clásica y contemporánea hasta jazz (Instituto Histórico de Austria), además de poder asistir a la programación musical de temporadas de auditorios como el Parco de la Música. Al margen de todo lo anterior, mi estancia de dos meses en la Real Academia de España me ha permitido conocer con calma un gran número de museos de Roma (Galleria Borghese, Palazzo Doria Pamphilj, Palazzo Barberini, Museos Capitolinos, Museos Vaticanos, Castel Sant’Angelo, Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo alle Terme, etc.). El descubrimiento de alguna de las obras allí expuestas quizá pueda servir de punto de partida para nuevas creaciones y proyectos.

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JAVIER VERDUGO Sevilla, 1949. Arqueólogo Conservador de Patrimonio de la Junta de Andalucía. Doctor por la Universidad de Huelva. Licenciado en Derecho Público y Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Sevilla. Miembro del Comité Nacional Español de ICOMOS. Ha trabajado en el ámbito público de la gestión y protección del patrimonio histórico en Andalucía, ocupando cargos de responsabilidad, como la Dirección del Conjunto Arqueológico de Itálica (Sevilla), y fue coordinador de la Red de Espacios Culturales de Andalucía. Pertenece al Grupo de Investigación “Vrbanitas. Arqueología y patrimonio “ de la Universidad de Huelva y de “Arqueología y fotografía: historia de la arqueología en España” de la Universidad Autónoma de Madrid. En Italia fue becario del Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico de Andalucía en la Academia de España en Roma en 1991.

Proyecto El trabajo de investigación Arqueología y poder. La protección y conservación del patrimonio arqueológico de Roma desde la Unificación de Italia hasta el Dopo Guerra (1870-1945) es la continuación de un estudio anterior: IMMENSA AETERNITAS. El interés en el pasado y la formación del conocimiento arqueológico desde la Antigüedad hasta la Edad Moderna, con especial atención a Roma y los Estados Pontificios. En el trabajo antes mencionado estudiamos la evolución de la protección del patrimonio de Roma desde 1162 hasta 1870 y las intervenciones tanto de la autoridad pontificia como de la administración francesa después de la ocupación de Roma por Napoleón, cuya idea central será la de Roma como segunda capital del Imperio después de París. Incluso la Revolución Francesa ya había usado el simbolismo de la República romana, como Karl Marx señaló acertadamente en El 18 Brumario de Luigi Bonaparte. En cierto sentido, la idea de renovatio imperii es una tradición que tiene sus raíces en Carlomagno, en el Sacro Imperio Romano Germánico y en el papado que desde Silvestre y Constantino se considera heredero de la gloria de Roma, especialmente después de la vuelta del cautiverio de Aviñón. La idea de Roma de los Césares está vinculada a los papas que mantienen uno de los títulos de los emperadores: Pontifex Maximus. Con nuestro trabajo intentamos continuar el estudio del patrimonio arqueológico de Roma después de la creación del Estado italiano y el uso por el fascismo de los vestigios del pasado con fines políticos hasta 1943.

fjavier.verdugo@gmail.com

Nozze di argento di Roma e Italia. Litografia conmemorativa del 20 de septiembre de 1895

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Proceso En cuanto a la unificación, se estudiarán tres cuestiones. El papel que la capitalidad de Roma produce en su urbanismo, con el aumento de la población, la aparición de una explotación superurbana de Roma, la destrucción de algunas villas como la Ludovisi y la repercusión de todo ello en el patrimonio histórico, en general, y en el arqueológico, en particular. En segundo lugar, la transformación simbólica de Roma. El nuevo Estado quería enfatizar la diferencia entre la Roma pontificia y la Nueva Roma, y para este propósito busca dos formas, la primera es la construcción de monumentos en honor a los romanos que cayeron entre 1848 y 1870, junto con Garibaldi o Cavour, y la segunda, un gran monumento a Vittorio Emanuele II, que culmina en la construcción del controvertido Vittoriano, inaugurado en 1912 con motivo de la exposición de 1911. En tercer lugar, el uso del mito de la civilización de Roma como tema de la guerra italo-turca, con el objetivo de conquistar Libia, que para algunos fue considerada una misión de la Nueva Italia. Con respecto al fascismo, se presta especial atención al uso propagandístico de la época romana, con el uso del fascismo como una idea esencial, como una ideología del nuevo régimen, basada en el concepto desarrollado por E. Gentile, quien interpreta el fascismo como una “manifestación de la sacralización de la política” sometida a rituales, liturgias, símbolos, estilos, mística, fuertemente evocadores y persuasivos. Las principales iniciativas sobre el patrimonio arqueológico de Roma serán analizadas y evaluadas con sus resultados y efectos sobre dicho patrimonio. En particular, la creación del Parque Arqueológico de la Via Appia o la apertura de la Via dell’Impero o el Mar, la restauración del Teatro Marcello, el área de Largo Argentina, Campidoglio o las intervenciones en el Campo Marzio: Ara Pacis y Mausoleo di Augusto, sin descuidar las grandes exposiciones como la del Bimilenario de Augusto o la de los proyectos arquitectónicos llenos de romanismo como el Foro Itálico o la Plaza del Coliseo del EUR y el nunca realizado Palazzo Littorio, cerca del Coliseo.

Experiencia La actividad de estudio se lleva a cabo en centros especializados y de investigación en la ciudad de Roma. Especialmente en el Museo de Roma, Archivio Fotografico Comunale, Biblioteca della Camera dei Deputati, Biblioteca Farnese nell’École française de Rome, Istituto Nazionale di Studi Romani, Archivio Storico Capitolino, Biblioteca di Archeologia e Storia dell’Arte, Archivio Centrale dello Stato, Istituto Luce, Scuola d’Architettura, entre otros. Se prestará especial atención a la compilación de imágenes y documentación cinematográfica y archivística.

Área demolida para la apertura de la Via del Impero (Roma); Mussolini il piccone de Regime. Demolición del Mausoleo de Augusto. Roma; Mussolini, Hitler y Bandinelli en el Ara Pacis (Roma 1938); El Colosseo quadrado EUR (Roma)

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MANUEL VILAS Barbastro (Huesca), 1962. Es uno de los principales poetas y narradores españoles de su generación. En 2016 publicó su Poesía Completa. 1980-2015, en la editorial Visor. Ha ganado los premios de poesía más prestigiosos que se conceden en España, como el Jaime Gil de Biedma, el Ciudad de Melilla o el Generación del 27. Entre sus libros de poemas destacan títulos como Resurrección (2005), Calor (2008) y El hundimiento (2015), todos ellos publicados por Visor. Es autor de las novelas España (2008), Aire nuestro (2009), Los inmortales (2012), y El luminoso regalo (2013), todas ellas publicadas por Alfaguara. En 2015 editó el libro de relatos Setecientos millones de rinocerontes (Alfaguara). Es autor de la biografía novelada Lou Reed era español (Malpaso, 2016) y del libro de viajes América (Círculo de Tiza, 2017). En el 2018 publicó la novela Ordesa, que se convirtió en un éxito en España, con más de cien mil ejemplares vendidos, y contratada en más de veinte países. Ordesa fue libro del año para muchos medios de comunicación españoles, como Babelia, La Vanguardia, y El Mundo, ganó el premio Fémina a la mejor novela extranjera publicada en Francia. En octubre de 2019 Manuel Vilas fue finalista del Premio Planeta con la novela titulada Alegría.

Proyecto Mi proyecto tiene como centro de gravedad a la ciudad de Roma, pero no quiero que sea la única. La idea es que toda Italia simbolice un espacio narrativo de redención, de reducto y de castillo interior. Por eso, para llevar a cabo mi proyecto, necesitaré viajar desde Roma a unas cuantas ciudades italianas, con idea de que ese periplo sea narrado por el protagonista de mi novela. El título provisional de la novela es Belleza. La aproximación narrativa a la belleza necesita un espacio literario. Necesita la narración y la introspección del espacio romano. Pero, junto a Roma, hay otras seis ciudades y entornos que quiero visitar, con la idea de que esos seis espacios ensanchen el caudal ideológico y moral de la belleza. Se trata de narrar la historia autobiográfica de una fascinación crepuscular por las formas bellas de entender la materia, de entender todo lo que fundamenta la realidad individual y la realidad social. Desde el espacio romano, viajaré (lo detallo en el capítulo de producción) a estas seis ciudades y sus alrededores: Florencia, Turín, Bari, Génova, Bérgamo y Agrigento. Son las seis ciudades que me interesan literariamente. Quiero estar una semana como mínimo en cada una de ellas: recorrer sus calles, su espíritu y dar traslado literario y novelesco a esas ciudades, que serán como una continuación de la visión de Roma. Como si Roma se extendiese, para el protagonista de mi novela a esas otras ciudades.

TW @Granvilas

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Proceso y experiencia Mi proyecto literario de la Academia de España en Roma ha sido muy fructífero. Ha habido algunas circunstancias interesantes; la más relevante ha consistido en cómo mi proyecto original se ha ido transformando en el diálogo constante que vengo manteniendo con la ciudad de Roma. Lo que sí debo constatar es que mi proyecto original ha sufrido un desplazamiento de género literario. Inicialmente, el planteamiento previo era de carácter narrativo, y tenía como objetivo la escritura de una novela. Se ha ido imponiendo, inesperadamente, la poesía. Mi forma de trabajo consistió en recorrer la ciudad de Roma (también hay un capítulo dedicado a Florencia), caminar sus calles, visitar sus museos, sus centros de gravedad, y luego transformar todas esas vivencias en literatura. Mi plan ha consistido en salir todos los días a la búsqueda de la esencia de la ciudad. Solía caminar entre tres y cuatro horas diarias, y he construido diferentes itinerarios. Mi proyecto se basó también en el conocimiento de la vida ordinaria y cotidiana de la ciudad de Roma, la vida de la gente, la vida en los bares, las tiendas, en la calle, en el transporte público, etc. Mi propósito ha sido conocer la ciudad, aprenderla, como si fuese el aprendizaje de una lengua. Mi principal desafío ha sido dominar su urbanismo, sus proporciones y sus misterios. Toda ciudad tiene misterios. También vivir en un edificio como el que alberga la Academia de España en Roma ha tenido su versión literaria en mi trabajo. Es un edificio muy peculiar. Su significado histórico es poroso. Estoy muy contento del resultado final, y creo que mi trabajo ha sido fértil. Adjunto un poema como muestra de mi trabajo.

BERNINI Y BORROMINI Hoy he estado viendo el combate entre Bernini y Borronini, que en vez de quererse, ayudarse y respetarse, se odiaron. La iglesia de Bernini es luz y desesperación. La de Borronini es serenidad y elegía. Y las dos son hermosas y las dos son hijas bien fundadas de la belleza que arde para todos. Los dos famosos arquitectos fracasaron en lo único que importa: no supieron ser hermanos, amigos, colegas, cómplices. Borromini fue desdichado, y Bernini afortunado. En la hora de la muerte, tan mencionada en sus monumentales obras, los dos fueron un solo cuerpo en derribo. Si tuviera que encargarle mi casa a alguno de los dos lo haría a Borromini, pero ya no es tiempo de la justicia, nunca lo fue en el mundo. Me gustaría soñar que se quisieron, que celebraban juntos la odisea del arte, que comían y reían en los veranos romanos y bebían y soñaban la llegada de la luz sobre las piedras con la fraternidad como único dios entre los hombres.

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ANA ZAMORA Madrid, 1975. Titulada Superior en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático, en el año 2001 funda Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua, que desarrolla una labor de investigación y formación para la puesta en escena del teatro medieval y renacentista. Con esta compañía ha estrenado catorce espectáculos que suponen un hito en la recuperación del teatro prebarroco, desde una perspectiva contemporánea. Como directora independiente ha realizado puestas en escena de textos muy diversos, pudiendo resaltar sus trabajos para instituciones de titularidad pública: RTVE, Teatro de la Zarzuela, Centro Dramático Nacional y Compañía Nacional de Teatro Clásico. Ha participado como ponente en múltiples seminarios y congresos, impartiendo talleres formativos en diferentes países de Europa y América. Ha recibido importantes premios a lo largo de su trayectoria profesional, es Académica Correspondiente de la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce, y esta es su segunda beca de residencia en la Real Academia de España en Roma.

Tradición popular y puesta en escena: ______________________________ las idas y vueltas del teatro de títeres Italia y España son lugares privilegiados para el estudio de manifestaciones teatrales, o parateatrales, vinculadas a la tradición popular. Aquí las fronteras entre ritualidad y teatralidad se diluyen para generar expresiones escénicas apasionantes. Se abre ante nosotros un camino que nos permite adentrarnos en la teatralidad más primitiva, aquella que nos hace comprender el sentido del arte escénico como rito que invoca lo sobrenatural, pero que al tiempo se constituye en imprescindible espacio de encuentro de una sociedad consigo misma. Ritos paganos y cristianos que se transforman en una gran fiesta, ya irremediablemente turística, exponente de un mundo perdido, o quizás soñado, que nos remite al sentido ancestral del arte escénico. Y en este panorama de fusiones y confusiones, surge el títere como gran elemento mágico, totémico, para protagonizar un teatro no regulado por paradigmas realistas rígidos ni preocupado por anacronismos, como arte que acumula todas las inverosimilitudes posibles. Un instrumento dramático que condensa el sentido crítico, satírico y popular en el mejor sentido del término, que tanto necesita nuestra escena contemporánea.

www.naodamores.com FB Nao Damores IG @nao.damores

Proceso y experiencia Si podemos sacar algo en claro del estudio de las manifestaciones teatrales, o parateatrales, generadas en el ámbito de la tradición popular, es que más allá de orgullos patrios y mensajes apocalípticos en torno a identidades nacionales, estamos sorprendentemente cerca los unos de los otros. En el caso de países con lazos históricos y geográficos tan cercanos como los que unen a Italia y a España, las tradiciones casi se confunden. Por tanto, mi búsqueda no podía ir dirigida a adjudicar la propiedad, el origen nacional de los elementos teatrales compartidos, sino a reflejarlos, comentarlos, admirarlos y entender cómo son espacios de convivencia que reflejan una manera común de entender el mundo al que pertenecemos. Con esta perspectiva llegué a Roma en el mes de enero, con un apretado calendario de trabajo que comenzaba con un primer acercamiento teórico al material de partida, para abordar inmediatamente después la fase correspondiente al trabajo de campo, que me llevaría a recorrer distintos puntos de Italia. En el mes de febrero, tuve el privilegio de poder viajar a Cerdeña para documentar cinco extraordinarios carnavales tradicionales: Su Battileddu (Lula), Mamuthones e Issohadores (Mamoiada), Maschera a Lenzolu (Aidomaggiore), Sa Sartiglia (Oristano) y Don Conte (Ovodda). Era solo el principio de un apasionante programa de viajes que me permitiría documentar la pervivencia de los elementos de teatralidad tradicional en la ritualidad popular y en las manifestaciones vinculadas a los títeres. Pero entonces, justo en el momento en el que volvía a Roma con la documentación debajo del brazo, comenzaron las medidas anti COVID-19 que frustraban esa planificación práctica de trabajo. La pandemia me obligó a reconducir el proyecto y a centrarme en el estudio detallado de materiales bibliográficos, así como documentos y grabaciones en formato digital. Posteriormente, durante los meses de julio y agosto de 2021, una vez levantado el confinamiento perimetral, pude regresar a la carretera, dejando ya a un lado la parte del proyecto vinculada a la antropología teatral, para centrarme en el estudio de la pervivencia en Italia de las distintas variantes del títere tradicional. Desde Nápoles a Turín, y desde Sicilia a la frontera con Eslovenia, fui recibida con enorme generosidad por titiriteros y familias de arte, que en largas horas de conversación en sus teatros y talleres compartieron conmigo los detalles de un oficio histórico que, en aquel país, se conserva con una energía desbordante. De regreso a casa, arrancaba una nueva fase, la de amasar todos estos materiales que viajaban de vuelta en mi mochila, para construir un espectáculo que fuera exponente de las experiencias documentadas y vividas. Finalmente, en mayo de 2021, tras un largo y duro proceso de ensayos, el equipo artístico de Nao d´amores conseguía estrenar en España y en la Academia de España en Roma, Andanzas de don Cristóbal Polichinela.

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Su Battileddu, Carnaval tradicional de Lula (Cerdeña)

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EXPOSICIÓN

ROMA AKADEMIA Diseño Museográfico Proyecto: Donaire Milans Arquitectos Fotografías: Ixone Sádaba El proyecto museográfico de Roma Akademia parte de la necesidad de incrementar la superficie de pared en la sala de exposiciones para conseguir exponer todo el trabajo de las y los artistas plásticos sin perder la sensación de amplitud del gran espacio único existente. Para esto, se plantea una estructura de cerchas en los dos sentidos de la sala que no solo genera una retícula que ordena el espacio central en doce ámbitos distintos, sino que también sirve para estabilizar, estructuralmente, las nuevas particiones que se construyen debajo sin necesidad de perforar el suelo. Siguiendo el orden de la retícula establecida por las cerchas se construyen las nuevas particiones bajo dos premisas: la primera, que estas nuevas divisiones del espacio nunca se unan entre sí para que todos estos ámbitos estén conectados físicamente; la segunda, que las particiones a lo largo del eje central de la sala estén giradas ligeramente con respecto a la retícula para generar conexiones visuales inesperadas entre ámbitos no contiguos y un tránsito más orgánico. El resultado es una sucesión de salas independientes, aunque relacionadas visualmente con el resto, donde cada visitante puede elegir su propio recorrido. Esta forma de exponer el trabajo de cada artista de forma individual pero abierto a la influencia del resto es, en definitiva, una mimesis de la situación vivida durante su estancia en la Academia de España en Roma. Para exponer el trabajo de las y los investigadores y del resto de disciplinas en las salas Lantegia y Mediateka se construye en cada espacio una mesa central a modo de “mesa del conocimiento” que, además de exponer el trabajo de diferentes residentes, ordena el recorrido del visitante para ver los trabajos expuestos en pared. Se elige perfilería metálica ligera y paneles estándar de pladur para las nuevas particiones y mobiliario de la exposición por su fácil montaje y desmontaje, por el carácter que le ofrecen al espacio y por su capacidad para ser reutilizados en distintas configuraciones para futuras exposiciones. Finalmente, tres piezas que fueron creadas para espacios de acceso o espacios exteriores, son expuestas en el atrio de acceso a modo de reclamo expositivo, entendiendo este gran atrio de Azkuna Zentroa como una continuidad del espacio público de la ciudad de Bilbao.

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EUSKERA

Gianicolo muinoaren tontorrean kokatuta, Erromako ikuspegirik onenarekin, Espainiako Akademiak urrats irmoz egiten du aurrera, 2023an 150 urte beteko dituen historia urratzera. Azken bi urteotan pandemia dela-eta Akademiak zailtasunak izan baditu ere, bekadunen bi promozio berriren sormen-jarduerak aurrera egiten jarraitu du eta RAER-AECIDen beka-programa behar bezala garatu ahal izan da, Akademiako langile guztien, zuzendariaren eta, jakina, artisten inplikazioari eta lanari esker, eta ageri-agerian geratu dira haien ilusioa, borondatea, ahalegina eta egokitzeko gaitasuna. Erromako Espainiako Akademia sendotu egin da azken urteotan, eta Espainiako sorkuntza-zentrorik garrantzitsuenetako bat bilakatu da gure mugetatik kanpo. Duela zenbait ediziotatik hona, arte- eta ikerketa-egonaldien kalitateak eta kantitateak gora egin dute; hala, sormen-espazio bat azaldu da, eta, horri esker, eragin-trukea sortu da oso diziplina desberdinetakoak diren eta Akademian komunikatzeko eta elkar aberasteko espazio komun bat duten artisten artean. Akademia, gaur egun, kultura-espazio bat da, ondo jakin duena Erromak artean izandako eraginaren historia eta funtsa integratzen XXI. mendeko artistek ordezkatutako diziplina artistiko berrien berrikuntza-aireekin, artista horiek, beren lanaren bidez, zeresan handia baitute gure herrialdeko arte-panoraman. Urtero, Akademiaren hormetatik igarotzen den promozio bakoitzaren proiektuak eta lanak bi erakusketa bikainetan aurkezten dira, zeinek aukera ematen baitute hilabeteetako ekoizpen- eta sormen-lanaren emaitza publiko zabalari ezagutzera emateko. Bi erakusketa horiek lehenik Espainiako Akademiak Erroman dituen aretoetan antolatzen dira, eta, hurrengo urtean, Madrilen jartzen dira ikusgai. Azken erakusketa horrek ematen dio aukera gure herrialdeko publikoari Erromako instituzioak egiten duen lana ikusteko eta hartaz gozatzeko. 2021. urte honetan bi faktore berritzaile izan dira: lehenik eta behin, pandemiak eragindako eta gure herrialdeko kultura-instituzioen programazioetan hainbesteko eragina izandako inguruabarren ondorioz, oztopoak izan ziren aurreikusitako iter-a betetzeko, 2018-2019 ikasturteko bekadunen lanak zegokien unean aurkezteko. Ondorioz, eta gure konpromisoa betetze aldera, erabaki genuen 2018-2019 eta 20192020 ikasturteetako lanak erakusketa bakar eta handi batean biltzea, erakusketaren kalitatea eta ikuslearen zentzumen-esperientzia murriztu gabe. Bigarren elementu berritzailea da erakusketaren egoitza Madriletik kanpo kokatu dela. Aspalditik genuen helburu hori gogoan, hala Nazioarteko Lankidetzarako Estatu Idazkaritzak eta Kultura eta Zientzia Harremanetarako Zuzendaritzak, nola Akademiak berak. Uste sendoa dugu gure artisten lana zabaldu eta sustatu behar dugula gure geografiako kultura-esparru desberdinetan. Garrantzitsua da guretzat, baina, batez ere, gure artista eta sortzaileentzat.

Ildo horretan, benetako pribilegioa eta atsegina da Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbaoren lankidetza eduki izana bere espazio aparteetan erakusketa hau antolatu eta aurkezteko, erakusketa honekin Erroma eta gure Akademia beren sormen-indar guztiarekin lehorreratu baitira. Ziur gaude tamaina honetako erakusketa batek ezin duela agertoki hoberik izan bisitariak gozatu eta hauteman dezan. Roma Akademia. Processi 146 y Processi 147 erakusketak 45 artista eta ikertzaileren lana biltzen du. Artista eta ikertzaile horiek, 2018-2019 eta 2019-2020 aldietan, gogoeta egin, heldu eta islatu zituzten beren proposamen artistikoak eta ikerkuntzakoak, eta gaur publikoari erakusten diogu bilduman. Ezaugarri hauek dituen erakusketa bat eszenaratzeko, hain desberdinak diren diziplinetako ordezkariekin, arkitekto, kuradore eta Akademiako bekadun ohia den Jesús Donaireren kuratore-lan bikaina izan dugu. Erakusketa-diskurtso dinamiko baten bidez, ondo asmatu du artisten eta haien obren arteko hari gidari bat aurkitzen, erakusketa-esperientzia apartaz gozatzeko aukera ematen diguna. Erroma eta Bilbo inoiz baino gertuago daude gaur, eta hori pertsona eta instituzio askoren lanaren eta lankidetzaren emaitza da. Lehenik eta behin, eskerrak eman nahi dizkiet Akademiari berari, bertako langile guztiei eta M.ª Ángeles Albert de León zuzendariari, egunero egin duten lanarengatik eta beren dedikazio nekaezinarengatik, bekadunen lana bultzatzeko eta errazteko. Eskerrak eman nahi dizkiet, bereziki, Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbaori, Fernando Pérez zuzendariari eta talde osoari, proiektuaren anfitrioi perfektu gisa, izandako gogo bizi eta borondateagatik. Eskerrik asko, era berean, erakusketaren komisario Jesús Donaireri, proiektua kontzeptualizatzeko eta definitzeko egindako lan bikainagatik, eta, azkenik, eta bereziki, 2018-19 eta 2019-20 urteetako promozioetako artista eta ikertzaile guztiei, hain urte konplexu eta zailetan erresilientziarako eta egokitzeko izan duten gaitasunagatik, eta Akademiaren historian parte hartzeko ilusioa eta gogoa inoiz galdu ez izateagatik. Pilar Cancela Rodríguez Nazioarteko Lankidetzarako estatu-idazkaria Kanpo Arazoetako, Europar Batasuneko eta Lankidetzako Ministerioa ________ Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao Bilboko Udalaren Gizarte eta Kultura Garaikidearen Zentroa da, balio anitzeko eta gaur egungo espazioa, diziplinak, edukiak eta publikoak elkarrekin lotzen dituena. Leku irekia, inklusiboa, askotarikoa eta plurala da, etengabe eraldatzen ari den gizartearen beharrei erantzuten diena. Kultura garaikideak, artearen eta sorkuntzaren bidez, esperientzia pertsonalak eta kolektiboak sortzen ditu, eta pertsonen hazkundeari laguntzen dion beharrezko ezagutza ere bai, gizarteari kontzientzia kritikoagoa eta askotarikoagoa ematen diona.

Zentro hau hiriko ardoen biltegia izan zen, eta Bilboren eraldaketa horren erakusgarri ezin hobea da, errealitate industrial batetik hiri-errealitate batera igaro baitzen, non berrikuntza, ezagutza eta kultura baitira protagonista nagusiak. 2010. urtean ateak zabaldu zituenetik, Azkuna Zentroak sendotu egin du gure hiribilduak nazioartean duen kokapena, kultura kalitatezko hiriaren paradigmatzat hartuta. Egunero-egunero lanean aritu gara hori lortzeko, esparru desberdinetan, agente askorekin elkarlanean, eta izan zitezkeen ikusle-mota guztiak gogoan izanda. Kultura urteko 365 egunetan eta publiko guztientzat. Zentzu askotan, gure helburuek bat egiten dute Espainiak Erroman duen Akademiaren helburuekin, diziplina-aniztasun artistikoa eta sorkuntzaren babesa ere gure kultura-estrategiaren lehentasunezko ardatzak baitira. Azkuna Zentroa erreferentziazko espazioa da kultura garaikidearentzat: leku dinamikoa da, sorkuntza eta ikerketa beste erritmo batzuekin bultzatzeko beharrezko baldintzak dituena, lana aurkezteko eta zabaltzeko moduko tokia. Alhóndigan diziplina eta lanbide- eta bizitza-ibilbide desberdinetako artisten eta ikertzaileen bizikidetza sustatzen dugu, beren praktika, prozesuak eta emaitzak gure publiko-komunitateekin partekatzen baitituzte. Azkuna Zentroak hurbileko sorkuntza-sarea nazioarteko kultura-inguruneekin lotzea bultzatzen du, trukeak, harremanak eta lankidetza iraunkorrak eta elkarrekikoak bilatuz, hala nola aurten Espainiak Erroman duen Akademiarekin batera dugun erakusketa-proiektu hau. Roma Akademia proiektua aukera ona da ezagutzeko hainbat diziplinatako artista eta ikertzaile horiek guztiek bikaintasuneko sorkuntzazentroetako batean izan duten bizikidetzaren lana. Uste dut egungoa bezalako une batean inoiz baino beharrezkoagoa dela sorkuntza artistikoari laguntzea. Bizi izan dugunak erakutsi digu kultura ezinbestekoa dela, artea funtsezkoa dela gizarte gisa ditugun erronkei aurre egiteko eta prozesu horiek bultzatzea nahitaezkoa dela kulturaren bidez gozatzen eta hazten jarraitu nahi badugu. Juan Mari Aburto Bilboko alkatea ________ 1873an sortu zenetik, Espainiak Erroman duen Errege Akademia erreferente nagusietako bat da, ekoizpen eta ikerketa artistikoko zentroen artean, bai kalitate eta protagonisten prestigioagatik, bai Italia, Espainia eta Latinoamerikaren arteko harreman eta elkartruke kulturaletan duen zeregin esanguratsuagatik. Urtero, RAERak ateak zabaltzen ditu, hautatutako artista plastikoei, sortzaileei, zaharberritzaileei eta ikertzaileei egonaldi sortzailea eskaintzeko, Espainiako, Latinoamerikako eta, azken urteotan, baita Italiako herritarrei ere, deialdi ireki baten bidez. Instituzioak urrats sendoz egiten du aurrera, sortu zenetik 150. ur-

temuga ospatzera; izan ere, gure herrialdeak kanpoan dituen arte garaikidearen sehaska bizi eta gaurkotuenetako bat da, inspirazio-iturri bat bertan beka jaso duten sortzaile ugarientzat, eta kulturen eta garaien topagune bat, tradizioa eta modernitatea uztartzen dituena. Joera berrietara zabaltzeko eta berritzeko duen espirituak aukera eman du Espainiako kulturaren aniztasuna eta aberastasuna islatzeko, haren bikaintasuna azpimarratuz eta hizkuntza artistiko anitzen dinamismoa eraldatuz, ezaugarri bereizgarrienetako bat bihurtuz. COVID-19aren pandemia trauma garrantzitsua eta lazgarria izan da gizartearentzat, eta hori agerian geratu da bizimodu, ekoizpen- eta kontsumo-modu askok izan duten aldaketan. Zorionez, kulturaren sektoreak erakutsitako erresilientzia eta egokitzeko gaitasuna indartsuagoak izan dira errealitate berri horietako edozein arazo baino. Ildo horretan, eta horren isla gisa, pozgarria da, pandemia hasi zenetik urtebete baino gehiago igaro ondoren, berriro aurkeztea Akademiako artisten eta ikertzaileen bi belaunaldiren -ez bakar baten- lanak. 2018/2019 eta 2019/2020 urteetan instituzioan protagonista izan diren artisten aniztasunen ondorioz, Roma Akademia sortu da. Erakusketa aberats eta dinamikoa, Akademiaren azken bi urteetako kultura-jardueraren berrogeita bost protagonisten proiektuak eta sorkuntzak aurkezten dituena. Artista bakoitzaren adin, jatorri eta kezka desberdinei esker, aukera izan dugu gure kulturaren diziplina-aniztasuna eta aberastasuna irudikatzen eta areagotzen duten elkarrizketak sortzeko. Aurten, lehen aldiz, Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao kultura-zentro poliedrikoan aurkeztuko dira. Azkuna Zentroa, bere xarma industrialarekin, bertako zein nazioarteko kultura-ekimenak sustatzen dituen funtzio anitzeko gunea da, eta, 2010ean inauguratu zenetik, kulturaren topagune nagusi bihurtu da, hala Bilborentzat, nola Espainiako iparralde osoarentzat. Bere matrize poliedriko eta garaikideak garrantzi handiko erreferente eta hiriko bizikidetzaren katalizatzaile bihurtzen du espazio hau. Esparru horretan Roma Akademia ospatzea erronka zirraragarria da Espainiak Erroman duen Errege Akademiaren historian eta ibilbidean; izan ere, 150 urteko historia betetzear dagoela, instituzioaren helburu nagusia da eguneratzen, berritzen eta kultura-historiaz aberasten jarraitzea, orainera eta etorkizunera begira, bertan bizi diren artisten hizkuntza artistiko berrien eta sormen-maila bikainaren lekuko garrantzitsua izanik. Guzmán Palacios Fernández Kultura eta Zientzia Harremanetarako zuzendaria ________ ERROMA-BILBO-ERROMA Erromako Espainiako Akademiaren egungo aldaketa- eta eraldaketa-prozesuarekin bat etorriz, 20182019 eta 2019-2020 edizioetako egonaldiei dagozkien proiektu artistikoak Roma Akademia erakusketan

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bilduko dira 2021eko udazkenean, Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbaon. Ondoriozko 45 lanak modu bateratuan erakutsiko dira, zentroko espazio guztiak hartuz: erakusketa-areto nagusia, BAT espazioa, Lantegia eta Mediateka Galeria. Lehenengo aldiz, Azkuna Zentroko erakusketa-gune guztiek erakusketa bakar batetik ateratako piezak izango dituzte erakusgai. Bilbon egonda, proiektu horiek lehen aldiz erakutsiko dira jendaurrean Erromatik edo Madriletik kanpo. Euskal komunitate artistikoak egonaldi asko egin ditu Akademian, baina, hain zuzen ere, orain arte egindako 148 edizioetatik, azken bi hauetan bildu da euskal arlo artistikoko ordezkari gehien. Artista horiek ere Azkuna Zentroaren programazioan parte hartu dute, zentroaren 11 urteko ibilbidean, eta gaur egun egiten ari diren lanek, batzuetan, Erroman izan dute abiaburua, edo hemen hasitako proiektuak garatzen jarraitzen dute.

esperientziatik lan egiteko, beste kontakizun batzuetara irekita. Azkuna Zentroaren planteamenduaren parte da saiakuntza-akatsetik lan egitea; kultura garaikideko zentro bat gara, eta, beraz, espazioak sustatu nahi ditugu kultura praktika, prozesu edo esperientzia gisa bizitzeko. Horrela, bada, Roma Akademia 2021erako dugun erakusketa-programazioaren parte izatea nahi izan genuen, eta, era berean, pentsatu genuen Azkuna Zentroa – Alhondiga Bilbao izango zela hura hartzeko lekurik onena. Konfiantza dugu publiko desberdinekin konektatzeko dugun gaitasunean, eta espero dugu erakusketa sormen berrien eta diziplina eta sentsibilitate anitzen erreferente bihurtzea. Izugarri gustatuko litzaiguke orain hasiko dugun harreman honek datozen urteetan jarraitzea. Fernando Pérez Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbaoko zuzendaria ________

Akademiaren eta Azkuna Zentroaren helburu nagusietako bat ezagutza sortzea eta sorkuntza bultzatzea da. Akademiak, bere beka-programaren bidez, eta Alhóndigak, bere programa-proiektuarekin, zeina arteen eremu hedatu batetik planteatzen den -eta Akademia ere bertan sartzen da-, jakintzen trukerako, ikaskuntzarako, pentsamendu kritikorako eta ekoizpen plastiko garaikidearen analisirako espazioa izan nahian. Roma Akademia erakusketak, biltzen dituen diziplina anitzekin (pintura, eskultura, arkitektura, grabatua, musika, literatura, arteen teoria eta historia, estetika, arkeologia, museologia, zaharberritzea, moda, arte eszenikoak, zinematografia, argazkigintza...), bere gain hartzen du gure zentroaren izaera hibridoa, artearen ohiko mugak gainditu nahian, dibertsitateari eta aniztasunari dagokienez. Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbaok bere programazioari datxekion zerbait balitz bezala egiten dio aurre desberdintasunari, arte-adierazpenen zeharkakotasuna, ezagutza-arloen arteko lotura eta publikoekiko harremana bilatuz. Bestalde, Akademiaren beken helburu nagusietako bat da bertako egoiliarren sormen-prozesua sustatzea, beste batzuekin harremanetan jarriz eta haiek nazioartean txertatzea sustatuz. Erakusketa osatzen duten 45 proiektuetan baldintza hori nabaria da. Leku berean formatuak, ekintzak, diziplinak, leku eta presentzia askotako pertsonalitateak elkartzen dira, eta horiek, Akademiako egonaldian, iragazi eta kutsatu egiten dira. Proiektu horiek panoramika bat eskaintzen digute praktika artistikoei eta ikerketa teoriko garaikideei buruz, eta horietan, modu berezian, prozesuaren ideia (processi) beti agertzen da amaitu gabearen, osotasunik ezaren eta esperimentazioaren erreferente gisa. Erromako egonaldia eta, gure kasuan, Azkuna ZentroaAlhóndiga Bilbaoko aurkezpena harrera- eta inspirazio-gune bilakatzeaz gain, eraldaketa moduko zerbait bihurtzen da, eta, batzuetan, programa eta obra berrien abiapuntu ere bai. Hori guztia pandemiaren eta postpandemiaren une berezian gertatu da, zeinak aukera bikaina eskaini digun praktikatik, prozesutik eta

OILO ETA ZALDIETATIK KAIO ETA PAPAGAIETARA Baliteke Akademiako sortzaile eta ikertzaileen ondoz ondoko bi belaunaldik euren proiektuak erakusteko espazioa partekatzen duten lehen aldia izatea, bai eta Erroman haien bizi-baldintzak hain desberdinak izan diren aurreneko aldia ere. Aukera bat da, horrenbestez, bizitzea egokitu zitzaien denboraren zein arrasto gelditu diren arakatzeko, eta aztertzeko frantziskotar komentu bikaineko hormen arteko elkarbizitza egoiliarren poroetan zenbateraino sartu zen, nola iragazi zen, hango paramentu zartatuetako zirrikituak baliatzen dituzten ezin konta ahala belarrek bezala, edo Trastevereko sanpietrinoen artean geldiezin hazten direnen moduan. Akademian zer gertatzen den ulertzeko funtsezkoa izango da argitalpen honetako orrietan murgiltzea, Azkuna Zentroko aretoetan barna ibiltzea edo Erromak Bilbon egindako lehorreratze honekin batera gauzatutako jardueren erregistro dokumentaletara joatea; horrela konprenituko dugu 150 urtez hainbeste gizon eta emakumeren bizitza nolatan aldatu duen. Baina oraindik iristeko dauden istorioen zertzeladak izango dira soilik. Horregatik, Erroman prozesu bateko une jakin bat bizi genuela aldarrikatzen/gogoratzen dugu. Akademiaraino iristen direnek bizkar gainean daramate milaka orduko lan isila, etengabeko prestakuntza, egonezina eta ziurtasuna, sinesten dutenaren eta egin nahi dutenaren alde kosta ahala kosta apustu egitea. Eta gehienetan, ez dira hitzak haien ordez mintzo direnak. Mihiseak, bideoak, instalazioak edo oihal zatiak, paperak edo lokatza dira historia atalak irudikatzen dituztenak, Bramanteren tenpletea nabarmentzen den agertoki handi batean bezala. Hango klaustroetako erromatar zutabeen ehundurak bezain desberdinak edo hango estudioetako baldosen koloreak bezainbat. Horregatik, Erroman Akademiaren urteko zenbakiarekin definitu genituen gure erakusketak. Hemen izan zirenen ahotsen oihartzunak apaltasunez geure buruari gogoratuz. Beharbada hain ezaguna ez den hango historiaren patina gordez. Etengabeko sortze-prozesuak

dira, kalifikatzeko zailak, beti bakarrak eta zilbor-heste sotil iraunkor batek lotzen dituenak: Akademia. Eta aukera aparteko honetan, Processi 146k eta Processi 147k eskua ematen diote elkarri. Akademiaren 146. urtean, bertan bizi ziren gizon-emakumeek erabili ezineko lurpeko igarobideen argazkiak oparitu zizkiguten, sumatu ere egin gabeko damuen erradiografia piktorikoak, forma hartuz zihoazen kolore lurrunduak, eta izukaitz apaindu zituzten hormak. Artxiboak eta paramentuak harramazkatu zituzten iraganeko geruzak aurkitzeko, historia ondu zuten bidaiarien arrastoak jazarri zituzten, edo etxean sartzen zaigun eta begi-kliskarik gabe jaten dugun Erroma antica horren txatalak. Sotilak dira batzuk, arkatzekin, gomekin eta koadernoekin jolasean; beste batzuk, aldiz, azentu ugariko hitzez beteak. Lumak, belusak, brodatuak, emakume askoren ordez bistaratu ziren andreek ehundu zituzten milaka urteko argien islak eta denborak; artista indartsu eskuzabalak ziren haiek. Eta ahots ugari. Orduan Akademiara iritsi gabeak ziren auzoetako bizilagunenak, ezagutzen ditugun pertsonaienak, oraindik kontatu ez diren historien zuzendariek haien ezpainetan jarritako magia hori isurtzen dutenenak. Ongi mihiztatutako labirintoen modura, dei egiten digute zeharka ditzagun, atzoko eta agian biharko arkitekturak berraurkitzeko. Eta berriro ere gure klaustrora itzulita, geure historiako pasarteak berreskuratu genituen, hala nola maisu handiek omenduz gitarra jo zieten zaldiena, gero museoetako edo mundu zabaleko zinemaldietako pantailetara jauzi egin zutenen kontakizuna. Halako kontua da gure onuradunak noizbait elikatu zituzten oiloena ere, orain arteaz elikatu nahi dutela diruditen horiena. Baina horiek ere ez dute erraza. Erromaren ostean, inork ez du erraza. Izan ere, “beste pentsamolde batzuk sortzea etengabeko lana da”, argitalpen honetako hurrengo orrialdeetan berriro ere egiaztatuko duzuenez, hori ez da gertaera isolatua, ia inoiz ez da ustekabekoa izaten. Ikertzeko garaia da, itxarotekoa, ekoiztekoa, ez da ordutegirik izaten, ezta hutsarterik ere. Bizimodu bat da. Gero, kaioek Erromako terrazak eta teilatuak bereganatu nahi izan zituzten. Papagaiak bezain ausart, gure artisten lanetan sartu ziren. Haien estudioetan. Oraindik ere haien bizitzetan planeatzen dabiltza. Denbora gelditu zenean, minutuak motelago eta egunak amaigabeago bihurtzen hasi zirenean, Akademiaren denbora-makina bizkortu behar izan genuen, aurrera egingo bazuen. Haren historiako 147. urtea zen. Horretarako, funtsezkoa izan zen San Pietro in Montorion bizi zirenek bekak eskaintzen zien aukerari ihes egiten ez uztea. Hainbat eta hainbat eskatzaileren artean hautatuak izan direnen erantzukizuna lanean jarraitzea zen, eta hala da orain ere. Horregatik, bereziki pozgarria da horien ahaleginaren emaitza aurten aurkeztea, gehiago atzeratu gabe. Gertatutakoa ahaztu baino lehen. Antzeman une hartako mugek Akademian bizi zirenen proiektu guzti-guztiak nola eraldatu eta bete zituzten. Eta beste batzuk agertu ziren. Irakurketa partekatuak kasu batzuetan. Oraindik mamitu ez diren gogoeta

intimistak, beste batzuetan. Edo geldiezin jaio ziren asmo handiko programak, laster batean ibilbide luzeko eta nazioarteko partaidetzako ikerketa bihurtu direnak. Izan ere, artistak, idazleak, zinemagileak, diseinatzaileak, zaharberritzaileak, historialariak, filosofoak, kultura-kudeatzaileak eta abar biltzen diren lekuan, zerbait berria sortzen da beti, bestelakoa, eta gure Akademian sarri ohi denez, distiratsua. Eta zalantzarik gabe, bizitzea egokitu zitzaigun garai berezi hartan, badira guztiok gogoratuko ditugun uneak, Akademiako egoiliarrek dokumentatu nahi izan ez zituztenak. Ostiral Santuko arratsalde hartakoa izan zen bat, emozioz, sentsibilitatez eta distiraz beteriko gurutze-bide pagano horretako pauso bakoitzaren iragankortasuna nahastu egin zen beronika sotilekin, pinuen izerdiarekin eta gure Valle Inclan jainkozkoaren hitzekin. Denok sentitu, ikusi, entzun eta jan genuen. San Pietro in Montorioko pareten artean bizi ginen guztiok ulertu genuen, inoiz baino hobeto, itxuraz kanpoko hormek mugatzen zuten gehieneko perimetroak ezin ziela eutsi hango emakume eta gizonen irudimenari, adoreari eta edozein ezbehar gainditzeko gaitasunari. Beharbada, kulturan arduraldi osoan buru-belarri aritu nahi dutenentzat lehenagoko hilabete, aurreko urte eta agian mendeetako bizitza hain zaila izan delako, erabakiak eta eguneroko kemenak soilik bulkatzen baitituzte aurrera. Heroiak dira nolabait, emakume eta gizon, ia inoiz ez aski ezagutuak, daukaten onena oparitzen digutenak. Zirrara eragiten die jakiteak historiaren parte izatera igaro direla, haien izena kultura-erakunde bakan bati lotuta geratuko dela betiko, eta, nolabait, 520 urte baino gehiago dauzkan monumentu-multzo paregabe baten hormen barruan. Erantzukizun handia da 22 emakume eta 23 gizonentzat, euren jakintzaren zati bat eskuzabaltasunez aurkeztu diguten horientzat, lehenik Erroman, gero Bilbon, hurrena auskalo non. Eta helduko denaren zati txiki bat soilik dela jakinda, itxarotea besterik ez dagokigu, eta haiei jarraitu. Sektore publikoan egin dezakegun inbertsiorik onena haiei pozik begiratzea eta emaitzarekin gozatzea da. Emakume eta gizon, historia eta etorkizuna dira. Kulturako profesionalak babestuz eta haien alde apustu eginez, gure buruari eguneroko bizitza hobetzeko aukera ematen diogu. Horregatik, Erroman dagoen Espainiako Akademian hori guztia bideratzen dutenei esker on itzela azaldu besterik ezin dugu egin. M.ª Ángeles Albert de León Espainiako Akademiako zuzendaria Erroman ________ ROMA AKADEMIA […] Erroma, ene Erroma. Zure aingeruak eta jainkoak ditut gogoan. Gogoan dut zure bakardadea eta nirea

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amildu zirela maiteminetan izarren oinetan.

rren artean kultura eta ezagutza profil biak biltzen dituztenak.

Maitemindu bat gehiago naiz zugan babes eta itxaropen bila, heriotzarantz, ahanzturarantz maitemindu guztien bidean.

Pribilegiatu senti gaitezke Erroman Akademia bat edukita, Frantziakoaren ondoren Betiereko Hirian bigarren urtetsuena dena, gainera. Frantziak 1766an eratu zuen berea, baina 1803ra arte ez zuen hango egoitza gaur egungo Villa Medici ospetsuan kokatu. Ondoren Espainiakoa zabaldu zen, Karlos III.aren garaian, 1680an, lehen saiakera zapuztua eginez, Frantziako Akademiaren eredua jarraitu nahian. Hala ere, espainiar egoiliarren lehen promozioa ez zen Erromara 1758ra arte iritsi, eta 1873ra bitartean ezin izan zen erakundea sendotu, Erroman Arte Ederretako Akademiaren lehen araudi eraginkorrarekin. 1876an, Akademiak egoitza iraunkorra eskuratu zuen San Pietro in Montorio komentuan. San Pietro in Montorio elizaren ondoan, komentuak bere baitan hartuta dauka Italiako Errenazimentuko harribitxi bat: Errege Katolikoek eraikitako Tempietto del Bramante (1502).

Zain izango nauzu, zain izango zaitut. Eta itzuliko ez banintz, beste espainiar bat etorriko da, eta maite egingo zaitu poetek beti maite izan zaitugun legez. Manuel Vilas, Roma ROMA. Manuel Vilasek Erroman Espainiako Errege Akademiako egonaldian idatzi zituen poema ederren artean (Processi 147), egileak Desde Madrid te sigo queriendo liburua ixteko ondu zituen bertso batzuk berreskuratu nahi izan ditut; Erroma Hiri Betierekoari dion maitasuna aitortzen du horietan. Akademiako bekadun izan garen guztiok bizi dugun sentimendua dela uste dut, denok maite izan dugu era batera edo bestera hainbat mendetan mendebaldeko munduaren hiriburu izan den hiri hau. Eta aztarna hori milaka urte dauzkaten harbide-kaleetan haztatu egin daiteke, ezinbestean turismo-oldearekin bizitzen ohituta dagoen hiriko jendearengan, hiri honek bere baitan dauzkan geruza ugariei buruz hitz egiten duten Tiber ibaiko ibilguaren estratifikazio guztietan, hainbeste garai arkitektonikok banan-banan definitu dituzten eraikinetan, hainbat eta hainbat bekadun inspiratu dituzten pinus pinea zuhaitzetan, zozo beltzek ezin konta ahala elizen kupulak saihestuz betetzen duten zeru enigmatikoan, hango argi epelean eta beste hainbat eguneroko gauzatan. Hainbeste zinemagilek protagonista bihurtu izan duten Erroma, aintzat hartuta nola jendearen idiosinkrasia, hala haren gainbeheraren edertasun ukaezina. Rosselliniren Roma città aperta, Felliniren La Dolce Vita, Wyler-en Roman Holiday, Morettiren Aprile edo Sorrentinoren La Grande Bellezza, besteak beste. Garai zailak dira XXI. mendea mundu osoan definitzen ari diren oraingo hauek; Erromako monumentuak hutsik ikusi ditugu, ohiko turista-olderik gabe, eta badirudi etengabeko krisia bizi dugula. Baina Erromak dena jasaten du, bertan denborarik igaroko ez balitz bezala, izan ere, Erroman gauza asko gertatu baitira dagoeneko. Eta, agian, horrexegatik maitemintzen gaitu, etengabe eraldatzen ari den munduan bizi dugun aldi honetan, teknologia aldaketa eroen menpe, horiek esentzia aldagaitzeko Erromaz ahaztu balira bezala. Erroma Betiereko Hiria. AKADEMIA. Akademiak dira Erromaren esentzia honen zati bat (batzuetan Institutu ere deitu izan direnak), inspirazio humanistakoak batzuk, arte eta ikerketa kutsukoak beste batzuk, eta Espainiako Errege Akademia bezalako beste zenbait horma zahar-zaha-

Geroago beste batzuk eratu ziren: 1881ean zabaldu zuten Austriako Institutu Historikoa, 1894an abiarazitako Erromako Akademia Amerikarra; 1896an Carlsberg Fundazioak lehen historialaria bidali zuen Erromako Daniar Institutura; 1901ean eratutako Erromako Eskola Britainiarra; Belgikako Akademia Historikoa, 1902an sortua; Massimo villan kokatutako Alemaniako Akademia, 1910ean; 1925eko Suediako Institutua; Egiptoko Akademia, 1929az geroztik Erroman egiptoar, arabiar eta afrikar kulturak sustatu dituena; Finlandiako Erromatar Institutua (1938); Suitzako Institutua (1947), eta, azkenik, 1959an ateak zabaldu zituen Norvegiako Institutua. Nazioarteko hamahiru akademia guztira, historialariak, humanistak, artistak eta ikertzaileak bildu dituztenak. Beharbada, munduan ez da izango beste hiririk erakunde horietatik abiatuta hain sormen-lan bizia mamitu duenik. Akademien eta institutuen arteko lotura funtsezkoa da kultura-harremanen sarea etengabe haz dadin, bekadunen edo egoiliarren bitartez urteetan zehar etengabe hedatu den hori. Zalantzarik gabe, pribilegioko egoera da, gelditu gabe hazten eta garatzen ari den kultura-erreferentea. Bilakaera horren zati bat gero eta gehiago islatzen da orain arte Erromako ekoizpen-zentro horien egitura-eskeletoaren baitakoak ez ziren sormen-diziplina berrien bidez. Zentro horien guztien artean, ziurta dezakegu Erromako Espainiako Akademia dela diziplina sorta zabalena hartzen duena, pintura, eskultura, literatura, musika eta arkitektura klasikoenetatik hasi eta sortu berriak diren diziplinetaraino, hala nola argazkigintza, bideo-sorkuntza, gastronomia, artea eta teknologia berriak, moda-diseinua, diseinu grafikoa, komikia edo bitartekaritza artistikoa. Artearen historialariak, museologoak, zaharberritzaileak, antzerki edo zinema zuzendaritza eta teknika ere badira bertan. Eta horretan datza Roma Akademia, 45 emakume eta gizonen lana aurki daitekeen erakusketa bakana; 201819 (Processi 146) eta 2019-20 (Processi 147) lan-urtee-

tan zehar bakoitzak bere diziplinan hainbat ikerketa eta arte proiektu garatu dituzte. Erromako Espainiako Akademian gertatzen den zeharkakotasuna nabarmen ageri da Roma Akademia erakusketako emaitzan eta izen bereko katalogoan. Erakusketa horrek, arrazoi ezohikoengatik bi Processi bi urtez jarraian bilduz, ohiko egoitzatik kanpo ireki ditu ateak lehen aldiz: Madrilgo San Fernando Arte Ederretako Akademian. Zinez aukera berezia bihurtu da erakusketa, bi arrazoirengatik: ikusarazteko, bekadunen ekoizpenaz gain, Garapenerako Nazioarteko Lankidetzako Espainiako Agentziaren (AECID), Kanpo Arazoetako, Europar Batasuneko eta Lankidetzako Ministerioaren eta, beraz, atzerrian Espainiako kulturaren bandera-ontzi bihurtu den egoitza lehen lerroan mantentzeko Akademiako langileek, M.ª Ángeles Albert de León zuzendariak bikain gidatuta, egiten duten lan garrantzitsua. Hortaz, badirudi dena berezi bihurtu dela aurki izango den erakundearen 150. urteurrenari dagokionez. AZKUNA ZENTROA. Edo arkitekturako gremioan eraikin hibridoa edo funtzio anitzekoa deitzen duguna, Bilboko Alondegi zaharrean kokatutako kondentsadore soziala; Philippe Starck diseinatzaile frantziarrak eraldatzera bideratuta, 2010ean ireki zituen ateak. Espazioen eta aretoen aniztasunak, eskala eta espazio komunekiko erlazio desberdinekin, hain zabala eta diziplina anitzekoa den erakusketa jasotzeko beharrezko ezaugarriak bildu ditu. Erakusketa-espazioak erabiltzeko aukera ez ezik, Zentroko esparru publikoenak ere eskura izateak, esate baterako, sarrerako plaza handi estalia, ibilbide arin eta dinamikoa eratu du, eta, artisten eta ikertzaileen piezen inguruko pizgarri museografikoen bitartez, erreferentziazko Azkuna Zentroaren erabiltzaile guztiak limurtzea da asmoa; Philippe Starckek diseinatu zituen zutabeak bezain leku polimorfoa da. Espainiako Akademiak Erroman egindako erakusketa batek inoiz ez zuen hainbeste metro kubiko espazio hartu, ez eta hain arrazoibide poliedrikoa zabaldu ere. Aukera paregabea da, etorkizuneko inaugurazioetarako aurrekari izango dena. Horrela, Azkuna Zentroak ateak irekiko dizkio publiko zabalari, eta, gainera, euskal artista ugari hartuko ditu, betiere Akademiaren historian nabarmen agertu izan direnak. Zalantzarik gabe, aitortza bat izango da, euskal arte garaikideak hainbat hamarkadatan gure kulturari egin izan dion ekarpenari eskainitako aitortza. Horren harira aipatzen utziko didazue Espainiako egungo arkitekturak ez lukeela nazioartean gaur egun duen kemen eta aitortzarik izango, besteak beste, Eduardo Chillida eta Jorge Oteiza euskal artista entzutetsuek utzitako ondare material eta intelektualagatik izango ez baldin balitz; hainbesterainoko eragina izan dute guk hutsunea proiektatzeko eta estereotomikoaren eta tektonikaren arteko dikotomia eraikitzailea ulertzeko orain dugun moduan. Roma Akademia. Bi hitz horiekin amua bota nahi izan da ikerketa eta ekoizpen artistikoko zentroetan gertatzen dena ikusarazteko, eta, zehatzago, Erromako

Espainiako Akademian gertatzen dena erakusteko, horixe baita orain dagokiguna. Ia ezinezkoa litzateke zentro horretan Processi 146 eta Processi 147 aldietan zehar gertatu izan den guztiaren taxonomia egitea. Hala ere, interesgarria da identifikatzea zer lotura, zer interes komun eta zer teknika edo sormen-prozesu dauden bekadunen eta komentu historikoko estudioak berenganatu dituzten diziplina guztien artean. Adierazpen artistikoak gero eta nabarmenago bihurtzen joan dira botere-egiturak aztertzeko tresna eta gizarte-arazoak bistaratzeko plataforma, nola historikoki garatzen joan direnak, hala garai bakoitzean jaiotzen zaizkigun beste batzuk; hori dela eta, artelanera hurbiltzen gaituena ez da soilik ikus-arlokoa edo poetikaren esparrukoa, baizik eta barnean deszifratzen den kritika guztia. Adierazpen artistiko orok du bere baitan ikerketa, eta ikertze oro ezagutzaren artea da. Testuinguru orokor horretan, esandako 45 bekadunek egindako lan emankorraz goza dezakegu, bakoitzaren adierazteko moduen bitartez. Pintura adierazpide artistikotzat hartuta, José Ramón Amondarainek klasikoetara jo du berriro, X izpien moduko ikuskatze bisualeko teknikak interpretatzearen bitartez, formatu handiko piezekin. Pieza horiek ikuslea xurgatu egiten dute, duten eskalagatik ez ezik, bai eta geruza ezkutuenetan dagoena ikusten uzten digun teknika zehatz horregatik ere, hain zuzen. Taxio Ardanaz bezalako beste batzuek, iraganeko gatazkek eragin dien Erromako abstrakzio forma anitza aztertu eta dokumentatu dute, horretarako teknika mistoz landutako mihiseak erabiliz, Italiako hiriburuaren azkenaldiko historian elkarren gainean jartzen joan diren hainbat geruza agertzen dituztenak. Julia Huetek, aldiz, atzealdea/irudia abstrakzioko lana eratu du, materialaz eta hizkuntza narratiboaz baliatuta. Federico Guzmánek, musa basatiei buruz egin duen lanean, inspirazioaren misterioekin musa horiek duten harremana aztertu du, mitoaren eta irudimenaren arteko elkarrizketa gisa. Collage moduan ezarritako unitateak elkarren gainean ezarriz, Susanna Ingladak botere-egiturak eta generoa, indarkeria eta giza kondizioaren inguruko gaiak landu ditu bete-betean. Hiru dimentsiotan inguratzen gaitu Ingladak, bere obrak proposatzen dituen egoeren aurrean ikusleari jarrera kritikoa izateko eskatuz. Era berean, Estibaliz Sádaba, Itziar Barrio edo Jana Leo bezalako ikus-artistek, argazkigintzaren, eskulturaren eta, batez ere, ikus-entzunezko euskarrien bitartez, genero-desberdintasuna agerrarazten dute hurrenez hurren, etxeko subertsioen, egituren eta botere-mekanismoen bidez, bai eta norbanakoaren eta Estatuaren [ustelkeriaren] arteko konfiantza-harremana ere. Marta Ramos-Yzquierdo komisario independenteak ere boterearen egiturak aztertu ditu artearen munduan, are modu berezituagoan, eta eztabaida eragin du Akademian bertan egiten diren lan-tailerren bidez, praktika artistikoa eta horren rol soziala ardatz moduan erabilita. Ezegonkor bihurtutako lanbidea izanik, funtsezkoa da zeregin artistikoaren inguruko arazoak birpentsatzea, horien etorkizunari buruz hipotetizatu ahal izateko.

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Pedro G. Romero diziplina anitzeko artista eta pentsalariak, ostera, 1527ko Erromako arpilatzearen pisu historikoa berrikusi du, eta adierazi egin ditu irudikapenari, irudiari eta ikonoklastiari buruz dauzkan kezka artistikoak. Bere proposamenean, flamenkoa sartu du elementu disruptibo moduan, eta orkestra-zuzendari gisa aurkeztu bere burua elkarlan-piezen segida batean; hor azken mendeetan gaur egun arte Erroman gertatu diren anakronismo artistikoen berri emateko balio digute hitzak, irudiak eta ekintzak. Beste lan batzuk Erromaren historia erabili dute ikerketa antropologikoen ardatz moduan, esate baterako, Tono Vizcaíno historialari eta arkeologoak, sailkapena osatuz Antzinako Erromaren historiari buruz egungo kulturan proiektatzen den iruditeria garaikidea oinarri hartuta. Javier Verdugo arkeologoak 1162tik 1870era bitartean Erromako ondarearen babesa aztertu du, hiriburutzak hango hirigintzan eta eraldatze sinbolikoan arkitekturaren eta politikaren bidez eragiten duen papera garatuz. Eta eraikin erromatarretako iztuku geruza ederrei dagokienez, Isolina Díaz-Ramos arkitekto eta Ondarearen Kontserbazio eta Zaharberritzean espezialistak hiri-paisaia berezi honetako pigmentuen katalogazio bat erakutsi digu, kolorearen gakoak eta etorkizuneko kontserbazio planak proposatzeko garaian horiek aztertzeak duen garrantzia azalduz. María Moraleda historialari eta zaharberritzaileak garatu duen ikerketan ere ageri da pigmentuak aztertzea, kasu honetan pintura-pigmentuen azterketa, Italiaren eta Espainiaren arteko loturak eta XIX. mendearen erdialdean diziplina hori jaio izanaren garrantzia analizatuz. Orobat XIX. mende horretakoak diren eskultura-formatu handien gainean kontserbatzeko eta husteko beste teknika batzuk izan ditu aztergai Montse Lasunción historialari eta Kultur Ondasunen Kontserbazio eta Zaharberritzean diplomadunak. Igeltsuz osatutako kopiek izan zuten garrantziaren berri eman digu bere lanean, eta garai hartan kopiatze-eragiketa haietan in situ erabilitako teknikak, materialak eta prozedurak aztertu ditu hor. Processi 146 eta 147ko argazkilariek errealitate antagonikoak hartu dituzte ardatz. Nicolás Combarrok, ikatz-ziriz egindakoak diruditen irudiekin, Erroma eta Napoliko lurpeko maila arkitektonikoak (estereotomia) erakutsi dizkigun bitartean, José Ramón Ais argazkilari euskaldunak Erromako zuhaitz-aniztasuna berrinterpretatu digu, formatu handiko pieza originalekin eta Spada Galeriako Borrominiren perspektiba-jolasak gogorarazten dizkiguten beste batzuekin. Berriz ere, Erroma hiri inperial gisa formalizatu eta egituratu zen moduaren azterlana, kasu honetan landarediaren bidez egin izanaren berezitasunarekin. Erroma eta bere hiri arloko berezitasunak, Testaccioko muino artifizialaren eraketa kasu, bi urte hauetan Akademian lan egin duten beste bekadun batzuen inspirazio izan dira; adibidez, Antonio Buchannan moda diseinatzailearen lanaren abiapuntua dira, Erroma klasikoko I. eta III. mendeen artean bertan baztertutako olio ontzien hondakinekin pixkanaka

muinoa eratu zuten geruzak. Geruzak gainjartzea eta eranstea lan-eredu gisa. Enrique Radigales artistak bere “habiak” formalizatzeko erabili duen oinarrizko materia ere bada; egungo hiri-hedapenaren eta -hazkundearen eko-plangintzarik ezean ardaztutako proiektua da eta plastikotasun organikoaren eta irudi digitalaren artean dago. Irene-Clémentine Ortega moda diseinatzaileak barroko erromatarrean inspiratutako ehunezko pieza eszenografikoen sorta teatralagoa planteatzen du: bakanal barroko moduko desfile bat. Erroma barroko honi buruz idatzi du Manuel Vilas idazleak Bernini eta Borromini poema; antropologo bat balitz bezala, Erroma izenburuko poemarioan hiriarekin eta bertako jendearekin zuen harremanik pertsonalena erakusten digu, eta berea ez zen hiri batean lehen pertsonan bizitako pandemia garaiaren lekukotza idatzia ere utzi digu. Berniniren eliza argia eta etsipena da. Borrominiren naretasuna eta elegia. Eta biak dira ederrak Eta biak dira denontzako gal-gal dagoen edertasunean Ongi oinarritutako alabak. Era berean, Erromako kaleei eta irudiei buruzko piezen bilduma bat eta egile-liburu bat utzi ditu Claudio Sotolongo diseinatzaile grafikoak, non desadostasun sozialaren eta herritarren desobedientziaren adierazpen bisualak islatzen diren. Bere lana adierazpen horien ikus-entzunezko erregistroa da, hiri honetako egungo testuinguru soziopolitikoan. Zehazkiago, Erromako Pasquino eskultura hiztunari buruzkoa; Joana Cera eskultoreak hitzaren (tabula cerata bidez) eta zenbakiaren (erromatarra eta arabiarra) dialektikan murgiltzen gaitu, ahotsaren eta hologramaren bidez itzultzen diren ariketa kontzeptual batzuekin. Bere lana tabula rasa egiteko beharra agerian uzten duen palinpsesto bat bezalakoa da. Silvia Fernández diseinatzaile grafikoak ere tabula rasa egiten du bere lanean. Akademian egin duen lanak ezagunaren moldeak deseraiki ditu, papergintzako eguneroko objektu batzuen mugekin eta formarekin esperimentatzeko eta erabiltzailea da arauak jartzen dituena. Era berean, bi urte hauetan, tipografiarekin lotutako sormen-prozesuak izan dira, Jorge Cuberok garatutakoa kasu; Cuberoren lanak benetako zentzua hartzen duen mugimenduan erakusten denean. Euskarri digital berriek gero eta beharrezkoago dute euskarri klasikoen berrirakurketa eta moldagarritasuna, eta Cuberoren lanaren egituraren parte da hori. Teknika berrikustea eta mugimendua fotograma ugariren bidez txertatzea izan dira Borja Santomé artistaren stop-motion ekoizpen animatuaren gakoak. Lan autobiografiko horretan, marrazkiaren, soinuen eta ekoizpen-teknikaren bidez, Erromako hainbat giro agertzen dira, fikziozko istorio bihurtuta, eta egilea bera da protagonista. Santoméren proposamen ani-

matuak zinema mutuaren jatorrira garamatza, eta zinema mutu hori aztertzea eta arte horretan Espainiaren eta Italiaren artean izandako harremanak ikertzea izan da Begoña Soto zinema espainiarrean adituaren proiektua. Pier Paolo Pasolini idazle eta zinemagileari buruz egin du lana Javier Pividalek; ekintza, zentzumenak eta narratiba jorratzen dituen lana izan da. Bere piezak espazioan gainjarritako eszenak dira eta artista italiarraren heriotza eta ekintzak deskribatzen dituzte. Geometria, materia eta errautsak lurrinekin eta proiektore baten argi biziarekin batera bizi dira. Objektuen arteko elkarrizketa landu du du Anna Talens artistak, eta argi naturalak objektuen eta horien materiaren gainean eragiten duen eraldaketarekiko sentsibilitate artistiko berezia agerian uzten du bere lanak. Egunerokotasunaren absentziaren eta presentziaren artean sortzen denaren ulermen poetikoa da bere obra. Okupatzen dugun espazioa dardaraz jartzen duten une zehatzak atzitzen ditu bere obrak; bere piezek ez dute forma absoluturik hartzen oreka harmonikoan jartzen ez diren arte; oreka harmonikoa behar dute euren artean eta euren argi, kolore eta proportzio espazialen testuinguru partikularreko baldintzekiko. Bi lanetan (Pividal eta Talens), dohain optikoak eta haptikoak harmonikoki orekatzen direnean osatzen da obra. Komikiaren eta ilustrazioaren mundua oso presente egon da belaunaldi hauetan Ana Bustelo, Adolfo Serra eta Carla Berrocal bezalako artistekin. Artista horien lanak elkarren artean ondo bereizitako teknikekin egin dira, eta, hurrenez hurren, Italiako erretauletan oinarritutako konposizioaren analisi-mundu batera eraman gaituzte, Bomarzoko Baso Sakratua inspirazio gisa hartzen duen irudiaren eta hitzaren arteko aukeren mundu batera, edo, Berrocalen kasuan, Espainiako kultura folklorikoan murgiltzera Concha Piquer ardatz hartuta. Lan horiek zehaztasun geometrikoa, natura eta jolasak, kolorea eta kultura herrikoia eskaini zizkieten, hurrenez hurren, Akademiako hormei. Horma hauen inguruan Eduardo Soutullo ganbera-musikako musikagilearen notak entzun ziren; gune paregabea izan baitzuen esparru sakratuei eta soinu-espazializazioari buruzko bere lana sortzeko. Bere ikerketaren abiapuntuan daude Erromari lotutako XVI eta XVII. mendeetako musika polikoraleko konpositoreen lanak. Arte eszenikoetan, hainbat dira diziplinara hurbildutakoak. Ana Zamorak napolitar txotxongilo-antzerkiaren herri-tradizioari eta eszenaratzeari buruz egindako ikerketa, esaterako; lana garatzen ari zela Sardiniako inauterietara joateko aukera izan zuen, gainera, jai handi bihurtutako errito jentil eta kristauen adibidera. Bere lanak arte eszenikoaren zentzu zaharra aipatzen du eta eszena garaikidearekin aurrez aurre jarri ere bai. Fernando Sánchez-Cabezudoren lanak, aldiz, Erromako kaleak hartu zituen, zehatz esateko, Garbatella auzokoak, Storywalker proiektuaren bidez.

Proiektu hau plataforma digital batean garatzen da, soinuzko fikzio geolokalizatuak ditu, eta horien bidez eguneroko ekintzetan sar gaitezke, hau da, auzotarrek beraiek sortutako historia baten irudikapen aktiboan. Azkenik, Pablo Fidalgo sortzaile eszeniko eta idazleak Qualcosa nascerà da noi aurkeztu du. Egilearen arabera, iluntasunean dagoen pieza bat da, non gizon batek bizitza errepasatu eta beste zerbait izateko, beste maitasun bat bizitzeko, munduaren aurrean beste modu batera aurkezteko aukerak agortzen dituen. Hitzaren indarrarekin, literaturaren alorrean aritu dira lanean, aurretik aipatutako Manuel Vilasez gain, Lara Dopazo, Erromaren erretratu batekin, eta Begoña Huertas, bere lanaren zirriborroaren manipulazio plastikoaren bidez, bere sormen literarioaren aurreko muga zorrotzak birdefinitzea lortu zuena. Jorge Galán idazle salvadortarrak eleberri bat idatzi du eta migrazioaren gaian bi alderdi jarri ditu aurrez aurre: kausak eta ondorioak. Drama honen oinarrian Erdialdeko Amerikako herrialdea itotzen ari den indarkeriatik ihes egiteko migrazio behartua dago. Argitalpenen arloan, Jorge Luis Marzo egileak Las Videntes liburuan, Inteligentzia Artifizialari eskainitako aurretiko lanen bideari jarraituz, bere ustez makinek antzinako profezien lengoaia bere nola egin duten azaltzen digu eta lengoaia hori eskuratu izanari esker dena interpretatzeko eta epaitzeko gai direla prozesatzen dituzten irudien bidez. María Ángeles Ferrer musikologoak eta María del Mar Villafranca historialariak Espainia eta Italia artean egindako ikerketaren muina espainiar kulturako pertsonaien Italiako esperientzia izan da. 1873 eta 1888 artean Erroman Espainiako Akademian musikaren pentsionatu izandako bost konpositore espainiarrek egindako sormen lanaren azterketa egin du Ferrerrek eta bere buruari galdetzen dio espainiar opera ba ote den. Villafrancaren lanak Leopoldo Torres Balbasén 1926ko Italiako bidaia koadernoaren gakoak errepasatzen ditu. Torres Balbás Granadako Alhambrako arkitekto-kontserbatzailea izan zen eta Italiako monumentuen kontserbazio metodoak aztertzeko ikasketa beka bat eskatu zuen. Arkitektoaren topaketak eta ikustaldiak egiaztatzen dituzten dokumentuak errepasatzen ditu lanak. Badira beste lan batzuk ere, Andrea Canepa artista perutarrak eskulturaren eta bideo dokumentalaren bidez garatutakoa kasu; Italiak Afrikan izan zuen garai kolonialaren berri ematen du lan honek, arkitektura arrazionalistaren elementu formalak aztertuz. Arkitekturak diskurtso nazionalista eraikitzen nola lagundu dezakeen aztertzen du lanak. Arkitektura horien eta horiek osatzen dituzten hainbat ertz eta geometriaren bolumen gainjarrien abstrakzio moduko bat da eskultura. Era berean, Igor Bragado arkitektoak San Pietro in Montorio plazan planteatutako instalazio bat diseinatu eta eraikiz, errealitate berri bat planteatzen zaigu trebezia handiz: egunero sare sozialetan sortzen

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dugun artxibo digitala eta artxibo horrek betikotasunerako sortzen duen dolu digitala. Instalazioa espazio bizigarria da, eta gorputzaren gurtzaren eta azaleratzen ari diren hileta-errituen arteko elkarrizketa da (ikonografiari eta iraganekoen izaera iragankorrari dagokienez), baita ekintza horietan gertatzen den dialektikaren artekoa ere. Instalazioak plazan duen kokapena elementu disruptibo bat izatetik haratago dago, tenkatu egiten du Gianicolo begiratokiko espazio publikoa, Montorioko San Pietro elizaren altxaeraren eta hiriaren aireko bista itzelaren artean dagoena. Nahita utzi nahi izan dut artista eta ikertzaileen zerrenda honen amaierarako Pantxo Ramas Europako gizarte mugimenduetako aktibistaren lana, Palimpsesto Basagliano ikerketa historiografikoaren ardatza askatasuna baita, arte ederretako bat bezala hartutako askatasuna. 1969an sortutako eztabaida publikoa plazaratu du berriro lanak, Italiako erakunde psikiatrikoen egoerari buruzko eztabaida izan zen eta lengoaia artistikoek osasun mentalaren arretarako praktikak nola aldatu zituzten eztabaidatu zen. Lan hunkigarria, gizarte politizatuan arte-adierazpenek duten garrantzia agerian uzten duena. ROMA AKADEMIA zertzelada bat besterik ez da; Erromako Espainiako Errege Akademiak, Betiereko Hirian ia 150 urtez eragin eta sortu duenaren zertzelada bat besterik ez, nazioarteko lehen mailako ekoizpen-zentro bat bihurtu da, non bekadunek beren gaitasunak banaka eta taldeka zabaldu dituzten San Pietro in Montorioko komentu multzo honen hormatzarrak betetzen dituen ezagutza-sorta erraldoia sortzeko. Ezagutzaren historia honen zati batez gozatzera gonbidatzen zaituztet, eta Erroma berriz bisitatzera, AKADEMIAko kide izan diren 45 artista eta ikertzaile horien begirada gurutzatuen bitartez. Jesús Donaire komisarioa ________ PROCESSI 146

Pentimenti (posiblea) Paul Viriliok –ikusmenaren makina– hasten du Marmontelek esaten zuena gogora ekartzen: Arteek lekukoak behar dituzte. Dena arrazoitzeko tema hasi zenetik, bidezko ikerketa piktoriko modernoak -x izpien bidez- eta erreflektografiak ikuskapen bisualeko metodo modernoak sartu dituzte. Pentimenti edo damuek agerian jartzen dizkigute lanak bere azalaren azpian ezkutatzen dituen geruza desberdinetan egileak egin zitzakeen aldaketak. Gorputza zeharkatzen duten erradiografiek bere sekretuak erakusten dizkigute, adimenetik kanpo egote hori, eta, paradoxikoki, fotokopia txar batetik gertu dauden zehaztasun gutxiko irudi erre batzuk eskaintzen dizkigute froga bezala. Obrak kontra egingo eta azpimarratuko balu bezala ez dagoela ezer agerikorik ikusezina ezkutatzen ez duenik. Operazio anagramatikoek ere prozesu horietan eragiten dute, eta, susmatu ere egin ez arren, emaitzak berezkoak diren zerbait dira, gainazalaren eta sakonenaren arteko errusiar mendi moduko bat. Erroman egindako lana gainazalak ezkutatzen duena aurkitzea simulatzen duten barruko marmar tenporalak azalarazteaz arduratzen da, pintura material gisa erabiliz, bai irudikatzeko, bai inolako euskarririk gabe aurkezteko. Prozesua eta esperientzia Artearen esperientzia proiektuaren noziotik aldentzen den prozesu-sistema konplexu gisa jasotzen da, helburu jakin bat lortzeko behar den denbora estrategiko horretatik ere urrunduz. Ildo horretan, nire lana prozesuaren beharretik eta prozesuan dagoen desiratik sortzen da. Bitxia bada ere, Erroman egin dudan egonaldian hainbat gauza agertu dira, obrak ez du horien lekukotasunik ematen eta ez dute zerikusi handirik hasierako proiektuarekin, baina une arkaikoen magma hori eratzen dute, lantzeko nahiak uneren batean forma gisa argituko duena.

JOSÉ RAMÓN AMONDARAIN Donostia, 1964. Arte Ederretan lizentziaduna da UPV/ EHUtik. Artelekun lan egiten du, Donostian. Egonaldia egin du Berlingo Künstlerhaus Bethanien-en. 1988tik bakarkako eta taldekako erakusketak egiten ditu. Bakarkako azken erakusketen artean, honako hauek nabarmendu daitezke: Espazioaren Irribarrea (Gabriel Rolt Galeria, Amsterdam); Amar gana (Patio Herreriano Museoa, Valladolid); Denbora eta premia (Artium, Arte Garaikideko Euskal Zentro-Museoa, Gasteiz). Eta erakusketa kolektiboen artean: On painting, (CAAM, Las Palmas Kanaria Handikoa); El Ángel exterminador. A Room for a Spanish Contemporary Art (Palais de Beaux-Arts, Brusela); Camuflajes (La Casa Encendida, Madril); Ezezagunak. Euskal Herriko arte garaikidearen kartografiak (Guggenheim Bilbao Museoa).

Funtzio jakinik gabe, koadro, eskultura, objektu, txoko eta detaile txikien argazkiak ateratzen joan naiz, dakidala ez dakidana azaleratzeko gonbidapen gisa, irudiak radar lana egin dezan eraginez. Irudiak nahastu, astindu, erreproduzitu, kopiatzen dira edo intrigatzen dute. Aipu batetik abiatuta, erakusten dugu norekin neurtzen garen, nor dugun gogoan eta nola pentsatzen dugun. Erreferentzia bakoitzak islatzen du erantzukizun eta konpromiso bat matrize horrekiko, zeinak iraganaren, etorkizunaren eta orainaren arteko leku batean berresten baitu.

TAXIO ARDANAZ Iruñea, 1978. Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta, besteak beste, Itziar Okariz, Esther Ferrer, Julie Mehretu, Miroslaw Balka eta Peio Aguirre artistek eta komisarioek emandako mintegi eta tailerretan osatu du prestakuntza. Azken urteetan Italian, Kurdistanen, Kuban, Austrian, Mexikon eta Txinan egin ditu egonaldiak. Bakarkako erakusketa hauek egin du: Madril: Tabacalera Promoción del Arte (2017), Raquel Ponce Galeria (2013), RMS El espacio (2011); Bilbo: Carreras Múgica Galeria (2017), Gio Bat (2015), Rekalde Aretoa (2014); Habana: Artista x Artista (2016); Mexiko Hiria: Ateneo Español de México (2012), AN Studio (2011), eta Iruñea: Polvorín de la Ciudadela (2008). Bere azken erakusketa kolektiboen artean, “Complexo Colosso”n parte hartu zuen Guimarãesko (Portugal) CIAJG zentroan. Sorkuntza artistikoko eta errekonozimenduko hainbat beka jaso ditu, hala nola lehen saria XV. Concurso Pamplona Jóvenes Artistas lehiaketan (1999) eta bigarren saria XXIV Certamen Encuentros de Navarra lehiaketan (2007). Bestalde, Biennal d’Art Ciudat d’Amposta (2020) eta Itzal Aktiboa Sarian (2018) aukeratu dute, besteak beste.

balira, Forli kanpoaldean, “Villa dei Ricordi”n). Burgosko iparraldeko herrixka txiki batean, honako hau irakur daiteke oraindik harkaitz gainean: Europa faxista edo faxistizatua izango da. SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ, SÌ Poesia suntsiezina. Gorputz masiboak loriaz egarri. Baina badira bizitza bizitzeko beste modu batzuk: memoriarekin, aukerekin, mailarekin. Borroka laua, eta bidean geziak ikusteko makina bat. Zahartu egingo gara, hil egingo gara, eta batzuek gogoratu beharko gaituzte, guk lehen izan zirenak gogoratzen ditugun bezala. Ez pinturari, ez ezagut daitekeenari. ME NE FREGO Loditasuna ez dago materiaren kopuruaren mende, zentzuaren mende baizik. Paperean egia kontrajarriak pilatzen dira, euforiaren antzeko zerbait. Horrela hasten da dena, PER NON DIMENTICARE, sekulako elegia osatzeko. “Un popolo di poeti di artisti di eroi di santi di pensatori di scienziati di navigatori di trasmigratori”. Hori ere harrian idatzita dago.

Roma interrotta

CHI SI FERMA È PERDUTO.

1978an, nazioarteko arkitekto garrantzitsuenetako 12k gonbita jaso zuten Erroma birpentsatzeko, Giambattista Nollik 1748an marraztutako planoa abiapuntutzat hartuz. Premiazkoa zen bi mende lehenago gelditutako hiria, bere betiko iraganaren biktima zena, berriz imajinatzea. Aldo Rossik dei horri erantzuteko landu zuen proiektuak “hiri analagoaz” zuen kontzeptu berezia garatzen zuen, arkitektura eta hiria historiatik pentsatzea bereizgarritzat zuen prozesumetodologia bat.

Ez gorputzaren epikari, ez teknikari. Ez zen egia, pintura ez zen hil eta ideologiak ere ez, bat ere ez. Eskerrak artean bizidun guztiak sartzen diren, historiaren pisua hiletan neurtzen baita beti. Egotearen egoteaz, paisaian agertu ziren, pinturetan. Lore freskoak eta suzko koroa bat Sole mendian.

Nire proposamenak hurbilketa esperientzial bat planteatzen du egungo Italiara, Rossiren pentsamendu analogoaren estrategiak erabiliz, bere iraganeko zati disonante eta gatazkatsuak gehituz eraikitako herrialde baten irudi multiformean oinarritutako lan piktoriko bat garatzeko. Jungen arabera, pentsamendu hori “ez da diskurtsoa, baizik eta iraganeko materialei buruzko gogoeta, barrurantz iraulitako ekintza bat”, eta, horren bidez, izaera politiko eta historikoko hiri-estratifikazioko kasu zehatz bati helduko diot: faxismoaren hogei urteetako hondar grafiko eta monumentalei, zeinak gerra ondoko beste hondakin material batzuekin, erresistentziaren memorialekin eta oroitzapen-lekuekin batera dauden. E.F. Haragia martxan. Etorkizuna hemen dago —zioen—, eta horretan jarraitzen dugu. Boterea boterearen ondoren, potentzia potentziaren ondoren. GARAITZEA GARRANTZITSUA delako, BAINA BORROKATZEA GARRANTZITSUAGOA DELAKO. (Nahiago nuke han biziko

LOTTA DIFFUSA _______ ITZIAR BARRIO Bilbo, 1976. New Yorken bizi eta lan egiten du. Bere lana nazioarteko espazioetan aurkeztu da, hala nola hauetan: MACRO (Erroma), PARTICIPANT INC (NYC), MACBA (Bartzelona), Belgradeko Arte Garaikidearen Museoa, Errepublikaren Bankuaren Museoa (Bogota), Abrons Arts Center (NYC), Anthology Films Archives (NYC), Salzburger Kunstverein (Austria), tranzit (Errumania), MATADERO (Madril), ARTIUM (Vitoria-Gasteiz) eta Habanako Bienala. Gaur egun, New Yorkeko NEW MUSEUMeko inkubagailua den NEW INCeko kidea da (2020-2021). NYC Department of Cultural Affairs, Foundation for Contemporary Arts, New York Foundation for the Arts, Brooklyn Art Council, Espainiako Kultura Ministerio, Ertibil (lehen saria) eta BBVA Fundazioaren sariak eta bekak jaso ditu. New Yorkeko School of Visual Arts-en irakasle laguntzailea da eta hitzaldiak eman ditu NYU, Hunter College, MICA, Montclair University eta The New Schoolen. Duela gutxi egindako BY ALL MEANS erakusketa monografikoa Johanna Burtonek (Werner Center for the Arts zentroko zuzendaria eta New Museumeko komisario ohia) komisariatu du Azkuna Zentroan.

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The Perils of Obedience Erroman THE PERILS OF OBEDIENCE boterearen sedukziorako eta pelikula bat denbora errealean egiteko diziplinaz gaindiko hurbilketa bat da. Filmatzen dituzten bitartean, lau performer zuzentzen dituzte eszena bat sortzeko. Pertsonaietan, kontu handiz aukeratutako eszena ikonikoetan, iraganeko gertaera historikoetan, manifestuen zatietan eta beren bizitzako narratiben interpretazioan kokatuz, proiektuak fikzioaren eta ezfikzioaren arteko lerro fina desegin du. Etapa bakoitzean, tokiko erreferenteak erabili ditut, testuinguruaren kulturarekin lotutakoak. New Yorken (2013-2016), 1863an hirian jazotako eta The New York City Draft Riots izenarekin ezagututako matxinadekin, Donna Harawayren Cyborg Manifesto lanarekin (1983), eta A Streetcar Named Desire (1951) eta Basic instinct (1992) filmetako eszenekin lotutako testuak berraktibatu genituen. Bogotan (2015-2017) La Estrategia del Caracol (1993) lanaren eszenak berridatzi genituen. THE PERILS OF OBEDIENCE iraupen luzeko multimedia proiektu bat da, gizarte-arauei buruz ezarritako nozioei aurre egiten diena, lan-baldintzei eta subjektibotasunari buruzko eztabaida zabalago batean parte hartzeko. Botere mekanismoetan eta zinematografikoetan dudan interesak ezin hobeto egiten du talka Erromako lehen egunetan presaz bisitatu nituen Cinecittà (1931) estudioen jatorri eta helburuetan. Mussolinik sortu zituen, ordurako oso jabetuta baitzegoen zinemak propagandarako zuen gaitasunaz eta botere-egitura eta pentsamendu-sortzaile gisa zeuzkan ezaugarriez. Handik gutxira, eta espaziotik gertu, Europako mendebaldeko zinema-eskolarik zaharrena sortu zen, Centro Sperimentale di Cinematografia (1935), herrialdean arte zinematografikoa sustatzeko helburuarekin. Juan del Val eta Alessandro Andreiniren eskutik, Alfredo Bini ekoizlearen artxiboak eta Pier Paolo Pasoliniren Accattone (1961) film luzeko argazki finkoko liburua ikusi ahal izan nituen. Accattonek lan-arloari buruzko eztabaida interesgarria sortzen du: pertsonaia nagusia disidente bat da, sistemak araututako lanpostu bat bere gain hartzeko gai ez den norbait, eta, beraz, legez kanpoko jarduerak egiten ditu bizirik iraun ahal izateko. Gainera, PPP mitoa da berez, eta bere sentsibilitatea eta inplikazio politikoa -zehatzago, marxista- eta identitate homosexuala ere funtsezkoak izan ziren berarengan eta bere obran arreta jar nezan, Italiako zinematografiari buruzko ikerketa luze bat egin ondoren. Boloniara egindako bidaia batzuetan -han jaio eta ikasi baitzuen PPP-, Roberto Chiese elkarrizketatu nuen (Cinetecako PPPren artxiboen zuzendaria) eta PPPren hiriko bizitzako hainbat gune garrantzitsu grabatu nituen. Horien artean, eta Federica Falanciari esker, Galvani Lizeoan grabatu ahal izan nuen. Accattone Erroman filmatu zen, Trastevere, Testaccio eta Pigneton. Haietatik ibili nintzen, gero jatorrizko film luzeko plano-balio berarekin erregistratzeko, baina oraingoan hutsik, Boloniako espazioak bezala.

Letizia Cortinik, Claudio Olivierik eta Alessandro Stoppolonik gidatu ninduten Archivio Audiovisivo del movimento operaio e democratico artxiboan, batez ere aurreko mendean emakumeek burututako italiar langile-matxinadak bilatzeko. Eta arkeologia klasikoan doktore eta John Cabot Unibertsitatean irakasle den Sophy Downesekin, Erromako Historia eta Arkeologiaren Espainiako Eskolako (CSIC) zientzialari titular José Ángel Zamorarekin eta beste aditu batzuekin izandako elkarrizketak oso garrantzitsuak izan ziren Erromako mitologia sakon ulertzeko, fikzio, historia eta botere-egitura gisa. THE PERILS OF OBEDIENCEko eszena berria Federica Tuzik eta Cristina Vuolok idatzi dute, eta Pietro Daviddi arduratu da zinematografiaz eta edizioaz. Antzezleak Ondina Quadri (Arianna, 2014), Lola Kola (Amori e Metamorfosi, 2014) eta Lilith Primavera (Linfa, 2018) dira, eta hauek dira lau pertsonaiak: Stella, Minerva, Venus eta aktore zuzendari bat. Profesionalen talde hori, era berean, Erromako kultura alternatibo, aktibista, feminista eta queer-eko parte da. Iraganari lotutako Erroma hirian egonaldia egin bitartean, Materialismo Berriari eta Posthumanismoari buruzko testuak irakurtzen ari nintzen, eta robotikaz eta gorputzen kontrolaz egiten nuen gogoeta, modu zabalean, etorkizunekoan eta garaikidean. Denbora-desberdintasun horrek gauza asko ulertarazi zizkidan. Bizitza historiarekin eta denbora-aurrerapenarekin blaitzeko joera dugu, baina, neurri handi batean, haren testuinguru geologikoan pentsatzeari utzi diogu. «Geo»a «ego»aren inbertsioa da!. (...) Bizitza lurretik eta haren indarretatik (grabitazional, magnetiko, elektrikotik, etab.) datorrela ikustea da, beharbada, gure identitate- eta agentzia-kontzeptuak desegonkortzeko modurik ahaltsuena eta zuzenena. Elizabeth Grosz-i SAGE Journalsen egindako elkarrizketa: Theory, Culture & Society (2017) Special Issue ‘Geosocial Formations and the Anthropocene’ 34 (2-3): 129-146 or. Historiak orainean eragiten du beti, eta orainarekin funtzionala da. Inperioaren hasieran, Augustoren garaian (K. a. 27 - K. o. 14), printzeak programa ideologiko oso bat garatu zuen (funtsean, ikonografian, irudikatuko den horretan eta irudikatzeko moduan oinarrituko dena: hizkuntzarik onena zen garaiko propagandarako), bereziki, familiako mitologia oso baten “asmakuntza” barne hartuz, zeinak erromanitatearen sustraiekin lotzen zuen, bere historia osoan zehar. Antzinako kulturek identitate-mota kolektibo hori hartzen zuten historiaren bidez (beraz, kultura-sorkuntza gisa, historia modu interesatuan berregin zitekeen); baina gauza bera baliagarria da gizarte modernoentzat: historiaren identitate-balio handia, sorkuntza moldagarri gisa duen izaera. Erromako Historia eta Arkeologiako Espainiako Eskolako (CSIC) zientzialari titularra den José Ángel Zamora doktorearekin 2019ko otsailaren 6an izan nuen elkarrizketa baten laburpena.

IGOR BRAGADO Gernika, 1985. Igor Bragado arkitektoa, arkitektura-irakaslea, idazlea eta Common Accounts diseinu-bulegoko zuzendarikidea da. Edertasunaren, gorputzaren kultuaren, heriotzaren eta vloggingaren industriak duen hiri-inpaktuan oinarritzen da bere lana. Common Accounts finalista izan da 2020ko Veneziako Arkitektura Bienalean Kanadako pabiloia zuzentzeko, eta obrak eraikitzen ari da Shanghain, Seulen eta Toronton. Bragado Cornelleko Unibertsitateko Arkitektura Eskolako eta New Yorkeko Cooper Union-eko irakaslea izan da, eta hitzaldiak eman ditu Columbia, Harvard eta Princeton unibertsitateetan. Bere lana Istanbul, Seul eta Espainiako Arkitektura Bienaletan eta Los Angeles eta Torontoko museo eta arte-galerietan erakutsi da. Berriki, Seulgo Arte Garaikideko Museo Nazionalak bere lana erosi du bilduma iraunkorrerako. Bragadok El País egunkariko Babelia sailean parte hartu du aldizka, eta Londresen Design History Societyren 2017ko Idazketa Saria eta Princeton Unibertsitateko Suzanne Kolarik Underwood Prize saria jaso zituen. Zure artxiboaren dolua. Muskulua eta betierekotasuna Hilerria eta mausoleoa jada ez dira dolurako espazio esklusiboak. Duela hamarkada bat baino gehixeago sare sozialak iritsi zirenetik, hil-erritoaren esparru soziala aldatu da, biderkatu baitira heriotzak nabigatzeko erabiltzen dituen espazioak. Bestalde, baliabide digitaletako informazio pertsonalaren jabetzaren arazoari eta egunero artxibo birtual pertsonal bat eraikitzeko erabiltzen dugun bolumenari gorputzaren irudiaren erantzukizun zeremonial berria gainjarri zaie. Fitnessaren praktikaren bidezko hileta-memorializazioren online kasu berri batzuek agerian jarri dute historikoki jada zabalduta dagoen erlazio bat (gorputzaren gurtzaren eta betierekotze-proiektuen arteko lotura), kasuistika luze batek erakusten duen bezala, etruriar hiletetan atletismoa praktikatzearekin hasi eta fitness modernoaren kultura garatzeraino, Estatu Batuetako mehatxu nuklearraren krisi existentzialari zuzenean emandako erantzun gisa. Testuinguru horretan, Facebookek heriotzarekin izan duen lehen topaketa esanguratsuan (kulturista batek bultzatu du, hildako semearen artxibo digitalerako sarbidea eskatuz), dolu-espazioa sare sozialetako iruzkinen atalera, gimnasiora eta muskulura lekualdatu dela ikus daiteke.

Prozesua eta esperientzia

Erromako Errege Akademiarako proiektuak egungo oroitzapenezko eraikuntzak berrantolatzea proposatzen du, hiri-eremuan eta sare sozialetan aldi berean jardun dezaten. Pabiloiak lehen planoan jartzen du gorputzen irudien erritu-gaitasuna eta haien eraikuntza betierekotze-proiektu baten parte gisa; eta aztertzen du gorabidean dauden hileta-praktikek muskulua artxibo gisa nola ulertzen duten. Modu garrantzitsuagoan, heriotzaren nozioari heldu nahi zaio, zeinak, zatitu eta eskala eta kanal mediatiko askotan nabigatzen duenez, hiria eraikitzen baitu. ________ ANDREA CANEPA Lima, 1980. Arte Ederretako ikasketak Peruko Pontifize Unibertsitate Katolikoan hasi, eta Valentziako Unibertsitate Politeknikoan amaitu zituen, non Arte Bisual eta Multimediako Maisutza batekin graduatu zen. 2014an, Artista Gazteentzako Madrilgo Erkidegoko ARCO saria jaso zuen, eta, 2013an, Generaciones saria eta Arte Plastikoetarako Endesa Beka. Egonaldi artistikoak egin ditu toki hauetan: Gasworks-Londres, Matadero-Madril, Cité des Arts-Paris, Tokyo Wonder

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Site - Tokio, Beta Local - Puerto Rico, Bauhaus - Alemania eta Jan Van Eyck Academie - Holanda. Bere lanak honako bilduma hauetako parte dira: CA2M: Centro 2 de Mayo, IVAM, Montemadrid Fundazioa, Teruelgo Museo Probintziala, Endesa Fundazioa, DKV Arte y Salud eta Inelcom Espainian, Bauhaus Dessau Foundation Alemanian eta MASM, Peruko San Markoseko Unibertsitate Nagusiko Arte Museoa. Oro alla Patria Aurkezten dudan proiektuak aztertzen du gobernu faxista italiarrak arkitektura arrazionalista nola erabili zuen, Afrikan zituen plan kolonialisten aldeko iruditeria eraikitzeko. Kolonietan aplikatutako estilo arkitektonikoa definitu zuten eztabaidak ditu aztergai, nola eratzen duen horrek populazio zibilarengan eragina duen narratiba bat eta hedapen kolonialarekiko duen jarrera. Proiektuak harremanetan jartzen ditu 1935. urtean gobernu faxistak metala biltzeko antolatutako kanpaina eta Libiako basamortua nekazaritza-eremu bihurtzeko zituen planak. Italiako kasuaren bidez, ulertu nahi du diskurtso nazionalisten eraikuntzan arkitekturak izan dezakeen rola. Miaketa hori instalazio baten eta bideo baten bidez formalizatzen da. Prozesua Proiektua abian jartzen da basamortuaren erdian arkitektura arrazionalistako etxe baten irudia aldizkari batean argitaratuta aurkitzean. Irudiak jakin-mina piztu zidan eta, bere jatorria bilatzean, istorio konplexu baten geruzak argitu nituen. Bertan, oso desberdinak diren hainbat elementu nahasten dira, hala nola Afrika iparraldeko herri-arkitektura, berbereen kultura, Erromatar Inperioaren ondarea, zinemarako makineria faxista, 1940ko Mostra Triennale delle Terre Italiane d’Oltremare, FIATek hedapen kolonialean izandako parte-hartzea eta kolonietan industria turistikoa sustatzea. Proiektuaren parte diren piezetan elementu hauetako batzuk harilkatzen saiatzen naiz: formalak eskulturen kasuan, narratiboak bideoaren kasuan. Esperientzia Erromak martxoaren 30ean egin ninduen harrera arratsalde eguzkitsu batekin. Urtebete Herbehereetako hotzean eman ondoren, nire ama-hizkuntzara eta Mediterraneoko berotasunera itzultzean, erraz-erraz egokitu nintzen, nahiz eta sartu zen azkena izan. Berandu nenbilen eta banekien hiru hilabeteko bekak ez zuela askorako emango. Helburu argi batekin lan egiteko erabakitasunez sartu nintzen Akademian, nirekin ekarri nituen erreferentzietatik abiatuta, eta desbideratzeak eta distrakzioak saihestu nahian. Baina jakin-mina baduzu, Erromak hozka egiten dizu eta ez dizu alde egiten uzten.

Nola egin anekdotikoaren eta garrantzizkoaren arteko marra, dena garrantzitsua iruditzen bazaizu? Nola bereizi zarata eta seinalea, 30 mendeetan zehar utzitako seinaleek inguratuta bizi bazara? Etruriarren ehorzketek ustekabeko lekuetara desbideratzen didate pentsamendua, eta opus reticulatumak, berriz, jatorrizko bidera itzultzen nau. Domus Aurearen fresko groteskoek nire irudimena pizten dute; EUR inguruko arkitektura arrazionalistak lurrera ekartzen nau. Bi mila urte baino gehiago dira Tibulok Urbs Aeterna izenaz bataiatu zuela Erroma. Eternitate bat beharko nuke ia Erromak agintzen duen guztia aurkitu eta nireganatzeko. ________ NICOLÁS COMBARRO Coruña, 1979. Hainbat forma artistiko erabiltzen ditu, hala nola argazkigintza, instalazioa edo zinema, eta, gainera, irakaslea eta erakusketen komisario independentea da. Artista gisa, banakako erakusketak egin ditu museo eta galeria hauetan: Maison Européenne de la Photographie (Paris), CGAC (Santiago de Compostela), MARCO (Vigo), Palexco (Coruña), Institut Français (Madril), OCEMX (Mexiko Hiria) eta Solo Galerie (Paris), Galería Moriarty (Madril), Kwanhoon Gallery (Seul), Galería Taché (Bartzelona) eta PABLO Gallery (Manila). Site specific piezak egin ditu I. Manila Bienale (Filipinak), Tabacalera (Madril), Kreativquartier (Munich) eta 42 Salón Nacional de artistas-en (Cartagena de Indias) eta Veneziako Arkitektura Bienalaren Espainiako Pabiloian parte hartu du, besteak beste. Beka eta sariak jaso ditu, hala nola Espainiak Erroman duen Errege Akademiaren beka, La Caixaren Fotopress 20. beka, Parisko Laureat de la Cité Internationale des Arts, PHotoESPAÑAren Off Jaialdiko erakusketa onenaren Saab saria eta INJUVE argazki-saria. Besteak beste, Interventions (RM), Arquitectura y resistencia (Cabeza de Chorlito argitaletxea) eta Arquitectura Espontánea (La Caixa Fundazioa) liburuak argitaratu ditu. Sotterranei. Argizko esku-hartzeak Erromak eta Napolik aberastasun handiko lur azpiko arkitektura-maila desberdinak dituzte. Ikusten ez dugunak, ezkutuan geratzen denak, lilura handia pizten du beti, eta argitua izateko eta “argitara ateratzeko” ahalmena. Proiektuak espazio horiek argitu nahi ditu argizko esku-hartzeen bidez, abstrakzio arkitektonikoetatik abiatuta. Argizko konposizioak dira, lurpeko forma

horietan zuzenean proiektatuta, eta aukera ematen digute ekintza artistikoaren eta karga arkitektoniko eta historikoaren arteko elkarrizketa sortzeko. Hainbat garaitako eraikuntzak, esku-hartzearen bidez aktibatzen direnak, orainaren eta iraganaren artean aldi batez zubi bat eraikitzeko aukera emanez. Oro har, monumentalak ez diren arkitektura funtzionalak dira, hala nola zisternak, akueduktuak edo harrobiak, ohiko bisitariari ezkutatzen zaizkionak. Lanaren zati garrantzitsu bat da bi hiri horien arkitektura kokatzea eta ikertzea, azaleraren eta lurpearen eta bien artean dauden geruza desberdinen arteko erlazioa ulertu nahian. Neurri handi batean hiriko ohiko bisitarientzat (baita bertako biztanleentzat ere) ezezagunak diren leku horietako argazki-dokumentazioa artxibo batean biltzen da, eta hori oinarria da collagearen edo marrazkiaren bidez hainbat lan-ildo sortzeko. Prozesua

teknikekin, fikzio dokumental bat sortzeko berrinterpretatutako errealitate batetik abiatuta. Esperientzia Espainiak Erroman duen Errege Akademiako egonaldia esperientzia pribilegiatua da arrazoi askorengatik. Proiektu sakon bat garatzeko erritmo egokian lan egin ahal izatea ia premia bat da arte garaikidearen testuinguruan. Bestalde, Akademiaren dinamika bera, gonbidatutako profesionalekiko trukea, instituzioko taldearen eta zuzendaritzaren lan bikain eta inplikatua eta, jakina, hainbat diziplinatako bekadunekin izaten den elkarbizitza aintzat hartuta, egonaldi hau esperientzia paregabea da. Gainera, Erromako hirian bizitzeko aukera, dituen historia, arkitektura eta artea edukita, ia betebehar bat da edozein artistarentzat, “Grand Tour” garaikide moduko bat, gure erreferente historiko eta kulturalekin topo egin eta elkarrekin bizi ahal izateko.

Erroma eta Napoli hirietako lurpeko espazioei buruz aurretik egindako ikerketa batetik abiatzen da proiektua, ikerketa baliagarria izan baitzitzaidan bi hiri horien azpian ezkutatuta dauden egituren kopuru eta aniztasun handia aurkitzeko. Erromaren kasuan, hiri garaikidearen azpian estratifikazio historiko handia dago, garaiak uztartzen diren iraulitako hiri bat balitz bezala. Arkitektura harrigarri horiek jatorrian lurrazpiko espazio ugari zituzten, baina, hiriaren mailaren igoerarekin, mendeetan ezkutatuta egon ziren, Berpizkundean berraurkitu zituzten arte. Rafael edo Michelangelo bezalako artista ugariren inspirazio iturri izan ziren.

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Vesuvioren itzalean dagoen mendi handi baten gainean eraikitako Napoliren kasuan, alde batetik, hiria eraikitzeko harrobi gisa erabili zituzten tunelez beteta dago, eta, gainera, egitura funtzional ugari daude: erromatarren garaiko akueduktuak eta zisternak edo lurpeko pasabideak, Galeria Borbonikoa kasu (XIX. mendea). Espazio harrigarri horietako batzuk Bigarren Mundu Gerran babesleku antiaereo gisa erabili ziren, eta horrek osagai emozional bat gehitu dio leku horien memoriari.

Hainbat sari jaso ditu, hala nola Genovako Bogliasco Fundazioan oraintsu egindako egonaldia eta Leonardo da Vinci beka Greziako Kretako Arkeologia Institutuan. Gainera, ikerketa-bekak jaso ditu Iparekialdeko Unibertsitate Nazionalean (Argentina, AECID), Mekneseko Moulay Ismaïl Unibertsitatean (Maroko) eta Alexandriako Arte Ederren Fakultatean (Egipto, ULPGC), baita Marie Curie IF ere Paduako Unibertsitatean (Italia). Buenos Aireseko Nuestra Señora de la Merced Basilikan eta El Fogón de los Arrieros, Chaco argentino Fundazioan ondasun higigarriak zaharberritzeko lanetan parte hartu du, baita eraikitako herri-ondarea kontserbatzen ere, hala nola San Ignacio Miníko jesuita eta guaranien aurriak Misionesen, Argentinan (UNESCOren Gizateriaren Ondarea), El Roque aztarnategi arkeologikoa Kanaria Handian, Kufsteingo gotorlekua Austrian eta Ora gaztelua Italian.

Esku hartzeko lana espazio horien kokalekua zehaztea, dokumentatzea eta ulertzea izan zen. Espazio horien gainean forma geometrikoak zituen argia proiektatu zen, eta, harkaitzean zulatutako murruak kolpatzean, forma organikoak sortu, eta arkitekturaren zati batzuk argitzen zituzten, orainaldi berri bat, begirada berri bat sortuz. Esku-hartze horiek argazkien bidez jaso, eta gero erakusketa-gunean aurkeztu dira formatu handietan, esku-hartzearen esperientzia birtuala eduki ahal izateko. Aldi berean, Erromako eta Napoliko arkitekturen gainazaleko deriba eta berraurkikuntzako lanak gainjartze arkitektoniko oso berezi bat jarri du agerian. Hori argazki-artxibo baten bidez landu da, eta haren gainean esku hartu da gero, mozteko eta collageko

ISOLINA DÍAZ-RAMOS Las Palmas Kanaria Handikoa, 1973. Arkitekturan doktorea Kanaria Handiko Las Palmaseko Unibertsitatean (ULPGC) (2016) eta Arte Ederretan lizentziaduna eta Ondarea Zaintzeko eta Zaharberritzeko espezialista Valentziako Unibertsitate Politeknikoan (UPV) (1998). Gaur egun, eraikitako herri-ondareko kolorearen dokumentazioan eta kontserbazioan oinarritzen du bere ikerketa.

Hiri ikusezina. Hiri-paisaiaren pigmentuak eta horien kontserbazioa Hiri ikusezina. Hiri-paisaiaren pigmentuak eta horien kontserbazioak Kanaria Handiko Las Palmas hirira eramaten gaitu XIX. mendearen amaieran eta XX. mendearen hasieran. Une horretan, Triana auzoa

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ixten zuen harresia eraitsi, eta hiria egungo portura zabaldu zen, arestian eraikitako Muelle de la Luz y de Las Palmas kaiarekin. Nolakoa izango litzateke eraikitzen ari ziren auzo horietatik paseatzea? Zein ziren arkitektura berrien koloreak? Hiri ikusezinak argitara ekartzen ditu Perojo kalearen inguruko fatxadak koloreztatzeko erabili ziren jatorrizko pigmentuak. Horretarako, zentro historikoetako kolore-azterketei buruzko dokumentazioa Kultura Ondasunak Kontserbatzeko eta Zaharberritzeko Nazioarteko Zentroan (ICCROM) egin da. Laborategiko analisiak Italia eta Espainiako zientzialariek egin dituzte. Ondorioz, pigmentu eta material originalez osatutako karta bat jarriko da ikusgai, kolore-geruzen azpian ezkutatuta dagoen hiria agerian utziz. Gainera, lagungarria izango da eraikinen jatorrizko pigmentazioa balioesteko, etorkizuneko kontserbazio-planetan kontuan hartu beharreko elementu historikoa izan dadin.

baitute kolorazio tradizionalari eta haren kontserbazioari lotuta. Aldi berean, ingurune abegitsua, sortzailea, diziplina anitzekoa eta elkarlanekoa izatea oso inspiratzailea izan da proiektua garatzeko orduan, eta sinergiak eta benetako harremanak sortu ditu Espainiako Akademiako eta beste akademia batzuetako kideekin. Nabarmendu nahi nuke zuzenean edo zeharka Erromako eta Espainiako instituzioetako zientzialariek, zaharberritzaileek eta langileek emandako laguntza eta izandako inplikazioa, hala nola Maura Borelli, Sara Ronca, María Mata Caravaca, Daniela Sauer, Davide Melica, Livio Ferrazza eta Gianfranco Priorirena, eta, bereziki, Ernesto Borrellirena, proiektu osoan egindako jarraipenagatik. ________ LARA DOPAZO

Prozesua Lehen hurbilketa egin da eraikin historikoen kolorearen azterketetan Italian izandako esperientzia zabalera, Kultura Ondasunak Kontserbatzeko eta Zaharberritzeko Nazioarteko Zentroaren liburutegian (ICCROM).

Marín (Pontevedra), 1985. Idazlea, Kazetaritzan lizentziaduna, Nazioarteko Lankidetzan eta Filosofia Praktikoan masterrak dituena, eta Estudos en Mancomún programa esperimentaleko parte-hartzailea. Programa horretatik sortu zen A través das marxes. Entrelazando feminismos, ruralidades e comúns obra, zeinaren koeditorea eta egilekidea den.

Era berean, ikerketa hau osatzen duten bederatzi etxebizitzak Akademian aztertu dira, eta hiru fitxaeredu desberdin egin dira. Horietan, eraikin bakoitzari buruzko informazio orokorra, ateratako laginen kokapena eta bakoitzaren deskribapena eskaini dira.

Besteak beste, Os lobos na casa de Esaú (Chan da pólvora, 2017) eta claus e o alacrán (Espiral Maior, 2018) lan poetikoak eta O axolote (Galaxia, 2020) narrazio-lana argitaratu ditu.

Hartutako 93 mortero-laginetatik % 32 hautatu, aztertu eta ikertu dira, eta, horretarako, era askotako tresnak erabili dira: 2D eskanerra, koloreen Munsell taula, mikroskopia estereoskopikoa, mikroskopia optikoa, ekorketako mikroskopia elektronikoa eta X izpien energien dispertsioko mikroanalisia (SEM-EDX).

Hiria eta ametsa

Kolore-banku tradizional bat lortzea tresna esanguratsua da, batetik, hiri baten jatorrizko pigmentuak eta, beraz, haren lehen identitatea erakusteko, eta, bestetik, eraikina osatzen duten material eta pigmentuetara hurbiltzeko, etorkizunean hiri-paisaia zaharberritzeko eta berreskuratzeko egingo diren esku-hartzeetan kontuan hartu beharrekoa. Esperientzia Akademiatik igarotzeak aukera eman dit azken urteotan eraikitako herri-ondarearen kontserbazio eta balorazioarekin lotuta garatu dudan ikerketa-ildoarekin jarraitu ahal izateko, eraikin historikoen jatorrizko kolorea aztertzera bideratuz. Ildo horretan, Erroma da esparrurik egokiena, hiriak berak eta bere instituzioek jakintza oso bat biltzen

Sublimea eta munstrokeriazkoa, monumentala eta txikia, epikoa eta mendekoa, maitasuna eta boterea, bizitza eta heriotza betiereko hiri batean. Horiek dira abiapuntu bezala erabiltzen diren dualismo batzuk —banaezinak eta, batzuetan, muga lausokoak—, Erromaren erretratu bat hemendik eta orainetik taxutzen joateko. Hirian zeharreko ibilaldi bat, kontakizunak duen ahultasunaren eta hiria osatzen duen eta bertan bizi edo ibiltzen diren pertsonak zeharkatzen dituen historiak duen pisuaren nolabaiteko kontzientziarekin eraikia. Zutabe horietan bermatzen da Hiria eta ametsa literatura-proiektua, iragaitzaz doan behatzaile baten begiradan harilkatuta historia, mitologia, artea, arkitektura eta literatura gurutzatzen diren saiakera poetikoa. Prozesua eta esperientzia Mahai gainean eta hormetan dozenaka argazki eta postal ditut, oharrak bisitatzeko eta argazkiak ateratzeko moduko lekuekin, hiriko leku batetik bestera eramaten nauten oharrak, begien bistatik galdu

behar ez ditudan irudi eta sinboloak gogorarazten dizkidatenak: El Dorado, eskultura heroikoak, aldirietako auzoetako tren-geltokiak. Nire estudioan mapak, zirriborroak, lerro dinastikoak eta kontzeptuen eskemak zenbatzen ditut. Ezinezkoa zait hiria ulertzea, eta, horregatik, bere iragan zaharra ikertzen dut. Argian bilatzen dut, akueduktuek marraztutako marra ikusezinetan, beleen karranketan. Hilabete hauetan, hirian neure burua bilatzen saiatu naiz, eta hau da aurkitu dudana: argia, iraganerako lerroak, karrankak, bizitza eta heriotza eskutik helduta ibiliz izkina bakoitzean, kale bakoitzean, parke bakoitzean. Dagoeneko neuretzat hartzen ditudan hildako batzuei loreak eraman nahi izan dizkiet, baina denak ere ez ditut aurkitu. Orduan galdu naiz freskoetan, alabastroetan, exedretan, mendeetan zehar, nire aurretik, ukitu dituzten esku guztiak asmatu nahian. Gianicoloko leku magiko honetatik igaroz ikasi dut hau: hiria beste begi, esku, belarri batzuekin hautematen, lehen niretzat existitzen ez ziren leku eta errealitateetan gelditzen. Inguruko pertsonek kutsa nazaten utzi dut, hain desberdinak jatorriz, diziplinaz, adinez eta munduan bizitzeko moduz. Pentsa nezakeena baino gehiago ikasi dut; dena kartografiatzen saiatu naiz, dena idatzi eta deskribatu ahal balitz bezala. Bizitzaz hitz egitera iritsi nintzen Erromara, eta batbatean neure burua ikusi nuen hitz egiten heriotzari buruz eta heriotzak bere bidean uzten duenari buruz, argiari buruz. Akademiara iristeko erabili nuen proiektua mila zatitan hautsi behar izan dut, jada ez baitzidan balio. Zatiekin beste bat idatzi dut, agian ez hain desberdina, baina nire hemengoarekin eta orainaldiarekin koherenteagoa, errealagoa; liburu bat, mintzo dena presentziez eta absentziez, maitasunaz eta izuaz, botereaz eta identitateaz, hiri honetako iragaitzaz, zeina ibai batera ainguratua den, ateak zabalik dituzten bere zazpi muinoekin, non haizeak behin eta berriz jotzen duen. Hiriak eta bere argiak zeharka nazaten utzi dut. Haren ondoren nitaz geratuko dena oraindik ezin da aurreikusi. ________

2018ko San Isidroko kanpaina ospetsuan, Madrilen inspiratuta diseinatu zuen Ferpal Sans tipografiarekin. Geroago, Espainiako Errege Akademiaren beka jaso zuen, diseinu-kategorian, Bruno Munariren “Liburu irakurtezinak” proiektua garatzeko. Gaur egun, Silvia freelance diseinatzailea da, eta Harvard eta Unu Motors marketarako diseinatzaile gisa egiten duen lana artista-jarduerarekin konbinatzen du, Arte Dekoratiboen Museoan edo Araña galerian erakusketak egiten. Era berean, Madrilgo Diseinuko Europar Institutuan irakasle gisa egiten duen lanarekin eta Domestikako sormen-ikastaro batekin uztartzen du. MN6 MN6 Bruno Munariren “Liburu irakurtezinak” (1949) lanean oinarritzen da. Irakurtezinak, ez dagoelako testurik, irakurtzeko ezer ez. Erabilera-eskulibururik edo erabiltzeko modu espliziturik ez duten artefaktu hauek itxuraz alferrikakoak dira. Hala ere, helburu argia dute: elkarrekintza bera, esplorazioa eta eskuzko aurkikuntza. Proiektuaren helburua da objektuarekiko miaketa fisikoa berreskuratzea, erabilera-eskuliburuekin eta gauzak erabiltzeko eta ulertzeko begi-bistako moduarekin haustea, eta gauzak ulertzea haiekiko harremanetan erabiltzailea aktiboki inplikatuz. Emaitza desaktibatutako papergintzako objektuen bilduma bat da, non erabiltzaileak jartzen dituen arauak. Desaktibatuta daude, diseinuak berak mugatu beharrean, erabilera irekia dutelako. Bildumak neurri eraldatuak dituzten arauak, 89º-ko eskuairak, okertzeko koadernoak eta abar biltzen ditu. Prozesua Proiektua garatu bitartean gauzatutako prozesua Munarik bere sorkuntzetan erabilitako diseinu-prozesu batean oinarritu da. Hiru multzo handitan banatuta dago, baina horrek ez du eragotzi teoria eta praktika etengabe txandakatzea.

SILVIA FERNÁNDEZ Madril, 1990. 2019ko Diseinuko Sari Nazionala, “Diseinatzaile gazteak” modalitatean. Arte Ederretan lizentziaduna Madrilgo Unibertsitate Konplutentsean. Ogilvy&Mather eta Designit diseinu estrategikoko agentzia eta aholkularitzetan lan egin du; azken horretan, 6 urte baino gehiago eman ditu bere ibilbide profesionalean. Bi urte eman zituen New Yorken, eta horrek aukera eman dio diseinua ikuspegi estrategikoago batetik ulertzeko. Kanpoan zegoela, Madrilekin harremanetan jarri, eta Madrilgo Udalarekin lankidetzan aritu zen

1. Ikerketa: fase teorikoa, Italiako mende hasierako diseinua eta bere didaktika alternatiboak ikertzekoa. Milanera bidaiatzea ere hartzen du barne, berarekin lan egin zuten editorialak bertatik bertara ezagutzeko. Fase honetan lehen prototipoak ere egiten dira. 2. Kontzeptua: ados ez egoteko eta prototipoak sortzeko unea, proiekturako hurbilketa desberdinak probatuz. Diseinu-printzipio batzuk sortzen dira, proiektuaren ondorengo erabakietan gida modukoak izateko. 3. Diseinua: garatu beharreko bide bat aukeratu ondoren, azken artefaktuak sortzen hasten dira, bildumaren zentzua eta pieza bakoitza banan-banan diseinatuz.

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Esperientzia Prozesuaren zatirik zailena ni izan naiz. Nire bezerorik onena eta etsairik txarrena izan naiz. Oraindik ez naiz ohitu talderik gabe, bezerorik gabe, epe finkorik gabe lan egitera. Hori dena ni izan naiz, proiektuak aurrera egin ahala neure burua ezagutzen. Egun batzuetan lortutakoaz harro, eta beste batzuetan nire eskakizunaz zapuztuta, baina beti ikasten. Ikasi dut egiten dudanaren etiketak ezabatzen. Diseinua dela, artea dela. Garrantzitsuena da zer eta nola. Era berean ikasi dut saltoki tradizionalek duten garrantzia, mendebaldeko beste hiriburuetan ia ez baitira geratzen. Bereziki Robertoren negozioa: Porta Porteseko merkatuan paper-gauza zaharreko postu bat. Hilabete hauetan izan ditudan hainbat aukera ez dakit ikasketa horiei esker atera diren: bakarkako erakusketa bat Stefania Miscetti del Trastevere galerian eta beste bat Milanen Corraini editorialean, zeinak liburu txiki bat argitaratuko didan datozen hilabeteetan. Dena den, kosta egiten zait 9 hilabete paragrafo bakan batzuetan laburtzea; horregatik egunkari bat idatzi dut, asteek aurrera egin ahala. Nire webgunean eskuragarri dago irakurri nahi duten guztientzat: www. silviaferpal.com ________ MARÍA ÁNGELES FERRER

oharretan. Munduan aditua da El Canto de la Sibila Erdi Aroko lana interpretatzen (UNESCOren Gizateriaren Ondare Immateriala). Opera espainiarrik ba al da? Roma Saria eta Espainiako nortasun musikalaren oinarriak 1873an, Madrilgo San Fernandoko Arte Ederren Errege Akademian Musika Sekzioa sortu zenean, Espainiako erregenerazionismo musikala zehaztu eta diseinatu zen. Horrela, Roma Saria sortu zen, Espainiako konpositoreei aukera ematen ziena Espainiak Erroman duen Errege Akademian hiru urteko egonaldia egiteko. Akademiak konpromisoa hartu zuen Madrilgo Errege Antzokian libretoa gaztelaniaz izango zuen opera bat estreinatzeko eta obra sinfoniko baten sorkuntza ordaintzeko, bai eta Berpizkunde eta Barrokoko Espainiako polifonista handien lan erlijiosoren baten edizio kritikoan transkripzioa egiteko ere. Akademiak Estatuaren laguntzarekin hartutako konpromiso horrek asmo erregenerazionista argia zuen, genero txikiaren eta zarzuelaren mugak gainditu nahi baitzituen, eta berezko errepertorio operistiko eta sinfoniko bati ekin nahi zion, garaiko Europako giro nazionalistarekin bat zetorrena. Proiektuaren helburua da argitara ematea RAERen egoiliar izandako Espainiako konpositoreei (18731888: Valentín Zubiaurre, Ruperto Chapí, Tomás Bretón, Felipe Espino eta Emilio Serrano) buruzko saiakera-liburu argitaragabea, barnetegian egindako ekoizpenaren katalogo aztertua eta Espainiako operaren sorrerari egindako ekarpena. Gainera, liburuantologia bat argitaratuko da, beren operetako aria hautatuekin.

Palma Mallorcakoa, 1973. Musikologian doktorea (2005) eta FAD-UNESCO-BBVAren “Ekintza Magistrala” sariaren irabazlea (2010). Musikologian Prozesua lizentziaduna (1996) eta Artearen Historian lizentziaduna (1996) Salamancako Unibertsitatean. Dok- “Irakasle, ba al da opera espainiarrik? Zergatik kantatoregoko ikastaroak egin zituen University of Lon- tzen dute soilik italieraz?” Hori da Bigarren Hezkundon-en (1996-1998). Piano, kantu, konposizio eta tzako eta Batxilergoko nire ikasleen ohiko galderetasolfeoko goi-maila eta musikaren teoria irakasten ko bat. Eta bai, Barroko eta Klasizismoaren adibide ditu, hurrenez hurren, Balear Uharteetako, Sala- gutxi eta bakan batzuk kenduta, fenomeno artistiko mancako eta Sevillako kontserbatorioetan. Bigarren ezezaguna da XIX. mendearen amaieran Estatuak Hezkuntzako Musika Irakasleen Kidegoko karrera- operari eman zion bultzada erabakigarria. Nerabezako funtzionarioa da (1998tik), musika-katedraduna roko irrika horiek eta gaiaren egoeran zegoen hutsuBigarren Hezkuntzan (2021), eta musikaren didak- ne nabarmenak ikerketara bultzatu ninduten, musikotikako irakaslea izan da hainbat unibertsitatetan. logia, didaktika eta dibulgazioa aintzat hartuta. Liburu hauen egilea da: Educar para ser felices (Amazon, 2021), Música y Educación Plástica-Comunicación Bi urte lehenago, aurrez bibliografiaren hustuketa Audiovisual (12 liburu, Aeon Editorial, 2020), Guías de eginda, Biblioteka Nazionalaren eta Juan March FunPlástica para Educación Secundaria (4 liburu, Aralia dazioaren funtsen eta garaiko prentsako hemeroteka XXI argitaletxea, 2018), Guía de Historia del Arte para digitalaren azterketa egitean, obra batzuk aurkitu Bachillerato (Aralia XXI argitaletxea, 2016), Dando la nituen, eta publikoaren eta kritikaren aho bateko nota (35 liburu, 18 CD, hezkuntzako best-seller-a Es- arrakasta. Ikerketa ezinbestekoa zen. Bide guztiek painian, Pearson, 2010), Tosca de Giacomo Puccini Erromara eramaten zuten, konpositoreak Akademian (Ediciones Universidad de Salamanca, 2007), Música izandako egonaldira eta beren operen sorrerara. BeProyecto Exedra (9 liburu, Oxford University Press, kak RAER eta Santiago eta Montserrateko Santa 2004). Eta ehundik gora artikulu atera ditu aldizkari Maria de los Españoleseko liburutegiak ireki zituen, espezializatuetan, kongresu nazionalen eta nazioar- gero Almagroko Antzerkiaren Museo Nazionaleko artekoen aktetan eta kontzertuen programari buruzko txibora eramango zutenak. Ondarea mugatuta, lanak

forma hartu zuen. Erromako garaiko nire soinu-banda beti egongo da lotuta soinu posterromantiko eta nazionalistekin, publiko handiak berriro ezagutzea eta melomanoek maitatu eta ahapetik kantatzea merezi duten obren soinuekin. Esperientzia RAER-a aurrerapen artistikoaren motorra da, non bizitza unibertsalaren funtsa, eta edertasunaren, askatasunaren, justiziaren, elkartasunaren, demokraziaren eta ontasunaren balio atenporalak harrapatzen diren. Horregatik, eskerrak eman besterik ezin dugu egin, lortutako aukeragatik, beka honek dakarren ametsetako lorpenagatik. Artistaren eta ikertzailearen bidaia hori ezinbesteko elementu didaktikoa da maisutasun pertsonala eta heldutasun intelektuala lortzeko. Honako hau nire laugarren egonaldia da Erroman. Turista nerabe nintzela izan nintzen 1994an (beka batekin Università per Stranieri di Siena-n). 2001ean itzuli nintzen Giacomo Pucciniren Tosca operako Erromako tokiak aztertzeko (doktore-tesia). 2016an berriz itzuli nintzen RAER-en bekaduna zen neba bisitatzera. Eta orain hemen nago berriro, zerbait ziklikoa, bilatua eta maitatua balitz bezala. RAER-en ongietorria eman nion 2019. urteari, guraso, senar eta seme-alabekin igarotako Urtezahar gau ahaztezin batean. Denbora, hemen, likido eta iheskor bihurtzen da, baina El Canto de la Sibilak Antonio Baciero maisuarekin hartu zuen forma Erretratu Aretoan, eta Daniel Oyarzabalekin, berriz, San Pietro in Montorio elizan, Cervantes Lizeo espainiarreko gazteak “Don Quijote musikan”-en inpaktuarekin harritu ziren bitartean. Eskerrik asko kide guztiei beren begirada konplizeengatik, solasaldi analogikoengatik eta Whatsapp bidez egindako txantxa eta iradokizun digitalengatik. RAER-ak, bera zuzentzen duen giza taldeak eta aldi batez bertan bizi garenok familia berri bat osatzen dugu, senza fine. ________ PABLO FIDALGO Vigo, 1984. Pablo Fidalgo eszena-sortzailea, idazlea eta zuzeneko arteen komisarioa da. Pieza eszeniko hauek estreinatu ditu: O estado salvaxe. Espanha 1939 (2013), Habrás de ir a la guerra que empieza hoy (2015), Público egunkariak (Portugal) urteko antzerki-ikuskizunik onena bezala aukeratua. Lan horiek, Mis padres: Romeo y Julieta (Pre-textos, 2013) liburuarekin batera, biografia pertsonal eta familiarraren bidez eratutako historiaren memoriari buruzko ikerketa-proiektu baten parte dira. 2017an Daniel Faria (Teatro Nacional Dona María II Lisboa) estreinatu zuen, eta 2018an bere azken ekoizpena, Anarquismos. Por el centro de la habitación corre un río más claro. Poema-liburu hauek argitaratu ditu: La educación física (Pre-Textos, 2010), El Culturalek 2010ean Espainian

argitaratutako 5 poesia-libururik onenen artean aukeratua, La retiración (Injuve Saria, 2012, Artesequienpueda ediciones, 2014), Tres poemas dramáticos (Ediciones Liliputienses, 2015), Esto temía, esto deseaba (Pre-textos, 2017) eta Crónica de las aves de paso (Rialp Ediciones, 2018, Adonais Sariaren akzesita). Bere poemak antologia desberdinetan bildu dira, eta bere liburu batzuk Argentina, Txile, Portugal eta Frantzian argitaratu dira. Eszenarako testu hauek idatzi ditu: Só há uma vida e nela quero ter tempo para construir-me e destruir-me (Ciclo Panos, Culturgest, Lisboa, 2015) eta Allez mourir plus loin (HTH, Montpellier, 2016). Eszenarako bere testuak liburuki hauetan daude jasota: Autobiografía de mi generación (MARCO, Vigo, 2014) eta Tres poemas dramáticos (Ediciones Liliputienses, 2015). 2019an Parangolé (Chan da pólvora), galegoz idatzitako bere lehen liburua, eta Anarquismos/Daniel Faria (Papeles mínimos) argitaratu zituen. Arte eszenikoen zikloetako komisarioa izan da MARCOrako (Vigo) eta Alhóndiga Bilbaorako. 2015etik, Cidade da Culturako (Santiago de Compostela) Escenas do cambio jaialdiko zuzendari artistikoa da. Qualcosa nascerà da noi Gure aurrean gizon bat, denboraz kanpoko presentzia bat, ezin zehatz dezakegun leku batetik hizketan hasten zaiguna. Aipatzen du 60 urterekin manifestu bat idaztea, izan ere, “adin honetan batek manifestu bat idatz dezake, /orain bai eta ez gaztaro betean,/ eta saia daiteke antzematen zein une zehatzetan gertatu zen bere benetako bizitza”. Gorputz bat, burua estalita, plastikozko poltsa bat buruan duela, dagoeneko 30 urte dituen maitasun batez ari dela, inoiz zehaztu gabeko, argitu gabeko intimitate batez mintzo dela. Gizon bat kontatzen diguna bera munduaren beste aldean geratu zela, eta duela 30 urtetik elkarri hitz egin eta idatzi besterik ez dutela egiten, azalean gertatzen dena baino errealagoa den aurrez aurreko bat sortzen dutela absentzian. Geure buruari galdetzen diogu, zer du politikotik ezinezko maitasun batek, zer erresistentziatik? Zer du erresistentziatik idazketak, hainbeste urtetan? Agian, Lévi-Straussek zioen bezala, testuaren esklaboak gara, baina esklabotza hori da daukagun gauza bakarra... Prozesua Erromara joan nintzen Sandro Penna eta Amelia Rosselliri buruz lan egitera. Beren bizitza ikertu nuen, hiria ulertuz joan nintzen irakurketen bidez, erdigune eta aldirietatik ibilaldiak eginez. Pixkanaka-pixkanaka, bi poeta handi-handi horiengandik urruntzen joan nintzen, agian handiegiak direnak edo nire oraingo interesetatik urrunegi daudenak. Gero eta gehiago piztu zidan arreta 1950 eta 1960ko hamarkadetako Erromak, erresistentzia politikoaren Erromak, Pasoliniren Erromak eta Nico de Alessandriarenak. Lehen asteetan ohitura nuen Ripa Grandeko pasealekuan pasieran ibiltzeko eta lan egiteko. Asko irakurri ni-

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tuen beste poeta batzuk, hain zuzen, Mario Luzi eta Cristina Campo. Cristina Camporen gutunak irakurrita, ulertu nuen maitasun ezinezko handia bizi izan zuela Mario Luzirekin. Eta irakurri nuen Erromako lekurik gogokoena Cristinarentzat Sant’Anselmoko abadia zela. Aventinoko parke eta elizen atze-atzean, nik Ripa Grandetik begiztatzen nuen horretan, duela 50 urte, bera goizeko seietako mezetara joaten zen, eta han, plaza hartan bertan, lagun batzuekin egoten zen, besteak beste, Alessandro Spinarekin. Erromako paisaia ezezagun eta misteriotsu horretan, eta nire ohiko lan egiteko moduarekin jarraituz, Juan Lorienterekin izandako elkarrizketetatik abiatuta, Qualcosa nascerà da noi ilunpetako pieza bat bezala aurkezten da, non gizon batek bere bizitza berraztertzen duen eta beste zerbait izateko, beste maitasun bat bizitzeko, munduaren aurrean beste modu batean aurkezteko aukerak agortzen dituen. Esperientzia Ripa Granden eserita zaude eta jada existitzen ez diren Marconirako itsasontzien ordutegiak ikusten dituzu. Centocelleko geltokian eserita zaude Mirti ostatuaren aurrean. Hilerri akatolikoan eserita zaude, Gregory Corsoren hilobi aurrean. Doria Pamphili parkeko belarretan etzanda zaude. Quarticciolo Antzokian edo Via Appian eserita zaude. Eserita zaude, erresistentzia-keinu bat balitz bezala. Sgombron zaude, Cinema Palazzon. Jose eta Lucíaren etxean zaude literatura unibertsalari buruz pontifikatzen. Eserita zaude Bifo entzuten eta jendea bere ondotik igarotzen da berari erantzuteko eta galderak egiteko. Caracallako termetan zaude, De Gregori entzuten. Olímpicon eserita zaude Tottiren gol bat ikusten. Lo egiten ari zara norbaitek San Lorenzon utzitako pisuan. Porta Portesen zaude, 5 euroren truke Quasimodoren sinadura originala duen liburu bat erosten. Largo Argentinako Feltrinelli kafetegian eserita zaude, amodioa egiteko nerabeek komuneko giltza elkarri nola pasatzen dioten ikusten. Bigarren eskuko liburu-denda faxista batean zaude, historiari buruz eztabaidatzen, baina libururik onenak eramaten. Passegiata handi baten erdian zaude, eta San Alessioko basilikan zaude, Aventinon. Carmelo Bene ikusten ari zara 1990eko hamarkadako Rain, Fontanonen bainatzen ari zara, eta ezin da jakin iristen ari zaren edo hiritik joaten ari zaren. Goizegi da jakiteko. Erromarekin istorio bat zegoen jada, hiria nahasten duzu eta hiriak nahasten zaitu. Hiriak ezin ditu zure kontraesanak jasan eta zuk ezin dituzu jasan bereak. Erdibide bat bilatzen saiatzen zarete. Aurkitzen duzue. Anna Talens Qualcosa nascerà da noi-ren entseguprozesu osoaren parte izan zen. Bere presentziatik eta gauza askori buruz duen ikuskeratik abiatuta eraiki ahal izan dugu pieza. Fernando Sánchez-Cabezudorentzat Storywalking Garbatella proiektuko pieza bat idatzi dut. Irailean prest egongo den argitalpen bat diseinatu eta argitaratuko du Silvia Fernández, Qualcosa nascerà da noi piezaren testuarekin, eta aurtengo memoria bat. Lara Dopazori eskertzen diot galizieraz

dauden nire bi liburuak zuzentzea. Laguna eta inspirazio handi-handikoa den Pedro G. Romerok gertutik jarraitu du sorkuntza. ________ PEDRO G. ROMERO Aracena, 1964. Artista gisa dabil 1985az geroztik. UNIA arteypensamiento eta PRPC-n (Politika Kulturalen Hausnarketarako Plataforma) hartu du parte Sevillan. Documenta14 Atenas/Kassel-eko artista partaidea izan zen. 1999 eta 2019 artean bi tresna handitan aritu da lanean: Archivo F.X. Eta Máquina P.H. Sacco. Erroma arpilatu, errepresentazioaren krisia eta flamenkoak Proiektu hau bere lanaren memoriako hasierako esaldi bat oinarri hartuta ulertu behar dela uste dut, jaiotzez erromatarra den Rafael Sánchez Ferlosiorena da esaldia eta 1994an argitaratu zuen: “Rodrigo, abesten dizkidazun harresien edertasuna ez dago inperio baten oroitzapen beti gorrotagarrian, baizik eta basapiztiaren hilotzaren gainean errefau horia berriro ere nola loratu den ikustearen bozkarioan.” Ulertu dezagun hori, bai; nola hazten den ulertu behar da, nola orientatzen den, “errefau hori eta umilaren” horia ikasi ikastea da kontua. 1572ko Erromako arpilatzearen pisu historikoarekin hasi zen proiektua, Karlos V.aren tropek bederatzi hilabetez arpilatu zuten hiria eta laster gertakari historiko hori “Sacco” forma mitikora hedatu zen, hau da, galiarrek, godoek, normandiarrek eta sarrazenoek Erroman historikoko egindako arpilatzeei aplikatu zaie atzera begira jarrita; eta aurrera begira jarriz gero, frantziarren arpilatzeak ulertzeko trama gisa irakurri izan da (batez ere XIX. mendearen hasieran Louvre sortzeko egindako inkautazioa), nazien okupazio garaian egindakoak ulertzeko ere bai eta, zergatik ez, 2019 honetan bertan nazioarteko kapitalarenak edo Mafia Capitalerenak ulertzeko. Errefau horia, gainera, ikuspegi berezitik aztertzen da. Hain zuzen ere, Gramscik ireki zuen ikuspegi hori, mendeko ikuspuntu hori. 1527an Francisco Delicadoren La Lozana andaluza lanean daukagu, Lazarillo de Tormes anonimoaren eta Alfonso de Valdésen Diálogo de las cosas ocurridas en Roma lanen arteko konkomitantzian; Giraldi Cinzioren Hecatommithin ere bai, Artemioren La zinganan edo Benedetto Fassanellik Vite al bando lanean edo Claudio Ferrik L’archivio dei notari di Luca izenekoan egindako azterketa legaletan; izan ere, batzuetan polizia-artxiboak oso iturri egokiak dira herriak nola hitz egiten duen jakiteko, azpitik zer doan ikusteko. Gure ustez hortik, ikuspegi horretatik, behatu dezakegu hemen flamenkoak (mendekoak, motxaileak, ijitoak, nomadak, buhameak) duen funtzionamendua, bitartekoa baita; xederik edo amaierarik gabeko bitartekoa, Giorgio Agambenek esango lukeen bezala, egiteko modu bat, nolabait esan; ekoizteko eremu bat.

Prozesua Errepresentazioari, irudiari, ikonoklastiari buruzko nire kezketan proiektu honek duen egiturazko izaerari buruz pentsatu behar dugu. Erromak esanahi ugari du horretarako. 2009an Archivo F.X.eko bigarren buletina aritu zen lan honen erromatar bideaz. Flamenkoek esaten duten bezala, Erroman egotea baino, erromatar egotea gehiago da. Edo romanó egotea, gaztelaniara joz gero, eta ondorioz, romano/romanó hitz jokoa egiteko aukera dut. Mendebaldeko artearen eta munduko beste toki batzuetako artearen arteko esanahi ezberdintasunak haragiztatzearen garrantziari lotuta daude zalantzarik gabe; ez dira jainkoak soilik gizon, emakume, animalia eta landare egiten, tradizio greko-erromatarrean bezala; irudien eragiteko moduan kristautasunak duen garrantzi teologikoa eta liturgikoa funtsezkoa da. Hori dela eta, errepresentazioko kiebra horiek anekdota historiko hutsetik haragoko garrantzia dute Erroman. Akademiako kategoria itxuratiak (1), artearen historiakoak —”barrokoa” edo “manierismoa” asmakuntza modernoak dira, abangoardien garaikoak eta ez dira kasualitateak— egite artistiko ororen indar anakronista ulertzeko balio digute, gutxienez bi garaitan aldi berean aritzen baita. Hori da gure lengoaiaren gaitasunetako bat, funtsezko eragilea da hain maitea dugun atzekoz aurrerako historia hori egiterakoan, adibidez, Walter Benjaminengan (2). Esperientzia Matteo Bincik (3) Erromako egun hauetaz galdetu zidan, nire lanean ebaki epistemologikorik baden edo jarraipena dagoen. Hau zioen, zehatz-mehatz: I tuoi lavori, sull’iconoclastia nell’Archivio F.X. e con il flamenco nella Macchina P.H., sembrano unire gli interessi nelle pratiche che svolgi in queste tue opere romane. Pensi che ci sia un “evento” in queste pratiche, nel senso che Alan Badiou conferisce alla parola? Sembra anche che non ci sia più quella tua ossessione di distinguere tra i diversi modi di fare. Dopotutto, il Sacco di Roma, come qualsiasi altro saccheggio, non cessa di essere “evento”. Pensi che sia lì, in questa presentazione della rappresentazione tra l’apparizione e la scomparsa dell’immagine, in questa intersezione che stabilisci tra una lettura dall’alto - la conoscenza accademica (4) - e dal basso - la conoscenza subalterna (5) -, proprio lì, in questo gesto, che risiede il massimo potere di una rappresentazione, di un’immagine? (1) Zalantzarik gabe, Aby Warburgek bestialismoari eta aztikeriari buruz idatzitako testuek, Aita Santua piztia itzel gisa irudikatzen zen paskin protestanteen (Durero) eta 1527ko sacco edo arpilatze ospetsua iragartzen zutenen azterketak, animalia batzuei behin betiko sarrera eman zieten errepresentazio baten esanahiari buruzko nire ikerketa luzean. Urte batzuk baziren animaliekin lanean ari nintzela, animoteekin Derridak esaten duen bezala, eta animalien esanahi kultural eta enblematikoari ikuspegi optikoa gehitu nahi nion, animaliek munduan egoteko zuten modua,

etologia eta ekologia. Ikuspegi bat ematen saiatzen ari nintzen, gutxi balitz bezala. Harrigarria da egiteko honek zenbat galdera eta zalantza berritzaile ekartzen dizkigun. Harriduraz eta galderaz josten zara. (2) José Bergamínek baloratu zuen cante flamenkoan animalia kutsuko zerbait, munduan egoteko dugun modurik zoologikoena. Juan El Camasek, ironiaz beterik aipatu zigun behin oiloak, astoak eta zakurrak zirela gure klasetik urruntze honen azken xede. Hori da inteligentzia naturala Camasek! Hementxe gaude, pajata romana batekin ospatuz gure izate hau, gure osagai diren kultura eta barbarie hau. (3) Matteoren galderan bertan dago erantzuna ere, gurutziltzatzea. Isidoro Valcárcel Medinak honela dio, gregeria bat bailitzan, “bidegurutze bakoitzean dago gurutziltzatzeko aukera”. Bai, horixe da gurutzeen potentzia. “Bizitza gurutzez beteta dago bidean”, esaten du adaggioak eta hala da, nire bizitza, beste edonorena bezala, gurutzez josita dago, horrek duen polisemia osoarekin. Horren berri emateko aukera gutxi izaten da, baina Erromako bederatzi hilabete hauek beharbada horretarako egokiak dira, hau erakusteko egokiak, erakutsiren esanahi guztiekin. (4) Praktika artistiko batzuk oso konplexuak direnez, zailtasunak dituzte munduarekin 1:1 eskalan bat etortzeko eta ia ezin izaten dira ezagutu. Horren adibide dugu Borgesen kartografoaren kontakizun bikaina. Arte politikoa kostunbrismo moduko zerbait den garai honetan, kontzientzia onaren eta heziketa onaren gauzak, ez litzateke esanguratsua aipatzea poiesis, esthesis, edo gure egiteko moduari deitu nahi diogun bezala, polisetatik kanpo gertatzen dela, literalki, politikaren aldirietan. Honek garrantzi erlatiboa du, forma eta modu horien zirkularra beti politikoa dela dakigunean, hiriaren barnean, eta hor baldintza materialak, sozialak, ekonomikoak eta, azkenik, politikoak besterik ez daude. Dena dela, garrantzitsua da aldebikotasun horren berri izatea, nolabait ere praktikara eramaten jakitea eta eraman ahal izatea. Beti miretsi du baldintza bikoitz hori flamenkoan; batetik arte marjinala da, eszentrikoa, eta bestetik, erdigunean dago, hegemonikoa da nortasuna ulertzearekin, topikoa ere bai Espainian bizi naizen erkidegoan, Andaluzian. Seguru asko, flamenko horiez dudan interesaz zerbait esaten du erakustaldi horretarako gai izateak. (5) Horregatik, Erroman Ludovica Manzetti, Matteo Binci edo Massimo Marzonerekin egin dudan lana garrantzitsua izan da. Baina Helsinkira egin zizkidan gonbidapenak ere Erik Beltránek Gerald Rauningekin; Oportora André Sousak eta Ana Laranjak edo Bergenera, Norvegian, Iris Dressler-ek eta Hans Christ-ek; Erroma beste modu batera pentsatzeko lagungarriak izan ditut. Edo José Jiménez Boboterekin, Stephan Volksinger-ekin, Raúl Rodríguez Refreerekin, Teresa Lancetarekin, Isaki Lacuestarekin, Filiep Tack-ekin, denak dagoeneko apur bat erromatarrak.

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JORGE GALÁN El Salvador, 1973. Eleberrigilea eta olerkaria. Espainiako Errege Akademiaren saria 2016an Noviembre eleberriagatik. Casa de América de Poesía Americana saria, Medianoche del mundo lanagatik. Mexikon argitaratutako lanen Premio Iberoamericano Jaime Sabines, 2012an, El estanque colmado lanagatik. Adonais saria, Madril 2006, Breve historia del Alba lanagatik. Prestigio handiko argitaletxeetan argitaratu ditu lanak, hala nola Tusquets, Visor, Pre-textos, Penguin Randon House, Mondadori edo Alfaguara Infantil. Hainbat hizkuntzatara ere itzuli dira: alemanera, italierara, nederlanderara edo grezierara. El olvido y la sangre. Migración mesoamericana en Italia: un intento desesperado por escapar de la violencia Proiektu honetan eleberri bat idatzi behar du migrazioa ardatz hartuta: migrazioaren zergatiak eta ondorioak. Liburua benetako gertaeretan oinarritzen da, eta Erdialdeko Amerikako herrialdearen egunerokotasun beldurgarria erakutsi nahi du, munduko herrialde bortitzenetako bat baita, bai eta migratzaileen esperientzia negargarria ere, familiengandik urrun bizi baitira, eta, ahal duten moduan, beraiena ez den kultura batean integratzeko prozesua jasaten dute. Mesoamerikatik migratzen duenak, indarkeriatik ihes egin nahi du, eta bere senitartekoek geroago gurutzatu ahal izango duten zubi bat egiteko ilusioarekin migratzen du, nahiz eta hori ez den beti gertatzen. Drama bikoitz honen berri eman nahi du eleberriak, iristen denarena eta geratzen denarena, heriotzaren aurkako lasterketa moduko bat baita. Bestalde, gero eta handiagoa den arazo baten berri ere emango du: Erdialdeko Amerikako taldeek (pandillek) Espainian eta Italian duten delinkuentziarena, indarkeria esportazio produktu gisa. Prozesua Nire ikerketa-prozesua Akademiako egonaldia baino bi urte lehenago hasi zen, ia kasualitatez, Milanera egin nuen ikustaldi batean. Iparraldeko hiri horretan uste ez nuen zerbait aurkitu nuen: azken urteetan asko hasi zen El Salvadorreko komunitate bat. Nire herrialdean kokatutako eleberri bat aurkeztera joan nintzanez Milanera, komunitate harekin hitz egiteko aukera izan nuen. Datu bat eman zidaten: taldeen indarkeriatik ihesi etorri ziren arren, indarkeria hark honaino jarraitu zien. Etsigarria iruditu zitzaidan. Gertatzen zenaz ikertzen hasi nintzen, ez soilik Milanen, baita Europako beste hiri batzuetan ere, Madrilen, Bartzelonan edo Erroman bertan. Drama inplizitu bat zegoen guzti hartan. Taldeek egindako erailketen berri ematen zuten egunkariek eta San Salvadorren egunero gertatzen direnak bezain bortitzak ziren haietako batzuk. Gertatzen zenaz idatzi nahi nuela ohartu nintzen, jazarpen arraro hau jasaten zuten pertsonez. Beraz, historia orokorra ez ezik, migrante

horietako askoren historia pertsonala ere jakin nahi nuen. Garrantzitsua zen niretzat beren herrialdetik zergatik alde egin zuten kontatzea, dena atzean utzita; sakrifizio mota horrek zer esan nahi zuen erakustea. Eta konturatzea, hala ere, beren bizitzak ez zirela espero adina hobetu. Erromari iritsi bezain laster hasi nintzen idazten. Goizero idazten nuen kontatu nahi nuen historiaren zatitxo bat; San Salvadorreko indarkerian murgilduta zeuden mutilei buruz idazten nuen, dena utzi eta herrialdetik irtetera behartzen zituen arrazoi ilunak azaldu asmoz. Laster lan hori obsesio bihurtu zen. Inoiz amaitzen ez zen trantze moduko bat zen. Liburuaren gaiaren ondorioz informazio bila nenbilen etengabe: albiste bakoitza, tokiko protagonistaren baten elkarrizketa bakoitza, egunkari edo sare sozial batean agertutako historia bakoitza edo ezagutzen nituen pertsonen bidez jakindakoak. Eta horrela igaro ziren egunak, asteak, hilabeteak, eta idazketa aurrera egin zuen, hasierako planaren arabera osatu zen arte: hogei kapitulu txikitako sei zati eta amaiera bat. Esperientzia Espero ez nuen aberastasuna izan zuen Erromako esperientziak. Eta Akademian bizi zen artisten komunitateari zor zaio hori batez ere. Askotan bakarka egiten den lana da nirea. Eta beste arteez elikatzen banaiz, liburu edo dokumentalen bidez egiten dut. Beraz, plastikako, diseinuko, kantuko, dramaturgiako artista horiekin guztiekin topo egitea modu askotara elikatzea izan zen. Horregatik bakarrik ere izan zen esperientzia hau, lehen ezagutzen nuen guztia ez bezalakoa. Bizi izan dudan guztiaren ondoren, Erroma niretzat bada, hau da, esanahi bat du niretzat, ez da izen soila, ez da urruneko zerbait, oroitzapenez betetako leku bat da, eta oroitzapen horiek nireak ere badira. Hiri hau eta Akademia, jada, ahaztezinak dira, eta beti laburregiak irudituko zaizkidan hilabete hauek, berezko distira dute. ________ BEGOÑA HUERTAS Gijón, 1965. Filologia Hispaniarrean doktoratua Madrilgo Unibertsitate Complutensean, Visiting Lecturer izan zen Michiganeko Unibertsitatean eta Bartzelonako Unibertsitateko Azterketa Biografikoen Unitateko ikertzailea izan zen. Casa de las Américas saiakera arloko saria lortu zuen 1994an. Edizioaren sektorean egin du lan eta hainbat komunikabidetan lankidetzan aritu da. UAMeko Humanitateen Masterrean Idazketa Sortzailearen lantegia ematen du. A tragos kontakizunen liburua eta Déjenme dormir en paz (Kultura Ministerioaren Sorkuntzarako Laguntza beka), Por eso envejecemos tan deprisa, En el fondo eta Una noche en Amalfi eleberriak idatzi ditu. Azke-

nengo hau italierara itzuli du Edizioni E/Ok. Bere azkenengo liburua El desconcierto da. La manía de entender La manía de entender berez De rerum natura (K.a. I. mendea) poema filosofikoari egindako keinu bat da; Lukrezio erromatar olerkariak idatzi zuen bizitzaren eta heriotzaren zikloaz ikuspegi zientifikotik aritzeko, beldurraren aurkako antidotorik onena ezagutza edo jakintza zela uste baitzuen. Leku bakar batean girotuta eta pertsonaia-talde txiki batekin, nire eleberriak bizi-egoera baten metafora da, identitatearen, gorputz/buru bikoiztasunaren, segurtasunik ezaren eta autoengainuaren gaia aztertzeko. Idaztea ezabatzea da, zuzentzea. Askotan kentzea da kontua, harri bat lantzen ariko bazina bezala. Kasu honetan, idazketa-prozesua bera obra independente bihurtu da. Testutik kanpo eta barruan, generoen eta diziplinen arteko nahasketa aztertu nahi dut, eta, ildo horretan, lehen zirriborroko orrialde batzuek aztertzeko ahalegin hori islatzen dute, -askotan zapuztu den- ikusteko ahalegin hori. Arrazoimenak agindutakoa intuizioak ezabatzen du, eta arrakala horretan suma daiteke agian egia. Paperetan idatzitako oharrak ere argi-ilunen joko bat dira, non itzalpeko eremua sumatu egiten den, eta begi-bistakoa gogaikarria da. Azken batean, “Ulertzeko mania” horri aurre egitea da kontua, pentsamendu analitikoari ikuspegi intuitiboagoa eta sentsorialagoa gehituz. Prozesua eta esperientzia Erromara iritsi nintzenean eleberriaren lehen zirriborroa nuen neurekin, balio ez zidan arren besterik gabe albo batera ez bainuen utzi nahi. Molde zurrunegi batean hesitu nintzela sentitzen nuen, gaien azalean geratzen zen narrazio estereotipatu batean. Ariketa literario gisa balio zezakeen, baina nire asmoa harago joatea zen, eta benetan ulertzea zergatik bideratu nuen horrela gaia eta horrek berekin zekarren guztia. Iritsi bezain laster, bigarren zirriborro bat idazten hasi nintzen, idazketa eta nire gelako espazioa (Akademiako espazioa) nire egitea txandakatuz, baita lagunak ezagutu, auzoan eta hirian zehar ibili ere. Museoetara joan nintzen, kontzertuetara, diziplina ezberdinetako jendearekin hitz egin nuen, paseo ugari egin nuen. Hilabetera atera nuen lehenengo zirriborroa karpetatik eta begira geratu nintzaion. Zuzentzean amorrurik handiena eman zidaten orrietako batzuk hautatu nituen (boligrafo gorriz ezabatutako esaldiak zituzten, paragrafo osoez barre egiten zuten harridura ikurrak), eta hartu brotxa bat eta lorategiko eskaileretan esmalte sintetiko beltzez estali nituen. Bat-batean, baliagarritasunaren kontzeptua hankaz gora jarri zen. Balio ez zuten orriek, orain balio bikoitza zuten: alde batetik, zer ez nuen egin nahi jakiteko, bestetik, lan bisual bihurtu ziren, ulertzeko egin nuen ahalegin —zapuztuaren— metafora bat.

Horixe zen nire eleberriarentzat nahi nuena: Pentsamendu analitikotik aldentzen saiatzea, dena ez intelektualizatzea eta zentzumenari eta intuizioari tarte handiagoa ematea nahi nuen, “izan behar zuenaren” kortse zurrunak ez baitzidan funtzionatu. Prozesu hori ez zen horrela garatuko hemen egon ez banintz: Lehenik eta behin, estimulu oldeagatik; monumentuen, museoen eta kaleen estimuluak, goizero balkoia irekitzean jasotzen nituenak, Akademiako hormen argia eta kolorea, lorategiaren gaineko zerua edo eguzkiak nire lan-mahaiko paperetan egiten zituen itzalak. Bigarrenik, beste diziplina batzuetako artistekin bizi eta ekarpen oso erabilgarriak egin dizkidatelako, akuilatu egin nautelako, hasi hostoekin parafina probatzeko iradokizunetik eta pintura mota desberdinen mailegura arte edo egin dizkidaten irakurketarako erreferentziengatik. Akademiako egonaldian literaturaren arlotik kanpoko obrak eta egileak ezagutzeko aukera izan dut, erreferentzia-puntuak ditut orain eta sustatu ere egin naute nire obraren deriba honetarako: Emilio Isgroren le cancellature edo Concha Jerezen idatzi autozentsuratuak. Esplorazio plastiko honekin batera, eleberriaren idazkerak bere bidea jarraitu zuen. Baina ordenagailuaren aurrean esertzen nintzenean, nire jarrera bestelakoa zen. Errazagoa zitzaidan eramaten uztea, narrazio klasiko baten molde zurruna apurtzea eta poesiatik hurbilago zeuden lerroekin esploratzea. Uste dut eleberriak pisu eta interes handiagoa hartu duela, zeren eta eleberriaren beraren barruan elkarrizketa bat ezarri da lehen zirriborroarekin, izenburua tarteko: ulertzeko mania hori eta horrek dakarren guztia. Nire idazkeraren ondorioz eleberri hedatua edo esaten zaion horietako bat sortu da eta hemendik aurrera aukera asko irekitzen direla sentitzen dut, esploratu nahi ditudan adierazteko moduak. ________ JULIA HUETE Orense, 1990. Arte Ederrak ikasi zuen Pontevedrako fakultatean eta trukeak egin zituen Portoko Unibertsitatean (Portugal) eta Guadalajarakoa, Jalisco (Mexiko) eta Arte Zuzendaritzako masterra du. Bere lana zenbait saritarako hautatu izan da, hala nola Galiziako Auditorio Saria Santiagon, Mostra Gas Natural Fenosa, Novos Valores eta saritua izan da Isaac Díaz Pardo Arte Plastikoen Lehiaketan, Orenseko Diputazioarenean edo Vigoko Unibertsitateko pintura Lehiaketan. 2013az geroztik erakusketa kolektiboak egin ditu Galizian, Kopenhageko Kvit Galleryn eta Madrilgo Centro Centron. Nescis, ploras, agis, cav(e)bis (Ez dakizu, negar egiten duzu, mugitu egiten duzu, kontuz ibiliko zara) Abstrakzioa lantzen dut pinturan eta marrazketan, hainbat teknika eta bitarteko erabiliz, betiere hizkuntza gisa ulertzen saiatuz. Nire piezak prozesuen

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artean garatzen direlako eta material jakin batzuk izaten dituztelako definitzen dira, eta horiek piezaren identitatean eragina izaten dute azkenean. Diziplina bakoitzaren ezaugarririk oinarrizkoenak zeintzuk diren aztertu nahi dut, haiekin batera beren esentziari eta aukerei buruz zentzu estetiko eta kognitiboan hausnartzeko. Horrela, nire kezka-guneak forma abstraktuek eta gutxieneko unitate narratibo eta materialek testuinguru garaikidean pinturaren prozedurak eta aukerak zalantzan jartzeko duten gaitasun enuntziatiboa dira. Azken batean, pintura eta lengoaia. Lanaren ikuspegi horretatik, pintura eta poesiaren arteko harremanera bideratutako saiakera plastiko bat egitera etorri naiz Erromara. Azkenean, pintura klasikoaren behaketatik eta azterketatik irten den lan-gorputz bat sortu da, eta funtsezko elementuak detektatzen saiatu da (objektibotasuna, irudikapena) logika garaikidetik. Titulua, Tabula Lusoriatik atera da, Caracallako termetan dagoen jolas batetik, eta nire hemengo bilakaeran bereziki agertzen diren sormen-prozesuaren hainbat alderdiri egindako keinua da, hala nola intuizioari, deribari edo erabakiari. Prozesua Proiektu artistiko bat garatzea beti da konplexua; aurretiazko helburuen eta unean uneko beharren artean tentsioa dago, eta horrek erantzukizuna eskatzen du. Akademian egonez gero, eta are gehiago Erroman, erantzukizun-sentsazio hori areagotu egiten da. Alde batetik, hain kontsakratua izan den erakunde batek zugan jarri duen konfiantza dago, eta bestetik, Erromak bere karga historiko guztiarekin eta bere gehiegizko eta betierekotasun identitatearekin ematen duen informazio jario ukaezina, zer egin dezake batek bere estudioan San Luigiren Caravaggioak bisitatu ondoren? Nire kasuan, erantzunik egokiena isiltasun iragazkorrarekin hastea izan da. Edertasun eta birkontestualizazio honen guztiaren artean, egokiena museoetara bisitak eginez eta tailerrean landa-lana eginez hastea zela erabaki nuen, probak eta irakurketak erabiliko nituen horretarako. Eta hala egin nuen lehen hilabeteetan. Pixkanaka, interes kontzeptualaren fokuaren eta nire praktika artistikoaren inguruan itxitura bat egitea lortzen dut. Intuizioak gidatutako aldi baten ondoren, lengoaiak eta pinturak inoiz baino presentzia handiagoa dute egindako lanak planteatzen dizkidan hipotesietan. Kolorea, errepresentazioa, konposizioa, objektibotasuna, alegoria edo materialtasuna dira asmo sentibera batetik sortutako piezen zentzua mugatzen hasteko erabili ditudan elementuetako batzuk. Erabaki formalak dira, eta ahozko lengoaiarekiko autonomia duten arren, ondorioak dituzte. Azken finean, obra baten izaera estetikoa da obrak berak planteatzen duen erronka kognitiboaren zati (gutxienez).

Akademiako egonaldiak eskaini didan deriba eta hausnarketa prozesua oso garrantzitsua izan denez, izenburuan hori esatea erabaki dut. Esperientzia Hasierako saio haiek gorabehera, zaila da Akademian lanbidea eta bizitza pertsonala isolatzea, eta hemengo esperientziaren oinarrietako bat da. Zenbait alderdik baldintzatzen dituzte sormen-prozesuak: egoiliar gisa egiten den denborak, leku pribilegiatuak, beken diziplinartekotasunak eta adinen heterogeneotasunak. Egonaldian zehar zalantzarako, akatsak egiteko eta asmatzeko astia izan dut, eta horrek guztiak heldutasuna ekarri du, bai prozesuetara, bai nire bokazioari aurre egiteko modura. ________ MARÍA MORALEDA Toledo, 1988. Madrilgo Kontserbazio eta Zaharberritze Goi Eskolan Pintura zaharberritzean tituluduna eta Unibertsitate Complutensean Artearen Historian graduatua. 2011 eta 2013 artean Prado Museoko Pintura Zaharberritzeko beka jaso zuen, eta 2014an, Kultura Ministerioaren FormArte. Ondare Nazionala, Casa de Alba Fundazioa edo Madrilgo Erkidegoko Ondare Historikoa bezalako erakunde ospetsuentzat ere lan egin du. 2020ko azarotik Pradoko Museo Nazionaleko zaharberritze tailerrean dabil. Zaharberritze garrantzitsuetan parte hartu du, eta Ondare Nazionalean dagoen Van der Weyden Kalbarioa nabarmentzen da, besteak beste. Zenbait erakusketetan lankidetzan aritu da, esaterako, El griego de Toledo (Museo de Santa Cruz, Toledo), El Hermitage en el Prado (Prado), De Caravaggio a Bernini (Ondare Nazionala) eta Treasures from the House of Alba (Meadows Museum). Zaharberritze artea XIX. mendean. Italia eta Espainia arteko harremanak XIX. mendearen erdialdean, eta ia aldi berean, argitaratu ziren Italian eta Espainian pintura zaharberritzeari buruzko lehen tratatuak. Zaharberritzea diziplina autonomo bihurtu zen, helburu artistikoa duen praktika piktorikotik bereizia, mende osoan zehar pixkanaka espezializatu, lana sistematizatu eta irizpide modernoak aplikatu izanaren ondorioz. Garatutako proiektua Espainiaren eta Italiaren arteko harremanei buruzko ikerketa da, pintura zaharberritzearen arloan. Hemeretzigarren mendeko artisten arteko ideien eta praktiken trukea etengabea eta zuzena izan zen, eta horrek, zalantzarik gabe, ondorioak izan zituen zaharberritzearen esparruan. Truke horiek Erroman bizi ziren espainiarrekin (José de Madrazo eta Juan Antonio Ribera, besteak beste) eta Madrilen ezarri ziren italiarrekin (Manuel Napoli eta Pedro Kuntz, esaterako) egin ziren.

XVIII. mendeko azken urteak eta XIX. mendeko lehenengoak tira-bira askokoak izan ziren Europan Napoleonen kanpainen ondorioz, eta ondare artistiko ugari suntsitu zuten gerrako garaikur bezala. Frantsesek esku-hartze ikusgarriak eta inbaditzaileek egin zituzten italiar eta espainiar ondarearen obra enblematikoetan, eta horrek errezeloak eta kritikak eragin zituen bi herrialdeetan;badirudi, beraz, jatorrizko obrarekiko antzeko sentsibilitateak eta errespetu handiagokoak zituztela. Espainian lan-irizpideak eta -metodoak ezartzeak zuzeneko lotura duela dirudi aurreko italiar prozedurekin, hala nola pinturari ukituak emateko legeltxor-berniza erabiltzearekin edo igeltsua eta kola urmaeletarako iztuku gisa erabiltzearekin, Polerók 1853ko tratatuan aipatu bezala.

mako espainiar ingurunearekin zuen harremana. Esperientzia Erromako espainiar Akademian egotea, zalantzarik gabe, esperientzia errepikaezina da, aparteko inguruabarrak baititu. Proiektu propio batean lan egiteko aukera duzun aldi berean, beste egoiliarrekin bizi zara, eta adiskidetasun-loturak egiteaz gain, etengabe ikasten ari zara. Diziplinarteko eztabaida interesgarriak sortzen dira, beste pertzepzio eta sentsibilitate batzuk daudela ohartzen zara, eta bereziki aberasgarriak izaten dira talde oso heterogeneoa delako, hainbat diziplinakoa, bizitzako etapa desberdinetan dauden pertsonak izaten dira eta bide desberdinak jarraitu ditugunak ere bai.

Emaitzak argitaratuz gero, hedapen handiagoa izaten zuen zaharberritze arloko profesionalen artean eta Artearen Historiari ekarpena egiten zitzaion, gutxi aztertutako eremu batean.

Akademiak, Espainiako eta Europako kulturarako erreferentziazko leku gisa, beren esperientzia partekatzen zalantzarik ez duten profesional ugari hartzen ditu, betiere eskuzabaltasunetik eta konplizitatetik abiatuta. Eta hau guztia Erroman gertatzen da, deskribatu ezin den hiri batean.

Prozesua

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Espainiako Akademiako egoitzan egindako ikerketa zehaztuz joan da egonaldiko hilabeteetan. Gaiak sakonduz eta Erromako artxiboak eskura izanaz, hainbat ikerketa-bide ireki dira, eta horien ondorioz, Espainian zehaztuko diren zenbait artikulu argitaratu nahi dira, aztertutako pertsonaietako batean zentratutako ikuspegi espezifikoagoa duen bakarren bat, barne. Informazio asko erabili denez eta aurretik aztertu gabeko eremua denez, ikerketa handiagoa planteatzeko gai zabala eta konplexua dela argi dago, doktorego-tesia egin daiteke. Hilabete hauetan lortutako dokumentazioak eta azterketak daude ikerketa honen oinarrian, eta prozesuaren ezinbesteko parte dira. Alde batetik, XIX. mendeko zaharberritze piktorikoari eskainitako bibliografia italiarraren berrikuspen historiografiko zehatza egin da, zaharberritzearen historia bera gehiago aztertzen duena Espainiako kasuarekin alderatuz gero, bai kantitateari bai espezifikotasunari dagokionez. Pintura zaharberritzearen esparruan italiar testuingurua ezagutzea zen xedea, nahiz eta oso panorama heterogeneoa eta konplexutasun handikoa izan, batez ere ikerketa Italiako eskualde ezberdinetara zabaltzen badugu. Espainiako argitalpenak ere berrikusi dira, esan bezala, gutxiago aztertu baitira, eta etorkizuneko argitalpenen zain baitaude. Bestalde, XIX. mendean, batez ere lehen hamarkadetan, Erroman bizi izan ziren artista espainiarrei buruzko ikerketak berrikusi dira, bai eta horiek zaharberritze piktorikoaren esparruan nola sartu ziren ere. Artxiboetan eta lehen mailako gainerako iturrietan saiatu gara horien berri izaten, esaterako, prentsa idatzian. Era berean, gure ikerketarako bereziki interesgarriak diren italiar pertsonaia batzuk aztertu dira, hala nola Pietro Palmaroli zaharberritzailea eta Erro-

MARTA RAMOS-YZQUIERDO Saint-Mandé (Frantzia), 1975. Kuratore independentea, 2013az geroztik lan artistikoaren kontzeptuaz ikertzen du; lan horren lan-baldintzez eta gizartearen pertzepzioaz. Historias em display (WT) taldeko kide izan da Brasilen, narratiba historikoetan txertatze kritikoak egiteari buruzko lankidetza-proiektuan. Bere programa nabarmenenetakoak hauek dira: Partir do erro, TRABALHE – FAÇA +, Ícaro Lira: Campo Geral, São Paulon; La Historia la escriben los vencedores, Felipe Ehrenberg 67//15, After, Depois, Según, Madrilen; Munárriz:Sulla curva chiusa, Cagliarin; The way you read a book…, Munichen; eta Aplicación de las teorías de flujos, Carlos Amorales eta Los Torreznos-ekin, Buenos Airesen. Artearen Historian lizentziaduna UCMn, Kudeaketa Kulturaleko Masterra (Instituto Ortega y Gasset) eta ICI New Yorkeko kuratorea (Bogota, 2013). Txilen bizi ondoren, 2009an Brasilera joan zen eta Baró Galeria zuzendu zuen. 2012an eta 2013an Pivô Arte e Pesquisa-ko (São Paulo) zuzendaria izan zen. LOOP Barcelona 2017ko arduraduna izan da. Praktika kuratorialen irakaslea da Escuela SUR Masterrean (Carlos III Unibertsitatea, Círculo Bellas Artes). Zenbait artistentzako testuak idatzi ditu, hala nola Marlon de Azambuja, Analivia Cordeiro, Julius Heinemann, Almudena Lobera, Bruno Moreschi, Sara Ramo edo Tercerunquinto, eta El Cultural eta a*desk-eko lankidea da. Trabajar menos / Hacer más Autonomia operaista italiarrak marxismoaren berrirakurketa bat formulatu zuen eta lana kentzearen alde egin zuen, besteak beste. 1977an lan munduko

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tentsioak eragina zuen langileengan ez ezik, gazte eta ikasleengan ere. Urte hori 68ko utopien amaiera zela uste zitekeen, eta batez ere, gure garaiko kapitalismo kognitiboaren ezaugarri den ziurgabetasun eta prekarietatearen gorakadaren hasiera bezala. Esparru horretan, Indiani Metropolitani taldeak, Radio Alice irratiak sortutako jarduerak edo mugimendu feministen proposamenek irtenbideak bilatu zituzten lanaren arbuiatu eta aniztasunaren alde egindako apustuan, sormenerako ernamuina izango zen, ironiaren eta gorputz aske eta mugimendukoaren bidez. Proiektu kuratorialak, garai honetako artxiboen azterketatik eta Pablo Echaurren edo Franco “Bifo” Berardi bezalako protagonistei egindako elkarrizketetatik eta artistak langile gisa duen paradigmaren azterketa teorikotik abiatuta, praktika artistikoari eta bere rol sozialari buruzko eztabaida proposatzen du, teoria filosofiko, postkolonialen eta lanaren ondokoen elkargunetik abiatuta. Horretarako, hainbat lan-tailer, mintegi bat eta saiakera bat argitaratu dira. Artistekin eta tokiko, nazioarteko eta Akademiako eragileekin egindako topaketa profesionalen agendan, artea egitearen inguruko arazo praktikoak eta kontzeptualak eztabaidatzeko espazioak proposatzen dira. Hiru tailerretako bakoitza gai batekin garatzen da, esperientziak testuinguru batean partekatzeko eta ekintza deslokalizatu batekin. Paisajes del trabajo, gure sukaldaritza industrialaren profesionalizazioaz eztabaidatu zuen, Garbage Girl (Artearen mundua mantenduz) 2007 pieza izan zuen, Estíbaliz Sádaba egoiliarrarena. Bigarren tailerra No Working gune independentean egin zen, Sara Alberani kuratorearen eta Silvia Fernández diseinatzaile egoiliarraren laguntzarekin. El placer de perderse denboraren erabileran produktibitatea hobetzeko enpresa-estrategiak jarraitzen zituen laborategi bat izan zen. Bi erronka zeuden; batetik, txantiloi batera mugatzea, Los Torresnoz-en El reloj soinu-piezak markatua, eta bestetik eta batez ere, gure egiteko moduen balioa hobeto komunikatzeko eta azaltzeko proposamenak egitea amaitzeko. Hirugarren topaketa Centrale Montemartinin da, hiriko lehen zentral elektrikoan. Gaur egun, Atenea arrazionalaren eta Dionisio asaldatuaren eskulturak makinen ondoan daude eta historiaren eta makinak mugitzeko energiaren (mitologikoa, elektrikoa edo digitala) bidez ikustaldi performance bat egiteko abiapuntua da. Proiektuak jardunaldi publiko batekin amaituko du Erromako etapa: No estoy trabajando. Estamos haciendo. Zortzi lanordu baino gehiago igaro ondoren, ekintza eta desioa, eskua eta burua nola erlazionatuko diren azalduko dugu, baita zer gizarte mota nahi dugun ere. Helburu horrekin, lanaren eta ekonomiaren kontzeptuak praktikak eta bizitzak nola infiltratzen dituen aztertu zen. Parte-hartzaile guztiak funtsezkoak dira proiektu honetarako, beren pentsamenduengatik eta ezagutza eta esperientzia partekatzeko orduan duten eskuzabaltasunagatik: Josè

Angelino & Simone Pappalardo, Alessandro Balteo-Yazbeck, Itziar Barrio, Andrea Canepa, Cabello/ Carceller, Pablo Echaurren, Antje Ehmann, Ana Esteve Reig, Esther Ferrer, Jacopo Galimberti, Cristina Garrido, Elisa Giardina Papa, Cesare Pietroiusti eta Remedios Zafra. Kuratorialaren eremutik espekulatzeak zorroztasun historikora mugatzea dakar, eta, aldi berean, harremanetarako eta partekatzeko beste eremu batzuetara zabaltzea. Beka honen babesa ezinbestekoa izan da gauzatzeko, baina, horrez gain, erreferenteak eta ideiak gorputzekin eta afektuekin elkartzeko testuinguru egokia eman du. Produkzioa, obra eta lana gure elkarrizketetan egunero gertatzen diren hitzak dira. Denok zeharkatzen gaituzte, Erromako bizikidetzak baieztatzen duen bezala —bereziki Open Studion beraien lanen dokumentazioa gehitu zuten lankideei esker: Taxio Ardanaz, Itziar Barrio, Nicolás Combarro, Lara Dopazo, Silvia Fernández, Pablo Fidalgo Lareo, Pedro G. Romero, Begoña Huertas, Julia Huete, Estíbaliz Sádaba, Fernando Sánchez-Cabezudo, Anna Talens eta Tono Vizcaíno—. Nondik pentsatzen ditugun hausnartzeak nondik bir-pentsa ditzakegun pentsatzeko aukera eskaintzen digu. Saiakera batean islatuko da erronka. ________ ESTIBALIZ SÁDABA Bilbo (Bizkaia), 1963 Artista eta Arte eta Ikerketan doktorea (EHU/UPV). Hainbat beka jaso ditu eta azkenetako batzuk besterik ez dira hauek: l’Accademia di Spagna a Roma, 2018 eta 2016; BBVA Fundazioa; beca Art i Natura, Farrera (La Panera, Lérida); La Cité International des Arts, Paris; Fundación Arte y Derecho; Artium Museoa eta Bilbaoarte Fundazioa. Azkenaldian erakusketak egin ditu hemen: Fundación BBVA (Madril), MUSAC (León), Matadero (Madril), La Panera (Lérida), Tabacalera (Madril), eta lanak aurkeztu ditu beste hauetan: Museo Nacional Reina Sofía, MACBA, Fundació Tàpies, CDAN (Huesca), besteak beste. Mintegi-lantegiak ere zuzendu ditu praktika artistikoei, aktibismoari, feminismoari eta Queer teoriari buruz Artelekun, San Sebastián, 19951997-2003-2006 urteetan; Sala Rekalde, Bilbo, 2008; Bizkaia Aretoa-EHU/UPV, Bilbo 2011; Tabakalera, San Sebastián 2014. Hainbat argitalpenetako editorea izan da, esaterako, Erreakzioa, Joyas y Caprichos eta Series Múltiples. Hitzaldian ere eman ditu museoetan, arte zentroetan eta unibertsitateetan Espainia osoan. Subversiones domésticas Proiektu hau emakumearen etxeko itxialdiari buruzko hausnarketak sortu zen: familiaren babeslekua zen etxe horretan gizonek atseden hartzen zuten espazio publikoan “ibili” ondoren, emakumeek, aldiz, haurrak zaintzen zituzten eta etxeko “beroa” mantendu.

Horretarako, 1970eko hamarkadako bi pentsalari feminista italiarren testuetatik abiatzen naiz, Silvia Federici eta Mariarosa Dalla Costaren testuetatik, lagungarriak baititut bideoan eta performancean oinarritutako nire praktikatik erakusteko etxeko zainketa- eta mantentze-lana bazterrekotzat jotzen dela gure gizartean, “borroka sozial” edo “politikoaren” ardatz hartzen diren beste batzuk ez bezala. Etxeko espazioa berrinterpretatzea, soziabilitate modu berri bat sortu ahal izateko berdintasunezko espazio bat bilatuz. Lan ikusezina ikusgai bihurtzea: eta ikuspegi sozialetik ikusaraztea, argitara ateratzea da, “agorara”. Garbitzea, janaria prestatzea edo etxea txukun izatea baino askoz gehiago da lan hori: eguneroko lanarekin soldata irabazten dutenentzako mantentze psikologikoa, emozionala eta sexuala egitea ere bada. Kartzela hori nola irauli bilatu behar da, sukaldetik eta logelatik kanpo eraman borroka, kaleetaraino. Prozesua Hasiera-hasieratik, ikuspegi sortzailetik abiatuta, arlo politikoa jorratzea erabaki nuen nire lan guztietan, dogmatikoa izan gabe: horregatik, nire ekintzen xedea galderak proposatzea gehiago izaten da erantzunak ematea baino; ziurtasunak baino gehiago, harridura sortzea; azken batean, ikuslearen eta obraobjektu-ekintzaren arteko elkarrizketa erraztea. Nire praktika artistikoak beti saiatu izan dira teoria eta aktibismo feminista sartzen sareak sortzeko eta genealogiak ezartzeko borondatean, konexioak sortu daitezen eta obra banaka isolatuta gera ez dadin. Erroman irudi, soinu, ekintza, elkarrizketa eta artxiboko irudien bidez garatutako prozesu honetan, askotan ikusezina den eta sozialki oharkabean pasatzen den gai baten inguruko kontuak planteatzen saiatu naiz: etxeko lanen ingurukoak. Mariarosa Dalla Costa eta Silvia Federici elkarrizketatzeko zortea izan dut eta bien testuak eta hitzak ditut lagun ohiko kolaboratzaile batzuekin garatzen ditudan performanceetan: etxeko eremuan dauden emakume gorputzen eta ekintzen bidez, normalean ezkutuan dagoen lan bat ikusgai jartzen dute. Eta ikuspegi sozialetik ikusgai jartzea, argitara ateratzea da, agoran agertzea. Irakasle eta ekintzaile biekin izandako harreman hori, Bolognako familia-zinemaren artxiboa bezalako ekarpenekin batera (esperientzia atsegina eta nire proiekturako oso probetxugarria izan dena), Erromako eta Italiako testuinguru espezifikoarekin izan ditudan harremanen zati bat da, eta horrek, testuinguru espezifikoago bat eman dit eta nire ikus-entzunezko proiektua hiriaren bizitzan eta historian kokatzeko aukera ere bai.

Esperientzia Akademiara itzuli, beste egoiliar batzuekin espazio berdinak aurkitu urduri, baina onartzen dut oso erraza izan dela berriro ere hemen bizitzea eta lan egitea. Nire proiektu pertsonala garatzeko lankide batzuen lankidetza azpimarratu nahi nuke, bai eta nire inplikazioa ere beste egoiliarren proiektu batzuetan laguntzeko: horrek lotura oso garrantzitsua sortu du gu guztion artean. Gehien nabarmendu nahiko nukeen gertakarietako bat Open Studios delakoa izan zen; museoetako kultura-eragileek, arte-zentroek, erromatar komisario independenteek eta beste Akademia batzuetako artistek gure estudioak bisitatu zituzten eta gure proiektuei buruz luze eta zabal hitz egin ahal izan genuen. Elkarrekintza handiko egunak izan ziren, ideiak trukatu genituen trukea eta balizko kolaborazioak sortu ziren. Beste alderdi garrantzitsu bat beste Akademietako kultura-gertaeretara joan eta haietako egoiliarrak/ artistak ezagutzeko aukera da; uste dut horrek guztiak Erromako egonaldia dinamizatu eta aberastu egin zuela. ________ FERNANDO SÁNCHEZ-CABEZUDO Madril, 1979. Kultur kudeatzailea, zuzendaria, aktorea eta eszenografoa. Arte eszenikoetako ibilbide profesionala eta diskurtso soziokulturala lotzen ditu eta sormen-prozesuetan publikoaren parte-hartzea izatea du xede. Userako Kubik aretoan eta haren sorkuntza-proiektuetan egiten duen lana erreferente bat da tokiko ingurunearekin eta herritarrekin bat egiteko espazioen kudeaketan. 2017an ekoizpen pribatu onenaren Max saria jaso zuen “Historias de Usera” lanagatik. 2016tik 2018ra, urte berri txinatarraren zuzendari artistikoa izan zen Madrilen, eta 2017an, berriz, Alcalá de Henareseko Corral de Comedias-en zuzendari ondokoa. 2020ko urtarriletik zuzendaritzari atxikitako aholkulari artistiko berria da Zentro Dramatiko Nazionalean. Storywalker Garbatella Storywalker web-plataforma batean oinarritutako kultura-esperientzia bat da eta soinu-fikzio geolokalizatuak dira bertako edukiak. Garbatella erromatar auzo ezaguneko bizilagunek kontatutako historiak dira sormen-prozesuaren abiapuntua, storytelling esaten zaionaren ildotik. Ibilbide horretan, auzoko historia horiek entzungo ditugu egiaz gertatu ziren lekuetan bertan, Espainiako eta Italiako dramaturgoek eta bertako aktoreek egindako soinudun-fikzioei esker. Auzoaren historia ofizialetik haratago, Storywalker honek auzotarrek beraiek sortutako intrahistoria bat eraiki nahi du, euren lotura emozional eta identitarioa sustatuz eta gainontzeko herritarrak deskubritzeko dauden bizipen eta soinuen mapa

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berri batera hurbilduz. Historia handiak egunerokotasunean, gertukoan, plazetan, tabernetan, kalean topatzen dugun jendearengan bizi dira. Esperientzia horrek arte eszenikoak hartzen ditu abiapuntutzat, zehatz esateko, irrati-antzerkiaren eta antzerki komunitario eta parte-hartzailearen herentzia. Gainera, Storywalker auzoaren memoriaren espazio birtuala izango da, etengabe eguneratua, eta auzotarrek euren historiak igo ahal izango dituzte plataformara, audio bidez. Storywalker Garbatellarekin batera, bi proiektu egin dira aldi berean: bata, Llaranes auzoan, Avilesko Udalarekin (Asturias); eta bestea, Madrilgo Udalarekin, Usera auzoaren eta Txinako Qingtian eskualdearen artean, Userako auzotar gehienak Txinako eskualde horretakoak baitira. Esperientzia eta prozesua Erromako proiektu hau esploratzeko askatasuna izan da, hiria mapetako mugetatik haratago ezagutzeko askatasuna, periferietako aurpegi ezkutuak ikusten uzten ez duen kartografia osatugabetik haratago. Oinez ibiltzea esploratzea dela, eta esploratzea etengabe entzutea dela ulertzea. Entzutearen zentzua indartzea, Garbatella auzoaren bihotzera iristeko eta, haren muinean, biztanleen bizitza emozionala aurkitzeko. Lehen etapan, funtsezkoa izan zen galtzea, hiri batera iritsi berria zen kanpotar gisa, eta auzoa ezezagunetik ulertzea, harritzea eta hiriaren eguneroko soinuak lehen aldiz deskubritzea. Egunerokotasunaren parte izateagatik barneratuta eta onartuta dauden eta garrantzirik ematen ez zaien soinu horiek. Soinuen ezkutuko ehiztari bat banintz bezala soinuok deskubritu eta ingurunetik bereizi ahal izateak, storywalker.es proiektuan auzoko mapa birtualean kokatzeko, balio berri bat ematen zien soinuei, auzoaren nortasunari estu lotutako zentzu emozional berri bat. Bigarren etapan, inguruaren beraren azterketa historikoan sartu nintzen. Entzuteari lotutako prozesu dokumentala izan zen hau ere; batetik, auzoaren historia ofiziala zegoen eta bestetik, auzokoek beren istorio pertsonalen kontakizunekin sortutako intrahistoria. Historia horietan benetan sakontzeko, beharrezkoa zen komunitatearen parte izatea, hau da, komunitatean parte hartzea, historia ofizialetik haratago bere nortasuna ulertu eta partekatzeko eta elkarrekin eraikitako errealitate berri bat sortzeko. Badakigu komunitate bateko zati garela, zati egin zaituztela, kalean zabiltzala agurtzeko eta hitz egiteko gelditzen zaituztenean. Hilabete hauetan ohikoa izan da etengabe gelditzea Garbatellako bizilagun bat agurtzeko eta bere bizitzako historiak entzuten jarraitzeko. Hori auzo bat bizitzea da, bere historiak entzun eta kontatu ahal izatea. Eta hori Storywalker da, audioak geolokalizatzen dituen web plataforma batetik haratago, auzo baten esentziarik intimoena kontakizun, soinu fikzio eta soinuen bidez eramateko saiakera da. Bestalde, auzoko historietara egin dudan bidearen etengabeko konplize izan dira lankide bekadunak, etxe barruko patioetan etengabeko ibilaldiak eginez, leku egiazkoenetara hurbilduz bertako bizilagunekin hitz egiteko. Storywalken hau

egiten lagundu didate Denise Despeyroux, Alberto Conejero, Pablo Remón, Pablo Fidalgo dramaturgoek eta Luca Oldoni eta Elena Olivieri italiar dramaturgoek; Elena Olivieri izan zen, gainera, auzo honen berri eman zidan lankidea. Baina, zalantzarik gabe, Garbatellako gizon eta emakumeak dira kolaboratzaile garrantzitsuenak, proiektu honek zentzurik ez luke horiek gabe, eta beste behin ere erakutsi dute beren historiak, egunero bizi dituztenak, direla beren auzoa ongien inportatzen eta definitzen dutenak. ________ BORJA SANTOMÉ RODRIGUEZ Vigo, 1992. Pontevedrako (Galizia) Arte Ederretako Unibertsitatean hasi zuen bere heziketa, eta, ondoren, Londresko (Erresuma Batua) Kingston Unibertsitatean egin zuen bere azken proiektua. Bere animazio lanak Espainia, Europa, Estatu Batuak eta Latinoamerikako zinema jaialdi eta erakusketetan izan dira. 2015ean, bere lehen film laburrak, “Historia Cerebro”, Novos Valores de Artes Plásticas saria irabazi zuen, eta S8 Festival Internacional de Cine de la Coruña bezalako ekitaldietan hautatua izan zen. 2016an, bere bigarren film laburrak, “Rueda cabeza”, Planeta GZ saria irabazi zuen Curtocircuito Festival Internacional de Cine delakoan eta Buenos Aireseko Zinema Independentearen Jaialdian (BAFICI) egon zen. 2018an, “El Reloj” bere azken film laburrak animaziozko film labur onenaren saria irabazi zuen Cans-eko jaialdian (Galizia), eta Sevillako Zine Europarraren Jaialdian parte hartzera gonbidatu zuten, besteak beste. 2019an amaitu zuen bere laugarren film laburra, Joven y Carmen, Erromako Espainiako Errege Akademian izandako egoitza artistikoko beka bati esker, eta Arte Plastikoen eta Argazkigintzaren FormARTE beka jaso zuen, Perisko Espainiako Ikastetxean bere bosgarren animazio-pieza egiteko 2020. urtearen hasieran. Gaur egun, Proyecto Ventana-n parte hartzeari esker proiektu berri bat egiten ari da, AECIDek Parisen (gaur egun bertan bizi da) bizi den artista bat sustatzeko antolatutako kultura-programa baten barruan. Joven y Carmen 2015. urteaz geroztik, pinturari eta zinemari eskaini diet nire ibilbide artistikoa, eta animazio esperimentaleko proiektuetan zentratu dut nire lana. Giroa eta narrazioa lantzea bereziki interesatzen zait, gai autobiografikoak ikuspegi oniriko eta dislokatu batetik jorratuz. Joven y Carmen Erromara iritsi berri den pertsonaia bati buruz da, gorabehera transzendental arraro eta amaigabe bat bizi baitu. Subjektu hori baliagarri izango zait hiriaren espirituaz aritzeko egunerokotasunaz hitz egiten duen kontakizun batean, soinuetan eta iku-

sizko esperimentazioan oinarritutako hizkuntza erabiliz. Pinturarekin eta hiri-paisaiarekin lotura berezia duen istorioa da, eta Erroma garaikidearen atmosferari buruzko azterketa bat egitea izan da nire xedea. Prozesua Pintzelarekin eta kamerarekin lan eginez, animazio-proiektuak egiten ditut, eta bat-bateko pinturaren eta abangoardiako zinemaren artean kokatzen saiatzen naiz. Kontakizunaren eta alderdi piktoriko hutsen artean tentsioa sortzea interesatzen zait, eszenak eraikitzearekin batera, narrazioaren egituran zentzu poetikoa bilatuz eta arreta berezia jarriz hiriko bizitzako kontrasteez hitz egitean. Erabiltzen dudan animazio-prozesua irudiak azetatoaren edo kristalaren gainean margotzean datza, gainazal horien propietateak erabiliz marrazki bera ezabatu eta aldatu ahal izateko eta, horrela, aldaketa guztiak kamerarekin erregistratu ahal izateko. Hasieratik nire asmoa margolariaren lana eta zinemagilearena nahastea izan zen, artisautza eta berezkotasuna bezalako kontzeptuak animazio-zinemari aplikatuz, elementuak bata bestearen gainean marrazten utziz eta eskuzko lanaren arrastoa elementu adierazgarritzat erabiliz.

rra) eta Central Saint Martin School of Art (Londres). Banako eta taldeko zenbait erakusketatan egon da bere obra eta honakoentzako proiektuak nabarmentzen dira: Gemäldegalerie (Berlin), Sundowner-Neue Nationalgalerie (Berlin), Matadero (Madril), Macro (Erroma), Villa Croce (Genova), Fundación Vila Casas (Bartzelona), CCCC (Valentzia) eta Patio Herreriano (Valladolid). Bere obra honako bilduma hauetan dago gainera: Bauhaus Universität-Weimar, DKV, IVAM, Olor Visual, Art Situacions, Generalitat Valenciana eta Banco Sabadell. Numen Numenek, mitologia klasikoko jainkoa ez ezik, objektuan dagoen botere magikoaren ideia bada, baita poeta mugitzen duen botere inspiratzailea ere. Beste munduarekin hitz egiten dutela diruditen ekintzak hautematen, aurkitzen eta sortzen ditu artistak. Gertaera iragankorrak bistaratzen ditu, munduan gurekin batera bizi diren presentziez eta absentziez hitz egiten duten espazioak eta objektuak eraldatuz. Gertaerak erreproduzitzen ditu eta objektu sakratuak sortzen ditu, “lararium” gisakoak; Erromako antzinako etxebizitzetako praktika errituala zen hori, aldare txiki sakratuak eraikitzean zituzten arbasoak gurtzeko eta etxeko jainkoei eskaintzak egiten zizkieten. Eguneroko egitatearen magian oinarritzen diren eta sinboloaren aurreko egoerako funtsak praktikan jartzen dituzten site specific objektu eta instalazioak sortzea da xedea.

Esperientzia Erroman bizitzea aparta da. Erroma leku bitxia, nahasia eta aldaketaz betea da. Ez dut beste lekurik ezagutzen hain kontraste izugarriekin, non astelehenean eguzkiak tenpluak kiskali ditzakeen eta asteartean ikusten duzun nola euri-jasa hiria suntsitzen ari den, Tiberren maila hamar metro igoz. Trafikoa bezain kaotikoa da supermerkatua, kale artean galtzen bazara hobe duzu lasai hartzea, hobe duzu antzinako hiri zahar honek eskaintzen dizun ibilaldiaz gozatzea, eraikin suntsiezinak aldamioz jantzita, grafitiz margotutako eskulturak, obedientziaz dirua biltzen duten milaka iturri, londrestarrek Erromako tomate eta izozkiekin egiten dute amets. Azken batean, eta turismoa tematzen bada ere, Italiari ezin zaio bere alderik egiazkoena kendu, eta sentimendu hori Erroman bizi den guztira hedatu behar da, hasi San Pedrotik eta kalexketaraino guztira. ________ ANNA TALENS Carcaixent (Valentzia), 1978. Berlinen bizi da eta lan egiten du. Artista bisuala eta summa cum laude europar doktorea Arte Ederretan Valentziako Unibertsitate Politeknikoan. Nazioarteko prestakuntza akademikoa du. Ikerketa lanak egin ditu honakoetan: Bauhaus Universität (Weimar), Universität der Künste (Berlin), Australian National University (Canbe-

Prozesua eta esperientzia Bidelagunak dituen eremita bat bezala bizi izan naiz, biltzeko lurrera jaitsi eta pentsatzeko zerura igotzen dena bezala. Behaketaren, intuizioaren eta irudimenaren noraezean ibili naiz. Eta liburu bakoitza irakurri ondoren, elkarrizketa bakoitzaren ondoren, kontzeptualki finkatu dut nire lana. Kalean, azokan, dendetan objektuak bilduz; museoak, hondakinak, hiriak bisitatuz; gertakizun iragankorren argazkiak ateraz bete dut 27. Estudioa. Dorrea, zeru fragmentatuko leihoekin. Goitik, denborarik gabeko denboran bizi izan naiz, Erroma izan baino lehen ere Erroma Erroma izan zela sentituz. Eta han behean, distantzian lasai, kontenplazio ia mistiko batean lagun egin dit. Hemen hobeto ulertu dut egiten dudana. Espazio sakratuaren eraikuntzaz pentsatu dut, gauzak ukitzeko dudan moduaz jabetu naiz, munduaren edertasuna partekatzeko dudan irrikaz. Batzuetan sentitu dut ezin nuela bizi nuen haren mailako ezer egin, objektuez fidatzeari ere utzi diot, eta neure buruari esaten nion: “Ez dakit zer egingo dudan leku honetan, baina badakit zer egiten ari den leku hau nirekin”. Izan ere, hemen ekaitzak, ostadar osoak, hodei perfektuak eta kobre koloreko zeruak bizi izan ditut. Ilargiaren argia udaberriko ekinozioan sartzen ikusi dut, elurra Apeninoen gainean, Cayo Cestioren piramidea egunsentian argi kontra, Santa Mariaren bizkarrak Trastevere-n eta Palatinoa lurrezko mendi bat bezala. Doria Pamphiljeko lorategietan hartu dut arnasa.

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Toki honetan intuizioa ustekabeko logikaz ordenatu da. Nire erdigunea aurkitu dut, nire ihesgunea, nire arrazoia. Jainkoaren absentziaz hitz egin du jendaurrean eta eguzkiaren gurtza berreskuratzea proposatu dut. Orain, inoiz baino gehiago sentitzen dut artea egunerokotasuna sakratu bihurtzeko gai den tresna dela, gorputzarentzat eta adimenarentzat espazio sakratu bat eskaintzeko gai, kontzientzia existentzialeko une bat eskaintzeko gai. Akademian bizitako esperientzia aitortza eta aukera izan da. Etxera itzultzeko modu bat izan da, Mediterraneora. Hemen aitortu eta miretsi dut nire ikaskide bakoitzaren ausardia eta bilaketa, eta ikaskide horiekin ikasi, pentsatu eta ezagutza eta energia partekatzeko zortea izan dut. Kide horien eraginez, eguneroko egoerak baterako pentsamendu bihurtu dira, eta eskuzabalak izan dira ideiak trukatzean. Irakurketa gomendatuak eta nire bizitza aberasten duten pertsona berriak daramatzat. Harrigarria da testuinguru-aldaketa batek gure horizontea nola zabal dezakeen eta iragankortasunaren kontzientziak bizitzeko premiara nola bultzatzen gaituen. Orain leku huts bat behar dut, daramadan guztia proiektatzeko. Nire begiak hain ohitu dira aurrietara, non, hurbil sentitzen ez ditudanean, faltan botatzen baititut. Erroma nigan geratzen da. ________ MARÍA DEL MAR VILLAFRANCA Granada, 1961. Artearen historian lizentziaduna eta doktorea (Granadako Unibertsitatea). Doktoregoko aparteko saria. Arte plastikoko eta diseinuko irakaslea 1986az geroztik. Alhambra eta Generalifeko patronatuko zuzendari orokorra (2004-2015), horko Plan Zuzentzailearen egileetako bat (2007-2020), EBren Europa Nostra saria lortu zuen 2010ean. Torres Balbás y la Restauración Científica (2013) erakusketako komisarioa eta Ensayos. Leopoldo Torres Balbás liburuaren egileetako bat. Ehun argitalpen zientifiko baino gehiago idatzi ditu: liburuak, artikuluak eta komunikazioak. HUM-1054 PROYECTA Experiencias en Arquitectura y Paisaje de la Universidad de Granada ikerketa taldeko kidea da.. Nazioko eta nazioarteko ikerketa-proiektuetan parte hartu du. Espainiako Errege Akademian bizi izan da, Erroman, 2018-2019an. Gaur egun, Granadako Hiri Antolamenduko Plan Orokorra Berrikusteko taldeko kidea da, eta Arkitektura Garaikidea Fundazioko patroia. Cuaderno de Viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 Leopoldo Torres Balbas (1888-1960), Alhambrako arkitekto-kontserbatzailea, 1926an Junta de Ampliación de Estudios-en (gaur egun CSIC) beka bat eskatu eta lortu zuen, une hartan Italiako monumentuen kontserbazioan erabiltzen ziren metodo eta prozedu-

rak aztertzeko. Garatu dudan ikerketa-proiektuaren helburu nagusia bidaia hori berreraikitzea zen, hau da, bidaia egiten den testuinguru historiko eta kulturala berreraikitzea, eta orain arte gutxi ezagutzen eta baloratzen zen ibilbide profesionalean izandako esperientzia emankor eta funtsezko horren kartografia ahalik eta osoena egitea. Emandako pentsioa justifikatzeko txostena idazteko balio izan zioten eskuz idatzitako oharrak aurkitzea izan zen abiapuntua, bere artxibo pertsonalean gorde baitzituen (gaur egun Alhambrako Artxiboan) eta ikasketa-bidaia hau egiteko Junta de Ampliación de Estudios-i egindako beka-eskariaren espedientea ere bai, gaur egun Madrilgo Ikasleen Egoitzako Artxiboaren funtsetan. Cuaderno de Viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 arkitekto madrildarrarentzat prozesu horrek izan zuen garrantziaren kontakizuna izan nahi du; izan ere, Gustavo Giovannoni, Antonio Muñoz, Alberto Terenzio, Orlando Grosso eta Vittorio Spinazzola bezalako jendeak Italiako monumentu garrantzitsuetan egindako zaharberritze lanekin harreman zuzena izateko balio izateaz gain, Adolfo Venturi artearen historialari eragingarria ezagutzeko aukera izan nahi zuen eta Alhambra eta Generalifeko Monumentu Multzoan egindako esku-hartzeetan Europako ondarea zaharberritzeko historian erabilitako ausardiarik handieneko ideia eta irtenbide batzuk erabili zituen, 1931ko Atenasko Biltzarrean arkitektoak berak defendatu zuen bezala. Proiektuan ezinbesteko ikerketa egin behar izan da Erromako artxibo eta liburutegi espezializatuetan, eta adituei elkarrizketak egin behar izan zaizkie Espainian eta Italian. Era berean, landalan bat egin da, eta, horren barruan, fitxa-inbentario bat egin da joan den mendeko hogeiko hamarkadan zaharberritutako monumentuekin, arkitekto madrildarraren bidaiaren xede izan baitziren. Proiektu honetan, Zaharberrituen Kulturako europar izaeran sakontzea planteatzen da, Leopoldo Torres Balbasen eta haren kide garaikide italiarren ekarpenak berrikusiz eta berrinterpretatuz, bi herrialdeek partekatutako ondare gisa. Ondare horren paralelismoak Kultura Ondarea hautemateko narratiba berri baten testuinguruan aztertu dira, ideia estetikoen eta balioen transferentzia-prozesuan oinarritutako Europako ondare kultural komuna ulertzen eta aitortzen laguntzeko. Prozesua eta esperientzia RAEReko egonaldiko hiru hilabeteetan garatutako ikerketa-prozesuak bi orientazio osagarri izan ditu, batetik, dokumentazioa artxibo espezializatuetan aurkitzea (Archivio dell‘Associazione Artistica fra i Cultori di Architettura. Gustavo Giovannoni Funtsa), Leopoldo Torres Balbasek bere lankide italiarrekin izan zituen loturak eta harremanak argi geratzen dira dokumentu horietan egileek egindako eskaintzak zituzten gutun eta argitalpenen bidez, Archivio Centrale dello Staton osatu zen ikerketa-prozesu hori

Antonio Muñoz, Alberto Terenzio eta Vittorio Spinazzolaren profilentzat. XX. mendeko bigarren hamarkadako Erromaren hirieta lurralde-testuinguruan sakontzeko, ezinbestekoa izan da Museo di Romako Archivioko funts grafikoak kontsultatzea. Bertan, erromatar ondarean eragin handia duten jardueren irudi-bilduma osoa dago, Augustoren Foroan eta Trajanoren Merkatuan egindakoak kasu, honen indusketa eta eraispenak Torres Balbásek 1926an bisitatu eta aztertu zituelarik. Bestalde, Torres Balbás harremanetan jarri zen egileen argitalpenen bibliografia kontsultatu, berrikusi eta eguneratu da, eta bibliografia espezializatua sistematizatu da, Europako Zaharberritzearen Historiako erreferentziako testuetatik hasi eta Atenasko 1931ko Konferentziako aktetara bitarteko ekarpenen erregistro zabala txertatuz, aztertutako pertsona ospetsuen bizitzan eta obran espezialista nagusienenak barne. Ildo horretan, ICCROM, Sapienzako Arkitektura Fakultatea eta Biblioteca di Archeologia e Storia dell ‘Arte a Roma liburutegiak izan dira funtsetan osoenak, eta horiekin bat egin dute Pisako Unibertsitateko Liburutegiak eta Scuola Normaleko Artxibategiak, Adolfo Venturiren Funtserako, RAEReko liburutegia eta artxiboa eta Boloniako Federico Zeri Fundaziokoa eta Veneziako Giorgio Cini Fundazioa. Torres Balbasek bisitatu zituen monumentuei buruzko egungo argazki-dokumentazioa ere bada lanean eta Granada eta Erroma artean grabatutako ikus-entzunezko bat ere bai. Bertan, Zaharberritze Monumentalaren Historiako aditu espainiar zein italiar batzuei egindako elkarrizketak biltzen dira. Partekatzea, deskubritzea, ikastea, hitz egitea, parte hartzea, lankidetzan aritzea, entzutea edo eztabaidatzea RAER-en ikertzaile/egoiliar gisa bizitako esperientziaren zati dira, bai eta programazio kultural interesgarriaz gozatzea ere. Aukera paregabea da gaitasunak garatzeko eta etorkizunean erronka profesional berriei aurre egiteko. Baina hori guztia ez litzateke nahikoa giza taldearen laguntza eta babesik gabe, erakunde honen egunerokoa eta jarduera kulturala mantentzen baititu talde horrek, bertan bizi garen guztiontzat gure etxea izan dadin betirako. Eskerrik asko! ________ TONO VIZCAÍNO Valentzia, 1985. Historian lizentziatua eta arkeologian doktorea Universitat de Valèncian. Antzinako Mediterraneoko kulturaz duen interesaren ondorioz Grezia, Italia, Maroko eta Espainiako proiektu arkeologikoetan parte hartu du. European Research Council, British School at Athens eta Museu de Prehistòria de València bezalako erakundeetan lan egin du. Bere jarduera profesionala ondarearen kudeaketaren esparruan eta iraganeko usadioen egungo erabileren

azterketan garatzen du. ‘Piedra - Arqueología y cultura de masas’ proiektuaren arduraduna da eta memoria kolektiboaren eraikuntzarekin lotutako hainbat liburu argitaratu ditu, hala nola, Receptari Extraviat (2016), El barri que vam imagin ( 2017) eta A la recerca dels Orígens (2018). SPQR now! Zer dela eta SPQR inizialak hiriko estolderian? Eta Luperka otsemea futbol-talde baten ezkutuan? Zergatik eskaintzen dizkio jendeak oraindik ere loreak Julio Zesarri? Antzinako jainkoren baten izena duen ardoak zapore hobea du? Zergatik daude legionario erromatarrak Coliseoaren aurrean turistekin selfieak egiten? Antzinateak XXI. mendeko Erroman duen presentzia esanezina da. Bertako kale eta plazak antzinako aztarna arkeologikoz beteta daude, ondorengo garaietan berrerabiliak edo azken mendean kultur kontsumorako berreskuratuak. Herentzia material horren inguruan, gizarte erromatarrak bere imajinarioak eraiki ditu iraganaren gainean, zinema, literatura edo turismoa bera bezalako erreferenteek elikatuta. Horrela, arkeologiak eta masa-kulturak bat egiten duten lengoaia hibridoak modelatzen dira. Hiriko agertokian adierazten diren lengoaiak. Kale-izendegia, publizitatea, hiriko artea, establezimenduen izenak, souvenirak, arkitektura eta baita supermerkatuko produktuak ere aztertuz, SPQR now! Proiektuak antzinako erromatar munduari buruz Erroman proiektatzen diren imajinario garaikideak aztertzea proposatzen du. Prozesua Iragana bertan egon ez ezik, biztanleen bizitzaren parte ere baden hiri batean bizitzeak, eta horrek bizitza hori baldintzatzeak proiektu honen hasierako mugak gainditu ditu azkenean. Hiriaren isurialde estatiko eta ukigarrienean zentratutako lehen planteamendutik, hau da, hiri-agertokia osatzen duen attrezzotik, erromatarrek beren antzinako iraganarekin eraikitzen dituzten loturen zeharkako ikerketa eragin du proiektuak, inertziaz. Ikuspegi aberatsago eta konplexuago horrek esan nahi du ukigarriez eta ukiezinez hitz egin behar dela, nortasun-makineriaz eta haren esfera desberdinez, baina baita politikaz, modaz, hizkuntzaz, zinemaz, immigrazioaz, arte garaikideaz, gastronomiaz ere. Azken batean, iraganeko lekua orainean kokatzeaz eta testuinguratzeaz. Errealitate horri heltzeko, hainbat motatako dokumentuak erabili behar izan dira, hala nola bibliografia eta artxibo arlokoak, hiri-espazioa bera eta XXI. mendeko kultura materiala, eta etnografiaren, historiaren eta arkeologiaren teknikak eta tresnak erabili behar izan dira.

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Egia esan, begirada etnografiko hori aktibatzeak, iraganeko usadioen nolabaiteko radar bihurtzeak, hiria ikusi, ulertu eta bizitzeko nire modua zehaztu du.

politiko eta kulturaletan hirian erabilitako zuhaitz-espezieak aztertzen ditu proiektuak, eta hiri-paisaiak boterearen irudikapenean, funtzionaltasunean edo baliabide ekologikoetan izan duen inplikazioa ere aztertzen du.

Esperientzia SPQR now! bezalako proiektuak, gizarteaz eta memoria kolektiboaz hitz egiten duenak, elkarrekintza behar du bizirauteko. Elkarrekintza hainbat norabidetan. Hiriarekin, hau da, eszenatoki performatiboarekin. Bertako biztanleekin, hau da, kontakizunetako protagonistekin. Eta, jakina, ikerketa gertatzen den testuinguru hurbilarekin. Beraz, lehendik pentsatuta bazetorren ere, SPQR now! proiektuak Erromaren eta Espainiako Akademiaren zigilua du. Izan ere, hiria berez estimulazio iraunkorreko gunea den arren, Akademiaren berezitasunetik edo espezifikotasunetik hurbiltzeak aztarna sakona uzten du maila profesional eta pertsonalean. Lekua, bilketaren eta topaketaren arteko kontrastea, egonkortasun-sentsazio arraroa eta, aldi berean, ikerketa eta sormen prozesuaren kontraesanak eta desegituraketa, sukaldaritza motor gisa, ikuspegiak, bisitak eta txangoak, eta, batez ere, bertan bizi eta lan egiten duen jendearekiko elkarbizitzaren ondorioz bizipen paregabea da Akademiatik igarotzea.

Hasiera batean, F. Attorrek eta La Sapienza Unibertsitateko Biologia Sailak sortutako zuhaitz-errolda hartzen du erreferentziatzat proiektuak, eta egungo paisaiaren eta une historiko desberdinetan izan duen bilakaeraren arteko elkarrizketa proposatzen du. Proiektua Pinus pinea bezalako zuhaitzetan zentratzen da, bere presentzia masiboa Mussolinik planteatutako programari zor diona, erregimenaren irudia antzinako Erromatar Inperioarekin lotzeko eta zumarra Ulmus minor, du beste ardatzetako bat, izan ere Erromatar Inperioan zumarra erabiltzen zen mahatsondoak gidatzeko eta gaur egun, grafiosiaren ondorioz, desagertzeko arriskuan dago. Beste zuhaitz espezie batzuk ere analizatzen dira, baita Klaudio Lorrenakoaren lanari esker hedatu eta Erromak inspiratutako “paisaia idealaren” irudikapenean hiriaren imajinarioak duen transzendentzia ere. Ikerketaren ardatza da zuhaitzen lerrokadurak erabiltzea hiriaren irudia eta irudikapena eraikitzeko, bai eta monumentuaren kontzeptuarekin dituen loturak ere.

________ PROCESSI 147 JOSÉ RAMÓN AIS Bilbo, 1971. Euskal Herriko Unibertsitatean Arte Ederretan lizentziatua, lorezaintzako diseinu-ikasketak ere egin ditu prestakuntza osatzeko. Bere lana paisaiaren eraikuntzarekin eta irudikapenarekin lotutako kontzeptuei buruzko hausnarketa eta azterketatzat har daiteke. Naturari buruzko kontakizunak, ideologiak, desioak eta utopiak proiektatzeko erabiltzen diren lotura emozionalak eta moduak aztertu nahi ditu. Bere lan-prozesuetan argazkia eta irudia postproduzitzeko teknikak, landa-lana, ikerketa historikoa eta lan egiten duen espezieen laborantza eta behaketa uztartzen dira. Erakusketa hauetan hartu du parte, besteak beste: Tratado de Paz, Didam, Bayona, Pedro G. Romero komisario zela; Nada temas dice ella, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, Rosa Martínez komisario zela; Natural pas natural, Frac Corse; PHotoESPAÑA; Azkuna Zentroa, Bilbo edo Parque natural banako erakusketa Madrilgo Lorategi Botanikoan. Hainbat egoitza artistiko egin ditu, hala nola “Artista Artistaren truke” Habanan edo ART OMI New Yorken. Arbolado para calles, imperios y paraísos Proiektua Erromako balizko historiari buruzko saiakera fotografiko bat da, bertako zuhaizti publikoak oinarri hartuta idatzia. Hiriaren historiako aldi sozio-

Prozesua eta esperientzia Arbolado para calles, imperios y paraísos proiektuak zuhaitzak lerrokatzeko patroi eta eredu batzuk proposatzen ditu, gero hiri espazioan erabili ahal izateko. Lerrokadura bakoitza, Erromaren bilakaeraren une edo testuinguru historiko jakin batzuetan esanguratsuak diren zuhaitz espezie ezberdinen segida bat da. Zuhaitzen trazadura horiek sekuentziak osatzen dituzte, eta bide publikoan zoazen heinean kontatzen diren kontakizunak dira. Trajanoren zutabeko erliebeetan zuhaitza ardatz estruktural eta narratibo gisa erabiltzea izan da hiri-testuinguruan zuhaiztiaren irakurketa-estrategia hau egiteko inspirazio-iturrietako bat. Pinus pinea, Mussoliniren faxismoarekin agertu zen Erromako kaleetan, eta funtsezko baliabidea da erregimenaren irudia antzinako Erroma klasikoaren distirarekin lotzeko. Horren adibide da Via dei Fori Imperialin eta Colosseon pinuak lerrokatzea, ihesgune bezala: erromatar Inperioaren erreferentziarekin eraikitako irudi bat. Palazzo Spadaren prospettiva borrominiarraren eredua erabiliz, pinuak ikuspegi behartu horren logikarekin lerrokatzea proposatzen dut. Zuhaitzak adinaren eta altueraren arabera lerrokatuko dira, espazio-denbora parametroak eraldatuz etorbide baten irudia sortuz. Museo, eliza, hondakin eta lorategietara egindako bisitak funtsezkoa izan dira erromatarren historian zehar zuhaitzaren irudikapen eta erabilera ezberdinak ikertzeko. Horren adibide da zuhaitzekin sortu dudan konposizioa, Santa Elena eta Gurutze Santua-

ren kontakizunaren arabera Kristoren gurutzea eraikitzeko erabili ziren egur desberdinak ardatz hartuta. COVID-19ak galarazi egin zidan Erromako udaberriaren agerraldia dokumentatzea, baina patxadaz hurbilekoari eta gertukoenari begiratzera ere ere behartu ninduen. Antzinako erromatarren zumarraren erabilera mahatsondoaren tutore bezala berrinterpretatuz, Akademiako lorategian hazten diren mahatsondoetako bat, gure babesleku zoragarria konfinamendu garaian, inguratzen duen Via Garibaldin lerrokatutako zumarretako batekin lotzea erabaki nuen, grafiosiak txikitutako zumar horietako batekin. Kanpoko espazioa barnealdearekin lotzen duen keinua, elkarrekiko zaurgarritasuna agerian utziz. Erromako Espainiako Errege Akademiako esperientzia aukera paregabea da prestakuntzan eta gure kulturaren garapenean funtsezkoa den hiri batekin egunero harremana izateko. Etorkizunean, aldi honetan sortu diren ideia asko garatzen jarraituko dut. Erromak eskaintzen duen esperientzia multzoari, historiari eta arteari esker sortzen diren ideiak. Akademiako elkarbizitza ideien eta ikuspuntuen truke emankorra da. ________

meen musika. Basilio Martín Patinok Canciones para después de una Guerra (1971) lanean esaten duen bezala: “Bizirauteko abestiak ziren. Beroa, ilusioak eta historia zituzten abestiak ziren; iluntasunari, hutsuneari eta beldurra aurre egitekoak. Amets egiteko beharrean lagun egiteko abestiak ziren, bizitzeko ahaleginean laguntzen zigutenak”. Beharbada Piquer zergatik aukeratu zuen galdetu beharko diogu, zergatik bera eta ez beste bat. Espainiako emakume folklorikoen Olinpoan Concha Piquer izango zen erregina, zalantzarik gabe. Izan ere, kopla abestu ez ezik bizi ere egiten baitzuen. Baina egindako ekarpena harago doa. Hari zor diogu, halaber, antzerki-ikuskizuna garaikide egin izana eta koplaren konfigurazioan lagundu izana. Genero hori definitzeke baitzegoen, eta gerraostean lortu zuen azken forma, hari esker. Herri-artea da komikia ere. Hainbat narrazio tartekaturen bidez, Concharen bizitza eta akademikoei egindako elkarrizketak nahasten dira binetetan, Espainiako herri-kulturako pertsonaia oso garrantzitsu baten testigantza osatu nahian komikian. Nire ustez, komikiak istorio handiak osatzeaz gain, kazetaritzaanalisirako tresna oso interesgarria izan baitaiteke.

CARLA BERROCAL Prozesua eta esperientzia Madril, 1983. Ilustrazioa eta diseinu grafikoa ikasi zituen Madrilgo Arte 10 eskolan. 2004an argitaratu zuen bere lehen komikia eta New Yorker, Vanity Fair, eldiario.es edo El Salto bezalako bezeroentzat ilustrazioak egiten hasi zen. 2016. urteaz geroztik, Madrilgo Udalaren M21 Magazine egunkarian lankidetzan aritzen da. Aktibista gisa, Madrilgo Ilustratzaileen Elkarteko buru da, eta Emakumezko komiki-egileen kolektiboaren sustatzailea izan zen. Doña Concha: la rosa y la espina

Eleberri grafiko baten prozesua luzea eta nekagarria da. Konstantzia ezinbestekoa da. 140 orrialde baino gehiagoko proiektu luzea amaitzeko, giltzapetu eta buru-belarri lan egin behar da. Nire aldetik ez zen arazorik izan, Erromara etorri nintzen lehen egunetik giltzapetutako biziko nintzela banekien. Nire helburua komikia udaberrian amaitu eta beroa iristearekin batera hiriaz gozatzea zen, baina COVID-19k dena aldatu zuen.

Doña Concha: la rosa y la espina Concha Piquerri buruzko komiki biografikoa da, eta hainbat iturri narratiboren bidez artistaren bizitzako, historiako eta kulturako gorabeherak ulertzea du helburu. Alde batetik, Doña Concha valentziarraren bizitzari buruzko istoriotxo bat da, hasieratik bere arrakastaraino, eta, bestetik, koplari buruzko adituak elkarrizketatu dituen obra dokumentala da eta koplak faxismoarekin, emakumeen ahalduntzearekin eta LGBTekin duen harremanari buruzko dokumental-lana da.

Akademian esperientzia hau bizitzea ez da bekaz gozatzeko modurik onena izan, baina bai egoera historikoak leku pribilegiatu batean bizitzea, gure proiektuak eraldatzeaz gain, pertsona gisa ere eraldatu gaituena. Izan ere, konfinamenduak gauza asko irakatsi dizkigu, baina batez ere zaintzeko balio izan digu. Nire ustez, egoera hain konplexuetan, espazio bera partekatzen duten hamalau pertsonak (absentzia sentituak kontuan hartu gabe) hain senidetasun-lotura sakonak sortu izanak, gure giza kalitate handia ez ezik, Patronatua ez dagoela oker ere argi utzi dute.

“Ez dago genero txikirik artista handia bada”, esaten zioten Sara Montieli El último cuplé-n. Kopla genero txikia dela uste izan da beti, kantu herrikoi hutsak, mediokreak. Eta frankismoak gauzak ez zituen asko aldatu, hobeto esan, okerrera egin zuten. Koplak garai bateko diktadura, zaharkitua, errepresioa eta mina sinbolizatzen zituen. Denborarekin intelektual batzuk hurbildu zaizkio eta benetan zer izan zen jakin dute: herri mindu baten musika, baina batez ere emaku-

Konfinamendua amaitu zenetik, saiatzen naiz Erromari urria balitz bezala begiratzen. Xehetasunen bati, argiren bati, erlaxatzen nauen zerbaiti erreparatzen saiatzen naiz. Itsasoa ikusten dudanean sentitzen dudan sentsazio bera sentitzen saiatzen naiz, baina olatuen gorabeherak itzuli beharrean, Erromak elizetako kanpaiak eta kaioen oihuak oparitzen dizkit. Gianicolotik kupula-ozeano honi begiratu ahal izateak nire estudioko hormetatik harantzagoko toki batean

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nagoenaren sentsazioa berreskuratzen laguntzen dit. Egia esan, jada ez da urria, eta Covid-19ak begirada ere aldatu du, nire begirada. Erromari beste era batera begiratzen diot. Eta begirada horrekin, nire mundua ere eraikitzen duen begirada horrekin, laneko gauza asko aldatu dira. Doña Conchak azeleratu egin zen konfinamendu-hilabeteetan, eta egoerak aprobetxatu ditut nire lana islatzeko modu berriak aztertzen saiatzeko, hala nola pintura edo grabatua. Etxeratuta egoteak nekatu arte lan egiteko balio izan zidan, ikaskideengandik asko ikasiz. Egia esan, ez dakit norantz joango den hau, ez dakit pintura edo grabatu gehiago egingo dudan azkenean, baina uste dut interesgarria dela berriz ere haurtzaroko jakin-min hori izatea, askotan artistak salbatzen gaituen, gure iluntasunetik ateratzen gaituen eta babesten gaituen sormen irrika hori izatea. Pertsonalki, eskertzen dut hilabete hauetan bizi izan dugun negatiboa exorzizatzeko energia eduki izana, eta, agian helburu asko bete ez badira ere, argi eta garbi dut kulturak arimaren salbazioan duen funtsezko eginkizuna. _______ ANTONIO BUCHANNAN Madril, 1984. Arte Ederretan lizentziatu zen Madrilgo Unibertsitate Complutensean, eta Arte Garaikideko Masterra egin zuen Madrilgo Europako Unibertsitatean. 2009. urtean hasi zen moda diseinuan JARABO markan eta Madrilgo MFBW, Sevillako MOVE eta Valentzia Fashion Week-en egon ziren zenbait bilduma egin zituen. 2019an Erroman sortu zuen bere moda-marka: Antonio Buchannan. Aldi berean, bere lan artistikoa banaka eta Elgatoconmoscas taldearen barruan garatu zuen eta hezkuntza- eta bitartekaritza-proiektuak egin ere bai La Casa Encendida edo CA2M delakoan. Colina n.º 8 Colina nº 8 moda-bilduma bat da, eta Testaccioko aztarnategian du oin bat, urte nahasi batean auzo bati eta hiri garaikide bati zabalago begiratzeko. Horretarako, jantziak hainbat kontzeptu transmititzen saiatzen dira ehunaren bidez, hala nola metaketa, ezkutukoa, soberan dagoena eta informazioa. Anfora-hondarrak pilatuta uzten diren bezala, bildumako pieza batzuek ehun-geruzak eta patroiak gainjarriz funtzionatzen dute, bolumenak sortuz. Metaketa hori estanpatuen grafikoan eta jantzietako hainbat elementu apaingarriren antolamenduan ere agertzen da. Janzkeraren lengoaiak berak proposatzen duen orografiak finkatzen du zein jantzi diren barnekoak edo kanpokoak, bai eta altueren eta luzeen aniztasuna ere. Modako denboraldi bakoitza jantzien geruza bat gehiago da armairuetan. Erroma historiaren, turisten, elizetako exvotoen, saskietako souvenir-en, taldeka hegan egiten duten zo-

zoen pilaketa bat da... baina aurten bizipenak, aplikazioetako mezuak, harremanak eta, berrikuntza gisa, kutsatuak ere badaude. Mendia, gauzak ezkutatzen, estaltzen eta kamuflatzen dituen zorro handi bat da. Barrualdean, berriz, jatetxe, taberna eta hiriko lehen klub klandestinoak daude. Proiektuko pieza batzuk ezkutuan mantentzen dira eta irekitzen edo askatzen badira ikusten dira, eta estanpatuetako batzuk argi eta bero baldintza zehatzetan bakarrik agertzen dira. Erromako Olio anforen hondakinak dei Cocci mendian uzten ziren, eta azkenean zabortegi bihurtu zen. Sobera egotearen izaera hori toki horri atxikita egon da mendeetan zehar, hiriaren erdigunetik urrun bere barnean hartu ditu inauteriak edo ottombrateak, XX. mendeko lehen lokal gayetara arte. Testaccio kanoien tiroa probatzeko tokia izan da eta hegazkinen aurkako baterien euskarria ere bai. Hiriko hiltegia dago bertan eta barrukiek, trippak, emango die ospea auzoko gastronomiari. Bildumako zenbait piezaren garrantzia jantzien bazterreko atalen balioan dago: ifrentzuetan, forroetan, trabiletan, albora uzten denean. Azkenik, mendia datu pilaketa bat da. Anforen zatiek eta beren tituli picti-ek erromatarren merkataritzari buruzko informazioa ematen digute. Colina nº 8-ko piezek, jantzigintzan duten funtzioaz haraindi, beren patroitza erreplikatzen dute, beren buruaren berri ematen dute, bai eta beren zati eta erabileren berri ere. Zaintzako eta konposizioko ehun-etiketak masiboki ugaltzen dira eta elementu nagusi bihurtzen dira. Prozesua Colina nº 8-ren garapena hainbat mailatan banatu da: Lehenik eta behin, Testaccioko aztarnategiaren ikerketa egin da bertara joanda, baita hiriko liburutegi eta museoetako funtsetan ere. Ikerketa hedatu egin da eta auzoaren eta auzokoen historiari ere egin da. Hori dela eta, proiektuan egindako hilabeteetan Rione XX taldearen bizitzan sartu eta parte hartu dut modu naturalean eta ikuspegi antropologikotik urrun. Testacciok, beraz, Akademiatik ia bi kilometrora lan egiteko eta ideiak bilatzeko tailer gisa funtzionatu du. Era berean, testuinguru geografikoari esker Italiako modaren industriaren errealitatea hobeto ezagutu dut. Alde batetik, estatu mailako fabrikatzaileak eta tailerrak ehun-azoken eta hornitzaileen bilaketaren bidez, baina baita gaur egun lan egiten duten sortzaile eta diseinatzaileen bidez ere. Bilduma honek eta, neurri handi batean, etorkizunekoek herrialdean ikasitako zenbait begirada, prozedura eta interes gehitzen dizkiote genetikari. Aldi berean, bildumaren diseinu-prozesuak aldi honetako esperientzia pertsonalak eta erreferentzia kultural eta sozialak baliatu ditu piezetan modu plastikoan eta materialean islatzeko. Nahiz piezen kontzepzio formalean, nahiz estanpatuen garapenean, materialen eta apaingarrien ikerketan eta aplikazioan. Jantziak egiteko azken

aldia osasun-alertak eta haren ondorioek baldintzatu dute, jakina. Inondik espero ez zena integratzen saiatu lanean, murrizketen mende egon ekoizteko, segurua zena birplanteatu eta porrot ugari egin. Martxoaren hasieran, Madrilen proiektuaren prozesu betean nengoela egun gutxi batzuetarako, bi herrialdeen arteko mugak itxi zituzten. Jarduera Akademiatik 1400 kilometrora igaro zen. Iberiar Penintsulan fabrikatu eta Italiara bidali, lehenengo mendean bezala. Abiapuntura itzuli: Testaccio mendira. Esperientzia Hilabete hauek aukera bikaina izan dira diseinu-lana ikuspegi lasaiago batetik birplanteatzeko, modaren industriaren denboraldien erritmoari lotu gabe. Alde horretatik, bizilekuari esker, kontzeptuak ikertzeko eta material eta prozesu berriekin esperimentatzeko denbora izan dut. Bestalde, sormen-mailan aberasgarria izan da esperientziak trukatzea gurekin denbora partekatu duten profesionalekin eta, bereziki, egoitzako kideekin.

banatutakoak, pieza berean hainbat argumentu-geruza eta denbora-lerro elkarbanatzea ahalbidetzen du, eta kontakizun anizkoitza, poliedrikoa eta korala eskaintzen du. Komikiak eta erretaulak kontakizunaren denbora euskarriaren espazioan irudikatzeko gaitasuna dute. Egituratik abiatuz lan egiteak irudi berberak behin eta berriz erabiltzeko aukera ematen dit, horiek birkokatuz eta errepikatuz espazioan eta batzuengandik besteetara dagoen antolamendutik abiatuta. Azkenean, kontakizun bat sortzen da, loturetan oinarrituta berrosatze modukoa. Proiektua erakusketan gauzatzen da, non marrazkien eta erakusketa-espazioaren arteko erlazioak funtsezko zeregina duen, eta argitalpen batean ere gauzatzen da proiektua, non erretaularen fisikotasuna eta hiru dimentsiokotasuna paperera eraman nahi ditudan, ohikoak ez diren tolesturak eta enkoadernaziometodoak erabiliz eta paperaren baliabideak erabiliz (tamaina, formatua eta gorpuztasuna) irakurketa-esperientzian laguntzen duen baliabide grafiko gisa.

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Prozesua eta esperientzia

ANA BUSTELO

A veces las cosas no son como una espera.

Palentzia, 1982. Madrilen bizi eta lan egiten du, ilustrazioa eta irakaskuntza uztartuz. Mota askotako ilustrazioak egiten ditu: Estatuko eta nazioarteko aldizkari eta argitaletxeekin, komunikazio-agentziekin eta diseinu-proiektuekin kolaboratzen du. Bere lana hainbat lehiaketatan aitortu da, hala nola Boloniako Haur Liburu Azokan, Ilustrarte Portugalgo Bienalean, Ilustrazioko Jaialdi Iberoamerikarrean, Shanghaiko Golden Pinwheelen, Hego Koreako Nami Islanden edo Communication Artsen urtekarian. Aldi berean, ilustrazioa ikuspegi esperimentalago batetik lantzen duten proiektu pertsonalak garatzen ditu, Bogatako Casa Kanú, Portugaleko Ó! Galerie eta La Fábrica de España galeriekin elkarlanean. Arte Ederretan lizentziaduna Madrilgo Unibertsitate Konplutentsean.

Abiapuntua besterik ez nuen proiektu batekin lortu nuen beka. Horrela lan egitea gustatzen zait konpromiso profesionalek uzten didaten aldi apurretan, gertatzen denari adi egotera eta emaitzetatik aldentzera behartzen nauelako. Deserosoa eta konplikatua izaten da niretzat, baina orduan ikasten dut gehien.

Retablo, altar y amuleto Osaerari buruzko ikerketa formala gailendu da eta nire lanaren interes nagusietako da. Nire helburua konbentzionalak ez diren konposizioak garatzea da, alde batetik, narrazioan modu aktiboan lagunduko dutenak eta, bestetik, ilustrazioa beste diziplina bisual batzuetara hurbilduko dutenak. Erroman egiten ari naizen proiektuarekin zalantzan jartzen dut konposizio-egiturak zenbateraino eragiten duen narrazioan, italiar erretaulak aztergai hartuta. Erretaulen egiturak edozein argitalpen-konposizioren antza du, non, kokapen geometriko batetik abiatuta, informazioa antolatzen duen erretikula bat osatzen den. Egitura klasikoak, kaleetan eta horma-hilobietan

Urte honetan, prozesua noraezekotzat jotzea bultzatu du erakundeak berak ere, galtzera bultzatu gaitu eta askatasun- eta konfiantza-esparru bat eman digu. Proiektu pertsonalei oso modu anarkikoan egiten diet aurre, ez dut metodologiarik, eta, beraz, prozesua oso gogorra izan da. Aurreikusia nuen egutegia ia desegin egin zen iristean. Sormen prozesua ere, edo batez ere, baztertzeko ariketa bat da. Aukeratzeak nahitaez esan nahi du egin behar ez duzun guztiari uko egitea. Erroman inoiz ez bezala sentitu dut zehazteko ezintasuna, eta azkeneraino luzatu dut erabakiak hartzeko unea: hiriaren estimuluak harrigarriak dira, ohituta nago denbora laburragoekin eta behar mugatuagoekin lan egitera. Tanto tiempo buscando libertad para acabar echando de menos el grillete. Erretikula-kontzeptua mugaraino luzatuz, proiektuaren narratiba Akademian esperientzia errepikatzeko moduluaren inguruan ere eraikitzen da: saiakera eta porrota. Premisa horrekin, autofikzio espekularreko kontakizun honetan protagonista gisa funtzionatzen duten pertsonaia paradigmatikoak aurkitzen ditut: Sisifo, egunero mendian gora harri bat bultzatzen duena, behin gailurrean dagoenean berriro erortzen den arren; Penelope, bere lana modu ziklikoan egiten eta desegiten duena, baita El Coyote ere, zorioneko

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“correcaminos” arrakastarik gabe jazartzera kondenatutako betiereko porrotgilea. Pertsonaia horiek lana ulertzeko moduari buruz, denboraren erabilera produktiboari buruz edo jarrera politiko kontziente gisa ez egiteari buruz hausnartzeko ere balio didate. Eta gero, COVID-19a. Ez dut alde batera utzi nahi, garrantzitsua izan delako eta dena ukitu duelako: prozesua, proiektua, hiriarekin dudan harremana (bizi naizenarekin eta utzi nuenarekin) eta gainerako egoiliarrekin dudana. Hasi proiektuari modu zuzenagoan eragiten dionetik (ikerketarako aurreikusitako bidaiak bertan behera uztea, Open Studioak bertan behera uztea eta ekoizpen-zailtasunak) eta alderdi pertsonalagoetara arte: kontzentratzeko arazoak, lehentasunak eta erantzukizunak berrantolatu, enpatia landu eta galera kudeatu. 9 hilabete hauek laburbiltzeko denbora eta distantzia behar ditut, goiz da ondorioak ateratzeko. Esperientzia ikaragarria izan da. _______ JOANA CERA Bartzelona, 1965. Bartzelonako Unibertsitatean Arte Ederretan lizentziatua, Eskultura espezialitatean; prestakuntza jarraitzeko, QUAMeko eta Artelekuko hainbat tailerretan parte hartu zuen. ISCPn bizi izan zen, ikastaldi intentsibo bat egin zuen New York Film Academyn, EKWCn (Den Bosch) izan zen eta Albarracingo Estancias Creativasen esku hartu zuen. Banakako erakusketak egin ditu, besteak beste, honako leku hauetan: Fundación “la Caixa”, Fundación Santa María de Albarracín, Museu de l ‘Empordà, Fundación Suñol, MasART Galería, Antonia Puió, La Caja Blanca eta Galería Alegría. Kolektiboetan partaide izan da hainbat lekutan, esaterako, honako hauetan: Centre Arts Santa Mònica, Fundació Joan Miró (BCN), CGAC, Metrònom, La Casa Amarilla eta Exhibit A gallery. Horrez gain, Portugalen, Italian, Holandan, Frantzian eta Bulgarian ere egin ditu erakusketak. 1992an Sorkuntzarako laguntza bat eskuratu zuen Gipuzkoan, bai eta 1998ko Vic-eko kasinoaren I. Bienaleko 1. saria, 1999ko Botin Beka eta 2000ko Generalitateko Ajuda bat ere. Aipamen berezia jaso zuen 2012ko Bartzelonako Ciutat sarietan, ohorezko aipamena 2017ko Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visualsen, eta 2019ko Premis Arts FADeko aitortzetako bat. Eskultura-idazketa: Pasquinorekin hizketan Nire eskultura proiektuak bi alderdi zituen, biak ala biak idaztearekin lotuak. Erromako eskultura hiztunak eta tabula cerata: idazteko taula erromatar argizarizkoa. Eskultura hiztunen jatorria Erroman aurkitutako K. a. III. mendeko eskultura aski hondatu batean datza; “Pasquino” du ezizena. 1501ean, boterearen aurkako idatziak zintzilikatzeko erabiltzen hasi ziren hirita-

rrak, arriskutsua zelako isilik zeuzkaten mezuak han ezarriz; hortik dator “paskin” hitza. Erleen argizaria aukeratu nuen lehenago Bartzelonako Joan Miró Fundazioak erleei eta horien egoera kezkagarriari buruz antolatu zuen Beehave izeneko instalazio kolektibo baterako. Hura erabiltzeari buruz egindako ikerketan tabula cerata aurkitu nuen, Erromara etorri nahi izateko motibazio ezin hobea. Pasquino gai zirraragarria da; era askotara garatzeko aukera eskain zezakeena, nola era politikoenean, Pasquinorekin hizketan lekuko, hala formalenean; harri olerkiz eta epigramez papereztatua, harri olerkaria, eskultura eta ahotsa. Nire proiektuko Pasquinoa izaki profetiko bihurtu zen, artistari oraindik ezkutuan dagoena edo iristear dagoena kontatzeko ahotsa berreskuratu duena. Azkenean, neure gaia gorpuztu nuen. Hitz egin zidan materia galdu nuen. Gorputzik gabe geratu zen eskultura-proiektu bat izan da, eta ipuin bat ahots-eskultura gisa uler ote zitekeen galdetu zion bere buruari. Erroman jakin ahal izan nuenez, Pasquino eta tabula cerata kontu beraz ari dira: tabula rasa egin beharraz. Prozesua eta esperientzia Urtezahar gauean 13 kanpaikada jotzea iradoki nuen. 13a ez da zorte txarra, hilekoa izango duen mundu baten zain egotea baizik. Behin batean, Erromako Akademian entzuten den kanpai-hots berezia kontatu nuen. Honela jotzen du: 3 kanpaikada, etenaldia, 4 kanpaikada, etenaldia, 5 kanpaikada, etenaldia eta bat gehiago. Haaara. 13 kanpaikada, eskatu nuen bezala. Intelektualiza dezaket, baino nahiago dut beste era batera kontatu. 12etan Gianicoloko kanoia entzuten da. Hemen egoteagatik zorteko, giltzapeko komentu batean egon ginen itxiera-unean. Agian gu ez geunden horretarako prestatuta, baina gure etxea zena horretarako diseinatuta zegoen. Ez dakit zer egin nuen Estudio 27 merezi izateko. Zer egin behar ote dut grazia hau itzultzeko? Nire laguntzaileei, egoerak ahalegin handiagoa eskatu zien edo beren lekua kendu. Sentitzen dut Adolf Alcañiz, Silvia Oliveras eta Sandra Monenyrengatik. Ezin izan zen. Riccardo Massari ba i, Erromara hurbildu zen lehenago, eta zoragarria izan zen harekin batera pentsatzea Open Studiosen erakutsiko genuen site-specificeko soinu instalazioak, inoiz izan gabeak. Bereziki eskerrak eman nahi dizkiot Italiara iritsi aurretik ezagutzen ez nuen Paolo Frunziori, hura izan baitzen lankidetzan jarraitu ahal izan zuen bakarra; baldintzarik gabe, nik uste nuena baino askoz gehiago egin zuen. Grazie mille, eta Simone Imperatriceri ere bai.

Gauza asko zintzilik geratu ziren, beste batzuk ezin izan ziren egin, baina ereinda daude. Inoiz ez dugu jakingo Erromarekin ROMA zer izango zen, baina Akademia honetako sukaldean perlak biltzen dira. Maitasuna nire Insieme-entzat Eskulturagatik etorri nintzen, baina hemen nire errealitatea birtual bihurtu zen, harriarekin, argizariarekin eta idatziekin lan egitera nentorren, baina hologramak egiten amaitu nuen, soinu-instalazioak eta bideoak proiektatuz. Orain, Teatro holograma izeneko ekintza birtual bateko pertsonaia ere banaiz. Eskerrak eman nahi dizkiot Armando Holzer-i, antzerkigile ikuspegiz abentura honekin bat egiteagatik. Egin nuen lehen eskultura Pasquinok jo zuen haize-instrumentua izan zen: kurkuilu-maskor-adarra. Elkarrekin jo zuten trumoia, era guztietako harresiak eraisteko, hala iragarri zuen Pasquinok “Historiaren amaiera”. Hori guztia koronabirusa baino lehenago. Pandemia iritsi zenean, haren iragarpena bete zela zirudien: “Joana, mundua amaitzen baldin bada, ez dizut gehiago hitz egingo”, JR dixit. Pasquinok zioen tabula rasa egingo duzue, baina baita, azkenean, Lur sakratua eraikitzen hasi ginela ere. Mundu berriak ez dira egitura fosilizatuetan jaiotzen, beti kaosetik sortu izan dira. Pasquino lurrindu egin zen, aurrerantzean ahotsa berrezarriko dugu, bentrilokuorik EZ, esandakoa hautemango dugu. Entzungo dugu: Lurra! Noraezean nabigatzeaz dagoeneko akituta. Beste gauza arraro bat eskatu zidan, eta hemen, esnatzeko sehaska-kanta bitxia abestu nuen. Nire birtuala Erromara etorri zen Pasquino berpiztera, lur honetan ondoezaren profeziak bete ez daitezen erregutzera, lege berria argizarizko koadernotxoan idaztera. Pasquinok arrazoia izatea nahiko nuke, eta hau guztia esnatzera behartzen gaituen amesgaiztoa besterik ez izatea. Aldi horren amaiera iragartzeko Pasquinok 2020ko martxoaren 10ean jo zuen soinu-tresna. Egun horretan hasi zen gure garai berriaren “atzerako kontaketa”. ________ JORGE CUBERO Madril, 1996. Diseinuan graduatu zen Madrilgo Complutense Unibertsitatean eta Hamburg University of Applied Sciences-en. Madrilen eta Kopenhagen egina du lan-ibilbidea, diseinatzaile grafiko moduan. Haren lanaren ezaugarria da teknologiek diseinuaren eta harreman pertsonalen prozesuan duten papera krisian jartzea, erabiltzailearekin konexio zintzoa ezartzeko asmoz. Orobat, /KLVB/CLUB sortzaile plataformaren eratzailea ere bada.

Tipografia/espazioa/identitatea T/E/I ekimenean, tipografiak espazio jakin bateko ikus-kulturaren ezaugarri bereizgarriak kondentsatzeko duen gaitasuna aztertu du, identitate bat artikulatzeko helburuarekin. Proiektu hori 2020ko udaberriko konfinamendu garaian garatu zen, eta ondorengo bi espazio hauen arteko elkarrizketa sortu zuen: isolatze aldia igaro genuen Akademia eta lehen elkarrekin bizi ginen leku fisikoak ordezteko baliatu genuen espazio digitala. Elkarrizketa horren bitartekari da Bramanteren Tempiettoko hilarriko idazkeran inspiratutako tipografia bat. Begiak irakurtzera ohituta dagoena hobeto irakurtzen duela dioen esakunetik abiatuta, antzinako tipografia erromatar hori krisian jarriko dut, bereizmen txikiko lehen ordenagailu-pantailetako bereizmenera egokituz, azken hiru hamarkadetan ingurune digitaletan irakurgarritasunak izandako bilakaera ulertzeko. Ikerketa grafiko hau pieza digitalen irudikatze fisikoaren problematikari heltzen dioten erakusketaobjektuetan gauzatzen da. Lan hauetan tipografiak eginkizun nagusi bat izan dezake helburu espiritualeko espazio digitalen identitatea sortzean. Prozesua Barin proiektu batean parte hartu ondoren, Italiako hegoaldearekin lotutako proiektu bat Akademiari aurkeztea erabaki nuen, eskualde hau zenbat estimatzen dudan erakutsi ahal izateko. Hasiera batean, ikertzeko bidaia batzuk egin nituen, hegoaldeko Italiako kultura eta tradizio grafikoa gogora ekartzeko gai izango zen tipografia bat garatzeko asmoz. Hala ere, intuizioak eta zentzumenak gidatutako prozesu hori eten egin zen berrogeialdia deklaratu zenean. Beharra sentitu nuen aldi baterako alboan uzteko eta beste leku batzuetan zentratzeko, Akademiaren espazioan bereziki. Arrazoi horrek lankideekin elkarlanean aritzera eraman ninduen, espazio horri buruz neukan ikuspegia aberastuz eta harekin nuen harremana berriz aztertu araziz. Aldi berean, erraz konturatu ahal izan ginen nola gure jarduera espazio guztiak ingurune digitalekin ordezkatu genituen: taberna batera joan beharrean, bideo-deiak egiten genituen; zinemara joan beharrean, streaming-plataformetan ematen genuen alta; dendetara joan beharrean, erosketak online egiten genituen, eta abar. Zirriborroak egiten hasi nintzen, diseinura modu sortzailean hurbilduz, nik neuk sortutako tresna digitalen bidez. Konfinatuta geunden lekuaren eta espazio digitalak bereganatu zuen garrantziaren arteko konbinazioak errotik aldatu zuen nire proiektua. Nolanahi ere, beti mantendu dira hiru zutabe berberak: tipografia, espazioa eta identitatea.

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Esperientzia Hilabete hauetan zehar bereziki markatu nauten gauza batzuk aurkitu ditut, hala nola BellaGambaren stepa, broccoletti, Noah prodotti per capelli, Massimo Perimetroren aukerak, Via Cruciseko 3. geralekua, kaioen hazkuntza, Via dei Fori Imperiali inor gabe, ilunabar bat Tropean, zabaione erako izozkia, Cataniako autobusen argi-seinaleak, Marcellino del Calisto, Raffaelloren kolore guztiz sinesgaitzak, Hugoa, Materako harria edo Bricomanera joan ondoren pizza bat jatea. ________ FEDERICO GUZMÁN Sevilla, 1964. Artista. Sentsibilitatea eta naturaren ekintza kontzientea besarkatzen dituen praktika aske gisa ulertzen dut artea. Pintura prozesu estetikoaren ikuspegi holistikotik lantzen dut, artea jolas, aktibismo eta norbere burua deskubritzeko era bezala praktikatuz. Azkenaldiko proiektu batzuk honako hauek izan dira: Perséfone sin velo (Juana de Aizpuru Galeria, Madril); Al borde del mundo (IVAM, Valentzia); Tuiza: las culturas de la jaima (Retiro Parkeko Kristal Jauregia, MNCARS, Madril) eta La canción del tomaco (MEIAC, Badajoz). Musa basatiak Inspirazioaren misterioekin daukadan harremana mitoaren eta irudimenaren eskutik aztertzen duen serie piktorikoa da proposamena. Ikertze-lana gure kulturaren jatorri indigenetan murgiltzen da, jakinduriaren bila, eta hiru kapitulu dauzka. Lehenengoa hasteari buruzkoa da, eta bigarrena eraldatzeari buruzkoa. Hirugarren zatian, bizitzeko modu oro mugiarazten duen eta “lurraren espiritualtasuna” dei dezakegun energia-kontzientzia jorratzen da. Arteari buruzko gure postulatu klasikoen aurreko ideal estetiko baten arrastoei jarraitu nahi diet. Historialari batzuek azaltzen duten bezala, Ilargi jainkosari, Ama Lurrari edo Musei eskainitako erlijio-zeremonia herrikoietan bizitako esperientzia magiko batean sortu zen artea. Eguneroko artea zen, errituala, estasikoa, komunala eta prozesukoa. Musen eta Apoloren mitoa printzipio femeninoaren eta maskulinoaren arteko oreka hautsi zuen historiaurreko iraultzari buruzkoa da, patriarkatuak matriarkatua kendu izanarena, hain zuzen. Istorioan kontatzen da inbasio ariarrekin nola desagertu zen Mediterraneoan hedatzen zen Ama Jainkosaren jatorrizko mitoa. Jainko maskulinoek Jainkosaren papera alboratu zuten, giza kontzientziaren eboluzioko testuinguru berrian kokatu behar zelako. Orain, natura desakralizatu dugunean eta bizitza unitate bizidun gisa ikusteko gai ez garenean, agian beharrezkoa izango da antzinako Ama Jainkotiarraren izaera zein den sakon ezagutzea, hori galtzeak gizakioi eragindako ondorioak hobeto ulertzeko. Matriarka-tradizioaren ezagutza orain agertu diren mugimenduekin lotuta bezala ikusten dut, mugimendu horiek bizitza

eraldaketa ekologiko eta sozialaren erdigunean jartzen duten heinean, beste mundu ikuskera batzuetan oinarritzeko aukerarekin, arterako eta gizarterako esanahi eraldatzaileko ahalmen bat askatuz. Prozesua Erromara iristea apaltasun-zaplaztekoa izan da. Leku honetako aberastasun historikoan murgildu izanak zirrara eragin dit, hunkitu egin nau eta neuzkan aurreikuspenak hankaz gora jarri ditu. Gainera, Erromara arte zaharra esploratzera etortzeak azpian zapal zaitzake, baldin eta esperientzia hurbiltze eta urruntze jolas moduan hartzen ez bada. Nire proiektuan musei dei egin diet, inspirazio piktoriko bila. Eta, zehazki, Homerok Iliadan egindako baieztapen batetik abiatu naiz: gure iragan urruneko une batean, Apolo jainkoak Musak bezatu zituen. Artea azaleratzen den gizarte-egituraren adierazpena bada, bere buruarekiko deskonektatutako gizarte baten sintoma soilik da nire artea, jainko-inspirazioa eta sakratuaren ingurunea galdu dituena. Hortaz, hemen nire lana ez da artea eta mito arkaikoak ezagutze hutsa izan. Barne-ikerketa izan da batik bat, eta neure burua unibertso handiago baten baitan ulertzeko saiakera. Prozesuaren esperientziari amore ematen saiatu naiz, gertatzen uzten, mentalki ez kontrolatzen ahaleginduta. Sekretu bat ikasi dut: gure obra egiteko prozesua ez dela jasan beharra dugun zerbait, baizik eta benetako zentzua noiz deskubrituko diogun zain dagoen zerbait. Artean egiten den edozein bilaketa infinitua da berezko izaeraz. Forma artistikoa handiagoa izaten da beti gure trebetasuna edo maila teknikoa baino. Egia hori ezagutzeak esnatzeko balio dezake, gure bilakaera artistikoaren amaierara ez garela inoiz iritsiko ulertze askatzailean. Bidea eginez, artearen espirituarekin harreman bat eraikitzen dugu, etengabe sekretu berriak erakusten dituena, hori ulertzeko dugun gaitasuna hedatu ahala. Esperientzia Akademiaren estudioan lan egitea zoragarria izan da.. Lorategi aldeko leihate erraldoiak argiz betetzen du kaioen eta papagaien kantuan barreiatzen den espazioa. Ustekabeko pandemia iritsi denean, paradoxikoki, askatasun-eremu batean sartu gara. Konturatu egin gara bizitza zeinen ederra eta hauskorra den. Eguneroko gauzekiko esker oneko uneak izan ditugu: hiria, udaberriko loreak, janari ona edo maite dugun norbaiten ahotsa telefonoz. Elkarrekin egotea funtsezkoa izan da, Akademiako eguneroko bizitzan ez ezik, lankidetza-proiektuak egin ahal izateko, hala nola Susannak antolatutako pankarta-tailer animatua, Jose Ramon eta Anarekin egindako gurutze-bide iniziatikoa, Joanarekin izandako lankidetza magikoa eta guztiekin izandako elkarrizketa sortzailea. Eskerrik asko zuen maitasunagatik eta konplizitateagatik.

SUSANNA INGLADA Banyeres del Penedès (Tarragona), 1983. Herbehereetan bizi da (HB). Ikasteko leku izan ditu Bartzelonako Unibertsitatea (Erasmus Willem Kooning, HB), MA Frank Mohr Institute (HB), HISK 2017-18 egoiliarra (BE), Halle 14 Spinnerei (DE), Kunst and Complex (HB), Mexiko Hiriko enbaxada (MDF), Frans Masarell (BE), 18th Street L.A. (AEB) eta DordtYart (HB). Guasch Couranty 2. saria, Generación 2019 saria, George Verberg Grant 2013eko izendapena eta Scheffer saria (HB) dauzka. Oraintxe bertan, YGA III Groningen Museum (HB) sarirako hiru finalisten artean dago. Lortutako egonaldien eta sarien artean, aipagarriak dira hauek: Solo Museo Dordrecht (HB), Generaciones’19 La Casa Encendida (ES), Ojos de Oro Museo Folkwang (DE), Vreemde Gewontes Kunsthal Rotterdam (HB), Drawing Now (FR), Soft Elements of Some Violent Tendencies ExtraCity (BE), The Power of Drawing, Centraal Musem (HB), Maelström Arti et Amicitiae (HB), Drawing Front Drawing Centre (HB), Museo TenBogaerde (BE). Marrazki hedatua Nire laneko gai nagusiak ditut botere-egiturak, generoa, indarkeria, bidegabekeria soziala eta giza izaera. Marrazkian abiatuta, historia berriena eta ESko nahiz mendebaldeko gizarteetako gaurkotasuna ulertu nahi dut. Erroma 2 kapitulu, nire esperientzia Akademian: 1. Patriarkatuaren jatorriak.Arteetan irudikatuta hainbeste emakume-bortxaketa izateak harritu egin ninduten (adibidez, Proserpinaren bortxaketa, Berniniren Apolo eta Dafne edo “Susana eta zaharrak” pintura biblikoa…). “S. eta z.” pinturako historia biblikoaren irudikapenak berrikusten aritu nintzen. Jabetu nintzen gizonezko artista gehienek emakumeen gorputza bi modutara irudikatu dutela: birjina moduan edo biktima gisa. Judith eta Holofernes irudikatzean, botere-jokoa biratu egiten da, eta emakumeak irabazi egiten du, mendeku gisa. Historian zehar, hainbat modutara irudikatu izan dira boterea, bortxaketa eta emakumea. Emakume artistek aurkako jarrera hartu dute emakumearen irudikapenari dagokionez (Kiki Smith, Kara de Walker...). Nola azaldu izan da emakumeen irudia historian zehar? Nola irudikatu dut emakume irudia nire lanean? Zein da horrekiko nire jarrera? Nola jarri auzitan boterea artearekin? Proiektu hau Erroman hasi zen, eta jarraitu egin du Herbehereetako museo baterako proiektuan. 2. COVID-19 iritsi zen eta ezin izan nuen ikerketako zati hau egin. Hirira iritsi berri nintzela, estudioan giltzapetu behar izan nuen neure burua. Ikerketa formal

bat egitea erabaki nuen, hainbat teknikatan, hala nola animazioan eta inprimaketa grafikoan. Gertatzen ari zena landu nuen. Egunean marrazki bat. Animazioarekin lan asteburuan, linolioarekin txandakatuz. Ia 3 hilabete eman nituen irten ezinik. Neure estudioan lanean. Azken hilabetea bisitatzen igaroko dut, hasi nahi nuen moduan amaitzen. ________ MONTSE LASUNCIÓN Canet de Mar (Bartzelona), 1977. Artearen Historian lizentziatua eta Kultur Ondasunen Kontserbazio eta Zaharberritzean diplomatua, duela urte batzuetatik hona lanbide horretan dihardu. Gaur egun, Ondare Historikoaren Kontserbazio Egoerari buruzko Diagnostikoa Masterra egiten ari da. Katalunian zaharberritze-proiektuetan lan egin du, eta eskarmentua biltzen joan da hainbat espezialitatetan: eskultura polikromatuan, horma-pinturan eta arkitektura-estalduretan, besteak beste.Italian bizi izan da eta lan egin du urte batzuetan, egoitza nagusia Erroman zuela, eta beste hiri batzuetan denboraldiak igaroz, hala nola Milanen eta Ponpeian.Erromatik Lyonera ere joan-etorriak egin ditu, katedralean eta hiriko beste monumentu batzuetan kontserbazio eta zaharberritze lanak garatuz. 2016an Espainiara itzuli zen, Santiago de Compostelara orduan, Pórtico de la Gloria zaharberritzeko taldean sartuta. 2018an Portugalera joan zen, eta zaharberritze-proiektuetan hartu zuen parte zenbait hiritan, besteak beste, Bragan eta Lisboan. Hiriburuan bizi da orain, hurrengo proiektuak beste norabait eramango duen arte. Formatu handiak husteko teknikak XIX. mendean XIX. mendean zehar monumentuak berregin ziren mundu osoan zehar, eta horien kopiak ikusgai zeuden erakusketa unibertsaletan nahiz orduan erreprodukzio museoekin batera sortzen ari ziren museo publikoetan. Areto bakarrean, 1:1 eskalan, frantziar arkitektura gotikoko ale bikainak ikus zitezkeen; Indiako meskitak eta stupak; Kanbodiako Angkor Wat-eko tenpluen zatiak edo Erroma klasikoko ikur-monumentuak, hala nola Trajanoren zutabea edo Titoren arkua. Argazkiekin baino lehenago, munduko ondarea 3Dan zabaldu zen igeltsuz egindako kopiekin. Kopia eskuratzeko balio duten moldeak egiteko, trebetasun handia behar da, eta erabilitako teknika eta materialak zehatz ezagutzea.Baldin eta modeloa monumentua edo eskultura bada, kontu handiz ibili behar da, ereduari kalterik ez eragiteko orbanez, ebakiz edo hautsiz. Elastomero sintetikoak agertu aurretik, ezin konta ahala material erabili ziren inprimatzea jasotzeko: igeltsua, buztina, argizaria, ogia, papera, kolak, eta

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abar. Bertatik bertara, bizkor eta baldintza kaxkarretan egindako lan horietan erabilitako materialak eta prozedurak aztertzen ditut. Ia erabat ahaztuta dauden praktika horietako batzuk katalogatzeko asmoa daukat, bai eta ikerketa zientifikoko ildo berriak ireki ere, identifikatzeko eta karakterizatzeko, prozesu horiek ondarean eragin ditzaketen ondorioak ebaluatzeko protokolo bat garatuta. Prozesua Lan horiek egiten zituzten artisauetako asko Italiatik zetozenez, eta azkenean Europa osoan ezarri zirenez, italiar prozedurak beste herrialde batzuetara iritsi ziren. Erroman, XVIII. mendeaz geroztik ari ziren monumentu eta eskulturen gainean moldeak sarri egiten. Horregatik guztiagatik, artxiboetan aurkitutako iturri ofizial lehen mailakoetan zentratu naiz: instantziak, baimenak eta araudiak, eta haietatik informazio oso baliotsua lortu dut erabilitako materialei buruz, eta agintariek monumentuak babesteko ezarri zituzten murrizketez eta debekuez. Era berean, hiriko zenbait artelanen gainean moldekatze-prozesuak egitea eskatu zuten protagonista eta erakunde batzuen izenak ezagutu ahal izan ditut. Datu horiek garai hartako errezetak eta prozedurak jaso zituzten eskuliburuetan bildutako informazioarekin alderatu ditut, edizioak aurkituz eta aztertuz, bai eta Frantziako, Ingalaterrako eta Italiako jokamoldeak alderatu ere. Orduan ohikoa izaten zen artisauek anatomien eta natura hilen erreprodukzioak egitea, biak ala biak jardunbide aski zabalduak XIX. mendean; monumentuen gainean erabilitako teknikekin lotura interesgarriak zituztenez, kopia mota horiek ere interesatzen zaizkit. Material batzuk testatzen ari naiz, eskuliburu horietako errezetei jarraituz, laborategiko saiakuntza-proposamen bat diseinatzeko balio didaten hainbat materialekin eta igeltsuzko erreprodukzioekin moldeak eginez, gerora aztertuko diren mikroskopia elektroniko bidez, beste teknika analitiko batzuen bidez eta zahartze azeleratuko test bidez. Esperientzia Nire lanerako, hasita neukan prozesu bateko hurrengo etapa da.Aro erromatar honek ikerketa-bide berri iradokitzaileak zabaldu dizkit.Horretan jarraitzeko gonbidapena da. Besteei entzutean, partekatzean eta jakin-minez jarraitzean, interferentzia zinez estimulatzaileak iritsi zaizkit; nire lana gauzatzeko eta bistaratzeko ideiak eskaini dizkidate.Nork bere burua berriz asmatzera gonbidatzen gaituzte.

Gainera, Erroma berriz bizitzeko astia izan dut beste begirada batzuei jarraiki, eta begirada lasaigarriak izan dira beti. ________ JANA LEO Madril, 1965. Filosofia eta Letretan doktorea, Artearen Teoria eta Estetikan masterra Madrilgo UAMen, eta Arkitekturan masterra Princeton-eko SOAn. Hark egindakoak dira El viaje sin distancia (Cendeac, 2004) eta Violación Nueva York (Lince, 2011). Arte eta Arkitektura Proiektu eta Kontzeptu Aurreratuak ikasgaiko irakaslea izan zen zazpi urtez New Yorkeko Cooper Union Unibertsitatean. Erakusketak egin izan ditu, besteak beste, New Yorkeko Nazioarteko Argazki Zentroan, ARCOn eta Madrilgo MNCARSen. Sistemak analizatzen ditu Leok. Patroiaren funtzionamendua eta gizabanakoengan duen eragina erakusten du bere lanean. Gertaerekiko paraleloan bizi den egoera emozionala dokumentatzen du, irudiekin eta testuekin. 2008an, Fundación MoSis, Modelos y Sistemas; Arte y Ciudad sortu zuen. Post-ideologiaren erretratuak, konfiantzazko harremana Norbanakoaren eta Estatuaren artean Utopia errealitate bihurtu den mundu bat: ustelkeria ez da boterearen elementu bat. Sexismoa ez da kulturaren osagaia. Aktibismoa ez da marketin-estrategia bat. Politikariak oharkabean pasatzen dira, albiste izan ordez. Izapide burokratikoak laburrak eta sinpleak dira. Bizitza erreala da, ez teknizismo hutsa. Benetako distopian egindako ibilaldia: eguneroko bizitzan, izapide amaigabeak absurdora iristen dira, prozeduraren indarkeria da. Zenbat eta pobreagoa izan, orduan eta handiagoa da burokraziaren presentzia eta eragina. Oficina filmean, funtzionario bat hizketan ari da (https://vimeo.com/394046812). El Burócrata dokumentuak manipulatzen dituen robota da (https://vimeo.com/470594184). Gehiegizko burokraziak Norbanakoaren eta Estatuaren arteko konfiantzarik eza erakusten du. Baina bada herritar/gobernu harremana desitxuratzen duen beste forma hilgarriago bat: zabarkeria. 154 Bofetadas (https://vimeo.com/394046978) bideoa koronabirusa hedatzea prebenitzeko neurririk hartu ez zuen politikari bakoitzak, dimisioa eman ondoren, bere buruari egin beharko liokeenaren irudia izan daiteke. Immigrazio bulegoaren aurrean, gaueko mamuak bezala, immigranteak pasaportea edo bisa eskuratzeko ilaran daude: LaCola de inmigración (https:// vimeo.com/402682957). Naturaltzat jotzen da hain alienazio handikoa izanda onartezina den bizimodu bat. Estatuak, laguntzean paternalismoz jokatuz, ezgaitu eta kendu egiten du eman baino gehiago. Corviale-

ko arkitektura bikaina da, eta bistak ikusgarriak dira; baina ez dago ez kudeaketa ez zerbitzurik kilometroa neurtzen duen eraikineko milaka lagunentzat; etxebizitza soziala porrota dela egiaztatu nahi du. Via di Saloneko “Villaggio della Solidarietà” izenekoan ez dago ez arkitekturarik ez paisaiarik. Estatuak ijitoek egindako etxe bakanak suntsitu zituen, eta ezerezaren erdian zeuden edukiontzietara eraman. Sei hilabete izan behar zuten, baina hamaika urte daramatzate latorrizko kutxetan. Bizitza ez da izapide hutsa (https://vimeo.com/413992438). Filmen laburpena ingelesez: (https://vimeo.com/496285854) Prozesua Makiavelok inspiratuta [gobernua gogorregia bada gobernatuak matxinatu egiten dira, horiek otzanegiak badira gobernuaren ustelkeria gorantz doa...], estatuaren tresna baten bidez (burokrazia) haren paternalismoa eta populismoa arakatzeko asmoa daukat. Bulego publikoak bisitatzen ditut, erregistro zibila horien artean, eta hango espazioen argazkiak ateratzen ditut, eta erabiltzaileen aipamenak irakurtzen ditut webgunean. Elkarrizketak egiten saiatzen naiz, baina Italian inork ez du burokraziari buruz hitz egin nahi. Peter Eisenmanek zioenez, dena ondo doala sinestarazten dio jendeak bere buruari. Badaki ez dela egia, baina zerbait ustelduta dagoela aitortzea ez da aurrerapausoa, autoestimuari jotako kolpea baizik. Erromako egonaldian lehenaldi bat eta ondorengo bat izan dut: Stalker taldea. Itxura batean Erromako hiritar “normalentzat” burokrazia arazoa ez izateak “apartekoentzat” arazoa al den ikertzera narama. Horrela iritsi naiz lan gehiago egin nahi duen emakumezko funtzionarioarengana, pasaportea berritzeko immigrazio-ilarara goizaldean, eta buhameen eremuetara, arazo burokratiko batengatik, udal-programa baten eraginez, eusteko eremu diren horietara: edukiontziak eta burdin hesiak. Martxoan Koronabirusaren krisia lehertu zen. Sabrina Sejdovicen bidez bizi izan dut Erromako pandemiaren konfinamendua. Hark Nomadi Via di Salone eremutik WhatsAppez bere egunerokoa kontatu dit (Caritas itxi dute / 2 egun jan gabe / Pantxoren adiskide abokatua laguntzen saiatu zaio / sukarra duen egunak / Caritas berrireki dute). Eskolara ez doazen bere haurrekin marrazten jardun du. Haren sukaldeko armairuetan nabil, harekin egindako filmagatik ezagutu nuen lekuan (Salone, una vida de contenedor)... espageti-paketea, dilista eta arroz poltsa bana. Besterik ez, ez dago laranjarik, tomaterik, gaztarik eta abarrik. “Aurrera goaz, Jana, bagoaz”, esaten dit egun onetan. “Haurdun nago, ez dago lanik, ez dago janaririk, denak berdin gaude eremuan”, esaten dit egun txarretan. Egunero hitz egiteari utzi diogu konfinamendua lasaitu denean eta bizitzaren bila irten denean.

Esperientzia Azaroan Erromara iritsi nintzen, bisitariarentzat hiri erraza, baina artista/ekintzailearentzat zaila. Hala ere, baditut estudioa, taldea eta kideak. Bi hilabeteko egonaldiaren ostean, ardura bakartzat nire ideiak eta izatea nituela, egoera ameslari batera iritsi naiz. Horrela jaio da 154 Bofetadas. Ez da une zoriontsua, bai indartsua, ordea. Ausazko zirkunstantziengatik, zaplazteko bat bezala iritsi zait gure mugetako baten oroigarria: zahartzaroa. Proiektu honekin Akademian parte hartzea jarrera kritikoa da dagoeneko, eta nire eguneroko bizitza artistaegoitza baten definizioa aldatzeko ariketa da. Egonaldiarekiko dudan jarrera ez da dibertitzeko, lasaitzeko eta kontaktuak egiteko baliatzea. Han bizitzearekin instituzioa moldatzen aritu naiz. Izatea da eraldatzeko indarrik handiena. Gizabanakoaren eta estatuaren arteko harremana gai garrantzitsua zen bere garaian, baina COVID-19arekin erabakigarria izan zen 2020an eta 2021ean. Trumpek AEBetan edo Ayusok Madrilgo Erkidegoan pandemia kontrolatzea askatasuna mozteko era gisa ulertu izana horren adibide bat da. Jende asko hil da, eta nik politikarien akatsak eta gizabanakoaren eta estatuaren arteko konfiantzarik eza erregistratuko ditut. ________ JORGE LUIS MARZO Bartzelona, 1964. Artearen historialaria da, Kultura Ikasketetan doktorea, erakusketa-komisarioa, ikus-entzunezko errealizadorea, BAU Bartzelonako Diseinuko Unibertsitate Zentroko irakasle titularra eta GREDITS Ikerketa Taldeko kidea. 80ko hamarkadaren amaieratik, nazioko eta nazioarteko ikerketa-proiektu ugari garatu ditu, erakusketa, ikus-entzunezko edo argitalpen formatuetan, irudiaren politikekin lotuta sarritan. Hona hemen berrienak: Actuar en la emergencia. Repensar la agencia del diseño durante (y después) de la COVID-19 (RAER, GREDITS, BAU, UNIKORE, AASD, Università Federico II, Hangar, ISIA, 2021-2023); Las videntes. Imágenes en la era de la predicción (Arcadia, 2021); Fantasma’77. Iconoclastia española (Tecla Sala, Roca Umbert, Centre del Carme, Casal Solleric, 2020; Matteo Guidi eta Rebecca Mutell-ekin); Iconografía post-millenial (Morsa, 2019); La competencia de lo falso. Una historia del fake (Cátedra, 2018); Espectros (Virreina, 2017); Fake. No es verdad, no es mentira (IVAM, 2016); Interface Politics (BAU, 2016, 2018); Arte en España (1939-2015). Ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015; Patricia Mayayorekin). Iragarleen bulegoa. Iragartzearen kultura Adimen artifizialari eta horrek iruditeria eta ordena linguistiko sozial jakin batzuetan izan zuen eraginari buruzko aurretiko lan batzuen ildoari jarraiki, egonal-

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diaren arrazoia gaur egungo iragarpenen erregimen matematikoaren genealogia bat marrazteko liburu bat egitea izan zen. Asmoa neukan azaltzeko, alde batetik, existitzen den oro epaitzerakoan makinak zein motorrek eraman dituen orakuluen hizkuntza beretzera, bereziki giza portaerari dagokionean, eta, beste alde batetik, algoritmoen sistemak irudiak ikusten, idazten eta, horrekin batera, mundua ia erabat haien bidez iragartzen hain azkar ikasi izana. Nire ikuspuntua artearen historialari batena da, begirada berezi samarra eskatzen duena, orain, arte-irudiekin ez ezik, irudi guzti-guztiekin jarduten baitugu. Proiektuaren helburua, beraz, prozesu honetan zehar irudi horiek, artistikoek zein zientifikoek, duten zeregina ikustea zen. Prozesua aztertuta, pixkanaka-pixkanaka egia prediktiboa lotzen joan zen korapilo historikoak argituko dituzten korapilo batzuetatik abiatuz, mundua deskribatzeko modu bakarra lortu nahi da, dena jakiteko eta ziurgabetasun eta serendipia mota oro ezeztatzeko obsesionatua. Bekaren emaitza Las videntes. Imágenes en la era de la predicción liburua da, Arcadia argitaletxeak 2021ko martxoan Bartzelonan argitaratu zuena.

Esperientzia Hiru hilabeteko lana egitera iritsi nintzen Akademiara, otsailaren 1etik apirilaren azken egunera bitartean. Martxoaren 4an dena itxi zen eta geunden lekuan geratu ginen, urrezko kaiola moduko haren baitan. Behin batean, Kinder sorpresa bat agertu zen bakoitzaren txarteldegian. Animatzeko utzi zituen norbaitek han. Inoiz ez nuen jakin nork. Ez nuen askorik galdetu. Nirearen barruan plastiko berdeko haur-iruditxoa zegoen, jartzeko eta kentzeko hegalekiko kasko gorriarekin, buru-beroki gisa zeramana. Begi handi-handiko neskatoa zen, irribarretsua, besoak jasota zeuzkana. Wilson deitu nion, film batean naufrago batek zeukan pilotaren oroigarri, eta ohe-mahai gainean jarri nuen. Egunez egun, irudi eta albiste ikaragarriak bata bestearen ostean zetozen. Gau batez, Wilsonek amets bati buruz hitz egin zidan, Sibila batek bezala: “Argi ibili hiri madarikatu honetako kategoria klasikoekin”. ________ IRENE-CLÉMENTINE ORTEGA

Prozesua Asmoa liburu bat idaztea zen —neurri batean, argitaletxe baten eskaintzak adoretuta—, pronostikoak eta iragarpenak egiteko zientzietan irudien funtzioaren genealogia bat taxutzeko. Erromara joateko arrazoia prozesu horren zati batzuk dokumentu bidez aztertzea izan zen. Errenazimendutik XX. mendearen hasierara arte, italiar intelligentsiaren zati handi bat teoria fisionomiko klasikoen eraginpean egon zen; nortasuna ezaugarri anatomikoen bidez epaitzen zuten, azkenean XIX. mendeko “fisika sozial” jaio berriak bereganatu zuen emozioen eta keinuen irudikapen mota bat baitaratuz. Antropometriak eta antropologia kriminal eta psikiatrikoak giza portaera iragartzeko oinarriak jarri zituzten, ikerketa eta konparazio morfologikoan eta argazkigintzaren erabilera intentsiboan oinarrituta. Gaur egun, teknika horiek biometrikotzat jotzen ditugu, eta oraingo erregimen prediktiboaren ardatza dira. Pandemiaren ondorioz, konfinamenduak kontsulta guztiak eten zituen, eta online artxiboetara jo beharra izan zen. Software-ingeniari eta -artistei egiteko kontsulta teknikoak telematikoki garatu ziren, arazo handirik gabe. Gainerako plan osoa pikutara joan zen. Eseri eta txoritxoz betetako lorategi baten ondoan idaztea besterik ez zen geratu, girotuta aerobic saioekin (Bella Gamba deitu genuena, Ana Bustelok eta Joserra Aisek bikain koreografiatuta), supermerkatura irteerekin eta tekila-zalditxoekin. Apirilaren 16an idatzi nuen 176 orrialdeetako azken lerroa. Maiatzaren 15ean, Bartzelonara itzuli ninduen hegaldi triangeluar bat aurkitzea lortu nuen. Irailaren 1ean eman nion behin betiko eskuizkribua argitaletxeari.

Bilbo, 1986. 2008az geroztik, buru-belarri sartuta dabil sorkuntza artistikoan, moda-diseinuan eta ehunei buruzko ikerketa historikoan. 2011n Berlinera joan zen, eta han espezializatu zen antzinako ehunak datatzean eta industriaurreko jantziak eta XX. mende hasierako arropa zibila identifikatzean eta sailkatzean. Aldi horretan, Italian ikasten jarraitu zuen, eta herrialde horretan zuzeneko harremana izan zuen goi-modarekin eta jantzi pribatuen artxiboekin. 2015ean ehun-artxibo propioa inauguratu zuen, pieza kopuru handiarekin. Haren bezero aipagarrien artean daude Vogue, Esquire, Vice, Preassure Paris, Glossa Music edo Universal Music. Arte zuzendari lanetan ere aritzen da Palazzetto Bru Zanerentzat, Geneva, Paris eta Venezian egoitza duen Bru Fundazioaren menpekoa den erakundean. 2018an zehar New Yorken kokatu zen. Han, moda-kanpaina handietan parte hartu du, sektoreko profesional garrantzitsuekin lankidetzan: Galore Magazinen, GAPen nazioarteko kanpainan, Beth Fulton estilistarekin, edo DAZED Magazinen, Emma Wyman estilistarekin. Festako arratsaldea amets barroko batean Nire ehungintza eta eszenografia proiektuaren erakusketa Erromako hiriko espazio enigmatiko batean garatu dut; gorteko irudizko festa bateko tableau vivant berezia izango balitz bezala, ikuslearen begien aurrean urrun ageri den oturuntza zoragarria. Jaidesfile bat, bakanal barroko bat, proiektu honen arrazoibide narratiboaren barruan zentzurik handieneko antzerki-mota batzuen pastiche bat. Eszenaren estatismoa, pinturan berezkoagoa dena, iraunkorra eta mugiezina da.

Denboraz kanpoko pertsonaien ikuskizuna, betierekoak eta, aldi berean, iragankorrak, mezua soinekoaren bidez komunikatzen digutenak, oinarrizko ikusmenez: koloreak, ehundurak, formak. Keinuaren artifiziora itzultzea proposatu dut, keinua informazio, iradokizun, erronka gisa, jainkozko errebelazioaren emoziora itzultzea, naturatik, asmakuntzatik eta konbentziotik urrun. Objektu-janzkera bat sortzea proposatu dut, pieza bakar, oparo eta denboragabe multzoa, horiek jantzi dituenari ahalmen eraldatzailea emango diotenak, ezarritako rolekin jolasteko eta eguneroko hutsalkeriatik irteteko aukeran, alderdi sozial ezarriak markatutako zurruntasuna hautsiz. Funtsezkoa izan da materialekin askatasunez esperimentatu ahal izatea. Tindatzeko pigmentu garbiak erabili ditut, eskuz jostera itzuli naiz, buruko fantastikoak egitera, ehunak berreskuratzera eta jantzi zaharrak aldatzera nahiz berrerabiltzera. Prozesua Nire sortzeko eta ekoizteko prozesuaren bilakaera oso lotuta egon da urte honetan zehar gertatutako zenbait gertaerarekin. Museoetara, erakusketetara eta antzokietara egindako bisiten eta jantzien memoriak aztertzearen bidez nire ideiak egokitu eta zehaztu ondoren, nire irudi-artxiboan ordena eta egitura eman zezaketen pertsonekin lankidetza aktiboan hasi naiz. Giulia Venerandi fashion consultancy-n edo Maria Elena Masetti Zannini antzerki-eszenako zuzendaritzan izan dira, orobat hiriko modako eta ehungintzako beste profesional batzuk, nire proiektuaren hasierako ideiari garrantzia eta gorputza ematen lagundu didatenak. Piezak eta prototipoak osatu eta gauzatzeari dagokionez, Italiako hornitzaileekin lan egitea aukeratu dut gehienbat, eta horiek, aldi berean, beste hiri batzuetan aurkitzen zaila den joskintza klasikoko ezagutza eta esperientzia eskaini didate. Martxoaz geroztik bizi izan dugun aparteko osasun-larrialdiaren ondorioz, nire ekoizpen-prozesua partzialki eten egin da. Hala eta guztiz ere, ekoizten jarraitu dut, modu intimoagoan eta gogoetatsuagoan, denborak era desberdinean onartuz. Erroma ez da kapitulu itxia niretzat, eta linbo-uda bitxi honen ostean, betiko erromantizismoan murgilduko naiz hirian, etorkizuneko proiektu hau eta beste asko burutzeko. Esperientzia Akademian egin dudan egonaldiak beharrezko tresnak eman dizkit, sormen eta ordutegi arloan askatasun osoz jantziak diseinatu eta egiteko proiektu bat gara nezan, lanaldi osoan. Italiarekin harreman estua izan dut beti, eta orain ere badut, bai emozionala eta bai profesionala. Ehungintzarekin, zaharkin-salmentarekin, artearen historiarekin eta maitasunarekin izan ditudan lehen harrema-

nak herrialde honetan izan ditut, eta pizgarriz nahiz ezagutzaz hornitu nau. Akademian egon naizen bitartean, Erroma hiriak eskenatoki ezin hobea eskaini dit XVII. eta XVIII. mendeetako historian bete-betean murgiltzeko, ezin konta ahala bilduma piktorikoetan, arkitektura zirkularretan, pasabide sekretuetan; azken batean, nire fantasiak inspiratzen eta argitzen dizkidan Barrokoaren mundua . ________ JAVIER PIVIDAL Cartagena (Murtzia), 1971. Jarduera artistikoa uztartu egiten du argitalpen-proiektuak eta sorkuntza grafikoko proiektuak kudeatzearekin eta editatzearekin. Artelanak erakutsi izan ditu, besteak beste, arte-gune hauetan: Londresko SCAN Project Room, New Yorkeko Whitebox Gallery, Bregenzeko Magazin 4 eta Napoliko Cervantes Institutuan. Azkenaldiko erakusketak izan ditu ¿Por qué durar es mejor que arder? Murtziako Verónicas aretoan, No se escribe, luminosamente, sobre un campo oscuro Granadako José Guerrero Zentroan edo Bartzelonako Blueproject Foundationerako Mia anima nera, The Perfect Lover kolektiboko partaide moduan. 2018an El intruso performancea egin zuen Manuel Rodriguezekin batera, eta 2020an Cenere proiektuan elkarrekin egin zuten lan berriro, Erromako Espainiako Akademian gauzatutako proiektuan. Haren obra hainbat bilduma pribaturen eta publikoren baitan dago, horien artean aipagarriak CA2M, MUSAC, Jaengo Caja Rural, Fundación Ankaria, Fundación Museo del Grabado Español, Fundación CAM edo Colección ICARM. Arima iluna 1975ean, Fabio Maurik Intellettuale performancea osatu zuen, eta Pier Paolo Pasoliniren bularrean haren Il vangelo secondo Matteo filma proiektatu zuen. Proiekzioaren tamaina txikiarekin alderatuta soinuaren bolumen handiak zinema-gertaeraren esperientzia berritzailea eratzen du. Ekitaldiko une batean, laguna hain geldi ikusteak kezkaturik, ondo al dagoen galdetuko dio Maurik. Pasolini estasi egoeran dago. Noizean behin burua jaisten du bularraren gaineko argi-izpi indartsua behatzeko. Urte bereko urrian, Pasolini hil baino egun batzuk lehenago, antzeko esperientzia batean parte hartu zuen. Dino Pedriali argazkilariak argazki saio bat egin zion Chiako bere landetxean. Etxebizitzak leihate erraldoiak dauzka, naturara zabalduta. Iluntzean, argazkilariak bere logelan biluzteko eskatu zion, bera kanpora irten zen bitartean. Gaueko hezetasunak inguruko ereinotzen usaina areagotzen zuen. Mimosa handi bat ere bazegoen. Pasolinik liburu bat hartu zuen, eta irakurtzera eseri zen, bere sexua tapakirik gabe erakutsiz. Argazkilariak, iluntasunaren babesean, idazlearen gorputz

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gainerakutsia jaso zuen kameran. Argiak haren irudi biluzia ebaki zuen gauaren erdian. Ipurtargia dirudi. 1975eko azaroaren 3an, Ostiatik hurbil dagoen zelai batean, Pasoliniren odolez zikindutako alkandora agertu zen. Poliziak egiaztatu zuen arropa hark gatz eta tabako usaina zuela, patchouliarena eta arrosa zimelduarena.

Zona Macon, Milango Miart-en, São Pauloko SSP Arten, eta New Yorkeko Armoryn. Artista egoiliarra izan da gune hauetan: Madrilgo Casa Velazquezen; Gironako Montesquieu Arte Hamabostaldian; San Sebastiánko Artelekun; New Yorkeko Eyebeamen; Buenos Airesko URRAn, eta São Pauloko Museu da Imagem e do Som-en.

Prozesua eta esperientzia

Testacciotik pappagallora

Gure izenak ahaztu egingo dituzte denbora joanda inork ez du jakingo zer egin genuen gure bizitza hodei arrastoa bezala igaroko da, eta eguzki izpiek jarraitzen dioten ihintza bezala barreiatuko da gure denbora badoan itzala da, eta txinpartak uztondo gainean bezala hedatuko dira gure bizitzak Derek Jarman, Croma, 1994

Hasiera batean, proiektu honek Testaccio mendiaren eraikuntza artifizialean bizi diren izakien biologia aztertu eta sailkatu nahi zuen, metodo taxonomiko propio baten bidez. Mendi artifizial honen post-biologia sesila eta bertako elkarreragin bio-geo-fisikoak grafikatu eta pentsatu: onddoak, sustraiak, kaparrak, hegaztiak, haziak, jatetxeak, orbela, zorua, basoko dinamika, hezetasuna, zeramikazko substratua, diskotekak, ura lurruntzea...

Betazalak gogor estutu. Begiak itxi lehenik, eta estutu. Segundo baten ostean, ireki eta kliskatu. Puntu distiratsuek eta dirdirak minak baino gutxiago irauten dute. Aspaldi ez dut zure arnasarik aditu, baina ederki gogoratzen dut. Zure gorputzak orain inork ulertzen ez dituen mugimenduak egiten ditu. Zer esan nahi didazu? Batzuetan, zure aurpegia ilunpetatik irteten da, eta sakon begiratzen dit. Orain bai, ulertzen dut bakardadea zer den: bakardadea zure eta nire artean dagoen distantzia da. Bakardadea 1971 km dira. 9 metro geltoki. 40 egun. Zurekin amets egin nuen urtez urte. Itsasotik irteten ikusten zintudan, eta etxera itzultzen. Zure gorputz biluziaren irudia grabatuta geratu zait. Gorputz horretan zehar behatzen dut guztia. Guztia gorputza da. Memoria azalera itsasten diren irudiz eraikitzen da. Oroitzapenek betiko irauten dute, loreek ez bezala. ________ ENRIQUE RADIGALES Zaragoza, 1970. Espainian Net.art eta lengoaia digitaletan aitzindari izan den artista eta ikertzaileetako bat da. Haren lana ikusgai izan da bienal hauetan: Léridako Bienal d ‘Art Leandre Cristòfol, Sibiuko Biennal IEEB4, Wroclaweko Media Art Biennal WRO eta Ystadeko Biennal Electrohype. Erakusketak egin ditu areto instituzionaletan, hala nola Madrilgo Matadero y Casa Encendida, Bartzelonako MACBA, La Virreina, La Capella, FAD eta Can Felipa, Huescako CDAN, Gijongo LABoral, Guatemalako Centro Cultural de España, Bordele, Chicago, Viena eta São Pauloko Instituto Cervantes, Berlingo Freies Museum, Seulgo OMA, eta Glasgoweko Center of Congotemporary Arts. Nazioarteko azoka garrantzitsuetan parte hartu du, besteak beste Madrilgo ARCOn, Mexiko Hiriko

Orduz geroztik, Erroman izan naizen bitartean, behin eta berriz ibili naiz zeramikazko muino horretan, perimetroaren laginak hartzen, sedimentuei argazkiak ateratzen edo gainazaleko soinu metalikoa grabatzen. Muino artifizial hori ikono antropiko bihurtu zitzaidan nire ikerketan, garaiko teknika eta ingeniaritzak erromatarren hondakinen kudeaketa eraginkortasunez gida zezaketela erakusten zuena. Egungo ingurumen-krisiekin aurrez aurre talka egiten duen konpromiso-ondarea da, eta agerian uzten du ez dagoela gure egungo hedapen eta hazkunde ereduaren epe luzerako eko-plangintzarik. Urriko hilabetea bete zidan ikerketa horren zati bat gaur egungo zaborraren kudeaketarekin lotuta zegoen eta Erroma hirian legez kanpoko zabortegiak agertzearekin. Inolako zalantzarik gabe, hiriak jasaten duen krisi honen adibideetako bat Malagrottako zabortegia da. Erroma kanpoaldean dagoen zabortegi honek 230 hektareako hedadura du, Europako handiena da, eta 2013tik itxita dago, ingurumen arrazoiengatik. Prozesua Testacciori buruzko ikerketa honekin aldi berean, zerbait gertatzen ari zen, Akademiako nire estudioko leihotik ikus nezakeena: 2019/10/4. Gaur goizean papagaiei begira egon naiz pixka batean, nire estudioko leihotik. Magnoliotik arbustura hegan doaz, enbaxadorearen etxeko patina okrearekin kontrastea egiten duen errainu berde bizi-bizia utziz. Hemen pappagalli deitzen diete, eta badirudi argi dutela nora doazen, zuzen-zuzen baitoaz zuhaitz batetik bestera, brisak kulunkatzen dituen beste hegazti batzuek ez bezala. Dena konpas ikusezin batekin mugitzen da, altzifrearen adaburua, hormako igokaria, esekitako arropa ere horren erara, itxuraz. Pappa-

galloaren tonu exotikoek soilik hausten dute inguruaren kadentzia. Guztiz ustekabean, ikono antropiko berria sartua zitzaidan leihoan zehar. Pappagalloa, Testaccioa bezala, ikono antropiko inbaditzailetzat har daiteke; Testaccioko anforak Betikako lurrarekin egosi ziren eta Mediterraneoan zehar garraiatu, Italiako espainiar mendi bakarra eratuz. Pappagalloa, ostera, Latinoamerikatik iritsi zen Italiara, 70eko hamarkadako hegazti exotikoen esportazioaren bidez, eta hirian ezarri zen, egokitzeko duen gaitasunari esker. Tokiko beste espezie batzuk mugiaraziz eraikitzen dituzte habiak, hiriko ekosistema aldatuz. Testaccioko muinoak bezalaxe, hark ere geologikoki topografia laua duen auzo baten horizontea aldatzen baitu. Nahiz eta Antropozeno hitzak gure aldiari eragiten dion eta bereizten duen aro geologiko bat definitu, proiektu honen “Testacciotik pappagallora” izenburuan, tokiko krisi egoera bat Antropozenoaren terminoetan definitzen duen lokalismo bat aurkitu dugu. Esperientzia Esango nuke guztiok bat gatozen puntua dela edozein sortze-prozesutan askatasunez huts egiteko beharraz hitz egitea, baina uste dut ez dela ahaztu behar Akademiaren ekosisteman sartzeak berekin dakarrela norbere buruarekin behin eta berriz estropezu egitea. Izakien eta diziplinen komunitate honek eskaintzen dizkigun denborak eta baliabideek aukera eman didate nire lan-prozesu batzuen inertzia hausteko eta, nola ez, zenbait alditan krisian sartzeko. Baina estresa alde batera utzita, denbora eta baliabide horiek aukera eman didate esperimentazio-eremuetan sartzeko, lan-prozesu magnetikoekin jolasean ibiltzeko eta material eta teknika berriekin erlazionatzeko. Uste dut esan beharra dagoela Akademiaren habitata COVID-19aren pandemiak zeharkatu zuela. Nire lan-prozesura nolabait iritsi zen organismo ñimiño bat. Nahiz eta proiektua urrian hasi zen eskala handiko formalizazio batzuekin, prozesuak eta formak txikituz joan ziren pixkanaka, harik eta garbantzu baten tamainara iritsi ziren arte.

Palimpsesto Basagliano, askatasuna arte eder gisa Palimpsesto Basagliano ikerketa historiografikoa, eztabaida kolektiboa eta multimedia materiala kritikoki lantzeko eta katalogatzeko prozesu baten emaitza da. Prozesu horretan, hainbat eragilek hartu zuten parte, bai Triesten, bai Erroman, mintegien, solasaldien eta elkarrizketen bidez. Horiei esker, elkarrizketa eratu ahal izan zen historia hori protagonista gisa bizi izan dutenen eta gaur egun haren parte sentitzen direnen artean. Lehenengo mintegian, Palimpsesto Basagliano abiatzeko, Carla Ceratiren eta Gianni Berengo Gardinen Morire di classe (1969) argazki-erreportajea aztertu zuten; bere garaian Italiako erakunde psikiatrikoetako egoerari buruzko eztabaida publikoa zabaldu zuen. Bigarren, 1973an zoroetxeko hesia eraitsi zuen Marco Cavalloren, Giuliano Scabiaren eta Vittorio Basagliaren kontakizun magiko eta zehatzak aukera eman zigun lengoaia artistikoek osasun mentala artatzeko praktikak nola aldatu dituzten zalantzan jartzeko. Claudio Misculinek eta Angela Piancak sortutako Accademia della Follia (1983) eta Carla Prosdocimok eta Pino Rosatik eratutako Laboratorio P (1983) izan ziren beste bi mintegitako ardatz; bata, antzerki-esperientziak deskubritzera bideratua, eta bestea laborategi politeknikoak emantzipazio-tresna kolektibo gisa baieztatu zituzten zeinu piktoriko eta bisualak marrazteko. Askatasun-espazioak, egiteko hainbat aukera ematen dituzten lekuak. Azken bi mintegietan edertasunerako eskubidearen errealitate garaikidea jorratu dute, zaintzeko eta adierazpen artistikorako beste era batzuen praktika zehatz gisa. Antonio Villas komisariatutako zaintza-espazioen diseinuak eta ZIP taldearen komunikazio-grafikoak bidea erakutsi dute esparru komunak eta erakundeen aukerak zabaltzeko, osasun mentalaren esparruan aurreneko aldiz. Azkenik, lehen zoroetxea kokatu zen San Giovanni parkea, gaur egun Monte San Pantaleone Nekazaritza Kooperatibak diseinatu eta mantentzen duen bost mila arrosako lorategia, desio fabrika moduan interpretatu da, non egunero mirariaren zeinu jakinek indarkeria instituzionalaren oroitzapen izugarria bizirik mantentzen duten.

________ PANTXO RAMAS

Prozesua

Milan, 1979. Filosofian doktorea eta Europako gizarte-mugimenduetako aktibista izanik, oraina eraldatzeko gai diren praktika adierazkorrak eta kritikoak ikertzen ditu bere lanean, osasunaren eta artearen praktika instituzionalen irakurketa etnografiko, pedagogiko eta estetikoaren bidez. 2015az geroztik hartu izan du Trieste bere ikerketaren jomugan. Triesteko Cooperativa La Collinarekin lankidetzan aritzen da, eta orobat partaide da Entrare Fuori ikerketa-kolektiboan nahiz Munduko Osasun Mentalerako Konferentzia Iraunkorrean.

Nire egonaldiko lehen asteetan, Triesteko basagliar iraultzako protagonista askorekin eztabaidatu eta hitz egin nuen; ez nuen besterik egin. Aste erabakigarriak izan ziren, eta bertan behera utzitako karpetek ahotsak eta irudiak eratzeko modua eman zuten, ikerketa hau orainaldiko protagonista bihur zedin. Sei istorio aukeratu ostean, bildutako objektu eta ahotsak Triesteko eztabaidarako espazio komun bihurtzen ahalegindu ginen. Horren emaitza izan ziren Cooperativa Sociale La Collinako Lara Baracetti, Arturo Cannarozzo, Guillermo Giampietro, Frances-

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ca Giglione, Naomi Piani, eta Adam Zuliani kideekin osatutako diziplina anitzeko taldean osatutako elkarrizketak, mintegiak eta solasaldiak.

zio Bienala (Eslovakia), Sharjah Children’ s Book Fair (Arabiar Emirerriak), Ilustrazioko Katalogo Iberoamerikarra (Mexiko), CJ Picture Book Awards (Korea), Mostra Internazionale d’Illustrazione per l’Infanzia Sàrmede (Italia) edo China Shanghai International Children’s Book Fair (Txina).

Ezkutuko material horiek ahotsen eta irudien, eztabaiden eta analisi kritikoen katalogo bihurtu dira orain, estalita eta gainjarrita, oroitutako lengoaia nahasia eta esnatua, eztabaida prestatu, moderatu eta grabatu horiekin, webgune baten bitartez bilduta, Bomarzo bide gidatu batzuk jarraitzeko moduan, edo istorio horien norbere interpretazioa, dagokien eran kokatuta, “La fantasia è un posto dove ci piove dentro” [Fantasia gauzatzeko moduan. Proiektuan zehar, erakusketa- euria ari duen toki bat da]. Italo Calvinoren “Ikasgai amerikar” ederrenetako baten izenburua da hori, Dandispositibo bat sortzeko beharra azaldu zen, irakurketa te Alighieriren Purgatorioko bertso batekin hasten historikoa istorio horietan dabiltzan ahots eta irudi dena: “Poi piovve dentro a l’alta fantasia” [Goi-fantazehatzekin kontrastatzeko balioko zuena. siaren barrura euritan isuri zen gero]. Dantek bere irudimena zerutik edo Jainkoagandik euritan isuri zela baieztatu arren, eta bere fantasiaren alderdi bisual Esperientzia hori idatziz jaso, Calvinok sendo zioen imajina dePalimpsesto Basagliano proposamena gizartearen zakeguna hitzez adierazi ahal dugula, eta irudimen eta erakundeen arteko harremana auzitan jartzen duen horrek ikustera garamatzala, baina baita hitzetatik bitartekaritza kritikoko proiektua da. Trieste erreferen- jaiotako irudiak sortzera ere. tzia puntu jakina da kritika instituzionaleko hainbat belaunaldirentzat, instituzioa egitura sozial, historiko Irudiak irakurtzeko esperientziak berekin dakar eta material gisa definitzen baitu, diziplinatik haragoko eragina duena, hertsiki politikoa eta batez ere sub- buruan lekuak garatzea, istorioak eraikitzea, narrazio bat sortzea, pertsonaiak mugimenduz hornitzea. jektiboa, hain zuzen ere. Erroman dagoen Espainiako Hala ere, irudimen hori hitzez adieraztea ere esan Errege Akademian esperientzia hori bizitzeak esan nahi du kontu horiek erakunde bizi eta konplexu ba- nahi du, forma ematea, hitzak jartzea; kontatzeko ten eguneroko bizitzan onartzen direla, eta aurkitzea eta partekatzeko ekintza da. Nola irakurle helduek, praktika instituzional kritikoaren eguneroko zailtasu- hala haurrek. Zer da lehenagokoa, irudia ala hitza? nak; bi une izan ziren niretzat esanguratsuenak. Ilustratzeak gidatuta, gai al gara gure emozioak, Alde batetik, proiektu hau etengabeko tentsioan man- esperientziak eta ideiak gainean ezartzeko? Proiektu tentzeko erronka onartu, historia kolektibo eta soziala- honek galdera horiei erantzun nahi die, irudi irekiak rekin, azpimarratuz historia hau egunero praktikan jar- eratuz, sorkuntza-laborategiekin batera, Bomarzoko Baso Sakratua ikertzeko abiapuntu gisa hartuta. tzen dutenen protagonismo etiko eta politikoa. Erronka hori Cooperativa Sociale La Collinarekin lankidetza estuan garatu zen. Beste alde batetik, pandemiaren bat-bateko orainaren erdian tresna estetiko eta analitiko horiek birpentsatzea eragin zuen, Colectivo Chopinekin batera, Carlo Caprioglio eta Silvia Ribecarekin, eta Radio Fragola Goriziarekin egindako lanean. Erronka horren emaitza “Pandemie Locali” argitalpena da, ahotsen beste palinpsesto bat jasotzen duena. ________ ADOLFO SERRA

Prozesua Erroma ederra eta kaotikoa da, animalia sakratu kutsua dauka, oraingo hondakinena eta aire zabalean irekitako museoarena. Oso senekoa eta primarioa den zerbait dago hemen... zaporeak, argia, kolorea, bizitza gozatzea. Erne egon behar duzu hiriak irentsi ez zaitzan, baina ezkutuan daukan guztiaz ere jabetu behar duzu.

Teruel, 1980. Ilustratzailea, liburu-sortzailea eta irakaslea. Madrilgo Artediez Arte eta Lanbide Eskolan osatu zituen Arte Plastiko eta Ilustrazio Diseinuko goi-teknikari ikasketak. Madrilgo Unibertsitate Konplutensean Publizitatean eta Harreman Publikoetan lizentziatua. Orri zurietako esploratzailea. Harentzat, ilustratzea erabakitzea da, ilustratzea kontatzea da, ilustratzea behatzea da, ilustratzea... sentitzea da.

Akademia hiri honen ispilua da, 1873an ernetako historia eta energia dituen leku bat, aldi berean zabalik dagoena diziplina berrietara, sorkuntza garaikidera, artisten eta herritarren arteko elkarrizketara. Ispilua denez, beste egoiliarrekin izandako elkarrizketetan islatzen eta proiektatzen zara, prozesuetan, bilaketan, isolamenduan. Zure irudia urtu eta desitxuratu egiten da, orobat zure buruaz, zure proiektuaz, arteaz edo sorkuntzaz duzun ideia.

Lanbideko jardueraren zati bat ilustrazioarekin eta marrazketarekin lotutako sormen-tailerrak eta -laborategiak garatzeari eskaintzen dio. Bere ilustrazioak hautatu izan dituzte honako ekitaldi hauetan: Bologna Children ‘s Book Fair (Italia), Bratislavako Ilustra-

Tranpa edo ameskeria moduko bat dago Akademian; nola sor dezakezu Erroma zure baitan sartu ez bazaizu? Pauso teoriko batzuk nola eman hiriak bidea urratzen duenean? Horretan datza magia, hala uste dut. Erromaren arrastoa eta Akademia dagoeneko

zure baitan daude, bederatzi hilabete hauek hasiera baino ez dira. Esperientzia Erroman nago. Jauregi batera iritsi nintzen, eta eskultura guztiek burua moztuta zuten. Gorputz hutsak ziren. Harrizko haragia. Bulkada. Arrazoirik ez zegoen. Erroman nago. Pintura-baso batean galdu nintzen. Tenpleen eta pigmentuen udaberri betierekoa. Txoriak zeuden. Karez eta iztukuz egindako ertzak. Soinurik ez. Erroman nago. Ahaztutako santua nintzen ametsetan. Nire martirioko zauriak, diagonalak eta ebaki-lerroak sentitu nituen. Handik gutxira, irudi hori neure aurrean neukan eliza batean. Martiriaren eldarnioa. Esnatzeekin amets egin dut. Erroman nago. Eskuko hezurrak hautsi zaizkit. Hatz bateko bi milimetro galdu nituen. Zenbakietan pentsatu dut, arimak pisatzen dituen 21 gramoetan eta falta zaizkidan 2 mm-etan, hitzen larrian eta besarkaden arinean. Hezur-zerga. Azalaren liturgia. Erroman nago. Ederra bezain kaotikoa, kaleetan eta neure baitan desorientatzen naiz. Otso-iturrietan edaten dut, arabazozoei jarraitzen diet, eta hondakin arteko bidean nabil. Erroman, misterio kutsuan, beti iristen zara norabait, nahiz eta espero zenuen lekua ez izan. Pauso galduak. Hondakin biziak. ________ BEGOÑA SOTO Sevilla, 1964. Rey Juan Carlos Unibertsitateko irakaslea da, eta Espainiako Zinemari buruzko Ikasketen Masterreko eta Doktoregoko zuzendaria izan zen han. Andaluziako Filmategia abiarazi zuen, bai eta sei urtez zuzendu ere. Film mutuen garaiko material filmikoak zaharberritzen eta ikertzen dihardu, lankidetzan arituz Espainiako Filmategiarekin, Kataluniako Filmategiarekin eta Portugalgo Zinematekarekin. Espainiarako Womens ‘s Film History Project koordinatzen du. Haren azkenaldiko argitalpenen artean daude honako hauek: “El poder de lo desconocido. O cómo enfrentarse a la contribución de las mujeres en los primeros años del cine español”, hemen: Presencies i representacions de la dona en els primers anys del cinema 1895-1920 (2019); “Field Trip to Insanity: Bodies and Minds in the Doctor Maestre Film Collection (Spain, 1915)” L. Alonsorekin eta D. Sánchezekin, hemen : Corporeality in Early Cinema Viscera, Skin, and Physical Form (2018); “Women and the shift from Theatre to Cinema in Spain: The Case of Helena Cortesina (1903-1984)” E. Corderorekin, hemen: Nineteenth Century Theatre and Film (2018). E. Corderorekin batera editatu zuen Women in Iberian Cinema: A Feminist Approach to Portuguese and Spanish Filmic Culture (Intellect books, 2020ko ekaina) alea.

Cines elkartea, Espainiaren eta Italiaren arteko zinema harremanak 1906/1918 Società Italiana Cines sortu zen 1906an Erroman, eta urte hartatik du bulegoa Bartzelonan. Espainian ez da izango beste Italiako markarik bere bulegoan Italiatik ekarritako arduraduna duenik. 1910 eta 1917 artean mila titulu baino gehiago banatu zituen Bartzelonatik. 1913an Espainiako Artearen Film marka sortu zuen, Espainian filmak ekoizteko. Proiektu horretan, Cines enpresak Espainiara helarazi zituen teknikarien biografiak landu ditut: Mateldi, Turchi, Doria, Munzi, Miraglia edo Genina. Horietako batzuek Espainiako zinemagintzan garatu zuten lan-ibilbidea, horrela Espainiaren eta Italiaren arteko zinemagintzako profesionalen esperientziak lotuz. Bi kasu bereizgarri daude langintza horretan. Bata, Bartzelona eta Turin artean lan egin zuen Raimundo Minguella kataluniarra, Espainiako etxe italiarrak eta Italiako etxe espainiarrak ordezkatzen aritu zena, eta ondoren Excelsa Films enpresa italiar-espainiarra sortu zuena. Alderantzizko noranzkoan, Augusto Turqui daukagu, Erromako Cineseko administrazio kontseiluko idazkaria eta, geroago, 1917ra arte hark Bartzelonan zeukan bulegoko arduradun izan zena. Prozesua eta esperientzia Izenburu honen azpian ezin pandemia ez den beste hitzik idatzi, nola bada, barregarri legoke bestela. Izan ere, proiektuari edo biografiari berari buruz idatzitako guztia barregarri hutsa dela uste dut. “Hemen ez da ezer gertatu” nolabaiteko baten tankera sinesgaitza dauka. Eta hori, faltsua ez ezik, bidegabea eta arduragabea litzateke. Denetik gertatu da. Proiektua, biografia, prozesua edo esperientzia ez lirateke berdinak izan behar, ez lirateke beste era batera kontatu behar, pandemia hitzera eta horrekin batera doazen zifretara murriztuta ez balitz. Ez dago lehenagokorik, eta gerokoa beste zerbait izan beharko luke. Ez dago konta dezakedan prozesu edo esperientziarik, aintzat hartu gabe prozesu eta esperientzia horrek Italian geratzea dakarrela berekin, eta dagoeneko bi hilabetez Espainian egon beharko nukeela. Kontakizunari eutsiko dion prozesurik edo esperientziarik ez dago, jakinik bi hilabete horietako egun eta gau gehienak leihoetatik Erroma ikusten joan zirela, besterik egin ezinean. Ez dakit pandemiaren prozesuaz eta esperientziaz idazten, eta badakit ez dudala hori egin nahi. Beste zerbaitez idaztea barregarria dela jakinda ere, gauzak kontatu ahal izango nituzke. Erromako Cineteca Nazionalen ikertu nuen. Carmen (Doria, Turqui, 1913) laneko zelulosa nitrato jatorrizko materialak ukitu nituen. Ziur asko eta oso poliki —kontu horiek beti izan ohi diren bezala—, titulu osatu gabe hori

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berrezarri edo, gutxienez, digitalizatuko dugu. Uste dut ikasi nuela lanak, gehienetan, ez duela ia ezer esan nahi izaten. Gainera, lehenik eta behin, ausaz eraiki eta zoriaren arabera desegin zen talde batekin bizi izan nintzen; zoria, hartutako erabakietan baino gehiago, beste batzuek arau, dekretu eta zifren bidez hartutakoetan.

hiriko sare soziokulturalera hurbiltzeko aukera ematen du, eta hortik eratorri da euskarri-tarte batean formalizatutako lan bat egitea: argitalpenak eta eranskailuak diseinatzetik hasi, eta motion graphics, 3D inprimaketa, stencil art eta bideora arte; formalizazio bakoitza ikuspuntu bat da erakundeari buruzko elkarrizketa bat eraikitzeko #NormaltasunBerrian.

Gerra ez aurkitzeagatik 1914an Italiara itzuli ezinik edo joan nahi ezean Bartzelonan geratu zen jendearen biografiak lantzeak laguntzen du ulertzen, ez ordea azaltzen, guztia zeinen hauskorra den, are barregarria izateraino batzuetan.

Proiektu honen izaera berritzaile eta aitzindaria errealitate sozial eta publiko baten “beste” ikuspegi bat eskaintzean oinarritu da, pisu historiko artistiko berdingabea duen Erroma bezalako ondare-testuinguru batean, era horretan publiko berrietara hurbilduz, batez ere belaunaldi berrietara eta horiek hiritar-arteaz duten ikuskerara. Horrela, proiektu honek azaleratu egiten du badela gorputz bizi moduan ulertzen den hiri bat.

________ CLAUDIO SOTOLONGO Habana (Kuba), 1982. Diseinuaren Kudeaketa eta Berrikuntzako Masterra Habanako Goi Mailako Diseinu Institutuan (2006). 2004az geroztik, Zinema Instituturako (ICAIC) kartelak diseinatzen ditu. 2011an, egile-kide izan zen bi liburutan: Soy Cuba: Cuban Film Poster from after the Revolution (Trilce Ediciones) eta Ciudadano Cartel (Ediciones ICAIC). 2010az geroztik Habanako Unibertsitateko irakaslea da, eta UH argitaletxeko diseinatzailea. 2010ean Habanako Ikus Arteen Garapenerako Zentroaren Estudio 21 arte-sorkuntzako beka jaso zuen, eta 2016-2017 eta 2019-2020 aldietan parte hartu zuen Espainiako Errege Akademiak Erroman dituen arte-egonaldietako programan. 2018 eta 2020 artean, erakusketak egin ditu honako artegune hauetan: Washington D.C.ko Kennedy Center, Madrilgo Centro Cultural Matadero, Pasadenako California Art Museum, UCLAko Fowler Museum, Parisko Musée des Arts Décoratifs, eta Habanako Museo Nacional de Bellas Artes, Factoría Habana, Fábrica de Arte Cubano, Fundación Ludwig, Estudio 50 eta Galería 23 y 12. Haren lana Madrilgo eta Habanako Diseinu Bienaletan erakutsi izan dute, bai eta Lublin, Trnava, Ekuador eta Boliviako karteletakoetan ere. Bildumetan jasota dituzte bere lanak toki hauetan: Margaret Herrick eta UCLA liburutegiak, Kubako Liburutegi Nazionala, CSPG, Kubako Zinemateka eta Museum für Gestaltung, Suitza Zuricheko Museum für Gestaltung.

Prozesua Tempietto de Bramanteren egikera zirkularrak eta muino batean duen kokapenak periferiak eraikitzeko gune geografiko ezin hobea bihurtzen dute. Tempiettotik aurrera, ibilbideetan zehar daude Trastevere lehenik, ondoren Regola, Parione, Ponte, Pigna, Saint’Eustachio, Campitelli eta Saint’Angelo, urrunago Trevi, Portuense eta Testaccio. Ehunka argazkik osatzen dute herritar desobedientziaren adierazpen bisualen artxiboa (Instagramen dago ikusgai: #roma_ inconforme). Prozesuan, ikerketa artistikoa bitan banatzen da: bide baten oinarria da dokumentala, bildutako materialaren prozesamendu sortzailea eta argazki, serigrafia eta diseinu editorial bitartez ekoiztutako lana. Beste bide bat Tempiettoa objektu gisa birkokatzea da, hiriko artearen praktiketan erabilitako kode estetikoekin formalizatzetik abiatuta: stencilak, sticker-ak, 3D inprimatzea eta bideoak. Guztiguztia sare sozialen bidez hedatuta, horiek zirkulazio bisualerako plataforma berri gisa ulertuta. COVID-19 osteko osasun-larrialdiaren neurriek erantzun azkarra izan zuten hiriko bilbe bisualean. Egonaldiaren amaieran egindako lanak errealitate hori erantsi du, eta, aldi berean, normaltasun berriari buruzko elkarrizketetan txertatu da.

Bandaloak edo poeta bisualak

Esperientzia

Erromak, gaur egun, hiritar desobedientzia erakusten du ikuste hutsez, maila urbanoan eta publikoan. Hiri horretan desadostasun sozialaren adierazpen bisual ugari daude: grafitiak, eranskailuak eta stencil art alde batetik, komunikazio bisualari buruzko ekintza bandalikoa, bestetik.

Erromara itzultzea geldirik utzitako bizitza bati berriro ekitea da. Akademiara itzultzea etxera itzultzea da, baina etxe hau lantokia, museoa, kontzertu-aretoa ere bada, eta bertan bizi direnen joera eta ohituren oreka finean eraikitako egunerokotasuna du bere baitan, gorabeheratsua izateari utzi gabe, urtero tradizio berriak eraikitzeko aukera ematen duen prozesuan.

Antropologia bisualeko eta ikerketa sozialeko tresnak aplikatuz, adierazpen horien eta testuinguruaren erregistro ikusizkoa, ikus-entzunezkoa eta soinuzkoa jasotzen da. Artxibo horren azterketa diakronikoak

Nire kide bekadunekin ikasi egin nuen, solas, eztabaidatu, dibertitu. Batzuekin lankidetzan jardun

nuen, eta guztion artean esperientzia berriak eraiki genituen. Truke bakoitzarekin, nire proiektua eta arte-praktika aberastu egin ziren. Sorpresa pozgarria izan zen haiek aurkitu izana 2019ko abenduan Francesca Gallo irakasleak MLACerako (Arte Garaikideko Laborategi Museoa) koordinatutako ekitaldi batean, nire portafolioaren eta Erroman garatu ditudan proiektuen aurkezpenean. 2020ko martxoan, osasun-larrialdiak Habanara lehenago itzultzera behartu ninduen. Akademiako taldearen eta bekadun kideen babesak eta elkartasunak lagundu egin zidaten Habanara itzultzean eta Erromako proiektua jarraitzean. ________ EDUARDO SOUTULLO Bilbo, 1968. Jaso dituen sarien artean daude, besteak beste, honako hauek: “New-Note” nazioarteko Lehiaketa (Radio-TV Kroazia Orkestra Sinfonikoa, 2018), “RED-NOTE Composition Competition-Illinois State University Symphony Orchestra” Bigarren Saria, “Lutoslawski Award” Ohorezko Aipamena (Varsovia, 2017), Orkestra Sinfonikoen Espainiako Elkartea A.E.O.S.-BBVA Fundazioa Konposizio Sariaren X. edizioko irabazlea, finalista “International Prokofiev Composition Competition”-en (San Petersburgo, 2008) eta “Musika Konposizioko Sofia Erregina 2008” Sarian, eta abar. Espainia ordezkatu zuen 2009ko Suediako World Music Days I.S.C.M. lehiaketan. Lars Von Trier zuzendari daniarraren Gesamt 2012 proiektuko film labur baterako soinu banda konposatu du. Haren lanak interpretatu dituzten orkestren artean daude Suediako Swedish Radio Sympla Orchestra, Frantziako Orchestre National de Lorraine, Errusiako St. Petersburg Sympla Orchestra, Espainiako Orkestra Nazionala, RTVEko Orkestra Sinfonikoa, Bilbao Orkestra Sinfonikoa (BOS) eta Bartzelonako Orkestra Sinfonikoa (OBC). Erroma: esparru sakratuak eta soinu-espazializazioa Proiektua ganbera-musikako obra bat konposatzea izan da, lengoaia garaikidea erabilita soinu-espazializazioa esploratzeko asmoz, baina abiapuntutzat hartuta Erromari lotutako XVI. eta XVII. mendeetako musika koral anitzeko konpositoreen lana, hala nola Orazio Benevoli (1605-1672) eta Giuseppe Ottavio Pitoni (1657-1743). Biek ala biek garatu zuten musika polikoralaren teknika, soinu efektu berriak eragiteko musika-iturri zituzten koruak eta instrumentuak deslokalizatuz, kapera maisu bezala lan egin zuten Erromako Elizen ezaugarri arkitektonikoak baliatuz. Horixe egin zuen Benevolik Erromako S. Luigi dei Francesi eta Sta.Maria Maggiore elizetan. Pitonik beste hainbeste egin zuen hiriburuko S. Marco Evangelista al Campidoglio basilikan.

Prozesua 1. Ikerketa lana egin zen Erromako S. Luigi dei Francesi eta Sta.Maria Maggiore elizetan, S. Marco Evangelista al Campidoglio basilikan eta San Pietro in Montorio elizan, horietako ezaugarri akustikoak ezagutzeko. 2. O. Pitonik eta O. Benevolik konposatutako lan polikoralak aztertzeko, beharrezkoa izan zen haien partitura batzuk kontsultatzea, Erromako Santa Zezilia Akademiako liburutegian. 3. Ikerketa-lanaren emaitzetatik abiatuta, ganbera-musikako obra bat konposatu zen, musika polikoralaren teknika erabilita, musika-iturri ziren instrumentuak deslokalizatuz, soinu inguratzaileko soinu-efektuak eragiteko, “coro spezzato” izeneko teknikak erabiltzen zituzten Barrokoko aipatutako lan polikoralen adibideari jarraituz. Konposatutako lanaren ezaugarriak: Taldea: flauta, klarinetea, biolina, biolontxeloa eta pianoa. Iraupena:15 min. Soinu-efektuak elektronikarik gabe birsortzea (oihartzuna, erreberberazioa). Espazioaren antolamendua: 5 instrumentuak bata bestetik urrun daude gune barruan, pianoa erdian kokatuta, eta beste lau instrumentuak gunearen lau izkinetan, pasarte antifonalak eta soinu-espazializazioko pasarteak garatuz. 4.- RAEReko egonaldian kontzertuan interpretatua izan zedin konposatu dudan estreinaldiko partituraz gain, soinu-espazializazioko teknika horiek berberak erabili zituzten Barroko italiarreko aipatu ditudan konposatzaileen lan batzuen ganbera-talderako bertsio moldatu bat ere egin dut, hain zuzen ere, Giuseppe Pitoniren Cantate Domino eta Vias tuas Domine eta Andrea Gabrieliren Hodie completi sunt obren bertsioa dena. Esperientzia RAEReko bekadun egonaldiak Villa Massimo eta Villa Medici bezalako beste akademia batzuetan bizi diren beste konpositore batzuk ezagutzeko aukera eman dit, eta haien lanen erakusketetan (Open Studios) konposizioen garapena ezagutu ahal izan genuen. Horrez gain, akademietan programatutako kontzertuez gozatu nuen, musika klasikoarekin eta garaikidearekin hasi eta Austriako Institutu Historikoko jazzera arteko estiloez; orobat, aukera izan nuen Parco de la Música bezalako auditorioen denboraldietako musika-programaziora joateko. Aurreko guztia alde batera utzita, RAERen egin dudan bi hilabeteko egonaldiak Erromako museo ugari lasai ezagutzeko aukera eman dit (Galleria Borghese,

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Palazzo Doria Pamphilj, Palazzo Barberini, Kapitolioko Museoak, Vatikanoko Museoak, Castel Sant’Angelo, Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo Alle Terme, etab.). Horietan erakutsitako lanen bat aurkitu izana, beharbada, sorkuntza eta proiektu berrietarako abiapuntu izan daiteke. ________ JAVIER VERDUGO Sevilla, 1949. Andaluziako Juntako Ondarearen arkeologo kontserbatzailea.UHU Huelvako Unibertsitatean doktorea. Zuzenbide Publikoan eta Geografia eta Historian lizentziatua Sevillako USE Unibertsitatean. ICOMOSeko Espainiako Batzorde Nazionaleko kidea. Andaluziako ondare historikoa kudeatzeko eta babesteko esparru publikoan lan egin du, erantzukizuneko karguetan, hala nola Sevillan Italicako Arkeologia Multzoko Zuzendaritzan eta RECA Andaluziako Kultura Guneen Sareko koordinatzaile lanetan. Ikerketa taldeetako partaide da bai Huelvako Unibertsitateko “Vrbanitas.Arqueología y patrimonio“ taldean eta bai Madrilgo Unibertsitateko Autonomoko “Arqueología y fotografía: historia de la arqueología en España” taldean. Italian, Andaluziako Ondare Historikoaren Instituto Andaluzeko bekaduna izan zen Erromako Espainiako Akademian, 1991n. Proiektua Arqueología y poder. La protección y conservación del patrimonio arqueológico de Roma desde la Unificación de Italia hasta el Dopo Guerra (1870-1945) izeneko ikerketa lana lehenagoko lan honen jarraipena da: IMMENSA AETERNITAS. El interés en el pasado y la formación del conocimiento arqueológico desde la Antigüedad hasta la Edad Moderna, con especial atención a Roma y los Estados Pontificios. Lehen aipatutako lanean, Erromako ondarearen babesaren bilakaera aztertu genuen 1162tik 1870era, bai eta Napoleonek Erroma okupatu ostean Aita Santuen aginpidearen eta Frantziako administrazioaren esku hartzeak ere, aintzat hartuta Napoleonen asmo nagusia Erroma Parisen ondoren Inperioko bigarren hiriburu izatea zela. Frantziako Iraultzak berak ere ordurako erabilia zuen Erromako Errepublikaren sinbolismoa, Karl Marxek Der 18te Brumaire des Louis Napoleon [Luigi Bonaparteren 18. Brumarioa] lanean zuzen adierazi zuen bezala. Nolabait, renovatio inperii ideiaren tradizioa sustraituta dago Karlomagnorengan, Germaniako Erromatar Inperio Santuan, Aita Santutzan Silvestreren eta Konstantinoren garaietatik Erromako loriaren oinordekotzat hartzen denean, bereziki Avignongo gatibualditik itzuli ostean. Zesarren Erromaren ideia, enperadoreen tituluetako bat mantentzen duten Aita Santuei lotua dago: Pontifex Maximus. Gure lanarekin Erromako ondare arkeologikoa aztertzen jarraitu nahi dugu, Italiako estatua sortu eta faxismoak iraganaren aztarnak helburu politikoekin 1943ra arte erabili ondoren.

Prozesua Bateratzeari dagokionez, hiru gai aztertuko dira. Erromako hiriburutzak bertako hirigintzari eman zion eginkizuna, biztanleria handituta, Erromako hiriaz gaineko ustiatzea agertuta, Ludovisi bezalako villa batzuek suntsituta eta horrek guztiak ondare historikoan, oro har, eta arkeologikoan, bereziki, izandako eraginarekin. Bigarren, Erromaren eraldatze sinbolikoa. Estatu berriak Erroma Pontifizioaren eta Erroma Berriaren arteko ezberdintasuna azpimarratu nahi zuen, eta, horretarako, bi modu erabili zituen; lehena 1848 eta 1870 bitartean Garibaldirekin edo Cavourrekin batera erori ziren erromatarren omenezko monumentuak eraikitzea, eta, bigarrena, Vittorio Emanuele II.aren omenez monumentu handi bat, 1912ko erakusketaren kariaz inauguratu zen Vittoriano eztabaidagarria eraikiz gauzatu zena. Hirugarren, Erromako zibilizazioaren mitoa Libia konkistatzeko asmoz italiar-turkiar gerrako gai bezala erabiltzea, batzuek Italia Berriaren misiotzat hartu zuten konkistarako, alegia.Faxismoari dagokionez, arreta bereziz zaindu zen erromatarren garaia propagandarako erabiltzea, faxismoa funtsezko ideia gisa erabilita, erregimen berriaren ideologia gisa, E. Gentilek garatutako kontzeptuan oinarrituta; hark faxismoa “politika sakralizatzearen adierazpen” gisa interpretatu zuen, oroitarazteko eta limurtzeko indar berezia zuten erritualen, liturgien, sinboloen, estiloen, mistikaren menpe. Erromako ondare arkeologikoari buruzko ekimen nagusiak aztertu eta ebaluatuko dira, ondare horretan eragindako emaitzekin eta ondorioekin. Bereziki, Via Appiako Parke Arkeologikoa sortzea edo Via dell’Impero edo Itsasoa irekitzea, Marcello Antzokia zaharberritzea, Largo Argentina eremua, Campidoglio edo Campo Marzioko esku-hartzeak: Ara Pacis eta Mausoleo di Augusto, alboan utzi gabe Augustoren Bimilenariokoa bezalako erakusketa handiak edo erromanismoz betetako proiektu arkitektonikoak, hala nola Foro italicoa edo EUReko Koliseoko Plaza eta inoiz gauzatu gabeko Palazzo Littorio, Koliseotik hurbil. Esperientzia Aztertzeko jarduera Erromako hiriko zentro espezializatuetan eta ikerketa-zentroetan burutu da. Batik bat honako zentro hauetan: Erromako Museoa, Archivio Fotografico Comunale, Biblioteca della Camera dei Deputati, Biblioteca Farnese nell’École française de Rome, Istituto Nazionale di Studi Romani, Archivio Storico Capitolino, Biblioteca di Archeologia e Storia dell’Arte, Archivio Centrale dello Stato, Istituto Luce, eta Scuola d’Architettura. Arreta berezia eskainiko zaio zinemako nahiz artxiboetako irudiak eta dokumentazioa biltzeari. ________ MANUEL VILAS Barbastro (Huesca), 1962. Espainian bere belaunaldiko poeta eta narratzaile nagusietako bat da. 2016.

urtean argitaratu zuen Poesía Completa.1980-2015, izan da nola nire jatorrizko proiektua aldatzen joan Visor argitaletxean. Espainian eskaintzen diren poe- den Erroma hiriarekin dudan elkarrizketa etengabean. sia saririk entzutetsuenak irabazi ditu, hala nola Jai- Egiaztatu behar dudana da nire jatorrizko proiektuak genero literario aldaketa jasan duela. Hasiera batean, me Gil de Biedma, Ciudad de Melilla edo Generación aldez aurreko planteamendua narratiboa zen, eta eledel 27. Haren poesia-liburuen artean aipagarriak dira Resurrección (2005), Calor (2008) eta El hundi- berri bat idaztea nuen helburu. Ustekabean, ordea, miento (2015), guztiak ere Visor-ek argitaratuak. Ele- poesia nagusitu da. berriak ere ondu ditu: España (2008), Aire nuestro Nire lan-egikera Erroman barrena ibiltzea izan zen (2009), Los inmortales (2012), eta El luminoso regalo (2013), denak Alfaguarak argitaratuak. 2015ean Se- (Florentziari buruzko kapitulu bat ere badago), hango tecientos millones de rinocerontes kontakizun-libu- kaleetan oinez ibili, bertako museoak eta grabitaterua argitaratu zuen (Alfaguara). Hark eginak dira -zentroak bisitatu, eta gero bizitako hori guztia literatura bihurtu. Egunero hiriaren esentzia bilatzera Lou Reed era español biografia eleberri bihurtua (Malpaso, 2016) eta América bidaia-liburua (Círcu- irtetea izan da nire plana. 3 eta 4 ordu bitartean ibiltzen nintzen egunero, eta hainbat ibilbide eraiki ditut. lo de Tiza, 2017). 2018an Ordesa eleberria argitaraErroma hiriko eguneroko bizitza arrunta, jendearen tu zuen, eta arrakasta handia lortu zuen Espainian, bizitza, tabernetako, dendetako, kaleko, garraio puehun mila ale baino gehiago salduta; gainera, 20 heblikoko eta abarretako bizimodua ezagutzea ere barrialde baino gehiagotan kontratatu zuten. Ordesa zen nire proiektuaren oinarria. urteko liburua izan zen Espainiako komunikabide askoren iritziz, esaterako, “Babelia”, “La Vanguardia” Nire asmoa hiria ezagutzea izan da, hura ikastea, eta “el Mundo”. Orobat, Frantzian argitaratutako hizkuntza bat ikastea balitz bezala. Erronka nagusia atzerriko eleberri onenaren Fémina saria ere iraba- hango hirigintza, proportzioak eta misterioak mendezi zuen. 2019ko urrian, Planeta Sariko finalista izan ratzea izan da. Hiri guztiek dauzkate misterioak. zen Manuel Vilas, Alegría eleberriarekin. Espainiako Akademiak Erroman duen bezalako eraikin batean bizitzeak ere bere literatur bertsioa izan Proiektua du nire lanean. Eraikin guztiz berezia da. Esanahi historiko porotsua du. Nire proiektuaren grabitate-zentroa Erroma da, baina ez dut nahi bakarra izaterik. Italia osoak erredentzio, Oso pozik nago azken emaitzarekin, eta nire lana emankorra izan dela uste dut. gotorleku eta barne-gaztelu giroko espazio narratibo bat sinbolizatzea da nire asmoa. Horregatik, proiekEgin dudan lanaren erakusgarri, poema bat erantsi dut. tua gauzatzeko, Erromatik Italiako hiri batzuetara bidaiatu beharko dut, nire eleberriko protagonistak bidaia hori konta dezan. Eleberriaren behin-behineko ________ izenburua Belleza da. Edertasunera hurbiltze narratiboak espazio literario bat behar du. Erromako espa- ANA ZAMORA zioko narrazioa eta introspekzioa behar ditu. Baina Madril, 1975. Arte Dramatikoko Goi Mailako Errege Erromatik hurbil badira bisitatu nahi ditudan beste Eskolan Eszena eta Dramaturgiako Zuzendaritzako sei hiri eta ingurune, sei espazio horiek edertasunagoi-tituluduna, 2001ean Nao d’Amores sortu zuen. ren emari ideologiko eta morala zabaltzen dutelako Antzerki klasikotik, txotxongiloetatik eta antzinako ustean.Materia ulertzeko modu ederrekiko azken musikatik iritsitako profesionalen taldea da, eta Erdi lilura baten historia autobiografikoa kontatzea da Aroko eta Errenazimentuko antzerkia eszenaratzeko kontua, errealitate indibiduala eta errealitate soziala ikerketa- eta prestakuntza-lanak egiten ditu. Konoinarritzen duen guztia ulertzea.Erromako espaziopainia honekin hamalau ikuskizun estreinatu ditu, tik sei hiri horietara eta inguruetara bidaiatuko dut Barroko aurreko antzerkia ikuspegi garaikide batetik (produkzioko atalean zehaztu dut): Florentzia, Turin, berreskuratzean mugarri direnak. Zuzendari indepenBari, Genova, Bergamo eta Agrigento. Literatura dente gisa, askotariko testuak eszenaratu ditu, eta tialdetik interesatzen zaizkidan sei hiriak dira. Horie- tulartasun publikoko erakundeentzat egindako lanak tako bakoitzean gutxienez astebetez egon nahi dut: nabarmendu daitezke: RTVE, Teatro de la Zarzuela, bakoitzeko kaleak eta izpiritua zeharkatu, eta hiri ho- Centro Dramático Nacional eta Compañía Nacional rietara literatura eta eleberria lekualdatu, Erromako de Teatro Clásico. Mintegi eta kongresu ugaritan ikuspuntuaren jarraipen gisa. Nobelako protagonis- hizlari izan da, eta Europako eta Amerikako hainbat tarentzat Erroma beste hiri horietara hedatuko baldin herrialdetan prestakuntza-tailerrak eman ditu. Ibilbibalitz bezala. de profesionalean zehar sari garrantzitsuak jaso izan Prozesua eta esperientzia Erroman dagoen Espainiako Akademian osatu dudan literatur proiektua oso emankorra izan da. Inguruabar interesgarri batzuk izan dira; garrantzitsuena

ditu, San Quirceko Historia eta Arteko Errege Akademiako kide akademikoa da, eta honako hau Erroman Espainiako Errege Akademian egonaldia egiteko bigarren beka du.

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Herri tradizioa eta eszenaratzea: txotxongilo-antzerkiaren joan-etorriak Italia eta Espainia leku pribilegiatuak dira herri-tradizioari lotutako antzerki-adierazpenak edo adierazpen parateatralak aztertzeko. Hemen, erritualtasunaren eta antzerkigintzaren arteko mugak urtu egiten dira, adierazpen eszeniko zirraragarriak eratuz.Antzerki primitiboenean murgiltzeko aukera ematen digun bide bat zabaldu zaigu aurrean, arte eszenikoak naturaz gaindikoari deitzeko errito moduan duen zentzua ulertarazten diguna, baina, aldi berean, gizarte batek bere burua aurkitzeko ezinbesteko gune bihurtzen dena.Erritu jentil eta kristauak, jada erabat turistikoa den jai handi bihurtzen direnak, galdutako edo agian amestutako mundu baten adierazle, arte eszenikoaren zentzu zaharrera eramaten gaituztenak.Eta txotxongiloa elementu magiko, totemiko handi gisa agertzen da bat-egiteen eta nahasmenduen panorama horretan, paradigma errealista zurrunez eta anakronismoez arduratu gabeko antzerki baten protagonista izateko, sinesgaiztasun posible guztiak metatzen dituen arte gisa. Zentzu kritikoa, satirikoa eta herrikoia hitzaren zentzurik onenean kondentsatzen duen tresna dramatikoa da, gaur egungo gure eszenak hain beharrezkoa duena. Prozesua eta esperientzia Herri-tradizioaren esparruan sortutako antzerki-adierazpenak edo adierazpen parateatralak aztertzetik kontu garbi bat atera ahal izan dugu: identitate nazionalen inguruko aberri harrotasunez eta mezu apokaliptikoez harago, harritzekoa da elkarrengandik zeinen hurbil gauden.Italia eta Espainia bezain gertuko lotura historiko eta geografikoak dituzten herrialdeen dagokienez, tradizioak ia nahastu egiten dira.Horrenbestez, nire helburua ezin zen izan partekatutako antzerki-elementuen jabetza eta jatorri nazionala esleitzea, baizik eta elementu horiek islatzea, komentatzea, mirestea eta gure mundua ulertzeko modu komun bat islatzen duten bizikidetza-espazioak nolakoak diren ulertzea. Ikuspuntu horrekin iritsi nintzen Erromara urtarrilean, abiapuntuko materialaren lehen ezagutza teoriko batekin hasten zen lan-egutegi estuarekin, eta berehala heldu nion Italiako hainbat tokitara eramango ninduen landa-lanari zegokion hurrengo faseari. Otsailean, Sardiniara joateko pribilegioa izan nuen, han tradizioko bost inauteri bikain dokumentatzeko:Su Battileddu (Lula), Mamuthonese Issohadores (Mamoiada), Maschera a Lenzolu (Aidomaggiore), Sa Sartiglia (Oristano) eta Don Conte (Ovodda) Bidaia-programa zoragarri baten hasiera besterik ez zen izan, herri-erritualtasunean eta txotxongiloekin lotutako adierazpenetan antzerki tradizionaleko elementuek irauten zutela dokumentatzeko aukera emango zidana.Baina orduan, dokumentazioa besapean neramala Erromara itzuli nintzen unean, COVID-19ren aurkako neurriak hasi ziren ezartzen, eta lanaren plangintza praktiko hori zapuztu zidaten.

Pandemiak proiektua birbideratzera behartu ninduen, eta material bibliografikoak nahiz formatu digitaleko dokumentuak eta grabazioak zehatz aztertzera. Ondoren, 2021eko uztailean eta abuztuan, behin konfinamendu perimetrala altxatuta, errepidera itzuli ahal izan nintzen, antzerki-antropologiari lotutako proiektuaren zatia ordurako alde batera utzita, eta Italian txotxongilo tradizionalaren aldaerak iraun izana aztertzea izan nuen lan-ardatza. Napolitik Turinera, eta Siziliatik Esloveniako mugara, sekulako eskuzabaltasunez hartu ninduten titiriteroek eta arte familiek; beren antzoki eta tailerretan ordu luzez solasaldietan hitz eginez, herrialde hartan gainezka egiten duen indarrarekin kontserbatzen den ofizio historiko baten xehetasunak partekatu zituzten nirekin. Etxera itzultzean, fase berri bat hasten zen, motxilan bueltan nekartzan material haiek guztiak oratzekoa, gero dokumentatutako eta bizitako esperientzien erakusgarri izango zen ikuskizun bat eraikitzeko.Azkenik, 2021eko maiatzean, entsegu prozesu luze eta gogor baten ondoren, Nao d’amores talde artistikoak Espainian eta Erromako Espainiako Akademian Andanzas de don Cristóbal Polichinela estreinatzea lortu zuen.

ROMA AKADEMIA Diseinu museografikoa Proiektua: Donaire Milans Arquitectos Argazkiak: Ixone Sádaba Roma Akademiaren proiektu museografikoaren abiapuntua erakusketa-aretoan horma-azalera handitzeko beharra da, artista plastikoen lan guztia erakustea lortzeko, dagoen espazio bakar handiaren zabaltasun-sentsazioa galdu gabe. Horretarako, zertxa-egitura bat planteatzen da aretoaren bi noranzkoetan, erdiko espazioa 12 eremutan ordenatzen duen erretikula bat sortzeaz gain, baliagarria baita eraikitzen diren partizio berriak egiturari dagokionez egonkortzeko, azpian lurra zulatu beharrik gabe. Zertxek ezarritako erretikularen ordenari jarraituz, partizio berriak eraikitzen dira bi premisaren arabera: lehenik, espazioaren banaketa berri horiek ez dira inoiz elkartu behar, eremu guztiak fisikoki konektatuta egon daitezen; bigarrenik, aretoaren erdiko ardatzean zehar egiten diren partizioak pixka bat biratuta egotea erretikularekiko, elkarren ondoan ez dauden eremuen artean ustekabeko konexio bisualak sortzeko eta igarobide organikoago bat ere bai. Emaitza areto independenteen segida bat da, besteekin lotura bisuala izan arren, bisitari bakoitzak bere ibilbidea aukeratu baitezake. Artista bakoitzaren lana banaka baina gainerakoen eraginera irekita azaltzeko modu hori, azken batean, Erromako Espainiako Akademian egonaldia izan bitartean bizi izandako egoeraren mimesia da. Ikertzaileen eta gainerako diziplinen lana Lantegia eta Mediateka aretoetan erakusteko, espazio bakoitzean mahai nagusi bat eraiki da, “ezagutzaren mahai” gisa; eta, hor, hainbat egoiliarren lana azaltzeaz gain, bisitariaren ibilbidea antolatzen da, horman ikusgai dauden lanak begiesteko. Metalezko profil arinak eta pladur-panel estandarrak aukeratu dira erakusketako partizio eta altzari berrietarako, erraz muntatu eta desmuntatu daitezkeelako, espazioa izaera bereziz hornitzen dutelako eta berriz erabil daitezkeelako etorkizuneko erakusketetan, konfigurazio desberdinetan. Azkenik, sarbideetarako edo kanpoko espazioetarako sortu ziren hiru pieza ikusgai daude sarbideko atarian, erakusketaren erakargarri gisa jarrita, Azkuna Zentroko atari handi hori Bilboko hiriko espazio publikoaren jarraipen modura hartuta.

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ENGLISH

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Nestled in the hilltop of the Gianicolo with the best sights of Rome, The Spanish Academy is en route at a steady pace to its 150 years of history, that it will reach in 2023. Despite the difficulties that the Academy has gone through over these past two years, owing to the pandemic, the creative activity of two new generations of grant holders was able to continue on its course, and the grant program of the RAER-AECID (Spanish Royal Academy in Rome- Spanish Agency for International Development Cooperation by its Spanish acronym) was able to continue developing satisfactorily thanks to the implication and work of the staff of the Academy, its director, and of course, the artists, whose eagerness, will, effort, and capacity for adapting, are more than evident. Over the past years, The Spanish Academy in Rome has established itself as one of the most important Spanish centres for creation outside our borders. The quality and quantity of the artists and researchers in residence have been reinforced over the past editions, making way for a creative space where persons and personalities coming from very different disciplines may interact, and find in the Academy a common space in which they may feel enrichened and communicate with each other. The Academy today, is a cultural space that has succeeded with the integration of history and the essence of the Roman influence in art, with airs of renovation of new artistic disciplines represented by artists of the 21st century and, through their work, have much to say in the artistic panorama of our country. Each year the projects and works of each of the generations that come through the doors of the Academy are presented in two magnificent exhibitions that allow to showcase, to the grand public, the result of months of creative development and work. These two exhibitions are celebrated in the halls of the Spanish Academy in Rome itself, and afterwards, the following year, in Madrid. That last exhibition is what allows the public of our country to enjoy the work that has been going on in our Roman institution. In this year 2021, two novel factors have converged: in the first place, the circumstances derived from the pandemic, which affected the programming of the cultural institutions of our country and became an obstacle for the planned iter for the presentation of the works of the grant holders of the academic course of 2018-2019, in the moment that would have corresponded. Consequently, and in order to comply with our agreement, we decided to merge the works of the courses 2018-2019 and 2019-2020 into one unique and large exhibition, in which the expositive quality or sensorial experience of the spectator would not be hindered. The second novel element is the location of the exhibition venue out of Madrid. For some time, this had been a premise that the Secretary of State for Inter-

national Cooperation and the Directorate of Cultural and Scientific Relations, as well as from the Academy itself wanted to comply with. We firmly believe in the necessity to disseminate and promote the work of our artists in different cultural settings of our geography. It is important for us, but, above all, it is important for our artists and creators. In that respect, it is a true privilege, and we are very pleased with the involvement of the Azkuna Zentroa Alhóndiga of Bilbao in the organization and presentation of, in their extraordinary spaces, this grand exhibition in which Rome and our Academy disembark on, with all their creative strength. We are convinced that an exhibition with such magnitude could not have found a better stage for it to be enjoyed and perceived by the visitor. Roma Akademia. Processi 146 y Processi 147 is a compilation of the work of 45 artists and researchers who, during the periods of 2018-2019 and 2019-2020, reflected, matured and expressed their artistic proposals and research projects in the collection that today we are showing the public. The setting of an exhibition of such characteristics, with such a wide range of disciplines, relied on the extraordinary curatorial work of Jesús Donaire, architect, curator, and ex-grant holder of the Academy who has succeeded, through a dynamic exhibiting discourse, in finding a conducive element and interrelation among the artists and their works, allowing us to enjoy an extraordinary exhibitive experience. Rome and Bilbao are closer today than ever, and that is the result of the work and collaboration of many people and institutions. I would like to thank, in first place, the Academy itself, all its staff and, of course, its director, M.ª Ángeles Albert de León, who, for her daily work, and her tireless dedication that impulses and facilitates the work of the grant holders. I especially thank Azkuna Zentroa-Alhóndiga of Bilbao, its director, Fernando Pérez, and all his team, for being the perfect hosts for this project, their enthusiasm and willingness to collaborate. Thank you to the curator of the exhibition Jesús Donaire, for his excellent work of conceptualizing and defining the project and, lastly and very especially, to all the artists and researchers from the promotions of 2018-2019 and 2019-2020, for their capacity of resilience and adaptation in these two years, so complex and difficult, for not having ever lost the enthusiasm and desire to form part of the history of the Academy.

Pilar Cancela Rodríguez Secretary of State for International Cooperation Ministry of Foreign Affairs, European Union and Cooperation

Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao is the Centre of Contemporary Society and Culture of Bilbao, a versatile and state of the art space, in which disciplines, contents and public inter-relate. It is an open place, inclusive, diverse, and plural that responds to the necessities of a society in continuous transformation. Through art and creation, contemporary culture generates personal and collective experiences, as well as the necessary knowledge to bolster the growth of people, awarding society with a more critical and diverse critique. This centre was the wine storehouse of the city and is a perfect example of the transformation of Bilbao, from an industrial reality to a city where innovation, knowledge and culture are the main characteristics. Since it opened its doors in 2010, Azkuna Zentroa has been part of the strengthening of our Villa (Home), in its international positioning, with culture as a paradigm of a city of quality. We’ve achieved this through working in different areas every day, collaborating with multiple agents and taking every possible public into consideration. 365 days of culture per year, and for every audience. In many ways, our objectives connect with those of the Spanish Academy in Rome; multidisciplinary art and supporting creation are also priority core ideas of our cultural strategy. Azkuna Zentroa is a reference space for contemporary culture: a dynamic place, with the necessary conditions to favour creation and the research of other times, where they may present and disseminate their work. In Alhóndiga we encourage the co-living of artists, and researchers of different disciplines and professional and vital trajectories, that share their practice, their processes, and results with our different audiences. From Azkuna Zentroa we foster the connection of creative fabric in proximation with international cultural environments, looking for exchange, lasting and reciprocal relations and collaborations, such as that which we are opening this year with the Spanish Academy in Rome with this exposition project. Roma Akademia provides an opportunity to see the results of what has come from the co-living of each artist and researcher from different disciplines, in one of the centres of creation with the highest standard of excellence that exists. I believe that in a current moment such as this it is more necessary than ever to support artistic creation. What we lived has demonstrated that culture is necessary, that art is essential to tackle the challenges that we face as a society, and that the momentum of these processes is necessary if we would like to continue to enjoy and to grow through culture. Juan Mari Aburto Alcalde de Bilbao

Since its founding, in 1873, The Spanish Royal Academy in Rome has symbolised one of the great references among the centres of artistic production and research, as much for the quality and prestige of its protagonists, as for its significant role in cultural relations and exchange throughout Italy, Spain and Latin America. Every year, the RAER (Spanish Royal Academy in Rome by its Spanish acronym) opens its doors with the main objective of offering a creative stay to plastic artists, creators, restorers, and researchers elected through an open call to Spanish citizens, Latin Americans, and in the last years, even to Italians. The Institution, walking with a steady pace towards the 150th anniversary of its founding and creation, is one of the present-day cradles of contemporary art, as well as one of the liveliest, inside and outside our country, a source of inspiration for the numerous creators-in-stay, and a point of cultural encounter and of periods in which tradition and modernity coincide. Its open spirit and attitude towards renovation and new tendencies reflects the diversity and richness of Spanish culture, underlining its excellence, and transforming dynamism and multiple artistic languages into one of its more distinctive characteristics. The COVID-19 pandemic was a significant and heart-breaking trauma for society, that was made evident through the changes in many ways of living, production, and consumption. Luckily, the resilience and capacity to adapt demonstrated by the cultural sector were stronger than any of these new problematic realities. In this sense, and with true consideration, it is a great pleasure to once more present the works of not of one, but two generations of artists and researchers of the Academy after over one year having gone by since the beginning of the pandemic. The variety of artists who were protagonists of the Institution during the years 2018/2019 and 2019/2020, gave life to Roma Akademia, a unique rich and dynamic exhibition that presents the projects and creations of the forty-five protagonists of the last two years of cultural activity at the Academy. The different ages, origins, and concerns of each one of the artists has allowed for the creation of dialogues that illustrate and elevate the multidisiplanarity and richness of our culture and that this year, for the first time, will be presented in the polyhedral cultural centre Azkuna Zentroa-Alhóndiga of Bilbao. The Azkuna Centre, with its industrial charm, represents a multifunctional space which promotes cultural initiatives, local as well as international and from its inauguration in 2010 has become a place of capital cultural encounter, in Bilbao as well as the north of Spain. Its multifaceted and contemporary womb qualify it as a very important reference and agent of change and of co-existence in the city. Within this setting, the celebration of Roma Akademia represents one of the most exciting challenges out of the history and path of the Spanish Royal Academy in Rome. The main objective of the Institution, about to comply with 150 years of history, is to continue to be up

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to date, to renew itself and to find reward in cultural history, to continue moving in the present and towards the future, bearing witness to the new artistic languages and to the excellent creative level of the artists in residence. Guzmán Palacios Fernández Director of Cultural and Scientific Relations ________ ROME-BILBAO-ROME Coinciding with the current process of change and transformation of the Spanish Academy in Rome, during autumn of 2021, the artistic projects corresponding to the stays of the editions 2018-2019 and 2019-2020 are meeting at Roma Akademia in the Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao. The 45 resulting works will be exhibited in a unitary fashion, occupying the different spaces of the centre: the main exhibition hall, Espacio BAT, Lantegia and Mediateka Gallery (Media Archive Gallery). It will be the first time that these exhibiting spaces of Azkuna Zentroa showcase pieces proceeding from just one exhibition. This presence in Bilbao is the first public show of these projects outside Rome or Madrid. Although there have been many stays at the Academy enjoyed by grant holders from the Basque artistic community, of the 148 celebrated to date, these last two years are precisely the editions gathering the largest number of representatives from the Basque artistic community. Artists who have also formed part of the programming of Azkuna Zentroa over its 11 years in existence, and whose current works, on some occasions, began in Rome, or their development in Rome were projects that had begun here. Among the main objectives of The Academy, as well as those of Azkuna Zentroa are to raise awareness and encourage creation. The Academy does so through its scholarship program, and the Alhóndiga with its Proyecto-Programa that is contemplated within the field of expanded arts, and in which Akademia is included, a space of knowledge transfer, of learning, of critical thought and of the analysis of contemporary production of the plastics. Roma Akademia, in its variety of disciplines (paint, sculpture, architecture, print, music, literature, art theory and history, aesthetics, archaeology, museology, restoration, fashion, scenic arts, film, photography…) takes on the hybrid condition of our centre and its will to transcend the conventional borders of art in so far as diversity and plurality. Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao addresses difference as something inherent in its programming, searching the transversality of the artistic manifestations, its connection with the different areas of knowledge and its relationship with different types of public. As for the Academy, one of the fundamental objectives of the grants is to foster the artistic process of its res-

idents, introducing them to others who are different and inciting their presence on an international level. In the 45 projects that make up this exhibition, this condition becomes palpable. In one same place, formats, actions, disciplines, personalities from various places and ways of being converge, throughout their stay at the Academy their lives become permeated, contaminating each other. They are projects that offer us a snapshot of different artistic practices and contemporary theoretical research in which, in a unique way, the idea of process (processi) is always present as a reference of the inconclusive, of the non-totality and of experimentation. The stay in Rome, and in our case, the presentation in Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, becomes not only a welcoming space and a source for inspiration, but also a kind of transformation, on some occasions, into the starting point of new programs and works. All of that has happened in such a unique moment as is the pandemic and the post-pandemic, that it has offered us a magnificent opportunity to work from practice, process, and experience towards the opening of other tales. Part of Azkuna Zentroa’s approach is to work from trial and error; we are a contemporary cultural centre, and as such, we look to propitiate spaces in which culture is lived as a practice, as a process, as an experience. Accordingly, we wanted Roma Akademia to form part of our exhibition programming for this year 2021 and we believed, likewise, that Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao would be the best place to host it. We trust in our capacity to connect with different audiences and that the exhibition will become a reference for the new creatives and represent multiplicity of disciplines and sensitivities. We would be immensely pleased if this relationship, which is now commencing, were to continue in the years to come. Fernando Pérez Director Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao ________ FROM CHICKENS AND HORSES TO SEAGULLS AND PARROTS It is perhaps the first time in which two consecutive generations of creators and researchers of the Academy are sharing a space to exhibit their projects, and in which the life conditions for them in Rome had been so different. This is an opportunity, therefore, to scrutinize the traces of time they were forced to live, and how deep the coexistence within the walls of this magnificent Franciscan convent has seeped into their pores, filtered like the innumerable weeds that take advantage of the cracks of the wall, or grow unstoppably among the sampietrinos (similar to cobblestones but particular to Rome) of the Trastevere. To dive into the pages of this publication, to go through the halls of Azkuna Zentroa or to go to the document register of the activities that accompany this disembarkment of Rome in Bilbao is key to understand what is going on in the Academy and why the lives of so

many men and women have been changed throughout its almost 150 years of life. But those would only be dabs of stories that are yet to be. That is why we uphold and recall that in Rome we bear witness to a precise moment of a proceso. Those who arrive to the Academy can weigh their backpacks with thousands of hours of silent work, of constant training, of downfalls and of certainties, they have bet against all odds on what they believe and want to do. In the majority of the cases, words are not what speak for them. What speaks for them are canvases, videos, installations or pieces of cloth, papers, or clay that, as on a great stage presided by the Temple of Bramante, enact fragments of stories. So many and so diverse, as the textures of the Roman columns of the cloisters or colours of the tiles of the studios. That is why, in Rome we define our exhibitions with the number of the year of the Academy. Recalling, in modesty, the echoes of the voices of those who were previously here. Preserving the relatively unknown patina of its history. They are processes of continuous creation, difficult to describe, always unique and always connected by a subtle and permanent umbilical cord: the Academy. And on this exceptional occasion, Processi 146 and Processi 147 shake hands. In the year 146 of the Academy the women and men that lived there gave us photographs of inaccessible subterrains, pictorial x-rays of remorse that hadn’t even been foreseen, vaporized colours that took shape and covered undaunted walls. They scratched archives and wall surfaces to discover layers of the past, following traces of travellers who made history or traces of that Rome antica that seep into our homes, and we eat it up without blinking. Subtle, some play with pencils, erasers, and notebooks that others fill with words with many accents. Feathers, velvets, broidery, millennial and generous light reflections and times woven by many women that were made visible by others, by powerful and generous artists. And many voices. Those of neighbours from neighbourhoods that hadn’t yet reached the Academy, of recognizable characters who irradiate that magic that the directors of stories not yet told, put on their lips. As perfectly assembled labyrinths that incite one to adventure through, and hence rediscover architecture from yesterday and perhaps of tomorrow. And we recuperate passages from our own history that returned once more to our cloister, as horses for those who played the guitars of the great maestros and later jumped to the screens of museums or film festivals throughout the world. As the chickens who once fed our residents who now seem to want to feed on art. But they don’t have it easy either. After Rome, nobody has it easy. Because “the generation of other ways of thinking is a continuous job”, as you will verify once more in the following pages of this publication, it is not an isolated event and almost never a coincidence. It’s time of research, of wait, of production, in which there are hardly ever timetables, nor dead moments. It’s a way of life. After, the seagulls wanted to take over the terraces and rooftops of Rome. Daring, like the parrots, they

got into the works of our artists. In their studios. They still glide in their lives. When time stopped and the minutes began to go by slowly and the days became endless, we had to speed up the time machine of the Academy in order to advance. It was the 147th year of its history. And for that, it was key for those living at San Pietro in Montorio not to let the opportunity that their grant had given them escape. To continue working was, and is, a responsibility of who has been selected among so many applicants. That is why it is especially satisfying that the result of their effort is presented this year, without further delay. Before what happened should be forgotten. Discern how the limitations of the moment transformed and filled without exception each and every one of the projects of those who lived in the Academy. And others emerged. Shared readings in some cases. Intimate reflections that have not yet been crystalised, among others. Or ambitious programs that relentlessly sprouted and quickly changed to long term research and international participation. Because in a place of encounter in which artists, writers, film makers, designers, restorers, historians, philosophers, cultural managers… something new is always born, different, and quite often in our Academy, brilliant. Undoubtedly, in this special time that we had to live, there are moments that none of us will ever forget and that the residents of the Academy on some occasions did not want to document. Like that afternoon of Good Friday in which the ephemeral of each one of those stations of that pagan cross shaped by emotions, sensitivities and flashes were mixed with the subtle speedwells, the sap and knowledge of their pine trees and the words of our divine Valle Inclán. We all feel it, we live, we hear, and we eat. All who live within the walls of the San Pietro in Montorio understood, better than ever, that the perímetro máximo that seemed to limit our walls could not contain the imagination, the determination, and the capacity of overcoming any adversity of these women and men. Perhaps because the life of the previous months, previous years, even centuries is so difficult for those who intend to dedicate themselves in body and mind to culture, that only daily will power, and courage will make them continue forward. They are somehow heroes, almost never sufficiently recognized, who give us the best of themselves. To be aware that one has become part of history and that their name shall always be associated to a unique cultural institution and in some way remain within the walls of the exceptional monumental sites of over 520 years, is imposing. It is a great responsibility for 22 women and 23 men who generously presented a part of their knowledge first in Rome, and later in Bilbao, afterwards, who knows where. And knowing that it is only a small part of what is to come, the only thing left is to wait and follow their careers. To observe them and greatly enjoy the result is the best investment that can be done from the public sector. They, are history and future. To foster and take a chance on the professionals of culture is to give us an opportunity to improve on our daily lives.

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That is why, from the Spanish Academy in Rome we cannot be more than enormously grateful to those who made that possible. M.ª Ángeles Albert de León Director of the Spanish Academy in Rome ________

in a continuous crisis. But Rome withstands all, for her, time goes by as if it didn’t at all, indeed, Rome has already seen many things go by. Perhaps that is what inspires so much love for her, in these times of ours, with the world in constant transformation and subjected to frenetic technological changes, Rome’s essence seems to remain untouched by those changes that have seemingly forgotten her. Rome Eternal City.

ROMA AKADEMIA […] Rome, my Rome. I think of your angels and of your gods. I think of how your solitude and mine fell profoundly in love at the foot of the starlit sky. As just another person in love in you I seek relief and hope, on the path of all those in love towards death and oblivion. I will wait for you and you for me. And if I shouldn’t return, another Spaniard will, and he will love you as we the poets have always loved you. Manuel Vilas, Roma ROME. Out of the beautiful poems written by Manuel Vilas throughout his stay at the Spanish Royal Academy in Rome (Processi 147), I wanted to rescue a few verses with which the author closed his book, Desde Madrid te sigo queriendo (From Madrid I continue to love you), where he acknowledges his love for the Eternal City: Rome. I believe it’s a common feeling among those who have been grant holders at the Academy, one way or another we have all loved this city that has been the capital of the western world for centuries. And one shares that sensation, owing to its millenary paved streets, the diverse stratifications of the riverbed of the Tiber that speak of the many layers that this city has, its people so used to living with mass tourism, its buildings that have defined so many architectural periods, its trees pinus pinea that have inspired so many grant holders, its enigmatic sky always with abundant black starlings navigating the skyline defined by its domes and innumerable churches, its warm light, and so many other aspects out of its day-to-day nature. The Rome that so many film makers made their protagonist, just as much for the idiosyncrasy of its people as for the undeniable beauty of its decadence. Roma città aperta of Rossellini, La Dolce Vita of Fellini, Roman Holiday of Wyler, Aprile of Moretti, or La Grande Bellezza of Sorrentino, among others. The times that are defining the 21st century throughout the entire world are complicated times, we have seen the Roman monuments empty and devoid of the common hordes of tourists and we seem to be living

AKADEMIA. The Academies (also called Institutes on some occasions) of Rome are part of her essence, some are of humanist inspiration, others artistic or of research, and others, such as the Spanish Royal Academy, unite both profiles of culture and knowledge within its ancient walls. We can feel privileged to have an Academy in Rome. It was the second to be established (after the French one), making it the second most dated in the Eternal City. France created theirs in 1766, but it wasn’t until 1803 when it moved to its current location in the prestigious Villa Medici. Later came the Spanish one, whose first frustrated attempt dated to the times of Carlos III, in 1680, when it wanted to follow the example of the French Academy. However, the first class of Spanish pensioners wouldn’t arrive to Rome until 1758, although it wasn’t consolidated until 1873, with the first effective statutes of the Academy of Fine Arts in Rome. In 1876, the Academy went on to have a permanent location in the Convent of San Pietro in Montorio. This convent embraces, together with the Church of San Pietro in Montorio, the jewel of Italian Renaissance: The Tempietto of Bramante (1502), whose construction was commissioned by the Catholic Monarchs. More were to arrive later: The Austrian Historical Institute, created in 1881, the American Academy in Rome, founded in 1894; in 1896 the Carlsberg Foundation sent the first historian to the Danish Institute in Rome; the British School at Rome, founded in 1901; the Historical Belgian Academy, created in 1902; the Villa Massimo (German Academy), founded in 1910; the Swedish Institute (1925); the Egyptian Academy, that since 1929 fosters the Egyptian, Arab and African cultures in Rome; the Finnish Institute in Rome (1938); the Swiss Institute (1947), and lastly, the Norwegian Institute that opened its doors in 1959. A total of thirteen international academies takes in historians, humanists, artists, and researchers. Considering these institutions, it’s conceivable that no other city exists in the world where such intensive creative endeavours have been carried out. The connection among academies and institutes is crucial for the continuous growth of the network of cultural relations that hasn’t stopped expanding through its grant holders or pensioners over the years. It is certainly a privileged situation, a cultural reference in constant growth and development. Part of this evolution is increasingly more noticeable and reflected with every incorporation of a new creative discipline that to date

had not formed part of the framework of these centres of production in Rome. Out of all these centres we may affirm that the Spanish Academy in Rome is the one that takes in the widest range of disciplines, from the most classic such as paint, sculpture, literature, music, and architecture, to those of recent creation such as photography, video creation, gastronomy, art and new technologies, fashion design, graphic design, comic, or artistic mediation. Also, art historians, museologists, restorers, theatrical techniques and direction or film. And in that is what ROMA AKADEMIA consists, a unique exhibition where one may discover the work of 45 women and men who, throughout the years 2018-19 (Processi 146) and 2019-20 (Processi 147) developed diverse research and artistic projects in their respective disciplines. The transversality that takes place in the Spanish Academy in Rome is palpable in the results of the exhibition ROMA AKADEMIA and its catalogue sharing the same name. This exhibition, that for extra-ordinary reasons gathers two consecutive years, two Processi, opens its doors for the first time out of its normal location: the Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. The exhibit is a very special occasion for two reasons; to give visibility not only to the production of the grant holders but also to the important task that the staff of the Academy undertakes, under the improba management of Ángeles Albert, to keep this flagship of the The Spanish Agency for International Development (AECID by its Spanish acronym), the Ministry of Foreign Affairs, European Union, and Cooperation, and thereby, of Spanish culture out of Spain. It seems that everything is becoming special with regards to the oncoming 150th anniversary of the institution. AZKUNA ZENTROA. Or what we call a hybrid or multifunctional building in the architect profession, a social condenser located in the previous Alhóndiga of Bilbao, whose transformation was undertaken by the French designer Philippe Starck, opening its doors in 2010. The diversity of its spaces and halls of various scales and relationships with the common spaces, reunites the necessary characteristics enabling the accommodation of such an extensive and multidisciplinary exhibition. The possibility of using not only the exhibitive spaces but also the most public areas, such as the access that is an indoor grand square, make way for a free-flowing and dynamic route. Reinforced by the setup that enhances the pieces of the artists and researchers, the exhibition aims to captivate all the users of this centre of reference, Azkuna Zentroa; a venue just as polymorphic as its own columns, designed by Philippe Starck. Never before has an exhibition of the Spanish Academy in Rome occupied so many cubic metres of expository space, nor has it given such a polyhedral discourse. A unique opportunity that will set precedent for future inaugurations. Azkuna Zentroa opens

its doors to the grand public, taking in, furthermore, a numerous group of Basque artists, who have always been well represented in the history of the Academy. It will undoubtedly be an acknowledgement of all that the Basque contemporary art has been producing and contributing to our culture for decades. As an example, let me assure you on this matter that the contemporary Spanish architecture wouldn’t have the same strength and international recognition had it not been for the material and intellectual legacy that the illustrious Basque artists Eduardo Chillida and Jorge Oteiza left us, that has so strongly influenced our way of projecting emptiness and of understanding the constructive dichotomy between the stereotomic and the tectonic. ROMA AKADEMIA. With these two words the intention is to attract and give visibility to what goes on in these centres of research and of artistic production, and more specifically, in the Spanish Academy in Rome, which is our matter at hand. It would be practically impossible to classify all that has gone on in this centre during Processi 146 and Processi 147. But it is interesting to identify what points of connection or points in common, and what techniques or creative processes exist among the grant holders and the different disciplines that have occupied the different studios of the historical convent. The artistic manifestations are increasingly becoming a tool of analysis of the structures of power, as well as a platform giving visibility to social problems that have grown over time throughout history, and others that emerge in contemporaneity, in such a way that it is no longer the visual or poetic what draws us to the works, but the implicit critique that one may decipher within them. All artistic manifestation implies research, and all research is the art of knowledge. In this general context we may enjoy the productive work developed by these 45 grant holders through their different manifestations. Taking paint as a means of artistic expression, José Ramón Amondarain revisited the classics through the interpretation of techniques of visual inspection such as x-ray images, with large format pieces that captivate the spectator not only owing to the scale but also, precisely, by the technique that allows us to see what is under the most hidden layers. Others, such as Taxio Ardanaz, studied and documented the multiform abstraction of Rome provoked by the conflicts of its past. To do so, he used canvases, that were worked with a mixed technique, and that speak of diverse layers that have become part of the recent history of the Italian city. Julia Huete, however, developed a work of abstract depth/form through the material and narrative language itself. Federico Guzmán, through his work on wild muses, explores their relationship with the mysteries of inspiration, as a dialogue between myth and imagination. Susanna Inglada, through the superposition of units arranged as a collage, intensely works the structures of power, the subjects of gender, violence, and human condition. Inglada surrounds us in three dimensions, requiring

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the spectator to become a critic before the situations that her work poses. In the same way, visual artists such as Estibaliz Sádaba, Itziar Barrio or Jana Leo, through photography, sculpture and above all audio-visual support demonstrate respectively the inequalities of gender through domestic subversion, the structures and mechanisms of power, and the relationship of trust between the individual and (the corruption of) the State. In a more particular way, the independent curator Marta Ramos-Yzquierdo also studies the structures of power, in the art world, and generates debate through workshops celebrated in the Academy, dealing with artistic practice and its social role. In a profession that has become precarious, it is crucial to reassess the problems surrounding artistic work, to be able to hypothesize about its future. Pedro G. Romero, multidisciplinary artist and thinker, revisited the historic burden of the Sack of Rome of 1527 and manifests his artistic concerns of representation, the image and iconoclasm. In his proposal he introduces flamenco as a disruptive element, and he introduces himself as a director of an orchestra with a succession of collaborative pieces in which the word, image, and action reveal successive artistic anachronisms that have taken place in Rome over the last centuries and until the present time.

Nicolás Combarro shows us, with images that could very well be charcoal drawings, the diverse architectural subterranean levels (stereotomic) of Rome and Naples, the Basque photographer José Ramón Ais reinterprets the diversity of the woodlands of Rome, with original pieces in grand format and others that remind us of the structured games of Borromini in the Spada Gallery. Once again, the study of the urban formalisation and structuring of Rome as an imperial city, in this case characterised through vegetation. Rome and its urban peculiarities such as the configuration of the artificial hill of the Testaccio were the inspiration for other grant holders who have worked these two years in the Academy, as it happens the layers that gradually shaped the hill came from the receptacles for oil used in the 1st and 3rd centuries of the classic Rome, brought to light in the work of the fashion designer Antonio Buchannan. The overlaying and aggregation of layers were a model of work. It is also the base material with which the artist Enrique Radigales formalised his “nidos” (nests), halfway between the organic plasticity and the digital image, putting the focus on the lack of eco-planification of the current urban model of expansion and growth. The fashion designer Irene-Clémentine Ortega creates a textile series, and the staging of pieces inspired by Roman, and more theatrical, baroque: a festive bacchanalian baroque fashion show. Apropos of that Roman baroque, the writer Manuel Vilas wrote the poem Bernini and Borromini, as if coming from an anthropologist, he reveals his most personal relationship with the city and its people in his collection of poems titled Roma, he even bears written testament to the period of the pandemic lived first-hand in a foreign city.

Other works use the history of Rome as a centre for their anthropologic research, as is the case of the historian and architect Tono Vizcaíno when he offers a classification of contemporary imaginary, that through the history of ancient Rome, is projected onto modern day culture. The archaeologist Javier Verdugo studies the protection of Roman heritage from 1162 to 1870, developing the role that the capital status of Rome produced on its urbanism and “The church of Bernini is light and despair. symbolic transformation by means of architecture That of Borromini is serenity and elegy. and politics. And on the beautiful stucco layers of And both are lovely the Roman buildings, the architect and specialist and both are well founded daughters in Heritage Conservation and Restoration, Isolina of beauty that burns for all”. Díaz-Ramos, shows us the charting of pigments of this exceptional urban landscape, deciphering the Much in the same way, on the streets and in the imagcolour codes and the importance that the study holds es of the city of Rome the graphic designer Claudio when coming up with future plans of conservation. Sotolongo left a collection of pieces and a self-pubThe study of pigments, in this case pictorial, is also lished book, where he captures visual expressions of present in the research that the historian and restorer social nonconformity and citizen disobedience. His María Moraleda develops, analysing the connections work is an audio-visual register of these expressions between Italy and Spain and the importance of the in the current socio-political context of the city. emergence of this discipline in the mid 19th century. Other techniques of conservation and the casting of More specifically, to do with the pasquino talking sculptures in grand format, also from the 19th centu- sculptures of Rome, the sculptor Joana Cera immersry, were the motive of analysis of the historian and es us in the dialect of the word (through the tabula graduate in Conservation and Restoration in Cultur- cerata or wax tablet) and the number (Roman and al Property, Montse Lasunción. Her work reveals the Arab), with a series of conceptual exercises that are importance that the copies in plaster held and the translated through voice and hologram. Her work is precise techniques, materials and procedures used in like a palimpsest that brings to light the necessity situ in the times of these operations of copying. of tabula rasa. The graphic designer Silvia Fernández Palomar also does tabula rasa in her work at the The photographs that formed part of the Processi 146 Academy that deconstructs the moulds of the familand 147 were focused on opposing realities. While iar to experiment with limits and forms in a series of

day-to-day objects from stationery in which the user sets the rules. Similarly, in these two years, creative processes took place to do with typography, such as that developed by Jorge Cubero whose work acquires true meaning when it is shown in movement. The new digital means require increasingly more than one re-reading of the classic formats and their adaptability, and that is part of the structure of the work of Cubero. The revision of the technique, and the incorporation of movement through multiple photograms was also key to the work of the animated production in stop-motion of the artist Borja Santomé. An auto-biographic work in which, through drawing, sounds and the technique of production, different environments of the city of Rome are revealed and become a fictional story whose protagonist is the author himself. The animated proposal of Santomé takes us back in time to the origins of silent films, whose study, and relations of this art between Spain and Italy were, furthermore, the motive for research for the expert in Spanish film Begoña Soto. The writer and film maker Pier Paolo Pasolini was the subject of the work developed by Javier Pividal, a concoction of action, one’s senses and narrative. His pieces make up a space of superposition of scenes that theatrically describe actions of the person and the death of the Italian artist. Geometry, matter, and ash co-exist with aromas and the intense light of a projector. Anna Talens also works with dialogue among objects, her work expresses a special artistic sensitivity towards the transformation that natural light exercises on objects and their matter. Her work is a poetic understanding of what is created between absence and presence of everyday activity. Her work captures precise moments that make the space which we occupy vibrate; her pieces do not take on an absolute form until they are meticulously set out, in harmonious balance, among themselves and in relation to the conditions of the context of the specific light, colour and spacial proportions. In both the works of Pividal and Talens, the work is completed when the optical and haptic characteristics are harmoniously balanced. The world of comic and illustration was present in these generations with artists such as Ana Bustelo, Adolvo Serra or Carla Berrocal, whose works were carried out with techniques very differentiated from each other and have taken us, respectively, to the world of the analysis of composition based on Italian altarpieces, to a world of dichotomy between image and word inspired by the Sacro Bosque de Bomarzo (Sacred Garden of Bomarzo) or, as in the case of Berrocal, to the investigation of the folkloric culture of the Spanish copla through the legend Concha Piquer. Their works respectively contributed geometric precision, nature and games, colour, and popular culture to the walls of the Academy. In the surrounding area of these walls sounded the notes of the compositor of chamber music Eduardo

Soutullo, who couldn’t have had a better space for creation for his work on sacred places and sound spatialisation. His research begins with the works of the polychoral music composers of the 11th and 12th centuries tied to Rome. In the discipline of performing arts, there are a few approaches. The research of the popular tradition and theatrical staging of Neapolitan puppets carried out by Ana Zamora. The development of her project included a visit to the carnivals of Cerdeña, an example of pagan and Christian rituals converted into a grand festival. Her work involves the ancestral sense of stage art that is opposing to contemporary stage. The work of Fernando Sánchez-Cabezudo, on the contrary, took to the streets of the city of Rome, more concretely the neighbourhood of Garbatella, with his project Storywalker. This project is developed on a digital platform whose content is geolocated sounding fictions through which we may peek into the everyday actions, that are an active representation of a story created by the neighbours themselves. Lastly, the scenic creator and writer Pablo Fidalgo presents Qualcosa nascerà da noi. According to the author, a piece in the darkness where a man reviews his life and exhausts all other possibilities of being anything else, of living a different love, of showing himself to the world in any other way. With the strength of the word, from the literary sphere, apart from Manuel Vilas, who I previously quoted, the authors Lara Dopazo, with a photographed portrait of the city of Rome, and Begoña Huertas, who, through the plastic manipulation of the first draft of her work succeeded in redefining the previously imposed strict limits of her literary creation. The Salvadorian author Jorge Galán, in the composition of a novel, confronts the important topic of migration: its causes and consequences. A heart-breaking drama focused on forced migration to escape the violence that presses the Mesoamerican country. Also in the editorial area, the author Jorge Luis Marzo describes in the book Las Videntes (The Psychics), within the wake of previous works dedicated to Artificial Intelligence, the course that machines have taken, according to the author, taking on the language of the ancient prophecies to come to interpret and judge everything and everybody through the images that they process. The musicologist María Ángeles Ferrer and the historian María del Mar Villafranca focus their research work between Spain and Italy, centred on the Italian experience of personalities from Spanish culture. Ferrer questions the existence of Spanish opera, through studying the creative work of five Spanish compositors, who were previous pensioners of music in the Spanish Academy in Rome, in the years between 1873 to 1888. The work of Villafranca reviews the key points of the travelogue through Italy of Leopoldo Torres Balbás of 1926. Torres Balbás was the architect-conservator of the Alhambra of Granada and applied for a study grant to analyse the methods of conservation of the monuments of Italy. The work

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researches the documents that accredited the encounters and visits that the architect carried out.

PROCESSI 146

Works also exist, such as that developed by the Peruvian artist Andrea Canepa through sculpture and a documentary video, that give evidence of the Italian colonial period in Africa, analysing formal elements of rationalist architecture. This work analyses just how architecture can contribute to the construction of a national discourse. The sculpture materialises in a sort of abstraction of the superimposed volumes of those architectures and of the various arris’ and geometries that define it.

JOSÉ RAMÓN AMONDARAIN

Likewise, through the design and construction of an installation, in this case contemplated for the Place of San Pietro in Montorio by the architect Igor Bragado, a new reality is skilfully set out for us: that of our own digital archive that we generate on the social network on a daily basis, and that of the consequent digital mourning that this archive generates for eternity. The installation is a habitable space where there is dialogue between the cult of the body and the upcoming funeral rites (concerning the iconography and the ephemeral condition of those of the past), and the reasoning behind these actions. It’s position in the square, beyond being a disruptive element, tenses the public space of the lookout of the Gianicolo contained between the elevation of the church of San Pietro in Montorio and the imposing aerial view of the city. I wanted, deliberately, to leave for the end of this relation of artists and researchers, the work of the activist of European social movements, Pantxo Ramas, whose historiographic research Palimpsesto Basagliano focuses on freedom as one of the fine arts. The work reopens the public debate created in 1969 on the situation of the psychiatric institutions in Italy, and how the artistic language changed the practices of mental healthcare attention. A moving work that reveals the importance of artistic manifestation in a politicized society. ROMA AKADEMIA is only a speck of what this institution, the Spanish Royal Academy in Rome, has generated and created over its almost 150 years of existence in the Eternal City, making it a first-rate centre of production on an international level, where the grant holders have displayed their capacities in an individual and collective manner and generated the immense body of knowledge that engulfs the now thick walls of this conventual complex of San Pietro in Montorio. I invite you to enjoy a piece of history and knowledge, to revisit the city of Rome, through the diverse perspectives of these 45 artists and researchers who have formed part of the AKADEMIA.

San Sebastián, 1964. Degree in Fine Arts from the Universidad del País Vasco (University of the Basque Country). He works in Arteleku, San Sebastián. He is currently undergoing a residency in Künstlerhaus Bethanien, Berlin. He has had individual and group exhibitions since 1988. Among his latest solo exhibitions, we could highlight: Espazioaren Irribarrea (The Abundant Laughter of the Space), Gabriel Rolt Gallery, Amsterdam; Amar gana (To love wins), Patio Herreriano Museum, Valladolid; Tiempo y Urgencia (Time and Urgency), Artium, Basque Museum-Center of Contemporary Art, Vitoria-Gasteiz. And from his group exhibitions: On painting, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria; El Ángel exterminador (Angel of destruction), A Room for a Spanish Contemporary Art, Centre for Fine Arts, Brussels; Camuflajes (Camouflage), La Casa Encendida, Madrid; Incógnitas. Cartografías del arte contemporáneo en Euskadi (Unknowns. Mapping contemporary Basque Art), Guggenheim Museum Bilbao. Pentimenti (what is possible) Paul Virilio begins –the vision machine- by reminding us of what Marmontel said: The arts require witnesses. Since the time when reasoning was insisted upon, modern pictorial research through X-rays and reflectography have introduced modern methods of visual inspection. The pentimenti, or regrets, reveal the changes that an author might have made on different layers, hiding below the surface of the work. X-rays going through a body show us its secrets, those that are beyond understanding, and paradoxically offer, as evidence, some burnt images with limited accuracy, seemingly close to a bad photocopy. As if the work was resisting and insisting that there was nothing visible and that it wasn’t hiding what was invisible. The anagrammatic operations also affect these processes and however unsuspected it may be, the results are somewhat belonging, a kind of roller coaster between the surface and the furthest depth. My work in Rome is to reveal the temporary interior murmurs that simulate uncovering what the surface is hiding, using paint as material to represent, as well as to present without any type of support. Process and experience

Jesús Donaire curator

The experience of art is like a complex system of processes, separated from the notion of the project, furthering itself from that strategic timing required

to reach a specific goal. In that sense, my work comes from a necessity of a process and a wish in the process. Interestingly, throughout my time in Rome, different things kept cropping up, of which the work hardly bears witness and have little to do with the original project but configures that magma of archaic moments in which the wish to create something will take shape at some point. Without a specific purpose, I took pictures of paintings, sculptures, objects, hidden places, or small details, as an invitation for what I didn’t yet know that I knew, to appear, turning the pictures into a radar. The images were mixed, shaken, reproduced, copied or were intriguing. Working from a quote as a base, we show who we measure ourselves up against, who we count on, and how we think. Every reference uncovers a responsibility and a commitment to that base that resituates it somewhere within the past, future and present. _______ TAXIO ARDANAZ Pamplona, 1978. Degree in Fine Arts from the University of the Basque Country, he has broadened his studies with training in seminars given by artists and curators such as Itziar Okariz, Esther Ferrer, Julie Mehretu, Miroslaw Balka or Peio Aguirre. Over the past few years he has participated in artistic residencies in Italy, Iraqi Kurdistan, Cuba, Austria, Mexico and China. He has had individual exhibitions in Madrid: Tabacalera Art Promotion (2017), Raquel Ponce Gallery (2013), RMS El space (2011); Bilbao: Carreras Múgica Gallery (2017), Gio Bat (2015), Sala Rekalde (2014); La Habana: Artista x Artista (2016); Mexico City: Ateneo Español de México (2012), AN Studio (2011), and Pamplona: Polvorín de la Ciudadela (2008). Among his latest group exhibitions worth highlighting is his participation in “Complexo Colosso” (Colossus Complex), in the CIAJG of Guimarães, Portugal. He has received varied scholarships and awards for artistic creation, such as First Place in the 15th Contest for Young Artists in Pamplona (1999) and Second Place in the 24th Certamen Encuentros of Navarra (2007); he was selected in the Art Bienale in Amposta, Tarragona, Spain (2020) and the Premio Itzal Aktiboa (2018), among others. Roma interrotta In the year 1978, 12 of the most renowned international architects were invited to rethink Rome, based on the map drawn by Giambattista Nolli in 1748. It was becoming urgent to re-imagine a city that had been paralyzed for two centuries, victim of its eternal past. Aldo Rossi answered that call with a project that developed his distinct concept of the “analogic city”, a procedural methodology characterized by seeing the

architecture and the city through history. My proposal sets out an experiential rapprochement to modern day Italy using Rossi’s strategies of analogical thought, to develop a pictorial work based on the multiform image of a country constructed on the addition of dissonant and conflictive fragments of its past. Through this thought, according to Jung “it’s not discourse, but an introspection of the materials from the past, an act turned inward”, I will address a specific case of urban stratification with a political and historic nature: the graphic and monumental remains of the twenty fascist years that live with the rest of post war material, memorials of the resistance and places of remembrance. E.F. Carne en marcha. (Meat on the go) The future is here -they said-, and in it we remain. Power after power, prospective after prospective. Because IT IS IMPORTANT TO OVERCOME, BUT MORE IMPORTANT TO FIGHT. (I wished that all lived there, on the outskirts of Forli, in the “Villa dei Ricordi”). In a small village in the north of Burgos, on the rocks, one may still read: Europe will be fascist, or fascitized. Sì, Sì, Sì, Sì, Sì, Sì, Sì Indestructible Poetry. Massive corps thirsty for glory. But there are other ways to live life: with memory, with horizon, with height. A flat battle, and a machine to see the arrows along the way. We will get old, we will die, and some will have to remember us as we remember those who came before us. No to paint, no to the recognizable. ME NE FREGO The thickness does not depend on the quantity of material, but the meaning. Conflicting truths accumulate on paper, something like euphoria. That is how everything began, PER NON DIMENTICARE, to form part of an immense elegy. “Un popolo di poeti di artisti di eroi di santi di pensatori di scienziati di navigatori di trasmigratori”. That is also written on stone. CHI SI FERMA É PERDUTO. No to the epic of the body, no to technique. It wasn’t true, paint hadn’t died, nor had the ideologies, not any of them. Luckily, in art, there is room for all of the living, because history is always measured up in deaths. From so many, they appeared in the landscape, in the paintings. Fresh flowers, and a crown of fire at the Monte Sole. LOTTA DIFFUSA

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ITZIAR BARRIO Bilbao, 1976. She lives and works in New York. Her work has been presented in international spaces such as MACRO (Rome), PARTICIPANT INC (NYC), MACBA (Barcelona), Museum of Contemporary Art of Belgrade, Museo del Banco de la República (Bogota), Abrons Arts Center (NYC), Anthology Films Archives (NYC), Salzburger Kunstverein (Austria), tranzit (Romania), MATADERO Madrid, ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), and in the Biennial of la Habana, among others. She is currently a member of NEW INC (2020-2021), the incubator of the NEW MUSEUM in New York. She has received awards and scholarships from the NYC Department of Cultural Affairs, Foundation for Contemporary Arts, New York Foundation for the Arts, Brooklyn Art Council, Ministry of Culture of Spain, First Place for the Ertibil and the BBVA Foundation Awards. She is an associate professor at the School of Visual Arts in New York and has given conferences in NYU, Hunter College, MICA, Montclair University and The New School. Her recent monographic exhibition BY ALL MEANS was curated by Johanna Burton (Director of the Werner Center for the Arts and is an ex-curator of the NEW MUSEUM) in Azkuna Zentroa. The Perils of Obedience in Rome The project is a transdisciplinary approach to the seduction of power and to making a movie in real time. As they are being filmed, four performers are being directed towards the creation of a scene. The project has blurred the fine lines between fiction and non-fiction by placing the characters in carefully selected and iconic scenes, historic events of the past, fragments of manifestos and in interpreting narratives extracted from their own lives. I used local references in each stage, related with the culture in context. In New York (2013 – 2016) we revived texts related to the city’s revolution from 1863 known as The New York City Draft Riots, A Cyborg Manifesto (1983) by Donna Haraway, and scenes of the movies A Streetcar Named Desire (1951) and Basic instinct (1992). In Bogota (2015 – 2017) we rewrote scenes from La Estrategia del Caracol (The Strategy of the Snail) (1993). THE PERILS OF OBEDIENCE is a long-term multi-media project that challenges the established assumptions of social norms, to open a broader debate on working conditions and subjectivity.

ma throughout the country. By the hand of Juan del Val and Alessandro Andreini I was allowed access to the archives of the producer Alfredo Bini and to the book of snapshots from the film Accattone (1961) of Pier Paolo Pasolini. Accattone generates an interesting debate to do with labour: the main character is a dissident, unable to take on a regulated work position, which brings him to do illegal activity in order to subsist. Furthermore, PPP is a myth of his own, his sensitivity and political involvement -specifically Marxist- and his homosexual identity were also key in my decision to focus on him and his work, after carrying out an extensive study on Italian cinema. On various trips to Bologna, where PPP was born and studied, I interviewed Roberto Chiese (the director of the archives of PPP in the film archives) and I filmed various key spaces in the life of PPP and in the city. Between these, and thanks to Federica Falancia I could film in the Liceo Galvani. Accattone was filmed in Rome, with locations in Trastevere, Testaccio y Pigneto. I walked through them to later capture the same characteristics in the shots, just as the original film, but this time empty, the same as in the spaces of Bologna. Letizia Cortini, Claudio Olivieri and Alessandro Stoppoloni guided me through the Archivio Audiovisivo del movimento operaio e democrático in search of Italian labour riots, mainly undertaken by women in the past century. And the conversations with different experts such as Sophy Downes, PhD in classic archaeology and professor at the University John Cabot in Rome and José Ángel Zamora a tenured professor at the Spanish School of History and Archaeology in Rome (CSIC, Higher Council for Scientific Research by its Spanish acronym) were very important in acquiring an in-depth knowledge of Roman mythology, as fiction, historical and as a power structure. The new scene of The Perils of Obedience was written by Federica Tuzi and Cristina Vuolo, with cinematography and edition by Pietro Daviddi. The interpreters are Ondina Quadri (Arianna, 2014), Lola Kola (Amori e Metamorfosi, 2014) and Lilith Primavera (Linfa, 2018) with four characters: Stella, Minerva, Venus, and an acting coach. This team of professionals, in turn, belongs to an alternative, activist, feminist and queer culture in Rome.

As I found myself in Rome, a city anchored in its past, My interest in the mechanisms of power and cine- I was reading texts to do with New Materialism and matography collide perfectly with the origins and Post-Humanism, while thinking about robotics and objectives of the studios Cinecittà (1931), where I about the control of the bodies in a broader way, fuquickly paid a visit within my first days in Rome. They ture and contemporary. This temporal disparity made were created by Mussolini, who was very aware of the me realise many things. scope of propaganda of the cinema, and of its qualities as a power structure and generator of thought. We tend to impregnate life with history and temporary Shortly thereafter, and geographically close, what is progress, but we have mostly stopped thinking of it in now the oldest film school of Western Europe was its geological context. “Geo” is an investment in the founded, the Centro Sperimentale di Cinematografia “ego”! (…) To see life as something that comes from (1935). Its objective was to promote the art of cine- earth and its forces -gravitational, magnetic, electric,

etcetera, is possibly the most powerful and direct manner to destabilize our concepts of identity and agency. An interview with Elizabeth Grosz in SAGE Journals: Theory, Culture & Society (2017) Special Issue `Geosocial Formations and the Anthropocene’ 34 (2-3): pp 129-146. History always acts in the present and is functional for the present. At the beginning of the empire, in the Augustan period (27 BC – 14 AD), the prince developed an entire ideological program (which was essentially based on iconography, on what was to be represented, and how: it was the best language for the propaganda of the times) especially including the “invention” of all the familiar mythology connecting him with the very roots of Romanity throughout its entire history. The ancient cultures were endowed with this type of collective identity throughout history (history that could therefore, as a cultural creation, also be rethought according to self-serving interests); but the same is valid for modern societies: the strong identity value of history, its condition of malleable creation. Extract from a conversation that I had on February 6th, 2019, with the PhD José Ángel Zamora, tenured scientist of the Spanish School of History and Archaeology in Rome (CSIC). ________ IGOR BRAGADO Gernika (Vizcaya), 1985. Igor Bragado is an architect, professor of architecture, writer, and co-director of the design office Common Accounts. His work is focused on the urban impact of the beauty industry, the cult of the body, death, and vlogging. Common Accounts was a finalist to direct the Canadian pavilion in the Venice Architecture Biennial 2020, and has works undergoing construction in Shanghai, Seoul and Toronto. Bragado has been a professor at the College of Architecture at Cornell University, as well as at Cooper Union in New York. He has given conferences at universities such as Columbia, Harvard, and Princeton. His works have been exhibited at the Architect Biennials of Istanbul, Seoul and Spain, and in museums and art galleries in Los Angeles and Toronto. More recently, the National Museum of Contemporary Art of Seoul has acquired his work for a permanent collection. Bragado has contributed periodically to the section of Babelia, in the newspaper El País, and was awarded the Premio de Escritura (writing award) 2017 by the Design History Society in London, as well as the Suzanne Kolarik Underwood Prize at Princeton University.

the social sphere of the funeral rite, multiplying the spaces through which death navigates. On the other hand, the problematic of the property of personal information on digital media and the volume with which we build a personal virtual archive on a daily basis, has superimposed an unprecedented ceremonial responsibility on the image of the body. Recent cases of online funeral memorials through the practice of fitness, have brought to surface a relationship (between the cult of the body and projects of eternalisation) already with a long history, it attests to a long casuistry that goes from the practice of athletics at Estruscan funerals to the development of the modern fitness culture as a direct response to the existential crisis of nuclear threat in the United States. In this context, the first significant encounter of Facebook with death (spurred by a fitness coach claiming access to the digital content of his dead son) shows the displacement of spaces of mourning into areas such as the section left for comments on social media, the gym, and muscle itself. The Project for the Spanish Royal Academy in Rome proposes a rearticulation of the current commemorative constructions so that they may serve their purpose on an urban sphere as well as on the social media. The pavilion gives first stage to the ritual capacity of the images of bodies and to its construction, as part of an eternalization project and explores the format in which emerging funeral services understand muscle as an archive. More importantly, the notion of a death should be reconsidered, owing to its fragmentation and accessibility on multiple scales and media channels, it builds city. Process and experience

El luto de tu archivo. Músculo y eternidad (The mourning of your file. Muscle and eternity) The cemetery and mausoleum are no longer spaces exclusively for mourning. The arrival of the social networks not much more than a decade ago has altered

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Process The beginning of the project came about upon finding an image published in a magazine, of a house with rationalist architecture in the middle of a desert. The picture intrigued me, and when searching out its origins, different layers of a complex story began to reveal themselves. Such dissimilar elements such as vernacular architecture from the north of Africa, the Berber culture, the legacy of the Roman Empire, the fascist cinematographic machinery, La Mostra Triennale delle Terre Italiane d’Oltremare of 1940, the participation of Fiat in the colonial expansion, or the promotion of the tourist industry in the colonies. I try to string some of these elements together in the different pieces that form part of the project: the formal ones in the case of the sculptures, the narrative ones in the case of the video. ________ ANDREA CANEPA Lima, 1980. She began her career in Fine Arts at the Catholic Pontifical University of Peru, and finished at the Polytechnic University of Valencia, where she also graduated with a Master’s degree in Multimedia and Visual Arts. In 2014 she was awarded the Premio ARCO Comunidad de Madrid for Young Artists and in 2013 the Premio Generaciones and the Endesa Scholarship for Plastic Arts. She has been an artist in residence in Gasworks - London, MATADERO - Madrid, Cité des Arts - París, Tokyo Wonder Site - Tokio, Beta Local - Puerto Rico, Bauhaus - Germany and Jan Van Eyck Academie - Holland. Her works form part of collections such as CA2M: Centro 2 de Mayo, IVAM, Montemadrid Foundation, Provincial Museum of Teruel, Endesa Foundation, DKV Arte y Salud e Inelcom in Spain; Bauhaus Dessau Foundation in Germany and MASM, Museum of Art at the Universidad Mayor de San Marcos in Peru. Oro alla Patria The Project that I present explores the use of rationalist architecture on behalf of the fascist Italian government in the construction of a favourable imaginary in their colonialist plans for Africa. It analyses the discussions that defined the architectural style applied to the colonies, and how that gave shape to the narrative that had an impact on the civil population and its attitude towards colonial expansion. The project connects the campaign of the collection of metal, organized by the fascist government in 1935, with its plans to convert the desert of Libya into an agricultural area. It seeks to understand, through the Italian case, the role that architecture can have in the construction of national discourse. This exploration is formalized through an installation and a video.

Experience Rome welcomed me on March 30th with a sunny afternoon. After having spent an entire year in the cold temperatures of Holland, returning to my mother tongue and the warmth of the Mediterranean made my adaptation very easy, in spite of being the last to arrive. I arrived late and was well aware that three months of scholarship were not going to take me very far. I entered the Academy with the firm determination to work with a clear objective, based on references that I had brought with me, and to avoid diversions and distractions. But if you have curiosity, Rome gets into you and doesn’t let you leave. How to trace a line between anecdote and what is important if everything seemed important? How to discern between noise and signs, if you are surrounded by signs left, over a period of 30 centuries? Entruscan burials reroute my thoughts towards unforeseen places, while the opus reticulatum returns me to my original path. The grotesque frescos of the Domus Aurea sparked my imagination; the rationalist architecture of the EUR zone grounded me. Over two thousand years ago Tibulo baptised Rome as Urbs Aeterna. I would need almost an eternity to discover and simulate all that Rome promises. ________ NICOLÁS COMBARRO La Coruña, 1979. He employs different artistic forms such as photography, installation, or film, he is also a teacher and an independent curator of exhibitions. As an artist he has done individual exhibitions in museums such as Maison Européenne de la Photographie (París), the CGAC (Santiago de Compostela), MARCO (Vigo), Palexco (La Coruña), Institut Français

(Madrid), OCEMX (Mexico DF) and in galleries such as la Solo Galerie (Paris), Galería Moriarty (Madrid), Kwanhoon Gallery (Seoul), Galería Taché (Barcelona) or the PABLO Gallery (Manila). He has done site specific pieces in the I Manila Biennial (Philippines), Tabacalera (Madrid), Kreativquartier (Munich), 42 Salón Nacional de Artistas (Cartagena de Indias) and has participated in the Spanish Pavilion of the 15th Venice Architecture Biennial, among others. He has received scholarships and awards such as the artistic residency in the Spanish Royal Academy in Rome, 20th scholarship Fotopress of “La Caixa”, Laureat de la Cité Internationale des Arts de París, the Premio Saab, an award for the best exhibition of the Festival Off of PHotoESPAÑA, or the award Premio de Fotografía INJUVE. Among other books he has published Interventions (RM), Arquitectura y resistencia (Architecture and resistance, Editorial Cabeza de Chorlito) and Arquitectura Espontánea (Spontaneous Architecture, Fundación La Caixa). Sotterranei. Intervenciones lumínicas Rome and Naples have many subterranean levels of architecture of great wealth. What we do not see, and what remains hidden, always awaken a great fascination and potential to be revealed, to “come to light”. The project seeks to reveal these spaces through light interventions using architectural abstractions. These are light compositions that, directly projected on these subterranean forms, allow us to generate dialogue between artistic action and the architectural and historical burden. We are able to construct a temporary bridge between the present and the past by activating constructions from different eras through this intervention. This is generally functional architecture that is not monumental, such as tanks, aqueducts, or quarries, normally out of sight from the visitors. An important part of the work consists of locating and investigating the architecture of these two cities, in order to understand the relationship between the surface and the subsoil and the different strata that exist between both. The photographic documentation of these places, quite unknown to the regular visitor of the city (even to the inhabitants), is compiled in an archive that is used as a premise to generate different lines of work through collage or drawing. Process The project draws from a preliminary investigation on subterranean spaces of the cities of Rome and Naples, which helped me discover the incredible amount and diversity of structures that remain hidden below the surface of these two cities. In the case of Rome, there is a great historic stratification that underlies a contemporary city, an inverted city that has adapted to the times. Impressive architecture that had already had many subterranean spaces, but the raised level

of the city had hidden for centuries, until it was rediscovered in the Renaissance, becoming a source of inspiration for many artists such as Rafael or Michelangelo. In the case of Naples, built on an imposing mountain in the shade of Vesuvius, the city has plenteous tunnels that, on one hand provided prime material for the construction of the city, of which many were functional structures: aqueducts and cisterns from the Roman period, or underground passages such as the Bourbon Gallery (19th century). Some of these impressive spaces were used as bomb shelters during World War II, adding an emotional component to the memory of these places. The intervention work consisted in locating, documenting, and understanding these spaces upon which light was projected with geometric forms that, when hitting the walls excavated in the rock, would generate organic forms and reveal part of the architecture, creating a new present, a new look. These interventions were captured through photographs to later be presented in the exhibition space in large format, allowing for a virtual experience of the intervention. In parallel, the drift work and rediscovery of the surface architecture of Rome and Naples has revealed a very particular architectural overlap that was tackled through a photographic archive, that was later intervened with techniques of cropping and collage, generating a fictional documentary based on a reinterpreted reality. Experience Staying at the Spanish Royal Academy in Rome is a privileged experience for many reasons. Being able to work at a rhythm adequate for an in-depth development of a project is almost a necessity in the context of contemporary art. On the other hand, the dynamics of the Academy in itself, the exchange with the invited professionals, the excellent and implicated work of the team of the institution and management, and of course, living with different artists in residence from various disciplines, make this residency a unique experience. Likewise, the opportunity to live in the city of Rome, with its imposing history, architecture, and art, it is almost and obligation for any artist, a kind of contemporary “Grand Tour” in which to find oneself and live intensely with our historical and cultural references. ________ ISOLINA DÍAZ-RAMOS Las Palmas de Gran Canaria, 1973. PhD in Architecture from the University of Las Palmas de Gran Canaria – ULPGC – (2016) and a graduate in Fine Arts, a spe-

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cialist Heritage Conservation and Restoration from the Polytechnic University of Valencia – UPV – (1998). Her research is currently focused on the documentation and conservation of the colour in vernacular building heritage. She has been the recipient of various awards, such as the recent stay at the Bogliasco Foundation, Genoa, and a Leonardo da Vinci grant at the Archaeological Institute of Crete, Greece (UPV). She has also received research grants at the National University of the Northeast, Argentina (AECID), at the Moulay Ismaïl universities in Mequinez, Morocco and at the Faculty of Fine Arts of Alexandria, Egypt (ULPGC), as well as the recent Marie Curie IF in the University of Padua, Italy. She has participated in restoration works of movable property -mural painting- in the Basilica of Our Lady of Mercy in Buenos Aires and in the El Fogón de los Arrieros Foundation, Argentine Chaco, as well as in the conservation of vernacular building heritage, such as the Guaraní Jesuit Ruin of San Ignacio Miní, in Misiones, Argentina (World Heritage Site by UNESCO), the El Roque archaeological site in Gran Canaria, the Kufstein Fortress in Austria, and the Ora Castle, in Italy, among others. La ciudad invisible. Los pigmentos del paisaje urbano y su conservación (The invisible city. Urban landscape pigments and their conservation) La ciudad invisible. Los pigmentos del paisaje urbano y su conservación transports us to the city of Las Palmas de Gran Canaria towards the end of the 19th century and the beginning of the 20th when the wall that enclosed the neighbourhood of Triana was demolished and the city was extended towards the current harbour with the recent construction of the docks of La Luz and of Las Palmas. What would it have been like to walk through those neighbourhoods under construction? What were the colours of the new architecture? The invisible city brings the original pigments with which the facades located around Perojo Street were coloured, to light. To this effect, documentation on colour studies in historic centres was carried out in the International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM). Scientists from Italy and Spain carried out the laboratory analysis. As a result, a pigment chart and original material shall be exhibited which will make the city currently hidden under layers of colour, visible. It will also contribute to adding value to the original pigmentation of buildings as a historic element to be taken into consideration in future conservation plans.

library of the International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM). At the same time, nine buildings that conform this research were analysed in the Academy, creating three models with different index cards in which general information is given about each building, the location of the extracted samples and the description of each one of them. 32% of the 93 mortar samples taken were selected, analysed, and studied, using a wide variety of instruments to do so: 2D scanner, a Munsell colour chart, stereoscopic microscopy, optical microscopy, scanning electron microscopy and energy dispersive X-ray microanalysis (SEM-EDX). Obtaining a bank of traditional colours translated into a significant tool in order to show, on one hand, the original pigments of the city, and therefore its primary identity, and on the other, an approximation towards the constitutive materials and pigments of the building, to take into consideration in future interventions of restoration and urban landscape recovery. Experience The time spent at the Academy allowed me to continue my line of research that I have developed over the past years related to the conservation and valuation of the vernacular building heritage, directing the focus towards the study of the original colour of the historic buildings. In this sense, Rome is the ideal framework, as the city itself and its institutions gather a taste associated to the practice of traditional colouring and conservation. In parallel, having a cosy environment, creative, multidisciplinary, and collaborative has been incredibly inspiring towards the development of the project, generating synergies and authentic relations with the colleagues from the Spanish Academy as well as other Academies. I would like to highlight the support and implication directly or indirectly received by scientists, restorers and personnel from the Roman and Spanish institutions, such as Maura Borelli, Sara Ronca, María Mata Caravaca, Daniela Sauer, Davide Melica, Livio Ferrazza, Gianfranco Priori and, very specially, Ernesto Borrelli for following up throughout the entire project. ________ LARA DOPAZO

Process A first approach to the extensive Italian experience in colour studies of historic buildings was done in the

Marín (Pontevedra), 1985. Writer, graduate in Journalism with a master’s degree in International Cooperation as well as in Practical Philosophy, and a

participant in the experimental Programa de Estudios en Mancomún (peer-to-peer Study Program), from which the work A través das marxes. Entrelazando feminismos, ruralidades e común was derived, and she is the co-editor and co-writer. She has published, among others, the poetic works Os lobos na casa de Esaú (Chan da pólvora, 2017) and claus e o alacrán (Espiral Maior, 2018) and the narrative work O axolote (Galaxia, 2020). La ciudad y el sueño (The city and the dream) The sublime and the monstruous, the monumental and the lesser, the epic and the subaltern, love and power, life and death in an eternal city. These are some of the dualisms, inseparable with limits that are sometimes blurry, and that are used as a starting point to shape a portrait of Rome from the here and the now.

I could have imagined; I have tried to map everything, as if everything were susceptible to be written or described. I arrived at Rome to speak of life and I soon found myself speaking of death and what death leaves in its wake, of light. I had to tear the project that I had arrived at the Academy with up into a thousand pieces, as it was no longer valid. With those pieces I wrote a new one, perhaps not so different, but more coherent with my here and my now, more real; a book that speaks of the present and the absent, of love and of terror, of power and of identity, of the movement of this city anchored to a river, with its seven hills of open doors, where the wind never stops blowing. I let the city and its light sink into me. What remains of me afterwards remains unpredictable. ________ SILVIA FERNÁNDEZ

A walk through the city built on a certain awareness of the very fragility of the tale and the weight of the stories that it is made up of. That fragility penetrates the inhabitants or transients. These are the pillars of the literary project La ciudad y el sueño (The city and the dream), a poetic essay in which history, mythology, art, architecture and literature cross paths, strung together in the look of the passing observer. Process and experience On my desk and walls, I have dozens of photographs, post cards, annotations of places to visit and to photograph, notes that thrust me from one place to another of the city, that remind me not to lose sight of images and symbols: the gold, the heroic structures, the train stations of the neighbourhoods on the outskirts. In my studio I list the maps, sketches, dynastic lines, outlines of concepts. It is impossible for me to understand the city, bringing me to explore the ancient past. I look in the light, in the invisible traces drawn by the aqueducts, in the caws of the crows. In these months I have tried to look for myself in the city and all of this is what I’ve found: light, lines to the past, caws, life and death walking hand in hand on every corner of every street, in every park. I wanted to take flowers to some deaths that I now consider mine, but I haven’t even found all of them. I then lost myself in frescos, in alabasters, in exedras, trying to guess how many hands have touched them throughout the centuries, before me. From my stay in this magical place of Gianicolo I have learnt this: to perceive the city with other eyes, other hands, other ears, to stop in places and realities that for me had not existed. I have let myself get infected by the persons surrounding me, all of them so different in their origins, disciplines, age and their ways of inhabiting the world. I have learnt more than

Madrid, 1990. National Design Award in the category of “young designers”. She has a degree in Fine Arts from the Complutense University of Madrid. Her professional career was developed in agencies and strategic design consultant agencies such as Ogilvy&Mather or Designit, a company where she spent over 6 years of her professional career. She spent 2 years in New York, which allowed her to understand design from a more strategic perspective. While abroad she maintained contact with Madrid and collaborated with the City Council in the famous San Isidro 2018 campaign, with the font that she designed and was inspired by Madrid: the Ferpal Sans. She was later awarded the grant from the Spanish Royal Academy in the design category to develop the project “Libros Ilegibles” (Illegible Books) by Bruno Munari. Silvia is currently a freelance designer and combines her work as a designer for name brands such as Harvard or Unu Motors with that of her work as an artist, with exhibitions such as those in the Museum of Decorative Art or the Araña Gallery. She also combines her work with teaching in the European Institute of Design in Madrid, and in Domestika with a course of creativity. MN6 MN6 leans on “Illegible Books” (1949) of Bruno Munari. Illegible because there is no text, nothing to read. These artefacts that lack a user’s manual or an explicit way to be used, are apparently useless. However, they have a clear objective: interaction itself, exploration, and manual discovery. The objective of the project is to recuperate the physical exploration with an object, break with user manuals and the obviousness in the way of using and understanding things, getting the user actively involved in the relationship with the objects.

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The result is a collection of objects of deactivated stationery in which the user is the one who sets the rules. Deactivated, as instead of being limited by their own design, they have an open use. The collection includes rulers with altered measurements, measuring angles at 89º, notebooks to twist, etcetera. Process The process carried out throughout the development of the project was based on the design process, also used by Munari in his creations. It is divided in three large blocks, although this did not prevent continuously alternating theory and practice. 1. Investigation: theoretical phase to research design at the beginnings of the Italian century and its alternative didactics. It also includes a trip to Milan to see the editorials that worked with him first-hand. The first prototypes were made in this phase. 2. Concept: moment to diverge and create prototypes trying out different approaches for the project. Design standards are created that guide further decisions in the project. 3. Design: once the avenue of development is decided upon, the production begins for the final artefacts, each piece individually designed and the sense of collection. Experience The most difficult part of the process was me. I was my best client and my worst enemy. I am still not used to working without a team, without a client, without deadlines. All of that was me, getting to know myself as the project went forward. Some days proud of what I had achieved, and others frustrated with my demands, but always learning. I have learnt to erase the labels of what I do. If it is design, if it is art. The important thing is the what and the how. I have also learnt the importance of traditional shops that barely remain in other occidental capitals. In particular, the business of Roberto: a stand for old stationery in the market of Porta Portese. I am not sure, but perhaps thanks to these lessons, various opportunities presented themselves over these months: an individual exhibition in the Stefania Miscetti Gallery of Trastevere and another in Milan, in the editorial Corraini, where they will also publish a small book of mine in the next few months. In any case, it’s difficult to summarise 9 months in a few paragraphs, hence my diary that I had been keeping as the weeks went by. It is open for all those who wish to read it at my web: www.silviaferpal.com

MARÍA ÁNGELES FERRER Palma de Mallorca, 1973. PhD in Musicology (2005) and award winner “Acción Magistral” (Master Action) of FAD-UNESCO-BBVA (2010). Graduate of Musicology (1996) and of Art History (1996) at the University of Salamanca. She took doctoral courses at the University of London (1996-1998). She is a piano teacher, vocal coach, teacher in higher education of music theory and composition by the conservatories of Baleares, Salamanca, and Seville respectively. She is a civil servant since 1998 in the Music Teachers Corps of Secondary Education, Professor of Music in Secondary Education (2021) and has been a didactic music teacher in different universities. She is the author of Educar para ser felices (Educate to be happy, Amazon, 2021), Música y Educación PlásticaComunicación Audiovisual (Music and Audio Visual Plastic and Visual Education, Expression 12 books, Aeon Editorial, 2020), Guías de Plástica para Educación Secundaria (Guides of the Plastics for Secondary Education, 4 books, Editorial Aralia XXI, 2018), Guía de Historia del Arte para Bachillerato (Guide of Art History for the baccalaureate, Editorial Aralia XXI, 2016), Dando la nota (Setting the tone, 35 books, 18 CDs, educational best-seller in Spain, Pearson, 2010), Tosca de Giacomo Puccini (Ediciones Universidad de Salamanca, 2007), Música Proyecto Exedra (Exedra Music Project, 9 books, Oxford University Press, 2004) and over a hundred articles in specialized journals, national and international congresses and concert program notes. She is a world class performer of the medieval work El Canto de la Sibila (Call of the Sybil, UNESCO World Intangible Heritage). ¿Existe la ópera española? (Does the Spanish opera exist?) El Premio Roma y las bases de la identidad musical española (The Rome Award and the basis of the identity of the Spanish musical) The creation of the Music Section in the San Fernando Royal Academy of Fine Arts in Madrid, in 1873, profiled and designed the regenerationism of Spanish musicals. Thus, the Premio Roma (Rome Award), an award that allowed Spanish compositors to reside a triennium at the Spanish Royal Academy in Rome. The Academy committed to the premiere of an opera with a Spanish libretto in the Royal Theatre of Madrid, and to provide funding for the creation of a symphonic work, as well as the transcription en edición crítica (returning the work to its original state) of a religious work of grand Spanish polyphonists of Renaissance and Baroque. This commitment of the Academy, backed by the State, with a palpable eagerness towards regeneration that sought to push the limits of the género chico (little genre) and the zarzuela, was set to begin an operatic and symphonic repertoire of its own, in accordance with the European nationalist atmosphere of the time. The objective of the project is to publish an unprecedented essay on the Spanish composers, residents at that time of the Spanish Royal Academy in Rome

(1873-1888: Valentín Zubiaurre, Ruperto Chapí, Tomás and fleeting, although El Canto de la Sibila took shape Bretón, Felipe Espino and Emilio Serrano), an ana- alongside Maestro Antonio Baciero in the Portrait lysed catalogue of their production during their resi- Hall and with Daniel Oyarzábal in the Church of San dent stay and their contribution to the founding of the Pietro in Montorio, while the young from the Liceo Spanish opera. Furthermore, an Anthology with se- Español Cervantes were surprised with the impact of lected arias from their operas will be published. “Don Quijote en la música”. Process “Teach, does the Spanish opera exist?” “Why do they only sing in Italian?”. These are the usual questions put forward by my Secondary and Baccalaureate level students. And yes, with the exception of a few scarce examples of Baroque and Classicism, the decisive propulsion that the opera lived at the end of the 19th century, on behalf of the State, is an unknown artistic phenomenon. These eager adolescents and an evident gap in the matter drove me to investigate, adding musicology, didactic and dissemination. Two years earlier, with a previously emptied bibliography, the analysis of the National Library’s funds, the Foundation Juan March and the digital archives of the media of the time, I found a series of works and unanimous success with the public and critics. The research was necessary. All paths led to Rome, to the stay of the composers in the Academy and the genesis of their operas. The fellowship opened the doors to the libraries of the RAER (Spanish Royal Academy in Rome by its Spanish acronym) and the Iglesia de Santiago (Church of James) and that of Santa María de Montserrat de los Españoles (Saint Mary of Montserrat of the Spanish) and after, those paths would take the archive to the National Museum of the Almagro Theatre. With the heritage in sight, the work was taking shape. My vital Roman soundtrack will always be linked to the post-romantic and nationalist sounds of some works that deserve to be rediscovered by the grand public and loved and hummed by music lovers. Experience The RAER is a motor of artistic progress where the essential parts of universal life are trapped, the timeless value of beauty, freedom, justice, solidarity, democracy, and kindness. For that we may only give thanks, for the obtained opportunity, for the dreamt goal that this grant represented. This journey of the artist, the researcher constitutes a necessary didactic element to reach personal mastery and intellectual maturity. It’s my fourth time staying in Rome. I was here as an adolescent tourist in 1994 (scholarship in the Università per Stranieri di Siena). I returned in 2001 to analyse Roman locations from the opera Tosca of Giacomo Puccini (doctoral thesis). In 2016 I returned to visit my brother, artist in residence in the RAER. And now I am here once again, as if it were cyclical, searched out and loved. In the RAER we welcomed in the year 2019, an unforgettable New Year’s Eve with my parents, husband, and children. Time here turns liquid

Thanks to each and every one of my fellow mates, for their knowing looks, for their analogue get-togethers and for their jokes and digital suggestions through Whatsapp. The RAER, the management team and those who temporarily reside there become part of a new family, senza fine. _________ PABLO FIDALGO Vigo, 1984, Pablo Fidalgo is a stage creator, writer, and curator of performing arts. He premiered the scenic performances O estado salvaxe. Espanha 1939 (2013), Habrás de ir a la guerra que empieza hoy (2015), chosen by the newspaper Público (Portugal) as the best theatre show of the year. These pieces form part of, together with the book piezas escénicas de un proyecto de investigación (scenic pieces of a research project) on historic memory through a personal and family biography. In 2017 he premiered Daniel Faria (National Theatre Dona María II Lisboa) and in 2018 his latest production, Anarquismos. Por el centro de la habitación corre un río más claro (Anarchisms. Through the middle of the room flows a lighter river). He has published books of poems La educación física (Physical education, Pre-Texts, 2010), chosen by El Cultural as one of the top 5 poetry books published in Spain in 2010, La retirada (The withdrawl, Injuve Award, 2012, Artesequienpueda ediciones, 2014), Tres poemas dramáticos (Three dramatic poems, Ediciones Liliputienses, 2015), Esto temía, esto deseaba (That’s what I feared, that’s what I hoped for, Pretexts, 2017) and Crónica de las aves de paso (Chronicles of transient birds, Rialp Ediciones, 2018, Accésit of the Adonais Award). His poems have been chosen for different anthologies and some of his books have been published in Argentina, Chile, Portugal, and France. He has written the texts for the scene Só há uma vida e nela quero ter tempo para construir-me e destruir-me (Ciclo Panos, Culturgest, Lisboa, 2015) and Allez mourir plus loin (HTH, Montpellier, 2016). His texts for the scene have been chosen in the volumes Autobiografía de mi generación (Autobiography of my generation, MARCO, Vigo, 2014) and Tres poemas dramáticos (Three dramatic poems, Ediciones Liliputienses, 2015). In 2019 he published Parangolé (Chan da pólvora), his first book in Galician and Anarquismos/Daniel Faria (Anarchisms, Papeles mínimos). He has curated performance arts cycles for MARCO (Vigo), and Alhóndiga Bilbao. Since 2015 he is the artistic director of the Festival Escenas do cambio (Scenic Festival of change) in Cidade da Cultura (Santiago de Compostela).

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Qualcosa nascerà da noi Before us a man, a presence out of his times, who begins speaking to us from somewhere that we can’t quite place. He speaks of writing a manifest at his 60 years of age, because “at this age one can indeed write a manifest, /now and not in the fullness of youth, /and he can try to detect in which exact moment his true life took place”. A body, with a bandaged head, with a plastic bag on his head, who speaks of a love that has lasted 30 years so far, and speaks of a never specified intimacy, never revealed. A man who tells us that she stayed on the other side of the world, and that for 30 years they only speak, write, and that within that absence they create a one-on-one more absolute than what takes place in the flesh. We ask ourselves, what politics exist in an impossible love, what resistance is there? What resistance exists in writing over so many years? Perhaps, as Levi-Strauss once said, we are slaves to text, but that slavery is the only thing we’ve got…

You are at Sgombro at the Palazzo Cinema. You are at the home of Jose and Lucía, pontificating about universal literature. You are sitting listening to Bifo and the people go by him to answer him and to ask him questions. You are in the Baths of Caracalla listening to De Gregori. You are sitting in Olímpico seeing a goal of Totti. You are sleeping in a flat that somebody has lent you in San Lorenzo. You are in Porta Portese buying a book for 5 euros with an original signature of Quasimodo. You are seated in a café of Feltrinelli de Largo Argentina seeing how the adolescents pass on the bathroom key so that they may make love. You are in a second-hand fascist library arguing about history but leaving with some of their best books. You are in the middle of a grand passegiata and you are in the Basilica of San Alessio, on the Aventino. You are seeing Carmelo Bene in the Rai of the 90s, you are bathing in the Fontanone, and it is unknown if you are coming or going from the city. It is too early to know. There already was a story with Rome, you mislead the city, and the city misleads you. The city can’t stand your contradictions, nor can you its. You both try to meet halfway. You do.

Process I arrived at Rome to work on Sandro Penna and Amelia Rosselli. I researched their lives, gradually understanding the city through their readings, the walks through the city centre and the outskirts. Slowly but surely, I was distancing myself from those two grand poets, perhaps too big or too far from my current interests. I became interested in the Rome of the 50s and 60s, the Rome of the political resistance, the Rome of Pasolini and of Nico de Alessandria. During my first weeks I got used to walking and working on the promenade of Ripa Grande. Other poets whose works I had read much were Mario Luzi and Cristina Campo. Reading the correspondence of Cristina Campo, I understood that she had lived a great, impossible love with Mario Luzi. And I read that her favourite spot in Rome was the Abbey of Sant’Anselmo. Just behind the parks and churches of Aventino that I could see from Ripa Grande, she attended mass at six in the morning 50 years ago, and there, in that same square, she would meet up with some of her friends such as Alessandro Spina. In this unknown and mysterious Roman landscape, and continuing with my normal way of working, based on conversations with Juan Loriente, Qualcosa nascerà da noi, presented itself as a piece in the darkness where a man goes over his life, and exhausts all other possibilities of being anything else, of living a different love, of showing himself to the world in any other way. Experience You are sitting on the Ripa Grande and you see the schedules of the no-longer existing boats to Marconi. You are sitting in the Centocelle station in front of the hostal Mirti. You are sitting in the non-Catholic Cemetery in front of the tomb of Gregory Corso. You are laying in the grass of the Doria Pamphili park. You are sitting in the Quarticciolo Theatre, or on the Via Appia. You are sitting as a gesture towards resistance.

Anna Talens was part of the entire process of rehearsals of Qualcosa nascerà da noi. From her presence and her vision of many things we were able to build the piece. I wrote a piece of the project Storywalking Garbatella for Fernando Sánchez-Cabezudo. Silvia Fernández Palomar will design and edit a publication, that will be ready in September, with the text of the piece Qualcosa nascerà da noi, as well as notes on this year. I thank Lara Dopazo for the correction of two of my books in the Galician language. Pedro G. Romera, a friend and someone who is infinitely inspiring, followed the creation closely. ________ PEDRO G. ROMERO Aracena (Huelva), 1964. He operates as an artist since 1985. He participates in unia arteypensamiento and in the PRPC (Platform of Cultural Political Reflection, for its Spanish acronym). He was a participant artist in Documenta14 Athens/Kassel. He worked on two large systems, the Archivo F.X. and the Máquina P.H. between 1999 and 2019. Sacco. El Saco de Roma, la crisis de representación y los flamencos. (The Spanish Sack of Rome, the representation crisis, and the flamencos) I believe that it is important to understand this project starting from one of the sentences that open its working memory, it is from the Roman born Rafael Sánchez Ferlosio and was published in 1994: “Rodrigo, the beauty of the ruins you sing to me about is not in the ever odious memory of an empire, but in the joy of seeing the revival, on the corpse of the beast itself, and blooming of the yellow hedge mustard.” We understand that, yes, it has to do with understanding how it grows, its orientation, learning the yellow from

the “yellow and humble hedge mustard”. If the project began with the historic burden from the Spanish Sack of Rome of 1527, when the troops of Charles the Fifth sacked the city for nine months, soon the project would entail the mythic meaning “Sack”, which is a meaning applied, in hindsight, to the assaults of the Gallic, Goths, Normans and Saracens when they attacked the city of Rome, and with insight, it is read as a connection to understand the different sackings of the French (especially that seizure destined to the founding of the Louvre at the beginning of the 9th century), also under the Nazi occupation and, why not, the international capital or of the Mafia Capitale on the brink this very 2019. The mustard hedge is explored, moreover, from a particular point of view. Gramsci opened, precisely, that look, that point of view of what we call subaltern. In 1527 we find it in the Andalusian La Lozana by Francisco Delicado, in the concomitance between the anonymous Lazarillo de Tormes and the Diálogo de las cosas ocurridas en Roma (Dialogue of what happened in Rome) by Alfonso de Valdés, also in the Hecatommithi of Giraldi Cinzio, in La zingana of Artemio or in the legal studies of Benedetto Fassanelli in Vite al bando or of Claudio Ferri in L’archivio dei notari di Luca, it’s that sometimes, police files are a source to know what the people say, what is going on below. We can understand that from there, from that perspective, we can see what flamenco is doing here (subaltern, lumpen, transients, gypsies, Rome) that it is a media (-a way- , also, in Spanish it has multiple meanings) – I like the polysemy in Spanish of the word media, between “nylon or stockings” for the leg and “media” as in a means of communication - ; un medio-sin-fin (an endless means), wow, we could even quote Giorgio Agamben; a way of making, let’s put it like that; a production camp. Process Let us think about what this project has in so far as structure in my concerns about representation, image, iconoclasm. Rome has many meanings for that. Already in 2009, the second newsletter of the Archivo F.X. dealt with that Roman way of work. As the flamencos tell me, more than being in Rome, it’s about being in Roman. Or Romanó (a gypsy language), a play on words which comes to mind. The differences in meaning between occidental art and the art of other parts of the world has to do, undoubtedly, with the importance of incarnation, not only do gods become men, women, animals, and plants, as in the Greco-Roman tradition, but the theological and liturgical importance of Christianity about how images work, is quite substantial. That is why, those failures of representation have an importance in Rome that go beyond a historic anecdote. The fallacious categories of the Academy (1), of art history of - “baroque” or “mannerism” are modern inventions, from the time of avant-garde, and not coincidently – they let us understand the anachronistic power of everything that can

be done in art, and that it, at least, operates at two different times at once. That is one of the qualities of our language, a basic means of making that story so dear to us, for example, in Walter Benjamin (2). Experience Matteo Binci (3) asked me about these days in Rome, if there was an epistemological cut or continuity in my work. His exact words were: I tuoi lavori, sull’iconoclastia nell’Archivio F.X. e con il flamenco nella Macchina P.H., sembrano unire gli interessi nelle pratiche che svolgi in queste tue opere romane. Pensi che ci sia un “evento” in queste pratiche, nel senso che Alan Badiou conferisce alla parola? Sembra anche che non ci sia più quella tua ossessione di distinguere tra i diversi modi di fare. Dopotutto, il Sacco di Roma, come qualsiasi altro saccheggio, non cessa di essere “evento”. Pensi che sia lì, in questa presentazione della rappresentazione tra l’apparizione e la scomparsa dell’immagine, in questa intersezione che stabilisci tra una lettura dall’alto - la conoscenza accademica (4) - e dal basso - la conoscenza subalterna (5) -, proprio lì, in questo gesto, che risiede il massimo potere di una rappresentazione, di un’immagine? (1) Undoubtedly, the texts of Aby Warburg on bestiality and divination, his analysis on the protestant pasquines (lampoons) (Durero) in which the Pope was represented as a monstruous beast and was who announced the famous sacking of 1527, enabled a definite entry to some animals in my long investigation on what a representation entailed. I had already been working for some years with animals, with animotes as Derrida said, trying to add up the cultural meaning and the emblematic meaning of the animals represented in his visual point of view, his way of being in the world, his ethology, and his ecology. Trying to give them a point of view, there is nothing. It’s impressive the number of questions and new matters that this operation brings us. In effect, everything is exclamation marks, questioning… (2) José Bergamín had already observed in the flamenco song something animal, our being in the most zoological world. Juan El Camas, ironically, spoke to us one day of chickens, donkeys, and dogs as the end goal of our declassing, what natural intelligence, that of Camas! There we are, celebrating with a pajata romana what we are, the culture and the barbarity of what we are constituted by. (3) Regarding Matteo’s question, there is an implicit response, a crucifixion. Isidoro Valcárcel Medina says it like this, almost like a greguería (a short sentence similar to an aphorism), “in every cross there is the possibility of a crucifixion”. But yes, the potential of the cross is just that. “Life (on the way) is full of crosses”, says the popular adage and, in effect, my life, as anyone’s, is full of crosses, with all the polysemy. There are few occasions to show it, but these

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nine months in Rome, perhaps are an opportunity for just that, to show this, the double meaning of the word teach. (4) In this sense, it is true that certain artistic practices, owing to their complexity, have the problem of coinciding with the world on the scale of 1:1 and that they may be barely recognizable, as in the fantasy tale of the cartographer Borges. In the times in which political art is a type of Costumbrismo, coming from a clean conscience and a good education and all, it would hardly be meaningful to show that the poiesis, la esthesis, or however we want to call our way of doing things, have a place on the outskirts of the polis, literally, outside of politics. This is relatively important when we know that anyway, the circular of these forms and ways of doing things is always political, in the bosom of the city, and there, everything is a conditioning of some sort, material, social, economic, and finally, political. Anyways, knowing that double condition is important, to know it and to somehow bring it into reality. I have always admired that double condition in flamenco, on one side, marginal art, eccentric and on the other, central, hegemonic in the understanding of identity, even a topical in the community in which I live in Spain, Andalusia. To be capable of that array, surely says something about my interest for those flamencas and flamencos. (5) That is why in Rome, the work with Ludovica Manzetti, with Matteo Binci or with Massimo Marzone was very important. Also, the invitations to Helsinki that Erik Beltrán with Gerald Rauning extended, to Oporto on behalf of André Sousa and Ana Laranja or to Bergen, in Norway, on behalf of Iris Drewssler and Hans Christ, helped me think Rome in a different way. Or with José Jiménez Bobote, with Stephan Volksinger, with Raúl Rodríguez Refree, with Teresa Lanceta, with Isaki Lacuesta, with Filiep Tack, all of them by now, somewhat Roman. ________ JORGE GALÁN El Salvador, 1973. Novelist and poet. Spanish Royal Academy Award in 2016, for the novel Noviembre. Casa de América Award for American Poetry, for Medianoche del mundo (Global Midnight). Jaime Sabines Ibero-American Published Work Award in Mexico, 2012, for El estanque colmado. Adonais Award, Madrid 2006, for Breve historia del Alba. His books have been published by prestigious editorials such as Tusquets, Visor, Pre-textos, Penguin Random House, Mondadori or Alfaguara Infantil. They have been translated into languages such as German, Italian, Dutch or Greek. El olvido y la sangre (Oblivion and blood). Migración mesoamericana en Italia: (Mesoamerican migration in Italy) un intento desesperado por escapar de

la violencia. (a desperate attempt to escape from violence) This project consists in the composition of a novel whose central theme is migration: its causes and consequences. The book, based on true facts, aims to show the terrible everyday life of the Central American country, one of the most violent of the world, as well as the desolate experience of the migrants who live far from their families, surviving, as best they can, a process to become integrated in a culture that is completely different from theirs. Who migrates from Mesoamerica does so, mainly, to escape violence, always with the hope of creating a bridge that their family may later cross, which doesn’t always happen. The novel seeks to tell this double drama, that of one who arrives, and of who stays, a kind of race against death. On the other hand, it will also tell the tale of an ever-increasing problem: delinquent activities in the Central American gangs in countries such as Spain and Italy, violence as a product of exportation. Process My research process began two years before my stay in the Academy, almost by chance, during a visit to Milan. In this city of the north, I found something quite unexpected: a Salvadorian community that had grown quite a bit over the past few years. As my visit corresponded to a book presentation of mine and the plot took place in my country, I had the opportunity to converse with the Salvadorian community. They gave me some revealing information: the violence of the gangs, from which they had run away, had followed them there. That felt so desolating. I then began to investigate on what was going on, and not only in Milan, but also in other European cities, such as Madrid, Barcelona, and Rome itself. There was an implicit plot throughout. The newspapers reported multiple gang murders, some of them just as horrible as what takes place in San Salvador on a daily basis. I soon realized that I wanted to write about what was happening, about these people who lived that strange type of persecution. I therefore became interested not only in the general story, but also in the personal stories of many of these migrants. It was important for me to tell why they had left their country, leaving it all behind; to show what that level of sacrifice meant. And report that, despite it all, their lives haven’t improved as much as they had thought they would. When I arrived at Rome, I decided to begin working on the first draft immediately. Each morning, I would write a bit of the story that I wanted to tell, about some boys immersed in the violence of San Salvador, eager to explain the dark reasons that obliged them to abandon everything and leave the country. Soon, work became an obsession. It was a kind of trance with no end. The theme of the book had me permanently looking for information: in each piece of news, each interview with a local protagonist, each story that would appear in a newspaper or social media

or through people who I was getting to know. And so passed the days, weeks, months, and the writing advanced well until it was complete, according to the initial plan: six parts, each one with twenty small chapters, in addition to an ending. Experience For me, the experience of Rome was more enrichening than I had expected. That was mostly owing to the artistic community residing in the Academy. Normally, mine is the work carried out in solitude. And if I receive nourishment from other arts, I do so through books or documentaries, as is customary. So, finding myself among all these artists of plastics, design, song, drama, was to find nourishment in many ways. Just that was enough to make this experience completely different from anything I had previously known. After having lived it all, Rome exists for me, what I want to say is that it means something, it is not just a mere name, not something distant, it is a place riddled with memories that are also mine. This city and this Academy now form part of something imperishable, and these months, that will always seem too short, shine on their own. ________ BEGOÑA HUERTAS Gijón, 1965. PhD in Hispanic Philology at the Autonoma University of Madrid, she was a visiting lecturer at the University of Michigan and worked as a researcher at the Unit of Biographical Studies at the University of Barcelona. She received the Casa de las Americas Essay Award in 1994. She has worked in the editorial sector and has collaborated with different channels. She gives a workshop on Creative Writing in the Master’s Degree of Humanities at the UAM (Autonoma University of Madrid for its acronym in Spanish). She is the author of the book of short stories A tragos and of the novels Déjenme dormir en paz (Ministry of Culture grant for creation), Por eso envejecemos tan deprisa, En el fondo and Una noche en Amalfi. This latest is translated into Italian by Edizioni E/O. Her last book is El desconcierto. La manía de entender (The fixation with understanding) La manía de entender is a nod towards the philosophical poem De rerum natura (1st century B.C.) that the Roman poet Lucrecio wrote to address the cycles of life and death from a scientific perspective, encouraged by the idea that knowledge is the best antidote against fear. Set in a single location and with a reduced group of characters, my novel functions as a metaphor of a vital state from which to explore the

topic of identity, the duality of mind/body, insecurity, and self-delusion. Writing is always crossing out, correcting. Quite often, like someone who sculpts from a block of stone, it entails taking away. In this case, the writing process in itself became an independent piece. Inside and out of the text I am interested in exploring the mix of genres and disciplines, in this sense, the intervened pages from a first draft reflect that determination to analyse, that attempt – so often frustrated – to see. Intuition crosses out what reason had dictated, and in that void is precisely where the truth can barely be discerned. Also, the notes on the papers are a chiaroscuro where the area of the shade is deduced, the banality is bothersome. In essence, it means facing that “fixation with understanding” by adding a more intuitive and sensorial perspective to the analytical thought. Process and experience I arrived at Rome with a first draft of the novel that I couldn’t use, but that I couldn’t just let go of either. I felt that I had put myself in a mould that was too rigid, in a stereotype narration that didn’t dive deeper than the surface. It could be useful as a literary exercise, but my determination was to go beyond and really understand why I had focused the topic like that and what that meant. I began writing a second draft upon arrival, alternating my writing with making the space of my room mine, the space of the Academy, getting to know my colleagues, walking through the neighbourhood and the city. I went to museums, I attended concerts, I spoke with people from different disciplines, I walked a lot. After one month, I took that first draft out of its folder, and just looked at it. I chose some of the pages that I had suffered the most when correcting them (they had many sentences crossed out with a red pen, exclamations marks that laughed at complete paragraphs) and, on the stairs of the garden, I painted them black with synthetic enamel. All of a sudden, the concept of useful was disrupted. Pages that hadn’t served, now had a double purpose: on one hand, to know what I didn’t want to do, and on the other, they had become a visual work, a metaphor of my – frustrated – determination to understand. It was just what I had been looking for, for my novel: to try and distance myself from analytical thought, to not make everything intellectual and to give more leeway to the sensorial and to intuition, because the mould of “what should be” hadn’t worked. This process wouldn’t have developed that way had I not been here: Firstly, due to the avalanche of stimuli, the monuments, museums, streets, like those that I received upon opening my own balcony every morning, the light, and the colour of the walls of the Academy, the sky over the garden or the shadows that the sun made on the papers of my worktable. Secondly, due to the living arrangements and sharing space with artists from other disciplines that stimulated me with very useful input, from the suggestion to try paraffin with

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the sheets of paper upon borrowing different types of paint or the references for lecture. Also, the stay at the Academy allowed me to see works and authors beyond the field of literature and serve as a reference and as a stimulus for my work: le cancellature by Emilio Isgro or the auto-censored writings of Concha Jerez. In parallel to this exploration of the plastics, writing the novel followed its course. But when I newly sat in front of my computer, my disposition was different. It was easier to let myself go and follow the flow of things, to break the rigid mould of a classic tale and to explore with lines that were closer to poetry. I believe that the novel has become more prominent and interesting, because, within it, there is an established dialogue with that first draft, in a twist that alludes to the title: that fixation with understanding and all that it entails. My writing has shifted into what one may call an expanded novel as I feel that here, many expressive possibilities have been opened that I feel like exploring. ________ JULIA HUETE Orense, 1990. She studied Fine Arts at the Faculty of Pontevedra with exchanges with the University of Porto (Portugal) and Guadalajara, Jalisco (Mexico), and has a master’s degree in Art Direction. Her work has been selected in art competitions such as the Premio Auditorio de Galicia in Santiago, or Mostra Gas Natural Fenosa, Novos Valores and she has received awards in the Plastic Arts Contest of Isaac Díaz Pardo, the Orense District Council as well as the paint contest of the University of Vigo. She has participated in collective exhibits since 2013 in diverse exhibitions in Galicia, in the Kvit Gallery of Copenhagen or Centro Centro in Madrid. Nescis, ploras, agis, cav(e)bis (You don’t know, you cry, you move, you will be careful) I work abstraction in the field of paint and drawing using diverse techniques and means, always trying to understand it as a language. My pieces are defined by being developed between processes and with specific material, and both factors end up having influence over the identity of the piece. My interests lay in diving deeper into what the basic characteristics of each discipline are, to reflect on their aesthetic and cognitive properties, in their own essence and possibilities. Thus, the focal points of my concerns are the enunciative capacity of the abstract form and the minimum units of narrative and material to question the procedures and possibilities of paint in a contemporary context. Ultimately, paint and language. With that perspective of work in mind, I come to Rome, with the intention of making a plastic essay

oriented towards a relationship between paint and poetry. It ends up leading to a body of work that arises from the observation and analysis of classic paint, trying to detect basic elements out of contemporary logic (objectuality, representation…). The title, extracted from the Tabula Lusoria, a game situated in the Caracalla springs, is a nod towards different aspects of the creative process especially present in my evolution here, such as intuition, dérive, or decision. Process The development of an artistic Project is always somewhat complex, between previous objectives and specific necessities there is a lingering tension that appeals to responsibility. In the case of being in the Academy, and even more so in Rome, that sensation of responsibility increases. On one side it’s the confidence that such a consecrated institution deposits in one, and on the other, it’s the indisputable flow of information that Rome contributes through its historical burden and status of excess and eternalness. What can one do in their studio after having visited the Caravaggios of San Luigi? I would say, at least in my case, that the most adequate response would be, and was, to begin a permeable silence. Among all this mayhem of beauty and recontextualization I decided that the most appropriate thing to do would be to visit museums and do the legwork in the workshop with tests and lectures. And so were the first months. Little by little I was able to establish a fence around the conceptual focal interest and my own artistic practice. After a time, guided by intuition, language and paint were more present than ever in the hypothesis put forward by the completed work. Colour, representation, composition, objectuality, allegory or materiality were some of the elements with which I began giving the sense of the pieces direction, coming from a sensitive intention. They are formal decisions, and despite being autonomous with respect to verbal language, have consequences. After all, the aesthetic character of a work is (at least) part of the proposed cognitive goal. The process of dérive and reflection that the stay at the Academy gave me was so important that I decided to orient the title towards it. Experience Despite my initial intents, to isolate professional and personal life at the Academy is difficult and one of the pillars of the experience is just that. The time spent as a resident, in a privileged place, the interdisciplinary aspect of the scholarships and the heterogeneity of the ages are aspects that condition the creation process. Throughout my stay I have had time to doubt, to err and to get things right and all of that

has meant maturing in the process as well as a way of facing my vocation. ________ MARÍA MORALEDA Toledo, 1988. Degree in Painting Restoration at the Higher School of Conservation and Restoration of Madrid and BA in Art History at the Complutense University. Between 2011 and 2013 she obtained a grant for Paint Restoration at the Prado Museum and in 2014, at the FormArte of the Ministry of Culture. She has also worked in other prestigious institutions such as National Heritage, Casa de Alba Foundation or Historic Heritage Assets of the Community of Madrid. Since November of 2020 she forms part of the restoration workshop of the National Museum of el Prado. She has intervened in important restorations; worth special mention is the Calvario de Van der Weyden in the National Heritage. She has collaborated in exhibitions such as El griego de Toledo (Museo de Santa Cruz, Toledo), El Hermitage en el Prado (Prado), De Caravaggio a Bernini (National Heritage) and Treasures from the House of Alba (Meadows Museum). El Arte de la Restauración en el siglo XIX (The Art of Restoration in the 19th century). Las relaciones entre Italia y España (The relations between Italy and Spain) Towards the middle of the 19th century and almost simultaneously the first treaties of pictorial restoration in Italy and Spain were published. The birth of restoration as an autonomous discipline, separated from the pictorial practice with artistic ends, comes into play as a consequence of gradual specialization, the systemization of work and the application of modern criteria throughout an entire century. The developed project consists in the research of the relations between Spain and Italy in so far as pictorial restoration. The exchange of ideas and practices among nineteenth century artists was constant and direct, and that, without a doubt had consequences in the world of restoration. These exchanges took place just as much with the Spanish living in Rome, out of whom we should highlight José de Madrazo and Juan Antonio Ribera, as with Italians who established themselves in Madrid, such as Manuel Napoli and Pedro Kuntz. The last years of the 18th century and the first ones of the 19th century in Europe were convulsive due to the Napoleonic campaigns that destroyed much of the artistic heritage as a type of war trophy. The French interventions, spectacular and invasive, in emblematic works of Italian and Spanish heritage, raised distrust and criticism in both countries, which invites the thought of common sensitivities and that they were much more respectful with the original work. The implantation of criteria and work methods in Spain seem to have a direct link with previous Italian procedures, such as the use of

resin varnish in the pictorial touching up, or the use of plaster and glue as stucco for the gaps, of what Polero speaks in his treaty of 1853. With the publication of the results there will be a larger diffusion among the professionals of restoration, as well as a contribution to Art History in a relatively unexplored field. Process The research undertaken in the residence of the Spanish Academy took shape over the months of the stay. Diving deeper into the subject and the access to the archives of Rome opened different vias of investigation, with which I intend to publish various articles to be completed in Spain, some with a more specific focus on one of the studied persons. The vast amount of information managed and the fact that it is a field that has not previously been studied, confirm that it is a topic sufficiently wide and complex to propose a broader study such as a PhD thesis. The documentation and inquiries obtained these months make up the base of this research and are an essential part of the process. On one side, there was a detailed historic revision of the Italian bibliography dedicated to pictorial restoration in the nineteenth century that reveals a larger study of the history of restoration itself, if we compare it to the Spanish case, in quantity as well as specificness. The objective was to understand the Italian context in the pictorial restoration ambient, although it is a very diverse and complex panorama, and even more so if we widen the study to different regions of Italy. I also revised the Spanish publications, as previously mentioned, they are less studied, and future publications remain pending. On the other hand, I revised other studies on Spanish artists in residence in Rome in the 19th century, mainly in the first decades, and their incursion into the field of pictorial restoration. We tried to follow the clues in the archives and other primary sources of written press. In the same way, I proceeded to study some of the Italian personalities who were especially interesting for our investigation, such as the restorer Pietro Palmaroli and his relation to the Spanish ambient in Rome. Experience The stay in the Spanish Royal Academy in Rome is without a doubt an unrepeatable experience where a series of extraordinary circumstances converge. While you have an opportunity to work on your own project, you live with other residents, beyond the bonds of friendship created, it implies constant learning. Interesting multidisciplinary debates are generated that open the mind towards other perceptions and sensitivities, especially enrichening when we are in such a heterogeneous group, diverse disciplines and at different vital stages and that we have

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followed different paths. The Academy, as a place of reference for the Spanish and European culture, accommodates a multitude of professionals who do not hesitate to share their own experience, always generous and complicit. And all of this happens in Rome, a city that is not possible to describe. ________ MARTA RAMOS-YZQUIERDO Saint-Mandé (France), 1975. Independent curator, since 2013 she has researched the concept of what artistic work is, the working conditions and social perception. She has been part of the group Historias em display (WT) in Brazil, a collaborative project on critical insertions in historic narratives. Among her programs worth special mention are TRABALHE – FAÇA +, Ícaro Lira: Campo Geral, in São Paulo; La Historia la escriben los vencedores (History is written by the winners), Felipe Ehrenberg 67//15, After, Depois, Según, in Madrid; Munárriz: Sulla curva chiusa en Cagliari; The way you read a book…, in Munich; y Aplicación de las teorías de flujos, (Application of flow theories) with Carlos Amorales and Los Torreznos in Buenos Aires. She has a degree in Art History from the Complutense University of Madrid, a master’s degree in Cultural Management from the Ortega and Gasset Institute and is the curator for ICI New York (Bogota, 2013). After having lived in Chile, in 2009 she moved to Brazil where she ran the Gallery Baró. In 2012 and 2013 she was the director of Pivô Arte e Pesquisa, São Paulo. She was responsible for LOOP Barcelona, 2017. She is a professor of Curating Practices of the master’s degree at the SUR School (University Carlos III, Círculo de Bellas Artes). She has written texts for artists such as Marlon de Azambuja, Analivia Cordeiro, Julius Heinemann, Almudena Lobera, Bruno Moreschi, Sara Ramo or Tercerunquinto, and collaborates with EL CULTURAL and a-desk. Trabajar menos / Hacer más (Work less / Do more) The autonomism of the Italian workerism was a review of Marxism, advocating for, among other things, the abolition of work. In 1977 the labour tension did not only affect the workers, but also the young and the students. That year could be understood as an end to the utopias of 68, but, above all, as the beginning of a scale of uncertainty and precariousness that characterizes the cognitive capitalism of our times. Within this framework, groups such as Indiani Metropolitani, the activity generated by Radio Alice, or the proposals of the feminist movements looked for solutions to the rejection of work and the wager on diversity as a creative seed, through irony and a free, moving body.

The curatorial project stemms from the study of the archives of that time and interviews with protagonists such as Pablo Echaurren or Franco “Bifo” Berardi, and a theoretical analysis of the paradigm of the artist as a worker. It sets forth a debate on the artistic practices and their social role, from the intersection of philosophical theories, post-colonial, and post-work. For that, apart from the research there were various workshops, a seminary, and the edition of an essay. The agenda of professional encounters with artists and local and international agents, as well as the Academy itself, proposes spaces in which to debate on problematic and conceptual practices that become a concern when they are artistic. Each one of the three workshops was developed with a subject about which to share experiences within an unlocated context and action. Paisajes del trabajo (Work landscapes), was a debate on the professionalization of our industrial kitchen, counting on the piece Garbage Girl (Manteniendo el mundo del arte) 2007, of the resident Estíbaliz Sádaba. The second workshop took place in an independent space No Working, with the collaboration of the curator Sara Alberani and the resident designer Silvia Fernández Palomar. El placer de perderse (The pleasure of getting lost) was a laboratory that followed business strategies to improve productivity and the use of time. The goal was to abide by the original timing, marked by the sound piece El reloj (The clock) by Los Torreznos, and finish the proposals to communicate and better explain the value of the way we do things. The third encounter takes the stage at the Centrale Montemartini, the first power plant of the city. Currently, the sculptures of the rational of Athena and the exalted Dionisio are cut out on machines, serving as a starting point for a visit to a performance through history and the energy that it moves, mythology, electric, or digital. The Project finishes its Roman phase with a public session: No estoy trabajando. Estamos haciendo (I am not working, we are making). Going over the eight working hours, we speak of how action and desire, hand and head will relate, and imagine what type of society we would like. With this end in mind, the concept of work and economy infiltrating practices and lives, was analysed. Each person who participated in this was a fundamental part of the project, because of their thoughts and their generosity in sharing knowledge and experience: Josè Angelino & Simone Pappalardo, Alessandro Balteo-Yazbeck, Itziar Barrio, Andrea Canepa, Cabello/Carceller, Pablo Echaurren, Antje Ehmann, Ana Esteve Reig, Esther Ferrer, Jacopo Galimberti, Cristina Garrido, Elisa Giardina Papa, Cesare Pietroiusti and Remedios Zafra. To speculate from the curatorial ambient means abiding by historical rigor, all the while opening towards other areas of contact and of sharing. The support

of this grant was imperative for its delivery, but it has also given a conducive context to unite references and ideas with bodies and affection. Production, work, and tasks are words that take place in our daily conversations. They pierce us all, as the co-living experience in Rome confirms – thanks especially to those colleagues who added the documentation of their works in the Open Studios: Taxio Ardanaz, Itziar Barrio, Nicolás Combarro, Lara Dopazo, Silvia Fernández Palomar, Pablo Fidalgo Lareo, Pedro G. Romero, Begoña Huertas, Julia Huete, Estíbaliz Sádaba, Fernando Sánchez-Cabezudo, Anna Talens and Tono Vizcaíno-.To stop and reflect from where we think, gives us the opportunity to imagine from where we can re-think. The challenge will be reflected in an essay. ________ ESTIBALIZ SÁDABA Bilbao (Bizkaia), 1963 Artist and PhD in Art and Research (EHU/UPV). She has received numerous grants, among the latest is that of the Spanish Royal Academy in Rome 2018 and 2016, BBVA Foundation, Beca Art i Natura in Farrera (La Panera, Lérida), La Cité International des Arts of París, Art and Law Foundation, Artium Museum and Bilbaoarte Foundation. She has recently exhibited in The BBVA Foundation (Madrid), MUSAC (León), Matadero (Madrid), La Panera (Lérida), Tabacalera (Madrid), and has also presented her works in the National Museum Reina Sofía, MACBA, Tàpies Foundation, CDAN (Huesca), among others. She has also directed different seminar-workshops on artistic practices, activism, feminism, and Queer theory in Arteleku, San Sebastián, in the years 1995-1997-2003-2006; Sala Rekalde, Bilbao, 2008; Bizkaia Aretoa-EHU/UPV, Bilbao 2011; Tabakalera, San Sebastián 2014. She has been the editor for different publications such as Erreakzioa, Joyas y Caprichos, and Series Múltiples. She has also given conferences in different museums, art centres and universities throughout Spain. Subversiones domésticas (Domestic subversion) This Project comes from a reflection on the imprisonment of the woman in domestic space: the family refuge where the men rested after their “exposition” to public space, and where the women provided care for the children and the “warmth” of the home.

To reinterpret the domestic space, looking for an equal space that allows us to generate a new way of sociability. To visualize an invisible job: and to visualize it in social terms, to bring it to the public eye, to “agora”. A job that is much more than cleaning, cooking, or having the house ready: it also involves emotional and sexual psychological maintenance for those who do in fact earn a salary with their daily jobs. To search for a way to subvert that imprisonment, taking the struggle out of the kitchen and the bedroom, to the streets. Process I have proposed tackling politics through a creative perspective in all of my works from the very beginning, so it wouldn’t end up being dogmatic: that is why I always aim to question, rather than offer answers; create a feeling of estrangement more than certainty; in short, to facilitate dialogue between the spectator with the work-object-action. My artistic practice has always been about integrating theory and feminist activism with the will to create networks and establish roots, so that connections are generated, and the work does not become individually isolated. In this process developed in Rome through image, sound, actions, interviews, archive images, I have tried to pose a series of questions around a topic that is often invisible, and that socially goes unnoticed: domestic work. The texts and words of Mariarosa Dalla Costa and Silvia Federici, whom I was very fortunate to have interviewed, accompany the performances that I develop with some of my habitual collaborators: through their recumbent bodies in domestic space, and through their actions, they make a job visible that would normally go unnoticed. And to make visible in social terms is to bring it to the public eye, to give it presence in the agora. This contact with both professors and activists, together with contributions such as the Bologna family film archive (which turned out to be a very gratifying experience and very helpful towards my project), are part of the relations that I had with the specific Roman and Italian experience, which has, giving myself a more specific context, allowed me to frame my audio-visual project in the life and history of the city. Experience

I am drawing from the texts of the Italian feminist thinkers of the 70s, Silvia Federici and Mariarosa Dalla Costa, who helped me show, from my practice based on video and performance, how the work of caretaking and maintenance carried out in the domestic space is considered marginal in our society, different from others that are considered central in the “social struggle” or “politics”.

Returning to the Academy, to find the same spaces, but with other residents is distressing, but I acknowledge that it was very easy to reside and work here once more. I would like to highlight the collaboration with some of my colleagues in the development of my personal project, as well as my own involvement in collaborating and helping in other projects of other

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residents: this created a very close-knit connection among all of us. One of the events that I would most like to highlight is the “Open Studio”; it was a moment in which the cultural agents of museums, art centres, independent Roman curators and artists from other Academies visited our studios and we could speak at length about our projects. They were days of much interaction, of exchanging ideas and possible collaborations. Another very important aspect is the possibility of attending different cultural events that take place in the other Academies, and getting to know the artists in residence; I believe that all of that revitalized and enriched our stay in Rome. ________ FERNANDO SÁNCHEZ-CABEZUDO Madrid, 1979. Cultural manager, director, actor and set designer. He unites his professional career in the performing arts with a sociocultural discourse that seeks out public participation in his creative processes. His role heading the Kubik theatre in the neighbourhood Usera of Madrid, and his creative projects are a reference in the management of spaces of inclusion with the local environment and the citizens. In 2017 he received the award Max, in the category of best private production, for “Historias de Usera” (Tales of Usera). From 2016 to 2018 he was the artistic director of the Chinese New Year in Madrid, and in 2017 the deputy director of the Corral de Comedias in Alcalá de Henares. From January 2020 on he will begin as the new deputy artistic advisor to the management of the National Drama Centre. Storywalker Garbatella Storywalker is a cultural experience based on a web platform whose contents are geolocated resounding fictions. The tales told by the popular Roman neighbourhood of Garbatella are the starting point of the creative process in line with what is called storytelling. A walk in which, through sounding fictions, carried out by Spanish and Italian playwrights and local actors, the tales of the neighbourhood in the places where they actually took place. Beyond the official history of the neighbourhood, Storywalker wants to build an inner history created by the neighbours themselves, driven by the emotive and identifiable bond and bringing the rest of the citizens closer to a new map of living experiences and sounds to be discovered. The big stories live within the everyday, the close, in the public squares, the bars, in the people who we meet outside. An experience that begins with performing arts, in particular the inheritance of radio theatre, and community, and participative theatre. Furthermore, Storywalker will be a virtual space of the memory of the neighbourhood with continuous updates, where the neighbours may upload their own

stories by means of audio testimony. Two other projects were undertaken parallel to Storywalker Garbatella: one in the Llaranes neighbourhood with the city hall of Avilés (Asturias) and another with the city hall of Madrid, between the neighbourhood of Usera and the Chinese area of Qingtian where most of the neighbours of this neighbourhood are from. Experience y process This project in Rome has meant freedom to explore, to get to know the city beyond the limits of a map, of incomplete cartography that doesn’t allow the hidden faces of the outskirts be seen. To understand that walking is exploring, and exploring is continuous listening. To encourage the sense of listening, to get to the heart of the Garbatella neighbourhood and find, in its essence, the emotional life of its inhabitants. In a first phase, it was important to get lost, as a stranger having just arrived to the city, and understand the neighbourhood from the unknown, letting oneself be surprised and discovering the sounds of the day-today for the first time. Those sounds, belonging to the day-to-day are already internalized, absorbed, and are not given much importance. The possibility of being able to discover them, as if being a poacher of sounds, separating them from their natural habitat to locate them on a virtual map of the neighbourhood. At a second stage, I entered in a historic study of the environment itself. A documentary process, also closely tied to sound, on one side the official history of the neighbourhood, and on the other, the inner story created by the neighbours themselves with the tales of their personal stories. To be able to dive deep into these stories it was necessary to become part of the community, meaning, to participate in it and be able to understand, to share its identity beyond the official history and to generate a new reality built together. One knows they belong to a community when, upon walking down the streets, someone stops you to say hi and chat. In these months, odd is the day that I don’t stop every few steps to say hi to a neighbour of the Garbatella and continue to listen to their life stories. This is living a neighbourhood, to be able to listen and to tell their stories. And that is Storywalker beyond a web platform that geolocates audios tracks, it is an attempt to take the scene of the most intimate of a neighbourhood through stories, sounding fictions and sounds. On the other hand, the fellow grant holders have been constant accomplices of my journey towards the tales of the neighbourhood, constantly sharing walks through the interior patios of the homes, getting close to the most authentic places to chat with the neighbours. Playwrights such as Denise Despeyroux, Alberto Conejero, Pablo Remón, Pablo Fidalgo and Italian playwrights Luca Oldoni and Elena Olivieri, a fellow professional who discovered this neighbourhood to me, make this Storywalker possible. But without a doubt the most important collaborators and without whom this project would not make any sense are the men and women of Garbatella, demonstrating once more that their stories, that

they live out every day, are what matter, and what best defines their neighbourhood. ________

interested in creating tension between the story and the purely pictorial aspects, as I concurrently build the scenes, searching for a poetic sense in the narrative structure, placing special attention on speaking of the contrasts of urban life.

BORJA SANTOMÉ Vigo, 1992. He began his education at the University of Fine Arts of Pontevedra (Galicia), to later carry out his final project at the University of Kingston, in London (United Kingdom). His animation works have been present in exhibitions and film festivals in Spain, Europe, the United States and Latin America. In 2015 his first short film, “Historia Cerebro” (Brain Story), won second place at Novos Valores de Artes Plásticas (New Values of Plastic Arts), and is selected in events such as the S8 International Film Festival of La Coruña. In 2016 his second short film, “Rueda Cabeza” (Roll Head), receives the award Planeta GZ in the International Film Festival Curtocircuito and achieves presence in the BAFICI, Independent Film Festival of Buenos Aires. In 2018 his last short film, “El Reloj” (The Watch), wins the award for best animated short film in the Cans Festival (Galicia) and is invited to participate in the European Film Festival of Seville, among others. In 2019 he finishes his fourth short film Joven y Carmen (Young and Carmen) thanks to an artistic fellowship at the Spanish Royal Academy in Rome, and is awarded the grant FormARTE of Plastic Arts and Photography to undertake his fifth animated piece in the Spanish College in Paris, at the beginning of 2020. He is currently working on his new animated project thanks to the participation of Proyecto Ventana, as part of a cultural programme organized by the AECID to promote an artist who lives in Paris (where he is currently residing). Joven y Carmen (Young and Carmen) Since the year 2015 I have dedicated my artistic career to paint and film, focusing my work on animated experimental projects. I am interested in working with the representation of the atmosphere and narration, dealing with autobiographical questions from an ironic and displaced point of view. Young and Carmen speaks of a character who recently arrived in Rome and who lives a transcendent strange and inconclusive adventure. The subject will serve as a vehicle to capture the spirit of the city in a tale that speaks of the day to day, using a language based on sounds and experimental vision. It is a story that has a special relationship with paint and urban landscape in which I intend to carry out a study about the atmosphere in contemporary Rome. Process Working with a brush and the camera, I take on animation projects attempting to situate myself between spontaneous paint and avant-garde film. I am

The animation process that I use consists in painting the images on acetate or glass, using the properties of these surfaces to be able to erase and modify the same drawing and hence register all the changes with the camera. From the beginning my intention was to mix the work of a painter with that of a film maker, applying concepts that are both artistic and spontaneous to animated film, allowing the elements to be drawn one on top of the other and using the trail of the manual work as an expressive element. Experience To live in Rome is quite unique. Rome is without a doubt a strange place, confusing and full of changes. I do not know of any other place with such fabulous contrasts, where on Monday the sun may burn temples and on Tuesday you see how litres of water flood the city, elevating the Tiber level by ten metres. The traffic is just as chaotic as the supermarket, if you get lost within its streets, it’s best to take it calmly, to enjoy the walk that this historic and old city offers you, with its indestructible buildings dressed in scaffolds, sculptures painted with graffiti, thousands of fountains that obediently collect, the Londoners dream of their tomatoes and ice-creams. Ultimately, despite tourism, it is impossible to take the most authentic side of Rome out of Rome, that feeling is transferred to all inhabiting Rome, from San Pedro to the alley ways. ________ ANNA TALENS Carcaixent (Valencia), 1978. She lives and works in Berlin. Visual artist and European summa cum laude PhD in Fine Arts at the Polytechnic University of Valencia. She has an international academic education. She has worked as a researcher in Bauhaus Universität (Weimar), Universität der Künste (Berlin), Australian National University (Canberra) and Central Saint Martin School of Art (London). Her work has formed part of many collective and individual exhibitions, with special mention of the projects for Gemäldegalerie (Berlin), Sundowner-Neue Nationalgalerie (Berlin), Matadero (Madrid), Macro (Roma), Villa Croce (Génova), Vila Casas Foundation (Barcelona), CCCC (Valencia) and Patio Herreriano (Valladolid). She also forms part of collections of Bauhaus Universität-Weimar, DKV, IVAM, Olor Visual, Art Situacions, Generalitat Valenciana and Banco Sabadell.

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Numen Numen, designates not only the divinity of classic mythology, but also the idea of a magical power that lays within an object, as well as the inspiring power that moves the poet. The artist perceives, finds, and generates actions that seem to create dialogue with another world. They visualise ephemeral facts, transforming spaces and objects that speak of the presence and absences with which we live in the world. They reproduce events and generate sacred objects, that work in “lararium” mode, that ritual practice of the historic Roman home that conquered the construction of small sacred altars whose end was to pay homage to the ancestors, giving offerings to the domestic gods. It revolves around creating objects and site-specific installations based on the magic of the day-to-day facts that put the fundaments of the presymbolic state into practice. Process and experience I have lived as an accompanied hermit, who comes down to earth to gather and goes to heaven to think. I let myself go with the winds of observation, intuition, and imagination. After the reading of each book, behind every conversation, I began to conceptually settle my work. Collecting objects from outside, in the street markets, in the shops, visiting museums, ruins, cities, taking photographs of ephemeral events, I filled the studio 27. The tower with the fragmented windows of heaven. From above I lived in a time without time, feeling that Rome was Rome before being Rome. And she down there, calm in the distance, accompanied me in an almost mystical contemplation. Here I understood better what I do. I thought about the building of a sacred space, conscious of the manner in which I touch things, of the yearning to share the beauty of the world that I have. Sometimes I’ve felt that I wouldn’t be able to do anything at the level of what I was living, I even stopped trusting the objects, and I said to myself: “I don’t know what I’m going to do in this place, but I do know what this place is doing with me”. It’s that here I have lived torrential storms, complete rainbows, perfect clouds, and copper-coloured skies. I saw the moon enter in the equinox of spring, snow covering the Apeninos, the pyramid of Cayo Cestio silhouetted by dawn, the backs of Saint Mary in Trastevere and the Palatino as a mountain of earth. I was able to breathe in the gardens of Doria Pamphilj. In this place my intuition became organised with an unexpected logic. I found my centre, my leaking point, my reason. I spoke about the absence of god in public and I proposed the recuperation of the cult of the sun. Now, more than ever, I feel art as an instrument capable of changing the day-to-day into something sacred, of offering a sacred space for the mind and body, a moment of existential consciousness. The experience lived in the Academy meant recognition and possibility. It was a way to return home, to

the Mediterranean. Here I recognized and admired the courage and sought-after quest of my colleagues, together with whom I have had the luck of learning, of thinking and of sharing knowledge and energy. They made everyday situations into moments of shared thought, generous with their exchange of ideas. I take with me recommended readings and new people who enrich my life. It is incredible how a change of context can amplify our horizon and how being aware of impermanence may incite us towards the urgency of life. I now need an empty space in which to project all that I am taking with me. My eyes have become so used to the ruins, that when I don’t feel them close, I miss them. Rome remains within me. _______ MARÍA DEL MAR VILAFRANCA Granada, 1961. Graduate and PhD in Art History (University of Granada). Extraordinary Doctorate Award. Professor of Plastic Arts and Design since 1986. General Director of the Board of Trustees of the Alhambra and Generalife (2004-2015) and co-author of its Master Plan (2007-2020) which received the European Award Nostra of the EU 2010. Curator of the Exhibition dedicated to Torres Balbás y la Restauración Científica (Torres Balbas and Scientific Restoration, 2013) and co-editor of the book Ensayos. Leopoldo Torres Balbás. Author of over a hundred scientific publications ranging from books, articles, and communications. She belongs to the Research Group HUM-1054 PROYECTA. Experiences in Architecture and Landscape at the University of Granada. She has participated in different national and international research projects. Artist in residence at the Spanish Royal Academy in Rome in 2018-2019. She currently forms part of the team of Revision of the General Urban Planning of Granada and is a patron of the Contemporary Architecture Foundation. Cuaderno de Viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 (Travelogue. Leopoldo Torres Balbás in Italy, 1926) Leopoldo Torres Balbás (1888-1960), architect-conservator of the Alhambra, applied for and obtained a grant from the Committee of Extension of Studies (currently CSIC, Higher Council for Scientific Research by its Spanish acronym) in 1926 to analyse the methods and procedures employed in that moment to conserve the monuments in Italy. The research project that I developed had the main objective of rebuilding that journey, in its historical and cultural context in which cartography is produced and elaborated as completely as possible, of that fertile and fundamental experience in his professional career, of which until now, relatively little is known, and it is underacknowledged. I began with the location of the manuscript notes that were the basis to create

a report justifying the granted pension, conserved in his personal files (currently in the Archives of the Alhambra) and the official request to the Committee of Extension of Studies of the grant to undertake this journey of study, currently in the depths of the Archives of the Estudiantes Residence of Madrid. Cuaderno de Viaje. Leopoldo Torres Balbás en Italia, 1926 aims to be a story, in the form of a publication, of that process that represented for the architect from Madrid, not only direct contact with the restoration works of important Italian monuments by public figures of prestige such as Gustavo Giovannoni, Antonio Muñoz, Alberto Terenzio, Orlando Grosso and Vittorio Spinazzola or the possibility of meeting the influential art historian Adolfo Venturi, but to put into practice, in his interventions in the Monumental Site of the Alhambra and Generalife, some of the most audacious ideas and solutions in the history of restoration in European Heritage, just as he, the architect himself, defended sometime later at the Congress of Athens of 1931. The project needed the necessary research from the archives and specialized libraries located in Rome and various interviews with experts, in Spain as well as Italy. Likewise, field work was undertaken that included taking inventory of the restored monuments of the decade of the 20s from the past century, object of interest of the journey of the architect from Madrid. In this Project the aim is to dive deeper into the European nature of the Restoration Culture, revising and reinterpreting the contributions of Leopoldo Torres Balbás and his contemporary Italian colleagues as a shared heritage by both countries whose similarities have been analysed in the context of a new narrative of Cultural Heritage perception with the objective of favouring the understanding and the recognition of a common cultural European legacy founded on the process of transferring aesthetic ideas and values.

tions of grand impact for the Roman heritage such as those undertaken in Augustus’ Forum and the Market of Trajan whose excavations and demolitions were visited and analysed by Torres Balbás on his journey of 1926. On the other side, the bibliographies of the publications of the authors with whom Torres Balbás contacted were consulted, revised, and updated, the specialized bibliographies were systemized, incorporating registers of contributions ranging from reference texts of the History of European Restoration, such as the Minutes of the Conference of Athens of 1931, to the main specialists of the lives and work of the analysed persons. In this sense the libraries of the ICCROM (International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property), of the Faculty of Architecture of la Sapienza, and the Library of Roman Archaeology and History of Art were the most complete, adding the Library and Archive of the Scuola Normale and University of Pisa, for the archive of Adolfo Venturi, the Library and Archive of the Spanish Royal Academy in Rome, the Federico Zeri Foundation in Bologna, and the Giorgio Cini Foundation of Venecia. The work incorporates current photographic documentation of the monuments that Torres Balbás visited and the recording of an audio-visual piece, recorded in Granada and Rome, that includes the interviews to some of the main Spanish and Italian specialists in the History of Monument Restoration. Share, describe, learn, converse, participate, collaborate, listen, or debate are part of the experience lived as a researcher in residence at the Spanish Royal Academy in Rome, apart from enjoying the interesting cultural programme. It is a unique opportunity to develop capacities and afront new professional goals in the future. But all of that would not be enough without the support and human team that keeps up the day-to-day cultural activity of this institution that works so well and that all the residents consider our forever home. Thank you for making it possible.

Process and experience ________ The research process developed over the threemonth stay at the Spanish Royal Academy in Rome had two complementing guidelines, on one side, the localization of the documentation in the specialized archives (Archivio dell’Associazione Artistica fra i Cultori di Architettura. Fondo Gustavo Giovannoni) that prove the bonds and relations that Leopoldo Torres Balbás had with his Italian colleagues through letters and publications with dedications by the authors, carried out in the Archivio Centrale dello Stato for the profiles of Antonio Muñoz, Alberto Terenzio and Vittorio Spinazzola. To delve into the urban and territorial context of the city of Rome in the second decade of the twentieth century, it turned out to be necessary to consult the graphic archives of the Museum of Rome. Therein is a complete collection of images that reveal opera-

TONO VIZCAÍNO Valencia, 1985. Graduate in History and PhD in Archaeology at the University of Valencia. His interest in the ancient Mediterranean cultures took him to participate in archaeological projects in Greece, Italy, Morocco, and Spain. He has worked in institutions such as the European Research Council, the British School at Athens, or the Prehistory Museum of Valencia. His professional activity has developed around heritage management and the study of the uses of the past in the present. He is responsible for the project ‘Piedra - Arqueología y cultura de masas’ (Stone – Archaeology and mass culture) and has published different books related with building collective memory, such as como Receptari Extraviat (2016), El barri que vam imaginar (2017) and A la recerca dels orígens (2018).

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SPQR now!

Experience

What are the initials SPQR doing on the manholes of the city? And the Capitoline Wolf on the crest of a football team? What is it that moved the people to continue offering flowers to Julius Caesar? Does a wine with an ancient god even taste better? Why are there Roman Legionnaires taking selfies with tourists in front of the Colosseum?

A project such as SPQR now! That speaks of society and collective memory, unquestionably lives off interaction. Interaction in multiple directions. With the city, which is the performative stage. With its inhabitants, who are the protagonists of the stories. And of course, with the immediate context in which the research is taking place.

The presence of the Ancient in Rome in the 21st century Rome is undisputed. Her streets and squares are marked with ancient archaeological remainders, re-used in posterior periods, or recuperated from the previous century for cultural consumption. Roman society has built and continues to build around that material inheritance, using its own imaginary of the past, fed by references such as film, literature, and tourism itself. And in so doing, hybrid languages where archaeology converges with mass culture are formed. Languages that end up being expressed on the urban stage.

So, although it had begun premeditated, SPQR now! has the seal of Rome and the Spanish Academy. Because if the city builds a permanent spotlight of stimulation, getting close to it from the specificness of the Academy reaches deep on a professional and personal level. The place, the contrast between retreat and encounter, the strange sensation of stability, and all the while, the contradictions and the de-structuring of the research and creative process, the kitchen as a motor, the views, the visits, and the excursions, and above all the co-habiting with people who live and work there, make the stay at the Academy a unique living experience.

By studying the local map, publicity, urban art, names of places, souvenirs, architecture, and even supermarket products, comes the project SPQR now! It aims to explore the contemporary imaginary of the ancient Roman world projected on the city of Rome.

________ PROCESSI 147 JOSÉ RAMÓN AIS

Process To live in a city in which the past not only is, but actually forms an integral part of the daily life of its inhabitants, conditioning it, has ended up surpassing the initial limits of this project. From the original idea that was to focus on the most static and tangible aspects of the city, meaning, the attrezzo of which the urban stage is made up of, the project took its own course and derived to a transversal study of the links that the Romans create with their ancient past. This richer and more complete perspective implies speaking of tangible and intangible, of the identifying machinery and the different spheres, but also of politics, fashion, language, cinema, immigration, contemporary art, gastronomy. In essence, of situating and contextualizing the place of the past, in the present. It was necessary to manage different types of document sources to approach this reality, from bibliographies and archives to urban space in itself and the material culture of the 21st century, resorting to techniques and tools of ethnography, history, and archaeology. The truth is that the activation of that ethnographic look, converted into a type of radar of uses of the past, determined my way of seeing, understanding, and living the city.

Bilbao, 1971. He has a degree in Fine Arts from the University of the Basque Country, training that was complemented with studies of garden design. His work may be considered as a reflection and analysis of concepts related to the construction and representation of landscape. He is interested in exploring emotional links and ways in which stories, ideologies, wishes and utopias of nature are projected. His work processes unite photography and image postproduction techniques, field work, historic research, as well as the cultivation and observation of the species that are being worked. He has participated in exhibitions such as Tratado de Paz (Peace Treaty) in the Didam of Bayona, curated by Pedro G. Romero; Nada temas dice ella (She says no fear) in the National Museum of Sculpture of Valladolid, curated by Rosa Martínez; Natural pas natural (Natural not natural) in the Frac Corse, PHotoESPAÑA, Azkuna Zentroa in Bilbao or in the individual exhibition Parque natural (Natural Park) in the Botanical Garden of Madrid. He has done various artist residencies such as “Artista por Artista” (Artist for Artist) in La Habana or ART OMI in New York. Arbolado para calles, imperios y paraísos (Woodland for streets, empires, and paradises) The Project consists of a photographic essay about a possible history of Rome written from its public woodland. The project analyses the tree species used in the city in different socio-political and cultur-

al periods through which it has gone, throughout history, studying the implication on the urban landscape in environments such as the representation of power, functionality, or ecological resources. At the beginning, the project took a tree census created by F. Attorre and the department of Biology in the University La Sapienza as a reference, and proposes a dialogue between current landscape and its evolution in different historic moments. The project focuses on trees such as Pinus pinea, that owes its massive presence to the program set out by Mussolini to link the image of the regime to the ancient Roman Empire and the elm tree, Ulmus minor, that remits us to the agricultural practice extended during the Roman Empire of using the elm as a vine guardian and that is currently an endangered species due to the grafiosis. Other tree species are analysed, as well as the transcendence of the imaginary of the city in the representation of “Paisaje ideal” (Ideal landscape) disseminated thanks to the work of Claudio de Lorena and inspired by Rome. The study is focused on the use of the alignment of trees in the construction of the image and representation of the city, as well as its relationship with the concept of monument.

tions and uses of the tree throughout Roman history. An example of that is the composition that I created with the trees, from different types of wood, from which, according to the story of Saint Elena and the Vera Cross, the cross of Christ was constructed. COVID-19 prevented me from documenting the outbreak of the Roman spring, but it also obliged me to calmly redirect my look to what was closer and more immediate. Reinterpreting the ancient use of the Roman elm as a vine guard, I proposed to link one of the vines that grew in the garden of the Academy, our marvellous refuge during the confinement, with one of the elms lined in the surrounding Via Garibaldi, one of those elms decimated by the grafiosis. A gesture that connects the exterior space with the interior, revealing the mutual vulnerability. The experience of the Spanish Royal Academy in Rome is a grand opportunity to have daily contact with a fundamental city in the training and development of our culture. I will continue to develop many ideas in the future that sprouted during this period. Ideas that came to be, thanks to the avalanche of experiences, the history, and the art that Rome offers. Living with the others in the Academy is a fertile exchange of ideas and points of view. _________ CARLA BERROCAL

Process and experience Arbolado para calles, imperios y paraísos (Woodland for streets, empires, and paradises) suggests a series of patterns and models of tree arrangements that could be transferred to the urban space. Each arrangement is a succession of different tree species, significant in specific moments or historical context of the progression of Rome. These designs of trees form sequences, stories that are narrated as one goes through the public streets. The use of the tree as a structural point and narrative in the topography of the Column of Trajan has been a source of inspiration for this strategy of reading the woodland in the urban context.

Madrid, 1983. She studied illustration and graphic design at the Escuela de Arte 10 in Madrid. In 2004, she published her first comic and booted her professional career as a working illustrator for clients such as the New Yorker, Vanity Fair, eldiario.es or el Salto. Since the year 2016 she has collaborated in the newspaper of the City Council of Madrid, the M21 Magazine. As an activist, she presides the Illustrators Association of Madrid and promoted the Colectivo de Autoras de Cómic (Collective Authors of Comic). Doña Concha: la rosa y la espina (Ms. Concha: the rose and the thorn)

The project is a biographical comic about Concha El Pinus pinea, that appears in the Roman streets Piquer who through different narrative sources seeks with the fascism of Mussolini, is a fundamental re- to understand her vital, historical, and cultural circumsource to connect the image of the regime with the stances as an artist. On one side, Doña Concha is a splendour of the ancient classic Rome. The align- short story that goes over the life of the Valencian from ment of pine trees in the Via dei Fori Imperiali and the her beginnings until her success, and on the other, it Colosseo as its vanishing point, is an example: the is a documentary with interviews of diverse experts built image with the reference of the Roman Empire. of the copla (a Spanish music genre with short poetUsing the pattern of the prospettiva borrominiana ic, structured and rhyming verses) and its relationship del Palazzo Spada, I propose an alignment of pine with fascism, feminine empowerment, and the LGBT. trees with the logic of that forced perspective. The trees shall be aligned according to age and height, “There is no small genre if the artist is big”, was said creating the image of an avenue from the alteration about Sara Montiel in El último cuplé (The last cuplé). of the space-time parameters. The copla has always been considered a minor genre, a mere popular song, somewhat mediocre. And after The visit to museums, churches, ruins, gardens, has Francoism, that didn’t change much, quite the oppobeen essential in the research of different representa- site. The copla symbolized the dictatorship, the ob-

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solete, the repression and the pain of an era. In time, some intellectuals approached it and discovered what it really was: the music of the people in pain, but above all, music of women. As Basilio Martín Patino says in Canciones para después de una Guerra (Songs for after a War, 1971): “They were songs to survive. Songs with warmth, with hope, with history, songs to overcome the darkness, the emptiness, and the fear. They were songs (…) to help us in the need to dream, and the effort to live”. Perhaps the question should be why Piquer was chosen, explain why her and not another. Undeniably, on the Olympus of the Spanish folklore, Concha Piquer would be the queen. Part of her talent was that she not only sang the copla, but she lived it. Her contribution went beyond. She also owns having contemporized the theatre show and contributed to the configuration of the copla, a genre that was yet to be defined and reached its end shape post-war thanks to her. Popular art is, also, the comic. Through different interspersed narrations, the life of Concha is mixed with interviews of scholars in comic strips, with the intention of composing a testimony in comic of a very important public figure of the popular Spanish culture, a means that, in my opinion, more than composing great stories, is a very interesting tool for journalistic analysis. Process and experience The process of a graphic novel is long and consuming. Consistency is essential. To finish such an extensive project, of over 140 pages, it is necessary to enclose yourself and binge-work. That was not a problem on my behalf, I came to Rome knowing that I was to confine myself from the first day. My objective was to try and finish by spring and enjoy the city with the arrival of the warm weather, but COVID-19 changed everything. Living that experience in the Academy was not the best way to enjoy the residence-grant, but it was to live historical circumstances in a privileged spot that not only transformed our projects, but also transformed us as persons. And confinement taught us many things, but above all, it served to take care of us. I believe that in such complex circumstances, the fact that the fourteen persons (without counting the felt absences) sharing the same space generated very deep bonds of fellowship, demonstrates, not only our grand human quality, but also that, indeed, the Board made no mistake. I tried to continue looking at Rome as if it was October when the confinement was over. I tried to pay attention to some detail, some light, something to calm me. I tried to experiment the same sensation of when I observe the sea, but instead of it bringing me back to the certainty of the waves, Rome gave

me church bells and the squawks of sea gulls. To be able to look from the Gianicolo over this ocean of domes, helps me recuperate the sensation of being beyond the walls of my studio. With that look, that also builds my world, many things have changed in my work. Doña Concha advanced quickly throughout the months of confinement, and I took advantage of the circumstances trying to explore new ways as to where to express my work, like paint or print. The confinement served to work until exhaustion, learning much from my colleagues. The truth is I didn’t know where this was leading, I don’t know if I would end up painting more or making more prints, but I believe it’s interesting to have a childish curiosity once again, that creative yearning that saves us many times, as artists, it takes us out of our darkness, and it also protects us. I personally give thanks for having been able to have the energy to exorcize the negative that we lived those months, and, although many objectives were not reached, I take with me the utter importance that culture has in the salvation of the soul. ________ ANTONIO BUCHANNAN Madrid, 1984. Degree in Fine Arts from the Complutense University in Madrid, Master’s degree in Contemporary Art at the European University of Madrid. In 2019 he began his fashion designing career at the brand JARABO, with which he developed different collections that had presence on the MBFW in Madrid (Mercedes-Benz Fashion Week Madrid), MOVE in Seville and Valencia Fashion Week. In the year 2019 he founded his own fashion brand in Rome: Antonio Buchannan. In parallel he develops his own artistic work individually, and within the collective Elgatoconmoscas, as well as education and mediation projects in La Casa Encendida or CA2M. Colina n.º 8 The project is a fashion collection with one foot in the site of Testaccio to extend the view further, to a neighbourhood and a contemporary city in a convulsive year. With that in mind, the garments aim to transmit, through textile, a series of concepts such as accumulation, the hidden, the leftovers and information. The same way that the leftovers from amphoras are piled up, are some pieces of the collection work, overlapping layers of material and patterns to create volume. This accumulation is also presented in the graphic of the prints, as well as in the disposition of different decorative elements of the garments. The language in itself of the attire proposes an orography that establishes what garments are interior or exterior, as well as the diversity in height and length. Every fashion season is another stratum in the closets.

Rome is an accumulation of history, tourists, of exvotos in the churches, of souvenirs in baskets, of starlings flying in flock… But this year, also of living experiences, of messages sent by applications, of relations and, as a novelty, now also of the infected. The mountain is a grand live cover that hides things, obscures them, camouflaging. In its interior, acting as a corset, there are numerous excavated places such as restaurants, bars and the first clandestine clubs of the city. Some of the pieces of the project remain latent and can be seen if they are opened or unbuttoned, and some of the prints are revealed only under specific conditions of light or heat. The leftovers of the amphoras of Romain oil were deposited in the Mount dei Cocci and ended up in a landfill. This type of surplus has accompanied that place for centuries, far from the city centre, hosting the carnivals or the ottombrate some seasons, until the first gay places appeared in the 20th century. Testaccio was the area used for test-firing cannons and anti-aircraft support. It hosts the slaughterhouse of the city, which is what would be the influence of the offal, la trippa giving the neighbourhood its fame in gastronomy. Various pieces of the collection are based on the importance in the value of the marginal parts of the garments: the reverse sides, the linings, the belt loops, what is thrown out. Lastly, the mount is an accumulation of information. The fragments of the amphoras and their tituli picti give us information of the Roman commerce. The pieces of Colina n.º 8 replicate the pattern design beyond its use in the elaboration, they give information of themselves and of their different parts and uses. The textile labels of the composition and how to care for the garment are mass multiplied and are changed into main elements.

ent collection, and to a large extent, those of the future, incorporate certain looks to their genetics, procedures and learnt interests of the country. In parallel, the design process of the collection took advantage of my personal experiences as well as cultural and social references from this time to translate them into a language of plastic and material for the pieces. This language was part of the formal conception of the pieces just as well as it was of the developed prints, research and application of the materials and ornaments. The end-product of the garments was conditioned by the sanitary alert and its consequences, as it had to be. To try and integrate the absolutely unexpected into the work, to depend on the restrictions or not, to produce, to rethink what had been certain and to fail many times. At the beginning of March, when I was sporadically in Madrid midst plenary process of the project, the borders between both countries closed. The activity was moved 1,400 kilometres from the Academy. To produce in the Iberian Peninsula and to send it to Italy, as in the first century. Back to the starting point: Mount Testaccio. Experience These months have been an excellent opportunity to rethink the work of design from a more serene perspective and not tied to the rhythm of the fashion industry’s seasons. In this sense, the resident grant allowed me to dedicate time to research of concepts and to the experimentation with new materials and processes. On the other hand, it was enrichening on a creative level to be able to exchange experiences with professionals who shared time with us and especially with the fellow residents themselves.

Process

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The development of Colina n.º 8 was divided into various levels:

ANA BUSTELO

In first place, on-field research was undertaken of the Testaccio site, as well as of the archives of the libraries and museums of the city. By extension I also researched the history of the neighbourhood and its neighbours. In this sense, the working months of the project were months of a natural bonding and participation in the life of Rione XX, far from any anthropological vision. Testaccio, then, was my workshop and helped in the search of ideas, almost two kilometres away from the Academy. At the same time the geographical context itself allowed to broaden the knowledge of the reality of the Italian fashion industry. On one hand, the manufacturers, and workshops on a national level through fabric trade fares and the search of suppliers, but also of the creators and designers who currently work. The pres-

Palencia, 1982. She lives and works from Madrid, combining illustration with teaching. Her work as an illustrator is versatile: she collaborates with magazines and national and international editorials, communication agencies and design projects. In this time her work has been recognized in various contests, highlighting the Children’s Book fair in Bologna, the Portuguese biennial Illustrarte, The Ibero-American Illustration Festival, the Golden Pinwheel of Shanghai, Nami Island of South Korea or the annual Communication Arts. In parallel, she develops personal projects in which she approaches illustration from a more experimental perspective, collaborating with galleries such as Casa Kanú in Bogota, Ó! Gallery in Portugal and La Fábrica in Spain. She has a degree in Fine Arts from the Complutense University of Madrid.

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Retablo, altar y amuleto (Reredos, altar and amulet) The formal research on the composition became one of the main interests of my work. My objective is to develop not so conventional compositions that, on one hand, actively collaborate in the narration and that, on the other, bring illustration closer to other visual disciplines. With the project that I am doing in Rome, I question until what point the compositive structure has an impact on the narration, taking Italian reredos’ as objects of analysis. The structure of the reredos’ resembles that of any editorial composition, in that from a geometric set up a graticule is built to organize the information. The classic structure divided in streets and encasements, enables the co-existence of various arguable layers and timelines in one same piece, facilitating a multiple tale, polyhedral and coral. The comic as well as the reredos have the capacity of representing the duration of the story in the space of the support. To work from a structure allows me to use the same images time and again, relocating them and giving them a new meaning depending on their disposition in the space and of some in respect to others. In the end, a narration is generated that is susceptible to recompose from a game of association. The project materializes in an exhibit in which the relation between drawings and the expositive space acquires a main role, and a publication, in which I intend to transfer the physicality and the tridimensionality of the altar piece to paper, playing with the creases and the unconventional methods of binding, using the resources of paper itself (size, format and body) as a graphic resource that collaborates with the reading experience. Process and experience A veces las cosas no son como una espera. (Sometimes things don’t turn out as one had hoped) I was awarded the grant with a project that was only an outline, a place to begin. I like to work like that, the few times that my professional commitments allow me to, as it obliges me to pay attention to what happens and detach myself from the results. It’s uncomfortable and complicated, but it’s when I learn the most. The institution itself even encouraged us to consider the process as dérive, inviting us to let ourselves get lost, and facilitated a space of freedom and trust. I face the personal projects in an anarchic way, I have no method, so the process was knocked down quite a bit. The calendar that I had foreseen came apart, almost upon arrival. The creative process is also, and above all, an exercise of dismissing. To choose naturally implies to renounce everything that you are not

going to do. In Rome I felt it more difficult than ever to specify and I postponed taking decisions to the very end: the stimuli of the city are overwhelming; I am used to working with shorter deadlines and more limited necessities. So much time spent searching for freedom to end up missing the shackles. Taking the concept of reticule to the limit, the narrative of the project is also built around a module of repetition of the experience in the Academy: attempt and failure. On that premise I find paradigmatic characters that work as protagonists in this story of specular autofiction: Sísifo, who pushes a stone uphill every day that inevitably falls back down once it reaches the top, Penelope, who does and undoes her chores in a cycle, and also the Coyote, the eternal failure condemned to chase the Road Runner unsuccessfully. These characters also serve to reflect on the concept of work in itself, the productive use of time or the not doing as a conscious political positioning. And after, COVID-19. I don’t want to obviate it, as it was important and was imbued in everything: the process, the project, my relationship with the city (with which I live and that I left behind) and with the other residents. From what affects the project more directly (cancelling the programmed trips for the research, the suspension of the Open Studios and the difficulties of production) to more personal aspects: difficulties to concentrate, reorganizing priorities and responsibilities, working empathy, and managing loss. To sum these 9 months up I need time and distance, it is early to draw conclusions. It has been an enormous experience. ________ JOANA CERA Barcelona, 1965. She has a degree in Fine Arts from the University of Barcelona, specialisation in Sculpture, she continues her education participating in diverse workshops in QUAM and Arteleku. She resided in ISCP and took an intensive course at the New York Film Academy, she was in EKWC (Den Bosch) and participated in Estacias Creativas (Creative Stays, Albarracín). She has had individuals in the Caixa Foundation, Santa Maria of Albarracin Foundation, Museum of l’Empordà, Suñol Foundation, masART Gallery, Antonia Puyo, La Caja Blanca or Alegria Gallery, among others. She has participated in collectives in the Santa Monica Arts Centre, Joan Miró Foundation (Barcelona), CGAC, Metronom, La Casa Amarilla and Exhibit A gallery of New York, and among the highlighted, she has also exhibited in Portugal, Italy, Holland, France y Bulgary. She was awarded a grant for Creation in Guipuzcoa, 1992, and the first-place award at the Biennial of Casino de Vic 1998, The Botín Scholarship in 1999 and a Grant from the Generalitat in 2000. She has received special mentions at the awards Ciutat de Barcelona 2012, and an honourable mention at the Premi Ciutat de

Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals 2017 and a recognition at the Premis ArtsFAD 2019. Escultura-escritura: Conversaciones con Pasquino (Sculpture-writing: Conversations with Pasquino) My sculpture project had two aspects, both related to writing. The talking sculptures of Rome and the tabula cerata: Roman wax tablet for writing. The talking sculptures have their origins in a deteriorated sculpture from 3rd century BC found in Rome, called “Pasquino”. The citizens of 1501 began to use it to hang writings on it that were opposing to the power, in which they expressed things they couldn’t say out loud for the implicit danger; the work “pasquín” comes from there. The bee’s wax was a chosen material for a previous installation that I had done in a collective organized by the Joan Miró Foundation of Barcelona on bees and their problematic situation, titled Beehave. In the research on its uses, I came upon the tabula cerata, the perfect excuse to want to come to Rome. Pasquino is a passionate topic, it could bring on any type of further development, from the very political: Conversaciones con Pasquino, (Conversations with Pasquino) to the most formal: stones wrapped with poems and epigrams, stone poet, sculpture, and voice.

good fortune? The circumstances required more of an effort on behalf of my collaborators or their place would be stolen. I am sorry for Adolf Alcañiz, Silvia Oliveras and Sandra Moneny. It wasn’t to be. Riccardo Massari had come to Rome before and it was marvellous to think with him in the sound installations of the site-specific that we were to exhibit in, the Open Studios that never took place. I would especially like to thank Paolo Frunzio, who I hadn’t known before arriving to Italy, and who was the only one who I could continue working with; unconditional, he did much more than I could have hoped for. Grazie mille and to Simone Imperatrice also. Many things were to remain pending; others were not to be, but remain as a proposal. We will never know what could have been ROMA with Rome, but many treasures are collected in the kitchen of this Academy. Love for my Insieme. I came for sculpture, but my reality here became virtual, I came to work with stone, wax and writings but I ended up making holograms, projecting sound and video installations. Now I am also a virtual action figure called Teatro holograma. I thank Armando Holzer who joined this adventure with his vision as a playwright.

The first sculpture that I materialized was a wind instrument that Pasquino played: Conch-horn. They The Pasquino of my Project changed into a prophet- blasted together to demolish all types of walls, that ic being, who recovered his own voice to tell the art- is how Pasquino announced “the end of History”. All ist what remained hidden or was yet to be. I ended that before the corona virus. When the pandemic up embodying my own topic. I lost the material that came it seemed that he had fulfilled his prophecy: spoke to me. This was a sculpture project that ended “Joana, as the world is coming to an end, I shall no up bodiless and asking if a tale could be understood longer speak to you”, JR dixit. as a sculpture of voice. Pasquino said that we would make tabula rasa but In Rome I could see that Pasquino and the tabula cera- also, that finally, we would begin to build the Sacred ta spoke of the same: the necessity to make tabula rasa. Land. New worlds are not born of fossilized strucProcess and experience tures, they always came from chaos. Pasquino was turned to dust, from now on we recover our voice, At New Year’s Eve I suggested to ring 13 bell tolls. 13 ventriloquists NO, we will perceive the spoken. We does not imply bad luck, but hope for a world with a will hear: Land! regular cycle. Already exhausted from dérive. One day I heard the particular chiming of the bells He asked for one more strange thing and here, I endthat are heard at the Academy in Rome. It sounds like ed up singing the strange lullabye nana del desperthis: 3 short touches, pause, 4 short touches, pause, tar (wake up lullabye). My virtual hologram came to 5 chimes, pause, and one more. Wow. 13 chimes, just Rome to resuscitate Pasquino and beg so that in this as I had asked. land the prophecies of unrest would not be fulfilled, to depict the new law in his wax notebook. I could explain it intellectually, but I prefer to tell it in a I wish Pasquino would be right and that all of this different way. At 12, the cannon of Gianicolo goes off. would only be a nightmare forcing us to wake up. Privileged to be there, we were in a convent in times of confinement. Perhaps we hadn’t been ready for ________ that, but what was now our home had been designed for just that. JORGE CUBERO I don’t know what I had done to deserve the Studio 27. What could possibly be done to make up for that

Madrid, 1996. He has a degree in Design from the Complutense University of Madrid and Hamburg

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University of Applied Sciences. He has developed his professional career as a graphic designer in Madrid and Copenhagen. His work is characterized by putting the role of the technology of the design process and personal relationships in crisis, with the goal of establishing an honest connection with the user. He is also the founder of the platform for creatives /KLVB/CLUB. Tipografía/espacio/identidad (Typography/space/identity) T/E/I analyses the capacity of the typography to condense characteristic features of visual culture in the determined space with the goal of articulating an identity. This project, developed around confinement in the spring of 2020, creates a dialogue between spaces: the Academy, where we spent a time confined, and the digital space, to which we were all obliged to resort to, to substitute the physical places in which we previously co-existed. This dialogue is mediated by a typography inspired by the writing on the tombstone of Bramante’s Tempietto. From the maximum according to what the eye reads best, out of what it is used to reading, I will push the limits and put this ancient Roman Typography in crisis by adapting it to the resolution of the screens of the first computers of low resolution, to understand the evolution of legibility in digital environments over the past three decades. This graphic research becomes reality with a series of expository objects that approach the difficulties of physical representation of digital pieces. In these works, how the typography may play a main role in the creation of the identity in digital spaces with a spiritual end in mind, is presented.

made video calls; instead of going to the cinema, we registered on a streaming platform; instead of going shopping, we bought online, etc. I began to sketch, getting close to the design in a generative way, through digital tools that I, myself created. The combination of the place in which we were confined and the importance that the digital space took up, changed my project categorically. Anyways, those three pillars remained: typography, space, and identity. Experience I discovered a series of things that especially left their mark on me throughout these months, such as the step of BellaGamba, broccoletti, the prodotti per capelli Noah, the possibilities of Massimo Perimetro, the stop number 3 of the Via Crucis, seagull breeding, the Via dei Fori Imperiali deserted, a sunset at Tropea, a zabaione ice-cream, the illuminated signs of the buses of Catania, Marcellino del Calisto, just how incredible the colours of Raffaello are, el Hugo, the stone of Matera, or eating a pizza after going to Bricoman. ________ FEDERICO GUZMÁN Seville, 1964. Artist. I understand art as a free practice that embraces the sensitivity and the conscious action of nature. I tackle paint from a holistic perspective of an aesthetic process, practicing art as a game, as an activism and as a form of self-discovery. Some recent projects are Perséfone sin velo (Persphone without a veil, Galería Juana de Aizpuru, Madrid); Al borde del mundo (On the edge of the world, IVAM, Valencia); Tuiza: las culturas de la jaima (Palacio de Cristal del Parque del Retiro, MNCARS, Madrid) y La canción del tomaco (MEIAC, Badajoz).

Process

Las musas salvajes (The wild muses)

After participating in a project in Bari, I decided to present a project to the Academy related with the south of Italy, so as to dedicate a sign of the affection that I feel towards it.

The proposal consists of a pictorial series that explores my relationship with the mysteries of the inspiration of myth and imagination. The investigation dives deep into indigenous origins of our culture in search of knowledge and contemplates three chapters. The first is about initiation and the second about transformation. The third part tackles the energetic consciousness that encourages all life forms and that we may call a “spirituality of the land”. I propose to follow the trail of an ideal aesthetic previous to our postulated classics of art. As some historians explain, art originated in a magical experience in which popular religious ceremonies were lived in honour of the Moon god, Mother Earth, or the Muse. It was day to day art, ecstatic, communal and procedural. The myth of the Muses and Apollo refers to the prehistoric revolution that broke the balance between the feminine and masculine principles, specifically the suppression of the matriarch for the patriarchy. History explains how the original myth of the Mother God

I initially did a series of research trips with the goal of developing a typography capable of evoking the graphic culture and the tradition of southern Italy. However, this process that was guided by intuition and the sensorial was curtailed when the period of quarantine was declared. I felt obliged to temporarily park it and focus on other places, specifically the space of the Academy. This brought me to collaborate with colleagues who enrichened my vision on this space and made me reconsider my relationship with it. At the same time, it was easy to realise how we had changed the spaces in which we were developing to digital environments: instead of going to a bar, we

that tackled the Mediterranean was lost in Aryan invasions. The divine masculine slowly supplanted the role of the Goddess for the need to situate it in the new context of evolution of the human consciousness. Now, when we have desacralized nature and we are incapable of contemplating life as a living unit, perhaps it will become necessary to deeply understand what the nature of the ancient Mother God was, to better understand the implications that her loss has been for the human being. I see the knowledge of the matriarchal tradition as a connection with the emergency of contemporary movements, that put life in the centre of ecological and social transformation, and that they can support each other with alternative cosmovisions, freeing possible transforming meanings of art and society. Process Arriving to Rome came with a good dose of humbleness. To see myself immerse in historic wealth was very impressive, it moved me and turned my previsions upside down. Furthermore, coming to Rome to explore ancient art may be overwhelming if you don’t take the experience as a game of coming close and distancing yourself. My project invokes the muses in search of pictorial inspiration. And, concretely, part of Homero’s affirmation in The Illiad was that, in one moment of our remote past, the god Apollo domesticated his muses. If art is a manifestation of the social structure it emerges from, my art cannot be anything but a symptom of a society, disconnected within itself, that has lost its divine inspiration within the context of the sacred. Thus, my work here not only involved getting to know the art, but the archaic myths. It was, above all, an inner investigation, and an attempt to understand myself within the context of a larger universe. I tried to give myself up to the experience of the process, let it be, and try not to control it mentally. The secret I learnt is that this process of creating our work is not something we have to bear, but it is something in which the real sense is just waiting to be discovered. Any artistic search, by its own nature, is infinite. The artistic form is always bigger than our ability or technical level. Acknowledging that is an awakening in itself, the liberating understanding that we will never reach the end of our artistic evolution. Upon taking the path, we are building a relationship with the spirit of art that continuously reveals new secrets, in accordance with our capacity to understand it. Experience Working in the studio of the Academy has been marvellous. The enormous window looking over the garden inundates the space with light that is dispersed with the song of the seagulls and parrots. With the unforeseeable arrival of the sinister pandemic, we were paradoxically confined in a space of freedom. We appreciated just how precious and fragile life is.

We experimented moments of gratitude towards the day-to-day things: the city, the flowers of spring, the good food or the voice of a loved one over the phone. Having each other was fundamental, not only in our day-to-day life in the Academy, but in the creation of collaborative projects. Such as the lively workshop of signs organized by Susanna, the Stations of the Cross initiation with José Ramón and Ana, the magical collaboration with Joana and the creative dialogue with all. Thank you for your affection and complicity. ________ SUSANNA INGLADA Banyeres del Penedès (Tarragona), 1983. She lives and works in the Netherlands. She was educated at the University of Barcelona (Erasmus Willem Kooning, The Netherlands), MA Frank Mohr Institute (The Netherlands), Resident HISK 2017-18 (Belgium), Halle 14 Spinnerei (Germany), Kunst and Complex (The Netherlands), La Embajada Ciudad de México (MDF), Frans Masarell (BE), 18th Street L.A. (EE. UU.) y DordtYart (PB). 2nd place Guasch Couranty, Generación Award 2019, nominated George Verberg Grant 2013 and Scheffer Award (the Netherlands). She is currently among the three finalists for the Award YGA III Groningen Museum (The Netherlands). Among the resident grants and awards received, highlighted are: Solo Museo Dordrecht (The Netherlands),), Generaciones’19 La Casa Encendida (Spain), Ojos de Oro Museo Folkwang (Germany), Vreemde Gewontes Kunsthal Rotterdam (The Netherlands), Drawing Now (France), Soft Elements of Some Violent Tendencies ExtraCity (Belgium), The Power of Drawing, Centraal Musem (The Netherlands),), Maelström Arti et Amicitiae (The Netherlands), Drawing Front Drawing Centre (The Netherlands), TenBogaerde Museum (Belgium). Dibujo expandido (Expanded Drawing) The central themes of my work are: power structures, gender, violence, social injustice and human condition. I am interested in understanding from drawing, the most recent history and the current news in Spain and other occidental societies. Rome 2 chapters, my experience in the Academy: 1.- Origins of patriarchy. I was surprised by so many rapes of women represented in the arts (for example The Rape of Proserpina, Apollo and Dafne of Bernini or the biblical painting of “Susannah and the Elders”…) I focused on reviewing the representations of the historical bible of the “S. and the V.”. I found the feminine body had been represented by most of the male artists in two different ways: as a virgin or as a vic-

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tim. In the representation of Judith and Holofernes the game of power is turned, and the woman wins, as vengeance. In history there have been so many ways to represent power, rape, and the woman. Female artists have taken a stance concerning the counter representation of the woman (Kiki Smith, Kara Waler…). How has the female figure been represented throughout history? How have I represented the female character in my work? What is my position there in? How may I use art to question power? This project initiates in Rome and continues in a Project for a Dutch museum. 2.- COVID-19 came and I couldn’t do this part of the research. Recently having arrived at the city, I had to be confined to my studio. I decided to do some research on a formal level of different techniques such as animation and graphic print. I worked around what was happening. One drawing a day. I worked with animation on the weekends, alternating with linoleum. I spent almost three months without being able to leave. Working in my studio. The last month I spent visiting and finishing the way I had wanted to begin. Arrival. Villa Borghese. Barroque tour. Villa Farnesina. National Museum. Berninini Borromini Bernini Borronnini. Vatican. Sistine Chapel. Michelangelo. Raffaello. Visual exaltation. Saturation. And all of a sudden, door, news, disbelief. Face mask, gloves. News. Confinement. Nerves. Reality. 2 and a half months and the City as staging, seen from the balcony. Co-existence. Formal experimentation. Create about the confinement. Wait. Talks. Video calls. Return to the city. Streets without tourists. Back to the Beautiful Rome. ________ MONTSE LASUNCIÓN Canet de Mar, (Barcelona) 1977. Graduate in Art history and diploma in Conservation and Restoration in Cultural Property, a profession which she has been doing for some years now. She is currently undertaking a master’s degree in Diagnosis of the State of Conservation of Historic Heritage.

In 2018 she moves to Portugal and participated in restoration projects of some cities such as Braga and Lisbon, the city where she is residing until a different project takes her to a different place. Técnicas de vaciado sobre grandes formatos en el siglo XIX (Casting techniques of grand format in the 19th century) During the 19th century monuments were produced throughout the world whose copies were exhibited in universal expositions and in public museums, they were created at that time, together with the museums of reproductions. In just one room, scale 1:1, one could admire magnificent French gothic architectural models; mosques and stupas from India; fragments of Cambodian temples of Angkor Wat or emblematic monuments of classic Rome, such as the Trajan Column or the Arch of Titus. Before using photographs, the world heritage was disseminated in 3D with copies in plaster. Creating moulds, from which copies are made, requires much expertise and a profound knowledge of the techniques and materials used. If the model is of a monument or sculpture, extreme caution is precise so as to not damage the model with stains, incisions, or cracks. Before the emergence of synthetic elastomers endless materials to collect the impression were used: plaster, clay, wax, bread, paper, glue, etcetera. I focused on the study of materials and procedures that were used in these operations, used in situ, with alacrity and in precarious circumstances. I intend to catalogue some of these practices, almost completely forgotten, as well as open new lines of scientific research for their identification and characterization, with the development of a protocol of evaluation of the consequences that these processes might have caused on the heritage. Process

In Catalonia she has worked on restoration projects acquiring experience in different specialisations: polychromatic sculpture, mural painting, and architectural coatings, among others.

As Italy comes from many artisans who did these jobs, and they ended up establishing themselves throughout Europe, these Italian procedures reached other countries.

She worked and lived in Italy for some years, from Rome but spending periods between the other cities such as Milan and Pompeii.

In Rome, from as early as the 18th century, the elaboration of different moulds of monuments and sculptures was already intensively underway.

From Rome she has also done some incursions in Lyon, developing conservation and restoration works for the cathedral and other monuments of the city. In 2016 she returns to Spain, this time in Santiago de Compostela, to reunite with the restoration team of the Pórtico de la Gloria.

That is why, I have focused on first-hand official primary sources found in the archives: instances, permissions and policies, from which I obtained very valuable information on the materials used, restrictions and prohibitions that the authorities established to safeguard the monuments.

Therefore, I was able to know the names of some of the protagonists and institutions that requested to undergo moulding processes of some of the works of the city. I contrasted this data with the information gathered in the manuals of the time, in which there are recipes and procedures, discovering and analysing editions and comparing procedural forms from France, England or Italy. It was normal for the same artisans to undertake reproductions of anatomies and still lifes, both quite usual in the 19th century, with interesting connections to the techniques used for monuments, so, these types of copies are also interesting for me. I am testing some materials, following the recipes of said manuals, making moulds with different materials and reproductions in plaster that will be the base of the design of a proposal of a laboratory trial, with tests to be analysed under an electronic microscope, other analytic techniques, and an accelerated aging test.

Retratos de la post-ideología, la relación de confianza entre el Individuo y el Estado (Post-ideology portraits, the relationship of trust between the Individual and the State) A life in which utopia has become reality: corruption is not an element of power. Sexism is not part of culture. Activism is not a marketing strategy. The politicians go by unnoticed instead of being the news. Bureaucratic paperwork is short and simple. Life is real, not a simple technicality. A walk through effective dystopia: in daily life the endless procedures touch on absurdity, it is the violence of the procedure. The poorer one is, the greater the presence and effect of bureaucracy. In the film Oficina (Office) a civil servant speaks (https://vimeo.com/394046812). The bureaucrat is a robot that manipulates documents (https://vimeo.com/470594184).

The excess of bureaucracy is a symptom of a lack of trust between the Individual and the State. But there is another way, more lethal, in which the relationship citizen/government is distorted: negligence. The video 154 Bofetadas (154 Slaps) (https://vimeo. Experience com/394046978) could be a demonstration of what each one of the politicians who did not take preThis has, for my work, meant another period of a pro- ventative measures towards the Coronavirus should cess that I had already begun. This Roman period do to themselves after their resignation. In front of opens new suggestive research areas. It is an invita- the immigration office, as ghosts in the night, immition to continue in this line. grants line up for a passport or visa: The Queue for immigration (https://vimeo.com/402682957). A way Upon listening, sharing, and questioning the others, of life is understood and taken as a natural way, but highly stimulating interferences reached my ears, its degree of alienation is intolerable. The State, pagiving me ideas to materialize and visualize my work. ternalist with its aid, incapacitates and takes away It is an invitation to reinvent myself. more than it gives. In Corviale the architecture is magnificent, and the views are spectacular; but the Furthermore, I have had time to relive Rome, through management and services are non-existent for the the views of others, always very recomforting. thousands of people in the building of one kilometre, demonstrating the failure of social housing. In the ________ “Villaggio della Solidarietà”, on Via di Salone, there is no architecture nor view. The State destroyed the JANA LEO unique houses made by the gypsies, moving them to containers in the middle of nowhere. It was to be for Madrid, 1965. PhD in Philosophy and Literature, a six months, but eleven years have gone by since they master’s degree in Art Theory and aesthetics from have been in tin boxes. Life is not just a procedure the Autonoma University of Madrid, a master’s de- (https://vimeo.com/413992438). gree in Architecture from SOA, Princeton. She is the author of El viaje sin distancia (A trip without dis- Excerpt of the movies in English: (https://vimeo. tance, Cendeac, 2004) and of Violación Nueva York com/496285854) (Rape New York, Lince, 2011). She was the professor of Projects and Advanced Concepts of Art and Architecture at Cooper Union University in New York for Process seven years. She has exhibited, among other places, in the International Photography Centre of New York, Inspired by Machiavelli (if the government is too hard, in ARCO and MNCARS in Madrid. the governed revolt, if these are too submissive, the corruption of the government is rampant…) my intenLeo analyses systems. Her work teaches the work- tion is to track, and through a tool of the State (buings of a pattern and its impact on individuals. Leo reaucracy), its paternalism and populism. documents, with images and texts, the emotional state that takes place parallel to the facts. In 2008 Having seen the public offices, such as the civil regshe created the MoSis Foundation, Models and Sys- ister and, unseen, I begin to take photographs of their tems, Art and City. space and to read the feedback of the online users. I

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try to interview people, but nobody would like to speak of the bureaucracy in Italy. Peter Eisenman said that the people convince themselves that everything is fine. They know it is not like that, but recognize something when it is rotten, it is not a step forward but a punch to one’s self-esteem.

Many have died, I will register the political mistakes and the lack of trust between the individual and the state. ________ JORGE LUIS MARZO

My stay in Rome has a before and an after: a group called Stalker. The fact that for a group of “normal” residents in Rome, bureaucracy doesn’t seem to be a problem, leading me to investigate if it were for the “exceptional”. That is how I got to the civil servant who would like to work more, to the queue of immigration at sunrise to renew the passport and to the gypsy fields that, for a mere bureaucratic matter, a municipal program, they are of contention: containers and gates. In March the Coronavirus crisis exploded. I live in the confinement due to the pandemic in Rome through Sabrina Sejdovic, who, from the camp nomadi Via de Salone told me through Whatsapp her day to day (they close Caritas/two days without eating/the lawyer friend of Pantxo tries to help/the days with fever/ Caritas is re-opened). She draws with her children who don’t go to school. I go through the cupboards of her kitchen, that I already had seen in the film that I had done with her (Salone, una vida de contenedor Salone, a bin life)… a package of spaghetti, a bag of lentils and another of rice. Nothing else, no oranges, tomatoes, cheese, etc. “Keep on moving forward, Jana, keep on moving forward”, she says on the good days. “I am pregnant, I don’t have work, there is no food, everyone in the camp is the same”, she says on the bad ones. We stop speaking every day when the confinement is lifted, and she can get out to find subsistence. Experiencie In November I arrive at Rome, an easy city for the visitor but difficult for the artist/activist. Even so, I have a studio, team, colleagues. After two months of stay and only taking care of my ideas and myself I reached a visionary state. That is how 154 Slaps came about. It isn’t a happy moment, but indeed intense. By random circumstances, it came to me, like a slap, a reminder of one of those limits: aging. To form part of the Academy with this project is already a critical position, and my daily life is an exercise of modifying the definition of a resident in stay. My attitude towards the stay is not that of taking advantage of it to have a good time, relax and make contacts. By living here, I am moulding the institution. To be, is the largest strength in transformation. The topic, the relationship between the individual and the state, was important at the time, but was critical in the year 2020 and 2021 with COVID-19. The understanding of the control of the pandemic as a form of cutting freedoms by Trump in the U.S. or by Ayuso in the Community of Madrid, is one example of that.

Barcelona, 1964. He is an art historian, PhD in Cultural Studies, curator of exhibitions, audio visual filmmaker, tenured professor at BAU University Centre of Design of Barcelona and a member of the research group GREDITS. At the end of the 80s he designed numerous national and international research projects, in exhibition format, audio-visual or editorial, often to do with the politics of image. The most recent are: Actuar en la emergencia. Repensar la agencia del diseño durante (y después) de la COVID-19 (Taking action in times of emergency. Reconsidering the design agency throughout (and after) COVID-19, RAER, GREDITS, BAU, UNIKORE, AASD, Università Federico II, Hangar, ISIA, 2021-2023); Las videntes. Imágenes en la era de la predicción (The psychics. Images in the era of prediction. Arcadia, 2021); Fantasma’77. Iconoclastia española (Ghost’77. Spanish iconoclasm. Tecla Sala, Roca Umbert, Centre del Carme, Casal Solleric, 2020; with Matteo Guidi and Rebecca Mutell); Iconografía post-millenial (Post-millenial iconography. Morsa, 2019); La competencia de lo falso. Una historia del fake (The competition of the false. A story of the fake. Cátedra, 2018); Espectros (Spectres. Virreina, 2017); Fake. No es verdad, no es mentira (Fake. It’s not true, it’s not a lie. IVAM, 2016); Interface Politics (BAU, 2016, 2018); Arte en España (Art in Spain. 1939-2015). Ideas, prácticas, políticas (Ideas, policies, politics. Cátedra, 2015; con Patricia Mayayo). Oficina de adivinos. La cultura de la predicción (Psychic office. The prediction culture) In the wake of a series of previous works dedicated to Artificial Intelligence and its impact on specific imaginaries and linguistic social orders, the motive for the residency was to create a book that would trace a genealogy of the current mathematical regime of predictions. The objective consisted in exposing the motor that has allowed the machines to dominate the language of the oracles and judge everything existing, especially human behaviour, as well as the fact that the algorithms of the machines are very quickly learning to see images, to write them and in so doing, to predict the world almost exclusively through them. My perspective is that of an art historian, which implies a unique view, given that we no longer only deal with artistic images, but now we deal with all images. The project intended, well, to see the role of these images, artistic as well as scientific, over the course of this process, analysing by using certain tricks of the trade to illuminate historic nodes through which, little by little, the predictive truth got entangled, the only way to describe the world obsessed with knowing everything and cancelling any form of doubt or

serendipity. The result of the grant was the book Las videntes. Imágenes en la era de la predicción (The psychics. Images in the era of prediction), published by the editorial Arcadia, in Barcelona, March 2021. Process The idea was to draft a book – in part, encouraged by the offer of an editorial – in which to trace a genealogy of the function of the images in the sciences dedicated to predictions. The reason for coming to Rome was to explore, through documentation, some parts of this process. From the Renaissance to the beginnings of the 20th century, a grand part of the Italian intelligentsia was influenced by physiognomic classical theories, that judged the personality through anatomic features, adapting a type of representation of the emotions and gestures that would end up being adapted by the emerging “social physique” of the 19th century. The criminal and psychiatric panthropometry and anthropology set the basis to augur human behaviour, from the morphological study and comparison, and the intensive use of the new means of photography. Today we refer to these techniques as biometrics, and they constitute the direction of the current predictive regime. The confinement due to the pandemic truncated all of the consults, and it was necessary to use the online archive. The technical consultations with engineers and software artists were carried out via internet without any major setbacks. The rest of the plan went down the drain. The only thing left to do was to sit down and write, in a garden full of little birds, livened by aerobic sessions (that we called Bella Gamba, magnificently choreographed by Ana Bustelo and Joserra Ais), outings to the supermarket and shots of tequila. On the 16th of April I wrote the last line of 176 pages. On the 15th of May I was able to find a triangulated flight that returned me to Barcelona. On the 1st of September I handed in the final draft of the manuscript to the editorial. Experience I arrived at the Academy to work for three months, I entered on the first of February and the last day was in April. The 4th of March everything closed, and we were confined to the premises, a kind of golden cage. One day a Kinder sorpresa (a chocolate egg with a surprise in it) appeared in the locker of each of us. Someone had left it there to liven us up. I never knew who. I didn’t ask much either. Within mine there was a little children’s figurine of green plastic with a winged red helmet that could be taken off and put on and served as a ski mask. It was a girl with huge eyes, smiling with her arms up. I called her Wilson, in memory of the ball that accompanied a shipwrecked person in a movie, and I put her on the bedside table. Terrible images and news took place every day. One night, Wilson spoke to me in a dream like a Sybil: “Be careful with the classical categories of this damned city”.

IRENE-CLÉMENTINE ORTEGA Bilbao, 1986. Since 2008 she is actively involved in artistic creation, fashion design and in the historic research of textiles. In 2011 she moved to Berlin where she specializes in the dating of antique fabrics and identification and classification of pre-industrial garments and civil clothes from the beginning of the 20th century. Throughout this period, she continued her learning in Italy, the country which gave her direct contact with high fashion and archives of private wardrobes. In 2015 she inaugurated her own textile archive with a considerable number of pieces. Among her most distinguished clients: Vogue, Esquire, Vice, Preassure Paris, Glossa Music or Universal Music. She also takes on art management for Palazzetto Bru Zane, a dependent organization of the Foundation Bru with its headquarters in Geneva, Paris and Venice. In 2018 she settled in New York where she has participated in grand fashion campaigns in collaboration with important professionals of the sector: Galore Magazine, the international campaign of GAP with the stylist Beth Fulton or DAZED Magazine with the stylist Emma Wyman. Tarde de fiesta en un sueño barroco (Afternoon party in a barroque dream) I develop the exhibition of my textile and stage project in an enigmatic space of the city of Rome; as if it were a tableau vivant of a courtesan party, an illusory feast that takes place far from the eyes of the spectator. A festive fashion show, baroque bacchanal, pastiche of a theatrical sort that makes more sense within the narrative discourse of this project. The statism of the stage, more adequate for the pictorial, represents what is permanent, what is immovable. A spectacle with out-dated characters, eternal while ephemeral, who communicate their message through their clothes, through the basic visual: colours, textures, shapes. I suggest the return of using the gesture as information, suggestion, defiance, to the emotional of the divine revelation that furthers itself from Nature to invention and convention. I propose creating a clothing object, a series of unique pieces, exuberant and timeless that bestow the person wearing them with a transformative power, allowing them to play with the established roles and escape everyday banality breaking with the marked established social rigidness. It was necessary to be able to experiment with the materials freely. I used pure pigments for the dyes, I returned to sewing by hand, the elaboration of fantastic headpieces, recuperating fabrics and the modifying and reuse of antique garments. Process The evolution of my creative and production process was deeply tied to a series of happenings that took place over this year. After a period of adaptation and

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the concretion of my ideas through studying memoirs of wardrobes, visiting museums, exhibitions, and theatres, I began to actively collaborate with persons who could contribute organization and structure to my image archive. Giulia Venerandi, in fashion consultancy, or Maria Elena Masetti Zannini in theatre staging, as well as fashion and textile artistry professionals in the city who helped me give an identity and body to the initial idea of my project. Concerning the tailoring and elaboration of pieces and prototypes I chose to primarily work with Italian suppliers, who also offered their knowledge and experience in classic tailoring, difficult to find in other cities. As a consequence of the unprecedented circumstances of the health emergency that we lived from March on, my production process was partially interrupted. Despite that, I continued producing in a more intimate and reflective way, accepting the change in timings. Rome is not a closed chapter for me, and after this strange summer of limbo, I will return and submerge myself in its eternal romanticism to complete this and many other future projects.

Intruso together with Manuel Rodríguez, with whom he returns to collaborate in 2020 in Cenere, as part of a project which he does in the Spanish Academy in Rome. His work is part of different private and public collections including: CA2M, MUSAC, Caja Rural of Jaén, Ankaria Foundation, The Museum of the Spanish Print Foundation, CAM Foundation or the ICARM Collection.

Experience

In October of that same year and a few days before his death, Pasolini participates in a similar experience. The photographer Dino Pedriali did a photo session at his country home in Chia. The house opened into nature through its enormous windows. When it became dark, the photographer asked him to undress in his bedroom while he went outside. The humidity of the evening made the aroma of the nearby bay trees more intense. There was also an enormous mimosa tree.

My stay at the Academy gave me the necessary tools to develop, full time, a design project and create a wardrobe with complete creative freedom, without deadlines or timetables. Italy has always been a country where I have had and maintained very close relationships, emotional as well as professional. My first contacts with the world of textile, antiquarian, art history and love, were in this country, that nurtured my motivation and knowledge. The city of Rome, throughout my stay in the Academy, offered me the perfect stage to completely immerse myself in the history of the 7th and 8th centuries, in its innumerable pictorial collections, its circular architecture, its secret passages, in short, the Barroque world that inspires and illuminates my fantasies.

El alma oscura (The dark soul) In 1975 Fabio Mauri did the performance Intellettuale, in which he projects his own film Il vangelo secondo Matteo on the chest of Pier Paolo Pasolini. The loud sound in relation to the small size of the projection produces a novelty experience in filming. In a specific moment of the action and worried about the lack of movement in his friend, Mauri comes close and asks him if he is fine. Pasolini is ecstatic. Once in a while he moves his head to be able to observe the potent ray of light on his chest.

Pasolini took a book and sat to read, openly revealing his sex. The photographer, protected by the dark, shot his camera on the over-exposed body of the writer. The light silhouetted the figure of his naked body in the middle of the night. It looked like a firefly. On November 3, 1975, in a field close to Ostia, a bloodstained shirt of Pasolini’s appeared. The police confirmed that the shirt smelled of salt and tabacco, of patchouli and of rusty rose.

________ JAVIER PIVIDAL Cartagena (Murcia), 1971. He combines his artistic activity with the management and edition of editorial projects with graphic creation. He has shown his works in spaces such as SCAN Project Room in London, The Whitebox Gallery of New York, Magazin 4 of Bregenz, Austria, or the Cervantes Institute of Naples, among others. His latest shows were the solo exhibition ¿Por qué durar es mejor que arder? (Why is going on better than burning?) in the Sala Verónicas of Murcia, the collective exhibition No se escribe, luminosamente, sobre un campo oscuro (One doesn’t write, with much illumination, about a dark field) in the José Guerrero Centre of Granada or the project Mia anima nera (My black soul) for the Blueproject Foundation of Barcelona, as part of the collective The Perfect Lover. In 2018 he does the performance El

Process and experience Van a olvidar nuestros nombres (They shall forget our names) con el tiempo nadie sabrá lo que hicimos (In time nobody will know what we did) nuestra vida pasará como el rastro de una nube y quedará desperdigada como el rocío al que siguen los rayos del sol (Our life will go by as the trail of a cloud and will end up scattered as the dew that follows the rays of sun) nuestro tiempo es una sombra que pasa y nuestras vidas se propagarán como chispas en el rastrojo. (Our time is a passing shadow, and our lives will go out as sparks in the brush) Derek Jarman, Croma, 1994

Hold your eyelids tightly closed. Close your eyes first and squeeze. After a second, open them and blink. The bright dots and the sparkle will last less than the pain. It’s been a long time now that I haven’t heard your breathing, but I remember it perfectly. Your body now executes choreographic movements that nobody understands. What are you trying to tell me? Sometimes, your face comes out of the darkness and looks deeply into me. I now know what loneliness is: loneliness is the distance between you and I. Loneliness is 1971 km. 9 metro stops. 40 days. I dreamt of you for years. I saw you coming out of the sea and returning home. The image of your naked body is printed in my memory. Everything is seen by me through that body. All is body. Memory is constructed by images that remain on my skin. Memories last forever, contrary to flowers.

Since then, and throughout my stay in Rome I have gone to this ceramic promontory repeatedly, sampling its perimeters, photographing its sediments, or recording the metallic sound of its surface. This artificial hill became an anthropogenic icon for my research that has shown us how the technique and the engineering of the times could efficiently lead the management of Roman waste. A legacy of commitment that crashed head on with the current environmental crisis, and that reveals the lack of long-term eco-planification of our current model of expansion and growth. Part of that research that took up my first month of October had to do with the current management crisis of the rubbish and the appearance of illegal landfill sites in the city of Rome. Without a doubt, one of the examples of this rubbish dump crisis is what the city of Malagrotta suffers. This landsite is located on the outskirts of Rome and is 230 hectares long, the largest of Europe, and has been closed since 2013 for environmental reasons.

________ ENRIQUE RADIGALES

Process

Zaragoza, 1970. He is one of the pioneering Spanish artists and researchers in Net.art and in digital languages. His work has been shown in biennials such as Bienal d’Art Leandre Cristòfol, Lérida; Biennal IEEB4, Sibiu; Media Art Biennal WRO, Wroclaw and Biennal Electrohype, Ystad. He has exhibited in institutionalized spaces such as Matadero and Casa Encendida, Madrid; MACBA, La Virreina, La Capella, FAD and Can Felipa, Barcelona; CDAN, Huesca; LABoral, Gijón; the Spanish Cultural Centre in Guatemala; Instituto Cervantes of Burdeos, Chicago, Viena and São Paulo; Freies Museum, Berlín; OMA, Seúl and the Center of Contemporary Arts, Glasgow. He has participated in important international fairs such as ARCO, Madrid; Zona Maco, Mexico DF; Miart, Milán; SP Arte, São Paulo and Armory, New York.

Parallel to this research on the Testaccio something was taking place that I could observe from the window of my studio in the Academy:

He has been an artist in residence in Casa Velazquez, Madrid; Quincena de Arte of Montesquieu, Gerona; Arteleku, San Sebastian; Eyebeam, New York; URRA, Buenos Aires and the Museu da Imagem e do Som, São Paulo. Del Testaccio al pappagallo (From the Testaccio to the parrot) At the beginning, this project aimed to examine and classify the biology that inhabits the artificial construction of Mount Testaccio through my own method of taxonomy. To chart and think the sessile post-biology of that artificial mountain and its bio-geo-physical interactions: fungus, roots, ticks, birds, seeds, restaurants, fallen leaves, ground, the dynamics of the woods, the humidity, the ceramic substrate, the discos, the water evaporation…

4/10/2019. This morning I spent a time looking at the parrots from the window of my studio. They fly from the magnolia to the privet leaving a green, piercing wake that contrasts with the patina ochre of the ambassador’s house. Here they are called pappagalli and seem like they know their way very well, a straight line from one tree to the next, in contrast with various other birds riding the breeze. Everything moves to the rhythm of the invisible, the top of the cypress, the climbing vines of the wall, even the clothes hanging on the line don’t seem to resist. Only the exotic tones of the parrot break the cadence of the environment. Unexpectedly, a new anthropogenic icon has just entered through the window. The pappagallo, just as the Testaccio, can be considered invasive anthropogenic icons; the amphoras of the Testaccio were cooked with Baetica soil and transported from the Mediterranean to make the only Spanish mountain in Italy. The pappagallo arrived in Italy owing to its capacity for adaptation. They construct nests, pushing out the local species, altering the ecosystem of the city, as the promontory of the Testaccio, that alters the horizon of a neighbourhood with a geologically flat topography. If the term Anthropecene defines a geological era that affects and implies our contemporaneity, we may find in the title of this project, “Del Testaccio al pappagallo” (From the Testaccio to the parrot), a local

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reference that defines the terms of the Anthropocene situation of the local crisis. Experience I suppose that it will be commonplace to speak of the necessity to err with freedom in any creative process, but I believe that we shouldn’t forget that to enter the ecosystem of the Academy implies tripping over yourself time and time again. The time and the resources that this community of beings and disciplines offers has allowed me to break with the inertia of some of my work processes, and, of course, enter in crisis various times. But apart from any stress, this time and these resources allowed me to enter into areas of experimentation, play with magnetic work processes, and relate with new material and techniques. I believe that it is necessary to comment that the stay at the Academy was pierced by the pandemic of COVID-19. A miniscule organism that somehow transcended my work process. Whilst the project began in October with a series of large-scale formalizations, the processes and the forms were progressively diminished, until reaching the size of a chic pea. ________ PANTXO RAMAS Milán, 1979. PhD in Philosophy and activist in European social movements, his work researches expressive practices and critiques capable of transforming the present, through an ethnographic, pedagogic, and aesthetic reading of the institutional practices of health and art. Trieste has been the focal point of his research since 2015. He collaborates with the Cooperative La Collina de Trieste and forms part of the research collective Entrare Fuori and the Permanent Conference for Mental Health in the World. Palimpsesto Basagliano, la libertad como una de las bellas artes (Palimpsesto Basagliano, freedom as one of the fine arts) Palimpsesto Basagliano is the result of a historical research process, of collective discussion, as well as the elaboration of critique and the cataloguing of multimedia materials, in which various actors in Trieste as well as Rome participated, through seminars, conversations and interviews that allowed for dialogue between those who have lived this story as a protagonist and those who feel part of it today. In the first of the six seminars, Palimpsesto Basagliano began from the analysis of the photographic report of Carla Cerati and Gianni Berengo Gardin, Morire di classe (1969), that in its time opened the public debate on the state of the psychiatric institutions in Italy. In second place, the magical and specific narration of Marco Cavallo, the theatrical

machine of Giuliano Scabia and Vittorio Basaglia that demolished the fence of the asylum in 1973, allowing us to question how the artistic languages have changed the practice in the attention in mental health. La Accademia della Follia (1983), founded by Claudio Misculin and Angela Pianca, and the Laboratorio P (1983), founded by Carla Prosdocimo and Pino Rosati, were the centre for two other seminars, one destined to discover theatrical experiences and the other to sketch the pictorial and visual signs that confirmed the polytechnical laboratories as collective instruments of emancipation. Spaces for freedom and a place for multiple possibilities of doing. The last two seminars tackled the contemporary reality of the right to beauty as a specific practice of other forms of care and artistic expression. The design of the spaces for treatments, curated by Antonio Villas, and the graphics of the communication of the group ZIP, allowed to open common spaces and unprecedented institutional possibilities in the area of mental health. Lastly, the park of San Giovanni, where the asylum had been, and where today, there is a garden with five thousand roses, designed and maintained by the Agricultural Cooperative Monte San Pantaleone. It has been interpreted as a factory of wishes, in which every day the specific signs of the wonder maintain the terrible memory of institutional violence alive. Process During the first weeks of my stay, I did nothing but discuss and speak with many of the protagonists of the basagliana in Trieste’s revolution. They were crucial weeks in which closed drawers and abandoned files gave way to voices and images, so that this research would become the protagonist of the present. Having chosen six stories, the goal was to transform the objects and gathered voices, into common spaces for discussion in Trieste. The result was interviews, seminars and conversations taking place in collaboration with a multidisciplinary work group made up by Lara Baracetti, Arturo Cannarozzo, Guillermo Giampietro, Francesca Giglione, Naomi Piani, and Adam Zuliani from the Social Cooperative of La Collina. These hidden materials, uncovered and superimposed, these mixed languages, recorded and awaken, these prepared discussions, moderated and recorded, are now a catalogue of voices and images, discussions, and critical analysis, gathered on a web site, where one may follow some of the guided paths, or compose one’s own interpretation or situation of one of these stories. During the project, the necessity arose to create an expository device that would contrast the historical reading with the voices and specific images that pierced these stories.

Experience Palimpsesto Basagliano is set out to be a critical mediation that questions the relation between society and institutions. Trieste represented a reference point for the different generations of institutional critique, as it defines the institution as a social story, historical and material, whose incidence is not only disciplinary, but strictly political and above all, subjective. To live this experience in the Spanish Royal Academy in Rome is to accept these matters of the daily life of a live and complex institution and to discover the daily difficulties of a critical institutional practice: two moments that were meaningful to me. On one side, to accept the challenge to maintain the project in continuous tension with a collective and social story, highlighting the ethical and political prominence of those who practice this story every day. A challenge that was developed through a tight collaboration with the Social Cooperative La Collina. On the other side, it meant the rethinking of the aesthetic and analytical tools right in the middle of a sudden pandemic, a work carried out together with the Chopin Collective, with Carlo Caprioglio and Silvia Ribeca, and Radio Fragola Gorizia. The result of this challenge is another palimpsest of voices, collected in the article “Pandemie Locali”. ________ ADOLFO SERRA Teruel, 1980. Illustrator, creator of books and professor. Higher technical degree in plastic arts and design in illustration at the Escuela de Artes y Oficios Artediez (Madrid). Degree in Publicity and Public Relations at the Complutense University of Madrid. Explorer of white pages. For him, to illustrate is to decide, to illustrate is to tell, to illustrate is to observe, to illustrate is… to feel. Part of his professional activity is dedicated to the development of workshops and creative laboratories linked with illustration and drawing. His illustrations have been selected in Bologna Children’s Book Fair (Italia), Illustration Biennial of Bratislava (Slovakia), Sharjah Children’s Book Fair (Arab Emirates), Ibero-American Catalogue of Illustration (Mexico), CJ Picture Book Awards (Korea), Mostra Internazionale d’Illustrazione per l’Infanzia Sàrmede (Italia) or China Shanghai International Children’s Book Fair (China). Bomarzo “La fantasia è un posto dove ci piove dentro”. This is the title of one of the most beautiful “American lessons” of Italo Calvino, who begins with a verse of Dante Alighieri in Purgatory “Poi piovve dentro a l’alta fantasia”. Even though Dante claimed that his imagination rained from heaven or God and moved that part of his visual fantasy to writing, Calvino defended that we may express what we imagine with words, and

that imagination leads us to see, but also to create images that originate from words. The experience of reading images implies developing places in the mind, building stories, generating a tale, giving movement to some characters. But it also means verbalizing that imagination, shaping it, putting it in words, it is an act of telling and sharing. To an adult or a young reader. What comes first? The image or the word? Are we capable of superimposing our emotions, experiences, or ideas using illustration as a guide? This project is a search for the answers to these questions, from the creation of open images, together with creative laboratories or with the Sacro Bosque of Bomarzo as a starting point for the research. Process Rome is beautiful and chaotic, it is a mixture that includes a bit of sacred animal, ruins, and open museums in the fresh air. There is something quite instinctive and primate here… the tastes, the light, the colour, the enjoyment of life. One must remain alert so that the city doesn’t devour you but also remain conscious of everything it is hiding. The Academy is a mirror of this city, a place with history and energy that goes back to 1873 but open to new disciplines, to contemporary creation, to dialogue between artists and citizens. As a mirror you are reflected and projected in the conversations with other residents, in the processes, in the search, and in the isolation. Your image is diluted and distorted, even your own idea of yourself, of your project, about art or creation. There is a kind of trap or illusion in the Academy. How can you create if Rome hasn’t entered in you? How to follow theoretical steps when the city opens the way? I believe that is the magic. The footprint of Rome and the Academy now form part of you, these nine months are only the beginning. Experience I am in Rome. I arrived at a palace and all of the sculptures were decapitated. They were only bodies. Meat made of stone. Impulse. There was no reason. I am in Rome. I got lost in a forest of paintings. An eternal spring of tempera and pigments. There were birds. Song of lime and stucco. There was no sound. I am in Rome. I dreamt seeing myself as a forgotten saint. I felt the wounds, the diagonal, and the cutting lines of my martyrdom. A little later I faced that image in a church. Delusions of martyrdom. I dream of awakenings. I am in Rome. The bones of my hand break. I lost two millimetres of a finger. I think of numbers, of the 21 grams that the soul weighs and of the 2 mm I now

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lack, in the seriousness of the words and the lightness of hugs. Tribute to bone. Liturgy of skin. I am in Rome. Beautiful and chaotic, I am disoriented in the streets and in myself. I drink from wolf fountains; I follow the starlings and I walk among ruins. Mysteriously, in Rome, you always arrive somewhere, even if it isn’t where you had expected. The lost steps. The live ruins. ________

up developing their careers in Spanish film. Ensuring the contact of experiences of film professionals between Spain and Italy. The most characteristic two cases: that of Raimundo Minguella, a Catalan who worked between Barcelona and Turín representing Italian companies in Spain and the inverse, Spanish companies in Italy, to later create his own Italian-Spanish production company Excelsa Films. The case of Augusto Turqui was the opposite, the secretary of the board of administration of the Cines in Rome and later the responsible of their offices in Barcelona until 1917.

BEGOÑA SOTO Sevilla, 1964. Professor at the University Rey Juan Carlos, where she was the director of the master’s’ and PhDs on Spanish Film Studies. She initiated the Film Library of Andalusia, managing it for six years. She restores and researches film material from the silent film period, collaborating in projects with the various film libraries, the Filmoteca Española, the Filmoteca of Catalunya and the Portuguese Cinemateca. She is coordinating the Spanish Womens’ Film History Project. Among her recent articles: “El poder de lo desconocido. O cómo enfrentarse a la contribución de las mujeres en los primeros años del cine español” (The power of the unknown. Or how to face the contribution of women in the first years of Spanish film), in Presencies i representacions de la dona en els primers anys del cinema 1895-1920 (2019); “Field Trip to Insanity: Bodies and Minds in the Doctor Maestre Film Collection (Spain, 1915)” with L. Alonso and D. Sánchez, in Corporeality in Early Cinema Viscera, Skin, and Physical Form (2018); “Women and the shift from Theatre to Cinema in Spain: The Case of Helena Cortesina (1903-1984)” with E. Cordero, in Nineteenth Century Theatre and Film (2018). She is the editor, together with E. Cordero of the volume Women in Iberian Cinema: A Feminist Approach to Portuguese and Spanish Filmic Culture (Intellect books, June 2020). La Cines, las relaciones cinematográficas entre España e Italia 1906/1918 (The Cinemas, the cinematographic relationships between Spain and Italy 1906/1918) The Società Italiana Cines (Italian Società Cinemas) was created in 1906 in Rome, and from that year on it had an office in Barcelona. That system with its own office with a manager brought in from Italy was not the case of any other Italian brand in Spain. Cinemas distributed more than one thousand titles from Barcelona between 1910 and 1917. Halfway through 1913 the brand Film de Arte Español was created to produce movies in Spain. In this project I deal with the biographies of the Cines technicians who were moved to Spain: Mateldi, Turchi, Doria, Munzi, Miraglia o Genina. Some of them ended

Process and experience Bajo este epígrafe quedaría ridículo escribir cualquier cosa que no fuera: pandemia. (To write anything but the word pandemic in this synopsis would be ridiculous) As a matter of fact, I believe that everything written about this project, or the biography, seems ridiculous. It wouldn’t be very convincing to say something like “nothing has happened here”. And that is not only wrong, but it would be unfair and irresponsible. Anything that could happen did happen. The project, the biography, the process, or experience shouldn’t be the same, they shouldn’t be told any way else that isn’t summed up by one word: pandemic, and the estimations accompany it. From the before and after, the before doesn’t exist and the after should be different. It’s impossible to tell the tale of this process or experience without taking into account the discipline of having remained in Italy two months after I should have already been back in Spain. It’s impossible for any tale to withstand a process or experience given the fact that most of those days and nights of those two months were watching, without being able to do anything about it, Rome from the windows. To write about the process and experience of the pandemic: I don’t know how to do it, and I do know that I don’t want to. Even knowing that to write about anything else is ridiculous, I could tell of a few things. I researched in the National Film Library of Rome. I touched the original cellulose nitrate of the title Carmen (Doria, Turqui, 1913). Most likely, and very slowly, as is always the case with these things, we will restore, or at least digitalize that incomplete title. I believe that I have learnt that work, most of the time, means almost nothing. Furthermore, and above all, I lived with a group that chance brought together, and that chance dissolved. Chance, not by decisions taken but by those enforced by policies, decrees, and figures. To deal with the biographies of people who were stranded in Barcelona without being able to or wanting to return to Italy in 1914 in order to avoid the war helps to understand, although not explain, how fragile, and sometimes even ridiculous, everything is.

CLAUDIO SOTOLONGO

Process

Habana (Cuba), 1982. Master’s degree in Innovation and Design at the Higher Institute of Design (La Habana, 2006). Since 2004 he designs posters for the Film Institute (ICAIC). In 2011 he was the co-author of the books Soy Cuba: Cuban Film Poster from after the Revolution (I am Cuba: Cuban Film Poster from after the Revolution, Trilce Ediciones) and Ciudadano Cartel (Citizen Poster, Ediciones ICAIC). Since 2010 he is a professor at the University of La Habana and a designer at the Editorial UH. In 2010 he was awarded the artistic creation scholarship of Estudio 21 at the Centre for the Development of Visual Arts in La Habana and in the periods from 2016-2017 and 20192020 he was an artist in resident at the Spanish Royal Academy in Rome. Between 2018 and 2020 he has exhibited in the Kennedy Center, Washington D.C.; at the Matadero Cultural Centre, Madrid; California Art Museum, Pasadena; Fowler Museum, UCLA; Museum of Decorative Arts, Paris and in La Habana at the National Museum of Fine Arts, Factoría Habana, Fábrica de Arte Cubano, Ludwig Foundation, Estudio 50 and Galería 23 and 12. His work has been exhibited in the design biennials of Madrid and La Habana and poster biennials in Lublin, Trnava, Ecuador and Bolivia, and forms part of the collections of the libraries Margaret Herrick and UCLA; National Library of Cuba; the CSPG, the Film Archives of Cuba and the Museum für Gestaltung, Zürich, Switzerland.

The fact that the Tempietto of Bramante is circular and that it is on a hill makes it an ideal geographical centre for the construction of the outskirts. From the Tempietto on, the paths go through, first the Trastevere, then Regola, Parione, Ponte, Pigna, Saint’Eustachio, Campitelli and Saint’Angelo, further Trevi, Portuense and Testaccio. Throughout the project, hundreds of photographs make up an archive of the visual manifestations of citizen disobedience (visible on Instagram under #roma_inconforme). In the process, the artistic research was split: one path was developed based on documents, the creative processing of gathered material and the production of the work through photography, the serigraphy, and the editorial design. The other path is the relocation of the Tempietto as an object, from its execution with aesthetic codes used in the practice of urban art: stencils, stickers, 3D printing and videos. Everything disseminated through social media, understood as the new platform for visual circulation. The visual urban story was quick to give a response to the post COVID-19 sanitary measures. That reality is incorporated in the work as the residency comes to an end just as the dialogues of the new normality are arising. Experience

Vándalos o poetas visuales (Vandals or visual poets) On a public and urban level, Rome today is visually insightful in so far as citizen disobedience. Multiple visual expressions of social nonconformity co-exist in this city: from graffiti, sticker and stencil art to vandalism on visual communication. Visual, audio-visual, and sound registers were undertaken of these expressions in their context using tools of visual anthropology and social research. A diachronic analysis of this archive enables an approach to the socio-cultural fabric of the city and ends up with the making of a work, executed in a range of supports: from editorial design, to stickers, to the motion graphics, 3D printing, stencil art and video; each execution is a point of view in the building up of a dialogue about the art institution in the #NuevaNormalidad (New Policies). The innovative and pioneering nature of this project consists in offering an “other” vision of a social and public reality in so far as heritage in such an incomparable, historical, and artistic city as is Rome, hence establishing reconciliation with a new public, especially with the new generations and their concept of citizen art. Thus, this project reveals the existence of a city understood as a live body.

To return to Rome is to resume a life that had been put on pause. Returning to the Academy is to return home, only that this home is also a workplace, museum, concert hall, and has its own day-to-day built into its delicate balance of the habits and customs of its dwellers, a process that, without being perfect, allows for the construction of new traditions every year. With my fellow grant holders I learnt, conversed, argued, and had fun. I collaborated with some and with all, we built new experiences. My project and my artistic practice were enriched with every exchange. It was a delightful surprise to find them in the presentation of my portfolio and in the projects that I developed in Rome in an event coordinated by the professor Francesca Gallo for the MLAC (Museo Laboratorio de Arte Contemporáneo – Contemporary Art Laboratory Museum) in December/2019. In March/2020 the health emergency obliged me to advance my return to La Habana. The support and solidarity of the team at the Academy and my fellow grant holders helped me with my return to La Habana and the continuation of the Roman project. EDUARDO SOUTULLO Bilbao, 1968. He has received awards such as first place at the New Note International Contest (Cro-

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atian Radio and Television Symphony Orchestra, 2018), Second place in the RED NOTE Composition Competition at Illinois State University Symphony Orchestra, Honourable mention at Lutoslawski Award (Warsaw, 2017), Winner at the 10th Edition of the A.E.O.S.- BBVA Foundation Composition Award (Spanish Association of Symphonic Orchestras), finalist at the Prokofiev International Composition Competition (Saint Petersburg, 2008), etcetera. He represented Spain in the World Music Days I.S.C.M. 2009 (Sweden). He has composed the soundtrack for the short film of the Gesamt 2012 project of the Danish director Lars Von Trier. His works have been interpreted by the Swedish Radio Symphony Orchestra (Sweden), National Orchestra of Lorraine (France), St. Petersburg Symphony Orchestra (Russia), National Orchestra of Spain, RTVE Symphonic Orchestra, Symphonic Orchestra of Bilbao (BOS), Symphonic Orchestra of Barcelona OBC, among others.

Characteristics of the composed work: Ensemble: flute, clarinet, violin, cello, and piano Duration: 15 min Recreation of sound effects (echo, reverberation) without electronics Spatial arrangement: the 5 instruments are located far from each other throughout the enclosed area, with the piano in the centre and the other four instruments in the four corners of the space, developing antiphonal passages and sound spatialisation. 4. Apart from the inaugurating score that I composed, during my stay at the Spanish Royal Academy in Rome and with the purpose of them being interpreted in a concert, I also prepared an arrangement for a chamber group for the following works by the mentioned Italian Barroque composers who practiced the same techniques of sound spatialisation, specifically Cantate Domino and Vias tuas, Domine by Giuseppe Pitoni and Hodie completi sunt by Andrea Gabrieli.

Roma: recintos sacros y espacialización sonora (Rome: sacred places and sound spatialisation) Experience The project consisted in the composition of a work of Chamber Music with the objective of exploring sound spatialization using a contemporary language, but, as a starting point, taking the works of polychoral music composers of the 11th and 12th centuries tied to Rome. Such compositors were Orazio Benevoli (1605-1672) and Giuseppe Ottavio Pitoni (1657-1743). Both developed their polychoral music technique by relocating sources (chorus’ and instruments) to create new sound effects, making the most of the architectural features of the Churches of Rome in which they worked as masters of chapels. That is how Benevoli did that in the Roman churches of S. Luigi dei Francesi and Sta. Maria Maggiore. Pitoni did the same in the Basilica of S. Marco Evangelista al Campidoglio (Rome). Process 1. Research was carried out of the Roman churches S. Luigi dei Francesi, Sta. Maria Maggiore, Basilica of S. Marco Evangelista al Campidoglio and the Church of San Pietro in Montorio in order to know their acoustic characteristics.

My stay as a grant holder in the Spanish Royal Academy in Rome gave me the opportunity to meet other residents in stay who were composers in other Academies such as Villa Massimo, Villa Medici, etc., and in whose exhibitions of their works (Open Studios), we could see the development of their compositions. I could also enjoy the programmed concerts of different academies that covered music from classical and contemporary to jazz (Historic Institute of Austria), as well as being able to attend the musical programming of the auditorium seasons such as the Parco de la Música. Apart from the previous, my two-month stay at the Spanish Royal Academy in Rome allowed me to go to many museums in Rome without haste (Galleria Borghese, Palazzo Doria Pamphilj, Palazzo Barberini, Museos Capitolinos, Museos Vaticanos, Castel Sant’Angelo, Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo alle Terme, etc.). The discovery of some of the exhibited works there may serve as a beginning point for new creations and a project. ________

2. For the study of the polychoral works composed by G. O. Pitoni y O. Benevoli it became necessary to consult some of their scores in the library of the Academy of Santa Cecilia in Rome. 3. From the results of the research work a composition of the chamber music was carried out, employing the technique of the polychoral music relocating sources (instruments) to create surrounding sound effects following the example of the mentioned Barroque polychoral works that used the technique “coro spezzato”.

JAVIER VERDUGO Sevilla, 1949. Archaeologist Curator of the Junta de Analucía Heritage. PhD by the University of Huelva (UHU). Graduate in Public Law and Graduate in Geography and History at the University of Seville (USE). Member of the Spanish National Committee of ICOMOS. He has worked in the public sphere in the management and protection of the historic heritage of Andalusia and has held posts of responsibility, such as the Management of the Archaeological Sites

of Italica (Seville) and was the coordinator of the Network of Cultural Spaces of Andalusia (RECA). He belongs to a Research Group “Vrbanitas. Archaeology and Heritage” of the Autonoma University of Madrid. In Italy he was awarded the grant of the Andalusian Institute of Historic Heritage in the Spanish Royal Academy in Rome in 1991. Project The research work Archaeology and power. The protection and conservation of archaeological heritage in Rome from the Unification of Italy to the Dopo War (1870-1945) is the continuation of a previous study: IMMENSA AETERNITAS. The interest in the past and the training of the archaeological knowledge from Ancient times to the Modern Ages, with special attention on Rome and the Papal States. In the previously mentioned work, we studied the evolution of the protection of Roman heritage from 1162 to 1870 and the interventions from the Papal authority as well as the French administration after the occupation of Rome by Napoleon, whose main idea was for Rome to be the second capital of the Empire, after Paris. Even the French Revolution had already used the symbolism of the Roman Republic, just as Karl Marx rightly pointed out in El 18 Brumario de Luigi Bonaparte (The 18th Brumaire of Louis Bonaparte). In a certain sense, the idea of the renovatio imperii is a tradition rooted in Charlemagne, in the Holy Roman Empire and the Papacy that, since Silvestre and Constantino, is considered the heir to the glory of Rome, especially after the return from the captivity of Avignon. The idea of the Rome of the Caesars was linked to the Popes who maintain one of the titles of the emperors: Pontifex Maximus. With our work we are trying to continue the study of the archaeological heritage of Rome after the creation of the Italian state and the use of the remains of the past with a political agenda by fascism until 1943. Process In so far as unification, three matters are to be studied. The role of the capital status that Rome produces in its urbanism, with the increase of population, the appearance of the super urban exploitation of Rome, the destruction of some villas such as that of Ludovisi and the recuperation of it all through historic heritage, in general, and through archaeology. In second place, the symbolic transformation of Rome. The new state wanted to emphasize the difference between the pontifical Rome and the New Rome, and for that end it looks for two ways, the first is the construction of monuments in honour of the Romans who fell between 1848 and 1870, together with Garibaldi or Cavour, and the second, a grand monument to Vittorio Emanuele II, that culminated in the construction of the controversial Vittoriano, inaugurated in 1912 on the occasion of the exhibition of 1911. In third place, the use of the myth of the Roman civilization on the subject of the Italian-Turkish war, with the aim of

conquering Libya, that, to some, was considered a mission of the New Italy. Concerning fascism, special attention is given to the use of propaganda in the Roman era, with the use of fascism as an essential idea, as an ideology of the new regime, based on the concept developed by E. Gentile, who interprets fascism as a “manifestation of the sacralization of politics” subjected to rituals, liturgies, symbols, styles, mysticism, strongly evocative and persuasive. The main initiatives to do with the archaeological heritage of Rome will be analysed and evaluated with the results and effects of the aforementioned heritage. In particular, the creation of the Archaeological Park of the Via Appia or the opening of the Via dell’Impero or the Mar, the restoration of the Marcello theatre, the area of Largo Argentina, Campidoglio or the interventions of Campo Marzio: Ara Pacis and Mausoleo di Augusto, without forgetting the grand exhibitions such as the Bimilenario of Augusto or that of the architectonic projects full of Romanism such as the Foro Itálico or the Coliseum Place of EUR and the never completed Palazzo Littorio, close to the Coliseum. Experience The activity of the study takes place in specialized centres and of research in the city of Rome. Especially in the Museum of Rome, Photographic Archive Comunale, Library della Camera dei Deputati, Library Farnese nell’École française de Rome, Istituto Nazionale di Studi Romani, Archivio Storico Capitolino, Biblioteca di Archeologia e Storia dell’Arte, Central Archive dello Stato, Luce Institute, Scuola d’Architettura, amoung others. Special attention will be placed on the attention and the compilation of images and documentation for film and archives. ________ MANUEL VILAS Barbastro (Huesca), 1962. He is one of the main Spanish poets and narrators of his generation. In 2016 he published his Poesía Completa (Complete Poetic Works). 1980-2015, in the editorial Visor. He has won the most prestigious poetry awards that are given in Spain, such as the Jaime Gil of Biedma, the city of Melilla, or the Generation of the 27. Among his poetry books, worth special mention are the titles Resurrección (Resurrection, 2005), Calor (Heat, 2008) y El hundimiento (The Sinking, 2015), all published by Visor. He is the author of the novel España (Spain, 2008), Aire nuestro (Our air, 2009), Los inmortales (The immortal, 2012), y El luminoso regalo (The bright gift, 2013), all published by Alfaguara. In 2015 he edited the book of short tales Setecientos millones de rinocerontes (Seven hundred million rhinoceros, Alfaguara). He is the author of the novel biography Lou Reed era español (Lou Reed was Spanish, Malpaso, 2016) and of the travel book América (Círculo de Tiza, 2017). In 2018 he published the book Ordesa that became a best seller in Spain,

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with over one hundred thousand copies sold, and contracted in over 20 countries. Ordesa was the book of the year in many media outlets in Spain, such as “Babelia”, “La Vanguardia”, y “El Mundo”, he won the award Fémina for the best foreign novel published in France. In October 2019 Manuel Vilas was a finalist for the award Premio Planeta with the novel titled Alegría.

used to walk between 3 and 4 hours a day, and I built different itineraries. My project was also based on the knowledge of the ordinary, everyday life of the city of Rome, the life of the people, the life in the bars, the shops, outside, on public transportation, etc. My purpose was to get to know the city, to learn it, as if I was learning a language. My main challenge was to dominate its urbanism, its proportions, and its mysteries. All cities have mysteries.

Project My Project has the city of Rome as its gravitational centre, but I don’t want it to be the only one. The idea is that all of Italy symbolises a narrative space of rendition, a stronghold and of an inner castle. That is why to do my Project, I will need to travel from Rome to some other Italian cities, with the idea of that journey being told by the protagonist of my novel. The provisional title of the novel is Belleza (Beauty). The narrative approximation of beauty needs a literary space. It needs the narration and the introspection of Roman space. But together with Rome, there are six other cities and environments that I would like to visit, with the idea that these other six spaces widen the ideological and moral flow of beauty. It is the narration of an autobiographic story of an evolved fascination for the beautiful manners in which to understand matters, to understand all that substantiates individual reality and social reality. From the Roman space, I will travel (I detail this in the chapter of production) to these six cities and their surroundings: Florence, Turin, Bari, Genoa, Bergamo and Agrigento. They are six cities for which I have a literary interest. I want to spend at least one week in each one of them: walking through their streets, their spirit and be able to capture the fantastic and literary of these cities, that will be as a continuation of the vision of Rome. As if Rome was extended, for the protagonist of my novel, to these other cities. Process and experience My literary project in the Spanish Royal Academy in Rome was very fruitful. There were some interesting circumstances; the most relevant consisted in how my original Project was transformed into a constant dialogue that I have maintained with the city of Rome. What should be mentioned of my original project is how it suffered a literary displacement. Initially, the approach had a narrative nature, and the objective was to write a novel. Unexpectedly, poetry gradually imposed itself. My way of working consisted of going through the city of Rome (there is also a chapter dedicated to Florence), walking its streets, visiting its museums, its centres of gravity, and later transform those experiences into literature. My plan consisted of going out every day on a search for the essence of the city. I

Also, to live in a building such as that which hosts the Spanish Royal Academy in Rome had its literary version in my work. It is a very peculiar building; its historical meaning is porous. I am very happy with the end result, and I believe that my work has been fertile. I am including a poem as a sample of my work. in the Roman summers and drink and dream of the arrival of light on the stones with fraternity as the only god among men. ________ ANA ZAMORA Madrid, 1975. BA in Stage Direction and Dramaturgy at the Real Escuela Superior de Arte Dramático, in 2001 she founded Nao d´amores, a collective of professionals originating from classical theatre, puppetry and early music, that develops research and training work for the staging of medieval and renaissance theatre. She has inaugurated fourteen shows with that company, which, from a contemporary perspective, is a milestone in the recovery of the pre-baroque theatre. As an independent director she has done staging for very diverse texts, worth special mention are the works for public institutions such as: RTVE (Spanish Radio and Television by its Spanish acronym), Zarzuela Theatre, National Drama Centre, and National Classical Theatre Company. She has been a guest speaker in multiple seminars and congresses, giving training workshops in different countries of Europe and America. She has received important awards over her long professional career, she is a member of the Royal Academy of Art History of San Quirce, and is on her second residence in stay at the Spanish Royal Academy in Rome. Tradición popular y puesta en escena: las idas y vueltas del teatro de títeres (Popular tradition and staging: the goings and comings of the puppet theatre) Italy and Spain are privileged places for the study of theatrical events, or parateatrales, linked to popular tradition. Here the boundary between ritual and

theatrical fades away to generate passionate staging expressions. A path is opened, allowing us to enter the most primitive theatrics, which brings us to understand the meaning of performing arts as a rite that invokes the supernatural, it comes to life in a vital meeting space for society with itself. Pagan and Christian rituals that become a great celebration, inevitably now for tourists, exponent of a lost world, or perhaps dreamt of, that takes us to the ancestral meaning of the performing arts. And in this panorama of fusion and confusion, emerges the puppet as a grand magical element, totemic, to be at the forefront of a theatre unregulated by realistic rigid paradigms not in the least concerned about anachronisms, as art that accumulates all the possible improbabilities. A drama instrument that condenses the critical, satirical, and popular sense in the best sense of the word, that our contemporary stage vastly needs.

I could go back to the road, parking the part of the project that was linked to theatre anthropology, to concentrate on the study of the prevalence of the different variants of traditional puppetry in Italy. From Naples to Turin, and from Sicily to the boarder of Slovenia, I was received with enormous generosity by puppeteers and families of art, and in long hours of conversation in their theatres and workshops, they shared with me details of a historic trade, that in that country, is conserved with boundless energy. Returning home, a new phase was beginning, kneading all of those materials that returned with me in my backpack, to build an expository show of the documented and lived experiences. Finally, in May of 2021, after a long and difficult process of rehearsals, the artistic team of Nao d´amores will be able to inaugurate in Spain and in the Spanish Royal Academy in Rome, Andanzas de don Cristóbal Polichinela.

Process and experience If anything can be clarified by the study of theatrical events, or parateatrales, generated in the area of popular tradition, it is that beyond proud national symbols and apocalyptic messages around national identity, we are surprisingly close to each other. In the case of countries with historic and geographical ties as close as Italy and Spain, the traditions could even be mistaken for the other. So, in my search I couldn’t go towards attributing ownership, national origins to the shared theatrical elements, but reflect them, comment on them, admire them and understand that as spaces of co-existence they reflect a common way of understanding the world to which we belong. That is the perspective I arrived at Rome with in the month of January, with a tight work agenda that began with a first theoretical approach to the starting material, to immediately tackle the phase called field work, that would take me to different parts of Italy. In the month of February, I had the privilege of being able to travel to Sardinia to document five extraordinary traditional carnivals: Su Battileddu (Lula), Mamuthones and Issohadores (Mamoiada), Maschera a Lenzolu (Aidomaggiore), Sa Sartiglia (Oristano) and Don Conte (Ovodda). It was just the beginning of a passionate program of trips that would allow me to document the prevalence of traditional theatrical elements in popular rituality and events related to puppets. But then, just in the moment when I was returning to Rome with the documentation under my arm, the anti-COVID-19 measures came into swing and the practical plan of the work was frustrated. The pandemic obliged me to reduce the project and centre on the detailed study of bibliographic material, such as documents and recordings in digital format. Afterwards, throughout the months of July and August 2021, once the confinement perimeter was lifted,

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ROMA AKADEMIA Museographic Design Project: Donaire Milans Arquitectos Photography: Ixone Sádaba The museographic project of Roma Akademia stems from the need to increase the surface area of the wall in the exhibition hall to be able to display all the works of the plastic artists without forfeiting the sensation of spaciousness of the existing one grand space. For this purpose, a structure of trusses is set out in both directions of the hall that not only generate a grid that organizes the central space into 12 different areas, but also serves to give structural stability to the new partitions that are built underneath, without the necessity of perforating the floor. Following the order of the grid established by the trusses, the new partitions are built on two premises: the first is that these new divisions of space never become united so that all those areas are physically connected; the second, that the partitions along the central axis of the hall are slightly rotated with respect to the grid so as to generate unexpected visual connections throughout non-adjacent environments, as well as a more organic circulation. The result is a succession of independent rooms, although visually related with the rest, where every visitor may choose their own route. This way of exhibiting the work of each artist in an individual manner but open to the influence of the rest is, in short, a mimesis of the situation lived during the stay in the Spanish Academy in Rome. To exhibit the work of the researchers and the rest of the disciplines in the Lantegia hall and the Mediateka facilities, a central table was constructed in every space as a “table of knowledge” that, apart from exhibiting the work of different residents, organises the route of the visitor to see the works displayed on the wall. Light-gauge steel framing and standard drywall panels were chosen for the new partitions and furniture pieces of the exhibition to facilitate easy assembly and dismantling, for the inherent character added to the space, and for their capacity to be reused in different configurations for future exhibitions. Lastly, three pieces were created for spaces of access or outdoor spaces and are exhibited in the access atrium as an expositive invitation, understanding this grand atrium of Azkuna Zentroa as an extension of the public space of the city of Bilbao.

Real Academia de España en Roma Piazza San Pietro in Montorio, 3 00153 Roma (Gianicolo) +39 06 581 28 06 info@accademiaspagna.org www.accademiaspagna.org

ISBN: 978-84-18934-01-8 NIPO: 109-21-044-1 NIPO en línea: 109-21-045-7 DL: M-27827-2021 Catálogo General de Publicaciones Oficiales: https://publicacionesoficiales.boe.es © AECID, 2021 © De los textos/Testuena/for the texts: Los autores/Egileak/the authors © De las obras /Obrena/ for the works: Los artistas/Artistak/the artists © De las imágenes/Irudiena/for the photographs: Los autores/Egileak/the authors © De las imágenes del montaje/Irudiena/for the exhibition photographs: Ixone Sádaba, 2021 © De las traducciones/Itzulpenena/for the transtations: Los traductores/itzultzaileak/the translators Todos los derechos reservados. No está permitida la reproducción total o parcial de la obra ni su tratamiento o trasmisión por cualquier medio o método, electrónico o mecánico, sin la autorización previa y escrita del editor. Eskubide guztiak erreserbatuta. Ezin da obra osorik edo zati batean erreproduzitu, ezta tratatu edo transmititu ere, bitarteko edo metodo elektroniko edo mekanikoren bat erabiliz, argitaratzailearen aurretiazko eta idatzizko baimenik izan gabe. All rights reserved. No part of this publication may be reproduced, distributed, altered, or publicly communicated, in any form or by any means, without prior written permission from the publisher.