EL GESTO NOBLE
XVII FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO
EL GESTO NOBLE. EL CARMEN DE VIBORAL JULIO DE 2012 - DISTRIBUCION GRATUITA
El gesto de la vida, de la muerte; el gesto de la fiesta de los sentidos; el gesto del drama y la comedia; el gesto del cuerpo, del movimiento; el gesto de la calle y de la sala; el gesto de la piel y de las tablas. Así es el teatro que se verá durante ocho días en El Carmen de Viboral.
EL ACTOR Y SU GESTO
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Editorial
La edición 2012 del Festival El Gesto Noble se realiza en homenaje al actor, dramaturgo y director de teatro Farley Velásquez, creador de la Corporación Hora 25, uno de los referentes del teatro antioqueño de las últimas décadas. De él se podrá ver la pieza “Ensayando a Shakespeare”.
EL GESTO NOBLE Festival Internacional de Teatro
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El Carmen de Viboral - Colombia
os festivales de teatro tienen su asidero en la posibilidad de ser lugares para el encuentro con la sensibilidad, los sentidos, las estéticas teatrales y el debate del hecho escénico; los festivales son una fiesta donde convergen, en un mismo escenario, diversidad de grupos y lenguajes con un público variopinto y ávido de hacer parte viva del banquete teatral. Con esa premisa nace en El Carmen de Viboral el Festival Internacional de Teatro “El Gesto Noble” en 1993; teniendo como antecedente el trabajo escénico de un grupo de muchachos, que entusiasmados con la alegre rebeldía del arte, crean a Teatro Tespys en 1988. Lo gestual es sustancia de lo teatral y lo noble brota de las profundidades del ser humano, alimenta la coexistencia. El Gesto Noble es una mixtura de arte y humanidad. De esas disquisiciones y queriendo nombrar esta fiesta teatral surgió el nombre del Festival. Un nombre que representa un sentir y un hacer. El Gesto Noble ya hace parte del imaginario que identifica a El Carmen de Viboral. Para la región, El Gesto Noble se torna en un escenario posible para imaginar la vida; surge en una década donde la vida sólo estaba siendo factible desde el arte, porque las calles estaban siendo acechadas por siniestros personajes que pretendían generar desazón con el trueno de sus hierros; contra ese oscuro espectro aniquilador resplandecen las teas del teatro, develando el implacable blindaje con que la imaginación recubre la vida e iluminando de gestos, cuerpos, palabras y poesía los rincones de la cotidianidad. Aparece lo apolíneo y lo dionisiaco como trinchera, como urgente alternativa. “Contra la Muerte, coros de alegría…”, cantó con acierto nuestro poeta Porfirio Barba Jacob. En un pequeño pueblo, entre las montañas antioqueñas, memorable por su tradición de cerámica artesanal, todavía con raíces campesinas, el teatro empieza a ser parte de su identidad a través de El Gesto Noble, dando cuenta además, de ser un albergue natural para artes, artistas, artesanos y artificios. El teatro deja de ser ajeno. Desde el asombro, el teatro se inmiscuye en la vida cotidiana y se hace motivo de conversación para la comunidad, porque ve pasar sus personajes por calles, parques y escenarios, entre jolgorios, silencios e historias.
Con el tiempo, esa fogosidad por el teatro que ha suscitado el festival, se ha ido potenciando y decantando, haciendo de esta fiesta del arte y los sentidos, un destino teatral para los pueblos vecinos y ciudades distantes del país, juntando geografías y hallando en El Carmen de Viboral un atmósfera apropiada para confrontar, vivenciar y compartir el hecho teatral en todos los niveles. El Festival ha abierto otros caminos, a lo largo de estas diecisiete versiones; ha avivado la creación del Movimiento GATO (Grupos Amigos de Teatro del Oriente), una red teatral que dinamiza las artes escénicas del oriente antioqueño desde 2007 y CARMENTEA Red Carmelitana de Teatro en 2012 que reúne todas las iniciativas teatrales locales, también ha sido un espacio para el intercambio con otras redes: Red Colombiana de Teatro en Comunidad desde 1999, Red Latinoamericana de Teatro en Comunidad desde 2009 y Medellín en Escena; el Festival propició la instauración de la Escuela de Teatro del Instituto de Cultura, ha permitido darle continuidad al fortalecimiento de la formación de públicos, que Teatro Tespys lleva a cabo durante todo el año, a través de la creación y promoción teatral en la Sala de Teatro ubicada en la Casa de la Cultura (Festival y Sala son Concertados con el Ministerio de Cultura), potenciando aún más la vida cultural de El Carmen de Viboral; un camino importante que El Gesto Noble se ha trazado es el de su sostenimiento y continuidad, que se logró desde 2005, cuando el Festival se volvió política pública municipal, a través del Plan de Desarrollo Cultural 2005-2015 El Carmen de Viboral con Vida Cultural. La presencia permanente de grupos nacionales de amplio reconocimiento y trayectoria teatral, en diálogo con grupos locales, de la región e invitados internacionales, así como la oferta diversa de espectáculos y eventos especiales, ha permitido que El Gesto Noble se esté posicionado como uno de los festivales -que se realizan desde la provincia- con ascendente proyección y dinámica escénica en Colombia; de ello dan cuenta artistas, público y medios de comunicación. Con todo esto, se ha ido consolidando ese sueño fundador de que los festivales son lugares vivos de encuentro y convergencia artística. K amber
HAMLET
Homenaje a
Farley Velásquez La visceral Hora 25 Redacción EL GESTO NOBLE
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uando inició en el mundo del teatro se le consideró el “enfant terrible” de la escena paisa. Sus obras, entonces y ahora, no admiten puntos intermedios: o te atrapan o te sueltan a los pocos minutos de haber iniciado. Estás de acuerdo con su poética o no penetras en ella. La presencia reiterada de sangre artificial, de objetos provocadores en la escena, como usar vísceras de res recién cortadas, o detonar un arma, la complejidad luminotécnica, el uso de cuchillos, la crítica social que expele cada línea de los textos adaptados, y el tinte pesimista del final de cada una de sus obras, son elementos que dividen, incomodan o bien seducen al patio de butacas. Farley Velásquez Ochoa (Medellín, Colombia, enero de 1966) comenzó su carrera de dirección a temprana edad, cuando organizaba pequeños montajes en el barrio Florencia, en Castilla (Medellín), donde transcurrió su infancia y parte de su juventud. La violencia de aquel lugar inspiró algunas de sus obras posteriores, en las cuales es frecuente ver gángsters, pandilleros y asesinos. Debido a la falta de apoyo por parte de su familia y a la inestable situación socio política de su barrio, se vio obligado a abandonar su hogar a la edad de dieciocho años. Trabajaba en bares y cantinas del centro de la ciudad, y con el poco dinero que conseguía, que
apenas alcanzaba para sobrevivir, logró estudiar artes escénicas en la Escuela Popular de Artes (EPA) de Medellín. En 1989 logra reunir a un equipo de trabajo, que más adelante se conocería como Hora 25, uno de los teatros más representativos de la ciudad. Desde entonces, el grupo ha desarrollado alrededor de una veintena de montajes, ha participado en varios festivales en Colombia y en el exterior, y ha sido galardonado con varios premios, incluyendo el Premio Nacional de Dirección Teatral del Ministerio de Cultura (2007) por la obra Electra de Eurípides. La obra de Farley Velásquez apunta a la visceralidad. Si bien algunas obras cobran un tinte humorístico, tales como Il rapsoda di les Toninos (de su autoría) y De dos amores (adaptación de Bodas de sangre, de García Lorca), la mayoría de los montajes a su cargo obedecen al género de la tragedia. Encuentra sus influencias en literatos como García Márquez, Franz Kafka, Andrés Caicedo, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud; pensadores como Nietzsche, Harold Bloom y Séneca; cineastas como Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Charles Chaplin y Federico Fellini; dramaturgos como Shakespeare, Jean Genet, Víctor Jara, Bertolt Brecht, García Lorca, Eurípides y José Manuel Freidel, entre otros. De todos ellos hay algo en sus obras, pero ante todo su propia voz, su manera de ver un mundo y de reflejarlo en la escena. Su último trabajo “El país de las mujeres
3 hermosas” revela un paso más en la búsqueda de esa mirada personal. Escrita y dirigida a cuatro manos con Jorge Iván Grisales, este montaje se inscribe en la llamada “dramaturgia del acontecimiento social” en un intento por reconstruir la memoria reciente de la violencia en Colombia con un claro compromiso social y de fidelidad a su poética. Su grupo Hora 25 (Corporación Teatro Hora 25) es un colectivo de vanguardia que recrea autores clásicos y contemporáneos. Hace su aparición en la escena del teatro colombiano en Medellín, bajo el liderazgo del director Farley Velásquez. Adoptan su nombre inspirados en la obra La Hora 25, del escritor rumano Constant Virgil Gheorghiu, cuya influencia ha orientado su trabajo en la búsqueda del respeto a la libertad y dignidad humanas.
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ENSAYANDO A SHAKESPEARE
Ricardo III 180
Nuestras voluntades y nuestros destinos corren tan contrarios, que nuestros planes son derribados. ¿Por qué Shakespeare?... ¿Pues quién más hay? A Shakespeare le debemos todo, Shakespeare nos ha enseñado a entender la naturaleza humana, no voy más lejos cuando digo que nos descubrió y que fue él quien nos inventó; las relaciones humanas producen dolor o placer, no porque las confundamos con realidades, sino porque traen a la mente nuestras realidades. Shakespeare inventa maneras de representar los cambios humanos, alteraciones causadas no sólo por defectos y decaimientos, sino efectuadas también por la voluntad y por la vulnerabilidad de lo que está compuesto el espíritu humano. Shakespeare nos juzga a través de sus obras, juzga la vida humana, lleva la vida a la mente, nos ayudó a encontrar a través del teatro nuestra crueldad y aún la belleza del horror y nos arrinconó como seres indefensos ante el odio y ante el amor. Shakespeare es dios, está en todas partes donde haya humanos impregnados de emociones extremas, donde
Marcados por los violentos acontecimientos que se vivieron en Medellín a lo largo de la década de los ochenta, y debido a la difícil situación económica, diez profesionales de las artes escénicas fundaron el grupo en 1989. Buscaron crear una estética propia y emprendieron el camino del teatro para satisfacer una necesidad de comprender el mundo e incidir en él. A lo largo de su historia, se han caracterizado por ser un conjunto abierto, dispuesto a trabajar con actores de distintos bagajes: profesionales, aficionados, naturales; que hayan tenido poca experiencia en escena, o que hayan vivido procesos de creación continuos y fructíferos. La Corporación Teatro Hora 25, además de los montajes y la proyección de sus espectáculos, se ocupa de actividades pedagógicas, como talleres de actuación, cursos de iniciación teatral para niños y semilleros para jóvenes.
haya humanidad está Shakespeare. El teatro no puede contenerlo, está desbocado y habita la tierra como un espíritu, demasiado vasto para abarcarlo, desbordado de las tablas del teatro y habitando en nuestras calles, en nuestros dormitorios y en los palacios de reyes modernos que nos gobiernan con la inteligencia, con argucias y falacias como si fueran los eternos villanos de las tragedias de Shakespeare. Yago, Macbeth, Edmundo y Ricardo III entre otros. Todo lo que sucede en las obras de Shakespeare sigue sucediendo, como si se hubiera convertido en un dios inmortal. Hasta qué punto Shakespeare haya sido escéptico en cuanto al valor de la personalidad, los espíritus interiores son abismos, caos de la nada, sus obras hablan de matanzas para complacer a un individuo, es el individuo que se enfrentan a las sociedades que detestan y desean gobernar. Hombres que despilfarran sus vidas en batallas por pedazos de tierras que no le pertenecen sino al poderoso de turno; corona destronada y corona puesta, las cabezas ruedan como en juego macabro que no tiene final. Shakespeare no estaba imitando la vida
sino creándola en la mayoría de sus mejores obras. Shakespeare inventaba personalidades monstruosas que nos parecen tan reales, ¿sería que se convirtió en el más alto maestro de la explotación de la condición humana, de ese vacío entre las personas y el ideal personal?
estas nadas, Si esto es nada.
“Cuando miramos al cielo confundimos conocimiento con conocimiento”
Los orígenes de las obras más famosas de Shakespeare son tan nebulosas como confusa es la condición humana, como confusa la condición textual en los villanos de Shakespeare… aparecen como unas conciencias demasiado inmensas para el público… Pero estos villanos son apenas la tragedia del hombre que sólo finge ser… Es el teatro del mundo.
Nosotros confundimos conocimiento con conocimiento, no podemos sacar de Shakespeare información que nos explique su creación, confundimos el amor, el orden y la eternidad, hombres y mujeres confundidos como criaturas perdidas en la existencia. A Shakespeare le asustaban las muchedumbres y la guerra y le asustaba la autoridad, para llegar a él, hay que sumergirse en la potencia de sus textos y en la interpretación de los actores y ahondar en las turbulencias oscuras y brillantes de sus obras. Shakespeare nos enseña a percibir y como percibirlo, y nos instruye también sobre cómo y qué sentir, y después experimentar las sensaciones que se desprenden de las actuaciones de los actores que se convierten en las conciencias de sus personajes. El uso final de Shakespeare es dejar que nos enseñe a pensar demasiado bien en cualquier verdad que podamos soportar sin perecer, sin morir en la agonía en que se convierte la existencia de sus personajes. ¿Podemos concebirnos a nosotros mismos sin Shakespeare?, cuando digo “nosotros mismos” no me refiero sólo a los actores, directores, profesores, críticos, sino también a usted y a todos los que usted conozca. ¿Es nada esto? Pues entonces el mundo y cuanto hay en él es nada El cielo que nos cubre es nada, la alegría es nada Las mujeres es nada, ni hay nada en todas
Su locura nos incumbe y su cordura nos restaura, Shakespeare nos enloquece como a Ofelia, como a Lady Macbeth, como a Hamlet y como al eterno Rey Lear.
Sus obras son enormes, sin cortes, tiene miles de versos, y rara vez se representan en su forma más o menos completa… Como esta noche que sólo veremos a unos cuantos actores ensayando, algunas escenas de sus obras… esto se llama: ¡ENSAYANDO A SHAKESPEARE¡
ROMEO
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Redacción El Gesto Noble
l cuerpo en las fronteras mismas del movimiento y más allá de la danza, el ineludible tema social tan común al teatro latinoamericano, una crítica desgarrada e implacable al mundo en que vivimos, la familia, y el consumo compulsivo. Son los temas que abordan los montajes internacionales de esta edición y que llegan al GESTO NOBLE desde Argentina, España y Ecuador.
INTERNACIONALES Escenas del I
espejo social
Metadanza D
e España llega el bailarín, director y profesor de danza de origen alemán, Dominik Borucki, quien reside en Barcelona desde hace más de una década. Borucki es un artista integral. Enseña y trabaja en Europa, E.E.U.U. y América del Sur. Su trabajo incluye improvisación en danza y teatro, actuar, Nueva Danza y Danzateatro. Ha trabajado con decenas de compañías como intérprete, director, coreógrafo, entre las que destaca la pieza ¿Qué tal estás? -we don´t have video yet- (Las Palmas), en dúo con la artista colombiana Natalia Medina. En el festival se podrá ver una de sus últimas creaciones “Den Andere Mann”, inscrita en el universo de la metadanza, en donde las premisas corporales son llevadas hasta las últimas consecuencias. “El cuerpo deviene en movimiento y éste es perpetuo”, destaca el Diario de Xalapa. En muchos de sus trabajos el artista alemán crea movimientos excepcionales y explora en el universo de la música, la actuación pura y la performatividad. Una oportunidad única para contemplar la escena vanguardista de la danza europea.
nscrita en la ya larga tradición de un teatro social que explora en las poéticas de la violencia y de la existencia mismas, la compañía Cactus Azul de Ecuador lleva a escena el tema del desplazamiento, que no es un fenómeno exclusivamente colombiano. En “2 + 1= -1 o La historia de los desaparecidos” el colectivo ecuatoriano sube a escena la impunidad de los crímenes de estado, los cientos de personas que han desaparecido y aún siguen desapareciendo por defender los intereses del ser humano y accionar en contra de gobiernos represores y oligárquicos. “Nuestra propuesta de trabajo se orienta a despertar a través de la poesía de la imagen los sentidos del espectador, es precisamente en este estado que el espectador puede entrar en la dinámica de la ritualización del hecho teatral”, expresan sus creadores. Este trabajo de experimentación es el resultado de varias inquietudes que como colectivo han venido desarrollando: “La propuesta tiene dos ejes fundamentales, el primero es la indagación de la pureza de la acción física sin ningún tipo de anécdotas que puedan perjudicar la lógica real de la mecánica de lo que fue, es decir, como se refiere Mircea Eliade (Antropólogo) cuando un espacio profano se transforma en espacio sagrado se recupera también el tiempo mítico, ese tiempo primigenio, ese tiempo que fue y que permanece y que cobra vida a través del ritual, es en la repetición exacta de esa manifestación donde logramos conectarnos con la verdad primigenia, y es precisamente esa verdad la que nos interesa indagar”. El segundo eje es un estudio teórico sobre el proceso de experimentación, de tal forma que cada uno de los integrantes del proceso tenga la posibilidad de discutir, reflexionar en torno a la propuesta de trabajo.
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La irreverecia como objeto P
rovocador, irreverente, un visionario de la escena. Eso y mucho más es Emilio García Wehbi, un artista interdisciplinario que trabaja en el cruce de lenguajes escénicos, y que desde 1989 –año en que funda El Periférico de Objetos, grupo paradigmático del teatro experimental e independiente argentino- hasta la fecha, se ha destacado en sus actividades como director teatral, régisseur, performer, actor, artista visual y docente. Emilia García trae a esta edición un obra que inquietará el patio de butacas: “Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta”, con texto original de Rodrigo García. Sus espectáculos, óperas, instalaciones e intervenciones urbanas han sido presentados en los principales escenarios, festivales y ciudades de Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, Perú, Colombia, Ecuador, Venezuela, México, Estados Unidos, Canadá, Portugal, España, Irlanda, Escocia, Francia, Suiza, Holanda, Bélgica, Austria, Alemania, Polonia, Italia, Suecia, Australia y Japón.
“Prefiero que me quite el sueño Goya
a que lo haga cualquier hijo de puta Por Emilio García Wehbi
A partir de la súbita toma de conciencia acerca de la situación del personaje que narra, y a partir de su decisión de invertir todo los ahorros de su vida en la ida al Museo del Prado en Madrid a ver las pinturas negras de Goya y contratar al filósofo alemán Peter Sloterdijk para que le dé su visión del mundo, el intérprete nos sumerge en su universo caótico y despiadado a través de la provocación y el lenguaje afilado, en la que da cuenta del estado del mundo de una manera implacable, y en donde los principales tópicos son lo familiar, el sinsentido del consumo compulsivo, el reemplazo de un imaginario auténtico por uno globalizado y mercantilizado, los valores éticos y los valores simbólicos.
Resulta incomprensible que un autor argentino de la magnitud de Rodrigo García haya permanecido ignorado en nuestro país durante casi veinte años, cuando es considerado tanto en Europa como en Latinoamérica uno de los más notables dramaturgos del comienzo de siglo. La propuesta de montar este espectáculo (primera parte de una trilogía de obras de R. García), tiene que ver con la voluntad de recuperar a un autor incómodo que escribe y hace teatro como un argentino, si bien está radicado en Europa desde hace más de dos décadas. En la escena de PREFIERO QUE ME QUITE EL SUEÑO GOYA A QUE LO HAGA CUALQUIER HIJO DE PUTA el mismo director es el intérprete de la obra, en la que interactúa con una serie de proyecciones de imágenes del
trabajo visual de los hermanos Chapman, “Insult to injury” (Para colmo de males), en donde las aguafuertes de Goya de “Los desastres de la guerra” son intervenidas con payasos o personajes prototípicos de Disney como Mickey Mouse o el Pato Donald, todo en un ambiente con una especie de tufillo zoológico en donde el intérprete está disfrazado de mono al principio, para luego ir mutando a otros tipos de animales–gallina emplumada y finalmente ratón Mickey-, conviviendo con animales vivos y embalsamados y comiendo comida para perros, para relatar su peripecia en primera persona. Dicha peripecia es una ácida crítica a la banalidad de la sociedad contemporánea.
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Llegan los grandes del
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teatro colombiano
Redacción EL GESTO NOBLE
a presencia en la edición 2012 del Gesto Noble de grandes agrupaciones del teatro colombiano como La Candelaria, Teatro Petra, Matacandelas, Hora 25, Teatro Tierra, confirma también la madurez artística del evento, que ha sabido equilibrar la programación con generaciones intermedias y nuevas generaciones de la escena colombiana.
El tesoro de Moyano I
La parábola del retorno: El paso A
lo largo de la semana recalarán en El Carmen de Viboral obras como “El Paso” de La Candelaria, una pieza que se ha convertido en un referente obligado de la historia del teatro colombiano y latinoamericano y ha sido valorada por la crítica como una pieza maestra de la dramaturgia colombiana. “El paso” se ha paseado por los más importantes festivales del mundo y se ha representado más de 500 veces. ¿Cuál es su secreto? Se preguntan muchos. Como decía Proust, la verdadera obra de arte crea su propia posteridad y esa vigencia en un arte como el teatro, de naturaleza efímera, no es fácil encontrar. “El paso” lo ha logrado por muchas razones, pero ante todo porque la historia que cuenta sigue siendo
vital para entender la compleja realidad social del país. Trece actores desarrollan esta historia que se sitúa en una cantina de un apartado paraje, en donde nunca ocurre nada, todo es aburrimiento y monotonía. Un día cualquiera, dos siniestros personajes llegan al lugar y con su dinero y armas envuelven el lugar de violencia y temor. A la fuerza misma de la historia La Candelaria ha sabido sumar con sabiduría colectiva los materiales con los qué contarla: el extremo minimalismo y un lenguaje que plantea códigos más allá del simbolismo verbal tradicional (murmullos, silencios, secretos, miradas y mensajes escritos en clave), constituyen toda una gramática escénica sobre las tensiones del presente, mostradas desde el interior del ambiente y de sus personajes.
nsaciable en su búsquda Juan Carlos Moyano y el Teatro Tierra redescubren para la escena “La isla del tesoro” una versión contruida a partir de la novela inmortal de R. L. Stevenson. A manera de una diario dfe aventuras Moyano relata el proceso de creación de su última pieza. “Primero navegamos en las páginas de la aventura y poco a poco nos fuimos metiendo en un juego donde comenzamos a ser personajes de una historia cercana, que conocimos en la época juvenil, cuando soñamos siendo piratas de barcos con aire de leyenda. Stevenson tiene el encantamiento de las palabras y nos volvió cercanos de personajes que nos dejan ver aspectos inherentes a la condición humana y que alimentan la imaginación de una manera vital. Después de viajar por el libro sentimos el deseo de jugar y comenzamos a crear una manera de contar la historia que tanto nos había gustado. La isla del tesoro tiene acción y suspenso y siempre despierta curiosa fascinación. Tal vez por eso nos emocionamos pensando en el mar y en las batallas ultramarinas que nos acompañaron en la infancia, cuando un palo era una espada y bastaba cerrar un ojo para tener un parche como cualquier bucanero. También, a finales del 2011, visitamos las islas de Providencia y Santa Catalina, en el corazón del Caribe e hicimos
presentaciones y adelantamos procesos formativos con gente nativa. Como ejercicio de puesta en escena montamos La isla de las mujeres, con artistas raizales, en inglés caribeño y castellano. Esta experiencia se volvió el trabajo de campo que requeríamos para entender en la práctica algunos aspectos narrados en la novela. Descubrimos que entre la vieja Providencia y Santa Catalina hay más de una coincidencia con el mapa de la Isla del Tesoro y la isla del Esqueleto de la novela. Con la lectura y las experiencias directas, aplicando la técnica del trabajo corporal, desarrollamos la poética sencilla y profunda de la novela. La obra está concebida para todos los públicos, especialmente para la familia y la gente joven. Se puede presentar en un teatro o en espacios abiertos. El estreno sucedió en el Festival Iberoamericano de Teatro, en Bogotá, en Marzo de 2012, donde pudimos comprobar que el montaje funciona con niños, jóvenes y mayores”.
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Matacandelas en clave de danza A sistir a un espectáculo del Teatro Matacandelas es presenciar (o mejor, hacer parte de) una fiesta donde el divertimento se da cita en el escenario para constatar la vitalidad y la juventud de un arte tan antiguo. Cuando la agrupación paisa recala en los distintos festivales que se realizan en Colombia, es fácil observar una pléyade de jóvenes que le siguen con vocación de culto, como si se tratara de un grupo musical al uso, de esos que crean a partir de su iconicidad mediática. Pero lejos esta el grupo teatral de ampararse en herramientas
del “cuarto poder” para tornarse exitoso con un público tan marcadamente joven. ¿Qué es entonces lo que construye en el imaginario de los jóvenes estas puestas en escena de Matacandelas? La clave, sin duda alguna, radica en la construcción de un universo pleno de provocación y de irreverencia, tan caro a los espíritus libres que se saben jóvenes. Matacandelas propone al lector un camino zigzageante para recorrer sus obras. El grupo no tiene un lenguaje reconocible como único (algunos le asocian con el simbolismo, otros con el estatismo de la acción dramática, otros con el expresionismo
verbal), aunque sí conserva una línea de creación que mezcla con sutilidad los lenguajes clásico y exploratorio. Una simbiosis que va y viene del silencio a la fiesta. El silencio, amigo íntimo del símbolo y del estatismo que tanto gusta al colectivo; y la fiesta, tan cercana a la velada, a la celebración, otro signo de identidad en su lenguaje. En la dramática de Matacandelas afluyen por igual autores cuya grafía ha pasado a formar parte del patrimonio de los clásicos, como Lucio A. Séneca (Medea) y Edgar Allan Poe (La caída de la Casa Usher, Velada Gótica; y 4 Mujeres);
poetas como Fernando Pessoa (Oh Marinheiro), Georges Neveux, Jean Tardeau (Juegos Nocturnos I); simbolistas como Maurice Maeterlink (Los Ciegos), el cinéfilo suicida Andrés Caicedo (Angelitos Empantanados y Los Diplomas), el filósofo Fernando González (Fernando González, Velada Metafísica), o el maestro de la danza Jorge Holguín. ¿Podrá un espectador/lector encontrar un camino, una línea dramática en medio de esa “diversidad” escénica? ¿Qué insospechados lazos unen estos autores en el escenario?
Las Danzas privadas E
sta es una historia que se divide en 22 momentos, llamados por su autor en la obra original, transfusiones, en los que se relata la historia del reconocido colombiano Jorge Holguín, un maestro del arte y la danza, que dejó un valioso legado en Colombia. Este proyecto se ganó la Beca de Creación Artística y Cultural de la Alcaldía de Medellín y el año anterior obtuvo la convocatoria de estímulos del Ministerio de Cultura. Desde el principio de la historia la madre de Jorge le ha mandado una maleta para que logre regresar en menos de 2 horas, pero extrañamente la ropa le queda grande, nadie lo acompaña, nada le sirve, al único que tiene es a Pafi, su mono de peluche, que tiene una simpática sonrisa y siempre lo ha acompañado. En adelante todo es poéticamente inesperado. La puesta en escena se convierte en todo un diálogo corporal que representa la infancia, la imaginación, el juego y el goce. En los diferentes momentos de la historia se pasa rápidamente de sentir inquietud a disfrutarla, y luego a querer ir más allá, a saber más de lo que los actores revelan. Aquí, la música, la danza y la actuación, se mezclan de manera articulada para describir la historia de este gran personaje, que además de destacarse mucho por haber sido un gran experto en las artes y la danza, era matemático, escritor, coreógrafo y dibujante. El montaje está basado en el primer libro de Jorge Holguín que lleva el mismo nombre de la obra.
SARA DICE… Lo que calla la imaginación Wilson Escobar R amírez*
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o es poco lo que nos quiere contar Fabio Rubiano con “Sara dice”. No es poco la forma como lo cuenta. Estamos ante una propuesta que con el paso de los días se va a volver referencia imprescindible del teatro que se hace en Colombia por estos días. Y no es sólo por la provocación de la aparente fábula en la que se centra “Sara dice”, desde la cual se teje una metáfora de un país posible (o imposible), en el que la violencia se ha exterminado, o bien una mirada irónica al imaginario deseable que está instalado en la mayoría de los colombianos: un país sin la violencia “endémica” que ha signado varias generaciones. No es sólo por ello. Rubiano parte del ensayo psicológico que propone el japonés Mako Saguru en torno a una sociedad sin asesinatos, y la manera como el Estado evita que ésta regrese: cada cien días debe producirse un homicidio programado. Rubiano y su grupo Petra lleva hasta el límite de lo imaginario aquella hipótesis. Para hacerlo, centra su atención dramática en el seno de una familia cualquiera, que ante el
reto del homicidio intrafamiliar desvela todas sus tensiones, odios, miedos y venganzas. El espectador se ve abocado a una especie de laberinto de emociones que conducen desde el patetismo del asesinato, que se recrea una y otra vez ante la proximidad del público que presencia la función, hasta el grotesco de una situación que revela lo disfuncional de la norma: ¿Qué pasaría si la víctima elegida sobrevive al atentado programado?. Rubiano no es complaciente con la hipótesis de Saguru. Por el contrario, se pone en la tesitura de provocar al patio de butacas fracturando de una vez por todas ese desangelado optimismo con que muchos esperamos el fin de este macabro experimento: primero nos invita a presenciar con distancia las discusiones entre los hermanos de la víctima elegida y después multiplica a Sara entre el público, para señalarlo y perseguirlo. Inteligente propuesta, no sólo por la línea dramática en la que se instala, sino por las formas que emplea: los personajes aparecen en la escena totalmente desdramatizados en su gestus, un recurso muy explorado en otras propuestas de Petra y que le sientan bien a una historia que, en manos de otro
creador, podría terminar en un melodrama. Rubiano fragmenta las acciones, les genera un ritmo frenético a través del flash narativo, las destemporaliza y le muestra al lector una especie de trasescena del texto. *Crítico e investigador teatral. Docente Universidad de Manizales.
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eatro infantil, teatro de espacios abiertos; teatro que inicia en la academia y busca consolidarse en la profesión y la vocación; teatro que se busca en la magia, en los malabares, en la fiesta, en la cuentería, en los gestos contenidos del clown, para reclamarse como un espacio de teatralidad popular, cercana al público. Estas son otras obras invitadas a la velada de las tablas que dan cuenta de la diversidad de lenguajes y de historias. Redacción EL GESTO NOBLE
Una teatralidad con múltiples gestos
EL GATO, LA ZORRA Y PIN.
Teatro el Trueque emplea una vez más su magia e imaginación, para recrear la hermosa obra de Carlo Collodi, “Pinocho”, de la cual se pueden desprender mil historias que nunca dejarán de sorprendernos. En esta obra familiar dirigida por José Félix Londoño, la historia deriva hacia el deseo de Gepeto por tener una compañía un poco más amena que la de su gruñón colega y al recibir de Canuto, quien los surte de materiales y maderas para su taller, un hermoso tronco, Gepeto verá su sueño realizado. todo de su creación, de cómo ese tronco mágico que hablaba se convirtió en niño y hablo sobre lo que ocurre en el taller con Gueppeto y Maese, su papá y su tío respectivamente. Sobre lo que hay en el entorno, tras bambalinas”.
POMBO ITINERANTE
Seis actores itinerantes interactúan con el público, interpretando seis personajes de los cuentos de Rafael Pombo (La Pobre viejecita, el Renacuajo Paseador, Mirringa Mirronga, El Gato Bandido, Simón el Bobito y Juan Matachín). Estos personajes se le escaparon al autor porque quieren participar del mundo real y motivar a que los lean, de lo contrario no seguirán en el imaginario y en la fantasía literaria de los niños y del público en general. Querían salir de las hojas de los libros, para hacerse fotos, conocer el mundo real, conocer a los lectores, proponer al autor ideas sobre el propio cuento al que pertenecen. Mientras dialogan con el público buscan a Rafael Pombo, creen verlo entre el público y se esconden, intentan tener claro el final de su cuento. Interactúan con los transeúntes desprevenidos y les preguntan por cosas cotidianas: (Cómo se llaman, si han visto a otro de los personajes de los otros cuentos o si conocen a Rafael Pombo). Y ellos a su vez le cuentan a los transeúntes que lo que sucede es que el autor los está buscando porque no ha podido terminar el cuento.
EL DESEO DE TODA CIUDADANA Escrita por el reconocido dramaturgo chileno Marco Antonio de la Parra, dirigida por Fernando Vidal , referente de la dramaturgia, la dirección y la gestión escénica en su natal Cali, “El deseo de toda ciudadana” es un ejercicio académico que busca consolidarse en el patio de butacas. Verónica vive en un pequeño apartamento sometida a la interminable rutina que va del trabajo a la soledad de su frío hogar, deseando aquello de lo que carece a sus treinta años, que oscila entre los rigores del miedo que la aísla y el esquivo afecto que se ha vuelto su obsesiva ensoñación.
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LA BODA
Este trabajo del Teatro Experimental Fontibón es una versión libre que recoge el espíritu de la obra De Bertolt Brecht del mismo título. En ella se desnuda la debilidad ética y moral de una sociedad en crisis, con sus valores deleznables de apariencias e hipocresías. Una boda ridícula donde los personajes se encuentran en una lucha por mostrar a los otros lo que no son y se enfrentan en una batalla campal con una mezcla de machismo, torpeza y obscenidad. Es también el desencuentro de personajes solitarios y amargados que no pueden entregar con sinceridad y honestidad sus afectos. Una boda popular donde se acumulan elementos culturales que imponen los medios de comunicación induciéndonos a imitar, sin ton ni son, modelos de comportamientos artificiales y postizos. Los personajes de esta historia aunque exagerados en una mascarada divertida son la representación de la sociedad en la que vivimos, martirizada y castigada por la violencia que se esconde en su propia cultura. La utilización de frases de cajón los estereotipos discriminatorios y la liviandad para analizar y comprender nuestros conflictos, implican una grave dificultad de la mayoría para reflexionar, nos impide encontrar la solución a los graves problemas de nuestro país. La Boda es un retrato de la sociedad colombiana actual, en cuyo seno se desarrolla una guerra no declarada que lleva más de cincuenta años. Resaltamos aquí algunos aspectos que se afianzan fuertemente en nuestra cultura, los cuales impiden que crezcamos como una sociedad sana, auténtica, y seamos más bien esclavos de la apariencia, lainsensibilidad y la corrupción.
EL CUENTO DE LOS “AMORES DE SALÓN”
En esta propuesta de cuentería, llamada “Amores de Salón”, el público podrá disfrutar de la poesía, el humor crítico y el cuento urbano. La parte poética está basada en los siguientes poemas: Colombia, ¿Me haces un favor?, Liliana, Uno por uno, Lección de música, Tu cabello es una bandada de chupaflores, Y a mí qué me importa. Junto con las anteriores inspiraciones, ofrezco los siguientes cuentos urbanos: El hombre blanco, La paloma Lola, El pollito chino, El niño y el mar, El señor reloj de pared, El amor y la locura, El líder del cuerpo, El mejor blues men
El Paseo de Buster Keaton. TEA Producciones, Medellín
Basada en el “Libro de los Abrazos” de Eduardo Galeano. “La Tercera Mitad” es una obra teatro que trata sobre la travesía de un “sentipensante” que permanentemente se pregunta ¿cómo se hace para sobrevivir este mundo, esta realidad, sin que se le apague la llama a uno, sin que se le apague el alma?. Es una reflexión sobre los equívocos y principios que nos separan. A la par que una invitación a brindar por la vida, a sentir, pensar, recordar sueños olvidados y reflexionar si para nosotros la esperanza es una vieja utopía. Raúl Avalos y Sandra Zea, maestros en arte dramático de la Universidad de Antioquia, con una amplia trayectoria en el medio teatral, buscan a través de este espectáculo crear vínculos entre el corazón y la razón.
NAULÍN Y NÍVEA
Magia absurda y sorprendente, magia interactiva con el público, malabares… Los personajes de Naulín y Nívea se caracterizan por ser dinámicos graciosos, extrovertidos y mágicos, durante su acto involucran al público invitándolos a soñar y reír, donde dejan un mensaje de alegría, que la risa es la mejor terapia para ser feliz,tener sentido del humor es estar consciente de la felicidad.
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Becas nacionales de creación teatral
Dos miradas a Shakespeare Ricardo III visto por El Paso
Dos de las becas nacionales de Creación Teatral confluyen en el Festival El Gesto Noble. Teatro el Paso, de Pereira, y el anfitrión Teatro Tespys, revisitan a Shakespeare con sus propias búsquedas y poéticas.
D
irigida por Cesar Augusto Castaño y puesta en escena por el grupo El Paso (Pereira), esta historia sucede en un lugar que es a la vez todos los lugares, en un reino quizá muy parecido a este que habitamos. Tras la caída del poder de la familia Lancaster, la casa de York asume el trono y ante esta situación el hermano del nuevo rey, Ricardo de York –un ser vil y deforme– urde una trama de conspiraciones, engaños y traiciones para usurparle el poder a los legítimos herederos de la corona. Los personajes de este reino se encuentran en la forma de títeres en la mente enfermiza y maquiavélica de Ricardo; él maneja su destino a su antojo. Y en este universo de pesadilla, inventado por él a partir de sus más oscuros sentimientos, su alma atraviesa por un infierno de logros y desdichas. Ricardo III vuelve a escena en una propuesta trepidante que conjuga la actuación, los muñecos con manipulación a la vista y la música en vivo, en una apuesta por contar el clásico, si se quiere, desde el ideal wagneriano: el arte total.
Tito Andrónico en la mirada de Tespys Tito Andrónico de William Shakespeare hace parte de un proyecto de búsqueda estética llamado: “Trilogía del Teatro Isabelino Jonson-Shakespeare-Marlowe”, que empezó con la puesta en escena de la comedia clásica de Ben Jonson: Volpone, estrenada en el mes de noviembre del año 2010; en la actualidad el grupo Tespys se ha propuesto culminar el proyecto de trilogía con una obra de Christopher Marlowe. La Beca Nacional de Creación Teatral, permitió a Teatro Tespys poner en escena esta obra dramática del Teatro Clásico Isabelino, una tragedia que explora los temas de la venganza, el honor, la sevicia, la familia, el cuerpo, la guerra y el amor, desde una propuesta artística que conjuga, híbridamente, la música de varios géneros del metal, las voces oscuras, la plástica generadora de atmósferas
El Carmen de Viboral
sangrientas y tenebrosas, desde la iluminación, los vestuarios y la escenografía, donde acude la violación, la venganza, el asesinato, la mutilación corporal y el respeto por el honor, todo ello recreado en la decadencia del Imperio Romano. Teatro Tespys desarrolla su trabajo teatral en
El Carmen de Viboral desde hace 24 años, su sala de teatro hace parte del programa nacional de Salas Concertadas del Ministerio de Cultura y hace parte activa de las redes: Movimiento GATO (Grupos Amigos de Teatro del Oriente) y CARMENTEA (Red Carmelitana de Teatro).
Alcalde Municipal: Néstor Joaquín Martínez Jiménez - Director Instituto de Cultura: Daniel Rojas Duque Comunicadora Instituto de Cultura: Viviana Cardona González - Director Periódico: Wilson Escobar - Críticos Invitados: Ramiro Tejada - Ricardo Ospina - Organizadores: Instituto de Cultura - Teatro Tespys Corporación Cultural - Grupo de Apoyo: Escuela de Teatro - Carmentea (Red Carmelitana de Teatro)