El Cuerpo como territorio by MUA Publicaciones

Josefina Álvarez-Dobinger Bogotá, Colombia

En el marco de los 20 años de fundación de mujeres en las Artes “Leticia Oyuela” (MUA) se evidencia el testimonio historico de mujeres creadoras, sus aportes a la cultura hondureña y el papel trascendental que han jugado de mundo, sus valores y creencias como parte integral de sus vidas y por lo tanto, como proceso de conocimiento a través de los cuales logran enfrentarse a una sociedad esquiva como la hondureña.

La Sala Mujeres del Arte Contemporáneo Sala MAC fue creada por MUA en 1997. Desde sus inicios desarrolló exhibiciones de obras de mujeres artistas, enfatizando sus experiencias desde la práctica artistica y sus formas de expresión a través de lenguajes cuyos símbolos, metáforas y codigos hacen referencia a las diversas maneras de estar y enfrentarse al mundo. En esta oportunidad la Sala MAC propone inventariar el territorio biográfico de mujeres artistas en las artes visuales tomando como referencia a las Mujeres Creadoras. Para ello ha establecido un marco de trabajo que engloba la reflexión teórica, la investigación y la exhibición de un proyecto creativo intergeneracional dentro del cual se enmarca la exposición Mujeres Creadoras. El Cuerpo como territorio.|

Las artistas Celsa Flores, Luz Mefina Bonta, Julia Galeano, Mei Lan Quan, Leticia Banegas y Juliana Fuenzalida son las actoras de esta propuesta intergeneracional que vincula el conocimiento que cada una de ellas posee desde su heterogénea trayectoria artistica. Como proyecto creativo intergeneracional, las artistas han desarrollado un entramado de conocimiento abarcador de sus experiencias a interior de la práctica artistica: procesos sensitivos, de percepción e imaginación Ellas han logrado abrazar el legado de mujeres que han estado presentes en sus proceso personales-colectivos, por lo que ha sido ese entretejer de vivencias y recuerdos estampados en la experiencia corpórea, los que les han permitido combatir el olvido e historizar la memoria para dar sentido al pasado y asi, poder mirarse hacia tuturo. También replantean, deconstruyen y amplian el mundo de la vida y nos conducen a mirar un registro sobre otras maneras y crear vivencias futuras. Al interior de la exposición Mujeres Creadoras. El cuerpo como territorio, es posible pensar en una cartografía aún por definir ya que las propuestas de las artistas se enlazan al confrontar los discursos paradigmáticos que dan sustento a la ciencia, la tecnologia y la cultura, pero sobre todo a la vida cotidiana y los cuerpos de las mujeres.

Ă?ndice Celsa Flores

Luz Medina Bonta

Julia Galeano

Mei Lan Quan

Leticia Banegas

Juliana Fuenzalida

Celsa Flores Emprender una aventura conlleva riesgos. Mi trabajo es de procesos. He procurado estar motivada por mi propia visión; mi norte, por el cual me oriento, es un proceso de constante renovación y revaloración del trabajo. Es importante ir más allá de nuestras propias limitantes, no tanto como provocación a lo ya establecido; sino para confrontarme a mí misma y desafiar las percepciones propias y externas que se van formando en el camino. Identifico mi trabajo con procesos mentales que requieren solución, ya sea para resolver o para explorar; un poco y en parte, es incursionar en lo desconocido, sin aferrarme a una técnica específica o a un solo estilo. No tengo fórmulas preparadas y para apoyar mis procesos creativos, encuentro que lo estimulante está en explorar texturas visuales, a través de otros medios. El deseo de encontrar nuevos temas y desarrollar ideas originales, que rompen la norma de imitar o copiar, proviene de una sed de conocimiento y mi respeto a la expresión individual; que utilizo para determinar los proyectos artísticos que me apasionan. Entonces, no se trata de comenzar a desarrollar una propuesta artística porque hay un concepto de la realidad ya pre-establecido. Más bien, es el propósito y profundidad de intención con que se ejecuta la idea y en el proceso se amplifica el contenido, por medio de procedimientos técnicos y visuales, que acompañan y estimula esa visión. Extiendo con las obras que presento en el “Cuerpo Como Territorio” en el espacio de MUA “mujeres creadoras”, la continuidad de mi compromiso exploratorio para afianzar el trabajo expositivo en el contexto de la memoria y de las vidas que van hilvanando historias paralelas. De la huella dactilar que va imprimiendo la memoria en nuestro cuerpo y que repercute en nuestra identidad. Expresa estados de aislamiento, vacío, fragmentación, presencias y ausencias a intervalos de lugar o de tiempo; la dicotomía entre la memoria y el olvido que está presente en el aprendizaje de cada ser humano.

Strumming, in a cold, dark, silver place (Intervalo) 2015 Ensamble tri-dimensional y montaje en estructura de metal,collage en canvas, pintura, enamel, tejido, sintĂŠtico y alambre 95 c.m x 85 c.m x 10 c.m

Strumming, in a cold, dark, silver place (Desgarro) 2015 Ensamble tri-dimensional y montaje en estructura de metal, collage, en canvas, pintura, tejido sintĂŠtico y alambre, 95 c.m x 85 c.m x 8 c.m

Glitch Tweak into a cold, dark, silver place (Falla TĂŠcnica) 2015 Ensamble tri-dimensional y montaje en estructura de metal, collage, en canvas, pintura, tejido sintĂŠtico y alambre, 190 c.m x 140 c.m x 6 c.m

Celsa Flores

Honduras 1952 vive y trabaja en Tegucigalpa, Honduras

Pintora hondureña graduada en Economía y Sicología, con un Postgrado en Historia del Arte de la U. de Windsor y estudios superiores en Pedagogía de la Escuela de Educación de Ontario, Canadá. En 1980, cursó estudios de dibujo en la Scuola Libera del Nudo de la Academia de Bellas Artes en Roma, Italia; bajo la tutela del pintor y maestro italiano, Giulio Turcato, inicia su formación en la representación de la figura humana y el desnudo. Su obra se encuentra en colecciones privadas a nivel nacional e internacional. Con más de 25 años de trayectoria artística Celsa Flores cuenta con exposiciones individuales y colectivas Honduras, Guatemala, El Salvador, España, Chile por mencionar algunos.

Luz Medina Bonta

Simbiosis Las conexiones entre mi arte y mi cuerpo son de sensaciones y emociones permanentes. Al construir mis significados haciendo uso de imágenes de la naturaleza y materiales orgánicos recolectados, manifiesto mi satisfacción o incomodidad. Lenguaje corporal y comportamientos de seres vivos, no definidos por el género, sino por las emociones y las experiencias vividas, crean la sensibilidad necesaria para interconectarse. Escogí una rana en una de mis piezas como símbolo de fertilidad, movilidad y presagio. Recolectando memorias y reflexionando presente puedo crear solo ideas imaginarias de cómo podría ser el futuro. En la creación de simbiosis he usado técnicas ancestrales combinadas con tecnologías contemporáneas para sacar a flote las maravillas de un ser viviente. Estoy creando historias de interés general por las vivencias que todos hemos tenido y la simplicidad con que lo cotidiano puede ser inmortal.

Renacuajo solo, 2015 Fibras, teĂąido orgĂĄnicos naturales, 127 c.m. x 127 c.m.

Trenzado, 2015 Fibras, teĂąido orgĂĄnicos naturales. 127 c.m. x 127 c. m.

Cocos loco, 2015 Fibras, teĂąido orgĂĄnico naturales 127 c.m. x 127 c.m.

Luz Medina Bonta

Honduras 1975 vive y trabaja entre Honduras/ Estados Unidos

Artista y diseñadora de modas y accesorios. Actualmente es parte de Piso Diez un grupo de diseñadores hondureños. Tiene una licenciatura en Bellas Artes con énfasis en cerámica y pintura de Delta Universidad del Estado. En el 2013 fue artista seleccionada a la subasta Internacional IDEARTE del Museo para la Identidad Nacional (MIN); Simposio y Exhibición Internacional sobre Tintes Naturales, La Rochelle, Francia (2011); 3 piezas; 8eme Mondial de L’Estampe et de la fotograbado Originale Trienal de Chamalieres, Francia, 3 monotipos;Delta Arts Alliance Presents: Fabrics and Fashions by Luz Bonta’, Mississippi, 2010; Madreselva Collection, des_ le de moda Honduras Habla, Fashion Week Honduras, 2010; Organizadora/Coordinadora, Proyecto “Uso y Producción de Tintes y Fibras Naturales en la Mosquitia Hondureña,” 2010-2011 Sec. De Turismo/MOPAWI/Naciones Unidas.

Julia Galeano

La figura de la mujer desnuda simboliza el espacio que ella debe traspasar para ser, existir y desarrollarse integralmente, sin restringirse al territorio de su piel. El cuerpo, al igual que la madera en la cual fue ejecutada la obra, no son más que el medio para explorar sin límites sus capacidades y posibilidades. Emociones, sentimientos y pasiones serán los que extrapolen este cuerpo y en una fusión con el alma, la lleven a lugares aun no imaginados.

Lía, 2015 Técnica mixta sobre madera 114 c.m x 91 c.m.

“Sin título”, 2015 Técnica mixta sobre madera, 114 c.m. x91 c.m.

“Sin título”, 2015 Óleo sobre madera 114 c.m x 91 c.m.

Julia Galeano

Honduras 1990 vive y trabaja en Tegucigalpa, Honduras

Artista visual, tiene un licenciatura en Artes Plásticas con especialidad en grabado de The New School for Design - New York, NY; estudios en grabado con materiales no toxico en la Universidad de Costa Rica. En el 2014 fue artista invitada a la Subasta Internacional, Museo para la Identidad (MIN), Gracias Convoca y en Galería Orígenes. Su obra ha sido exhibida en Estados Unidos y en Honduras.

Mei Lan Quan Cabellos: La presión estética, es una forma de violencia de género. El constante bombardeo mediático de un estereotipo de mujer imposible. La apropiación masculina de la mujer, por su interés reproductivo o erótico. La importancia de la imagen para relacionarnos, limita a la mujer a ser atractiva sexualmente, debe ser bella para complacer a los demás, rebajan a la mujer a condición de objeto. Las ofertas de trabajo con requisitos “presencia física” son realidades que la mujer se enfrenta y marcan una gran diferencia en cómo es etiquetada y aceptada en la sociedad según su aspecto personal, el cual debería de ser una representación fiel y exacta de la voluntad en general. Una combinación de apariencia exterior y esencia interior. Instinto y Consciencia: Por un lado la realización dentro del sistema laboral patriarcal, los cambios en nuestro cuerpo, la vida en pareja, la economía, el parto, entre otros aspectos. Y por el otro lado nuestro rol sagrado de dar un hijo al universo, el instinto maternal de conectar con un ser dentro del útero, de reproducirnos y experimentar ese nivel de amor; es donde se ve enfrentada la mujer entre su instinto animal y su consciencia humana. 20

La Fuerza Vital La energía sexual, es la fuerza vital que impregna toda la creación. Como mujer se nos ha enseñado a denigrar y reprimir nuestro erotismo, cuando deberíamos permitirnos su expresión natural. El abuso, promiscuidad y discriminación del hombre hacia la expresión sexual de la mujer hace que se someta a prácticas sexuales no deseadas o sin protección para ejercer el ¨deber¨ como mujer de complacer a una pareja. Al reconocer el sexo como una fuerza vital podemos ser fieles a nuestro yo más profundo y vivir nuestra verdad, sin necesidad de utilizar el sexo para solucionar necesidades emocionales como la soledad y el abandono pasando por alto las propias necesidades eróticas.

Instinto y conciencia, 2015 TĂŠcnica acrilico sobre tela 90 c.m.Ă¸

La Fuerta Vital, 2015 Acrilico sobre tela 75 c.m. Ă¸

Cabellos, 2015 AcrĂlico sobre tela 83 c.m. Ă¸

Mei Lan Quan

Honduras 1987 vive y trabaja en Tegucigalpa, Honduras

Pintora, tatuadora y arquitecta. Creadora de una propuesta artística que nació con bodegones y naturaleza muerta, seguida de una colección psicodélica utilizando técnicas mixtas hasta llegar a su propuesta actual de paisajes surrealistas conceptuales, con su sello personal, por el que es ampliamente conocida a través de su nombre artístico, Elephanta. Su obra ha sido exhibida en Honduras, Australia, El Salvador, México y Miami.

Leticia Banegas La Metamorfosis de Álope Álope es una mujer tiranizada y maltratada por un oponente masculino por partida doble: por el agresor sexual y por un padre despótico e intolerante. Primer cuadro: Álope representa una miríada de mujeres a lo largo de la historia hasta llegar a la actualidad. Por eso la vemos en una primera fase con los ojos cerrados, con la cabeza baja, y con las manos en actitud de rezar. Pero si observamos bien, sus manos están amarradas y obligadas a estar en esta posición, se encuentra sometida por sus ¨cadenas¨. Las cadenas son representadas por la tela que la envuelve, ya que las cadenas no tienen que ser visibles para estar ahí o pueden parecer un adorno y no cadenas.

Tercer cuadro: Comienza la transformación. Álope ya no está envuelta en ¨cadenas¨ sin embargo ella se aferra a ellas, ya sea por miedo o por costumbre. Decide amarrarse el cabello y no suelta sus ¨adornos¨. La vida le ha enseñada a ser cuidadosa. Su rostro se ve erguido y orgulloso ya que ya no es meramente pasiva, víctima llorosa que se limita al lamento y a la resignación ante el sufrimiento, pero aun no protesta por las injusticias de que es objeto y por la desigualdad con que es tratada por causa de su sexo.

Segundo cuadro: Me invento mi propia mitología sobre la transformación en la vida y la psiquis de Álope. Ella ha abierto los ojos al mundo por primera vez. Aun se le minimiza, aun es tiranizada por un mundo patriarcal. Pero las cadenas se han aflojado, comienza a tener ideas y la tela (el adorno) ya se siente pesado.

Cuarto cuadro: La transformación de Álope se ha completado, se ha convertido en Artemisa. Ella ahora es el espíritu femenino independiente. Es una mujer que logra sus propias metas en el terreno que ella misma elija. Artemisa se siente completa sin un hombre. Las cadenas ya no la afectan de ninguna manera, es segura de sí misma y sin miedo a protestar ni a decir lo que piensa.

La Metamorfosis de Ă lope Poliptico, 2015 TĂŠcnica mixta sobre madera, 120 c.m x 120. c/u

La Metamorfosis de Ă lope, 2015 TĂŠcnica mixta sobre madera 120 c.m x 120. c/u

Leticia Banegas

Honduras 1978 vive y trabaja en San Pedro Sula, Honduras

Actualmente reside en la ciudad de San Pedro Sula. Tiene una licenciatura en dise帽o gr谩fico, CEDAC. Actualmente su obra semantiene en exhibici贸n en la Galeria Monica Sevilla y Jimmy D. Robinson Inc., West Palm Beach, Florida, Feathered Serpent Gallery, St. Petersburg, Florida, y en Bird Levy, art br贸ker San Francisco, California en los Estados Unidos. En el 2014 fue artista invitada a la Subasta Internacional, Museo para la Identidad (MIN). Cuenta con varias muestras colectivas e individuales en Honduras, Estados Unidos y Costa Rica.

Juliana Fuenzalida

La serie “Visibles Invisibles “ a simple vista nos haría pensar en la ausencia del reconocimiento/ valor que le damos a la mujer trabajadora. Nadie repara en la importancia que tienen estas mujeres en nuestra sociedad, la mujer que hace y vende comida; la que acarrea; la que camina; la que madruga; la que se desvela...sin embargo lo que quiero dar a entender es que ésta misma mujer, es la única dueña de su cuerpo y que los demás no merecemos invadir su territorio porque no la conocemos ni la hemos reconocido, la gran mayoría somos indiferentes hacia ellas. Sabemos que están ahí, que les pagamos por algo, pero no sabemos que hay más allá, que historia cuentan. Quiero hacer visibles a las invisibles mediante una obra plástica que funciona como una obra literaria, en la que recreamos en nuestra mente a los personajes de la historia. Pretendo que nos imaginemos, que nos creemos nuestras propias versiones de esas mujeres fuertes y luchadoras con las características que nosotros les demos. El trabajo técnico está realizado en cartoncillo blanco sobre bastidor usando sellos con la forma de una moneda de ½ Real usada en Honduras en 1869.

Dos ĂŠpocas, 2015 Tinta (sello)/ Cartoncillo 81 c.m. x 102 c.m.

Aleras, 2015 Tinta (sello)/ Cartoncillo 81c.m. x 102 c.m.

De la serie Visibles invisibles â&#x20AC;&#x153;Mujer con huevosâ&#x20AC;?, 2015 Tinta (sello)/Cartoncillo, 81 c.m, x 102 c.m.

De la serie Visibles invisibles “Qué me ves”, 2015 Tinta (sello)/Cartoncillo, 81 c.m. x 102 c.m.

De la serie Visibles invisibles â&#x20AC;&#x153;El raite de mis diasâ&#x20AC;?, 2015 Tinta (sello)/Cartoncillo 81 c.m, x 102 c.m.

Juliana Fuenzalida

Honduras 1985 vive y trabaja en Tegucigalpa, Honduras

Es Ingeniería Civil, Universidad Católica, 2008; Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) con título de Bachiller en artes plásticas. Actualmente se dedica a la producción de artística y visual en el área de dibujo y pintura utilizando varias técnicas. En el 2014 y 2012 fue artista invitada a la Subasta Internacional, Museo para la Identidad (MIN). Cuenta con individuales en Honduras y Chile y varias colectivas en diferentes ciudades de Honduras.

Afiche Zamorano

Vistas de la Exposici贸n Zamorano

Alianza Francesa

Vistas a la Exposici贸n

Créditos Centro de Artes Visuales Contemporáneo CAVC/MUA Proyecto Mujeres Creadoras - Sala MAC.2015

Coordinación Josefina Dobinger Álvarez-Quioto (Curaduria)

Diseño y Diagramación Guillermo Recinos Seaman

Bayardo Blandino

Montaje

Bayardo Blandino

Fotos

Paul Martínez Colaboración Ars504.com

Coordinacion General Mujeres en las Artes “Leticia de Oyuela” MUA Dirección ejecutiva: América Mejía

Fotos Interiores Erick Santander AF/TEG

Dirección artística: Bayardo Blandino Comunicación: Verónica Romero Administración: María de la Paz García Junta Directiva Voluntariado EDUCA Colaboració especial: Alizanza Francesa de Tegucigalpa: Roger Marin, Director Ejecutivo Roxana Diaz, Jefa de cultura y comunicaciones Biblioteca Wilson Popenoe – Escuela Agrícola Panamericana ZAMORANO: Willian Jovanny Pedraza

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