Processi 144_M. Entrelazarse con Roma by AECID PUBLICACIONES

Real Academia de EspaĂąa en Roma

PROCESSI 144_M Entrelazarse con Roma

Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España/ Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain

Becas de la Real Academia de España en Roma 2016-2017 / 2016-2017 Spanish Royal Academy in Rome’s Grants

Ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación/ Minister of Foreign Affairs and Cooperation Alfonso Dastis

Artistas e Investigadores / Artists and Grant Holders

Embajador de España en Italia / Ambassador of Spain in Italy Jesús Gracia Aldaz

Tyto Alba Rosalía Banet Los Bravú (Dea Gómez + Diego Omil) Irene Cantero Joan Casaramona Carlos Higinio Esteban (Carlos Cartama) Laura F. Gibellini Santiago Giralda Juan Gómez Bárcena Mercedes Jaén Ruiz David Jiménez Aitor Lara Santiago Lara Miki Leal Ana Lombardía Xose Prieto Souto Víctor Resco Beatriz Ruibal Estibaliz Sádaba Suset Sánchez Antonia Santolaya Claudio Sotolongo Estrella Torrico Santiago Ydáñez

Consejero Cultural / Cultural Counselor Ion de la Riva

PROCESSI 144_M, Entrelazarse con Roma

Directora / Director Mª. Ángeles Albert de León

Comisario / Curator Enrique Bordes

Impresión / Printing Composiciones RALI S.A

Secretario / Secretary Francisco J. Prados

Coordinación / Exhibition Coordination Elvira Cámara Álvaro Callejo Marina Avia (becaria AECID)

Distribución / Distribution La Fábrica

Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica/ Secretary of State for International Cooperation and for Latin America Fernando García-Casas Director de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo/ Director of Spanish Agency for International Development Cooperation Luis Tejada Director de Relaciones Culturales y Científicas/ Director of Cultural and Scientific Relations Roberto Varela Jefe de Departamento de Cooperación y Promoción Cultural/ Head of Department for Cooperation and Cultural Promotion Jorge Peralta

Real Academia de España en Roma/ Spanish Royal Academy in Rome

Coordinadora Residentes/ Gestión Cultural Residents Coordinator / Cultural Managment Cristina Redondo Sangil Biblioteca / Patrimonio Cultural Library / Cultural Heritage Margarita Alonso Campoy Gestión Cultural / Cultural Managment Miguel Cabezas Ruiz Carmen Rodríguez Fdez.-Salguero (becaria AECID)

Ayudante de Diseño / Design Assistant Natalia Cañal Autores Textos del Catálogo / Catalogue’s Texts Authors Maria Ángeles Albert Juan Gómez Bárcena Enrique Bordes Diseño Gráfico / Graphic Designer Mercedes Jaén Ruiz Traductores / Translators Jo-Anne Cardinal Adán M. Rodríguez

Prensa y Comunicación / Press and Communication Mónica Iglesias Mediación / Cultural Hosting Irene Gens Montaje Expositivo / Exhibition Design Artec Exposiciones S.L Equipos Audiovisuales / Audiovisual Equipment Creamos Technology Transporte / Transport CLM Logistics

Conocer la Real Academia de España, su conjunto monumental, el trabajo de los becarios que año a año desarrollan sus proyectos en Roma y la actividad que se lleva a cabo para promover la difusión de la cultura, nos lleva al convencimiento de que apoyar la producción cultural es una oportunidad para seguir construyendo nuestro presente. Y sobre todo, para avanzar en un futuro basado en el diálogo y el respeto por la diversidad. Nuestra diversidad creativa y nuestra permanente aspiración a un desarrrollo basado en la igualdad. Artistas, escritores, investigadores, diseñadores, cineastas, entre otros muchos profesionales de España, América Latina y el Caribe, comparten sueños y se desvelan para aportarnos lo mejor de sí mismos, trabajando con tesón desde una ciudad por la que han pasado ya 920 becarios en estos 144 años de existencia. El Templete de Bramante situado en la Academia nos recuerda que innovar es sumar e invertir en nuestros creadores la mejor estrategia posible. De alguna manera, el cielo de Roma hace que todos seamos iberoamericanos bajo el mismo cielo.

Fernando García Casas Secretario de Estado de Cooperación Internacional y para Iberoamérica

Hace 144 años que la Academia de España se asoma a Roma, fundiéndose con esta ciudad vibrante, cuna de la cultura occidental, punto de encuentro de creadores e investigadores procedentes de todos los rincones del mundo. Hoy, la Academia es una de las instituciones clave de la acción cultural exterior de España, dedicada a apoyar la internacionalización y la consolidación de nuestros artistas e investigadores. Por ello, desde el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación / Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, mantenemos un firme compromiso con el adecuado funcionamiento y desarrollo de la Academia de España en Roma. En el curso académico 2016-2017, 24 artistas invitados disfrutaron de una beca de ayuda a la producción en la Academia. Este espacio invita constantemente a dejarse influir, a beber de la sabiduría de los compañeros de viaje y, en muchos casos, a desarrollar obras colectivas, perspectivas cruzadas en las que todos han aportado lo mejor de sí mismos. Este año encontramos mucha pintura, ilustración, dibujo; obras que nos hacen retroceder en el tiempo y volver la mirada a los primeros años de la Academia, donde las disciplinas clásicas constituían el epicentro de sus enseñanzas. Y a esta tradición se le une, por primera vez, el diseño de moda y el diseño industrial. Conviven así disciplinas diversas, se unen pasado y futuro: la Academia sigue reinventándose, siempre a la vanguardia como centro de producción y creación artística. Como en años precedentes, y con la voluntad de difundir en nuestro país el papel de la Academia, se muestra ahora en España una selección de las obras producidas en Roma en el curso anterior. Con PROCESSI 144_M, Entrelazarse con Roma celebramos 144 años de historia de la Academia de España en Roma, que han permitido a 920 artistas e investigadores disfrutar de esta experiencia. Una experiencia en proceso, que no ha hecho más que comenzar.

Roberto Varela Fariña Dirección de Relaciones Culturales y Científicas

PROCESSI 144_M Intrecciandosi con Roma Directora de la Academia de España en Roma

Colonizando Roma Juan Gómez Bárcena

Apuntes para un traslado Enrique Bordes

Residentes 2016-2017

Tyto Alba

Rosalía Banet

Los Bravú [Dea Gómez + Diego Omil]

Irene Cantero

Joan Casaramona Gual

Carlos Higinio Esteban [Carlos Cartama]

Laura F. Gibellini

Santiago Giralda

Juan Gómez Bárcena

Mercedes Jaén Ruiz

David Jiménez

Aitor Lara

Santiago Lara

Miki Leal

Ana Lombardía

Xose Prieto Souto

Víctor Resco

Beatriz Ruibal

Estibaliz Sádaba

101

Suset Sánchez Sánchez

105

Antonia Santolaya

109

Claudio Sotolongo

113

Estrella Torrico Cuadrado

117

Santiago Ydáñez Ydáñez

121

Traducción

125

INTRECCIANDOSI CON ROMA Intrecci’are [int’t∫are] VT (capelli) trenzar; (fili) entrelazar; (relazione) entablar; (rapporti) estrechar Pareciera que la traducción literal del término intrecciandosi en español ni es tan sencilla ni tan sonora como lo es en italiano. Pero su rotundidad la identifica como una de las claves para sintetizar estos 144 años que cabalgan en tres siglos, y que se meten en la segunda década del XXI como un ariete, en el que la institución se consolida como un espacio de conocimiento, un centro de producción cultural en el que la multiplicidad de lenguajes de la creación es una seña de identidad, un lugar de encuentro con otras culturas. La Academia ha transitado de la mano de 920 pensionados, becarios o creadores e investigadores en residencia por nuestra propia historia. Abrió sus puertas al público de la ciudad al llegar la democracia a España, a petición de los propios residentes y tras múltiples presiones por su parte que les llevaron incluso a renunciar a su beca. De este modo, no sólo se relacionaban con los becarios de otras Academias o centros de investigación, sino que ponían a disposición de todos el conocimiento adquirido, la reflexión teórica, la innovación de sus propuestas artísticas. Una relación con la ciudad que poco a poco se va enriqueciendo. Construyendo mapas y redes que van más allá de lo evidente. Que desde el Gianicolo, traspasa el Trastevere y Monteverde, cruza barrios, fronteras y océanos. Esa es la urdimbre sobre la que se sigue construyendo el día a día de la Academia de España. La misma trama que los residentes 2016-17 han tupido durante los meses vividos en Roma y que harán crecer durante los próximos meses, años, décadas… un proceso que lleva 144 años… Processi 144.

Por eso, estas páginas que siguen son ventanas por las que les sugerimos que se asomen, y puertas por las que les invitamos a entrar para disfrutar, para sentirse de algún modo un poco cómplices. En definitiva, orgullosos del resultado del esfuerzo colectivo de una sociedad que apoya a creadores e investigadores, una de las mejores y más rentables de las inversiones para apostar por el futuro. Las webs de los 24 residentes de este año les llevarán mucho más lejos durante los próximos años. La de la Academia, poco a poco, les acercará a las historias de cada uno de quienes han pasado por aquí, a las obras de arte, publicaciones, grabaciones o películas que todos dejan para enriquecer las colecciones públicas que, como tal, son visitables. Y un poco más adelante, a las páginas hilvanadas entre los muros del conjunto monumental de San Pietro in Montorio, con el Tempietto del Bramante como testigo, que se traducirán en mapas tejidos con lo mejor de nuestros creadores e investigadores. Les invitamos a que sigan pendientes de ellos. Ángeles Albert de León Directora de la Academia de España en Roma

Quienes se asomen a las páginas de esta publicación o a la exposición en Roma, con la selección de los trabajos desarrollados durante estos meses esperando encontrar escenarios comunes, se sorprenderán por las propuestas de creadores o investigadores. Siempre a partir de Roma. Proyectos que en la mayor parte son etapas de aventuras más largas y de desarrollos que veremos materializados dentro de mucho tiempo. Miradas curiosas a estratos arqueológicos o restos materiales que el pasado nos ha conservado en yacimientos, museos, archivos o bibliotecas. Paseos con viajeros de todos los tiempos que cruzaron Europa, que llegaron o salieron de Roma, unos guiados por la curiosidad y afán de conocer, y otros obligados por exilios nunca deseados. Y todos marcados por la ciudad, sus calles, el arte que se descuelga de fachadas de colores indescriptibles, paredes de museos que concentran la historia del occidente europeo empeñándose en recordarnos el privilegio enorme de respirar cada día en Roma y trasladando la responsabilidad de retornar a los ciudadanos que lo hacen posible, lo mejor de cada uno: sus obras, su creatividad, sus investigaciones.

COLONIZANDO ROMA Juan Gómez Bárcena Todos los que alguna vez hemos disfrutado de una beca de creación artística sabemos lo difícil que es explicar nuestra experiencia a amigos y familiares. La propia palabra, “beca”, parece prestarse a equívocos: como becarios que somos, nos imaginan en una suerte de frenético Erasmus, o bien sometidos a inclementes horarios de trabajo a cambio de sueldos miserables. Algunas instituciones han ensayado términos alternativos, como “residentes” o “pensionados”: entiendo sin embargo que ninguno de ellos ayuda a transmitir la verdadera naturaleza de una experiencia como la que mis compañeros y yo hemos disfrutado en Roma. Hay sin embargo un término que, sin ser perfecto, me gusta especialmente, y que usaré a mi regreso para resumir nuestros nueve meses de convivencia: “colonia de artistas”. La palabra evoca, en primer lugar, esas “colonias” a las que muchos asistimos en los veranos de nuestra infancia; y ciertamente ha habido algo de ese carácter festivo, solidario, excepcional, en nuestro paso por la Academia de España en Roma. Pero sobre todo, pienso en el sentido más original y genuino de la palabra “colonia”: ese conjunto de personas que movidas por razones diversas emprenden un viaje para transformar un espacio desconocido, y a su vez –y esto es quizás lo más interesante– dejarse transformar por ese nuevo mundo que los acoge. Como todos los colonos, a lo largo de nuestra estancia en la Academia hemos dejado nuestra huella, ya sea en forma de cuadros, viñetas de cómic, libros, partituras, películas, diseños, performances o fotografías: pero sobre todo nos hemos dejado empapar profesional y vitalmente por una ciudad y un grupo humano, y gracias a esa interacción hemos crecido y nos hemos transformado de un modo que jamás habríamos soñado. Roma ha sido el motor y el protagonista de nuestros proyectos, ya sea como motivo temático, como inspirador o como símbolo. Algunos han encontrado en la ciudad las raíces de su propia biografía, como Beatriz filmando la huella que sus tíos dejaron a su paso por el Trastevere, o se han reencontrado con su país de origen, como Suset comisariando la obra del artista cubano Jorge Carruana. Los personajes que habitaban los libros de Dea y Diego, los artistas integrantes del colectivo Los Bravú –una mínima colonia dentro de la gran colonia que hemos sido todos– han dado el salto de las viñetas al lienzo, influidos por la pintura renacentista italiana. La obra de Santiago Ydáñez, que bebía de la tradición germánica, ha encontrado nuevos modelos en las pinturas de Caravaggio o en los impresionantes frescos romanos de Villa Livia. Claudio ha rastreado en la ciudad las localizaciones del cine clásico italiano; Xose ha revuelto catálogos y viejas películas para dar con nuevos documentos de la oposición al franquismo en los archivos de Roma; Ana ha puesto sonido a las partituras que María Luisa de Borbón compuso a comienzos del siglo XIX; Carlos ha analizado y cuestionado los ambiciosos proyectos urbanísticos de la Roma de los años 60 y 70. Estrella ha escuchado la voz de las clases populares italianas, que durante siglos se aprovecharon de ciertas estatuas de Roma para plasmar su disidencia con las célebres pasquinadas. Mercedes ha mirado mucho más atrás, hasta la Roma Antigua y la cultura etrusca, para concebir diseños y piezas de ayer que hablen a los seres humanos de hoy; Estibaliz ha resucitado el papel adormecido o borrado de las mujeres en la Antigüedad romana y Rosalía ha conjurado para no-

sotros los restos de un banquete del Bajo Imperio, convertido en cenizas, para ayudarnos a reflexionar sobre los usos y abusos de la alimentación. La atmósfera de Roma, el aire y el agua que carecen de representación en los mapas, ha adquirido territorialidad en los dibujos y los vídeos de Laura, así como Irene ha sabido captar su luz y convertirla en gesto y movimiento. Miki ha seguido por Roma los pasos de Stendhal, Tyto ha sondeado en sus ilustraciones la biografía alucinada de Fellini, y el pensamiento de María Zambrano en el exilio se ha encarnado en las fotografías de Aitor. Roberto Bolaño imaginó en Roma a la protagonista de Una novelita lumpen, y Joan ha decidido traducir a imágenes las palabras de la novela, así como Antonia se basa en un guión de Felipe Hernández Cava para ilustrar el Trastevere de la década de los setenta. Las siete colinas de Roma han ocupado también la geografía y los paisajes imaginados de Santiago Giralda, así como Santiago Lara ha descendido de la mano de Eneas al inframundo de los orígenes, en busca de un suelo seguro sobre el que refundar los valores de una cultura europea en crisis. Sobre esa misma sensación de inminencia de la catástrofe ha reflexionado también Víctor, diseñando un vestuario bélico que nos habla de un mundo que parece dirigirse a la destrucción. David ha combinado incansablemente fotografías tomadas en la ciudad, buscando ecos y resonancias sobre los que cimentar su particular poética de la imagen, y yo mismo he indagado el destino de otro exiliado célebre, el poeta latino Ovidio, para reflexionar sobre el choque antropológico que supone todo viaje. Éste ha sido el resultado material de nuestra experiencia, el único del que pueden dar cuenta los catálogos y las exposiciones, aunque me atrevería a decir que no el más importante. Porque al mismo tiempo que las obras se acumulaban y crecían, entre nosotros se iban tejiendo una serie de relaciones, de vínculos, de contaminaciones, que nos han transformado y enriquecido, hasta lograr difuminar por completo las fronteras de nuestras disciplinas. En este proceso no sólo hemos participado los artistas becados: también nuestras parejas y amigos, que nos han visitado puntualmente y han formado de alguna manera parte del paisaje de nuestra convivencia, así como las ciento cuarenta y tres promociones de becarios que nos han precedido, fantasmas casi siempre anónimos que ayudaron a convertir la Academia en lo que hoy es y que nos dieron silenciosamente el relevo. Y por supuesto, también han formado parte activa de nuestra experiencia el equipo directivo y de mantenimiento de la Academia al completo; porque tanto si su trabajo era abrirnos la puerta de la calle o clasificar la biblioteca, ayudarnos en la limpieza de nuestras habitaciones o proveernos de los materiales necesarios para nuestro oficio, todos han contribuido a hacer posible una experiencia de la que no sólo nos llevamos unas cuantas obras bajo el brazo, sino sobre todo una memoria compartida que nos hará mejores artistas y quién sabe si mejores personas. Como esas colonias de microbios que vemos convocarse bajo la lente de un microscopio –he aquí una tercera y última acepción de la palabra “colonia”– hemos hecho algo más que agregar nuestras aportaciones particulares: de la suma ha emergido algo que es más grande e importante que nosotros mismos, y al igual que la ciudad de Roma, ese algo nos pertenecerá por siempre.

APUNTES PARA UN TRASLADO Enrique Bordes «En Ersilia, para establecer las relaciones que rigen la vida de la ciudad, los habitantes tienden hilos entre los ángulos de las casas, blancos o negros o grises o blanquinegros según indiquen relaciones de parentesco, intercambio, autoridad, representación. Cuando los hilos son tantos que ya no se puede pasar entre medio, los habitantes se van: se desmontan las casas; quedan sólo los hilos y los soportes de los hilos. (...). Vuelven a edificar Ersilia en otra parte. Tejen con los hilos una figura similar que quisieran más complicada y al mismo tiempo más regular que la otra. Después la abandonan y se trasladan aún más lejos con sus casas.» Italo Calvino, Las ciudades invisibles. De Roma a Ersilia Estamos a los pies del tempietto del Bramante el 22 de junio de 2017. Ángeles Albert presenta Procesi 144 rodeada de quienes habían hecho posible ese trabajo, empezando por (casi todos) los becarios y el personal de la Academia. En un completo discurso, cargado de agradecimientos, llega a hablar de «generaciones cruzadas de becarios que van y vuelven» que «suman experiencias y son hilos... sois mimbres con los que seguimos construyendo sueños desde la cultura, para vivir mejor». Y yo me acuerdo de Ersilia. El Gianicolo, en una tarde de verano, vivía una vez más la catarsis renovadora de una inauguración. Como si se tratara de esa ciudad invisible de Calvino, una generación de artistas e investigadores, en un último ejercicio de convivencia creativa, colonizaba con sus obras la Academia. Una red de sus piezas ocupaba todo el edificio, justo antes de que lo abandonaran.

Insistir en Processi Casi un año después, en un cruce más de esos mimbres, a propuesta de Ángeles, me veo envuelto en trasladar esa Ersilia a Madrid. Antes de Processi 144 estuvo Processi 143 y en las dos muestras me sumé al equipo de la Academia para ayudar a articular la propuesta expositiva, en unos espacios que me son familiares ya que como becado de diseño museográfico formé parte de un procesos 142 (que en realidad se llamó IndexRoma). Estas colaboraciones puntuales forman parte de una estrategia activa de la dirección de reforzar vínculos entre generaciones, entrelazando complicidades nacidas en la beca y ampliando el proyecto cultural de la Academia más allá de Roma.

Las dos muestras fueron un maravilloso reto. Es un privilegio verse entrelazado de nuevo en ese último ejercicio de convivencia, vivir el proceso de una generación de creadores e investigadores excepcional, y (re)conocereles. Insistir, persistir, reforzar. Los procesos que incluye la muestra no se han detenido en todo este tiempo y la red de relaciones es más tupida, pero el germen de piezas persiste, esto hizo que una vez en Madrid (en Matadero) nos pareciera pertinente repetir el título, en contra de la costumbre de los últimos años. La Academia puede haber desaparecido de nuestra vista, pero el resto, casi todo, sigue ahí. Insistimos en Processi, a sabiendas de que llegará un 145 y los números insistirán en redondearse hasta que pronto llegue el borsista número 1000.

Insistir en Roma ¿Todavía Roma? una pregunta que ya era pertinente hace más de cien años*. Y sí, es una duda que cabe en el fértil panorama de centros de producción o residencias artísticas, en ciudades que vibran (casi) al ritmo de las redes sociales, desde Pekín a Miami. Y sin embargo... Roma. Los que conocen de primera mano la situación coincidirán: la ciudad es de una densidad única y España cuenta con un mirador de excepción en la Academia. Roma es la densidad y complejidad puras de un país que ha visto nacer (y renacer) nuestra cultura, es el laboratorio perfecto para entender pasado y entrever futuro, desde la maraña política eterna a los flujos migratorios del presente. Cuando investigación y creación son actividades cada vez más complementarias, es vital tener acceso directo a uno de los yacimientos clave y es fácil entender cómo la Academia ha pasado a ser buque insignia del proyecto cultural de AECID (con el permiso del CCE en México). Es una obviedad que la misma Roma, que vertebra nuestra cultura pasada y presente, articula gran parte de los proyectos nacidos de la Academia. Ese mirador, a lo largo de los años, desemboca en decenas de intentos de atrapar la ciudad, aunque basta con que acaben reducidos en un cambio de la mirada de quien se asoma. En su privilegiada posición sobre el Trastevere, la Academia parece forzada a un ejercicio constante de mirar a Roma. Pero ojo, Roma devuelve la mirada y sabe muy bien a qué hora se apaga la luz en el torreón del pintor.

* La podría enunciar Emilia Pardo Baztán en 1905.

El nombre de la casa Becarios, becados, residentes, borsisti, pensionados o incluso, según Juan G. Bárcena, colonos. Residencia, centro cultural, centro de producción... Academia, Real Academia. La propia formulación de academia es un término que ha acogido instituciones muy distintas desde su mero origen. Entre el castellano y el italiano, a un paso del latín o incluso el griego, da la sensación de que se trata de un lugar que se encuentra cómodo en la libertad que otorgan los términos ambiguos, el lenguaje flexible y la multiplicidad. Esto posibilita el cambio, la mutación. A las becas se accede a través de una convocatoria por categorías (escultura, pintura, grabado, arquitectura, fotografía, videocreación, cine, diseño, música y musicología, artes escénicas, literatura, cómic, arte y nuevas tecnologías, museología, comisariado, mediación artística, estética–teoría, filosofía y crítica del arte–, archivo y documentación, historia del arte, conservación y restauración, gastronomía) pero en un gran acierto, la selección final de becados no está sujeta a una persona por categoría. Es ahí donde la importancia de configurar un colectivo creador surge por vez primera. La posterior convivencia en la libre ambigüedad de la Academia sacude los límites, los desdibuja favoreciendo el cruze. El cómic se convierte en pintura o escultura, la arquitectura en vídeo, el dibujo en performance, la fotografía en arquitectura, la gastronomía en instalación.

Desayuno con residentes La red es un colectivo... y desayunan juntos. Este entorno de espacios de convivencia cotidianos es un aula de aprendizaje horizontal. Todos los habitantes de la Academia son una lección en potencia: una técnica, un cambio de formato, una actitud ante vida y obra, una pista para conseguir ese permiso romano, una invitación a abrir juntas una de las mil puertas de Roma, una mano para rematar esa instalación. Y, desayuno a desayuno, aparecen cruces entre ellos: David Jiménez fotografía a Santiago Ydáñez derrotado frente a su pintura, el mismo Santiago consigue que Xosé Prieto figure unos días en el salón de retratos, Laura Gibellini e Irene Cantero persiguen juntas al sol, Aitor Lara hace hablar una de las estatuas de Estrella Torrico, Miki Leal recoge a la generación en un gran tríptico y Antonia Santolaya no para de dibujar por, para y entre tutti... Y, cena a cena, nacen más cruces con Roma: Los Bravú aparecen en la invitación del Crack Festival, Santiago Ydáñez ocupa Villa Livia, Estrella encuentra su pasquinaro, Irene Cantero, Laura Gibellini, Santiago Giralda y Antonia Santolaya, quedan en un Mezzogiorno di fuoco** en una muestra/encuentro de Academias...

** Título italiano de la película Solo ante el peligro, en el original High Moon.

Es el todo y la suma de sus partes. Comprender de pronto que la concesión de la beca se plantea dentro de un grupo, un tablero de piezas a las que se les intuye una combinatoria. Desde esa perspectiva deja de ser una beca unipersonal y plantea, en el corazón de la creación, la compleja tensión entre individuo y colectivo. La maraña de muchas Ersilias Como visitante, becario y postbecario he visto cómo los espacios de la Academia se llenaban y vaciaban con fuertes personalidades que acababan contagiando el lugar. El torreón, tradicionalmente del pintor, por un tiempo es el estudio de Juan Zamora y meses después es el de Miki... para volver a vaciarse más tarde. Pero al regreso de Roma uno pasa ser de la casa, y la Academia, a pesar de tener hoy sus puertas más abiertas que nunca, siempre ha recibido gustosa este cruce intergeneracional. Desde el segundo que una nueva promoción llega, la madeja sigue desplegada y así, durante este año, también han estado bien visibles los hilos de becarios de la promoción pasada, a través de figuras como la de Jesús Madriñán, Clara Montoya, José Guerrero, Antoni Abad, Joan Morey o la constante presencia de Margarita Alonso Campoy en su biblioteca. Yo mismo soy un becario de segunda generación que acudió por vez primera al Gianicolo cuando residía un tal Juan Bordes, en la misma época en la que, seguimos tejiendo, andaba bien establecido en la capital italiana el Carruana de Suset Sánchez. «Los habitantes tienden hilos entre los ángulos» en un proceso que parece eterno. Con el tiempo quizás esta Roma/Ersilia acabe pareciéndose más a otra ciudad de Calvino, Ottavia, la ciudad telaraña. Parte de ella tiene una presencia virtual a través de la newsletter POST.IT, con más de 700 subscriptores*. Más hilos cómplices Es necesario nombrar, en este cruce de hilos, el Programa de Visitantes Profesionales del Sector Cultural de la Academia de España, que va por segundo año. La idea es sencilla, todos estos profesionales, en su paso por la Academia, se sientan a la mesa y comparte su experiencia con los becarios, ampliando una vez más la red. Durante este Processi 144 han aportado su generosa complicidad, entre otros: Abhishek Basu, Alberto Dambruoso, “AlbumArte”, Alejandro Castellote, Alfredo Pérez de Armiñán, Alicia Ventura, Anna Maria Guasch, Antoni Abad, Antoni Muntadas, Bambi Kramer, Begoña Torres, Belén Rueda, Blanca de la Torre, Candela, Álvarez Soldevilla, Carla Berrocal, Carla Subrizi, Carlos Martiel, Carlos Prieto, Carlos Urroz, Chiara Garlanda, Claude Bussac, Clotilde Lechuga, Cristina Morales, César Sánchez, Donatella Saroli, Elena Córdoba, Elena Giulia Abbiatici, Eleonora, Filiputti, Elisa G. McCausland, Emma Brasó, Enrique Juncosa, Eugenio Ampudia, Fabio Ianello, Federico Estol, Fernando García, Casas, Flaminia Valentini, Francesco Buonerba, Francesco Careri, “Fundación Cerezales Antonio y Cintia”, Gaia Franchetti, Gianfranco Baruchello, Giulia Boccia, Giulia Fiocca, “Grupo de Ciudades Patrimonio de la Humanidad”, Ignacio Gómez de Liaño, Iñaki Carnicero, Javier Alonso, Javier Otazua, Jesús Hernández Agüero, Joana Carro, Jordi Colomer, Jorge Blasco, José María Luna, Nicoletta Guglielmucci, Juan Carlos García Alia,

* Disponible a través de redbecarios@aecid.es.

Juan Luis Mira, Juan Manuel Bonet, Leticia Lladó Ferrer, Lila Insúa, Lorenzo Romito, Luigi Pagliarini, Luis García Montero, Lázara Menéndez, Mane Cisneros, Manuel Borja-Villel, Manuel Olveira, Maria Alicata, Martín Sastre, Moisés Pérez de Albéniz, Nimfa Bisbé, Oriol Fontdevilla, Paco Bezerra, Patricia Pascual, Pedro de la Escalera, Raffaele Morelli, Raffaele Quattrone, Ramiro Villapadierna, Roberti Bruno, Roberto Varela, Rosa Jijón, Rossi de Palma, Santiago Herrero, Sarah Linford, Selina Blanco, Semíramis González, Sofía Terela, Susana Blas, Teresa Badía, Teresa Margolles y Valerio Bindi. Muchos de ellos han compartido con un texto su experiencia, disponibles en el sitio web de la Academia.

Academia del tebeo En un cruce más, en noviembre de 2016, el destino me llevó a la Academia junto a dos de esas cómplices, las comisarias Carla Berrocal y Elisa McCausland, a instalar Presentes, autoras de tebeo de ayer y de hoy. Ángeles Albert entendió que parte de esta generación de becarios planteaba una situación excepcional para complementar la exposición: Tyto Alba, Los Bravú (Dea y Diego), Antonia Santolaya (también en Presentes) y Joan Casarramona trabajan en el ámbito del cómic y la narración gráfica. En una pequeña muestra complementaria, que se llamó Academia del tebeo, se sumaron también los autores que han accedido a la Academia desde que la categoría de cómic se introdujo en 2012: Joaquín Secall, Federico Pazos, Miguel Cuba, Aitor Ortiz y Martín López Lam. De pronto visualizamos con contundencia los frutos que en sólo cinco años ha dado un campo con una fuerte capacidad de difusión y retorno, con más de diez obras ya editadas y accesibles al público a día de hoy. Ya sólo con este aspecto nuestra Academia se sitúa en una vanguardia global: son escasas las instituciones que generan este tipo de producción (apenas conozco una, la Maison des Auteurs en Angulema, que curiosamente ha establecido en 2017 un convenio de residencias cruzadas con Vila Medici, la Academia francesa); y no solo eso, desde este entorno se dialoga en la misma Roma con el festival Crack, el que se denomina «best underground comix festival on planet Earth».

Processi en la Academia En Roma la exposición contó con la coordinación general y curadoría de Ángeles Albert. Y en este caso es absolutamente pertinente el término curador, más utilizado en Latinoamérica e Italia, por la faceta de ese curar en el sentido italiano de la palabra, que significica cuidar. Esta generación de becarios es sin duda muy especial. Extremamente pictórica, gráfica, narrativa, de gran calado conceptual y profundas reivindicaciones. Cuenta, en casi todas los medios posibles, grandes y pequeñas historias con más capacidad que nunca de entrelazarse con Roma. Y nos ha regalado piezas únicas, en un país que, a parte de cuna del arte, es capital mundial del diseño de moda y producto. Evidenciamos esa colonización de los lugares de la Academia con un gesto atrevido que implicaba salpicarlos de migas de amarillo (el color de la gráfica elegida para esta promoción)... para no perderse entre los muchos espacios ocupados. Resultó muy satisfactoria la extensión de esa trama en el monte de oro, con momentos como el estudio de Rosalía Banet convertido en un triclinio o la búsqueda de Aitor Lara y Estibaliz Sádaba ocupando un lugar en la escalera del via crucis.

Processi a Matadero Entre la técnica y el cuidado, manteniendo esa labor de cura italiana, hemos trasladado Processi 144 articulado un discurso aparentemente neutro en la nave 16.1, un lugar que ya se asocia como espacio de residencia y creación. Durante las semana que la muestra esté abierta podremos incluso desayunar en la Academia*. Existen en este espacio mil hilos personales, temáticos, formales, técnicos. Siempre es tentador buscar en estos casos una clasificiación borgiana: la memoria cercana o remota, la ciudad, lo astral, la mujer, lo político, el cine como fuente de sueños... Todos esos ejes existen y les invito a dibujarlos en la Ersilia que hemos levantado en Matadero. * Iniciativa de Cantero y Gibellini, disponible en losdesayunosdelaacademia.wordpress.com

A Aitor Lara

Cs Claudio Sotolongo

Jc Joan Casaramona

An Ana Lombardía

Dj David Jiménez

Lg Laura F. Gibellini

Sy Santiago Ydáñez

As Antonia Santolaya

Es Estíbaliz Sádaba

Mj Mercedes Jaén

Ss Suset Sánchez

Be Beatriz Ruibal

Et Estrella Torrico

M Miki Leal

Ta Tyto Alba

Santiago Lara

Br Los Bravú

Ic Irene Cantero

Rb Rosalía Banet

Vr Victor Resco

Ch Carlos Higinio

Jb Juan Gómez

Sg Santiago Giralda

Xp Xosé Prieto

RESIDENTES 2016-2017

TYTO ALBA Da sus primeros pasos profesionales como pintor, exponiendo en varias galerías de Barcelona. Durante una estancia en México D.F. comienza su carrera de dibujante, donde realiza su cómic Black River Together (Ediciones del Castor, 1999) y varias historietas cortas para diferentes publicaciones. A su vuelta, trabaja durante años ilustrando artículos de opinión en El Periódico de Catalunya y desarrolla el proyecto PDA (Pequeños Dibujos Animados), a partir de la realización de cortometrajes de animación en colaboración con niños de diferentes países. Coescribe el guión Santo Cristo (Glénat, 2009), que dibuja el mexicano Pablo Hernández, y el mismo año repite editorial con El hijo, esta vez con guión de Mario Torrecillas. En su siguiente proyecto adapta al cómic Sudd (Glénat, 2011), junto con Gabi Martínez, autor de la novela homónima. Con estas dos últimas obras gana el premio Junceda en la categoría cómic. Ilustra el libro Un regalo de Navidad (Periférica, 2012) de Robert Louis Stevenson y colabora de nuevo con Gabi Martínez para adaptar al cómic Sólo para gigantes (Astiberri, 2012). Ya en solitario, se adentra en Dos espíritus (Astiberri, 2013), un western atípico crepuscular y La casa azul (Astiberri, 2014), un homenaje a dos figuras eternas, Frida Kahlo y Chavela Vargas. Con guión de Katrin Bacher, ilustra Tante Wussi (Astiberri, 2015), que recibió el premio Ciutat de Palma y ha sido traducida al francés y al alemán. La vida, una novela gráfica sobre la juventud de Picasso y su amistad con Carles Casagemas, es su último trabajo como autor completo.

Fellini en Roma Partiendo de los paseos nocturnos por Roma de un maduro Federico Fellini que sufría de insomnio, el proyecto pretende crear una biografía del personaje, de la ciudad y, especialmente, de la relación entre ambos. Planteado a la vez como un cómic guionizado por el propio Fellini y como una continuación de esa película fragmentaria titulada Roma, el resultado es una fusión libre de anécdotas biográficas del personaje, de reencuentros con sus fantasmas del pasado, con personas importantes en su vida, así como con personajes de la historia de Roma, mediante situaciones ficticias o visionarias. Con ello se va construyendo también un retrato de la ciudad a través de la mirada de nuestro personaje, que será, durante toda su vida, la del joven provinciano lleno de imaginación. También se destaca la importante relación de Fellini con el mundo del cómic. Se sabe que el joven Federico no llega a Roma para ser director de cine sino para dibujar historietas, teniendo como sueño entrar como colaborador en la mítica revista Marc´Aurelio. Del dibujo se pasará a los guiones y de allí a escribir para el teatro de comedia, para la radio y, finalmente, para el cine. Sin embargo, nunca dejará de dibujar para sus películas ni de ser un apasionado lector de todas las publicaciones de cómics para adultos que irán surgiendo durante las siguientes décadas y hasta el día de su muerte.

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Proceso La primera fase de trabajo ha consistido en la lectura de las diferentes biografías sobre Fellini que consideré interesantes, pero sobre todo, me he centrado en las entrevistas y documentales en las que el propio Fellini contaba sus anécdotas, fuesen éstas reales o inventadas. El hecho de que mi método de trabajo sea el de avanzar sin un guión previo, solamente con un esquema y escenas sueltas, y dibujar las páginas de manera salteada que más me apetecían, ha resultado en esta ocasión más que adecuado, ya que me ha permitido incorporar escenas de mis propias vivencias en diferentes lugares de la ciudad, momentos que iban surgiendo mientras descubría Roma y que de manera casual acababan encajando perfectamente. Como ejemplo más curioso, en una visita al cementerio de Campo Verano al atardecer, y entre una bandada de estorninos descubrí que, aparte de la belleza del momento, era en ese cementerio donde más directores, actores y gente del cine relacionada con Fellini habían sido enterrados. Días después de decidir incorporar esa escena y, habiendo dibujado una página muda con los pájaros y las diferentes tumbas, leí en una entrevista que la escena inicial para la película Roma que originalmente había rodado Fellini, tenía lugar en ese cementerio y era muy similar a la escena que yo había dibujado. Durante mi estancia en la Academia he vendido los derechos de esta obra a la editorial Astiberri para que se publique en formato libro a finales de este año.

Experiencia La convivencia con todo el resto de becarios, artistas y también investigadores, ha nutrido sin ninguna duda mi práctica, dado el alto nivel del trabajo de cada uno de ellos e, inevitablemente, aún más si cabe, por la relación con la ciudad de Roma que han tenido cada uno de sus proyectos. De la misma manera también me han influido muchas de las visitas que hemos tenido. Quizás la más notable haya sido la discreta visita de la artista Pilar Moreno, con quien, casualmente, descubrí asombrado su obra de collages tridimensionales, a la vez que ella, tras leer mis libros, se mostró muy interesada por el mundo del cómic y en hacer algún proyecto en ese camino, dada la fuerza que le pareció que tiene para comunicar este medio. De este encuentro se me ocurrió la idea de realizar unos pequeños collages de figuras recortadas dentro de cajas de cartón, con la idea de fotografiarlas e incluirlas de alguna manera en el libro final. La idea es jugar con la luz y el espacio a la manera de un director de cine, como Fellini, cuya obra está totalmente y sin excepción rodada en los estudios de Cinecittà, en donde recrea con una gran belleza plástica desde ciudades hasta fenómenos naturales. Estos collages han servido también para ser expuestos, tanto en el Open Studios como en la presente exposición, junto al resto de la obra.

Fragmentos de páginas de la novela gráfica Fellini en Roma. Acuarela y retoque digital, 2017.

ROSALÍA BANET Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, en 2003. Ha expuesto individualmente en galerías como Espacio Mínimo, Marta Cervera, Catherine Clark o Twin Gallery; y en centros de arte como La Conservera (Murcia), el MAS (Santander) o el Centro de Arte de Alcobendas. Ha participado en ferias internacionales como ARCO (Madrid), Frieze (Londres), FEMACO (México D.F.), Volta (Basilea) o CIGE (Pekín). Desde su trabajo analiza, reflexiona y critica la sociedad actual. Trata de mostrar sus excesos y desigualdades. Utiliza el cuerpo humano y sus enfermedades como metáforas para representar un sistema que considera caótico, alienador y deshumanizado. La comida es otra de las constantes en sus proyectos. A través del sistema alimentario abarca temas que van desde lo nutricional a cuestiones sociales, políticas, económicas y medioambientales.

El Gran Banquete El Gran Banquete es una instalación que mezcla pintura y escultura para representar el sistema alimenticio actual y la sociedad que lo genera, como una invitación a reflexionar sobre algunos de los aspectos que conlleva comer hoy en día. Pues alimentarse, además de ser una necesidad básica para el ser humano, es una expresión del self y del grupo social, del intercambio del hombre y su medio, por eso, a través de la comida podemos acercarnos a todo lo que entorno al ser humano se teje. El proyecto toma como punto de partida los banquetes romanos, estableciendo una comparación entre el último período del Imperio Romano, la época de decadencia, que es también la de los grandes banquetes, y la época actual, también un momento de crisis, en la que, sin embargo, abundan los grandes excesos. La instalación representa un triclinio contemporáneo, donde la pieza central está formada por una gran mesa en forma de “u”, sobre la que se presenta un apetitoso banquete. Pero, se trata de un banquete fúnebre, en el que toda la comida es negra, pues simula ser comida quemada: comida que ha perdido su capacidad de alimentarnos y que además se ha vuelto tóxica. Este banquete negro también representa un estado de ánimo, con el que se identifica al ser humano en la sociedad actual, aludiendo a la “bile nera”, habla de melancolía, de un comensal confuso y desorientado. Esta idea se completa con los dibujos de gran formato que rodean el banquete a modo de pinturas murales, y en los que encontramos una botica humana, donde el ser humano aparece fragmentado, roto.

www.rosaliabanet.com

Proceso El proceso de realización de El Gran Banquete ha sido intenso, con una metodología muy diferente a la que suelo desarrollar. Muy interesante por sus aportaciones a nivel formal y conceptual, algo que sin duda supondrá un antes y un después en mi trabajo. Aunque llegué a Roma con una idea bastante clara sobre la obra que quería realizar durante mi estancia en la Academia, la investigación que realicé en diversos museos y bibliotecas durante los primeros meses en la ciudad; las interferencias de otros procesos de diferente índole (exposiciones, charlas, conferencias y desayunos, conciertos, danza o simplemente paseos por la ciudad y charlas con los demás compañeros); la experiencia en la Academia y en Roma han ido paulatinamente cuestionando y cambiando mi perfecto esquema de organización-planificación a la hora de desarrollar proyectos, haciendo que durante estos meses me haya replanteado constantemente cada paso, cada detalle; alejándome de mecanicismos, desmontando certezas, cometiendo errores, despegándome de lo conocido para así enriquecer no sólo este proyecto, sino, estoy segura, proyectos futuros.

Experiencia Estos nueve meses habitando y creando en Roma y en la Academia de España han sido un momento fundamental dentro de mi trayectoria, pues me han dado la posibilidad de tomar distancia de mi práctica diaria y así ver con perspectiva todo el trabajo realizado. Además ha sido un ejercicio de limpieza, liberador de las rutinas que poco a poco se van adquiriendo y que paulatinamente nos van constriñendo. El hecho de estar lejos del entorno conocido, lejos de las problemáticas o preocupaciones cotidianas, que a veces tanto interfieren y limitan la práctica artística, ha supuesto una apertura, una desfocalización de la mirada. Algo que se ha visto potenciado por la convivencia con otros artistas e investigadores en tan estrecha comunidad, compartiendo experiencias, confrontando ideas, acercándonos al proceso creativo desde muy diversos y diferentes ángulos; obteniendo, por un lado, el feedback de los demás residentes, con el amplio abanico que ello implica; y, por otro lado, sintiéndonos involucrados en el desarrollo de otros procesos creativos e investigaciones diferentes a la de cada uno, de tal manera, que se puede decir que hemos vivido cada proceso desde sus entrañas, no las propias sino las del otro, que es mucho más enriquecedor. Y el trabajo de todo el equipo ayudándonos a desarrollar exitosamente nuestro trabajo, mediando entre los residentes y los agentes culturales de la ciudad, así como su ayuda para resolver todo tipo de cuestiones cotidianas, ha sido fundamental.

El Gran Banquete (Obra en proceso). Técnica mixta, medidas variables, 2017.

LOS BRAVÚ Dea Gómez (Salamanca, 1989) y Diego Omil (Pontevedra, 1988), ambos licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, trabajan en conjunto desde 2012 bajo el nombre de “Los Bravú”, palabra gallega utilizada para referirse al olor animal. Han desarrollado una carrera multidisciplinar vertebrada por el cómic como herramienta principal de expresión. En este campo han publicado diversos títulos con la editorial Fulgencio Pimentel, donde cabe destacar su última obra “MUJER!” (2016) además de colaboraciones con otras editoriales como Apa-Apa o Fosfatina y numerosas publicaciones auto-editadas. Con respecto a su obra pictórica y escultórica, han expuesto en galerías y festivales internacionales como El Parche en Bogotá, el FIBD de Angoulême, JUSTMAD o Estampa. Su obra ha sido valorada con destacados premios y becas como el INJUVE o la residencia en la Maison des auteurs de Angoulême.

Ese extraño flow / Questo strano flusso Desde muy temprano decidimos que el apartado gráfico de nuestros cómics lo trataríamos desde la lógica de la pintura, un recurso poco habitual en este medio y que además de otorgar a la página un valor añadido como pieza expositiva, genera ciertas problemáticas que nos permiten extraer conclusiones significativas no sólo en lo formal, pues también nos adentramos en nuevos territorios conceptuales. Sin embargo, después de algunos años de carrera en el cómic contemporáneo de corte alternativo, sentimos la necesidad de usar distintas disciplinas artísticas que nos permitan indagar en otras inquietudes. Durante nuestra residencia en la Academia trabajamos en un proyecto multidisciplinar que reflexiona sobre la ruptura tradicional del relato a través de recursos estéticos y narrativos que han surgido y se han desarrollado dentro de los límites de internet, junto con un proceso de investigación en torno a la relación de otras disciplinas artísticas con el cómic, interactuando con otros medios y dando como resultado un diálogo entre la pintura, la obra escultórica, el vídeo y el cómic. Ante el peligro consciente de que la supremacía de la imagen condene nuestra obra a una supuesta frivolidad, nos vemos empujados a profundizar en la descripción de un retrato generacional que evidencie las nuevas realidades de nuestro tiempo. Para ello hemos encontrado idóneo trabajar a través de retratos de jóvenes, especialmente mujeres, con una fuerte iconografía basada en las imágenes que se cuelgan en redes sociales y que demuestran la enorme sobrecarga de inputs de la sociedad actual. Estos retratos están a su vez influenciados por el clasicismo del quattrocento italiano, un estilo pictórico enraizado fuertemente en el diseño y la ilustración contemporáneos.

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Proceso Durante las primeras semanas en Roma, viviendo un lógico proceso de adaptación a la ciudad y a la institución, planteamos las líneas generales de trabajo y un calendario para ejecutarlo. Sin embargo, en noviembre fuimos gratamente invitados por la dirección a participar en el espacio expositivo de la Academia junto con los demás residentes de la disciplina de cómic. En coherencia con la línea teórica del proyecto, aprovechamos para realizar una pieza pictórica inspirada en los valores formales del cómic pero que suponía un salto cualitativo desde nuestra zona de confort, la página publicable, a un artefacto expositivo de gran formato. Este ejercicio nos permitió establecer un fuerte vínculo de comunicación con otros residentes de disciplinas plásticas sobre los métodos y prácticas pictóricas. Aprovechando este contexto y la posibilidad como residentes de acceder libremente a los museos de Roma, comenzamos a estudiar a los antiguos maestros italianos para enraizar los arquetipos clásicos con la gráfica contemporánea y nuestro imaginario autoral previo. Considerando las narrativas transmedia como característica identificativa de la generación millennial, desarrollamos una serie de esculturas y vídeos en paralelo a las piezas pictóricas. Distintos dispositivos artísticos que dialogan dentro del mismo relato. Llegamos a junio con una inesperada y heterogénea productividad que aventura el inicio de un emocionante nuevo periodo.

Experiencia Nos hemos encontrado residiendo en una institución viva que ofrece una intensa agenda de actividades culturales. Pero entre todas las iniciativas destacan las enriquecedoras visitas de profesionales de la cultura que generosamente han compartido con nosotros su tiempo y experiencia. Un programa excelentemente coordinado por Miguel Cabezas, facilitando el contacto con personas del panorama artístico que han enriquecido nuestro bagaje y con quienes, en ocasiones, hemos sementado futuras colaboraciones. Con los compañeros residentes hemos creado vínculos inolvidables, amistades de las que aprendemos y recibimos consejo. Artistas que nos convirtieron en testigos diarios del desarrollo del proyecto dentro de sus estudios. Investigadores, amables y humildes, que nos han empapado de su conocimiento. Terminamos nuestra estancia en Roma cargados de futuros proyectos profesionales que verán la luz en los próximos meses. De entre todos, resultan emocionantes aquellos que surgen de la convivencia y la amistad, como la invitación de Santiago Ydáñez para que realicemos una exposición individual en su pueblo natal, comisariada por Xose Prieto y con Miki Leal como maestro de ceremonias. Roma es una ciudad radiante, repleta de gente hospitalaria que ha marcado de un modo rotundo el presente y futuro de nuestra obra.

Detalle del estudio de Los Bravú, Roma, 2017.

IRENE CANTERO Mi práctica artística involucra los lenguajes del cuerpo –coreografía, interpretación y pedagogía– y la luz –diseño de iluminación–. Entiendo la práctica artística como un lugar de estudio y experimentación en la búsqueda de sentidos. Licenciada en Escenografía y en Coreografía. He obtenido becas de creación e investigación como Beca Danceweb-Impulstanz Viena, Ayudas a la producción INJUVE, Artista residente en la Real Academia de España en Roma, artista en residencia en La Casa Encendida y el Centro de Arte Dos de Mayo. Dirijo algo que se llama EN PROFUNDIDAD donde exploro una forma de entender la danza desde la transdisciplinaridad y la resistencia. Hemos presentado trabajos en Matadero Madrid, Festival Internacional de Danza de Itálica, Sevilla; Festival differenti Sensazioni, Biella, Italia; Fringe, Estocolmo; Festival Danzamos, Madrid; Real Academia de España en Roma, etc. Trabajo en otras realidades siempre enmarcadas en las artes vivas: colaboro con diversas compañías y artistas independientes que sostienen una línea entre la danza contemporánea, la performance y los géneros híbridos.

Dum lucem habetis / Mentre avete la luce / Mientras tenéis la luz Dum lucem habetis –mientras tenéis la luz– es el principio de un versículo de San Juan. Mientras nos lleva a pensar la duración –¿cuánto dura ese mientras?, ¿mientras sucede qué?–, tenéis alude al cuerpo mismo, al tú –¿dónde tenemos esa luz?, ¿dentro del cuerpo?– y la luz nos ofrece un viaje entre el ser físico y espiritual –¿qué sucede mientras tenéis la luz?, ¿y después?–. La luz es el agente físico que hace visibles los objetos. La luz es tanto una realidad física como una realidad metafísica. Pero la luz es también el espacio interno vacío de las cavidades u órganos del cuerpo. Los anatomistas llamaron “luz” a los espacios que dan entrada al interior del cuerpo, dotaron de luz al territorio ignoto de nuestros adentros. “En el interior del cuerpo hay luz” es una de nuestras premisas de partida. ¿Es posible que la luz del cuerpo nos desborde? ¿es posible transparentar los paisajes internos del cuerpo?.

irenecantero@gmail.com www.enprofundidad.eu https://dumlucemhabetis.tumblr.com

Proceso Llego a la Academia por primera vez y me digo: “Irene, intenta que esta sensación no se te olvide nunca”. La Academia se alza sobre toda la ciudad y el frío sol del invierno golpea en todos sus cristales devolviéndome un paisaje sobrecogedor. No era mi intención primera centrar la mirada casi exclusivamente en la luz natural pero así se fue enfocando, porque el Sol es la fuente de luz primigenia y decidí comenzar por el principio y porque la luz de Roma es radical en cuanto a potencia e interacciones con los espacios. Las capas de tiempo que conforman la ciudad están bañadas por la luz del mismo modo que cuando fueron concebidas. Cada época trató y manipuló la luz de acuerdo a sus creencias y parámetros estéticos y nosotros ahora podemos observar todas esas luces y leerlas tanto con su sentido original —o el que pensamos que es su sentido original— como con el que nuestra óptica contemporánea quiera darle. Por tanto, en cada espacio de la ciudad, donde ya de por sí se solapan continuidades y discontinuidades de todas las épocas, entra la luz en juego y se solapa a todo lo que ya hay. Esta luz nos llevó a la observación de ella en sí misma y a querer comprender, acompañar y manipular algunos de sus comportamientos. En el viaje nos embarcamos: Luz Prado, David Benito, Roberto Baldinelli, Elena Córdoba, Álvaro Cantero y yo.

Experiencia “Construirse el suelo donde trabajar es un buen principio.” 20 diciembre. “Hacer un lugar, un sitio cómodo para estar. Donde te sientes a gusto, te quieres quedar, una práctica de cuidado. No tienes que contemplar todo el rato. ¿cómo entramos ahí nosotras? No quiero oscuridad, porque con luz el tránsito se hace más fácil y posible.” 18 enero. “Si mi cuerpo pudiera hacer lo que hace mi voz yo sería otra persona.” Niño de Elche. 22 febrero. “A veces la presencia del relato es más poderosa que el haberlo visto realmente.” David. Él nos cuida: “no te quemes, no te caigas.” 1 marzo. “Aquí te dan tiempo, como una rutina artística.” 8 marzo. “David y Elena se pusieron a lo suyo y Luz y yo ensayamos en el jardín cosas varias. Miki volvió a hacer un arroz para todos. Por la tarde bajamos a la cripta pero hacía frío y el cuerpo no respondía nada bien. Elena dice que cuando se pone a currar ya se le puede caer la casa alrededor.” 27 abril. “¿Qué has descubierto en Roma que no conocieras antes de venir aquí? ¿la ciudad es digerible? ¿te acoge o te golpea?.” Jordi Colomer. 17 mayo. “Y es muy bonito y está la carne” 31 mayo. En la Academia de España en Roma te dan el tiempo, el lugar y las condiciones económicas. Pero sin los dos primeros el tercero no tendría sentido. Me levanté todas las mañanas de aquellos meses inmensamente agradecida. Puedo decir, sin haberlo digerido todavía, que he cambiado profundamente.

Rayos, Instalación de rayos en la cripta del Tempietto de Bramante. Irene, Mudanza temporal a la cripta del Tempietto de Bramante.

JUAN CASARAMONA Joan Casaramona Gual (Barcelona, 1988) Graduado en Ilustración y Diseño Gráfico por la Escola Massana de Barcelona. Trabaja en varios campos de la creación visual, moviéndose entre disciplinas como la ilustración, el cómic, el grafismo y la animación, con una inquietud especial por la narración y el dibujo.

Una novelita gráfica lumpen Una novelita lumpen, de Robeto Bolaño, nos muestra una Roma suburbana y enrarecida desde los ojos de una adolescente huérfana. Tomando el libro como punto de partida, el objetivo del proyecto es explorar los límites entre el lenguaje escrito y el lenguaje visual, analizando las posibilidades del dibujo como método de escritura, y debatir el papel de la ilustración en relación a la literatura. Alimentándose de este análisis, el proyecto quiere traducir la lectura personal de la novela al lenguaje del dibujo; tal vez estas palabras del ilustrador Arnal Ballester nos puedan ayudar a precisar el proceso: “Y ese algo es en realidad lo que he ilustrado. No el cuento en sí sino todas las olas que provoca. Cada vez entiendo que ese es mi trabajo como ilustrador. Me gusta ilustrar los efectos de la lectura y no tanto el texto."

joan_cg@hotmail.com joancasaramona.tumblr.com

Proceso El proyecto evolucionó mucho al llegar a la Academia y a Roma: el planteamiento previo, pensado en el marco de una situación laboral que abreviaba la duración de la beca, consistía en realizar dos capítulos –de un total de dieciséis– de la adaptación gráfica de la novela. Ya en Roma, gracias a la riqueza del entorno, al conjunto de becarios y a todo el equipo de la RAER, la adaptación se fue orientando orgánicamente hacia algo más complejo. La libertad creativa ofrecida en la Academia permitió un grado mayor de compromiso con el proyecto, profundizando sin miedo, a partir de la novelita, en la relación entre palabra e imagen, la problemática de las adaptaciones gráficas de textos literarios y el uso del dibujo como lenguaje.

Experiencia Es difícil hablar de la experiencia en la Academia sin usar un lenguaje más cercano. Este proyecto, todavía en marcha, no sería posible sin la aportación de todos los becarios y el equipo de la RAER. En cuanto al grupo de becarios, tres casos de interacción a modo de ejemplo, por estar relacionados con el proyecto: conversaciones de madrugada con el escritor Juan Gómez Bárcena, compartiendo experiencias como lectores de Bolaño, debates con Dea Gómez y Diego Omil, Los Bravú, sobre las fronteras entre literatura, cómic, arte y narración, o ver de cerca el proceso creativo del fotógrafo Jesús Madriñán, que me animó a documentar con una cámara desechable los espacios que aparecen en la novela.

El libio-boloñés y Bianca, maquetas de cartón de dos de los personajes

CARLOS HIGINIO ESTEBAN [CARLOS CARTAMA] Arquitecto por la Escuela Politécnica de Madrid, ETSAM (2003). Multidisciplinar. Interesado en la transformación del paisaje suburbano, en la inserción de lo artificial en lo natural, en los procesos industriales, en los procesos de construcción y destrucción y, en definitiva, en la relación entre la actividad humana y el medio en el que se desarrolla. Como arquitecto es autor de numerosos proyectos de reordenación urbana, Premio Ecosur de Arquitectura Sostenible (La Habana) con un proyecto dotacional en Mopti (Mali), Premio Europan IX (Gyor) con un proyecto de transformación industrial y Premio COAM Opera Prima (Madrid). Ha trabajado en proyectos urbanos de gran escala con Ateliers Jean Nouvel (MNCARS, Madrid) y Herzog de Meuron (BBVA, Madrid; Unterlinden Museum, Colmar; M+,Hong Kong; Centro Cultural Lux, Sao Paolo). Su obra se ha expuesto a nivel nacional e internacional en Madrid (COAM), Barcelona (Instituto Italiano IIC), Amposta (Lo Pati, BIAM), Venecia (Bienal de Arquitectura), Mumbai (Sakshi Gallery), Guadalajara, MX (Artere-A) o Copenhaguen (CPF, Copenhagen Photo), entre otras, y ha recibido becas y premios de la Comunidad de Madrid, Ministerio de Cultura de España, ArteLaguna (Venecia), Agencia Mexicana de Cooperación AMEXCID y recientemente AADK Spain (Aktuelle Architektur Der Kultur). Con anterioridad a su incorporación a la Real Academia de España en Roma ha colaborado en la obra de construcción de la sede de la Norman Foster Foundation en Madrid y ha sido seleccionado ganador del concurso de Metro para la nueva imagen de la estación de Chueca.

Roma 167/62 Durante los años 60 y 70 se abordaron en el entorno de Roma y al amparo de la Ley 167/62 proyectos urbanísticos extraordinariamente ambiciosos en lo que respecta tanto al número de viviendas proyectadas como a la calidad misma de los proyectos. Puntualmente convergen y se hacen converger muchos de los ideales y aspiraciones de los proyectistas con los intereses estrictamente económicos, políticos y los requerimientos legales que posibilitan estas operaciones. La suma de factores ideológicos, proyectuales, políticos y económicos da como resultado obras de gran valor arquitectónico y urbano que, sin embargo, y en muchos casos antes incluso de su finalización, empezarán a mostrar rápidamente situaciones problemáticas especialmente allí donde más énfasis e interés habían depositado sus creadores, esto es en la creación de una nueva sociedad que se beneficiara de una nueva concepción del espacio urbano. Roma 167/62 quiere explorar precisamente la relación entre los planteamientos ejemplares que conducen a la concepción y ejecución de estos desarrollos urbanos y el resultado de los mismos.

carloscartama.com

Proceso ROMA 167/62 es un proyecto artístico de investigación sobre cierta Roma moderna y las circunstancias y consecuencias que generaron la morfología que hoy en día conocemos en muchos de sus barrios periféricos. El proyecto tiene su origen en un trabajo previo en torno a las iniciativas del Istituto Autonomo de Case Popolare (IACP), después ATER (Azienda Territoriale per l’Edilizia Residenziale) y con especial atención a las grandes actuaciones realizadas en las décadas de los 60 y 70 a partir de la Ley 167 y a raíz del Piano Per l’Edilizia Economica e Popolare aprobado en el año 1964. Pretendiendo contener el precio del suelo se justificó en buena medida que estas grandes intervenciones se realizaran a menudo en contextos desestructurados e n relación a la ciudad en la que pretendían englobarse. A continuación, los problemas de financiación, la envergadura de los proyectos, su ubicación específica desfavorable o el grupo de población homogéneo y de medios excesivamente precarios al que en general se dirigían facilitaron juntos o por separado la aparición de conflictividad social que en algunos casos se fue resolviendo a lo largo de los años y que en otros tiene todavía claro margen de mejora. Las intervenciones urbanas llevadas a cabo durante aquella época tuvieron para la ciudad un gran impacto social y emocional que todavía persiste y siguen siendo motivo de controversia acerca de su idoneidad o de su inconveniencia, de sus virtudes y de sus carencias. ROMA 167/62 es un proyecto de formato audiovisual que funciona como un coro de voces formado por los testimonios recabados entre diferentes colectivos como son el colectivo político, el académico, el colectivo profesional y por último, el colectivo beneficiario de la construcción de viviendas: los residentes. El proyecto se centra y pone el foco en los testimonios y en la voz como herramienta capaz de recrear un tiempo y un lugar. Una época, en definitiva, que a pesar de los largos años que abarca y las grandes distancias físicas que recorre, se define de manera nítida a partir de unos hechos puntuales muy precisos y describe situaciones particulares y características de la ciudad de Roma. A través de testimonios de primera mano y a partir de la suma de visiones particulares se genera un testimonio común que en definitiva es capaz de crear la memoria de un colectivo para una experiencia compartida. ROMA 167/62 quiere confrontar de manera crítica los conceptos de diseño urbano, las voluntades políticas y el relato de los propios habitantes que comparten este relato común, y quiere hacerlo desde una visión contemporánea, exenta de nostalgias, melancolías, paternalismos y búsqueda ingenua de responsabilidades.

Senza titolo I y II, 2017.

LAURA F. GIBELLINI Laura F. Gibellini es doctora en bellas artes (UCM, 2010), artista plástico y profesora en la School of Visual Arts de NYC y en el Centro Universitario de Artes TAI de Madrid. El trabajo de Gibellini se ha mostrado, entre otros, en lugares como el CCCB/Centro de Cultura Contemporánea (Barcelona); el Museo de Los Sures (NYC); la Accademia di Belle Arti (Roma); Carpe Díem. Arte e Pesquisa (Lisboa); el Boston Center for the Arts (Boston); Anthology Films Archives (NYC); Artist Space (NYC); La Casa Encendida (Madrid); MAC (A Coruña); BIAM (Amposta); AC Institute (NYC); Slowtrack (Madrid); Vacío 9 (Madrid); Antonio de Barnola (Barcelona); Le Cube (Rabat) o UCCA (Beijing). En 2013 finalizó su primer proyecto de Arte Público permanente para tres estaciones de la red metropolitana de metro de Nueva York bajo comisión de MTA Arts for Transit & Urban Design. El primer libro de su trabajo, Construyendo un Lugar/Constructing a Place, fue publicado por la Universidad Complutense de Madrid en enero de 2012 y el segundo, Meditaciones Atmosféricas. Antes del Presente (338U-710U) por NocaPaper y Slowtrack (Madrid) en 2016 y por Publication Studio (Hudson, USA) en 2017. Gibellini ha sido becaria de la Real Academia de España en Roma (2016-2017) y artista residente en The Banff Centre for Arts and Creativity (Alberta, Canadá, 2017), ISCP (NYC, 2011), The Aldrich Foundation (Connecticut, 2010) y la Künstlerhaus Glogauer (Berlín, 2007). En lo que respecta al reconocimiento de su trabajo, Gibellini ha recibido, entre otros, un Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid y numerosas subvenciones públicas y privadas para la realización de su trabajo.

Atmósferas e Interrupciones Partiendo de la vinculación entre el aire y la medición del tiempo, Atmósferas e Interrupciones supone una investigación, mediante el dibujo y el vídeo, de las condiciones atmosféricas y temporales de la ciudad de Roma. Este proyecto forma parte de un cuerpo de trabajo mayor en el que me he venido preocupando por la visualización de los elementos básicos de la vida, el aire y el agua, a través de los elementos mínimos de la representación, el punto, la línea y el color. Tanto el aire como el agua ocupan espacios que se encuentran desterritorializados y que carecen de representaciones directas en los mapas. De modo similar, el tiempo se considera en base a su medición y de acuerdo a un desarrollo lineal geométrico desvinculado del espacio que ocupa. Atmósferas e Interrupciones tiene su base en el estudio de la luz romana por un lado, por la relación intrínseca entre el aire, la luz y la medición del tiempo y, por otro, por la importancia de ésta en la ciudad. Parte del objetivo de este trabajo es preguntarse acerca de las interrupciones o ausencias de la representación y en cómo lo no representado (lo fluido, lo oceánico y lo temporal) permanece no reconocido y cómo lo no reconocido resulta impensable. Se trata, en definitiva, de reflexionar sobre la capacidad del arte de generar las condiciones para pensar e imaginar aquello que nos resulta, aún, inconcebible.

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Proceso Atmósferas… supone un paso más en una investigación acerca de la visibilización del aire y el agua a través de los elementos básicos de la representación y considera el dibujo como un modo esencial de marcar que, a su vez, contiene el modo en que algo es percibido. Si anteriormente había utilizado líneas cortas que referenciaban nieve cayendo sobre el cielo como la materialización fundamental del aire, al llegar a Roma mi marca esencial pasa a ser una línea interrumpida de origen radial. Ésta surge de la observación de la materialización del aire por medio de la luz, que se convierte en la forma de visibilización esencial del aire romano—además de tener una vinculación intrínseca con la medición del tiempo, pues éste se calcula en relación al espacio recorrido por la luz, y es también el ángulo de incisión del sol sobre la tierra el que organiza la división horaria por la que nos regimos—. Tres elementos fundamentales han guiado mi trabajo: el Panteón de Agripa, que fue concebido como un reloj solar, la luz que se filtra a través de los árboles romanos, y las diversas meridianas de la ciudad. Mi investigación busca plasmarse a través del dibujo en gran formato y ocupando diversos soportes y va encaminado a una materialización de carácter instalativo, atmosférico y que rompa con la visión frontal tradicional del dibujo. He de añadir que una estancia en The Banff Centre for Arts & Creativity de Alberta ha supuesto un gran avance en este sentido, pues ha propiciado reflexiones fuera de todo marco catalizando en un trabajo de carácter más inmersivo y menos frontal y que ha ocupado mi desarrollo plástico y conceptual en Roma y que anticipa, además, la nueva línea de investigación que me encuentro desarrollando mientras reviso estas líneas, en marzo de 2018.

Experiencia Mi paso por la RAER ha supuesto, entre otras cosas, un gran enriquecimiento personal y profesional propiciado por el contacto tanto con magníficos compañeros, como con los trabajadores del centro y con visitantes de gran interés, y por la posibilidad de trabajar en un entorno favorable, protegido y sumamente respetuoso. Afinidades conceptuales y estéticas han favorecido sinergias entre algunos becarios, que han supuesto un refuerzo fundamental a nivel personal y profesional y que creo que se manifiesta en las enriquecedoras vinculaciones de algunos trabajos. Así mismo es importante destacar la posibilidad de compatibilizar la vida profesional fuera de la Academia con la estancia dentro de ésta, pues una y otra se han ido entretejiendo y complementando de un modo fundamental para reforzar la calidad y rigor del trabajo desarrollado durante la beca. En mi caso particular, la estancia en The Banff Centre for Arts & Creativity, así como una exposición individual en Madrid, han supuesto no sólo un gran avance en mis investigaciones, sino una afirmación del interés del trabajo realizado.

Atmósferas e Interrupciones 1 (maqueta). Dibujo y pintura sobre papel. 23 x 45 cm. Escala 1:10. 2017. ROMA. LSR 170516 – 170304 Video HD, audio estéreo. 6’. 2018; Motion graphics: Pablo Jiménez. Sound design: Samuel Titos

SANTIAGO GIRALDA Licenciado en Bellas Artes y Máster en Arte, Creación e Investigación por la Universidad Complutense de Madrid. Además, es Posgraduado por la Hochschule fur bildende Kunste de Hamburgo. Sus trabajos han sido expuestos internacionalmente en países como Estados Unidos, Alemania, Colombia, Perú y Reino Unido, en ferias como ARCO (2014, 2015, 2016), ARTBogotá (2016), ARTLima (2016), Expochicago (2014). Ha sido galardonado en numerosos certámenes, entre los que destacan: Generaciones de Caja Madrid (2013, 2008), Circuitos de Artes Plásticas Comunidad de Madrid (2012) e Injuve (2008). Entre sus exposiciones individuales son reseñables “Dejar hacer a la sombra” (Galería Moisés Pérez Albéniz, 2015), “Interior-Exterior” (Sala de Exposiciones del Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid, 2009), “Outsider” (Galería Oel-Frueh, Hamburgo, 2007). Entre sus múltiples exposiciones colectivas figuran “Rugged Terrain”(BetaPictoris Gallery, Alabama, EE. UU., 2016). “2014/ Antes de irse. 40 ideas sobre pintura” (Museo de Arte Contemporáneo, MAC, La Coruña, 2013), “Presente Continuo” (Centro de Arte Conde Duque, Madrid, 2013), “Art Situacions” (Da2, Salamanca; Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2012), “Para Bamila Josuanse / Un paisaje a la sombra” (Centro de Historias, Zaragoza), XII Mostra Internacional Gas Natural Fenosa (MACUF, La Coruña, 2012), “25 Años de la Muestra de Arte Injuve” (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2010), Su obra está presente en colecciones de arte privadas e institucionales, entre éstas, las del Ministerio de Cultura, Macuf, DKV y Caja Madrid.

Ruta a Roma Mi proyecto parte del encuentro con una pintura de Turner, Roma, desde el monte Aventino, de 1835. En su primer viaje a Roma, Turner realizó un cuaderno de bocetos sobre la ciudad que tituló Ruta a Roma. En su época, Roma seguía siendo una ciudad de obligada visita para los pintores y pasaría a ser considerada la ciudad donde se establecerían las bases de la nueva concepción de la pintura de paisaje. Mi propuesta parte de esta idea de viaje en busca de nuevas realidades y el desarrollo espiritual como fuente de inspiración. Y por supuesto de Roma, como lugar para el encuentro con la tradición y la convivencia para las nuevas ideas. Considero el paisaje como un constructo cultural. Mi intención es realizar un proyecto que proponga una perspectiva contemporánea sobre el paisaje, confrontando las características de la ciudad actual con su historia y las diferentes tradiciones pictóricas que se han ido desarrollando. Aprovechando la estancia en la ciudad, realizaré una serie de pinturas con las que pretendo reflexionar sobre el paisaje, confrontando el imaginario construido a través de las innumerables representaciones de la ciudad a lo largo de la historia, con la experiencia personal del viaje y de la vivencia del territorio.

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Proceso Una vez llegado a Roma, establecí un proceso de trabajo basado en la exploración de aquellos lugares pintorescos que eran cruciales para el desarrollo de mi propuesta. Sin embargo, transcurrido un tiempo y una vez más asentado, entendí que el planteamiento inicial no se adecuaba a la experiencia que estaba viviendo. Por ello, considero que lo más enriquecedor ha sido el cambio que el proyecto ha ido experimentando en el trascurso de estos meses. Ahora siento que la ciudad, que en principio debía ser el motivo protagonista de mis pinturas, ha ido difuminándose para devenir en un escenario donde reflexionar sobre mi posicionamiento ante la pintura y los diferentes aspectos que han ido conformando mi práctica. De algún modo, Roma ha supuesto un reencuentro con obras y artistas que han sido fundamentales en mi formación como pintor y, al revisarlos, también me he replanteado mi propio trabajo. Mi proceso de investigación, a diferencia del seguido en otros trabajos anteriores, se ha basado principalmente en aprovechar la vivencia in situ de los paisajes que pretendía representar. De esta forma, he partido de imágenes tomadas por mi mismo, experimentado con diferentes técnicas y sobre todo, me he dejado guiar por el impulso emocional que me sugerían estas localizaciones. Al final, reconozco que la intención con esta serie de pinturas ha sido dar respuesta a este periodo introspectivo que ha significado Roma para mí. Donde el viaje interior ha resultado lo más determinante.

Experiencia Conocía la convocatoria y tenía referencias por amigos que habían sido becados en años anteriores. En un principio, la Academia se presentaba como una institución para el arte, pero que sin embargo, parecía encontrarse un tanto al margen de la actualidad artística. Me gustaría destacar el momento que vive la Academia y el equipo que está trabajando para que se actualice y sea un espacio que además de apoyar la investigación y la producción artística de los residentes, de visibilidad a sus trabajos y fomente las relaciones entre los diferentes agentes culturales del mundo del arte. En este sentido, a lo largo del año se ha desarrollado un programa de invitados destacable. Se han programado encuentros, conferencias y diferentes actividades. Además, hemos recibido en nuestros estudios a importantes directores de museos, galeristas, comisarios y artistas. A mi llegada a la Academia encontré el contexto idóneo donde desarrollar mi proyecto artístico. Sin embargo, no imaginé que supondría un lugar tan abierto para la experimentación, para la reflexión y, sobre todo, para el aprendizaje. Ahora que mi estancia llega a su fin, reconozco que nunca pensé que este tiempo sería tan rico en motivaciones y agradezco la influencia extraordinaria de mis compañeros. La experiencia de convivir con un grupo de personas que dedican su esfuerzo y talento a la cultura, en un entorno donde se valora la investigación y la creación artística, ha sido un verdadero privilegio.

Vista del estudio de Santiago Giralda en Roma, con las obras Boschetto (arriba) y Giardino, Vesta y Luft (abajo), 2017.

JUAN GÓMEZ BÁRCENA Juan Gómez Bárcena (Santander, 1984) es licenciado en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada (Universidad Complutense de Madrid), en Filosofía (UNED) y en Historia (Universidad Complutense de Madrid). Ha publicado la novela El cielo de Lima (Salto de Página, 2014), con la cual obtuvo el Premio Ojo Crítico de RNE de España, el Premio Ciudad de Alcalá y el Premio Sintagma al Mejor Libro seleccionado por los lectores, así como ha sido traducida o está en proceso de traducción al inglés, el italiano, el portugués, el alemán, el griego y el holandés. Su libro de relatos Los que duermen (Salto de Página, 2012) fue considerado una de las mejores óperas primas de 2012 por El Cultural de El Mundo, y recibió el premio La Tormenta al mejor autor revelación. Actualmente acaba de publicar su tercer libro, Kanada (Sexto Piso, 2017).

Ovidio en el Ponto En el año 8 d.C. Publio Ovidio Nasón fue desterrado por Augusto a la lejana Tomis (actual Constanza, Rumanía), en los límites del Imperio romano. Allí se vería obligado a convivir hasta su muerte con los bárbaros, a quienes como romano temía y despreciaba. Su literatura del exilio, Tristes y Pónticas, da testimonio de este sorprendente choque antropológico: un choque en el que todo –su lengua, sus creencias, su propia identidad– se verá cuestionada. La obra de teatro Ovidio en el Ponto recrea de manera libre este episodio histórico a través del diálogo entre Ovidio y su criado geta. Un encuentro plagado de malentendidos, de silencios, del lento descubrimiento de la lengua y la cultura del Otro, al cabo del cual ninguno de los dos volverá a ser el mismo. Con una mirada que debe mucho a la teoría postcolonial, Ovidio en el Ponto se propone relativizar los conceptos de civilización y barbarie, que hoy siguen siendo peligrosamente operativos en nuestra forma de percibir el mundo. Aquí el bárbaro soy yo, porque ninguno me entiende, y los estólidos getas se ríen al oír mis palabras latinas (Tristes, Libro V).

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Proceso La escritura de Ovidio en el Ponto entrañaba dos desafíos fundamentales. En primer lugar, era vital convertir el episodio concreto del exilio de Ovidio en una fuente de reflexión sobre la actualidad, trascendiendo así la mera recreación histórica: como sucede siempre en mis obras, el pasado debía transformarse en una excusa para cuestionar el presente. En segundo lugar, la elección del género dramático me obligaba a experimentar con nuevas formas expresivas, alejadas de mi zona de confort como creador –la narrativa, y en especial la novela–. Para superar ambos retos ha sido fundamental abordar un largo proceso de documentación, que me ha servido por un lado para analizar la transformación del concepto de barbarie a lo largo de los siglos y por otro lado para leer un buen número de obras dramáticas, dando así con los recursos y herramientas que más tarde me servirían durante la fase de escritura. Por último, un breve viaje a Constanza (Rumanía) y la costa del Mar Negro, destino más probable del exilio de Ovidio, me ha ayudado a construir la ambientación de la obra.

Experiencia Una beca artística no sólo debe aspirar a proporcionarnos las condiciones idóneas para crear. También es una oportunidad para dotarnos de experiencias que nos enriquezcan como artistas y como personas: para encontrarnos con personas, lugares y circunstancias que nos obliguen a dar rodeos en nuestro proceso de creación, llevándonos así a lugares inexplorados. Así ha sucedido en mi caso con mi estancia en la Academia de España. La experiencia de habitar Roma, y sobre todo la relación con compañeros procedentes de otras disciplinas artísticas, me ha ayudado a interrogar mi propio proceso creativo y a incorporar en la escritura reflexiones de ámbitos tan diversos como la fotografía, la pintura o el cómic. No estoy seguro de cómo esta contaminación ha repercutido en Ovidio en el Ponto, ni tampoco sé si redundará en colaboraciones con otros artistas en el futuro, pero sospecho que mi paso por la Academia de España no sólo ha moldeado mi obra actual, sino mi propia personalidad como escritor.

Estatua de Ovidio en Constanza / Mapa del viaje de Ovidio a Tomis (Constanza).

MERCEDES JAÉN RUIZ Elche, 1973. Graduada en Diseño industrial y gráfico por la Universidad CEU Cardenal Herrera (Valencia). Tras ganar la beca IMPIVA de diseño industrial, realiza un máster en la Domus Academy de Milán (Italia). Trabajó en España con Punt Mobles y Pepe Gimeno, y posteriormente en Italia con la Sottsass Associati, Defne Koz, David Chiperfield Architects y Michele De Lucchi, desarrollando proyectos en el campo del diseño industrial y el diseño gráfico. En 2000 fue residente en el Takumi Studio, Gifu (Japón). Entre otros premios, ha obtenido el Light Exhibition Design (Milán, 2009), Premio Nacional de Diseños no Aburridos (Murcia, 2003), Premio Injuve en la categoría de diseño (Madrid, 2003), 3er premio en el “Porada International Design Award” (Italia, 2002) o el Silver prize “1st International Carpet Design Competition” (Japón, 1999).

Tema y variaciones El proyecto “Tema y variaciones” parte del estudio de los objetos de uso cotidiano, decorativo y ritual de la Antigua Roma mediante el análisis de restos arqueológicos, atendiendo al uso de materiales y a los procesos de fabricación. Posteriormente, este análisis es tomado como punto de partida para el desarrollo de una colección o colecciones de objetos con el concepto de tema y variaciones usado en la música. Paralelamente, se realizará un catálogo de epitafios y otras incisiones caligrafías romanas con la técnica del frotage mediante un trabajo de campo.

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Proceso Empiezo con el estudio de los objetos de la Antigua Roma creando una colección mental de las diferentes tipologías, materiales y técnicas. Para ello visito museos en ciudades como Roma, Londres, Valencia y Pompeya, así como yacimientos arqueológicos y bibliotecas. Pronto mi radio de estudio se amplía hasta abarcar la civilización etrusca, anterior a la romana; una cultura misteriosa cuyos objetos están cargados de un gran simbolismo. Con estas visitas poco a poco empiezo a ver temas que me interesan. Me llaman particularmente la atención los espejos etruscos, tanto por su simbolismo como por la íntima unión que se establece con su dueño: al fin y al cabo, eran objetos únicos con los que a menudo al final de su vida sus propietarios escogen enterrarse. Los espejos etruscos y romanos, pero sobre todo los etruscos, por su simbolismo y la unión con quién los posee, siendo objetos que solían regalar y que iban destinados a una cierta persona, objetos únicos que al final de la vida de su dueño vendrán enterrados con él. Otros temas que he investigado son el vidrio de oro y las urnas funerarias y los ex-votos. En este proceso de absorción y transformación, el primer proyecto que empieza a cobrar forma es el diseño de un espejo de mesa.

Experiencia Ser residente en la Academia me ha regalado un momento de renacimiento. Vivir en Roma, después de una larga permanencia en Milán, me ha acercado a mis orígenes mediterráneos dónde la luz predomina, el cielo es azul y el clima amable. Poder ver Roma desde lo alto toda bañada de oro a rosa al atardecer me emociona cada vez, así como pasear al lado de sus ruinas, sus fuentes y sus imponentes pinos. Todo esto hace parte de un ecosistema particular donde belleza y lentitud son protagonistas. El tener tiempo y libertad para observar, curiosear, descubrir, pasear y aprender ayuda a este momento de crecimiento. Pero lo más enriquecedor de estar aquí ha sido convivir con mis compañeros, profesionales de diferentes disciplinas y procedencias, juntos en un mismo lugar, un monasterio donde compartimos nuestros proyectos y nuestro día a día; ver cómo el trabajo de mis compañeros cambia y evoluciona es un regalo constante. El núcleo de este lugar ha sido la cocina, un lugar dónde cada uno ha aportado su granito de arena, unos cocinando, otros ordenando, otros haciéndonos reír constantemente y otros simplemente estando ahí. También hemos compartido danza, música, vídeo y muchos invitados que nos han ofrecido su tiempo y conocimiento. Hemos podido entrar en otras academias y esto nos ha abierto las puertas a otros mundos: americanos, británicos, franceses, alemanes y suizos con los que también he compartido momentos especiales. Fundamental en esta experiencia el apoyo de todos y cada uno de sus componentes, de arriba a abajo y de izquierda a derecha.

Maquetas y material de trabajo.

DAVID JIMÉNEZ Licenciado en Bellas Artes por la UCM. Desarrolla proyectos en el campo de la fotografía desde hace 25 años. Sus trabajos, en forma de libros, exposiciones y proyecciones audiovisuales, se han mostrado en numerosas ciudades españolas y también en el extranjero, en lugares como el Nederlands Foto Instituut de Rotterdam, el festival de fotografía de Arles, la Universidad de Staffordshire, el Seoul Photo Festival, la Biblioteca Nacional de Colombia en Bogotá o la Changjiang International Photography and Video Biennale en China. Recibió el premio Fotógrafo Revelación en PhotoEspaña 99 y el Premio de las Artes de la Villa de Madrid en 2008. Ha publicado hasta la fecha cinco libros monográficos, entre ellos destacan Infinito (2000), considerado como uno de los fotolibros españoles más destacados de las últimas décadas, y Versus en 2014. Su obra se encuentra representada en numerosas colecciones públicas y privadas españolas, como la Fundación MAPFRE, el MACUF y la colección de Arte DKV, entre otras. Imparte regularmente talleres y conferencias en el ámbito nacional e internacional. Su propuesta visual nos acerca al misterio que envuelve a lo cotidiano, a las relaciones invisibles que operan secretamente en aquello que nos es familiar. A menudo sus obras contienen claves parcialmente ocultas e invitan al espectador a construir una interpretación propia.

Continuum El proyecto se ha centrado en construir mediante imágenes un espacio poético y de ficción con una compleja superposición de espacios y tiempos, creando una combinatoria de fragmentos entre los que se generan diversos ecos. Muchos lugares de Italia, y la ciudad de Roma en particular, contienen una enorme carga simbólica e iconográfica que a través de estas imágenes y de su particular combinatoria han sido reinterpretados, trabajando con la resonancia, la transformación y la elipsis. Se ponen en relación elementos que reflejan el transcurso temporal a diferentes escalas, desde el tiempo geológico que ha dibujado formas en la piedra hasta el tiempo fugaz de las nubes o las formas que toman una serie de volutas de humo. El espacio, tanto real como imaginado, es tratado como escenario de las huellas del tiempo. Esto se expresa en un trabajo fotográfico que juega con esta idea de manera evocativa, no literal, como punto de partida para una reflexión más profunda sobre nociones en torno a la huella, el fragmento y el vacío. Se ha experimentando también con distintas formas de intervención sobre las imágenes. El proyecto tiene su expresión final en forma de libro y de proyecto expositivo.

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Proceso En un inicio estuve volcado en la toma de imágenes en diferentes lugares de la ciudad de Roma. Fue una suerte de descubrimiento del rumbo que llegaría a tener este trabajo. Paso a paso tomé conciencia de la necesidad de buscar la forma incompleta y de la escucha del vacío, que serían cada vez más importantes en el desarrollo del proyecto. Por otro lado he practicado diversas formas de intervención sobre las imágenes, en especial trabajando la luz en modos que transgreden los cánones habituales, con el objetivo de producir diversos efectos, como dejar que zonas de la imagen al completo queden veladas por la luz o por la sombra, hacer que de algún modo se asimilen a grabados o dibujos más que a fotografías, o producir transformaciones que tengan el poder de evocar el trabajo que hace el tiempo sobre los materiales y las formas. El proceso de edición es aquí absolutamente fundamental. De las cerca de 40.000 imágenes que he tomado hasta la fecha existe una selección de unas 1.500, convertidas en pequeñas copias de trabajo con las que me embarco en un juego de combinatoria que potencialmente no tiene final. De estas resonancias encontradas nacen dípticos, trípticos e imágenes en solitario que van componiendo el conjunto como si se tratase de un texto o una música, quizá ambas cosas al mismo tiempo. Finalmente, el trabajo se expresa en forma de proyecto expositivo y también como un libro de autor, del que ahora existen maquetas de trabajo que apuntan a su publicación en un futuro próximo.

Experiencia Es muy difícil, por no decir imposible, describir en pocas palabras lo que ha significado la experiencia de nuestro paso por la Academia. Hablo en plural porque estoy seguro de que es un sentimiento compartido por todos, pero doy paso al singular. Creo que la estancia en la Academia nos ha aportado sobre todo tres cosas fundamentales. Primero de todo, nos ha brindado la oportunidad de realizar nuestro trabajo de creación en las mejores condiciones materiales imaginables, durante un tiempo de valor incalculable y alejado de nuestras rutinas cotidianas. En paralelo al desarrollo de nuestros proyectos, la Academia ha sido un lugar de encuentro con un gran número de profesionales del más alto nivel que han aportado conocimiento de manera constante, y a los que hemos tenido la oportunidad de dar a conocer nuestro trabajo en condiciones inmejorables. Y dejo para el final lo más emocionante. He tenido el privilegio de compartir este espacio y este tiempo con personas maravillosas, que tanto en un sentido profesional como personal me han aportado muchísimo, un auténtico patrimonio en ideas y experiencias. Gracias por todo. Aquí hemos crecido juntos como personas y como artistas.

De izquierda a derecha: H7341 (Roma, 2017) y A2233, C2837 y C2959 (Roma, 2016).

AITOR LARA España, 1974. Su carrera profesional comenzó en 1999 cuando le fue concedido el Premio de Fotografía Juana de Aizpuru. Muestra su trabajo en ferias y festivales internacionales como ARCO, ParisPhoto, OjodePez Photo Meeting o PHotoEspaña. En 2004, recibió la beca de investigación Ruy de Clavijo de Casa Asia para llevar a cabo un proyecto en Uzbekistán. En 2008 recibe el premio Europa Multicultural de Médicos del Mundo. Ha publicado varios libros como Torre de Silencio editado en 2008 por Fundación Tres Culturas, Maestranza sobre la plaza de toros de Sevilla, y cuyas fotografías decoran la fachada del edificio FNAC de Sevilla desde 2009, y Ronda Goyesca, editado por La Fábrica. Además, cuenta con diversas publicaciones en NewsWeek, Financial Times, CNN, NBC, ABC Semanal, OjodePez o Vokrug Sveta. En 2013 realiza para Save the Children un encargo sobre pobreza infantil en España y recibe la Beca Endesa de Artes Plásticas por el proyecto Dragoman. En 2014 recibe el Premio OjodePez de Valores Humanos de PhotoEspaña y una mención de honor de UNICEF. En 2015 realiza un proyecto sobre los pigmeos Baka en la selva de Camerún y publica un libro PHotoBolsillo. En 2016 recibe la beca de la Real Academia de España en Roma con el proyecto "Luz y razón poética". El autor aborda cuestiones relacionadas con la identidad, sugiriendo un modo de interpretar la realidad contemporánea. Ha trabajado en diferentes países profundizando en el conocimiento de diversas minorías sociales y sociedades secretas.

Luz y razón poética. La Roma de María Zambrano. María Zambrano es, sin duda alguna, la figura femenina más importante del pensamiento y la cultura española del siglo XX. Su obra es una filosofía de lo invisible, entendido como una realidad que está en los sueños y en las intuiciones en forma de imágenes, símbolos y metáforas. Tras la Guerra Civil, Zambrano abandona España para comenzar un larguísimo exilio del que regresará ya octogenaria. En la década de 1950, fija su residencia en Roma. Son unos años especialmente fértiles dentro de su trayectoria profesional, germen de uno de sus textos más ambiciosos y significativos: “El hombre y lo divino”. En Roma desarrolló también el concepto de unidad en el espacio y en la historia que ella vinculaba a las ciudades, “Roma era una época dentro de otra”. Para Zambrano, las ciudades tienen un rostro en el que se puede hacer una lectura de múltiples planos de la realidad que nos rodea. “Verdad convertida en figuras”, vio en Roma una ciudad hermética, secreta y laberíntica, llena de señales que disimulan lo sagrado. Su relación con la ciudad fue sin duda de amor. Pretendo realizar un proyecto fotográfico inspirado en el concepto de razón poética, núcleo fundamental del pensamiento de María Zambrano. En sus escritos queda patente su fascinación por la ciudad de Roma, su historia, arte o mitología. Me interesa especialmente su testimonio acerca de lo sagrado, la ruina y sus conceptos de la razón poética sobre lo invisible. La fotografía es una poesía que emociona en la medida en que permite sacar a la luz el mundo de lo sutil.

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Proceso Durante varios meses he trabajado realizando fotografías en la ciudad de Roma para el proyecto "Luz y razón poética" inspirado en la obra de María Zambrano. Tras un periodo de documentación sobre diversos lugares de interés para el proyecto, he retratado espacios en los que las imágenes conforman un lenguaje visual con una fuerte carga de elementos simbólicos. A lo largo de estos meses he realizado un recorrido intenso y laberíntico por la Roma monumental, sus barrios populares, antiguas calzadas, iglesias con sus claustros, yacimientos arqueológicos, termas, necrópolis, catacumbas, criptas, jardines, santuarios, palacios y museos. Las fotografías realizadas tratan de reflejar las atmósferas veladas que esas capas de tiempo estratificado han ido acumulando, creando ambientes de misterio en torno a la ruina y a lo sagrado. Roma posee un rostro en el que se puede hacer una lectura de múltiples planos de significación y que he tratado de interpretar de una manera personal y subjetiva. Las imágenes han sido creadas a partir de elementos figurativos de esa realidad, utilizando diversos juegos de luz, formas geométricas y centros de gravedad que tratan de conciliar esos fragmentos de tiempo. Ha sido una búsqueda en la que he tratado de acercarme, a través de la fotografía, al pensamiento intuitivo que Zambrano reivindica en su concepto de razón poética.

Experiencia La estancia en la Academia ha sido una experiencia muy estimulante tanto en el plano profesional como en el personal. La convivencia a lo largo de estos meses con el grupo formado por un lado por la dirección y su equipo de gestión y, por otro, por el de los compañeros investigadores y los artistas becados, ha constituido una parte fundamental de mis vivencias en la Academia de España en Roma. La personalidad del grupo, multidisciplinar, que se ha formado este año, dinámico, generoso y empático, ha permitido que surja un clima de sinergia profesional y humana en el que se han compartido muchas experiencias e intereses comunes. La Academia es un centro de investigación y de creación contemporánea con un formato único. Es una invitación a investigadores y artistas bajo un mecenazgo estatal en un espacio ideado para desarrollar proyectos durante una estancia en una de las cunas de la civilización occidental. Personalmente, me ha parecido especialmente interesante el Programa de Visitantes que ha desarrollado la Academia a lo largo del año. El equipo directivo, cuya misión ha sido en todo momento articular y cohesionar al grupo facilitando el trabajo de todos, atento al detalle de las necesidades de cada uno, ha generado un ambiente de confianza y libertad que ha permitido que la estancia en la Academia de Roma se haya convertido en un periodo absolutamente productivo.

Mancha de luz en Pared. Herculano, 2017 y Necrópolis Etrusca, Sutri, 2017.

SANTIAGO LARA Tomelloso, 1975. Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado numerosas exposiciones a nivel internacional, como en el "Project Space Pop;68" de la Galería Ruttkowski;68 de colonia, la Saatchi Gallery de Londres, la Bethanien Kunstraum Kreuzberg de Berlín, en el Museo San Ildefonso de México D. F., en el Proyecto “Circo” de La Habana o en el Anvil Center de Vancouver. Ha participado en numerosas exposiciones a nivel nacional y ferias de arte como Arco, Just Madrid, Arte Santander y Arte Lisboa. Entre sus premios y reconocimientos se encuentran la beca de la Real Academia de España en Roma, beca de la Casa de Velázquez, las ayudas a la producción 2009 de LABoral Centro de Arte, la residencia en la Kunstlerhaus Glogauer de Berlín, la beca de Formación para artistas de Cajastur, la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, el Primer Premio de Pintura “Antonio López García”, Primer Premio Arte40, Primer Premio de Pintura de Villaviciosa, etc. Al margen de sus proyectos individuales de pintura también forma parte del colectivo Laramascoto, donde experimenta sobre las posibilidades metafóricas de la tecnología, combinando la pintura mural, el dibujo expandido y la animación experimental con el uso del software en sus instalaciones.

Catábasis En terminología militar “catabasis” es el descenso de un monte, en la literatura clásica es el descenso épico hacia el inframundo. Este proyecto pictórico se ha basado en un viaje simbolico hacia el interior de Roma y su estratificación histórica. A partir de ciertos elementos vivenciales, subjetivos y casi iniciáticos se ha ido configurando un imaginario pictórico visionario, por medio del cual se ha descrito a modo de gran storyboard, un fragmento poético del inframundo contemporáneo: una distopía pictórica que conecta aspectos ancestrales, ligados al propio origen de Europa con aspectos emocionales y de la cultura popular contemporánea. En este cuaderno de ruta visual, con sus diferentes fases o “círculos”, como lo hiciera Dante en La Divina Comedia, se describe un descenso al infierno que inesperadamente, pero de forma necesaria, ha llevado aparejada una anábasis, o ascenso, donde elementos como la luz, la naturaleza, el paisaje interior se han configurado como una respuesta ante la convulsa sociedad contemporánea. El resultado ha sido una vivencia pictórica como bálsamo, sin pretensiones, sin dramatismos, como hecho vivencial e imaginativo que ilustra un tiempo circular que se repite, el escenario es un recorrido emocional por el mundo subterráneo de Roma.

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Proceso Desde el Gianicolo, la antigua puerta de Roma, es desde donde se iniciaban todas las batallas. Se trata de un lugar que representa el principio y el fin, dedicado al dios Jano, representado con dos caras. Es desde este lugar desde donde inicio mi recorrido. Concretamente desde la cripta del Tempietto de Bramante, en el seno mismo de la propia Real Academia de España, a partir de aquí comienzo un viaje por diferentes espacios arqueológicos, como la cripta Balbi, las catacumbas de San Pancrazio, San Calixto, etc., la necrópolis vaticana, antiguos mítreos como el situado bajo la basílica de San Clemente, la Domus Aurea, antiguas minas, como la de la Cafarella, etc. A nivel formal he articulado la visión sobre el inframundo basándome en la idea clásica del infierno, con diferentes fases, pero interconectadas entre sí. Incorporo en la elaboración un relato contemporáneo sin dramatismo, con un lenguaje pictórico muy personal. Anexo al proyecto se ha editado un vídeo que ayuda a la comprensión del mismo a nivel simbólico. Éste potencia el proyecto conceptualmente y amplifica su influencia a nivel de difusión en redes, generando un discurso visual paralelo como aporte documental a la obra pictórica. Asimismo también se editará un catalogo razonado, por medio del cual se documenta toda la obra realizada durante mi estancia en la RAER, con fichas y conexiones donde se explican los orígenes del proyecto.

Experiencia Si bien el espacio es una maravilla, un lugar de trabajo y reflexión incomparable, lleno de carga histórica y un anclaje de relaciones importantísimo con la cultura italiana, lo más importante de la Real Academia de España en Roma han sido para mí los residentes. La cohesión y el intercambio de conocimiento y apoyo personal entre los artistas e investigadores y la gran energía de todos los que han habitado este emblemático espacio, ha sido para mí toda una experiencia positiva. Durante mi estancia ha surgido un proyecto colaborativo con otros tres residentes de la especialidad de Pintura: Santiago Ydáñez, Santiago Giralda y Miki Leal. Esto ha supuesto un reto para todos, generando sinergias y puntos de encuentro muy importantes entre los cuatro pintores. Me gustaría realizar una sugerencia positiva para el futuro funcionamiento de la institución desde el respeto y la admiración por la gran labor que la Academia está llevando a cabo: el hecho de que en futuras convocatorias no exista discriminación alguna, aunque sea indirecta, sobre ningún artista o investigador por el hecho de tener familia (bebés o niños pequeños a su cargo), pues en numerosas ocasiones muchos artistas (sobre todo mujeres) no presentan la solicitud porque las instalaciones no están habilitadas para albergar niños. Sería positivo tomar como ejemplo otras academias del entorno romano, como la alemana, la suiza, la francesa o la americana, donde ese aspecto es abordado. Suponiendo que cada caso sería digno de estudio y habría que ver las diferentes particularidades, el solo hecho de tener la intención de abordar esos casos con naturalidad ya sería positivo y enriquecería mucho más el buen funcionamiento y gran activo cultural que España atesora en esta institución.

Limbo. Acrílico sobre lienzo, 200 x 200 cm, 2017.

MIKI LEAL Sevilla 1974. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Durante su carrera ha expuesto de forma individual en galerías españolas como Rafael Ortiz (Sevilla), Fúcares (Madrid), Luis Adelantado (Valencia y México), Galería Benveniste (Madrid), F2 (Madrid), etc. También ha trabajado con galerías extranjeras como Maribel López (Berlín), Track 16 Gallery (Santa Mónica, USA), Galleria Seno (Milán), Gallery Cosmic (París), etc. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio BMW de pintura, en el 2017. Su obra se expone en museos y colecciones nacionales e internacionales, como la Fundación RED BULL (Austria), CAAC (Sevilla), MUSAC, ARTIUM, Colección DKV, CAC Málaga, Fundación COCACOLA, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, etc. Actualmente vive y trabaja en Madrid.

Dandys en Roma: en el corazón del Grand Tour Siguiendo los pasos de Stendhal, visitando todos los rincones que se describen en su libro, durante este periodo de residencia estaré ilustrándome con la obra literaria de diferentes autores, realizando apuntes y bocetos para la posterior realización de las obras pictóricas. Se realizarán 10 obras de gran formato donde a modo de “bodegón tradicional” se recogerán dichas lecturas, experiencias y objetos singulares de este viaje Dandy.

www.mikileal.net

Proceso Al principio, y tras un “corto” periodo de adaptación a esta infinita ciudad, comencé a hacer rutas y paseos, siguiendo los pasos de algunos escritores dandys (Lord Byron, Stendhal, Dickens o D’Aurevilly). Pronto iban apareciendo ideas y planteamientos nuevos que se transformarían en dibujos, anotaciones o bocetos. Con todo ello, empezaba a tener material para ir fraguando mis primeras piezas pictóricas. Seguía visitando lugares, incluso cambiaba de ciudad para refrescarme de tanta Roma. Estuve en Nápoles, Herculano, Pompeya, Florencia, Siena, Arezzo, etc. Lugares todos ellos fundamentales para mi proyecto. A la vez, y sin ser realmente consciente de ello, mi obra se iba inundando de una estética romana. Curiosamente, hasta una serie sobre tenis que ya había comenzado antes de empezar con la beca en Roma, se vio afectada de este “síndrome romano”. Las pistas de tenis se estaban convirtiendo en retablos de iglesias con imitaciones de distintos tipos de mármoles. Poco a poco la obra empezaba a tomar autonomía, dejando a un lado la temática concreta del proyecto. La cosa empezaba a funcionar y a mezclarse en un diálogo pictórico entre “mi mundo”, el dandy, las lecturas, los paseos, las corbatas, el tenis, el paisaje, Roma y la PINTURA. Ahora creo que el proyecto está en un momento muy feliz, y con el paso del tiempo me daré cuenta de la importancia de este mi Gran Tour.

Experiencia Es difícil todavía valorar lo que supone haber sido residente de la Academia de España en Roma. Lo que si se puede decir es que considero que la vida no es igual después de vivir en Roma. No tengo ordenada la cabeza para enumerar los cambios que uno va notando. El vivir en un sitio donde se encuentra la obra arquitectónica (el Tempietto del Bramante) que abre las puertas del Renacimiento. El tener las vistas más maravillosas y totales de la ciudad de Roma (mi estudio es el 27, la torre) y la cama por encima de San Pedro, de la cúpula. El poder despertarse con el canto de los pájaros (muchos pájaros) al amanecer. En definitiva, encontrarte viviendo en un sitio que aparentemente no te corresponde o no te lo mereces. A ésto se le suma la nueva gran familia de la Academia, desde Pino en la puerta hasta Simona o Roberto con la limpieza. Todos están para hacerte la vida muy fácil, y se nota. Para mí la cocina ha sido un lugar mágico donde a base de arroces colectivos, batidos con jengibre y mucha spirulina, hemos despertado nuevas relaciones e incluso nuevos hábitos alimenticios. En nuestra cocina se ha fraguado todo, un continuo debate cultural y no tan cultural alrededor de nuestra “mesa”, siempre con buenos caldos italianos. Hemos conseguido realmente un equilibrio fuera de la normalidad. En las comidas organizadas todos y cada uno de los residentes han estado trabajando en una cadena casi perfecta, que daba como resultado un día maravilloso con baile incluido. Otro dato interesante son los estudios de cada uno, al principio con más recelo a las visitas y ahora con las puertas muy abiertas. Estas visitas han propiciado colaboraciones infinitas, de libros, de música, de intercambios artísticos, de más comidas, de exposiciones y, sobre todo, de un comienzo de amistad. Como decía al principio, ya me iré dando cuenta, pero por ahora me quedo con este proyecto compartido, el de los nuevos amigos. El descanso de Lord Byron y Dandy’s en Roma (El primer día en Villa Medici) Acuarela y acrílico sobre papel, 220 x 305 cm, 2017.

ANA LOMBARDÍA Es Doctora en Musicología con Premio Extraordinario y Mención Internacional (Universidad de La Rioja, 2015), Máster en Música Hispana (Universidad de Salamanca, 2008) y Titulada Superior en Violín (Conservatorio de Oviedo, 2006). Ha realizado estancias de investigación en las universidades de Carolina del Norte (EE. UU.), Cardiff (Reino Unido), Bolonia y Pavía (Italia); así como proyectos individuales en el Istituto Vivaldi (Venecia) y la Real Academia de España en Roma. Actualmente es investigadora post-doctoral “Juan de la Cierva” en el Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Su investigación se centra en la música de cámara entre 1660 y 1820, combinando distintos enfoques históricos y analíticos, incluyendo la actividad femenina y las relaciones España-Italia. Ha presentado ponencias en 29 congresos internacionales y es autora de 17 publicaciones académicas, dos de ellas galardonadas con el Primer Premio en los concursos internacionales Francesco Maria Ruspoli 2012 (Italia) y Otto Mayer-Serra 2017 (EE. UU.).

Son Regina, e sono amante: María Luisa de Borbón, impulsora de la actividad musical femenina y de los intercambios musicales entre Italia y España (1801-1824) Son Regina, e sono amante: María Luisa de Borbón, impulsora de la actividad musical femenina y de los intercambios musicales entre Italia y España (1801-1824) “Son Regina, e sono amante” es un aria inédita dedicada a la infanta María Luisa de Borbón (1782-1824), hija de Carlos IV, por su maestro de capilla en Roma, Filippo Moroni. Dicho título (de un poema de Metastasio) evoca no sólo el estatus social de la dedicataria, Reina de Etruria desde 1801, sino también su gran pasión por la música como mecenas, cantante, pianista e incluso compositora. Así lo demuestra su enorme colección musical, con más de 2000 partituras procedentes de Madrid, Florencia, Lucca y Roma, su principal lugar de residencia desde 1811. Este proyecto aborda por primera vez el papel de María Luisa de Borbón y otras mujeres compositoras e intérpretes en la vida musical de la Italia post-napoleónica, combinando investigación y divulgación. Por un lado, he investigado sobre el repertorio para voz y piano de la colección de María Luisa, considerado típicamente “femenino” en la época, y sus espacios de interpretación en Roma. Sobre ello he organizado una serie de conferencias-concierto con música española que la infanta difundió presumiblemente en Italia y música italiana dedicada personalmente a ella, incluyendo obras inéditas de otras compositoras. La producción, a cargo de jóvenes intérpretes españolas e italianas, se estrenó en la RAER y recorrerá varias salas de Italia y España (2017-2018). Por otro lado, estoy preparando la edición crítica de las cuatro sinfonías compuestas por la propia infanta, desconocidas hasta ahora pero que constituyen las obras orquestales más tempranas de una compositora española (próxima publicación, ICCMU).

https://ucm.academia.edu/AnaLombardia

Proceso En la RAER he realizado la investigación académica que tenía planeada, pero además me llevo un gran aprendizaje en aspectos complementarios que había desarrollado poco hasta ahora, como la divulgación y la organización de conciertos. Para la investigación encontré tantas fuentes que tuve que limitar el análisis musical de detalle a las sinfonías de María Luisa y el estudio de contextos de interpretación al repertorio para voz y piano del concierto final. Visitar palacios habitualmente cerrados al público ha sido una experiencia inolvidable, e impensable sin el respaldo de la RAER. La organización del concierto y la búsqueda de patrocinio me consumieron mucho tiempo, pero los resultados han sido excelentes, con dos conciertos-conferencia en la Academia y tres externos. El apoyo de la RAER fue fundamental para encontrar a las intérpretes (que han formado un equipo estupendo) y hacer los contactos profesionales necesarios para los próximos conciertos. Sin duda, esta experiencia me será muy útil para futuros proyectos de recuperación de música antigua española, a la que dedico mis investigaciones y cuya difusión le da más sentido a mi trabajo.

Experiencia Vivir en la RAER es un lujo en todos los sentidos, tanto por el espacio y su ubicación privilegiada como, sobre todo, por la buena sintonía entre los compañeros. La Academia te permite desarrollar a fondo un trabajo individual, pero además te permite aprender, crear y compartir continuamente. Eso es lo que la hace especial. Basta pasar por la cocina para encontrar a alguien que escuche con verdadero interés tus dilemas del día. Aunque mi trabajo parecía algo alejado del resto, ir resumiéndolo, ver lo qué les interesaba a mis compañeros y entender cómo comunicarlo mejor me ayudó enormemente a preparar las actividades divulgativas del proyecto y, en general, a avanzar. Además, surgieron colaboraciones concretas en torno a las cuestiones de género (Estíbaliz), el uso de mapas antiguos (Claudio y Carlos), el material gráfico del proyecto (Antonia, Mercedes, Claudio, Víctor y David) y la realización de fotos y vídeos (Carmen, Antonio, Mercedes y Carlos). A todo esto hay que sumar el enorme enriquecimiento personal que supone convivir con gente tan sana y positiva. Hemos compartido charlas, risas, comidas cotidianas y hasta pequeños conciertos. Este ambiente ha reactivado mi faceta de violinista, que llevaba unos años algo dormida pero que me hace especialmente feliz. Me he sentido muy motivada para preparar las piezas que me iban pidiendo mis compañeros (Ydáñez, Suset…), improvisar juntos (los Antonios, Miki y Bernat) e incluso enseñarles un poco a tocar. Sin duda, lo mejor de esta beca es la gente. ¡Habéis sacado lo mejor de mí!

Partituras con decoración “femenina” de bordados. Biblioteca Palatina de Parma, Fondo Borbone / Salón de Retratos de la RAER, trabajo sobre la edición crítica de una partitura comparando el manuscrito y la transcripción, probándolos al violín, 2017.

XOSE PRIETO SOUTO Enseña e investiga sobre culturas audiovisuales. Profesor universitario y miembro del grupo de investigación TECMERIN, ha sido investigador visitante en King’s College London y Paris-Sorbonne. Doctorado con Mención Internacional en la Universidad Carlos III de Madrid, se ha formado a nivel de grado y posgrado en Comunicación Audiovisual e Historia del Arte, y su trabajo se desarrolla en las intersecciones de ambas disciplinas, prestando una especial atención a la historia de los medios. En la actualidad forma parte del proyecto I+D “Cine y televisión 1986-1995: Modernidad y emergencia de la cultura global” (CSO2016-78354-P), financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad.

Formas de solidaridad: el tejido de complicidades italiano para el activismo cultural español En el proyecto se propone una investigación sobre las redes de afinidades que se tejieron entre el activismo opositor al franquismo dedicado al campo de la cultura e Italia desde finales de los años sesenta hasta el cambio político que tuvo lugar en España a mediados de la década de los setenta. Dentro de esta indagación sobre las formas creativas de la oposición española y su desarrollo solidario en la sociedad italiana, se resituará el papel que ha tenido la cinematografía en los relatos historiográficos previos y se abordarán sus circuitos de recepción.

uc3m.academia.edu/XosePrietoSouto prietosouto@gmail.com @xprietosouto

Proceso El proyecto tomaba como origen investigaciones previas sobre las prácticas fílmicas de transgresión (PFT). Bajo este concepto se hace referencia a un conjunto heterodoxo de representaciones y actividades cinematográficas que tuvieron lugar al margen de los cauces legales durante el tardofranquismo y la transición política. Una de las conclusiones más evidentes a las que se había llegado en estos estudios previos era que para tener un mayor entendimiento de estas PFT había que abordarlas desde sus relaciones internacionales e Italia se situaba como una de las geografías donde mayor significación adquirieron estos procesos solidarios. Sin embargo, el proyecto llevado a cabo en la RAER tenía una consideración diferente desde sus inicios. Había un desplazamiento desde la atención exclusiva de las prácticas fílmicas a lo que de modo genérico he denominado como formas de solidaridad, proponiendo que el foco del trabajo incluyese el cine, pero se expandiese más allá y atendiese también a otra diversidad de expresiones creativas propiciadas desde el antifranquismo y su tejido de complicidades en la sociedad italiana. La investigación sobre las formas de solidaridad se inició con la consulta de archivos y llevando a cabo encuentros con algunos de sus protagonistas y con profesionales especializados en estas materias. De este modo, el proyecto fue creciendo y los materiales de interés alcanzaron una magnitud mayor de la inicialmente prevista. A través de este proyecto me interesaba observar los desafíos metodológicos que derivan de tomar como objeto de estudio una pluralidad de medios creativos y descubrir perspectivas de análisis para objetos que nunca había abordado académicamente. La estancia en la RAER también me permitió articular otros modos de expresión para el proceso investigador. Así, durante la jornada de Open Studio, la cripta del conocido como Espacio -1 se convirtió en la Sala Giardino, un lugar en el cual experimentar el desarrollo espacial de estas formas de solidaridad.

Experiencia Me gusta pensar en la RAER como un centro de estudios con unos saberes no reglados, insertados en las dinámicas domésticas de la vida cotidiana y en el que la transferencia de conocimientos es continua. La diversidad de procedencias, prácticas, trayectorias y generaciones de la gente que ha convivido y que ha pasado por la Academia este curso no ha hecho sino enriquecer estos procesos de aprendizaje. En este contexto y desde el conocimiento mutuo de los proyectos que se van desarrollando, se ha generado un caldo de cultivo propicio para compartir problemáticas comunes y también para articular nuevos proyectos que han ido naciendo a lo largo de la convivencia. Todo esto ha venido favorecido por el equipo de trabajo de la RAER, pequeño en número pero grande en cuanto a su compromiso institucional.

Instalación audiovisual del proyecto de Xose Prieto Souto, "Formas de Solidaridad" durante el Open Studio de la RAER (Promoción 2016-2017).

VÍCTOR RESCO Licenciado en Bellas Artes, entiende la moda como un lenguaje plural mediante el cual plantear nuevos contextos narrativos. Inspirándose en elementos de la cultura contemporánea, su trabajo busca desarrollar moda conceptual sin renunciar al oficio de sastre. Actualmente enriquece su identidad visual buscando medios eficientes de promoción y distribución. Afincado en España, realiza colecciones de moda y confección a medida desde su taller en Madrid. A su vez, realiza actividades vinculadas con el mundo del arte y el diseño, colaborando como estilista y creativo para producciones teatrales.

Diáspora MMXVII El proyecto Diáspora tiene la intención de hacer convivir la metodología surrealista y el diseño de moda utilizando la guerra como temática. La ambición de desarrollar un ejército y la crisis migratoria originada por la guerra, son los pilares iniciadores del proceso creativo, los cuales proponen una reflexión política a través del diseño. El proyecto se nutre del manifiesto surrealista y del trabajo de artistas tales como Giorgio de Chirico, desarrollando un diseño de marcado carácter gráfico y constructivista. A su vez, es relevante el uso del mapa como motivo dentro de un contexto narrativo y escénico. La reinterpretación de lo militar y las referencias a la moda de los años 30 conviven para componer un escenario dramático. A modo de conclusión el proyecto establece un diálogo entre moda y danza a través de la colaboración con el coreógrafo Michele Mastroianni y la fotografía de David Jiménez.

victor.resco@gmail.com Instagram: victor_resco

Proceso Durante mi estancia en la Academia he desarrollado una colección de moda femenina partiendo de la imagen genérica del ejército, moda de los años 30. Comencé desarrollando la colección a través del dibujo sin otorgar a los diseños demasiada definición, para poder investigar sobre las posibilidades de los tejidos y desarrollar texturas y estampados. Desde el primer momento quise dejar paso a cierto nivel de improvisación que me permitiera modelar las prendas directamente sobre el maniquí. He trabajado mucho la idea de la torsión, la destrucción y la deformidad, maltratando los tejidos, pespunteándolos en exceso o rasgándolos. El maltrato a los tejidos no es casual, sino que trata de evocar la idea de lo envejecido por el tiempo y la paulatina destrucción de nuestra realidad. La intencionalidad del proyecto es hacer una crítica literal de la realidad política y social europea.

Experiencia Llegar y trabajar aquí ha sido natural y sin trabas. La convivencia con los demás no ha podido ser más humana. Sólo tengo buenos recuerdos de mi paso por la Academia. La institución me ha hecho sentirme considerado y capaz de llevar a cabo todos mis proyectos. La Academia me ha enriquecido y ayudado a tener una visión muy realista del mundo del arte.

Pruebas para el desfile DIÁSPORA MMXVII, junio 2017.

BEATRIZ RUIBAL Artista visual y cineasta. Ha adquirido una prominente posición entre los creadores de su generación por el carácter íntimo de su trabajo y por la atención que presta a los detalles de lo cotidiano. Esta poética alcanzó una instancia memorable con su proyecto “Madre” Sección Oficial de PHotoEspaña 2014, En el recuerdo (Real Jardín Botánico), cuyo fotolibro fue finalista al Mejor Libro de Fotografía del Año 2015, España (PHE) y Grecia (The Athenas Photo Festival). Sus películas han sido seleccionadas y premiadas en numerosos festivales de cine como Go Short Film Festival Nijmegen (Holanda), Venice Experimental Cinema (Venecia), TIFF Tirana ( Albania), International Arquitecture Film Festival Belgrade (Serbia), Indian Cine Film Festival Bombay (India), entre otros. Ha mostrado su obra en el ámbito nacional e internacional, Real Jardín Botánico (Madrid), Laboral (Gijón), Museo de Arte Contemporáneo (La Coruña), Centro Cultural de España en México, Museo Nacional de Bellas Artes y Casa de las Américas (La Habana), Museum of Contemporary Art Ars Aevi (Sarajevo) o CCEMiami donde inaugurará en noviembre del 2017. Su obra figura en colecciones de varias instituciones: Colección CA2M Comunidad de Madrid, CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Fundación RAC Rosón Arte Contemporáneo (España). Trabajó como realizadora en Antena 3 televisión entre 1993 y 2004 y ha colaborado con medios, como Canal+. Co-fundadora, editora y directora artística de Varasek Ediciones.

Roma 1974 Roma 1974 se constituye en una película documental que reflexiona sobre la arqueología de la memoria. Mis tíos, Mercedes Ruibal y Agustín Pérez Bellas, quienes me criaron, eran artistas, y mantuvieron un estudio en Roma, formando parte de una importante comunidad artística en el Trastevere, lugar de encuentro de personalidades de la cultura italiana e internacional de los años setenta como Rafael Alberti, María Teresa León, Carlo Levi, Carlo Quattrucci, Danilo Trelles o Alessandro Kokocniski, entre otros. Hace unos años recibí como herencia unas viejas películas inéditas en Súper 8, que constituyen testimonios de gran valor histórico y personal sobre aquella comunidad. Junto a estos registros heredé el tomavistas con el que fueron grabadas aquellas mismas cintas. Tras desempolvar los rollos de película, aparecieron, como desde un túnel del tiempo, fragmentos de aquella vida que yo imaginaba, pero que nunca había visto. Comencé a identificar a algunas de las personas que tuve la oportunidad de conocer durante mi infancia en la casa familiar. Roma 1974 establece un diálogo con este material audiovisual en un trabajo de investigación y descubrimiento personal mantenido en las calles, los talleres, los estudios y otros lugares frecuentados por aquella comunidad intelectual y artística. He recorrido, con la misma vieja cámara heredada y con otros dispositivos, esos mismos escenarios de la ciudad de Roma, procediendo a una recuperación y una reflexión sobre aquellos “días luminosos e irrecuperables”, como los caracterizó Alberti en su autobiografía La arboleda perdida.

www.beatrizruibal.com info@beatrizruibal.com

Proceso El objetivo de mi estancia como becaria de la Real Academia de España en Roma es la producción de una película documental. A medida que he ido investigando para su realización, se ha visto ampliada, derivando asimismo en el desarrollo de subseries paralelas. Roma 1974 profundiza en mi búsqueda estética emprendida en torno a la imposibilidad de recrear nítidamente, sin lagunas y carente de contaminación, la memoria afectiva que nos construye. Para mi trabajo, en el que utilizo, entre otros dispositivos, la cámara heredada de Súper 8, intenté demorarme en lograr el permiso que me condujo a visitar y grabar, durante dos días, aquel no-lugar de mis tíos, encontrando, finalmente, el estudio definitivo. Anteriormente, fotografié el exterior, como en una suerte de acercamiento voyerista, rastreando las calles que mis tíos y el resto de los creadores de aquella comunidad transitaron, encontrándome y realizando entrevistas con algunos integrantes de aquel grupo o con personas vinculadas en cierto modo con aquellos. Durante el rodaje de la película, he emprendido diversas series fotográficas y otras producciones audiovisuales, en las que, asimismo, me sirvo de los apuntes de una bitácora abierta a mi llegada a Roma. La apropiación de fotogramas desvaídos del metraje heredado o la presencia de fracturas en el montaje de un registro fotográfico, que desafía los criterios de objetividad tan presentes en la fotografía contemporánea, se avienen con una aventura sobre la necesidad de recrear la fragilidad de una memoria que, a cada paso, se trastoca.

Experiencia “Bienvenida a Casa”, con estas palabras me recibieron a mi llegada a la Real Academia de España en Roma. Durante 7 meses el estudio 3 sería mi laboratorio y mi hogar. Un magnífico espacio ubicado en el jardín donde he vivido con las vistas más increíbles de la ciudad. Vivir estos meses en Roma ha sido un privilegio. Una experiencia de crecimiento profesional y personal. Un paréntesis en una isla creativa detenida en el tiempo desde donde reflexionar, investigar y desarrollar mi proyecto. El lugar perfecto. Aquí se mezclan las sinergias entre artistas, disciplinas, tertulias y el intercambio constante de impresiones y experiencias. Una pequeña troupe en la que los artistas y el equipo humano de la RAER funcionan como un organismo único y sorprendente en perfecta simbiosis. Porque ese equipo de profesionales entregados nos apoya constantemente en todas las necesidades que van surgiendo de nuestros proyectos, liderado por nuestra cercana e incansable directora M.ª Ángeles Albert. Destacaría la labor de visitas y encuentros con profesionales del sector cultural a nuestros estudios. Damos a conocer nuestros proyectos de una forma personalizada y establecemos contactos. Y Roma. Disfruté de la ciudad haciéndola mía. Caminé seducida por las luces brillantes y tenues del Trastevere. Fotografiando a medida que la descubría. Durante estos meses Roma lo era todo, descubrimiento, incertidumbre, sueño, sorpresa, con todo el tiempo del mundo para observar, crear. Ahora escucho los pájaros. En el Gianicolo silban armónicamente en estos últimos días de primavera.

Making of Roma 1974

ESTIBALIZ SÁDABA MURGUIA Artista, licenciada en Bellas Artes, Máster en Investigación y Creación en Arte EHU/ UPV. Ha recibido becas y premios tales como la Real Academia de España en Roma, la Cité International des Arts de Paris, Fundación Arte y Derecho, Diputación de Bizkaia, Museo Artium, Centro Huarte y Fundación Bilbaoarte, entre otros. Ha presentado sus trabajos videográficos en: TEMPLE University (Philadelphia), Cité International des Arts de Paris, Universidad de Pau (Francia), Akademie der Künste (Berlín), Art Museum of the Americas (Washingthon D.C.), Museo MARCO (Vigo), Museo MUSAC (León), Fundació Antoni Tàpies (Barcelona), Museet for Samtidskunst (Roskilde, Denmark), Centro Cultural de España (La Paz, Santo Domingo, La Habana), King Juan Carlos I Center at NYU, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona MACBA, Instituto Cervantes de Sydney, Museo Artium-Vitoria, Centros Culturales de España en Buenos Aires, MEIAC Badajoz, Louisiana Museum, Humlebaek, Dinamarca. También ha codirigido diferentes seminarios-talleres sobre prácticas artísticas, activismos, feminismos y teoría Queer en ARTELEKU, Donostia, años 1995 - 1997 - 2003 - 2006; Sala Rekalde, Bilbao, 2008; Bizkaia Aretoa-EHU/UPV, Bilbao 2011 y Tabakalera, Donostia 2014.

Las sobrantes. Apuntes para una cartografía de la ciudad de Roma desde una perspectiva de género Este proyecto videográfico trata de plantear una reflexión acerca de la dificultad de la relación de las mujeres con el espacio público, a través de las prácticas del vídeo y de la performance. El proyecto se centra en una pieza de vídeo cuya trama narrativa se construye a partir del cruce de textos filosóficos y literarios en los que podemos resaltar el papel activo de las mujeres en la Antigua Roma, con la realización y grabación en vídeo de una serie de micro-performances o acciones desarrolladas en las calles romanas; éstas pretenden evidenciar, a través de diferentes ubicaciones y recorridos, cómo las mujeres se movilizan y deciden ocupar el espacio público para enfrentarse al caos social que las rodea en diferentes momentos históricos: tanto en la antigüedad, como en momentos que nos resultan más cercanos, como en las luchas feministas de la Segunda Ola en los años setenta, especialmente intensas en Italia, como en las actuales movilizaciones públicas feministas contra políticas patriarcales como las de Berlusconi en los años 90 o Trump ahora mismo. Es relevante destacar la facilidad con la que se ha podido encontrar la disposición a colaborar en este proyecto por parte de relevantes pensadoras e intelectuales feministas de la Italia contemporánea, que ha quedado finalmente plasmada a través de conversaciones con Alessandra Bochetti, Ilaria Fraioli, Lunetta Savino, Tiziana D’Acchille, o Anna Cestelli.

Vimeo.com/estibalizsadabamurguia

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Proceso Mi práctica artística siempre ha integrado la teoría y el activismo feminista con una voluntad de crear redes y establecer genealogías que me permitan desarrollar una reflexión más amplia entorno a mi obra, y que posibilite una red de conexiones, de referentes con otras artistas, de manera que la obra no quede aislada individualmente: creo que estos objetivos se han cumplido sobradamente a lo largo lo del proceso de trabajo en mi proyecto LAS SOBRANTES. Durante mi residencia en la Academia he podido contactar y entrevistar a una serie de importantes mujeres que trabajan en la cultura, la política y el arte de la ciudad de Roma, y esto me ha permitido contextualizar y enmarcar mi proyecto audiovisual en la vida y en la historia de la ciudad. Los textos y las palabras de las mujeres a las que tuve la enorme fortuna de entrevistar acompañan a las performances que desarrollo con algunas de mis colaboradoras habituales: cuerpos de mujeres yacentes en extraña posiciones en entornos connotados por la historia romana, que de modos a veces absurdos, otros patéticos, o incluso dramáticos, “marcan” con sus cuerpos la geografía de la ciudad y su historia. En definitiva, mediante las imágenes, sonidos, acciones, entrevistas y demás recursos usados en este trabajo audiovisual, se trata de presentar una cartografía alternativa de la ciudad: cartografía con la que se reivindica el LOCI MEMORIAE de todas las mujeres, protagonistas ignoradas a lo largo de la historia.

Experiencia La experiencia en la Academia en mi caso ha sido breve, pero intensa y muy satisfactoria. Entre algunas actividades colaborativas me gustaría destacar el Taller de Grabado que organizamos entre varios de los becados de este año, gracias a la colaboración de Clara Álvarez y Encarna Cepedal: dos artistas que me visitaban aquellos días, y que nos ayudaron a poner en marcha el taller. A lo largo de diez días, y de manera totalmente desinteresada, ellas nos enseñaron diversas técnicas, y nos ayudaron a arrancar con todo el proceso: así pues, pudimos practicar con técnicas de monotipos, de acuarela, pastel, grafito, tintas al agua, rotuladores con matriz de acetato y estampado sobre papel, entre otras. Para mí fue altamente gratificante ver cómo artistas y becarios de todas las disciplinas participaron activamente en el proyecto, y creo además que esto estableció aquellos días un nexo muy importante entre nosotr@s. También me gustaría destacar la colaboración de varias compañeras en el desarrollo de mi proyecto personal; y por último, y no menos importante, el hecho de que a partir de las relaciones establecidas con otros compañeros en el marco de la Academia estemos hablando de posibles colaboraciones en un futuro próximo.

LAS SOBRANTES. Vídeo, pósters y publicación, 2017.

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SUSET SÁNCHEZ La Habana, 1977. Desde 2004 reside y trabaja en Madrid. Licenciada en Historia del Arte por la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana (2000). Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en la Universidad Autónoma de Madrid, Universidad Complutense de Madrid y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2013). Su práctica profesional está orientada al comisariado y a la crítica de arte, colaborando regularmente con publicaciones especializadas en cultura, arte y cine contemporáneos y con diversas instituciones, centros artísticos y museos. Entre 2006 y 2011 comisarió el programa de actividades en Intermediæ Matadero Madrid. Ha sido colaboradora de los estudios de los artistas Carlos Garaicoa (20142016) y Tania Bruguera, y coordinó la Cátedra Arte de Conducta (2003-2004). En 2013 su proyecto de comisariado rumor… historias decoloniales en la Colección ‘la Caixa’, fue uno de los premiados en la 1.ª Convocatoria de Comisart, CaixaForum Barcelona. Desde 2012 forma parte del grupo de investigación Península: procesos coloniales y prácticas artísticas y curatoriales. Ha obtenido una Beca de investigación en el Departamento de Exposiciones del MNCARS (2017-2018).

El proyecto cinematográfico y pictórico de Jorge Carruana Bances: Episodios de la diáspora intelectual cubana entre España e Italia (19681997) Jorge Carruana Bances (La Habana, 1940 – Roma, 1997) fue pintor, ilustrador, diseñador gráfico y pionero del cine de animación en Cuba. En 1968 emigró a España y en 1970 se estableció en Roma. La mayor parte de su obra está depositada en el Estate Jorge Carruana Bances, fundado en 2013 por sus herederos, con más de 250 obras y un archivo con proyectos para cine, storyboards, bocetos y un número importante de documentos. La investigación en el archivo y la colección tiene como objetivo la producción de conocimiento sobre la obra del artista, tratando de reparar el silencio en torno a este autor en la historiografía del arte cubano contemporáneo, con el propósito de estudiar, exponer y promover el trabajo de Carruana. Durante la estancia en la RAER se han desarrollado las siguientes acciones: - Documentación, digitalización, conservación y catalogación de la obra e inicio del tratamiento de material de archivo. - Comisariado de la primera retrospectiva Jorge Carruana Bances: Fumetti, sesso, guerra (RAER, 6 de abril a 7 de mayo de 2017). - Comisariado del programa audiovisual Jorge Carruana Bances y el cine de animación cubano de los años 60’ (RAER, 26 de abril de 2017). - Sesiones de trabajo sobre documentación del patrimonio en el siglo XXI, políticas de archivo y mediación (29 de mayo a 1 de junio de 2017).

susetsanchez.wordpress.com/ susetsanchez@yahoo.com

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Proceso La investigación en los fondos del Estate Jorge Carruana Bances ha supuesto un entorno expandido de tensiones que se ramifican en distintos estratos de análisis teórico-prácticos. Esto supone pensar el propio ejercicio de la investigación en el campo disciplinar de la historia del arte -dentro o más allá-, sus condiciones de posibilidad y sus límites fácticos y éticos; así como las derivas hacia prácticas profesionales transversales que incluyen comisariado, gestión cultural, conservación, etc. Partimos del hecho de que esta investigación traza un itinerario circular entre esfera pública y espacio privado, con todas las connotaciones que ello implica en términos de responsabilidad social y política y de lo cual se despliega un abanico de temas de estudio sobre la experiencia en la RAER: Administración de recursos públicos y transparencia en la gestión de la información y la economía del proyecto. Negociaciones con la economía afectiva y biográfica que atraviesa la memoria del artista y el contexto privado y vital familiar, que tienen eco en la estructura organizativa de la colección y el archivo. Trato con el patrimonio cultural y la consciencia sobre los cortes epistemológicos y exégesis que introducen estas primeras aproximaciones y acciones de visibilidad sobre la obra de Carruana para el ejercicio historiográfico. Naturaleza excluyente de la exposición –primera muestra retrospectiva– en tanto operación hegemónica sobre la obra del creador, y los mecanismos de invisibilización que genera sobre lo no exhibido. Protocolos de documentación y puesta en común de los resultados de la investigación, así como los derechos de uso y distribución del conocimiento y los recursos producidos –fondo de imágenes, audiovisual, etc.– y la búsqueda de un equilibrio entre la observancia de los derechos de autor y patrimoniales del Estate y la accesibilidad de tales herramientas en el dominio público para el conocimiento de la obra del artista.

Experiencia La experiencia de trabajo y convivencia en la RAER, en tanto laboratorio creativo multidisciplinar, ha supuesto un contexto profesionalizado y afectivo de sinergias que tienen reflejo en el proyecto de investigación y que involucran tanto al equipo de trabajo de la Academia como a los residentes. Han surgido colaboraciones imprescindibles para la concreción de distintas fases de la propuesta: el asesoramiento cinematográfico y la presentación del programa de cortos de animación de Jorge Carruana por el Profesor Xose Prieto Souto. La documentación de la exposición Jorge Carruana Bances: Fumetti, sesso, guerra gracias a la generosidad del fotógrafo Aitor Lara. El asesoramiento en metodologías de archivística por parte de la documentalista Estrella Torrico; así como otras ayudas y solidaridades imposibles de enumerar aquí.

Vista de la exposición Jorge Carruana Bances: Fumetti, sesso, guerra, Real Academia de España en Roma, 6 de abril a 7 de mayo de 2017 / Presentación del programa audiovisual Jorge Carruana Bances y el cine de animación cubano de los años 60’, Real Academia de España en Roma, 26 de abril de 2017.

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ANTONIA SANTOLAYA Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Posteriormente amplía sus estudios en St. Martins University de Londres. Comienza en el mundo de la ilustración en el año 2000, después de ganar el premio Apel. Les Mestres con Las Damas de la luz (Editorial Destino). Posteriormente, obtiene la mención honorífica de “Invenciones 2010”, México, y el primer premio en el V Concurso Internacional Álbum Ilustrado de Gran Canaria 2011, con Nada el pensamiento. Ha compaginado su trabajo personal con el de la edición, lo que le ha brindado la oportunidad de trabajar con editoriales como Anaya, SM, Santillana y Edelvives, entre otras. Como docente ha impartido talleres en el Museo ABC de Ilustración de Madrid y en talleres en escuelas de arte. Su primera incursión en el mundo del cómic la hace con el libro y la exposición “ De ellas” en el 2006, para el instituto de la mujer de Murcia. Otros trabajos relacionados con el cómic son Winnipeg, el barco de Neruda (Ed. Hotelpapel y Grupo5, 2014), Viñetas de vida (Ed. Astiberri–Oxfam Intermón, 2014), El apocalipsis según San Juan (EDT, 2012) y Bien venidos a mi país, one, two, three, viva l´algerrie (Ed. De Ponent, 2010).

Trastevere Paraiso Realización de una novela gráfica con guión de Felipe Hernández Cava, teniendo como contexto los convulsos años 70 en Italia, en este caso concreto, en la ciudad de Roma. Valeria es la protagonista. El lector la acompañará desde su niñez en el Trastevere romano hasta el presente, lo mismo en sus sueños que en sus recuerdos, recorriendo también una época de nuestra historia reciente (que, por desgracia, tampoco nos es tan ajena en España). Una época que trágicamente se ha repetido cada vez que alguien concibió una utopía que en sí misma encerraba ya la monstruosidad de la legitimación del crimen. Así pues, el cómic será la forma de indagar en esa vida pasada recreando hechos concretos y otros ficticios al servicio de un espacio para la reflexión.

antonia-santolaya.webnode.es/ antoniasantolaya-infantil.webnode.es/ antonia-santolaya.blogspot.com.es/

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Proceso Vengo a Roma con el proyecto “Trastevere Paraíso”, para trabajar a partir de un guion de novela gráfica de Felipe Hernández Cava. La historia describe la vida de una joven y su devenir hasta convertirse en miembro de un grupo terrorista en los años 70 en Italia. Mi trabajo se convierte en una reflexión gráfica de lo que se trata en el guion. Necesito entender el proceso personal que mueve a la protagonista. Descubro que el hecho de asesinar y cosificar a los otros como objetivos no es sino una muerte propia. Hago una búsqueda en paralelo con el guion, pero dejo para más adelante una posible transcripción en imágenes, más literal, de la historia concreta. He indagado en la sombra, en la rabia, en el miedo, en todas las emociones que se descubren como protagonistas, no de una época determinada, sino de una energía que perdura a través del tiempo. He realizado dos publicaciones relacionadas con el proyecto: Rabia y Fuera ruido, y haré una tercera para febrero. Todo ello hace palpable que el proyecto se ha expandido, gracias a la reflexión desarrollada en la Academia, motivada también por la convivencia durante estos meses.

Experiencia Roma, el peso presente de toda su historia; la gestación de una convivencia de nueve meses con nuevas personas. No imaginé antes de pasar por la Academia las muchísimas aportaciones que esta experiencia iba a tener en mí y, por consiguiente, en mi obra. Tras mi paso por la Academia, siento, a través de aquellos que la habitan y la trabajan, que hay un lugar institucional dirigido al cuidado de la actividad creadora, sea cual sea la disciplina. El intenso y continuo intercambio de experiencias y conocimientos hace que la labor solitaria se transforme en un diálogo de espejos. Se han creado vínculos que perdurarán más allá de estos meses. Además del apoyo presente entre unos y otros, se han generado y se buscan nuevas formas de colaboración a futuro. Este es sólo el comienzo.

Está en la raiz. Dibujo conté sobre cartón, 2016.

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CLAUDIO SOTOLONGO La Habana, 1982. Artista gráfico. Graduado en Diseño Gráfico por el Instituto Superior de Diseño (ISDi) de la Habana y Máster por el programa de Gestión e Innovación de Diseño del ISDi. Es profesor de Historia del Diseño en la Universidad de La Habana, diseñador del Departamento de Publicaciones de esta universidad, en la cual es aspirante a doctor en Ciencias sobre Arte. Sus carteles y obra gráfica han formado parte de las siguientes exposiciones “Black with a drop of red” (Fowler Museum at UCLA, Los Ángeles, 2016); “Interaction” (Facultad de Artes y Letras, La Habana, 2015) y “Cuba Va! Grafikdesign zum Film aus Kuba” (Schule für Gestaltung, Basilea, 2013). Ha participado en muestras colaterales a la Bienal de La Habana en 2008, 2012 y 2015. En 2011 obtuvo la beca de creación Estudio 21 del Centro de Desarrollo de la Artes Visuales al frente del equipo de creación Plan C con el proyecto expositivo X2 proyecto de obra. En 2012 obtuvo mención con un proyecto bipersonal en las becas de creación de la Fototeca de Cuba. En 2016 fue premio del concurso de cartel Casa Tomada organizado por la Casa de las Américas en la Habana, Cuba. Reside y trabaja en la Habana.

Cartografías de la ficción. El cine como metáfora de la ciudad: Roma El mapa como método para reencontrar los espacios urbanos, como práctica artística y como resultado de diseño, permite encontrar desde la cartografía nuevas relaciones entre los espacios físicos y su valor simbólico. El proyecto se centra en la yuxtaposición de la acción de mapeo, el diseño de mapas y el cine como construcción simbólica. En un proceso que comprende marcar en un mapa los lugares, calles o recorridos. Seguir las calles y completar los recorridos, así como crear rutas alternativas entre los lugares. Documentar cada recorrido a través de imágenes fijas, objetos encontrados, dibujos, notas y grabaciones de sonido. Superponer la información recogida sobre mapas de la ciudad de diferentes épocas mediante el uso de símbolos, colores, texturas, materiales diversos diseñados como respuesta emocional a cada lugar visitado. Mediante un teléfono inteligente, un cuaderno para anotaciones y mapas de diferentes períodos históricos, documentar los recorridos, así como las respuestas emocionales a cada espacio. El resultado final es el mapeo del conjunto de respuestas emocionales a los espacios del cine italiano filmado en Roma. Este se mostrará a través de mapas intervenidos e impresos en serigrafía, una proyección audiovisual y un libro de artista en una pieza única que resume el proceso de investigación artística. Este proyecto está en proceso en La Habana, con referencia a 5 filmes icónicos del cine cubano y con una formalización similar.

claudio.sotolongo@gmail.com uk.pinterest.com/clsotolongo/dossier/

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Proceso Cartografiar narrativas cinematográficas en los entramados urbanos posibilitó re-encontrar la ciudad a partir de historias construidas desde la ficción. Las acciones de transitar, vagar o deambular por los barrios de Roma en recorridos planificados o aleatorios permitieron experimentar cada lugar en su complejidad sensorial. La concepción de mapas para evidenciar las intersecciones entre cine y ciudad, ficción y realidad, lugares y no lugares devino una experiencia creativa multimedial. El cuaderno-memoria, las piezas en serigrafía y el video presentado; aunque transitan por discursos independientes, en su conjunto completan una obra mayor que resume la experiencia del tiempo de trabajo en Roma. Cada historia cinematográfica fue construida en un fragmento de la ciudad, entonces los recorridos en su busca se cruzan, se superponen, desde Porta Portese hasta la Fontana di Trevi se camina desde Accattone hasta La dolce vita, desde Via Flaminia hasta el Templo de Adriano, se transita desde Ladrones de Bicicletas hasta El eclipse. Entonces cada filme vuelve a ocurrir en este presente. La ciudad permanece inapresable, los recorridos infinitos, y el mapa ya no es del territorio físico, es además del tiempo, de las sensaciones, el mapa se expande lejos de contraerse, se complejiza lejos de simplificarse.

Experiencia Vivir en la Academia ha significado para mí entrar en un proceso de reevaluación de mi práctica artística. Las diversas dinámicas creativas con las que entré en contacto a través del trabajo de otros becarios me ayudaron a establecer un proceso creativo más completo, a revalorizar el proceso de trabajo, en particular el vinculado a la investigación artística. El tiempo que estuve en el taller de grabado me permitió incorporar un conjunto de piezas preparatorias a mi trabajo final. La exploración de texturas, materiales, técnicas y procesos como parte de la investigación artística vinculada a la producción de las piezas finales fue clave para el desarrollo de éstas. Los estudios que no terminaron formando las piezas finales, son ahora caminos abiertos hacia otras piezas. Como artista residente en la Academia fui invitado por la prof. Sarah Lindford a impartir una conferencia sobre el proceso creativo en el diseño, en la Academia de Bellas Artes de Roma. También como artista gráfico diseñé varios soportes promocionales para la Academia, en particular los promocionales de los conciertos de primavera y la gráfica de dos exposiciones que ocurrieron durante mi estancia.

Con tutto l'oro adosso. Serigrafía sobre papel Arches 88. Edición 10 + 2 P/A, 56 x 76 cm, 2017. S/T sobre Una jornada particular. Serigrafía sobre papel Arches 88. Edición 10 + 2 P/A, 56 x 76 cm, 2017.

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ESTRELLA TORRICO Madrid, 1982. Licenciada en Documentación por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de archivística. Ha desarrollado su profesión de documentalista en diferentes fundaciones e instituciones como la Biblioteca Nacional de España donde ha colaborado en la organización de conferencias y exposiciones como “Miradas sobre la Guerra de la Independencia. Grabados de Goya”. Recibe en 2011 la Beca ARGO del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, para colaborar en el Instituto Cervantes de Roma, ampliando el fondo documental de la filósofa española María Zambrano, y gestionando la actividad cultural y redes sociales de la biblioteca. Como investigadora, ha disfrutado de una beca en la Real Academia de España en Roma, durante el periodo 2016-2017, en la especialidad de Archivo y documentación para la realización del libro “Estatuas que hablan”, Sílex ediciones, junio 2018.

Estatuas que hablan. Antología de pasquinadas sobre España Durante el siglo XVI, los habitantes de Roma, ante la imposibilidad de manifestarse con libertad por estar sometidos a una fuerte censura, comenzaron a utilizar algunas esculturas de la ciudad para fijar en ellas, de manera clandestina, sátiras anónimas. Usando el arte como transmisor de la palabra daban voz a las estatuas, encargadas de lanzar duras críticas contra el Papa, la curia romana y la nobleza. Estas redes sociales del Renacimiento conocidas popularmente como estatuas parlantes fueron práctica habitual en Roma, transfiriéndose más tarde a otras ciudades italianas. En la Ciudad Eterna actuaron durante más de cuatro siglos las figuras del Pasquino, Marforio, Abate Luigi, Babuino, Facchino y Madama Lucrezia. Sin duda, una de las formas de comunicación social más singulares que existen por la creatividad que implica usar esculturas del espacio público para generar opinión y para evitar la censura de un modo eficaz por medio del anonimato. Debido a la estrecha vinculación histórica Italia-España, muchas de estas sátiras -denominadas pasquines por su fijación en la estatua del Pasquino- se escribieron contra personajes españoles. El primer pasquín datado, del año 1501, fue precisamente dirigido hacia el papa español, Alejandro VI. El resultado de la investigación documental, desarrollada durante nueve meses en bibliotecas y archivos de Roma, se recoge en el libro “Estatuas que hablan” publicado por Sílex ediciones (junio 2018); explica el origen e historia de las estatuas parlantes y rescata, en forma de antología inédita, aquellos pasquines dirigidos contra españoles y fijados en esculturas durante los siglos XV–XVII.

torricoestrella@gmail.com www.estatuasquehablan.com Instagram: estatuasquehablan

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Proceso Para la investigación sobre el origen e historia de las estatuas parlantes y la búsqueda y selección de pasquines sobre España, se consultaron manuscritos y monografías en su mayor parte de los siglos XVI y XVII. La elaboración previa de un repertorio permitió conocer la situación bibliográfica italiana sobre el tema de estudio. Se encontraron alrededor de 400 obras, consultándose las recopilaciones de pasquines más completas. Ha sido imprescindible, el acceso a bibliotecas históricas de Roma, destacando la Angelica, Casanatense, Marco Besso, Biblioteca Nazionale Centrale, Biblioteca Vaticana y archivos como el Histórico Capitolino. Vivir a un paso de las estatuas y poder explorar el entorno donde se originaron, ha supuesto un importante valor añadido al proyecto permitiendo desarrollar en paralelo otras líneas de trabajo. La elaboración del archivo fotográfico de pasquines contemporáneos ha permitido comprobar que la práctica sigue activa. Además, se han realizado entrevistas a expertos, visitas a asociaciones y a museos que promueven la tradición de las estatuas parlantes en Roma. Fruto de la investigación, se han hallado alrededor de 100 pasquines sobre España y se ha profundizado en aspectos como el origen de la sátira en Roma y la expansión de otras esculturas parlantes por Italia en ciudades como Milán, Venecia y Brescia. Durante el último trimestre, se ha llevado a cabo la traducción de los pasquines al español, su análisis histórico, la redacción final de los capítulos del libro, la búsqueda y petición en bibliotecas y archivos de imágenes y grabados para su publicación y la elaboración de índices.

Experiencia Poder desarrollar un proyecto en la Real Academia de España en Roma es un privilegio por lo que significa vivir con artistas e investigadores de diferentes edades y disciplinas en una institución con 144 años de historia en la ciudad de Roma. Además de disponer de todo el tiempo necesario para realizar la investigación, el día a día en la Academia ha sido un aprendizaje continuo gracias a conferencias, conciertos y visitas de profesionales del sector cultural, posibles gracias al esfuerzo del maravilloso equipo de la Academia. Sin duda, la convivencia con compañeros de gran talento, hacen de esta experiencia un periodo transformador y genera colaboraciones entre materias muy distintas que enriquecen enormemente los proyectos. Nueve meses de paseos y conversaciones en el jardín, de intercambio, cooperación y amistad, de sorpresas como la estatua del pasillo que se convirtió en parlante… La Academia no termina, seguirán los lazos entre nosotros, cómplices de haber compartido una experiencia de crecimiento en todos los sentidos e irrepetible en nuestras vidas.

De izquierda a derecha: Antonio Lafreri, La estatua Pasquino colocada en su pedestal en la Plaza de Pasquino en Roma, 1550. Europeana collections, Rijksmuseum. / Proyecto “Estatuas que hablan”, exposición Processi 144, Real Academia de España en Roma, 2017. / Guido Palma fijando pasquines en la estatua parlante del Pasquino. Roma, 2017. Fotografía: Estrella Torrico. / Detalle del proyecto “Estatuas que hablan”, exposición Processi 144.

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SANTIAGO YDÁÑEZ Jaén, 1967. Graduado en Bellas Artes en la Universidad de Granada. Ha realizado talleres, entre otros, con Juan Genovés. Fue Premio de Pintura ABC en 2002 y Premio de Pintura Generación 2002 de Caja Madrid, Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura en 2001 y Beca de la Fundación Marcelino Botín en 1998. Sus obras están en las colecciones de Fundación Botín (Santander), MNCARS (Madrid), Museo Sofía Imber (Caracas, Venezuela) y en colecciones particulares en México, Canadá, Italia, Noruega, Alemania, Portugal y España, entre otras. Actualmente vive y trabaja entre Berlín y Granada.

El Jardín de las Delicias El Jardín de las Delicias es el resultado de nueve meses de análisis de los frescos romanos de la Villa di Livia en el Palazzo Massimo en Roma, espacio que ha inspirado el trabajo que he desarrollado en la Academia. En este proyecto he querido reflejar el concepto de paraíso perdido, jugando con imágenes teutónicas de finales del siglo XIX y principios del XX, así como otras imágenes de carácter mediterráneo. La idea del proyecto surge de la lectura de la novela de Thomas Bernhard, Auslöschung (Extinción), donde un joven intelectual austriaco escapa a Roma, allí trabaja como profesor hasta que tiene que regresar a su ciudad natal. A su vuelta, critica y analiza la cara más oscura de la cultura prenazi y la hipocresía de la burguesía católica que dio lugar al nazismo. El Jardín de las Delicias es una pieza de gran formato (3,15 x 10 m), que muestra a una joven rubia, de mirada nostálgica, melancólica, ausente, y un jardín cargado de vegetación y aves. A la hora de interpretar esta pieza he alterado la representación de algunos elementos como las aves que aparecen en los frescos originales, pero he mantenido la idea y estructura de la pieza del Palazzo Massimo. La obra se expondrá en la propia estancia de la Villa di Livia en el Palazzo Massimo. Para la exposición pintaré tres piezas más a fin de completar y cerrar el espacio. La intencionalidad del proyecto ha sido realizar una crítica, a veces directa, a veces en clave poética, al nazismo y enfatizar la ausencia o pérdida del paraíso, representada a través de la nostalgia en el rostro de la niña, y la belleza y calma de los jardines.

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Proceso El proceso creativo de mi obra se ha basado en la observación e interpretación, fundamentalmente, de los frescos romanos de la Villa di Livia. A la obra de gran formato le acompañan otra serie de obras de menor tamaño: objetos, dibujos, grabados intervenidos... donde relaciono dos momentos de la historia en dos zonas de Europa y dos maneras de entender la vida. He adquirido grabados de arquitectura italiana de 1751 y sobre ellos he intervenido representando pájaros y retratos germánicos. También se ve reflejado el lado teutónico en una serie de dibujos a lápiz en los que aparece Hitler acompañado de niños y niñas, en clave irónica que hacen referencia a la película Es geschah am hellichten Tag (El cebo) de Ladislao Vajda. Por último, he representado imágenes del documental Olympia (1936), dirigido por Leni Riefenstahl (conocida como la cineasta de Hitler), donde se muestran imágenes de los juegos olímpicos de Berlín de 1936. Mi estancia en la Academia asimismo me ha inspirado a pintar una versión de la Crocifissione di San Pietro (1601) (Martirio de San Pedro) de Caravaggio, pintado para la capilla Cerasi de la iglesia de Santa Maria del Popolo de Roma, y obras de algunos pintores españoles, como por ejemplo una versión de Enrique Simonet de la pintura Y tenía corazón (1890). Todas estas obras representan la Europa del sur. La idea de El Jardín de las Delicias y el proceso creativo de la obra se ven resumidos en un díptico de 1,60 x 3,50 m, donde aparecen representados la niña y un pato, igualmente presentes en la obra de 3,15 x 10 m, pero donde sin embargo, el fondo que envuelve a la niña y al pato ya no es vegetación como en la pieza grande, sino una poética transición de color en tonos verdes.

Experiencia Vivir durante nueve meses en Roma, una ciudad vital llena de historia, de arte, de cultura, de monumentos... me ha permitido enfrentarme a mi obra desde otra perspectiva, analizar mi trabajo anterior y desarrollar mi proyecto de forma más sosegada, manteniendo una distancia con mi obra precedente. Mi forma de pintar es muy visceral, rápida, impulsiva, cargada de energía en cada brochazo. Normalmente empleo entre una y dos sesiones para pintar una pieza. En cambio, este proyecto lo he trabajado desde la tranquilidad, de una forma más pragmática, he invertido varios meses en pintar esta pieza. Ha sido una nueva forma de abordar mi obra, más detallada y reflexiva. Mi estancia en la Academia ha sido el germen para desarrollar un nuevo proyecto junto a Miki Leal. Estos meses en Roma nos han permitido conocer la suculenta cocina italiana, lo que nos ha llevado a la idea de crear una particular guía de diez restaurantes y algunos bares que han formado parte de nuestra etapa en la ciudad. En ella incluiremos fotos, dibujos, pinturas y un texto elaborado por Suset Sánchez.

Martirio de San Pedro. Acrílico sobre lino, 230 x 210 cm, 2017.

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TRADUCCIÃ&#x201C;N

In knowing the Spanish Royal Academy, its monumental complex, the work of the grantholders, who year after year develop their projects in Rome; and the activity taking place in order to promote the dissemination of culture, we are brought to the conviction that supporting cultural production is an opportunity to continue with the construction of our present. First and foremost, to progress in a future based on dialogue and respect for diversity. Our creative diversity and our permanent longing for development based on equality. Artists, writers, researchers, designers, filmmakers, amongst many other professionals from Spain, Latin America and The Caribbean share dreams and become deeply involved, giving the best of themselves, working with tenacity in a city through which 920 previous grant holders have already been, in its 144 years of existence. Bramante’s Temple, located in the Academy, reminds us that innovation is adding to and investing in our creators, the best possible strategy. Somehow, the sky of Rome makes us all Ibero-American under the same sky. Fernando García Casas Secretary of State of International Cooperation and for Ibero-America

The Academy of Spain has overlooked Rome for the past 144 years, becoming one with this vibrant city, the heart of western culture, and meeting point for creators and researchers from anywhere throughout the world. Today, the Academy is one of the key Spanish foreign institutions of cultural activity, dedicated to supporting the internationalization and consolidation of our artists and researchers. This is why from the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain / Spanish Agency for International Development Cooperation, we maintain a steadfast compromise for the adequate functioning and development of the Spanish Academy in Rome. In the academic year 2016-107, 24 guest artists enjoyed a grant for production in the Academy. This space steadily encourages one to let oneself be influenced, to drink from the wisdom of fellow travellers and, in many cases, to develop collective pieces, with crossed perspectives in which all participants put forth the best of themselves. This year one may see much painting, illustration and drawing; pieces that impel one to go back in time and observe the first years of the Academy, where the classic disciplines constituted the epicentre of the teachings. For the first time, in addition to this tradition, Fashion design and Industrial design are included. Hence, the coexistence of diverse disciplines, allying the past and the future under one roof: the Academy continues to surpass itself, always at the vanguard as a production centre and boasting artistic creation. As in former years and aiming to disseminate throughout our country the role of the Academy, now in Spain a selection of the artwork produced in Rome throughout the previous course is being shown. With PROCESSI 144_M, Entrelazarse con Roma we are celebrating 144 years of history of the Spanish Academy in Rome, that has allowed 920 artists and researchers to enjoy this experience. An experience still in process, which has only just begun.

INTRECCIANDOSI CON ROMA

Roberto Varela Fariña Director of Cultural and Scientific Relations

Whoever takes a look at this publication or at the exhibition in Rome with the selection of the projects that have been developed over these months, expecting to find common scenarios, will be surprised by the creators’ or researchers’ proposals. Always with Rome as a starting point. Projects which in their majority are stages of longer adventures or of projects that we will see materialized in a long time.

Intrecci’are [int’t∫are] VT (capelli) trenzar; (fili) entrelazar; (relazione) entablar; (rapporti) estrechar It seems that the literal translation of the term intrecciandosi is neither as simple nor does it sound as it would in Italian. But its strength identifies it as a key factor in synthesizing these 144 years, which ride through three centuries and like a battering ram, running into the second decade of the XXI century, in which the institution is consolidated as a space of knowledge, a center of cultural production in which the multiplicity of languages of creation becomes a hallmark, a place of reunion with other cultures. The Academy has always walked hand in hand with it 920 annuitants, grant holders or creators and researchers in residency. At the request of the residents themselves and after having pressured the system, at one point it even came down to residents waiving their own grants, the Academy opened its doors to the city upon the arrival of Democracy in Spain. In so doing, a relationship commenced, not only based on communication with grant holders from other Academies or research facilities, but upon sharing acquired knowledge with everyone, theoretical reflection, innovation of artistic proposals. A relationship with the city, which, little by little, was enriched. Building maps and networks, which surpass the obvious. From Gianicolo, through Trestevere and Monteverde, crossing neighbourhoods, frontiers and oceans. The day to day of the Spanish Academy is built upon such a network. The residents of 2016-2017 have added on to the same network throughout their months of residency in Rome, and will continue to nurture its growth over the upcoming months, years, decades… A 144-year long process… Procesii 144.

Inquisitive glances into archaeological stratum or material remains which the past has preserved for us in sites, museums, archives or libraries. Strolls with travellers from all periods of time who crossed Europe, who came to or were leaving Rome, some guided by curiosity and thirst for knowledge, and others obliged by unwanted exiles. And all moved by the city, its streets, the art left behind on building façades of indescribable colour, museum walls that concentrate the history of Western Europe, insisting on reminding us of the incredible privilege of being able to breathe the air of Rome each day and handing on the responsibility of returning the best of everyone: their artwork, their creativity, their research to the people who made all of this possible. For this reason, these pages that follow are windows through which we suggest you lean out of, and doors through which we invite you to come in to enjoy and

feel, in a way, like accomplices. In essence, we are proud of the result of the collective effort in a society, which supports creators and researchers, one of the best and most profitable investments to wager the future on. The webs the 24 residents of this year will take you much further over the upcoming years. The Academy’s story, little by little, will take you closer to the stories of those who have already been here, closer to their artwork, the publications, the recordings or movies that are left here enriching the public collection that, as such, may be visited. And a little further on, the pages that have been cobbled together amongst the monumental complex of San Pietro in Montorio, with Bramante’s Tempietto as a witness, shall be translated into maps, woven with the very best of every creator and researcher. We suggest not losing sight of them. Ángeles Albert de León Director of the Academia de España en Roma

COLONIZING ROME Juan Gómez Barcena All of us who have enjoyed a grant for artistic creation know how difficult it is to explain our experience to our friends and family. The word “grant”, in itself, seems to be open to misunderstanding: As grant holders that we are, they imagine us in an Erasmus frenzy or subject of underpaid, harsh working schedules. Some institutions have rehearsed alternative terms such as “residents” or “annuitants”: I understand, nonetheless, that none of these terms help convey into words the real nature of the experience that my colleagues and I have enjoyed in Rome. There is, nonetheless, a term that, be it not perfect, I am especially fond of, and that I shall use upon my return in order to summarize our living experience of these past nine months: “colony of artists”. The words evoke, firstly, to those “colonies (camps)” to which many of us went to during our childhood summers; and there has certainly existed some of that festive, exceptional and caring character during our stay in the Academy of Spain in Rome. But mainly, I think about the most original and genuine sense of the word “colony”: that group of people who, moved by different reasons, embark on a trip to transform an unknown space, and at the same time -and perhaps the most interesting part- letting oneself be transformed by that new world that lets you in. As every colonist, during our stay in the Academy we have left our mark, be it in the shape of paintings, comic strips, books, sheet music, movies, designs, performances or photography: but above all, we have, vitally and professionally, soaked in the city and the people, and thanks to that interaction we have grown and been transformed in ways we never would have dreamt of. Rome has been the fuel and the protagonist of our projects, be it as the theme, inspiration, or as a symbol. Some have found in the city the roots of their own biographies, like Beatriz filming the steps that her aunt and uncle left behind in Trastevere, or have reencountered with their country of origin, like Suset curating the artwork of the Cuban artist Jorge Carruana. The characters who live in Dea and Diego’s books, the Bravú collective artists -a very small colony within the great colony that we have all been part of- have jumped from the comic book vignettes to the canvas, influenced by the Italian Renaissance paintings. Santiago Ydáñez’s artwork, which took influence from the Germanic tradition, has found new models in Caravaggio’s paintings or in the incredible Roman frescos of the Villa Livia. Claudio has traced back the places in the city where classic Italian movies have been filmed; Xose has scrambled through catalogues and old movies in order to find new documents from the opposition during the Franco Period in the archives of Rome; Ana has given sound to the sheet music which María Luisa de Borbón composed during the beginning of the XIX century; Carlos has analyzed and questioned the ambitious urbanistic projects of the Rome of the 60’s and 70’s. Estrella has listened to the voice of Italy’s middle classes, who for centuries have made the most out of certain statues in Rome to embody their dissidence with the famous pasquinades. Mercedes has looked even further on, to Ancient Rome and the Etruscan cul-

ture, to conceive old designs and pieces that talk to the people today; Estibaliz has brought back to life the dormant or erased role that women had during Ancient Rome and Rosalía has conjured for us the remains of a feast from the Lower Empire, turned to ashes, to help us acknowledge our use and abuse of food. Rome’s atmosphere, the air and the water, which lack representation in maps, has acquired territoriality in Laura’s videos and drawings, just like Irene has learned to capture her light and turn it into a gesture or movement. Miki has followed Stendhal’s footsteps around Rome, Tyto has probed in his illustrations the hallucinated biography of Fellini, and María Zambrano’s philosophy in exile was incarnated in Aitor’s photographs. Roberto Bolaño imagined in Rome the lead character in A little novelita lumpen, and Joan has decided to translate into images the words from the novel, as Antonia relies on a script by Felipe Hernández Cava to illustrate the Trastevere of the 70’s. Rome’s seven hills have occupied, as well, the geography and landscape imagined by Santiago Giralda, and as so has Santiago Lara descended with Eneas’ help to the underworld of the origins, in search of safe soil upon which to relaunch the values of a European culture in crisis. Upon that same feeling of imminent catastrophe, Victor has also reflected, designing war clothes talking about a world that seems to be lead to destruction. David has tirelessly combined photographs taken in the city, searching for resonance and echoes over which he could underlie his signature imagery, and myself, I have inquired into the destiny of another wellknown exiled, the Latin poet Ovid, to reflect on the anthropological shock that every trip entails. This has been the tangible result of our experience, the only result that catalogues or exhibitions can keep track of, though I would adventure to say that it is not the most important one. As artwork accumulated, a series of relationships and bonds grew among us, contaminating, transforming, fortifying and totally erasing the frontiers previously established by our own disciplines. Not only the grant holders took place in this process: but also our partners and friends, who have regularly visited and have, somehow, been part of the landscape of our living experience, as have the hundred and forty three previous grant holders, almost always anonymous ghosts that helped shape the Academy into what it is today and have silently handed it over. And of course, the team of directors and the maintenance staff have been an active part of the experience to its fullest; even if their job was opening the door or classifying books at the library, helping us clean our dorm rooms or providing us with the necessary material for our trade, they have all contributed in making an experience from which we are not just taking our artwork with us, but mainly, a shared memory that will make us better artists, and who knows if better human beings. Similar to those microbe colonies we watch summon under the lens of a microscope -here a third and last meaning of the word “colony”- we have accomplished more than just contributing our own individual part: from that sum, something bigger and more important than ourselves has emerged, and such as the city of Rome, this “something” will forever be ours.

ANNOTATIONS FOR A TRANSFER Enrique Bordes “In Ersilia, to establish the relationships that sustain the city's life, the inhabitants stretch strings from the corners of the houses, white or black or gray or black-and-white according to whether they mark a relationship of blood, of trade, authority, agency. When the strings become so numerous that you can no longer pass among them, the inhabitants leave: the houses are dismantled; only the strings and their supports remain. From a mountainside, camping with their household goods, Ersilia's refugees look at the labyrinth of taut strings and poles that rise in the plain. That is the city of Ersilia still, and they are nothing. They rebuild Ersilia elsewhere. They weave a similar pattern of strings which they would like to be more complex and at the same time more regular than the other. Then they abandon it and take themselves and their houses still farther away. Thus, when traveling in the territory of Ersilia, you come upon the ruins of abandoned cities, without the walls which do not last, without the bones of the dead which the wind rolls away: spiderwebs of intricate relationships seeking a form.” Italo Calvino, Invisible Cities From Rome to Ersilia We are at the foot of the Tempietto del Bramante on the 22nd of June, 2017. Ángeles Albert is presenting Procesi 144 surrounded by those who made it possible, starting with (almost all of) the grant holders and the personnel of the Academy. In a complete speech, rich in gratitude, the topic of «overlapping generations of grant holders who come and go» and «experiences are added and they are strings… you are the prime material with which we continue to build dreams, with culture as a foundation, in order to live better». And Ersilia comes to mind. The Gianicolo, on one particular summer afternoon, once again was going through the renewing catharsis of an inauguration. Mimicking that ciudad invisible (invisible city) of Calvino, a generation of artists and researchers, were experiencing one last exercise of creative co-existence, and in so doing colonizing the Academy with their works. A web of pieces occupied the entire building, just before it was abandoned. Insist on Processi Almost one year later, in another overlapping of prime material, having accepted Angeles’ invitation, I became involved in transferring that Ersilia to Madrid. Previous to the Processi 144 there was a Processi 143 and in both exhibits, I formed part of the team of the Academy to help articulate a proposal for the exhibit. These spaces are familiar to me as I had been awarded a grant for museographic design and had formed part of the procesos 142 (in reality it was called IndexRoma). These occasional collaborations are part of Management’s active strategy to reinforce ties between generations, entwining complicity born within the grant and broadening the cultural project of the Academy beyond Rome.

The two exhibitions proved to be a marvellous challenge. It is a privilege to have become entrelazado (entwined) in this last experience of coexistence, live the process of a generation of creators and exceptional researchers, and meet them (once more). Insist, persist, strengthen. The procedures included in the exhibit have not been detained over this time and the web of relations is even thicker, but the seed of pieces persists, which brought us to repeat the name once in Madrid (in Matadero), against the customs of previous years. The Academy may have disappeared from our sights, but the rest, everything, remains. We insisted in Processi, knowing that the 145th would arrive and the numbers will insist on being rounded off until soon the borsista (scholar) number 1000 arrives. Insistir en Roma Insist on Rome Still Rome? A question that was already pertinent over one hundred years ago. And yes, it is a doubt which fits into the fertile panorama of the production centres of artistic residencies, in cities that vibrate (nearly) to the rhythm of social networks, from Pekin to Miami. And yet… Rome. Those who know the situation firsthand would coincide: the city has a unique density and Spain may boast the Academy as an exceptional observatory. Rome is the pure density and complexity of a country that has seen our culture be born (and reborn) and is the perfect laboratory to understand the past and glimpse into the future, from the eternal political entanglement to the present migratory flow. Research and creation are increasingly more complementary activities, making it vital to have direct access to one of the key settlements. It is easily understood how the Academy has become a flagship of the cultural project of the AECID (with permission of the CCE in Mexico). It is a given that Rome itself, the backbone of our past and present culture, articulates a major part of the projects that come to life in the Academy. This observatory, over the years, has lead to dozens of intents of trapping the city… although it is suffice that those intents end up being reduced in a change in the look of the one who takes a glimpse. aunque es suficiente con que acaben reducidos en un cambio en la mirada del que se asoma. From its privileged position over the Trastevere, the Academy seems forced into a constant exercise of overlooking Rome. But take note, Rome is looking right back and knows quite well the time at which the light of the painter’s tower goes out. The name of the house Grant holders – past or present, residents, borsisti, annuitants or even, according to Juan G. Bárcena, colonists. Residency, cultural centre, production centre… Academy, Royal Academy. The very wording of academia is a term that has been used by very diverse institutions from their very beginnings. From Spanish and Italian, a step away from Latin or even Greek, one has the sensation of the term being comfortable with the freedom granted to ambiguous terms, the flexible language and multiplicity. This enables change, mutation.

The grants are accessed through a convocation according to category (sculpture, painting, printing, architecture, photography, video-creation, cinema, design, music and musicology, scenic arts, literature, comic, art and new technologies, museology, curatorship, art mediation, aesthetic theory, philosophy and art criticism-, archives and documentation, art history, conservation and restoration, gastronomy) but the greatest feat is that being chosen does not subject any grant holder to one particular category. There lies the importance of configuring a creative collective for the first time. This last experience in the free ambiguity of the Academy shakes and blurs the limits, encouraging overlapping – a crossover. Comic becomes painting or sculpture, the architecture becomes video, drawing - performance, photography turns into architecture, gastronomy into installation. Breakfast with residents. The web is a collective… and they have breakfast together. This environment of spaces of everyday going ons is a horizontal classroom. Every one of the residents of the Academy is a potential lesson: a technique, a change in format, an attitude in life and artwork, a clue to get that Roman permission, an invitation to open one of the thousand doors of Rome with another, a hand in finishing that installation. And, breakfast to breakfast, they commence to overlap: David Jiménez photographs Santiago Ydáñez, defeated in front of his painting, that very Santiago gets Xosé Prieto to be in the portrait parlour for a few days, Laura Gibellini and Irene Cantera follow the sun together, Aitor Lara makes one of the statues of Etrella Torrico talk, Miki Leal captures the generation in a grand triptych and Antonia Santolaya doesn’t stop drawing for, by, and among all…

of generations. From the second that the new promotion arrives, the skein remains deployed and so, throughout this year, the strings of the previous grant holders have also been visible through figures such as Jesús Madriñán, Clara Montoya, José Guerrero, Antoni Abad, Joan Morey or the constant presence of Margarita Alonso Campoy in the library. When I, myself a segunda generación (second generation) grant holder attended the Gianicolo for the first time I coincided with Juan Bordes who was residing there, in the same time period that, we continue weaving, the Carruana of Suset Sánchez was well established in the Italian capital. «Los habitantes tienden hilos entre los ángulos» (the inhabitants stretch strings from the corners) in a process that seems eternal. In time, perhaps Rome/Ersilia will end up looking more like another city of Calvino Ottavia, the webbed city. Part of it has a virtual presence through the newsletter POST. IT, with over 700 subscribers. More complicit strings It is necessary to name, in this web of strings, the Programa de Visitantes Profesionales del Sector Cultural de la Academia de España (Program of professional visitors from the Cultural Sector of the Spanish Academy), that has taken place for a second year. The idea is simple, all of these professionals, during their visit to the Academy, sit down at the table and share their experiences with the grant holders, broadening the web once more. During este Processi 144 amongst others, the following persons have generously contributed their complicity:

Abhishek Basu, Alberto Dambruoso, “AlbumArte”, Alejandro Castellote, Alfredo Pérez de Armiñán, Alicia Ventura, Anna Maria Guasch, Antoni Abad, And, from dinner to dinner, more overlapping with Antoni Muntadas, Bambi Kramer, Begoña Torres, Rome takes shape: Los Bravú appear in the invitaBelén Rueda, Blanca de la Torre, Candela Álvarez tion of the Crack Festival, Santiago Ydáñéz occuSoldevilla, Carla Berrocal, Carla Subrizi, Carlos pies Villa Livia, Estrella finds her pasquinade, Irene Martiel, Carlos Prieto, Carlos Urroz, Chiara GarlanCantero, Laura Gibellini, Santiago Giralda and Anda, Claude Bussac, Clotilde Lechuga, Cristina Motonia Santolaya, meet in a Mezzogriorno di fuoco in rales, César Sánchez, Donatella Saroli, Elena Córdoan exhibition/meet of Academies… ba, Elena Giulia Abbiatici, Eleonora Filiputti, Elisa G. It is whole and the sum of their parts. To suddenly McCausland, Emma Brasó, Enrique Bordes Cabrera, understand that the grant is given within a group, a board of pieces that any combination is foreseeable. Enrique Juncosa, Eugenio Ampudia, Fabio Ianello, Federico Estol, Fernando García Casas, Flaminia From that perspective, it is no longer a unipersonal grant and becomes in the heart of creation, a com- Valentini, Francesco Buonerba, Francesco Careri, plex tension between the individual and the collec- “Fundación CerezalesAntonio y Cintia”, Gaia Franchetti, Gianfranco Baruchello, Giulia Boccia, Giulia tive. Fiocca, “Grupo de Ciudades Patrimonio de la Humanidad”, Ignacio Gómez de Liaño, Iñaki Carnicero, Javier Alonso, Javier Otazua, Jesús Hernández The entanglement of many Ersilias Agüero, Joana Carro, Jordi Colomer, Jorge Blasco, José María Luna, Nicoletta Guglielmucci, Juan CarAs a visitor, grant-holder and post-grant-holder I los García Alia, Juan Luis Mira, Juan Manuel Bonet, have seen the spaces of the Academy become full Leticia Lladó Ferrer, Lila Insúa, Lorenzo Romito, Luiand empty and have witnessed strong characters gi Pagliarini, Luis García Montero, Lázara Menéndez, coming and going, inadvertently infecting the place. The tower, traditionally del pintor (of the painter), Mane Cisneros, Manuel Borja-Villel, Manuel Olveira, Maria Alicata, Martín Sastre, Moisés Pérez de Alfor some time, was el studio de Juan Zamora and months later it was el de Miki… only to become emp- béniz, Nimfa Bisbé, Oriol Fontdevilla, Paco Bezerra, Patricia Pascual, Pedro de la Escalera, Raffaele ty later on. But upon return to Rome one becomes Morelli, Raffaele Quattrone, Ramiro Villapadierna, de la casa, and of the Academy, in spite of having its doors more open than ever these days, the Acade- Roberti Bruno, Roberto Varela, Rosa Jijón, Rossi de Palma, Santiago Herrero, Sarah Linford, Selina my has always willingly welcomed this overlapping

Blanco, Semíramis González, Sofía Terela, Susana Blas, Teresa Badía, Teresa Margolles, Valerio Bindi. Consequent to the program, many of them have summarized their ideas in a text, available at the following link at the website of the Academy. Academy of the comic In yet another overlap, in November of 2016, destiny brought me to the Academy together with two of these accomplices, the curators Carla Berrocal and Elisa McCausland, to install Presentes, autoras de tebeo de ayer y de hoy (Present, authors of comics from yesterday and today). Ángeles Albert understood that part of this generation of grant holders was in an exceptional position to complement the exhibition: Tyto Alba, Los Bravú (Dea and Diego), Antonia Sanolaya (also in Presentes) and Joan Casarramona who work in the area of the comic and graphic storytelling. In a small complementary exhibition, called Academia del tebeo (Academy of the comic), the authors who had previously accessed the Academy from the time the category of comic was introduced in 2012 were also included: Joaquín Secall, Federico Pazos, Miguel Cuba, Aitor Ortiz y Martín López Lam. If only taking this aspect into account, our Academy is now globally recognized as state of the art, as there are few institutions that generate this type of production (I only know of one, the Maison des Auteurs in Angulema, that interestingly enough established an agreement in 2017 of crossed residencies with Vila Medici, the French Academy); and not only that, from this environment, there are talks in Rome itself with the festival Crack, known as the «best underground comix festival on planet Earth». Processi en la Academia Processi in the Academy In Rome, the exhibition counted on the general coordination and curatorship of Ángeles Albert. And in this case the term curator is absolutely relevant, used more often in Latin America and Italy, the reason being curar in the Italian sense of the word, means cuidar (to take care of). This promotion is without a doubt a very special generation of grant holders. Extremely pictorial, graphic, narrative, exceedingly conceptual and with profound claims. They tell, by almost every possible means, large and small stories with more capacity than ever to interact with Rome. And they have given us unique pieces, in a country that, apart from being the birthplace of art, is the world capital of product and fashion design. The colonization of the places of the Academy was demonstrated with a bold gesture that implied getting splattered with migas de amarillo (crumbs of yellow), (the colour of the chosen graph/poster? of this promotion)… in order not to get lost among many of the other spaces already occupied. The end result was very satisfying, the size of the plot on the monte de oro (mountain of gold), with moments such as the study of Rosalía Banet changed into a triclinium or the search of Aitor Lara and Estibaliz Sádaba occupying a place on the stairwell via crucis.

Processi a Matadero Processi to Matadero Between the technique and the care, continuing that labour of Italian cura, we have transferred Processi 144 made up of an apparently neutral discourse in the hall 16.1, a place that is already recognized as a space of residency and creation. During the week that the exhibit is open we could even desayunar en la Academia (have breakfast at the Academy). A thousand personal strings exist in this space, thematic, formal, technical. It is always tempting to look for a borgiana classification in these cases: a dear or remote memory, the city, the astral, the woman, politics, the cinema as a fountain of dreams… All of these pivots exist and I invite you to draw them in the Ersilia that we have risen in Matadero.

TYTO ALBA

Process

ROSALÍA BANET

Process

Takes his first professional steps as a painter hosting various shows in galleries around Barcelona. During his stay in Mexico City, he starts his drawing career, where he publishes his first comic book Black River Together (del Castor Editorial, 1999) and various short stories for different publishers. Upon his return, he works for several years as an illustrator for op-eds in the Catalonian journal El Periódico de Catalunya and develops the project PDA (Pequeños Dibujos Animados) (Small Animated Drawings), drawing from animated short films in collaboration with children from different countries. He co-writes the script for Santo Cristo (Glénat, 2009), which Mexican born Pablo Hernández drew, repeating in the same editorial that year with El Hijo (The Sun), this time with Mario Torrecillas’ script. In his next project, he adapts into comic book format Sudd (Glénat, 2011) with Gabi Martínez, author of the homonymous novel. With these two last works, he wins the prize Junceda in the comic book category. He illustrates the book Un regalo de Navidad (A Christmas Present) (Periférica, 2012) and once again collaborates with Gabi Martínez to adapt to comic book format Sólo para gigantes (Only for giants) (Astiberri, 2012). Now solo, he went inside Dos espíritus (Two Spirits) (Astiberri 2013), an atypical crepusclar western and La casa azul (The blue house) (Astiberri 2014), a tribute to the everlasting figures Frida Kahlo and Chavela Vargas. With the script by Katrin Bacher, he illustrates Tante Wussi (Astiberri, 2015), which received the Ciutat de Palma award and has been translated into French and German. La vida (Life), a graphic novel about Picasso’s youth and his friendship with Carles Casagemas, is his last work as a complete author.

The first working phase consisted of the reading of the different biographies about Fellini that I considered interesting, paying special attention to the interviews and documentaries in which Fellini himself shared anecdotes of his own life, true or not. The fact that my work method is to move forward without a plan or previous script, only with a diagram and vague ideas, and drawing pages, however they come naturally, has proven to be beyond ideal on this occasion. It allowed me to incorporate scenes from my own experiences at different locations around the city, moments that came up as I was discovering Rome and ended up fitting in well. As an interesting example, on a visit to the Campo de Verano cemetery at dusk and in the middle of a flock of starlings I discovered that, apart from the beauty of the moment, it was in that cemetery where most of the movie directors, actors and people from the trade connected to Fellini were buried. Days after having decided to incorporate that scene and having drawn a silent page with the birds and the different graves, I read in an interview that the first scene of the movie Rome which Fellini had originally filmed, took place in that very same cemetery and was very similar to the scene I had drawn. During my stay at the Academy, I have sold the copyright of the book to the editorial Astiberri for it to be published in book format by the end of this year.

PhD in Fine Arts at the University of Vigo (Galicia), in 2003. Has done solo shows in galleries such as Espacio Mínimo, Marte Cervera, Catherine Clark or Twin Gallery; and in art centres such as La Conservera (Murcia), MAS (Santander), or the Alcobendas Art Centre. She has collaborated in international art fairs like ARCO (Madrid), Frieze (London), FEMACO (Mexico D.F), Volta (Basilea) or CIGE (Beijing). Through her work, she analyzes, reflects and criticizes current society of which she intends to show the excess and inequalities. She uses the human body and human diseases as metaphors to represent a system, which she considers chaotic, alienating and dehumanizing. Food is another constant in her projects. Through the food system, she covers issues ranging from nutritional values to social, political, economic and environmental issues.

The making of El Gran Banquete has been intense, with a very different method from which I’m used to. Very interesting for its contributions at a formal and conceptual level, which will undoubtedly imply a “before and after” in my work. Though I arrived in Rome with a very clear idea about my planned artwork for my stay, the research I did in several museums and libraries during my first months in the city; the interferences with other types of processes (expositions, talks, conferences and breakfasts, concerts, dance shows or simply wandering around the city and talking with my colleagues); the experience in the Academy and in Rome have gradually made me question and change my perfectly planned-scheduling diagram insofar as the execution of my projects, causing me to reconsider every step of my process during these months, every detail; pushing myself further away from mechanisms, disassembling certainties, making mistakes, detaching myself from familiarity to hence enrich not only this project, but, certainly, future projects.

Fellini en Roma Based on the night wanderings around Rome of a mature Federico Fellini who suffered from insomnia, the project intends to create the biography of the character, of the city and, especially, of the relationship between both. Considered as both a comic book, the script written by the hand of Fellini, and as a continuation of that fragmentary movie titled Rome, the result is a free mix of the character’s biographical anecdotes, reunions with the ghosts of his past, with important people in his life, as well as with characters from the history of Rome through fictional or visionary situations. A vision is thus formed of the city through our protagonist’s eyes, which shall remain throughout his life, that of a young smalltown boy full of imagination. It is also worth mentioning the important relationship between Fellini with the comic book world. It is a known fact that young Federico doesn’t come to Rome to be a movie director, but to draw stories, holding onto the dream of collaborating with the well renown magazine Marc’Aurelio. He goes from drawings to scripts and from there to writing comedy theatre, writing for the radio and, finally, for cinema. Nonetheless, he will never quit drawing for his movies nor being a passionate reader of every adult comic book publishing that surface over the next decades until his final days.

Experience Living with the rest of grant holders, artists as well as researchers, has undoubtedly nurtured my practice, given the high level of work accomplished by each and every one of them, and inevitably, even more so, by the relationship between their work and the city of Rome. In the same way, many of the visits of profesionals that we enjoyed has influenced me. Maybe the most remarkable was the discreet visit from the artist Pilar Moreno, with whom, by chance, I discovered, and was amazed by, her three-dimensional collage artwork, at the same time as she, after reading my books, became very interested in the comic book world and showed interest on doing a project in that area, considering the means she thought it had for transmitting and communicating. The idea of making small collages of cut figures in cardboard boxes came to me after this encounter, with the intention of photographing them and, somehow, including them in the final book. The idea is to play with light and space as a movie director would, as Fellini would, whose entire work was filmed in the Cinecittá studios, where he recreates, with great plastic beauty, cities as well as natural phenomenon. These collages have also been used for the shows at Open Studios and in the present exhibit, next to the rest of the artwork.

tytoalba.co/ blog-tyto-alba.blogspot.com.es/ www.facebook.com/tyto.alba1 kutanda@gmail.com

El Gran Banquete El Gran Banquete (The Great Feast) is an installation that mixes paint and sculpture to represent the current food systems and the society that generates them, as an invitation to reflect on some of the aspects that eating implies today. Eating, aside from being a basic necessity for the human being, is an expression of the self and the social group, of the exchange between man and their environment, this is why, through food, we can get closer to everything concerning the human being. As a starting point, the project considers the Roman feasts, establishing a comparison between the last era of the Roman Empire, the period of decadence, which is also the period of the great feasts, and our present days, also a time of crisis, in which, nonetheless, great excesses are plentiful. The installation represents a contemporary triclinium, where the central piece is made of a big table in a “U” shape, over which a tempting banquet is presented. Nonetheless, it is a funeral feast, in which all the food is black, as it simulates burnt food; food that has lost its nutritional value and, what is more, has turned toxic. This black feast also represents an emotional state, one that humans identify within our current society, referring to the “bile nera”, talking about melancholy, of a confused and disoriented fellow diner. This idea is completed with the largescale drawings surrounding the feast simulating mural paintings, where we can find a human apothecary, where the human being appears fragmented, broken.

Experience These nine months living and creating in Rome and in the Academy of Spain have been a crucial moment in my trajectory, as it has given me the chance of distancing myself from my daily practice and has allowed me perspective to see all the work I have done. It has also been a cleansing exercise, liberating me from the routines that progressively constrict us. The fact that I’m so far away from my familiar environment, away from everyday matters and concerns that sometimes interfere and limit the artistic practice so much, has meant an opening, a refocusing of the eye. Something that has been powered by living with other artists and researchers in such a tight community, sharing experiences, debating ideas, getting closer to the creative process from very different and diverse angle; obtaining, on one hand, feedback from other residents, to the great extent which this implies; and, on the other hand, feeling involved in the development of other creative processes and different research pertaining to others, thus, it is safe to say that we have lived every process from its core, not our own, but through the other’s, much more enlightening. And the entire team’s effort, helping us to successfully develop our work, interceding between the residents and the cultural agents in the city, together with their help to solve any kind of day-to-day issue, has been vital.

www.rosaliabanet.com

LOS BRAVÚ

Process

IRENE CANTERO

Process

Dea Gómez (Salamanca, 1989) and Diego Omil (Pontevedra, 1988), both licensed in Fine Arts at the University of Salamanca, have been working together since 2012 under the name “Los Bravú” (The Bravú)), Galician word for referencing the animal smell. They have developed a multidisciplinary career structured by the comic book as the main tool for expression. They have published various titles in this field with Fulgencio Pimentel editorial, where their last work, “MUJER!” (“WOMAN!”) (2016) is noteworthy, as well as collaborations with other editorials such as Apa-Apa or Fosfatina and numerous auto-edited publishings. Regarding their pictorial and sculptural work, they have shown in galleries and international festivals, like El Parche in Bogotá, FIBD in Angoulême, JUSTMAD or Estampa. Their artwork has been praised with prominent awards and grants such as INJUVE or the residency in la Maison des auteurs in Angoulême.

During the first weeks in Rome, after an expected period of adaptation to the city and the institution, we put forward the general work ideas and a calendar to see them through. Nonetheless, in November we were thankful for the invitation by management to participate in the exposition space in the Academy together with the other residents in the comic book discipline. Consistent with the line of work of the project, we took the opportunity of creating a painting inspired by the formal values of the comic book, which supposed a qualitative jump out of our comfort zone, from the publishable pages to a large-scale artefact for exhibition. This exercise allowed us to establish a strong bond of communication with other residents of different plastic disciplines to do with pictorial methods and practices. Taking advantage of this context and, as residents we had the possibility of free access to the museums of Rome, we started studying the old classic Italian painters to enroot the Classic archetypes with the Contemporary graphic and our previous imaginary trademark. Considering the transmedia narrative as a main characteristic of the millennial generation, we have developed a series of sculptures and videos, parallel to the paintings. Different art mechanisms, which converse within the same story. We reached June with an unexpected and heterogeneous productivity that ventures the beginning of an exciting new period.

My artistic practice involves the languages of the body -choreography, interpretation and pedagogyand light –design of lighting-. I understand artistic practice as a place of study and experimentation in order to help understand the context in which we are surrounded. Licensed in Stage Design and Choreography. I have obtained creation and research grants such as Danceweb-Impulstanz Grant Viena, Aid for the production INJUVE, resident artist in the Spanish Royal Academy in Rome, artist in residency in the Casa Encedida and the Dos de Mayo Art Center. I direct something called EN PROFUNDIDAD where I explore a way of understanding dance through trans-self-restraint and endurance. We have presented works in Matadero Madrid, International Dance Festival of Italica, Seville; differenti Sensazioni Festival, Biella, Italia; Fringe, Stockholm; Danzamos Festival, Madrid; Spanish Royal Academy in Rome, etc. I work in other realities always embodied in the live arts: collaborating with various companies and independent artists who sustain a line between contemporary dance, performance and the hybrid genres.

I arrive to the academy for the first time and I tell myself: “Irene, try to never forget this sensation”. The academy rises over the entire city and the cold winter sun hits every one of its windows reimbursing me with an overwhelming paradise. It wasn’t my first intention to focus my eyes almost exclusively on the natural light but that is what happened, as the Sun is the prime source of light and I decided to start from the beginning and because the light of Rome is radical in regard to its power and interactions with space. The layers of time which conform the city are bathed by the light in the same manner as when they were conceived. Each period treated and manipulated light obeying their beliefs and aesthetic parameters and now we can observe all those lights and read them in both, in their original meaning -or the meaning we believe as original- and the one given by our contemporary conception. Thus, in each space of the city, where already continuities and discontinuities of every period are overlapped, the light enters into play overlapping all which was already there. This light is what guided us to observe it, and made us want to understand, to accompany and manipulate some of its behaviours. Embarking on this journey are: Luz Prado, David Benito, Roberto Baldinelli, Elena Córdoba, Álvaro Cantero and myself.

Ese extraño flow / Questo strano flusso Very early on we decided that we would treat the graphic part of our comics from the logic of painting, a not very common resource in this field. Apart from granting added value to the page as an exhibition piece, it generates certain problems, allowing us to extract significant conclusions not only formally, but also as we enter into new conceptual territories. Nonetheless, after some years of experience in the alternative contemporary comic, we feel the necessity of using different art disciplines, which would allow us to explore further interests. During our residency in the Academy we have been working on a multidisciplinary project that reflects the rupture of the traditional tale through aesthetic and narrative resources that have emerged and developed within the limits of the Internet, as well as a process of researching the relationship between the comic book and other art disciplines, interacting with other sources and giving as a result a dialogue between paint, sculpture, video and comic. In the face of the cognizant danger that the supremacy of the image will sentence our artwork to an assumed frivolity, we find ourselves pushed to go deeper into the description of a generational portrait, which will evidence the new realities of our time. To achieve this, we have found it ideal to work with portraits of young people, especially women, with a strong iconography based on the images uploaded to the social media and which demonstrate the enormous overload of inputs of the society of our time. These portraits are, at the same time, influenced by the classic proportions of the Italian Quattrocento, a pictorial style strongly rooted in the design and capturing their times.

Experience We have found ourselves living in a vivid Institution that offers an intense agenda of cultural activity. But out of all the different initiatives, I would highlight the enriching visits of the professionals of the world of culture who generously shared their time and experience with us. An excellently organized program coordinated by Miguel Cabezas, facilitating the access to people of the art scene who have enriched our experience and with whom, sometimes, we have given seed to future collaborations. With our resident colleagues, we have created unforgettable bonds, friendships from which we learn and receive advice. Artists who have transformed us into daily witnesses of the development of their projects in their studios. Researchers, kind and humble, who have infused us with their knowledge. We finished our stay in Rome charged with future projects, which will see the light in the forthcoming months. Amid them, the most exciting are those that sprung from the living experience and friendship, such as the invitation of Santiago Ydáñez to do a solo exhibition in his hometown, Xose Prieto as the curator and with Miki Leal as the master of ceremonies. ome is a radiant city, full of hospitable people who have definitely made their mark on our present and future artwork.

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Dum lucem habetis / Mentre avete la luce / Mientras tenéis la luz

Dum lucem habetis –mientras tenéis la luz– (while you Experience have the light) is the beginning of a verse by Saint John. Mientras Makes us think about the duration – how long does that “mientras” (while) last?, while “Building the floor you are going to work on is a great starting point.” December 20th. “Making a place, a what happens?- tenéis (you have) mentions the body comfortable space in which to be in. Where you feel itself, the “you” -where do we have the light?, inside at ease, where you want to stay, a practice of caring, our body?- and la luz (the light) offers us a journey where you can drink a hot beverage if it is cold, somebetween the physical and the spiritual being -what thing cool if it is hot. You can talk, read, you don’t happens while you have the light?, and after?-. Light is the physical agent that makes objects visible. have to be contemplating all the time. How can we Light is as much a physical reality as it is metaphys- enter there? I don’t want darkness, not all the time because, with light, the passage becomes easier and ical. But the light is also the inner empty space of our cavities or body organs. “Light” is what the anat- possible.” January 18th. “If only my body could do what my voice does I would be another person” Niño omists called the spaces that give entrance to the de Elche.” February 22nd. “Remember that someinside of the body, they gave the unknown territory of times the presence of the tale is more powerful than our inner selves light. “En el interior del cuerpo hay luz” (“There is light in- having seen it in real life”. David. He takes care of us on stage. “Don’t burn yourself” “Don’t fall.” March side our body”) is one of our starting premises. Is 1st. “They give you time here, like an artistic routine.” it possible for the light of our body to overflow? Is March 8th. “David and Elena did their own thing and it possible to make the inner landscape of the body Luz and I rehearsed various things in the garden. transparent? Miki cooked rice again for all of us. We went to the crypt but it was cold and the body did not respond well at all. Elena says that once she starts working she wouldn’t even notice an earthquake.” April 27th. “What have you discovered in Rome that you didn’t already know? Is it an easy city? Is it harsh or warm?” Jordi Colomer, May 17th. “And it is very pretty and the meat is ready.” May 31st. In the Spanish Academy in Rome, they give you time, space and economic conditions. However, without the first two, the third would have no meaning. I woke up every morning of those months immensely grateful. I can say, without having yet assimilated the experience that I have profoundly changed.

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JOAN CASARAMONA GUAL Joan Casaramona Gual (Barcelona, 1988) Licensed in Illustration and Graphic Design at the Escola Massana in Barcelona. He works in various fields of visual creation, moving in between disciplines such as illustration, comic book, graphic arts and animation, with a special interest for the narrative and drawing.

Una novelita gráfica lumpen (A little novelita lumpen) Roberto Bolaño’s A little novelita lumpen, shows us a suburban and strange Rome from the perspective of a young orphan teenager. With the book as a starting point, the goal of this project is to explore the limits between the written language and visual language, analyzing the limits of drawing as a writing method, and to debate the role of illustration in relation with literature. Feeding off this analysis, the project wants to translate the personal reading of the novel into the language of drawing; maybe these words of the illustrator Arnal Ballester may help us define the process: “And that something is in reality what I have illustrated. Not the story in itself but all the waves it provokes. Every time I understand that to be my job as an illustrator. I like to illustrate the effects of reading, not so much as the text.”

Process The project evolved greatly upon arrival to the Academy and Rome: the previous approach, planned according to a work situation that abbreviated the duration of the grant, consisted of making two chapters –out of 16- of the graphic adaptation of the novel. In Rome, thanks to the richness of the surroundings, scholars and all the RAER team, the adaptation naturally derived into something more complex. The creative freedom offered by the Academy allowed for a higher level of commitment to the project, fearlessly diving into it, based on the novel, on the relationship between the word and the image, the problem of graphic adaptation of literary texts and the use of drawing as a language. Experience It is difficult to talk about the experience in the Academy without using a more natural language. This project, still going on, would not be possible without the help of every grant holder and the staff team in RAER. Regarding the grant holder group, three cases of interaction as an example, as they are in relation to the project: late night conversations with the writer Juan Gómez Bárcena, sharing experiences as readers of Bolaño, debates with Dea Gómez and Diego Omil, The Bravú, concerning the frontiers between literature, comic book and narrative, or witnessing up close the creative process of the photographer Jesús Madriñan, who encouraged me to document the places that appear in the novel with a disposable camera.

CARLOS HIGINIO ESTEBAN [CARLOS CARTAMA] An architect by the Technical College of Madrid, ETSAM (2003). Multidisciplinary. Interested in the transformation of the suburban landscape, in the insertion of the artificial into the natural, in the industrial process, in the processes of construction and destruction and, ultimately, the relation between human activity and the means in which it is developed. As an architect he is responsible for numerous projects of urban renewal, Ecosur Prize of Sustainable Architecture (Havana) with a non-residential land project in Mopti (Mali), European IX Prize (Gyor) with an industrial transformation project and COAM Opera Prima Prize (Madrid). He has worked on large-scale urban projects with Ateliers Jean Nouvel (MNCARS, Madrid) and Herzog of Meuron (BBVA, Madrid); Unterlinden Museum, Colmar; M+, Hong Kong, Lux Cultural Center, Sao Paolo. His work has been shown on a national and international level in Madrid (COAM), Barcelona (IIC Italian Institute), Amposta (Lo Pati, BIAM), Venice (Biennial of Architecture), Mumbai (Sakshi Gallery), Guadalajara, MX (Artere-A) or Copenhaguen (CPF, Copenhaguen photo), among others, and has received grants and awards from the Community of Madrid, Ministry of Culture in Spain, ArteLaguna (Venice), AMEXCID Mexican Cooperation Agency and recently the AADK Spain (Aktuelle Architektur Der Kultur). Previous to his incorporation to the Spanish Royal Academy in Rome he collaborated on the construction site of the Norman Foster Foundation headquarters in Madrid and has been selected as a winner of the contest for the new appearance of the Underground station of Chueca in Madrid.

Process Rome 167/62 is an investigative artistic project about a particular modern Rome and the circumstances and consequences which generated the morphology we currently recognize in many of the suburbs. This project has its origins in a previous work regarding the initiatives of the Autonomous Institute of Case Popolare (IACP), afterwards ATER (Azienda Territoraile per l’Edilizia Residenziale) and with a special focus on the big sessions made during the decades of the 60s and 70s regarding the Law 167 and as a result of the approval in 1964 of the Piano Per l’Edizia Economica e Popolare. Trying to hold back on land costs, was one way of substantiating these big interventions that were often executed in a destructive context in relation to the city that they wanted to encompass. Next, finance problems, the scope of the projects, its unfavorable specific location or the homogeneous population group and the excessively poor way in which they were generally managed, facilitated, in one way or the other, the appearance of social conflict which in some cases have been solved over time and in some there is clearly still room for improvement. The urban interventions that took place over those years had a great social and emotional impact on the city, which persist to this day and whether they are suitable or inconvenient, have virtues or lack them remain a subject of controversy. Roma 167/62 is an audiovisual format project, which works as a choir of voices comprised of the collected testimonies of different collectives such as the political, academic and professional collectives and lastly, the beneficiaries of the building of the houses: local residents.

Roma 167/62 Throughout the 60s and 70s in the area encompassing Rome, urbanistic projects were approached under the law 167/62, and were considered extraordinarily ambitious insofar as the amount and quality of planned housing projects. Promptly many of the ideals and aspirations of the project managers with strictly economic, political interests converged with the legal requirements enabling these projects. The sum of ideological, project, political and economic factors resulted in works of great architectural and urban value. The projects, nonetheless, and in many cases even before their finalization, started to quickly show signs of trouble, especially where the creators had invested more emphasis and interest, this was the creation of a new society that would benefit from a new conception of urban space. Rome 167/62 wants to explore precisely the relation between exemplary planning that drives to the conception and execution of these urban developments and the result therein. joan_cg@hotmail.com joancasaramona.tumblr.com

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LAURA F. GIBELLINI

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Laura F. Gibellini, PhD in Fine Arts (UCM, 2010), plastic artist and professor at the School of Visual Arts of New York and for the official degree of Fine Arts TAI-University of King Juan Carlos in Madrid. Gibellini’s work has been shown internationally both in solo and collective projects in spaces such as CCCB. Contemporary Culture Center of Barcelona; El Museo de Los Sures, New York; Carpe Diem. Arte e Pesquisa, Lisbon; Boston Center for the Arts, Boston; ICI, ISCP, Artist Space and Anthology Film Archives of New York; in Matadero Madrid and in galleries such as the AC Institute of New York, Slowtrack in Madrid, Antonia de Barnola in Barcelona or Le Cube of Rabat. In 2013 she finished her first permanent Public Art project “DOM (Variotions)” under the management of MTA Arts for Transit & Urban Design (New York). Gibellini has been an artist in residence at The Banff Center for Arts and Creativity of Alberta, Canada, last winter. Her most recent show, Meditaciones Atmosféricas. Antes del present (338U-710U) (Atmospheric Meditations. Before the Present (338U-710U)) is accompanied by published drawings edited by NocaPaper and Slowtrack in its Spanish version, and by Publication Studio Hudson in its American version.

Atmósferas… is one more step in research concerning the visibility of air and water through the basic elements of representation and considers drawing as a fundamental way of making a mark. If I had previously used short lines to reference snow falling from the sky as the fundamental materialization of the air, when I arrived in Rome my signature marking evolved into an interrupted line with a radial origin. This comes from the observation of the materialization of air through light, which turns into the essential way of visualization of the Roman air -apart from having an intrinsic link with the measurement of time (calculated in relation to the space covered at the speed of light and is also the degree of incision of the Sun on Earth which is what organizes the division of time on earth upon which we organize ourselves)-. Three core elements have guided my work: Agrippa’s Pantheon, conceived as a sundial, the light filtered through Roman trees, and the different meridians of the city. My investigation longs to be translated into large-scale drawings and occupy different formats and is geared towards being materialized as an installation with an atmospheric character that breaks with the traditional frontal viewing of the drawing. If I may add, my stay in The Banff Center of Alberta has supposed a great advancement in this sense, as it has favoured thoughts outside of any framework, catalyzing in a more immersive work with a less frontal character which has occupied my plastic and conceptual development in Rome.

Atmosfere e Interruzioni On the premise of the relation between air and the measurement of time, Atmósferas e Interrupciones (Atmospheres and Interruptions) researches, through drawing and video, the atmospheric and weather conditions of the city of Rome. This project is a part of a larger body of work in which I have been concerning myself on the visualization of the basic elements in life, air and water, through very basic elements of representation, the dot, the line and colour. Air and water, both, occupy a space that has been de-territorialized and both lack direct representation on the maps. Similarly, time is regarded on the premise of how it is measured and according to a linear and geometric development dissociated from the space it occupies. Atmósferas e Interrupciones is based on the study of Roman light, on one hand owing to its intrinsic relation of air, light and the measurement of time and, and on the other hand, owing to the importance that it holds in the city. Part of the goal of this project is to ask one-self about the interruptions or absence of representation and on how the non-represented (the fluid, the oceanlike and the temporary) remain non-recognized and how the non-recognized is therefore unthinkable. This project is about, ultimately, a reflection of the capacity of Art to generate the conditions to think and imagine, that which seems, still, inconceivable.

Experience My time in RAER has been, among many other things, an immense professional and self-enriching experience fostered by contact with great colleagues, as well as with the workers of the centre and with guests of great value, as well as for the possibility of working in a favourable environment, protected and profoundly respectful. Conceptual and aesthetic affinities have favoured synergies amongst some of the grant holders, which have meant a fundamental reinforcement on a personal and professional level, which I think, are manifested through the enriching bonds of some of the works. Furthermore, it’s important to point out the possibility of consolidating professional life outside the Academy with the stay inside the Academy, as one and the other have been vitally intertwining and supplementing each other reinforcing the quality and rigour of the work developed during the residency. In my particular case, my stay in the Banff Center, as well as a solo show in Madrid, have not only been a great advancement in my research, but an assertion of the interest involving the work carried out.

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SANTIAGO GIRALDA Licensed in Fine Arts and a Masters degree in Art, Creation and Research at the Complutense University of Madrid. He is as well a Postgraduate at the Hochschule fur bildende Kunste of Hamburg. His works have been internationally exhibited in countries such as The United States, Germany, Colombia, Peru, and The United Kingdom, in festivals such as ARCO (2014, 2015, 2016), ARTBogotá (2016), ARTLima (2016), Expochicago (2014). He has been awarded in numerous contests, among which are: Generaciones de Caja Madrid (2013, 2008), Circuitos de Artes Plásticas Comunidad de Madrid (2012) and Injuve (2008). Among his solo shows, are highlighted: “Dejar hacer a la sombra” (Allowing the shadow to be made) (Moisés Pérez Albéniz Gallery, 2015), “Interior-Exterior” (Exposition room of the Youth Art Center, Community of Madrid, 2009), “Outsider” (Oel-Frueh Gallery, Hamburg, 2007). Among his numerous collective shows figure “Rugged Terrain”(BetaPictoris Gallery, Alabama, EE. UU., 2016). “2014/ Antes de irse. 40 ideas sobre pintura” (2014/Before going. 40 ideas about paint) (Contemporary Art Museaum, MAC, La Coruña, 2013), “Presente Continuo” (Continuous Present) (Conde Duque Art Center, Madrid, 2013), “Art Situacions” (Da2, Salamanca; Patio Herreriano Museum, Valladolid, 2012), “Para Bamila Josuanse / Un paisaje a la sombra” (For Bamila Josuanse / A landscape in the shadow) (Centro de Historias, Zaragoza), XII Mostra Internacional Gas Natural Fenosa (MACUF, La Coruña, 2012), “25 Años de la Muestra de Arte Injuve” (25 Years of the Art Showing in Arte Injuve) (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2010). His artwork is present in private art collections and institutions, among these, The Ministry of Culture, Macuf, DKV and Caja Madrid.

Viaggio a Roma My project takes form from my encounter with a Turner painting, Rome, from Mount Aventine, 1835. On his first trip to Rome, Turner made a sketchbook about the city and called it Roman Tour. In his time, Rome was still a city of required visit for painters and would go on to be considered as the city in which the new conceptions of landscape painting would be established. My proposal starts with this idea of travelling in search of new realities and spiritual development as a source of inspiration. And of course of Rome, as a meeting place for tradition and the coexistence of new ideas. I consider the landscape as a cultural construct. My intention is to make a project that offers a contemporary perspective on the landscape, confronting the characteristics of the modern-day city with those of its history and the different pictorial traditions that have developed over time. Making the most out of my stay in the city, I will make a series of paintings with which I intend to reflect on the landscape, confronting the collective imagination built through the countless representations of the city throughout history, with the personal experience of having travelled to Rome and the experience of its territory.

Process Once having arrived in Rome, I established a working process based on the exploration of those picturesque places, which were crucial for the development of my proposal. Nonetheless, after a while and once settled in, I understood that my first approach did not live up to the experience I was living. I, therefore, consider that the most enriching part has been the change that the project has experimented with the passing months. Now I feel that the city, which initially should have been the main subject of my paintings, has been fading away to become a stage upon which to reflect on my position in regards to painting and the different aspects which have been shaping my practice. Somehow, Rome has meant a re-encounter with artworks and artists, which have been fundamental in my training as a painter and, through reviewing them, I have also reconsidered my own work. My research process, in contrast with the one I followed in previous works, has been based on, mainly, making the most out of my “in situ” experience of the landscapes which I intended to draw. This way, I started out with images taken by me, experimenting with different techniques and, overall, allowing myself to be guided by the emotional impulses that these places gave me. In the end, I recognize that the intention with this series of paintings has been one of corresponding this introspective process Rome has meant for me. Where the inner journey has proven a key factor.

Experience I knew of the official convocation and had references from friends who were grant holders in the Academy in previous years. Initially, the Academy was presented as an institution for the Art, but nonetheless, seemed to be a little out of the loop in current art. I would like to point out the current attitude of the Academy mirrored by the staff who continuously work to ensure a space that, in addition of supporting research and the artistic production of the residents, is granting visibility to their works and fomenting relations with the different cultural agents in the art world. In this sense, throughout the year a noteworthy program of visiting guests has been developed. Meetings, conferences and different activities were programmed. Moreover, we have received in our studios important museum directors, gallerists, curators and artists. Upon my arrival to the Academy, I found the ideal context in which to develop my artistic project. I couldn’t have imagined, however, it being a place so open for experimentation, thinking and, above all, for learning. Now that my stay is reaching its end, I acknowledge that I had never thought that this time would be so rich in motivation, and I am thankful for the extraordinary influence of my colleagues. The experience of living with a group of people who dedicate their effort and talent to culture, in a place where research and artistic creation are valued, has been a great privilege.

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JUAN GÓMEZ BÁRCENA

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MERCEDES JAÉN RUIZ

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Juan Gómez Bárcena (Santander, 1984) is licensed in Literature Theory and Compared Literature (Complutense University of Madrid), in Philosophy (UNED) and in History (Complutense University of Madrid). He has published the novel El cielo de Lima (Lima’s sky) (Salto de Página, 2014), with which he obtained the Ojo Crítico Prize from RNE of Spain, the City of Alcala Award and the Sintagma Award for best book in the Reader’s choice category. It has also been translated or is in the process of translation into English, Italian, Portuguese, German, Greek and Dutch. His story book Los que duermen (The ones who sleep) (Salto de Página, 2012), has been considered one of the best debuts in 2012 by El Cultural of El Mundo (Spanish newspaper), and received the award La Tormenta for best new author. Nowadays he has just published his third book, Kanada (Sexto Piso, 2017).

The writing of Ovidio en el Ponto entailed two main challenges. Firstly, it was vital in transforming Ovid’s exile into a source for reflection about our present, transcending, in so doing, a mere historical recreation: as always in my books, the past must be transformed into an excuse to question the present. Secondly, the election of the drama gender obliged me to experiment with new forms of expression, away from my comfort zone as a creator -narrative, and specifically the novel-. In order to overcome both challenges it was fundamental to take on a time consuming documentation process, which enabled me, on one hand, to analyze the transformation of the concept of barbarism over the centuries and on the other, to read a good number of plays, thus finding the tools and resources which would later on become of use during my writing phase. Lastly, a short trip to Constanza (Romania) and the coast of the Black Sea, the most probable destination of Ovid’s exile, helped me build the ambience of the play.

Elche, 1973. Degree in Industrial and Graphic Design by the University CEU Cardenal Herrera (Valencia). After being awarded the grant IMPIVA of industrial design, she does her Masters Degree in Domus Academy in Milan (Italy). She worked in Spain with Punt and Pepe Gimeno, and subsequently in Italy with the Sottsass Associati, Defne Koz, David Chiperfield Architects y Michele De Lucchi, developing projects in the field of industrial and graphic design. In the year 2000, she was a resident of Takumi Studio, Gifu (Japan). Among other awards, she has received the Light Exhibition Design (Milán, 2009), National Award for Non-Boring Designs (Murcia, 2003), Injuve award in the Design category (Madrid, 2003), 3rd in the “Porada International Design Award” (Italy, 2002) or Silver prize “1st International Carpet Design Competition” (Japan, 1999).

I started with the study of objects from Ancient Rome creating a mental collection of different typologies, materials and techniques. I, therefore, visited museums in cities like Rome, London, Valencia and Pompey, as well as archaeological sites and libraries. Soon the subject of my study was amplified until reaching the Etruscan civilization, previous to Rome; a mysterious culture in which objects were full of great symbolism. With these visits, little by little, I started coming up with subjects that interested me. Etruscan mirrors especially called my attention, for their symbolism as much as for the intimate link they established with their owner: after all, they were unique objects with which often their owners chose to be buried at the end of their lives. Etruscan and Roman mirrors, but mainly Etruscan, because of their symbolism and their unity with whom possessed them, being objects they used as gifts, and were destined for one specific person, unique objects with which their owners would be buried. Other subjects I have investigated are gold glass and funerary urns and votive offerings. In this process of absorption and transformation, the first project that started coming to life was the design of a table mirror.

Ovidio nel Ponto In the year 8 A.D. Publious Ovid Naso had been exiled by the order of Augustus to the far Tomis (Constanza, Romania), to the limits of the Roman Empire. There he would find himself forced to live until his death with the barbarians, whom, as a Roman, he had feared and despised. His exile literature, The Tristia, is the testimony of this surprising anthropological shock: a shock in which everything -his language, his belief, his own identity- would be questioned. The play Ovidio en el Ponto (Ovid in Pontus) candidly recreates this historic episode through the dialogue between Ovid and his geta servant. An encounter full of misunderstandings, of silence, of the slow discovery of the culture of the other, from which none of them would return as themselves. From a point of view that owes plenty to postcolonial philosophy, Ovid in Pontus proposes to relativize the concepts of civilization and barbarity, which nowadays are still dangerously active in our way of perceiving the world. Aquí el bárbaro soy yo, porque ninguno me entiende, y los estólidos getas se ríen al oír mis palabras latinas (Tristes, Libro V). Here I am the barbarian, because nobody understands me, and the foolish getas laugh when they hear my latin words (The Tristia, Book V).

Experience An Art scholarship must not only aspire to give the ideal conditions in order to create. It is also an opportunity to give us enlightening experiences as artists and as people: to meet people, places, and circumstances that oblige us to round off our creative process, taking us to unexplored places. This is, in my case, what happened during my stay in the Academy of Spain. The experience of living in Rome, and especially the relationship with colleagues from other artistic disciplines, has helped me to cross-examine my own creative process and to incorporate in my writing thoughts on subjects as diverse as photography, paint or the comic book. I am not sure about how this contamination has affected Ovidio en el Ponto, nor do I know how it may redound in collaborations with other artists in the future, but I suspect that my time in the Academy of Spain has not only moulded my present work but my own personality as a writer

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Tema e variazioni The project “Tema y variaciones” (Subject and variations) emanates from the study of decorative, ritual and day to day objects of Ancient Rome through the analysis of archaeological remains, focusing on the use of the material and the manufacturing process. Subsequently, this analysis is considered as the starting point for the development of a collection or collections of objects with the concept of subject and variations used in music. Parallel to this and by doing some fieldwork, an epitaph catalogue is going to be made and other Roman calligraphic incisions with the frotage technique.

Experience Being a resident of the Academy has granted me a moment of rebirth. Living in Rome, after a long stay in Milan, has brought me closer to my Mediterranean origins where light is predominant, the sky is blue and the weather is kind. Being able to see Rome from the top, all bathed from gold to pink at dusk touches me deeply every time I see it, as well as wandering around its ruins, its fountains and its powerful pine trees. All this is part of a special ecosystem where beauty and slowness are central. Having time and freedom to absorb, pry, discover, wander and learn helps this moment of growth. But what was most enlightening was living with my colleagues, professionals from different disciplines and places, together in one same place, a monastery in which we shared our projects and day to day life; to see how the work of my colleagues changed and evolved was a constant gift. The heart of this place has been the kitchen, a place where each one of us has added their bit, some cooking, others cleaning up, others making us constantly laugh and others just simply being there. We have also danced, shared music, video and many guests who have offered their time and knowledge. We have been able to enter in other academies which have opened many doors to different environments: American, British, French, German and Swiss with whom I have also shared special moments. A key factor in this experience was the support from each and every one of its components, from top to bottom, from left to right.

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DAVID JIMÉNEZ

Process

AITOR LARA

Process

With a degree in Fine Arts at the Complutense University of Madrid (UCM). He has developed projects in the field of photography for 25 years. His work, in book format, shows and audiovisual projections, has been showcased in many Spanish cities and outside Spain, like the Nederlands Foto Instituut of Rotterdam, the Photography Festival of Arles, Staffordshire University, the Seoul Photo Festival, the National Library of Colombia in Bogota or the Changjiang International Photography and Video Biennale in China. He received the award Fotógrafo Revelación (best new photographer) in PhotoEspaña 99 and the Artes de la Villa de Madrid award in 2008. To date, he has published five monographic books, among which we can find Infinito (2000), considered as one of the best Spanish photobooks in the last decades, and Versus in 2014. His artwork is showcased in numerous public and private Spanish collections, such as Fundación MAPFRE, MACUF and the collection in Arte DKV, among others. He teaches regularly in workshops and conferences nationally and internationally. His visual proposal brings us close to the mystery surrounding the mundane, to the invisible relationships which secretly operate in that which is familiar to us. Often his art contains partially hidden key elements, which invite the viewer to build a personal interpretation of his art.

In the beginning, I was spending all my time on shooting images in different places in the city of Rome. It was a process of discovery of the direction that this work would take. Step by step I became aware of the necessity for searching for the unfinished shape and the listening of the void, which would become increasingly important in the development of the project. On the other hand I have practiced various ways of intervention over the images, especially working the light in ways that transgress the habitual canons, with the objective of achieving different effects, such as letting complete areas of the image to be veiled by light or shadow, to somehow assimilate the photography more like engravings or drawings, or producing transformations with the power of evoking the work of time over the materials and forms. The editing process is absolutely crucial here. From the close to 40.000 images I have taken up until now, exists a selection of 1.500, turned into small working copies with which I embark on a game of combination which has no potential ending. From these found echoes, lonely diptychs, triptychs and images are born, forming a compilation, which forms a whole, as if they were text or music, maybe both at the same time. Finally, the work is showcased as an exhibition project and as an authored book as well, of which a layout already exists which points to its publication in the near future.

Spain, 1974. His professional career began in 1999 when he received the Juana de Aizpuru Award in Photography. He exhibits his work in international fairs and festivals such as ARCO, ParisPhoto, OjodePez Photo Meeting or PHotoEspaña. In 2004 he was given the Ruy de Clavijo de Casa Asia research grant in order to complete a project in Uzbekistan. In 2008 he received the Award Multicultural Europe from Doctors of the World. He has published various books such as Torre de Silencio (Tower of Silence) edited in 2008 by Fundación Tres Culturas, Maestranza sobre la plaza de toros de Sevilla, from which, since 2009, the corresponding photographs have decorated the façade of the FNAC building in Seville, and Ronda Goyesca, edited by La Fábrica. He also has diverse publications in NewsWeek, Financial Times, CNN, NCB, ABC Semanal, OjodePez or Vokrug Sveta. In 2013 he was commissioned by Save the Children a project on child poverty in Spain and Endesa granted him a fellowship award of Plastic Arts for the project Dragoman. In 2014 he was granted the award OjodePez de Valores Humanos (Human Values) of PhotoEspaña and an honourable mention by UNICEF. In 2015 he did a project about the Baka pygmies in the jungle of Cameroon and published a book PhotoBolsillo. In 2016 he was granted a fellowship award from the Spanish Royal Academy and Rome for the project “Luz y razón poética” (light and poetic reason). The author takes on matters related with the identity, offering ways to interpret contemporary reality. He has worked in different countries acquiring a deeper knowledge of diverse social minorities and secret societies.

I spent various months taking photographs of the city of Rome for the project “Luz y razón poética” (Light and poetic reason) inspired by the works of María Zambrano. After a period of documentation of diverse places of interest for the project, I portrayed spaces in which the images conformed a visual language with a special emphasis on symbolic elements. Over these months, I’ve covered an intensive and labyrinth-like route through the monumental Rome, the popular neighbourhoods, the ancient Roman roads, churches and their cloisters, archaeological sites, spas, necropolis, catacombs, crypts, gardens, sanctuaries, palaces and museums. The photographs attempt to show the atmospheres hidden within those layers that time has accumulated, creating the atmosphere of mystery surrounding the ruins and the sacred. Rome possesses a face in which one may read multiple maps of meaning which I have tried to interpret in a personal and subjective manner. The images have been created from figurative elements of that reality, playing with the light, geometric forms and centres of gravity that try to conciliate those fragments of time. It has been a quest in which, through photography, I have tried to approximate the intuitive thought asserted by Zambrano in her concept of poetic reason.

Continuum The project is centred on building a poetic and fictional space with a complex over-imposition of space and time through images, creating a combination of fragments through which different echoes are generated. Many locations in Italy, and particularly in the city of Rome, contain an enormous symbolic and iconographic weight which, through these images and their particular combination has been reinterpreted, working with the resonance, the transformation and the ellipsis. Objects which depict the course of time on different levels are put together in relation, from the geological time which has drawn shapes on the rock to clouds fleeting through time, or the different shapes smoke columns make. The space, real or imaginary, is treated as the stage of the footprints of time. This is expressed in a photographic work that plays with this idea in an evocative way, not literally, as a starting point for a more in-depth analysis about notions in regard to the footprint, the fragment and the void. I have also experimented with different ways of working over the images.

Experience It is very difficult, if not impossible, to describe in a few words what the experience in the Academy has meant to us. I speak in plural because I’m sure all of us share this same feeling, but now I shall give way to the singular. I think the stay in the Academy has given us three main things above others. First of all, it has provided us with the opportunity of developing our own work of creation in the best conditions one could imagine insofar as the material at our disposal, during a time of immeasurable value and away from our daily routine. Parallel to the development of our projects, the Academy has been a place for encounter with a great number of highest-level professionals who have constantly contributed, and with whom we have had the opportunity of sharing our work in unbeatable conditions. And for the end the most exciting part. I have had the privilege of sharing this space and this time with wonderful people, who, as much as on a professional level as on a personal level, have given me so much, an authentic well of ideas and experiences. Thank you for everything. Here we have grown together as people and as artists.

www.muycerca.net/D.pdf www.muycerca.net/W.pdf muycerca@hotmail.com

Luce e ragione poetica. La Roma di María Zambrano María Zambrano is, without a doubt, the most important female figure of Spanish thought and culture from the XX century. Her work is a philosophy of the invisible, understood as a reality that exists in dreams and intuition in the form of images, symbols and metaphors. After the Civil War, Zambrano abandoned Spain to commence a very long exile from which she would return in her eighties. In the decade of 1950, she took up residence in Rome. Those years were especially fertile regarding her professional trajectory, setting the foundation for one of her most ambitious and meaningful texts: “El hombre y lo divino” (Man and the divine). In Rome she also developed the concept of unity in space and in history that she related to the cities, “Roma era una época dentro de otra” (“Rome was one era within the other”). For Zambrano, the cities had a face in which one could read multiple maps of the reality that surrounds us. “Verdad convertida en figuras” “Truth changed into figures”, saw in Rome a hermetic city, secret and made up of labyrinths, complete with signals that camouflage the sacred. Her relationship with the city was without a doubt, one of love. I aim to make a photo project inspired on the concept of poetic reason, the fundamental nucleus of thought of María Zambrano. Her fascination with Rome and its history, art and mythology is clearly perceived throughout her writings. I am especially interested in her testimony about the sacred, the ruins and the concepts of poetic reason of the invisible. Photography is poetry that provokes emotion as it is allowed to bring the world of the subtle to light.

Experience The time spent at The Academy has been a very stimulating experience both professionally and on a private level. Living with a group made up of the management and the administrative team, as well as fellow research and artist grant holders, constitutes a fundamental part of my experience in The Spanish Royal Academy in Rome. The personality of the group formed this year, multidisciplinary, dynamic, generous and empathetic, made way for a climate of professional and humane synergy in which many experiences and common interests were shared. The Academy is a center of investigation and contemporary creation with a unique format. It is an invitation to researchers and artists to a residency and space under the patronage of the state, thought up for the development of projects in one of the cradles of occidental civilization. Personally, the Program of Visitors that the Academy held throughout the year was especially interesting. The management team, whose role was to form and bring the group together, facilitating the work of each one of us and attentive to need, generated an environment of trust and freedom hence ensuring a very productive time at the Academy of Rome.

www.aitorlara.com aitorlara@gmail.com

SANTIAGO LARA

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MIKI LEAL

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Tomelloso, 1975. PhD in Fine Arts at the Complutense University of Madrid. He has done numerous international exhibitions such as “Project Space Pop;68” in the Gallery Ruttkowski; 68 of Cologne, the Saatchi Gallery in London, The Bethanien Kunstraum Kreuzberg of Berlin, in the San Ildefonso Museum of Mexico D.F., and the Project “Circo” (Circus) in La Habana or in the Anvil Center of Vancouver. He has participated in numerous national exhibits as well as in art fairs such as Arco, Just Madrid, Arte Santander and Arte Lisboa. Among his honorable mentions and awards it is worth mentioning the scholarship to the Spanish Royal Academy in Rome, the grant of Casa de Velázquez, funding for the production 2009 of LABoral Centro de Arte, residency in the Kunstlerhaus Glogauer of Berlin, a Training Grant for artists of Cajastur, The Exhibition of Plastic Arts of the Principado de Asturias, Primer Premio de Pintura (The First Place Painting)”Antonio López García”, First Prize Arte40, First Prize of Painting of Villaviciosa, etc.

È al Gianicolo, antica porta di Roma, che iniziavano tutte le battaglie, un luogo che rappresenta l’inizio e la fine, dedicato al dio Giano, rappresentato con due volti. È da questo luogo che inizio il mio percorso. Nella fattispecie parto dalla cripta del Tempietto del Bramante, all’interno della stessa Real Accademia de España, per intraprendere un viaggio in diversi spazi archeologici, come la cripta Balbi, le catacombe di San Pancrazio, San Callisto, etc., la necropoli vaticana, antichi mitrei come quello sotto la basilica di San Clemente, la Domus Aurea, antiche miniere, come quella della Caffarella, etc. A livello formale ho articolato la visione sull’oltretomba basandomi sull’idea classica dell’inferno, con diverse fasi, ma connesse tra loro. Includo nell’elaborazione un racconto contemporaneo senza drammaticità, con un linguaggio pittorico molto personale. Annesso al progetto è stato montato un video che aiuta la comprensione dello stesso sul piano simbolico. Questo potenzia il progetto sul piano concettuale e ne amplifica l’influsso per quanto riguarda la diffusione sui social network, generando un discorso visivo parallelo come contributo documentaristico all’opera pittorica. Parallelamente verrà redatto un catalogo ragionato, con il quale si documenta tutta l’opera realizzata durante la mia permanenza alla RAER, con schede e collegamenti in cui vengono spiegate le origini del progetto.

Sevilla 1974. Graduate of Fine Arts at the University of Seville. Throughout his career, he has exhibited as an individual in Spanish galleries such as Rafael Ortiz (Sevilla), Fúcares (Madrid), Luis Adelantado (Valencia and Mexico), Galeria Benveniste (Madrid), F2 (Madrid), etc. He has also worked with galleries out of Spain such as Maribel López (Berlin), Track 16Gallery (Santa Monica, USA), Galleria Seno (Milan), Gallery Cosmic (Paris), etc. He has received abundant awards, one of them being BMW award for painting, in 2017. His works are exhibited in national and international museums and collections, such as RED BULL Foundation (Austria), CAAC (Sevilla), MUSAC, ARTIUM, Colección DKV, CAC Málaga, COCACOLA Foundation, National Museum Centre of Art Reina Sofia, etc. He currently lives and works in Madrid.

In the beginning, and after a “short” period of adaptation to this infinite city, I began to take routes and walks, following in the footsteps of some dandy writers (Lord Byron, Stendhal, Dickens or D’Aurevilly). Ideas and new plans came quickly and were transformed into drawings, notes or sketches. With it all, I began to have material to forge my first pictorial pieces. I continued to visit places, even changing cities to refresh myself from so much of Rome. I was in Naples, Herculano, Pompey, Florence, Siena, Arezzo, etc. All of these places were fundamental to my project. At the same time, without realizing it right away, my artwork seemed to be taking on a roman appearance. It is noteworthy that a series of tennis that I had already begun previous to my arrival in Rome came under the effects of the “Rome syndrome”. The tennis courts were changing into church altars with imitations of different types of marble. Little by little the work began to take shape, leaving aside the specific topic of the project. Things began to work and take on a pictorial dialogue between “my world” and that of the dandy, the readings, the walks, the ties, the tennis, the landscape, Rome and the PAINTING. I now believe that the project is at a happy moment, and over time, I will realize the importance of this, my Grand Tour.

Aside from his individual projects of painting, he is also part of the collective known as Laramasocoto, where he experiments on the metaphoric possibilities of technology, combined with mural painting, expanded drawing and experimental animation with the use of software in his workshop.

Catabasi All of the ancient battles initiated at Gianicolo, the ancient gates of Rome. It represented the beginning and the end, in honour of the god Jano, represented with two faces. This is where my route began. To be more exact, from the crypt of Baramante’s Tempietto, in the very womb of the Spanish Royal Academy in Rome, is where I began a voyage through different archeological spaces, such as the crypt of Balbi, the catacombs of San Pancrazio, San Calixto, etc., the Vatican necropolis, ancient mithraea as the one situated under the San Clemente basilica, la domus Aurea, ancient mines, as those of Cafarella, etc. Basing myself on the classic idea of hell, on a formal level I created a vision of the underworld, with different phases, but connected with each other. Within this vision, I have incorporated a contemporary story without drama, with a very personal and pictorial language. To facilitate the symbolic comprehension, annexe to the project, a video has been edited. This empowers the project conceptually and amplifies its influence insofar as diffusion over the media networks, generating a parallel visual discourse as documentary back up to the pictorial work. In order to document all of my work throughout my time at the RAER, an explicatory catalogue shall be edited, with files and links with further explanations to the origins of the project.

www.santilara.com www.facebook.com/santiagolara laramascoto.wordpress.com/ santiagolara1@gmail.com @santilar

Dandy a Roma: nel cuore del Grand Tour Following in the steps of Stendhal, visiting every nook described in his book, during this period of residency I shall enlighten myself with the literary works of different authors, taking notes and sketches for posterior use in the creation of pictorial works. 10 pieces in a large format shall be created where, as in a traditional “still life” one may harvest the previously mentioned readings, experiences and singular objects of this Dandy trip.

Experience Despite the fact that the space was amazing, an incomparable place to work and reflect, rich with history and steadfast relationships so important in the Italian culture, the most important aspect of the Spanish Royal Academy in Rome for me has been the residents. The experience has been extremely positive, considering the coherency, the exchange of knowledge and personal encouragement among the artists and researchers as well as the grand energy of all who have lived in this emblematic space. During my stay, a collaborative project came up with three other residents in the speciality of Painting: Santiago Ydáñez, Santiago Giralda y Miki Leal. This was a challenge for all, generating synergies and very important common grounds among the four painters. I would like to make a positive suggestion towards the future operation of the institution, respectfully and with admiration for the grand labor that the Academy is doing: that the future invitations not reflect any discrimination, however indirect, towards any artist or researcher, as on many occasions many artists (especially women) do not apply owing to the fact that the installations are not adapted for children and they may have a family (babies or small children under their care). Other academies in the Roman environment, such as the German, Swiss, French or American, offer a positive example and that aspect is taken into consideration. Supposing that every case may be worth looking into and there would be different situations, only having the natural intention to consider these matters would be positive and would enrich the good functioning and grand cultural asset that Spain cherishes in this institution. www.mikileal.net

Experience It is still difficult to appreciate what it means to have been a resident at the Academy of Spain in Rome. What I can say is that I believe that life will never be the same after having lived in Rome. It is not possible to enumerate the changes that one begins to go through. Living in a place where one finds the architectural work (Bramante’s Tempietto) that opens the way to Renaissance. Having the most beautiful views out of all of Rome (my studio is the 27th, the tower) and my bed above that of the dome of San Pedro. To be able to wake up to the chirping of the birds (many birds) at sunrise. In essence, finding yourself living in a place that seems that you do not deserve. To this, I must add the new grand family of the Academy, from Pino at the door to Simona or Roberto with the cleaning. Everyone is available to ensure that your life is made easy, and it is noticeable. For me, the kitchen was a magical place where, with collective dishes of rice, shakes with ginger and a lot of spirulina, we awoke new relationships and even new eating habits. Everything was forged in our kitchen, a continuous cultural and not so cultural debate around our “table”, always complete with good Italian broths. We reached a balance beyond what one could consider normal. In the organized meals each and every resident participated in an almost perfect chain, which as a result ensured a marvellous day, dance included. Another interesting tidbit is each one’s personal space, the studios. In the beginning, visits were received shyly, as compared to now, with the doors wide open. These visits have spurred infinite collaborations, of books, music, artistic exchanges, more meals, exhibitions and, above all, the beginning of friendships. As I said at the beginning, as things settle in and over time I hope to fully comprehend the scale of this opportunity in my life, but for now, the most meaningful part of my stay would be that of my new friends.

ANA LOMBARDÍA

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PhD in Musicology with an Outstanding Doctorate Award and an international mention (2015), Master in Hispanic Music Research (2008) and a higher education diploma in violin (2006). She is a specialist in chamber music from the period of 1650 – 1820, with an emphasis on Spanish – Italian relations. She has been a researcher at the University of La Rioja (FPU contract, Ministry of Education), in the Vivaldi Institute (Venecia) and at the Spanish Royal Academy in Rome, as well as a visiting researcher at the universities of North Carolina (USA), Cardiff (United Kingdom), Bologna and Pavia (Italy). Since 2009 she has been a member of a Research Group MECRI, and from 2016 she has worked at the Institute Complutense of Musical Sciences (Instituto Complutense de Ciencias Musicales – Universidad Complutense de Madrid), where she obtained a postdoctorate contract “Juan de la Cierva”. She has published 14 academic essays of international diffusion, among those “Corelli as a model?”, International Award of Ruspoli Music.

In the RAER I was able to comply with what I had planned for my research, however, I was also lead to new, unfamiliar learning areas, such as the dissemination and organization of concerts. During the research, I came across so many sources that I had to limit the musical analysis to the symphonies of María Luisa (especially relevant) and the study of contexts of the performance of voice and piano repertoire for the final concert. I was able to visit palaces that are normally closed to the public, it has been an unforgettable experience, and unthinkable without the backup of the RAER. The organization of the concert and the search for the sponsorship consumed much time, but the results were excellent, with two conference-concerts in the Academy and at least three external. The support of the RAER was fundamental in finding performers (who formed an excellent team) and in making the professional contacts necessary for the upcoming concerts. Without a doubt, this experience has been very useful for future projects for the recuperation of early Spanish music, to which my research is dedicated. The dissemination of the music gives further meaning to my work, closing the circle.

Son Regina, e sono amante: María Luisa de Borbón: Advocate for the musical activity of women in music and for musical exchanges between Italy and Spain (1801-1824). Son Regina, e sono amante is an inedited aria dedicated to the Infanta María Luisa de Borbón (17821824), daughter of Charles IV, by her chapel master in Rome, Filippo Moroni. This title (from a poem of Metastasio) evokes not only a social status from the dedication, named Queen of Etruria in 1801, but also her grand passion for the music as a patron, singer, pianist and even as a composer. This is proven through her large musical collection, with more than 2,000 scores originating from Madrid, Florence, Lucca and Rome, her main place of residence since 1811. This project approaches for the first time the role of María Luisa de Borbón as well as other women composers and performers in the musical life of the post-Napoleonic Italy, combining research and dissemination. On one hand, I researched the repertoire for voice and piano within the collection of Maria Luisa, considered to be typically feminine in her era, and her spaces of performance in Rome. With that, I organized a series of concert-conferences with both, the Spanish music which presumably the Infante disseminated in Rome and the Italian music that had been personally dedicated to her, including inedited pieces of other female composers. The production, with young Spanish and Italian women in charge, was premiered in the RAER and will be performed in various venues throughout Italy and Spain (20172018). On the other hand, I am preparing the critical edition of the four symphonies “a plena orquesta” composed by the infanta herself, unknown until now but are the earliest works of the genre written by a Spanish composer (upcoming release, Complutense Institute of Musical Sciences).

Experience Living in the RAER is a luxury in every sense, as much for the space and privileged location as, above all, for the great harmony among colleagues. Being at the Academy allows for individual work, but also for learning, creation and continuously sharing. This is what makes it so special. On any given day you could find an interested colleague in the kitchen, someone to share your daily dilemmas with. My work may have seemed further from that of the rest, being able to summarize it and understand what was of interest for my colleagues helped me communicate better and prepare for the dissemination of the project and, in general, to advance. What more, specific collaborations came up regarding matters of gender (Estibaliz), the use of antique maps (Claudio and Carlos), graphic material for the project (Antonia, Mercedes, Claudio, Victor and David) and the creation of photographs and videos (Carmen, Antonio and Mercedes). In addition, I must mention the enormous personal enrichment experienced from living with such healthy and positive people. We shared talks, laughs, everyday meals and even short concerts. My dormant violinist facet was activated with this environment, making me especially happy. I felt very motivated preparing pieces that my colleagues requested (Ydáñez, Suset…), improvising together (The Antonios, Miki and Bernat) and even teaching them how to play a little. Without a doubt, the best thing about this grant is the people. You have prompted the best out of me!

ucm.academia.edu/AnaLombardia

XOSE PRIETO SOUTO

Process

He teaches and researches audiovisual cultures. University professor and member of the research group TECMERIN, and has been a guest researcher in King’s College London, and Paris-Sorbonne. PhD with an international mention at the University of Carlos III of Madrid, he has a degree and postgraduate degree in Audiovisual Communication and Art History, his work develops in the intersections of both disciplines, paying special attention to the history of the media. Currently, he forms part of a Research and Development Project “Cinema and television 1986-1995: modernity and emergency of the global culture” (CSO2016-78354-P), financed by the Ministry of Economy and Competitiveness.

The project originated with previous research on the filming practices of transgression (PFT). Under this concept, reference was made to a set of heterodox film enactments and activities that took place despite the legal channels during the late Franco period and political transition. One of the most evident conclusions to which I arrived in these previous studies is that a larger understanding of the PFT was needed and it was necessary to approach this from their international relations and Italy seemed to be one of the most meaningful geographic locations that acquired these solidary processes. However, from the very beginning, different considerations seemed necessary for the project completed at the RAER. There was a change from the exclusive attention of the filming practices to what I have loosely termed forms of solidarity, proposing that the focus of the work should include cinema, but should expand beyond that and also attend other diverse expressions of creativeness propelled from anti-Francoism and the network of complicity in the Italian society. The research on the forms of solidarity began with consulting the archives and meeting some of the protagonists and professionals specialized in these matters. This way, the project began to grow, and the material of interest reached a magnitude greater than that which I had originally foreseen. Through this project, I was interested in observing the methodologic challenges that are derived from taking as an object of study the plurality of the creative means and discovering perspectives of analysis for objects that had never been approached academically. The time spent at the RAER also allowed me to articulate other methods of expression in my research process. So, during the Open Studio event, the crypt known as Espacio -1 (Space -1) was converted into the Sala Giardino (Giardino Lounge), a place in which to experiment the spatial development of these forms of solidarity.

Forms of solidarity: the framework of the Italian complicity for the Spanish cultural activism In the project, I propose a research project on the network of relationships that were kindled between the activists of the opposition of Francoism dedicated to the field of culture and Italy from the end of the sixties until the political change that Spain had midway through the seventies. Within this investigation of the creative ways of the Spanish opposition, as well as that of the solidarity development in the Italian society, the role of the cinematography in the previous historiographic stories shall be redefined and the reception circuit will be tackled.

Experience I like to consider the RAER as a centre of studies with a non-formal exchange of knowledge, inserted into the domestic dynamics of the everyday life in which there is a constant transfer of knowledge. The diversity of origin, practices, career paths and generations of people who have lived and passed through the Academy this course has enriched these processes of learning. In this context and from a mutual knowledge of the projects that were being developed, a breeding ground was generated, conducive to share common problematics and to articulate new projects that surged throughout the living experience. All of this was facilitated by the work team of the RAER, a small number, but large insofar as their institutional compromise. uc3m.academia.edu/XosePrietoSouto prietosouto@gmail.com @xprietosouto

BEATRIZ RUIBAL

VÍCTOR RESCO

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Licensed in Fine Arts, he understands fashion as a plural language through which new narrative contexts should be posed. Finding inspiration through elements of contemporary culture, his work searches to develop conceptual fashion without renouncing the profession of a tailor. Currently, he is enriching his visual identity searching out efficient means for promotion and distribution. Based in Spain, he creates fashion collections and tailor-made clothing from his workshop in Madrid. He is also busy with activities related to the world of art and design, collaborating as a stylist and a creative for theatrical productions.

During my stay at the Academy, I developed a collection of feminine fashion taken from the generic image of the army, fashionable in the thirties. I began to develop the collection through drawings without granting much definition to the designs, to be able to further investigate the material and develop textures and prints. From the first moment, I wanted to leave space for improvisation that would allow me to mould the clothing once on the mannequin. I worked a lot with the idea of torsion, destruction, deformity, abusing the fabric with excess stitching or ripping. The abuse of the fabric is not a coincidence; the purpose is to evoke the idea of age over time and the gradual destruction of our reality. The intentionality of the project is to make a literal criticism of the political and social European reality.

Diaspora MMXVII The project Diaspora has the intention of imposing the co-existence of a surrealist methodology and a fashion design, using war as the main theme. The initiative pillars of the creative process originated through the ambition of developing an army and a migratory crisis originated by war, which in turn, suggest a political reflection through design. The project is nurtured by the surrealist manifest and the work of artists such as Giorgio de Chirico, developing a design with a distinct graphic and constructive style. As well, the use of a map is relevant as a motive within a narrative and scenic context. The military reinterpretation and the references to fashion from the thirties cohabit to compose a dramatic scene. To conclude, the project establishes a dialogue between fashion and dance through the collaboration of the choreographer Michele Mastroianni and the photographer David Jiménez.

Experience Arriving and working here has been smooth and natural. The living experience with the others could not have been more human. I have good memories of my time at the academy. The institution has made me feel well regarded and capable of completing my projects. The Acamedy has enriched me and helped me acquire a realistic vision of the world of art. Trials for the fashion show DIASPORA MMXVII, June 2017.

victor.resco@gmail.com Instagram: victor_resco

Visual artist and filmmaker. She has acquired a prominent position amongst the creators of her generation for the intimate nature of her work and the detail-oriented attention to the mundane. This poetic reached a memorable authority with her project “Mother”, Official Section of PHotoEspaña 2014, En el recuerdo (Real Jardín Botánico) (Remembering – Royal Botanical Gardens), the photo book was a finalist to the Best Photograph Book of the year 2015, Spain PHE) and Greece (The Athens Photo Festival). Her movies have been selected and awarded in numerous film festivals such as Go Short Film Festival Nijmegen (Holland), Venice Experimental Cinema (Venice), TIFF Tirana (Albania), International Architecture Film Festival Belgrade (Serbia), Indian Cine Film Festival Bombay (India), among others. She has shown her work on a national and international level, Royal Botanical Garden (Madrid), Laboral (Gijón), Museum of Contemporary Art (La Coruña), Cultural Centre of Spain in Mexico, National Fine Arts Museum and Casa de las Americas (La Habana), Museum of Contemporary Art Ars Aevi (Sarajevo) or CCE Miami where she inaugurated in November 2017. Her work is featured in various collections of various institutions: Collection CA2M Community of Madrid, The Spanish National Research Council (Consejo Superior de Investigaciones Científicas, CSIC), Fundación RAC Rosón Arte Contemporáneo (España) (Foundation RAC Rosón Contemporary Art -Spain).

Process The purpose of my fellowship with a residency at the Spanish Royal Academy in Rome was the production of a documentary film. As I furthered the investigations for its production, the project widened, leading to the development of parallel subseries. Roma 1974 delves into my aesthetic search undertaken on the impossibility of recreating sharply, without gaps and devoid of contamination, the emotional memory that we build. For my work, in which I use, among other devices, the camera, which I inherited of Super 8, I tried to delay obtaining the permits which drove me to visit and record, for two days, that “no-place” of my aunt and uncle, finding, in the end, the ultimate studio. Previously I had photographed the exterior, voyeuristic like approach, tracking down the streets that my family and the rest of the creators of that community circulated, finding myself and conducting interviews with some of the members of that group or with people somehow connected. During the shooting, I took on diverse photographic series and other audiovisual productions, which, similarly, served as a logbook open to my arrival in Rome. The appropriation of the lost frames from the inherited footage or the presence of splits in the assembly of a photographic register, that challenge the criteria of objectivity always present in contemporary photography, is applied to the adventure of the necessity to recreate the fragility of a memory that, with each step, is disrupted. Experience

“Welcome home”, with these words I was greeted Roma 1974 upon arrival at the Spanish Royal Academy in Rome. Roma 1974 is brought to life through a documentary For the following seven months, the studio 3 would that reflects on the archaeology of memory. I was be my laboratory and home. A magnificent space loraised by two artists, my aunt Mercedes Ruibal and cated in the garden where I have lived with the most uncle Agustín Pérez Bellas, who kept a study in incredible views of the city. Living these months in Rome and formed part of an important artistic com- Rome has been a privilege. An opportunity to grow munity in the Trastevere, a meeting point for impor- professionally and personally. A parenthesis on a tant figures in the Italian and international culture in creative island detained by time from where I could the seventies such as Rafael Alberti, María Teresa reflect, investigate and develop my project. León, Carlo Levi, Carlo Quattrucci, Danilo Trelles or A perfect place. Here synergies are mixed among Alessandro Kokocniski, among others. artists, disciplines, chats, and a constant exchange Some years ago, I inherited some unprecedented of impressions and experiences. A small troupe in movies in Super 8, the testimonies constituted a which the artists and the team of the RAER work grand historical and personal value about that com- as one in a surprisingly perfect symbiosis. This was munity. Together with those registers, I inherited the only possible as this team of dedicated professionvery camera that those interviews were taped on. als who have encouraged us throughout our stay After dusting off the movie rolls, fragments of that with any necessity that may have come up in our prolife that I had imagined but had never seen, began jects, lead by our tireless and approachable director to appear, as if out of a time warp. I began to identify Mª Ángeles Albert. I would highlight the endeavour some of the people that I had had the opportunity to of the visits and meetings with professionals from meet during my childhood at my family home. the cultural sector to our studios. We were able to Roma 1974 establishes a dialogue with this audio- lay out our projects in a personal manner and estabvisual material in a research project and with a per- lish contacts. sonal discovery held throughout the streets, work- And Rome. I enjoyed making this city mine. I walked shops, studios and other places frequented by that seduced by the bright and dim lights of the Trasteintellectual and artistic community. I followed the vere. Taking photographs as I went. During these same steps, with the same camera that I had inherit- months, Rome was everything, discovery, doubt, ed as well as other devices, the same settings from dreams, and surprise, with all the time in the world the city of Rome, proceeding a recuperation and a to observe and create. I can hear the birds chirp as reflection on those “bright and unrecoverable days”, I write. In the Gianicolo they sing harmonically in as Alberti had described in his autobiography La ar- these last days of spring. boleda perdida. www.beatrizruibal.com info@beatrizruibal.com

ESTIBALIZ SÁDABA MURGUIA

Process

SUSET SÁNCHEZ SÁNCHEZ

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Artist, licensed in Fine Arts, Master of Research and Creation in Arte EHU/UPV. She has received grants and awards such as the Spanish Royal Academy in Rome, la Cité Interantional des Arts de Paris, Foundation of Law and Art, Diputación de Bizkaia (Provincial government of Biscay), Artium Museum, Huarte Center and the Foundation Bilbaoarte, among others. She has presented her videographic work in: TEMPLE University (Philadelphia), Cité International des Arts of Paris, Pau University (France), Akademie der Künste (Berlin), Art Museum of the Americas (Washington D.C.), MARCO Museum (Vigo), Museum MUSAC (León), Foundation Antoni Tàpies (Barcelona), Museet for Samtidskunst (Roskilde, Denmark), Cultural Center of Spain (La Paz, Santo Domingo, La Habana), King Juan Carlos I Center at NYU, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Contemporary Art Museum of Barcelona MACBA, Instituto Cervantes of Sydney, Museum Artium-Vitoria, Cultural Center of Spain in Buenos Aires, MEIAC Badajoz, Louisiana Museum, Humlebaek, Denmark.

My artistic practice has always integrated theory and feminist activism with a willingness to create networks and establish genealogy that allows me to develop a broader reflection on my work, and that allows for a network of connections, of references with other artists, in a way that the work does not remain individually isolated: I believe that these objectives have been completed in excess throughout the process of my work in this project LAS SOBRANTES (The Leftovers). During my residency at the Academy, I was able to contact and interview a series of important women who work in culture, politics and in art in the city of Rome, and that has allowed me to contextualize and frame my audiovisual project in life and in the history of the city. The texts and the words of the women who I had the immense fortune of interviewing accompanied the performances that I developed with some of my habitual collaborators: bodies of women lying in strange positions in connoted places with Roman history, some of the times in absurd ways, others pathetic or even dramatic, they “mark” the geography and history of the city with their bodies. In essence, by means of images, sound, actions, interviews and more resources used in this audiovisual work, I mean to present an alternative cartography of the city: cartography, with which the LOCI MEMORIAE of all women is claimed, ignored protagonists throughout history.

La Habana, 1977. Since 2004 she has resided and worked in Madrid. Graduate in Art History by the Faculty of Arts and Literature of the Universidad de La Habana (2000). Master of Contemporary Art History and Visual Culture at the Autónoma University of Madrid, Complutense University of Madrid and National Museum Art Center Reina Sofía (2013). Her professional practice is oriented towards curatorship and art criticism, regularly collaborating with publications specialized in culture, art and contemporary film and with diverse institutions, artistic centres and museums. Between 2006 and 2011 she curated the activity program in the Intermediae Matadero Madrid. She has been a collaborator of the studios of the artists Carlos Garaicoa (2014 – 2016) and Tania Bruguera, and coordinated the lectureship Arte de Conducta (2003-2004). In 2013 her curatorial project rumor… historias decoloniales in the Collection “La Caixa”, was one of the award winners in the first tender of Comisart, CaixaForum Barcelona. Since 2012 she has formed part of the research team Península: procesos coloniales y practicas artísticas y curatoriales. (Peninsula: colonial processes and artistic and curatorial practices). She obtained a research grant in the Exhibition Department of MNCARS (2017-2018).

Detailed research into the estate of Jorge Carruana Bances has brought on an expanded environment of tension that is divided into different stratum of theoretic and practical analysis. This implies the need to rethink the practice of research in art history -in itself or beyond- the conditions of possibility, factual and ethical limitations, as well as those derived from professional transversal practices which include curatorship, cultural management, conservation, etc. Our point of departure is the fact that this investigation consists of a circular route between the public sphere and private space, with all the entailed connotations in terms of social and political responsibility from which a wide array of topics for further study is deployed from my experience at the RAER: Administration of public resources and the transparency of the management of information and economy of the project. Negotiations with the affective biographic economy that crosses the memory of the artist and the private and vital context within the family, which has an echo in the organizational structure of the collection and the archive. Dealing with the cultural patrimony and the awareness of the epistemological and exegesis cuts that introduce these first approaches and initiatives of visibility on the work of Carruana for the practice of historiography. The excluding nature of the exhibition – the first retrospective exhibition- with so much hegemonic operation on the work of the creator, the mechanisms of invisibility that are generated on the un-exhibited. Documentation protocols and pooling of the results of the research, as well as the rights of use and distribution of the knowledge and the produced resources – pool of images, audiovisual, etc.- and the search for balance between the copyright regulations and the patrimonial rights of the Estate and accessibility of such tools that are of public domain for the knowledge of the work of the artist.

Las sobrantes. Appunti per una cartografia della città di Roma da una prospettiva di genere This videographic project offers a reflection on the difficulty of the relationship of women and public space, through the practices of video and performance. The project is centered on a piece of video in which the plot is constructed through the cross of philosophical and literary texts in which we may highlight the active roles of women in Ancient Rome, with the making and filming in video of a series of micro-performances or actions developed on the roman streets, these intend to demonstrate through the different locations and routes, how the women mobilize and decide to occupy public space to face the social chaos that surrounds them in different historical moments: in ancient times, as well as in moments that seem more familiar, such as in the feminist fights of the Second Wave in the seventies, especially intense in Italy, as well as in the current public feminist movements against patriarchal politics such as those of Berlusconi in the nineties or Trump in the current times. It is worth emphasizing the ease with which important and intellectual feminist thinkers of contemporary Italy showed their willingness to collaborate in this project. This is seen through conversations with Alessandra Bochetti, Ilaria Fraioli, Lunetta Savino, Tiziana D’Acchille, or Anna Cestelli.

Experience In my case, my experience in the Academy was short, but intense and very satisfying. Among some of the collaborative activities, I would like to highlight the Printing Workshop that we organized among various grant holders this year, thanks to the collaboration of Clara Álvarez and Encarna Cepedal: two artists who visited me those days and who helped us put the workshop into action. Over a period of ten days, in a totally disinterested way, they showed us diverse techniques, and they helped us put the entire process into motion: so, we were able to practice with monotype techniques, water color, pastel, graphite, water-based ink, acetate-based markers and print on paper, among other things. For me it was highly gratifying to see how the artists and grant holders of all disciplines actively participated in the project, what more, I believe that created a nexus among us those days. I would also like to highlight the collaboration of various colleagues in the development of my personal project, and lastly, but not for that less important, the fact that based on the relations established with other colleagues in the frame of the Academy we are speaking of possible collaborations in the near future.

Vimeo.com/estibalizsadabamurguia

The cinematic and pictorial project of Jorge Carruana Brances: Episodios de la diáspora intelectual cubana entre España e Italia (19681997) – Episodes of the intellectual Cuban diaspora between Spain and Italy (1968-1997). Jorge Carruana Bances (La Habana, 1940 – Roma, 1997) was a painter, illustrator, graphic designer and a pioneer in animated film in Cuba. He emigrated from Cuba to Spain in 1968 and in 1970 he established himself in Rome. Most of his work is deposited in the Estate Jorge Carruana Bances, founded in 2013 by his heirs, with over 250 pieces and an archive with projects for cinema, storyboards, drafts and an important number of documents. The research in the archive and the collection has the goal of producing knowledge on the work of the artist, trying to repair the silence surrounding this author in the historiography of contemporary art, with the purpose of studying, exposing and promoting the work of Carruana. During my stay at the RAER the following actions were done: -Documentation, digitalization, conservation and cataloguing the work as well as the commencement of processing the material in the archives. -Curatorship of the first retrospective Jorge Carruana Bances: Femetti, sesso, guerra (RAER, 6th of April to the 7th of May 2017) -Curatorship of the audiovisual program Jorge Carruana Bances y el cine de animación cubano de los años 60 (Jorge Carruana Bances and the animated Cuban film from the 60s) (RAER, 26th of April, 2017) -Work sessions on the documentation of the patrimony in the XXI century, policies of archives and mediation (29th of May to the 1st of June, 2017).

Experience The experience of working and cohabitation in the RAER, a creative multidisciplinary laboratory, has meant a professionalized and affective context of synergies that are reflected in the research project and involve the work team of the Academy as much as the residents. Amazing collaborations came up for the concretion of different phases of the proposal: the cinematic advice and the presentation of the program of the animated short films of Jorge Carruana by the Professor Xose Prieto Souto. The documentation of the exhibition Jorge Carruana Bances: Fumetti, sesso, guerra thanks to the generosity of the photographer Aitor Lara. The advice of archiving methods on behalf of Estrella Torrico; as well as other support and solidarity impossible to list here.

susetsanchez.wordpress.com/ susetsanchez@yahoo.com

ANTONIA SANTOLAYA

Process

CLAUDIO SOTOLONGO

Process

A Graduate of the Fine Arts at the Complutense Universtiy of Madrid. She broadened her studies afterwards at St. Martins University of London. She begins in the world of illustration in the year 2000, after winning the award Apel. Les Mestres con Las Damas de la luz (The Ladies of the Light) (Editorial Destino). Afterwards, she obtained an honourable mention in “Invenciones 2010”, Mexico, and first place in the V International Illustrated Album Contest of Gran Canaria 2011, with Nada el pensamiento. She has combined her personal work with editing, which gave her the opportunity to work with editorials such as Anaya, SM, Santillana and Edelvives, among others. As a teacher, she has given workshops in the Museum ABC of Illustration in Madrid and in workshops of art schools. Her first incursion into the comic world was “De ellas” in 2006, for the Institute of Women in Murcia. Other works related to comic are Winnipeg, el barco de Neruda (Winnipeg, Neruda’s boat) (Ed. Hotelpapel y Grupo5, 2014), Viñetas de vida (Vignettes of life) (Ed. Astiberri–Oxfam Intermón, 2014), El apocalipsis según San Juan (St. John’s apocalypse) (EDT, 2012) y Bien venidos a mi país, one, two, three, viva l´algerrie (Ed. De Ponent, 2010).

I come to Rome with the project “Trastevere Paraiso”, to work from a script for a graphic novel of Felipe Hernández Cava. The story describes the life of a young person and her evolution up to when she becomes a member of a terrorist group in Italy in the 70s. My work becomes a graphic reflection of what the script deals with. I need to understand the personal process of what moves the protagonist. I discover that the fact of murdering and objectifying others is not but the death of oneself. I am making a parallel search with the script, but am leaving the transcription in images, more literal, of a concrete story, for a bit later on. I investigated in shadows, in rage, in fear, in all of the emotions that one may discover as a protagonist, not in a specific era, but more to do with an energy that lasts through time. I’ve published two works related to the project: Rabia y Fuera ruido, (Rage and Out the noise), and one more for February. Owing to the reflection developed over my stay at the Academy, the expansion of the project became tangible, also motivated by the shared living conditions over these months.

La Habana, 1982. Graphic artist. Graduated in Graphic design from the Superior Institute of Design (ISDi) of la Habana and holds a Master in the program of Design Management and Innovation of ISDi. He is a professor of History of Design at the University of La Habana, designer at the Department of Publications of that university, where he is aspiring to obtain his PhD in Art Sciences. His signs, posters and graphic work have formed part of the following exhibits “Black with a drop of red” (Fowler Museum at UCLA, Los Ángeles, 2016); “Interaction” (Faculty of Humanity and Art, La Habana, 2015) and “Cuba Va! Grafikdesign zum Film aus Kuba” (Schule für Gestaltung, Basilea, 2013). He has participated in collateral exhibitions at the Bienal de La Habana in 2008, 2012 and 2015. In 2011 he obtained the grant for creation at Estudio 21 of the Center of Development of Visual Arts heading the creative team Plan C with the expository X2 project. In 2012 he obtained a mention with a bipersonal project in the grants of creation in the Fototeca de Cuba. In 2016 he was awarded the first prize at the poster contest Casa Tomada organized by the Casa de las Américas in la Habana, Cuba. He resides and works in la Habana.

Mapping the cinematographic narratives in the urban framework made re-discovering the city through fictional based stories possible. The actions of transiting, wandering, roaming the neighbourhoods of Rome in planned or random routes allowed for experimenting each place with its sensorial complexity. The conception of maps to reveal the intersections between the cinema and the city, fiction and reality, places and non-places became a creative multimedia experience. The memory-notebook, the serigraphy pieces and the video presented, although each one has its own independent speech, together they complete a larger piece that summarizes the experience of my working time in Rome. Every cinematographic story was constructed in one fragment of the city, so the routes in their search cross each other, they overlap, from the Porta Portese to the Fontana di Trevi one walks from Accatotone to La Dolce Vita, from Via Flaminia to the Templo de Adriano, one transits from Ladrones de Bicicletas hasta el Eclipse. Then each film takes place again in this present. The city remains unattainable, infinite routes, and the map is no longer a physical territory, it is also of time, of sensations, the map expands far from shrinking, it becomes more complex as opposed to simplifying.

Experience Trastevere Paradiso The making of a graphic novel with the script of Felipe Hernández Cava, the context being the turbulent years of the seventies in Italy, in this specific case, the city of Rome. Valeria is the protagonist. The reader accompanies her from her childhood in the Roman Trastevere to the present, the same in her dreams as in her memories, also covering a period in our recent history (that, regrettably, is not so far off from that of Spain). A time that has tragically been repeated every time someone has come up with a utopia which in itself enclosed the monstrosity of legitimizing crime. So, the comic will be a way to investigate that past life, recreating specific facts and other fictitious, giving way to a space for reflection.

Rome, the importance of all its history; the gestation of living with new people for nine months. I could not imagine the many contributions that this experience would have on me, and therefore my work. After my stay in the Academy, I feel, that through those who work and live there, there is an institutional place directed towards the care of creative activity, whatever the discipline might be. An intense and continuous exchange of experiences and of knowledge changes solitary work into a dialogue of mirrors. Bonds have been created that will last well beyond these months. Apart from the encouragement present among each other, new ways of collaboration have been generated and are being sought out for the future. This is only the beginning.

antonia-santolaya.webnode.es/ antoniasantolaya-infantil.webnode.es/ antonia-santolaya.blogspot.com.es/

Cartografie della finzione. Il cinema come metafora della città: Roma (Cartography of fiction. Film as a metaphor of the city: Rome). The map as a method to reencounter urban spaces, as an artistic practice and as a result of design, cartography allows one to discover new relations between physical spaces and their symbolic value. The project is focused on the juxtaposition of the action of mapping, the design of maps and the cinema as a symbolic construction. In a process which involves marking places on a map, streets or routes. To follow the streets and complete the routes, as well as creating alternative routes between those places. Documenting every route through still images, found objects, drawings, notes and sound recordings. Superimpose the collected information onto city maps from different eras through the use of symbols, colours, textures, diverse materials designed as an emotional response to every place visited. With the use of a smart phone, a notebook and maps from different historical periods, to document the routes, as well as the emotional responses to every space. The end result is a map of a set of emotional responses to the spaces of the Italian cinema filmed in Rome. This is shown through the intervened maps printed in serigraphy, an audiovisual projection and an artist’s book in one piece which summarizes the research process of the artist. This project is in processing in La Habana, referencing 5 iconic films of the Cuban cinema with a similar formalization.

Experience For me, living in the academy has meant a process of reevaluation of my artistic practices. The diverse creative dynamics that I came into contact with through the work of other grant holders helped me establish a more complete creative process, revalue the work process, specifically that linked to artistic research. In the time that I spent in the printing workshop, I was able to incorporate a set of preparatory pieces for my final piece. The exploration of textures, materials, techniques and processes as part of an artistic investigation linked to the production of the final pieces was key to developing them. The studies did not end up forming final pieces; they are now open paths for more pieces. As a resident artist at the Academy, I was invited by the professor Sarah Lindford to give a conference on the creative process for design, in the Academy of Fine Arts in Rome. As well, as a graphic artist, I designed various supporting promotions for the Academy, specifically promotions of spring concerts and the graphic for the exhibitions that took place during my stay.

claudio.sotolongo@gmail.com uk.pinterest.com/clsotolongo/dossier/

ESTRELLA TORRICO CUADRADO Madrid, 1982. Licensed in Documentation by the Complutense University of Madrid, specializing in archival studies. She developed her profession in institutions such as Fundación Alternativas, where she was the head of the Documentation Department and in the National Library of Spain, collaborating with the organization of events, conferences and management of exhibits such as “Miradas sobre la Guerra de la Independencia. Grabados de Goya”. (Glimpses of the War of Independence. Prints of Goya). In 2011 she was awarded the Grant ARGO of the Ministry of Education, Culture and Sport, to collaborate with the Cervantes Institute in Rome, broadening the document base of the Spanish philosopher María Zambrano, and managing the cultural activity and presence in the social media of the library. As a researcher, she is enjoying a grant at the Spanish Royal Academy in Rome, during the period 20162017, in the specialization of Archives and documentation. Historic libraries, for the making of a project “Estatuas que hablan” (Statues that talk). Estatuas que hablan. Antología de pasquinadas sobre España

Statue parlanti. Antologia di pasquinate romanesche sulla Spagna. (Statues that talk. Anthology of “pasquinades” about Spain) During the XVI century, the citizens of Rome, subjected to heavy censorship, began to use the ensemble of marble sculptures to put up, clandestinely, anonymous satires. Using art as a way of transmitting the word, they were able to freely manifest, writing harsh critics against the Pope, the Roman Curia and nobility. These social networks of the Renaissance, popularly known as “talking statues”, were common practice in Rome, later transferring this custom to other Italian cities. In the Eternal city, the iconic statues of Pasquino, Marforio, Abate Luigi, Babuino, Facchino and Madama Lucrezia were given a voice for more than four decades. Many of these satires – denominated pasquinades for their fixation on the statue of Pasquino- were written against Spanish personalities, testimony to the historic relationship in these centuries between the eternal city and Spain. The first dated pasquinade was in 1501 and was directed precisely towards the Spanish Pope, Alejandro VI, the starting point of the project. The objective of the documentary research in the libraries of Rome is the publication of an unprecedented anthology that rescues those pasquinades and contributes information about Spain or Spanish personalities from those centuries. Thus, we are contributing to the contemplation of the official history of our country and the conformation of Spanish stereotypes in Italy. Valuable verses for not having been under censorship, revealing a history told from truth, the emotion and thoughts of the Roman people. Citizens who established with the “talking statues”, one of the most creative and singular forms of social communication that exist.

Process

SANTIAGO YDÁÑEZ

Process

Manuscripts and monographies mainly from the centuries XVI and XVII were consulted for research on the origin and history of the talking statues and the search and selection of pasquinades concerning Spain. Preliminary groundwork gave me the bibliographic Italian whereabouts on the subject of study, uncovering around 400 works, consulting the most complete collections of Pasquinades. It was indispensable having access to historic libraries in Rome such as the Angelica, Casanatense, Marco Besso, Biblioteca Nazionale, Biblioteca Vaticana and the Capitolino Historic Archive. Living around the corner from the statues and being able to explore the area where they originated, has added value to the project, allowing for the parallel development of other lines of work. The elaboration of the photographic archive of contemporary pasquinades has allowed for the verification that this remains an active process. I have also interviewed experts, visited associations and museums that promote the tradition of the speaking statues in Rome. Fruit of the research, close to 100 satires about Spain have been identified, and I was able to delve into the origin of the satire in Rome as well as other matters such as the expansion of the pasquinades throughout Italy, that were activated with other sculptures in cities such as Milan, Venecia and Brescia. During the last trimester, I translated the satires into Spanish, completed a historical analysis and the final wording of the chapters of the book, searched libraries and image and print archives to request publication and to develop an index.

Jaén, 1967. Graduated in Fine Arts at the University of Granada. He has done workshops, among others, with Juan Genovés. He was the award winner of PINTURA ABC in 2002 and Award of Pintura Generación (Generation Painting) 2002 of Caja Madrid, Grant of the Spanish School in Paris of the Ministry of Culture in 2001 and Grant of the Marcelino Botín Foundation in 1998. His works are in the collections of the Botín Foundation (Santander), MNCARS (Madrid), Sofía Imber Museum (Caracas Venezuela) and in private collections in Mexico, Canada, Italy, Norway, Germany, Portugal and Spain, among others. He currently lives and works between Berlin and Granada.

The creative process of my work was based on observation and interpretation, fundamentally, of the Roman frescos of la Villa di Livia. With the artwork of grand format is a series of pieces of smaller size: objects, drawings, intervened prints… where I relate two moments in the history of two zones in Europe and two manners of understanding life. I acquired prints of the Italian architecture of 1751 and on those, I intervened representing birds and Germanic portraits. One may also see the Teutonic side of a series of pencil drawings in which Hitler appears accompanied by boys and girls, an ironic tone that makes reference to a movie Es geschah am hellichten Tag (El cebo – It happened in broad daylight). My time at the Academy in itself inspired me to paint a version of the Crocifissione di San Pietro (1601) (Martyrdom of Saint Peter) of Caravaggio, painted for the chapel of Cerasi of the church of Santa María del Popolo de Roma, and works of some Spanish painters, such as a version of Enrique Simonet of the painting Y tenia corazón (1890). All of these works represent Southern Europe. The idea of the El Jardín de las Delicias and the creative process of the work are summarized in a diptych of 1.60 x 3.5 m, where the girl and a duck are represented, dually present in the work of 3.15 x 10 m, however there, the background of the girl and the duck is no longer vegetation as in the big piece, but a poetic transition of colors in green tones.

Experience Having been able to develop a project in the Spanish Royal Academy in Rome was a privilege that meant residing in an institution with 144 years of history, in the city of Rome, and with artists and researchers of different ages and disciplines. Apart from having all of the time necessary for the research, the day to day in the Academy translates into conferences, concerts and visits of professionals from the cultural sector, that were possible thanks to the effort of the workers and the team at the Academy. Without a doubt, living with such talented colleagues makes this experience a time of transformation and generates collaborations among very different subjects which greatly enrich the projects. These months have translated into moments, walks in the garden, the melody of the piano from the Portrait Parlor, excursions, collective meals, the statue in the hall that became a talking statue… The Academy does not end, our bonds shall remain, accomplices of having shared an unrepeatable experience of growth, in every sense of the word.

torricoestrella@gmail.com www.estatuasquehablan.com Instagram: estatuasquehablan

El jardín de las delicias El Jardín de las Delicias (Garden of Earthly Delights) is the result of nine months of analysis of Roman frescos of the Villa di Livia in the Palazzo Massimo in Rome, a space which inspired the work which I developed in the Academy. I wanted to reflect the concept of a lost Paradise in this project, playing with Teutonic images from the end of the XIX century and beginning of the XX, as well as other images of a Mediterranean nature. The idea of the project emerged during a lecture of the novel of Thomas Bernhard, Auslöschung (Extinction), where a young Austrian intellectual escapes to Rome, where he works as a teacher until his return to his hometown. Upon his return, he criticizes and analyses the darkest façade of the pre-Nazi culture and the hypocrisy of the Catholic bourgeoisie which gave way to Nazism. El Jardín de las Delicias (Garden of Earthly Delights) is a piece in grand format (3.15 x 10 m), that shows a young blonde girl, with a nostalgic look, melancholic, absent, and a garden loaded with vegetation and birds. As I interpreted this piece I altered the representation of some of the elements such as the birds that appear in the original frescos, but I maintained the idea and the structure of the piece of the Palazzo Massimo. The work shall be exhibited in the very Palazzo Massimo. For the exhibition, I shall paint three pieces in order to complete and close the space. The intention of the project was to do a critic, sometimes direct, sometimes poetically, to Nazism and emphasize the absence or loss of Paradise, represented through nostalgia on the face of the girl, and the beauty and calmness of the gardens.

Experience Living nine months in Rome, a vital city full of history, of art, of culture, of monuments… has allowed me to confront my work from a different perspective, analyze my previous work and develop my project in a more serene manner, maintaining a distance with my previous work. My way of painting is visceral, fast, impulsive, and full of energy in every stroke. Normally I use between one and two sessions to paint a piece. In this project, however, my work was calm, more pragmatic; I invested various months in the painting of this piece. It has been a new way to approach my piece, more detailed and reflexive. My stay in the Academy gave rise to the development of a new project together with Miki Leal. These months in Rome have allowed us to get to know the succulent Italian cuisine, which brought us to the idea of creating a specific guide to ten restaurants and some bars that formed part of our stay in the city. There within we will include pictures, drawings, paintings and a text elaborated by Suset Sánchez.

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Real Academia de España en Roma Piazza San Pietro in Montorio 3 00153 Roma (Gianicolo) +39 06 581 28 06 info@accademiaspagna.org www.accademiaspagna.org Las imágenes que ilustran la presente publicación son parte del proceso creativo de los artistas en residencia o bien elementos que han servido de inspiración para la realización de sus proyectos. Asimismo se incluyen obras de la colección de la Academia, como Cuprum Roma, de José Guerrero, 2016 (p. 8) y material del archivo documental, como la fotografía de la visita del Secretario de Estado en mayo de 2017 (p. 6) o el día que posaron los residentes para la realización de el retrato 'Explendor en la hierba. La generación del 17 de Miki Leal (pp 10-11/p. 15). Créditos fotográficos Las fotografías de los artistas e investigadores han sido realizadas por Jesús Madriñán (pp. 29, 37, 57, 61, 89, 105), Mercedes Jaén Ruiz (p. 41), Alba Rodríguez (p. 53 ) Carmen Paz (p. 45), Carmen Rodríguez (p. 15), María Brancós (p. 85), Antonio López (pp. 89 y 117 ), Kela Coto (pp. 65 y 77), David Jiménez (pp. 10-11,43, 75, 81, 95, 97, 121) David Benito (p. 43) y Pablo Albacete (p. 109).

Coordinación editorial Carlos Pérez Sanabria Héctor Cuesta Romero Esta publicación ha sido posible gracias a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, AECID. El contenido de la misma no refleja necesariamente la postura de la AECID. Catálogo general de publicaciones oficiales de la Administración General del Estado: https://publicacionesoficiales.boe.es © de esta edición: Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo © de los textos: sus autores © de las imágenes: sus propietarios ISBN: 978-84-17048-71-6 Depósito Legal: M-9818-2018 NIPO: 502-18-036-0 NIPO ON LINE: 502-18-037-6 Todos los derechos reservados. No está permitida la reproducción total o parcial de la obra ni su tratamiento o trasmisión por cualquier medio o método, electrónico o mecánico, sin la autorización previa y escrita del editor. All rights reserved. No part of this publication may reproduced, distributed, altered, or publicly communicated, in any form or by be any means, without prior written permission from the publisher.

Este volumen ha sido diseĂąado en Roma e impreso en Bilbao en Abril de 2018