XXIV FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO EL GESTO NOBLE
EL CARMEN DE VIBORAL JULIO 20 DE 2019 - DISTRIBUCIÓN GRATUITA
No. 15
Los músicos. Familia Pantolocos.
Por un proyecto cultural sostenible y duradero
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a actual Administración Municipal se ha caracterizado por entender en las manifestaciones culturales una posibilidad para el desarrollo económico y social de El Carmen de Viboral. La importancia de haber entendido esto radica en que es precisamente dentro del ámbito cultural que un pueblo tiene la capacidad de
cuestionarse con el fin de encontrar sus valores territoriales y crecer colectivamente. Entonces, desde la gobernanza local se busca la manera de propiciar que los proyectos artísticos no solo pertenezcan a sectores reducidos de la comunidad sino que, por su importancia para conectar la sociedad carmelitana, se expandan al mayor número de lugares de nuestro territorio, desde los programas del Instituto de Cultura y desde la implementación del Plan Municipal de Cultura El Carmen de Viboral 2016- 2026 “Un Territorio para el Buen Vivir”. En este sentido, esperamos que los gobiernos venideros acojan la cultura y las artes en nuestro municipio como un elemento esencial y transversal a toda la gobernanza local. Así las cosas, es un orgullo para nosotros la llegada del Festival Internacional de Teatro El Gesto Noble, que cada año toma la vida pública carmelitana para transformarlo todo en una celebración al arte, a la unidad, a sentir cada calle como un espacio posible para imaginar la vida. La llegada del Festival legitima el crecimiento cultural de El Carmen de Viboral en formación de públicos en el
ámbito nacional, entendiendo que la importancia de dicha formación no se evalúa solamente en términos económicos sino en términos sociales, dado que un pueblo que se deja permear por las artes y la cultura es un pueblo que no pierde el arraigo consigo mismo y se abre a otras posibilidades que el mundo le ofrece. Damos así una bienvenida a la versión XXIV del Festival Internacional de Teatro El Gesto Noble, para que las reflexiones que se abran en los actos artísticos nos lleven a construir un mejor municipio para todos, uno que esperamos perdure con el compromiso de los gobiernos venideros ya que El Carmen de Viboral como un territorio cultural para el Buen Vivir lo edificamos todos, de manera constante, desde las acciones individuales y colectivas.
¡Que viva la cultura! Néstor Fernando Zuluaga Giraldo Alcalde de El Carmen de Viboral
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Mujeres y Teatro Por Dacia Maraini * Texto escrito por la autora para el XXIV Festival Internacional de Teatro “El Gesto Noble” 2019 a propósito del tema: Mujeres creadoras y teatro. **
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l teatro siempre ha sido un lugar sagrado, el lugar donde el pensamiento humano se encontró con el divino. Como tal, ha excluido a las mujeres de la escena, porque son consideradas impuras, incapaces, lejos de lo sagrado. El grandioso teatro griego prohibió a las mujeres estar en el escenario. Sin embargo, ha creado algunos hermosos personajes femeninos, basta pensar en Antígona o Alcestis. Pero la representación de estas partes fue realizada solo por hombres con máscaras femeninas en sus rostros. El teatro romano hizo lo mismo al excluir a las mujeres de la escena. Sin embargo, hay que decir que el teatro latino estaba muy influenciado por el griego y que las mismas reglas eran válidas para ambos. Solo los etruscos parecen admitir mujeres en representaciones teatrales, pero como la historia lo dice, los ganadores y los etruscos han sido superados por los romanos, poco o nada se sabe de su teatro. El teatro medieval era estrictamente aún más masculino: naturalmente, las historias de la Biblia y el Evangelio se contaban, pero incluso el personaje de María estaba representado por un sacerdote que llevaba un velo sobre su
imponer a sus esposos, contra esposas oprimidas que quieren luchar contra ellos, contra los hermanos y, en general, contra el varón de la familia exigente y celoso. Pero no durará mucho, porque ya en 1600 la reacción regresa y las mujeres son empujadas a volver a entrar en las casas. Se les niega la posibilidad de ser dramaturgas o ser portavoz de las protestas de mujeres. Permanecerán en escena, pero solo como actrices, y siempre en minoría. Tendremos que esperar hasta el siglo XIX para que haya mujeres en el escenario, muchas mujeres aparecieron escribiendo para el teatro, mujeres que dirigen proyectos teatrales y representan sus textos. Solo menciono algunos nombres y son:
cabeza. Las mujeres, según las creencias de la gran Iglesia patriarcal, eran incapaces de comprender y querer, por lo tanto, menores de edad, también consideradas peligrosas por las tentaciones sexuales que podían provocar y, por lo tanto, tenían que ser controladas y sometidas. Solo con el Renacimiento y la Commedia dell’Arte, en Italia, alrededor de 1500, por primera vez se admite a mujeres en la escena, no solo como actrices sino también como directoras y productoras. Una de ellas fue Isabella Andreini, una talentosa mujer con pulso que dirigió “Die Compagnia dei Comici Gelosi” (La Compañía de Los Comediantes Celosos) durante décadas. Junto a ella
quiero recordar a Maddalena Campiglia y Laura Lucchesini. No solo por primera vez las mujeres suben al escenario, sino que gritan su necesidad de libertad. Utilizando la comedia y un lenguaje popular, todos los textos de la Commedia dell’Arte tienen como fondo la solicitud de las mujeres de una libertad erótica y sentimental. Obtienen un éxito rotundo estos comediantes artísticos en todas partes. Viajan por toda Europa, enviados principalmente desde los teatros de la Corte. De hecho, esa forma del teatro nació en Francia, después pasó a Italia, que representa textos revolucionarios para esa época, en los que las mujeres se rebelan contra los padres dominantes que quieren
• Anna Bonacci, “La casa delle nubili” de 1936, traducido y representado también en América como “The dazzling hour”. • Lilian Helman, New Orleans: “The children’s hour” 1934 . “The little foxes” del 1941. • Megan Terry, quien fundó en Seattle, con Joseph Chaikin, el famoso Open Theatre. • Doris Lessing “Play with a tiger” del 1962. • Natalia Ginzburg: “Ti ho sposato per allegria”. 1966, “La segretaria” 1967. “L’inserzione” 1969. • Yasmine Reza, “Art” 1994, “Le dieu du carnage”, 2007. • Caryl Churchill: “Objections to Sex and Violence”. “Cloud nine” 1979, “Top girls” 1982. • Franca Valeri “Le catacombe o le donne confuse” 1962, “Tosca e le altre” 1993, “Sorelle ma solo due“. • Franca Rame: “Lo stupro” 1974. “Tutta casa, letto e chiesa” 1977. • Dacia Maraini: “Maria Stuarda”1980, “Stravaganza”1986, “Passi Affrettati” 2017.
* Dacia Maraini: Ella es una de las figuras más importantes de la literatura moderna italiana. Sus múltiples trabajos, centrados en temas de la mujer, han sido traducidos a más de 30 idiomas; y con más de 80 años, ella sigue activa en el mundo cultural. Dacia Maraini es una de las figuras favoritas de Italia en los últimos tiempos. Dacia Maraini nació en Florencia, Toscana, el 13 de noviembre de 1936. Con una herencia cultural rica - es la hija de la princesa siciliana Topazia Alliata di Salaparuta, artista y comerciante de arte, y de Fosco Maraini, un etnólogo y alpinista florentino descendiente de polacos e ingleses - Dacia ha utilizado sus experiencias personales para dejar huella en la literatura italiana. Cuando tenía sólo dos años, su familia se trasladó a Japón para escapar fascismo. Sin
embargo, la suerte no estuvo del lado que la familia fue internada en un campo de concentración japonés en Nagoya entre 1943 y 1946 por negarse a reconocer a la República de Saló de Mussolini, aliada con el Imperio del Japón. Después de la guerra, la familia regresó a Italia, y Dacia pasaría a vivir en Sicilia con la familia de su madre en la ciudad de Bagheria, provincia de Palermo. Maraini luego se trasladó a Roma, donde amplió su visión del mundo. Su primera novela, La vacanza, fue publicada en 1962, y la segunda, L’etá del malessere, ganó el Premio Internacional Formentor en 1963 y fue traducido a doce idiomas. En 1966, Maraini, Alberto Moravia –quien luego se convirtió en su esposo - y Enzo Siciliano, fundaron del Porcospino, una compañía de teatro que tenía como misión la producción de nuevas obras italianas. Más tarde, en 1973, ayudó
a fundar el Teatro de la Magdalena que fue dirigido exclusivamente por mujeres. Maraini ha tenido una estrecha relación con el cine y algunas de sus novelas han sido llevadas a la pantalla con su intervención como guionista. Entre ellas, Historia de Piera (1983), que dirigió Marco Ferreri. Con Ferreri, escribió también el guion de El futuro es mujer (1984), siguiendo el punto de vista feminista de toda la obra de Maraini. Para Yo soy mía (1978), hizo el guion que escribió para la directora Sofía Scandurra, a partir de su novela Donne in guerra (1975). Para la directora alemana Margarethe von Trotta escribió Amor y deseos (1988), pero quizá la mayor contribución al cine de Dacia Maraini fue su guion de Las mil y una noches (1974), que dirigió su amigo Pier Paolo Pasolini. Durante su vida, Dacia ha publicado numerosas novelas, cuentos, obras de teatro,
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• Lucia Calamaro: “Cattivi maestri” 2003, “L’origine del mondo” 2012, “La vita ferma” 2016. • Mriangela Gualtieri: “Le giovani parole“, 2015. Para ser precisos, debo decir que a lo largo de los siglos ha habido excepciones a la regla: por ejemplo, la sacerdotisa Pacella Annia, que aparentemente escribió textos para el teatro romano, pero no apareció en ninguna historia teatral. Del año 1000 tenemos el caso de la monja Roswita de Gandesheim, quien escribió varios textos teatrales que luego se olvidaron por completo. En el siglo XVII: Aphra Behn, escribió y realizó “El forzado matrimonio “ en 1671, “El príncipe amoroso” en 1672, “El fingido curtizans” en 1679. Delphine Gay de Girardin escribió y representó en París. “Lady Tartuffe” en 1853, “Judith” en 1843, “La escuela de Periodistas “ en 1839. Pero ninguna de estas autoras, que en su tiempo fueron criticadas y con éxitos públicos, nunca se menciona en las historias del teatro y mucho menos son representadas. Sin embargo, hay que decir que incluso hoy en día, aunque la dramaturgia femenina es muy activa y los textos escritos por mujeres están representados en todo el mundo, cuando se trata de establecer modelos para las generaciones futuras, cuando queremos proponer ejemplos de valores literarios y teatrales, las mujeres desaparecen por completo. Por lo tanto, debemos tener en cuenta que, en términos de prestigio institucional (antologías, estudios universitarios, resúmenes periodísticos, libros de crítica), lamentablemente todavía existe discriminación contra las dramaturgas y debemos combatirla.
varios estudios de investigación, y colecciones de poesía y ensayos. Ha sido candidata por Italia al Premio Nobel de Literatura. Fuente: http://www.eurochannel.com ** Dacia Maraini ha visitado en varias oportunidades a El Carmen de Viboral e invitó a Teatro Tespys en 2013 a dos festivales de teatro que ella dirige en Italia.
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Teatro repleto de mujer
l Festival carmelitano más querido por todos, en el que nos encontramos para gozar y bailar con la excusa de vivir el teatro en nuestro paraíso particular, llega este 19 de julio. Celebraremos la vigésimo cuarta versión del Festival Internacional de Teatro El Gesto Noble que propone el énfasis temático de Mujeres Creadoras y Teatro. Las actividades se extenderán hasta el 27 de julio. Jardín de mujeres creadoras En los últimos años las cuestiones de género - desde el teatro - están saliendo a la luz con potencia y fuerza en Latinoamérica, dando cuenta de que el tema es mucho más amplio. En contravía de como históricamente se ha manejado pretendiendo trivializarlo y simplificarlo, las artes no han sido ajenas a las exclusiones de las mujeres, desde todos los puntos de vista, producto de las sociedades patriarcales que fundaron a Occidente; sólo en los últimos tiempos se han dado acciones y movimientos de reivindicación que han podido salir a flote después de siglos de resistencia. Coherentes con estos vientos de cambio, El Gesto Noble en 2019, incita a reflexionar y debatir este asunto desde la cultura y el teatro, a través del énfasis temático que propone para sus espacios de encuentro, resumido en Mujeres Creadoras y Teatro por el creciente protagonismo de féminas artistas en el municipio y el país y que se ilustrará con la presencia de destacadas mujeres creadoras colombianas y una invitada internacional, aportando desde el Festival a esta lucha necesaria y urgente. Aunque este espacio de análisis se abre diariamente entre el festejo, el sábado 20 de julio a las 2:00 p.m. en las instalaciones del Instituto de Cultura El Carmen de Viboral será el panel principal, donde conversarán Patricia Ariza Flórez - poetisa, actriz, dramaturga y directora del Teatro La Candelaria de Bogotá, activista social y directora de la Corporación Colombiana de Teatro, del Festival Alternativo de Teatro y del Festival “Mujeres en Escena”-, Carolina Vivas Ferreira - dramaturga, actriz y directora de Umbral Teatro de Bogotá, docente de la Academia Superior de Artes de Bogotá, actualmente se desempeña como directora del Taller Metropolitano de Dramaturgia y Localidarte (Escuela Artística Barrio) -, Mónica Camacho Rodríguez - fundadora del Teatro Tecal, actriz, dramaturga, directora y gestora cultural que ha tenido reconocimientos como “Mujer del año” por la Universidad Santo Tomás, galardonada por el Congreso de la República, el Ministerio de Cultura y el Concejo de Bogotá –, Vivian Martínez Tabares - ensayista, crítica teatral, directora del área de teatro de la Casa de las Américas en La Habana Cuba, directora de la revista Conjunto especializada en teatro y directora del Festival Mayo Teatral en Cuba – y Victoria
Margarita Sánchez, expositora de “Hacia la construcción de Grito de Mujer”.
Valencia - actriz, dramaturga y directora de Teatro La Mosca Negra de Medellín y que ha sido publicada, entre otros, en la Revista Conjunto, Casa de Las Américas, Revista Tramoya, Revista A TEATRO y en la Antología de Teatro Latinoamericano 1950 – 2007 del Instituto Nacional de Teatro de Buenos Aires - Argentina. La imagen viene de corazón de mujer El proceso de creación de la imagen del Festival, para este año, fue acompañado por la artista Cristina López quien sugirió retomar una pintura de Viviana Serna, una artista visual que lleva varios años habitando El Carmen de Viboral. La obra utilizada en el afiche y las piezas gráficas derivadas es una parte del original, en formato circular, realizado en acrílico sobre MDF en el año 2014 con un diámetro de 20 cm. De la serie “Quisiera que mi casa
nadara en rosas”. La imagen representa al personaje literario Molly Bloom, de la novela Ulysses de James Joyce, personificada por la artista Evelin Velásquez. El círculo, las flores, la manzana y el gesto hacen parte del simbolismo y esplendor que la artista enuncia en la obra. Esta pintura pasó por un proceso de fragmentación, conservando sus texturas y colores originales para convertirse en la presencia del Festival. La fuerza de esta representación radica en el reconocimiento de los deseos femeninos y en la evidente potencia que tiene la acción de la protagonista: la manzana, como símbolo del pecado y de la mujer como primera pecadora e incitadora del hombre, cambia de significado para convertirse en la libertadora de la conciencia y ama de su libre albedrío, entendiendo que, gracias a este acto de desobediencia, surge la razón humana y la auto determinación, que también es evidente en las acciones ‘transgresoras’ del personaje de Joyce. Un personaje como Molly Bloom, tan dramáticamente humano y al mismo tiempo poético, irreal y dulce, trae a todas las mujeres amadas y des amadas, que son o han sido cercanas a Viviana Serna. Esta obra rescata la manera particular, vinculada a las propias vivencias y búsquedas, que tiene su creadora y que deja presente la libertad, el deseo, la capacidad de hacer y transformar, así como la vitalidad que se imprime en la creación – de la obra y de su expresión -. La artista Viviana Serna estará firmando los afiches del Festival, que contienen su obra, el sábado 20 de julio de 5:00 p.m. a 6:00 p.m. en la Sala de Lectura José Manuel Arango del Instituto de Cultura.
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Invitados internacionales
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onfluyen en esta edición tres agrupaciones emblemáticas del continente Latinoamericano. Junto a La Candelaria, que actúa como en casa, se suben al escenario del Teatro Tespys el grupo Malayerba, de Ecuador, y el Teatro de Los Andes, de Bolivia, que llega por primera vez a la fiesta carmelitana. Su sello de identidad: la creación colectiva y sus maneras de decir sobre las tablas un continente, sus realidades e imaginarios. A estos grandes de la región latinoamericana se suman agrupaciones de no menos calado, como Espada de Madera, de Ecuador, y Kika, de Argentina, que traen espectáculos con las más depuradas técnicas de muñecos y títeres.
UN BUEN MORIR
Teatro de Los Andes, Bolivia
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na pareja de actores comparte su último desayuno antes del amanecer: un desayuno surreal, cargado de olores y recuerdos del pasado. Él está muerto y ella tiene poco tiempo para cumplir un pacto del cual no puede dar marcha atrás. La ficción se vuelve casi un policial y la poesía de los textos genera una tensión que pone la obra en un lugar metafórico. Un Buen Morir aborda el íntimo mundo de las relaciones de pareja que siguen juntas hasta la edad madura, reflejando un universo íntimo en el que navegan y naufragan las palabras y las imágenes, a veces luminosas y a veces oscuras. Con la dirección del chileno Elías Cohen, y texto del poeta, Alex Aillón Valverde, el ya mítico Teatro de Los Andes se entrega a una exploración humana del amor, la muerte, los
encuentros y los desencuentros de una pareja de actores. Con mucho de testimonial. Un buen morir se aleja de los grandes formatos a los que tiene acostumbrado al público de este elenco (Hamlet de Los Andes y MAR) para sumergirnos en un universo íntimo en el que navegan y naufragan las palabras y las imágenes que van desplegando sus velas, a veces luminosas y a veces oscuras, a lo largo de esta puesta en escena. El Teatro de Los Andes nació en Bolivia en 1991. Su sede está en la localidad de Yotala, cerca a la ciudad de Sucre, en una pequeña hacienda dónde prepara y presenta sus espectáculos, realiza encuentros y talleres sobre teatro, y hospeda otros artistas y grupos teatrales. Su trabajo está caracterizado fundamentalmente por la creación colectiva. Todos, director y actores, aportan en la creación en diferentes disciplinas; desde
los elementos de la puesta en escena, hasta la propuesta musical, escenográfica y dramatúrgica. En sus espectáculos busca reflexionar sobre el espacio escénico, sobre el arte del actor y la necesidad de contar historias, de recordar, de retomar
la propia esencia, construyendo un puente entre la técnica teatral y las fuentes culturales andinas, utilizando el encuentro, el contacto y el diálogo como elementos imprescindibles.
EL BICHO
Espada de Madera, Ecuador
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l Bicho es un proyecto de exploración, experimentación y puesta en escena de una obra dramática que parte de la investigación realizada por la Fundación El Retablillo Espada de Madera, con base en estudios de varios autores cómo Darío Fo, Alfred Jarry, Noah Grodon, Walter Moers, cuyos escritos nos ubican en el entorno político social de la Edad Media y la relación de poder entre la clase dominante y el pueblo; temas que, al ser atravesados por el contexto actual y por una mirada mágica del mundo, dan origen a una dramaturgia con impronta propia. El Bicho es un ser extraño, oscuro alquimista, mercachifle creador de pócimas mágicas y raros artefactos de locomoción que le permiten alcanzar lo que natura le negó: la posibilidad de movilizarse. Va de plaza en plaza en un carromato que él mismo construyó, en cuyos rincones habitan seres fantásticos y se desatan situaciones que nos dejan ver los tormentos, pasiones y deseos de un ser humano cuyo entorno lo ha excluido, signándolo a vagar y a repetir su historia una y otra vez, porque sólo así el poder puede perpetuarse. “El Bicho” enamora a la muerte, eterna amante que va con él a todas partes, su cómplice, su más fiel compañera; alberga murcie-largos, elimina al “Ciergo”, enjaula a “Cronciencia” y todo tras el velo suave de una música de feria. El carromato como el mundo, continúa girando,
los espejos que lo adornan nos devuelven distorsionadas imágenes casi entomológicas. Espada de Madera es una organización que en 1989 reunió a un grupo de profesionales del arte, con el objetivo de crear un espacio experimental de investigación y práctica escénica dónde desarrollar una actividad artística social. Desde entonces ha buscado despertar la capacidad de reflexión del público y, a partir de esta búsqueda, ha estudiado e integrado las más variadas técnicas escénicas: el teatro de actor, el teatro de objetos, de títeres, sombras, música, teatro negro, etc., para ir encontrando, poco a poco, un lenguaje propio, una estética y una identidad particular, una autentica forma de crear ilusiones, de contar historias de nuestro pueblo y del ser humano, enriquecida con la experiencia de nuestro continuo caminar por varios países de Latinoamérica y Europa. En la actualidad mantiene varios proyectos de capacitación y difusión empleando alternativas innovadoras a través de programaciones artísticas y talleres. Así por ejemplo mantiene un proyecto de difusión y desarrollo artístico en su sede EL TEATRO DEL PUEBLO ubicada en Quito en el poblado de Zámbiza, que se ha convertido en un espacio cultural que brinda alternativas artísticas a través de la programación de espectáculos y talleres.
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HILARIO Y OTROTORO
Dramas de papel que llegan desde Argentina
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IKA Producciones, un espacio de formación, producción y realización de espectáculos, creado en la ciudad de Río Cuarto (Argentina) en 2001, trae al festival carmelitano dos de sus espectáculos más aclamados por el público: Hilario y Otrotoro. Hilario tiene un don que pocas personas tienen: él ríe solo, y su risa contagia. Esa risa es tan, pero tan contagiosa, que cuando un vecino se enferma o entristece pasa por el rancho de Hilario para descoserse de risa, olvidar sus penas y curarse. Pero es un verdadero misterio de donde proviene el poder de sus carcajadas: algunos dicen que Hilario es tan anciano que cuando él nació la gente dibujaba en los muros de los cerros y no hablaba nuestra lengua, pero reía irresistiblemente, y a él se le pegó la maña. Otros dicen que una vez, cuando la luna se ahogaba en el pozo, unos monos carayá la salvaron y de la alegría que tenían armaron flor de fiesta cuartetera en la que Hilario bailó toda la noche riendo como mono. Pero en realidad, el verdadero secreto de esa risa sólo lo conocen María y Mayra, y lo guardan celosamente en el reino imposible del Kamishibai, donde hasta los ruidos se dibujan. Participan en el espectáculo dos actrices/relatoras que interpretan la palabra de autores argentinos de literatura
infanto-juvenil, retomando la poesía de Atahualpa Yupanqui a la vez que proponen un recorrido por Cerro Colorado (Provincia de Córdoba), sus pinturas rupestres, su fauna y su flora. La música también está dentro de los lenguajes artísticos que “Hilario” reúne favoreciendo la alfabetización estética del público, con instrumentos étnicos y típicos regionales, además de los que utilizan los niños en el aula. “Otrotoro, un mito de papel”, la segunda obra que se podrá ver en el festival, está inspirada en los textos “La casa de Asterión”, de Jorge Luis Borges, y “Los reyes” de Julio Cortázar. Sin ponerse de acuerdo ambos escritores nos proponen una versión del Mito del Minotauro distinta a la que solemos tener. El arquetipo del hombre con cabeza de toro, visita las mentes de estos grandes narradores, se asoma dos veces desde el fondo del inconsciente colectivo para reivindicar su figura. Los dos montajes conjugan la técnica de kamishibai, música en vivo y títeres. Literalmente Kamishibai significa “drama de papel” y es una forma de contar historias apoyada en vistosas laminas ilustradas desplegadas dentro de un pequeño escenario de madera. Esta técnica originada en los templos budistas de Japón en el siglo XII con el
fin de transmitir enseñanzas, se revitalizó entre los años 1920 y 1940 tomada por artistas callejeros, convirtiéndose en tiempos de postguerra y depresión económica, en un medio de sustento para los desempleados. La llegada de la televisión a mitad del siglo 20 suplantó en gran medida la tradición, recobrando
vigencia en la actualidad en las bibliotecas japonesas y escuelas. Por su peculiaridad, esta manera de contar se constituye en una valiosa herramienta para educar a través del arte trabajando diversas temáticas sin necesitar grandes requerimientos técnicos ni espaciales.
INSTRUCCIONES PARA ABRAZAR EL AIRE
Malayerba, Ecuador
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ieza escrita, dirigida y actuada por Arístides Vargas, quien junto a su esposa, Charo Francés, le dan vida a una historia que empieza en La Plata, Argentina, el 24 de noviembre de 1976, cuando un grupo de militares irrumpió en la casa de los Mariani. Chicha y su esposo Enrique fueron testigos de cómo los militares se llevaron a su hijo Daniel, con su nuera Diana y su nieta Clara Anahí, de tres meses de edad. Daniel y Diana aparecieron muertos. De la pequeña Clara nada se supo. En la casa de la Calle 30, un lugar histórico de esa ciudad argentina, la pareja de esposos trata de sobrevivir a la ausencia de la nieta. La obra nos cuenta la reconstrucción de estos hechos, pero no es una reconstrucción al pie de la letra. Esto da lugar a que la obra pueda verse sin sus referentes históricos; un documento ficcional le llama Aristides Vargas, dramaturgo, director y actor de Malayerba. La obra comienza con dos ancianos que se preguntan por una niña perdida en
el tiempo; en el transcurrir de las escenas nos daremos cuenta que se trata de su nieta robada en la casa de la calle 30, La Plata. En esta casa hay dos cocineros que preparan conejos al escabeche, su lucidez está a la altura del caos que
organizan para llevar adelante su actividad. Permanentemente hacen referencia a la niña que juega en el patio de la casa, es más, ellos parecieran haber salido de la imaginación de una niña. Frente a la casa hay dos vecinos
temerosos y llenos de prejucios respecto a las actividades de los cocineros, ellos también ven a la niña que juega. La sensación es que las tres escenas se suceden en temporalidades diferentes, pero poco a poco se van integrando en un tiempo y un espacio común: la casa de la calle 30. En las últimas escenas se desata en la casa una violencia inusitada que viene desde el exterior, en medio de la violencia la niña es robada y matan a los cocineros. Los seis personajes comparten el mismo espacio y la misma historia pero no se escuchan y algunos no ven a los otros, lo que hace que no puedan modificar la situación para mitigar el profundo dolor que les causa lo vivido en aquella casa. Cada uno encarnará su rol; algunos con grandeza, como la abuela, lo que les dará un aire trágico, otros con culpabilidad, como los vecinos, que despertará en ellos una enfermiza necesidad de olvidar.
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El GESTO
DE LA
Cuentos de todos los tiempos. Cuentería de Pereira.
Diario de una payasa
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iario de una payasa es un espectáculo en el estilo Clown, en el cual cinco payasas nos cuentan como intentan lidiar con la vida, sus éxitos y fracasos cotidianos. A través de sus pequeños diarios nos develan su realidad y nos llevan por diferentes situaciones de una forma divertida, nos invitan a compartir sus mundos en un constante juego como protagonistas de sus propias aventuras. El clown, ese ser profundamente humano, buscará la aprobación del público por medio de un contacto directo, derrumbando la cuarta pared para ponerse junto con el espectador en el aquí y el ahora. En sus diarios, y posteriormente en el espectáculo, veremos temas como el amor, la soledad, la complicidad, el apoyo, los recuerdos, etc.
Abanderado. Carnaval de Negros y Blancos
Narración oral Cuentos de todos los tiempos
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a narración oral es una de las prácticas de conversación más antiguas de la humanidad. Desde siempre en los hogares las personas se han reunido en las salas o corredores de sus casas y fincas a compartir una historia al final de las largas jornadas de trabajo, del mismo modo una de las actividades que más se realiza al momento de socializar en todos los momentos de la vida; es contar historias como una manera de narrarnos socialmente ante los demás. Ante todo somos una cultura de la oralidad, esta condición se quiere aprovechar en el desarrollo de esta sesión de cuentería en la que los espectadores de todas las edades pueda participar. Los cuentos estarán acompañados de música en vivo con instrumentos de percusión, cuerdas y viento, las historias van desde la literatura colombiana, latinoamericana, hasta la universal además de historias tradicionales pertenecientes a la tradición popular de nuestros pueblos para lograr que el texto cobre vida ante los sentidos del espectador, entendiendo la lectura como una experiencia viva y no como el simple acto de descifrar
códigos impresos en el papel, algunos de los cuentos se dejaran a mitad de camino, buscando que los asistentes lo terminen. El espectáculo conjuga la narración oral y la música a través de distintos personajes que son vehículos para viajar con el espectador a cada uno de los lugares en los que se narran las historias. De esta forma podemos estar en las montañas de los andes suramericanos acompañados por el sonido de un charango, perdidos entre un matorral en la región antioqueña caminando al sonido de una guitarra o acompañando a una madre solitaria que llora a su hijo perdido entre luchas estudiantiles. Además de generar estos ambientes, los cuentos se construyen en la mente del espectador, gracias a los objetos y movimientos escénicos que hacen de la sala de teatro un lugar para volar a través de las historias. Narradores: Daniel Alejandro Vergara León - William Fernando Ortiz Pérez Composición e interpretación musical: William Fernando Ortiz Pérez
Sherlock Holmes
Los músicos
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l parque principal Simón Bolívar, las céntricas calles se colmarán de teatro, danza, música, muñecos, clowns y narradores orales durante la semana del festival. Espectáculos para disfrutar en familia y adentrarse en historias plenas de imaginación.
Pantolocos, Medellín
sta vez, tendremos el jocoso placer de disfrutar del repentino y disparatado mundo de la fiesta en el interior de un divertido juego que no dará pie alguno a la seriedad. “Los músicos” reúnen algunos de los juegos más representativos del arte del payaso clásico, en una de sus facetas más emblemáticas en lasque la música, resultó siendo devorada por la festiva libertad del payaso relativizando su cotidiana seriedad oficial.
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Teatro El Trueque, Medellín
a musicalidad de los diálogos entre Watson y su amigo Sherlock Holmes, en el Rubí de la Condesa, adaptación del cuento El Carbunclo Azul de Arthur Conan Doyle, hacen que el análisis sea fácil de seguir por los pequeños espectadores atentos a las rimas de las preguntas y respuestas. Descubrirán con nuestro héroe quien se ha robado el rubí de la condesa. Una puesta en escena ágil y divertida donde el intrépido Sherlock Holmes y el atento Watson emprendieron otra aventura más, para dar con el paradero del verdadero culpable y así librar el nombre de un hombre honrado, que por la ambición de otros dos más, estuvo a punto de ser juzgado.
CALLE
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La familia Pantalocos. Los músicos.
El Beso Colibrí
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El Katire. Encantacuentos.
De profesión todero
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l Katire Encantacuentos, Luis Fernando Aguilar, presenta este montaje que se realizó para exaltar la habilidad de muchos desplazados por la violencia de diferentes partes del país, que llegan a las grandes urbes para ganarse la vida haciendo de todo un poco y con mucha versatilidad y un poco de humor, resolver las necesidades del día a día. Esta producción se desarrolla mediante la narración oral unipersonal, con el acompañamiento de la música y la danza mientas canta sus travesuras. La técnica narrativa será desarrollada por un personaje narrador llanero, quien encarna la vida de este desplazado por la guerra
desde las lejanas tierras del Guaviari y el Vichada. El personaje usará las expresiones de la región para dar ejemplos e ilustrar su discurso, así como las canciones campesinas en las que habla de lo que le gusta, de lo que conoce y añora. Este montaje tiene una hora de duración entre cuentos, dichos regionales, giros locales, canciones, un dejo característico y a pesar del origen de su presencia en las grandes ciudades, vive con alegría y humor su cotidianidad. Su indumentaria campesina constará de un sombrero pelo’e guama, un pantalón, una camisa, unas cotizas de cuero de vaca.
El mester de Juglería
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Arlequín y los juglares
l verso improvisado es una alternativa para comunicar de manera creativa y concisa nuestros pensamientos y los de otros y otras, coincidiendo en un espacio de tiempo físico y de intereses comunes. “El mester de Juglaría” gira alrededor de un juglar que haciendo uso de sus capacidades investigativas y de escucha, toma atenta nota de los argumentos haceres y decires en un evento determinado y al final utilizando las distintas modalidades y métricas del verso improvisado (La décima, la octavilla, la trova cuadrada, el romance, etc.) Socializa una relatoría, o narrativa de lo sucedido optimizando las palabras y sentimientos. Interprete: El Maestro Juglar Oscar Manuel Zuluaga Uribe
Teatro Danza Pies del sol
ste es un ritual, es un gesto, aquí estamos reunidos para no olvidar. esta acción la hacemos para tratar de ordenar el mundo, para intentar tomar el mundo de nuestros primeros orígenes. Para que los niños y jóvenes sepan de donde vine la gente, como apareció el alimento, como aparecen las palabras, el grito, las herramientas de sembrar la yuca, la risa, el cuerpo limpio y la vida y todo lo que hace que el mundo sea así, y no de otro modo. Escucha el canto que hace el quindecolibrí, entra a la fiesta, sintamos el beso, agarrara el machete y corta la yuca y pélala, toca el instrumento, libera tu enseñanza, deja que cante tu historia, hurguemos nuestras entrañas extrañas. dejemos que vuelen nuestro pensamiento propio con el beso quinde de los andes. La realidad esencial del quinde-colibrí, en los territorios andinos, es proceder como zarcillos en forma de chupaflor, en el acto de hundir su pico en los cálices de las flores, el quinde-colibrí con su acción seduce a lo fálico; asociado a esta propuesta con la parafernalia, el
cuerpo, el grito, él lagrimar y movimientos sonoros, con su vuelo guerrero, valiente, fuerte y delicado, su ala de plumajes se cubre de colores fuertes de plata con la luz del inti sol. De generación en generación, en los pueblos andinos del sur de Colombia, el quinde-colibrí en el cenit del día es el beso, con sentido, forma, maneras; en la frente, mejilla, cabeza, labios, lengua, tradicionalmente y a la hora del croac de la rana, en el obligo, planta de los pies, columna, centro de la cabeza, como practica mística, religiosa, política de la medicina tradicional para curar el espanto con los besos curadores.
Los Locos de Valencia Farzantes Teatro, El Carmen del Viboral
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os Locos de Valencia es una pieza teatral del autor español Lope de Vega, enmarcada dentro de la comedia clásica del Siglo de Oro Español (XVII); fue publicada en 1604. Floriano cree que ha matado al príncipe Reynero y sale huyendo de Zaragoza hasta llegar a Valencia, donde se hace pasar por loco para entrar al hospital de locos y no ser encontrado. Elvira, creyéndola loca, la encierran en el mismo hospital. Ambos se enamoran, pero ante la confusión de si es por la locura o por el amor que están fuera de sí, se vislumbra unas de las ideas más remotas sobre el amor: “Es un estado de Locura”. Este espectáculo ha traspasado las fronteras carmelitanas y ha llegado a festivales como el Internacional de Teatro para la Infancia y la Juventud Guaguas de Maíz Quito (Ecuador, 2018) y el Encuentro Internacional de Teatro Comunitario de Rio de Janeiro (Brasil, 2014)
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LA ESCENA NACIONAL Escuela de mujeres Dirección: Rodrigo Saldarriaga. Pequeño Teatro, Medellín
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l eterno fantasma de la deshonra por cuenta de la infidelidad y la inútil pretensión para librarse de la predestinación de ser cornudo Arnolfo, obsesionado con la infidelidad de las mujeres cree que la mejor manera de evitar que le pongan los cuernos es instruir y enamorar a una jovencita que ha sido criada en un convento en la completa ignorancia. Mientras Arnolfo instruye a Inés, esta ya se ha conocido con Horacio, un joven que la ha dejado impresionada con su galantería y quien además es amigo de Arnolfo. Horacio, ajeno a los intereses de su amigo, le pide que lo aconseje sobre la joven que acaba de conocer pero Arnolfo intentará hasta lo imposible por evitar la unión de los dos jóvenes. Finalmente, esta comedia de enredos solo se resolverá cuando llegue Orontes, el padre de Horacio, quien quiere casar a su hijo con Inés, la hija de su amigo Enrique. carro y montar a caballo. Es una historia con jóvenes sin historia, como tantos otros jóvenes burgueses, que pasan los días en el aburrimiento de asistir a clases, ir a fiestas o a fVoten por mi.
Inmigrantes Teatro, Rionegro
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sta comedia costumbrista antioqueña, escrita y dirigida por Ferney Giraldo, es un montaje con un tinte Político, una crítica social hacia la parafernalia de las campañas políticas y las votaciones. En ella se cuenta la Historia de Jacinto Y Emilio, dos paisas cansados de la politiquería, la corrupción y las promesas incumplibles de los políticos en campaña, por lo que deciden en plenas vísperas de elecciones crear su propio partido y
lanzar su candidatura a la Alcaldía de un pueblo ficticio. Pero muy Antioqueño, Jacinto, el candidato y Emilio su Director de Campaña, convencen a sus familias de apoyarlos en esta aventura en donde pretenden, con una pintoresca y divertida campaña política, enfrentar a la fuerte maquinaria de su competencia y soñar con la utopía de llegar a la Alcaldía para mejorar las condiciones de su pueblo.
El Monte Calvo Clepsidra teatro, El Carmen de Viboral
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l Monte Calvo es una obra clásica de la dramaturgia colombiana, escrita por Jairo Anibal Niño y revisitada ahora por el grupo carmelitano Teatro Clepsidra. Es la historia de dos personajes, Sebastián, un antiguo combatiente de la Guerra de Corea, y Canuto, un ex payaso, que comparten su vida como habitantes de la calle. Soportando el hambre y el frío, los diálogos de Canuto y Sebastián nos dejan comprender como en la guerra, cualquier guerra, los perdedores siempre son los mismos, los de abajo, que se ponen como carne de cañón para defender ideales abstractos como la patria, la civilización o el honor. Y es Canuto, con su simplicidad y sentido común, el que nos muestra el sinsentido de todo esto, al que se le opone la alegría del circo. Sin embargo, el final es trágico, pues entra en escena el coronel, otro excombatiente que sufre de sicosis, y que va a mostrar como las secuelas de la guerra marcan a una sociedad profundamente.
Las Gerberas Corporación Cultural Nuestra Gente Creación Colectiva
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as Gerberas es la excusa que tenemos como grupo para hablar de esta violencia inconmensurable
que habita las calles de la ciudad y que flota en bolsas de plástico por el río que atraviesa el Valle. La poesía se entrelaza con canciones populares que nos van ubicando en una geografía conocida, espacios cotidianos que estos personajes habitan desde las profundidades de la muerte, recobrando objetos- memoria- memoría... Ese es el viaje, el final, la existencia completa, iluminada, tres personajes videntes lo sacrifican todo por la verdad. Un montaje hecho con marionetas no tradicionales que busca que sean a escala humana, donde el cuerpo de la marioneta se funde con el del actor generando una hibridación muñeco-animador.
La Bailarina Sonámbula Teatro Tespys Autor: José Manuel Arango
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ay un texto de José Lezama Lima en el que aparece una bailarina sonámbula. La frase, como es frecuente en el escritor cubano, nos sorprende como destello verbal, como súbito. La bailarina no es asunto de una narración ni motivo de un poema. Es una imagen que cruza entre una sucesión de imágenes, un miembro singular en una enumeración de prodigios. Y, no obstante, resume y cifra la poética de Lezama. La poesía debe ser un baile. El ritmo, la música le son consustanciales. Si la prosa corresponde al caminar llano, la poesía corresponde a la danza. Debe pues empinarse, alzarse un tanto del suelo, levantarse sobre la prosa de la vida ordinaria como la bailarina se pone en puntas de pies. Pero no es un vuelo. La bailarina no vuela. Es casi como si fuera a volar, a despegarse del suelo, pero el gesto es a medias irónico, no trata de engañar, no sugiere ninguna elevación fingida. Así como el baile nace de la marcha, es como un andar tocado por la música y regulado por el ritmo, así la poesía debiera nacer de la vida común, de sus situaciones y experiencias.
Lámina y pintura Teatro El Paso, Pereira Dramaturgia y dirección: César Castaño
Las Gerberas. Corporación Cultural Nuestra Gente.
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a Pángara y el Alvino, latoneros de profesión y borrachos por convicción, trazan su aventura, y su rumbo es ningún sitio, solo la ausencia de sí mismos los guía en una urbe que
Lámina y Pintura. Teatro El Paso.
condena y oculta con pintura el aberrante oxido que la consume. La Pangara, más conocido como Rodrigo Rojas, es un hombre aventurero, criado en el mundo de los carros. Todos los días se levanta a abrir un taller de latonería y pintura en el que se encuentra con su inseparable amigo Albino, del que nunca sabemos su nombre real. El taller es un lugar de encuentro, una nave mediante la cual estos dos personajes viajan a distintos mundos, conocen la aventura, buscan un mejor futuro, incluso navegan sus recuerdos, tiempos pasados que los detienen, los hacen pensar y deberán superar para lograr su principal objetivo: encontrar el progreso, ese progreso que seguirá siendo un remolino turbulento en el que estarán atrapados en medio de las situaciones propias de la cultura popular latinoamericana, haciendo que el espectador se vea reflejado en esas situaciones jocosas.
Camilo Teatro La Candelaria
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evisita el Festival “Camilo”, el montaje con el que el teatro La Candelaria celebró sus 50 años de existencia. La figura de Camilo nos propone, de un lado, el amor eficaz hacia los otros. Del otro, él mismo vivió la dificultad de ejercer el “apostolado” o la militancia como un derecho legal y un acto de justicia. Y, por último, la decisión fatal de Camilo de rebelarse contra el establecimiento y vincularse a la insurgencia en la que muere en su primer y último combate. La Candelaria no hace de esta obra un acto histórico-biográfico, ya que –lo tienen claro- ese no es precisamente el papel del arte y del teatro. El teatro está para suscitar sentimientos, emociones, evocaciones y mucho más.
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Ramiro Tejada, en fragmentos de memoria
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iempre tuvo el pasaje para recalar en el Gesto Noble y lo hizo en casi todas sus ediciones. Era un incondicional en el patio de butacas, como espectador y crítico, aunque a veces se subía al escenario para constatar su vigencia como actor. Pero a Ramiro Tejada no le alcanzó la vida para llegar a esta edición del Festival. Un puñado de amigos lo recuerda hoy en fragmentos de memoria. Mi amigo Ramiro Dicen que la voz se te ha oscurecido, que al final de la noche no te descuelgas la corbata de madera, que tienes la sonrisa aplacada por el silencio, que ya no irritas a los obtusos y que solo habitarás tu último personaje en la vida atemporal. ¿Qué saben, Ramiro? Todavía tengo la memoria. Quizás el mayor acto de amor es rebelarse ante las condiciones inquisidoras de la muerte y para eso llevo el recuerdo y la ficción: Así serás eterno. Todavía tengo la rebeldía que nace del arte y que tú nos enseñaste: sembrar, entre las fisuras de la vida, la sospecha y las florestas alucinadas que perviven en los creadores. Ese fue tu legado: cómo un hombre solo puede completarse entre las palabras y sus actos, en la intención de poblar el mundo con la poca o mucha poesía que la vida le ha dado, eso también lo aprendí de ti, Ramiro. (Julián Acosta Gómez). A Ramiro Tejada, al que siempre le faltó una teja ¿Por qué tanta prisa para largarte condenado Ramiro? ¿Y ahora a quién saludamos a lo lejos, después de oír tus gritos mi viejo? ¿Ya no te veremos con tu traje marroquí, tu corbata y tus cargaderas de madera? Y cuándo nos decías: “¡Vení acompañame a hacer una vueltica!” y
saludabas a todo el mundo y la caminada duraba toda la tarde, ¿Con quién vamos a pasear ahora? Yo no me imagino sin encontrarte en alguna curva y no acepto tu falta en el calor del teatro. Eso no te lo perdono. No podés faltarnos, mentiroso, porque nadie te remplaza. Se te agradece en el alma tu algarabía y la felicidad que nos transmitías, no vamos a poder librarnos de vos, bellaco, ¡payaso de la vida! Tú el oblicuo, el omnipresente, el que nunca se irá, el que siempre se quedó, no jodás, al menos dejate ver en nuestras juergas, impertinente, Never more como en el poema de Allan Poe, nunca más te encontraremos, nunca más dejaremos de extrañarte. (Ricardo Ospina Gallego). Sentados en la mesa, en la larga mesa, de la cocina, del bar, afuera el calcañar, una voz reverbera de sueños, ahí estás tú, Ramiro Tejada, en las mil y una noches, llegas, regresas en mí, como en la tierra de nadie, del sueño, y vas por el mundo. Hay un pálpito, un cristal, un silencio. La silla rota, carcajada siempre, la que nunca termina. ¿Estás ahí? Como la noche, como el rio, los dioses a esta hora cantan una canción premeditadamente tierna para ti, y el carriquí y la silga te cantan, circundan este valle. Ramiro, ya no verás desde tu leche cálida este amanecer. (Mauricio Zuluaga). ¿Que me dejó Ramiro Tejada? Desde que lo vi por primera vez, pensé: “¿Es de verdad o es de mentiras?”, porque era como un personaje que se había volado del teatro y no había podido regresar por haberse quedado bebiendo por ahí en el teatro de la realidad, se le acabó la licencia y quedó indocumentado; se quedó al modo de Don Quixote desfaciendo desamores y desafectos, persiguiendo Dulcineas de la realidad y de su imaginación Tobosiana. Me deja la imagen del niño vestido de anciano –pero sobre todo de niño- que expresaba sus afectos bellos y feos, sus incoherencias y sus lógicas. Tan lógicos los abogados, como los actores. (Argiro Estrada)
Foto Valentín Betancur
Las palabras no son suficientes para decir quién fue Ramiro en mi vida, porque es difícil describir a alguien como él. Ramiro fue un hombre que me regaló sonrisas y flores, amores, poemas y canciones. Nunca fue egoísta con su ser, pues siempre compartió su alegría y vitalidad. Dónde él estaba siempre había luz, colores, alegría, palabras, conversación y cariño. Su locura, su capacidad de asombro, su escucha, su complicidad, a veces medio papá, a veces pretendiente, coqueto y paternal. Paula Betancur Mesa
Sonrisa constante más allá de la muerte En el velorio de Ramiro Tejada, sobre las lágrimas y las conversaciones en voz baja, prevalecían las sonrisas. Fue un velorio extraño. En cada rincón de la antigua sede del Teatro El Trueque se producía un encuentro entre dos personas que hacía tiempo no se veían, se contaba una anécdota o se cantaba una canción. Pero todos de vez en cuando, al evocarlo, sonreían. A mí Ramiro me dejó la sonrisa. En vida, desde que, a lo lejos, escuchaba la bella algarabía de su llegada a algún festival de teatro o a algún concierto –parecía tener el don de la ubicuidad– mi ánimo adquiría una disposición alegre. Esperaba siempre su comentario agudo. Esperaba brindar con él y con sus muertos queridos, a quienes convidaba a la fiesta de los vivos derramando sobre el suelo un sorbo de ron. Siempre me sorprendía con un gesto generoso. Y no sé si valga otro homenaje que este: no dejar apagar nunca la sonrisa mientras él representa su papel, ya no de actor sino de personaje, en el teatro inmortal de la memoria. Andrés Álvarez Arboleda Cronopio No fue, ¡ES!, siempre está. contrincante amoroso. Tomemos las medidas que acotan las distancias. Un grito un abrazo con ganas unas flores y un chorizo y en diez líneas muchos tragos con tu vos. ¡¡¡RAMIRO TAJADA!!! Fredy Alzate Betancur
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Por la defensa del silencio Foto Mateo Rivas
Julián Acosta Gómez
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cupaban todo el escenario. Los cuerpos se acomodaban como una palabra que empieza a ser dicha pero que no se encuentra todavía. En un círculo cerrado, cada uno de los actores buscaba establecer un diálogo que no dependía de lo conjurado por sus labios. Era el cuerpo un artilugio para nombrar la poesía. El cuerpo. Juan Carlos Agudelo guiaba los movimientos a través del ritmo, su voz se traducía en atmósferas y tensiones que debían ser absorbidas por los cuerpos de los actores sobre las tablas. El ejercicio que realizaban se basaba en entender el cuerpo como una pieza de mármol de la cual florecería una obra escultórica: entonces el cuerpo debe alcanzar la elegancia de la piedra moldeada pero la ligereza de la elegancia. Debían traducir en leguaje corporal algunos sentimientos que provocaran la construcción de gramáticas corporales que los expresaran. Los sentimientos elegidos por el grupo fueron la ambición, la pasión, el deseo y la envidia. Entonces los cuerpos se retorcían sobre sí mismos como si fueran la materia deforme de una fragua. Luego adquirían dureza y las formas representadas eran un símbolo que decía el sentimiento asociado: eran los cuerpos-palabras, o mejor, los cuerpos que hablaban sin palabras porque el decir del silencio llama a los creadores para que despierten potencias expresivas más
antiguas —y quizás por eso más cercanas— que las palabras; ahí, en el cuerpo, en la manifestación primigenia de todo acto comunicativo. El lenguaje que Juan Carlos Agudelo intenta transmitir a los estudiantes tiene elementos asociados con los componentes de una sintaxis. Cuando los estudiantes articulaban las cuatro palabras, parecían conversar entre ellos: pueden sentirse los acentos, las pausas, los tiempos y las respiraciones de las frases compuestas. Pero también las figuras que se construyen y deforman parecen esculturas móviles y por eso mismo, soñadas. Era miércoles diecisiete de julio, observaba el taller central: La alquimia del gesto en el teatro físico. Segunda sesión. Una luz adormecida entraba por las rendijas de la puerta del teatro. Es una luz amable: se advierte, rumorosa, una nueva versión del Festival Internacional de Teatro El Gesto Noble. El Taller central comenzó el martes dieciséis de julio con diecinueve estudiantes a las diez de la mañana. El lenguaje que se desarrollaba en las sesiones ha sido denominado “teatro físico y gestual”, el cual tomó sus bases de los trabajos realizados por Marcel Marceau y Étienne Decroux, quienes hablan desde el teatro silente y las expresiones propias de la mimesis. Juan Carlos Agudelo, de la Casa del Silencio, es el encargado de dirigir el taller. Es un hombre Caleño que cayó en las fauces del teatro desde sus recuerdos más remotos. Fundó la Casa del Silencio
luego de formarse como mimo clásico y mimo corporal bajo la tutoría de Marcel Marceau en Francia. No obstante, la estética que ha encontrado toma distancia respetuosa de la figura del mimo para encontrar en el teatro físico y gestual su proyecto teatral. Agudelo, de cejas afiladas y palabras melifluas, no evita la emoción y la perplejidad al intentar definir lo que ha denominado como teatro físico y gestual, dice: “Es una forma de teatro que se puede hacer solo o en compañía, se va diseñando en el tiempo como una escritura que combina muchos elementos coreográficos, teatrales, plásticos… y permite que otros elementos lleguen a nutrirlos, como las músicas originales, que es una característica en la Casa del Silencio. Es la utilización de un silencio teatral diferente, el cuerpo está entrenado para una presencia corporal diferente, logra distanciarse del realismo y puede estilizar, puede ser onírico… así como un actor de texto aprende un texto, un actor físico aprende una partitura corporal, puede repetirla y precisarla. Hay una construcción que trata de no ser tan literal; en la misma contención del gesto y la corporalidad puede ser mucho más elocuente”. En los ojos de los asistentes se intuye el asombro del niño que se enfrenta a una mar crecida: sin miedo pero con desconcierto. La actitud del aprendizaje solo puede partir de esa misma sensación de orfandad. El conocimiento es la lucha constante contra el desarraigo, al final solo queda el silencio.
Alcalde Municipal: Néstor Fernando Zuluaga Giraldo Directora Instituto de Cultura: María Eugenia García Gómez Director Artístico FIT El Gesto Noble: Kamber Betancur R. Director Periódico El Gesto Noble: Wilson Escobar R. Comunicadoras Instituto de Cultura: Viviana Cardona González Laura Zuluaga Mejía Comité Organizador FIT El Gesto Noble.: Instituto de Cultura - Teatro Tespys Grupo de Apoyo: Escuela de Artes y Oficina de Turismo, Instituto de Cultura y CARMENTEA (Red Carmelitana de Teatro) Escriben en esta edición: Dacia Maraini, Andrés Alvarez Arboleda, Julián Acosta Gómez, Ricardo Ospina, Fredy Alzate Betancur, Argiro Estrada, Mauricio Zuluaga. Fotografías: Equipo Fotográfico del Instituto de Cultura.